Цели: познакомить с изображением человека в искусстве разных эпох, с историей возникновения портрета; развивать понимание того, что в портретном изображении должен выражаться характер человека, его внутренний мир; формировать умение находить красоту человека, прекрасное во внутреннем и внешнем облике человека; активизировать познавательный интерес к окружающему миру и интерес к процессу обучения.
Оборудование: репродукции картин с изображением портретов разных эпох; репродукции картины Леонардо да Винчи «Джоконда», Рокотов «Портрет Струйской» и другие.
Словарь: портрет.
Ход урока.
1. Организационный момент.
2. Введение в урок.
Послушайте стихотворение Заболоцкого, подберите к нему название, а потом посмотрим, соответствует ли ваш вариант тому названию, которое дал ему автор.
Портрет
Любите живопись, поэты!
Лишь ей, единственной, дано
Души изменчивой приметы
Переносить на полотно.
Ты помнишь, как из тьмы былого,
Едва закутана в атлас.
С портрета Рокотова снова
Смотрела Струйская на нас?
Её глаза - как два тумана,
Полуулыбка, полуплач,
Её глаза - как два обмана,
Покрытых мглою неудач.
Соединенье двух загадок,
Полувосторг, полуиспуг,
Безумной нежности припадок,
Предвосхищенье смертных мук.
Когда потёмки наступают
И приближается гроза,
Со дна души моей мерцают
Её прекрасные глаза.
Назовите тему урока.
1. Сообщение нового материала.
Послушайте текст.
Интервью французского писателя, драматурга и сценариста:
Здравствуйте, профессор. Могу я задать вам вопрос?
Прошу вас.
Когда мой сын - ему семнадцать с половинной лет - говорит о какой-нибудь девушке, он добавляет: «Вот это класс»
Значит, он считает её очень красивой.
Это понятно. Но связано ли это выражение с понятием классических канонов красоты?
О, не думаю. Видите ли, каноны красоты - это, скорее, совокупность правил, норм, пропорций. По-моему, всё началось со статуи Поликлета «Дорифор» и его теоретического труда под названием «Канон». А в устах вашего сына слово «класс» означает нечто ошеломляющее.
Значит, если я правильно понимаю, классические каноны красоты всё-таки существуют?
Да, но они изменчивы. То, что было прекрасно с точки зрения греков, вовсе не привлекало индусов и наоборот. В Древней Индии самым большим комплиментом для женщин считалось, когда ей говорили, что её бедра как у слона. Сегодня такое сравнение навряд ли кому-нибудь понравится. В Японии в одиннадцатом веке, в эпоху Хэйана, среди аристократок считалось хорошим тоном красить зубы в черный цвет.
Африканцы особыми ухищрениями вытягивали себе шеи.
А индийцы бассейна Амазонки непомерно оттягивали нижнюю губу. Красота… никто толком не знает, что это такое.
Что для каждого из нас значит красота?
Сегодня мы будем учиться портретному искусству. Какие бывают портреты, какие бывают лица? Все ли они красивы? Послушайте, как об этом говорит поэт Заболоцкий:
О красоте человеческих лиц
Есть лица, подобные пышным порталам,
Где всюду великое чудится в малом.
Есть лица - подобия жалких лачуг,
Где варится печень и мокнет сычуг.
Иные холодные, мёртвые лица
Закрыты решетками, словно темница.
Другие - как башни, в которых давно
Никто не живет и не смотрит в окно.
Но малую хижину знал я когда-то,
Была неказиста она, небогата.
Зато из окошка её на меня
Струилось дыханье весеннего дня.
Поистине мир и велик и чудесен!
Есть лица - подобья ликующих песен.
Из этих, как солнце, сияющих нот
Составлена песня небесных высот.
Из истории возникновения портрета.
Портретный жанр возник раньше других - известны скульптурные египетские портреты многовековой давности.
ПОРТРЕТ (фр. - изображение) - жанр изобразительного искусства с изображением человека или группы людей.
Основное требование, предъявляемое ко всякому портрету, - передача индивидуального сходства.
Виды портретов по количеству изображенных.
монопортрет - изображение одного человека;
парный портрет - изображение двух человек;
групповой портрет - изображение более двух человек.
Первые портреты были созданы египтянами. Они выполняли религиозно магическую функцию: душа умершего должна была покинуть тело, а затем вернуться после судилища богов к мумии своего владельца и поселиться в нём навечно. Необходимо было соблюдать и портретное сходство, чтобы душа могла отыскать то тело, из которогоона вылетела. Одним из известных портретов того времени является портрет Нефертити (около 1360 года до нашей эры).
