Jazz - forma sztuki muzycznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku w USA, w Nowym Orleanie, w wyniku syntezy kultur afrykańskiej i europejskiej, a następnie rozpowszechniła się. Początkami jazzu był blues i inna afroamerykańska muzyka ludowa. Cechami charakterystycznymi języka muzycznego jazzu były początkowo improwizacja, polirytm oparty na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej – swing. Dalszy rozwój jazzu nastąpił dzięki opracowaniu przez muzyków i kompozytorów jazzowych nowych wzorców rytmicznych i harmonicznych. Gatunki jazzu to: jazz awangardowy, bebop, jazz klasyczny, cool, jazz modalny, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop i wiele innych.
Historia rozwoju jazzu
Zespół jazzowy Vilex College w Teksasie
Jazz powstał jako połączenie kilku kultur muzycznych i tradycji narodowych. Pierwotnie pochodził z Afryki. Każdą muzykę afrykańską charakteryzuje bardzo złożony rytm, zawsze towarzyszy jej taniec, który polega na szybkim tupaniu i klaskaniu. Na tej podstawie pod koniec XIX wieku powstał kolejny gatunek muzyczny – ragtime. Następnie rytmy ragtime'u połączone z elementami bluesa dały początek nowemu kierunkowi muzycznemu - jazzowi.
Blues powstał pod koniec XIX wieku jako fuzja afrykańskich rytmów i europejskiej harmonii, lecz jego korzeni należy szukać już w momencie sprowadzenia niewolników z Afryki na tereny Nowego Świata. Sprowadzani niewolnicy nie pochodzili z tej samej rodziny i zazwyczaj nawet się nie rozumieli. Potrzeba konsolidacji doprowadziła do zjednoczenia wielu kultur i w efekcie do powstania jednej kultury (w tym muzycznej) Afroamerykanów. Procesy mieszania się afrykańskiej kultury muzycznej z europejską (która uległa także poważnym przemianom w Nowym Świecie) trwały od XVIII w. i w XIX w. doprowadziły do powstania „proto-jazzu”, a następnie jazzu w ogólnie przyjętym znaczeniu . Kolebką jazzu było Południe Ameryki, a zwłaszcza Nowy Orlean.
Kluczem do wiecznej młodości w jazzie jest improwizacja
Osobliwością tego stylu jest wyjątkowe indywidualne wykonanie wirtuoza jazzmana. Kluczem do wiecznej młodości w jazzie jest improwizacja. Po pojawieniu się genialnego wykonawcy, który całe życie żył w rytmie jazzu i do dziś pozostaje legendą – Louisa Armstronga, sztuka jazzowego wykonawstwa otworzyła nowe i niezwykłe horyzonty: solowe wykonanie wokalne lub instrumentalne staje się centrum całego występu, całkowicie zmieniając ideę jazzu. Jazz to nie tylko pewien rodzaj muzycznego wykonawstwa, ale także wyjątkowa, pogodna epoka.
Jazz z Nowego Orleanu
Termin Nowy Orlean zwykle odnosi się do stylu muzyków jazzowych, którzy grali jazz w Nowym Orleanie w latach 1900–1917, a także muzyków z Nowego Orleanu, którzy grali i nagrywali w Chicago od około 1917 do lat dwudziestych XX wieku. Ten okres w historii jazzu nazywany jest także epoką jazzu. I tym pojęciem określa się także muzykę wykonywaną w różnych okresach historycznych przez przedstawicieli odrodzenia nowoorleańskiego, którzy starali się wykonywać jazz w tym samym stylu, co muzycy szkoły nowoorleańskiej.
Ścieżki afroamerykańskiego folku i jazzu rozeszły się od czasu otwarcia Storyville, dzielnicy czerwonych latarni w Nowym Orleanie, słynącej z lokali rozrywkowych. Tym, którzy chcieli się dobrze bawić i dobrze bawić, oferowano wiele kuszących możliwości, które oferowały parkiety taneczne, kabarety, występy rozrywkowe, cyrk, bary i bary z przekąskami. I wszędzie w tych placówkach rozbrzmiewała muzyka i muzycy, którzy opanowali nową muzykę synkopowaną, mogli znaleźć pracę. Stopniowo wraz ze wzrostem liczby muzyków pracujących zawodowo w placówkach rozrywkowych Storyville zmniejszała się liczba marszowych i ulicznych orkiestr dętych, a na ich miejsce pojawiały się tzw. zespoły Storyville, których przejaw muzyczny stał się bardziej indywidualny, w porównaniu z grą orkiestr dętych. Kompozycje te, często nazywane „orkiestrami combo”, stały się założycielami stylu klasycznego nowoorleańskiego jazzu. Od 1910 do 1917 roku kluby nocne w Storyville zapewniały idealne środowisko dla jazzu.
Od 1910 do 1917 roku kluby nocne w Storyville zapewniały idealne środowisko dla jazzu.
Rozwój jazzu w USA w pierwszej ćwierci XX wieku
Po zamknięciu Storyville jazz z regionalnego gatunku folkowego zaczyna przekształcać się w narodowy nurt muzyczny, rozprzestrzeniający się na północne i północno-wschodnie prowincje Stanów Zjednoczonych. Ale jego szerokiemu rozpowszechnieniu nie można było oczywiście ułatwić jedynie poprzez zamknięcie jednej dzielnicy rozrywkowej. Obok Nowego Orleanu, St. Louis, Kansas City i Memphis od samego początku odegrały ogromną rolę w rozwoju jazzu. Ragtime powstał w XIX wieku w Memphis, skąd w latach 1890-1903 rozprzestrzenił się na cały kontynent północnoamerykański.
Z drugiej strony występy minstreli, ze swoją pstrokatą mozaiką wszelkiego rodzaju muzycznych ruchów afroamerykańskiego folkloru, od jigów po ragtime, szybko rozprzestrzeniły się wszędzie i utorowały drogę nadejściu jazzu. Wiele przyszłych gwiazd jazzu zaczynało swoją karierę od występów minstreli. Na długo przed zamknięciem Storyville muzycy z Nowego Orleanu wyruszyli w trasę z tak zwanymi zespołami „wodewilowymi”. Od 1904 roku Jelly Roll Morton regularnie koncertował w Alabamie, Florydzie i Teksasie. Od 1914 roku miał kontrakt na występy w Chicago. W 1915 roku do Chicago przeniosła się także biała orkiestra Dixieland Thoma Browne'a. Słynny „Creole Band”, prowadzony przez kornecistę z Nowego Orleanu Freddiego Kepparda, odbył także duże tournée po wodewilu po Chicago. Po oddzieleniu się od Olympia Band artyści Freddiego Kepparda już w 1914 roku z sukcesem występowali w najlepszym teatrze w Chicago i otrzymali propozycję nagrania dźwiękowego swoich występów jeszcze przed Original Dixieland Jazz Band, co jednak Freddie Keppard krótkowzroczne odrzucony. Obszar objęty wpływem jazzu został znacznie poszerzony o orkiestry grające na parowcach wycieczkowych pływających po Missisipi.
Od końca XIX wieku popularne stały się rejsy rzeczne z Nowego Orleanu do St. Paul, najpierw weekendowe, a później całotygodniowe. Od 1900 roku na tych statkach rzecznych występują nowoorleańskie orkiestry, a ich muzyka stała się najatrakcyjniejszą rozrywką dla pasażerów podczas rejsów po rzece. Przyszła żona Louisa Armstronga, pierwszego pianisty jazzowego Lil Hardina, zaczynała w jednej z takich orkiestr „Suger Johnny”. Inny pianista, orkiestra rzeczna Fates Marable, gościła wiele przyszłych gwiazd jazzu z Nowego Orleanu.
Parowce płynące rzeką często zatrzymywały się na mijanych stacjach, gdzie orkiestry organizowały koncerty dla miejscowej publiczności. To właśnie te koncerty stały się twórczymi debiutami Bixa Beiderbecka, Jess Stacy i wielu innych. Inna słynna trasa prowadziła przez Missouri do Kansas City. W tym mieście, gdzie dzięki silnym korzeniom afroamerykańskiego folkloru blues rozwinął się i wreszcie nabrał kształtu, wirtuozowska gra nowoorleańskich jazzmanów znalazła wyjątkowo sprzyjające środowisko. Na początku lat dwudziestych XX wieku głównym ośrodkiem rozwoju muzyki jazzowej stało się Chicago, gdzie dzięki wysiłkom wielu muzyków z różnych części Stanów Zjednoczonych powstał styl, który nazwano chicagowskim jazzem.
Wielkie zespoły
Klasyczna, ustalona forma big bandów znana jest w jazzie od początku lat dwudziestych XX wieku. Forma ta pozostawała aktualna do końca lat czterdziestych XX wieku. Muzycy dołączający do większości big bandów z reguły już w okresie dojrzewania grali bardzo specyficzne partie, albo wyuczone na próbach, albo z notatek. Staranne orkiestracje w połączeniu z dużą sekcją instrumentów dętych blaszanych i drewnianych wydobyły bogate harmonie jazzowe i stworzyły rewelacyjnie głośne brzmienie, które stało się znane jako „brzmienie big bandu”.
Big band stał się popularną muzyką swoich czasów, osiągając szczyt sławy w połowie lat trzydziestych XX wieku. Ta muzyka stała się źródłem szaleństwa tańca swingowego. Liderzy słynnych orkiestr jazzowych Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett skomponowali, zaaranżowali i nagrali istną paradę przebojów, które można było usłyszeć nie tylko na w radiu, ale także wszędzie w salach tanecznych. Wiele dużych zespołów zaprezentowało swoich improwizujących solistów, co podczas dobrze promowanych „bitew zespołów” wprawiło publiczność w stan niemal histerii.
Wiele big bandów pokazało swoich improwizujących solistów, co doprowadziło publiczność do stanu bliskiego histerii
Chociaż popularność big bandów znacznie spadła po drugiej wojnie światowej, orkiestry prowadzone przez Basiego, Ellingtona, Woody'ego Hermana, Stana Kentona, Harry'ego Jamesa i wielu innych często koncertowały i nagrywały przez następne kilka dekad. Ich muzyka stopniowo ulegała przemianom pod wpływem nowych trendów. Grupy takie jak zespoły kierowane przez Boyda Rayburna, Sun Ra, Olivera Nelsona, Charlesa Mingusa i Tada Jonesa-Mal Lewisa badały nowe koncepcje w zakresie harmonii, instrumentacji i swobody improwizacji. Dziś big bandy są standardem w edukacji jazzowej. Orkiestry repertuarowe, takie jak Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra i Chicago Jazz Ensemble, regularnie wykonują oryginalne aranżacje kompozycji big bandów.
Jazz północno-wschodni
Chociaż historia jazzu rozpoczęła się w Nowym Orleanie wraz z nadejściem XX wieku, prawdziwy rozkwit muzyki nastąpił na początku lat dwudziestych XX wieku, kiedy trębacz Louis Armstrong opuścił Nowy Orlean, aby tworzyć nową, rewolucyjną muzykę w Chicago. Rozpoczęta wkrótce potem migracja mistrzów jazzu z Nowego Orleanu do Nowego Jorku wyznaczyła trend ciągłego przemieszczania się muzyków jazzowych z południa na północ.
Louis Armstrong
Chicago przejęło muzykę Nowego Orleanu i rozgrzało ją, podnosząc jej intensywność nie tylko dzięki wysiłkom słynnych zespołów Armstronga Hot Five i Hot Seven, ale także innych, w tym takich mistrzów jak Eddie Condon i Jimmy McPartland, których ekipa w Austin High School pomógł ożywić szkoły w Nowym Orleanie. Inni znani mieszkańcy Chicago, którzy przesunęli granice klasycznego stylu jazzowego Nowego Orleanu, to pianista Art Hodes, perkusista Barrett Deems i klarnecista Benny Goodman. Armstrong i Goodman, którzy ostatecznie przenieśli się do Nowego Jorku, stworzyli tam swoistą masę krytyczną, która pomogła miastu zamienić się w prawdziwą światową stolicę jazzu. I choć Chicago w pierwszej ćwierci XX wieku pozostawało przede wszystkim ośrodkiem nagraniowym, tak Nowy Jork stał się także głównym miejscem jazzu, z takimi legendarnymi klubami jak Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy i Village Vanguard, a także takimi arenami jako Carnegie Hall.
W stylu Kansas City
W erze Wielkiego Kryzysu i prohibicji scena jazzowa w Kansas City stała się mekką nowomodnych dźwięków końca lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku. Styl, który rozkwitł w Kansas City, charakteryzował się serdecznymi, zabarwionymi bluesem utworami wykonywanymi zarówno przez duże zespoły, jak i małe zespoły swingowe, które zawierały energetyczne solówki wykonywane dla klientów barów sprzedających alkohol. To właśnie w tych cukiniach wykrystalizował się styl wielkiego hrabiego Basiego, który zaczynał w Kansas City w orkiestrze Waltera Page'a, a później u Benny'ego Mouthena. Obie te orkiestry były typowymi przedstawicielami stylu Kansas City, którego podstawą była specyficzna forma bluesa, zwana „urban blues”, a ukształtowana w grze wspomnianych orkiestr. Scenę jazzową Kansas City wyróżniła także cała plejada wybitnych mistrzów wokalnego bluesa, której uznanym „królem” był wieloletni solista orkiestry Count Basie, słynny wokalista bluesowy Jimmy Rushing. Słynny saksofonista altowy Charlie Parker, urodzony w Kansas City, po przybyciu do Nowego Jorku szeroko stosował charakterystyczne bluesowe „sztuczki”, których nauczył się w orkiestrach w Kansas City i które później stały się jednym z punktów wyjścia w bopperowskich eksperymentach w lata czterdzieste XX wieku.
Jazz z Zachodniego Wybrzeża
Artyści związani z ruchem cool jazzu lat 50. intensywnie pracowali w studiach nagraniowych w Los Angeles. Ci artyści z Los Angeles, pod dużym wpływem nonetu Milesa Davisa, stworzyli coś, co jest obecnie znane jako „West Coast Jazz”. Jazz z Zachodniego Wybrzeża był znacznie łagodniejszy niż poprzedzający go wściekły bebop. Większość jazzu z Zachodniego Wybrzeża została napisana szczegółowo. Linie kontrapunktu często stosowane w tych kompozycjach zdawały się być częścią europejskich wpływów, które przeniknęły jazz. Muzyka ta pozostawiała jednak sporo miejsca na długie linearne improwizacje solowe. Chociaż West Coast Jazz był wykonywany głównie w studiach nagraniowych, w klubach takich jak Lighthouse w Hermosa Beach i Haig w Los Angeles często występowali jego główni mistrzowie, w tym trębacz Shorty Rogers, saksofoniści Art Pepper i Bud Schenk, perkusista Shelley Mann i klarnecista Jimmy Giuffre .
Rozprzestrzenianie się jazzu
Jazz od zawsze budził zainteresowanie muzyków i słuchaczy na całym świecie, niezależnie od ich narodowości. Wystarczy prześledzić wczesną twórczość trębacza Dizzy’ego Gillespiego i jego syntezę tradycji jazzowych z muzyką czarnych Kubańczyków w latach 40. XX w. czy późniejsze, słynne w twórczości pianisty połączenie jazzu z muzyką japońską, euroazjatycką i bliskowschodnią Dave’a Brubecka, a także genialnego kompozytora i lidera jazzu – Duke Ellington Orchestra, która połączyła muzyczne dziedzictwo Afryki, Ameryki Łacińskiej i Dalekiego Wschodu.
