Ćwiczenia na flecie prostym rozwijające technikę. Praca na wagach, skalach na fortepianie. Pełny program kursu

Nigdy nie zapomnę, jak przyniosłem do domu moją pierwszą nagrywarkę. O tym, jak utknęłam z zakupem, już pisałam.

Pierwszą rzeczą, na którą się natknąłem, było pytanie: Jak w to zagrać?

W filmach i kreskówkach osoba dmucha w rurę i na przemian zamyka otwory na ciele.

W życiu wszystko jest równie proste, ale trochę inne.

1. Jak trzymać rejestrator podczas odtwarzania

Wszystkie tutoriale, strony internetowe itp. Zgadzają się, że dmuchać należy stojąc, trzymając rejestrator pod kątem 45 stopni do podłoża.

Powodem nie jest tu tylko wygoda. Dźwięk fletu prostego nie dobiega z drugiego końca, ale z ustnika (otwór w pobliżu ust) pod mniej więcej tym samym kątem 45 stopni.

45 + 45 = 90

Te. Dźwięk w tej pozycji przemieszcza się od Ciebie do słuchacza.

2. Ułożenie dłoni i palców

Na flecie prostym gra się jedynie 8 palcami. To jest osobliwość.

Ponadto 4 palce z każdej ręki.

Lewa ręka trzyma część fletu najbliższą twarzy. Jej kciuk zakrywa jedyny dolny otwór, a reszta (z wyjątkiem małego palca) zakrywa 3 górne.

MAŁY PALEC LEWEJ RĘKI NIE JEST UŻYWANY! Może znaleźć inne zastosowania. Na przykład zawiąż małą flagę i machaj nią, zwracając dodatkową uwagę na swoją niezwykłą osobę podczas gry. Lub, tak jak ja, użyj go jako dodatkowego uchwytu do rejestratora.

Kciuk prawa ręka podtrzymuje rejestrator od dołu, a 4 kolejne zakrywają pozostałe 4 otwory.

Jeśli otwory są dobrze zamknięte, po dmuchaniu w ustnik usłyszysz dźwięk C (dla tenorów i sopranów).

Na zdjęciu nie trzymam małego palca prawej ręki na zastawce, co oznacza, że ​​wyjdzie D.

3. Jak zakryć dziury

Otwory są zamykane opuszkami palców. Nie ma potrzeby naciskać tak mocno, jak to możliwe. Zamknięty otwór nie powinien przepuszczać powietrza, ale nic więcej.

Możesz docisnąć dziurę tak mocno, jak to możliwe, ale jednocześnie zamknąć ją tylko w 80%. Dźwięk będzie obrzydliwy.

CAŁKOWICIE zakryj otwór. Podczas gry palce unoszą się i opadają. Musimy je tak wyszkolić, aby nie wznosiły się zbyt daleko od dziury, ale bezpiecznie schodziły, zakrywając ją!

4. Jak dmuchać

Musisz dmuchać, aby uzyskać czysty dźwięk. Ciśnienie powietrza należy ZMNIEJSZYĆ od górnych nut do dolnych.

Dlatego w pierwszych dniach bardzo przydatne jest granie wyłącznie gamami, dopóki nie wyciągniesz ich z palców dobre zamknięcie dziury oraz z płuc i ust - pełna kontrola siły wydechu, w zależności od wysokości banknotu.

5. Jak grać melodie

Melodie można wybierać ze słuchu, jeśli jest ono rozwinięte.

Jeśli nie jesteś jeszcze wystarczająco rozwinięty, musisz nauczyć się dwóch rzeczy:

1. Zapis nutowy
2. Palcówki

Opowiem ci kiedy indziej. W międzyczasie ćwicz trzymanie i dmuchanie.