Традиция возвеличивания выдающихся людей была распространена и в Древней Греции, где в период классики создавались идеализированные скульптурные портреты поэтов, философов, общественных деятелей. Авторы стремились подчеркнуть круг занятий портретуемого, его общественную функцию, но не заботясь о сохранении индивидуальных черт. (пример портрета)
Для римского портрета характерно пристальное внимание изображению индивидуальных черт. (пример портрета)
Средневековье стало периодом, когда в портрете внимание больше уделялось фону, одежде портретуемого. (пример портрета)
Эстетика Возрождения определила специфику портрета: человек являлся высшим началом и центром земного бытия. Реальные персонажи приравнивались к мифологическим. (пример портрета)
Мастера высокого Возрождения - Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан - не просто создали образы современников, но и отразили целый мир чувств, переживаний, настроений. (пример портрета)
В сложные противоречивые отношения с окружающим миром вступают модели Рембрандта и Веласкеса (16-17 век), в портретах которых находят отражение лирическое и драматическое, светлое и печальное, веселое и трагическое. (пример портрета)
В России складывается своя школа портрета. Это прежде всего ПАРСУНА, в которой слиты примеры реалистической живописи и иконы. От парсуны чётко прослеживаются два направления - к провинциальному (изображение человека в обычной обстановке, в повседневной одежде и непринужденной позе) и парадному портретам (изображение человека в торжественной обстановке и величественной позе).
Рубеж 19 - 20 века, на первый взгляд, привел к отказу от создаваемых веками принципов портретной живописи: разрушались пропорции модели, вводились геометрические фигуры, акцент сводился к внутреннему миру переживаний человека, внешнее сходства оказывалось на втором плане (Интимный портрет).
Добрый день дорогие ребята!
Мы с Вами сегодня на уроке
познакомимся с изображением
человека в искусстве разных эпох, с
историей возникновения портрета.
Рассмотрим репродукции картин с
изображением портретов разных
эпох, репродукции картины Леонардо
да Винчи.
Души изменчивой приметы переносить на полотно.
Ты помнишь, как из тьмы былого, едва закутана в атлас.
С портрета Рокотова снова смотрела женщина на нас?
Её глаза – как два тумана, полуулыбка, полуплач,
Её глаза – как два обмана, покрытых мглою неудач.
Соединенье двух загадок, полувосторг, полуиспуг,
Безумной нежности припадок, предвосхищенье
смертных мук.
Когда потемки наступают и приближается гроза,
Со дна души моей мерцают её прекрасные глаза.Веками мыслители и художники пытались
найти всеобщие критерии красоты и
эстетической ценности, но все их поиски
были тщетны. Правда, в современном
мире эта проблема мало кого занимает.
Сегодня на смену непререкаемым
авторитетам пришел дух терпимости, и
никто больше не пытается свести все
многообразие форм к единому идеалу. В
современном мире считается, что красота
присутствует повсюду.Классические каноны красоты все-таки существуют.
Они изменчивы, то, что было прекрасным с точки
зрения греков, вовсе не привлекало индусов и
наоборот. В Древней Индии самым большим
комплиментом для женщины считалось, когда ей
говорили, что у нее бедра как у слона. В Японии в
одиннадцатом веке, в эпоху Хэйана, среди
аристократок считалось хорошим тоном красить зубы в
черный цвет. Африканцы особыми ухищрениями
вытягивали себе шеи. А индейцы бассейна Амазонки
непомерно оттягивали нижнюю губу. Никто толком не
знает, что это такое (например, в Индии) красота
женщины – это, прежде всего внутреннее содержание,
глубокая индивидуальность, пронизывающая всю
жизнь, ее драхма. Поэтому там редко говорят, что
женщина красива, пока ей не исполнится пятидесяти
лет.Есть лица подобные пышным порталам,
Где всюду великое чудится в малом.
Есть лица – подобие жалких лачуг,
Где вариться печень и мокнет сычуг.
Иные холодные, мертвые лица
Закрыты решетками, словно темница.
Другие – как башни в которых давно
Никто не живет и не смотрит в окно.
Была неказиста она, не богата.
Зато из окошка её на меня
Струилось дыханье весеннего дня.
Поистине мир и велик и чудесен!
Есть лица – подобья ликующих песен.
Из этих, как солнце, сияющих нот
Составлена песня небесных высот. /Николай Заболоцкий/
Рисунки учащихся МОУ «СОШ» № 9
Рисунки учащихся МОУ «СОШ»№9
Портрет – изображение человека или группы людей в произведениях живописи или скульптуры. Портрет является одним из основных жанров живоп
Портрет – изображение человека илигруппы людей в произведениях живописи
или скульптуры. Портрет является одним из
основных жанров живописи, скульптуры,
архитектуры.
Портреты бывают:
индивидуальные, двойные, групповые,
автопортрет
интимные, парадные, сатирические.
