Wszystko, co teatr ma do zaoferowania swoim widzom. Teatr na uboczu: Czy należy podążać za widzem? Jak może być sztuka bez aktorów?

CZĘŚĆ CZWARTA Teatr Michajłowski, Sankt Petersburg, Teatr Bolszoj, Moskwa, wrzesień 2007 SŁUCHANIE Już podczas mojej poprzedniej wizyty w Petersburgu na Konkursie na Wzory (patrz pierwsza część tej książki) dałem upust swojej ciekawości i poszedłem dalej rekonesans po Placu Sztuki,

„Spectator” Redakcja satyrycznego i humorystycznego magazynu „Spectator” znajdowała się na Tverskoy Boulevard w domu Falkovskaya, gdzieś na trzecim piętrze. Była też cynkografia V.V. Dawidow. W.W. Dawydow był zawsze rozmazany, zadymiony, wysoki i smukły, na niebiesko

Czy zastanawiałeś się kiedyś, czy teatr jest zainteresowany tym, aby przyszli do niego widzowie. Na pierwszy rzut oka wydaje się, że tak – w końcu bilety, jakieś pieniądze. Ale czasem będziesz szacować - a pieniądze to nie to samo, żeby o nie walczyć, a byłoby łatwiej, gdyby nikt nie przyszedł. Może się to objawiać na różne sposoby. Gdzieś po prostu zapytają: „Jak chcesz iść na ten spektakl?!” (zdarza się to dość często), gdzieś reżim i zwyczaje kasy biletowej nie pozwalają nie tylko coś zaplanować z wyprzedzeniem, ale generalnie dążyć do tego, żeby się tam dostać.

W niektórych, w większości starych i zasłużonych teatrach, kasjer wciąż jest przekonany, że nie ma nikogo ważniejszego od niego. Być może tak jest. Na przykład ostatnio była taka scena (Teatr Mossovet). Kobieta stojąca w kolejce zwraca się do kasjera: „Jestem z Siergiewa Posada, wczoraj dzwoniłam do twojego administratora, zamówiłam 40 biletów na występ w straganach. Kazał przyjść dzisiaj”. A kasjer odpowiedział jej: "Dlaczego zadzwoniłeś do administratora? Musisz zadzwonić do kasjera. Nie mam tak wielu biletów, rób, co chcesz." Wtedy też powiedzieli mi: „Przyjdź jutro, dziś już skończyły się bilety na ten spektakl” (występ był dziesięć dni później). I nie ma co mówić – testowane od lat.

W innym szanowanym teatrze - Sovremennik - dwukrotnie w ciągu ostatnich trzech miesięcy - ten sam obraz. Godzina 18.30, wydaje się, że są bilety (a może nie - nie można ustalić), ktoś dzwoni do kasjera przez telefon (lub dzwoni), rozmowa trwa około dziesięciu minut, podczas gdy nikt oczywiście nie jest serwowane. Ktoś nieśmiało pyta: „Czy to było dawno temu?” - nie ma nic do odpowiedzi.

Osobną historią jest przedsprzedaż biletów. Ile biletów trafi do kasy, gdzie reszta zostanie sprzedana, jest tajemnicą. Jak kupić dobre bilety do niektórych teatrów, w ogóle nie wiadomo. Być może jest to rodzaj biznesu – zarówno dla teatru, jak i dla kogoś innego. I niekoniecznie są to teatry, w których sale są przepełnione. Kolejna scena. W pierwszym dniu przedsprzedaży mężczyzna podchodzi do kasy i odkrywa, że ​​nie ma biletów na to, co chciał zobaczyć. Zaskoczony. Od razu kobieta w kasie oferuje mu bilety w nieco innej cenie. Ku swojemu zdziwieniu odpowiada: „Czego chcesz? Sobota jest dla kultowych dilerów. Przychodzą i kupują bilety na żądanie”. Chciałem dodać - a potem aktywnie oferują "na każdym rogu". Ale wydaje się, że jest to korzystne dla wszystkich – także dla teatru.

W Teatrze Majakowskim w przedsprzedaży - tylko najdroższe bilety. Po „coś prostszego” trzeba przyjść przed występem.

Oczywiście nie dotyczy to wszystkich teatrów. Nie dotyczy to Moskiewskiego Teatru Artystycznego Czechowa, Teatru Młodzieży, Teatru O. Tabakowa. Może nie ma biletów przed koncertem (i to dobrze!), ale z wyprzedzeniem - nie ma problemu.

A w samych teatrach publiczność jest traktowana inaczej. Zwykle jest bardzo miło, gdy około pół godziny po starcie spóźnialscy są prowadzeni na swoje miejsca na środku hali. A zbiorowe wyjazdy dzieci na przedstawienia nie-dziecięce – można o tym zapomnieć. Cóż, zwłaszcza w mróz lub deszcz, kiedy wpuszczają do teatru 10 minut przed startem. Bardzo cieszy, gdy bufet sprzedaje popcorn – na początku każdej akcji publiczność ma coś do zrobienia. Tak, niewiele więcej.

Nie chcę, tak, oczywiście, i nie ma sensu marudzić. Jest wybór: jeśli nie chcesz iść do tego teatru, nie idź. A ty nie idziesz.

Widz to nie smak, widz to przeżycie

Doświadczenie widza możliwe w teatrze nie sprowadza się do doświadczenia konsumpcji innych mas. produkty medialne. Mówiąc o widowni teatralnej, ostatnią rzeczą do zrobienia jest odwołanie się do pojęcia gustu masowego, skorelowanie spektaklu teatralnego z tą anonimową instancją.

