Na początku grudnia 2011 r. na rosyjskich aukcjach w Londynie ustanowiono nowe rekordy cen. Podsumowując wyniki roku, opracowaliśmy listę najdroższych prac artystów rosyjskich na podstawie wyników sprzedaży aukcyjnej.

33 najdroższych k. Źródło: 33 najdroższych k.

Według ocen najdroższym rosyjskim artystą jest Mark Rothko. Jego Białe Centrum (1950), sprzedany za Ponadto 72,8 miliona dolarów zajmuje 12. miejsce na liście najdroższych obrazów na świecie. Jednak Rothko był Żydem, urodził się na Łotwie i opuścił Rosję w wieku 10 lat. Czy to jest sprawiedliweo podobnym rozciągnięciu pościg dla ewidencji? Dlatego Rothko, a także inni emigranci, którzy opuścili Rosję zanim zostali artystami (np. Tamara Łempicki i Chaim Soutine), usunęliśmy z listy.

Nr 1. Kazimierz Malewicz – 60 milionów dolarów

Autor „Czarnego kwadratu” jest osobą zbyt ważną, by jego prace często można było znaleźć na wolnym rynku. Więc to zdjęcie trafiło na aukcję w bardzo trudny sposób. W 1927 r. Malewicz, przygotowując się do zorganizowania wystawy, przywiózł do Berlina prawie sto prac ze swojego leningradzkiego warsztatu. Został jednak pilnie odwołany do ojczyzny i zostawił je do przechowywania architektowi Hugo Heringowi. Ocalił obrazy w trudnych latach faszystowskiej dyktatury, kiedy mogły one zostać zniszczone jako „sztuka zdegenerowana”, a po śmierci Malewicza w 1958 roku sprzedał je Państwowemu Muzeum Stedelek (Holandia).

Na początku XXI wieku prawie czterdziestoosobowa grupa spadkobierców Malewicza wszczęła postępowanie sądowe - ponieważ Hering nie był prawnym właścicielem obrazów. W rezultacie muzeum podarowało im ten obraz, a kolejne cztery, co z pewnością wywoła sensację na jakiejś aukcji. W końcu Malewicz jest jednym z najbardziej kutych artystów na świecie, a pochodzenie obrazów z Muzeum Stedelek jest bez zarzutu. A w styczniu 2012 roku spadkobiercy otrzymali kolejny obraz z tej berlińskiej wystawy, zabierając go ze szwajcarskiego muzeum.

#2 Wassily Kandinsky – 22,9 miliona dolarów

Na cenę aukcyjną sztuki wpływa jej reputacja. To nie tylko wielkie nazwisko artysty, ale także „pochodzenie” (pochodzenie). Rzecz ze słynnej prywatnej kolekcji lub dobrego muzeum jest zawsze droższa niż praca z anonimowej kolekcji. Fuga pochodzi ze słynnego Muzeum Guggenheima: kiedyś reżyser Thomas Krenz usunął ten Kandinsky, obraz Chagalla i Modiglianiego ze zbiorów muzeum, i wystawił je na sprzedaż. Z jakiegoś powodu za otrzymane pieniądze muzeum pozyskało kolekcję 200 prac amerykańskich artystów konceptualnych. Krenz był bardzo długo skazany za tę decyzję.

To płótno ojca abstrakcjonizmu jest ciekawe, ponieważ ustanowiło rekord w 1990 roku, kiedy sale aukcyjne w Londynie i Nowym Jorku nie były jeszcze wypełnione lekkomyślnymi rosyjskimi kupcami. Dzięki temu, nawiasem mówiąc, nie zniknął w jakiejś bardzo prywatnej kolekcji w luksusowej rezydencji, ale jest na stałe eksponowany w prywatnym Muzeum Beyelera w Szwajcarii, gdzie każdy może go zobaczyć. Rzadka okazja na taki zakup!

Nr 3. Aleksiej Jawlenski - 9,43 mln funtów

Około 18,5 miliona dolarów zapłacił nieznany kupiec za portret przedstawiający dziewczynę z wioski pod Monachium. Shokko to nie imię, ale pseudonim. Modelka, przychodząc do pracowni artysty, każdorazowo prosiła o kubek gorącej czekolady. Więc „Shokko” zakorzenił się za nią.

Sprzedany obraz wchodzi w skład słynnego cyklu „Wyścig”, przedstawiającego chłopstwo domowe pierwszej ćwierci XX wieku. I tak, przedstawianie się z takimi kubkami, że strasznie się na nie patrzeć. Tutaj, w postaci pasterza, ujawnia się chłopski poeta Nikołaj Klujew, poprzednik Jesienina. Wśród jego wierszy są następujące: „W ogniu szkarłatny kwiat stał się głuchy i wyblakły - Jasny bachor odważy się Daleko od ukochanej”.

Nr 19. Konstantin Makowski - 2,03 mln funtów

Makovsky - malarz salonowy, znany z ogromnej liczby głów głogu w kokoshnikach i sundressach, a także malarstwa „Dzieci uciekające przed burzą”, który kiedyś był stale drukowany na prezentowych pudełkach czekoladek. Jego słodkie obrazy historyczne cieszą się stałym popytem wśród rosyjskich nabywców.

Temat tego obrazu- staroruski „obrzęd całowania” Szlachetnym kobietom w starożytnej Rosji nie wolno było opuszczać kobiecej połowy i tylko ze względu na honorowych gości mogły wyjść, przynieść filiżankę i (najprzyjemniejsza część) pozwolić się pocałować. Zwróć uwagę na obraz wiszący na ścianie: to wizerunek cara Aleksieja Michajłowicza, jeden z pierwszych portretów jeździeckich, które pojawiły się w Rosji. Jego skład, choć bezczelnie skopiowany z modelu europejskiego, został uznany za niezwykle nowatorski, a nawet szokujący jak na tamte czasy.

nr 20. Światosław Roerich - 2,99 mln USD

Syn Mikołaja Roericha jako nastolatek opuścił Rosję. Mieszkał w Anglii, USA, Indiach. Podobnie jak jego ojciec interesował się filozofią Wschodu. Podobnie jak jego ojciec namalował wiele obrazów o tematyce indyjskiej. Ogólnie rzecz biorąc, jego ojciec zajmował ogromne miejsce w jego życiu - namalował ponad trzydzieści swoich portretów. Ten obraz powstał w Indiach, gdzie klan osiadł w połowie wieku. Obrazy Światosława Roericha rzadko pojawiają się na aukcjach, a w Moskwie dzieła słynnej dynastii można zobaczyć w salach Muzeum Wschodu, do którego prezentowali je autorzy, a także w muzeum muzealnym „Międzynarodowe Centrum Roerichs”, który znajduje się w luksusowej posiadłości szlacheckiej tuż za Muzeum Puszkina. Oba muzea nie bardzo się lubią: Muzeum Orientu rości sobie prawo zarówno do budynku, jak i do zbiorów Centrum Roericha.

Nr 21 Iwan Szyszkin – 1,87 mln funtów

Główny rosyjski malarz pejzażowy spędził trzy kolejne lata na Wałaam i pozostawił wiele obrazów tego obszaru. Ta praca jest trochę ponura i nie wygląda jak klasyczny Shishkin. Wyjaśnia to jednak fakt, że obraz należy do jego wczesnego okresu, kiedy nie szukał po omacku ​​swojego stylu i był pod silnym wpływem szkoły krajobrazu w Düsseldorfie, w której studiował.

Wspomnieliśmy już o tej szkole w Düsseldorfie powyżej, w przepisie na fałszywego „Aiwazowskiego”. " Szyszki” są wykonane według tego samego schematu, na przykład w 2004 roku o godz Sotheby's wystawił „Pejzaż ze strumieniem" malarza z okresu Düsseldorfu. Wyceniono go na 1 milion dolarów i potwierdzono badaniem Galerii Trietiakowskiej. Na godzinę przed sprzedażą działka została usunięta - okazało się, że jest to obraz innego ucznia tej szkoły, Holendra Marinus Adriana Kukkuka, kupionego w Szwecji za 65 tys. dolarów.

Nr 22. Kuzma Pietrow-Wodkin - 1,83 mln funtów

W prywatnej kolekcji w Chicago znaleziono portret chłopca z ikoną Matki Boskiej. Po przekazaniu go do domu aukcyjnego eksperci rozpoczęli badania mające na celu ustalenie jego pochodzenia. Okazało się, że obraz był na wystawach w 1922 i 1932 roku. W latach 30. prace artysty podróżowały po Stanach w ramach wystawy sztuki rosyjskiej. Być może właśnie wtedy właściciele nabyli ten obraz.

Zwróć uwagę na pustą przestrzeń na ścianie za chłopcem. Początkowo autor chciał napisać tam okno z zielonym pejzażem. Zrównoważyłoby to obraz zarówno pod względem kompozycyjnym, jak i kolorystycznym – trawa miałaby coś wspólnego z zieloną tuniką Matki Boskiej (swoją drogą, według kanonu powinna być niebieska). Nie wiadomo, dlaczego Pietrow-Wodkin namalował okno.

Nr 23. Nicholas Roerich - 1,76 mln funtów

Przed wizytą w Szambali i rozpoczęciem korespondencji z Dalajlamą Mikołaj Konstantinowicz Roerich z powodzeniem specjalizował się w tematyce staroruskiej, a nawet wykonywał szkice baletowe do sezonów rosyjskich. Sprzedana partia należy do tego okresu. Przedstawiona scena to wspaniałe zjawisko nad wodą, które obserwuje rosyjski mnich, najprawdopodobniej Sergiusz z Radoneża. Ciekawe, że obraz powstał w tym samym roku, co kolejna wizja Sergiusza (wówczas młodzieńca Bartłomieja), pojawiająca się w naszym zestawieniu powyżej. Różnica stylistyczna jest ogromna.

Roerich namalował wiele obrazów i lwią część z nich - w Indiach. Kilka prac podarował Indyjskiemu Instytutowi Badań Rolniczych. Ostatnio dwa z nich, „Himalaya, Kanchenjunga” i „Sunset, Kashmir pojawił się na aukcji w Londynie. Dopiero wtedy młodsi badacze Instytutu zauważyli, że zostali okradzeni. W styczniu 2011 roku Indianie zwrócili się do londyńskiego sądu o pozwolenie na zbadanie zbrodni w Anglii. Zainteresowanie złodziei dziedzictwem Roericha jest zrozumiałe, ponieważ istnieje zapotrzebowanie.

Nr 24. Ljubow Popowa - 1,7 miliona funtów

Ljubow Popowa zmarła młodo, więc nie zdobyła sławy jak inna amazońska awangarda Natalia Gonczarowa. Tak, a jej spuścizna jest mniejsza - dlatego trudno znaleźć jej pracę na sprzedaż. Po jej śmierci sporządzono szczegółowy inwentarz obrazów. Ta martwa natura znana była przez wiele lat jedynie z czarno-białej reprodukcji, aż trafiła do prywatnej kolekcji, stając się najważniejszym dziełem artysty w prywatnych rękach. Zwróć uwagę na tacę Zhostovo - być może jest to wskazówka gustu Popowej w rzemiośle ludowym. Pochodziła z rodziny kupca z Iwanowa zajmującego się tkaninami i sama stworzyła wiele szkiców tkanin propagandowych opartych na rosyjskich tradycjach.

Nr 25. Aristarkh Lentulov - 1,7 miliona funtów

Lentułow wszedł do historii rosyjskiej awangardy z niezapomnianym wizerunkiem soboru Wasyla Błogosławionego - albo kubizm, albo patchworkowa kołdra. W tym pejzażu próbuje w podobny sposób rozbić przestrzeń, ale nie wychodzi to tak ekscytująco. Właściwie zatem Bazyli Błogosławiony» w Galerii Trietiakowskiej i na tym zdjęciu- na rynku sztuki. Mimo to, kiedyś pracownicy muzeum mieli okazję zgarnąć śmietankę.

Nr 26. Aleksiej Bogolubow - 1,58 mln funtów

Sprzedaż tego mało znanego artysty, choć ulubionego pejzażysty cara Aleksandra III, za tak szalone pieniądze jest symptomem szaleństwa rynku w przededniu kryzysu 2008 roku. Wtedy rosyjscy kolekcjonerzy byli gotowi kupić nawet drobnych mistrzów. Co więcej, artyści pierwszej klasy rzadko się sprzedają.

Być może ten obraz został wysłany jako prezent do jakiegoś urzędnika: ma odpowiednią fabułę, ponieważ Katedra Chrystusa Zbawiciela już dawno przestała być tylko kościołem i stała się symbolem. I pochlebne pochodzenie - obraz był przechowywany w pałacu królewskim. Zwróć uwagę na szczegóły: ceglana wieża Kremla pokryta jest białym tynkiem, a wzgórze wewnątrz Kremla jest całkowicie nieumeblowane. Po co zawracać sobie głowę próbowaniem? W latach 70. XIX wieku stolicą był Petersburg, a nie Moskwa, a Kreml nie był rezydencją.

Nr 27. Izaak Lewitan – 1,56 mln funtów

Całkowicie nietypowe dla Lewitana dzieło zostało sprzedane na tej samej aukcji, co obraz Bogolubowa, ale okazało się, że jest tańsze. Wynika to oczywiście z faktu, że zdjęcie nie wygląda jak „Levitan ”. Jej autorstwo jest jednak niepodważalne, podobna fabuła znajduje się w Muzeum Dniepropietrowskim. 40 000 żarówek, którymi ozdobiono Kreml, zapalono na cześć koronacji Mikołaja II. Za kilka dni dojdzie do katastrofy Hodynki.

