โรงเรียนจิตรกรรมดัตช์แห่งศตวรรษที่ 17 ศิลปินชาวดัตช์และประวัติศาสตร์ของพวกเขา ก้าวสำคัญของการพัฒนา

ศาสนาหลักคือโปรเตสแตนต์ ชาวดัตช์เริ่มสร้างภาพเหมือนของฮอลแลนด์ เหล่านี้เป็นภาพเหมือนของผู้ชนะสงคราม ทิวทัศน์ ภาพนิ่ง ประเภท หรือภาพวาดในชีวิตประจำวันปรากฏขึ้น เหล่านี้เป็นภาพวาดที่มีองค์ประกอบขาวดำในยุคบาโรก ความเชี่ยวชาญของศิลปินปรากฏขึ้นที่นี่เป็นครั้งแรก มีเพียงผู้เชี่ยวชาญของภาพนิ่งหรือภูมิทัศน์เท่านั้นที่ปรากฏ ภูมิทัศน์ 12 ประเภท: ในเมือง ทะเล เนินทราย น้ำตก ภูมิทัศน์ป่าไม้ ในช่วงเริ่มต้นของศิลปะดัตช์ ภาพเหมือนจะกลายเป็นทิศทางหลัก ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 จิตรกรภาพเหมือนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในฮอลแลนด์คือ Frans Hals

ผลงานของฟรานส์ ฮาลส์

เกิดในปี ค.ศ. 1574 ที่เมืองอันท์วาปาน จากนั้นครอบครัวของเขาก็ย้ายไปฮาร์เลม ที่นั่นเขาเรียนกับศิลปิน Van Mander Van Mander ได้ผลิตชีวประวัติของศิลปินชาวเนเธอร์แลนด์รายใหญ่ Frans Hals พยายามสร้างการปฏิวัติทั้งหมดในภาพเหมือน Hals นำไดนามิกมาสู่ภาพถ่ายบุคคล "งานเลี้ยงของเจ้าหน้าที่ของ บริษัท เซนต์จอร์จ" -ผลงานชิ้นแรกที่ทำให้เขาโด่งดัง Hals พรรณนาถึงเจ้าหน้าที่ในระหว่างการสนุกสนาน เจ้าหน้าที่แต่ละคนจะปรากฎในตาของเขา รูปภาพเป็นแบบแอกทีฟในแนวทแยง ทุกอย่างถูกสร้างขึ้นบนหลักการของความไม่สมดุล มีการใช้งานในสี

Hals วาดภาพบุคคลของเขาอย่างรวดเร็วโดยใช้การแปรงพู่กันแบบเปิดแบบไดนามิก "ยิปซี". ชื่อนี้มีเงื่อนไขมาก " มาลี บาบา»- เปิดสเมียร์ที่ถูกละทิ้งอย่างยิ่ง ในเวลานี้ ผลงานของ Hals เกือบทั้งหมด ตัวละครทั้งหมดของเขายิ้มแย้มแจ่มใส "ทหารม้ายิ้ม"

ไดนามิกในภาพพอร์ตเทรตมีความเคลื่อนไหวเป็นพิเศษ วิลเลียม ฟาน กีธ ไกเซ่น. ไม่มีการเก็บภาพวาดของ Hals ไว้แม้แต่ชิ้นเดียว เป็นไปได้มากว่าเขาวาดภาพเหมือนของเขาโดยไม่ต้องวาดและวาดอย่างรวดเร็ว

Hals วาดภาพ Van Dyck ในสองชั่วโมง Van Dyck เชิญเขาไปกับเขาที่อังกฤษ

สหายบุญ.เขียนในลักษณะที่รวดเร็วและมีพลังเช่นเดียวกับที่ Hals ชอบเขียน

Hals ยังวาดภาพเหมือนจริงจัง: "ภาพเหมือนของ Peter Van Den Broke",ภาพเหมือนที่ทำขึ้นเอง ดังนั้น Hals จึงเขียนรายละเอียด ภาพเหมือนที่รัดกุมและรัดกุมมาก เรเน่ เดส์การต. ภาพครอบครัว,ภูมิทัศน์ถูกวาดให้เขาโดย Peter Moleyn ภาพผู้หญิง -ภาพเหมือนที่แสดงออกอย่างมากของ Hals ภาพเหมือน Isaac Masa และภรรยาของเขา -รูปเพื่อนของเขา