W teatrze, w którym możliwa jest „empatia”, czyli fizyczna współobecność jednocześnie z fantazją, rozgrywającą się fikcyjną rzeczywistością (dość banalne i znane już rozgraniczenie teatru od innych zbiorowych odsłon), widz zyskuje okazja do prób różne role społeczne widz jest w różne losowe społeczności, widz doświadcza różne emocje życia zbiorowego. To doświadczenie jako całość nie powtarza się na innych widokach. Być może właśnie to sprawia, że ​​teatr nie znika.

Struktura wewnętrzna teatru jako model społeczeństwa”

Historia teatru oferuje różne formy organizacji przestrzeni teatralnej, co wiąże się z realizacją w widzu przeżyć nie dających się zredukować do codzienności. Każda forma teatru zwraca uwagę na jakość uwagi czy działania społecznego, która jest ważna dla danej struktury społecznej.

Najbardziej ogólna wiedza teoretyczna dotycząca widza w układzie masowym. media proponują nam twierdzenie, że widz bezkrytycznie dostrzega konwencje rzeczywistości oferowane mu przez kanały przekazu informacji, w przeciwieństwie np. do konwencji literackich (literatura niegatunkowa) rzeczywistości czy sztuki niemasowej, gdzie są one głęboko wbrew codziennemu doświadczeniu widza/czytelnika. Szok dysproporcji uruchamia mechanizm percepcji konkretnego tekstu, skłania widza/czytelnika do przemyślenia konwencji własnego postrzegania rzeczywistości, granic swojego realnego świata.

Analogicznie do percepcji literatury i sztuki można powiedzieć, że różne formy teatru uruchamiają w widzu, w uczestniku szczególną emocję i szczególną rolę, której nie można sprowadzić do codziennego doświadczenia.

W historii teatru oraz w topografii form teatralnych, które dziś istnieją, można wyróżnić różne konstrukcje antropologiczne widza. Kultura XX wieku jest wyjątkowa pod tym względem, że może jednocześnie uprawiać różne systemy teatralne.

A to oznacza, że ​​w rzeczywistości widz ma możliwość połączenia swoich uczuć, wypróbowania różnych ról społecznych. Festiwale czy życie teatralnych miast mogą zaoferować widzowi jednocześnie sześć lub siedem koncepcji społecznego przeżycia fantastycznej teatralnej rzeczywistości, podanej w fizycznej współobecności z nim.

Oto przybliżony opis przestrzeni teatralnych, które są jednocześnie obecne w dużym europejskim mieście. Podkreślę tylko trendy, elementy tych teatralnych przestrzeni można połączyć w jednym spektaklu. Ważne jest, aby zrozumieć ich pochodzenie i rolę odbiorców, jaką generują.

Aranżacja teatru Szekspira zakłada doświadczenie wyjścia do teatru blisko zabawy przy stole, do rekreacji zwykłych ludzi. Takie doświadczenie odwołuje się do gwałtownego, niepohamowanego, emocjonalnego życia.

Teatralne formy nowego czasu (opera, potem operetka), z koncepcją lustra scenicznego, gdzie konflikty społeczne są redukowane lub udramatyzowane na scenie, gdzie akcja skierowana jest do osoby, która potrafi nie bawić się i robić figle , ale uznać się za część złożonego społeczeństwa i skorelować swoje konflikty z wersją sceniczną. Zresztą w takim teatralnym układzie ważny staje się nie tylko sam proces oglądania spektaklu, ale także pokazanie własnego prestiżu przed spektaklem, spektakl, który ci, którzy przyszli do operetki, grają jeszcze przed spektaklem. We współczesnym kontekście granie w społeczeństwie arystokratycznym lub burżuazyjnym jest możliwe w salach operowych.

W cyrku, gdzie głównym tematem spektaklu jest trening, widz na nowo doświadcza swojej wielkości i władzy nad naturą. Samokształcenie, podbój dzikich zwierząt, podziw dla ludzkich możliwości, aż po zjawiska paranormalne (w sztuce iluzjonistów).

Teatr uliczny swoją lokalizacją twierdzi, że wtapia się w prawdziwe życie, zbliżając przechodnia jak najbliżej widza. Ta forma teatru została urzeczywistniona na festiwalu teatrów ulicznych w Edynburgu, jest rzadko praktykowana w Rosji.

Wynalazek XIX wieku, Kabaret to teatr w kawiarni, teatr gdzie jak w operetce wyśmiewa się społeczeństwo, gdzie odpoczynkiem staje się odbicie polityki, przywar i przyzwyczajeń rodaków - najbardziej nieznośna forma sztuki teatralnej dla rosyjska publiczność. Od kilku lat humorystyczne programy telewizyjne, takie jak Full House, wypierają ten gatunek teatralny. Podjęto kilka prób przywrócenia praktyki kabaretowej do prawdziwego procesu teatralnego, w Moskwie odbył się festiwal komediowy Stend ab, od czasu do czasu pojawiają się inicjatywy dotyczące programów kabaretowych, ale ten kierunek nie odniósł jeszcze masowego sukcesu.

I wreszcie najtrudniejsza do opisania grupa przestrzeni teatralnych. Teatry, które nazywają siebie awangardą. Sztuka awangardowa w teatrze kwestionuje konwencje znanych form teatralnych i sprawdza granice percepcji widza. Te przestrzenie teatralne są bardzo ważne, są laboratoriami, w których widz po raz pierwszy może poczuć rolę widza i po raz pierwszy poczuć teatr jako sztukę.