Dave'a Brubecka
Jazz nieustannie wchłaniał nie tylko zachodnie tradycje muzyczne. Na przykład, kiedy różni artyści zaczęli próbować pracować z muzycznymi elementami Indii. Przykład tych wysiłków można usłyszeć w nagraniach flecisty Paula Horne’a w Taj Mahal, czy w nurcie „world music” reprezentowanym chociażby w twórczości grupy Oregon czy projekcie Shakti Johna McLaughlina. Muzyka McLaughlina, wcześniej w dużej mierze oparta na jazzie, zaczęła wykorzystywać nowe instrumenty pochodzenia indyjskiego, takie jak khatam czy tabla, skomplikowane rytmy i powszechne użycie indyjskiej formy raga podczas jego pobytu w Shakti.
W miarę postępującej globalizacji świata na jazz w dalszym ciągu wpływają inne tradycje muzyczne
Art Ensemble of Chicago był wczesnym pionierem w łączeniu form afrykańskich i jazzowych. Później świat poznał saksofonistę i kompozytora Johna Zorna i jego eksploracje żydowskiej kultury muzycznej, zarówno w Masada Orchestra, jak i poza nią. Utwory te zainspirowały całe grupy innych muzyków jazzowych, jak klawiszowiec John Medeski, który nagrywał z afrykańskim muzykiem Salifem Keitą, gitarzysta Marc Ribot i basista Anthony Coleman. Trębacz Dave Douglas z entuzjazmem włącza do swojej muzyki wpływy bałkańskie, a Azjatycko-Amerykańska Orkiestra Jazzowa stała się czołowym orędownikiem konwergencji jazzu i azjatyckich form muzycznych. W miarę postępującej globalizacji świata na jazz w dalszym ciągu wpływają inne tradycje muzyczne, dostarczając dojrzałego pożywki dla przyszłych badań i pokazując, że jazz jest naprawdę muzyką świata.
Jazz w ZSRR i Rosji
Pierwszy zespół jazzowy Valentina Parnakha w RFSRR
Scena jazzowa pojawiła się w ZSRR w latach dwudziestych XX wieku, wraz z jej rozkwitem w USA. Pierwsza orkiestra jazzowa w Rosji Radzieckiej została utworzona w Moskwie w 1922 roku przez poetę, tłumacza, tancerza i działacza teatralnego Walentina Parnacha i nosiła nazwę „Pierwszej Ekscentrycznej Orkiestry Zespołów Jazzowych Walentina Parnacha w RFSRR”. Za urodziny rosyjskiego jazzu tradycyjnie uważa się 1 października 1922 roku, kiedy odbył się pierwszy koncert tej grupy. Za pierwszy profesjonalny zespół jazzowy, który wystąpił w radiu i nagrał płytę, uważa się orkiestrę pianisty i kompozytora Aleksandra Tsfasmana (Moskwa).
Wczesne radzieckie zespoły jazzowe specjalizowały się w wykonywaniu modnych tańców (foxtrot, Charleston). W świadomości masowej jazz zaczął zyskiwać dużą popularność w latach 30., w dużej mierze dzięki leningradzkiemu zespołowi prowadzonemu przez aktora i piosenkarza Leonida Utesowa oraz trębacza Ya. B. Skomorovsky'ego. Popularny film komediowy z jego udziałem „Jolly Guys” (1934) był poświęcony historii muzyka jazzowego i miał odpowiednią ścieżkę dźwiękową (napisaną przez Izaaka Dunaevsky'ego). Utesov i Skomorovsky stworzyli oryginalny styl „thea-jazzu” (jazzu teatralnego), oparty na mieszance muzyki z teatrem, operetką, numerami wokalnymi i dużą rolę odgrywał w nim element performansu. Wybitny wkład w rozwój radzieckiego jazzu wniósł Eddie Rosner, kompozytor, muzyk i lider orkiestry. Rozpoczynając karierę w Niemczech, Polsce i innych krajach Europy, Rosner przeniósł się do ZSRR i stał się jednym z pionierów swingu w ZSRR i założycielem białoruskiego jazzu.
W świadomości masowej jazz zaczął zyskiwać dużą popularność w ZSRR w latach trzydziestych XX wieku.
Stosunek władz radzieckich do jazzu był niejednoznaczny: krajowi wykonawcy jazzowi z reguły nie byli zakazani, ale powszechna była ostra krytyka jazzu jako takiego w kontekście krytyki całej kultury zachodniej. Pod koniec lat 40., w okresie walki z kosmopolityzmem, jazz w ZSRR przeżywał szczególnie trudny okres, kiedy prześladowano zespoły wykonujące muzykę „zachodnią”. Wraz z nadejściem odwilży ustały represje wobec muzyków, ale krytyka trwała nadal. Jak wynika z badań profesor historii i kultury amerykańskiej Penny Van Eschen, Departament Stanu USA próbował wykorzystać jazz jako broń ideologiczną przeciwko ZSRR i ekspansji wpływów sowieckich w Trzecim Świecie. W latach 50. i 60. W Moskwie wznowiły działalność orkiestry Eddiego Rosnera i Olega Lundstrema, pojawiły się nowe kompozycje, wśród których wyróżniały się orkiestry Josepha Weinsteina (Leningrad) i Vadima Ludvikovsky'ego (Moskwa), a także Riga Variety Orchestra (REO).
Big bandy wychowały całą plejada utalentowanych aranżerów i solistów-improwizatorów, których twórczość wyniosła radziecki jazz na jakościowo nowy poziom i zbliżyła go do światowych standardów. Są wśród nich Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Aleksiej Zubow, Witalij Dołgow, Igor Kantyukow, Nikołaj Kapustin, Borys Matwiejew, Konstantin Nosow, Borys Rychkow, Konstantin Bakholdin. Rozwój jazzu kameralnego i klubowego rozpoczyna się w całej różnorodności jego stylistyki (Wiaczesław Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik itp.)
Klub Jazzowy „Błękitny Ptak”
Wielu z wymienionych mistrzów radzieckiego jazzu rozpoczynało karierę twórczą na scenie legendarnego moskiewskiego klubu jazzowego „Blue Bird”, który istniał od 1964 do 2009 roku, odkrywając nowe nazwiska przedstawicieli współczesnego pokolenia rosyjskich gwiazd jazzu (bracia Alexander i Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko i inni). W latach 70. szeroko znane stało się trio jazzowe „Ganelin-Tarasow-Czekasin” (GTC) składające się z pianisty Wiaczesława Ganelina, perkusisty Władimira Tarasowa i saksofonisty Władimira Czekasina, które istniało do 1986 roku. W latach 70. i 80. sławę zyskał także kwartet jazzowy z Azerbejdżanu „Gaya” oraz gruzińskie zespoły wokalno-instrumentalne „Orera” i „Jazz Chorale”.
Po spadku zainteresowania jazzem w latach 90., zaczął on ponownie zyskiwać na popularności w kulturze młodzieżowej. Co roku w Moskwie odbywają się festiwale muzyki jazzowej, takie jak „Usadba Jazz” i „Jazz w Ermitażu”. Najpopularniejszym klubem jazzowym w Moskwie jest klub jazzowy „Unia Kompozytorów”, zapraszający światowej sławy wykonawców jazzowych i bluesowych.
Jazz we współczesnym świecie
Współczesny świat muzyki jest tak różnorodny, jak klimat i geografia, których doświadczamy podczas podróży. A jednak dzisiaj jesteśmy świadkami mieszania się coraz większej liczby kultur świata, stale przybliżając nas do tego, co w istocie już staje się „muzyką świata” (muzyką świata). Dzisiejszy jazz nie może już oprzeć się wpływom dźwięków przenikających do niego niemal z każdego zakątka globu. Europejski eksperymentalizm z wydźwiękiem klasycznym w dalszym ciągu wpływa na muzykę młodych pionierów, takich jak Ken Vandermark, awangardowy saksofonista free jazzowy, znany ze współpracy z tak wybitnymi współczesnymi, jak saksofoniści Mats Gustafsson, Evan Parker i Peter Brotzmann. Inni młodzi, bardziej tradycyjni muzycy, którzy nadal poszukują własnej tożsamości, to pianiści Jackie Terrasson, Benny Green i Braid Meldoa, saksofoniści Joshua Redman i David Sanchez oraz perkusiści Jeff Watts i Billy Stewart.
Stara tradycja dźwiękowa jest szybko kontynuowana przez artystów takich jak trębacz Wynton Marsalis, który współpracuje z zespołem asystentów, zarówno we własnych małych grupach, jak i w Lincoln Center Jazz Orchestra, którą prowadzi. Pod jego patronatem pianiści Marcus Roberts i Eric Reed, saksofonista Wes „Warmdaddy” Anderson, trębacz Marcus Printup i wibrafonista Stefan Harris wyrośli na świetnych muzyków. Basista Dave Holland to także wielki odkrywca młodych talentów. Do jego licznych odkryć należą tacy artyści jak saksofonista/basista M Steve Coleman, saksofonista Steve Wilson, wibrafonista Steve Nelson i perkusista Billy Kilson. Inni wielcy mentorzy młodych talentów to pianista Chick Corea oraz nieżyjący już perkusista Elvin Jones i piosenkarka Betty Carter. Potencjalne możliwości dalszego rozwoju jazzu są obecnie dość duże, gdyż sposoby rozwijania talentu i środki jego ekspresji są nieprzewidywalne, mnożąc się dzięki połączonym wysiłkom różnych gatunków jazzu, które dziś zachęcają.
Ibrasheva Alina i Gazgireeva Malika
prezentacja na temat „Jazz”, która opowiada o pochodzeniu innowacji jazzu i jego odmianach
Pobierać:
Zapowiedź:
Aby skorzystać z podglądu prezentacji utwórz konto Google i zaloguj się na nie: https://accounts.google.com
Podpisy slajdów:
Części główne Odmiany jazzu Opracowali: Alina Ibrasheva i Malika Gazgireeva, klasa 7, szkoła nr 28. Nauczyciel: Kolotova Tamara Gennadievna
Jazz to forma sztuki muzycznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku w USA w wyniku syntezy kultur afrykańskiej i europejskiej, a następnie rozpowszechniła się. Cechami charakterystycznymi języka muzycznego jazzu były początkowo improwizacja, polirytm oparty na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej – swing. Czym jest jazz?
Początki jazzu wiążą się z bluesem. Powstał pod koniec XIX wieku jako fuzja afrykańskich rytmów i europejskiej harmonii, lecz jego korzeni należy szukać już w momencie sprowadzenia niewolników z Afryki na tereny Nowego Świata. Każdą muzykę afrykańską charakteryzuje bardzo złożony rytm, zawsze towarzyszy jej taniec, który polega na szybkim tupaniu i klaskaniu. Potrzeba konsolidacji doprowadziła do zjednoczenia wielu kultur – do powstania jednej kultury Afroamerykanów. Procesy mieszania się kultury afrykańskiej i europejskiej rozpoczęły się od XVIII wieku, a w XIX wieku doprowadziły do powstania „proto-jazzu”, a następnie jazzu. Początki
Termin jazz nowoorleański, czyli tradycyjny, zwykle odnosi się do stylu muzyków, którzy wykonywali jazz w Nowym Orleanie w latach 1900–1917, a także muzyków z Nowego Orleanu, którzy grali i nagrywali w Chicago od około 1917 do lat dwudziestych XX wieku. Ten okres w historii jazzu nazywany jest także epoką jazzu. I tym pojęciem określa się także muzykę wykonywaną w różnych okresach historycznych przez przedstawicieli odrodzenia nowoorleańskiego, którzy starali się wykonywać jazz w tym samym stylu, co muzycy szkoły nowoorleańskiej. Jazz nowoorleański lub jazz tradycyjny
Termin ma dwa znaczenia. Po pierwsze, jest to środek wyrazu w jazzie. Charakterystyczny rodzaj pulsacji polegający na ciągłych odchyleniach rytmu od uderzeń pomocniczych. Dzięki temu powstaje wrażenie dużej energii wewnętrznej, która znajduje się w stanie niestabilnej równowagi. Po drugie, styl jazzu orkiestrowego, który rozwinął się na przełomie lat 20. i 30. XX w. w wyniku syntezy murzyńskich i europejskich form stylistycznych muzyki jazzowej. Wykonawcy: Joe Pass, Frank Sinatra, Benny Goodman, Norah Jones, Michel Legrand, Oscar Peterson, Ike Quebec, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Mills Brothers, Stephane Grappelli. Huśtać się
Styl jazzowy, eksperymentalny kierunek twórczy w jazzie, kojarzony głównie z praktyką małych zespołów (combo), który rozwinął się w pierwszej połowie lat 40. XX wieku i zapoczątkował erę nowoczesnego jazzu. Charakteryzuje się szybkim tempem i złożonymi improwizacjami. Faza bebopu oznaczała znaczącą zmianę akcentu jazzu z popularnej muzyki tanecznej na bardziej artystyczną. Główni muzycy: saksofonista Charlie Parker, trębacz Dizzy Gillespie, pianiści Bud Powell i Thelonious Monk, perkusista Max Roach. Bop
Klasyczna, ustalona forma big bandów znana jest w jazzie od początku lat dwudziestych XX wieku. Forma ta pozostawała aktualna aż do końca lat czterdziestych XX wieku. Muzycy, którzy dołączyli do większości dużych zespołów, grali bardzo specyficzne partie, albo zapamiętane na próbach, albo z notatek. Staranne orkiestracje w połączeniu z dużą sekcją instrumentów dętych blaszanych i drewnianych wydobyły bogate harmonie jazzowe i stworzyły rewelacyjnie głośne brzmienie, które stało się znane jako „brzmienie big bandu”. Najbardziej znani: Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glen Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford. Wielkie zespoły
Po zakończeniu panującej w dobie big bandów mody na duże orkiestry, kiedy muzyka wielkich orkiestr na scenie zaczęła być wypierana przez małe składy jazzowe, nadal można było usłyszeć muzykę swingową. Wielu znanych solistów swingowych po koncertach w salach balowych lubiło grać dla zabawy na spontanicznych jamach w małych klubach na 52. ulicy w Nowym Jorku. Co więcej, byli to nie tylko ci, którzy pracowali jako „sidemeni” w dużych orkiestrach, jak Ben Webster, Coleman Hawkins, będąc początkowo solistami, a nie tylko dyrygentami, poszukiwali także możliwości grania oddzielnie od swojego dużego zespołu, w małym kompozycja. Główny nurt
Chociaż historia jazzu rozpoczęła się w Nowym Orleanie wraz z nadejściem XX wieku, prawdziwy rozkwit muzyki nastąpił na początku lat dwudziestych XX wieku, kiedy trębacz Louis Armstrong opuścił Nowy Orlean, aby tworzyć nową, rewolucyjną muzykę w Chicago. Rozpoczęta wkrótce potem migracja mistrzów jazzu z Nowego Orleanu do Nowego Jorku wyznaczyła trend ciągłego przemieszczania się muzyków jazzowych z południa na północ. Chicago przejęło muzykę Nowego Orleanu i rozgrzało ją, podnosząc jej intensywność nie tylko dzięki wysiłkom słynnych zespołów Armstronga Hot Five i Hot Seven, ale także innych. Północno-wschodni jazz. Krok
