Картина Петрова-Водкина "Купание красного коня" - это наиболее известная картина художника и немногие знают, что в его арсенале огромное количество работ на совершенно разные темы. В Русском музее в корпусе Бенуа открылась выставка художника, посвященная 140-летию со дня его рождения, которую мы с подругой посетили и остались очень довольны.

На выставке представлено 236 произведений живописи и графики (160 произведений из коллекции Русского музея) из собраний ГТГ, Саратовского художественного музея им. А. Н. Радищева, Художественного музея г. Хвалынска, Петербургского театрального музея, Музея театрального искусства им. А. А. Бахрушина в Москве, Государственного Эрмитажа, региональных художественных музеев, частных коллекций Петербурга и Москвы Показаны этапные работы художника, освещающие все периоды его творческой биографии, произведения как известные, так и забытые, находящиеся в собраниях различных музеев и частных коллекциях. Впервые рядом с произведениями из постоянных экспозиций Русского музея и Третьяковской галереи представлены этюды и эскизы к ним, позволяющие увидеть процесс работы художника.

К.С. Петров-Водкин родился в Хвалынске на Волге в семье сапожника и о живописи можно было только мечтать глядя на зелень садов, лесистые холмы, высокий берег Волги. Он хотел поступить в железнодорожный техникум, но не сдав экзамены,пошел работать вывесочником и учиться в классы рисования Федора Бурова. Приезд в Хвалынск петербургского архитектора Р. Ф.Мельцера изменил жизнь мальчика. Увидев его работы он отправил его учиться в Петербург в Центральное училище технического рисования барона Штиглица, где учился на деньги хвалынских купцов. Одна из первых работ художника Петрова-Водкина - образ Богоматери с младенцем на стене церковной аспиды в Александровском парке Петербурга.

Через два года Кузьма поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где преподавал В. Серов. Завершать образование молодой художник отправился за границу. Побывал в Греции, Италии, Франции и даже Северной Африке - где совершенствовал технику рисунка и набирался впечатлений. Поднимался к жерлу Везувия, спасался в Сахаре от бедуинов. Написал «Семью кочевников», портрет «Африканского мальчика», «Кафе» - множество этюдов и картин. Вернулся в Россию с супругой Марой.

На картине "Кафе" изображены знатные дамы, которые решили культурно провести досуг. Все они одеты в роскошные платья в соответствии с модными тенденциями того времени. Дамы беззаботно проводят время в кафе. На заднем плане фигуры видны не четко, но среди них выделяется одно лицо девушки, которая словно с завистью смотрит на местных красавец.

Первая персональная выставка художника прошла в 1909 году. Спустя два года - Петров-Водкин стал членом объединения «Мир искусства». Широкую и несколько скандальную славу художнику принесла картина «Сон».

Глубокое содержание, вложенное художником в "Сон", оставалось - из-за сложной его зашифрованности в изображенной сцене - недоступно большинству зрителей. Картина раздражала и вместе с тем манила к себе публику своей загадочностью. Картину ругали или хвалили, чаще недоумевали по ее поводу. Один из предводителей «Мира искусства» Илья Репин выступил с разгромной статьей, Александр Бенуа встал на защиту, считая картину шедевром.

«Купание красного коня» - главная работа Петрова-Водкина тех лет.

В основе замысла картины - непосредственные впечатления от купания коней на Волге в Хвалынске. Художнику позировал племянник Шура. Конь написан с "гнедой лошаденки" по имени Мальчик в имении генерала Грекова в Саратовской губернии. Обычная бытовая сцена переплавлена художником в эпичную монументальную композицию, отсылающую к образу св.Георгия и фрескам Гирландайо. Много позже современники и сам художник подчеркивали пророческий характер образа, как предвидение войны и революции. Впервые «Купание красного коня» представили в 1912 году на выставке «Мир искусства», полотно имело ошеломляющий успех. «Да, этот художник талантлив!» - произнес, стоя перед картиной, Илья Репин. Спустя два года в Швеции прошла «Балтийская выставка», где Петров-Водкин получил за картину медаль и грамоту. Однако из-за военных событий полотно осталось в Швеции, вплоть до 1950 года.

На полотне мы видим летний полдень.

Раскинулась уступами земля.
Вдали блестит излучиною Волга,
А перед ней – зелёные поля.
Здесь панорама русского крестьянства
Во всех аспектах автором дана:
Любовь и труд, и отдых, но без пьянства,
С младенцем мать на полотне нужна.
Звучат эпично разные детали,
В которых много мудрой простоты.
Динамикой охваченные дали –
Плывут по Волге барки и плоты.
Всегда в его картинах перед нами
Присутствуют движение, наклон...
Ветвь яблони с созревшими плодами,
За ней – дорога, сцена похорон.
Всё воедино Петров-Водкин сводит –
Жизнь, смерть, в грядущее бросает взгляд:
В крестьянской жизни старый мир уходит,
Ломает новое сложившийся уклад...

Эти стихи Ивана Есаулкова передают содержание картины Петрова-Водкина "Полдень. Лето.1917". На этом грандиозном полотне художник смог изобразить современную ему крестьянскую Россию. Она возникает словно из какой-то чудесной дымки. Охватить взглядом всю землю просто невозможно, настолько она огромна. Художник смотрит на поля, холмы, реки и перелески с большой высоты, кажется, что он парит вместе с птицами. Оттуда Петров-Водкин созерцает Русь. Народ живет и трудится именно на этой необъятной земле. Художник разворачивает в этом шедевре необъятную тему России. Он демонстрирует материнство, любовь, быт людей, смерть. В России всегда полдень.

После революции художник много преподавал, в том числе по собственной живописной системе. Писал портреты, обращался к натюрмортам. «Натюрморт - это скрипичные этюды, которые я должен делать раньше, чем приступлю к концерту» . К примеру, «Селедка»: сама рыба, кусок черного хлеба и пара картошин - роскошь в голодном городе.

Набор продуктов нехитрый, но для революционного времени практически пир.

Представлены и другие натюрморты художника.

Мне очень понравилась картина "Утренний натюрморт".

Опять же изображены простые предметы - полевые цветы в банке, чай в стакане, яйца, стальной чайник, спички, фонарик, но так и чувствуется благоухание цветов, аромат чая, позвякивание ложечки. В стальных начищенных гранях чайника отражаются яйца и видна морда рыжего кота, из-за края стола выглядывает умная морда ирландского сеттера. Всё как будто переплетено между собой при полной независимости предметов. Человека в пространстве полотна нет, но его неизменно можно почувствовать: по свежесобранным цветам, налитому чаю, оставленным спичкам, и, кончено же, животным, что примчались к столу в ожидании чего-нибудь вкусненького. Картина нарисована так, что зритель, разглядывая работу, будто находится на месте этого человека, сидит вот за таким утренним столом. Непревзойдённый эффект присутствия – автор тонко и умело делает нас действующими персонажами своего натюрморта.

"1918 год в Петрограде», картина, почти сразу ставшая известной как «Петроградская Мадонна».