Przestrzenie radości i przestrzenie smutku.

Oprócz wizerunku widza (widz się śmieje, widz cieszy się, widz poddawany próbie, widz rozmówca) i doświadczenie doświadczania spektaklu teatralnego, który nie daje się zredukować do codzienności, różne formy teatru oferują solidarność na różnych płaszczyznach, na przykład w przeżywaniu pojedynczej emocji. Widz zrealizowany w spektaklu zyskuje dominującą emocję: cieszenie się – szokowanie – dręczenie – prowokowanie – akceptowanie – inspirowanie. To doświadczenie jednoczenia się z innymi ludźmi w emocjach, bardziej oczywiste niż wirtualne przeżycie emocjonalne podczas oglądania programów telewizyjnych, rzadko spotyka się z refleksją nigdzie indziej w życiu współczesnego społeczeństwa. Emocjonalne wybuchy przeżywane m.in. w związku z wydarzeniami teatralnymi mogą konkurować z emocjami związanymi z rytuałami społecznymi: minutami ciszy, odświętnymi procesjami czy emocjami związanymi z wydarzeniami społeczeństwa konsumpcyjnego: wyprzedażami świątecznymi, nowymi kolekcjami, dowcipami.

Doświadczenie społeczne widza teatralnego: przestrzenne, fabularne, emocjonalne, w przeciwieństwie do „jakości spektaklu teatralnego” rzadko staje się tematem dla krytyków teatralnych, a szkoda, gdyż takie podejście pozwoliłoby na przedstawienie widz nie jako bierna instancja konsumenta, ale aby zobaczyć wydarzenia percepcji, doznania widza, widz Uczestnictwo jest ekscytującą i ważną częścią życia teatralnego.

Tak się złożyło, że etykieta teatralna w dużej mierze powtarza etykietę oficjalnych uroczystości i przyjęć, ma więc wiele konwencji i ograniczeń. AiF.ru przypomina o podstawowych zasadach zachowania w teatrze.

1. Idąc do teatru zadbaj o swoją garderobę. W XXI wieku kobiety nie muszą już nosić stroju wieczorowego na występ, a mężczyźni smokingu, chyba że wymaga tego specjalny dress code. Warto jednak przychodzić do teatru ubrany bardziej odświętnie niż zwykle. Mężczyźni mogą nosić ciemny garnitur, jasną koszulę i krawat, a kobiety mogą zmienić swój strój, dodając do niego dodatki. Nie należy jednak być gorliwym – lepiej ubierać się skromnie, niż wyglądać śmiesznie.

Panie powinny pamiętać, że złą formą jest odświeżanie perfum tuż przed występem. Woda toaletowa, nawet najdroższa, powinna być używana z umiarem. W sali będą się mieszać dziesiątki aromatów, które u niektórych widzów mogą wywołać zawroty głowy, a nawet reakcję alergiczną.

2. Zasady dobrych obyczajów pozwalają kobiecie zaprosić do teatru towarzysza, ale w każdym razie bilety musi okazać kontrolerowi mężczyzna. On, przy wejściu do teatru, otwiera kobiecie drzwi.

Zgodnie z zasadami etykiety musisz wcześniej przyjść na występ. Dwadzieścia minut wystarczy, aby bez pośpiechu oddać do szafy okrycia wierzchnie i zakupić program, który zapozna Cię z line-upem wykonawców.

3. Jak wiecie teatr zaczyna się od wieszaka. W szafie mężczyzna powinien pomóc swojemu towarzyszowi zdjąć płaszcz, a dopiero potem się rozebrać. Po przekazaniu odzieży wierzchniej mężczyzna trzyma przy sobie numery i nie nosi ich na palcu, jak pierścionek, ale natychmiast wkłada je do kieszeni.

Pamiętaj, że patrzenie na siebie w lustrach podczas chodzenia po holu teatru w przerwie i przed spektaklem jest nietaktowne. Jeśli musisz coś naprawić, uporządkuj się w toalecie.

4. Mężczyzna wchodzi na widownię pierwszy, wskazuje też pani drogę do miejsca, o ile nie robi tego pracownik teatru.

Powinieneś podejść do swojego miejsca przodem do osób siedzących i przeprosić cichym głosem lub skinieniem głowy za przeszkadzanie (jeśli przejście między rzędami jest wystarczająco szerokie, osoba siedząca nie musi wstawać; jeśli przejście jest wąskie, wtedy trzeba wstać i przepuścić przechodnia). Pierwszym między rzędami jest zawsze mężczyzna, a za nim jego towarzysz. Po dojściu do swoich krzeseł mężczyzna zatrzymuje się przy nich i czeka, aż dama usiądzie, a następnie sam siada.

5. Zajmij miejsca w holu najpóźniej do trzeciego dzwonka. Jeśli są w środku rzędu, powinieneś usiąść na nich wcześniej, aby później nie przeszkadzać tym, którzy już siedzą na obrzeżach od ciebie. Jeśli twoje miejsca nie znajdują się pośrodku rzędu, możesz sobie pozwolić na trochę zwlekania, aby później nie wstawać wiele razy, pomijając widzów siedzących pośrodku.

6. Jeśli stwierdzisz, że Twoje miejsca są zajęte, przedstaw swoje bilety siedzącym na nich i grzecznie poproś ich o opuszczenie. Jeśli wystąpił błąd i na jedno miejsce wydano kilka biletów jednocześnie, skontaktuj się z pracownikami teatru, są oni zobowiązani do rozwiązania problemu.

