Балеткако музичката форма еволуирала од обичен додаток на танц, до специфична композициска форма која често имала исто значење како придружниот танц. Потекнувајќи од Франција во 17 век, танцовата форма започна како театарски танц. Формално, до 19 век, балетот не добил „класичен“ статус. Во балетот, термините „класично“ и „романтично“ хронолошки еволуирале од музичката употреба. Така, во 19 век, класичниот период на балетот се совпаѓа со ерата на романтизмот во музиката. Композиторите на балетска музика од 17 и 19 век, вклучувајќи ги Жан-Батист Лули и Пјотр Илич Чајковски, беа претежно во Франција и Русија. Меѓутоа, со зголемената меѓународна слава, Чајковски за време на неговиот живот го видел ширењето на балетската музичка композиција и балетот воопшто низ западниот свет.
Енциклопедиски YouTube
1 / 3
✪ Апсолутна гласина за балетот „Заспаната убавица“
✪ Dona nobis pacem Дај ни мир I S Bach Mass h-moll Tatar Opera and Balet Theatre 2015
✪ ♫ Класична музика за деца.
Преводи
Приказна
- Сè до втората половина на 19 век, улогата на музиката во балетот била споредна, со главен акцент на танцот, додека самата музика била едноставно позајмена од танцовите мелодии. Пишувањето „балетска музика“ порано било дело на музички занаетчии, а не на мајстори. На пример, критичарите на рускиот композитор Пјотр Илич Чајковски го доживеаја неговото пишување на балетска музика како нешто гнасно.
Од најраните балети до времето на Жан-Батист Лули (1632-1687), балетската музика не се разликува од танцовата музика во сала. Лули создаде посебен стил во кој музиката ќе раскаже приказна. Првиот „Балет на акција“ беше поставен во 1717 година. Тоа беше приказна раскажана без зборови. Пионер беше Џон Вивер (1673-1760). И Лули и Жан-Филип Рамо напишаа „опера - балет“, каде што дејството беше се изведува делумно со танцување, делумно со пеење, но балетската музика постепено станала помалку важна.
Следниот голем чекор се случи во раните години на деветнаесеттиот век, кога специјалните крути балетски чевли - поинте чевли - почнаа да се користат од солисти. Ова овозможи пофракционо стил на музика. Во 1832 година, познатата балерина Мари Таљони (1804-1884) за прв пат го демонстрираше својот танц на поинте. Беше во Силф. Сега можеше музиката да стане поекспресивна.Постепено танците станаа посмели, при што танчерите се креваа во воздух од мажите.
До времето на Чајковски, композиторот на балетот не се одвојувал од композиторот на симфониите. Балетската музика беше придружба на соло и ансамбл танц. Балетот „Лебедово езеро“ на Чајковски е првото музичко балетско дело што го создал симфониски композитор. На иницијатива на Чајковски, балетските композитори повеќе не пишуваа едноставни и лесни танцови делови. Сега главниот фокус на балетот не беше само на танцот; композицијата по ората доби подеднакво значење. Кон крајот на 19 век, Мариус-Петипа беше кореограф на руски балет и танц, работејќи со композитори како Цезар-Пугни за да создаде балетски ремек-дела кои се фалат и со сложени танци и со сложена музика. Петипа работеше со Чајковски, соработувајќи со композиторот на неговите „Заспаната убавица“ и „Оревокршачка“, или индиректно преку новото издание на Лебедово езеро на Чајковски по смртта на композиторот.
Во многу случаи, сè уште кратките балетски сцени биле користени во оперите за промена на сценографијата или костимот. Можеби најпознатиот пример за балетска музика како дел од операта е „Танцот на часовите“ од операта Ла Џоконда (1876) од Амилкаре Пончиели.
Кардинална промена во расположението се случи кога беше создаден балетот на Игор Стравински, Обредот на пролетта (1913).