10. Искусство портрета зародилось несколько тысячелетий тому назад. Первые портреты были созданы египтянами. Они выполняли религиозно-магиче
Искусство портрета зародилось несколькотысячелетий тому назад. Первые портреты были
созданы египтянами. Они выполняли
религиозно-магическую функцию: душа
умершего должна была покинуть тело, а затем
вернуться после судилища богов к мумии своего
владельца и поселиться в нем вечно.
Необходимо было соблюдать портретное
сходство, чтобы душа могла отыскать то тело, из
которого она вылетела.
Огромные величественные изваяния создавались
в те времена, один из известных портретов,
портрет Неферттити (около1360года до нашей
эры).
11.
12.
Мастера высокого Возрождения –Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан не
просто создали образы современников,
Но и отразили целый мир чувств,
переживаний, настроений.
В сложные противоречия с окружающим
миром вступают модели Рембрандта и
Веласкеса (XVI-XVII века), в портретах
которых находят отражение лирическое
и драматическое, светлое и печальное,
веселое и трагическое.
13.
14.
Портрет в РоссииВ России складывается своя школа портрета,
отличающаяся жанровым разнообразием.
Что такое жанр?
-Парсуна – приемы реалистической живописи и
иконы.
-Парадный портрет характеризуется
постепенным уходом от требований заказчика к
отражению его как личности своего времени.
Большое количество портрет этого времени
можно увидеть в Иркутском музее Искусств.
В XX веке русский портрет отличается
жанровым и стилевым разнообразием.
15.
16.
Только из всего огромногоколичества портретов в мире
есть один о котором знает
практический каждый человек
на земле, но хранящий даже по
прошествии многих лет, свою
загадку.
Как Вы думаете, что это за
портрет?
17. Джоконда! это имя стало нарицательным.
Почему этот портрет Леонардо да Винчи до сихпор поражает людей? Почему загадку этой
картины пытается разгадать каждый, кто
посмотрит на портрет, но она так и остается
неразгаданной. Одни искусствоведы считают,
что это портрет жены художника, другие,
автопортрет, а кто то изображение
получеловеческого, полуземного существа.
18.
19.
Каждый художник должен уметь изображать человекав различных положениях, поворотах, движениях.
Человек – главный объект интереса и изображения у
художника.
В человека самое выразительное и это его облик, а
главное лицо. Поэтому изучение художником человека
традиционно начинается с рисования головы.
Конечно, некоторые любители, без всякой подготовки,
рисуя человека в профиль, добиваются некоторого
сходства, но такие изображения получаются плоскими
и мертвыми. Чтобы голова на рисунке была живой,
чтобы художник мог изобразить ее в любом наклоне и
повороте, он должен знать анатомию, чтобы ясно
знать, чем образуется любая форма, но при этом
должен последовательно изображать лицо, учитывая,
что изображение головы разное в зависимости от
возраста и пола и особенности строения черепа.
20.
У ребенка лицевая часть относительно мала,личико пухлое и гладкое, с годами лицо
удлиняется, четко определяются выступы
подбородка, у глазных впадин появляются
складки. В старческом возрасте костные
выступы еще более выделяются, мышцы
становятся дряхлыми, кожа морщинистой.
Кроме того, у каждого человека уши, нос,
глаза, губы имеют свои особенности. Но и
немаловажно за внешними чертами
угадывать характер человека, чувства,
мысли, переживания.
21.
Портрет- это художественныйобраз человека. В нем
должна ощущаться
конкретная личность с
присущими ей, и только ей,
особенностями внешности, и
нравственного облика
Почему в культуре и эстетике Возрождения присутствовала такая четкая ориентация на человека? С социологической точки зрения причиной независимости человека, его растущего самоутверждения стала городская культура. В городе более чем где-либо человек открывал достоинства нормальной, обычной жизни.
Это происходило потому, что горожане были более независимыми людьми, чем крестьяне. Первоначально города населяли подлинные умельцы, мастера, ведь они, покинув крестьянское хозяйство, рассчитывали прожить только своим ремесленным мастерством. Пополняли число городских жителей и люди предприимчивые. Реальные обстоятельства заставляли их полагаться только на самих себя, формировали новое отношение к жизни.
Мыслители-возрожденцы видели в античности то, что хотели. Поэтому совсем не случайно особой интеллектуальной разработке подвергся в эту эпоху неоплатонизм. А.Ф. Лосев блестяще показывает в своей книге «Эстетика Возрождения» причины особой распространенности этой философской концепции в эпоху итальянского Возрождения. Античный (собственно космологический) неоплатонизм не мог не привлечь внимание возрожденцев идеей эманации (исхождения) божественного смысла, идеей насыщенности мира (космоса) божественным смыслом, наконец, идеей Единого как максимально конкретного оформления жизни и бытия.