) rozmawialiśmy ogólnie o skalach. Dziś chcę szczególnie poruszyć kwestię pracy na skali – jak z nią pracować, aby osiągnąć swoje cele. Jak pamiętacie, najważniejsze to równość, klarowność i płynność. Ale najpierw zastanówmy się, które skale będą „pionierami” w Twoim muzycznym życiu jako pianisty. W programy szkolne Pierwszym krokiem jest nauka gamy C-dur. Utrzymuje prowadzenie ze względu na brak znaków – czyli gra się na białych klawiszach. Jednak mimo pozornej prostoty skala ta nie jest zbyt wygodna pianistycznie. Istnieje coś takiego jak „formuła Chopina”, według której najwygodniejszą pozycję ręki zapewnia gama H-dur. Jeśli umieścisz palce zaczynając od subdominanty - mi-fa#-sol#-la#-si, wówczas ręka zdobywa najwięcej naturalna pozycja– dźwignie (palce 1 i 5) są opuszczone – leżą na białych klawiszach; a środkowe palce tworzą naturalną kopułę. Na potwierdzenie tej tezy przytoczę słowa słynnego rosyjskiego pianisty i pedagoga Lwa Oborina: „Ręka czuje się najbardziej naturalnie, gdy palec pierwszy i piąty leżą na białych klawiszach, a drugi, trzeci i czwarty na białych klawiszach. czarne klucze. Pozycja ta, zalecana swego czasu przez Chopina, jest najbardziej praktyczna dla rozwijania naturalnego ułożenia dłoni. Po opanowaniu tego możesz przejść do mniej wygodnych pozycji…”

Można więc na początek poćwiczyć tę Chopinowską formułę, grając ją lekko non legato z udziałem pędzla. Po opanowaniu formuły zaczynamy studiować całą skalę H-dur, a następnie przechodzimy do pozostałych skal.

Możesz wybrać inną kolejność studiowania skal - kwintowe: Do - Sol - Re - A - Mi itp. Metoda ta daje badanie systemu tonalnego w muzyce. Po przepracowaniu wszystkich skal w kręgu kwintowych zrozumiesz wszystkie tonacje i utrwalisz teorię z praktyką.

Możesz także zagrać w skali, w jakiej napisany jest utwór, którego się uczysz. Zaletą jest to, że znaki na skali są już znane, a same palce spadną na niezbędne klawisze. A jeśli utwór zawiera fragmenty przypominające skalę, to skala będzie na tym etapie jeszcze bardziej odpowiednia i użyteczna.

Chciałbym zauważyć, że w parze z durową gra się równoległą mollę, czyli tę, która leży pod nią tercja mała.

Porozmawiajmy teraz o trudnościach technicznych w wagach.

Pierwszą rzeczą, na którą musisz zwrócić uwagę, jest palcowanie. Prawidłowo wyuczona sekwencja palców jest kluczem do szybkiej i płynnej gry. Wszystkie zasady palcowania opisałem już w poprzednim artykule. W tym samym artykule znajdziesz rodzaje gam, na których należy grać. Ale żeby do nich przejść, trzeba najpierw dobrze poznać typ główny, bo to jest framework dla wszystkich typów.

Najbardziej problematycznym punktem jest, jak już wiesz, położenie pierwszego palca. W tym miejscu chciałbym zwrócić uwagę na psychologiczną postawę rosyjskiego pianisty i nauczyciela G. G. Neuhausa: zastąpić „koncepcję umieszczenia pierwszego palca pod dłonią” „bardziej realną i naturalną koncepcją umieszczenia dłoni na pierwszym palcu”. W końcu psychologicznie łatwiej jest przesunąć rękę na pierwszy palec, niż umieścić ją pod dłonią...

A oto ćwiczenie, które zaleca: grając w gamie C-dur, zatrzymujemy się na dźwięku E, utrzymując tonację w obniżonej pozycji. Kolejny dźwięk – Fa – odtwarzany jest na przemian czwartym i pierwszym palcem. Podobny przystanek wykonuje się w kroku 7 (si), po czym gra się następne si do piątym lub pierwszym palcem:

Kolejnym ćwiczeniem, które radzi G. G. Neuhaus, jest wyodrębnienie w skali skali tylko tych dźwięków, które wymagają dodania:

Inny nauczyciel i pianista V. Safonov oferuje taką opcję pracy nad tym problemem: wykonując tradycyjne ćwiczenie pięciopalcowe, graj je nie wszystkimi palcami z rzędu, ale poruszając kciukiem sekwencyjnie:

To ćwiczenie pomoże Ci osiągnąć niezależność i koordynację palców oraz nauczyć się umieszczania i przenoszenia palców.