Nr 28. Arkhip Kuindzhi - 3 miliony dolarów

Słynny pejzażysta namalował trzy podobne obrazy. Pierwsza znajduje się w Galerii Trietiakowskiej, trzecia w Państwowym Muzeum Białorusi. Drugi, prezentowany na aukcji, przeznaczony był dla księcia Pawła Pawłowicza Demidow-San Donato. Ten przedstawiciel słynnej dynastii Ural mieszkał w willi pod Florencją. Ogólnie rzecz biorąc, Demidovowie, którzy zostali włoskimi książętami, bawili się najlepiej, jak potrafili. Na przykład wuj Pawła, od którego odziedziczył tytuł książęcy, był tak bogaty i szlachetny, że ożenił się z siostrzenicą Napoleona Bonaparte i pewnego dnia wychłostał ją w złym humorze. Biedna pani walczyła o rozwód. Obraz jednak nie dotarł do Demidowa, został nabyty przez ukraińską cukrownię Tereszczenko.

Nr 29. Konstantin Korovin - 1,497 mln funtów

Impresjoniści nieodłącznym elementem jest bardzo „lekki”, szeroki styl pisania. Korovin jest głównym rosyjskim impresjonistą. Jest bardzo popularny wśród oszustów; według plotek liczba podróbek na aukcjach sięga 80%. Jeśli obraz z prywatnej kolekcji został wystawiony na osobistej wystawie artysty w słynnym muzeum państwowym, to jego reputacja zostaje wzmocniona, a na następnej aukcji kosztuje znacznie więcej. W 2012 roku Galeria Tretiakowska planuje wielkoformatową wystawę Korowina. Może będą prace z prywatnych kolekcji. Ten akapit jest przykładem manipulacji umysłem czytelnika na przykładzie wyliczenia faktów, które nie mają ze sobą bezpośredniego logicznego związku.

• Należy pamiętać, że od 26 marca do 12 sierpnia 2012 Galeria Trietiakowska obiecuje zorganizowaćWystawa Korovina . Przeczytaj więcej o biografii najbardziej uroczych artystów Srebrnego Wieku. w naszej recenzji wernisaże Państwowej Galerii Trietiakowskiej w 2012 roku.

Nr 30. Jurij Annenkow – 2,26 mln USD

Annienkow zdołał wyemigrować w 1924 roku i zrobił dobrą karierę na Zachodzie. Na przykład w 1954 był nominowany do Oscara jako projektant kostiumów do filmu "Pani de..." Najsłynniejszy z jego wczesnych portretów sowieckich- twarze są kubistyczne, fasetowane, ale całkowicie rozpoznawalne. Na przykład wielokrotnie rysował w ten sposób Lwa Trockiego – a nawet powtórzył rysunek wiele lat później z pamięci, gdy magazyn „Times” chciał nim ozdobić okładkę.

Postać przedstawiona na portrecie płytowym to pisarz Tichonow-Sierebrow. Do historii literatury rosyjskiej wszedł głównie dzięki bliskiej przyjaźni. Tak blisko, że według brudnych plotek żona artysty Varvara Shaikevich urodziła nawet córkę wielkiego proletariackiego pisarza. Na reprodukcji jest to mało widoczne, ale portret wykonany jest techniką kolażu: szkło i tynk pokrywają warstwę farby olejnej, a nawet przymocowany jest prawdziwy dzwonek do drzwi.

#31 Lew Lagorio – 1,47 mln GBP

Kolejny pomniejszy malarz pejzażowy, z jakiegoś powodu sprzedany za rekordową cenę. Jednym ze wskaźników sukcesu aukcji jest przekroczenie oszacowania („wycena”) – minimalna cena, jaką eksperci domu aukcyjnego ustalili za przedmiot. Szacunek tego krajobrazu wynosił 300-400 tysięcy funtów i był sprzedawany 4 razy drożej. Jak powiedział jeden z londyńskich licytatorów: „Szczęście jest… kiedy dwóch rosyjskich oligarchów rywalizuje o ten sam temat.

Nr 32. Wiktor Wasniecow - 1,1 mln funtów

Bogatyrowie stali się wizytówką w latach 70. XIX wieku. Wraca do swojego gwiezdnego tematu, podobnie jak inni weterani malarstwa rosyjskiego, w latach młodej republiki sowieckiej – zarówno ze względów finansowych, jak i po to, by znów poczuć popyt. To zdjęcie jest powtórzeniem autora "Ilya Muromets" (1915), który znajduje się w Domu-Muzeum Artysty (przy Prospekcie Mira).

Nr 33. Eric Bułatow - 1,084 mln funtów

Drugi żyjący artysta na naszej liście (powiedział też, że najlepszym sposobem dla artysty na podniesienie ceny swojej pracy jest śmierć). Nawiasem mówiąc, to sowiecki Warhol, podziemny i antykomunistyczny. Pracował w gatunku Sots Art, który powstał w sowieckim podziemiu, jako nasza wersja Pop Artu. „Chwała KPZR” to jedno z najsłynniejszych dzieł artysty. Według jego własnych wyjaśnień litery tutaj symbolizują kratę, która blokuje przed nami niebo, czyli wolność.

Premia: Zinaida Serebryakova - 1,07 miliona funtów

Serebryakova uwielbiała malować nagie kobiety, autoportrety i czworo dzieci. Ten idealny świat feministyczny jest harmonijny i spokojny, czego nie można powiedzieć o życiu samej artystki, która z trudem uciekła z Rosji po rewolucji i poświęciła wiele energii, aby stamtąd wydostać swoje dzieci.

„Akt” nie jest obrazem olejnym, ale pastelowym rysunkiem. To najdroższy rosyjski rysunek. Tak wysoka kwota zapłacona za grafikę jest porównywalna z cenami rysunków impresjonistów i wywołała wielkie zaskoczenie w Sotheby's, który zaczął handlować z 150 000 funtów i otrzymał milion.

Lista opiera się na cenach wskazanych na oficjalnych stronach internetowych domów aukcyjnych. Ta cena jest sumą wartości netto (wyrażonej, gdy młotek spada) i« Premia kupującego” (dodatkowy procent domu aukcyjnego). Inne źródła mogą wskazywać "czysty» Cena £. Kurs wymiany dolara do funta często się waha, więc brytyjskie i amerykańskie loty są rozmieszczone względem siebie z przybliżoną dokładnością (nie jesteśmy Forbesem).

Mile widziane są uzupełnienia i poprawki do naszej listy.

Portal Artprice co roku publikuje listę najdroższych artystów świata, których prace są sprzedawane na aukcjach za zawrotne sumy. Z reguły ta ocena zawiera nazwiska znanych malarzy i rzeźbiarzy, których ceny za pracę mogą przyprawić o zawrót głowy. W pierwszej dziesiątce rankingu Artprcie znaleźli się tacy mistrzowie jak: Claude Monet, Qi Baishi, Alberto Giacometti i Jeff Koons. W 2014 roku prace dziesięciu najdroższych artystów i rzeźbiarzy zostały sprzedane na aukcji za 2,7 miliarda dolarów. Najdroższa praca, rzeźba „Rydwan” Giacomettiego, trafiła pod młotek za 90 milionów dolarów. Chcesz wiedzieć, kto znalazł się w pierwszej piątce najdroższych artystów na świecie? Przeczytaj nasz post.

10 ZDJĘĆ

Materiał powstał przy wsparciu internetowego hipermarketu kreatywności http://rosa.ua/catalog/s1161_molberti/, który oferuje szeroką gamę sztalug najpopularniejszych typów.

1. Piąte miejsce wśród najdroższych artystów świata zajmuje Mark Rothko – amerykański artysta, przedstawiciel abstrakcyjnego ekspresjonizmu, a także twórca „color field painting”. W ubiegłym roku jego prace zostały sprzedane na aukcji za łącznie 249,2 mln dolarów, a najdroższe z nich trafiły pod młotek za 59 mln dolarów. (Zdjęcie: Getty Images).
2. Najdroższym obrazem Marka Rothko jest „Orange, Red, Yellow” (na zdjęciu), który został sprzedany w Christie's w maju 2012 roku za 77,5 miliona dolarów. (Zdjęcie: Jeremy Yoder/flickr.com). 3. Czwarte miejsce w rankingu zajął Gerhard Richter - to jedyny żyjący artysta, który znalazł się w pierwszej piątce najdroższych mistrzów świata. Zaskakuje nie tyle wysoką pozycją w rankingu, co swoją pracą, którą generalnie trudno sklasyfikować. Nic więc dziwnego, że jego prace cieszą się dużą popularnością i są sprzedawane na aukcjach za coraz wyższe kwoty. (Zdjęcie: Getty Images).
4. W 2014 roku sprzedano łącznie 258 dzieł Gerharda Richtera za łączną wartość 254,3 mln USD. Jego najdroższym dziełem był Abstraktes Bild z 1989 roku (na zdjęciu), który w lutym sprzedał się w Christie's za 28,7 miliona dolarów.
5. Trzecie miejsce wśród najdroższych artystów świata zajął Francis Bacon, irlandzki artysta samouk. W zeszłym roku sprzedano 122 obrazy za 270 milionów dolarów. (Zdjęcie: Getty Images).
6. Najdroższym obrazem Francisa Bacona był tryptyk Trzy szkice do portretu Luciana Freuda (1969), który trafił pod młotek w 2013 roku za 142,4 miliona dolarów. Jest to obecnie najdroższe dzieło sztuki w historii rynku aukcyjnego. (Zdjęcie: Garrett Bithell/flickr.com).
7. Na drugim miejscu w rankingu najdroższych artystów świata jest Pablo Picasso, którego prace sprzedano w ubiegłym roku za 375 milionów dolarów. (Zdjęcie: Getty Images).
8. Najdroższym dziełem Pabla Picassa i trzecim na liście najdroższych obrazów świata jest „Nude, Green Leaves and Bust” (na zdjęciu) z 1932 roku, sprzedany w 2010 roku za 106,5 miliona dolarów. (Zdjęcie: James R fauxtoes/flickr.com).
9. Najdroższym artystą na świecie w 2014 roku był Andy Warhol. Jego obrazy zostały sprzedane za 569,5 miliona dolarów. Dla porównania, takiej wielkości sprzedaży nie udało się osiągnąć w ubiegłym roku na całym francuskim rynku aukcyjnym dzieł sztuki. (Zdjęcie: Getty Images).
10. W 2014 najdroższym obrazem Andy'ego Warhola był Triple Elvis (1963), który został sprzedany na aukcji za 81.9 milionów dolarów. (Zdjęcie: lar3/flickr.com).

Publikacje sekcji muzealnej

7 najdroższych rosyjskich obrazów

W ciągu ostatnich 10 lat twórczość słynnych rosyjskich artystów pobiła wiele rekordów światowych aukcji sztuki. „Culture.RF” opowiada o najdroższych krajowych obrazach według tego roku.

Marka Rothko. „Pomarańczowy, Czerwony, Żółty”, 1969

86,9 miliona dolarów (Christie's, 2012)

Markus Yakovlevich Rotkovich, który urodził się w 1903 roku w obwodzie witebskim, tradycyjnie z roku na rok jest na szczycie wszystkich rankingów sprzedaży „sztuki rosyjskiej”. W wieku 10 lat wyemigrował z rodzicami i dorastał w Stanach Zjednoczonych, gdzie skrócił swoje imię do Marka Rothko i stał się znanym artystą abstrakcyjnym. Rothko zasłynął jako mistrz "malowania pola koloru" - abstrakcji nieobiektywnych, gdzie głównym środkiem wyrazu był efektowny, energetyczny kolor. A „Pomarańczowy, czerwony, żółty” Rothko jest również jednym z dziesięciu najdroższych obrazów na świecie - po arcydziełach Pabla Picassa, Gustava Klimta i Andy'ego Warhola.

Kazimierza Malewicza. „Kompozycja suprematystyczna”, 1916

60 milionów dolarów (Sotheby's, 2008)

Abstrakty Malewicza trafiają do wolnej sprzedaży bardzo rzadko i zazwyczaj w bardzo skomplikowany sposób. Na przykład „Kompozycja suprematystyczna” trafiła na aukcję bezpośrednio z muzeum państwowego. Faktem jest, że w 1927 r. Malewicz, szybko opuszczając Niemcy, pozostawił architektowi Hugo Goeringowi wiele dzieł przywiezionych na wystawę do przechowywania. W 1958 roku spadkobiercy Goeringa, wierząc w żelazną kurtynę, sprzedali je do Stedelijk Museum w Amsterdamie. A w 2008 roku potomkowie Malewicza pozwali muzeum za kilka arcydzieł, ponieważ transakcja była nielegalna.

Chaim Soutine. „Tusza byka”, ok. 1923 r.

28 milionów dolarów (Christie's, 2015)

Pochodzący z województwa smoleńskiego 20-letni Chaim Soutine przeniósł się w 1913 roku do Paryża i został uznanym mistrzem paryskiej szkoły, skupiającej malarzy z wielu krajów. Ten obraz jest częścią serii przedstawiającej wiszące tusze byków. Soutine malował mięso z życia, kupując je w rzeźni, tusze wisiały w warsztacie przez kilka dni i przelewał je świeżą krwią - dla jasności. Sąsiedzi skarżyli się na zapach i leci na policję. Historycy sztuki współczesnej uznają cykl za przełomowy dla sztuki współczesnej ze względu na naturalistyczny charakter obrazu i emocjonalny przekaz.