ตอนอายุ 30 เขาวาดรูป ภาพเหมือนของเจ้าหน้าที่ของ บริษัท เซนต์แอนเดรียนแต่ละร่างมีตาและการเคลื่อนไหวของตัวเอง ในยุค 40 ภาพวาดของ Hals เปลี่ยนไปอย่างมาก ในเวลานี้ ภาพเหมือนของ Van Dyck กลายเป็นแฟชั่น ภาพเหมือน 40-50 ปี - ภาพเหมือนที่มีสีดำเด่นกว่า ของพวกเขา ภาพเหมือนของผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ของบ้านพักคนชราภาพนี้มีสีดำ 27 เฉด หนึ่งในผลงานล่าสุดของ Hals - ผู้บริหารสถานพยาบาล.เกิดภาพความชราภาพขึ้น ความเน่าเปื่อยของเนื้อถ่ายทอดในภาพเหมือน ค่อนข้างแตกต่าง เขาวาดภาพเหมือน ผู้สำเร็จราชการของโรงพยาบาลเซนต์เอลิซาเบธภาพบุคคลแสดงให้เห็นการเลือกรูปสามเหลี่ยมอย่างชัดเจน โดยแต่ละใบหน้าจะมองเห็นได้ชัดเจน ในช่วงชีวิตของเขา Hals ได้สร้างภาพวาดมากกว่า 200 ภาพ มีพิพิธภัณฑ์อยู่ในฮาร์เลม งานเกือบทั้งหมดของพวกเขาถูกรวบรวมไว้ที่นั่น

ผลงานของแรมแบรนดท์ ฟาน ไรจ์น

นี่เป็นหนึ่งในศิลปินผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 17 เกิดในปี 1606 ในครอบครัวของโรงสีในเมืองไลเดน เดิมทีเด็กชายคนนี้มีพรสวรรค์มาก แรมแบรนดท์ศึกษาอยู่ที่มหาวิทยาลัยแห่งหนึ่ง เขาอายุ 14 ปีเมื่อรู้สึกว่าเขาถูกเรียกให้วาดภาพและออกจากมหาวิทยาลัย เขาเช่ายุ้งฉางบนฝั่งแม่น้ำและสร้างโรงเรียนของตัวเองเมื่ออายุ 16 ปี ศิลปินอย่างโดเรียนที่โรงเรียนของเขา งานแรกที่พวกเขาเขียน - พลัดถิ่น พ่อค้าจากวัดในงานแรกของเขา เขาพูดถึงความเป็นบาร็อค งานนี้มีองค์ประกอบในแนวทแยงซึ่งเป็นองค์ประกอบแสงและเงา ในไลเดน ภาพเหมือนตนเองของเขาถูกทาสี งานพื้นผิวที่ผิดปกติ ในเวลานี้ รัฐมนตรีชาวดัตช์มาถึงและซื้อผลงานหลายชิ้นของแรมแบรนดท์ แรมแบรนดท์ออกจากไลดันและเดินทางไปอัมสเตอร์ดัม ที่ซึ่งเขาเข้าไปในสตูดิโอของศิลปิน Lastman แสงที่ไม่จริงปรากฏขึ้นในผลงาน โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นในภาพ ความไม่เชื่อของโธมัส . ในอัมสเตอร์ดัม เขาได้รับค่าคอมมิชชั่นแรกสำหรับการถ่ายภาพบุคคลกลุ่ม – กายวิภาคของดร.ทิวลิป . ที่นี่เขาวาดภาพ การเสียสละของอับราฮัม ศาสดาเยเรมีย์ในซากปรักหักพังของกรุงเยรูซาเล็ม ในภาพวาด หัวของนักบุญเปล่งแสง ความสำเร็จในการวาดภาพทำให้เขาแต่งงานกับ Sasky Van Elenburg แรมแบรนดท์ซื้อพระราชวังในอัมสเตอร์ดัม ภาพเหมือนตนเองกับซาสึเกะบนตักของเธอ ซาซากิกับดอกไม้ในปีเดียวกับที่ Sasky ป่วย แรมแบรนดท์ได้รับคำสั่งให้ถ่ายภาพกลุ่มของบริษัทกัปตันก็อก - ไนท์วอตช์. มันแสดงให้เห็นทางออกของมือปืนไปสู่การฝึกซ้อม ภาพวาดนี้เป็นผลงานชิ้นเอกของแรมแบรนดท์แห่งยุค 40 ภาพถูกสร้างขึ้นจากการอยู่ใต้บังคับบัญชา คดีฟ้องร้องอันยาวนานเกี่ยวกับหนี้สินของแรมแบรนดท์ ดาวิดอำลาโยนาธานเขียนในปีเดียวกันว่า ไนท์วอตช์.ภาพวาดนี้ถูกซื้อโดยปีเตอร์มหาราชและกลายเป็นหนึ่งในภาพวาดแรกในอาศรม

ดาเน่.

