D. Shostakovich - ดนตรีคลาสสิกแห่งศตวรรษที่ 20 ไม่มีปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนใดมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับชะตากรรมที่ยากลำบากของประเทศบ้านเกิดของพวกเขา และพวกเขาก็ไม่สามารถแสดงออกถึงความขัดแย้งที่กรีดร้องในยุคสมัยของพวกเขาด้วยความแข็งแกร่งและความหลงใหลเช่นนั้นได้ หรือประเมินมันด้วยการตัดสินทางศีลธรรมที่รุนแรง การสมรู้ร่วมคิดของนักแต่งเพลงกับความเจ็บปวดและความโชคร้ายของผู้คนของเขานี้ถือเป็นความสำคัญหลักของการมีส่วนร่วมของเขาในประวัติศาสตร์ดนตรีในศตวรรษแห่งสงครามโลกครั้งที่สองและการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ทางสังคมครั้งใหญ่ซึ่งมนุษยชาติไม่เคยรู้มาก่อน

โดยธรรมชาติแล้ว Shostakovich เป็นศิลปินที่มีความสามารถระดับสากล ไม่มีประเภทเดียวที่เขาไม่ได้พูดคำสำคัญของเขา นอกจากนี้เขายังได้สัมผัสใกล้ชิดกับดนตรีประเภทนั้นซึ่งบางครั้งก็ได้รับการปฏิบัติอย่างหยิ่งยโสโดยนักดนตรีที่จริงจัง เขาเป็นผู้แต่งเพลงจำนวนหนึ่งที่ผู้คนจำนวนมากเลือกสรรและจนถึงทุกวันนี้เขาได้ดัดแปลงดนตรียอดนิยมและดนตรีแจ๊สซึ่งเขาชื่นชอบเป็นพิเศษในช่วงการก่อตัวของสไตล์ในช่วงทศวรรษที่ 20-30 เป็นที่ชื่นชม แต่พื้นที่หลักของการประยุกต์ใช้พลังสร้างสรรค์สำหรับเขาคือซิมโฟนี ไม่ใช่เพราะดนตรีแนวจริงจังอื่น ๆ นั้นแปลกสำหรับเขาอย่างสิ้นเชิง - เขามีพรสวรรค์ที่ไม่มีใครเทียบได้ของนักแต่งเพลงละครอย่างแท้จริงและการทำงานในโรงภาพยนตร์ทำให้เขามีช่องทางหลักในการดำรงชีวิต แต่การวิพากษ์วิจารณ์ที่หยาบคายและไม่ยุติธรรมเกิดขึ้นในปี 2479 ในบทความบรรณาธิการในหนังสือพิมพ์ปราฟดาภายใต้ชื่อ "ความสับสนแทนดนตรี" ทำให้เขาท้อใจเป็นเวลานานจากการมีส่วนร่วมในแนวโอเปร่า - ความพยายามที่เกิดขึ้น (โอเปร่า "ผู้เล่น" โดย N. Gogol) ยังคงไม่เสร็จและแผนยังไม่ถึงขั้นตอนการดำเนินการ

บางทีนี่อาจเป็นสิ่งที่สะท้อนถึงลักษณะบุคลิกภาพของโชสตาโควิชได้อย่างแม่นยำ - โดยธรรมชาติแล้วเขาไม่มีแนวโน้มที่จะเปิดรูปแบบการแสดงการประท้วงเขายอมจำนนต่อความไม่มีอยู่อย่างต่อเนื่องอย่างง่ายดายเนื่องจากความฉลาดพิเศษความละเอียดอ่อนและการป้องกันตนเองจากเผด็จการร้ายแรง แต่นี่เป็นเพียงกรณีในชีวิต - ในงานศิลปะของเขาเขาซื่อสัตย์ต่อหลักการสร้างสรรค์ของเขาและยืนยันในแนวที่เขารู้สึกเป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ ดังนั้นซิมโฟนีแนวความคิดซึ่งเขาสามารถบอกความจริงเกี่ยวกับเวลาของเขาอย่างเปิดเผยโดยไม่ต้องประนีประนอมจึงกลายเป็นศูนย์กลางของภารกิจของโชสตาโควิช อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้ปฏิเสธที่จะมีส่วนร่วมในองค์กรศิลปะที่เกิดขึ้นภายใต้แรงกดดันของความต้องการงานศิลปะที่เข้มงวดซึ่งกำหนดโดยระบบสั่งการและบริหาร เช่น ภาพยนตร์ของ M. Chiaureli เรื่อง "The Fall of Berlin" ซึ่งได้รับคำชมอย่างไม่มีข้อจำกัดถึงความยิ่งใหญ่และ ภูมิปัญญาของ “บิดาแห่งชาติ” ก้าวไกลถึงขีดสุด แต่การมีส่วนร่วมในอนุสรณ์สถานภาพยนตร์ประเภทนี้หรือผลงานอื่น ๆ ที่มีความสามารถซึ่งบิดเบือนความจริงทางประวัติศาสตร์และสร้างตำนานที่ผู้นำทางการเมืองพอใจไม่ได้ปกป้องศิลปินจากการตอบโต้อย่างโหดร้ายที่เกิดขึ้นในปี 2491 นักอุดมการณ์ชั้นนำของระบอบสตาลิน A. Zhdanov โจมตีซ้ำแล้วซ้ำเล่าในบทความเก่าในหนังสือพิมพ์ปราฟดาและกล่าวหาผู้แต่งร่วมกับปรมาจารย์ด้านดนตรีโซเวียตในยุคนั้นว่ายึดมั่นในลัทธิต่อต้านชาติ

ต่อจากนั้นในช่วงครุสชอฟ "ละลาย" ข้อกล่าวหาดังกล่าวถูกยกเลิกและผลงานที่โดดเด่นของนักแต่งเพลงซึ่งการแสดงต่อสาธารณะถูกห้ามก็พบทางไปยังผู้ฟัง แต่ชะตากรรมส่วนตัวอันน่าทึ่งของนักแต่งเพลงที่รอดชีวิตจากการถูกประหัตประหารอย่างไม่ยุติธรรมทำให้เกิดบุคลิกภาพของเขาที่ลบไม่ออกและกำหนดทิศทางของการแสวงหาความคิดสร้างสรรค์ของเขาซึ่งกล่าวถึงปัญหาทางศีลธรรมของการดำรงอยู่ของมนุษย์บนโลก นี่คือและยังคงเป็นสิ่งสำคัญที่ทำให้ Shostakovich โดดเด่นในหมู่ผู้สร้างดนตรีในศตวรรษที่ 20

เส้นทางชีวิตของเขาไม่มีความสำคัญ หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Leningrad Conservatory ด้วยการเปิดตัวที่ยอดเยี่ยม - First Symphony อันงดงามเขาเริ่มต้นชีวิตของนักแต่งเพลงมืออาชีพครั้งแรกในเมืองบน Neva จากนั้นในช่วง Great Patriotic War ในมอสโกว กิจกรรมของเขาในฐานะครูที่เรือนกระจกนั้นค่อนข้างสั้น - เขาไม่ได้ละทิ้งมันตามเจตจำนงเสรีของเขาเอง แต่จนถึงทุกวันนี้ นักเรียนของเขายังคงรักษาความทรงจำของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งมีบทบาทสำคัญในการสร้างบุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์ของพวกเขา ใน First Symphony (1925) คุณสมบัติสองประการของดนตรีของ Shostakovich นั้นสังเกตเห็นได้ชัดเจน หนึ่งในนั้นส่งผลต่อการก่อตัวของสไตล์เครื่องดนตรีใหม่ด้วยความง่ายดายโดยธรรมชาติ ความง่ายในการแข่งขันระหว่างเครื่องดนตรีในคอนเสิร์ต อีกประการหนึ่งแสดงให้เห็นในความปรารถนาอันแรงกล้าที่จะให้ดนตรีมีความหมายสูงสุดเพื่อเปิดเผยแนวคิดที่ลึกซึ้งเกี่ยวกับความหมายเชิงปรัชญาผ่านทางประเภทซิมโฟนิก

ผลงานของนักแต่งเพลงหลายชิ้นที่ตามมาด้วยจุดเริ่มต้นอันยอดเยี่ยมสะท้อนให้เห็นถึงบรรยากาศที่ปั่นป่วนในยุคนั้น ซึ่งรูปแบบใหม่ของยุคนั้นถูกสร้างขึ้นในการต่อสู้กับทัศนคติที่ขัดแย้งกัน ดังนั้นในซิมโฟนีที่สองและสาม ("ตุลาคม" - 2470, "วันแรงงาน" - 2472) โชสตาโควิชจ่ายส่วยโปสเตอร์ดนตรีซึ่งสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนถึงอิทธิพลของศิลปะการต่อสู้และศิลปะการโฆษณาชวนเชื่อในยุค 20 (ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ผู้แต่งรวมชิ้นส่วนการร้องประสานเสียงจากบทกวีของกวีหนุ่ม A. Bezymensky และ S. Kirsanov) ในเวลาเดียวกันพวกเขายังแสดงให้เห็นถึงการแสดงละครที่สดใสซึ่งน่าหลงใหลในผลงานของ E. Vakhtangov และ Vs. เมเยอร์โฮลด์. การแสดงของพวกเขามีอิทธิพลต่อสไตล์ของโอเปร่าเรื่องแรกของโชสตาโควิชเรื่อง "The Nose" (1928) ซึ่งเขียนจากเรื่องราวอันโด่งดังของโกกอล จากที่นี่ไม่เพียงแต่เป็นการเสียดสีและล้อเลียนที่เฉียบคมเท่านั้น แต่ยังมาถึงจุดที่แปลกประหลาดในการแสดงตัวละครแต่ละตัวและฝูงชนที่ใจง่ายที่ตกอยู่ในความตื่นตระหนกและถูกตัดสินอย่างรวดเร็ว แต่ยังรวมถึงน้ำเสียงที่ฉุนเฉียวของ "เสียงหัวเราะทั้งน้ำตา" ซึ่ง ช่วยให้เราจดจำบุคคลได้แม้จะอยู่ในความหยาบคายและเห็นได้ชัดว่าไม่มีตัวตน เช่นเดียวกับพันตรีโควาเลฟแห่งโกกอล

สไตล์ของโชสตาโควิชไม่เพียงดูดซับอิทธิพลที่เกิดจากประสบการณ์ของวัฒนธรรมดนตรีโลก (สิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับนักแต่งเพลงคือ M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky และ G. Mahler) แต่ยังซึมซับเสียงของชีวิตดนตรีในยุคนั้นด้วย - นั่น วัฒนธรรมประเภท "แสง" ที่เปิดเผยต่อสาธารณะซึ่งควบคุมจิตสำนึกของมวลชน ทัศนคติของนักแต่งเพลงที่มีต่อเรื่องนี้เป็นเรื่องที่คลุมเครือ - บางครั้งเขาก็พูดเกินจริงล้อเลียนการเปลี่ยนแปลงที่เป็นลักษณะของเพลงและการเต้นรำที่ทันสมัย ​​​​แต่ในขณะเดียวกันก็ทำให้พวกเขาสูงส่งและยกระดับพวกเขาไปสู่จุดสูงสุดของงานศิลปะที่แท้จริง ทัศนคตินี้สะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในบัลเล่ต์ยุคแรก ๆ “ The Golden Age” (1930) และ “ Bolt” (1931) ใน First Piano Concerto (1933) ซึ่งทรัมเป็ตเดี่ยวกลายเป็นคู่ต่อสู้ที่คู่ควรกับเปียโนพร้อมกับวงออเคสตรา และต่อมาใน Scherzo และตอนจบของซิมโฟนีที่หก (พ.ศ. 2482) ความสามารถอันยอดเยี่ยมและความแปลกประหลาดที่กล้าหาญถูกรวมเข้าด้วยกันในงานนี้ด้วยเนื้อเพลงที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณและความเป็นธรรมชาติที่น่าทึ่งของท่วงทำนองที่ "ไม่มีที่สิ้นสุด" ที่คลี่คลายในส่วนแรกของซิมโฟนี

และท้ายที่สุดก็อดไม่ได้ที่จะพูดถึงอีกด้านหนึ่งของกิจกรรมสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงหนุ่ม - เขาทำงานในภาพยนตร์อย่างหนักและต่อเนื่องโดยเริ่มจากการเป็นนักวาดภาพประกอบสำหรับการสาธิตภาพยนตร์เงียบจากนั้นในฐานะหนึ่งในผู้สร้างภาพยนตร์เสียงของโซเวียต เพลงของเขาจากภาพยนตร์เรื่อง "Oncoming" (1932) ได้รับความนิยมไปทั่วประเทศ ในขณะเดียวกัน อิทธิพลของ "มิวส์รุ่นเยาว์" ก็ส่งผลต่อสไตล์ ภาษา และหลักการเรียบเรียงของคอนเสิร์ตและผลงานฟิลฮาร์โมนิกของเขาด้วย

ความปรารถนาที่จะรวบรวมความขัดแย้งที่รุนแรงที่สุดของโลกสมัยใหม่ด้วยการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่และการปะทะกันอย่างดุเดือดของกองกำลังฝ่ายตรงข้ามสะท้อนให้เห็นเป็นพิเศษในผลงานสำคัญของปรมาจารย์แห่งยุค 30 ขั้นตอนสำคัญบนเส้นทางนี้คือโอเปร่า "Katerina Izmailova" (1932) ซึ่งเขียนจากเนื้อเรื่องของเรื่อง "Lady Macbeth of Mtsensk" โดย N. Leskov ภาพของตัวละครหลักเผยให้เห็นการต่อสู้ภายในที่ซับซ้อนในจิตวิญญาณของธรรมชาติที่เป็นส่วนสำคัญและมีพรสวรรค์อย่างล้นหลามโดยธรรมชาติ - ภายใต้แอกของ "สิ่งที่น่ารังเกียจแห่งชีวิตที่ตะกั่ว" ภายใต้พลังแห่งความหลงใหลที่ตาบอดและไร้เหตุผลเธอกระทำอย่างจริงจัง อาชญากรรมตามมาด้วยการลงโทษที่โหดร้าย

อย่างไรก็ตามผู้แต่งประสบความสำเร็จสูงสุดใน Fifth Symphony (1937) ซึ่งเป็นความสำเร็จที่สำคัญและเป็นพื้นฐานที่สุดในการพัฒนาซิมโฟนีโซเวียตในยุค 30 (การหันไปใช้คุณภาพสไตล์ใหม่ระบุไว้ในบทเขียนก่อนหน้านี้ แต่จากนั้นก็ไม่ได้ยิน Fourth Symphony - 1936) จุดแข็งของ Fifth Symphony อยู่ที่ความจริงที่ว่าประสบการณ์ของฮีโร่ผู้เป็นโคลงสั้น ๆ ของมันได้รับการเปิดเผยโดยมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดที่สุดกับชีวิตของผู้คนและในวงกว้างมากขึ้นของมนุษยชาติทั้งหมดในช่วงก่อนเกิดเหตุการณ์ตกใจครั้งใหญ่ที่สุดเท่าที่ผู้คนใน โลก - สงครามโลกครั้งที่สอง สิ่งนี้กำหนดละครที่เน้นย้ำของดนตรีการแสดงออกที่มีความคิดริเริ่มโดยธรรมชาติ - ฮีโร่โคลงสั้น ๆ ไม่ได้กลายเป็นผู้ไตร่ตรองเฉยๆในซิมโฟนีนี้เขาตัดสินสิ่งที่เกิดขึ้นและสิ่งที่จะมาพร้อมกับศาลศีลธรรมสูงสุด ตำแหน่งพลเมืองของศิลปินและแนวมนุษยนิยมของดนตรีของเขาสะท้อนให้เห็นจากการไม่แยแสต่อชะตากรรมของโลก นอกจากนี้ยังสามารถรู้สึกได้ในผลงานอื่น ๆ อีกจำนวนหนึ่งที่อยู่ในประเภทของความคิดสร้างสรรค์ในการใช้เครื่องดนตรีในห้องซึ่งมีเปียโน Quintet (1940) โดดเด่น

ในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ Shostakovich กลายเป็นหนึ่งในศิลปินกลุ่มแรก ๆ ที่ต่อสู้กับลัทธิฟาสซิสต์ ซิมโฟนีที่เจ็ด (“เลนินกราด”) ของเขา (พ.ศ. 2484) ถูกมองไปทั่วโลกว่าเป็นเสียงที่มีชีวิตของผู้คนที่ต่อสู้กันซึ่งเข้าสู่การต่อสู้ความเป็นและความตายในนามของสิทธิในการดำรงอยู่เพื่อปกป้องคุณค่าสูงสุดของมนุษย์ . ในงานนี้ เช่นเดียวกับใน Eighth Symphony ที่สร้างขึ้นในภายหลัง (พ.ศ. 2486) ความเป็นปรปักษ์ของทั้งสองค่ายที่เป็นปฏิปักษ์พบการแสดงออกโดยตรงและทันที ไม่เคยมีมาก่อนในศิลปะแห่งดนตรีที่พลังแห่งความชั่วร้ายได้รับการอธิบายอย่างชัดเจน ไม่เคยมีกลไกที่น่าเบื่อของ “เครื่องจักรทำลายล้าง” ฟาสซิสต์ที่ทำงานอย่างยุ่งวุ่นวายมาก่อนถูกเปิดเผยด้วยความโกรธและความหลงใหลเช่นนี้ แต่ความงามทางจิตวิญญาณและความร่ำรวยของโลกภายในของบุคคลที่ทุกข์ทรมานจากปัญหาในยุคของเขานั้นมีการนำเสนออย่างชัดเจนในซิมโฟนี "ทหาร" ของผู้แต่ง (เช่นเดียวกับผลงานอื่น ๆ ของเขาเช่นในเปียโน Trio ใน ความทรงจำของ I. Sollertinsky - 1944)

ในช่วงหลังสงคราม กิจกรรมสร้างสรรค์ของ Shostakovich ได้รับการพัฒนาอย่างเข้มแข็ง เช่นเคย แนวหน้าในการแสวงหาทางศิลปะของเขาถูกนำเสนอบนผืนผ้าใบไพเราะอันยิ่งใหญ่ หลังจากที่ Ninth (1945) ที่ค่อนข้างเบากว่าซึ่งเป็น intermezzo ชนิดหนึ่งซึ่งไม่ใช่โดยปราศจากเสียงสะท้อนที่ชัดเจนของสงครามที่เพิ่งจบลงผู้แต่งได้สร้าง Symphony ที่สิบ (1953) ที่ได้รับแรงบันดาลใจซึ่งยกประเด็นของชะตากรรมที่น่าเศร้าของศิลปิน ความรับผิดชอบระดับสูงของเขาในโลกสมัยใหม่ อย่างไรก็ตาม สิ่งใหม่นี้ส่วนใหญ่เป็นผลมาจากความพยายามของคนรุ่นก่อน ซึ่งเป็นสาเหตุที่ทำให้ผู้แต่งได้รับความสนใจอย่างมากจากเหตุการณ์ที่เป็นจุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์รัสเซีย การปฏิวัติในปี 1905 ซึ่งจัดขึ้นโดย Bloody Sunday ในวันที่ 9 มกราคม มีชีวิตขึ้นมาในรายการอันยิ่งใหญ่ของ Eleventh Symphony (1957) และความสำเร็จของผู้ชนะในปี 1917 เป็นแรงบันดาลใจให้ Shostakovich สร้าง Twelfth Symphony (1961)

การสะท้อนความหมายของประวัติศาสตร์เกี่ยวกับความสำคัญของการกระทำของวีรบุรุษก็สะท้อนให้เห็นในบทกวีร้องประสานเสียงส่วนเดียว“ The Execution of Stepan Razin” (1964) ซึ่งมีพื้นฐานมาจากชิ้นส่วนจากของ E. Yevtushenko บทกวี "สถานีไฟฟ้าพลังน้ำ Bratsk" แต่เหตุการณ์ในยุคของเราซึ่งเกิดจากการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในชีวิตของผู้คนและในโลกทัศน์ของพวกเขาซึ่งประกาศโดยสภาคองเกรสแห่ง CPSU ครั้งที่ 20 ไม่ได้ปล่อยให้ปรมาจารย์ดนตรีโซเวียตผู้ยิ่งใหญ่ไม่แยแส - ลมหายใจที่มีชีวิตของพวกเขาชัดเจนในวันที่สิบสาม Symphony (1962) เขียนถึงคำพูดของ E. Yevtushenko ด้วย ในซิมโฟนีที่สิบสี่ผู้แต่งหันไปหาบทกวีของกวีในยุคต่างๆและผู้คน (F. G. Lorca, G. Apollinaire, V. Kuchelbecker, R. M. Rilke) - เขาถูกดึงดูดด้วยธีมของความไม่ยั่งยืนของชีวิตมนุษย์และนิรันดร์ของ การสร้างสรรค์งานศิลปะที่แท้จริง ก่อนหน้านั้นแม้กระทั่งความตายที่มีอำนาจทุกอย่าง ธีมเดียวกันนี้เป็นพื้นฐานสำหรับการออกแบบวงจรเสียงร้องและซิมโฟนิกโดยอิงจากบทกวีของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ชาวอิตาลี Michelangelo Buonarroti (1974) และในที่สุด ในตอนสุดท้าย Fifteenth Symphony (1971) ภาพในวัยเด็กกลับมามีชีวิตอีกครั้ง ถูกสร้างขึ้นใหม่ต่อหน้าต่อตาของผู้สร้างที่ชาญฉลาดผู้ได้รู้จักความทุกข์ทรมานของมนุษย์ที่ประเมินค่าไม่ได้อย่างแท้จริง

แม้จะมีความสำคัญของซิมโฟนีในงานหลังสงครามของโชสตาโควิช แต่ก็ไม่ได้ทำให้สิ่งที่สำคัญที่สุดทั้งหมดที่สร้างขึ้นโดยนักแต่งเพลงในช่วงสามสิบปีสุดท้ายของชีวิตและเส้นทางที่สร้างสรรค์ของเขา เขาให้ความสนใจเป็นพิเศษกับประเภทดนตรีคอนเสิร์ตและแชมเบอร์ เขาสร้างสรรค์ไวโอลินคอนแชร์โต 2 ตัว (และในปี 1967) เชลโลคอนแชร์โต 2 ตัว (พ.ศ. 2502 และ 2509) และเปียโนคอนแชร์โตตัวที่สอง (พ.ศ. 2500) ผลงานที่ดีที่สุดของประเภทนี้รวบรวมแนวคิดอันลึกซึ้งเกี่ยวกับความสำคัญทางปรัชญาที่เทียบได้กับแนวคิดที่แสดงออกด้วยพลังอันน่าประทับใจในซิมโฟนีของเขา ความรุนแรงของการปะทะกันระหว่างจิตวิญญาณและจิตวิญญาณ แรงกระตุ้นสูงสุดของอัจฉริยะของมนุษย์ และการโจมตีที่รุนแรงของความหยาบคาย การจงใจดึกดำบรรพ์นั้นเห็นได้ชัดเจนใน Second Cello Concerto ที่ซึ่งทำนองเพลง "street" ที่เรียบง่ายถูกเปลี่ยนแปลงจนเกินกว่าจะจดจำได้ ซึ่งเผยให้เห็น สาระสำคัญที่ไร้มนุษยธรรม

อย่างไรก็ตาม ทั้งในคอนเสิร์ตและในแชมเบอร์มิวสิค ทักษะอันชาญฉลาดของโชสตาโควิชในการแต่งเพลงได้รับการเปิดเผย เปิดพื้นที่สำหรับการแข่งขันอย่างเสรีระหว่างศิลปินเพลง ที่นี่ประเภทหลักที่ดึงดูดความสนใจของอาจารย์คือวงเครื่องสายแบบดั้งเดิม (ผู้แต่งเขียนเป็นซิมโฟนีให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ - 15) วงดนตรีสี่วงของ Shostakovich สร้างความประหลาดใจด้วยโซลูชั่นที่หลากหลาย ตั้งแต่วงจรการเคลื่อนไหวหลายรูปแบบ (สิบเอ็ด - 1966) ไปจนถึงองค์ประกอบการเคลื่อนไหวเดี่ยว (สิบสาม - 1970) ในงานห้องของเขาจำนวนหนึ่ง (ใน Eighth Quartet - 1960, ใน Sonata for Viola และ Piano - 1975) ผู้แต่งกลับมาสู่ดนตรีจากผลงานก่อนหน้านี้ของเขาโดยให้เสียงใหม่

ในบรรดาผลงานประเภทอื่นๆ เราสามารถตั้งชื่อวงรอบที่ยิ่งใหญ่ของ Preludes และ Fugues สำหรับเปียโน (1951) ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากการเฉลิมฉลองของ Bach ในเมืองไลพ์ซิก และ oratorio "Song of the Forests" (1949) ซึ่งเป็นครั้งแรกในดนตรีของโซเวียต หัวข้อความรับผิดชอบของมนุษย์ในการรักษาธรรมชาติรอบตัวถูกหยิบยกขึ้นมา คุณยังสามารถตั้งชื่อสิบบทกวีสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงแคปเปลลา (1951) วงจรเสียงร้อง "จากบทกวีพื้นบ้านของชาวยิว" (1948) วงจรตามบทกวีของกวี Sasha Cherny ("Satires" - 1960), Marina Tsvetaeva (1973)

งานในโรงภาพยนตร์ยังคงดำเนินต่อไปในช่วงหลังสงคราม - เพลงของโชสตาโควิชสำหรับภาพยนตร์เรื่อง "The Gadfly" (อิงจากนวนิยายของ E. Voynich - 1955) รวมถึงการดัดแปลงภาพยนตร์โศกนาฏกรรมของ W. Shakespeare เรื่อง "Hamlet" ( พ.ศ.2507) และ “คิงเลียร์” (พ.ศ.2514) เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง ).