Wysoka intensywność i presja bebopu zaczęła słabnąć wraz z rozwojem fajnego jazzu. Począwszy od późnych lat czterdziestych i wczesnych pięćdziesiątych muzycy zaczęli rozwijać mniej gwałtowne, płynniejsze podejście do improwizacji, wzorowane na lekkiej, suchej grze saksofonisty tenorowego Lestera Younga podczas jego swingowych dni. Rezultatem było zdystansowane i jednolicie płaskie brzmienie, oparte na emocjonalnym „chłodzie”. Największym innowatorem gatunku stał się trębacz Miles Davis, jeden z pionierów bebopu, który go ochłodził. Jego nonet, który w latach 1949-1950 nagrał płytę „The Birth of a Cool”, był ucieleśnieniem liryzmu i powściągliwości fajnego jazzu. Cool (fajny jazz)
Równolegle z pojawieniem się bebopu wśród jazzu rozwijał się nowy gatunek - jazz progresywny, czyli po prostu progresywny. Główną różnicą tego gatunku jest chęć oderwania się od zamrożonych klisz big bandów i przestarzałych, przestarzałych technik tzw. jazz symfoniczny, wprowadzony w latach dwudziestych XX wieku przez Paula Whitemana. W przeciwieństwie do bopperów, twórcy progresywni nie dążyli do radykalnego odrzucenia rozwijających się wówczas tradycji jazzowych. Największy wkład w rozwój koncepcji „progresywnej” wniósł pianista i dyrygent Stan Kenton. Jazz progresywny początku lat 40. rozpoczął się właściwie od jego pierwszych dzieł. Brzmienie muzyki wykonywanej przez jego pierwszą orkiestrę było bliskie Rachmaninowowi, a kompozycje nosiły cechy późnego romantyzmu. Progresywny jazz
Hard bop (ang. hard, hard bop) to rodzaj jazzu, który pojawił się w latach 50-tych. XX wiek z bopa. Wyróżnia się wyrazistymi, brutalnymi rytmami, opartymi na bluesie. Nawiązuje do stylów współczesnego jazzu. Mniej więcej w tym samym czasie, gdy fajny jazz zapuścił korzenie na Zachodnim Wybrzeżu, muzycy jazzowi z Detroit, Filadelfii i Nowego Jorku zaczęli opracowywać coraz cięższe odmiany starej formuły bebopu, zwane Hard Bop lub Hard Bebop. Hard bop z lat 50. i 60., bardzo przypominający tradycyjny bebop w swojej agresywności i wymaganiach technicznych, w mniejszym stopniu opierał się na standardowych formach piosenek i zaczął kłaść większy nacisk na elementy bluesa i rytmikę. Twardy bop
Soul jazz (angielski soul - soul) - szeroko rozumiana muzyka soul nazywana jest czasem całą czarną muzyką kojarzoną z tradycją bluesową. Charakteryzuje się oparciem na tradycjach bluesa i folklorze afroamerykańskim. Bliski krewny hard bopu, soul jazz, jest reprezentowany przez małe miniformaty oparte na organach, które pojawiły się w połowie lat pięćdziesiątych i były kontynuowane w latach siedemdziesiątych. Oparta na bluesie i gospel muzyka soul-jazz pulsuje afroamerykańską duchowością. Soulowy jazz
Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu powstał wraz z pojawieniem się free jazzu, czyli „New Thing”, jak go później nazwano. Chociaż elementy free jazzu istniały w muzycznej strukturze jazzu na długo przed ukuciem samego terminu, najbardziej oryginalny był on w „eksperymentach” takich innowatorów jak Coleman Hawkins, Pee Wee Russell i Lenny Tristano, ale dopiero pod koniec lat pięćdziesiątych XX wieku dzięki wysiłkom takich pionierów jak saksofonista Ornette Coleman i pianista Cecil Taylor kierunek ten ukształtował się jako styl niezależny. Darmowy jazz
Okres post-bopu obejmuje muzykę wykonywaną przez muzyków jazzowych, którzy nadal tworzyli w obszarze bebopu, stroniąc od eksperymentów free jazzowych, które rozwinęły się w tym samym okresie lat 60. XX wieku. Podobnie jak wspomniany hard bop, także i ta forma opierała się na rytmach, strukturze zespołowej i energii bebopu, tych samych kombinacjach dętych i tym samym repertuarze muzycznym, w tym z wykorzystaniem elementów latynoskich. Tym, co wyróżniało muzykę post-bopową, było wykorzystanie elementów funku, rytmu czy soulu, przekształconych w duchu nowej ery naznaczonej dominacją muzyki pop. Najbardziej znani jako: saksofonista Hank Mobley, pianista Horace Silver, perkusista Art Blakey i trębacz Lee Morgan. Postbop
Termin acid jazz lub acid jazz jest używany luźno w odniesieniu do bardzo szerokiego zakresu muzyki. Choć acid jazz nie jest w pełni słusznie zaliczany do stylów jazzowych, które wyrosły z ogólnego drzewa tradycji jazzowych, nie można go całkowicie zignorować, analizując różnorodność gatunkową muzyki jazzowej. Pojawiający się w 1987 roku na brytyjskiej scenie tanecznej acid jazz jako styl muzyczny, głównie instrumentalny, powstał na bazie funku, z dodatkiem wybranych klasycznych utworów jazzowych, hip-hopu, soulu i latynoskiego rytmu. Właściwie styl ten jest jedną z odmian odrodzenia jazzu, inspirowaną w tym przypadku nie tyle występami żyjących weteranów, ile starymi nagraniami jazzu z końca lat 60. i wczesnego jazz funku z początku lat 70. XX wieku. Kwaśny jazz
Ewoluując od stylu fusion, smooth jazz porzucił energetyczne solówki i dynamiczne crescendo poprzednich stylów. Smooth jazz wyróżnia się przede wszystkim celowo podkreślonym dopracowanym brzmieniem. Improwizacja jest również w dużej mierze wykluczona z muzycznego arsenału tego gatunku. Wzbogacony dźwiękami różnych syntezatorów w połączeniu z próbkami rytmicznymi, błyszczący dźwięk tworzy eleganckie i dopracowane opakowanie produktu muzycznego, w którym harmonia zespołu jest ważniejsza niż jej części składowe. Najbardziej znani: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater, Larry Carlton, Stanley Clarke, Bob James, Al Jarreau, Diana Krall, Bradley Lighton, Lee Ritenour, Dave Grusin, Jeff Lorber, Chuck Loeb. Płynny jazz
Jazz od zawsze budził zainteresowanie muzyków i słuchaczy na całym świecie, niezależnie od ich narodowości. Wystarczy prześledzić wczesną twórczość trębacza Dizzy’ego Gillespiego i jego syntezę tradycji jazzowych z muzyką czarnych Kubańczyków z lat 40. XX w. czy późniejsze łączenie jazzu z muzyką japońską, euroazjatycką i bliskowschodnią, słynące z twórczości pianisty Dave’a Brubecka Jazz stale wchłania, i to nie tylko zachodnie tradycje muzyczne. Od czasu globalizacji świata postępuje, na jazz w dalszym ciągu wpływają inne tradycje muzyczne, dostarczając dojrzałego pożywki dla przyszłych badań i demonstrując, że jazz jest naprawdę muzyką świata. Rozprzestrzenianie się jazzu
Dziękuję za uwagę
Jazz– wyjątkowe zjawisko w światowej kulturze muzycznej. Ta wieloaspektowa forma sztuki powstała na przełomie XIX i XX wieku w USA. Muzyka jazzowa stała się dziełem kultur Europy i Afryki, wyjątkową fuzją trendów i form z dwóch regionów świata. Następnie jazz rozprzestrzenił się poza Stany Zjednoczone i stał się popularny niemal wszędzie. Muzyka ta wywodzi się z afrykańskich pieśni ludowych, rytmów i stylów. W historii rozwoju tego kierunku jazzu znanych jest wiele form i typów, które pojawiły się wraz z opanowaniem nowych modeli rytmów i harmonii.
Charakterystyka jazzu
Synteza dwóch kultur muzycznych uczyniła jazz radykalnie nowym zjawiskiem w sztuce światowej. Specyficzne cechy tej nowej muzyki to:
- Rytmy synkopowane, dające początek polirytmom.
- Rytmiczna pulsacja muzyki jest rytmem.
- Złożone odchylenie od rytmu - swing.
- Ciągła improwizacja w kompozycjach.
- Bogactwo harmonii, rytmów i barw.
Podstawą jazzu, zwłaszcza w pierwszych fazach rozwoju, była improwizacja połączona z przemyślaną formą (jednocześnie forma kompozycji nie była koniecznie gdzieś ustalona). A z muzyki afrykańskiej ten nowy styl przyjął następujące charakterystyczne cechy:
- Zrozumienie każdego instrumentu jako instrumentu perkusyjnego.
- Popularne intonacje konwersacyjne podczas wykonywania kompozycji.
- Podobna imitacja rozmowy podczas gry na instrumentach.
Ogólnie rzecz biorąc, wszystkie kierunki jazzu wyróżniają się swoimi lokalnymi cechami, dlatego logiczne jest rozpatrywanie ich w kontekście rozwoju historycznego.
Pojawienie się jazzu, ragtime'u (1880-1910)
Uważa się, że jazz narodził się wśród czarnych niewolników sprowadzonych z Afryki do Stanów Zjednoczonych w XVIII wieku. Ponieważ uwięzionych Afrykanów nie reprezentowało żadne plemię, musieli szukać wspólnego języka ze swoimi krewnymi w Nowym Świecie. Taka konsolidacja doprowadziła do pojawienia się w Ameryce zjednoczonej kultury afrykańskiej, która obejmowała kulturę muzyczną. W rezultacie pierwsza muzyka jazzowa pojawiła się dopiero w latach 80. i 90. XIX wieku. Styl ten był napędzany światowym popytem na popularną muzykę taneczną. Ponieważ afrykańska sztuka muzyczna obfitowała w takie rytmiczne tańce, na jej podstawie narodził się nowy kierunek. Tysiące Amerykanów z klasy średniej, niezdolnych do nauki arystokratycznych tańców klasycznych, zaczęło tańczyć przy fortepianie ragtime. Ragtime wprowadził do muzyki kilka przyszłych podstaw jazzu. Tym samym główny przedstawiciel tego stylu, Scott Joplin, jest autorem elementu „3 kontra 4” (przeplatające się układy rytmiczne o odpowiednio 3 i 4 jednostkach).
Nowy Orlean (1910-1920)
Klasyczny jazz pojawił się na początku XX wieku w południowych stanach Ameryki, a konkretnie w Nowym Orleanie (co jest logiczne, bo to właśnie na południu rozpowszechnił się handel niewolnikami).
Grały tu orkiestry afrykańskie i kreolskie, tworzące swoją muzykę pod wpływem ragtime'u, bluesa i pieśni czarnych robotników. Po pojawieniu się w mieście wielu instrumentów muzycznych z orkiestr wojskowych zaczęły pojawiać się grupy amatorskie. Samoukiem był także legendarny nowoorleański muzyk, twórca własnej orkiestry, King Oliver. Ważną datą w historii jazzu był 26 lutego 1917 roku, kiedy to zespół Original Dixieland Jazz Band wydał swoją pierwszą płytę gramofonową. Główne cechy tego stylu zostały ustanowione w Nowym Orleanie: rytm instrumentów perkusyjnych, mistrzowskie solówki, improwizacja wokalna z sylabami - scat.
Chicago (1910-1920)
W latach dwudziestych XX wieku, nazywanych przez klasyków „ryczącymi latami dwudziestymi”, muzyka jazzowa stopniowo wkraczała do kultury masowej, tracąc tytuły „wstydliwy” i „nieprzyzwoity”. Orkiestry zaczynają występować w restauracjach i przenoszą się z południowych stanów do innych części Stanów Zjednoczonych. Chicago staje się centrum jazzu na północy kraju, gdzie popularne stają się bezpłatne, wieczorne występy muzyków (podczas takich występów często pojawiały się improwizacje i soliści z zewnątrz). Bardziej złożone aranżacje pojawiają się w stylu muzycznym. Ikoną jazzu tamtych czasów był Louis Armstrong, który przeniósł się do Chicago z Nowego Orleanu. Następnie style obu miast zaczęto łączyć w jeden gatunek muzyki jazzowej - Dixieland. Główną cechą tego stylu była zbiorowa masowa improwizacja, która wyniosła główną ideę jazzu do absolutu.
Swing i big bandy (1930-1940)
Ciągły wzrost popularności jazzu stworzył zapotrzebowanie na duże orkiestry grające utwory taneczne. Tak pojawił się swing, reprezentujący charakterystyczne odchylenia od rytmu w obu kierunkach. Swing stał się głównym kierunkiem stylistycznym tamtych czasów, przejawiającym się w twórczości orkiestr. Wykonanie harmonijnych kompozycji tanecznych wymagało bardziej skoordynowanej gry orkiestry. Od muzyków jazzowych oczekiwano równego udziału, bez większej improwizacji (z wyjątkiem solisty), więc zbiorowa improwizacja Dixielandu stała się przeszłością. W latach trzydziestych XX wieku rozkwitły podobne grupy, które nazywano big bandami. Cechą charakterystyczną ówczesnych orkiestr była rywalizacja pomiędzy grupami instrumentów i sekcjami. Tradycyjnie było ich trzech: saksofony, trąbki, perkusja. Najbardziej znani muzycy jazzowi i ich orkiestry to: Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Ten ostatni muzyk słynie z zaangażowania w czarny folklor.
Bebopa (lata 40. XX wieku)
Odejście Swinga od tradycji wczesnego jazzu, a zwłaszcza klasycznych melodii i stylów afrykańskich, wywołało niezadowolenie wśród znawców historii. Big bandom i swingerom, którzy w coraz większym stopniu pracowali dla publiczności, zaczęła przeciwstawiać się muzyka jazzowa małych zespołów czarnych muzyków. Eksperymentatorzy wprowadzili superszybkie melodie, przywrócili długą improwizację, złożone rytmy i wirtuozerską kontrolę nad instrumentem solowym. Nowy styl, który pozycjonował się jako ekskluzywny, zaczęto nazywać bebopem. Ikonami tego okresu byli oburzeni muzycy jazzowi: Charlie Parker i Dizzy Gillespie. Kluczowym punktem stał się bunt czarnych Amerykanów przeciwko komercjalizacji jazzu, chęć przywrócenia tej muzyce intymności i wyjątkowości. Od tego momentu i od tego stylu zaczyna się historia współczesnego jazzu. W tym samym czasie do małych orkiestr przychodzą także liderzy big bandów, chcąc odpocząć od wielkich sal. W zespołach zwanych combo tacy muzycy trzymali się stylu swingowego, ale mieli swobodę improwizacji.
Cool jazz, hard bop, soul jazz i jazz-funk (lata 40.-60. XX wieku)
W latach pięćdziesiątych gatunek muzyczny taki jak jazz zaczął rozwijać się w dwóch przeciwstawnych kierunkach. Zwolennicy muzyki klasycznej „ochłodzili” bebop, przywracając do mody muzykę akademicką, polifonię i aranżację. Cool jazz zasłynął ze swojej powściągliwości, suchości i melancholii. Głównymi przedstawicielami tego kierunku jazzu byli: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Przeciwnie, drugi kierunek zaczął rozwijać idee bebopu. Styl hard bop głosił ideę powrotu do korzeni czarnej muzyki. Do mody wróciły tradycyjne melodie folklorystyczne, jasne i agresywne rytmy, wybuchowe solo i improwizacja. W stylu hard bop znani są: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Styl ten rozwinął się organicznie wraz z soul jazzem i jazz-funkem. Style te zbliżyły się do bluesa, czyniąc rytm kluczowym aspektem wykonania. W szczególności jazz-funk został wprowadzony przez Richarda Holmesa i Shirley Scott.