Бог становится ближе к человеку. Он мыслится пантеистически (бог слит с миром, он одухотворяет мир). Поэтому-то мир и влечет человека. Постижение человеком мира, наполненного божественной красотой, становится одной из главных мировоззренческих задач эпохи Возрождения.
Противоречивость культуры Возрождения: радость самоутверждения и трагизм мироощущения. Наличие этих двух перекрещивающихся тенденций (античность и модификация католицизма) определило противоречивость культуры и эстетики Возрождения. С одной стороны, человек Возрождения познал радость самоутверждения, с другой стороны, постиг всю трагичность своего существования. И одно, и другое связано в мироощущении человека Возрождения с Богом.
Истоки трагизма творчества художников Возрождения убедительно показаны русским философом Н. Бердяевым. Столкновение античных и христианских начал послужило причиной глубокого раздвоения человека, подчеркивал он. Великие художники Возрождения были одержимы прорывом в иной, трансцедентальный мир.
Мечта о нем была уже дана человеку Христом. Художники были ориентированы на создание иного бытия, ощущали в себе силы, подобные силам Творца; ставили перед собой по существу онтологические задачи. Однако эти задачи были заведомо невыполнимыми в земной жизни, в мире культуры. Художественное творчество, отличающееся не онтологической, но психологической природой, таких задач не решает и решить не может. Опора художников на достижения эпохи античности и их устремленность в высший мир, открытый Христом, не совпадают. Это и приводит к трагическому мироощущению, к возрожденческой тоске.
Культура итальянского возрождения дала миру целую плеяду блестящих деятелей, неизмеримо обогативших сокровищницу мировой культуры. Среди них необходимо назвать имена живописца Джотто ди Бондоне (1266-1337), скульптора Донателло Донато ди Николло ди Бетто Барди (1386-1466), живописца Мазаччо Томмазо ди Джованни ди Симоне Гвиди (1401-1428), живописца Сандро Боттичелли (1445-1510), живописца, ученого Леонардо да Винчи (1452-1519), живописца скульптора, архитектора Микеланджело Буонароти (1475-1564), живописца Джорджоне (1477-1510), живописца Тициано Вечеллио ли Кадоре (1477-1566), живописца Рафаэля Санти (1484-1520), живописца ЯкопоТинторетто (1518-1594) и многих других.
Среди видов художественной деятельности в немецком возрождении лидировала - как и в итальянском Возрождении - живопись. Первым в ряду великих мастеров этого периода должен быть назван Хиеронимус Босх. Его творчество подводит итог достижениям средневековой живописи и служит прологом Возрождения. В картинах Босха, написанных большей частью на религиозные сюжеты, поражает объединение мрачных средневековых фантазий и символов с элементами фольклора и точными реалистичными деталями. И даже самые страшные аллегории выписаны с таким удивительно народным колоритом, что производят жизнеутверждающее впечатление. Никто из последующих мастеров живописи во всем мире не будет писать столь фантастические, граничащие с безумием образы.
Крупнейшим мастером Северного Возрождения в изобразительном искусстве был Альбрехт Дюрер. Он оставил колоссальное наследие: картины, графические работы, статьи, переписку.
На творчество Дюрера оказали влияние итальянские мастера: он любил бывать в Италии, особенно в Венеции. Однако специфика видения мира Альбрехта Дюрера состоит в поисках возможности наиболее объективно отразить мир, ему был чужд итальянский идеализирующий реализм, он стремился добиваться от живописи и рисунка полной достоверности. Этим пафосом проникнуты его автопортреты, особенно карандашные в письмах к брату, сюда же можно отнести и портрет матери перед смертью.
Глубины графики Дюрера можно попытаться понять через расшифровку средневековых символов, которые у него действительно встречаются. Но искать разгадки этих завораживающих изображений нужно в эпохе реформации. Может быть, листы его гравюр ярче всего отразили стойкость духа людей этого времени, их готовность отвергнуть любые искусы, их горестные измышления о горестном результате войны. Именно об этом думаешь, глядя на его «Всадника Апокалипсиса», «Меланхолию».
Вершиной творчества Альбрехта Дюрера явилось грандиозное изображение четырех апостолов, подлинный гимн человеку, одной из самых ярких выражений Возрожденческого гуманизма.