Możesz spróbować wariantów palcowania – zagraj całą skalę 1-2,1-2; 1-3,1-3 i 1-4,1-4.

Ważne jest, aby podczas układania obserwować rękę. Bardzo często łokieć i całe przedramię „wychodzą” za bardzo wraz z pierwszym palcem. Należy tego unikać, a przedramię i łokieć należy narysować tak, jak gdyby linia prosta, bez załamań i zagięć.

W celu skoordynowania pracy obu rąk i przejrzystości rytmicznej zalecam akcentowanie czterech dźwięków w skali czterech oktaw, we wszystkich formach. Ale nacisk nie powinien zamieniać się w głośne pukanie, które stoi w miejscu i kończy każdy ruch do przodu. Akcent, zarówno w skali, jak i w każdym utworze, jest miejscem, od którego trzeba zacząć, aby móc się poruszać. Tutaj akcent wykonywany jest machnięciem palca, przy umiarkowanej głośności.

Ważną rolę odgrywają także ruchy obejmujące. Wyobraź sobie, że Twoje przedramię to pociąg, a Twoje palce to ludzie, którzy go przegapili. Obrazy te jasno wyjaśniają ruchy, jakie powinny występować przy grze na gamach: Cała dłoń rysuje linię i przechodzi przed palce, czyli palce są posłuszne dłoni. Dynamika może pomóc w tym ruchu. Tutaj jest to proste: w górę - crescendo, w dół - diminuendo. Możesz sobie wyobrazić, że ten sam pociąg przyjeżdża z daleka, dogania Cię i odjeżdża. W ten sposób upieczesz dwie pieczenie na jednym ogniu - pojawią się ruchy, a zasięg stanie się jasny i interesujący.

Aby zrozumieć klarowność rytmiczną i dynamiczną jasność, graj na skali z różnymi formułami rytmicznymi - triole, rytm kropkowany, synkopa; oraz w różnych gradacjach dynamicznych – od pianissimo do fortissimo. A gra w różnym tempie pozwoli Ci uniknąć nudnego flirtu, a jednocześnie określi Twój limit techniczny.

Odrębną warstwę w grze gam zajmują arpeggia. Zadania tutaj są takie same, ale problemy techniczne Inny. Ale o tym porozmawiamy w następnym artykule.

W przypadku kopiowania lub przedrukowywania materiału lub jego części wymagane jest aktywne hiperłącze na początku i na końcu artykułu do strony internetowej http://site.

Historia powstania instrumentu.

Flet to jeden z najstarszych instrumentów dętych. W starożytności termin „flet” oznaczał większość instrumentów dętych, ale prawie wszystkie z tych instrumentów nie były powiązane z fletem, który widzimy dzisiaj. Mniej odległym poprzednikiem „fletu przechylonego” (fletu podłużnego) była harmoniczna, prosta rura z niewielką liczbą zaworów.

Istnieje przypuszczenie, że ojczyzna flet poprzeczny jest Azja. W średniowieczu flet przedostał się na zachód, gdzie rozprzestrzenił się wszędzie. Początkowo miał on postać kawałka trzciny, wyposażonego w sześć otworów dźwiękowych i jeden do dmuchania.

W tej formie jest bardzo popularny w Niemczech, gdzie stopniowo ulega przekształceniom i we wszystkich językach europejskich otrzymuje nazwę „flet niemiecki”. Flet zyskuje sławę jako niezależny instrument koncertowy we Francji, gdzie lokalni muzycy przekształcają go wraz z fletem prostym w instrument prawdziwie orkiestrowy.

Flet staroniemiecki miał dość imponującą głośność, obejmującą dwie i pół oktawy ze wszystkimi interwałami chromatycznymi – od pierwszego D do tercji A. Najniższy dźwięk tego fletu uzyskano poprzez drżenie całego słupa powietrza zawartego w tubie instrumentu, natomiast wszystkie kolejne, w obrębie dolnej oktawy chromatycznej, powstały poprzez jego stopniowe skracanie. Zatem wszystkie dźwięki wchodzące w skład skali diatonicznej D-dur odpowiadały głównym otworom lub otworom fletu staroniemieckiego, a wszystkie kroki pośrednie (chromatyczne) uzyskano za pomocą rozwidlonego lub „uchwytu widełkowego”. Przy tej metodzie wydobywania dźwięku te stopnie pośrednie nie wyszły zbyt czyste i wkrótce wykonano dla nich osobne otwory, zakryte zaworami.