Shostakovich มีผลกระทบสำคัญต่อการพัฒนาดนตรีโซเวียต มันไม่ได้สะท้อนให้เห็นมากนักในอิทธิพลโดยตรงของสไตล์ของปรมาจารย์และวิธีการทางศิลปะที่มีลักษณะเฉพาะของเขา แต่ในความปรารถนาที่จะมีเนื้อหาดนตรีสูงความเชื่อมโยงกับปัญหาพื้นฐานของชีวิตมนุษย์บนโลก สาระสำคัญของมนุษยนิยมในรูปแบบศิลปะอย่างแท้จริง ผลงานของ Shostakovich ได้รับการยอมรับทั่วโลกและกลายเป็นการแสดงออกที่ชัดเจนของสิ่งใหม่ที่ดนตรีของดินแดนแห่งโซเวียตมอบให้กับโลก

ผลงานของ Dmitry Shostakovich นักดนตรีและบุคคลสาธารณะผู้ยิ่งใหญ่ของโซเวียต นักแต่งเพลง นักเปียโน และอาจารย์ ได้รับการสรุปโดยย่อในบทความนี้

ผลงานของโชสตาโควิชโดยย่อ

เพลงของ Dmitry Shostakovich มีความหลากหลายและหลากหลายแนวเพลง มันได้กลายเป็นวัฒนธรรมดนตรีคลาสสิกของโซเวียตและโลกของศตวรรษที่ 20 ความสำคัญของผู้แต่งในฐานะนักซิมโฟนิสต์นั้นมีมหาศาล เขาสร้างซิมโฟนี 15 บทที่มีแนวคิดเชิงปรัชญาอันลึกซึ้ง โลกที่ซับซ้อนที่สุดของประสบการณ์ของมนุษย์ ความขัดแย้งที่น่าเศร้าและเฉียบพลัน ผลงานดังกล่าวเต็มไปด้วยเสียงของศิลปินแนวมนุษยนิยมที่ต่อสู้กับความชั่วร้ายและความอยุติธรรมทางสังคม สไตล์เฉพาะตัวที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาเลียนแบบประเพณีที่ดีที่สุดของดนตรีรัสเซียและดนตรีต่างประเทศ (Mussorgsky, Tchaikovsky, Beethoven, Bach, Mahler) ซิมโฟนีแรกของปี 1925 แสดงให้เห็นลักษณะที่ดีที่สุดของสไตล์ของ Dmitri Shostakovich:

• โพลิโฟไนเซชันของพื้นผิว
• พลวัตของการพัฒนา
• อารมณ์ขันและการประชด
• เนื้อเพลงที่ละเอียดอ่อน
• การเปลี่ยนแปลงเป็นรูปเป็นร่าง
• ใจความ
• ตัดกัน

ซิมโฟนีครั้งแรกทำให้เขามีชื่อเสียง ต่อมาเขาเรียนรู้ที่จะผสมผสานสไตล์และเสียงเข้าด้วยกัน อย่างไรก็ตาม Dmitry Shostakovich เลียนแบบเสียงปืนใหญ่ในซิมโฟนีที่ 9 ของเขาซึ่งอุทิศให้กับการปิดล้อมเลนินกราด คุณคิดว่าเครื่องดนตรีชนิดใดที่ Dmitry Shostakovich เคยเลียนแบบเสียงนี้ เขาทำเช่นนี้ด้วยความช่วยเหลือของกลองทิมปานี

ในซิมโฟนีที่ 10 ผู้แต่งได้แนะนำเทคนิคการเติมน้ำเสียงและการขยายเสียงเพลง งานสองชิ้นถัดไปถูกทำเครื่องหมายโดยหันไปใช้การเขียนโปรแกรม

นอกจากนี้โชสตาโควิชยังสนับสนุนการพัฒนาละครเพลงอีกด้วย จริงอยู่ กิจกรรมของเขาจำกัดอยู่แค่บทความบรรณาธิการในหนังสือพิมพ์เท่านั้น โอเปร่า The Nose ของ Shostakovich เป็นศูนย์รวมดนตรีดั้งเดิมของเรื่องราวของ Gogol อย่างแท้จริง มีความโดดเด่นด้วยเทคนิคการเรียบเรียงที่ซับซ้อน ฉากทั้งมวลและฝูงชน การเปลี่ยนแปลงตอนต่างๆ ที่หลากหลายและขัดแย้งกัน สถานที่สำคัญในงานของ Dmitry Shostakovich คือโอเปร่า "Lady Macbeth of Mtsensk" เธอโดดเด่นด้วยความคมชัดของการเสียดสีในลักษณะของตัวละครเชิงลบ เนื้อเพลงที่เป็นแรงบันดาลใจ และโศกนาฏกรรมที่รุนแรงและประเสริฐ

Mussorgsky ยังมีอิทธิพลต่องานของ Shostakovich สิ่งนี้เห็นได้จากความจริงและความสมบูรณ์ของภาพบุคคลทางดนตรี ความลึกซึ้งทางจิตวิทยา ลักษณะทั่วไปของเพลง และน้ำเสียงพื้นบ้าน ทั้งหมดนี้ปรากฏในบทกวีร้องประสานเสียง "The Execution of Stepan Razin" ในวงจรเสียงร้องที่เรียกว่า "จากบทกวีพื้นบ้านของชาวยิว" Dmitry Shostakovich ได้รับการยกย่องที่สำคัญสำหรับวงออเคสตราของ Khovanshchina และ Boris Godunov และการเรียบเรียงวงจรเสียงร้องของ Mussorgsky Songs and Dances of Death

เหตุการณ์สำคัญในชีวิตทางดนตรีของสหภาพโซเวียตคือการปรากฏตัวของคอนเสิร์ตสำหรับเปียโน ไวโอลิน และเชลโลพร้อมวงออเคสตรา และงานแชมเบอร์ที่เขียนโดยโชสตาโควิช ซึ่งรวมถึงวงเครื่องสาย 15 วง ฟิวก์ และพรีลูดสำหรับเปียโน 24 วง วงเมมโมรีทรีโอ วงดนตรีเปียโน และวงจรโรแมนติก

ผลงานของมิทรี ชอสตาโควิช- "ผู้เล่น", "จมูก", "เลดี้แมคเบ ธ แห่ง Mtsensk", "ยุคทอง", "ลำธารที่สดใส", "เพลงแห่งป่า", "มอสโก - Cheryomushki", "บทกวีเกี่ยวกับมาตุภูมิ", "การประหารชีวิต Stepan Razin”, “Hymn to Moscow”, “Festive Overture”, “ตุลาคม”

ความคิดสร้างสรรค์ของ Shostakovich ในช่วงทศวรรษที่ 20-30 (อ้างอิงจากบทความ: M. Aranovsky ในหนังสือ Russian Music and the 20th Century แก้ไขโดย M. Aranovsky)

Shostakovich เข้าสู่ดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 อย่างรวดเร็วและมีชื่อเสียง ซิมโฟนีที่ 1 ของเขา (พ.ศ. 2469) ซึ่งเขียนขึ้นในช่วงสิ้นสุดของ Leningrad Conservatory ได้แสดงไปรอบๆ เวทีคอนเสิร์ตต่างๆ ทั่วโลกอย่างรวดเร็ว ถือเป็นการกำเนิดของผู้มีพรสวรรค์คนใหม่ ในปีต่อ ๆ มานักแต่งเพลงหนุ่มเขียนมากมายและในรูปแบบที่แตกต่างกัน - ประสบความสำเร็จและไม่ดีนักโดยยอมจำนนต่อแผนของตัวเองและปฏิบัติตามคำสั่งจากโรงละครและภาพยนตร์ติดเชื้อกับการค้นหาสภาพแวดล้อมที่หลากหลายและแสดงความเคารพต่อการมีส่วนร่วมทางการเมือง เป็นเรื่องยากที่จะแยกลัทธิหัวรุนแรงทางศิลปะออกจากลัทธิหัวรุนแรงทางการเมืองในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ลัทธิแห่งอนาคตซึ่งมีแนวคิดเกี่ยวกับ "ความได้เปรียบในการผลิต" ของงานศิลปะ การต่อต้านปัจเจกชนอย่างตรงไปตรงมา และการดึงดูด "มวลชน" มีลักษณะคล้ายกับสุนทรียศาสตร์ของบอลเชวิคในทางใดทางหนึ่ง ด้วยเหตุนี้ความเป็นคู่ของผลงานเช่นซิมโฟนีชุดที่ 2 (“ Dedication to October”) และชุดที่ 3 (“ May Day”) ซึ่งสร้างขึ้นในธีมการปฏิวัติที่ได้รับความนิยมในขณะนั้น แต่ในภาษาดนตรีที่ใกล้เคียงกับ ASM มากกว่า Proletkult ควรสังเกตว่า "ที่อยู่สองแห่ง" ดังกล่าวโดยทั่วไปแล้วเป็นเรื่องปกติในช่วงเวลานั้น สำหรับผู้สร้างสรรค์งานศิลปะในตอนนั้นดูเหมือนว่าการปฏิวัติจะสอดคล้องกับจิตวิญญาณของภารกิจอันกล้าหาญของพวกเขาและสามารถช่วยเหลือพวกเขาได้เท่านั้น ต่อมาพวกเขาจะมั่นใจในความไร้เดียงสาในศรัทธาของพวกเขาในการปฏิวัติ แต่ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ชีวิตทางศิลปะเต็มไปด้วยความคึกคักและมีชีวิตชีวา ผลงานที่ดีที่สุดในช่วงเวลานี้คือ: ซิมโฟนีที่ 1, โอเปร่า "The Nose", เปียโนคอนแชร์โตครั้งที่ 1 และวงจรของเปียโน Preludes

Shostakovich ได้รับการโจมตีอย่างรุนแรงครั้งแรกจาก "เครื่องจักรขนาดใหญ่แห่งวัฒนธรรม" เผด็จการในปี 1936 ที่เกี่ยวข้องกับการผลิตโอเปร่าที่สองและสุดท้ายของเขา "Lady Macbeth of Mtsensk" (ในบทความ "ความสับสนแทนดนตรี" ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากคณะกรรมการกลาง ของพรรคคอมมิวนิสต์ All-Union แห่งบอลเชวิค (บอลเชวิค) ในหนังสือพิมพ์ปราฟ ") ในบริบททางการเมืองอื่น นี่อาจถือได้ว่าเป็นความอยากรู้อยากเห็นหรือการสำแดงของอาการจิตเภทของพรรค อย่างไรก็ตาม บริบททางสังคมก็มีความสำคัญ ความหมายที่เป็นลางไม่ดีของคำติเตียนทางอุดมการณ์ดังกล่าวก็คือในปี 1936 มู่เล่แห่งการปราบปรามที่อันตรายถึงชีวิตได้ทำงานในขอบเขตขนาดมหึมาทั้งหมดแล้ว ดังนั้น การวิพากษ์วิจารณ์เชิงอุดมการณ์จึงมีความหมายเพียงสิ่งเดียวเท่านั้น 6: ไม่ว่าคุณจะ "อยู่อีกด้านหนึ่งของเครื่องกีดขวาง" และด้วยเหตุนี้คุณจึงอยู่อีกด้านหนึ่งของการดำรงอยู่ หรือคุณรับรู้ถึง "ความยุติธรรมของการวิพากษ์วิจารณ์" และผลที่ตามมาก็คือ คุณได้รับชีวิต .

ผลงานต่อมา และเหนือสิ่งอื่นใดคือซิมโฟนีที่ 5 และ 6 ได้รับการตีความโดยโฆษณาชวนเชื่ออย่างเป็นทางการว่าเป็น "การตระหนักรู้" ว่าเป็น "การแก้ไข"

ศูนย์รวมที่หลากหลายของธีมของสงคราม ความกล้าหาญของประชาชน ความสูญเสียอันน่าสลดใจ การรุกรานของศัตรู และการต่อสู้ที่ได้รับชัยชนะในผลงานของ D. D. Shostakovich (ซิมโฟนีที่สิบ, วงสี่, ไวโอลินคอนแชร์โต้ครั้งแรก), ภาพสะท้อนของความเป็นจริงสมัยใหม่, แรงจูงใจของความกล้าหาญของแรงงาน และ การสร้างสันติในงานของ D. D. Shostakovich (oratorio "เพลงแห่งป่า") การรักษาธีมประวัติศาสตร์และการปฏิวัติในผลงานของ D. D. Shostakovich (บทกวีร้องเพลงสิบบทที่สร้างจากตำราของกวีปฏิวัติชาวรัสเซีย), Yu. A. Shaporin ( โอเปร่า "Decembrists"), T. N. Khrennikov (โอเปร่า "Mother"), A. I. Khachaturyan (บัลเล่ต์ "Spartacus")

แนวเพลงที่โดดเด่นที่สุดในผลงานของโชสตาโควิชคือซิมโฟนีและวงเครื่องสาย - เขาเขียนผลงาน 15 ชิ้นในแต่ละประเภท ในขณะที่ซิมโฟนีถูกเขียนขึ้นตลอดอาชีพนักประพันธ์เพลง โชสตาโควิชได้เขียนวงควอร์เตตส่วนใหญ่ในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขา ในบรรดาซิมโฟนีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือวง Fifth และ Eighth และในวงสี่วงได้แก่วง Eighth และ Fifth

ดนตรีของผู้แต่งแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของนักแต่งเพลงคนโปรดของโชสตาโควิชจำนวนมาก: J. S. Bach (ในความทรงจำและพาสซาคาเกลียของเขา), แอล. เบโธเฟน (ในควอร์เตตตอนปลายของเขา), G. มาห์เลอร์ (ในซิมโฟนีของเขา)

Fourteenth Symphony โดย ดี.ดี. Shostakovich กับภาวะที่กลืนไม่เข้าคายไม่ออกของชีวิตและความตายของเธอ โดยสร้างจิตรกรรมฝาผนังขนาดยักษ์ของโลกที่มีเหตุการณ์และรูปภาพทางวรรณกรรมและปรัชญาที่ฟื้นคืนชีพขึ้นมาใหม่

ที่น่าสนใจคือในงาน Chamber-Symphonic ของ D.D. "ความถ่วงจำเพาะ" ของดนตรีช้าของ Shostakovich นั้นเหนือกว่าเพลงแอ็คชั่น (โดยเฉพาะในช่วงปลาย) อย่างมีนัยสำคัญ เรามีสิทธิ์ที่จะพูดคุยเกี่ยวกับขอบเขตงานของเขาที่เป็นอิสระและเป็นศูนย์กลางโดยพื้นฐาน - เนื้อเพลงเชิงปรัชญาซึ่งมีการสร้างภาพลักษณ์ของคนที่มีความคิดแบบองค์รวมแม้ว่าจะขัดแย้งกันก็ตาม ขอบเขตของความคิดนี้เป็นสากลอย่างแท้จริง วัฒนธรรม "ทั้งหมด" อย่างแท้จริงถูกดึงเข้าสู่ "สนาม" ของมัน; ความคิดเป็นอิสระอย่างแท้จริง เคลื่อนไปตามยุคสมัย แต่ไม่มีที่ไหนเลยที่จะมีเสรีภาพในการ "สร้างตำนาน" เหลืออยู่ เนื่องจากทุกสภาวะแห่งจินตนาการหายใจเอาความจริงทางประวัติศาสตร์เข้าไป

เมื่อพูดถึงการซิมโฟนิซึมเป็นวิธีการคิดทางดนตรีสูงสุดในแง่ของสถานะทางศิลปะและญาณวิทยา เรามักจะหมายถึงลักษณะองค์รวมทั่วไปของความสัมพันธ์กับความเป็นจริง ซึ่งไม่ได้ยกเว้นในแนวคิดโวหารที่ใหญ่ที่สุด การสร้างภาพลักษณ์ของสังคมอย่างเป็นรูปธรรม สิ่งแวดล้อม. ดังนั้น เอ็ม.จี. Aranovsky ตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้อง:“ ใน Shostakovich ด้วยการปฐมนิเทศต่อปัญหาความสำคัญของพลเมืองมีนักสังคมวิทยาที่ละเอียดอ่อนอาศัยอยู่ เขามองหา "ความเทียบเท่าทางดนตรี" กับพลังทางสังคมที่เกี่ยวข้องกับพวกเขาโดยเปิดเผยความขัดแย้งที่แท้จริงของความเป็นจริง อย่างไรก็ตามสิ่งนี้ไม่เพียงเกี่ยวข้องกับโชสตาโควิชเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเบโธเฟน, ไชคอฟสกี, มาห์เลอร์ซึ่งมี "ความลับ" ของความอิ่มตัวของดนตรีที่บรรเลงอย่างหมดจดในระดับที่ความเข้มข้นทางความหมายของมันไม่ด้อยกว่านวนิยายหรือมหากาพย์ ในศตวรรษที่สิบเก้าและยี่สิบ ความหมายไพเราะชนิดพิเศษได้พัฒนาขึ้น: “ซิมโฟนีถือกำเนิดขึ้นเป็น “คำพูด” จ่าหน้าถึงผู้ฟังหลายล้านคน “คำพูด” ซึ่งทุก “วลี” และทุก “คำ” จะต้องเข้าใจ ปราศจากความคลุมเครือต้องไปถึง สมองและหัวใจของผู้ฟัง - เขาเข้าใจและมีประสบการณ์ ด้วยเหตุนี้ภายในกรอบของแนวคิดไพเราะ (คอมเพล็กซ์เชิงความหมายสัญลักษณ์ถูกสร้างขึ้นซึ่งความหมายถูกสร้างขึ้นทั้ง "แนวนอน" - ระบบความสัมพันธ์ระหว่างกัน และ "แนวตั้ง" - เมื่อเปรียบเทียบทางจิตกับความเป็นจริง"

เราสามารถพูดได้โดยไม่ต้องใช้คำพูด: ดนตรีรัสเซียตั้งแต่ Glinka ถึง Shostakovich กำลังพัฒนาไปตามวิธีการที่สมจริงที่กำลังพัฒนา และแนวคิดเกี่ยวกับโวหารที่สำคัญทุกประการ “ได้ผล” บนพื้นฐานระเบียบวิธีนี้ โดยเน้นย้ำถึงศักยภาพทางอุดมการณ์ จินตนาการ วัฒนธรรม และประวัติศาสตร์อย่างใดอย่างหนึ่ง

นวัตกรรม ส.ส. Mussorgsky ในสาขาดนตรีและสุนทรียภาพทางโลกอย่างแท้จริงได้กลายเป็นหนึ่งในแหล่งที่มาของโวหาร
___ 120 ___
แนวคิดของดี.ดี. โชสตาโควิช. ประการแรก สิ่งนี้เกี่ยวข้องกับความรู้สึกของประวัติศาสตร์ซึ่งมีอยู่ในความคิดทางดนตรีโดยธรรมชาติ และความปรารถนาอันลึกซึ้งของผู้แต่งในการสร้างชุมชนที่มีน้ำเสียงและเป็นรูปเป็นร่างกับโลกแห่งวัฒนธรรมของชาติ

สไตล์ของโชสตาโควิชเป็นปรากฏการณ์พิเศษที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมโลกโดยรวม ความร่ำรวยข้ามวัฒนธรรมไม่ได้แสดงออกในการสะท้อนภาพของ Bach หรือ Mozart แต่เป็นความสำเร็จของเวทีใหม่เชิงคุณภาพในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีซึ่ง "sublates" วิภาษวิธีของประเพณีประวัติศาสตร์ดนตรีอันยิ่งใหญ่ อาศัยรูปแบบและแนวเพลงที่กำหนดไว้ - ซิมโฟนี, ควอเตต, โซนาตาอัลเลโกร, ความทรงจำ, สังเคราะห์ความสำเร็จของดนตรีมืออาชีพของยุโรปในแต่ละด้านเหล่านี้, นักแต่งเพลงพิชิตขอบเขตใหม่ของการพัฒนาสำหรับพวกเขาโดยอิงจากความสมบูรณ์ของจังหวะและน้ำเสียงของ ท่วงทำนองประจำชาติรัสเซีย การเคลื่อนไหวเป็นช่วงกว้าง, ความเป็นพลาสติกของรูปทรงอันไพเราะ, พื้นฐานไดโทนิกของโหมด, ความเข้มข้นของภาพด้วยวิธีการแสดงออกที่พูดน้อย - คุณสมบัติที่เป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์น้ำเสียงของดนตรีรัสเซียและสไตล์การเขียนน้ำเสียงของ D.D. โชสตาโควิช. สไตล์ของเขาสรุปคุณค่าทางประวัติศาสตร์ของความสมจริงทางดนตรีอย่างมีเหตุผลทำให้พวกเขามีชีวิตที่สองเหมือนเดิม แอลเอ Mazel แสดงออกถึงการตัดสินที่ยุติธรรมอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับเรื่องนี้: “ ชุดของคอมเพล็กซ์ที่แสดงออกและความหมายที่พบทั้งชุดภาพดนตรีทั้งหมดที่สร้างขึ้นโดยมนุษยชาตินั้นเชื่อมโยงกันด้วยการเชื่อมโยงทางธรรมชาติกับความเป็นจริง แสดงถึงการสะท้อนที่เฉพาะเจาะจง และมีคุณค่าทางปัญญาที่เป็นกลางไม่น้อยไปกว่านี้ หรือสาขาวิทยาศาสตร์นั้น ๆ และหากผลงานดนตรีใหม่ใช้ประโยชน์จากคุณสมบัติ "สากล" นี้มุ่งเน้นและนำเสนอและทำซ้ำในรูปแบบใหม่ของความซับซ้อนที่แสดงออกที่สำคัญและมีความหมายซึ่งเป็นที่ยอมรับในอดีตจำนวนหนึ่งก็อาจดูเหมือน สดใหม่อย่างผิดปกติ ดั้งเดิม และในขณะเดียวกันก็ราวกับ “คุ้นเคยมานาน” ถือได้ว่าเป็นการแสดงออกถึงความจริงที่มีอยู่แล้ว แต่เพิ่งจะพบเท่านั้น” ในเรื่องนี้ภาษาดนตรีของโชสตาโควิชเป็นรูปแบบหนึ่งของกระบวนการทางดนตรีซึ่งเป็นสากลในความหมายทางวัฒนธรรมและสุนทรียภาพเช่นเดียวกับ "ความซับซ้อนที่แสดงออกและความหมาย" ของบาคหรือเบโธเฟน

สไตล์ของโชสตาโควิชซึ่งเป็นของโลกแห่งวัฒนธรรมรัสเซียโดยสมบูรณ์ ได้แยกแยะพื้นที่ที่ในอดีตย้อนกลับไปถึงพฤกษ์พฤกษ์ของบาคและซิมโฟนีของเบโธเฟนอย่างชัดเจน ก่อนที่จะติดตามพัฒนาการในการทำงานของเขา ให้เรากำหนดสถานการณ์ดังต่อไปนี้
___ 121 ___
ในสไตล์ของโชสตาโควิช หลักการด้านจังหวะได้รับการเสริมความแข็งแกร่งอย่างหาที่เปรียบมิได้: การหายใจเป็นจังหวะที่เข้มข้น, การเต้นของออสตินาโต, สัญญาณของ "ทอกกาตา", "การวิ่งอย่างไม่หยุดยั้ง" ของเวลาอย่างต่อเนื่อง, แทรกซึมไปทั่วโครงสร้างดนตรีทั้งหมด, ราวกับว่าเป็นการแสดงถึงการมีอยู่ของศตวรรษที่ 20, จังหวะและจังหวะ วี.เอ็น. Kholopova ระบุประเภทของจังหวะเป็นของ D.D. Shostakovich ถึง "ไม่ปกติ - ไม่มีสำเนียง" จังหวะประเภทนี้และความไม่ปกติมักเป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 สำหรับ Shostakovich นี่เป็นเพราะความตึงเครียดทางอารมณ์ที่แสดงออกถึงดราม่าของภาษาดนตรีซึ่งเข้ามาแทนที่จังหวะเมโทร "สี่เหลี่ยม" แบบดั้งเดิมของดนตรียุโรปตะวันตกรวมถึงความคิดอันไพเราะที่เข้มข้นและพิเศษทางสติปัญญาซึ่งต้องมีสมาธิคงที่ และเนื่องจากความเข้มข้นคงที่นี้ สำเนียงเมตริกจึง "ล้างออกไป" ควรสังเกตว่าจังหวะที่ผิดปกติซึ่งเต็มไปด้วยมิเตอร์แปรผันเป็นลักษณะของเมโลรัสเซียซึ่งแน่นอนว่าระบบการจัดเวลาดนตรีของ Shostakovich นั้นเชื่อมโยงทางอ้อม