Музиката беше експресионистичка и нескладна, а движењата беа високо стилизирани. Во 1924 година, Џорџ Антеил го напишал „Механички балет“. Ова беше погодно за филм со подвижни предмети, но не и за танчери, иако беше иновација во употребата на џез музиката. Од оваа појдовна точка, балетската музика е поделена на два тека - модернизам и џез-танц. Џорџ Гершвин се обиде да ја пополни оваа празнина со неговата амбициозна партитура за Let's Dance (1937), која содржи повеќе од еден час музика која опфаќа интелектуален и технички отфрлен џез и румба. Една од сцените е напишана специјално за балерината Хариет Хотор.
Многумина велат дека џез-танцот најдобро е претставен од кореографот Џером Робинс, кој работеше со Леонард Бернштајн на „West Side Story“ (1957). Во некои аспекти тоа е враќање на „операта-балет“, бидејќи приказната најчесто се раскажува со зборови. Модернизмот најдобро го претставува Сергеј Прокофјев во балетот „Ромео и Јулија“. Ова е пример за чист балет, а постои никакво влијание од џезот или кој било друг вид популарна музика. Друг тренд во историјата на балетската музика е трендот кон креативни адаптации на старата музика. Оторино Респиги ги адаптирал делата на Џоакино-Росини (1792-1868) и нивната заедничка серија во балет т.н. „Magic Shop“, чија премиера беше прикажана во 1919 година. претпочита романтична музика, така што новите балети се комбинираат со стари дела преку нова кореографија. Познат пример е „Sleep“ - музиката на Феликс Менделсон, адаптирана од Џон Ланчбери.
Балетски композитори
На почетокот на 19 век, кореографите поставувале претстави засновани на собрана музика, најчесто составени од оперски фрагменти и мелодии на песни кои биле популарни и добро познати на јавноста. Првиот кој се обиде да ја промени постоечката практика беше композиторот Жан-Мадлин-Шнајцхофер. За ова, тој беше подложен на значителни критики почнувајќи од неговото прво дело - балетот „Просерпина“ (1818):
Музиката е на млад човек кој, судејќи по увертирата и некои балетски мотиви, заслужува поттик. Но, јас цврсто верувам (и искуството го поткрепува моето мислење) дека мотивите вешто избрани за ситуации секогаш подобро им служат на намерите на кореографот и појасно ја откриваат неговата намера отколку речиси целосно новата музика, која наместо да објаснува пантомима, самата чека објаснување.
И покрај нападите на критичарите, следејќи го Шнајцхофер, другите композитори почнаа да отстапуваат од традицијата на создавање балетски партитури собрани од музички фрагменти врз основа на мотивите на други познати (најчесто оперски) дела - Фердинанд Херолд, Фроментал Халеви и, пред сè. - а потоа плодно, кој работеше со Мариус-Петипа, при креирањето на неговите партитури, тој строго ги следеше упатствата на кореографот и неговиот план - сè до бројот на шипки во секој број. Во случајот со Сен-Леон, тој дури мораше да користи мелодии поставени од кореографот: според мемоарите на Карл Валц, Сен-Леон, и самиот виолинист и музичар, повеќе од еднаш му свиркал мотиви на Минкус, кои тој „жестокино ги преведувал во музички знаци“.
Оваа практика не одговараше на принципите на истиот Шнајцхофер, кој ја ценеше својата репутација како независен автор и секогаш работеше одвоено од кореографот при создавањето партитури (исклучок беше направен само при создавањето на балетот La Sylphide, заедно со
Александар Николаевич Скрјабин Александар Николаевич Скрјабин е руски композитор и пијанист, една од најсветлите личности на руската и светската музичка култура. Оригиналното и длабоко поетско дело на Скриабин се издвои по својата иновација дури и на позадината на раѓањето на многу нови трендови во уметноста поврзани со промените во јавниот живот на крајот на 20 век.
Роден во Москва, неговата мајка починала рано, татко му не можел да му обрне внимание на својот син, бидејќи тој служел како амбасадор во Персија. Скрјабин бил воспитан од неговата тетка и дедо, од детството покажал музички способности. На почетокот студирал во кадетскиот кор, земал приватни часови по пијано, по дипломирањето на корпусот влегол во Московскиот конзерваториум, негов соученик бил С. В. Рахманинов. По дипломирањето на конзерваториумот, Скриабин целосно се посвети на музиката - како концертен пијанист-композитор, тој ги обиколи Европа и Русија, поминувајќи го поголемиот дел од своето време во странство.