Wassily Kandinsky. „Malarstwo białymi liniami”, 1913

41,8 miliona dolarów (Sotheby's, 2017)

Wassily Kandinsky namalował tę abstrakcyjną kompozycję w 1913 roku na wystawę w Niemczech, ale obraz nigdy tam nie dotarł, gdy wybuchła I wojna światowa. Po rewolucji październikowej 1917 obraz był przechowywany w funduszach Muzeum Kultury Malarskiej na Wołchonce, następnie w Penzie, a później w Galerii Trietiakowskiej. W 1974 roku płótno trafiło do kolekcjonera Wilhelma Hacka, który zamienił dzieło Kandinsky'ego z rządu sowieckiego na listy od Włodzimierza Lenina. W latach 70. Hack zbudował muzeum dla swojej kolekcji, a „Obraz z białymi liliami” był tam przechowywany aż do aukcji Sotheby’s.

Wassily Kandinsky. "Sztywny i wygięty", 1910

23,3 miliona dolarów (Christie's, 2016)

Obraz nawiązuje do paryskiego okresu twórczości Kandinsky'ego, kiedy po przeprowadzce z Niemiec globalnie zmienił paletę i dodał do niej delikatne odcienie i szarości. Kandinsky pisał, że inspirował się atmosferą Paryża, która przywodziła na myśl deszczowe dni w jego ojczyźnie, Moskwie. Postać po prawej stronie obrazu prawdopodobnie przedstawia spisek uprowadzenia Europy przez byka-Jowisza. Zwolennicy tej teorii uznają nawet postać w samym rogu za szalonego konika morskiego.

Aleksiej Jawleński. „Shokko (Shokko w kapeluszu z szerokim rondem)”, ok. 1910 r.

16,5 miliona dolarów (Sotheby's, 2008)

Kolega Kandinsky'ego z Berlin Blue Rider Art Society, Alexei Yavlensky, który opuścił Rosję w 1896 roku, jest uważany za jednego z założycieli niemieckiego ekspresjonizmu. Obraz przedstawia dziewczynę z wioski pod Monachium, której prawdziwe imię nie jest znane. Zyskała przydomek Schokko za każdym razem, gdy prosiła o filiżankę gorącej czekolady podczas pozowania w zimnym studio. Obraz został namalowany na desce, na której odwrocie znajdował się kiedyś drugi portret dziewczynki - „Shokko w czerwonym kapeluszu”. Artystce udało się podzielić deskę, a „Shokko in a Red Hat” znajduje się dziś w prywatnej kolekcji Nowego Jorku.

Walentyn Sierow. „Portret Marii Tsetliny”, 1910

14,5 miliona dolarów (Christie's, 2014)

Prace Sierowa pojawiają się w sprzedaży tak rzadko, że kupujący prawie o nie walczą. Ten obraz trafił na aukcję w smutnych okolicznościach. Maria Tsetlina, również kolekcjonerka, przekazała swoją kolekcję izraelskiemu miastu Ramat Gan w 1959 roku pod warunkiem, że nowe muzeum sztuki rosyjskiej nosi imię jej i jej męża. Dobry budynek dla tego muzeum przez lata się nie pojawił, a w 2014 roku władze miasta przekazały portret - najdroższy obraz z odziedziczonej kolekcji - na licytację. I robił to potajemnie przed mieszczanami i miejscowymi posłami. Jednak obraz Sierowa został sprzedany za 14,5 miliona dolarów.

Ocena najdroższych dzieł żyjących artystów to konstrukcja, która dużo mniej mówi o roli i miejscu artysty w historii sztuki niż o wieku i zdrowiu

Zasady sporządzania naszej oceny są proste: po pierwsze brane są pod uwagę tylko transakcje z dziełami żyjących autorów; po drugie, brane są pod uwagę tylko publiczne aukcje; i po trzecie, przestrzegana jest zasada „jeden artysta - jedno dzieło” (jeśli dwa rekordy należą do Jonesa w rankingu prac, pozostaje tylko najdroższy, a reszta nie jest brana pod uwagę). Ranking przeprowadzany jest w przeliczeniu na dolary (według kursu z dnia sprzedaży).

1. JEFF KOONS Królik. 1986. 91,075 miliona dolarów

Im dłużej przyglądasz się aukcyjnej karierze Jeffa Koonsa (1955), tym bardziej nabierasz przekonania, że ​​dla pop-artu nie ma rzeczy niemożliwych. Możesz podziwiać rzeźby Koonsa w formie zabawek balonowych lub uznać je za kicz i zły gust - masz rację. Jednej rzeczy nie można zaprzeczyć: instalacje Jeffa Koonsa kosztują szalone pieniądze.

Jeff Koons rozpoczął swoją podróż do sławy jako żyjący artysta odnoszący największe sukcesy w 2007 roku, kiedy jego gigantyczna metalowa instalacja Wiszące serce została kupiona w Sotheby's za 23,6 miliona dolarów.Praca została kupiona przez Larry Gagosian Gallery reprezentującą Koonsa. w prasie, że było to w interesie ukraińskiego miliardera Wiktora Pinczuka.) Galeria nabyła nie tylko instalację, ale w rzeczywistości dzieło sztuki jubilerskiej. 2,7 m waży 1600 kg), ale ma podobny cel. Ponad sześć a pół tysiąca godzin poświęcono na wykonanie kompozycji z sercem pokrytym dziesięcioma warstwami farby, dzięki czemu za efektowną „dekorację” zapłacono gigantyczne pieniądze.

Następna była sprzedaż Purpurowego Kwiatu Balonowego za 12,92 miliona funtów (25,8 miliona dolarów) w Christie's London 30 czerwca 2008 roku. Co ciekawe, siedem lat wcześniej poprzedni właściciele „Kwiata” kupili dzieło za 1,1 mln dolarów.Nietrudno policzyć, że w tym czasie jego cena rynkowa wzrosła prawie 25-krotnie.

Kryzys na rynku sztuki w latach 2008-2009 dał sceptykom powód do pomówienia, że ​​moda na Koonsa przeminęła. Mylili się jednak: wraz z rynkiem sztuki odrodziło się zainteresowanie twórczością Koonsa. Następca tronu króla pop-artu Andy'ego Warhola zaktualizował swój życiowy rekord w listopadzie 2012 roku, sprzedając w Christie's wielobarwną rzeźbę „Tulipany” z serii „Triumph” za 33,7 mln dolarów, w tym prowizję.

Ale „tulipany” były „kwiatami” w sensie dosłownym i przenośnym. Zaledwie rok później, w listopadzie 2013 roku, nastąpiła sprzedaż rzeźby balonowego psa ze stali nierdzewnej (pomarańczowej): cena młotka wyniosła aż 58,4 miliona dolarów! Fantastyczna suma dla żyjącego artysty. Dzieło współczesnego autora zostało sprzedane za cenę obrazu Van Gogha lub Picassa. To były jagody...

Dzięki temu wynikowi Koons przez kilka lat królował w czołówce rankingów żyjących artystów. W listopadzie 2018 na krótko wyprzedził go David Hockney (patrz drugie miejsce w naszym rankingu). Ale zaledwie sześć miesięcy później wszystko wróciło do normy: 15 maja 2019 r. W Nowym Jorku na aukcji sztuki powojennej i współczesnej Christie's wystawił na sprzedaż podręcznikową rzeźbę dla Koonsa w 1986 r. - srebrnego „Królika” wykonany ze stali nierdzewnej, imitujący balon o podobnym kształcie.

W sumie Koons stworzył 3 takie rzeźby plus jeden egzemplarz autorski. Wylicytowano egzemplarz „Królika” nr 2 – z kolekcji kultowego wydawcy Cy Newhouse, współwłaściciela wydawnictwa Conde Nast (czasopisma Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ itp.). Srebrny „Królik” został kupiony przez „ojca przepychu” Cy Newhouse w 1992 roku za imponującą kwotę jak na standardy tamtych lat - 1 milion dolarów. Po 27 latach w zmaganiach 10 oferentów cena młotka rzeźby była 80 razy wyższa niż poprzednia cena sprzedaży. A z prowizją od Premii Kupującego, ostateczny wynik wyniósł rekordową sumę 91,075 miliona dolarów dla wszystkich żyjących artystów.

2. DAVID HOKNEY Portret artysty. Basen z dwiema postaciami. 1972. 90 312 500 $

David Hockney (1937) to jeden z najważniejszych brytyjskich artystów XX wieku. W 2011 roku David Hockney został uznany za najbardziej wpływowego brytyjskiego artystę wszechczasów w ankiecie przeprowadzonej wśród tysięcy profesjonalnych brytyjskich malarzy i rzeźbiarzy. W tym samym czasie Hockney ominął takich mistrzów jak William Turner i Francis Bacon. Jego twórczość z reguły przypisywana jest pop-artowi, choć we wczesnych pracach skłaniał się bardziej ku ekspresjonizmowi w duchu Francisa Bacona.

Urodził się i wychował David Hockney w Anglii, Yorkshire. Matka przyszłego artysty utrzymywała rodzinę w purytańskiej surowości, a jego ojciec, prosty księgowy, który rysował trochę amatorsko, zachęcał syna do malowania. Gdy miał dwadzieścia kilka lat, David przeniósł się do Kalifornii, gdzie mieszkał w sumie przez około trzy dekady. Ma tam jeszcze dwa warsztaty. Hockney uczynił bohaterów swoich dzieł lokalnymi bogaczami, ich wille, baseny, trawniki skąpane w kalifornijskim słońcu. Jedno z jego najsłynniejszych dzieł okresu amerykańskiego - obraz "Splash" - jest obrazem snopa sprayu unoszącego się z basenu po tym, jak człowiek wskoczył do wody. Aby zobrazować ten snop „żyjący” nie dłużej niż dwie sekundy, Hockney pracował przez dwa tygodnie. Nawiasem mówiąc, ten obraz został sprzedany w Sotheby's za 5,4 miliona dolarów w 2006 roku i przez pewien czas był uważany za jego najdroższą pracę.

Hockney (1937) jest już po osiemdziesiątce, ale nadal pracuje, a nawet wynajduje nowe techniki artystyczne, wykorzystując nowinki techniczne. Kiedyś wpadł na pomysł zrobienia ogromnych kolaży ze zdjęć polaroidowych, drukował swoje prace na faksach, a dziś artysta entuzjastycznie opanowuje rysowanie na iPadzie. Obrazy narysowane na tabliczce zajmują należne mu miejsce na jego wystawach.

W 2005 roku Hockney w końcu wrócił ze Stanów do Anglii. Teraz maluje w plenerze iw pracowni ogromne (często kilkuczęściowe) pejzaże okolicznych lasów i nieużytków. Według Hockneya, w ciągu 30 lat spędzonych w Kalifornii, stał się tak nieprzyzwyczajony do prostej zmiany pór roku, że naprawdę go fascynuje i fascynuje. Całe cykle jego ostatnich prac poświęcone są np. temu samemu pejzażowi w różnych porach roku.

W 2018 roku obrazy Hockneya kilkakrotnie przekroczyły granicę 10 milionów dolarów. A 15 listopada 2018 r. W Christie's zarejestrowano nowy absolutny rekord pracy żywego artysty - 90 312 500 USD za obraz „Portret artysty (basen z dwiema figurami)”.

3. GERHARD RICHTER Malarstwo abstrakcyjne. 1986. 46,3 miliona dolarów

Żyjący klasyk Gerhard Richter (1932) zajmuje drugie miejsce w naszym rankingu. Niemiecki artysta był liderem wśród żyjących kolegów, aż do wybicia 58-milionowego rekordu Jeffa Koonsa. Ale jest mało prawdopodobne, aby ta okoliczność mogła wstrząsnąć i tak już żelaznym autorytetem Richtera na rynku sztuki. Według wyników z 2012 roku, roczny obrót aukcyjny niemieckiego artysty ustępuje tylko Andy Warholowi i Pablo Picasso.

Przez wiele lat nic nie zapowiadało sukcesu, jaki teraz padł na Richtera. Artysta przez dziesięciolecia zajmował skromne miejsce na rynku sztuki współczesnej iw ogóle nie aspirował do sławy. Można powiedzieć, że sława sama go wyprzedziła. Wielu uważa, że ​​punktem wyjścia jest zakup przez nowojorskie Muzeum MoMA w 1995 roku serii Richtera z 18 października 1977 roku. American Museum zapłaciło 3 miliony dolarów za 15 obrazów w skali szarości i wkrótce zaczęło myśleć o przeprowadzeniu pełnoprawnej retrospektywy niemieckiego artysty. Wspaniała wystawa została otwarta sześć lat później, w 2001 roku i od tego czasu zainteresowanie twórczością Richtera wzrosło skokowo. Od 2004 do 2008 roku cena jego obrazów potroiła się. W 2010 r. prace Richtera przyniosły już 76,9 mln USD, w 2011 r., według portalu Artnet, wystawione na aukcjach prace Richtera zarobiły łącznie 200 mln USD, a w 2012 r. (wg Artprice) – 262,7 mln USD – więcej niż prace jakiegokolwiek innego inny żyjący artysta.

O ile np. za Jasperem Johnsem przytłaczający sukces na aukcjach towarzyszy głównie tylko utworom wczesnym, tak ostry podział nie jest typowy dla twórczości Richtera: popyt jest równie stabilny na rzeczy z różnych okresów twórczych, których u Richtera było bardzo dużo. kariera. W ciągu ostatnich sześćdziesięciu lat artysta wypróbował się w prawie wszystkich tradycyjnych gatunkach malarskich - portretu, pejzażu, marinie, aktu, martwej naturze i oczywiście abstrakcji.