Молодая работница с младенцем на руках - одна из самых трогательных работ художника. Над суетой и толпами - лик, словно эхо старых образов иконной Богоматери. Ни взгляда назад: само спокойствие и сосредоточенность. Как символ материнства и надежды - полной смирения, в атмосфере тревоги и волнений. Картина была показана впервые на выставке в Третьяковской галерее в начале 20-х годов, на которой произведения Петрова-Водкина и Павла Кузнецова соседствовали с работами Поля Сезанна и Анри Матисса. "Посещение музея, где я увидел мои картины и сравнил их с Сезанном, придало мне большую уверенность. "Мадонна Петрограда" так кротка и столько в ней глубины..." (Из письма Петрова-Водкина жене, 11 июня 1921 г.)

Картина "1919 год. Тревога" - одно из последних значительных произведений Петрова-Водкина.(1934 г.) На ней передано стойкое ощущение страха, тревоги, чего-то угрожающего. Все члены семьи в оцепенении застыли и ждут чего-то страшного. И это ожидание явно читается на лицах матери и старшего ребенка, дочки. Оно угадывается в застывшей у окна фигуре отца, который в напряженной тишине вглядывается в ночную мглу, пытаясь разглядеть очертания наступающей беды. И только маленький ребенок безмятежно и сладко спит в своей кровати. Идет гражданская война. Именно она наводит ужас на всю эту семью. В одночасье все может рухнуть, они могут лишиться друг друга, их хрупкий мир может сломаться. Вот что вызывает их тревогу и закономерно воспринимается как предчувствие сталинского «большого террора» с его ночными арестами.

Кузьма Сергеевич еще с 1920-го года болел туберкулезом, а к весне 1929-го болезнь приняла угрожающе тяжелую форму, и врачи запретили ему прикасаться к краскам. Заполняя безделье, он пишет прекрасные романтически-эмоциональные книги о своем детстве и юности - "Хлыновск" (1930) и "Пространство Эвклида" (1933). Всего же из-под пера Петрова-Водкина вышло 20 рассказов, 3 больших повести и 12 пьес.Незадолго до смерти художник, наплевав на запрет врачей, снова взялся за кисти и краски.

Умер художник в Ленинграде ранним утром 15 февраля 1939 года. Сразу после смерти Петрова-Водкина Советская власть заметно охладела к его наследию. Его имя подверглось тихому остракизму: его картины исчезли из экспозиций музеев, а имя почти не упоминалось вплоть до второй половины 1960-х годов.

"Изгнание из рая"

"Купальщицы"

Сообщить модератору

Красный конь. А вот когда я - маленький городской мальчик - впервые увидел коня, то он был белоснежно-белого цвета. Нет, это был не живой конь. Это был конь на картинке. Позже я узнал, что картинка эта называлась иконой. Икона находилась в углу бабкиной комнаты над огромным сундуком, на котором я спал. И когда я засыпал, это иконное изображение коня было последнее видение перед тем, как неизвестная сила погружала меня во временное небытиё. А в предутренний час этот конь, бывало, и оживал, и мчался стрелой над клубящимся в предсмертной агонии страшеннего змия.

А всадник сидящий на нем, изящным энергичным движением вонзал тонкое, длинное копьё прямо в пасть с острыми зубами, которыми змий искусал столько невинных жертв. Именно с этой картинки, стало формироваться в моём раннем детстве убеждение в том, что добро непременно поразит зло. Зло не может победить. Потому как добро – это и есть сама жизнь. И жизни никакой не было бы, если бы этот самый змий победил.

А конь уже в те времена для меня, ребёнка, был неким воплощением добра, силы и помощника. Вот знал же я уже картину «Три богатыря». А Илью Муромца без коня и представить себе не мог. Конь и всадник – это одно, нечто целое в сиянии силы и добра. Ну а конёк горбунок! Он ведь был для всех нас совсем живой. Без него с длинными ушами наш герой, Иванушка-дурачок, не преодолел бы все козни, устроенные ему. И не стал бы он прекрасным принцем.

*****
А вы когда-нибудь видели в жизни красного коня, вот такой необычной масти? Никто не видел. Потому как таких невозможно красных коней в природе не бывает. Почему же он красный? И вот такой вопрос, я больше чем уверен, задаст себе каждый, кто остановится перед оригиналом этой картины в одном из залов Третьяковки.

И вопрос этот естественно возникнет сам в голове. Особенно у тех, кто не сильно отягощен глубокими познаниями в живописи мировой и отечественной тоже. И таких из приходящих в Третьяковку, абсолютное большинство. Знаю, потому что я сам вожу в ней экскурсии.

И потом я и сам себе задавал и задаю тот же вопрос. Ну почему же он такой красный. И такой огромный. И этот обнаженный весь такой субтильный и хрупкий юноша, сидящий на нем, почему он так контрастирует с этим мощным конём. Ведь это было кому-то нужно. То есть самому художнику было нужно. Ведь он хотел же нам что-то всем этим самым сказать. Как и любой художник, берущий в руку кисть, каким бы умелым или неумелым он не был бы. И какого не был бы он возраста. Но об этом чуть позже.

*****
А сначала … А сначала нас привлечёт фамилия художника. Какая-то странная она, необычная, уникальная фамилия. Ну что это такое? ПЕТРОВ-ВОДКИН. А может быть – это броский, эпатажный, явно сочиненный псевдоним? Со смыслом.
И, оказывается, в этом случае нет никакого смысла. Фамилия настоящая. И нет ничего в нем намеренного, на что-то намекающего.

Просто дед у художника был сапожник. И пьяница. Чему же удивляться. Напротив, всё сходится. Пьяный, как сапожник, - кто ж этого не знает. Вот именно таким он был и известен всему Хвалынску, небольшому городке на Волге. И прозвали его в городе Петров- Водкин. А потом, как это часто и бывало на Руси, прозвище стало фамилией. Кончил, кстати, он очень плохо. Однажды, в приступе белой горячки он взял острый сапожный нож и зарезал жену свою. И сам тоже вскоре умер. А вот сын его, Сергей, хотя и был тоже сапожником, но так удивительно в рот не брал спиртного. А удивительная фамилия осталась. И прославил её Кузьма на весь мир.

Спираль судьбы, вознесшая его в элиту самых знаменитых художников 20 века, берёт своё начало, как уже было сказано, в городе Хвалынск. Ныне это мелкий городок (13 тыс. жителей) известный лишь своими яблоневыми садами, да вот ещё и как место рождения Петрова-Водкина.

Меня тут удивляет несказанно одна вещь. А именно то, как вообще Кузьма стал художником. Ну не было совсем никаких предпосылок. Какой то мелкий городок на Волге. Такая Тмутаракань.

В этой связи я вновь задаюсь одним и тем же вопросом. Почему и как мы от рождения по прошествии некоторых лет становимся теми, кто мы есть. Кто и что приводит нас к нынешнему состоянию. Есть ли во всём этом какая-то мистическая предопределённость, может даже и генетическая. А может быть все звенья нашего жизненного пути – это всё случайные звенья, сложившиеся необъяснимо без всякой логики. И без намёка зажегшейся на небосводе божественной звезды. И её горение упрямо высветило нам прожитый путь. Не знаю. А кто знает? Никто.