Darmowa muzyka (lata 60. – obecnie)
Po „renesansie jazzowym” połowy lat pięćdziesiątych XX wieku, kiedy styl ten zrównał się z innymi stylami muzycznymi, nastąpiło swego rodzaju wyzwolenie jazzu. Prowadzono eksperymenty w poszukiwaniu nowych improwizacji, pojawiały się nowe gatunki (fusion – połączenie z muzyką rockową – jazz-rock i muzyka pop – jazz-pop, free jazz – odmowa regulowania tonu i rytmu). Twórcami nowej muzyki byli Ornette Coleman, Cecil Taylor, Pat Metheny, Wayne Shorter, Lee Wrightnaur. Jazz rozwinął się w ZSRR, a następnie w WNP, gdzie głównymi przedstawicielami byli Walentin Parnach (twórca pierwszej orkiestry w kraju), Aleksander Warlamov, Oleg Lundstrem, Konstantin Orbelyan. We współczesnym świecie podobne eksperymenty w muzyce jazzowej trwają, powstaje zupełnie nowy styl poprzez przenikanie nowych kultur i mieszanie się z innymi stylami. Obecnie rozwijają takie talenty jak Mats Gustafson, Evan Parker, Benny Greene, Chick Corea, Elvin Jones.
Jazz to ruch muzyczny, który powstał na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych. Jego powstanie jest wynikiem splotu dwóch kultur: afrykańskiej i europejskiej. Część ta będzie łączyć duchowość (pieśni kościelne) amerykańskich czarnych, afrykańskie rytmy ludowe i europejską harmonijną melodię. Jego charakterystycznymi cechami są: elastyczny rytm, oparty na zasadzie synkopy, wykorzystaniu instrumentów perkusyjnych, improwizacji oraz ekspresyjny sposób wykonania, charakteryzujący się brzmieniem i napięciem dynamicznym, sięgającym niekiedy do ekstazy. Jazz był pierwotnie połączeniem elementów ragtime'u i bluesa. Tak naprawdę wyrosło z tych dwóch kierunków. Osobliwością stylu jazzowego jest przede wszystkim indywidualna i niepowtarzalna gra wirtuoza jazzowego, a improwizacja nadaje temu ruchowi stałą aktualność.
Po powstaniu samego jazzu rozpoczął się ciągły proces jego rozwoju i modyfikacji, który doprowadził do wyłonienia się różnych kierunków. Obecnie jest ich około trzydziestu.
Jazz nowoorleański (tradycyjny).
Ten styl zwykle oznacza dokładnie jazz, który był wykonywany w latach 1900-1917. Można powiedzieć, że jego powstanie zbiegło się z otwarciem Storyville (dzielnicy czerwonych latarni Nowego Orleanu), które zyskało popularność dzięki barom i tym podobnym lokalom, w których zawsze mogli znaleźć pracę muzycy grający muzykę synkopowaną. Powszechne dotychczas orkiestry uliczne zaczęto zastępować tzw. „zespołami Storyville”, których gra nabierała coraz większej indywidualności w porównaniu do swoich poprzedników. Zespoły te stały się później założycielami klasycznego jazzu nowoorleańskiego. Żywymi przykładami wykonawców tego stylu są: Jelly Roll Morton („His Red Hot Peppers”), Buddy Bolden („Funky Butt”), Kid Ory. To oni dokonali przejścia afrykańskiej muzyki ludowej do pierwszych form jazzowych.
Chicagowski jazz.
W roku 1917 rozpoczął się kolejny ważny etap w rozwoju muzyki jazzowej, naznaczony pojawieniem się w Chicago imigrantów z Nowego Orleanu. Powstają nowe orkiestry jazzowe, których gra wprowadza nowe elementy do wczesnego jazzu tradycyjnego. Tak objawia się niezależny styl chicagowskiej szkoły performansu, który dzieli się na dwa kierunki: gorący jazz czarnych muzyków i Dixieland białych. Główne cechy tego stylu: indywidualne partie solowe, zmiany w gorącej inspiracji (oryginalny, swobodny, ekstatyczny występ stał się bardziej nerwowy, pełen napięcia), syntetyka (w muzyce znalazły się nie tylko elementy tradycyjne, ale także ragtime, a także słynne amerykańskie hity ) oraz zmiany w grze na instrumentach (zmieniła się rola instrumentów i technik wykonawczych). Podstawowe postacie tego ruchu („What Wonderful World”, „Moon Rivers”) i („Someday Sweetheart”, „Ded Man Blues”).
Swing to orkiestrowy styl jazzu lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku, który wyrósł bezpośrednio ze szkoły chicagowskiej i był wykonywany przez duże zespoły (The Original Dixieland Jazz Band). Charakteryzuje się przewagą muzyki zachodniej. W orkiestrach pojawiły się odrębne sekcje saksofonów, trąbek i puzonów; Banjo zastępuje gitara, tuba i sassofon – kontrabas. Muzyka odchodzi od zbiorowej improwizacji, muzycy grają ściśle według wcześniej opracowanych partytur. Charakterystyczną techniką było współdziałanie sekcji rytmicznej z instrumentami melodycznymi. Przedstawiciele tego kierunku: , („Creole Love Call”, „The Mooche”), Fletcher Henderson („Kiedy Budda się uśmiecha”), Benny Goodman And His Orchestra, .
Bebop to nowoczesny ruch jazzowy, który powstał w latach 40. i był ruchem eksperymentalnym, antykomercyjnym. W przeciwieństwie do swingu jest to styl bardziej intelektualny, który kładzie duży nacisk na złożoną improwizację i kładzie większy nacisk na harmonię niż melodię. Muzyka tego stylu charakteryzuje się także bardzo szybkim tempem. Najzdolniejszymi przedstawicielami są: Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker („Noc w Tunezji”, „Manteca”) i Bud Powell.
Główny nurt. Zawiera trzy części: Stride (jazz północno-wschodni), styl Kansas City i jazz z zachodniego wybrzeża. Gorący krok królował w Chicago pod wodzą takich mistrzów jak Louis Armstrong, Andy Condon i Jimmy Mac Partland. Kansas City charakteryzuje się lirycznymi zabawami w stylu bluesowym. Jazz z zachodniego wybrzeża rozwinął się w Los Angeles pod jego kierownictwem i ostatecznie przekształcił się w fajny jazz.
Cool jazz (cool jazz) pojawił się w Los Angeles w latach 50. jako kontrapunkt dla dynamicznego i impulsywnego swingu i bebopu. Za twórcę tego stylu uważany jest Lester Young. To on wprowadził nietypowy dla jazzu styl realizacji dźwięku. Styl ten charakteryzuje się wykorzystaniem instrumentów symfonicznych i powściągliwością emocjonalną. Tacy mistrzowie jak Miles Davis („Blue In Green”), Gerry Mulligan („Walking Shoes”), Dave Brubeck („Pick Up Sticks”), Paul Desmond odcisnęli swoje piętno w tym duchu.
Awangarda zaczęła się rozwijać w latach 60-tych. Ten awangardowy styl opiera się na zerwaniu z oryginalnymi, tradycyjnymi elementami i charakteryzuje się wykorzystaniem nowych technik i środków wyrazu. Dla muzyków tego ruchu na pierwszym miejscu była ekspresja siebie, którą realizowali poprzez muzykę. Wykonawcami tego ruchu są: Sun Ra („Kosmos in Blue”, „Moon Dance”), Alice Coltrane („Ptah The El Daoud”), Archie Shepp.
Jazz progresywny powstał równolegle z bebopem w latach 40., wyróżniał się jednak techniką saksofonu staccato, złożonym przeplataniem politonalności z rytmiczną pulsacją i elementami jazzu symfonicznego. Założyciela tego nurtu można nazwać Stanem Kentonem. Wybitni przedstawiciele: Gil Evans i Boyd Rayburn.
Hard bop to rodzaj jazzu wywodzący się z bebopu. Detroit, Nowy Jork, Filadelfia – w tych miastach narodził się ten styl. Swoją agresywnością bardzo przypomina bebop, choć nadal dominują w nim elementy bluesa. Wyróżnieni wykonawcy to Zachary Breaux („Uptown Groove”), Art Blakey i The Jass Messengers.
Soulowy jazz. Termin ten jest powszechnie używany do opisania wszelkiej czarnej muzyki. Czerpie z tradycyjnego bluesa i folkloru afroamerykańskiego. Muzykę tę charakteryzują ostinatowe figury basowe i rytmicznie powtarzające się próbki, dzięki czemu zyskała szeroką popularność wśród różnych mas ludności. Do hitów w tym kierunku należą kompozycje Ramseya Lewisa „The In Crowd” i Harrisa-McCaina „Compared To What”.
Groove (aka funk) jest pochodną soulu, ale wyróżnia się rytmicznym skupieniem. Zasadniczo muzyka tego kierunku ma duże zabarwienie, a jej struktura składa się z wyraźnie określonych części dla każdego instrumentu. Występy solowe harmonijnie wpisują się w całościowe brzmienie i nie są zbyt zindywidualizowane. Wykonawcami tego stylu są Shirley Scott, Richard „Groove” Holmes, Gene Emmons, Leo Wright.
Free jazz narodził się pod koniec lat 50. dzięki wysiłkom tak innowacyjnych mistrzów, jak Ornette Coleman i Cecil Taylor. Jego charakterystycznymi cechami są atonalność i naruszenie sekwencji akordów. Styl ten często nazywany jest „free jazzem”, a do jego pochodnych zalicza się loft jazz, modern Creative i free funk. Muzycy tego stylu to: Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier („Varech”), AMM („Sedimantari”).
Twórczość pojawiła się dzięki powszechnej awangardzie i eksperymentalizmowi form jazzowych. Muzykę taką trudno scharakteryzować w pewnych kategoriach, gdyż jest ona zbyt wieloaspektowa i łączy w sobie wiele elementów poprzednich części. Do pierwszych wyznawców tego stylu zaliczają się Lenny Tristano („Line Up”), Gunter Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cirilla („The Big Time Stuff”).
Fusion połączył elementy niemal wszystkich istniejących wówczas ruchów muzycznych. Najbardziej aktywny rozwój nastąpił w latach 70-tych. Fusion to systematyczny styl instrumentalny charakteryzujący się złożonymi metrum, rytmem, wydłużonymi kompozycjami i brakiem wokalu. Ten styl przeznaczony jest dla mniej szerokich mas niż soul i jest jego całkowitym przeciwieństwem. Na czele tego trendu stoją Larry Corall i zespół Eleventh, Tony Williams i Lifetime („Bobby Truck Tricks”).
Acid jazz (groove jazz” lub „club jazz”) powstał w Wielkiej Brytanii pod koniec lat 80. (okres świetności 1990 - 1995) i łączył funk lat 70., hip-hop i muzykę taneczną lat 90. Pojawienie się tego stylu było podyktowane powszechnym wykorzystaniem sampli jazzowo-funkowych. Za założyciela uważa się DJ Gilesa Petersona. Do wykonawców podążających w tym kierunku zaliczają się Melvin Sparks („Dig Dis”), RAD, Smoke City („Flying Away”), Incognito i Brand New Heavies.
Post-bop zaczął się rozwijać w latach 50. i 60. XX wieku i swoją strukturą przypomina hard bop. Wyróżnia się obecnością elementów soul, funk i Groove. Często charakteryzując ten kierunek, nawiązują do blues rocka. W tym stylu pracowali Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey („Like Some In Love”) i Lee Morgan („Wczoraj”), Wayne Shorter.
Smooth jazz to nowoczesny styl jazzowy, który wyrósł z ruchu fusion, ale różni się od niego celowym dopracowaniem brzmienia. Cechą szczególną tego obszaru jest powszechne stosowanie elektronarzędzi. Znani wykonawcy: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater („All Of Me”, „God Bless The Child”), Larry Carlton („Dont Give It Up”).
Jazz-manush (jazz cygański) to ruch jazzowy specjalizujący się w grze na gitarze. Łączy technikę gitarową plemion cygańskich z grupy Manush i swing. Założycielami tego nurtu są bracia Ferre i... Najsłynniejsi wykonawcy: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen („Stella By Starlight”, „Fiso Place”, „Autumn Leaves”).
Jazz ma swoje korzenie w mieszance kultur muzycznych Europy i Afryki, która rozpoczęła się od Kolumba, który otworzył Amerykę dla Europejczyków. Kultura afrykańska, reprezentowana przez czarnych niewolników przewożonych z zachodnich wybrzeży Afryki do Ameryki, nadała jazzowej improwizacji, plastyczności i rytmu, kulturze europejskiej - melodii i harmonii dźwięków, standardów molowych i durowych.
Nadal toczy się dyskusja na temat tego, gdzie po raz pierwszy wykonywano muzykę jazzową. Niektórzy historycy uważają, że ten ruch muzyczny powstał w północnych Stanach Zjednoczonych, gdzie protestanccy misjonarze nawracali Czarnych na wiarę chrześcijańską, a oni z kolei stworzyli szczególny rodzaj duchowych pieśni, „spirituals”, które charakteryzowały się emocjami i improwizacją. Inni uważają, że jazz narodził się na południu Stanów Zjednoczonych, gdzie afroamerykańska muzyka ludowa zachowała swoją oryginalność tylko dlatego, że katolickie poglądy Europejczyków zamieszkujących tę część kontynentu nie pozwalały im na wniesienie wkładu w obcą kulturę, co traktowali z pogardą.
Pomimo różnic w poglądach historyków nie ulega wątpliwości, że jazz narodził się w Stanach Zjednoczonych, a centrum muzyki jazzowej stanowił zamieszkany przez wolnomyślicieli poszukiwaczy przygód Nowy Orlean. 26 lutego 1917 roku to właśnie tutaj, w studiu Victor, nagrano pierwszą płytę gramofonową Original Dixieland Jazz Band z muzyką jazzową.
Kiedy jazz już mocno zakorzenił się w świadomości ludzi, zaczęły wyłaniać się różne jego kierunki. Dziś jest ich już ponad 30.
Niektórzy z nich:
Duchowe
Jednym z założycieli jazzu jest Spirituals (ang. Spirituals, Spiritual music) – duchowe pieśni Afroamerykanów. Jako gatunek, duchowość ukształtowała się w drugiej połowie XIX wieku w USA jako zmodyfikowane pieśni niewolnicze wśród czarnych z południa Ameryki (w tamtych latach używano terminu „jubiliz”).
Źródłem murzyńskich duchowości są duchowe hymny przywiezione do Ameryki przez białych osadników. Tematyką duchowości były opowieści biblijne, które dostosowano do specyficznych warunków życia codziennego i codziennego życia Czarnych i poddano obróbce folklorystycznej. Łączą w sobie charakterystyczne elementy afrykańskich tradycji wykonawczych (zbiorowa improwizacja, charakterystyczne rytmy z wyraźnymi polirytmami, glissandowe dźwięki, nietemperowane akordy, szczególna emocjonalność) z cechami stylistycznymi amerykańskich hymnów purytańskich, które powstały na gruncie anglo-celtyckim. Duchowość ma strukturę pytań i odpowiedzi, wyrażającą się w dialogu pomiędzy kaznodzieją a parafianami. Duchowość znacząco wpłynęła na powstanie, powstanie i rozwój jazzu. Wiele z nich jest wykorzystywanych przez muzyków jazzowych jako motywy do improwizacji.
Blues
Jednym z najbardziej rozpowszechnionych jest blues, będący potomkiem świeckiego muzykowania amerykańskich czarnych. Słowo „niebieski”, oprócz dobrze znanego znaczenia „niebieski”, ma wiele opcji tłumaczeniowych, które w pełni charakteryzują cechy stylu muzycznego: „smutny”, „melancholijny”. „Blues” jest spokrewniony z angielskim wyrażeniem „niebieskie diabły”, oznaczającym „kiedy kot drapie duszę”. Muzyka bluesowa jest niespieszna i niespieszna, a teksty zawsze niosą ze sobą pewne niedopowiedzenie i dwuznaczność. Dziś blues jest najczęściej używany wyłącznie w formie instrumentalnej, jako improwizacje jazzowe. To właśnie blues stał się podstawą wielu znakomitych występów Louisa Armstronga i Duke'a Ellingtona.