Nową podstawę dla fletu po raz pierwszy opracował William Gordon (1791-1839), Szkot, oficer Gwardii Szwajcarskiej francuskiego króla Karola 10. Po obaleniu króla i rozwiązaniu straży Gordon poświęcił się całkowicie poświęcił się pracy nad udoskonaleniem fletu, ale nie miał czasu na dokończenie swojego pomysłu.

Z jego twórczości skorzystał Theobald Boehm (1794-1881). W 1832 roku zaprojektował flet stożkowy z otwartymi zaworami. Ten model instrumentu odniósł sukces we Francji i Anglii, jednak nadal nie był doskonały. Ciągłe eksperymenty doprowadziły do ​​powstania w 1847 roku cylindrycznej konstrukcji fletu, która jest stosowana do dziś. Boehm opracował także system zaworów, poprawił jakość dźwięku instrumentu i rozszerzył zakres. Teraz flet zaczął brzmieć w obrębie 3 oktaw.

Flet istnieje do dziś w mniej więcej tej samej formie.

Pierwsze lekcje gry na flecie. Konfiguracja aparatury wykonawczej.

Nowoczesny flet składa się z trzech części:

• górna część nazywana jest „głową”;
• środek - „ciało”;
• dolne to „kolano”.

Flet waha się od C (c) lub B (h) pierwszej oktawy do C (c) czwartej; doświadczeni fleciści potrafią grać nuty aż do E (e) czwartej oktawy, ale są one dość trudne do zagrania i mają ostry, przenikliwy dźwięk.

Obecnie flet jest jednym z najpopularniejszych instrumentów dętych i cieszy się szczególną popularnością wśród dzieci i rodziców. Obecnie dzieci zaczynają naukę gry na flecie dość wcześnie, bo już w wieku 7-10 lat. W tym wieku ciało dziecka jest nadal słabe i nieukształtowane, a jego układ mięśniowy jest jeszcze niedojrzały. Dlatego bardzo ważne jest, aby pierwsze kroki dziecka na flecie traktować ze szczególną troską i uwagą.

Mięśnie oddechowe, wargi, język, palce, wzięte same w sobie, nie są jeszcze aparatem wykonawczym. Stają się nimi dopiero w wyniku opanowania umiejętności wykonawczych. Aby to zrobić, muszą zjednoczyć się w jeden kompleks zwany aparatem motorycznym. Narząd ruchu jest narzędziem świadomość ludzka, jego kontynuacja. Niemożliwe jest pełne rozwinięcie właściwości wykonawczych aparatu motorycznego bez rozwinięcia przede wszystkim: myślenie muzyczne samego wykonawcy.

Aparat wykonawczy to układ odpowiadających sobie narządów ruchu człowieka, wyposażonych w umiejętności wykonawcze i będący funkcjonalnym narządem świadomości muzycznej. Aparat wykonawczy składa się z następujących elementów:

1. Myślenie muzyczne.
2. Wrażenia słuchowe i motoryczne.
3. Aparatura motoryczna.
4. Oddech performera.
5. Praca z ustami.
6. Artykulacja języka.
7. Koordynacja palców.

Głównym zadaniem nauczyciela jest wprowadzenie małego ucznia w świat muzyki i zapoznanie go z instrumentem, tak aby dziecko nie odczuwało dyskomfortu, zwężenia i niedogodności. Bardzo ważne jest, aby nie zapomnieć o głównej zasadzie, o której pisał Peter-Lucas Graf: „Flet to tylko jedna część Twojego instrumentu. Kiedy grasz na flecie, uczestniczy w tym także Twoje ciało ( narządy oddechowe, usta, język, gardło, ręce)”.

Jak więc zabrać się za tworzenie swojego pierwszego dźwięku?

Ciało wykonawcy jest równie ważnym instrumentem jak flet. To właśnie decyduje o poprawnym, pięknym brzmieniu. Pozycja ciała, oddychanie i zadęcie są odpowiedzialne za dobrą produkcję dźwięku.