Historia rekordów aukcyjnych Richtera rozpoczęła się od serii martwych natur „Świece”. 27 fotorealistycznych obrazów świec na początku lat 80., w momencie ich powstawania, kosztowało tylko 15 000 marek niemieckich (5 800 USD) za pracę. Ale nadal nikt nie kupił świec na ich pierwszej wystawie w Galerii Maxa Hetzlera w Stuttgarcie. Wtedy temat obrazów nazwano staroświeckim; Dziś „świece” uważane są za dzieła na zawsze. I kosztują miliony dolarów.

W lutym 2008 „Świeca”, napisany w 1983 roku został niespodziewanie kupiony za £ 7,97 mln (16 mln USD). Ten osobisty rekord trwał trzy i pół roku. Następnie w październiku 2011 inny "Świeca" (1982) poszedłem pod młotek w Christie's już za £ 10,46 mln (16,48 mln USD). Dzięki tej płycie Gerhard Richter po raz pierwszy znalazł się w pierwszej trójce najbardziej utytułowanych żyjących artystów, zajmując miejsce za Jasperem Johnsem i Jeffem Koonsem.

Następnie rozpoczęła się zwycięska procesja „Obrazów abstrakcyjnych” Richtera. Artysta maluje takie prace w wyjątkowej autorskiej technice: nakłada mieszankę prostych farb na jasne tło, a następnie rozmazuje je na płótnie długą skrobaczką wielkości zderzaka samochodowego. Powoduje to skomplikowane przejścia kolorów, plamy i paski. Badanie powierzchni jego „Obrazów Abstrakcyjnych” jest jak wykopaliska: przez luki wielu kolorowych warstw przebijają się na nich ślady różnych „postaci”.

9 listopada 2011 na aukcji sztuki nowoczesnej i powojennej Sotheby's w dużej skali "Malarstwo abstrakcyjne (849-3)" 1997 poszedł pod młotek przez 20,8 mln USD (13,2 mln GBP). A sześć miesięcy później 8 maja 2012 na aukcji sztuki powojennej i współczesnej Christie's w Nowym Jorku "Malarstwo abstrakcyjne (798-3)" 1993 poszedł na rekord 21,8 miliona dolarów(w tym prowizja). Pięć miesięcy później - znowu rekord: "Malarstwo abstrakcyjne (809-4)" z kolekcji muzyka rockowego Erica Claptona 12 października 2012 roku w Sotheby's w Londynie poszedł pod młotek za £ 21,3 mln (34,2 mln USD). Barierę 30 milionów Richter przejął z taką łatwością, jakby nie chodziło o współczesne malarstwo, ale o arcydzieła, które mają już sto lat - nie mniej. Choć w przypadku Richtera wydaje się, że włączenie do panteonu „wielkiego” nastąpiło już za życia artysty. Ceny niemieckie nadal rosną.

Kolejny rekord Richtera należał do fotorealistycznego dzieła - pejzażu „Plac Katedralny, Mediolan (Domplatz, Mailand)” 1968. Praca została sprzedana za 37,1 miliona na aukcji Sotheby 14 maja 2013 r.. Widok najpiękniejszego placu został namalowany przez niemieckiego artystę w 1968 roku na zlecenie firmy Siemens Electro specjalnie dla mediolańskiego biura firmy. W momencie pisania było to największe dzieło figuratywne Richtera (o wymiarach prawie trzy na trzy metry).

Rekord na Placu Katedralnym utrzymywał się przez prawie dwa lata, aż 10 lutego 2015 nie przerywał mu "Malarstwo abstrakcyjne" ( 1986): cena młotka osiągnęła £ 30,389 mln (46,3 mln USD). Wystawione na aukcję w Sotheby’s Malarstwo Abstrakcyjne 300,5 × 250,5 cm to jedna z pierwszych wielkoformatowych prac Richtera w jego specjalnej autorskiej technice zdrapywania warstw farby. Ostatni raz w 1999 r. „Malarstwo abstrakcyjne” zostało kupione na aukcji za 607 tys. dolarów (od tego roku do obecnej sprzedaży praca była wystawiana w Muzeum Ludwiga w Kolonii). Na aukcji 10 lutego 2015 roku pewien amerykański klient w krokach aukcyjnych wynoszących 2 miliony funtów osiągnął cenę młotka wynoszącą 46,3 miliona dolarów, czyli od 1999 roku praca wzrosła ponad 76-krotnie!

4. Tsui Zhuzhuo „Wspaniałe ośnieżone góry”. 2013. 39,577 mln USD

Przez długi czas nie śledziliśmy uważnie rozwoju sytuacji na chińskim rynku sztuki, nie chcąc obciążać naszych czytelników nadmierną ilością informacji o sztuce „nie naszej”. Z wyjątkiem dysydenta Ai Weiweia, który nie jest nawet tak drogi jak artysta rezonansowy, chińscy autorzy wydawali się nam zbyt liczni i dalecy od nas, by zagłębiać się w to, co dzieje się na ich rynku. Ale statystyki, jak mówią, to poważna dama, a jeśli mówimy o najbardziej utytułowanych żyjących autorach na świecie, to nie możemy się obejść bez opowieści o wybitnych przedstawicielach współczesnej sztuki Imperium Niebieskiego.

Zacznijmy od chińskiego artysty Cui Ruzhuo. Artysta urodził się w 1944 roku w Pekinie i mieszkał w USA od 1981 do 1996 roku. Po powrocie do Chin rozpoczął nauczanie w Narodowej Akademii Sztuk. Cui Ruzhuo reinterpretuje tradycyjny chiński styl malowania tuszem i tworzy ogromne płótna zwojów, które chińscy biznesmeni i urzędnicy uwielbiają prezentować sobie nawzajem. Na Zachodzie niewiele o nim wiadomo, choć wielu musi pamiętać historię o zwoju o wartości 3,7 miliona dolarów, który został omyłkowo wyrzucony, myląc go ze śmieciami, przez sprzątaczy hotelu w Hongkongu. Był to więc zwój Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo jest po siedemdziesiątce, a rynek na jego prace kwitnie. Ponad 60 prac tego artysty przekroczyło granicę 1 miliona dolarów, jednak jego prace odnosiły sukcesy tylko na chińskich aukcjach. Rekordy Cui Ruzhuo są naprawdę imponujące. Najpierw to „Krajobraz w śniegu” na aukcji Poly w Hongkongu 7 kwietnia 2014 osiągnął cenę młotkową w wysokości 184 milionów HKD ( 23,7 mln USD).

Dokładnie rok później 6 kwietnia 2015 na specjalnej aukcji Poly Auction w Hongkongu poświęconej wyłącznie twórczości Cui Ruzhuo, serii „Wielka śnieżna sceneria górzystego Jiangnan”(Jiangnan to historyczny region w Chinach, zajmujący prawy brzeg dolnego biegu Jangcy.) ośmiu krajobrazów wykonanych tuszem na papierze osiągnęło cenę młotkową w wysokości 236 mln HKD ( 30,444 mln USD).

Rok później historia powtórzyła się ponownie: na indywidualnej aukcji Cui Ruzhuo, zorganizowanej przez Poly Auctions w Hongkongu 4 kwietnia 2016 poliptyk w sześciu częściach „Wielkie Ośnieżone Góry” Cena młotka w 2013 r. (w tym prowizja domu aukcyjnego) osiągnęła 306 mln HK$ (39,577 mln USD). Jak dotąd jest to absolutny rekord wśród żyjących azjatyckich artystów.

Według handlarza dziełami sztuki Johnsona Chana, który od 30 lat pracuje z chińską sztuką współczesną, istnieje bezwarunkowa chęć podniesienia cen dzieł tego autora, ale wszystko to dzieje się na poziomie cenowym, na którym doświadczeni kolekcjonerzy raczej nie będą chcieli kupić coś. „Chińczycy chcą podnieść oceny swoich artystów poprzez zawyżanie cen za swoje prace na głównych międzynarodowych aukcjach, takich jak ta organizowana przez Poly w Hongkongu, ale nie ma wątpliwości, że te oceny są całkowicie sfabrykowane” — komentuje Cui Ruzhuo Johnson Chang. najnowszy rekord.

To oczywiście tylko opinia jednego dealera, a we wszystkich bazach danych mamy prawdziwy rekord. Więc weźmy go pod uwagę. Sam Cui Ruzhuo, sądząc po jego wypowiedziach, daleki jest od skromności Gerharda Richtera, jeśli chodzi o jego sukces aukcyjny. Wygląda na to, że ten wyścig po rekordy naprawdę go urzeka. „Mam nadzieję, że w ciągu najbliższych 5-10 lat ceny moich prac przewyższą ceny dzieł zachodnich mistrzów, takich jak Picasso czy Van Gogh. To jest chiński sen”, mówi Cui Ruzhuo.

5 Jaspera Johnsa Flaga. 1983. 36 milionów dolarów

Trzecie miejsce w rankingu żyjących artystów należy do Amerykanina Do Jaspera Johnsa (1930). Obecna rekordowa cena za pracę Jonesa to $ 36 milionów. Tyle zapłacił za jego słynny "Flaga" na aukcji Christie 12 listopada 2014.

Seria obrazów „flagowych”, zapoczątkowana przez Jonesa w połowie lat pięćdziesiątych, zaraz po powrocie artysty z wojska, stała się jednym z centralnych w jego twórczości. Już w młodości artysta interesował się ideą ready-made, przekształceniem codziennego przedmiotu w dzieło sztuki. Jednak flagi Jonesa nie były prawdziwe, zostały namalowane olejem na płótnie. W ten sposób dzieło sztuki nabyło właściwości rzeczy ze zwykłego życia, było jednocześnie wizerunkiem flagi i samej flagi. Seria prac z flagami przyniosła Jasperowi Johnsowi światową sławę. Ale nie mniej popularne są jego prace abstrakcyjne. Przez wiele lat lista najdroższych prac, tworzona zgodnie z powyższymi zasadami, była poprzedzona abstraktem "Fałszywy start". Do 2007 roku to bardzo jasne i dekoracyjne płótno, namalowane przez Jonesa w 1959 roku, było uważane za właściciela praktycznie niedostępnej ceny dla żywego artysty (choć na całe życie klasyka) - $ 17 milionów. Tyle za to zapłacili w złocie na rynku sztuki 1988.

Co ciekawe, doświadczenie Jaspera Johnsa jako rekordzisty nie było ciągłe. W 1989 roku przerwała mu praca jego kolegi Willema de Kooninga: dwumetrowa abstrakcja "Mixing" została sprzedana w Sotheby's za 20,7 miliona dolarów. Jasper Johns musiał się przeprowadzić. Ale po 8 latach, w 1997 roku, de Kooning zmarł , oraz „Fałszywy start” Jones ponownie zajął pierwsze miejsce w rankingu aukcyjnym żyjących artystów przez prawie 10 lat.

Ale w 2007 roku wszystko się zmieniło. Rekord False Start został po raz pierwszy przyćmiony twórczością młodego i ambitnego Damiena Hirsta i Jeffa Koonsa. Potem nastąpiła rekordowa sprzedaż za 33,6 miliona dolarów obrazu „Inspektor Sleeping Benefit” Lusiena Freuda (teraz nieżyjącego, a zatem nieuczestniczącego w tej ocenie). Potem zaczęły się nagrania Gerharda Richtera. Ogólnie rzecz biorąc, z aktualnym rekordem 36 milionów, Jasper Johns, jeden z mistrzów amerykańskiej sztuki powojennej, działający na styku neodadaizmu, abstrakcyjnego ekspresjonizmu i pop-artu, zajmuje zaszczytne trzecie miejsce.

6. ED RUSHAY Rozbić. 1963. 30,4 miliona dolarów

Nagły sukces obrazu „Smash” amerykańskiego artysty Edward Ruscha (ur. 1937) na aukcji Christie's 12 listopada 2014 doprowadził tego autora do grona najdroższych żyjących artystów. Poprzednia rekordowa cena za dzieło Eda Ruscha (często imię Ruscha jest wymawiane po rosyjsku jako „Rusha”, ale poprawna wymowa to Ruscha) wynosiła „tylko” 6,98 miliona dolarów: tyle zapłacili za jego płótno „Płonący gaz stacji” w 2007 r. Siedem lat później jego Rozbić przy szacunkach na 15–20 milionów dolarów osiągnął cenę młota 30,4 miliona dolarów. Widać, że rynek na prace tego autora osiągnął nowy poziom – nie bez powodu Barack Obama ozdabia swoimi pracami Biały Dom, a sam Larry Gagosian wystawia go w swoich galeriach.

Ed Ruscha nigdy nie aspirował do powojennego Nowego Jorku z jego szaleństwem abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Zamiast tego przez ponad 40 lat szukał inspiracji w Kalifornii, gdzie przeniósł się z Nebraski w wieku 18 lat. Artysta stał u źródeł nowego nurtu w sztuce, zwanego pop-artem. Wraz z Warholem, Lichtensteinem, Waynem Thiebaudem i innymi piosenkarzami kultury popularnej Edward Ruscha wziął udział w wystawie New Image of Ordinary Things w Muzeum Pasadena w 1962 roku, która stała się pierwszą muzealną wystawą amerykańskiego pop-artu. Jednak sam Ed Ruscha nie lubi, gdy jego twórczość przypisuje się pop-artowi, konceptualizmowi lub innemu nurtowi w sztuce.