Ragtime
Ragtime to kolejny specyficzny kierunek muzyki jazzowej, który pojawił się pod koniec XIX wieku. Sama nazwa stylu tłumaczy się jako „rozdarty czas”, a termin „szmata” odnosi się do dźwięków pojawiających się pomiędzy uderzeniami taktu. Ragtime, jak każdy jazz, to kolejne europejskie hobby muzyczne, które zostało przejęte przez Afroamerykanów i wykonywane na swój własny sposób. Mówimy o modnej wówczas w Europie romantycznej szkole fortepianowej, której repertuar obejmował Schuberta, Chopina i Liszta. Repertuar ten słyszano w USA, jednak w interpretacji czarnoskórych Afroamerykanów nabrał bardziej złożonego rytmu, dynamiki i intensywności. Później improwizowany ragtime zaczęto przekształcać w nuty, a jego popularność zwiększył fakt, że każda szanująca się rodzina musiała posiadać fortepian, w tym mechaniczny, który jest bardzo wygodny do grania złożonej melodii ragtime. Miastami, w których ragtime był najpopularniejszym kierunkiem muzycznym, były St. Louis i Kansas City oraz miasto Sedalia (Missouri) w Teksasie. To właśnie w tym stanie narodził się najsłynniejszy wykonawca i kompozytor gatunku ragtime, Scott Joplin. Często występował w Maple Leaf Club, od którego wzięła swoją nazwę słynna piosenka ragtime „Maple Leaf Rag”, napisana w 1897 roku. Innymi znanymi autorami i wykonawcami ragtime'u byli James Scott i Joseph Lamb.
Huśtać się
Na początku lat 30. kryzys gospodarczy w Stanach Zjednoczonych doprowadził do upadku dużej liczby zespołów jazzowych, pozostawiając głównie orkiestry grające pseudo-jazzową komercyjną muzykę taneczną. Ważnym krokiem w rozwoju stylistycznym była ewolucja jazzu w nowym, oczyszczonym i wygładzonym kierunku zwanym swingiem (od angielskiego „swing” - „swing”). Podjęto więc próbę pozbycia się ówczesnego slangowego słowa „jazz”, zastępując je nowym „swingiem”. Główną cechą swingu była jasna improwizacja solisty na tle złożonego akompaniamentu.
Wielcy jazzmani na swingu:
„Swing jest tym, czym w moim rozumieniu jest prawdziwy rytm”. Louis Armstrong.
„Swing to uczucie przyspieszenia tempa, mimo że wciąż grasz w tym samym tempie”. Benny'ego Goodmana.
„Orkiestra kołysze się, jeśli jej zbiorowa interpretacja jest rytmicznie zintegrowana”. Johna Hammonda.
„Swing trzeba poczuć, to uczucie, które można przekazać innym”. Glenna Millera.
Swing wymagał od muzyków dobrej techniki, znajomości harmonii i zasad organizacji muzyki. Główną formą takiego muzykowania są duże orkiestry lub big bandy, które w drugiej połowie lat 30. zyskały niesamowitą popularność wśród szerokiej publiczności. Skład orkiestry stopniowo przybierał standardową formę i liczył od 10 do 20 osób.
Boogie Woogie
W epoce swingu szczególną popularność i rozwój zyskała specyficzna forma wykonywania bluesa na fortepianie, zwana „boogie-woogie”. Styl ten powstał w Kansas City i St. Louis, a następnie rozprzestrzenił się w Chicago. Boogie-woogie zostało przejęte przez pianistów z Południa od banjo i gitarzystów. Pianiści boogie-woogie zazwyczaj łączą chodzący bas lewą ręką i improwizację w harmonii bluesowej prawą ręką. Styl ten pojawił się w drugiej dekadzie naszego stulecia, kiedy grał na nim pianista Jimmy Yancey. Prawdziwą popularność zyskała jednak wraz z pojawieniem się trzech wirtuozów „Mid Lax” Lewisa, Pete’a Johnsona i Alberta Ammonsa, którzy przekształcili boogie-woogie z muzyki tanecznej w muzykę koncertową. Dalsze wykorzystanie boogie-woogie nastąpiło w gatunku swingowym, a następnie w zespołach rytmicznych i bluesowych i znacząco wpłynęło na pojawienie się rock and rolla.
Bop
Na początku lat 40. wielu kreatywnych muzyków zaczęło dotkliwie odczuwać stagnację w rozwoju jazzu, która powstała w wyniku pojawienia się ogromnej liczby modnych orkiestr tanecznych i jazzowych. Nie starali się oddać prawdziwego ducha jazzu, lecz korzystali z replik preparatów i technik najlepszych grup. Próbę przełamania impasu podjęli młodzi, przede wszystkim nowojorscy muzycy, m.in. saksofonista altowy Charlie Parker, trębacz Dizzy Gillespie, perkusista Kenny Clarke, pianista Thelonious Monk. Stopniowo w ich eksperymentach zaczął wyłaniać się nowy styl, który lekką ręką Gillespiego otrzymał nazwę „bebop” lub po prostu „bop”. Według jego legendy nazwa ta powstała z połączenia sylab, za pomocą których zaśpiewał charakterystyczny dla bopu muzyczny interwał – piątą bluesową, która pojawiła się w bopie obok trzeciej i siódmej bluesowej. Główną różnicą nowego stylu była bardziej skomplikowana harmonia zbudowana na innych zasadach. Parker i Gillespie wprowadzili ultraszybkie tempo wykonania, aby odciągnąć nieprofesjonalistów od ich nowych improwizacji. Trudność w konstruowaniu fraz w porównaniu do swingu polega przede wszystkim na początkowym takcie. Improwizacyjna fraza w bebopie może zaczynać się od synkopowanego rytmu, być może od drugiego taktu; często fraza grana na znanym już temacie lub siatce harmonicznej (Antropologia). Charakterystyczną cechą wszystkich bebopistów było między innymi ich szokujące zachowanie. Zakrzywiona trąbka „Dizzy’ego” Gillespiego, zachowanie Parkera i Gillespiego, śmieszne kapelusze Monka itp. Rewolucja, którą wywołał bebop, okazała się bogata w konsekwencje. Za bopperów w początkowej fazie swojej twórczości uważano: Errolla Garnera, Oscara Petersona, Raya Browna, George'a Shearinga i wielu innych. Spośród założycieli bebopu pomyślnie potoczył się los jedynie Dizzy'ego Gillespiego. Kontynuował swoje eksperymenty, założył styl Cubano, spopularyzował jazz latynoski i odkrył na świecie gwiazdy jazzu latynoamerykańskiego – Arturo Sandoval, Paquito DeRivero, Chucho Valdez i wielu innych.
Uznając bebop za muzykę wymagającą wirtuozerii instrumentalnej i znajomości skomplikowanych harmonii, instrumentaliści jazzowi szybko zyskali popularność. Skomponowali melodie, które zygzakowały i obracały się w odpowiedzi na zmiany akordów o zwiększonej złożoności. Soliści w swoich improwizacjach posługiwali się nutami dysharmonijnymi tonalnie, tworząc muzykę bardziej egzotyczną i o ostrzejszym brzmieniu. Atrakcyjność synkopy doprowadziła do bezprecedensowych akcentów. Bebop najlepiej nadawał się do gry w małym gronie, takim jak kwartet i kwintet, co okazało się idealne zarówno ze względów ekonomicznych, jak i artystycznych. Muzyka kwitła w miejskich klubach jazzowych, gdzie publiczność przychodziła raczej słuchać pomysłowych solistów, niż tańczyć do ulubionych hitów. Krótko mówiąc, muzycy bebopowi przekształcali jazz w formę sztuki, która być może przemawiała bardziej do intelektu niż do zmysłów.
Wraz z erą bebopu pojawiły się nowe gwiazdy jazzu, w tym trębacze Clifford Brown, Freddie Hubbard i Miles Davis, saksofoniści Dexter Gordon, Art Pepper, Johnny Griffin, Pepper Adams, Sonny Stitt i John Coltrane oraz puzonista JJ Johnson.
W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych Bebop przeszedł kilka mutacji, w tym hard bop, cool jazz i soul jazz. Format małego zespołu muzycznego (combo), składającego się zwykle z jednego lub więcej (zwykle nie więcej niż trzech) instrumentów dętych, fortepianu, kontrabasu i perkusji, pozostaje dziś standardową kompozycją jazzową.
Progresywny jazz
Równolegle z pojawieniem się bebopu wśród jazzu rozwijał się nowy gatunek - jazz progresywny, czyli po prostu progresywny. Główną różnicą tego gatunku jest chęć oderwania się od zamrożonych klisz big bandów i przestarzałych, przestarzałych technik tzw. jazz symfoniczny, wprowadzony w latach dwudziestych XX wieku przez Paula Whitemana. W przeciwieństwie do bopperów, twórcy progresywni nie dążyli do radykalnego odrzucenia rozwijających się wówczas tradycji jazzowych. Dążyli raczej do aktualizacji i udoskonalenia modeli fraz swingowych, wprowadzając do praktyki kompozytorskiej najnowsze osiągnięcia symfonizmu europejskiego w zakresie tonalności i harmonii.
Największy wkład w rozwój koncepcji „progresywnej” wniósł pianista i dyrygent Stan Kenton. Jazz progresywny początku lat 40. rozpoczął się właściwie od jego pierwszych dzieł. Brzmienie muzyki wykonywanej przez jego pierwszą orkiestrę było bliskie Rachmaninowowi, a kompozycje nosiły cechy późnego romantyzmu. Jednak gatunkowo najbliżej mu do jazzu symfonicznego. Później, w latach tworzenia słynnej serii jego albumów „Artistry”, elementy jazzu przestały pełnić rolę kreującą kolor, lecz zostały już organicznie wplecione w materiał muzyczny. Zasługą na to, obok Kentona, był także jego najlepszy aranżer, Pete Rugolo, uczeń Dariusa Milhauda. Nowoczesne (jak na tamte lata) brzmienie symfoniczne, specyficzna technika staccato w grze na saksofonach, odważne harmonie, częste sekundy i bloki, a także politonalność i jazzowa pulsacja rytmiczna – to cechy charakterystyczne tej muzyki, z którą Stan Kenton wkroczył na rynek historię jazzu przez wiele lat, jako jeden z jego innowatorów, który znalazł wspólną płaszczyznę dla europejskiej kultury symfonicznej i elementów bebopu, szczególnie widocznych w utworach, w których solowi instrumentaliści zdawali się przeciwstawiać dźwiękom reszty orkiestry. Należy również zauważyć, że Kenton przywiązywał dużą wagę do improwizacyjnych partii solistów w swoich kompozycjach, m.in. światowej sławy perkusisty Shelleya Maine, kontrabasisty Eda Safransky'ego, puzonisty Kay Winding, June Christie, jednej z najlepszych wokalistek jazzowych tamtych lat. Stan Kenton przez całą swoją karierę pozostał wierny wybranemu gatunkowi.
Oprócz Stana Kentona do rozwoju gatunku przyczynili się także ciekawi aranżerzy i instrumentaliści Boyd Rayburn i Bill Evans. Za swoistą apoteozę rozwoju muzyki progresywnej, wraz ze wspomnianą już serią „Artistry”, można uznać także serię płyt nagranych przez big band Billa Evansa wspólnie z zespołem Milesa Davisa w latach 50.-60. XX wieku m.in. „Miles Ahead”, „Porgy and Bess” oraz „Hiszpańskie rysunki”. Na krótko przed śmiercią Miles Davis ponownie sięgnął po ten gatunek, nagrywając stare aranżacje Billa Evansa z Quincy Jones Big Bandem.
Twardy bop
Mniej więcej w tym samym czasie, gdy fajny jazz zapuścił korzenie na Zachodnim Wybrzeżu, muzycy jazzowi z Detroit, Filadelfii i Nowego Jorku zaczęli opracowywać coraz cięższe odmiany starej formuły bebopu, zwane Hard Bop lub Hard Bebop. Hardbop z lat 50. i 60., bardzo przypominający tradycyjny bebop pod względem agresywności i wymagań technicznych, w mniejszym stopniu opierał się na standardowych formach piosenek i zaczął kłaść większy nacisk na elementy bluesa i rytmikę. Ogniste solowe umiejętności lub umiejętności improwizacji w połączeniu z silnym wyczuciem harmonii miały ogromne znaczenie dla muzyków dętych, perkusja i fortepian stały się bardziej widoczne w sekcji rytmicznej, a bas nabrał bardziej płynnego, funkowego charakteru.
W 1955 roku perkusista Art Blakey i pianista Horace Silver założyli The Jazz Messengers, najbardziej wpływową grupę hardbopową. Z tego stale udoskonalanego i rozwijającego się septetu, który z sukcesem działał aż do lat 80. XX wieku, wychowało się wielu czołowych wykonawców tego gatunku dla jazzu, takich jak saksofoniści Hank Mobley, Wayne Shorter, Johnny Griffin i Branford Marsalis, a także trębacze Donald Byrd, Woody Shaw, Wyntona Marsalisa i Lee Morgana. Jeden z największych hitów jazzowych wszechczasów, utwór Lee Morgana „The Sidewinder” z 1963 roku, został wykonany, choć nieco uproszczony, w zdecydowanie uderzającym stylu tańca bebopowego.
Soulowy jazz
Bliski krewny hardbopu, soul jazz, jest reprezentowany przez małe miniformaty oparte na organach, które pojawiły się w połowie lat pięćdziesiątych i nadal występowały do lat siedemdziesiątych. Oparta na bluesie i gospel muzyka soul-jazz pulsuje afroamerykańską duchowością. Większość znakomitych organistów jazzowych pojawiła się na scenie w epoce soul jazzu: Jimmy McGriff, Charles Erland, Richard „Groove” Holmes, Les McCain, Donald Patterson, Jack McDuff i Jimmy „Hammond” Smith. W latach 60. wszyscy prowadzili własne zespoły, często grając w małych lokalach jako tria. W tych zespołach wybitną postacią był także saksofon tenorowy, dodający swój głos do miksu, podobnie jak głos kaznodziei w muzyce gospel. Często uważani są za takich luminarzy jak Gene Emmons, Eddie Harris, Stanley Turrentine, Eddie „Tetanus” Davis, Houston Person, Hank Crawford i David „Nump” Newman, a także członkowie zespołów Raya Charlesa z przełomu lat 50. i 60. XX wieku. przedstawiciele stylu soul jazzowego. To samo dotyczy Charlesa Mingusa. Podobnie jak hardbop, soul jazz różnił się od jazzu z Zachodniego Wybrzeża: muzyka wywoływała pasję i silne poczucie wspólnoty, a nie samotność i emocjonalny chłód kojarzony z jazzem z Zachodniego Wybrzeża. Szybkie melodie soul jazzu, dzięki częstemu wykorzystaniu ostinatowych figur basowych i powtarzalnym samplom rytmicznym, uczyniły tę muzykę bardzo przystępną dla szerokiej publiczności. Do przebojów zrodzonych z soul jazzu zaliczają się na przykład kompozycje pianisty Ramseya Lewisa („The In Crowd” – 1965) i Harrisa-McCaina „Compared To What” – 1969. Soul jazzu nie należy mylić z tym, co jest obecnie znane jako „muzyka soul”. Choć częściowo inspirowany gospelem, soul jazz wyrósł z bebopu, a korzenie muzyki soul sięgają bezpośrednio do popularnego na początku lat 60. rytmu i bluesa.
Fajny jazz
Samo określenie cool pojawiło się po wydaniu albumu „Birth of the Cool” (nagranego w latach 1949-50) słynnego muzyka jazzowego Milesa Davisa.
Pod względem metod produkcji dźwięku i harmonii cool jazz ma wiele wspólnego z modal jazzem. Charakteryzuje się powściągliwością emocjonalną, tendencją do zbliżenia się z muzyką kompozytora (wzmocnienie roli kompozycji, formy i harmonii, polifonizacja faktury) oraz wprowadzeniem instrumentów orkiestry symfonicznej.