Вот и один из самых известных и знаменитых художников по всему просто не мог стать художником. Его звезда взошла из занюханного захолустья. И в роду его не было художников. Были сапожники, не имеющие к живописи ну никакого отношения. И никак не могли они поспособствовать рождению в глубине его души таинственного желания изобразить красками мир, так как он его видел и мыслил. Да так, что даже и тот, кто не сильно искушён в истории живописи, узнает руку, создавшую все его живописные творения.

А на его жизненном пути были внезапные повороты, которые могли бы его повести совсем по другой стезе. Но вот судите сами из какого сора взрос этот необыкновенный талант.
*****

Про сапожников уже было сказано. Ну рос обыкновенный мальчик. Ну да, любил рисовать. А какой ребёнок не любит рисовать. Но вот пришло первое везение, давшее первый начальный импульс к мировой славе. В доме его приятеля жили богомазы. И в нем мальчик Кузя познакомился с тем, что такое икона. И что такое живопись. Это был дом старообрядцев. Там он познакомился не только с очень сложной техникой иконографии, но и со всем процессом изготовления икон. А главное он увидел, что живописное изображение – это не просто отражение того, что воспринимает наш глаз, но и то, что оно может быть наполнено особой духовностью. То есть тем, чем наполнена твоя душа. И вот вероятно поэтому всё, что было написано художником Петровым – Водкиным, так напоминает иконы.

А ещё он понял всю завораживающую силу красок. Их воздействие на наше состояние души. Вот как он сам вспоминает об этом сам в одной из его книг, написанной им; «У меня уже установилось уважение к краске, и для меня небрежность к цветовому материалу означало то же самое, как если по клавишам фортепьяно барабанили палкой».

*****
Итак, школа окончена. Ему пятнадцать лет. И встал вопрос « где работать мне тогда». Стать художником в плане не стояло. Он поработал в судоремонтных мастерских, а потом поехал в Самару поступать в железнодорожное училище. И стал бы Кузьма машинистом, да только Бог отвратил его от этого неверного поступка и весьма похвального желания. А знаете как? Вот шёл наш Кузя на первый экзамен и увидел он вывеску. «Классы живописи и рисования». И понял он, что это сама судьба выставила ему на пути это послание. И не смог он ему противиться.

До экзамена в железнодорожное училище он дошёл и благополучно провалил его. К своему облегчению. И пошёл он потом в эти самые классы живописи. Зачисли его. Руководителем классов был некий Бурков. Вот ему-то будущий художник и должен был бы поставить свечку. Да ещё и какую. Принял мальчика пятнадцати лет «императорский художник первой степени». И начал учить его непростому искусству живописи. Два года учил. И тут новая подножка. Умер учитель. И несостоявшийся художник вынужден был вернуться в дом родной в Хвалынске.

И снова судьба ли, Бог вернули его на стезю живописца. Казалось бы совершенно случайно. Мать его работала горничной в одном барском доме. Сестра её хозяйки решила построить дачу. Такой барский дом. По индивидуальному проекту. Представьте себе, рядом с Хвалынком. По проекту архитектора Р. Мельцера.

И вот мама мальчика Кузи отнесла несколько работ юного художника знаменитому столичному архитектору. Архитектор пришёл в восторг. И опять судьба, которая из цельной цепи случайностей, выстроила закономерность. Архитектор увёз юное дарование в Петербург и устроил в приличное училище живописи Штиглица (ныне училище Мухиной, или просто «Муха»).

А ведь и Петербургу тоже нужны деньги. Се ля ви (c’est la vie). Деньги стали приходить от хвалынских купцов и самой барыни-хозяйки. 25 руб в месяц. Не знаю, много это или мало. Ну наверное достаточно для жизни, учёбы, посещения музеев и мелких развлечений в столице. А художнику эти посылки не нравились. Он называл их подачками.

А потом он решил, что это училище исчерпало все свои возможности, чтобы научить его чему-то новому и поступил он в знаменитое Московское училище Живописи, Ваяния и Зодчества. Оно и поныне стоит в конце Мясницкой у Чистых прудов. А какие учителя у него были! Серов, Левитан, Коровин. А каким было его окружение студенческое! Будущие знаменитые художники Кузнецов, Ларионов, Сарьян, Машков. И не только.

Вот художника Петрова –Водкина при жизни кое-кто называл художником деревенщиком. Если не деревенщиной. Намекая на его сапожное происхождение в глухой провинции. А ещё на примитивизм его живописных творений. Ровным счётом ничего не понимая в них. А этот художник был одним из самых образованных по части живописи человеком. Он учился не только в самых лучших художественных заведениях в обеих наших столицах. У лучших художников. Он несколько лет провёл и в западных столицах. И постигал дело живописи в лучших мировых музеях.

А впервые он отправился в Европу, движимый страстным желанием познать всё то, что было уже достигнуть в этой области до него. Отправился, не поверите, на велосипеде. Нет, это не шутка. На велосипеде! Так вот сел и поехал. Через всю Европу. А вы можете представить себе, каким был этот велосипед ещё тех времён. Времён начала прошлого века. Драндулет, да и только.

Петров – Водкин несмотря на своё происхождение и такое, я сказал бы не очень интеллектуальное лицо, был очень одарённым человеком. Он играл на скрипке. Причем не натужно пиликал, а как профессионал. А ещё он был настоящим писателем. То есть он замечательно владел не только кистью, но и пером. Он писал книги и пьесы, которые имели успех. Был момент, когда он выбирал, кем ему стать, художником или писателем. Он выбрал палитру и кисть.

*****
Но вернёмся к «Купанию красного коня». Но почему же он всё-таки красный. Ну как, почему, скажет кое-кто. Особенно из тех, кто видел и другие картины художника, в которых дух революции отменно выражен. Красный – это значит революция. Почему-то вспоминается всем известный некогда милый стишок. «Как повяжешь галстук – береги его. Он ведь с красным знаменем цвета одного»

Вспоминается и другой стишок в связи с вопросом, куда скачет этот конь. «Ведь кузнечик скачет, а куда не знает». Вот и наш конь красный не знает, куда он скачет. Потому как субтильный всадник им совсем не правит. Но мечта уже есть. Мечта светлая. « Мечта прекрасная, еще не ясная, уже зовет тебя вперед.» И эти слова мы тоже помним из прекрасного гимна ушедшей навсегда эпохи. А теперь, в скобках будет сказано, у нас нет мечты. Ни красной, и вообще никакой. Осталась она только что вот на этой картине Петрова-Водкина.

Но есть одна любопытная деталь. Картина-то была написана в 1912 году. То есть не только до Революции, но и до начала первой мировой войны. И художник и в мыслях не держал делать какие-то намёки – предсказания. Да и вообще неизвестно, что он хотел сказать этим конём. И замысел у него изобразить его таким, каким мы его знаем, родился не сразу.