Неотъемлемо от этой эпохи и творчества Лукаса Кранаха Старшего. Его мадонны и другие библейские героини - явные горожанки и современницы художника. Одной из его лучших работ является новаторски написанное «Распятие». Резко асимметричная композиция, необычные ракурсы традиционных фигур, насыщенность колорита производят впечатление смятенности, предчувствия общественных потрясений. Матис Нитхард, известный также под именем Грюневальд (1470-75 - 1528), поражает богатством и яркостью религиозных фантазий, экстатичностью, изобретательной композицией. Главный труд Грюневальда - «Изенгеймский алтарь». Изображение Марии с младенцем вписано в многофигурную праздничную композицию с ангелами, играющими для них на музыкальных инструментах. По контрасту с этой светлой сценой написано «Распятие», мрачное и натуралистичное. Образ Христа-простолюдина, много ходившего босиком, изможденного, близкого к агонии, ассоциируется с участниками крестьянской войны.
Одним из лучших портретистов этого периода может считаться Гаис Гольбейн Младший (1497-1543). Ему принадлежат портреты Эразма Роттердамского и астронома Николаса Кратцера, Томаса Мора и Джейн Сеймур, трактующие образы современников как людей, полных достоинства, мудрости, сдержанной духовной силы. Им также созданы замечательные иллюстрации к Библии и «Похвале глупости», цикл гравюр «Пляски смерти».
Своеобразной индивидуальностью было также отмечено творчество главы дунайской школы живописи Альбрехта Альтдорфера (1480-1538). Ему принадлежит приоритет в формировании жанра пейзажа. Однако самой интересной его картиной остается «Битва Александра с Дарием» (1529). Батальной сцене на Земле вторят соперничающие на небе Солнце, Луна и тучи. Картина наполнена множеством декоративных деталей, изыскана по колориту, восхитительна по своему живописному мастерству. К тому же это одна их первых написанных маслом батальных сцен, так что Альтдорфер может считаться основоположником еще одного живописного жанра.
В XV веке в Нидерландах миниатюра достигла высокой степени совершенства.
Любовная, прилежная, поэтическая пристальность взгляда на мир была унаследована от миниатюры большой живописью XV века, начатой Яном Ван Эйком. Маленькие картинки, украшающие рукописи, выросли в большие картины, украшающие створки алтарей. При этом возникли новые художественные качества. Появилось то, чего в миниатюре быть не могло: такой же пристальный, сосредоточенный взгляд на человека, на его лицо, в глубину его глаз.
В Эрмитаже есть картина крупного нидерландского мастера Рогира ван дер Вейдена «Св. Лука пишет Мадонну» (евангелист Лука считался художником и покровителем цеха живописцев). В ней многие типично для излюбленных нидерландцами композиций: панорама города и канала, написанная так мелко, нежно и тщательно, с двумя задумчивыми человеческими фигурками на мосту. Но самое замечательное - лицо и руки Луки, пишущего мадонну «с натуры». У него особенное выражение - бережно и трепетно внемлющее выражение человека, который весь ушел в созерцание. Так смотрели на натуру старые нидерландские мастера.
Вернемся к Яну ван Эйку. Он начинал как миниатюрист, работая вместе со своим старшим братом Губертом. Братьям ван Эйк традиция приписывала изобретение техники масляной живописи; это неточно - способ применения растительных масел как связующего вещества был известен и раньше, но Ван Эйки его усовершенствовали и дали толчок его распространению. Вскоре масло вытеснило темперу
Самое прославленное произведение ван Эйков - большой Гентский алтарь - было начато Губертом, а после его смерти продолжено и в 1432 году окончено Яном. Створки грандиозного алтаря расписаны в два яруса и внутри и снаружи. На наружных сторонах - благовещение и коленопреклоненные фигуры донаторов (заказчиков): так выглядел алтарь закрытым, в будничные дни. По праздникам створки распахивались, в раскрытом виде алтарь становился вшестеро больше, и перед прихожанами возникало, во всей лучезарности ван-эйковских красок, зрелище, которое должно было в совокупности своих сцен воплощать идею искупления человеческих грехов и грядущего просветления. Наверху в центре деисус - бог-отец на престоле с Марией и Иоанном Крестителем по сторонам. Эти фигуры больше человеческого роста. Затем обнаженные Адам и Ева в человеческий рост и группы музицирующих и поющих ангелов. В нижнем ярусе - многолюдная сцена поклонения Агнцу, решенная в гораздо меньшем масштабе, очень пространственно, среди широкого цветущего пейзажа, а на боковых створках - шествия пилигримов. Сюжет поклонения Агнцу взят из «Откровения Иоанна», где сказано, что после конца греховного мира на землю снизойдет град божий, в котором не будет ночи, а будет вечный свет, и река жизни «светлая как кристалл», и древо жизни, каждый месяц дающее плоды, и город - «чистое золото, как прозрачное стекло». Агнец - мистический символ апофеоза, ожидающего праведников. И, видимо, художники постарались вложить в картины Гентского алтаря всю свою любовь к прелести земли, к человеческим лицам, к травам, деревьям, водам, чтобы воплотить золотую грезу об их вечности и нетленности.