Врвот на композиторското творештво на Скрјабин беа годините 1903-1908 година, кога беа објавени Третата симфонија („Божествена песна“), симфониската „Песна за екстаза“, „Трагични“ и „сатански“ песни за пијано, 4. и 5. сонати и други дела. ослободен. „Поемата на екстазата“, составена од неколку теми-слики, ги концентрираше креативните идеи на Срјабин и е негово светло ремек дело. Хармонично ја спои љубовта на композиторот за моќта на големиот оркестар и лирскиот, воздушен звук на соло инструментите. Колосалната витална енергија, огнената страст, силата на силна волја отелотворени во „Песната за екстаза“ оставаат неодолив впечаток кај слушателот и до ден денес ја задржува силата на своето влијание.
Друго ремек-дело на Скриабин е „Прометеј“ („Песна на огнот“), во кое авторот целосно го ажурирал својот хармоничен јазик, отстапувајќи од традиционалниот тонски систем, а за прв пат во историјата ова дело требало да биде придружено со боја. музика, но премиерата од технички причини не помина без светлосни ефекти.
Последната недовршена „Мистерија“ беше идејата на Скриабин, сонувач, романтичар, филозоф, да го привлече целото човештво и да го инспирира да создаде нов фантастичен светски поредок, соединување на Универзалниот дух со материјата.
А.Н. Скриабин „Прометеј“
Сергеј Василиевич Рахманинов Сергеј Василиевич Рахмањинов е најголемиот светски композитор на почетокот на 20 век, талентиран пијанист и диригент. Креативната слика на Рахмањинов како композитор често се дефинира со епитетот „најруски композитор“, нагласувајќи ги во оваа кратка формулација неговите заслуги во обединувањето на музичките традиции на композиторските школи во Москва и Санкт Петербург и во создавањето на свој уникатен стил. која изолирано се издвојува во светската музичка култура.
Роден во провинцијата Новгород, од четиригодишна возраст почнал да учи музика под водство на неговата мајка. Студирал на Конзерваториумот во Санкт Петербург, по 3 години студии се префрлил на Московскиот конзерваториум и дипломирал со голем златен медал. Тој брзо стана познат како диригент и пијанист, компонирајќи музика. Катастрофалната премиера на револуционерната Прва симфонија (1897) во Санкт Петербург предизвика креативна композиторска криза, од која Рахмањинов се појави во раните 1900-ти со зрел стил кој ги комбинира руското црковно пишување песни, излезниот европски романтизам, модерниот импресионизам и неокласизмот. со сложена симболика. Во овој творечки период се раѓаат неговите најдобри дела, со
Што и да се каже, не може да се игнорира познатото ремек-дело на рускиот композитор во четири чина, благодарение на кое германската легенда за убавата девојка лебед е овековечена во очите на познавачите на уметноста. Според заплетот, принцот, заљубен во кралицата лебед, ја изневерува, но дури ни сфаќањето на грешката не го спасува него или неговата сакана од бесните елементи.
Сликата на главниот лик - Одета - ја надополнува галеријата на женски симболи создадени од композиторот за време на неговиот живот. Вреди да се одбележи дека авторот на балетската парцела сè уште не е познат, а имињата на либретистите никогаш не се појавиле на ниту еден плакат. Балетот првпат беше претставен во 1877 година на сцената на театарот Бољшој, но првата верзија се сметаше за неуспешна. Најпозната продукција е Петипа-Иванов, која стана стандард за сите наредни изведби.
Најдобрите балети во светот: Оревокршачот на Чајковски
Популарен на новогодишната ноќ, балетот за деца Оревокршачка првпат беше претставен на јавноста во 1892 година на сцената на познатиот театар Марински. Заплетот е заснован на бајката на Хофман „Оревокршачот и кралот на глувчето“. Борбата на генерациите, пресметката меѓу доброто и злото, мудроста зад маската - длабокото филозофско значење на приказната е облечено во живописни музички слики што се разбирливи за најмладите гледачи.