ความคิดสร้างสรรค์แบบโพลีโฟนิกของนักแต่งเพลงมีความสำคัญเป็นพิเศษด้านสุนทรียศาสตร์สำหรับกระบวนการศึกษาสไตล์ในศิลปะดนตรีสมัยใหม่ โดยพื้นฐานแล้ว เรากำลังพูดถึงแนวคิดที่มีคุณค่าในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาการเขียนโพลีโฟนิกและมีเวทีพื้นฐานในการแสดงออกระดับชาติ การรำลึกถึงการคิดแบบโพลีโฟนิกของ Bach ในแนวคิดนี้ไม่อาจปฏิเสธได้ทั้งในแง่ของแง่มุมทางเทคโนโลยีของโพลีโฟนีและในแง่ของอันดับสุนทรีย์สากลของวงจร Prelude และ Fugue อย่างไรก็ตาม ดี.ดี. โครโนโทปทางดนตรีของ Shostakovich นั้นแตกต่างโดยพื้นฐานจากของ Bach ฟังก์ชั่นของ "ฐานพลังงาน" ของการเคลื่อนไหวของภาพดนตรีนั้นดำเนินการโดยจังหวะซึ่งตลอดทั้งรูปแบบจะสะสมศักยภาพและสิ่งเร้าเพื่อการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง อย่างไรก็ตาม จังหวะที่นี่ก็มีความแตกต่างที่สำคัญเช่นกัน นั่นคือเป็นจังหวะน้ำเสียง มันไม่ได้พึ่งพาตนเองได้ แต่ "ถูกสรุป" ด้วยตรรกะของวิวัฒนาการทางน้ำเสียงของแนวคิดเฉพาะเรื่อง

โดยไม่ต้องแสร้งทำเป็นว่าจะให้ความคุ้มครองที่สมบูรณ์เกี่ยวกับปัญหาสุนทรียศาสตร์ชั่วคราวของมรดกโพลีโฟนิกของโชสตาโควิช (ไม่ต้องสงสัยเลยว่าต้องใช้ความพิเศษ - จริงจัง! - การวิจัย) ให้เรามาดูการวิเคราะห์วงจรโพลีโฟนิกของ Prelude และ Fugue ใน D minor

“ระฆัง” อันยิ่งใหญ่ของบทละครเปิดเรื่อง ขอบเขตการเล่าเรื่องที่ยิ่งใหญ่ ดูเหมือนจะสรุปการย้อนเวลาประวัติศาสตร์อย่างไร้ขอบเขตในทันที ยิ่งไปกว่านั้น สุนทรียภาพของประวัติศาสตร์ยังได้รับการปรับปรุงด้วยความสัมพันธ์ทางดนตรีและวัฒนธรรมที่หลีกเลี่ยงไม่ได้กับมหากาพย์ของ Mussorgsky และ Borodin รวมถึงด้วยชั้นที่เชื่อมโยงที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น
___ 122 ___
เรื่องราวมหากาพย์สบาย ๆ รูปทรง Iambic () ซึ่งโผล่ออกมาจากอ็อกเทฟ "D" ที่อยู่ในเบส ราวกับมาจากระยะห่างของเวลา เน้นโครงสร้างการอ่านออกเสียงของภาษาดนตรี รูปแบบหลักของการแสดงโหมโรงจะแสดงโดยใช้การขับร้องสองเสียงที่เก่าแก่ ซึ่งจัดเรียงตามขั้นบันไดของโหมดธรรมชาติ

พื้นที่เชิงอุปมาอุปไมยและการแสดงออกทั้งหมดของ Prelude มุ่งเป้าไปที่การสร้างโครโนโทปทางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์พิเศษพร้อมสุนทรียศาสตร์ที่โดดเด่นแห่งยุคสมัยอันยิ่งใหญ่ (โปรดทราบว่าความเข้มข้นของมหากาพย์เป็นลักษณะของบทประพันธ์ที่วิเคราะห์มากกว่าหนึ่งบท V.P. Bobrovsky กล่าวถึงลักษณะที่สิบเอ็ดของ Shostakovich ว่า: "ผู้แต่งในงานนี้ผสมผสานความขัดแย้งที่ดูเหมือนจะเข้ากันไม่ได้ - มหากาพย์ที่เร่าร้อนและการแสดงออกทางประสาท") ในเรื่องนี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งความปรารถนาของ Shostakovich ที่จะรวบรวมความสัมพันธ์เชิงพื้นที่อย่างหมดจดด้วยวิธีการทางดนตรีเป็นสิ่งสำคัญซึ่งแสดงออกในความกว้างของการนำเสนอพื้นผิวและเสียง polyregister ความครอบคลุมของเวลาทางดนตรีรุ่นนี้ไม่ได้เกิดขึ้นโดยบังเอิญ เมื่อพิจารณาจากโครงสร้างอันยิ่งใหญ่ของยุคหลัง (โปรดจำไว้ว่าข้างต้นเราได้กล่าวถึงความสำคัญทางวัฒนธรรมของ "ความสุขในอวกาศ" สำหรับจิตสำนึกทางศิลปะของชาติแล้ว) ดังนั้นจึงเป็นเรื่องธรรมชาติที่ชัดเจนว่าโชสตาโควิชซึ่งเชื่อมโยงทางพันธุกรรมกับโลกแห่งวัฒนธรรมรัสเซียสร้างภาพลักษณ์ของกาลอวกาศอันยิ่งใหญ่ขึ้นมาใหม่ โดยใช้น้ำเสียงรัสเซียล้วนๆ และจังหวะนิทานอย่างอิสระ

ความต่อเนื่องทางดนตรีของ Prelude ใน D minor เปิดอยู่ (อีกครั้งการเปิดกว้างของเวลาที่น่าทึ่งซึ่งมีอยู่ใน Mussorgsky ในการแก้ปัญหาความต่อเนื่องอันงดงามและแม้แต่ "ลึกกว่า" - ต่อการรับรู้ทางโลกในวัฒนธรรมรัสเซียโบราณ): การงอกของเมล็ดพืชเฉพาะของ ความทรงจำที่แทรกซึมเข้ามาจะสิ้นสุดลงในการก่อสร้างครั้งสุดท้ายด้วยการย้ายควอร์ตแบบ "ละลาย" ซึ่งเป็นการเตรียมกระบวนการพัฒนาโพลีโฟนิกที่ทรงพลังโดยตรง

การแสดงครั้งแรกของธีม Fugue ซึ่งมีการแสดงรูปทรงน้ำเสียงในเพลง Prelude แล้ว "กำหนด" "อัลกอริทึม" ของการเคลื่อนไหวทางดนตรีที่แตกต่างกันโดยพื้นฐานทันที: นี่คือจังหวะออสตินาโตที่วัดได้ของโน้ตควอเตอร์ซึ่งสะสมอย่างไม่หยุดยั้งในทุกระดับของ โครงสร้างโพลีโฟนิก ความชัดเจนสูงสุดของแนวดิ่งเน้นย้ำด้วยแผนไดนามิกที่แกว่งไปมาภายในกรอบของ “R – RR” หลักการของการจัดระเบียบการพัฒนาชั่วคราวของ Fugue ในส่วนแรกนั้นถูกกำหนดโดยสาระสำคัญของน้ำเสียงของธีม นี่เป็นธีมคำพังเพยทั่วไปสำหรับ Shostakovich ซึ่งเป็นคำพูดที่สั้นที่สุดซึ่งเน้นเพียงศักยภาพที่เป็นรูปเป็นร่างและแสดงออกเท่านั้น ควอร์ตสี่เท่า
___ 123 ___
การร้องเพลงของน้ำเสียงหลักอีกครั้ง "รัสเซีย" ล้วนๆ ในแง่ของระบบน้ำเสียงการบำเพ็ญตบะทางอารมณ์ที่กำเริบโดยการบันทึกเสียงที่มืดมนออสตินาโตเป็นจังหวะบ่งบอกถึงขนาดของกระบวนการโพลีโฟนิก ความจำเพาะเชิงเป็นรูปเป็นร่างของการพัฒนาโพลีโฟนิกถูกฝังอยู่ในความซับซ้อนของจังหวะ - น้ำเสียงของธีม: พลังงานที่สะสมของจังหวะ ostinato ในทางตรรกะนำไปสู่การเพิ่มความเข้มข้นของการเคลื่อนไหวชั่วคราวในส่วนที่สอง (); การเคลื่อนไหวครั้งที่สองไปยังขั้นที่หกในตอนท้ายของการดำเนินการครั้งแรกของธีมจะเป็นตัวกำหนดการแสดงออกของน้ำเสียงที่สองและวิวัฒนาการแบบไดนามิกที่ยิ่งใหญ่ทั่วทั้งพื้นที่ของ Fugue

ความต่อเนื่องทางดนตรีของ Fugue ได้รับการจำลองตามหลักการของการแสดงละครที่แปลกประหลาด การเร่งความเร็ว,การควบแน่นกระบวนการทางดนตรีในทิศทางของสมาธิจิตสูงสุดของจินตภาพ ตรรกะที่เป็นรูปธรรมของส่วนแรกพัฒนาไปสู่การแสดงออกทางจิตวิทยาตามอัตวิสัย

ในระดับแนวคิดสุนทรียศาสตร์ของวงจรทั้งหมดใน D minor D.D. โชสตาโควิชสร้างแบบจำลองหลายเวลาอันเป็นเอกลักษณ์ซึ่งเป็นความสามัคคีที่เป็นรูปเป็นร่างและโวหารซึ่งเปิดเผยในวิภาษวิธีของแง่มุมทางประวัติศาสตร์และจิตวิทยาที่ยิ่งใหญ่ของโครโนโทปทางดนตรี โดยธรรมชาติแล้ว พหุเสียงในยุคของบาคไม่ได้และไม่สามารถรวบรวมแบบจำลองของความซับซ้อนดังกล่าวได้

ถ้าเป็นไปได้ เราได้อธิบายลักษณะเฉพาะสั้นๆ ของ "เส้น Bach" ในแนวคิดโวหารของ D.D. โชสตาโควิช. ให้เราหันไปหา "เบโธเฟน" เนื่องจากในงานของผู้แต่งแนวเพลงชั้นนำคือไพเราะและวิธีการคิดของเขามุ่งเน้นไปที่การแสดงเหตุการณ์ขนาดใหญ่ (ไพเราะ)

ตามที่ระบุไว้โดย L.A. Mazel “ในผลงานสำคัญของเขา Shostakovich ไม่เพียงสร้างภาพลักษณ์ทางดนตรีรูปแบบใหม่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสัมพันธ์และความสัมพันธ์ใหม่ของพวกเขาด้วย ระบบภาพ. ระบบนี้เป็นระบบเฉพาะบุคคล มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว และในขณะเดียวกันก็มีความสำคัญในระดับสากล มันทำให้การตีความใหม่ของดนตรีบรรเลงรูปแบบที่สูงที่สุดและได้รับการพัฒนามากที่สุด - รูปแบบโซนาต้าและรูปแบบของวงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิก" การพัฒนาแนวคิดข้างต้นเราสามารถพูดได้ว่าโชสตาโควิชนำเสนอความสร้างสรรค์รูปแบบใหม่สู่โลก การซิมโฟนิสต์เนื่องจากวิธีการทางภาษาดนตรีทั้งชุด - ตั้งแต่ไพเราะ -องค์ประกอบย่อยของน้ำเสียงไปจนถึงความสมบูรณ์ทางละคร และนั่นหมายความว่าแนวคิดเรื่องเวลาก็เปลี่ยนไปเช่นกันเมื่อเปรียบเทียบกับของเบโธเฟน และคำพูดของ V.P. Bobrovsky เกี่ยวกับลักษณะที่ขัดแย้งกันของการผสมผสานที่เข้ากันไม่ได้ ของมหากาพย์และรัฐที่แสดงออกของสิบเอ็ด
___ 124 ___
วงดนตรีทั้งสี่กล่าวถึงรากฐานของภารกิจเชิงปรัชญาและโลกทัศน์ของนักแต่งเพลง โดยมุ่งมั่นที่จะจับภาพและเปิดเผยแก่นแท้ของการดำรงอยู่

เส้นทางของนักเล่นซิมโฟนีของ Shostakovich ซึ่งยังคงแนวความสมจริงทางดนตรีอย่างเป็นธรรมชาติและสม่ำเสมออดไม่ได้ที่จะขัดแย้งกันเพราะมันสร้างความเป็นจริงของการดำรงอยู่ขึ้นมาใหม่ซึ่งความประเสริฐและฐานมีอยู่พร้อมกัน นี่เป็นความแตกต่างประการแรกจากสุนทรียศาสตร์ของเบโธเฟนซึ่งให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับแนวคิดเรื่องความงามที่มีประสิทธิภาพและมีชัยชนะ

ความแตกต่างที่สองระหว่างสุนทรียศาสตร์ของโชสตาโควิชและของเบโธเฟน: สำหรับโครงสร้างทั้งหมดของวงจรไพเราะนั้นเต็มไปด้วยภาพลักษณ์ของบุคคลที่เข้าใจการดำรงอยู่และพบว่าตัวเองอยู่ตลอดเวลาเมื่อเผชิญกับปัญหาสังคมที่แท้จริงและไม่ลึกลับ - ความตาย
___ 126 ___
และความชั่วร้าย ดังนั้นจึงไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในละครซิมโฟนิกของโชสตาโควิช โครงสร้างวงจรจะมองเห็นได้ชัดเจน โดยมีจุดศูนย์กลาง "ช้า" ในการเคลื่อนไหวที่หนึ่งและสาม "อะตอม" เชิงตรรกะของการก่อสร้างนี้ฝังอยู่ในหลักการของลัทธินิยมโดยที่ "การแบ่งแยกทั้งหมด" ดำเนินไปอย่างต่อเนื่อง - ความซับซ้อนทางปรัชญา - โศกนาฏกรรมถูกรวมเข้ากับแรงจูงใจของธรรมชาติ "มนุษย์ที่ใกล้ชิด" นี่เป็นความแตกต่างรูปแบบใหม่โดยพื้นฐาน โดยสร้าง "ความขัดแย้ง" ขึ้นอีกประการหนึ่งของภาษาและความคิดของผู้แต่ง

"Paradoxalia" กำหนดกฎแห่งกาลเวลา อย่างหลังใน Shostakovich สามารถนิยามได้ว่าเป็นการสังเคราะห์หลักการของ Bach และ Beethoven (เป็นการผสมผสานระหว่างสิ่งที่เข้ากันไม่ได้อีกครั้ง!): ทรงกลมที่น่าเศร้าพัฒนาตามประเภทของความชั่วคราวสัมบูรณ์ซึ่งความต่อเนื่องและความสม่ำเสมอของการเต้นของจังหวะชั่วคราวที่มีอยู่ใน Bach นั้นเสื่อมลง เข้าสู่ความน่าเบื่อเชิงกลของความชั่วร้ายที่กำลังจะเกิดขึ้น (เช่นใน Symphonies ที่เจ็ดและแปด); ทรงกลม "มนุษย์" มีรูปทรงขมับของตัวเองซึ่งมีอัลกอริธึม "วาง" ในโครงร่างที่เปราะบางและแปลกประหลาดของเส้นแนวไพเราะ โดยทั่วไป การแก้ปัญหาชั่วคราวของวงจรซิมโฟนิกไม่เพียงสร้างอะนาล็อกทางดนตรีของเวลาทางสังคมและประวัติศาสตร์เท่านั้น แต่ยังสร้างความต่อเนื่องเป็นรูปเป็นร่างหลายมิติที่แทรกซึมไปด้วยความหมายระหว่างวัฒนธรรมและบูรณาการเข้าด้วยกันผ่านความหมายของดนตรี-ความหมาย และมีความเฉพาะเจาะจงของชาติอย่างลึกซึ้ง

Dmitry Shostakovich (A. Ivashkin)

ดูเหมือนว่าเมื่อไม่นานมานี้ผลงานรอบปฐมทัศน์ของโชสตาโควิชกลายเป็นส่วนหนึ่งของจังหวะปกติของชีวิตประจำวัน เราไม่มีเวลาแม้แต่จะสังเกตลำดับที่เข้มงวดเสมอไป ซึ่งระบุได้จากความก้าวหน้าอย่างต่อเนื่องของบทประพันธ์ Opus 141 เป็นซิมโฟนีที่สิบห้า, Opus 142 เป็นวงจรของบทกวีของ Marina Tsvetaeva, Opuses 143 และ 144 เป็นวงที่สิบสี่และสิบห้า, Opus 145 เป็นวงจรของบทกวีของ Michelangelo และสุดท้าย Opus 147 เป็นอัลโตโซนาตาที่แสดง เป็นครั้งแรกหลังจากผู้แต่งถึงแก่กรรม ผลงานล่าสุดของ Shostakovich ทำให้ผู้ฟังตกตะลึง: ดนตรีสัมผัสกับปัญหาที่ลึกที่สุดและน่าตื่นเต้นที่สุดในการดำรงอยู่ มีความรู้สึกคุ้นเคยกับคุณค่าสูงสุดของวัฒนธรรมมนุษย์หลายประการ ด้วยศิลปะที่สมบูรณ์ซึ่งปรากฏชั่วนิรันดร์สำหรับเราในดนตรีของ Bach, Beethoven, Mahler, Tchaikovsky ในบทกวีของ Dante, Goethe และ พุชกิน เมื่อฟังเพลงของ Shostakovich มันเป็นไปไม่ได้ที่จะประเมินหรือเปรียบเทียบ - ทุกคนตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของเสียงที่มีมนต์ขลังโดยไม่ได้ตั้งใจ ดนตรีมีเสน่ห์ ปลุกความสัมพันธ์ที่ไม่มีที่สิ้นสุด และปลุกเร้าความตื่นเต้นของประสบการณ์ที่ลึกซึ้งและชำระล้างจิตวิญญาณ

การได้พบกับนักแต่งเพลงในคอนเสิร์ตครั้งสุดท้ายของเขา ในเวลาเดียวกัน เราก็สัมผัสได้ถึง "ความอมตะ" ของดนตรีของเขาอย่างชัดเจนและเฉียบแหลมในเวลาเดียวกัน รูปลักษณ์ที่มีชีวิตของโชสตาโควิชผู้ร่วมสมัยของเราแยกไม่ออกจากความคลาสสิกที่แท้จริงของการสร้างสรรค์ของเขาซึ่งสร้างขึ้นในวันนี้ แต่ตลอดไป ฉันจำบรรทัดที่เขียนโดย Yevtushenko ในปีที่ Anna Akhmatova เสียชีวิต: “ Akhmatova อยู่เหนือกาลเวลาและไม่เหมาะที่จะร้องไห้เกี่ยวกับเธอ ฉันไม่อยากจะเชื่อเลยตอนที่เธอยังมีชีวิตอยู่ ฉันไม่อยากจะเชื่อเลยตอนที่เธอจากไป ” งานศิลปะของโชสตาโควิชมีทั้งความทันสมัยอย่างล้ำลึกและ "เหนือกาลเวลา" หลังจากการปรากฏตัวของผลงานใหม่แต่ละชิ้นโดยผู้แต่ง เราได้สัมผัสกับเส้นทางแห่งประวัติศาสตร์ดนตรีที่มองไม่เห็นโดยไม่สมัครใจ อัจฉริยะของ Shostakovich ทำให้การติดต่อนี้หลีกเลี่ยงไม่ได้ เมื่อนักแต่งเพลงเสียชีวิตมันเป็นเรื่องยากที่จะเชื่อในทันที: มันเป็นไปไม่ได้ที่จะจินตนาการถึงความทันสมัยหากไม่มีโชสตาโควิช

ดนตรีของ Shostakovich เป็นต้นฉบับและในขณะเดียวกันก็เป็นแบบดั้งเดิม “ สำหรับความคิดริเริ่มทั้งหมดของเขา Shostakovich ไม่เคยเจาะจง ในเรื่องนี้เขาคลาสสิกมากกว่าคลาสสิก” เขาเขียนเกี่ยวกับครูของเขา บี. ทิชเชนโก้. โชสตาโควิชมีความคลาสสิกมากกว่าคลาสสิกในระดับทั่วไปซึ่งเขาเข้าใกล้ทั้งประเพณีและนวัตกรรม ในดนตรีของเขา เราจะไม่พบลัทธิตามตัวอักษรหรือแบบเหมารวมใดๆ สไตล์ของ Shostakovich เป็นการแสดงออกที่ยอดเยี่ยมของกระแสทั่วไปสำหรับดนตรีของศตวรรษที่ 20 (และในหลาย ๆ แง่มุมที่กำหนดแนวโน้มนี้): บทสรุปของความสำเร็จทางศิลปะที่ดีที่สุดตลอดกาลการดำรงอยู่อย่างอิสระและการแทรกซึมใน "สิ่งมีชีวิต" ของ กระแสดนตรีในยุคของเรา สไตล์ของโชสตาโควิชเป็นการสังเคราะห์ความสำเร็จที่สำคัญที่สุดของวัฒนธรรมศิลปะและการหักเหของสิ่งเหล่านี้ในจิตวิทยาศิลปะของมนุษย์ในยุคของเรา

เป็นเรื่องยากแม้จะแสดงรายการทุกอย่างที่สำเร็จไม่ทางใดก็ทางหนึ่งและสะท้อนให้เห็นในรูปแบบของมือที่สร้างสรรค์ของโชสตาโควิชซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของเราในตอนนี้ ครั้งหนึ่ง รูปแบบที่ "ดื้อรั้น" นี้ไม่เข้ากับเทรนด์ที่มีชื่อเสียงและทันสมัยใดๆ “ฉันรู้สึกถึงความแปลกใหม่และเอกลักษณ์เฉพาะตัวของดนตรี” เล่า บี. บริทเทนเกี่ยวกับความใกล้ชิดครั้งแรกของเธอกับผลงานของโชสตาโควิชในช่วงทศวรรษที่ 30 แม้ว่าโดยธรรมชาติแล้วมันจะมีรากฐานมาจากอดีตอันยิ่งใหญ่ก็ตาม ใช้เทคนิคมาโดยตลอด แต่ยังคงมีลักษณะที่สดใส... นักวิจารณ์ไม่สามารถ "แนบ" เพลงนี้กับโรงเรียนใด ๆ ได้ " และนี่ก็ไม่น่าแปลกใจ: เพลงของโชสตาโควิช "ดูดซับ" แหล่งที่มาหลายแห่งจากทั้งสองแหล่งใน รูปแบบที่เป็นรูปธรรมและทางอ้อม มากในโลกรอบตัวเขายังคงอยู่ใกล้กับโชสตาโควิชตลอดชีวิตของเขา ดนตรีของ Bach, Mozart, Tchaikovsky, Mahler, ร้อยแก้วของ Gogol, Chekhov และ Dostoevsky และสุดท้ายคือศิลปะของคนรุ่นราวคราวเดียวกัน - เมเยอร์โฮลด์, โปรโคฟีฟ, สตราวินสกี, เบิร์ก- นี่เป็นเพียงรายการสั้น ๆ เกี่ยวกับความรักอย่างต่อเนื่องของผู้แต่ง

ความสนใจที่กว้างขวางเป็นพิเศษไม่ได้ทำลาย "ความแข็งแกร่ง" ของสไตล์ของโชสตาโควิช แต่ทำให้ความยิ่งใหญ่ใหญ่โตนี้มีปริมาณที่น่าทึ่งและการให้เหตุผลทางประวัติศาสตร์ที่ลึกซึ้ง ซิมโฟนี โอเปร่า ควอเต็ต วงจรเสียงร้องของโชสตาโควิช น่าจะปรากฏในศตวรรษที่ 20 อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้เช่นเดียวกับทฤษฎีสัมพัทธภาพ ทฤษฎีข้อมูล และกฎการแยกอะตอม ดนตรีของโชสตาโควิชเป็นผลเดียวกันกับการพัฒนาอารยธรรม การพิชิตวัฒนธรรมของมนุษย์ เช่นเดียวกับการค้นพบทางวิทยาศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษของเรา งานของ Shostakovich ได้กลายเป็นส่วนเชื่อมโยงที่จำเป็นในสายโซ่ของการส่งสัญญาณไฟฟ้าแรงสูงของประวัติศาสตร์บรรทัดเดียว