Przed wydaniem dźwięku należy przygotować ciało na lekcję. Aby aparat wykonawczy działał prawidłowo, należy zadbać o równomierne rozłożenie ciężaru na obie nogi i proste plecy. Należy szczególnie kontrolować nawet postawę, pochylanie się utrudnia prawidłowe oddychanie i prowadzi do zwężeń. Małemu dziecku Trudno jest zapanować nad ciałem, grając na instrumencie można wyprostować kręgosłup, opierając się plecami o ścianę.

Prawidłowa pozycja ciała jest najważniejszym warunkiem dobrej kontroli oddechu, jest podstawą prawidłowej inscenizacji i ma ogromny wpływ na wszystkie obszary wytwarzania dźwięku.

Aby ramiona, ramiona i oddech były swobodne, musisz przestrzegać kilku zasad:

1. Stopy powinny być rozstawione na szerokość barków, ale w taki sposób, aby lewa noga był trochę do przodu.
2. Wzrok powinien być skierowany przed siebie.
3. Głowa swobodnie balansuje na kręgosłupie.
4. Szyja jest wolna.
5. Kolana są lekko sprężyste.

Najważniejsze, że ciało dziecka znajduje się w naturalnej pozycji.

Zanim dasz dziecku instrument, musisz wyjaśnić mu zasady oddychania i wykonać kilka ćwiczeń, ponieważ kontrola nad równomiernym przepływem powietrza jest bardzo ważna dla prawidłowego wytwarzania dźwięku.

Podczas gry na wszystkich instrumentach dętych wykonawca musi stosować oddychanie brzuszne (mieszane). Tylko przy oddychaniu mieszanym możliwe jest maksymalne wykorzystanie wszystkich mięśni oddechowych, ułatwiając realizację pełnego, głębokiego wdechu i długiego, aktywnie kontrolowanego wydechu, co jest jednym z głównych warunków powstawania i wytwarzania dźwięku. Nieprawidłowa praca mięśni wpływa na dźwięk i jego produkcję. W wdechu wykonawczym biorą udział zewnętrzne mięśnie międzyżebrowe i przepona. Najpierw powinieneś nauczyć się kontrolować swój oddech bez użycia narzędzi.

Yu Dołżikow. Metodologia. 1. Wykonywanie techniki oddechowej. Wydawnictwo „DEKA-VS”. Moskwa 2004.

Pierwszą rzeczą, której musisz się nauczyć, jest wdech składający się z trzech etapów: połóż rękę na brzuchu, napełnij dolną część płuc i poczuj, jak mięśnie brzucha ją wypychają. Następnie wypełnij środkową część powietrzem, rozszerzając żebra. Na koniec wypełnij górną część płuc, wypychając górną klatkę piersiową do przodu. Jednocześnie musisz upewnić się, że ramiona nie unoszą się. Dziecko musi nauczyć się brać taki oddech powoli i ciągle, czując, jak powietrze jest równomiernie rozprowadzane we wszystkich częściach płuc.

Aby zasady oddychania były bardziej zrozumiałe dla małego ucznia, należy zwrócić dużą uwagę nie tylko na prawidłowy wdech, ale także wydech. Długi, przedłużony wydech należy opanować poprzez ćwiczenia wizualne, które pozwalają kontrolować przepływ powietrza. Tutaj jest kilka z nich:

1. Połóż kawałek waty na stole i dmuchaj w niego tak, aby poruszał się po stole w różnych kierunkach. Za każdym razem będzie to wymagało innej energii powietrza.
2. Wypuść całe powietrze, poczekaj kilka sekund, aż ciało samo powie Ci, że musisz wziąć wdech. Wdychanie powinno być powolne, jak opisano powyżej. Następnie zrób powolny wydech, równomiernie wsłuchując się w szum powietrza.
3. Biorąc głęboki wdech, zatrzymaj powietrze w płucach na kilka sekund. Następnie zaciskając usta, jakby do gwizdania (wymawiając literę „yu”), wypuść mocno strumień powietrza na dłoń, nie wydymając policzków. Dłoń jest potrzebna do wyczucia wydmuchiwanego strumienia powietrza i kontrolowania jego równomierności.
4. Biorąc cienką papierową chusteczkę, przyłóż ją do ściany. Weź także głęboki wdech i zaciskając usta do gwizdania, dmuchnij w chusteczkę tak, aby strumień powietrza jak najdłużej przytrzymał chusteczkę przy ścianie.