Jego unikalny styl nazywa się „malowaniem tekstu”. Od końca lat pięćdziesiątych Ed Ruscha zaczął malować słowa. Tak jak dla Warhola puszka zupy stała się dziełem sztuki, tak dla Eda Ruschy zwykłe słowa i frazy, wzięte albo z billboardu, z opakowania w supermarkecie, albo z napisów końcowych w filmie (Hollywood zawsze był u boku Ruschy i w przeciwieństwie do wielu swoich kolegów artystów, Rushey szanował „fabrykę marzeń”). Słowa na jego płótnach nabierają właściwości przedmiotów trójwymiarowych, są to prawdziwe martwe natury stworzone ze słów. Patrząc na jego płótna, pierwsze, co przychodzi na myśl, to wizualne i dźwiękowe postrzeganie narysowanego słowa, a dopiero potem znaczenie semantyczne. Te ostatnie z reguły nie mogą być jednoznacznie rozszyfrowane; słowa i frazy wybrane przez Ruschę można interpretować na różne sposoby. To samo jasnożółte słowo „Smash” na ciemnoniebieskim tle może być odbierane jako agresywne wezwanie do rozbicia czegoś lub kogoś na drobne kawałki; jako samotny przymiotnik wyrwany z kontekstu (na przykład część nagłówka jakiejś gazety) lub po prostu jako pojedyncze słowo uwięzione w miejskim strumieniu wizualnych obrazów. Ed Ruscha rozkoszuje się tą niepewnością. „Zawsze miałem głęboki szacunek dla dziwnych, niewytłumaczalnych rzeczy… Wyjaśnienia w pewnym sensie zabijają” – powiedział w wywiadzie.

7. WEŁNA CHRISTOPERA Bez tytułu (RIOT). 1990. 29,93 miliona dolarów

Amerykański artysta Krzysztof Wełna(1955) po raz pierwszy wdarł się do rankingu żyjących artystów w 2013 roku – po sprzedaży Apocalypse Now za 26,5 miliona dolarów, co natychmiast postawiło go na równi z Jasperem Johnsem i Gerhardem Richterem. Kwota tej historycznej transakcji - ponad 20 milionów dolarów - zaskoczyła wielu, gdyż wcześniej ceny prac artysty nie przekraczały 8 milionów dolarów. Jednak szybki wzrost rynku prac Christophera Woola był już wtedy widoczny : dorobek artysty obejmował 48 transakcji aukcyjnych o wartości ponad 1 miliona dolarów, a 22 z nich (prawie połowa) miały miejsce w 2013 roku. Dwa lata później liczba prac Chrisa Woola, sprzedanych ponad 1 milion dolarów, osiągnęła 70, a nowy osobisty rekord nie trwał długo. Na aukcji Sotheby's 12 maja 2015 praca „Bez tytułu (RIOT)” został sprzedany za $ 29,93 mln w tym Premia Kupującego.

Christopher Wool jest najbardziej znany ze swoich dużych czarnych liter na białych blachach aluminiowych. To oni z reguły biją rekordy na aukcjach. To wszystko z końca lat 80. i początku lat 90. Jak głosi legenda, pewnego wieczoru Wool spacerowała wieczorem po Nowym Jorku i nagle zobaczyła graffiti czarnymi literami na nowej białej ciężarówce - słowa sex i luv. Ten widok zrobił na nim tak duże wrażenie, że natychmiast wrócił do studia i napisał własną wersję z tymi samymi słowami. Był rok 1987, a dalsze poszukiwania przez artystę słów i fraz do jego „dosłownych” prac odzwierciedlają sprzecznego ducha tego czasu. To wezwanie „sprzedaj dom, sprzedaj samochód, sprzedaj dzieci”, wzięte przez Wool z filmu „Czas Apokalipsy”, a słowo „FOOL” („głupiec”) wielkimi literami i słowo „RIOT” („bunt”), często spotykany w ówczesnych nagłówkach gazet.

Słowa i frazy Wełna nakładana na blachy aluminiowe za pomocą szablonów z farbami alkidowymi lub emaliowanymi, celowo pozostawiając smugi, ślady szablonowe i inne ślady procesu twórczego. Artysta podzielił słowa tak, aby widz nie od razu zrozumiał ich znaczenie. Na początku widzisz tylko zbitkę liter, to znaczy postrzegasz słowo jako obiekt wizualny, a dopiero potem czytasz i rozszyfrowujesz znaczenie frazy lub słowa. Wełna użyła czcionki używanej przez armię amerykańską po II wojnie światowej, co potęguje wrażenie porządku, dyrektywy, hasła. Te „literowe” prace są postrzegane jako część miejskiego pejzażu, jako nielegalne graffiti naruszające czystość powierzchni jakiegoś obiektu ulicznego. Ta seria prac Christophera Woola uznawana jest za jeden ze szczytów językowej abstrakcji, dlatego jest wysoko ceniona przez miłośników sztuki współczesnej.

8. PIOTR DOYG Rosedale. 1991. 28,81 miliona dolarów

brytyjski Piotr Doig(1959), choć należy do pokolenia postmodernistów Koonsa i Hirsta, wybrał dla siebie całkowicie tradycyjny gatunek pejzażu, który przez długi czas nie sprzyjał zaawansowanym twórcom. Swoją pracą Peter Doig ożywia zanikające zainteresowanie malarstwem figuratywnym. Jego prace są wysoko cenione zarówno przez krytyków, jak i niespecjalistów, czego dowodem jest szybki wzrost cen za jego prace. Jeśli na początku lat 90. jego krajobrazy kosztowały kilka tysięcy dolarów, teraz rachunek idzie w miliony.

Twórczość Doiga często określana jest mianem realizmu magicznego. Na podstawie prawdziwych pejzaży tworzy fantastyczne, tajemnicze i często ponure obrazy. Artysta lubi przedstawiać przedmioty porzucone przez ludzi: zrujnowany budynek wybudowany przez Le Corbusiera w środku lasu czy pusty biały kajak na tafli leśnego jeziora. Oprócz natury i wyobraźni Doig inspiruje się filmami grozy, starymi pocztówkami, fotografiami, amatorskimi filmami i tak dalej. Obrazy Doiga są kolorowe, misterne, dekoracyjne i nie prowokacyjne. Fajnie jest mieć taki obraz. Niska produktywność autora podsyca także zainteresowanie kolekcjonerów: mieszkający na Trynidadzie artysta tworzy nie więcej niż kilkanaście obrazów rocznie.

Na początku 2000 roku pojedyncze pejzaże artysty były sprzedawane za kilkaset tysięcy dolarów. W tym samym czasie prace Doiga znalazły się w Galerii Saatchi, na Biennale w Whitney Museum oraz w kolekcji MoMA. W 2006 r. przekroczono poprzeczkę aukcyjną w wysokości 1 miliona dolarów, a rok później nastąpił nieoczekiwany przełom: dzieło „White Canoe”, oferowane w Sotheby's 7 lutego 2007 r. z szacunkową kwotą 0,8–1,2 mln USD, przekroczyło wstępne szacunki pięć razy i został sprzedany za 5,7 miliona funtów (11,3 miliona dolarów). Była to wówczas rekordowa cena za twórczość żyjącego europejskiego artysty.

W 2008 roku Doig zorganizował indywidualne wystawy w Galerii Tate i Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu. Wielomilionowe metki z cenami za pracę Doiga stały się normą. Rekord osobisty Petera Doiga był ostatnio aktualizowany kilka razy w roku - mamy tylko czas na zmianę wizerunku i miejsca tego artysty w naszym rankingu żyjących autorów.

Najdroższą jak dotąd pracą Petera Doiga jest pejzaż śnieżny Rosedale z 1991 roku. Co ciekawe, rekord został ustanowiony nie w Sotheby's czy Christie's, ale na aukcji sztuki współczesnej Phillipsa. Stało się to 18 maja 2017 r. Widok na pokrytą śniegiem Rosedale, jedną z dzielnic Toronto, został sprzedany kupcowi telefonu za 28,81 miliona dolarów, czyli o około 3 miliony dolarów w porównaniu z poprzednim rekordem (25,9 miliona za „Swallowed in the Mire”). Obraz „Rosedale” wziął udział w kluczowej wystawie Doiga w Whitechapel Gallery w Londynie w 1998 roku i ogólnie rzecz biorąc, ta praca była świeża na rynku, dlatego też rekordowa cena jest w pełni zasłużona.

9. FRANK STELLA Sosna przylądkowa. 1959. 28 milionów dolarów

Frank Stella jest błyskotliwym przedstawicielem abstrakcji pomalarskiej i minimalizmu w sztuce. Na pewnym etapie określa się to jako styl malowania twardych krawędzi. Początkowo Stella skontrastował ścisłą geometryczność, ascetyczną monochromię i strukturę swoich obrazów ze spontanicznością i przypadkowością płócien abstrakcyjnych ekspresjonistów, takich jak Jackson Pollock.

Pod koniec lat 50. artysta został zauważony przez słynnego właściciela galerii Leo Castelli i po raz pierwszy został nagrodzony wystawą. Przedstawił na nim tzw. "Czarne Obrazy" - płótna zamalowane równoległymi czarnymi liniami z cienkimi szczelinami niepomalowanego płótna pomiędzy nimi. Linie układają się w geometryczne kształty, przypominające nieco złudzenia optyczne, te same obrazy, które migoczą, poruszają się, skręcają, tworząc wrażenie głębokiej przestrzeni, jeśli patrzy się na nie przez dłuższy czas. Stella kontynuował temat równoległych linii z cienkimi pasami rozdzielającymi w swoich pracach na aluminium i miedzi. Zmieniła się kolorystyka, podstawa obrazowa, a nawet kształt obrazów (wyróżniają się m.in. prace w kształcie liter U, T, L). Ale główną zasadą jego malarstwa nadal była klarowność konturu, monumentalność, prosta forma, monochromia. W kolejnych dekadach Stella odchodziła od takiego geometrycznego malarstwa w kierunku gładkich, naturalnych form i linii, a od malarstwa monochromatycznego do jasnych i różnorodnych przejść kolorystycznych. W latach 70. Stellę urzekły ogromne wzory używane do malowania statków. Artysta wykorzystał je do ogromnych obrazów z elementami łączącymi - w swoich pracach umieszczał fragmenty stalowych rur lub siatki drucianej.

W swoich wczesnych wywiadach Frank Stella szczerze mówi o znaczeniach, jakie niesie ze sobą jego praca, a raczej o ich braku: „To, co widzisz, jest tym, co widzisz”. Obraz sam w sobie jest przedmiotem, a nie reprodukcją czegokolwiek. „To płaska powierzchnia pokryta farbą i niczym więcej”, powiedziała Stella.

Cóż, podpisana przez Franka Stellę, ta „powierzchnia pokryta farbą” może dziś być warta miliony dolarów. Po raz pierwszy w rankingu żyjących artystów Frank Stella dostał się w 2015 r. ze sprzedażą Delaware Crossing (1961) za 13,69 mln USD, w tym prowizję.

Cztery lata później, 15 maja 2019 r., wczesna (1959) praca „Cape of Pines” ustanowiła nowy rekord: cena młota wyniosła ponad 28 milionów dolarów, wliczając prowizję. To jeden z 29 „czarnych obrazów” – tych, którymi Stella zadebiutował na swojej pierwszej wystawie w Nowym Jorku. Absolwent Uniwersytetu Princeton, Frank Stella, miał wtedy 23 lata. Często nie starczało mu pieniędzy na farbę olejną dla artystów. Młody artysta dorabiał jako prace naprawcze, bardzo lubił czyste kolory farby, a potem powstał pomysł pracy z tą farbą na płótnie. Czarną emalią Stella maluje równoległe pasy, pozostawiając między nimi cienkie linie niezagruntowanego płótna. Co więcej, pisze bez władców, na oko, bez wstępnego szkicu. Stella nigdy nie wiedziała dokładnie, ile czarnych linii pojawi się na danym obrazie. Na przykład na obrazie „Cape of Pines” jest ich 35. Tytuł pracy nawiązuje do nazwy przylądka w zatoce Massachusetts - Point of pines. Na początku XX wieku posiadał duży park rozrywki, a dziś jest jedną z dzielnic miasta Revere.

10. YOSHITOMO NARA Nóż za plecami. 2000. 24,95 miliona dolarów

Yoshitomo Nara (1959) to jedna z kluczowych postaci japońskiego neo-pop-artu. Japończyków – bo mimo światowej sławy i wielu lat pracy za granicą jego twórczość wciąż wyróżnia się wyraźną tożsamością narodową. Ulubione postacie Nary to dziewczyny i psy w stylu japońskiej mangi i komiksów anime. Wymyślone przez niego przez wiele lat obrazy „poszły do ​​ludzi”: są drukowane na koszulkach, powstają z nich pamiątki i różne „towar”. Urodzony w ubogiej rodzinie, z dala od stolicy, jest nie tylko kochany za swój talent, ale także doceniany jako osoba, która się wypracowała. Artysta pracuje szybko i ekspresyjnie. Wiadomo, że niektóre z jego arcydzieł powstały dosłownie z dnia na dzień. Obrazy i rzeźby Yoshitomo Nary z reguły są bardzo zwięzłe, a nawet oszczędne w wyrazistych środkach, ale zawsze niosą silny ładunek emocjonalny. Nastoletnie dziewczyny w Nara często patrzą na widza z niemiłym zezem. W ich oczach bezczelność, wyzwanie i agresja. W rękach - potem nóż, potem papieros. Istnieje opinia, że ​​przedstawione wynaturzenia zachowań są reakcją na opresyjną moralność publiczną, różne tabu i przyjęte przez Japończyków zasady wychowania. Niemal średniowieczna surowość i wstyd napędzają problemy, tworzą grunt dla opóźnionej emocjonalnej eksplozji. „Nóż za plecami” po prostu pojemnie oddaje jedną z głównych idei artysty. W tej pracy pojawia się nienawistne spojrzenie dziewczyny, a za plecami groźnie skręcona ręka. Do 2019 roku obrazy i rzeźby Yoshitomo Nary przekroczyły już milion, a nawet kilka milionów znaków więcej niż jeden raz. Ale dwadzieścia milionów - po raz pierwszy. Nara jest jedną z najsłynniejszych na świecie artystek urodzonych w Japonii. A teraz najdroższy z żyjących. 6 października 2109 w Sotheby's w Hongkongu przejął ten tytuł od Takashi Murakamiego i wyraźnie wyprzedził 90-letnią awangardową artystkę Yayoi Kusamę (maksymalne ceny jej obrazów zbliżają się już do 9 milionów dolarów).