Дејството се случува во зима, на Бадник, кога сите желби можат да се остварат - а тоа и дава дополнителен шарм на магичната приказна. Сè е можно во оваа бајка: негуваните желби ќе се остварат, маските на лицемерието ќе паднат, а неправдата дефинитивно ќе биде победена.
************************************************************************
Најдобрите балети во светот: Жизел од Адам
„Љубовта што е посилна од смртта“ е можеби најточниот опис на познатиот балет во четири чина на Жизел. Приказната за една девојка која умира од страсна љубов, која го дала своето срце на благороден млад човек, свршен со друга невеста, толку живописно е пренесена во грациозните паси на витките вили - невести кои умреле пред свадбата.
Балетот доживеа огромен успех од првата продукција во 1841 година, а во текот на 18 години, на сцената на Париската опера беа дадени 150 театарски изведби на делото на познатиот француски композитор. Оваа приказна толку многу ги освои срцата на познавачите на уметноста што астероидот откриен на крајот на 19 век дури го добил името по главниот лик на приказната. И денес нашите современици веќе се погрижија да го зачуваат еден од најголемите бисери на класичното дело во филмските верзии на класичната продукција.
************************************************************************
Најдобрите балети во светот: Дон Кихот од Минкус
Ерата на големите витези одамна помина, но тоа не ги спречува модерните млади дами да сонуваат да се сретнат со Дон Кихот од 21 век. Балетот точно ги пренесува сите детали од фолклорот на жителите на Шпанија; и многу мајстори се обидоа да го исценираат заплетот на благородното витештво во модерна интерпретација, но класичната продукција е таа што ја украсува руската сцена сто и триесет години.
Кореографот Мариус Петипа можеше вешто да го отелотвори целиот вкус на шпанската култура во танцот благодарение на употребата на елементи од националните танци, а некои гестови и пози директно укажуваат на местото каде што се развива заплетот. Историјата не го изгубила своето значење и денес: и во 21 век, Дон Кихот вешто ги инспирира младите луѓе со топли срца, способни за очајни дела во име на добрината и правдата.
************************************************************************
Најдобрите балети во светот: Ромео и Јулија од Прокофјев
Бесмртната приказна за две вљубени срца, обединети само по смртта засекогаш, е отелотворена на сцената благодарение на музиката на Прокофјев. Продукцијата се случи непосредно пред Втората светска војна и мораме да им оддадеме почит на посветените мајстори кои се спротивставија на наредбите кои беа вообичаени во тоа време, кои владееја и во креативната сфера на сталинистичката земја: композиторот го задржа традиционалниот трагичен крај. на парцелата.
По првиот грандиозен успех, кој ја додели претставата со Сталиновата награда, имаше многу верзии, но буквално во 2008 година се случи традиционалната продукција од 1935 година во Њујорк со среќен крај на познатата приказна непозната за јавноста до тој момент. .
************************************************************************
Среќно гледање!
Потекнувајќи како имитација на западни модели, руската опера даде вреден придонес во ризницата на целата светска култура.
Појавувајќи се во ерата на класичниот врв на француските, германските и италијанските опери, руската опера во 19 век не само што ги достигна класичните национални оперски школи, туку и ги надмина. Интересно е што руските композитори традиционално избирале теми од чисто народен карактер за своите дела.
„Животот за царот“ Глинка
Операта „Живот за царот“ или „Иван Сузанин“ раскажува за настаните од 1612 година - полската кампања на гентрите против Москва. Барон Јегор Розен стана автор на либретото, меѓутоа, во советско време, од идеолошки причини, уредувањето на либретото му беше доверено на Сергеј Городецки. Премиерата на операта се одржа во Бољшој театарот во Санкт Петербург во 1836 година. Долго време делот Сузанин го изведуваше Фјодор Чалиапин. По револуцијата Животот за царот ја напушти советската сцена. Имаше обиди заплетот да се прилагоди на барањата на новото време: вака Сузанин беше прифатена во Комсомол, а последните редови звучеа како „Слава, слава, советски систем“. Благодарение на Городецки, кога операта беше поставена во театарот Бољшој во 1939 година, „советскиот систем“ беше заменет со „рускиот народ“. Од 1945 година, театарот Бољшој традиционално ја отвора сезоната со различни продукции на Иван Сузанин од Глинка. Најголемата продукција на операта во странство беше реализирана, можеби, во миланската Скала.