Podobne doznania czekają dziecko grające na flecie.

Po opanowaniu ułożenia ciała i podstaw oddychania przeponą należy przystąpić do ustawiania zadęcia.

Dmuchając w papierową chusteczkę, rozpoczęliśmy już zatem przygotowanie zadęcia.

Usta są najważniejszym narządem podczas gry na flecie. Od prawidłowego ułożenia zadęcia zależy barwa instrumentu, pełnia i głębia dźwięku.

Bezpośrednio przed wydobyciem pierwszych dźwięków należy wyjaśnić uczniowi, jak prawidłowo uformować strumień powietrza.

Jednym z głównych zadań zadęcia jest utworzenie w ustach szczeliny, przez którą powietrze może skutecznie przedostawać się do fletu. Tu jest kilka proste zasady których należy przestrzegać, aby prawidłowo wydobyć dźwięk:

1. Szczęka powinna być lekko opuszczona na odległość ugryzionego małego palca.
2. Usta wymawiają literę „yu”, tworząc jakby mały pień.
3. Górna warga kieruje strumień powietrza na zewnętrzną krawędź nawiewnika.
4. Wargi są wolne i łatwo dotykają instrumentu.

Strumień powietrza powinien przypominać strumień wydmuchiwany ze słomy. Jako wizualny przykład możesz poprosić ucznia, aby dmuchnął przez słomkę na rękę, a następnie dmuchał bez niej z tymi samymi wrażeniami.

Poruszając dolną szczęką, można zmienić kierunek strumienia powietrza, ale jednocześnie szczelina w ustach musi zachować swój kształt.

Możesz poprosić dziecko, aby dmuchało w Twoją dłoń, zmieniając kierunek strumienia (góra, dół). W takim przypadku musisz kontrolować równomierny przepływ powietrza.

W końcu dotarliśmy do właściwej ekstrakcji dźwięku.

W żadnym wypadku nie należy podawać uczniowi natychmiast cały instrument. Dziecko może być zdezorientowane, bardzo trudno będzie mu zapanować nad wszystkimi doznaniami i monitorować prawidłową pozycję ciała, ramion, ust i wykonywanie oddechu.

Głowa, a właściwie wewnętrzna krawędź otworu „gąbki”, umieszczona jest na tzw. linii pomiędzy brodą a wargą. Otwór powinien znajdować się na środku wargi, czyli pod czubkiem nosa. Otwór powinien być zamknięty w około 1/3, pozostawiając 2/3 otwarte, aby można było go wypełnić powietrzem wydobywającym się z otworu nadmuchowego.

Po wszystkich przygotowaniach opisanych powyżej powinieneś spróbować wydać dźwięk na głowie. Stosując prawidłowy wdech i wydech, powinieneś starać się wydać długi, równy dźwięk. Z reguły nie każdemu udaje się wydać pierwszy dźwięk za pierwszym razem, czasem potrzeba kilku lekcji.

Aby zapewnić dziecku większą frajdę zabawę na głowie i naukę wydawania wyraźnych dźwięków, możesz dodać do lekcji elementy zabawy. Na przykład, jeśli palcem wskazującym uderzysz w otwór w rurce, możesz imitować „indyjski krzyk”. A jeśli poruszysz palcem wewnątrz tuby, możesz zmienić wysokość dźwięku, pojawi się imitacja syreny, lub jeśli całkowicie zamkniesz otwór tuby dłonią prawej ręki, uzyskasz niski , stłumiony dźwięk.

Dopiero gdy dziecko opanuje wszystkie opisane powyżej techniki i będzie mogło z łatwością grać na główce fletu, a dźwięk będzie czysty, pozbawiony cierni, może przystąpić do artykulacji.