11. ZENG FANZHI Ostatnia Wieczerza. 2001. 23,3 miliona dolarów

W Sotheby's Hong Kong 5 października 2013 r. płótno w skali roku "Ostatnia Wieczerza" Artysta z Pekinu Zeng Fanzhi (1964) został sprzedany za rekordową kwotę 160 milionów dolarów hongkońskich - 23,3 miliona dolarów USA. Ostateczny koszt pracy Fanzhiego, napisanego oczywiście pod wpływem Leonarda da Vinci, okazał się dwukrotnie wyższy od wstępnych szacunków, wynoszących około 10 milionów dolarów. 9,6 miliona zapłacił na aukcji Christie's Hong Kong w maju 2008 r. za pracę Seria masek. 1996 nr 6".

„Ostatnia Wieczerza” to największy (2,2 × 4 metry) obraz Fanzhi z serii „Maski”, obejmujący okres od 1994 do 2001 roku. Cykl poświęcony jest ewolucji społeczeństwa chińskiego pod wpływem reform gospodarczych. Wprowadzenie elementów gospodarki rynkowej przez rząd ChRL doprowadziło do urbanizacji i rozłamu Chińczyków. Fanzhi przedstawia mieszkańców współczesnych chińskich miast, którzy muszą walczyć o miejsce na słońcu. Znana kompozycja fresku Leonarda w czytaniu Fanzhi nabiera zupełnie innego znaczenia: scena zostaje przeniesiona z Jerozolimy do klasy chińskiej szkoły z typowymi hieroglificznymi tablicami na ścianach. „Chrystus” i „apostołowie” stali się pionierami ze szkarłatnymi krawatami, a tylko „Judasz” nosi złoty krawat – to metafora zachodniego kapitalizmu, penetrującego i niszczącego zwyczajowy sposób życia w socjalistycznym kraju.

Prace Zeng Fanzhi są stylistycznie zbliżone do europejskiego ekspresjonizmu i są równie dramatyczne. Ale jednocześnie pełne są chińskich symboli i szczegółów. Ta wszechstronność przyciąga do twórczości artysty zarówno chińskich, jak i zachodnich kolekcjonerów. Bezpośrednim potwierdzeniem tego jest proweniencja Ostatniej Wieczerzy: dzieło wystawione na aukcję przez słynnego kolekcjonera chińskiej awangardy lat 80. i początku 90., belgijskiego barona Guya Ullensa.

12. ROBERT RAYMAN Most. 1980. 20,6 miliona dolarów

Na aukcji Christie's 13 maja 2015 praca abstrakcyjna "Most" 85-letni amerykański artysta Robert Ryman(Robert Ryman) został sprzedany za 20,6 miliona dolarów biorąc pod uwagę prowizję - dwa razy droższe niż niższy szacunek.

Robert Ryman(1930) nie od razu zorientował się, że chce zostać artystą. W wieku 23 lat przeniósł się do Nowego Jorku z Nashville w stanie Tennessee, chcąc zostać saksofonistą jazzowym. W międzyczasie nie stał się sławnym muzykiem, musiał dorobić jako ochroniarz w MoMA, gdzie poznał Saula LeWitta i Dana Flavina. Pierwszy pracował w muzeum jako nocna sekretarka, a drugi jako ochroniarz i operator windy. Zainspirowany twórczością abstrakcyjnych ekspresjonistów, których widział w MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock i Newman - Robert Ryman zaczął malować w 1955 roku.

Ryman często określany jest mianem minimalisty, woli jednak nazywać go „realistą”, ponieważ nie interesuje go tworzenie iluzji, demonstruje jedynie walory użytych materiałów. Większość jego prac malowana jest farbami o wszystkich możliwych odcieniach bieli (od szarawej lub żółtawej do olśniewającej bieli) opartych na lakonicznym kształcie kwadratu. W swojej karierze Robert Ryman próbował wielu materiałów i technik: malował olejami, akrylami, kazeiną, emalią, pastelami, gwaszem itp. na płótnie, stali, pleksi, aluminium, papierze, tekturze falistej, winylu, tapecie itp. przyjaciel, profesjonalny konserwator, Orrin Riley, doradził mu w kwestii żrących materiałów, których zamierzał użyć. Jak powiedział kiedyś artysta: „Nigdy nie mam pytania Co napisz, najważniejsze - Jak pisać". Chodzi o fakturę, charakter kresek, granicę między kolorową powierzchnią a krawędziami podkładu, a także relację między dziełem a ścianą. Od 1975 roku szczególną cechą jego twórczości są oprawy, które Ryman sam projektuje i celowo pozostawia widoczne, podkreślając, że jego prace są „tak realne, jak prawdziwe są ściany, na których wiszą”. Ryman woli nadawać pracom „nazwy” niż „tytuły”. „Nazwa” jest tym, co pomaga odróżnić jedno dzieło od drugiego, a Ryman często nazywa swoje prace według marek farb, firm itp., a „tytuł” ​​domaga się pewnego rodzaju aluzji i głęboko ukrytych znaczeń, których obecność w jego dzieła, które artysta regularnie zaprzecza. Liczy się tylko materiał i technika.

13. Damien Hirst Senna wiosna. 2002. 19,2 miliona dolarów

angielski artysta Do Damiena Hirsta (1965) miał zająć pierwsze miejsce w tym rankingu w sporze z żyjącym klasykiem Jasperem Johnsem. Wspomniana już praca „Fałszywy start” mogłaby przez długi czas pozostać niezatapialnym liderem, gdyby 21 czerwca 2007 instalacja w tym czasie 42-letni Hirst „Śpiąca wiosna”(2002) nie został sprzedany w Sotheby's za . £ 9,76 mln, czyli za 19,2 mln $. Nawiasem mówiąc, praca ma dość nietypowy format. Z jednej strony jest to gablota z atrapami tabletek (6136 tabletek), w rzeczywistości klasyczna instalacja. Z drugiej strony gablota ta jest spłaszczona (na głębokość 10 cm), ujęta w ramę i zawieszona na ścianie jak panel plazmowy, dzięki czemu w pełni zapewnia komfort posiadania związany z obrazami. W 2002 roku siostra instalacji, Sleepy Winter, została sprzedana za 7,4 miliona dolarów, czyli o ponad połowę mniej. Ktoś „wytłumaczył” różnicę w cenie tym, że tabletki są bardziej wyblakłe zimą. Ale jasne jest, że to wyjaśnienie jest absolutnie bezpodstawne, ponieważ mechanizm cenowy takich rzeczy nie jest już związany z ich efektem dekoracyjnym.

W 2007 roku wielu uznało Hirsta za autora najdroższej pracy wśród żyjących artystów. Pytanie jednak pochodzi z kategorii „w zależności od tego, jak liczyć”. Faktem jest, że Hurst został sprzedany za drogie funty, a Jones za dolary, których cena teraz spadła, a nawet dwadzieścia lat temu. Ale nawet jeśli policzymy według wartości nominalnej, bez uwzględnienia 20-letniej inflacji, to praca Hirsta była droższa w dolarach, a Jonesa w funtach. Sytuacja była graniczna i każdy mógł swobodnie decydować, kogo uznać za najdroższego. Ale Hurst utrzymał się na pierwszym miejscu nie tak długo. W tym samym 2007 roku został wyparty z pierwszego miejsca przez Koonsa ze swoim "Wiszącym Sercem".

Tuż w przededniu globalnego spadku cen sztuki współczesnej Hirst podjął się bezprecedensowego dla młodego artysty przedsięwzięcia - indywidualnej aukcji jego prac, która odbyła się 15 września 2008 r. w Londynie. Ogłoszona dzień wcześniej wiadomość o bankructwie Lehman Brothers nie popsuła apetytu miłośników sztuki współczesnej: z 223 dzieł oferowanych przez Sotheby's tylko pięć nie znalazło nowych właścicieli (nawiasem mówiąc jednym z kupujących był Wiktor Pinczuk). ). Praca „Złoty Byk”- ogromny wizerunek byka w formaldehydzie, zwieńczony złotym krążkiem, - przyniósł 10,3 mln GBP (18,6 mln USD). Jest to najlepszy wynik Hursta mierzony w funtach (w walucie, w której została zawarta transakcja). Jednak plasujemy się w dolarach, więc (niech Złoty Cielak nam wybaczy) najlepszą wyprzedaż Hirsta uznamy za Senną Wiosnę.

Od 2008 roku Hirst nie prowadzi sprzedaży Sleepy Spring i Golden Calf. Świeże rekordy z 2010 roku - za prace Richtera, Jonesa, Fanzhi, Woola i Koonsa - przeniosły Damiena na szóstą linię naszego rankingu. Ale nie podejmujmy kategorycznego osądu schyłku ery Hirsta. Według analityków Hurst jako „supergwiazda” przeszedł już do historii, co oznacza, że ​​będą go kupować na bardzo długi czas; jednak największą wartość w przyszłości przewiduje się dla dzieł powstałych w najbardziej innowacyjnym okresie jego kariery, czyli w latach 90. XX wieku.

14. Maurizio Cattelan Jego. 2001. 17,19 miliona dolarów

Włoch Maurizio Cattelan (1960) przyszedł do sztuki po pracy jako ochroniarz, kucharz, ogrodnik i projektant mebli. Autor samouk zasłynął na całym świecie dzięki ironicznym rzeźbom i instalacjom. Zrzucił na papieża meteoryt, zamienił żonę klienta w trofeum myśliwskie, wyrwał dziurę w podłodze w Muzeum Starych Mistrzów, podniósł gigantyczny środkowy palec na giełdę w Mediolanie, przywiózł żywego osła na targi Fryzów . W niedalekiej przyszłości Cattelan obiecuje zainstalować złotą toaletę w Muzeum Guggenheima. Ostatecznie wybryki Maurizio Cattelana zyskały szerokie uznanie w świecie sztuki: zostaje zaproszony na Biennale w Wenecji (instalacja „Inni” w 2011 r. – stado dwóch tysięcy gołębi, które groźnie spoglądają ze wszystkich rur i belek na tłumy zwiedzających przechodząc poniżej), organizują retrospektywę w nowojorskim Muzeum Guggenheima (listopad 2011) i wreszcie za jego rzeźby płaci się duże pieniądze.

Od 2010 roku najdroższą pracą Maurizio Cattelana jest woskowa rzeźba mężczyzny wyglądającego z dziury w podłodze, zewnętrznie podobnego do samego artysty ("Bez tytułu", 2001). Ta rzeźba-instalacja, istniejąca w ilości trzech egzemplarzy plus kopia autora, została po raz pierwszy pokazana w Muzeum Boijmans van Beuningen w Rotterdamie. Następnie ta złośliwa postać wyjrzała z dziury w podłodze sali z obrazami holenderskich malarzy z XVIII i XIX wieku. Maurizio Cattellan w tej pracy kojarzy się z odważnym przestępcą wkraczającym do świętej przestrzeni sali muzealnej z obrazami wielkich mistrzów. Tym samym chce pozbawić sztukę aureoli świętości, jaką dają jej muzealne mury. Dzieło, ze względu na eksponowanie, które za każdym razem trzeba robić dziury w podłodze, zostało sprzedane w Sotheby's za 7,922 mln dolarów.

Rekord utrzymał się do 8 maja 2016 roku, kiedy jeszcze bardziej prowokacyjne dzieło Cattelana „On”, przedstawiające klęczącego Hitlera, trafiło pod młotek za 17,189 milionów dolarów. Nazwa jest dziwna. Wybór postaci jest ryzykowny. Jak wszystko inne z Cattelanem. Co On ma na myśli? „Jego” czy „Jego piekielny majestat”? Jasne jest, że zdecydowanie nie mówimy o skandowaniu wizerunku Führera. W tej pracy Hitler pojawia się raczej w bezradnej, żałosnej formie. I absurdalnie – wcielenie Szatana jest wielkości dziecka, ubranego w strój szkolny i klęczącego z pokornym wyrazem twarzy. Dla Cattelana ten obraz jest zaproszeniem do refleksji nad naturą absolutnego zła i sposobem na pozbycie się lęków. Nawiasem mówiąc, rzeźba „On” jest dobrze znana zachodniej publiczności. Jej bracia z serii byli wystawiani ponad 10 razy w wiodących muzeach na całym świecie, w tym w Centrum Pompidou i Muzeum Salomona Guggenheima.