ไม่เหมือนใคร Shostakovich กำหนดเนื้อหาของวัฒนธรรมดนตรีรัสเซียในศตวรรษที่ 20 “ ในรูปลักษณ์ของเขามีบางสิ่งที่เป็นคำทำนายที่ไม่อาจปฏิเสธได้สำหรับพวกเราชาวรัสเซียทุกคน รูปร่างหน้าตาของเขามีส่วนอย่างมากในการส่องสว่าง ... ของถนนของเราด้วยแสงนำทางใหม่ ในแง่นี้ (เขา) คือคำทำนายและเป็น "สิ่งบ่งชี้" คำพูดของ Dostoevsky เกี่ยวกับ Pushkin เหล่านี้สามารถนำไปใช้กับงานของ Shostakovich ได้เช่นกัน งานศิลปะของเขาในหลาย ๆ ด้านเหมือนกับ "การชี้แจง" (Dostoevsky) ของเนื้อหาของวัฒนธรรมรัสเซียใหม่ที่งานของพุชกินในช่วงเวลาของเขา และหากบทกวีของพุชกินแสดงออกและกำกับจิตวิทยาและอารมณ์ของบุคคลในยุคหลัง Petrine ดนตรีของ Shostakovich ตลอดหลายทศวรรษของผลงานของนักแต่งเพลงก็กำหนดโลกทัศน์ของบุคคลในศตวรรษที่ 20 โดยรวบรวมคุณลักษณะที่หลากหลายของ เขา. เมื่อใช้ผลงานของ Shostakovich เราสามารถศึกษาและสำรวจคุณลักษณะต่างๆ ของโครงสร้างทางจิตวิญญาณของคนรัสเซียยุคใหม่ได้ นี่คือการเปิดกว้างทางอารมณ์ที่รุนแรงและในขณะเดียวกันก็มีแนวโน้มพิเศษในการคิดและวิเคราะห์อย่างลึกซึ้ง นี่เป็นอารมณ์ขันที่สดใสและฉ่ำโดยไม่คำนึงถึงอำนาจและการไตร่ตรองบทกวีอย่างเงียบ ๆ นี่คือความเรียบง่ายในการแสดงออกและความคิดที่ละเอียดอ่อน จากศิลปะรัสเซีย Shostakovich สืบทอดขอบเขตอันยิ่งใหญ่และความกว้างของภาพ และอารมณ์ในการแสดงออกที่ไร้การควบคุม

เขารับรู้อย่างละเอียดอ่อนถึงความซับซ้อนความแม่นยำทางจิตวิทยาและความถูกต้องของงานศิลปะนี้ความคลุมเครือของวัตถุธรรมชาติของความคิดสร้างสรรค์ที่หุนหันพลันแล่นและหุนหันพลันแล่น ดนตรีของ Shostakovich สามารถ "จิตรกร" อย่างสงบและแสดงถึงการปะทะที่รุนแรงที่สุด การมองเห็นโลกภายในที่ไม่ธรรมดาของผลงานของโชสตาโควิช ความคมชัดที่น่าตื่นเต้นของอารมณ์ ความคิด ความขัดแย้งที่แสดงออกในดนตรีของเขา - ทั้งหมดนี้ยังเป็นคุณลักษณะของศิลปะรัสเซียอีกด้วย ขอให้เราระลึกถึงนวนิยายของ Dostoevsky ซึ่งดึงดูดเราให้มุ่งหน้าเข้าสู่โลกแห่งภาพของพวกเขา นั่นคือศิลปะของโชสตาโควิช - เป็นไปไม่ได้ที่จะฟังเพลงของเขาอย่างเฉยเมย “โชสตาโควิช” เขียน ยู. ชาโปรินอาจเป็นศิลปินที่ซื่อสัตย์และซื่อสัตย์ที่สุดในยุคของเรา ไม่ว่าเขาจะสะท้อนโลกแห่งประสบการณ์ส่วนตัวหรือหันไปสู่ปรากฏการณ์ของระเบียบสังคม คุณลักษณะเฉพาะของงานของเขาก็สามารถปรากฏให้เห็นได้ทุกที่ นี่คือเหตุผลว่าทำไมดนตรีของเขาถึงส่งผลกระทบอย่างมากต่อผู้ฟัง แม้กระทั่งผู้ที่ต่อต้านภายในก็ยังแพร่ระบาดได้?”

งานศิลปะของโชสตาโควิชส่งถึงโลกภายนอกถึงมนุษยชาติ รูปแบบของคำอุทธรณ์นี้แตกต่างอย่างมาก: จากความสว่างโปสเตอร์ของการแสดงละครพร้อมดนตรีของโชสตาโควิชรุ่นเยาว์, ซิมโฟนีที่สองและสามจากไหวพริบอันแวววาวของ "The Nose" ไปจนถึงความน่าสมเพชอันน่าสลดใจของ "Katerina Izmailova" ซิมโฟนีที่แปด, สิบสามและสิบสี่และการเปิดเผยที่น่าทึ่งของวงควอร์ตตอนปลายและวงจรการร้องราวกับสร้าง "คำสารภาพ" ที่กำลังจะตายของศิลปิน เมื่อพูดถึงสิ่งต่าง ๆ "การวาดภาพ" หรือ "การแสดงออก" โชสตาโควิชยังคงตื่นเต้นและจริงใจอย่างยิ่ง: "นักแต่งเพลงจะต้องเอาชนะงานของเขาและเอาชนะความคิดสร้างสรรค์ของเขา" “การให้ตนเอง” นี้เป็นเป้าหมายของความคิดสร้างสรรค์ยังประกอบด้วยธรรมชาติของงานศิลปะของโชสตาโควิชแบบรัสเซียล้วนๆ

เพื่อความเปิดกว้าง ดนตรีของ Shostakovich นั้นยังห่างไกลจากความเรียบง่าย ผลงานของนักแต่งเพลงมักเป็นเครื่องพิสูจน์ถึงสุนทรียศาสตร์ที่เข้มงวดและประณีตของเขาเสมอ แม้ว่าจะหันไปใช้แนวเพลงและบทละครยอดนิยมก็ตาม Shostakovich ยังคงยึดมั่นในความบริสุทธิ์ของสไตล์ทั้งหมดของเขา ความชัดเจน และความกลมกลืนของความคิด สำหรับเขา แนวเพลงทุกประเภทถือเป็นศิลปะชั้นสูงที่ประทับตราแห่งงานฝีมืออันไร้ที่ติ

ในความบริสุทธิ์ของสุนทรียศาสตร์และความสำคัญทางศิลปะที่หายากความสมบูรณ์ของความคิดสร้างสรรค์มีความสำคัญอย่างยิ่งยวดของงานศิลปะของโชสตาโควิชสำหรับการก่อตัวของแนวคิดทางจิตวิญญาณและศิลปะทั่วไปของบุคคลประเภทใหม่ซึ่งเป็นบุคคลในประเทศของเรา Shostakovich ได้ผสมผสานแรงกระตุ้นที่มีชีวิตในยุคปัจจุบันเข้ากับประเพณีที่ดีที่สุดของวัฒนธรรมรัสเซียในงานของเขา เขาเชื่อมโยงความกระตือรือร้นในการเปลี่ยนแปลงการปฏิวัติ ความน่าสมเพชและพลังของการสร้างใหม่เข้ากับโลกทัศน์ประเภท "แนวความคิด" ในเชิงลึกซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 และแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในผลงานของ Dostoevsky , ตอลสตอย และไชคอฟสกี ในแง่นี้ งานศิลปะของ Shostakovich ได้สร้างสะพานจากศตวรรษที่ 19 ไปจนถึงช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษของเรา ดนตรีรัสเซียทั้งหมดในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ถูกกำหนดโดยผลงานของโชสตาโควิชไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง

ย้อนกลับไปในยุค 30 V. Nemirovich-Danchenkoต่อต้าน "ความเข้าใจที่แคบของโชสตาโควิช" คำถามนี้ยังคงมีความเกี่ยวข้องในปัจจุบัน: บางครั้งโวหารโวหารที่หลากหลายของงานของผู้แต่งก็แคบลงและ "ยืดออก" อย่างไม่สมเหตุสมผล ในขณะเดียวกันงานศิลปะของ Shostakovich มีความหมายมากมายเช่นเดียวกับวัฒนธรรมทางศิลปะในยุคของเราที่มีความหมายมากมาย “ในความหมายกว้างๆ” เขียน เอ็ม. ซาบินาในวิทยานิพนธ์ของเขาที่อุทิศให้กับ Shostakovich คุณสมบัติที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัวของสไตล์ของ Shostakovich คือองค์ประกอบองค์ประกอบที่หลากหลายขนาดมหึมาพร้อมความเข้มข้นของการสังเคราะห์ที่ไม่ธรรมดา ความเป็นธรรมชาติและความแปลกใหม่ของผลลัพธ์นั้นเกิดจากความอัศจรรย์แห่งอัจฉริยะ ที่สามารถเปลี่ยนสิ่งที่คุ้นเคยให้กลายเป็นการเปิดเผยอันน่าทึ่ง และในขณะเดียวกันก็ได้ผ่านกระบวนการพัฒนา การสร้างความแตกต่าง และการขัดเกลาอันยาวนาน องค์ประกอบโวหารของแต่ละบุคคลซึ่งค้นพบอย่างอิสระเป็นครั้งแรกในการใช้งานศิลปะที่ยอดเยี่ยมและยืมมาจาก "คลังเก็บของ" ทางประวัติศาสตร์เข้าสู่ความสัมพันธ์ใหม่และการเชื่อมโยงระหว่างกันเพื่อให้ได้คุณภาพใหม่ที่สมบูรณ์” ในงานของโชสตาโควิชมีความหลากหลาย ชีวิต, ความไม่สมดุล, ความเป็นไปไม่ได้ขั้นพื้นฐานของการมองเห็นความเป็นจริงที่ไม่คลุมเครือ, การผสมผสานที่โดดเด่นของความชั่วคราวของเหตุการณ์ในชีวิตประจำวันและความเข้าใจประวัติศาสตร์โดยทั่วไปเชิงปรัชญา การสร้างสรรค์ที่ดีที่สุดของ Shostakovich สะท้อนให้เห็นถึง "พื้นที่" ที่เป็นระยะ - ในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรม - ปรากฏในผลงานสำคัญที่สำคัญที่สุดจนกลายเป็นแก่นสารของลักษณะเด่นของทั้งยุค นี่คือ "พื้นที่" "Goethe's Faust และ Divine Comedy ของ Dante: ปัญหาเร่งด่วนและเร่งด่วนของความทันสมัยที่กังวลว่าผู้สร้างของพวกเขาจะผ่านความหนา ของประวัติศาสตร์และตามที่เคยเป็นมาติดอยู่กับปัญหาทางปรัชญาและจริยธรรมชั่วนิรันดร์ที่มาพร้อมกับการพัฒนาของมนุษยชาติเสมอ "พื้นที่" แบบเดียวกันนั้นชัดเจนและเป็นศิลปะของโชสตาโควิชผสมผสานความคมชัดที่เร่าร้อนของความเป็นจริงในปัจจุบันและบทสนทนาที่เสรี กับอดีต ขอให้เราจำซิมโฟนีที่สิบสี่และสิบห้า - ความครอบคลุมของพวกเขาน่าทึ่งมาก แต่ประเด็นไม่ได้อยู่ที่งานใดงานหนึ่งโดยเฉพาะด้วยซ้ำ งานทั้งหมดของโชสตาโควิชคือการสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเดียวอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยซึ่งมีความสัมพันธ์กับ "จักรวาล" ของจักรวาลและวัฒนธรรมของมนุษย์

ดนตรีของโชสตาโควิชมีความใกล้เคียงกับทั้งดนตรีคลาสสิกและแนวโรแมนติก - ชื่อของผู้แต่งในตะวันตกมักเกี่ยวข้องกับแนวโรแมนติก "ใหม่" ที่มาจากมาห์เลอร์และไชคอฟสกี ภาษาของ Mozart และ Mahler, Haydn และ Tchaikovsky ยังคงสอดคล้องกับคำพูดของเขาเองเสมอ “ โมสาร์ท” โชสตาโกวิชเขียน“ เป็นเยาวชนแห่งดนตรีมันเป็นฤดูใบไม้ผลิที่ยังเยาว์วัยชั่วนิรันดร์นำความสุขของการต่ออายุในฤดูใบไม้ผลิและความกลมกลืนทางจิตวิญญาณมาสู่มนุษยชาติ เสียงดนตรีของเขาทำให้ฉันตื่นเต้นอยู่เสมอคล้ายกับเสียงนั้น เราสัมผัสได้เมื่อได้พบกับเพื่อนรักในวัยเยาว์” Shostakovich พูดคุยกับเพื่อนชาวโปแลนด์เกี่ยวกับดนตรีของ Mahler เค. เมเยอร์: “ถ้ามีคนบอกฉันว่าฉันมีชีวิตอยู่เพียงชั่วโมงเดียว ฉันอยากจะฟังเพลงสุดท้ายของโลก”

มาห์เลอร์ยังคงเป็นนักแต่งเพลงคนโปรดของโชสตาโควิชตลอดชีวิตของเขา และเมื่อเวลาผ่านไป มุมมองต่างๆ ของโลกทัศน์ของมาห์เลอร์ก็ใกล้ชิดกันมากขึ้น โชสตาโควิชรุ่นเยาว์ถูกดึงดูดโดยลัทธิสูงสุดทางปรัชญาและศิลปะของมาห์เลอร์ (การตอบสนองคือองค์ประกอบที่ไร้ขอบเขตและทำลายขอบเขตของซิมโฟนีที่สี่และผลงานก่อนหน้านี้) จากนั้นด้วยอารมณ์รุนแรงขึ้นของมาห์เลอร์ "ความตื่นเต้น" (เริ่มต้นด้วย "เลดี้แมคเบธ") ในที่สุด ช่วงปลายของความคิดสร้างสรรค์ทั้งหมด (เริ่มต้นด้วยเชลโลคอนแชร์โต้ครั้งที่สอง) ผ่านไปภายใต้สัญลักษณ์ของการไตร่ตรองในเพลง Adagio ของ Mahler เรื่อง "Songs about Dead Children" และ "Songs about the Earth"

ความเสน่หาต่อดนตรีคลาสสิกของรัสเซียของโชสตาโควิชนั้นยอดเยี่ยมมาก - และเหนือสิ่งอื่นใดสำหรับไชคอฟสกีและมุสซอร์กสกี “ ฉันยังไม่ได้เขียนบรรทัดใดที่คู่ควรกับ Mussorgsky” นักแต่งเพลงกล่าว เขาแสดงเพลง "Boris Godunov" และ "Khovanshchina" ฉบับออเคสตราด้วยความรัก เรียบเรียงวงจรเสียงร้อง "Songs and Dances of Death" และสร้างซิมโฟนีที่สิบสี่ของเขาให้เป็นความต่อเนื่องของวงจรนี้ และหากหลักการของละคร การพัฒนาภาพ และการพัฒนาเนื้อหาทางดนตรีในผลงานของโชสตาโควิชนั้นใกล้เคียงกับไชคอฟสกีในหลาย ๆ ด้าน (จะเพิ่มเติมในภายหลัง) โครงสร้างน้ำเสียงของพวกเขาก็จะตามมาโดยตรงจากดนตรีของ Mussorgsky มีหลายสิ่งที่คล้ายคลึงกัน หนึ่งในนั้นน่าประหลาดใจ: ธีมของตอนจบของ Second Cello Concerto เกือบจะตรงกับจุดเริ่มต้นของ "Boris Godunov" เป็นการยากที่จะบอกว่านี่เป็น "การพาดพิง" โดยบังเอิญต่อสไตล์ของ Mussorgsky ซึ่งเข้าสู่เลือดและเนื้อหนังของ Shostakovich หรือ "คำพูด" โดยเจตนา - หนึ่งในหลาย ๆ เรื่องที่มีลักษณะ "จริยธรรม" ในงานช่วงปลายของ Shostakovich สิ่งหนึ่งที่เถียงไม่ได้: มันคือ "หลักฐานของผู้เขียน" อย่างแน่นอนถึงความสัมพันธ์อันลึกซึ้งของ Mussorgsky กับจิตวิญญาณของดนตรีของ Shostakovich

หลังจากดูดซับแหล่งที่มาต่างๆ มากมาย งานศิลปะของ Shostakovich ยังคงแปลกแยกจากการใช้งานตามตัวอักษร "ศักยภาพที่ไม่สิ้นสุดของแบบดั้งเดิม" ที่เห็นได้ชัดเจนในผลงานของนักแต่งเพลงไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับ epigonism โชสตาโควิชไม่เคยเลียนแบบใครเลย ผลงานแรกสุดของเขา - เปียโน "Fantastic Dances" และ "Aphorisms", Two Pieces for Octet, the First Symphony - ประหลาดใจกับความคิดริเริ่มและความเป็นผู้ใหญ่ที่ไม่ธรรมดา พอจะกล่าวได้ว่า First Symphony ซึ่งแสดงในเลนินกราดเมื่อผู้แต่งอายุไม่ถึงยี่สิบปีได้เข้าสู่ละครของวงออเคสตราที่ใหญ่ที่สุดในโลกหลายแห่งอย่างรวดเร็ว ดำเนินการในกรุงเบอร์ลิน บี. วอลเตอร์(พ.ศ. 2470) ในฟิลาเดลเฟีย - แอล. สโตโควสกี้ในนิวยอร์ค - เอ. ร็อดซินสกี้และหลังจากนั้น - เอ. ทอสคานีนี. และโอเปร่าเรื่อง The Nose ที่เขียนเมื่อปี 1928 นั่นก็คือเกือบครึ่งศตวรรษที่ผ่านมา! เพลงประกอบนี้ยังคงความสดใหม่และคมชัดมาจนถึงทุกวันนี้ โดยเป็นหนึ่งในผลงานต้นฉบับและมีชีวิตชีวาที่สุดสำหรับละครเวทีโอเปร่าที่สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 20 แม้กระทั่งตอนนี้ สำหรับผู้ฟังที่สัมผัสได้ถึงเสียงของบทประพันธ์แนวหน้าทุกประเภท ภาษาของ "The Nose" ยังคงทันสมัยและโดดเด่นเป็นอย่างยิ่ง กลับกลายเป็นว่าถูกต้อง ไอ. โซลเลอร์ตินสกี้ผู้เขียนในปี 1930 หลังการแสดงโอเปร่ารอบปฐมทัศน์: “The Nose” เป็นอาวุธระยะไกล กล่าวอีกนัยหนึ่งนี่คือการลงทุนที่ไม่จ่ายผลตอบแทนทันที แต่จะให้ผลลัพธ์ที่ยอดเยี่ยมในภายหลัง” แท้จริงแล้วเพลงของ "The Nose" ตอนนี้ถูกมองว่าเป็นสัญญาณประเภทหนึ่งที่ส่องสว่างเส้นทางการพัฒนาดนตรีสำหรับ หลายปีต่อจากนี้และสามารถใช้เป็น "แนวทาง" ในอุดมคติสำหรับนักแต่งเพลงรุ่นเยาว์ที่ต้องการเรียนรู้เทคนิคการเขียนล่าสุด ผลงานล่าสุดของ "The Nose" ที่ Moscow Chamber Musical Theatre และในต่างประเทศหลายประเทศประสบความสำเร็จอย่างมีชัย ยืนยันถึงความทันสมัยที่แท้จริงของโอเปร่าแห่งนี้

โชสตาโควิชอยู่ภายใต้ความลึกลับทั้งหมดของเทคโนโลยีดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 เขารู้ดีและชื่นชมผลงานคลาสสิกแห่งศตวรรษของเรา: Prokofiev, Bartok, Stravinsky, Schoenberg, Berg, Hindemith.. ภาพเหมือนของ Stravinsky วางอยู่บนโต๊ะของ Shostakovich ตลอดเวลาในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต Shostakovich เขียนเกี่ยวกับความหลงใหลในงานของเขาในช่วงปีแรก ๆ: “ ด้วยความหลงใหลในวัยเยาว์ฉันจึงเริ่มศึกษานักสร้างสรรค์ดนตรีอย่างรอบคอบ จากนั้นฉันก็รู้ว่าพวกเขายอดเยี่ยมมากโดยเฉพาะ Stravinsky... เมื่อนั้นฉันจึงรู้สึกว่ามือของฉัน ปลดเปลื้องว่าความสามารถพิเศษของฉันเป็นอิสระจากกิจวัตรประจำวัน” โชสตาโควิชยังคงสนใจสิ่งใหม่ ๆ จนถึงวันสุดท้ายของชีวิต เขาต้องการรู้ทุกสิ่ง: ผลงานใหม่ของเพื่อนร่วมงานและนักเรียนของเขา - M. Weinberg, B. Tishchenko, B. Tchaikovsky,ผลงานล่าสุดของนักแต่งเพลงชาวต่างประเทศ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Shostakovich แสดงความสนใจอย่างมากในดนตรีโปแลนด์โดยทำความคุ้นเคยกับผลงานของ วี. ลูโตสลอว์สกี้, เค. เพนเดอเรคกี, จี. บาเซวิช, เค. เมเยอร์และคนอื่น ๆ.

ในงานของเขา - ในทุกขั้นตอน - โชสตาโควิชใช้เทคนิคใหม่ล่าสุดและกล้าหาญที่สุดของเทคนิคการแต่งเพลงสมัยใหม่ อย่างไรก็ตามสุนทรียศาสตร์ของเปรี้ยวจี๊ดยังคงเป็นคนแปลกหน้าสำหรับโชสตาโควิช สไตล์ความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงมีความเฉพาะตัวอย่างยิ่งและเป็น "เสาหิน" ไม่ใช่เรื่องของแฟชั่น แต่ในทางกลับกันส่วนใหญ่เป็นแนวทางในการค้นหาดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 “ จนถึงบทประพันธ์ครั้งสุดท้ายของเขา Shostakovich แสดงให้เห็นถึงความคิดสร้างสรรค์ที่ไม่สิ้นสุดพร้อมสำหรับการทดลองและความเสี่ยงที่สร้างสรรค์... แต่ยิ่งกว่านั้น เขายังคงซื่อสัตย์และซื่อสัตย์อย่างกล้าหาญต่อรากฐานของสไตล์ของเขา หรือ - เพื่อให้กว้างขึ้น - สู่รากฐานของศิลปะที่ไม่เคยมีมาก่อน จะไม่สูญเสียการควบคุมตนเองทางศีลธรรม ไม่ว่าในกรณีใด เขาจะยอมจำนนต่ออำนาจของลัทธิอัตวิสัย ลัทธิเผด็จการ ความบันเทิงทางปัญญา" ( ด. ซิโตเมียร์สกี้). ในการสัมภาษณ์ต่างประเทศเมื่อเร็ว ๆ นี้ตัวนักแต่งเพลงเองพูดอย่างชัดเจนมากเกี่ยวกับลักษณะเฉพาะของความคิดของเขาเกี่ยวกับการผสมผสานทางอ้อมและอินทรีย์ขององค์ประกอบของเทคนิคที่แตกต่างกันและสไตล์ที่แตกต่างกันในงานของเขา:“ ฉันเป็นคู่ต่อสู้ที่แข็งแกร่งของวิธีการที่ นักแต่งเพลงใช้ระบบบางประเภทโดย จำกัด ตัวเองตามกรอบและมาตรฐานเท่านั้น . แต่ถ้านักแต่งเพลงรู้สึกว่าเขาต้องการองค์ประกอบของเทคนิคเฉพาะเขามีสิทธิ์ที่จะใช้ทุกสิ่งที่มีให้เขาและใช้ตามที่เขาเห็นสมควร มันเป็นสิทธิ์เด็ดขาดของเขาที่จะทำเช่นนั้น แต่ถ้าคุณใช้เทคนิคใดเทคนิคหนึ่ง - ไม่ว่าจะเป็นแบบ aleatoric หรือแบบ dodecaphony - และคุณไม่ใส่อะไรลงไปในงานนอกเหนือจากเทคนิคนี้ - นี่เป็นความผิดพลาดของคุณ คุณต้องมีการสังเคราะห์ซึ่งเป็นการเชื่อมต่อแบบอินทรีย์ "