Вначале была задумка просто написать такую почти бытовую сцену. Как мальчики обнаженные купают своих коней. Наверное, такие же как и те, которые выводили их в ночное на Бежин луг. И цвет коня первоначально был гнедым. И у гнедого коня, прототипа красного, было имя. Вот как о нём пишет сам художник:

"В деревне была гнедая лошаденка, старая, разбитая на все ноги, но с хорошей мордой. И я начал писать купание вообще» Звали этого «росинанта» гнедого, не удивляйтесь, Мальчик

И у стройного юноши тоже было имя. Это был один из учеников художника, Сергей Калмыков. Кстати, именно этот Серёжа написал картину, изображавшей купание красных коней. Очень может быть, эта ученическая работа и вдохновила учителя на создание известного всем шедевра. И Сергей очень гордился этим фактом, благодаря которому он вошёл в историю живописи.

*****
Интересная деталь. Этот конь был написан в его родном Хвалынске. То есть тогда, когда Петров-Водкин стал уже зрелым художником, постигшим уже многое в истории мировой живописи. И у него уже есть выработанный свой собственный стиль. Узнаваемый стиль. А истоком рождения этого стиля была икона. Всё его приобщение к волшебной способности отображать и изображать мир окружающий на плоскости, свойственной только человеку, произошло благодаря двум иконописцам старообрядцам в детстве художника. Вот и конь красный тоже несёт на себе все признаки иконы. Это отсутствие линейной перспективы, это плоскостность изображения, это чистые, яркие не смешанные краски.

А надо сказать, что именно в это время стала происходить расчистка древних икон. Или раскрытие, как говорили тогда. То есть снятие с первоначальной живописи икон поздние поновления и особенно олифы, из-за которой икона темнела с годами. Именно в это время икона впервые перестала рассматриваться только как предмет культа, но ещё и как произведение искусства. Именно в это время была раскрыта знаменитая «Троица» Рублева. Открыли и восхитились, и поняли, каким живописным богатством обладала средневековая Россия.

Восхитились не только у нас. Вот и Матисс, приехавший к нам, тоже восхитился. И замечательно использовал в написание своих признанных шедевров технику иконописи. Потому то так и узнаваем его стиль среди прочих. И в ещё большей степени использовал её наш художник Петров-Водкин. Ему,как говориться, и Бог велел. С детства он приобщался к живописанию икон.

Мы во всём ищем символику. И особенно в живописи. А в иконе всё, что не есть на ней, всё есть символ. Икона – это ведь не портрет. И упомянутая Троица – это не портрет трёх ангелов, которых никто в глаза не видел, кроме разве что Авраама. Вот и в живописи Петрова-Водкина тоже ищут символы.

Конь красный. А почему? Как уже было сказано, картина была написана в 1912 года. То есть тогда, когда пролог революционный уже состоялся, но о продолжении пока никто и не говорил. Первая мировая война была на носу. Да и сам художник ни о чём таком даже и не думал. На мой взгляд, ответ надо искать в том истоке, с которого начал развиваться живописный талант художника. У него в подсознании накрепко засело отношение к цвету с детства, то есть, когда он усваивал уроки живописи у двух монахов – староверов.

А в иконографии каждый цвет – это символ. Так вот красный цвет на иконе – это символ мученичества и жертвенного подвига. Это символ страдания за веру. Поэтому великомученики на иконах облачены в красные одежды.

А мы помним, почему у классического пасхального яйца цвет должен быть красным? Давайте вспомним. Мария Магдалина узнала, что Христос воскрес. И с этой радостной вестью отправилась в Рим к императору Тиберию. Она принесла ему яйцо и сказала «Христос воскресе». А тот ей в ответ: «Не может человек воскреснуть, как не может белое яйцо стать красным.» И в этом момент яйцо и покраснело. Ну император и вынужден был ответить нам всем известными словами: «Воистину воскресе!» С тех пор и мы тоже по сию пору красим яйца в красный цвет, чаще всего не зная почему. А ведь этот цвет нам напоминает кровь Христа и его победе над смертью. Это цвет Воскресения и символ нашего возрождения в жизнь будущую.

И потом здесь нельзя не упомянуть о том, что красный цвет – это ещё и цвет той самой революции. И цвет флага, бывшим нашим государственным флагом долгие годы. Целой эпохи в нашей многовековой истории. А ещё ведь была Красная армия, которая была, как известно, «всех сильней». И это правда. А почему красный стал цветом революции?

У этой темы есть своя история. И по-настоящему всё началось во Франции. А по роду моей профессии эта страна мне ближе всего. Великая Французская революция 1789 год. Даже и не 1793 год – время пика кровавого её развития. Нет, это было самое её начало А именно день взятия Бастилии. 14 июля. Восставшие пошли на штурм с красным знаменем с этой фразой, начертанной на нём: «Военное положение объявлено вооруженным народом»

Красный цвет с тех пор стал символом санкюлотов и якобинцев. Они носили красные шапочки и шарфы. И это неизбежно. Потому как у каждого движения должно быть знамя, имеющее свой цвет. И таким образом символом революции стал красный цвет.

В 1791 году огромная революционная толпа берёт штурмом королевский дворец Тюильри. И после штурма нашли белую королевскую хоругвь, всю пропитанною красной кровью. И так вот белое и красное стали кодами революции и контрреволюции.

А вот со времени Парижской Коммуны (1871 год), заметьте опять-таки во Франции, красный цвет стал цветом международного движения пролетариата. А потом красное знамя появляется и в России. Оно становится партийным знаменем РСДРП. Не забудем при этом, как во время Февральской революции депутаты и даже некоторые члены императорской фамилии тоже цепляли на свои сюртуки и фраки красные бантики. Ну как же, потому как революция!

Вот такая история. В глазах русских революционеров, как ни странно, точно так же как и на иконе, красный цвет – это символ крови, жертвенной крови, пролитой во имя высокой идеи или веры (а это одно и тоже. Это символ страдания, мужества и справедливости.

Искусствоведы и тех времён. утверждали, что "Купание красного коня" это предчувствие первой мировой войны. Петров-Водкин так с иронией говорил: "Когда разразилась война, то наши многоумные искусствоведы заявили: “Вот что значило "Купание красного коня"”, а когда произошла революция, поэты наши написали:“Вот что значило "Купание красного коня" – это праздник революции”

А некоторые связывали это совсем с другим. Этот живописный конь, утверждали они, и изящный юноша на нем - это просто символ судьбы, это начало жизни, наполненной романтикой и радужными ожиданиями.

А что же имел в виду Петров - Водкин, написав это знаменитое полотно. А я думаю всё то, что было выше перечислено, касательно жертвенной крови Христа, первых христиан – великомучеников и в равной степени и первых революционеров, которые умирали тоже во имя высоких идей. И романтическое состояние души юного всадника тоже. Выбирайте, что хотите.

Хотя может быть это и не так. Может быть, вовсе он ни о чём и не думал. Просто этот конь явился из глубокого подсознания, как предчувствие грядущих судьбоносных событий, ещё не открывшихся ему. Вот как он сам выразился по этому поводу, когда началась Первая мировая война,: «Так вот почему я написал «Купание красного коня»!» А когда началась та самая революция, он уже сказал другое. Нетрудно догадаться, что.