15. MARC GROTJAN Bez tytułu (S III wydany we Francji Face 43.14). 2011. 16,8 miliona dolarów

17 maja 2017 roku na wieczornej aukcji Christie's New York pojawił się jeden z najpotężniejszych obrazów Marca Grotjana, jakie kiedykolwiek wystawiono na aukcję. Obraz „Bez tytułu (S III wydany we Francji twarz 43.14)” został wystawiony przez paryskiego kolekcjonera Patricka Seguina z szacunkową kwotą 13-16 milionów dolarów, a ponieważ sprzedaż partii była gwarantowana przez stronę trzecią, nikt nie był szczególnie zaskoczony poprzez ustanowienie nowego osobistego rekordu aukcji przez 49-letniego artystę . Cena młotka wynosząca 14,75 miliona dolarów (16,8 miliona dolarów z premią nabywcy) przekroczyła poprzedni rekord aukcyjny Grotjana o ponad 10 milionów dolarów, umieszczając go w klubie żyjących artystów, których prace sprzedają się za ośmiocyfrowe ceny. Siedmiocyfrowe takie same wyniki (sprzedaż ponad 1 milion dolarów, ale nie więcej niż 10 milionów dolarów) w aukcji skarbonki Mark Grotyan za około trzydzieści.

Mark Grotjan (1968), w którego twórczości eksperci dostrzegają wpływy modernizmu, abstrakcyjnego minimalizmu, popu i op-artu, do swojej tożsamości korporacyjnej doszedł w połowie lat 90., po przeprowadzce ze swoim przyjacielem Brentem Petersonem do Los Angeles i otwarciu tam galerii "Pokój 702". Jak wspomina sam artysta, w tym czasie zaczął myśleć o tym, co było dla niego pierwsze w sztuce. Szukał motywu, z którym mógłby eksperymentować. I zdałem sobie sprawę, że zawsze interesowała go linia i kolor. Eksperymenty w duchu rayonizmu i minimalizmu z perspektywą linearną, licznymi znikającymi punktami i wielobarwnymi abstrakcyjnymi trójkątnymi kształtami ostatecznie przyniosły Grotjanowi światową sławę.

Od abstrakcyjnych, kolorowych pejzaży z wieloma horyzontami i znikającymi punktami doszedł do trójkątnych kształtów przypominających skrzydła motyla. Obrazy Grotjana 2001-2007 Nazywają to "Motyle". Dziś przesuwanie punktu zbiegu lub używanie kilku punktów zbiegu jednocześnie, oddalonych od siebie w przestrzeni, uważane jest za jedną z najpotężniejszych technik artysty.

Kolejna duża seria prac nosiła tytuł „Twarze”; w abstrakcyjnych liniach tego cyklu można odgadnąć rysy ludzkiej twarzy, uproszczone do stanu maski w duchu Matisse'a, Jawlensky'ego czy Brancusiego. Mówiąc o ostatecznym uproszczeniu i stylizacji form, o kompozycyjnym rozwiązaniu obrazów, kiedy z gąszczu wydają się spoglądać na nas rozrzucone kontury oczu i ust, badacze zwracają uwagę na związek Twarzy Grotjana ze sztuką prymitywną. plemiona Afryki i Oceanii, podczas gdy sam artysta po prostu „lubi obraz oczu patrzących z dżungli. Czasami wyobrażałem sobie twarze pawianów lub małp. Nie mogę powiedzieć, że świadomie lub podświadomie byłam pod wpływem prymitywnej sztuki afrykańskiej, raczej byłam pod wpływem artystów, którzy byli pod jej wpływem. Picasso jest najbardziej oczywistym przykładem”.

Prace z serii „Twarze” nazywane są brutalnymi i eleganckimi, przyjemnymi dla oka i miłymi dla umysłu. Z biegiem czasu zmienia się też faktura tych prac: aby stworzyć efekt przestrzeni wewnętrznej, artysta używa szerokich pociągnięć gęstej farby, nawet odprysków w stylu Pollocka, ale powierzchnia obrazu jest wyrównana tak, że przy bliższym przyjrzeniu się, wydaje się całkowicie płaski. Ustanawiający rekord aukcji obraz Bez tytułu (S III wydany we Francji, twarz 43.14) należy do tej słynnej serii autorstwa Marka Grotjana.

16. TAKASHI MURAKAMI Mój samotny kowboj. 15,16 miliona dolarów

język japoński Takashi Murakami (1962) wszedł do naszej oceny z rzeźbą „Mój samotny kowboj”, sprzedany w Sotheby's w maju 2008 za $ 15,16 miliona. Dzięki tej sprzedaży Takashi Murakami przez długi czas był uważany za najbardziej udanego żyjącego artystę azjatyckiego – dopóki nie został przyćmiony sprzedażą Ostatniej Wieczerzy Zeng Fanzhi.

Takashi Murakami pracuje jako artysta, rzeźbiarz, projektant mody i animator. Murakami chciał wziąć za podstawę swojej pracy coś naprawdę japońskiego, bez zachodnich czy innych zapożyczeń. W latach studenckich fascynowała go tradycyjna japońska sztuka nihonga, później zastąpiła ją popularna sztuka anime i manga. Tak narodził się psychodeliczny Mr DOB, wzory uśmiechniętych kwiatów i błyszczące, błyszczące rzeźby z włókna szklanego, jakby właśnie wyszli z kart japońskiego komiksu. Jedni uważają sztukę Murakamiego za fast food i ucieleśnienie wulgarności, inni nazywają artystę Japończykiem Andym Warholem – a w szeregach tych ostatnich, jak widzimy, jest wielu bardzo bogatych ludzi.

Murakami zapożyczył nazwę swojej rzeźby z The Lonely Cowboys Andy'ego Warhola (1968), której Japończycy, jak sam przyznał, nigdy nie oglądali, ale naprawdę spodobało mu się połączenie słów. Murakami jedną rzeźbą ucieszył fanów erotycznych japońskich komiksów i śmiał się z nich. Powiększony, a poza tym trójwymiarowy bohater anime zamienia się w fetysz kultury masowej. To artystyczne stwierdzenie jest całkiem w duchu klasycznego zachodniego pop-artu (przypomnijcie sobie zestaw mebli Allena Jonesa czy Różową Panterę Koonsa), ale z narodowym akcentem.

17. KAW. Album KAWS. 2005. 14 784 505 $

KAWS to pseudonim amerykańskiego artysty Briana Donelly z New Jersey. Jest najmłodszym uczestnikiem naszego rankingu, urodzonym w 1974 roku. Donelly zaczynał jako animator w firmie Disney (rysunek tła do kreskówki „101 dalmatyńczyków” i innych). Graffiti interesowałem się od najmłodszych lat. Początkowo jego charakterystycznym projektem była czaszka z „X” zamiast oczodołów. Twórczość młodego pisarza pokochali ludzie show-biznesu i ludzie z branży modowej: stworzył okładkę albumu Kanye Westa, wydał kolaboracje dla Nike, Comme des Garçons i Uniqlo. Z biegiem czasu KAWS stał się znaną postacią we współczesnym świecie sztuki. Jego charakterystyczna figurka Myszki Miki trafiła do muzeów, przestrzeni publicznych i prywatnych kolekcji. Kiedyś KAWS wypuścił limitowaną edycję zabawki winylowej z marką My Plastic Heart i nagle stał się przedmiotem dużego zainteresowania kolekcjonerów. Jednym z zapalonych kolekcjonerów tych „zabawek” jest założyciel Black Star, raper Timati: prawie w całości zebrał całą serię „Cavs Companions”.

Praca KAWS ustanowiła rekord w dorobku artysty – 14,7 miliona dolarów – na aukcji Sotheby's w Hongkongu 1 kwietnia 2019 roku. Kiedyś znajdował się w kolekcji japońskiego projektanta mody Nigo. Metr płótna Album KAWS jest hołdem złożonym okładce słynnego albumu The Beatles „Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” z 1967 roku. Tylko zamiast ludzi ma Kimpsons - stylizowane postacie z serialu animowanego Simpsonowie z "X" zamiast oczu.

18. JIN SHAN Tadżycka panna młoda. 1983. 13,89 miliona dolarów

Wśród stosunkowo młodych i współczesnych artystów chińskich, należących do tzw. „nowej fali” końca lat 80. w sztuce chińskiej, dość nieoczekiwanie w naszej ocenie znalazł się przedstawiciel zupełnie innego pokolenia i innej szkoły. Jin Shan (Jin Shangyi), która ma już ponad 80 lat, należy do bystrych przedstawicieli pierwszego pokolenia artystów w komunistycznych Chinach. Poglądy tej grupy artystów ukształtowały się w dużej mierze pod wpływem najbliższego sojusznika komunistów – ZSRR.

Oficjalna sztuka sowiecka, socrealizm, malarstwo olejne, które w latach 50. XX wieku było wciąż niezwykłe dla Chin (w przeciwieństwie do tradycyjnego chińskiego malarstwa tuszem), były u szczytu popularności, a radziecki artysta Konstantin studiował na Pekińskim Uniwersytecie Sztuki na trzy lata ( od 1954 do 1957) uczyć Metodjewicza Maksimowa. Jin Shani, który w tym czasie był najmłodszy w grupie, dostał się do jego klasy. Artysta zawsze pamiętał swojego nauczyciela z wielkim ciepłem, mówiąc, że to Maksimov nauczył go poprawnie rozumieć i przedstawiać model. K. M. Maksimov wychował całą galaktykę chińskich realistów, teraz klasyków.

W twórczości Jin Shana można wyczuć wpływ zarówno sowieckiego „stylu surowego”, jak i europejskiej szkoły malarstwa. Artysta poświęcił wiele czasu na badanie dziedzictwa renesansu i klasycyzmu, uważając za konieczne zachowanie w swoich pracach chińskiego ducha. Obraz „Tadżycka panna młoda”, namalowany w 1983 roku, uważany jest za powszechnie uznane arcydzieło, nowy kamień milowy w twórczości Jin Shan. To ona została wystawiona na aukcji China Guardian w listopadzie 2013 r. i sprzedała się kilkakrotnie drożej niż szacowano – za 13,89 mln USD, w tym prowizję.

19. BANKSY Zbutwiały parlament. 2008. 12,14 miliona dolarów

Malowidła ścienne z metką Banksy zaczęły pojawiać się na ścianach miast (najpierw w Wielkiej Brytanii, a następnie na całym świecie) pod koniec lat 90. XX wieku. Jego filozoficzne, a zarazem ostre graffiti poświęcone były problematyce napaści państwa na wolności obywateli, przestępstw przeciwko środowisku, nieodpowiedzialnej konsumpcji i nieludzkiego charakteru systemu nielegalnej migracji. Z biegiem czasu ścienne „zarzuty” Banksy'ego zyskały niespotykaną popularność medialną. W rzeczywistości stał się jednym z głównych rzeczników opinii publicznej, potępiającej hipokryzję państw i korporacji, powodującą narastającą niesprawiedliwość w systemie kapitalistycznym.

Znaczenie Banksy'ego, wyczucie „nerwu czasu” i trafność jego metafor docenili nie tylko odbiorcy, ale i kolekcjonerzy. W latach 2010 za jego prace wydano setki tysięcy, a nawet ponad milion dolarów. Doszło do tego, że graffiti Banksy'ego zostało rozbite i skradzione wraz z kawałkami murów.

W erze zaawansowanego nadzoru cyfrowego Banksy nadal zachowuje anonimowość. Istnieje wersja, że ​​to już nie jedna osoba, ale grupa kilku artystów, na czele której stoi utalentowana kobieta. To by wiele wyjaśniało. I zewnętrzna odmienność pisarzy uchwyconych w obiektywach kamer świadków, bezosobowy szablonowy sposób aplikacji (daje dużą szybkość i nie wymaga bezpośredniego udziału autora) oraz wzruszający romantyzm bohaterów obrazów (kulki, płatki śniegu itp.). Tak czy inaczej, ludzie z projektu Banksy, w tym jego asystenci, wiedzą, jak trzymać język za zębami.

W 2019 roku najdroższym dziełem Banksy'ego niespodziewanie stał się czterometrowy płótno Parlament zdecentralizowany („parlament zdegradowany”, „zbutwiały” lub „delegowany”). Szympansy kłócące się w Izbie Gmin zdają się kpić z publiczności w roku skandalicznego Brexitu. Zaskakujące jest to, że obraz został namalowany 10 lat przed tym historycznym punktem zwrotnym, dlatego ktoś uważa go za proroczy. Na aukcji Sotheby's 3 października 2019 r. nieznany nabywca kupił ropę za 12 143 000 USD w ostrej licytacji - sześciokrotność ceny wstępnej.

20. JOHN CURREN „Słodkie i proste”. 1999. 12,007 miliona dolarów

Amerykański artysta John Curran (1962) znany z satyrycznych obrazów figuratywnych o prowokacyjnych tematach seksualnych i społecznych. W pracach Currena udaje się połączyć techniki malarskie dawnych mistrzów (zwłaszcza Lucasa Cranacha Starszego i manierystów) z fotografią modową z kolorowych magazynów. Nabierając groteskowości, Karren często zaburza proporcje ludzkiego ciała, powiększa lub pomniejsza poszczególne jego części, przedstawia bohaterów w połamanych, manierycznych pozach.

Curren rozpoczął się w 1989 roku od portretów dziewcząt przeniesionych ze szkolnego albumu; kontynuowane na początku lat 90. ze zdjęciami cycatej piękności inspirowane zdjęciami z Cosmopolitan i Playboy; w 1992 roku pojawiły się portrety zamożnych starszych pań; aw 1994 roku Curren poślubił rzeźbiarkę Rachel Feinstein, która przez wiele lat stała się jego główną muzą i modelką. Pod koniec lat 90. sprawność techniczna Currina w połączeniu z kiczem i groteskowością jego obrazów przyniosła mu popularność. W 2003 roku Larry Gagosian przejął promocję artysty, a jeśli taki diler jak Gagosian zajmie się autorem, to sukces jest gwarantowany. W 2004 roku w Whitney Museum odbyła się retrospektywa Johna Currana.