Pamiętaj, że zajmowanie miejsc innych ludzi jest nieprzyzwoite. Po pierwsze, wzbudzasz niepokój u tych ludzi, którzy będą musieli udowodnić, że to jest ich miejsce. A po drugie, będzie dla ciebie żenujące, gdy zostaniesz „odpędzony” przed całą salą.

7. Spóźnienie się do teatru jest nieprzyzwoite (do loży można wejść dopiero po zgaszeniu świateł w holu). W pozostałych przypadkach pracownicy teatru mają prawo nie wpuścić Cię na salę do przerwy. Ale jeśli możesz wejść, zrób to tak cicho, jak to możliwe i usiądź na pierwszym wolnym miejscu. Niedopuszczalne jest zakradanie się na swoje miejsca w środku akcji - w przerwie będzie można zabrać te wskazane na bilecie.

8. Po zajęciu miejsca na widowni nie należy kłaść rąk na obu podłokietnikach – może to spowodować niedogodności dla sąsiada. Nie powinieneś siedzieć bardzo blisko siebie, przytuleni do siebie, ponieważ ci siedzący z tyłu mogą nie widzieć sceny za tobą.

Krzyżowanie nóg, rozkładanie nóg szeroko, siedzenie na krawędzi krzesła, opieranie się o oparcie przedniego siedzenia i opieranie na nim stóp jest również nieprzyzwoite.

9 . Nawet jeśli wydaje ci się, że w audytorium zrobiło się duszno, nie używaj programu jako wentylator. I pamiętaj, że nie możesz patrzeć na ludzi lornetek teatralnych na sali. Przeznaczony jest wyłącznie do oglądania akcji na scenie.

10. Główną zasadą w teatrze jest zachowanie całkowitej ciszy. Przed rozpoczęciem spektaklu wyłącz telefony komórkowe, przeszkadzają nie tylko publiczności, ale także artystom. Nie dyskutuj o grze aktorów podczas akcji, a także o niewłaściwym zachowaniu innych widzów. Dopuszczalne jest wygłoszenie cichej uwagi do publiczności, która narusza porządek, ale pamiętaj, że to obowiązek pracowników teatru.

Jeśli jesteś przeziębiony, lepiej przegap spektakl: nic nie przeszkadza publiczności i artystom bardziej niż kaszel i kichanie na sali. No i oczywiście podczas spektaklu niedopuszczalne jest jedzenie, szeleszczenie torebkami, paczkami, stukanie stopami.

11. W przerwie można posiedzieć w holu, odwiedzić bufet lub pospacerować po holu. Przestrzega się tu tych samych zasad zachowania, co na ulicy. Po poznaniu znajomych możesz wymieniać wrażenia, ale po cichu. Jeśli kobieta chce pozostać na miejscu podczas przerwy, towarzysz zostaje z nią. A jeśli musi wyjść, przeprasza i zostawia ją na chwilę.

12. Opuszczenie sali podczas akcji jest wyraźnym wskaźnikiem niskiej kultury widza. Nawet jeśli jesteś rozczarowany spektaklem, poczekaj na przerwę i dopiero wtedy wyjdź z teatru. Oczywiście niedopuszczalne jest zasypianie podczas spektaklu, nawet jeśli miałeś ciężki dzień, a produkcja okazała się nudna.

Okazywanie nadmiernej przyjemności z tego, co dzieje się na scenie podczas akcji, również jest uważane za złą formę. Oklaski powinny być organiczne: pojedyncze klaśnięcie w zupełnej ciszy może powalić aktorów. Ale po zakończeniu występu nie możesz ukryć swoich pozytywnych emocji. Oklaski to wyraz wdzięczności publiczności, ale gwizdanie, krzyki, tupanie w teatrze są niedopuszczalne.

13. Jeśli chcesz dać kwiaty aktorowi, którego szczególnie lubisz, zrób to na samym końcu spektaklu, nie wchodząc na scenę. Poczekaj na ostatnie ukłony, kiedy wszyscy uczestnicy spektaklu ustawią się na proscenium i przekażą kwiaty, stojąc w przejściu między sceną a pierwszym rzędem stoisk. Bukiet można również przekazać artyście za pośrednictwem pracownika teatru.

14. Pod koniec spektaklu nie biegnij od razu do garderoby po ubrania. Artyści często kłaniają się więcej niż raz, więc poczekaj, aż kurtyna się zamknie. Dopiero wtedy możesz powoli opuścić audytorium.

Jeśli z jakiegoś powodu widz musi opuścić teatr wcześniej, to zgodnie z niewypowiedzianymi zasadami ogląda ostatni akt na balkonie, a potem, nie przeszkadzając nikomu, odchodzi.

15. Aby nie tracić czasu na stanie w kolejce do szafy, możesz ją przeczekać, spacerując po holu i omawiając spektakl, który widziałeś.

W szafie mężczyzna musi najpierw sam założyć płaszcz lub płaszcz, a następnie oddać odzież wierzchnią swojemu towarzyszowi.

Kiedyś myśleliśmy, że psycholog to konsultant, który prowadzi serdeczną rozmowę z ludźmi w swoim gabinecie. Szuka przyczyn problemów człowieka w jego przeszłości lub w historii jego rodziny.