Wybitnymi przedstawicielami cool jazzu są trębacze Miles Davis i Chet Baker, saksofoniści Paul Desmond, Jerry Mulligan i Stan Getz, pianiści Bill Evans i Dave Brubeck.
Do arcydzieł cool jazzu zaliczają się takie kompozycje jak „Take Five” Paula Desmonda, „My Funny Valentine” w wykonaniu Gerry’ego Mulligena, „Round Midnight” Theloniousa Monka w wykonaniu Milesa Davisa.
Modalny jazz
Modal jazz – ruch, który powstał w latach 60. Opiera się na modalnej zasadzie organizacji muzyki. W odróżnieniu od jazzu tradycyjnego, w jazzie modalnym podstawę harmoniczną zastępuje się modami - dorycką, frygijską, lidyjską, pentatoniczną i innymi skalami pochodzenia zarówno europejskiego, jak i pozaeuropejskiego. Zgodnie z tym w modalnym jazzie rozwinął się szczególny rodzaj improwizacji: muzycy szukają zachęt do rozwoju nie w zmianie akordów, ale w podkreślaniu cech trybu, w multimodalnych nakładkach itp. Kierunek ten reprezentują tak wybitni muzycy jak Thelonious Monk, Miles Davis, John Coltrane, George Russell, Don Cherry.
Darmowy jazz
Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu powstał wraz z pojawieniem się free jazzu, czyli „New Thing”, jak go później nazwano. Chociaż elementy free jazzu istniały w muzycznej strukturze jazzu na długo przed ukuciem samego terminu, najbardziej oryginalny był on w „eksperymentach” takich innowatorów jak Coleman Hawkins, Pee Wee Russell i Lenny Tristano, ale dopiero pod koniec lat pięćdziesiątych XX wieku dzięki wysiłkom takich pionierów jak saksofonista Ornette Coleman i pianista Cecil Taylor kierunek ten ukształtował się jako styl niezależny.
To, czego ci dwaj muzycy, wraz z innymi, w tym Johnem Coltrane'em, Albertem Aylerem i grupami takimi jak Sun Ra Arkestra i grupa o nazwie The Revolutionary Ensemble, dokonali, to różnorodne zmiany w strukturze i wyczuciu muzyki. Wśród innowacji, które wprowadzono z wyobraźnią i wielką muzykalnością, była rezygnacja z progresji akordów, co pozwoliło muzyce poruszać się w dowolnym kierunku. Kolejna zasadnicza zmiana nastąpiła w obszarze rytmu, gdzie „swing” został albo zrewidowany, albo całkowicie zignorowany. Innymi słowy, puls, metrum i rytm nie były już istotnymi elementami w tym odczytaniu jazzu. Kolejny kluczowy element był związany z atonalnością. Teraz ekspresja muzyczna nie opierała się już na zwykłym systemie tonalnym. Przeszywające, szczekające, konwulsyjne nuty całkowicie wypełniły ten nowy dźwiękowy świat. Free jazz nadal istnieje jako realna forma ekspresji i w rzeczywistości nie jest już stylem tak kontrowersyjnym, jak na początku.
Boj
Funk był kolejnym popularnym gatunkiem jazzu w latach 70. i 80. Założycielami stylu są James Brown i George Clinton. W funku różnorodny zestaw idiomów jazzowych zastępuje proste frazy muzyczne składające się z bluesowych krzyków i jęków zaczerpniętych z solówek na saksofonie takich artystów jak King Curtis, Junior Walker, David Sanborn, Paul Butterfield. Słowo funk było uważane za slang i oznaczało taniec w taki sposób, aby bardzo się zmoczyć. Często korzystali z niego muzycy jazzowi, prosząc publiczność o taniec i aktywne poruszanie się przy akompaniamencie ich muzyki. W ten sposób słowo „funk” zostało przywiązane do stylu muzycznego. Taneczna orientacja funku determinuje jego muzyczne cechy, takie jak łamany rytm i wyraźny wokal.
Powstanie gatunku nastąpiło w połowie lat 80-tych i jest związane z modą na wykorzystywanie sampli jazzowo-funkowych z lat 70-tych wśród DJ-ów grających w brytyjskich klubach nocnych. Za jednego z trendsetterów gatunku uważany jest DJ Gills Peterson, któremu często przypisuje się twórcę nazwy „acid jazz”. W USA termin „acid jazz” prawie w ogóle nie jest używany, częściej używane są określenia „groove jazz” i „club jazz”.
Kwaśny jazz (kwasowy jazz)
Szczyt popularności acid jazzu przypadł na pierwszą połowę lat 90-tych. W tamtym czasie, oprócz syntezy muzyki tanecznej i jazzu, kierunek ten obejmował jazz-funk lat 90-tych (Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Solsonics), hip-hop z elementami jazzu (nagrane z muzykami na żywo czy próbki jazzowe) (US3, Guru, Digable Planets), eksperymenty muzyków jazzowych z muzyką hip-hopową (Doo Bop Milesa Davisa, Rock It Herbiego Hancocka) itp. Po latach 90. popularność acid jazzu osłabła, a tradycje gatunku były później kontynuowane w nowym jazzie.
Jego bezpośrednim przodkiem pod względem psychodeliczności jest Acid Rock.
Uważa się, że termin „acid jazz” został wymyślony przez Gillesa Pettersona, londyńskiego DJ-a i założyciela wytwórni płytowej o tej samej nazwie. Pod koniec lat 80-tych określenie to było popularne wśród brytyjskich DJ-ów grających podobną muzykę i używało go w ramach żartu, dając do zrozumienia, że ich muzyka stanowi alternatywę dla popularnego wówczas acid house. Zatem termin ten nie ma bezpośredniego związku z „kwasem” (czyli LSD). Według innej wersji autorem terminu „acid jazz” jest Anglik Chris Bangs, znany jako jeden z członków duetu „Soundscape UK”.
Jazz to styl improwizacji. Najważniejszym rodzajem muzyki improwizacyjnej jest folklor, jednak w odróżnieniu od jazzu ma ona charakter zamknięty i nastawiony na kultywowanie tradycji. W jazzie dominuje kreatywność, która w połączeniu z improwizacją dała początek wielu stylom i trendom. W ten sposób pieśni ciemnoskórych afroamerykańskich niewolników trafiły do Europy i przekształciły się w złożone dzieła orkiestrowe w stylu bluesa, ragtime, boogie-woogie itp. Jazz stał się źródłem pomysłów i metod, które aktywnie wpływają na niemal wszystkie inne rodzaje muzyki, od muzyki popularnej i komercyjnej po muzykę akademicką naszego stulecia.
W artykule zawarto fragment artykułu „O Jazzie” – Klub „Unia Kompozytorów” oraz fragmenty z Wikipedii.
Główny nurt – wiodący, główny styl jazzowy, który pojawił się w latach 30. XX wieku wśród liderów grup jazzowych, z których większość to big bandy. Czołowi muzycy jazzowi grali jazz w różnych klubach. Ten klubowy jazz, wykonywany przez małe grupy czołowych jazzmanów i nagrywany w studiach, zyskał miano mainstreamu. To tradycyjny jazz, bez żadnych innowacji. Po nadejściu awangardowego jazzu mainstream odrodził się w nowej jakości dopiero w latach 70. i 80. XX wieku. Obecnie przez nowoczesny mainstream rozumie się każdą nowoczesną muzykę jazzową, która jest daleka od tradycyjnego jazzu.
Muzyka jazzowa z Kansas City ukształtował się w latach 20. – 30. ubiegłego wieku. Był to czas kryzysu gospodarczego w Stanach Zjednoczonych, czyli tzw. Wielkiego Kryzysu. Jest to styl jazzowy z wyraźnym posmakiem bluesa, tzw. „urban blues”. Najwybitniejszymi przedstawicielami tego stylu byli Count Basie, który rozpoczynał karierę jako muzyk jazzowy w orkiestrach Waltera Page'a i Benny'ego Mouthena, wokalista Jimmy Rushing i saksofonista altowy Charlie Parker.
Fajny jazz (fajny jazz) ukształtował się w latach 40-50 XX wieku. To miękki, liryczny styl muzyki jazzowej, z bardziej subtelną improwizacją, bez presji i odrobiny agresywności, która charakteryzowała wczesny jazz. Przedstawicielami cool jazzu byli saksofonista Lester Young, trębacz Miles Davis, trębacz Chit Baker, pianiści jazzowi George Shearing, Dave Brubeck, Leni Tristano. Mistrzami stylu cool-jazz byli niesamowity wibrafonista Milt Jackson, mistrzowie saksofonu Stan Getz, Paul Desmond. Melodyści i aranżerzy Ted Dameron, Claude Thornhill i Gil Evans odegrali znaczącą rolę w kształtowaniu tego stylu.
Jazz z Zachodniego Wybrzeża pojawił się w latach 50. XX wieku w Los Angeles. Za jej założycieli uważa się muzyków słynnego jazzowego nonetu Milesa Davisa. Ten styl jest jeszcze delikatniejszy niż fajny jazz. Muzyka wcale nie agresywna, spokojna, melodyjna, w której jednak jest ogromna przestrzeń na improwizację. Do wybitnych wykonawców jazzowych z Zachodniego Wybrzeża należeli: Shorty Rogers (trąbka), Art Pepper, Bud Schenk (saksofon), Shelley Main (perkusja), Jimmy Joffrey (klarnet).
Progresywny jazz rozwinęła się mniej więcej pod koniec lat 40. XX wieku. To w dużej mierze jazz eksperymentalny, muzyka skupiona na symfonicznym dorobku kompozytorów europejskich, na eksperymentach w zakresie tonalności i harmonii. Zwolennicy tego stylu muzyki jazzowej starają się odejść od szablonów i oklepanych technik tradycyjnego jazzu. Koncentrują się na poszukiwaniu i zastosowaniu nowych form swingu w jazzie: specyficznych technik wykonywania muzyki na różnych instrumentach, politonalności i zmian rytmu. Rozwój tego stylu wiąże się z nazwiskiem pianisty Stana Kentona i jego orkiestry, który nagrał całą serię albumów „Artistry”. Aranżerzy Pete Rugolo, Boyd Rayburn i Gil Evans, perkusista Shelley Maine, kontrabasista Ed Safransky, puzonistka Kay Winding i piosenkarka June Christie wnieśli ogromny wkład w rozwój jazzu progresywnego. Gil Evans Big Band i muzycy pod wodzą Milesa Davisa nagrali całą serię albumów z muzyką w tym stylu: „Miles Ahead”, „Porgy and Bess”, „Spanish Drawings”.
Modalny jazz pojawił się w latach pięćdziesiątych XX wieku. Jego pojawienie się wiąże się z nazwiskami muzyków eksperymentalnych: trębacza Milesa Davisa i saksofonisty tenorowego Johna Coltrane'a. Muzycy ci zapożyczyli pewne tryby z muzyki klasycznej, które stały się podstawą do skonstruowania melodii jazzowej i zastąpiły akordy. Ten styl jazzowy charakteryzuje się odchyleniami od tonalności, co nadaje muzyce szczególne napięcie, wykorzystaniem narodowych skal afrykańskich, indyjskich, arabskich i innych, regularnością i niespójnym tempem. Muzykę zaczęto budować wyłącznie na melodii, która opierała się na zastosowaniu progów.
Soulowy jazz pojawił się w latach 50-tych ubiegłego wieku. Soul jazz wybrał organy jako swój centralny instrument. Soul jazz opiera się na bluesie i gospel. Ten styl jazzu wyróżnia się szczególną emocjonalnością, pasją, wykorzystaniem szybkich rytmów oraz ekscytującymi przejściami muzycznymi i figurami basu. Publiczność słuchająca tej muzyki z pewnością doświadczyła szczególnego poczucia jedności. Styl ten był całkowitym przeciwieństwem mglistego, lirycznego fajnego jazzu z bluesowo-smutną bazą. Do gwiazd organów tego stylu zaliczali się Jimmy McGriff, Charles Earland, Richard „Groove” Holmes, Les McCain, Donald Patterson, Jack McDuff i Jimmy „Hammond” Smith. Muzycy wykonujący muzykę soul-jazz tworzyli tria lub kwartety i nic więcej. Równie ważną rolę w soulowym jazzie odgrywał saksofon tenorowy. Do wybitnych saksofonistów należeli Gene Emmons, Eddie Harris, Stanley Turrentine, Eddie „Tetanus” Davis, Houston Person, Hank Crawford i David „Dumb” Newman. Soul jazz to nie to samo, co muzyka soul. Są to style muzyczne wywodzące się z różnych kierunków muzycznych: soul jazz – w gatunku gospel i bebop oraz muzyka soul – w rytmie i bluesie, który swój szczyt osiągnął dopiero w latach 60. XX wieku.
Rowek stał się rodzajem soulowego jazzu. Ten styl jazzowy jest często określany jako boj. Styl ten wyróżnia się jasnymi rytmami tanecznymi (wolnymi lub szybkimi), liryzmem, pozytywną melodią, która zawiera odcienie bluesa. To pozytywna muzyka, która wprowadza w dobry nastrój i zachęca publiczność, aby nie stała w miejscu i zaczęła poruszać się w jej emocjonujących rytmach. Styl nie jest obcy improwizacji, która jednak nie odbiega od kolektywnego brzmienia. Wybitnymi muzykami tego stylu byli mistrzowie organów Richard „Groove” Holmes i Shirley Scott, Gene Emmons (saksofon tenorowy) i Leo Wright (flet, saksofon altowy).
Free Jazz („Nowa rzecz”) pojawił się pod koniec lat 50. XX wieku w wyniku eksperymentów, które pozwoliły na znalezienie bardzo elastycznej formy muzycznej, całkowicie wolnej od progresji akordów. Ponadto muzycy zignorowali swing. Prawdziwą rewolucją w rytmie było zlekceważenie pulsacji, metrum i rytmu, które wcześniej były podstawą rytmów jazzowych. W tym stylu stały się one drugorzędne. Free jazz porzucił dotychczasowy system tonalny, muzyka w tym stylu jest atonalna. Założycielami free jazzu są saksofonista Ornette Coleman i pianista Cecil Taylor, a później Sun Ra Arkestra i The Revolutionary Ensemble.
Twórczy jazz to jedna z odmian awangardowego jazzu. Styl ten narodził się, jak wiele innych, w wyniku eksperymentalnej działalności muzyków w latach 60. i 70. XX wieku. Niewiele różni się od free jazzu. W tej muzyce nie sposób było rozróżnić tematu od improwizacji. Elementy improwizacji zlały się z aranżacjami, płynnie z nich wypływając. Nie sposób było zrozumieć, gdzie był początek, a gdzie koniec improwizacji solisty. Założycielami kreatywnego jazzu byli pianistka Leni Tristano, saksofonista Jimmy Joffrey i melodysta Gunther Schuler. Styl ten grają pianiści Paul Bley, Andrew Hill, mistrzowie saksofonu Anthony Braxton i Sam Rivers, a także muzycy z Art Ensemble of Chicago.
Fuzja (stop) to styl jazzowy, którego początki sięgają lat 60. XX wieku, kiedy jazz zaczął łączyć się z muzyką popularną i rockiem, a także pozostawał pod wpływem soulu, funku i rytmu i bluesa. Początkowo nazwą fusion określano jazz-rock, którego wybitnymi przedstawicielami były grupy „Eleventh House” i „Lifetime”. Pojawienie się fusion kojarzone jest także z orkiestrami „Mahavishnu Orchestra” i „Weather Report”. Fusion to fuzja jazzu, swingu, bluesa, rocka, muzyki pop, rytmu i bluesa. Fusion to rozrywka, to pokaz sztucznych ogni w różnych stylach. To muzyka jasna, różnorodna, lekka, ciekawa. Fusion jest pod wieloma względami eksperymentem i muszę przyznać, że udanym. Wybitnymi muzykami tego stylu jazzowego byli perkusista Ronald Shannon Jackson, gitarzyści Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie i James „Blood” Ulmer. , saksofonista i trębacz Ornette Coleman.