Ян ван Эйк был и выдающимся портретистом. В принадлежащем его кисти парном портрете супругов Арнольфини изображение обыкновенных людей, одетых по тогдашней довольно вычурной моде, в обыкновенной комнате с люстрой, балдахином, зеркалом и комнатной собачкой представляется каким-то чудесным таинством. Он словно бы поклоняется и огоньку свечи, и румянцу яблок, и выпуклому зеркалу; он влюблен в каждую черту бледного длинного лица Арнольфини, который держит за руку свою кроткую жену так, будто выполняет сокровенный церемониал. И люди и предметы - все застыло в торжественном предстоянии, в благоговейной серьезности; все вещи имеют затаенный смысл, намекая на святость супружеского обета и домашнего очага.
К итальянцам Возрождения такое определение не подходит: они не чувствовали себя средними людьми, хотя бы и в высоком смысле. Арнольфини, изображенный Яном ван Эйком, был итальянец, живший в Нидерландах; если бы его писал соотечественник, портрет, наверно, оказался бы иным по духу.
Глубокий интерес к личности, к ее облику и характеру - это сближает художников итальянского и северного Возрождения. Но они интересуются ею по-разному и видят в ней разное. У нидерландцев нет ощущения титанизма и всемогущества человеческой личности: они видят ее ценность в бюргерской добропорядочности, в качествах, среди которых не последнее место занимает смирение и благочестие, сознание своей малости перед лицом мироздания, хотя и в этом смирении достоинство личности не исчезает, а даже как бы подчеркивается.
В середине и во второй половине XV века в Нидерландах работали многие прекрасные живописцы: уже упомянутый Рогир ван дер Вейден, Дирк Боутс, Гуго ван дер Гус, Мемлинг, Геертген Тот синт Янс. Их художественные индивидуальности достаточно отчетливо различимы, хотя и не с той степенью выраженности индивидуального стиля, как у итальянских кватрочентистов. Они преимущественно расписывали алтари и писали портреты, писали и станковые картины по заказам богатых горожан. Особенной прелестью у них обладают композиции, проникнутые кротким, созерцательным настроением. Они любили сюжеты рождества и поклонения младенцу, эти сюжеты решаются ими тонко и простодушно. В «Поклонении пастухов» Гуго ван дер Гуса младенец тощий и жалкий, как всякое новорожденное дитя, окружающие смотрят на него, беспомощного и скрюченного, с глубоким душевным умилением, мадонна тиха, как монашенка, не подымает взора, но чувствуется, что она полна скромной гордостью материнства. А за пределами яслей виднеется пейзаж Нидерландов, широкий, холмистый, с извилистыми дорогами, редкими деревьями, башнями, мостами.
Тут много трогательного, но нет никакой сладости: заметна готическая угловатость форм, некоторая их жесткость. Лица пастухов у ван дер Гуса характерны и некрасивы, как обычно в произведениях готики. Даже ангелы - и те некрасивы.
Нидерландские художники редко изображают людей с красивыми, правильными лицами и фигурами и этим тоже отличаются от итальянских.
Простое соображение, что итальянцы, прямые потомки римлян, вообще были красивее бледных и рыхлых сынов севера, может, конечно, быть принято во внимание, но главная причина все-таки не в этом, а в различии общей художественной концепции. Итальянский гуманизм проникнут пафосом великого в человеке и страстью к классическим формам, нидерландцы поэтизируют «среднего человека», им мало дела до классической красоты и гармоничных пропорций.
Нидерландцы питают пристрастие к деталям. Они являются для них носителями тайного смысла. Лилия в вазе, полотенце, чайник, книга - все детали несут кроме прямого еще и потаенное значение. Вещи изображаются с любовью и кажутся одухотворенными.
Уважение к себе самим, к своим будням, к миру вещей преломлялось через религиозное миросозерцание. Таков был и дух протестанских реформ, под знаком которых проходит нидерландское Возрождение.
Меньшая сравнительно с итальянцами антропоморфность восприятия, преобладание пантеистического начала и прямая преемственность от готики сказываются во всех компонентах стиля нидерландской живописи. У итальянских кватрочентистов любая композиция, как бы она ни была насыщена подробностями, тяготеет к более или менее строгой тектонике. Группы строятся наподобие барельефа, то есть основные фигуры художник обычно старается разместить на сравнительно узкой передней площадке, в ясно очерченном замкнутом пространстве; он их архитектонически уравновешивает, они твердо стоят на ногах: все эти особенности мы найдем уже у Джотто. У нидерландцев композиции менее замкнуты и менее тектоничны. Их манят глубина и дали, ощущение пространства у них живее, воздушнее, чем в итальянской живописи. В фигурах больше прихотливости и зыбкости, их тектоника нарушается веерообразно расходящимися книзу, изломанными складками одеяний. Нидерландцы любят игру линий, но линии служат у них не скульптурным задачам построения объема, а, скорее, орнаментальным.