*****
Ещё раз повторю. Петров-Водкин, не смотря на своё простейшее происхождение, был очень образованным человеком. И прежде всего в области живописи. Это вам не художник самоучка, типа примитивистов Пиросмани или Анри Руссо таможенника. Они мне оба очень нравятся, но в искусстве живописи они не ушли далеко от детского рисунка. В чем собственно и состояла их главная ценность и прелесть. Но вот этого как раз совсем нельзя сказать о нашем Петрове-Водкине. Вот что он сам пишет по этому поводу. «За полтора с лишним десятка лет мне пришлось переиспытать на моей спине всяких учительских сноровок – и русских, и западноевропейских».

И остался при этом самим собой, создав свой собственный стиль. Неподражаемый и легко узнаваемый. Он не примкнул к новомодному в те времена импрессионизму. Он был бесконечно далёк от кубизма. И все прочие извращенцы от живописи со всеми их футуристическими экспериментами ему были абсолютно чужды. Да он, кажется, ни к какому течению не примкнул.

И при всём при том Бенуа обозвал его «деревенщиной», намекая на его провинциальное происхождение. Ну конечно. Куда там ему до Бенуа – такого рафинированного аристократа, чьё творчество в основном было сосредоточенно на описании Версаля времён Людовика четырнадцатого. Правда, в отличие от Петрова-Водкина он художественного образования не получил. И академиев не кончал. Он учился на юридическом факультете. А вот в живописи -настоящий самоучка. Но зато стал теоретиком искусств. Писал книги об искусстве. Ну совсем как профессор из пьесы «Дядя Ваня»

Но совсем забавное было не в этом. Александр Бенуа был ведь ещё основателем и главным идеологом объединения «Мир искусств» Так вот картина «Купание красного коня» была впервые показана на выставке этого объединения. И картина висела не в общем зале. Нет! Эта картина «деревеньщины» Петрова – Водкина висела над входом. Она стала как бы знаменем всего выставленного. И все разговоры были только о ней.

*****
В России в начале века на смену передвижникам пришла новая волна живописцев. Было среди них не мало интересных и самобытных, прославивших нашу страну. Из всех прочих говорят и упоминают прежде всего троих. Кандинского, Малевича и Петрова-Водкина.

Первые два опять-таки в отличие от Петрова Водкина тоже систематического и глубокого образования в живописи не получили. Однако ж оба стали основателями новых художественных направлений. Кандинский – абстракционизм. Малевич - мало понятный для многих супрематизма. По правде сказать, их трудно назвать русскими художниками. Да и сами они себя таковыми не считали. Один – немец, другой - поляк. А вот Кузьма Петров-Водкин был русским художником и по имени, и по сути, и по духу. Каждая его картина – воплощение национального русского мироощущения.

Малевич только и известен всем, как создатель «Чёрного квадрата». Это его такой бренд. Это такая его марка, чуть не сказал торговая. Потому как нашлёпали этих квадратов просто несметное количество. А сколько статей и книг! И все гадают и гадают. Что есть такого таинственного и неразгаданного в этом «квадрате"?

А мысль его, простыми словами, была такая. Человечество в области живописи уже всё сказало. Попробовали уже всё. Наплодили измов просто невозможно сколько. И сказать уже больше и нечего. В многотрудных поисках нового все мировые художники дошли вот до этой чёрной дыры. То есть до квадрата черного, который вместил в себя всё. Как и вообще черный свет, который вмещает в себя всё радужное разнообразие. И стал квадрат заключительной точкой в желании человеком отобразить видимый и невидимый мир. Точка. Квадрат. И безнадёга, чтобы не сказать больше.

Слава тебе, Господи, что не ведает ничего об этом пятилетний ребёнок, который берёт впервые в руки цветные карандаши и пытается ими воспроизвести мир, окружающий его. А вместе с ним и свои ощущения, и мысли. Ну вот как это делал великий художник Петров-Водкин. И земной поклон ему за это.

P.S. У этой картины очень не простая история. Два года спустя после написания она была отобрана для «Балтийской выставке» в Швеции. Там художнику, несмотря на провокационный цвет коня, король страны вручил медаль и грамоту. А потом случилась война, а потом февральская смута и революция в России. А потом ещё и гражданская война. Словом было не до картины. Она так и осталась в Швеции. Вернулись к этому вопросу только после второй мировой. В 1950 г. Попросили вернуть. И вернули картину нам. Да и как не вернуть державе, сокрушившей Гитлера.

Вернули, правда, вдове художника. А она, непонятно почему, вверила картину одной собирательнице московской Басевич. Может быть и продала. Ну а та в свою очередь в 1961 году преподнесла шедевр в дар в Третьяковскую галерея. А я так думаю, попробовала бы она не преподнести картину, которая уже рассматривалась как народное достояние, которое никак не могло принадлежать частному лицу. Это вам не наше время, при котором Ваксерберг выкупил в США пасхальный яйца Фаберже и оставил их у себя. Всемирно известные шедевры ювелирного искусства теперь его частная собственность. А частная собственность – это святое.

Высшее достоинство художника: его способность - пусть даже неосознанно, но просто сердцем чувствуя остроту противоречий своего времени, - в образной форме предвосхитить грядущие общественные потрясения и перемены. Именно это и сумел сделать в 1912 году, за пять лет до революции, Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878-1939), написав свою знаменитую картину «Купание красного коня».

Это полотно стало восприниматься как символ перемен ещё до революции - ещё тогда, когда в 1914 году вспыхнула Первая мировая война. «Так вот почему я написал своего “Красного коня”!» - воскликнул тогда художник. Огненно-красный конь на фоне вихрящейся водной стихии выглядит, будто огненный смерч, готовый пройтись по стране, по планете, разрушая старый миропорядок. Однако красный цвет для Кузьмы Петрова-Водкина - отнюдь не цвет разрушения и крови, для него это цвет тепла и любви, цвет жизни и жизненной энергии. В русском языке слово «красный» издревле служило синонимом прилагательного «красивый»; вспомним-ка: «красный - пре красный», «Красная площадь», «красна девица» и «красный молодец» и т. д. Более того, в системе художественных представлений К. Петрова-Водкина каждая нация, каждая национальная культура имеет свой цвет, и как раз красный цвет, «дополняющий зелень полей» , - это для художника цвет России .

Красные кони часто встречаются на старинных русских иконах. К. С. Петров-Водкин испытал сильнейшее влияние иконописи - ещё в отрочестве он учился у мастеров-иконописцев. Да он и сам немало поработал в религиозном жанре - им, в частности, были выполнены росписи в Морском соборе в Кронштадте и в церкви в украинском городе Овруч, росписи и витражи Троицкого собора в Сумах. Причём были случаи, когда церковники отвергали его искусство как «слишком модерновое».

Даже в 1938 году художник продолжал публично отстаивать совершенно крамольную на то время точку зрения, что «раз у русского нет влияния иконы, то значит это не русский и не живописец» . Так что всадник на красном коне, крепко натянувший поводья, у него выступает фигурой сакральной, а поскольку всадник - юноша (Петров-Водкин, кстати, выписал его со своего кузена), да вдобавок юноша обнажённый, то он и воспринимается как символ нового времени, нового мира, как символ «красного» очищения и полного обновления всего мироустройства.

Символизм усилило то обстоятельство, что на выставке объединения «Мир искусства» картина Петрова-Водкина не просто экспонировалась, но была помещена над входной дверью, став своего рода знаменем, художественным манифестом.