Post-bebop to styl jazzowy, który pojawił się w latach 60. XX wieku wraz z rozwojem muzyki popularnej. Post-bop powstał na bazie funku (groove, soul) wykorzystując poszczególne elementy muzyki latynoskiej. Przedstawicielami post-bebopu byli saksofonista Joe Henderson, pianista McCoy Tyner, Dizzy Gillespie i saksofonista Wayne Shorter.
Kwaśny jazz– ten nie do końca jazzowy styl pojawił się w 1987 roku. Opiera się na funku, który przeplata się z elementami bebopu, hip-hopu, soulu i łaciny. To brytyjska muzyka taneczna, która ma rytmy, ale nie ma w niej absolutnie żadnej improwizacji. Dlatego wiele osób nie umieszcza acid jazzu na liście stylów jazzowych. Wybitnymi przedstawicielami acid jazzu byli „Groove Collective”, „Guru”, James Taylor, a także trio „Medeski, Martin & Wood” w początkowym okresie twórczości.
Płynny jazz– ten krewny jazzu powstał na bazie stylu fusion. Smooth jazz charakteryzuje się brakiem partii solowych i improwizacji. Ważniejsze od brzmienia poszczególnych przedstawicieli jest brzmienie całego zespołu. Smooth jazz wykonywany jest na syntezatorze, altówce, saksofonie sapranowy, gitarze, gitarze basowej i perkusji. Przedstawicielami tego stylu są Chris Botti, Dee Dee Bridgewater, Larry Carlton, Stanley Clarke, Al Di Meola, Bob James, Al Jarreau, Diana Krall, Bradley Lighton, Lee Ritenour, Dave Grusin.
Jazz to ruch muzyczny, który powstał na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych. Jego powstanie jest wynikiem splotu dwóch kultur: afrykańskiej i europejskiej. Część ta będzie łączyć duchowość (pieśni kościelne) amerykańskich czarnych, afrykańskie rytmy ludowe i europejską harmonijną melodię. Jego charakterystycznymi cechami są: elastyczny rytm, oparty na zasadzie synkopy, wykorzystaniu instrumentów perkusyjnych, improwizacji oraz ekspresyjny sposób wykonania, charakteryzujący się brzmieniem i napięciem dynamicznym, sięgającym niekiedy do ekstazy. Jazz był pierwotnie połączeniem elementów ragtime'u i bluesa. Tak naprawdę wyrosło z tych dwóch kierunków. Osobliwością stylu jazzowego jest przede wszystkim indywidualna i niepowtarzalna gra wirtuoza jazzowego, a improwizacja nadaje temu ruchowi stałą aktualność.
Po powstaniu samego jazzu rozpoczął się ciągły proces jego rozwoju i modyfikacji, który doprowadził do wyłonienia się różnych kierunków. Obecnie jest ich około trzydziestu.
Jazz nowoorleański (tradycyjny).
Ten styl zwykle oznacza dokładnie jazz, który był wykonywany w latach 1900-1917. Można powiedzieć, że jego powstanie zbiegło się z otwarciem Storyville (dzielnicy czerwonych latarni Nowego Orleanu), które zyskało popularność dzięki barom i tym podobnym lokalom, w których zawsze mogli znaleźć pracę muzycy grający muzykę synkopowaną. Powszechne dotychczas orkiestry uliczne zaczęto zastępować tzw. „zespołami Storyville”, których gra nabierała coraz większej indywidualności w porównaniu do swoich poprzedników. Zespoły te stały się później założycielami klasycznego jazzu nowoorleańskiego. Żywymi przykładami wykonawców tego stylu są: Jelly Roll Morton („His Red Hot Peppers”), Buddy Bolden („Funky Butt”), Kid Ory. To oni dokonali przejścia afrykańskiej muzyki ludowej do pierwszych form jazzowych.
Chicagowski jazz.
W roku 1917 rozpoczął się kolejny ważny etap w rozwoju muzyki jazzowej, naznaczony pojawieniem się w Chicago imigrantów z Nowego Orleanu. Powstają nowe orkiestry jazzowe, których gra wprowadza nowe elementy do wczesnego jazzu tradycyjnego. Tak objawia się niezależny styl chicagowskiej szkoły performansu, który dzieli się na dwa kierunki: gorący jazz czarnych muzyków i Dixieland białych. Główne cechy tego stylu: indywidualne partie solowe, zmiany w gorącej inspiracji (oryginalny, swobodny, ekstatyczny występ stał się bardziej nerwowy, pełen napięcia), syntetyka (w muzyce znalazły się nie tylko elementy tradycyjne, ale także ragtime, a także słynne amerykańskie hity ) oraz zmiany w grze na instrumentach (zmieniła się rola instrumentów i technik wykonawczych). Podstawowe postacie tego ruchu („What Wonderful World”, „Moon Rivers”) i („Someday Sweetheart”, „Ded Man Blues”).
Swing to orkiestrowy styl jazzu lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku, który wyrósł bezpośrednio ze szkoły chicagowskiej i był wykonywany przez duże zespoły (The Original Dixieland Jazz Band). Charakteryzuje się przewagą muzyki zachodniej. W orkiestrach pojawiły się odrębne sekcje saksofonów, trąbek i puzonów; Banjo zastępuje gitara, tuba i sassofon – kontrabas. Muzyka odchodzi od zbiorowej improwizacji, muzycy grają ściśle według wcześniej opracowanych partytur. Charakterystyczną techniką było współdziałanie sekcji rytmicznej z instrumentami melodycznymi. Przedstawiciele tego kierunku: , („Creole Love Call”, „The Mooche”), Fletcher Henderson („Kiedy Budda się uśmiecha”), Benny Goodman And His Orchestra, .
Bebop to nowoczesny ruch jazzowy, który powstał w latach 40. i był ruchem eksperymentalnym, antykomercyjnym. W przeciwieństwie do swingu jest to styl bardziej intelektualny, który kładzie duży nacisk na złożoną improwizację i kładzie większy nacisk na harmonię niż melodię. Muzyka tego stylu charakteryzuje się także bardzo szybkim tempem. Najzdolniejszymi przedstawicielami są: Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker („Noc w Tunezji”, „Manteca”) i Bud Powell.
Główny nurt. Zawiera trzy części: Stride (jazz północno-wschodni), styl Kansas City i jazz z zachodniego wybrzeża. Gorący krok królował w Chicago pod wodzą takich mistrzów jak Louis Armstrong, Andy Condon i Jimmy Mac Partland. Kansas City charakteryzuje się lirycznymi zabawami w stylu bluesowym. Jazz West Coast rozwinął się w Los Angeles pod przewodnictwem , a następnie zaowocował cool jazzem.
Cool jazz (cool jazz) pojawił się w Los Angeles w latach 50. jako kontrapunkt dla dynamicznego i impulsywnego swingu i bebopu. Za twórcę tego stylu uważany jest Lester Young. To on wprowadził nietypowy dla jazzu styl realizacji dźwięku. Styl ten charakteryzuje się wykorzystaniem instrumentów symfonicznych i powściągliwością emocjonalną. Tacy mistrzowie jak Miles Davis („Blue In Green”), Gerry Mulligan („Walking Shoes”), Dave Brubeck („Pick Up Sticks”), Paul Desmond odcisnęli swoje piętno w tym duchu.
Awangarda zaczęła się rozwijać w latach 60-tych. Ten awangardowy styl opiera się na zerwaniu z oryginalnymi, tradycyjnymi elementami i charakteryzuje się wykorzystaniem nowych technik i środków wyrazu. Dla muzyków tego ruchu na pierwszym miejscu była ekspresja siebie, którą realizowali poprzez muzykę. Wykonawcami tego ruchu są: Sun Ra („Kosmos in Blue”, „Moon Dance”), Alice Coltrane („Ptah The El Daoud”), Archie Shepp.
Jazz progresywny powstał równolegle z bebopem w latach 40., wyróżniał się jednak techniką saksofonu staccato, złożonym przeplataniem politonalności z rytmiczną pulsacją i elementami jazzu symfonicznego. Założyciela tego nurtu można nazwać Stanem Kentonem. Wybitni przedstawiciele: Gil Evans i Boyd Rayburn.
Hard bop to rodzaj jazzu wywodzący się z bebopu. Detroit, Nowy Jork, Filadelfia – w tych miastach narodził się ten styl. Swoją agresywnością bardzo przypomina bebop, choć nadal dominują w nim elementy bluesa. Wyróżnieni wykonawcy to Zachary Breaux („Uptown Groove”), Art Blakey i The Jass Messengers.
Soulowy jazz. Termin ten jest powszechnie używany do opisania wszelkiej czarnej muzyki. Czerpie z tradycyjnego bluesa i folkloru afroamerykańskiego. Muzykę tę charakteryzują ostinatowe figury basowe i rytmicznie powtarzające się próbki, dzięki czemu zyskała szeroką popularność wśród różnych mas ludności. Do hitów w tym kierunku należą kompozycje Ramseya Lewisa „The In Crowd” i Harrisa-McCaina „Compared To What”.
Groove (aka funk) jest pochodną soulu, ale wyróżnia się rytmicznym skupieniem. Zasadniczo muzyka tego kierunku ma duże zabarwienie, a jej struktura składa się z wyraźnie określonych części dla każdego instrumentu. Występy solowe harmonijnie wpisują się w całościowe brzmienie i nie są zbyt zindywidualizowane. Wykonawcami tego stylu są Shirley Scott, Richard „Groove” Holmes, Gene Emmons, Leo Wright.
Free jazz narodził się pod koniec lat 50. dzięki wysiłkom tak innowacyjnych mistrzów, jak Ornette Coleman i Cecil Taylor. Jego charakterystycznymi cechami są atonalność i naruszenie sekwencji akordów. Styl ten często nazywany jest „free jazzem”, a do jego pochodnych zalicza się loft jazz, modern Creative i free funk. Muzycy tego stylu to: Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier („Varech”), AMM („Sedimantari”).
Twórczość pojawiła się dzięki powszechnej awangardzie i eksperymentalizmowi form jazzowych. Muzykę taką trudno scharakteryzować w pewnych kategoriach, gdyż jest ona zbyt wieloaspektowa i łączy w sobie wiele elementów poprzednich części. Do pierwszych wyznawców tego stylu zaliczają się Lenny Tristano („Line Up”), Gunter Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cirilla („The Big Time Stuff”).
Fusion połączył elementy niemal wszystkich istniejących wówczas ruchów muzycznych. Najbardziej aktywny rozwój nastąpił w latach 70-tych. Fusion to systematyczny styl instrumentalny charakteryzujący się złożonymi metrum, rytmem, wydłużonymi kompozycjami i brakiem wokalu. Ten styl przeznaczony jest dla mniej szerokich mas niż soul i jest jego całkowitym przeciwieństwem. Na czele tego trendu stoją Larry Corall i zespół Eleventh, Tony Williams i Lifetime („Bobby Truck Tricks”).
Acid jazz (groove jazz” lub „club jazz”) powstał w Wielkiej Brytanii pod koniec lat 80. (okres świetności 1990 - 1995) i łączył funk lat 70., hip-hop i muzykę taneczną lat 90. Pojawienie się tego stylu było podyktowane powszechnym wykorzystaniem sampli jazzowo-funkowych. Za założyciela uważa się DJ Gilesa Petersona. Do wykonawców podążających w tym kierunku zaliczają się Melvin Sparks („Dig Dis”), RAD, Smoke City („Flying Away”), Incognito i Brand New Heavies.
Post-bop zaczął się rozwijać w latach 50. i 60. XX wieku i swoją strukturą przypomina hard bop. Wyróżnia się obecnością elementów soul, funk i Groove. Często charakteryzując ten kierunek, nawiązują do blues rocka. W tym stylu pracowali Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey („Like Some In Love”) i Lee Morgan („Wczoraj”), Wayne Shorter.
Smooth jazz to nowoczesny styl jazzowy, który wyrósł z ruchu fusion, ale różni się od niego celowym dopracowaniem brzmienia. Cechą szczególną tego obszaru jest powszechne stosowanie elektronarzędzi. Znani wykonawcy: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater („All Of Me”, „God Bless The Child”), Larry Carlton („Dont Give It Up”).
Jazz-manush (jazz cygański) to ruch jazzowy specjalizujący się w grze na gitarze. Łączy technikę gitarową plemion cygańskich z grupy Manush i swing. Założycielami tego kierunku są bracia Ferre i. Najsłynniejsi wykonawcy: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen („Stella By Starlight”, „Fiso Place”, „Autumn Leaves”).
Jazz to szczególny rodzaj muzyki, który stał się szczególnie popularny w Stanach Zjednoczonych. Początkowo jazz był muzyką czarnoskórych obywateli Stanów Zjednoczonych, później jednak kierunek ten wchłonął zupełnie inne style muzyczne, które rozwinęły się w wielu krajach. Porozmawiamy o tym rozwoju.
Najważniejszą cechą jazzu, zarówno pierwotnie, jak i obecnie, jest rytm. Melodie jazzowe łączą elementy muzyki afrykańskiej i europejskiej. Ale jazz zyskał harmonię dzięki wpływom europejskim. Drugim zasadniczym elementem jazzu do dziś jest improwizacja. Często jazz grano bez przygotowanej wcześniej melodii: dopiero w trakcie gry muzyk wybierał ten czy inny kierunek, poddając się swojej inspiracji. W ten sposób na oczach słuchaczy, podczas gry muzyka, narodziła się muzyka.
Przez lata jazz się zmieniał, ale nadal zachował swoje podstawowe cechy. Nieoceniony wkład w ten kierunek wniósł znany „blues” - przeciągające się melodie, które były również charakterystyczne dla czarnych. W tej chwili większość melodii bluesowych stanowi integralną część gatunku jazzowego. Tak naprawdę blues wywarł szczególny wpływ nie tylko na jazz: rock and roll, country i western również wykorzystują motywy bluesowe.
Mówiąc o jazzie nie sposób nie wspomnieć o amerykańskim mieście Nowy Orlean. Dixieland, jak nazywano nowoorleański jazz, jako pierwszy połączył motywy bluesowe, czarne pieśni kościelne i elementy europejskiej muzyki ludowej.
Później pojawił się swing (zwany także jazzem w stylu „big bandu”), który również zyskał powszechny rozwój. W latach 40. i 50. dużą popularnością cieszył się „modern jazz”, będący bardziej złożoną interakcją melodii i harmonii niż wczesny jazz. Pojawiło się nowe podejście do rytmu. Muzycy próbowali wymyślać nowe utwory wykorzystujące różne rytmy, przez co technika gry na perkusji stała się bardziej skomplikowana.
„Nowa fala” jazzu ogarnęła świat w latach 60.: uważana jest za jazz wspomnianych wcześniej improwizacji. Wychodząc na występ, orkiestra nie potrafiła odgadnąć, w jakim kierunku i rytmie będzie przebiegać jej wykonanie, żaden z jazzmanów nie wiedział z góry, kiedy nastąpi zmiana tempa i szybkości wykonania. I trzeba też powiedzieć, że takie zachowanie muzyków nie oznacza, że muzyka była nie do zniesienia: wręcz przeciwnie, pojawiło się nowe podejście do wykonywania już istniejących melodii. Śledząc rozwój jazzu, można się przekonać, że jest to muzyka stale zmieniająca się, która jednak z biegiem lat nie traci swoich fundamentów.