Наконец складывается и такой тип композиции, где вообще нет центра, а пространство заполняется многими равноправными между собой группами и сценами. При этом главные действующие лица иногда оказываются где-нибудь в уголке.
Подобные композиции встречаются в конце XV века у Иеронима Босха. Босх - замечательно своеобразный художник. Чисто нидерландские пристальность и наблюдательность сочетаются у него с необычайно продуктивной фантазией и весьма мрачным юмором. Один из его любимых сюжетов - «Искушение Святого Антония», где отшельника осаждают дьяволы. Босх населял свои картины легионами маленьких ползающих, страховидных тварей. Совсем жутко становится, когда у этих монстров замечаешь и человеческие части тела. Вся эта кунсткамера диковинных бесов значительно отличается от средневековых химер: те были величавее и далеко не так зловещи. Апофеоз босховской демонологии - его «Музыкальный ад», похожий на сад пыток: обнаженные люди, перемешавшись с лезущими на них со всех сторон чудовищами, корчатся в мучительной похоти, их распинают на струнах каких-то гигантских музыкальных инструментов, стискивают и перепиливают в загадочных приборах, суют в ямы, глотают.
Но стоит сказать и о романтических течениях, то есть находившихся под влиянием итальянского чинквеченто, - они стали распространяться в Нидерландах в XVI веке. Их несамобытность очень заметна. Изображение «классической наготы», прекрасное у итальянцев, нидерландцам решительно не давалось и выглядело даже несколько комически, как «Нептун и Амфитрита» Яна Госсарта, с их пышными раздутыми телесами. Был у нидерландцев и свой провинциальный «маньеризм».
Отметим разработку жанров бытовой и пейзажной станковой картины, сделанной нидерландскими художниками в XVI веке. Развитию их способствовало то, что самые широкие круги, ненавидя папство и католическое духовенство, все больше отвращались от католицизма и требовали церковных реформ.
Стали появляться чисто жанровые картины с изображением торговцев в лавках, менял в конторах, крестьян на рынке, игроков в карты. Бытовой жанр вырос из портретного, а пейзажный - из тех ландшафтных фонов, которые так полюбились нидерландским мастерам. Фоны разрастались, и оставался только шаг до чистого пейзажа.
Всемирная история изобразительного искусства продемонстрировала нам самые разные образцы совершенства. В концепции любого художественного направления всегда находился некий идеал, который определял особенности воплощения образа, формы, манеры и техники исполнения художественного произведения.
В своем творчестве художники всегда пытались найти некую универсальную модель человека. Причем каждый художник абсолютизировал не только конкретный образец красоты, но и придерживался определенного идеального представления о поведении человека, его характере и образе жизни. Другими словами – эстетический и этический идеал являлись и являются ключевыми факторами в любом художественном творчестве.
«Этический идеал – это ответ культуры на «вопрос» о том, что такое человек». Свои представления о человеке художники реализуют в форме определенного художественного образа, существующего в персонифицированном виде. Образ личности, концентрирует в себе определенные ценности, на формирование которых, в свою очередь, влияют философские воззрения той или иной эпохи.
Платформой для зарождения философских идей Возрождения стали оригинальные толкования аристотелизма и неоплатонизма, философские мысли стоиков и эпикурейцев. Общий обзор философии данной эпохи содержится в книгах В.В. Соколова «Очерки философии эпохи Возрождения» и «Европейская философия XV- XVII веков». Периодизация главных направлений ренессансной философии дается в работе А.Х. Горфункеля «Философия эпохи Возрождения». Среди отечественных авторов вопросы культуры Возрождения рассматривалась в трудах Бибихина В.В. «Новый Ренессанс».
В настоящее время тема идеального человека эпохи Ренессанса в контексте изобразительного искусства остается открытой для исследования, поэтому нам представляется актуальным обратиться к рассмотрению данного вопроса.
Эпоха Возрождения создает новое мировоззрение, основывающееся на идее о том, что Бог пребывает не в отрыве от реального мира, а непосредственно в самих материальных предметах (природе, вещах, человеке и т.д.). Пантеистическая философия рассматривает мир как соединение духовного и материального. Результатом такого синтеза появился идеал человека, у которого божественная основа адекватно проявляется в его внешности и поступках. Гармоничного человека Ренессанса отличают благородность и нравственность. Гуманистический идеал возник еще в Древней Греции как представление о совершенном, всесторонне развитом человеке, осознающим свою индивидуальность и духовную природу.