Są jednak inni psychologowie, którzy zwracają uwagę na głębsze różnice indywidualne u ludzi związane z cechami ich układu nerwowego. Jednocześnie w swojej pracy praktycznej, podobnie jak wszyscy inni psychologowie, stosują różne techniki, aby pomóc człowiekowi. Ci specjaliści to neuropsychologowie. Potrafi w subtelny sposób łączyć swoją wiedzę na temat funkcjonowania półkul mózgowych z arteterapią. Poprosiliśmy specjalistę w tej dziedzinie, kandydatkę nauk psychologicznych Svetlanę Yulianovnę SHISKOVA, dyrektora generalnego centrum psychologicznego DOM, aby opowiedziała o tym, jak można rozwiązywać problemy psychologiczne ludzi przy użyciu wiedzy z pozornie tak różnych dziedzin.

CAŁE NASZE ŻYCIE TO TEATR

„To, że są to różne obszary wiedzy, może wydawać się tylko na pierwszy rzut oka” – wyjaśnia psycholog. – Aby zrozumieć, co łączy pracę mózgu i arteterapię, przejdźmy do samych początków – do momentu narodzin człowieka. Kiedy rodzi się dziecko, bardzo ważne jest, aby krzyczał. Podczas płaczu jego płuca prostują się i zaczynają pracować, mózg wzbogaca się w tlen. Ten krzyk spełnia jeszcze jedną ważną funkcję: rozpoczyna pracę prawej półkuli. Neuropsychologowie lubią mówić, że dziecko „rodzi się z dwiema prawymi półkulami”: lewa pojawia się później.

Prawa półkula jest kreatywna, odpowiada za melodię, za intuicję. Rodzice melodyjnie gruchają z noworodkiem, a w odpowiedzi otrzymują melodyjne gruchanie. A kiedy dziecko zaczyna mówić, wypowiada pierwsze słowa - jego lewa półkula jest włączona do pracy, ponieważ znajduje się w niej centrum mowy.

Teraz wzrosła liczba dzieci, które późno zaczynają mówić, których mowa jest zaburzona. Ich prawa półkula pulsuje, melodia mowy jest obecna, ale nie ma pełnoprawnej mowy: dzieci wyrażają się we własnym, „ptasim” języku. Oznacza to, że lewa półkula nie jest w pełni uwzględniona. Lewa półkula odpowiada za sekwencję słów, strukturę mowy, konstrukcje semantyczne i kontrolę. Między półkulami istnieje połączenie międzypółkulowe, impuls między nimi powinien przebiegać równomiernie, ale tak się nie dzieje.

Praca półkul musi być harmonijna iw tej dziedzinie należy interweniować z wielką ostrożnością. Dziś bardzo popularne są techniki „odsłaniające pracę prawej półkuli”. Ludzie chcą bardziej realizować się w kreatywności i uciekają się do takich metod. Kiedyś przyszedł do mnie klient, który był „otwarty na prawą półkulę”, kontynuuje S.Yu. Sziszkow. – Jako dziecko pisała wiersze, ale nie została poetką. I dzięki tej technice rymy zaczęły w niej odradzać się, wiersze płynęły jak rzeka, zdążyła tylko je spisać. Kiedy ta kobieta przyszła na konsultację, przyniosła ze sobą cały stos nabazgranych kartek. Poprosiłem ją, żeby przeczytała jakiś mały wiersz. Odpowiedziała: „Nie mogę tego zrobić, ponieważ na tych wszystkich kartkach jest tylko jeden wiersz”. Następnie poprosiłem ją, aby wybrała z niego dowolny fragment i przeczytała mi go. Klient długo myślał, sortował arkusze, ale nie mógł na niczym poprzestać. Dokonywanie wyborów to zadanie lewej półkuli. Okazuje się, że ze względu na aktywację pracy prawej półkuli rozpoczął się w niej proces twórczy, ale klientka nie mogła nadać swojej pracy kompletności, pewnej formy. Oznacza to, że praca półkul okazała się niezrównoważona. Dlatego te techniki powinny być używane z wielką ostrożnością.

Chciałbym poruszyć jeszcze jedną cechę pracy naszego mózgu - mówi S.Yu. Sziszkow. - W zależności od tego, którą półkulę prowadzi dana osoba, można określić, do jakiego typu psychicznego lub psychotypu należy. Typ „lewa półkula” charakteryzuje się optymistycznym, pozytywnym postrzeganiem tego, co się dzieje. Na przykład taka osoba wygląda przez okno i myśli: „Jak cudownie, że zima jest tak ciepła, że ​​wokół jest sucho”; spadł śnieg - „świetnie, czas na narty”; zrobiło się zimno - „no cóż, zima ma być zimna”. A prawa półkula bardziej kojarzy się z negatywnymi emocjami, z negatywną oceną otaczającego nas świata. „Typ prawej półkuli” wygląda przez okno, za którym jest ciepła zima, i myśli, że wciąż nie ma śniegu, na ulicy jest brud i tęsknota go gryzie. Spadł śnieg - też źle, bo zrobiło się zimno. Oznacza to, że prawa półkula wywołuje stan depresyjny, cierpienie. Wiele twórczych arcydzieł rodzi się właśnie w chwilach cierpienia: w ferworze miłości, w doświadczeniach nieporządku lub bezsensu życia. Kiedy człowiek jest pogodny i pogodny, nie powstają twory dotykające duszy: człowiek doświadcza pełni życia, cieszy się swoim istnieniem, jest już szczęśliwy - podkreśla psycholog.