การสังเคราะห์นี้ขึ้นอยู่กับบุคลิกลักษณะที่สดใสของนักแต่งเพลงซึ่งทำให้สไตล์ของ Shostakovich แตกต่างจากลักษณะพหุนิยมของดนตรีในศตวรรษของเราและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงหลังสงครามเมื่อความหลากหลายของแนวโน้มโวหารและการผสมผสานอย่างอิสระในผลงานของ ศิลปินคนหนึ่งกลายเป็นบรรทัดฐานและแม้กระทั่งคุณธรรม กระแสของพหุนิยมไม่เพียงแพร่กระจายในดนตรีเท่านั้น แต่ยังแพร่กระจายไปในด้านอื่น ๆ ของวัฒนธรรมตะวันตกสมัยใหม่ด้วย ในระดับหนึ่งเป็นการสะท้อนของลานตา ความเร่งของจังหวะชีวิต ความเป็นไปไม่ได้ในการบันทึกและทำความเข้าใจทุกช่วงเวลาของมัน ดังนั้นการเปลี่ยนแปลงที่มากขึ้นของกระบวนการทางวัฒนธรรมทั้งหมดการเปลี่ยนการเน้นจากการรับรู้ถึงคุณค่าทางศิลปะที่ขัดขืนไม่ได้ไปสู่การทดแทน ในการแสดงออกที่เหมาะสมของนักประวัติศาสตร์ชาวฝรั่งเศสสมัยใหม่ พี. ริเกราค่านิยม “ไม่เป็นความจริงหรือเท็จอีกต่อไป แต่แตกต่างกัน” พหุนิยมถือเป็นแง่มุมใหม่ของการมองเห็นและการประเมินความเป็นจริงเมื่อศิลปะมีลักษณะเฉพาะด้วยความสนใจไม่ใช่ในสาระสำคัญ แต่ในการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วของปรากฏการณ์และการตรึงการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วในตัวเองนี้ถือเป็นการแสดงออกของแก่นแท้ ( ในแง่นี้ผลงานสมัยใหม่ที่สำคัญบางชิ้นใช้หลักการของโพลีสไตลิสและการตัดต่อ เช่น ซิมโฟนี แอล. เบริโอ). หากเราใช้การเชื่อมโยงทางไวยากรณ์ของโครงสร้าง "แนวความคิด" และเต็มไปด้วย "วาจานิยม" จิตวิญญาณของดนตรีก็ถูกลิดรอนและโลกทัศน์ของผู้แต่งไม่มีความสัมพันธ์กับปัญหาบางอย่างอีกต่อไป แต่มีเพียงคำแถลงการดำรงอยู่ของพวกเขาเท่านั้น เป็นที่ชัดเจนว่าเหตุใดโชสตาโควิชจึงห่างไกลจากพหุนิยมทำไมตัวละครในงานศิลปะของเขาจึงยังคงเป็น "เสาหิน" มานานหลายทศวรรษในขณะที่กระแสน้ำขึ้นและลงไหลเชี่ยวรอบตัวเขา ศิลปะของโชสตาโควิช - เพื่อความครอบคลุมทั้งหมด - มีความสำคัญมาโดยตลอดโดยเจาะลึกเข้าไปในจิตวิญญาณของมนุษย์และจักรวาลซึ่งเข้ากันไม่ได้กับความไร้สาระและการสังเกต "ภายนอก" และในกรณีนี้เช่นกัน Shostakovich ยังคงเป็นทายาทของศิลปะคลาสสิกและเหนือสิ่งอื่นใดศิลปะคลาสสิกของรัสเซียซึ่งมุ่งมั่นที่จะ "เข้าถึงแก่นแท้" มาโดยตลอด

ความเป็นจริงเป็น "หัวเรื่อง" หลักของงานของโชสตาโควิช ความหนาที่สำคัญของชีวิต ความไม่รู้จักเหนื่อยของมันคือที่มาของแผนของผู้แต่งและแนวคิดทางศิลปะ เช่นเดียวกับแวนโก๊ะ เขาอาจพูดว่า: “ฉันต้องการให้เราทุกคนกลายเป็นชาวประมงในทะเลที่เรียกว่ามหาสมุทรแห่งความเป็นจริง” ดนตรีของโชสตาโควิชอยู่ไกลจากนามธรรม มันเป็นช่วงเวลาแห่งชีวิตมนุษย์ที่เข้มข้น อัดแน่น และควบแน่นอย่างยิ่ง ความเป็นจริงของงานศิลปะของโชสตาโควิชไม่ได้ถูกจำกัดด้วยขอบเขตใดๆ ศิลปินที่มีความเชื่อมั่นเท่าเทียมกันรวบรวมหลักการที่ตรงกันข้าม รัฐขั้วโลก - โศกนาฏกรรม ตลก ครุ่นคิดเชิงปรัชญา ระบายสีด้วยน้ำเสียงของประสบการณ์ทางอารมณ์โดยตรง ชั่วขณะ และรุนแรง รูปภาพเพลงของ Shostakovich ที่กว้างและหลากหลายทั้งหมดถูกนำเสนอต่อผู้ฟังด้วยความเข้มข้นทางอารมณ์ที่รุนแรง ดังนั้นโศกนาฏกรรมดังที่ G. Ordzhonikidze กล่าวไว้อย่างเหมาะสมนั้นปราศจาก "ระยะห่างที่ยิ่งใหญ่" และการหลุดพ้นจากผู้แต่งและถูกมองว่าเป็นละครที่น่าทึ่งโดยตรงเหมือนจริงอย่างยิ่งที่เปิดเผยต่อหน้าต่อตาเรา (จำหน้าของซิมโฟนีที่แปด!) . การ์ตูนเรื่องนี้โป๊มากจนบางครั้งก็กลายเป็นเรื่องล้อเลียนหรือล้อเลียน ("The Nose", "The Golden Age", "Four Poems by Captain Lebyadkin", โรแมนติกที่สร้างจากคำพูดจากนิตยสาร "Crocodile", "Satires" " ตามบทกวีของ Sasha Cherny)

ความสามัคคีที่น่าทึ่งของ "สูง" และ "ต่ำ" ในชีวิตประจำวันและประเสริฐราวกับล้อมรอบการแสดงออกที่รุนแรงของธรรมชาติของมนุษย์เป็นคุณลักษณะเฉพาะของงานศิลปะของ Shostakovich ซึ่งสะท้อนผลงานของศิลปินหลายคนในยุคของเรา มารำลึกถึง “Youth Restored” และ “Blue Book” กันเถอะ เอ็ม. โซชเชนโก, "ท่านอาจารย์และมาร์การิต้า" เอ็ม. บุลกาโควา. ความแตกต่างระหว่างบท "ของจริง" และ "อุดมคติ" ที่แตกต่างกันของผลงานเหล่านี้พูดถึงการดูถูกเหยียดหยามด้านที่เป็นรากฐานของชีวิต ความปรารถนาอันยั่งยืนซึ่งมีอยู่ในแก่นแท้ของมนุษย์ต่อสิ่งประเสริฐ เพื่ออุดมคติอย่างแท้จริง หลอมรวมกับความกลมกลืน ของธรรมชาติ สิ่งเดียวกันนี้เห็นได้ชัดเจนในดนตรีของโชสตาโควิช และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในซิมโฟนีที่สิบสามของเขา เขียนด้วยภาษาที่เรียบง่ายมาก เกือบจะเป็นภาษาโปสเตอร์ ข้อความ ( อี. เยฟตูเชนโก) ดูเหมือนจะสื่อถึงเหตุการณ์ต่างๆ ในขณะที่ดนตรี "ทำให้" ความคิดของการเรียบเรียงบริสุทธิ์ขึ้น ความคิดนี้ชัดเจนขึ้นในตอนสุดท้าย ดนตรีที่นี่สว่างขึ้นราวกับหาทางออก สู่ทิศทางใหม่ ขึ้นสู่ภาพอุดมคติแห่งความงามและความกลมกลืน หลังจากภาพถ่ายความเป็นจริงบนโลกล้วนๆ แม้แต่ในชีวิตประจำวัน ("ในร้านค้า", "อารมณ์ขัน") ขอบฟ้าก็ขยายออกไป สีก็จางลง - ในระยะไกลเราเห็นภูมิทัศน์ที่เกือบจะแปลกประหลาด คล้ายกับระยะทางที่ปกคลุมไปด้วยหมอกควันสีฟ้าอ่อนที่ มีความสำคัญมากในภาพวาดของเลโอนาร์โด สาระสำคัญของรายละเอียดหายไปอย่างไร้ร่องรอย (เราจะจำบทสุดท้ายของ The Master และ Margarita ได้อย่างไร) ซิมโฟนีที่สิบสามอาจเป็นการแสดงออกที่สดใสและปราศจากการเจือปนที่สุดของ "โพลิโฟนีทางศิลปะ" (สำนวนนี้ วี. โบบรอฟสกี้) ความคิดสร้างสรรค์ของ Shostakovich ในระดับหนึ่งหรืออย่างอื่นมันมีอยู่ในผลงานของนักแต่งเพลงใด ๆ พวกเขาล้วนเป็นภาพของมหาสมุทรแห่งความเป็นจริงซึ่งโชสตาโควิชเห็นว่าลึกผิดปกติไม่สิ้นสุดมีหลายคุณค่าและเต็มไปด้วยความแตกต่าง

โลกภายในของผลงานของ Shostakovich มีหลายแง่มุม ในเวลาเดียวกัน มุมมองของศิลปินต่อโลกภายนอกยังคงไม่เปลี่ยนแปลง โดยเน้นที่แตกต่างกันไปที่แง่มุมทางปรัชญาส่วนบุคคลและทั่วไปของการรับรู้ “ ทุกสิ่งอยู่ในฉันและฉันอยู่ในทุกสิ่ง” ของ Tyutchev ไม่ใช่คนต่างด้าวสำหรับโชสตาโควิช ศิลปะของเขาสามารถเรียกได้ว่าเป็นทั้งพงศาวดารและคำสารภาพอย่างเท่าเทียมกัน ในเวลาเดียวกันพงศาวดารไม่ได้กลายเป็นพงศาวดารที่เป็นทางการหรือ "การแสดง" ภายนอก ความคิดของผู้แต่งไม่ได้สลายไปในวัตถุ แต่อยู่ภายใต้การควบคุมของตัวเองโดยสร้างเป็นวัตถุแห่งความรู้ของมนุษย์ความรู้สึกของมนุษย์ จากนั้นความหมายของพงศาวดารดังกล่าวก็ชัดเจน - มันทำให้เราจินตนาการด้วยพลังใหม่ของประสบการณ์ตรงสิ่งที่เป็นกังวลของคนรุ่นต่อไปในยุคของเรา โชสตาโควิชแสดงชีพจรที่มีชีวิตในยุคของเขาโดยปล่อยให้มันเป็นอนุสรณ์สถานสำหรับคนรุ่นต่อๆ ไป

หากซิมโฟนีของ Shostakovich - และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Fifth, Seventh, Eighth, Tenth, Eleventh - เป็นภาพพาโนรามาของคุณสมบัติและเหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในยุคนั้นซึ่งสอดคล้องกับการรับรู้ของมนุษย์ที่มีชีวิตดังนั้นควอร์ตและวงจรเสียงก็มีหลายวิธี “ ภาพเหมือน” ของนักแต่งเพลงเอง, พงศาวดารแห่งชีวิตของเขาเอง; ตามคำพูดของ Tyutchev "ฉันอยู่ในทุกสิ่ง" วงสี่ของ Shostakovich - และโดยทั่วไปแล้วงานในห้อง - มีลักษณะคล้ายกับการวาดภาพบุคคลอย่างแท้จริง บทประพันธ์ของปัจเจกบุคคลในที่นี้มีลักษณะเป็นขั้นตอนการแสดงออกที่แตกต่างกัน สีที่ต่างกันเพื่อถ่ายทอดสิ่งเดียวกันในช่วงเวลาต่าง ๆ ของชีวิต Shostakovich เริ่มเขียนสี่ค่อนข้างช้า - หลังจากการปรากฏตัวของ Fifth Symphony ในปี 1938 และกลับมาที่ประเภทนี้อีกครั้งด้วยความสม่ำเสมอและความสม่ำเสมอที่น่าทึ่งโดยเคลื่อนไหวราวกับอยู่ในเกลียวของเวลา สิบห้าควอเต็ตของโชสตาโควิชขนานไปกับการสร้างสรรค์บทกวีบทกวีรัสเซียที่ดีที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ในเสียงของพวกเขาห่างไกลจากทุกสิ่งภายนอกมีความหมายและอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนและบางครั้งก็ละเอียดอ่อนการสังเกตที่ลึกซึ้งและแม่นยำซึ่งค่อยๆพัฒนาไปสู่ภาพร่างที่น่าตื่นเต้นของสถานะของจิตวิญญาณมนุษย์

เนื้อหาทั่วไปของซิมโฟนีของโชสตาโควิชนั้นถูกแต่งแต้มด้วยเสียงที่เปิดกว้างและเข้าถึงอารมณ์ได้อย่างสดใส - "พงศาวดาร" กลายเป็นสีสันด้วยความฉับไวของประสบการณ์ ในเวลาเดียวกันความเป็นส่วนตัวที่แสดงออกในสี่บางครั้งก็ฟังดูนุ่มนวลครุ่นคิดมากขึ้นและแม้แต่ "แยกตัว" เล็กน้อย คำสารภาพของศิลปินไม่เคยเป็นเสียงกรีดร้องของจิตวิญญาณและไม่กลายเป็นความใกล้ชิดมากเกินไป (คุณลักษณะนี้เป็นลักษณะเฉพาะของลักษณะของมนุษย์ล้วนๆ ของโชสตาโควิช ซึ่งไม่ชอบอวดความรู้สึกและความคิดของเขา ในเรื่องนี้ คำพูดของเขาเกี่ยวกับเชคอฟเป็นลักษณะเฉพาะ: “ ทั้งชีวิตของเชคอฟเป็นตัวอย่างของความบริสุทธิ์ ความสุภาพเรียบร้อย ไม่โอ้อวด แต่ภายใน... ฉันเสียใจเป็นอย่างยิ่งที่การติดต่อของ Anton Pavlovich โอ.แอล. คนิปเปอร์-เชคอวอยสนิทสนมมากจนฉันไม่อยากเห็นมันตีพิมพ์มากนัก”)

ศิลปะของ Shostakovich ในประเภทต่าง ๆ (และบางครั้งก็อยู่ในประเภทเดียวกัน) แสดงออกทั้งแง่มุมส่วนบุคคลของความเป็นสากลและสากลโดยระบายสีด้วยความแตกต่างของประสบการณ์ทางอารมณ์ ในผลงานล่าสุดของผู้แต่ง ดูเหมือนว่าสองบรรทัดนี้มาบรรจบกัน เช่นเดียวกับที่เส้นมาบรรจบกันในมุมมองภาพที่ลุ่มลึก บ่งบอกถึงวิสัยทัศน์ที่ใหญ่โตและสมบูรณ์แบบของศิลปิน และแท้จริงแล้ว จุดสูงสุดนั้น มุมมองที่กว้างซึ่งโชสตาโควิชสังเกตโลกในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต ทำให้วิสัยทัศน์ของเขาเป็นสากลไม่เพียงแต่ในอวกาศเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงในเวลาด้วย โดยครอบคลุมทุกแง่มุมของการดำรงอยู่ ซิมโฟนีล่าสุด, คอนแชร์โตบรรเลง, ควอเต็ตและวัฏจักรเสียงร้อง, เผยให้เห็นการแทรกซึมที่ชัดเจนและอิทธิพลร่วมกัน (ซิมโฟนีที่สิบสี่และสิบห้า, สี่สิบสอง, สิบสาม, สิบสี่และสิบห้า, วงจรในบทกวีของ Blok, Tsvetaeva และ Michelangelo) ไม่ได้เป็นเพียงแค่อีกต่อไป “เหตุการณ์สำคัญ” และไม่ใช่แค่ “คำสารภาพ” บทประพันธ์เหล่านี้ซึ่งก่อให้เกิดกระแสความคิดของศิลปินเกี่ยวกับชีวิตและความตายเกี่ยวกับอดีตและอนาคตเกี่ยวกับความหมายของการดำรงอยู่ของมนุษย์รวบรวมเอาความแยกกันไม่ออกของความเป็นส่วนตัวและสากลความสัมพันธ์ที่ลึกซึ้งของพวกเขาในกระแสเวลาที่ไม่มีที่สิ้นสุด .

ภาษาดนตรีของโชสตาโควิชมีความสดใสและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ความหมายของสิ่งที่ศิลปินกำลังพูดถึงนั้นเน้นย้ำด้วยการนำเสนอข้อความที่โดดเด่นผิดปกติ ซึ่งเน้นไปที่ผู้ฟังอย่างชัดเจน คำกล่าวของผู้แต่งมีความเฉียบคมอยู่เสมอ และในขณะเดียวกันก็เฉียบแหลมยิ่งขึ้น (ไม่ว่าความเฉียบคมจะเป็นเป็นรูปเป็นร่างหรือเป็นอารมณ์ก็ตาม) บางทีสิ่งนี้อาจสะท้อนให้เห็นในการแสดงละครของความคิดของนักแต่งเพลงซึ่งแสดงออกมาแล้วในช่วงปีแรก ๆ ของการทำงานของเขาในการทำงานร่วมกันของเขากับ Meyerhold, Mayakovsky

ร่วมกับปรมาจารย์ด้านภาพยนตร์ การแสดงละครนี้ แต่เป็นความเฉพาะเจาะจงและการมองเห็นของภาพดนตรีแม้ในช่วงทศวรรษที่ 20 ก็ไม่ได้แสดงให้เห็นภายนอก แต่มีความชอบธรรมอย่างลึกซึ้งในทางจิตวิทยา “ดนตรีของโชสตาโควิชบรรยายถึงการเคลื่อนไหวของความคิดของมนุษย์ ไม่ใช่ภาพที่เห็น” กล่าว เค. คอนดราชิน. “ประเภทและลักษณะเฉพาะ” เขียน V. Bogdanov-Berezovskyในความทรงจำของพวกเขาเกี่ยวกับโชสตาโควิชพวกเขาไม่ได้มีสีสันรูปภาพมากนัก แต่เป็นแนวตั้งและแนวจิตวิทยา Shostakovich วาดภาพไม่ใช่เครื่องประดับไม่ใช่ความซับซ้อนที่มีสีสัน แต่เป็นรัฐ" เมื่อเวลาผ่านไปความเฉพาะเจาะจงและความโดดเด่นของข้อความกลายเป็นคุณสมบัติที่สำคัญที่สุด จิตวิทยาศิลปินเจาะลึกงานของเขาทุกประเภทและครอบคลุมองค์ประกอบทั้งหมดของโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างตั้งแต่การเสียดสีที่กัดกร่อนและคมชัดของ "The Nose" ไปจนถึงหน้าโศกนาฏกรรมของ Fourteenth Symphony โชสตาโควิชพูดอย่างตื่นเต้น เอาใจใส่ และสดใสอยู่เสมอ - คำพูดของนักแต่งเพลงของเขายังห่างไกลจากสุนทรียศาสตร์ที่เย็นชาและ "ดึงดูดความสนใจ" อย่างเป็นทางการ อีกทั้งความแม่นยำ แบบฟอร์มผลงานของ Shostakovich การตกแต่งอย่างเชี่ยวชาญความเชี่ยวชาญด้านวงออเคสตราที่สมบูรณ์แบบ - ซึ่งเมื่อรวมกันแล้วทำให้เกิดความชัดเจนและการมองเห็นของภาษา - ทั้งหมดนี้ไม่เพียง แต่เป็นมรดกของประเพณีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กของ Rimsky-Korsakov - Glazunov ซึ่งปลูกฝัง การปรับแต่งเทคนิค (แม้ว่า "ปีเตอร์สเบิร์ก" ในโชสตาโควิชจะแข็งแกร่งมาก! * ประเด็นหลักคือ ความหมายและ เป็นรูปเป็นร่างความชัดเจนของความคิดที่เติบโตมาเป็นเวลานานในใจของผู้แต่ง แต่เกิดเกือบจะในทันที (อันที่จริงโชสตาโควิช "แต่ง" ในใจของเขาและนั่งลงเพื่อเขียนองค์ประกอบที่เสร็จสมบูรณ์อย่างสมบูรณ์ ** ความเข้มภายในของภาพ ทำให้เกิดความสมบูรณ์ภายนอกแห่งรูปลักษณ์ของพวกเขา

* (ในการสนทนาครั้งหนึ่งโชสตาโควิชตั้งข้อสังเกตโดยชี้ไปที่เล่มหนึ่งในพจนานุกรมดนตรี: "ถ้าฉันถูกลิขิตให้รวมอยู่ในหนังสือเล่มนี้ ฉันอยากให้มันบ่งบอกว่า: เกิดในเลนินกราด เสียชีวิตที่นั่น")

** (คุณสมบัติของผู้แต่งนี้ทำให้นึกถึงความสามารถอันยอดเยี่ยมของโมสาร์ทในการ "ได้ยิน" เสียงของงานทั้งหมดในช่วงเวลาเดียวโดยไม่ได้ตั้งใจ - จากนั้นจึงจดบันทึกอย่างรวดเร็ว เป็นเรื่องที่น่าสนใจที่ Glazunov ซึ่งยอมรับ Shostakovich ไปที่ Conservatory แห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเน้นย้ำในตัวเขาว่า "องค์ประกอบของพรสวรรค์ของโมสาร์ท")

แม้จะมีความสดใสและอุปนิสัยในคำพูดของเขา แต่โชสตาโควิชก็ไม่ได้พยายามที่จะทำให้ผู้ฟังตกใจด้วยบางสิ่งที่ฟุ่มเฟือย คำพูดของเขาเรียบง่ายและไร้ศิลปะ เช่นเดียวกับร้อยแก้วรัสเซียคลาสสิกของ Chekhov หรือ Gogol ในดนตรีของ Shostakovich มีเพียงสิ่งที่สำคัญและจำเป็นที่สุดเท่านั้นที่ถูกนำเสนอออกมา - สิ่งที่มีความหมายหลักและความหมายที่แสดงออก สำหรับโลกแห่งดนตรีของ Shostakovich ความฉูดฉาดหรือการแสดงภายนอกใด ๆ เป็นสิ่งที่ยอมรับไม่ได้โดยสิ้นเชิง ภาพที่นี่ไม่ปรากฏขึ้น “อย่างกะทันหัน” เหมือนแสงวาบสว่างในความมืด แต่จะค่อยๆ ปรากฏเป็นรูปเป็นร่าง กระบวนการคิด ความเหนือกว่าของการพัฒนาเหนือ "การแสดง" เป็นคุณสมบัติที่โชสตาโควิชมีเหมือนกันกับดนตรีของไชคอฟสกี ซิมโฟนีของผู้แต่งทั้งสองมีพื้นฐานอยู่บนกฎหมายเดียวกันโดยประมาณซึ่งกำหนดไดนามิกของการบรรเทาเสียง

สิ่งที่พบบ่อยก็คือความเสถียรที่น่าทึ่งของโครงสร้างน้ำเสียงและสำนวนของภาษา อาจเป็นเรื่องยากที่จะหานักประพันธ์เพลงอีกสองคนที่มีระดับ "ผู้เสียสละ" ของน้ำเสียงที่หลอกหลอนพวกเขา และมีภาพเสียงที่คล้ายกันที่แทรกซึมเข้าไปในงานต่างๆ ตัวอย่างเช่นให้เรานึกถึงลักษณะเฉพาะของเพลงของไชคอฟสกีตอน "ร้ายแรง" ท่วงทำนองตามลำดับที่เขาชื่นชอบหรือโครงสร้างจังหวะของโชสตาโควิชที่กลายเป็น "ครัวเรือน" และการผันเซมิโทนเฉพาะของท่วงทำนองของเขา

และอีกคุณสมบัติหนึ่งที่เป็นลักษณะเฉพาะอย่างยิ่งของผลงานของนักแต่งเพลงทั้งสอง: การกระจายตัวของข้อความเมื่อเวลาผ่านไป "โดยลักษณะเฉพาะของพรสวรรค์ของเขา Shostakovich ไม่ใช่นักย่อส่วน ตามกฎแล้วเขาคิดในช่วงเวลาที่กว้าง ดนตรีของ Shostakovich แยกย้ายกันไปและรูปแบบละครก็เกิดจากการโต้ตอบของภาคที่มีขนาดค่อนข้างใหญ่ตามสเกลเวลา" ( อี. เดนิซอฟ).