«Красный конь», между прочим, произвёл глубокое впечатление на совсем ещё юного Сергея Есенина. В 1919-м он напишет в стихотворении «Пантократор» («Вседержитель», «Властелин мира» - православный иконографический образ):

Сойди, явись нам, красный конь!
Впрягись в земли оглобли.
Нам горьким стало молоко
Под этой ветхой кровлей.

Мы радугу тебе - дугой,
Полярный круг - на сбрую.
О, вывези наш шар земной
На колею иную.

Хвостом земле ты прицепись,
С зари отчалься гривой.
За эти тучи, эту высь
Скачи к стране счастливой.

Таким образом, и у С. Есенина красный конь выступает символом надежды и революционного очищения своей страны - России и всего мира, «земного шара».

У картины непростая судьба. В 1914 она оправилась на выставку в Швецию, в Мальмё и задержалась там на долгих 36 лет. Полотно не вернули из-за начавшейся войны, а затем и революции. После уже Второй мировой войны шведы вступили в переговоры со вдовой мастера, предлагая ей за шедевр большие деньги, но вдова от денег отказалась, настояв на возвращении полотна на родину. Это произошло в 1950 году, а в 1961-м - через частное собрание - «Конь» поступил в «Третьяковку».

Тогда же, в 1960-е годы, художник был открыт заново. До этого он на какое-то время был предан забвению, забыт. Это удивительно, но во 2-м издании Большой Советской Энциклопедии о заслуженном художнике РСФСР Петрове-Водкине даже нет статьи! Видимо, не вписывался он в догматизированные каноны искусства…

На смене эпох и стилей

5 ноября у Петрова-Водкина день рождения; правда, дата не юбилейная. Он родился 5 ноября (по новому стилю) 1878 года в городе Хвалынск на Волге (ныне - в Саратовской области) в семье сапожника. В автобиографической повести название родного городка у него звучит как «Хлыновск» - и звучит оно просто-таки как имя нарицательное, как символ глухой провинциальности, хотя в действительности Петров-Водкин очень любил свой город, утопавший в яблоневых садах, с теплотой он вспоминал своё детство, своих близких. Впоследствии, став известным художником, он постоянно приезжал домой из столицы пожить летом.

Юноша вполне мог и не стать художником, да помог случай: Кузьма провалил вступительный экзамен в Саратовское железнодорожное училище и оттого оказался - а к рисованию он талант проявлял с детства - в местной художественной школе.

К. Петров-Водкин долго учился живописному мастерству, впитывая в самых разных местах, в т. ч. и за границей (Мюнхен, Париж), самые разные стили и веяния, а уж в Московском училище живописи, ваяния и зодчества его учителями, между прочим, были Валентин Александрович Серов и Исаак Ильич Левитан. Там же он встретил и друга на всю свою жизнь: армянского художника Мартироса Сарьяна.

К слову, целый ряд работ Петрова-Водкина - несколько его натюрмортов и довольно странный портрет В. И. Ленина, на котором вождь не слишком похож на себя и почему-то читает именно стихи Пушкина, - находится ныне в Национальной галерее Армении в Ереване. Имеются его произведения также в Одессе и Таллинне.

Вступление Петрова-Водкина в творческую жизнь совпало с началом XX века - века потрясений и революций. Любопытно, как воспринимал молодой человек приход столь магически звучащей даты - 1900 года (хотя, строго-то говоря, век начинает не «нулевой», а «01-й» год): «Двадцатый век наступил не просто. …два нуля многообещающе расчистили путь идущему электромагнитному веку с летательными машинами, стальными рыбами и прекрасными, как чёртово наваждение, дредноутами» . «Электромагнитным» он новый век назвал неслучайно: Кузьма Сергеевич увлекался естествознанием. А ещё он отлично играл на скрипке.

Ну, а уж писательский-то талант художника заслужил самых высоких оценок. Перу Петрова-Водкина принадлежат две автобиографические повести («Хлыновск» и «Пространство Эвклида»), в которых маэстро также излагает свою собственную художественно-эстетическую доктрину, и ещё очерк «Самаркандия» о путешествии в Среднюю Азию в 1921 году. В молодости он даже писал пьесы, которые ставились в театре. В то время он ещё раздумывал: в художники ему податься или в писатели?

Прежде чем выработать собственный неповторимый стиль, К. Петров-Водкин прошёл через увлечение разными направлениями: от символизма до модерна. Он занимает особое место в истории русского советского искусство: место «мостика», связавшего - и продолжившего! - традиции русского «серебряного века» (Петров-Водкин являлся одним из «мирискуссников») с новым искусством, через какое-то время выкристаллизовавшимся в жёсткую художественную систему соцреализма.

Многие русские художники восприняли революцию 1917 года с увлечением и энтузиазмом. Некоторые позже разочаровались, уехали за границу. Но «поработали на революцию», связывая с ней свои надежды, практически все, включая, например, В. Кандинского и К. Малевича. Революция породила огромное множество стилей и направлений - авангардистских и реалистических, каждое из которых по-своему пыталось выразить в художественных образах суть происходящего. Зачастую эти искания «уводили не в ту степь» - от реалистического отображения мира, но их невозможно понять, не принимая во внимание духовно-политическую атмосферу того времени. Свои искания были и у нашего героя - в частности, его оригинальная «сферическая перспектива», придававшая изображению особенную «глобальность».

«Фотограф» революции

События и быт революционных лет К. С. Петров-Водкин фиксирует на своих картинах с просто-таки документальной точностью. Чего стоит хотя бы его «1918 год в Петрограде» («Петроградская мадонна»), фон которой образуют полупустые улицы, разбитые стёкла окон домов, тревога и озабоченность в настроениях людей! Но этой разрухе художник противопоставляет образ кормящей женщины, «мадонны», которая даёт начало новой жизни, защищая её от голода и невзгод. Образ женщины-матери проходит красной нитью через всё творчество Петрова-Водкина, однако если прежде он писал лишь крестьянок, то на этот раз его «мадонна» - пролетарка, работница.

Поразительный, не имеющий аналогов натюрморт Кузьмы Петрова-Водкина, написанный им в 1918 году: «Селёдка». Он предельно аскетичен: красная скатерть (опять красная!), четвертушка-пайка хлеба (хлебушек тогда не резали - чтобы он «не растерялся на крошки»), две картофелины и главная «героиня» картины - тощая рыбина. Обычная еда того голодного времени. Натюрморт становится памятником селёдке, на которой держались жители Питера и Москвы, которую выменивали на дрова и все необходимые в быту вещи, из которой готовили котлеты и даже десерты!