„Борис Годунов“ од Мусоргски
Операта, во која царот и народот се избрани како два лика, ја започнал Мусоргски во октомври 1868 година. За да го напише либретото, композиторот го користел текстот на истоимената трагедија на Пушкин и материјали од „Историјата на руската држава“ на Карамзин. Темата на операта беше владеењето на Борис Годунов непосредно пред времето на неволјите. Мусоргски го завршил првото издание на операта Борис Годунов во 1869 година, кое било претставено пред театарскиот комитет на Дирекцијата на Царските театри. Сепак, рецензентите ја отфрлија операта, одбивајќи да ја изведат поради недостаток на светла женска улога. Мусоргски го воведе „полскиот“ чин на љубовната линија на Марина Мнишек и Лажниот Дмитриј во операта. Тој додаде и монументална сцена на народно востание, што го направи финалето поспектакуларно. И покрај сите прилагодувања, операта повторно беше одбиена. Беше поставена само 2 години подоцна, во 1874 година, на сцената на театарот Марински. Во странство, премиерата на операта се одржа во театарот Бољшој во Париската Гранд опера на 19 мај 1908 година.
Кралицата на лопати од Чајковски
Операта ја завршил Чајковски во раната пролет 1890 година во Фиренца, а првата продукција се одржала во декември истата година во театарот Марински во Санкт Петербург. Операта ја напишал композиторот по налог на Царскиот театар, а Чајковски за прв пат одбил да ја преземе нарачката, аргументирајќи го своето одбивање со недостатокот на „соодветно сценско присуство“ во заплетот. Интересно е што во приказната на Пушкин главниот лик го има презимето Херман (со две „n“ на крајот), а во операта главниот лик е човек по име Херман - ова не е грешка, туку намерна промена на авторот. . Во 1892 година, операта за прв пат беше поставена надвор од Русија во Прага. Потоа - првата продукција во Њујорк во 1910 година и премиерата во Лондон во 1915 година.
„Принцот Игор“ Бородин
Основата за либретото беше споменикот на античката руска литература „Приказната за кампањата на Игор“. Идејата за заплетот му ја предложи на Бородин критичарот Владимир Стасов на една од музичките вечери кај Шостакович. Операта била создадена во текот на 18 години, но никогаш не била завршена од композиторот. По смртта на Бородин, работата на делото ја завршија Глазунов и Римски-Корсаков. Постои мислење дека Глазунов успеал да ја врати од меморијата изведбата на авторот на оперската увертира што некогаш ја слушнал, но самиот Глазунов го отфрли ова мислење. И покрај фактот што Глазунов и Римски-Корсаков го завршија најголемиот дел од работата, тие инсистираа дека принцот Игор е целосно опера на Александар Порфиревич Бородин. Премиерата на операта се одржа во театарот Марински во Санкт Петербург во 1890 година, по 9 години беше видена од странска публика во Прага.
„Златниот петел“ од Римски-Корсаков
Операта „Златниот петел“ е напишана во 1908 година врз основа на истоимената бајка на Пушкин. Оваа опера беше последното дело на Римски-Корсаков. Царските театри одбија да ја постават операта. Но, штом публиката ја виде за прв пат во 1909 година во Московската опера на Сергеј Зимин, операта беше поставена во Бољшој театарот еден месец подоцна, а потоа ја започна својата триумфална поворка низ светот: Лондон, Париз, Њујорк, Берлин, Вроцлав.