เหตุใดเราจึงทำการเปรียบเทียบเหล่านี้ พวกเขาให้ความกระจ่างเกี่ยวกับคุณลักษณะที่สำคัญที่สุดในความคิดของโชสตาโควิช นั่นก็คือของเขา น่าทึ่งโกดังที่เกี่ยวข้องกับไชคอฟสกี ผลงานทั้งหมดของ Shostakovich ได้รับการจัดระเบียบอย่างแม่นยำ อย่างน่าทึ่งนักแต่งเพลงทำหน้าที่เป็น "ผู้กำกับ" คนหนึ่งที่เปิดเผยและกำกับการสร้างภาพของเขาทันเวลา ทุกองค์ประกอบของโชสตาโควิชคือละคร เขาไม่เล่า ไม่บรรยาย ไม่สรุป แต่เจาะจง แฉความขัดแย้งหลัก นี่คือการมองเห็นที่แท้จริง ความเฉพาะเจาะจงของถ้อยคำของผู้แต่ง ความสดใสและอารมณ์ที่ดึงดูดใจผู้ฟัง ดังนั้นการขยายเวลาและการต่อต้านคำพังเพยในการสร้างสรรค์ของเขา: กาลเวลากลายเป็นเงื่อนไขที่ขาดไม่ได้สำหรับการดำรงอยู่ของโลกแห่งภาพดนตรีของโชสตาโควิช ความมั่นคงของ "องค์ประกอบ" ของภาษา "สิ่งมีชีวิต" เสียงเล็กๆ ของแต่ละบุคคลก็ชัดเจนเช่นกัน พวกมันดำรงอยู่เป็นโลกโมเลกุลเหมือนวัตถุวัตถุ (เช่นความเป็นจริงของคำพูดของนักเขียนบทละคร) และเมื่อเข้าสู่การเชื่อมโยงทำให้เกิด "อาคาร" ที่หลากหลายของจิตวิญญาณมนุษย์สร้างขึ้นโดยเจตจำนงการกำกับของผู้สร้าง

“บางทีฉันไม่ควรเขียน อย่างไรก็ตาม ฉันขาดมันไม่ได้” โชสตาโควิชยอมรับในจดหมายฉบับหนึ่งของเขาหลังจากจบซิมโฟนีที่สิบห้า ผลงานในช่วงหลังของนักแต่งเพลงทั้งหมดตั้งแต่ปลายยุค 60 ได้รับความหมายพิเศษ มีจริยธรรมสูงสุด และเกือบจะ "เสียสละ":

อย่านอน อย่านอน ศิลปิน อย่านอนหลับ - คุณเป็นตัวประกันชั่วนิรันดร์ เชลยต่อกาลเวลา!

ผลงานล่าสุดของ Shostakovich ตามที่เขากล่าวไว้ บี. ทิชเชนโก้, ถูกแต่งแต้มด้วย "แสงแห่งภารกิจพิเศษ": นักแต่งเพลงดูเหมือนจะรีบร้อนในช่วงสุดท้ายของการดำรงอยู่ทางโลกของเขาเพื่อบอกเล่าทุกสิ่งที่สำคัญที่สุดและใกล้ชิดที่สุด ผลงานของยุค 60-70 เปรียบเสมือนโคดาขนาดใหญ่ ซึ่งเช่นเดียวกับโคดาอื่นๆ ประเด็นของเวลา การผ่านของมัน ความเปิดกว้างในนิรันดร - และความโดดเดี่ยว ข้อ จำกัด ภายในขอบเขตของชีวิตมนุษย์มาถึงเบื้องหน้า ความรู้สึกของเวลาความคงทนนั้นมีอยู่ในผลงานช่วงปลายทั้งหมดของโชสตาโควิช (ความรู้สึกนี้เกือบจะเป็น "ทางกายภาพ" ในรหัสของ Second Cello Concerto, Fifteenth Symphony และวงจรของบทกวีของ Michelangelo) ศิลปินขึ้นสูงเหนือชีวิตประจำวัน จากจุดนี้ มีเพียงเขาเท่านั้นที่เข้าถึงได้ ความหมายของชีวิตมนุษย์ เหตุการณ์ ความหมายของคุณค่าที่แท้จริงและเท็จก็ถูกเปิดเผย ดนตรีของโชสตาโควิชผู้ล่วงลับพูดถึงปัญหาการดำรงอยู่ตลอดกาลทั่วไปและเป็นนิรันดร์เกี่ยวกับความจริงเกี่ยวกับความเป็นอมตะของความคิดและดนตรี

ศิลปะของโชสตาโควิชในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาได้เติบโตเกินกรอบทางดนตรีที่แคบลง การเรียบเรียงของเขารวบรวมไว้ในเสียงที่ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่จ้องมองถึงความเป็นจริงที่ทิ้งเขาไว้ซึ่งกลายเป็นสิ่งที่ไม่มีใครเทียบได้มากกว่าแค่ดนตรี: การแสดงออกถึงแก่นแท้ของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะในฐานะความรู้เกี่ยวกับความลึกลับของจักรวาล

โลกแห่งเสียงของผลงานสร้างสรรค์ล่าสุดของ Shostakovich และโดยเฉพาะผลงานในห้องแชมเบอร์ ได้รับการทาสีด้วยโทนสีที่เป็นเอกลักษณ์ ส่วนประกอบทั้งหมดเป็นองค์ประกอบภาษาที่หลากหลาย คาดไม่ถึง และบางครั้งก็เรียบง่ายอย่างยิ่ง - ทั้งองค์ประกอบที่มีอยู่ก่อนหน้านี้ในผลงานของ Shostakovich และองค์ประกอบอื่น ๆ ที่รวบรวมมาจากประวัติศาสตร์ดนตรีที่หนาทึบและจากกระแสดนตรีสมัยใหม่ที่มีชีวิต รูปลักษณ์น้ำเสียงของดนตรีของ Shostakovich กำลังเปลี่ยนไป แต่การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้ไม่ได้เกิดจาก "ทางเทคนิค" แต่ด้วยเหตุผลทางอุดมการณ์ที่ลึกซึ้งซึ่งเป็นสิ่งเดียวกับที่กำหนดทิศทางทั้งหมดของงานช่วงปลายของนักแต่งเพลงโดยรวม

บรรยากาศเสียงของผลงานในช่วงหลังของโชสตาโควิชนั้น "หายาก" อย่างเห็นได้ชัด ประหนึ่งว่าเรากำลังลุกขึ้นตามศิลปินขึ้นไปสู่จุดสูงสุดแห่งจิตวิญญาณมนุษย์ที่เข้าถึงไม่ได้ที่สุด น้ำเสียงและรูปแบบเสียงของแต่ละบุคคลสามารถแยกแยะได้ชัดเจนเป็นพิเศษในสภาพแวดล้อมที่ชัดใสนี้ ความสำคัญของพวกเขาเพิ่มขึ้นอย่างไม่สิ้นสุด ผู้แต่งเพลง “ผู้กำกับ” จัดเรียงเพลงตามลำดับที่เขาต้องการ เขา "ปกครอง" อย่างอิสระในโลกที่ "ความจริง" ทางดนตรีในยุคและสไตล์ต่างๆ อยู่ร่วมกัน นี่คือคำพูด - เงาของนักประพันธ์เพลงคนโปรด: Beethoven, Rossini, Wagner และการรำลึกถึงดนตรีของ Mahler, Berg อย่างอิสระและแม้แต่องค์ประกอบคำพูดแต่ละอย่าง - Triads ลวดลายที่มีอยู่ในดนตรีมาโดยตลอด แต่ตอนนี้ได้รับความหมายใหม่ จาก Shostakovich กลายเป็นสัญลักษณ์ที่มีมูลค่าหลายค่า ความแตกต่างของพวกเขาไม่สำคัญอีกต่อไป - สิ่งที่สำคัญกว่าคือความรู้สึกอิสระเมื่อความคิดล่องลอยไปตามระนาบของเวลาจับความเป็นเอกภาพของคุณค่าที่ยั่งยืนของความคิดสร้างสรรค์ของมนุษย์ ที่นี่ทุกเสียงและน้ำเสียงทุกเสียงจะไม่ถูกรับรู้โดยตรงอีกต่อไป แต่ก่อให้เกิดการเชื่อมโยงที่ยาวและไม่มีที่สิ้นสุดซึ่งกระตุ้นให้เกิดความเอาใจใส่ไม่ใช่การเอาใจใส่ แต่เป็นการไตร่ตรอง ซีรีส์นี้เกิดขึ้นจากความสอดคล้องแบบ "ทางโลก" ที่เรียบง่ายนำไปสู่ความคิดของศิลปินไปไกลอย่างไม่สิ้นสุด และปรากฎว่าเสียงซึ่งก็คือ "เปลือก" ที่พวกเขาสร้างขึ้นนั้นเป็นเพียงส่วนเล็ก ๆ เท่านั้น เพียง "โครงร่าง" ของโลกวิญญาณอันกว้างใหญ่ที่ไม่มีขอบเขตซึ่งเปิดเผยแก่เราผ่านดนตรีของโชสตาโควิช...

"การหมดเวลา" ของชีวิตของโชสตาโควิชจบลงแล้ว แต่หลังจากการสร้างสรรค์ของศิลปินซึ่งเติบโตเกินขอบเขตของเปลือกวัตถุ กรอบการดำรงอยู่ทางโลกของผู้สร้างก็แผ่ออกไปสู่ความเป็นนิรันดร์ เปิดเส้นทางสู่ความเป็นอมตะซึ่งถูกกำหนดโดยโชสตาโควิชในการสร้างสรรค์ครั้งสุดท้ายของเขา วงจรของบทกวีของ Michelangelo:

ราวกับว่าฉันตายไปแล้ว แต่ฉันอยู่ในใจของคนที่รักฉันในดวงวิญญาณหลายพันดวงเพื่อเป็นการปลอบใจโลก และนั่นหมายความว่าฉันไม่ใช่ฝุ่น และความเสื่อมสลายของมนุษย์จะไม่แตะต้องฉัน

Shostakovich Dmitry Dmitrievich เกิดเมื่อวันที่ 25 กันยายน พ.ศ. 2449 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเสียชีวิตเมื่อวันที่ 9 สิงหาคม พ.ศ. 2518 ในมอสโก วีรบุรุษแห่งแรงงานสังคมนิยม (2509)

ในปี พ.ศ. 2459-2461 เขาศึกษาที่โรงเรียนดนตรี I. Glyasser ในเมืองเปโตรกราด ในปี 1919 เขาเข้าเรียนที่ Petrograd Conservatory และสำเร็จการศึกษาในปี 1923 ในชั้นเรียนเปียโนของ L. V. Nikolaev ในปี 1925 ในชั้นเรียนการแต่งเพลงของ M. O. Steinberg; ในปี พ.ศ. 2470-2473 เขาศึกษาภายใต้ M. O. Steinberg ในระดับบัณฑิตศึกษา ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1920 แสดงเป็นนักเปียโน ในปี 1927 เขาเข้าร่วมการแข่งขันโชแปงระดับนานาชาติในกรุงวอร์ซอ ซึ่งเขาได้รับประกาศนียบัตรกิตติมศักดิ์ ในปี 1937-1941 และ 1945-1948 เขาสอนที่ Leningrad Conservatory (จากศาสตราจารย์ปี 1939) ในปี พ.ศ. 2486-2491 เขาสอนชั้นเรียนการแต่งเพลงที่ Moscow Conservatory ในปี พ.ศ. 2506-2509 เขาเป็นหัวหน้าบัณฑิตวิทยาลัยของแผนกการแต่งเพลงของ Leningrad Conservatory ประวัติศาสตร์ศิลปะดุษฎีบัณฑิต (2508) ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2490 เขาได้รับเลือกซ้ำแล้วซ้ำอีกให้เป็นรองผู้มีอำนาจสูงสุดโซเวียตของสหภาพโซเวียตและ RSFSR เลขาธิการสหภาพนักแต่งเพลงแห่งสหภาพโซเวียต (2500) ประธานคณะกรรมการสหภาพนักแต่งเพลงแห่ง RSFSR (2503-2511) สมาชิกของคณะกรรมการสันติภาพโซเวียต (2492) คณะกรรมการสันติภาพโลก (2511) ประธานสมาคมสหภาพโซเวียต - ออสเตรีย (2501) ผู้ได้รับรางวัลเลนิน (2501) ผู้ได้รับรางวัล USSR State Prize (2484, 2485, 2489, 2493, 2495, 2511) ผู้ได้รับรางวัล State Prize of RSFSR (1974) ผู้ได้รับรางวัลสันติภาพนานาชาติ (พ.ศ. 2497) ศิลปินผู้มีเกียรติของ RSFSR (1942) ศิลปินประชาชนของ RSFSR (2491) ศิลปินประชาชนแห่งสหภาพโซเวียต (2497) สมาชิกกิตติมศักดิ์ของสภาดนตรีนานาชาติแห่งยูเนสโก (2506) สมาชิกกิตติมศักดิ์ ศาสตราจารย์ แพทย์ของสถาบันวิทยาศาสตร์และศิลปะหลายแห่งในประเทศต่างๆ รวมถึง American Institute of Arts and Letters (1943), Royal Swedish Academy of Music (1954), Academy of Arts of the GDR (1955), สถาบันศิลปะแห่งอิตาลี "Santa Cecilia" (2499), Royal Academy of Music ในลอนดอน (2501), มหาวิทยาลัยอ๊อกซฟอร์ด (2501), เรือนกระจกเม็กซิกัน (2502), American Academy of Sciences (2502), สถาบันศิลปะเซอร์เบีย (2508) Bavarian Academy of Fine Arts (1968), Northwestern University (USA, 1973), French Academy of Fine Arts (1975) เป็นต้น

ผลงาน: โอเปร่า- The Nose (Leningrad, 1930), Lady Macbeth of Mtsensk (Leningrad, 1934; ฉบับใหม่ - Katerina Izmailova, Moscow, 1963); การเรียบเรียงโอเปร่าโดย M. Mussorgsky - Boris Godunov (2483), Khovanshchina (2502); บัลเล่ต์- ยุคทอง (เลนินกราด, 2473), โบลต์ (เลนินกราด, 2474), สตรีมแสง (เลนินกราด, 2479); ดนตรี ตลกมอสโก, Cheryomushki (มอสโก, 2502); สำหรับซิมโฟนี ออร์ค- ซิมโฟนี I (1925), II (ตุลาคม, 1927), III (Pervomayskaya, 1929), IV (1936), V (1937), VI (1939), VII (1941), VIII (1943), IX (1945) , X (1953), XI (1905, 1957), XII (1917, ในความทรงจำของ Vladimir Ilyich Lenin, 1961), XIII (1962), XIV (1969), XV (1971), Scherzo (1919), ธีมและรูปแบบต่างๆ (1922), Scherzo (1923), Tahiti Trot, การถอดเสียงเพลงของ V. Youmans (1928), Two Pieces (Intermission, Finale, 1929), Five Fragments (1935), ballet suites I (1949), II ( 2504) , III (2495), IV (2496), การทาบทามรื่นเริง (2497), Novorossiysk Chimes (ไฟแห่งความรุ่งโรจน์ชั่วนิรันดร์, 2503), การทาบทามในธีมพื้นบ้านรัสเซียและคีร์กีซ (2506), งานศพและโหมโรงแห่งชัยชนะในความทรงจำของวีรบุรุษ ของการรบที่สตาลินกราด (2510) บทกวีตุลาคม (2510); สำหรับนักร้องเดี่ยว นักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา- บทกวีเกี่ยวกับมาตุภูมิ (2490), oratorio Song of the Forests (ทางอีเมล์โดย E. Dolmatovsky, 2492), บทกวี The Execution of Stepan Razin (ทางอีเมล์โดย E. Evtushenko, 2507); สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา- สำหรับเสียงและซิมโฟนี ออร์ค นิทานสองเรื่องโดย Krylov (1922) หกเรื่องรักบนต้นสน กวีชาวญี่ปุ่น (พ.ศ. 2471-2475) เพลงพื้นบ้านภาษาอังกฤษและอเมริกันแปดเพลง (เครื่องดนตรี พ.ศ. 2487) จากบทกวีพื้นบ้านชาวยิว (ออร์เคสตราเอ็ด. พ.ศ. 2506) Suite nael Michelangelo Buonarotti (orchestral ed., 1974), เครื่องดนตรีของวงจรเสียงร้องของ M. Mussorgsky Songs of the Dance of Death (1962); สำหรับวงดุริยางค์และแชมเบอร์ออร์เคสตรา- หกเรื่องโรแมนติกจากบทกวีของ W. Raleigh, R. Burns และ W. Shakespeare (เวอร์ชั่นออเคสตรา, 1970), บทกวีหกเรื่องโดย Marina Tsvetaeva (เวอร์ชั่นออเคสตรา, 1974); สำหรับ f-p กับออร์ค- คอนเสิร์ต I (1933), II (1957), สำหรับ skr กับออร์ค.-คอนแชร์โตส 1 (พ.ศ. 2491), ครั้งที่สอง (พ.ศ. 2510); สำหรับเอชวีวี กับออร์ค- คอนแชร์โต I (1959), II (1966), เครื่องมือวัดของคอนแชร์โตโดย R. Schumann (1966); สำหรับออร์คทองเหลือง- ละครสองเรื่องโดย Scarlatti (การถอดเสียง, 2471), March of theโซเวียตตำรวจ (1970); สำหรับวงออเคสตราแจ๊ส- ห้องชุด (พ.ศ. 2477) วงเครื่องสาย- ฉัน (1938), II (1944), III (1946), IV (1949), V (1952), VI (1956), Vlf (I960), Vllt (I960), fX (1964), X (1964) , สิบเอ็ด (1966), สิบสอง (1968), สิบสาม (1970), สิบสี่ (1973), สิบห้า (1974); สำหรับ skr., vlch. และฉ-พี- ทริโอ I (1923), II (1944) สำหรับออคเต็ตสตริง - สองชิ้น (1924-1925); สำหรับ 2 sk., วิโอลา, vlch และฉ-พี- กลุ่ม (2483); สำหรับ f-p- Five Preludes (1920 - 1921), Eight Preludes (1919-1920), Three Fantastic Dances (1922), Sonatas I (1926), II (1942), Aphorisms (สิบชิ้น, 1927), สมุดบันทึกสำหรับเด็ก (หกชิ้น, 1944 -1945), Dances of the Dolls (ละครเจ็ดเรื่อง, พ.ศ. 2489), 24 โหมโรงและความทรงจำ (พ.ศ. 2493-2494); สำหรับ 2 f-p- ห้องชุด (พ.ศ. 2465), คอนแชร์ติโน (พ.ศ. 2496); สำหรับ skr และฉ-พี- โซนาต้า (2511); สำหรับเอชวีวี และฉ-พี- สามชิ้น (2466-2467), โซนาต้า (2477); สำหรับวิโอลาและ fp- โซนาต้า (1975); สำหรับเสียงและ f-p- สี่ความโรแมนติกต่อมื้อ A. Pushkin (1936), หกเรื่องรักบนต้นสน W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare (1942), สองเพลงบนต้นไม้ M. Svetlova (1945) จากบทกวีพื้นบ้านของชาวยิว (วงจรสำหรับโซปราโน, คอนทราลโตและเทเนอร์พร้อมเปียโนคลอ, 1948), ความรักสองเรื่องบนต้นสน M. Lermontov (1950) สี่เพลงบนต้นไม้ E. Dolmatovsky (1949), บทพูดคนเดียวสี่เรื่องบนต้นสน A. Pushkin (1952), ห้าความรักบนต้นสน E. Dolmatovsky (1954), เพลงสเปน (1956), Satires (รูปภาพของอดีต, ความรักห้าประการบนต้นไม้ Sasha Cherny, 1960), Five Romances บนต้นไม้ จากนิตยสาร Crocodile (1965) คำนำสู่คอลเลกชั่นผลงานทั้งหมดของฉันและการไตร่ตรองในคำนำนี้ (1966), Romance Spring, Spring (el. A. Pushkin, 1967), บทกวีหกบทโดย Marina Tsvetaeva (1973), Suite on เอล Michelangelo Buonarotti (1974), บทกวีสี่บทโดยกัปตัน Lebyadkin (จากนวนิยายเรื่อง The Teenager ของ F. Dostoevsky, 1975); สำหรับเสียง, skr., vlch. และฉ-พี- เจ็ดเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ อ. บล็อก (1967); สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงที่ไม่มีผู้ร่วมเดินทาง- สิบบทกวีต่อมื้อ กวีปฏิวัติแห่งศตวรรษที่ XIX - ต้นศตวรรษที่ XX (พ.ศ. 2494) การดัดแปลงสองครั้งในภาษารัสเซีย โฆษณา เพลง (1957), Fidelity (วงจร - เพลงบัลลาดจากต้นสนของ E. Dolmatovsky, 1970); เพลงสำหรับละครการแสดงรวมถึง "The Bedbug" โดย V. Mayakovsky (Moscow, V. Meyerhold Theatre, 1929), "The Shot" โดย A. Bezymensky (Leningrad, Theatre of Working Youth, 1929), "Rule, Britannia ! " A. Piotrovsky (เลนินกราด, Working Youth Theatre, 1931), "Hamlet" โดย W. Shakespeare (มอสโก, โรงละคร E. Vakhtangov, 1931-1932), "Human Comedy" หลังจาก O. Balzac (มอสโก, โรงละคร Vakhtangov , 1933- 2477), “ Salute, Spain” โดย A. Afinogenov (เลนินกราด, โรงละครตั้งชื่อตาม A. Pushkin, 1936), “ King Lear” โดย W. Shakespeare (เลนินกราด, โรงละครบอลชอยตั้งชื่อตาม M. Gorky, 1940); เพลงประกอบภาพยนตร์ ได้แก่ "New Babylon" (1928), "Alone" (1930), "Golden Mountains" (9131), "Oncoming" (1932), "Maxim's Youth" (1934-1935), " Girlfriends" (1934 -1935), "The Return of Maxim" (1936-1937), "Volochaev Days" (1936-1937), "Vyborg Side" (1938), "Great Citizen" (สองตอน, 1938, 1939), " Man with a Gun" (1938), "Zoya" (1944), "Young Guard" (สองตอน, 1947-1948), "Meeting on the Elbe" (1948), "The Fall of Berlin" (1949), "Ozod" (1955 ), "ห้าวัน - ห้าคืน" (1960), "Hamlet" (1963-1964), "A Year Like Life" (1965), "King Lear" (1970)

ขั้นพื้นฐาน ความหมาย: มาร์ตินอฟ ไอ.มิทรี โชสตาโควิช ม.-ล., 2489; ซิโตเมียร์สกี้ ดี.มิทรี โชสตาโควิช ม. 2486; ดานิเลวิช แอล.ดี.โชสตาโควิช. ม. 2501; ซาบินา เอ็ม.มิทรี โชสตาโควิช ม. 2502; มาเซล แอล.ซิมโฟนีโดย D.D. Shostakovich ม. 2503; โบบรอฟสกี้ วี.วงดนตรีบรรเลงในหอการค้าของ D. Shostakovich ม. 2504; โบบรอฟสกี้ วี.บทเพลงและคณะนักร้องประสานเสียงของ Shostakovich ม. 2505; คุณสมบัติของสไตล์ของ D. Shostakovich รวบรวมบทความเชิงทฤษฎี ม. 2505; ดานิเลวิช แอล.ความร่วมสมัยของเรา ม. 2508; โดลชานสกี้ เอ.ผลงานเครื่องดนตรีในห้องโดย D. Shostakovich ม. 2508; ซาบินา เอ็ม.โชสตาโควิชซิมโฟนี ม. 2508; Dmitry Shostakovich (จากคำกล่าวของ Shostakovich - ผู้ร่วมสมัยเกี่ยวกับ D. D. Shostakovich - การวิจัย) คอมพ์ ก. ออร์ดโซนิคิดเซ่. ม., 1967. เคนโตวา เอส.ปีแรก ๆ ของ Shostakovich หนังสือ I.L.-M., 1975; Shostakovich D. (บทความและวัสดุ) คอมพ์ จี. ชเนียร์สัน. ม. 2519; ดี.ดี. โชสตาโควิช หนังสืออ้างอิง Notographic คอมพ์ อี. ซาดอฟนิคอฟ เอ็ด. 2. ม., 1965.