Ludzie od dawna rozumieją, że sztuka pomaga zmienić wewnętrzny stan człowieka. Psychologowie włączyli działania twórcze do swojego arsenału pracy terapeutycznej i nazwali je arteterapią. Na sesjach psychoterapeutycznych dorośli i dzieci dziś rysują, rzeźbią, śpiewają, robią pantomimę.

– Szczególnie interesuje mnie teatr w tym sensie. Łączy wszystkie sztuki, jednocześnie oddziałując na widza za pomocą obrazu, dźwięku, koloru, ruchu, słowa i melodii - mówi S.Yu. Sziszkow. - W teatrze każdy odnajduje własną symbolikę i w zależności od swojego wewnętrznego nastroju odbiera to, co widzi pozytywnie lub negatywnie. Dlatego psycholog, który w swojej pracy stosuje terapię teatralną, musi brać pod uwagę stan emocjonalny człowieka i jego psychotyp. Jeśli klient ma skłonność do depresji, lepiej polecić mu spektakle teatralne, które go zainspirują, a nie zanurzyć w tragicznych okolicznościach losu bohaterów. Czasami przydaje się nie iść do teatru dramatycznego, ale do baletu, gdzie nie ma potrzeby zagłębiania się w konkretny tekst. Wystarczy posłuchać pięknej muzyki i cieszyć się plastycznością tańca.

Aktor, widz, reżyser
Po raz pierwszy osoba gra jako aktor jako dziecko. Kiedy goście przychodzą do domu, rodzice sadzają go na krześle i proszą dorosłych o przeczytanie wierszyka. Znajduje się na małej scenie przed publicznością, zwraca na siebie uwagę wszystkich.

– Do psychologów często przychodzą dorośli, którzy czują się nieszczęśliwi, ponieważ nie czują, że byli w stanie odnaleźć siebie, zrealizować swój potencjał w społeczeństwie. Powstaje pytanie, jak pomóc im uwolnić potencjał, który pierwotnie w nich tkwił - mówi S.Yu. Sziszkow. - Arteterapeuta może doradzić nabycie umiejętności bardziej emocjonalnej, pewniejszej mowy – czyli nauczenie się oratorstwa. Czasami to wystarczy. Innym bardziej przydatne jest studiowanie w studiu teatralnym, chodzenie na scenę amatorską i próbowanie pracy z publicznością. Kiedy następuje interakcja z publicznością, osoba zaczyna zdawać sobie sprawę, że jest słuchana, rozumiana. Nabiera pewności siebie.

Czasami rodzice przyprowadzają swoje dzieci do psychologa, martwiąc się, że dziecko jest nieśmiałe, powściągliwe, ma niską samoocenę. Ma potencjał twórczy, ale nie może go ujawnić, wyrazić się w społeczeństwie. Zajęcia w kręgu teatralnym pomagają takiemu dziecku poczuć pewność siebie. Rola artysty pełni funkcję psychoterapeutyczną.

Co jest szczególnego w roli aktora? Ma przestrzeń na kreatywność, ale ogranicza ją dany tekst i wypracowana przez reżysera koncepcja spektaklu. Ale w teatrze jest inna rola - rola widza.

Dla współczesnych dzieci problem komunikacji jest istotny. Małe dzieci, przedszkolaki, młodsze dzieci w wieku szkolnym, nastolatki chcą się komunikować, ale mają niewiele prawdziwej komunikacji. To jest pokolenie internetu. Siedzą w sieciach, korespondują tam ze znajomymi. Ale taka interakcja bardzo różni się od prawdziwej komunikacji. Kiedy ludzie komunikują się „na żywo”, wtedy jedna osoba mówi, a druga jej słucha. Zdolność do empatii, współczucia, radowania się, umiejętność wspierania drugiego – wynika z umiejętności słuchania. A komunikacja wirtualna nie rozwija takiej umiejętności. Tutaj ważną rolę może odegrać teatr. W teatrze dziecko staje się widzem, obserwatorem iw tej roli rozwija umiejętność słuchania. Uczy się empatii i sympatii, uczy się akceptować informacje, analizować je i komunikować o nich z innymi ludźmi.

Uważa się, że każda osoba musi iść do teatru, że ważne jest, aby zabrać tam dzieci. Ale teatr przydaje się tylko w określonych dawkach. Czasami polecam chodzić na spektakle nie częściej niż raz w sezonie, aby każda wizyta w teatrze stała się wydarzeniem, a sam człowiek nie stał się biernym konsumentem sztuki.

Kobiety uwielbiają chodzić do teatru. Jako neuropsycholog rozumiem, dlaczego kobiety są fanami teatru, podczas gdy mężczyźni najczęściej nie” – mówi S.Yu. Sziszkow. - Aktywni mężczyźni sami są reżyserami, więc nie lubią chodzić do teatru, gdzie zmuszeni są do biernego odbioru cudzych scenariuszy. A jeśli tam pojadą, to bardziej ze względu na ukochaną kobietę niż dla własnej przyjemności – więc nadal działają według własnego scenariusza. Cóż, jeśli spektakl, do którego przyprowadziła ich kobieta, okaże się ciekawy, jakoś w duszy rozbrzmiewa – jeszcze lepiej, po teatrze będzie o czym rozmawiać.