„Лејди Магбет од областа Мценск“ од Шостакович
Идејата за операта потекнува од Александар Даргомижски во 1863 година. Сепак, композиторот се сомневаше во неговиот успех и го сметаше делото како креативно „извидување“, „забава поради Дон Џовани на Пушкин“. Тој напиша музика на текстот на Пушкин на Камениот гостин без да промени ниту еден збор во него. Сепак, срцевите проблеми не му дозволија на композиторот да ја заврши работата. Тој умре, барајќи во тестаментот неговите пријатели Куи и Римски-Корсаков да ја завршат работата. Операта првпат беше претставена пред публиката во 1872 година на сцената на театарот Марински во Санкт Петербург. Странската премиера се одржа дури во 1928 година во Салцбург. Оваа опера стана една од „камењата-темелници“, без да се знае, невозможно е да се разбере не само руската класична музика, туку и општата култура на нашата земја.
Кога зборуваме за балет, секогаш мислиме на креативност, бидејќи токму тој го внесе овој сценски жанр во категоријата сериозни и големи музичко-сценски изведби. Има само три балети и сите три - „Лебедово езеро“, „Оревокршачка“, „Заспаната убавица“, се познати по одличната драматургија и прекрасна музика.
Најпопуларното балетско дело на Пјотр Чајковски, кое го слушаат речиси сите, е „“, напишано во 1877 година. Многу фрагменти од оваа танцова претстава - „Танцот на малите лебеди“, „Валцер“ и други, одамна живеат свој, одделен живот, како популарни музички композиции. Сепак, целиот настап кој раскажува за љубовна приказна е достоен за вниманието на љубителите на музиката. Чајковски, кој во текот на животот беше познат по својот неверојатен талент како композитор, великодушно го награди балетот со безброј шармантни и незаборавни мелодии.
Уште еден од најдобрите балети во музичката историја е оној на Чајковски. Ова беше втор апел на композиторот кон танцовиот жанр, и ако јавноста на почетокот не го ценеше Лебедово езеро, тогаш Убавината веднаш беше препознаена како ремек-дело и продолжи во скоро сите театри на Руската империја и Европа.
Балетот е заснован на бајковитата приказна на Шарл Перо, нам познат уште од детството, за Заспаната убавица, злобната самовила и сепобедливата љубов. Чајковски ја надополни оваа приказна со прекрасни танци на ликови од бајките, а Мариус Петипа со неверојатна кореографија, која цело време стана енциклопедија на балетската уметност.
„“ - третиот и последен балет на Пјотр Чајковски, еден од препознаените врвови на неговото творештво, кој сигурно ќе оди во сите театри во Европа на Божиќ и Нова Година. Бајката на Хофман „Оревокршачот и кралот на глувчето“ ја продолжува темата за борбата меѓу злото и доброто, започната од Чајковски во Лебедово езеро, дополнувајќи ја со елементи на фантазија и, се разбира, љубов и самопожртвуваност. Филозофската бајка, многубројните прекрасни мелодии на танцови броеви и кореографијата го прават овој балет едно од најдобрите и најбараните класични музички дела на светската музика.
Некогаш беше еден од најскандалозните балети. Сега „Ромео и Јулија“ е една од класичните танцови претстави во многу театри низ светот. Новата, во многу нешта револуционерна музика на композиторот, бараше од трупата нова сценографија и начин на движење. Пред премиерата, композиторот буквално мораше да ги убеди режисерите и танчерите да учествуваат во продукцијата. Сепак, тоа не помогна, главните театри во земјата - театрите Бољшој и Киров одбија да ја изведат оваа претстава. Дури по неочекуваниот и неверојатен успех на Ромео и Јулија во Чехословачка, балетот беше поставен во Санкт Петербург и Москва, а самиот Прокофјев беше награден со Сталиновата награда.
Класичната изведба на сите танцови трупи во светот е Жизел. Балетот е заснован на легендата за џиповите - духовите на невестите кои умреле од несреќна љубов и затоа ги гонеле сите млади луѓе на нивниот пат во луд танц. Од својата премиера во 1841 година, Жизел не ја изгуби својата популарност меѓу љубителите на танцот и имаше многу продукции.