ในฤดูใบไม้ผลิปี 2469 วง Leningrad Philharmonic Orchestra ซึ่งดำเนินการโดย Nikolai Malko ได้เล่นเป็นครั้งแรกในซิมโฟนีแรกของ Dmitry Dmitrievich Shostakovich (2449 - 2518) ในจดหมายถึงนักเปียโน Kyiv L. Izarova N. Malko เขียนว่า:“ ฉันเพิ่งกลับมาจากคอนเสิร์ต ฉันได้แสดงซิมโฟนีของ Leningrader Mitya Shostakovich รุ่นเยาว์เป็นครั้งแรก ฉันรู้สึกว่าได้เปิดหน้าใหม่แล้ว ในประวัติศาสตร์ดนตรีรัสเซีย”

การรับซิมโฟนีจากสาธารณชน วงออเคสตรา และสื่อมวลชนไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นเพียงความสำเร็จ แต่เป็นชัยชนะ เช่นเดียวกับขบวนแห่ของเธอผ่านเวทีซิมโฟนิกที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth, Leopold Stokowski โน้มน้าวโน้ตของซิมโฟนี สำหรับพวกเขา ผู้ควบคุมวงและนักคิด ความสัมพันธ์ระหว่างระดับทักษะและอายุของผู้เขียนดูเหมือนจะไม่น่าเชื่อ ฉันรู้สึกทึ่งกับอิสรภาพอันสมบูรณ์ที่นักแต่งเพลงวัย 19 ปียอมสละทรัพยากรทั้งหมดของวงออเคสตราเพื่อบรรลุแนวคิดของเขา และความคิดต่างๆ เองก็เต็มไปด้วยความสดชื่นในฤดูใบไม้ผลิ

ซิมโฟนีของโชสตาโควิชเป็นซิมโฟนีแรกจากโลกใหม่อย่างแท้จริงซึ่งมีพายุฝนฟ้าคะนองในเดือนตุลาคมพัดถล่ม ความแตกต่างที่โดดเด่นระหว่างดนตรีที่เต็มไปด้วยความร่าเริง พลังหนุ่มสาวที่เบ่งบานอย่างมีชีวิตชีวา เนื้อเพลงที่ละเอียดอ่อนและขี้อาย และศิลปะการแสดงออกที่เศร้าหมองของศิลปินร่วมสมัยจากต่างประเทศหลายคนของโชสตาโควิช

โชสตาโควิชก้าวเข้าสู่วัยผู้ใหญ่อย่างมั่นใจโดยผ่านช่วงวัยเยาว์ตามปกติ โรงเรียนที่ยอดเยี่ยมแห่งนี้ทำให้เขามีความมั่นใจเช่นนี้ เขาเป็นชาวเลนินกราด เขาได้รับการศึกษาภายในกำแพงของ Leningrad Conservatory ในชั้นเรียนของนักเปียโน L. Nikolaev และนักแต่งเพลง M. Steinberg Leonid Vladimirovich Nikolaev ผู้ก่อตั้งสาขาที่มีผลมากที่สุดแห่งหนึ่งของโรงเรียนเปียโนโซเวียตในฐานะนักแต่งเพลงเป็นนักเรียนของ Taneyev ซึ่งในทางกลับกันก็เป็นนักเรียนของ Tchaikovsky Maximilian Oseevich Steinberg เป็นนักเรียนของ Rimsky-Korsakov และเป็นผู้ติดตามหลักการและวิธีการสอนของเขา จากอาจารย์ของพวกเขา Nikolaev และ Steinberg ได้รับความเกลียดชังจากความสมัครเล่นโดยสิ้นเชิง ในชั้นเรียนของพวกเขามีจิตวิญญาณแห่งความเคารพอย่างสุดซึ้งต่องาน สำหรับสิ่งที่ Ravel ชอบเรียกด้วยคำว่า metier - งานฝีมือ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมวัฒนธรรมแห่งความเชี่ยวชาญจึงสูงมากในงานสำคัญชิ้นแรกของนักแต่งเพลงรุ่นเยาว์

หลายปีผ่านไปตั้งแต่นั้นมา มีเพิ่มอีกสิบสี่รายการใน First Symphony สิบห้าควอเตต, ทรีโอสองอัน, โอเปร่าสองตัว, บัลเล่ต์สามตัว, เปียโนสองตัว, ไวโอลินสองตัวและเชลโลคอนแชร์โตสองตัว, วงจรโรแมนติก, คอลเลกชันของเปียโนโหมโรงและความทรงจำ, แคนทาทาส, oratorios, ดนตรีสำหรับภาพยนตร์หลายเรื่องและการแสดงละครปรากฏขึ้น

ช่วงแรกของความคิดสร้างสรรค์ของ Shostakovich เกิดขึ้นพร้อมกับปลายทศวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นช่วงเวลาของการอภิปรายอย่างดุเดือดในประเด็นสำคัญของวัฒนธรรมศิลปะโซเวียตเมื่อรากฐานของวิธีการและรูปแบบของศิลปะโซเวียต - สัจนิยมสังคมนิยม - ตกผลึก เช่นเดียวกับตัวแทนคนหนุ่มสาวจำนวนมาก และไม่เพียงแต่คนรุ่นใหม่ของกลุ่มปัญญาชนด้านศิลปะโซเวียตเท่านั้น Shostakovich ยังได้แสดงความเคารพต่อความหลงใหลในผลงานทดลองของผู้กำกับ V. E. Meyerhold โอเปร่าของ Alban Berg ("Wozzeck"), Ernst Kshenek ("Jumping) Over the Shadow", "Johnny") ผลงานบัลเล่ต์โดย Fyodor Lopukhov

การผสมผสานระหว่างความแปลกประหลาดเฉียบพลันกับโศกนาฏกรรมอันลึกซึ้งซึ่งเป็นเรื่องปกติของปรากฏการณ์ศิลปะการแสดงออกหลายอย่างที่มาจากต่างประเทศก็ดึงดูดความสนใจของนักแต่งเพลงรุ่นเยาว์ด้วย ในเวลาเดียวกันความชื่นชมต่อ Bach, Beethoven, Tchaikovsky, Glinka และ Berlioz ยังคงอยู่ในตัวเขาเสมอ ครั้งหนึ่งเขากังวลเกี่ยวกับมหากาพย์ซิมโฟนิกอันยิ่งใหญ่ของมาห์เลอร์: ปัญหาเชิงลึกด้านจริยธรรมที่มีอยู่ในนั้น: ศิลปินและสังคม ศิลปิน และความทันสมัย แต่ไม่มีผู้แต่งคนใดในยุคอดีตที่ทำให้เขาตกใจมากเท่ากับ Mussorgsky

ในช่วงเริ่มต้นอาชีพสร้างสรรค์ของโชสตาโควิช ในช่วงเวลาแห่งการค้นหา งานอดิเรก และความขัดแย้ง โอเปร่าของเขาเรื่อง "The Nose" (1928) ถือกำเนิดขึ้น - หนึ่งในผลงานที่มีการโต้เถียงกันมากที่สุดในวัยสร้างสรรค์ของเขา ในโอเปร่าที่สร้างจากโครงเรื่องของ Gogol นี้ ผ่านอิทธิพลที่จับต้องได้ของ "The Government Inspector" ของ Meyerhold และความแปลกประหลาดทางดนตรี ทำให้มองเห็นลักษณะที่สดใสซึ่งทำให้ "The Nose" คล้ายกับโอเปร่า "Marriage" ของ Mussorgsky “ The Nose” มีบทบาทสำคัญในวิวัฒนาการเชิงสร้างสรรค์ของโชสตาโควิช

จุดเริ่มต้นของยุค 30 ถูกทำเครื่องหมายไว้ในชีวประวัติของผู้แต่งด้วยผลงานประเภทต่างๆ นี่คือบัลเล่ต์ "The Golden Age" และ "Bolt" เพลงสำหรับการผลิตของ Meyerhold ในละคร "The Bedbug" ของ Mayakovsky เพลงสำหรับการแสดงหลายครั้งของ Leningrad Theatre of Working Youth (TRAM) และสุดท้ายเป็นการเข้าสู่ภาพยนตร์ครั้งแรกของ Shostakovich การสร้างเพลงสำหรับภาพยนตร์เรื่อง "Alone", "Golden Mountains", "Counter"; ดนตรีเพื่อความหลากหลายและการแสดงละครสัตว์ของ Leningrad Music Hall "Conditionally Killed"; การสื่อสารอย่างสร้างสรรค์กับศิลปะที่เกี่ยวข้อง เช่น บัลเล่ต์ ละคร ภาพยนตร์ การเกิดขึ้นของวงจรโรแมนติกครั้งแรก (อิงจากบทกวีของกวีชาวญี่ปุ่น) เป็นข้อพิสูจน์ถึงความต้องการของผู้แต่งในการทำให้โครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของดนตรีเป็นรูปธรรม

ศูนย์กลางในบรรดาผลงานของโชสตาโควิชในช่วงครึ่งแรกของทศวรรษที่ 30 ถูกครอบครองโดยโอเปร่า "Lady Macbeth of Mtsensk" ("Katerina Izmailova") พื้นฐานของละครคือผลงานของ N. Leskov ซึ่งเป็นประเภทที่ผู้เขียนกำหนดด้วยคำว่า "เรียงความ" ราวกับว่าเป็นการเน้นความถูกต้องความน่าเชื่อถือของเหตุการณ์และตัวละครในแนวตั้งของตัวละคร เพลงของ "Lady Macbeth" เป็นเรื่องราวที่น่าสลดใจเกี่ยวกับยุคอันเลวร้ายของการปกครองแบบเผด็จการและความไร้กฎหมายเมื่อทุกสิ่งในมนุษย์ศักดิ์ศรีความคิดแรงบันดาลใจความรู้สึกของเขาถูกฆ่าตาย เมื่อสัญชาตญาณดั้งเดิมถูกเก็บภาษีและควบคุมการกระทำและชีวิตเองถูกใส่กุญแจมือเดินไปตามทางหลวงที่ไม่มีที่สิ้นสุดของรัสเซีย หนึ่งในนั้นโชสตาโควิชเห็นนางเอกของเขา - อดีตภรรยาของพ่อค้าซึ่งเป็นนักโทษซึ่งจ่ายราคาเต็มเพื่อความสุขทางอาญาของเธอ ฉันเห็นมันและเล่าชะตากรรมของเธออย่างตื่นเต้นในโอเปร่าของฉัน

ความเกลียดชังต่อโลกเก่า โลกแห่งความรุนแรง การโกหก และไร้มนุษยธรรมปรากฏอยู่ในผลงานของโชสตาโควิชหลายชิ้นในประเภทต่างๆ เธอเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับภาพลักษณ์เชิงบวกที่แข็งแกร่งที่สุด ซึ่งเป็นแนวคิดที่กำหนดลัทธิทางศิลปะและสังคมของโชสตาโควิช ศรัทธาในพลังที่ไม่อาจต้านทานของมนุษย์, ความชื่นชมในความร่ำรวยของโลกฝ่ายวิญญาณ, ความเห็นอกเห็นใจต่อความทุกข์ทรมานของเขา, ความกระหายอันแรงกล้าที่จะมีส่วนร่วมในการต่อสู้เพื่ออุดมคติอันสดใสของเขา - สิ่งเหล่านี้เป็นคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของลัทธิความเชื่อนี้ มันแสดงออกมาอย่างเต็มที่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานหลักที่สำคัญของเขา หนึ่งในสิ่งที่สำคัญที่สุดคือ Fifth Symphony ซึ่งปรากฏในปี 1936 ซึ่งเริ่มต้นเวทีใหม่ในชีวประวัติที่สร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงซึ่งเป็นบทใหม่ในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมโซเวียต ในซิมโฟนีนี้ซึ่งสามารถเรียกได้ว่าเป็น "โศกนาฏกรรมในแง่ดี" ผู้เขียนมาถึงปัญหาเชิงปรัชญาที่ลึกซึ้งของการก่อตัวของบุคลิกภาพของคนร่วมสมัยของเขา

เมื่อพิจารณาจากดนตรีของโชสตาโควิช แนวซิมโฟนีเป็นเวทีสำหรับเขามาโดยตลอดซึ่งควรแสดงเฉพาะสุนทรพจน์ที่สำคัญที่สุดและร้อนแรงที่สุดซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อให้บรรลุเป้าหมายทางจริยธรรมสูงสุดเท่านั้น เวทีซิมโฟนีไม่ได้ถูกสร้างขึ้นเพื่อความมีคารมคมคาย นี่เป็นจุดเริ่มต้นสำหรับความคิดเชิงปรัชญาที่เข้มแข็งต่อสู้เพื่ออุดมคติของมนุษยนิยมประณามความชั่วร้ายและความต่ำต้อยราวกับยืนยันจุดยืนของ Goethean อันโด่งดังอีกครั้ง:

มีเพียงเขาเท่านั้นที่คู่ควรกับความสุขและอิสรภาพ และทุกวันเขาจะต่อสู้เพื่อพวกเขา! เป็นสิ่งสำคัญที่จะไม่มีซิมโฟนีสักเพลงหนึ่งในสิบห้าเพลงที่เขียนโดยโชสตาโควิชที่แยกจากความทันสมัย เพลงแรกถูกกล่าวถึงข้างต้น เพลงที่สองเป็นการอุทิศให้กับเดือนตุลาคม เพลงที่สามคือ "วันเมย์" ในนั้นผู้แต่งหันไปหาบทกวีของ A. Bezymensky และ S. Kirsanov เพื่อเผยให้เห็นถึงความสุขและความเคร่งขรึมของการเฉลิมฉลองการปฏิวัติที่ส่องสว่างในตัวพวกเขาให้ชัดเจนยิ่งขึ้น

แต่ด้วยซิมโฟนีที่สี่ซึ่งเขียนขึ้นในปี 2479 พลังชั่วร้ายและมนุษย์ต่างดาวบางคนได้เข้าสู่โลกแห่งความเข้าใจชีวิตความดีและความเป็นมิตรอย่างสนุกสนาน เธอใช้รูปแบบที่แตกต่างกัน ที่ไหนสักแห่งที่เธอเหยียบย่ำบนพื้นอย่างหยาบๆ ที่ปกคลุมไปด้วยต้นไม้เขียวขจีในฤดูใบไม้ผลิ ด้วยรอยยิ้มเหยียดหยาม เธอทำให้ความบริสุทธิ์และความจริงใจเป็นมลทิน เธอโกรธ เธอขู่ เธอสื่อถึงความตาย ภายในมีความใกล้เคียงกับธีมมืดมนที่คุกคามความสุขของมนุษย์จากหน้าโน้ตเพลงซิมโฟนีสามเพลงสุดท้ายของไชคอฟสกี

ในการเคลื่อนไหวทั้งครั้งที่ห้าและครั้งที่สองของ Sixth Symphony ของโชสตาโควิช พลังที่น่าเกรงขามนี้ทำให้ตัวเองรู้สึกได้ แต่เฉพาะในวันที่เจ็ดเท่านั้นที่เลนินกราดซิมโฟนีจะสูงขึ้นจนเต็มความสูง ทันใดนั้น พลังที่โหดร้ายและน่าสะพรึงกลัวก็บุกรุกโลกแห่งความคิดเชิงปรัชญา ความฝันอันบริสุทธิ์ ความเข้มแข็งทางกีฬา และภูมิทัศน์บทกวีที่เหมือนเลวีตัน เธอมาเพื่อกวาดล้างโลกอันบริสุทธิ์นี้และสถาปนาความมืด เลือด และความตาย โดยบอกเป็นนัยว่าจากระยะไกลได้ยินเสียงกรอบแกรบของกลองเล็ก ๆ ที่แทบจะไม่ได้ยินและเมื่อจังหวะที่ชัดเจนของมันก็ปรากฏรูปแบบเชิงมุมที่แข็งกระด้าง ทำซ้ำตัวเองสิบเอ็ดครั้งด้วยกลไกที่น่าเบื่อและเพิ่มความแข็งแกร่งทำให้เกิดเสียงแหบห้าวคำรามหรือมีขนดก และตอนนี้ ในสภาพเปลือยเปล่าอันน่าสะพรึงกลัวนั้น มนุษย์และสัตว์ร้ายก็ก้าวไปบนพื้นโลก

ตรงกันข้ามกับ "ธีมของการรุกราน" "ธีมของความกล้าหาญ" ปรากฏและแข็งแกร่งขึ้นในดนตรี บทพูดคนเดียวของบาสซูนเต็มไปด้วยความขมขื่นของการสูญเสียทำให้ใคร ๆ นึกถึงบทของ Nekrasov:“ นี่คือน้ำตาของแม่ที่ยากจนพวกเขาจะไม่ลืมลูก ๆ ของพวกเขาที่เสียชีวิตในทุ่งนองเลือด” แต่ไม่ว่าการสูญเสียจะเศร้าแค่ไหน ชีวิตก็ยืนยันตัวเองทุกนาที แนวคิดนี้แทรกซึมเข้าไปในเชอร์โซ - ตอนที่ 2 และจากที่นี่ผ่านการไตร่ตรอง (ตอนที่ 3) จะนำไปสู่การสิ้นสุดที่ฟังดูมีชัยชนะ

นักแต่งเพลงเขียนเลนินกราดซิมโฟนีในตำนานของเขาในบ้านที่สั่นสะเทือนจากการระเบิดตลอดเวลา ในสุนทรพจน์ครั้งหนึ่งของเขา Shostakovich กล่าวว่า:“ ด้วยความเจ็บปวดและความภาคภูมิใจฉันมองไปที่เมืองอันเป็นที่รักของฉันและมันก็ยืนหยัดด้วยไฟที่แผดเผาต่อสู้อย่างแข็งขันเมื่อต้องประสบกับความทุกข์ทรมานอันลึกล้ำของนักสู้และสวยงามยิ่งขึ้นในท้ายเรือ ความยิ่งใหญ่ คุณจะไม่รักเมืองนี้ที่สร้างโดยปีเตอร์ไม่สามารถบอกคนทั้งโลกเกี่ยวกับความรุ่งโรจน์ของมันเกี่ยวกับความกล้าหาญของผู้ปกป้องเมืองได้อย่างไร ... อาวุธของฉันคือดนตรี”

ด้วยความเกลียดชังความชั่วร้ายและความรุนแรง นักแต่งเพลงชาวเมืองประณามศัตรู ผู้ที่หว่านสงครามซึ่งทำให้ประเทศต่างๆ ตกอยู่ในห้วงแห่งความหายนะ นั่นคือสาเหตุที่ธีมของสงครามตรึงความคิดของนักแต่งเพลงมาเป็นเวลานาน ฟังดูยิ่งใหญ่ในระดับที่แปดในส่วนลึกของความขัดแย้งที่น่าเศร้าซึ่งแต่งขึ้นในปี 2486 ในซิมโฟนีที่สิบและสิบสามในเปียโนทรีโอที่เขียนขึ้นในความทรงจำของ I. I. Sollertinsky ธีมนี้ยังเจาะเข้าไปในกลุ่มที่แปดในเพลงสำหรับภาพยนตร์เรื่อง "The Fall of Berlin", "Meeting on the Elbe", "Young Guard" ในบทความที่อุทิศให้กับวันครบรอบปีแรกของวันแห่งชัยชนะโชสตาโควิชเขียนว่า: " ชัยชนะต้องไม่น้อยไปกว่าสงคราม "ซึ่งต่อสู้ในนามของชัยชนะ ความพ่ายแพ้ของลัทธิฟาสซิสต์เป็นเพียงเวทีในขบวนการรุกของมนุษย์ที่ผ่านพ้นไม่ได้ในการดำเนินภารกิจที่ก้าวหน้าของชาวโซเวียต"

The Ninth Symphony ผลงานหลังสงครามชิ้นแรกของโชสตาโควิช แสดงเป็นครั้งแรกในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2488 ซิมโฟนีนี้ไม่เป็นไปตามความคาดหวังในระดับหนึ่ง ไม่มีความเคร่งขรึมที่ยิ่งใหญ่ในนั้นที่สามารถรวบรวมภาพของการสิ้นสุดสงครามที่ได้รับชัยชนะไว้ในดนตรี แต่มีอย่างอื่นอยู่ในนั้น: ความสุขทันที เรื่องตลก เสียงหัวเราะ ราวกับว่าน้ำหนักมหาศาลหล่นลงมาจากไหล่ และเป็นครั้งแรกในรอบหลายปีที่สามารถเปิดไฟได้โดยไม่ต้องใช้ม่าน โดยไม่ทำให้มืดลง และ หน้าต่างทุกบานในบ้านก็สว่างไสวด้วยความยินดี และเฉพาะส่วนสุดท้ายเท่านั้นที่จะแสดงคำเตือนอันรุนแรงถึงสิ่งที่ได้ประสบมา แต่ความมืดครอบงำในช่วงเวลาสั้น ๆ - ดนตรีกลับมาสู่โลกแห่งแสงสว่างและความสนุกสนานอีกครั้ง

แปดปีแยกซิมโฟนีที่สิบออกจากเก้า ไม่เคยมีการแบ่งแยกในพงศาวดารไพเราะของ Shostakovich มาก่อน และอีกครั้งที่เรามีงานที่เต็มไปด้วยการปะทะกันอันน่าสลดใจ ปัญหาทางอุดมการณ์ที่ลึกซึ้ง เรื่องราวที่น่าสมเพชเกี่ยวกับยุคแห่งการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ ยุคแห่งความหวังอันยิ่งใหญ่สำหรับมนุษยชาติ

ที่สิบเอ็ดและสิบสองครอบครองสถานที่พิเศษในรายการซิมโฟนีของโชสตาโควิช

ก่อนที่จะหันไปใช้ Eleventh Symphony ซึ่งเขียนในปี 1957 จำเป็นต้องนึกถึง Ten Poems สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงผสม (1951) โดยอิงจากคำพูดของกวีนักปฏิวัติในช่วงศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 บทกวีของกวีนักปฏิวัติ: L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz เป็นแรงบันดาลใจให้ Shostakovich สร้างดนตรีซึ่งทุกบาร์ที่เขาแต่งขึ้นและในเวลาเดียวกันก็คล้ายกับเพลงของนักปฏิวัติ การชุมนุมใต้ดินของนักเรียนซึ่งได้ยินในดันเจี้ยน Butyrok และใน Shushenskoye และใน Lynjumo บน Capri ไปจนถึงเพลงที่เป็นประเพณีของครอบครัวในบ้านของพ่อแม่ของนักแต่งเพลง ปู่ของเขา โบเลสลาฟ โบเลสลาโววิช โชสตาโควิช ถูกเนรเทศเนื่องจากเข้าร่วมการลุกฮือในโปแลนด์ในปี พ.ศ. 2406 ลูกชายของเขา Dmitry Boleslavovich พ่อของนักแต่งเพลงในช่วงปีการศึกษาและหลังจากสำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับครอบครัว Lukashevich ซึ่งหนึ่งในสมาชิกของเขาร่วมกับ Alexander Ilyich Ulyanov กำลังเตรียมความพยายามลอบสังหาร Alexander III Lukashevich ใช้เวลา 18 ปีในป้อมปราการ Shlisselburg

หนึ่งในความประทับใจที่ทรงพลังที่สุดในชีวิตทั้งชีวิตของโชสตาโควิชคือวันที่ 3 เมษายน พ.ศ. 2460 ซึ่งเป็นวันที่ V.I. เลนินมาถึงเปโตรกราด นี่คือวิธีที่ผู้แต่งพูดถึงมัน “ ฉันได้เห็นเหตุการณ์การปฏิวัติเดือนตุลาคมเป็นหนึ่งในคนที่ฟัง Vladimir Ilyich บนจัตุรัสหน้าสถานี Finlyandsky ในวันที่เขามาถึง Petrograd และถึงแม้ว่าฉันจะยังเด็กมากก็ตาม ความทรงจำของฉัน."