Петров-Водкин объективен и непредвзят. В картине 1926 года «Рабочие» он изображает победивший пролетариат в весьма неприглядном виде, и за эту работу с радостью хватаются буржуазные искусствоведы. В одной из популярных биографий [Серия «Великие художники». Том 66: Кузьма Петров-Водкин. - К.: «Комсомольская правда - Украина», 2011] мы читаем следующие строки, исполненные ненависти и презрения к рабочему классу - творцу материальных благ: «Они [рабочие - К. Д. ] производят впечатление каких-то хищных бездуховных механистических натур. Это читается во взглядах, в жестах рук. Их разговор (или спор) явно о чём-то приземлённом. …пролетарий как типаж предстаёт… личностью деградировавшей: лица рабочих на картине совершенно лишены духовности, жёсткий взгляд, свидетельствующий о навязчивой - явно меркантильной - идее, корыстный жест… Полотно не воспевает рабочего, а обличает его бездуховность. Хотя по форме перед нами тот самый социалистический реализм, апологетом которого в определённый момент был признан Петров-Водкин, по сути это обличительный документ - неприятие художником “гегемона” слишком очевидно» [с. 39].

У нас нет оснований сомневаться в том, что Петров-Водкин запечатлел то, что видел, изобразив, так сказать, «рабочий класс без прикрас». Известно, что в 1920-е годы большевики столкнулись с очень неприятным явлением: рабочие Петрограда, получив 8-часовой рабочий день, использовали расширившееся свободное время для игры в карты, пьянства и подобных непотребных занятий. Пришлось принимать меры по повышению культурного уровня пролетариев: пропагандировать среди них чтение, водить «гегемонов» в театры и музеи. Боюсь, что и картины быта и досуга, портреты сегодняшних пролетариев, в особенности - всякого рода гастарбайтеров, вкалывающих на стройках и в коммунальном хозяйстве, способны привести в шок и полное уныние рафинированно-интеллигентных «пролетарских революционеров».

Сам капиталистический строй - как это показал и Карл Маркс в «Капитале» (особенно в третьем и четвёртом отделах книги первой) - само уродующее человека разделение труда, механистический труд придатка к бездушной машине, тупая работа по 12 и более часов в день - всё это и ведёт к деградации личности, к превращению людей в «хищных бездуховных механистических натур». Надо отдавать себе отчёт в том, что взятие власти пролетариатом - это только первый шаг к его освобождению, это лишь начало пути по воспитанию из него новой, гармонично развитой личности.

Беспочвенны попытки приписать Петрову-Водкину «обличение и неприятие победившего пролетариата», как и смешно звучит утверждение, будто его картина «Новоселье (Рабочий Петроград)» (1937) - это сатира на быт советских людей. Конечно, для сегодняшней буржуазно-интеллигентствующей и просто мещанско-мелкобуржуазной публики, привыкшей к «евроремонтам» и всяческим хамонам на столах, быт тогдашних рабочих представляется убогим, а сами эмоции людей на картине, выраженные в жестах и мимике, - «по-совковому» примитивными. Однако надо понимать, что для простых работных людей переезд из подвалов и бараков в благоустроенную квартиру, отобранную у «бывших», являлся праздником. И этот праздник - как надежду на будущую светлую жизнь - запечатлел Петров-Водкин.

Картина

История создания

В 1912 году Петров-Водкин жил на юге России , в имении близ Камышина . Существует мнение, что картина была написана в селе Гусевка . Именно тогда им были сделаны первые наброски для картины. А также написан первый, несохранившийся вариант полотна, известный по чёрно-белой фотографии. Картина представляла собой произведение скорее бытовое, чем символическое, как это произошло со вторым вариантом, на ней были изображены просто несколько мальчиков с конями. Этот первый вариант был уничтожен автором, вероятно, вскоре после его возвращения в Петербург .

Коня Петров-Водкин писал с реального жеребца по имени Мальчик, обитавшего в имении. Для создания образа подростка, сидящего на нём верхом, художник использовал черты своего племянника Шуры.

Описание полотна

На большом, почти квадратном полотне, изображено озеро холодных синеватых оттенков, которое служит фоном смысловой доминанте произведения - коню и всаднику. Фигура красного жеребца занимает весь передний план картины практически полностью. Он дан так крупно, что его уши, круп и ноги ниже колен обрезаются рамой картины. Насыщенный алый цвет животного кажется ещё ярче по сравнению с прохладным цветом пейзажа и светлым телом мальчика.

От передней ноги коня, вступающего в воду, разбегаются волны чуть зеленоватого, по сравнению с остальной поверхностью озера, оттенка. Всё полотно является прекрасной иллюстрацией столь излюбленной Петровым-Водкиным сферической перспективы : озеро круглое, что подчеркивается фрагментом берега в верхнем правом углу, оптическое восприятие чуть искажено.

Всего на картине изображено три коня и три мальчика - один на первом плане верхом на красном коне, два других позади него с левой и правой стороны. Один ведёт под уздцы белую лошадь, другой, видный со спины, верхом на оранжевой, уезжает в глубь картины. Эти три группы образуют динамическую кривую, подчёркнутую одинаковым изгибом передней ноги красного коня, таким же изгибом ноги мальчика-всадника и рисунком волн.

Влияние иконописи

Считается, что изначально конь был гнедым, и что цвет его мастер изменил, познакомившись с колористической гаммой новгородских икон, которой был потрясён.

Собирательство и расчистка икон в 1912 году переживали свой расцвет.

Картина с самого начала вызывала многочисленные споры, в которых неизменно упоминалось, что таких коней не бывает. Однако, художник утверждал, что этот цвет он перенял у древнерусских иконописцев: например на иконе «Чудо архангела Михаила» конь изображён совершенно красным. Как и на иконах, на этой картине не отмечается смешения красок, краски контрастны и как бы сталкиваются в противоборстве.

Влияние авангарда

Восприятие современников

Картина настолько поражала современников своей монументальностью и судьбоносностью, что нашла отражение в творчестве многих мастеров кисти и слова. Так у Сергея Есенина родились строчки:

Красный конь выступает в роли Судьбы России, которую не в силах удержать хрупкий и юный седок. По другой версии, Красный конь и есть сама Россия, отождествляемая с

стала этапной для художника и принесла ему мировую известность. В 1912 году Петров-Водкин жил на юге России , в имении близ Камышина . Существует мнение, что картина была написана в селе Гусевка

Именно тогда им были сделаны первые наброски для картины. А также написан первый, несохранившийся вариант полотна, известный по чёрно-белой фотографии. Картина представляла собой произведение скорее бытовое, чем символическое, как это произошло со вторым вариантом, на ней были изображены просто несколько мальчиков с конями. Этот первый вариант был уничтожен автором, вероятно, вскоре после его возвращения в Петербург . Коня Петров-Водкин писал с реального жеребца по имени Мальчик, обитавшего в имении.

Для создания образа подростка, сидящего на коне верхом, художник использовал черты своего ученика, очень красивого юноши, художника Сергея Калмыкова : «К сведению будущих составителей моей монографии. На красном коне наш милейший Кузьма Сергеевич изобразил меня. ...В образе томного юноши на этом знамени изображен я собственной персоной.» Сергей Калмыков с 1910 года учился у К. С. Петрова-Водкина. В 1911 году он написал живописную работу с изображением красных коней, купающихся в воде; возможно, что именно эта ученическая работа вдохновила Петрова-Водкина на создание собственной работы на эту же тему.

Сама по себе тема купания коней была всегда очень популярна в русской живописи.