Mniej więcej w tym czasie jego prace zaczęły sprzedawać się za sześć cyfr. Obecny rekord obrazu Johna Currana należy do Sweet and Simple, sprzedanego 15 listopada 2016 roku w Christie's za 12 milionów dolarów.Teraz ponad 50, to zdecydowanie przełom w karierze. Jego poprzedni rekord w 2008 roku wynosił 5,5 miliona dolarów (nawiasem mówiąc, zapłacony za tę samą pracę „Cute and Simple”).

21. BRICE MARDEN Uczestniczący. 1996-1999 10,917 mln USD

Kolejnym żyjącym amerykańskim artystą abstrakcyjnym w naszym rankingu jest Bryce Marden (1938). Prace Mardena utrzymane w stylu minimalizmu, a od końca lat 80-tych malarstwa gestykulacyjnego, wyróżniają się wyjątkową autorską, nieco stonowaną paletą. Kombinacje kolorystyczne w pracach Mardena inspirowane są jego podróżami po świecie – Grecji, Indiach, Tajlandii, Sri Lance. Wśród autorów, którzy wpłynęli na powstanie Mardena, są Jackson Pollock (na początku lat 60. Marden pracował jako ochroniarz w Muzeum Żydowskim, gdzie osobiście obserwował „ociekanie” Pollocka), Alberto Giacometti (zapoznał się ze swoją pracą w Paryżu) i Robert Rauschenberg (czasem Marden pracował jako jego asystent). Pierwszy etap twórczości Marden poświęcony jest klasycznym minimalistycznym płótnom, składającym się z kolorowych prostokątnych bloków (poziomych lub pionowych). W przeciwieństwie do wielu innych minimalistów, którzy dążyli do idealnej jakości prac, jakby drukowanych maszynowo, a nie rysowanych przez człowieka, Marden zachował ślady pracy artysty, łącząc różne materiały (wosk i farby olejne). Od połowy lat 80. pod wpływem orientalnej kaligrafii abstrakcja geometryczna została zastąpiona przez linie meandrowe, dla których tłem były te same monochromatyczne pola barw. Jeden z tych „meanderów” – „The Attended” – został sprzedany w Sotheby's w listopadzie 2013 roku za 10,917 mln dolarów, wliczając prowizję.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23 grudnia 1959. 10,6 miliona dolarów

23. ZHANG XIAOGANG Wieczna miłość. 10,2 miliona dolarów

Innym przedstawicielem chińskiej sztuki współczesnej jest symbolista i surrealista Zhang Xiaogang (1958). W Sotheby's Hong Kong 3 kwietnia 2011, gdzie sprzedawano chińską awangardę z kolekcji belgijskiego barona Guya Ullensa, tryptyk autorstwa Zhang Xiaoganga "Wieczna miłość" został sprzedany za $ 10,2 miliona. W tamtym czasie był to rekord nie tylko dla artysty, ale dla całej chińskiej sztuki współczesnej. Mówi się, że dzieło Xiaoganga kupiła żona miliardera Wang Wei, która ma zamiar otworzyć własne muzeum.

Zhang Xiaogang, który lubi mistycyzm i filozofię Wschodu, napisał historię "Wiecznej Miłości" w trzech częściach - życie, śmierć i odrodzenie. Ten tryptyk znalazł się na kultowej wystawie Chiny/Awangarda z 1989 roku w Narodowym Muzeum Sztuki. Również w 1989 roku demonstracje studenckie zostały brutalnie stłumione przez wojsko na placu Tiananmen. Po tym tragicznym wydarzeniu zaczęły się dokręcać śruby – ekspozycja w Muzeum Narodowym uległa rozproszeniu, wielu artystów wyemigrowało. W odpowiedzi na narzucony odgórnie socrealizm powstał kierunek realizmu cynicznego, którego jednym z głównych przedstawicieli był Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Bezradny Henry Moore. 1967. 9,9 miliona dolarów

amerykański Bruce Nauman (1941), zdobywca głównej nagrody 48. Biennale w Wenecji (1999), już dawno pobił swój rekord. Nauman rozpoczął karierę w latach sześćdziesiątych. Koneserzy nazywają go, obok Andy'ego Warhola i Josepha Beuysa, jedną z najbardziej wpływowych postaci w sztuce drugiej połowy XX wieku. Jednak bogata intelektualność i absolutna niedekoracyjna postawa niektórych z jego prac oczywiście uniemożliwiły jego szybkie rozpoznanie i odniesienie sukcesu wśród szerokiej publiczności. Nauman często eksperymentuje z językiem, odkrywając nieoczekiwane znaczenia znanych fraz. Słowa stają się centralnymi postaciami wielu jego prac, w tym neonowych pseudo-znaków i tablic. Sam Nauman nazywa siebie rzeźbiarzem, choć przez ostatnie czterdzieści lat próbował się w zupełnie innych gatunkach – rzeźbie, fotografii, sztuce wideo, performance, grafice. Na początku lat 90. Larry Gagosian wypowiedział prorocze słowa: „Prawdziwa wartość pracy Naumanna nie została jeszcze uświadomiona”. I tak się stało: 17 maja 2001 w Christie's by Naumann w 1967 r. „Bezradny Henry Moore (widok z tyłu)”(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) ustanowił nowy rekord w powojennym segmencie sztuki. Gipsowo-woskowy odlew rąk Naumanna związanych za plecami trafił pod młotek za $ 9,9 miliona w kolekcji francuskiego magnata Francois Pinault (według innych źródeł amerykańska Phyllis Wattis). Szacunkowa praca wyniosła zaledwie 2-3 miliony dolarów, więc wynik był dla wszystkich prawdziwą niespodzianką.

Przed tą legendarną wyprzedażą tylko dwie prace Naumanna przekroczyły granicę miliona dolarów. A w całej jego dotychczasowej karierze aukcyjnej tylko sześć prac, oprócz „Henry Moore…”, poszło za siedmiocyfrowe, ale ich wyników nadal nie można porównywać z dziewięcioma milionami.

„Bezradny Henry Moore” to jedna z serii polemicznych prac Naumanna na temat postaci Henry'ego Moore'a (1898–1986), brytyjskiego artysty, który w latach sześćdziesiątych był uważany za jednego z najwybitniejszych rzeźbiarzy XX wieku. Młodzi autorzy, którzy znaleźli się w cieniu uznanego mistrza, zaatakowali go następnie ostrą krytyką. Praca Naumanna jest odpowiedzią na tę krytykę i jednocześnie refleksją na temat twórczości. Tytuł pracy staje się grą słów, gdyż łączy dwa znaczenia angielskiego słowa związany - związany (w sensie dosłownym) i skazany na pewien los.

Uwaga! Wszystkie materiały serwisu oraz baza wyników aukcji serwisu, w tym ilustrowane informacje referencyjne o dziełach sprzedawanych na aukcjach, przeznaczone są do użytku wyłącznie zgodnie z art. 1274 Kodeksu cywilnego Federacji Rosyjskiej. Wykorzystywanie do celów komercyjnych lub z naruszeniem zasad określonych w Kodeksie cywilnym Federacji Rosyjskiej jest niedozwolone. serwis nie ponosi odpowiedzialności za treść materiałów przesłanych przez osoby trzecie. W przypadku naruszenia praw osób trzecich administracja serwisu zastrzega sobie prawo do usunięcia ich z serwisu oraz bazy danych na żądanie uprawnionego organu.

nr 20. 75 100 000 dolarów. „Royal Red and Blue”, Mark Rothko, sprzedany w 2012 roku.

Majestatyczne płótno było jedną z ośmiu prac wybranych przez samego artystę na jego przełomową indywidualną wystawę w Art Institute of Chicago.

nr 19. 76 700 000 dolarów. Rzeź niewiniątek autorstwa Petera Paula Rubensa, stworzona w 1610 roku.

Obraz został zakupiony przez Kennetha Thompsona w Sotheby's w Londynie w lipcu 2002 roku. Jasne i dramatyczne dzieło Rubensa może rywalizować o miano „najbardziej nieoczekiwanego sukcesu”. Christie wycenił ten obraz na zaledwie 5 milionów euro.

nr 18. 78 100 000 dolarów. Bal w Moulin de la Galette autorstwa Pierre-Auguste Renoira, namalowany w 1876 r.

Praca została sprzedana w 1990 roku, w tym czasie była wymieniona jako drugi najdroższy obraz na świecie, jaki kiedykolwiek sprzedano. Arcydzieło było własnością Ryoei Saito, prezesa Daishowa Paper Manufacturing Co. Chciał, aby płótno zostało z nim skremowane po jego śmierci, ale firma popadła w kłopoty finansowe z powodu zobowiązań kredytowych, więc obraz musiał posłużyć jako zabezpieczenie.

nr 17. 80 milionów dolarów. "Turkusowa Marilyn" Andy'ego Warhola, malowany 1964, sprzedany 2007

Nabyte przez pana Steve'a Cohena. Cena nie została potwierdzona, ale liczba ta jest uważana za prawdziwą.

nr 16. 80 milionów dolarów. „Fałszywy start”, Jasper Johns, napisany w 1959 r.

Obraz był własnością Davida Geffena, który sprzedał go CEO grupy inwestycyjnej Citadel, Kennethowi S. Griffinowi. Uznawany jest za najdroższy obraz, jaki sprzedano za życia artysty, kultowego mistrza Jaspera Johnsa.

nr 15. 82 500 000 $. „Portret doktora Gacheta”, Vincent van Gogh, 1890.

Japoński biznesmen Ryoei Saito kupił obraz w 1990 roku na aukcji. W tym czasie był to najdroższy obraz na świecie. W odpowiedzi na publiczne oburzenie na życzenie Saito, aby po jego śmierci dzieło zostało skremowane razem z nim, biznesmen wyjaśnił, że w ten sposób wyraża bezinteresowną miłość do obrazu.

nr 14. 86 300 000 dolarów. Tryptyk, Francis Bacon, 1976.

To trzyczęściowe arcydzieło Bacona pobiło swój poprzedni rekord sprzedaży w wysokości 52,68 miliona dolarów. Obraz został zakupiony przez rosyjskiego miliardera Romana Abramowicza.

nr 13. 87 900 000 dolarów. „Portret Adele Bloch-Bauer II”, Gustav Klimt, 1912.

Jedyny model dwukrotnie przedstawiony przez Klimta i sprzedany kilka miesięcy po pierwszej wersji. To portret Blocha-Bauera, jednego z czterech obrazów, które w 2006 roku przyniosły 192 miliony dolarów. Nabywca jest nieznany.

nr 12. 95 200 000 dolarów. Dora Maar z kotem, Pablo Picasso, 1941

Kolejny obraz Picassa, który trafił pod młotek w fantastycznej cenie. W 2006 roku został nabyty przez tajemniczego rosyjskiego anonimowego, który jednocześnie kupił dzieła Moneta i Chagalla o wartości 100 milionów dolarów.

nr 11. 104 200 000 dolarów. „Chłopiec z fajką”, Pablo Picasso, 1905.

To pierwszy obraz, który przełamał barierę 100 milionów dolarów w 2004 roku. Co dziwne, nazwisko osoby, która wykazywała tak duże zainteresowanie portretem Picassa, nigdy nie zostało upublicznione.

nr 10. 105 400 000 dolarów. Wypadek srebrnego samochodu (podwójny wypadek), Andy Warhol, 1932

To najdroższe dzieło słynnej legendy pop-artu, Andy'ego Warhola. Obraz stał się gwiazdą sztuki współczesnej, idącą pod młotek w Sotheby's.

nr 9. 106 500 000 dolarów. Akt, zielone liście i popiersie, Pablo Picasso, 1932

To zmysłowe i kolorowe arcydzieło to najdroższy Picasso, jaki kiedykolwiek sprzedano na aukcji. Obraz znajdował się w kolekcji pani Sidney F. Brody i nie był pokazywany publiczności od 1961 roku.

nr 8. 110 milionów dolarów „Flaga”, Jasper Johns, 1958

Flaga to najsłynniejsze dzieło Jaspera Johnsa. Swoją pierwszą amerykańską flagę artysta namalował w latach 1954-55.

Nr 7. 119 900 000 dolarów. „Krzyk”, Edvard Munch, 1895

Jest to najbardziej wyjątkowe i najbardziej kolorowe dzieło z czterech wersji arcydzieła Edvarda Muncha Krzyk. Tylko jeden z nich pozostaje w rękach prywatnych.

Numer 6. 135 000 000 dolarów. „Portret Adele Bloch-Bauer I”, Gustav Klimt.

Maria Altmann pozwała o prawo do posiadania obrazu, ponieważ Adele Bloch-Bauer przekazała go austriackiej Galerii Państwowej, a jej mąż później wycofał darowiznę w związku z wydarzeniami II wojny światowej. Po uzyskaniu praw Maria Altman sprzedała portret Ronaldowi Lauderowi, który wystawił go w swojej galerii w Nowym Jorku.

Nr 5. 137 500 000 dolarów. „Kobieta III”, Willem de Kooning.

Kolejny obraz sprzedany przez Geffena w 2006 roku, ale tym razem nabywcą był miliarder Steven A. Cohen. Ta dziwna abstrakcja jest częścią serii sześciu arcydzieł Kooninga namalowanych w latach 1951-1953.

Nr 4. 140 000 000 dolarów. „Nr 5, 1948”, Jackson Pollock.

Według The New York Times producent i kolekcjoner filmowy David Geffen sprzedał obraz Davidowi Martinezowi, partnerowi zarządzającemu FinTech Advisory, choć ten nie potwierdził informacji. Prawda jest owiana tajemnicą.