แก่นของการปฏิวัติเข้าสู่เนื้อหนังและเลือดของนักแต่งเพลงแม้ในวัยเด็กของเขาและเติบโตในตัวเขาพร้อมกับการเติบโตของจิตสำนึกกลายเป็นหนึ่งในรากฐานของเขา ธีมนี้ตกผลึกใน Eleventh Symphony (1957) เรียกว่า "1905" แต่ละส่วนมีชื่อของตัวเอง จากนั้นคุณสามารถจินตนาการถึงแนวคิดและบทละครของงานได้อย่างชัดเจน: "Palace Square", "9 มกราคม", "Eternal Memory", "Alarm" ซิมโฟนีเต็มไปด้วยน้ำเสียงของเพลงใต้ดินปฏิวัติ: "ฟัง", "นักโทษ", "คุณตกเป็นเหยื่อ", "โกรธเคือง, ทรราช", "Varshavyanka" พวกเขาทำให้การเล่าเรื่องทางดนตรีที่เต็มไปด้วยความตื่นเต้นและความน่าเชื่อถือของเอกสารทางประวัติศาสตร์เป็นพิเศษ

อุทิศให้กับความทรงจำของ Vladimir Ilyich Lenin, Twelfth Symphony (1961) ซึ่งเป็นผลงานที่มีพลังอันยิ่งใหญ่ - ยังคงเป็นเรื่องราวของการปฏิวัติต่อไป เช่นเดียวกับในวันที่สิบเอ็ด ชื่อโปรแกรมของส่วนต่าง ๆ ให้แนวคิดที่ชัดเจนอย่างสมบูรณ์เกี่ยวกับเนื้อหา: "Revolutionary Petrograd", "Razliv", "Aurora", "Dawn of Humanity"

Thirteenth Symphony (1962) ของ Shostakovich มีแนวเพลงใกล้เคียงกับ oratorio มันถูกเขียนขึ้นเพื่อการเรียบเรียงที่ไม่ธรรมดา: วงซิมโฟนีออร์เคสตรา, นักร้องประสานเสียงเบสและศิลปินเดี่ยวเบส พื้นฐานข้อความของซิมโฟนีทั้งห้าส่วนคือท่อนของ Evg Yevtushenko: "Babi Yar", "อารมณ์ขัน", "ในร้าน", "ความกลัว" และ "อาชีพ" ความคิดของซิมโฟนีสิ่งที่น่าสมเพชคือการบอกเลิกความชั่วร้ายในนามของการต่อสู้เพื่อความจริงเพื่อมนุษย์ และซิมโฟนีนี้เผยให้เห็นถึงมนุษยนิยมที่กระตือรือร้นและน่ารังเกียจซึ่งมีอยู่ในโชสตาโควิช

หลังจากห่างหายไปเจ็ดปีในปี พ.ศ. 2512 ซิมโฟนีที่สิบสี่ได้ถูกสร้างขึ้นซึ่งเขียนขึ้นสำหรับแชมเบอร์ออร์เคสตรา: เครื่องสาย เครื่องเพอร์คัชชันจำนวนเล็กน้อยและเสียงสองเสียง - โซปราโนและเบส ซิมโฟนีประกอบด้วยบทกวีของ Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, M. Rilke และ Wilhelm Kuchelbecker ซิมโฟนีนี้เขียนขึ้นเพื่ออุทิศให้กับ Benjamin Britten ภายใต้อิทธิพลของ "เพลงและการเต้นรำแห่งความตาย" ของ M. P. Mussorgsky ในบทความอันงดงามเรื่อง From the Depths of the Depths ซึ่งอุทิศให้กับ Symphony ที่สิบสี่ Marietta Shaginyan เขียนว่า: "... Symphony ที่สิบสี่ของ Shostakovich ซึ่งเป็นจุดสุดยอดของงานของเขา The Fourteenth Symphony - ฉันอยากจะเรียกมันว่าครั้งแรก “ ความหลงใหลของมนุษย์” ในยุคใหม่ - พูดอย่างน่าเชื่อว่าเวลาของเราต้องใช้เวลามากเพียงใดทั้งการตีความเชิงลึกเกี่ยวกับความขัดแย้งทางศีลธรรมและความเข้าใจอันน่าเศร้าของการทดลองทางจิตวิญญาณ ("ความหลงใหล") ที่มนุษยชาติผ่านไป"

ซิมโฟนีที่สิบห้าของ D. Shostakovich แต่งขึ้นในฤดูร้อนปี 2514 หลังจากหยุดพักไปนานผู้แต่งก็กลับมาเล่นดนตรีซิมโฟนีเพียงอย่างเดียว การใช้สีอ่อนของ "toy scherzo" ของการเคลื่อนไหวครั้งแรกนั้นสัมพันธ์กับภาพในวัยเด็ก ธีมจากการทาบทาม "William Tell" ของ Rossini "ลงตัว" เข้ากับดนตรีอย่างเป็นธรรมชาติ เพลงเศร้าแห่งการเริ่มต้นของส่วนที่ 2 ด้วยเสียงเศร้าหมองของวงดนตรีทองเหลืองทำให้เกิดความคิดถึงความสูญเสีย ความเศร้าโศกครั้งแรก เพลงของ Part II เต็มไปด้วยจินตนาการที่เป็นลางไม่ดี โดยมีคุณสมบัติบางอย่างที่ชวนให้นึกถึงโลกแห่งเทพนิยายของ The Nutcracker ในตอนต้นของส่วนที่ 4 โชสตาโควิชหันไปใช้ใบเสนอราคาอีกครั้ง คราวนี้เป็นธีมแห่งโชคชะตาจากวาลคิรีซึ่งกำหนดจุดไคลแม็กซ์อันน่าเศร้าของการพัฒนาต่อไป

ซิมโฟนีสิบห้าบทของโชสตาโควิชคือสิบห้าบทของพงศาวดารมหากาพย์ในยุคของเรา Shostakovich เข้าร่วมในกลุ่มผู้ที่เปลี่ยนแปลงโลกอย่างแข็งขันและโดยตรง อาวุธของเขาคือดนตรีที่กลายเป็นปรัชญา ปรัชญาที่กลายเป็นดนตรี

แรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ของ Shostakovich ครอบคลุมแนวดนตรีที่มีอยู่ทั้งหมด ตั้งแต่เพลงมวลชนตั้งแต่ "The Counter" ไปจนถึงบทออราทอริโอ "Song of the Forests" ที่ยิ่งใหญ่ โอเปร่า ซิมโฟนี และคอนเสิร์ตบรรเลง ส่วนสำคัญของงานของเขาอุทิศให้กับดนตรีแชมเบอร์ซึ่งหนึ่งในนั้นคือผลงาน "24 Preludes and Fugues" สำหรับเปียโนซึ่งครอบครองสถานที่พิเศษ หลังจาก Johann Sebastian Bach มีเพียงไม่กี่คนที่กล้าสัมผัสวงจรโพลีโฟนิกในรูปแบบและขนาดนี้ และไม่ใช่เรื่องของการมีหรือไม่มีเทคโนโลยีที่เหมาะสม แต่เป็นทักษะพิเศษ "24 Preludes and Fugues" ของ Shostakovich ไม่เพียง แต่เป็นภูมิปัญญาโพลีโฟนิกแห่งศตวรรษที่ 20 เท่านั้น แต่ยังเป็นตัวบ่งชี้ความแข็งแกร่งและความตึงเครียดของการคิดที่ชัดเจนที่สุดโดยเจาะลึกเข้าไปในส่วนลึกของปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนที่สุด การคิดประเภทนี้คล้ายกับพลังทางปัญญาของ Kurchatov, Landau, Fermi ดังนั้นบทโหมโรงและความทรงจำของ Shostakovich ไม่เพียงทำให้ประหลาดใจกับความเป็นวิชาการระดับสูงในการเปิดเผยความลับของพฤกษ์พฤกษ์ของ Bach แต่เหนือสิ่งอื่นใดด้วยความคิดเชิงปรัชญาที่แทรกซึมเข้าไปใน “ส่วนลึกแห่งส่วนลึก” ของความร่วมสมัยของเขา พลังขับเคลื่อน ความขัดแย้ง และยุคที่น่าสมเพชของการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่

ถัดจากซิมโฟนีสถานที่ขนาดใหญ่ในชีวประวัติที่สร้างสรรค์ของโชสตาโควิชถูกครอบครองโดยสิบห้าควอร์ตของเขา ในวงดนตรีนี้ แม้จะพอประมาณในแง่ของจำนวนนักแสดง ผู้แต่งจะหันไปหาวงกลมที่มีเนื้อหาใกล้เคียงกับวงที่เขาพูดถึงในซิมโฟนีของเขา ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่วงบางวงปรากฏเกือบจะพร้อมๆ กันกับซิมโฟนี โดยเป็น "สหาย" ดั้งเดิมของพวกเขา

ในซิมโฟนี ผู้แต่งกล่าวถึงคนนับล้าน โดยยังคงแนวซิมโฟนีของเบโธเฟนในแง่นี้ ในขณะที่วงสี่วงจ่าหน้าถึงวงกลมห้องที่แคบกว่า เขาจะแบ่งปันสิ่งที่ตื่นเต้น พอใจ หดหู่ สิ่งที่ฝันถึงกับเขา

ไม่มีวงใดที่มีชื่อพิเศษเพื่อช่วยให้เข้าใจเนื้อหา ไม่มีอะไรนอกจากหมายเลขซีเรียล แต่ถึงกระนั้นความหมายของมันก็ชัดเจนสำหรับทุกคนที่รักและรู้วิธีฟังแชมเบอร์มิวสิค วงที่ 1 มีอายุเท่ากันกับวง Fifth Symphony ด้วยโครงสร้างที่ร่าเริง ใกล้เคียงกับนีโอคลาสซิซิสซึ่ม พร้อมด้วยท่อนซาราบันเดที่พิถีพิถันในการเคลื่อนไหวครั้งแรก ฉากสุดท้ายของเพลง Haydnian ที่เปล่งประกาย เพลงวอลทซ์ที่พลิ้วไหว และคอรัสวิโอลารัสเซียที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ ที่ดึงออกมาและชัดเจน เราจะรู้สึกได้ถึงการเยียวยาจากความคิดอันหนักหน่วงที่ท่วมท้น ฮีโร่แห่งซิมโฟนีที่ห้า

เราจำได้ว่าการแต่งเนื้อเพลงมีความสำคัญเพียงใดในบทกวี เพลง และจดหมายในช่วงสงคราม ความอบอุ่นของโคลงสั้น ๆ ของวลีที่จริงใจสองสามวลีทวีความเข้มแข็งทางวิญญาณอย่างไร เพลงวอลทซ์และความโรแมนติกของ Second Quartet ซึ่งเขียนขึ้นในปี 1944 ตื้นตันไปด้วย

ภาพของ Third Quartet มีความแตกต่างกันอย่างไร ประกอบด้วยความประมาทเลินเล่อของเยาวชน และภาพอันเจ็บปวดของ "พลังแห่งความชั่วร้าย" และความตึงเครียดของการต่อต้าน และเนื้อเพลงที่เกี่ยวข้องกับการสะท้อนทางปรัชญา The Fifth Quartet (1952) ซึ่งนำหน้า Symphony ที่สิบ และยิ่งกว่านั้น Eighth Quartet (I960) เต็มไปด้วยนิมิตที่น่าเศร้า - ความทรงจำในช่วงสงคราม ในดนตรีของวงสี่เหล่านี้ เช่นเดียวกับในซิมโฟนีที่เจ็ดและสิบ พลังแห่งแสงและพลังแห่งความมืดถูกต่อต้านอย่างรุนแรง หน้าชื่อเรื่องของกลุ่มที่แปดอ่านว่า: “เพื่อรำลึกถึงเหยื่อของลัทธิฟาสซิสต์และสงคราม” วงนี้เขียนขึ้นเป็นเวลาสามวันในเดรสเดน ซึ่งโชสตาโควิชไปทำงานดนตรีให้กับภาพยนตร์เรื่อง Five Days, Five Nights

นอกเหนือจากสี่กลุ่มที่สะท้อนถึง "โลกใบใหญ่" ด้วยความขัดแย้ง เหตุการณ์ การปะทะกันในชีวิต Shostakovich ยังมีสี่กลุ่มที่ฟังดูเหมือนหน้าไดอารี่ ในตอนแรกพวกเขาร่าเริง ในประการที่สี่พวกเขาพูดถึงการหมกมุ่นอยู่กับตนเองการไตร่ตรองความสงบ ในวันที่หก - เปิดเผยภาพแห่งความเป็นหนึ่งเดียวกับธรรมชาติและความเงียบสงบอันลึกซึ้ง ในวันที่เจ็ดและสิบเอ็ด - อุทิศให้กับความทรงจำของผู้เป็นที่รัก ดนตรีเข้าถึงการแสดงออกทางวาจาเกือบทั้งหมดโดยเฉพาะในจุดไคลแม็กซ์ที่น่าเศร้า

ในวงที่สิบสี่ลักษณะเฉพาะของ Melos ของรัสเซียนั้นสังเกตได้ชัดเจนเป็นพิเศษ ในส่วนที่ 1 ภาพดนตรีมีเสน่ห์ด้วยท่าทางโรแมนติกในการแสดงความรู้สึกที่หลากหลาย ตั้งแต่การชื่นชมความงามของธรรมชาติอย่างจริงใจไปจนถึงการระเบิดของความวุ่นวายในจิตใจ การกลับคืนสู่ความสงบและความเงียบสงบของภูมิทัศน์ Adagio แห่งวงที่สิบสี่ทำให้ใครๆ นึกถึงจิตวิญญาณรัสเซียของการขับร้องวิโอลาในวงที่หนึ่ง ใน III - ส่วนสุดท้าย - ดนตรีมีจังหวะการเต้นรำซึ่งฟังดูชัดเจนไม่มากก็น้อย จากการประเมินวงที่สิบสี่ของโชสตาโควิช D. B. Kabalevsky พูดถึง "จุดเริ่มต้นของเบโธเฟน" ของความสมบูรณ์แบบอันสูงส่ง

วงที่สิบห้าแสดงครั้งแรกในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2517 โครงสร้างไม่ธรรมดา ประกอบด้วย 6 ส่วน ต่อเนื่องกันโดยไม่หยุดชะงัก การเคลื่อนไหวทั้งหมดอยู่ในจังหวะที่ช้า: Elegy, Serenade, Intermezzo, Nocturne, Funeral March และ Epilogue วงที่สิบห้าสร้างความประหลาดใจให้กับความลึกของความคิดเชิงปรัชญาซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของโชสตาโควิชในงานหลายประเภทประเภทนี้

ผลงานสี่ชิ้นของโชสตาโควิชแสดงถึงจุดสูงสุดประการหนึ่งของการพัฒนาแนวเพลงในยุคหลังเบโธเฟน เช่นเดียวกับในซิมโฟนี โลกแห่งความคิดอันสูงส่ง การไตร่ตรอง และภาพรวมทางปรัชญาก็ปกคลุมอยู่ที่นี่ แต่ต่างจากซิมโฟนีตรงที่วงสี่วงมีน้ำเสียงที่น่าเชื่อถือซึ่งกระตุ้นการตอบสนองทางอารมณ์จากผู้ฟังในทันที คุณสมบัติของควอร์เตตของโชสตาโควิชนี้ทำให้คล้ายกับควอเต็ตของไชคอฟสกี

ถัดจากวงสี่วง หนึ่งในสถานที่ที่สูงที่สุดในประเภทแชมเบอร์อย่างถูกต้องถูกครอบครองโดย Piano Quintet ซึ่งเขียนในปี 1940 ซึ่งเป็นผลงานที่ผสมผสานปัญญาชนอย่างลึกซึ้ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดใน Prelude และ Fugue และอารมณ์ความรู้สึกอันละเอียดอ่อน บางแห่งที่ทำให้ใครๆ นึกถึงผลงานของ Levitan ทิวทัศน์

นักแต่งเพลงหันมาใช้ดนตรีแชมเบอร์โวคอลบ่อยขึ้นในช่วงหลังสงคราม ความรักหกเรื่องปรากฏตามคำพูดของ W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare; วงจรเสียง "จากบทกวีพื้นบ้านของชาวยิว"; ความรักสองเรื่องจากบทกวีของ M. Lermontov บทพูดคนเดียวสี่บทจากบทกวีของ A. Pushkin เพลงและความรักจากบทกวีของ M. Svetlov, E. Dolmatovsky วงจร "เพลงสเปน" ห้าเรื่องเสียดสีตามคำพูดของ Sasha Cherny, อารมณ์ขันห้าเรื่องที่สร้างจากคำพูดจากนิตยสาร "Crocodile" ", Suite on บทกวีของ M. Tsvetaeva

เพลงร้องมากมายที่มีพื้นฐานมาจากข้อความของบทกวีคลาสสิกและกวีโซเวียตเป็นพยานถึงความสนใจทางวรรณกรรมที่หลากหลายของผู้แต่ง ในเพลงร้องของ Shostakovich สิ่งหนึ่งที่ไม่เพียงประทับใจในความละเอียดอ่อนของสไตล์และลายมือของกวีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสามารถในการสร้างลักษณะประจำชาติของดนตรีด้วย สิ่งนี้ชัดเจนเป็นพิเศษใน "เพลงสเปน" ในวงจร "จากบทกวีพื้นบ้านของชาวยิว" ในรูปแบบโรแมนติกที่สร้างจากบทกวีของกวีชาวอังกฤษ ประเพณีของเนื้อเพลงโรแมนติกของรัสเซียที่มาจาก Tchaikovsky, Taneyev ได้ยินใน Five Romances, "Five Days" ตามบทกวีของ E. Dolmatovsky: "วันแห่งการประชุม", "วันแห่งคำสารภาพ", "วันแห่ง ความขุ่นเคือง”, “วันแห่งความยินดี”, “วันแห่งความทรงจำ”

สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดย "Satires" ตามคำพูดของ Sasha Cherny และ "Humoresques" จาก "Crocodile" พวกเขาสะท้อนให้เห็นถึงความรักของ Shostakovich ที่มีต่อ Mussorgsky มันเกิดขึ้นในวัยหนุ่มของเขาและปรากฏตัวครั้งแรกในวงจรของเขา "นิทานของ Krylov" จากนั้นในโอเปร่า "The Nose" จากนั้นใน "Katerina Izmailova" (โดยเฉพาะใน Act IV ของโอเปร่า) สามครั้งที่โชสตาโควิชหันไปหามุสซอร์กสกี โดยตรง เรียบเรียงและตัดต่อ “Boris Godunov” และ “Khovanshchina” ใหม่ และเรียบเรียง “Songs and Dances of Death” เป็นครั้งแรก และอีกครั้งที่ความชื่นชมที่มีต่อ Mussorgsky สะท้อนให้เห็นในบทกวีสำหรับศิลปินเดี่ยว นักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา - "The Execution of Stepan Razin" ถึงบทของ Evg เยฟตูเชนโก.

ความผูกพันกับ Mussorgsky จะต้องแข็งแกร่งและลึกซึ้งเพียงใดหากมีความเป็นตัวของตัวเองที่สดใสซึ่งสามารถรับรู้ได้อย่างชัดเจนด้วยวลีสองหรือสามวลี Shostakovich อย่างถ่อมตัวด้วยความรักเช่นนี้ - ไม่เลียนแบบไม่ แต่รับและตีความสไตล์ ของการเขียนในแบบของเขาเอง นักดนตรีสัจนิยมผู้ยิ่งใหญ่

กาลครั้งหนึ่ง โรเบิร์ต ชูมันน์ ชื่นชมอัจฉริยภาพของโชแปงที่เพิ่งปรากฏตัวบนขอบฟ้าทางดนตรีของยุโรป โดยเขียนว่า “ถ้าโมสาร์ทยังมีชีวิตอยู่ เขาจะเขียนคอนแชร์โตของโชแปง” ในการถอดความชูมันน์เราสามารถพูดได้ว่า: ถ้า Mussorgsky มีชีวิตอยู่เขาคงจะเขียนเรื่อง "The Execution of Stepan Razin" โดย Shostakovich Dmitry Shostakovich เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรีละครที่โดดเด่น เขาอยู่ใกล้กับแนวเพลงที่แตกต่างกัน: โอเปร่า, บัลเล่ต์, ละครเพลง, รายการวาไรตี้ (Music Hall), ละคร รวมถึงเพลงประกอบภาพยนตร์ด้วย เรามาลองบอกชื่อผลงานบางชิ้นในประเภทเหล่านี้จากภาพยนตร์มากกว่าสามสิบเรื่อง: "The Golden Mountains", "The Counter", "The Maxim Trilogy", "The Young Guard", "Meeting on the Elbe", "The Fall of Berlin" ", "The Gadfly", "ห้าวัน - ห้าคืน", "แฮมเล็ต", "คิงเลียร์" จากดนตรีประกอบการแสดงละคร: “The Bedbug” โดย V. Mayakovsky, “The Shot” โดย A. Bezymensky, “Hamlet” และ “King Lear” โดย V. Shakespeare, “Salute, Spain” โดย A. Afinogenov, “The Human Comedy” โดย O. Balzac

ไม่ว่างานของ Shostakovich ในภาพยนตร์และละครจะแตกต่างกันในประเภทและขนาดเพียงใด พวกเขาก็รวมกันเป็นหนึ่งเดียวด้วยคุณสมบัติทั่วไป - ดนตรีสร้างของตัวเองอย่างที่เคยเป็น "ซีรีส์ไพเราะ" ของศูนย์รวมของความคิดและตัวละครที่มีอิทธิพลต่อบรรยากาศของ ภาพยนตร์หรือการแสดง

ชะตากรรมของบัลเล่ต์เป็นเรื่องที่โชคร้าย ความผิดนี้ตกอยู่ที่การเขียนบทที่ด้อยกว่าโดยสิ้นเชิง แต่ดนตรีที่เต็มไปด้วยจินตภาพและอารมณ์ขันที่สดใสและฟังดูไพเราะในวงออเคสตราได้รับการเก็บรักษาไว้ในรูปแบบของห้องสวีทและครองตำแหน่งที่โดดเด่นในการแสดงคอนเสิร์ตซิมโฟนี บัลเล่ต์ "The Young Lady and the Hooligan" กับดนตรีของ D. Shostakovich ที่สร้างจากบทของ A. Belinsky ซึ่งอิงบทภาพยนตร์ของ V. Mayakovsky กำลังแสดงด้วยความสำเร็จอย่างมากในโรงละครดนตรีโซเวียตหลายขั้นตอน

Dmitri Shostakovich มีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อแนวเพลงบรรเลงคอนแชร์โต สิ่งแรกที่เขียนคือเปียโนคอนแชร์โตใน C minor พร้อมโซโลทรัมเป็ต (1933) ด้วยความเยาว์วัย ความซุกซน และมุมฉากอันมีเสน่ห์ของวัยเยาว์ คอนเสิร์ตนี้จึงชวนให้นึกถึง First Symphony สิบสี่ปีต่อมา ไวโอลินคอนแชร์โตซึ่งมีความคิดลึกซึ้ง มีขอบเขตที่งดงาม และความฉลาดหลักแหลมปรากฏขึ้น ตามมาด้วยเปียโนคอนแชร์โต้ครั้งที่สองในปี พ.ศ. 2500 ซึ่งอุทิศให้กับลูกชายของเขา แม็กซิม ซึ่งออกแบบมาเพื่อการแสดงสำหรับเด็ก รายชื่อวรรณกรรมคอนเสิร์ตจากปากกาของโชสตาโควิชเสร็จสมบูรณ์โดยเชลโลคอนแชร์โต (2502, 2510) และไวโอลินคอนแชร์โต้ครั้งที่สอง (2510) คอนเสิร์ตเหล่านี้ได้รับการออกแบบมาเพื่อ "ความมึนเมาและความฉลาดทางเทคนิค" ในแง่ของความลึกของความคิดและดราม่าที่เข้มข้น ติดอันดับรองจากซิมโฟนี

รายชื่อผลงานที่ให้ไว้ในบทความนี้จะรวมเฉพาะผลงานทั่วไปในประเภทหลักเท่านั้น ชื่อหลายสิบชื่อในส่วนต่างๆ ของความคิดสร้างสรรค์ยังคงอยู่นอกรายการ

เส้นทางสู่ชื่อเสียงระดับโลกของเขาคือเส้นทางของหนึ่งในนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ที่สร้างหลักชัยใหม่ในวัฒนธรรมดนตรีโลกอย่างกล้าหาญ เส้นทางของเขาสู่ชื่อเสียงระดับโลก เส้นทางของหนึ่งในผู้คนเหล่านั้นที่มีชีวิตอยู่เพื่อต้องอยู่ในเหตุการณ์หนาแน่นของทุกคนเพื่อเวลาของเขา เจาะลึกถึงความหมายของสิ่งที่เกิดขึ้น เพื่อรับตำแหน่งที่ยุติธรรมในข้อพิพาท การปะทะกันของความคิดเห็นในการต่อสู้และตอบสนองด้วยพลังทั้งหมดของของขวัญอันยิ่งใหญ่ของเขาสำหรับทุกสิ่งที่แสดงออกด้วยคำเดียวที่ยิ่งใหญ่ - ชีวิต

Dmitry Shostakovich (1906 - 1975) เป็นคีตกวีชาวรัสเซียผู้มีชื่อเสียง ซึ่งเป็นผลงานคลาสสิกแห่งศตวรรษที่ 20 มรดกทางความคิดสร้างสรรค์มีปริมาณมหาศาลและเป็นสากลในการครอบคลุมประเภทต่างๆ Shostakovich เป็นนักซิมโฟนีที่ใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 20 (15 ซิมโฟนี) ความหลากหลายและความคิดริเริ่มของแนวคิดไพเราะเนื้อหาทางปรัชญาและจริยธรรมสูง (4, 5, 7, 8, 13, 14, 15 ซิมโฟนี) อาศัยขนบธรรมเนียมประเพณีของคลาสสิก (Bach, Beethoven, Tchaikovsky, Mahler) และข้อมูลเชิงลึกเชิงนวัตกรรมที่กล้าหาญ

ผลงานสำหรับละครเพลง (โอเปร่า "The Nose", "Lady Macbeth of Mtsensk", บัลเล่ต์ "Golden Age", "Bright Stream", Operatta "Moscow - Cheryomushki") เพลงประกอบภาพยนตร์ ("Golden Mountains", "Counter", ไตรภาค "Maxim's Youth", "The Return of Maxim", "Vyborg Side", "Meeting on the Elbe", "Gadfly", "King Lear" ฯลฯ ) .

ดนตรีบรรเลงและร้องในห้อง รวมทั้ง “ Twenty-four Preludes and Fugues” โซนาตาสำหรับเปียโน ไวโอลินและเปียโน วิโอลาและเปียโน เปียโนทรีโอสองตัว 15 ควอเตต คอนแชร์โตสำหรับเปียโน ไวโอลิน เชลโล และวงออเคสตรา

การแบ่งช่วงเวลาของงานของ Shostakovich: ช่วงต้น (ก่อนปี 1925), ช่วงกลาง (ก่อนปี 1960), ช่วงปลาย (10 -15 ปีที่ผ่านมา) ลักษณะเฉพาะของวิวัฒนาการและความคิดริเริ่มของแต่ละบุคคลในสไตล์ของผู้แต่ง: ความหลากหลายขององค์ประกอบที่มีความเข้มข้นสูงสุดในการสังเคราะห์ (ภาพเสียงของดนตรีแห่งชีวิตสมัยใหม่, เพลงพื้นบ้านของรัสเซีย, คำพูด, น้ำเสียงเชิงปราศรัยและโรแมนติก - ริโอโซ, องค์ประกอบที่ยืมมาจากดนตรีคลาสสิก และโครงสร้างน้ำเสียงโหมดดั้งเดิมของสุนทรพจน์ดนตรีของผู้แต่ง) ความสำคัญทางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ของงานของ D. Shostakovich