Przechodzimy więc do trzeciej roli teatralnej – roli reżysera. Jest twórcą: opracowuje koncepcję, dobiera wykonawców, realizuje swoje pomysły, a widz widzi na scenie efekty jego pracy. Reżyser jest osobą kreatywną, jego prawa półkula pracuje intensywnie. Ale praca lewej półkuli pomaga mu zrealizować swój pomysł, aby w rezultacie uzyskać produkt. To znaczy znowu praca półkul musi być zharmonizowana.

przestrzeń teatralna
- Mówią, że teatr zaczyna się od wieszaka. Rzeczywiście, teatr jest przestrzenią szczególną. Takie postrzeganie teatru można porównać z kontemplacją obrazu w muzeum. Każdy obraz ma ramkę. Ogranicza pewną przestrzeń figuratywną. Sami artyści rozumieją, jak ważny jest dobór odpowiedniej ramki do obrazu. Do jednej nadaje się ascetycznie prosta rama, do drugiej pozłacana, bogato rzeźbiona. Nawet ikony są obramowane tak, że patrząc na ikonę czujemy, że wchodzimy w inny świat. Kiedy wkraczamy w specjalną przestrzeń, zanurzamy się w wyjątkowym stanie – w rzeczywistości dokonujemy reinkarnacji.

W rosyjskiej szkole teatralnej aktorzy pracują według systemu Stanisławskiego. K.S. Stanisławski nauczył aktorów techniki reinkarnacji, aby aktor nie grał, ale żył życiem bohatera na scenie. Pomaga także nam, widzom, wejść w ten szczególny stan i doświadczyć go. A przestrzeń teatru pomaga w pewien sposób dostroić się i przygotować do reinkarnacji. Jak pisał Stanisławski, „widzowie udają się do teatru dla rozrywki i niepostrzeżenie opuszcza go wzbogacony o nowe myśli, doznania i prośby dzięki duchowej komunikacji z twórcami i artystami ze sceny”.

Prowadzimy badania, aby sprawdzić, czy zachodzą jakieś zmiany w mózgach artystów, gdy grają na scenie. Sfilmowaliśmy ich encefalogram przed i po przedstawieniu. I znaleźli niesamowitą rzecz. Kiedy artysta pracuje w systemie Stanisławskiego, po wykonaniu praca prawej i lewej półkuli doskonale się harmonizuje, na elektroencefalogramie uzyskuje się symetryczny obraz przypominający motyla.

I przydałoby się nauczyć tej techniki reinkarnacji nie tylko aktorów, ale każdej osoby. W końcu każdy z nas chce przekazać innym pewne informacje, chce być poprawnie zrozumiany.

Jednak praca nad systemem Stanisławskiego ma swoje własne trudności. Aktorzy, wcielając się w różne role, za każdym razem po opadnięciu kurtyny na scenę, muszą powrócić do swojego „ja”. Niestety nie zawsze tak się dzieje, doświadczenia jednej roli nakładają się na inne, a osobowość aktora zostaje utracona. Dlatego w teatrze ważne jest, aby nie grać za dużo. K.S. Stanisławski rozumiał tę cechę życia teatru i przypominał o tym aktorom. Utalentowani aktorzy, bez względu na rolę, zawsze pozostają sobą, zachowując swoje osobiste „ja”.

Właśnie tę cechę życia teatralnego należy pamiętać przy wyborze zajęć dla dorastającego dziecka. W tej chwili jest w trakcie poszukiwania siebie i trudno mu, działając, znaleźć własne „ja”. W tym wieku dla nastolatka bardziej przydatne jest uczęszczanie do sekcji sportowych, a nie do studia teatralnego.

Jak wprowadzić dziecko do teatru?
– Bardzo ważne jest, aby słuchać swojego dziecka, kiedy zaczynasz angażować się w jego rozwój kulturowy. Każde dziecko jest indywidualne i na początek może wystarczyć, aby ktoś wszedł do teatralnej przestrzeni, gdzie panuje wyjątkowy klimat, obejrzał scenę z ciężką aksamitną kurtyną, obejrzał pięć minut akcji – tłumaczy psycholog.

To duży problem, gdy niedojrzała osoba otrzymuje różnego rodzaju korzyści. Rodzice z dobrych intencji najlepiej pokazują swoim dzieciom: zabierają je do teatrów, podróżują z nimi po świecie, ale kiedy znudzą im się najjaśniejsze wrażenia, znudzą się najjaśniejszymi wartościami duchowymi i bogactwem materialnym, wtedy tylko dno społeczeństwa pozostaje nieznane nastolatkowi. Zaczyna ją badać, zbierając najpodlejsze i najniższe doznania. Dlatego psychologowi o wiele łatwiej jest prowadzić psychoterapię z problemowym nastolatkiem, który nie otrzymał czegoś w swoim życiu, ponieważ wciąż ma przed sobą wiele nieznanych, jasnych rzeczy, niż pracować z kimś, kto był przekarmiony „ ten jasny”, a wartości moralne i duchowe nie były w stanie się określić.

Aby dzieci zaangażowały się w teatr, trzeba z nimi porozmawiać. Po wyjściu do teatru, do kina, po obejrzeniu z nimi produkcji telewizyjnej, bardzo ważne jest, aby o tym porozmawiać później. A jeśli dziecko ma własną wizję spektaklu, trzeba nauczyć je, by nie bało się wyrażać swoje zdanie. Dzieci naprawdę chcą rozmawiać z rodzicami, a nie słuchać ich poleceń.

Dziecko oglądało sztukę lub film, fascynowały go żywe obrazy, łatwe życie, jego prawa półkula zaczyna pulsować: „Chcę żyć tak samo!” Rodzice powinni uczyć swoje dzieci myślenia, zadawania pytań, doprowadzania myśli do logicznego zakończenia. Aby aktywnie zaangażować lewą półkulę ...