На большом почти квадратном полотне изображено озеро холодных синеватых оттенков, которое служит фоном смысловой доминанте произведения — коню и всаднику. Фигура красного жеребца занимает весь передний план картины практически полностью. Он дан так крупно, что его уши, круп и ноги ниже колен обрезаются рамой картины. Насыщенный алый цвет животного кажется ещё ярче по сравнению с прохладным цветом пейзажа и светлым телом мальчика.

От передней ноги коня, вступающего в воду, разбегаются волны чуть зеленоватого, по сравнению с остальной поверхностью озера, оттенка. Всё полотно является прекрасной иллюстрацией столь излюбленной Петровым-Водкиным сферической перспективы : озеро круглое, что подчеркивается фрагментом берега в верхнем правом углу, оптическое восприятие чуть искажено.

Всего на картине изображено три коня и три мальчика — один на первом плане верхом на красном коне, два других позади него с левой и правой стороны. Один ведёт под уздцы белую лошадь, другой, видный со спины, верхом на оранжевой, уезжает в глубь картины. Эти три группы образуют динамическую кривую, подчёркнутую одинаковым изгибом передней ноги красного коня, таким же изгибом ноги мальчика-всадника и рисунком волн.

Влияние иконописи

Есть предположение, что изначально конь был написан гнедым, и что цвет его мастер изменил, познакомившись с колористической гаммой новгородских икон, которые он высоко ценил.

Собирательство и расчистка икон в 1912 году переживали свой расцвет.

Картина с самого начала вызывала многочисленные споры, в которых неизменно упоминалось, что таких коней не бывает. Однако, художник утверждал, что этот цвет он перенял у древнерусских иконописцев: например, на иконе «Чудо архангела Михаила» конь изображён совершенно красным. Как и на иконах, на этой картине не отмечается смешения красок, краски контрастны и как бы сталкиваются в противоборстве.

.

Картина сильно поразила современников своей монументальностью и судьбоносностью. Она нашла отражение в творчестве многих мастеров кисти и слова. Так у Сергея Есенина родились строчки:

Красный конь выступает в роли Судьбы России, которую не в силах удержать хрупкий и юный седок. По другой версии, Красный конь и есть сама Россия, отождествляемая с Блоковской «степной кобылицей». В этом случае нельзя не отметить провидческий дар художника, символически предсказавшего своей картиной «красную» судьбу России XX века .

Красный конь выступает в роли Судьбы России, которую не в силах удержать хрупкий и юный седок. По другой версии, Красный конь и есть сама Россия, отождествляемая с «степной кобылицей». В этом случае нельзя не отметить провидческий дар художника, символически предсказавшего своей картиной «красную» судьбу России .

Для меня интерес представила еще одна статья на этукартину:

Источник: ЖурналВокругСвета

Богемная троица

9 любопытных фактов о картине "Купание красного коня"

Самая известная картина Кузьмы Петрова-Водкина, родившегося ровно 135 лет назад, не так проста, как это может показаться на первый взгляд. Образы богемы начала прошлого века сочетаются в ней с классическими приемами русской иконописи
Всадник на коне. Он напоминает традиционный для русской иконописи образ Георгия Победоносца — символ победы добра над злом. В то же время в облике наездника, внешне совсем не похожего на простого деревенского мальчишку, художник показал типичные утонченные черты петербургской богемы начала века, далекой от народа.
Красный конь. Окрашивая коня в необычный цвет, Петров-Водкин использует традиции русской иконописи, где красный является символом величия жизни, а иногда обозначает жертву. Неукротимый конь часто присутствует и в литературе как образ могучей стихии родной земли и непостижимого русского духа: это и «птица-тройка» у Гоголя, и летящая «степная кобылица» у Блока.
Розовый берег. Яркий розовый цвет ассоциируется с цветущими деревьями — образом райского сада.
Водоем. На картине не конкретное место у какого-то реального водоема, а пространство Вселенной. Синезеленые краски соединяют мир земной и мир небесный. Зеленый цвет — напоминание о цветущей, вечно продолжающейся жизни, а отраженное в водоеме синее небо — отсыл к помыслам о мире высшем.
Фигуры купальщиков. Петров-Водкин никогда не изображает мимолетного движения. Во всех его работах действие словно замедляется, фигуры приобретают ритуальную неподвижность. Кроме того, тела мальчиков лишены и намека на индивидуальность. Это юноши «вообще», во всей красоте пластического совершенства. Они совершают плавный хоровод в вечном круговороте дней.

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин

1878 — Родился в Хвалынске Саратовской губернии в семье сапожника.
1901-1908 — Занимался в художественных школах Антона Ажбе в Мюнхене и Филиппо Коларосси в Париже.
1904 — Окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества.
1910 — Стал членом объединения «Мир искусства».
1913 — Работал как график и театральный художник.
1918-1930-е — Участвовал в художественной жизни советской России, преподавал в Академии художеств.
Начало 1930-х — Написал автобиографические книги «Хлыновск» и «Пространство Эвклида» с изложением «науки видеть».
1939 — Скончался в Ленинграде.

Не бытовая картина

Художник начал работу над полотном весной 1912 года. Предварительные рисунки не содержали и намека на символический подтекст — Петров-Водкин предполагал изобразить бытовую сцену: «В деревне была гнедая лошаденка, старая, разбитая на все ноги, но с хорошей мордой. Я начал писать вообще купание. У меня было три варианта. В процессе работы я предъявлял все больше и больше требований чисто живописного значения, которые уравняли бы форму и содержание и дали бы картине социальную значимость».

Кто этот юноша
Впрочем, осенью 1911 года Петрову-Водкину показывал свою работу ученик Сергей Колмыков. Она называлась «Купание красных коней»: в воде плескались желтоватого цвета люди и рыжие лошади. Кузьма Сергеевич охарактеризовал ее весьма жестко: «Написана точно молодым японцем». Повлияла ли работа ученика на Петрова-Водкина и в какой момент деревенская лошадь превратилась в чудо-коня, неизвестно.

Однако известно, что позже Колмыков писал в дневниках: «На этом красном коне наш милейший Кузьма Сергеевич изобразил меня. Только ноги коротки от бедра. У меня в жизни длиннее». Есть и еще два претендента на роль прототипа всадника. Летом 1912 года Петров-Водкин писал двоюродному брату Александру Трофимову: «Картину пишу: посадил тебя на лошадь...» Существует и мнение, что художнику позировал Владимир Набоков (так считает Александр Семочкин, бывший директор музея писателя в Рождествено). Кто из трех претендентов отображен на финальной версии картины, неизвестно. Художник мог вспоминать обо всех мальчиках, создавая символический образ юного всадника.

Долгая дорога к пониманию

Публика впервые увидела «Купание красного коня» в 1912-м на выставке объединения «Мир искусства». Картина висела над дверью зала. Известный критик 1910-х годов Всеволод Дмитриев, печатавший рецензии в «Аполлоне», едва ли не самом знаменитом журнале того времени, назвал ее «высоко поднятым знаменем, вокруг которого можно сплотиться». Однако последователей у Петрова-Водкина не нашлось: слишком странной и недосягаемой была его манера. В советские годы картину трактовали как предчувствие наступления революционных пожаров в России. Художник считал иначе. Когда началась Первая мировая война, Петров-Водкин сказал: «Так вот почему я написал «Купание красного коня»!»