Человек Ренессанса становится мерой всех вещей, поэтому все природные и социальные явления, показанные в работах этого периода, носят одухотворенный характер. Неслучайно, именно в это время Леонардо да Винчи разработал принцип золотого сечения (систему божественных пропорций).
Главными персонажами на картинах Возрождения становятся известные аристократы, меценаты, библейские и мифологические герои. Благородный человек мог испытывать только благородные эмоции и совершать только благородные деяния, поэтому происходит облагораживание поступков, чувств и явлений – благородная битва, благородная женщина, благородные страдания, благородная смерть. Так, около 1480 г. Андреа Матенья написал картину «Святой Себастьян». К этому времени художники часто обращались к теме мученичеств христианских святых. Известно, что Святой Себастьян тайно исповедовал христианство. Поэтому император Диоклетиан решил приговорить его к смерти. На картине А. Мантеньи святого наказали жестокими пытками и привязали к античной колонне, пронзив стрелами нижнюю часть его тела. Однако если посмотреть на тело святого, то мы увидим хорошо сложенного атлета, походящего на античную статую. Учитывая то обстоятельство, что физическая внешность идеального человека Ренессанса это сосуд, в котором хранится его божественная сущность (чем красивее эта сущность, тем прекраснее форма сосуда), то становится понятным, почему художник изобразил не измученного истязаниями старика, а прекрасного юношу. Лицо Себастьяна также выглядит очень благородно, на нем совершенно не видно ужасных эмоций, которые обычный человек мог бы испытывать при сильной физической боли.
Обожествление человеческого тела – одно из особых требований в изобразительном искусстве Возрождения. Следует отметить, что мастера Ренессанса не стремились изображать обнаженную натуру в эротическом контексте. В данном случае тело изображалось как великое божественное творение. Яркими примерами, демонстрирующими красоту женской натуры, могут быть картины выдающихся итальянских живописцев Джорджоне и Тициана. «Спящая Венера» Джорджоне стала своеобразным итогом представлений художника о поэтической и божественной тайне, заключенной в нагом теле спящей богини любви – Венеры. К началу XVI века образ Венеры еще не был популярен в искусстве Италии, поскольку искусство еще сохранило в себе остатки целомудренного средневековья, и изображение женского тела без одежды было очень редким. В образе Венеры Джорджоне выразил идею о божественном начале в человеке и о его полной согласованности с окружающим миром.
Для более выразительной передачи совершенных пропорций человека художники Возрождения изображали тело в самых невероятных ракурсах и движениях. В знаменитых фресках Микеланджело можно увидеть навороченную игру мышц и суставов, динамичные позы и сложные положения тела в пространстве. Так великий мастер показывал совершенную гармонию человеческого тела. Он специально искал самые сложные ракурсы и движения, пытаясь в них изобразить борьбу духа и материи. Такие особенности воплощения художественного образа можно увидеть во всемирно известной фреске «Страшный суд», где святые, грешники, ангелы и прочие персонажи виртуозно закручены в самые сложные положения.
Сложная, динамичная композиция Леонардо да Винчи «Битва при Ангиари» также показывает нам мощь и превосходство человеческого духа и тела. «Леонардо…изображает клубок людей и животных, столь тесно переплетенных между собой, что работу можно принять за эскиз для скульптуры… Леонардо устремил все линии своей композиции: мечи, лица людей, конские тела, движение конских ног – внутрь» .
Среди художественных приемов, подчеркивающих важность благородных сюжетов и персонажей, мастера Ренессанса часто использовали намеренно увеличенный масштаб святых или мифологических героев. В мелком же масштабе изображали простых смертных. В работе Ф.Липпи «Мадонна с Младенцем в окружении ангелов, со святыми Фредиано и Августином» образ святой выделяется своим крупным размером, поскольку имеет ключевое значение для всей композиции. Святые Фредиано и Августино изображены коленопреклоненными, но художник показал их значимость с помощью яркого цвета и более детальной проработкой объема. Еще более интересно, автор изображает фигуру младенца Христа. Что бы показать его превосходство, Липпи неестественно увеличивает размеры ребенка. Но, несмотря на то, что младенец выглядит очень крупным, при этом он кажется совершенно невесомым.
Конечно, совершенство красоты, согласно мировоззрению Ренессанса, зависит не от идеальных природных пропорций, а от того прекрасного и божественного, которое заключено в самом человеке. Известный теоретик искусства Альберти писал по это поводу: «Не украшение делает прекрасным тело, но прекрасное заключено в теле».
Таким образом, анализируя все вышесказанное можно утверждать, что в период Ренессанса был сформирован специфический образ идеального человека. Его сущность проявляется в его благородных поступках, духовном образе жизни и в бесконечной борьбе за добро и справедливость.