Najbardziej znane i popularne sylaby artykulacyjne w praktyce wykonawczej to: tu, ta, te, ti, du, tak, du, de. Na początkowym etapie lepiej używać obu. Możesz nauczyć się grać proste piosenki z jednym dźwiękiem (na przykład „Andrey to wróbel”) lub zmieniając wysokość dłoni, odtwarzać piosenki z dwoma dźwiękami (na przykład „Kukułka”).

Gdy dziecko opanuje wszystkie powyższe, możesz zacząć ćwiczyć na całym, złożonym flecie.

Aby uczeń opanował podstawy prawidłowego pozycjonowania, lepiej poćwiczyć przed lustrem.

Główna zasada prawidłowego ułożenia dłoni podczas gry opiera się na równowadze. Aby ciało ucznia nie uległo uszczypnięciu, a ramiona, łokcie, ramiona i usta pozostały wolne, należy pamiętać o punktach podparcia fletu (miejscach, w których trzyma się flet).

Głównym punktem podparcia jest palec wskazujący lewej ręki. Prawidłowe ułożenie palców i dłoni pozwoli racjonalnie rozłożyć siłę lewej ręki w celu podparcia fletu.

Twój palec wskazujący powinien wyglądać tak angielski list„S” i umieszczony nieco pod fletem, powinien opierać się o korpus fletu bokiem, a nie wnętrzem.

Kciuk lewej ręki jest swobodnie wyprostowany, pozostałe palce lewej ręki są zaokrąglone i znajdują się blisko zaworów.

Następnym punktem odniesienia jest kciuk prawej ręki. Powinien znajdować się w pozycji wyprostowanej mniej więcej pod palcem wskazującym i znajdować się nieco za rurką fletu. Funkcjonować kciuk- podeprzyj flet od dołu. Pozostałe palce prawej ręki powinny być lekko zaokrąglone i blisko zaworów. Podczas układania rąk głównym zadaniem nauczyciela jest dopilnowanie, aby uczeń nie naciskał palcami na zawory i nie ściskał dłoni. Znajdź dobrą i wygodną pozycję dłoni początkowe etapyĆwiczenie gry na flecie nie jest łatwym zadaniem. Tylko wtedy, gdy pozycja ciała, głowy, szyi i ramion będzie w równowadze, flet nie zsunie się z brody, a palce pozostaną wolne.

Teraz możesz stopniowo uczyć się nut i piosenek. Najważniejsze jest, aby kontynuować pracę nad wzmocnieniem oddechu, zadęcia i rozwijaniem płynności palców. Na początkowym etapie nauki nie spiesz się, aby komplikować studiowany materiał, obciążenie powinno mieścić się w możliwościach małego ucznia.

Gra na instrumencie dętym wymaga dobrej koordynacji, jednoczesnej pracy oddechowej, języka, palców i zadęć.

Poza tym do opanowania gry na instrumencie potrzeba dobra trening fizyczny. Aby zajęcia były bardziej produktywne, dziecko musi angażować się w wychowanie fizyczne. Basen doskonale sprzyja rozwojowi narządów oddechowych, mięśni i postawy.

Z punktu widzenia treningu praca aparatu wykonawczego sprowadza się do:

1. Nauczyciel podczas zajęć zabiega o celowe ruchy ucznia, bazując na własnych wyobrażeniach na temat natury brzmienia instrumentu i związanej z nim pracy mięśni. Z wrażeń słuchowych i mięśniowych, przechowywanych w pamięci, powstaje złożona umiejętność, która przekształca się w reprezentację.
2. Percepcja figuratywna(wizualna lub słuchowa) przywołuje z pamięci odpowiednią reprezentację, która przywołuje ukształtowaną umiejętność do działania - wydobywany jest dźwięk.
3. Następuje analiza słuchowa i motoryczna wydobytego dźwięku i na jej podstawie następuje niezbędne dostosowanie umiejętności.

Innymi słowy, musisz najpierw wyobrazić sobie nutę lub sekwencję, którą chcesz zagrać, a następnie dokładnie przygotować aparat wykonawczy i znaleźć odpowiednie wrażenia z gry. Dopiero wtedy obiektywnie możliwe staje się wydobycie kontrolowanego dźwięku lub sekwencji.