Kobiety mają własny teatr
- Percepcja dźwięku u mężczyzn i kobiet jest różna. Kiedy kobieta nie jest zrozumiana, zaczyna krzyczeć. Jednocześnie dźwięk jej głosu staje się cieńszy i wyższy, wzrasta szybkość mowy. Taki dźwięk destrukcyjnie oddziałuje na męski mózg.

Niektóre matki narzekają na swoich nastoletnich synów: „Rozmawiasz z nim, mówisz – jak groszek pod ścianę”. To znaczy kobieta krzyczy na swojego synka, ale on nie reaguje na jej słowa. Chłopiec stał się nastolatkiem, jego mózg dojrzał. Jeśli przepuszcza przez mózg częstotliwość płaczu matki, wówczas jego mózg przestanie być gotowy na epilepsję i przejdzie w epilepsję. Dlatego - jak mądrze zapewniła natura! – Jego mózg się wyłącza. Przeminęła fala, ustał strumień słów, a mózg ponownie się włączy. Więc nastolatek ma reakcję obronną.

Dlatego nawiasem mówiąc, mężczyźni nie zawsze lubią operę, ponieważ długotrwałe postrzeganie wysokich dźwięków wymaga od nich dużego napięcia. Jeśli mężczyzna i nastolatek nie lubią opery, nie należy ich zmuszać do pójścia tam. Lepiej iść na koncert, posłuchać dobrej muzyki. A kobieta obejrzy operę z koleżanką.

Życie jest jak gra
– Każda osoba jest wyjątkowa: jest twórcą, widzem i wykonawcą. I ważne jest, aby w ciągu życia te role zmieniały się w człowieku. Nie możesz cały czas oglądać innych lub odgrywać rolę w czyimś występie. Na przykład kobieta wychodzi za mąż, a w rodzinie mąż zostaje reżyserem, a ona performerką. Chce być cały czas w zgodzie, żeby zadowolić męża. Z biegiem czasu budzi się z uczuciem, że bardzo rozpuściła się w mężu jako osobie, zatraciła się - zauważa S.Yu. Sziszkow. – A kiedy tacy klienci przychodzą do mnie, narzekają na relacje rodzinne, to mówię im: „Zacznijmy od wieszaka – pamiętajcie, jak się poznaliście, jaki scenariusz rodzinny wtedy zaczęli pisać”. Zdarza się, że kobieta była niezręczna, potknęła się, mężczyzna ją wspierał - i spotkali się. Przyciągnął go scenariusz, w którym mu zależy, opiekuje się, a drugi scenariusz mu nie odpowiada. A z czasem kobieta nabiera pewności siebie i nie potrzebuje już opieki. Albo np. była impreza, kobieta była wesoła, pogodna, a on zwracał na nią uwagę - naładowała go swoją energią, dała mu siłę do życia swoim pozytywnym nastawieniem. Ale taki scenariusz nie oznaczał z jej strony smutku i tęsknoty: sam często był przygnębiony. A teraz ma kłopoty, chodzi ponury, a jej mąż jest z tego niezadowolony.

Kobieta powinna pamiętać moment, w którym powstała wzajemna sympatia, zrozumieć, jak przyciągnęła ukochanego mężczyznę, do jakiego występu kiedyś dotarł. On miał pewne oczekiwania, ona miała inne i ważne jest, aby nie łamać systemu rodzinnego, ale rozwijać go w inny sposób. Jeśli jeden z małżonków się zmienia, musi pomóc zmienić partnera. Terapia teatralna może być wykorzystywana do pracy z relacjami małżeńskimi, do reanimacji relacji w parze, która znalazła się w impasie.

Ważne jest, aby nauczyć osobę samą rozumieć, w jaki sposób obecnie gra, na jaki etap wchodzi, aby nauczyć go zmieniać scenariusze, zmieniać swoje role. Jeśli dana osoba pełni rolę lidera w pracy, nie jest konieczne odgrywanie tej samej roli w domu. Po zmianie przestrzeni może warto zmienić role.

Osoba, która cały czas chce, by życie rozwijało się według jego scenariusza, musi pamiętać, że jest ktoś z góry, ważniejszy od niego reżyser. Nie zawsze możesz mówić innym, co mają robić, sam musisz się uczyć i być wykonawcą.

Terapia teatralna jest również dobra w pracy z dziećmi. Pierwsze elementy teatroterapii powstają, gdy zaczynamy bawić się lalkami z dzieckiem, które buduje fabułę i głosi swoją zabawkę. Pojawia się przestrzeń do zabawy, prototyp teatru. Z zabawką nawiązuje się kontakt emocjonalny. Dlatego psychologowie zawsze mówią: baw się z dziećmi. Przy pomocy takiej gry zaspokaja się i rozwija potrzebę interakcji z innymi oraz potrzebę komfortu emocjonalnego.

Wreszcie teatr pomaga człowiekowi zrozumieć samego siebie.

Na zakończenie opowiem wam jedną przypowieść. Mędrzec podczas swoich wędrówek zbliża się do zamku. Zamek jest strzeżony. Strażnik konsekwentnie pyta mędrca: „Kim jesteś?”, „Dokąd idziesz?”, „Po co ci to?”.

Mędrzec był tak poruszony tymi pytaniami, że powiedział do tego strażnika: „Przyjdź na moją służbę. Twoim zadaniem będzie to, że każdego dnia będziesz zadawał mi te pytania: „Kim jesteś? Dokąd idziesz i dlaczego?”

Wywiad przeprowadziła Olga ZHIGARKOVA