Podsumujmy:
- Początkowo jazz był muzyką Czarnych;
- Dwie zasady wszystkich melodii jazzowych: rytm i improwizacja;
- Blues - wniósł ogromny wkład w rozwój jazzu;
- Jazz nowoorleański (Dixieland) łączył bluesa, pieśni kościelne i europejską muzykę ludową;
- Swing to kierunek jazzu;
- Wraz z rozwojem jazzu rytmy stały się bardziej złożone, a w latach 60. orkiestry jazzowe ponownie oddały się improwizacji podczas występów.
Jazz to kierunek muzyczny, który rozwinął się na przełomie XIX i XX wieku w USA. Cechami charakterystycznymi jazzu są improwizacja, polirytmia oparta na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej – swing.
Jazz to rodzaj muzyki, która wyrosła z bluesa i duchowości Afroamerykanów, a także afrykańskich rytmów ludowych, wzbogacona elementami europejskiej harmonii i melodii. Charakterystycznymi cechami jazzu są:
-ostry i elastyczny rytm, oparty na zasadzie synkopy;
-szerokie wykorzystanie instrumentów perkusyjnych;
-wysoko rozwinięta umiejętność improwizacji;
- wyrazisty sposób wykonania, charakteryzujący się dużą ekspresją, dynamiką i napięciem dźwiękowym, sięgającym wręcz ekstazy.
Pochodzenie nazwy jazz
Pochodzenie nazwy nie jest do końca jasne. Jego współczesna pisownia – jazz – powstała w latach dwudziestych XX wieku. Wcześniej znane były inne opcje: chas, jasm, gism, jas, jass, jaz. Istnieje wiele wersji pochodzenia słowa „jazz”, m.in.:
- z francuskiego jasera (rozmawiać, szybko mówić);
- z angielskiego pościgu (gonić, ścigać);
- z afrykańskiej jaizy (nazwa pewnego rodzaju brzmienia bębna);
- z arabskiego jazib (uwodziciel); od nazwisk legendarnych muzyków jazzowych - chas (od Charlesa), jas (od Jaspera);
- z onomatopei jassowej, imitującej dźwięk afrykańskich talerzy miedzianych itp.
Istnieją podstawy, aby sądzić, że słowo „jazz” było używane już w połowie XIX wieku jako nazwa ekstatycznego, zachęcającego krzyku wśród Czarnych. Według niektórych źródeł w latach osiemdziesiątych XIX wieku było ono używane wśród Kreolów z Nowego Orleanu, którzy używali go w znaczeniu „przyspieszyć”, „przyspieszyć” w odniesieniu do szybkiej, synkopowanej muzyki.
Zdaniem M. Stearnsa w latach 1910. XX w. w Chicago używano tego słowa i „miało ono „niezbyt przyzwoite znaczenie”. Słowo jazz po raz pierwszy pojawiło się drukiem w 1913 roku (w jednej z gazet San Francisco). W 1915 roku weszła w skład nazwy orkiestry jazzowej T. Browna - TORN BROWN'S DIXIELAND JASS BAND, która występowała w Chicago, a w 1917 pojawiła się na płycie gramofonowej nagranej przez słynną nowoorleańską orkiestrę ORIGINAL DIXIELAND JAZZ (JASS) BAND .
Style jazzowe
Jazz archaiczny (wczesny jazz, wczesny jazz, niemiecki archaischer jazz)
Jazz archaiczny to zbiór najstarszych, tradycyjnych rodzajów jazzu, tworzony przez małe zespoły w procesie kolektywnej improwizacji na tematy bluesa, ragtime'u, a także europejskich pieśni i tańców.
Blues (blues, z angielskich niebieskich diabłów)
Blues to rodzaj czarnej pieśni ludowej, której melodia opiera się na wyraźnym 12-taktowym schemacie.
Blues śpiewa o oszukanej miłości, o potrzebie, a blues charakteryzuje się postawą użalania się nad sobą. Jednocześnie bluesowe teksty przesiąknięte są stoicyzmem, delikatną kpiną i humorem.
W muzyce jazzowej blues rozwinął się jako instrumentalny utwór taneczny.
Boogie-woogie (boogie-woogie)
Boogie-woogie to styl fortepianowo-bluesowy charakteryzujący się powtarzającą się figurą basu, która określa rytmiczne i melodyczne możliwości improwizacji.
Ewangelie (z angielskiej Ewangelii - Ewangelia)
Muzyka gospel to religijne melodie czarnoskórych mieszkańców Ameryki Północnej z tekstami opartymi na Nowym Testamencie.
Ragtime
Ragtime to muzyka fortepianowa oparta na „wybijaniu” dwóch nie pokrywających się linii rytmicznych:
-jakby rozdarta (ostro synkopowana) melodia;
- wyraźny akompaniament, utrzymany w stylu szybkiego kroku.
Dusza
Soul to czarna muzyka kojarzona z tradycją bluesową.
Soul to styl wokalnej czarnej muzyki, który powstał po II wojnie światowej na bazie tradycji rytmicznych i bluesowych oraz gospel.
Soul-jazz
Soul jazz to odmiana hard bopu, który charakteryzuje się orientacją na tradycje bluesa i folkloru afroamerykańskiego.
Duchowy
Spiritual – archaiczny, duchowy gatunek śpiewu chóralnego Murzynów z Ameryki Północnej; melodie religijne z tekstami opartymi na Starym Testamencie.
Uliczny płacz
Street Edge to archaiczny gatunek folkowy; rodzaj miejskiej solowej pieśni ulicznych handlarzy, reprezentowanej przez wiele odmian.
Dixieland, dixie (dixieland, dixie)
Dixieland to zmodernizowany styl nowoorleański charakteryzujący się kolektywną improwizacją.
Dixieland to jazzowa grupa (białych) muzyków, którzy przyjęli styl wykonywania czarnego jazzu.
Zong (z angielskiej piosenki - piosenka)
Zong – w teatrze B. Brechta – ballada wykonywana w formie przerywnika lub autorskiego (parodycznego) komentarza o charakterze groteskowym, o tematyce plebejskiej włóczęgi, zbliżonej do rytmu jazzowego.
Improwizacja
Improwizacja - w muzyce - to sztuka spontanicznego tworzenia lub interpretowania muzyki.
Cadenza (włoska kadencja, od łac. Cado - zakończenie)
Cadenza to swobodna improwizacja o charakterze wirtuozowskim, wykonywana w koncercie instrumentalnym na solistę i orkiestrę. Czasami kadencje komponowali kompozytorzy, często jednak pozostawiano je w gestii wykonawcy.
Zwiać
Scat - w jazzie - rodzaj improwizacji wokalnej, w której głos utożsamiany jest z instrumentem.
Scat – śpiew instrumentalny – technika śpiewu sylabicznego (beztekstowego), polegająca na artykulacji niepowiązanych ze sobą sylab lub kombinacji dźwiękowych.
Gorący
Gorąco – w jazzie – cecha muzyka wykonującego improwizację z maksymalną energią.
Jazz w stylu nowoorleańskim
Styl jazzu nowoorleańskiego to muzyka charakteryzująca się wyraźnym dwutaktowym rytmem; obecność trzech niezależnych linii melodycznych, wykonywanych jednocześnie na kornecie (trąbce), puzonie i klarnecie, przy akompaniamencie grupy rytmicznej: fortepianu, banjo lub gitary, kontrabasu lub tuby.
W twórczości jazzu nowoorleańskiego główny temat muzyczny powtarza się wielokrotnie w różnych wariacjach.
Dźwięk
Dźwięk to stylistyczna kategoria jazzu, która charakteryzuje indywidualną jakość brzmienia instrumentu lub głosu.
O dźwięku decyduje sposób jego wytworzenia, rodzaj ataku dźwięku, sposób intonacji i interpretacja barwy; brzmienie jest zindywidualizowaną formą manifestacji ideału brzmieniowego w jazzie.
Huśtawka, huśtawka klasyczna (huśtawka; huśtawka klasyczna)
Swing to jazz aranżowany na rozbudowane orkiestry popowe i taneczne (big bandy).
Swing charakteryzuje się apelem trzech grup instrumentów dętych: saksofonów, trąbek i puzonów, tworząc efekt rytmicznego swingu. Wykonawcy swingu odmawiają zbiorowej improwizacji, muzycy towarzyszą improwizacji solisty z wcześniej napisanym akompaniamentem.
Swing osiągnął swój szczyt w latach 1938-1942.
Słodki
Sweet to cecha komercyjnej muzyki rozrywkowej i tanecznej o charakterze sentymentalnym, melodyjnym i lirycznym, a także pokrewnych form skomercjalizowanego jazzu i „jazzowanej” muzyki popularnej.
Symfoniczny jazz
Jazz symfoniczny to styl jazzowy, który łączy w sobie cechy muzyki symfonicznej z elementami jazzu.
Nowoczesny jazz
Jazz nowoczesny to zbiór stylów i trendów jazzowych, które pojawiły się od końca lat trzydziestych XX wieku po zakończeniu okresu stylu klasycznego i „ery swingu”.
Jazz afro-kubański (niemiecki: afrokubanischer jazz)
Jazz afro-kubański to styl jazzu, który rozwinął się pod koniec lat czterdziestych XX wieku z połączenia elementów bebopu z kubańskimi rytmami.
Bebop, bop (bebop; bop)
Bebop to pierwszy styl współczesnego jazzu, który pojawił się na początku lat trzydziestych XX wieku.
Bebop to kierunek black jazzu małych składów, który charakteryzuje się:
-swobodna improwizacja solowa oparta na złożonej sekwencji akordów;
- wykorzystanie śpiewu instrumentalnego;
-modernizacja starego gorącego jazzu;
- spazmatyczna, niestabilna melodia z połamanymi sylabami i gorączkowo nerwowym rytmem.
Kombinacja
Combo to mała nowoczesna orkiestra jazzowa, w której wszystkie instrumenty są solistami.
Fajny jazz (fajny jazz, fajny jazz)
Cool jazz to styl współczesnego jazzu, który pojawił się na początku lat 50., aktualizując i komplikując harmonię bopu;
Polifonia jest szeroko stosowana w fajnym jazzie.
Progresywny
Progressive to kierunek stylistyczny w jazzie, który powstał na początku lat 40. XX wieku w oparciu o tradycje klasycznego swingu i bopu, kojarzonego z praktyką big bandów i dużych orkiestr symfonicznych. Szeroko wykorzystuje melodie i rytmy Ameryki Łacińskiej.
Darmowy jazz
Free jazz to styl współczesnego jazzu kojarzony z radykalnymi eksperymentami w zakresie harmonii, formy, rytmu i technik improwizacji.
Free jazz charakteryzuje się:
-swobodna improwizacja indywidualna i grupowa;
-wykorzystanie polimetrii i polirytmii, politonalności i atonalności, techniki seryjnej i dodekafonicznej, form dowolnych, techniki modalnej itp.
Twardy Bob
Hard bop to styl jazzowy, który wyewoluował z bebopu na początku lat pięćdziesiątych. Hard bop jest inny:
- ponura, szorstka kolorystyka;
-ekspresyjny, sztywny rytm;
-wzmocnienie elementów bluesowych w harmonii.
Chicagowski styl jazzu (Chicago-still)
Chicagowski styl jazzowy jest odmianą stylu jazzowego Nowego Orleanu, który charakteryzuje się:
-bardziej rygorystyczna organizacja kompozycyjna;
-wzmocnienie improwizacji solowej (epizody wirtuozowskie w wykonaniu na różnych instrumentach).
Różnorodna orkiestra
Orkiestra popowa to rodzaj orkiestry jazzowej;
zespół instrumentalny wykonujący muzykę rozrywkową i taneczną oraz utwory z repertuaru jazzowego,
towarzyszący wykonawcom popularnych piosenek i innym mistrzom gatunku pop.
Zazwyczaj orkiestra popowa składa się z grupy instrumentów trzcinowych i dętych, fortepianu, gitary, kontrabasu i zestawu perkusji.
Tło historyczne jazzu
Uważa się, że jazz jako ruch niezależny powstał w Nowym Orleanie w latach 1900–1917. Znana legenda głosi, że z Nowego Orleanu jazz rozprzestrzenił się wzdłuż Mississippi do Memphis, St. Louis i wreszcie do Chicago. Ważność tej legendy została ostatnio zakwestionowana przez wielu historyków jazzu, a dziś uważa się, że jazz narodził się w czarnej subkulturze jednocześnie w różnych miejscach Ameryki, przede wszystkim w Nowym Jorku, Kansas City, Chicago i St. Louis. A jednak stara legenda najwyraźniej nie jest daleka od prawdy.
Po pierwsze, potwierdzają ją świadectwa dawnych muzyków, którzy żyli w okresie, gdy jazz dotarł do granic czarnych gett. Wszyscy potwierdzają, że muzycy z Nowego Orleanu grali wyjątkową muzykę, którą inni wykonawcy chętnie kopiowali. O tym, że Nowy Orlean jest kolebką jazzu potwierdzają także nagrania. Płyty jazzowe nagrane przed 1924 rokiem wykonali muzycy z Nowego Orleanu.
Klasyczny okres jazzu trwał od 1890 do 1929 roku i zakończył się wraz z początkiem „ery swingu”. Do jazzu klasycznego zalicza się zazwyczaj: styl nowoorleański (reprezentowany przez styl murzyński i kreolski), styl nowoorleański-chicago (który powstał w Chicago po 1917 roku w związku z przeprowadzką tu większości czołowych murzyńskich jazzmanów Nowego Orleanu), dixieland (w jego odmiany nowoorleańskie i chicagowskie), szereg odmian jazzu fortepianowego (barrel house, boogie-woogie itp.), a także style jazzu związane z tym samym okresem, które powstały w niektórych innych miastach na południu i środkowym zachodzie Stany Zjednoczone. Jazz klasyczny, wraz z pewnymi archaicznymi formami stylistycznymi, nazywany jest czasami jazzem tradycyjnym.
Jazz w Rosji
Pierwsza orkiestra jazzowa w Rosji Radzieckiej została utworzona w Moskwie w 1922 roku przez poetę, tłumacza, tancerza i działacza teatralnego Walentina Parnacha i nosiła nazwę „Pierwszej Ekscentrycznej Orkiestry Zespołów Jazzowych Walentina Parnacha w RFSRR”. Za urodziny rosyjskiego jazzu tradycyjnie uważa się 1 października 1922 roku, kiedy odbył się pierwszy koncert tej grupy.
Stosunek władz sowieckich do jazzu był niejednoznaczny. Początkowo nie zakazano działalności krajowych wykonawców jazzowych, ale powszechna była ostra krytyka jazzu i kultury zachodniej. Pod koniec lat 40. w okresie walki z kosmopolityzmem prześladowano zespoły jazzowe wykonujące muzykę „zachodnią”. Wraz z nadejściem odwilży ustały represje wobec muzyków, ale krytyka trwała nadal.
Pierwsza książka o jazzie w ZSRR została opublikowana przez leningradzkie wydawnictwo Academia w 1926 roku. Została opracowana przez muzykologa Siemiona Ginzburga na podstawie tłumaczeń artykułów zachodnich kompozytorów i krytyków muzycznych oraz jego własnych materiałów i nosiła tytuł „Zespół jazzowy i muzyka współczesna”. Lata 60. Został napisany przez Walerego Mysowskiego i Władimira Feyertaga, zatytułowany „Jazz” i był w zasadzie kompilacją informacji, które można było uzyskać z różnych źródeł w tamtym czasie. W 2001 roku petersburskie wydawnictwo „Skifia” opublikowało encyklopedię „Jazz. XX wiek Encyklopedyczny podręcznik.” Książkę przygotował autorytatywny krytyk jazzowy Vladimir Feyertag.