Praca i rozwój aparatu wykonawczego jest możliwa tylko jako jedna całość. Dokładna intonacja, swoboda i melodyjność dźwięku to naturalne kryteria jego prawidłowego działania.

Lekcje z małymi uczniami, ich pierwsza znajomość z instrumentem, pierwsze kroki powinny być ciekawe i ekscytujące. Aby praca nad początkową produkcją przebiegała pomyślnie, nauczyciel musi zainteresować ucznia, zachwycić go, nie stracić najważniejszej rzeczy w szczegółach i znać ścieżkę, którą musi poprowadzić ucznia. Musisz więc nie tylko wyobrazić sobie efekt końcowy, ale także dokładnie wiedzieć, jak go osiągnąć.

Używane książki:

1. Rogala-Liwickiego „Nowoczesna Orkiestra”.
2. Peter-Lucas Graf „20 ćwiczeń podstawowych”.
3. Jurij Dołżikow „Teczka z nutami flecisty. Notatnik 1. Metodologia, ćwiczenia, szkice.”
4. Barbara Giesler-Haase „Czarodziejski flet” – technika dla początkujących.

Przez większą część Języki europejskie odpowiednikami naszego słowa „gamma” będą słowa „stopnie” lub „schody”, co odsłania istotę tej koncepcji. W końcu skala to ciąg grup nut, które można zagrać na dowolnym instrumencie. Celem jego wykonania jest nie tylko pomoc w zrozumieniu kompozycji interwałowej utworu kierunkowego lub skala niewielka, ale także trenuje koordynację rąk, doskonalenie techniki, czystości i szybkości.

Aby proces był jak najbardziej efektywny, warto zastosować specjalne pomoc naukowa, które zawierają techniki wykonywania gam, które stały się niemal uniwersalne.

Dlatego palcowanie dostępne w podręczniku najprawdopodobniej okaże się bardzo wygodne, ponieważ przetestowało je już na sobie wiele pokoleń muzyków.
Ucząc się skal na każdym konkretnym instrumencie, początkujący wykonawca prawdopodobnie napotka charakterystyczne trudności. Aby grać dalej instrument smyczkowy Bardzo ważne jest, aby znaleźć wygodną pozycję, ponieważ ten sam dźwięk można wydobyć na dwóch lub trzech strunach. Aby to zrobić właściwy wybór strunach należy wziąć pod uwagę aktualne położenie wskazówek, czyli w jaką pozycję gaj zostanie odbudowany oraz położenie struny po nucie, czyli do jakiej pozycji trzeba będzie się przesunąć po odtwarzany jest dźwięk. Jeżeli dłonie muzyka mają inny kształt i rozmiar niż standardowe, należy zrobić wyjątek i obliczyć palcowanie bezpośrednio w momencie analizy i wykonania gamy.

Inaczej jest w przypadku instrumentów dętych, gdyż grając na nich, wiele nut robi się metodą „overblowing”, czyli np. aby wydobyć „C” z drugiej oktawy, muzyk musi zastosować strumień powietrza większej siły.

Fortepian ma swoje specjalne podejście do nauki skal, które obejmuje trzy etapy. Na początku uczymy się partii na każdą rękę osobno – na prawą, lewą, a potem razem. Jedno z najczęstszych palcowań przy graniu gam jest następujące: pierwszy palec znajduje się na pierwszym, trzeci na trzecim, a następnie pierwszy palec na czwartym. W przypadku skali większej niż jedna oktawa, weź pierwszy palec lub piąty dla górnej prima. Palcowanie alternatywne opiera się na zasadzie, że na czarnych klawiszach nie można grać pierwszym i piątym palcem i w takim przypadku jest ono dobierane indywidualnie dla wykonawcy.

Jak nauczyć się skal

http://site/assets/modules/svensoft-social-share-buttons/images/placeholder.png

W większości języków europejskich odpowiednikami naszego słowa „gamma” będą słowa „stopnie” lub „schody”, co odsłania istotę tej koncepcji. W końcu skala to ciąg grup nut, które można zagrać na dowolnym instrumencie. Celem jego wykonania jest nie tylko pomoc w zrozumieniu kompozycji interwałowej gamy durowej lub molowej, ale także ćwiczenie koordynacji rąk, doskonalenie techniki, […]