Hendricke สาวใช้ของ Rembrandt กลายเป็นผู้ช่วยที่ไว้ใจได้ เธอจะกลายเป็นภรรยาคนที่สองของแรมแบรนดท์ ในรูปภาพ ครอบครัวศักดิ์สิทธิ์กับเทวดาในรูปภาพนี้มีเส้นทแยงมุมแสงสองเส้น ภาพที่แทรกไปด้วยแสงที่อบอุ่น เฮนดริกปรากฏในภาพเหมือน - เฮนดริกที่หน้าต่าง หญิงอาบน้ำ แวร์ซาวิยาในประวัติศาสตร์ของภาพคือเรื่องราวของ David และ Versavia

ดาวิดและอุรียาห์แสงมีบทบาทอย่างมากในภาพ

ภาพเหมือนของม.ค.หกความสนใจทั้งหมดมุ่งไปที่ใบหน้า

การสมรู้ร่วมคิดของ Claudius Civilisนี่เป็นภาพวาดเดียวจากประวัติศาสตร์ชาวดัตช์ของแรมแบรนดท์ .

ภาพเหมือนของชายชราในชุดแดง .ชีวประวัติบุคคล ภาพเหมือนในเวลา

ภาพเหมือนของชาวยิวเก่าในภาพนี้ เน้นเฉพาะสิ่งสำคัญ: ใบหน้าและมือ

ภาพเหมือนของหญิงชราคนหนึ่งในภาพนี้ ภาพที่ละเอียดอ่อนที่สุดจะเปลี่ยนจากแสงเป็นเงา

ภาพเหมือนอ่านติตัส

ภาพเหมือนของกวี Decker

อาซูร์, ฮามาน, อิสฟีร์.งานหลักของภาพเขียนล่าสุดของแรมแบรนดท์ รูปภาพนี้ใช้ระบบการจัดแสงที่ซับซ้อนมาก

แรมแบรนดท์วาดภาพซ้ำๆ ของภาพนี้ ฮามานขอการอภัยโทษจากอิสฟีร์

แรมแบรนดท์ได้รับคำสั่งให้ถ่ายรูปหมู่ - ซินดิกส์

เจ้าสาวชาวยิวธีมความรักเป็นธีมหลักในภาพนี้ นี่คือภาพวาดโปรดของแวนโก๊ะและซูทีน

รูปครอบครัว.ภาพหมู่. ภาพเหมือนในจินตนาการของครอบครัวของเขา

สองภาพเหมือนตนเอง

ในปี 66-68 แรมแบรนดท์วาดภาพ การกลับมาของบุตรสุรุ่ยสุร่ายซึ่งสรุปงานของเขา

ไซม่อนในพระวิหารภาพวาดสุดท้ายของเขา

แรมแบรนดท์เสียชีวิตในปี ค.ศ. 1669 เขามีนักเรียนหลายคน: Gerard Dou, Fabricius, Gelder หนึ่งในนักเรียนคนสุดท้ายของ Rembrandt โรงเรียนของเขามีอยู่จนถึงปลายศตวรรษที่ 17

หัวข้อเครดิต:

การฟื้นตัวของเยอรมัน

บาร็อคอิตาลี สถาปัตยกรรมบาโรก ลอเรนโซ แบร์นีนี, ฟรานเชสโก้ โบโรมินี และคาร์โล โมเดอร์โน ประติมากรรมโดย Bernini จิตรกรสองคน คาราวัจโจ และ อนิบาลี การาจี รูเบนส์. ฟาน ไดค์. จอร์แดน. สไนเดอร์. บราวเวอร์.

ภูมิทัศน์ของชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17

แจน ฟาน โกเยน.

โดดเด่นด้วยภูมิทัศน์ของแม่น้ำ

โรงสีริมแม่น้ำภูมิประเทศแบบดัตช์ทั่วไป

ภูมิทัศน์แม่น้ำ.

เกือบตลอดเวลาในการทำงานของเขา แสงบนท้องฟ้าจะสะท้อนบนพื้นดิน

Salomon Reisdael

เขาวาดภาพทิวทัศน์ตอนเช้าตรู่

ภูมิทัศน์กับเกวียนภูมิทัศน์ที่เป็นลักษณะเฉพาะสำหรับจิตรกรท่านนี้

เรือข้ามฟาก.เช้าที่มีลมแรง

เขาเลี้ยงดูจาค็อบ เรย์ซาด หนึ่งในศิลปินหลักของศตวรรษที่ 17

เจคอบ ไรส์เดล.

มุมมองของเอ็ดมอนด์แสงบนท้องฟ้า ภูมิทัศน์เป็นจังหวะ หอระฆังแนวตั้งตรงกับรูปแบบแนวตั้งทุกประการ

จาค็อบวาดภาพภูมิทัศน์ทั้ง 12 แบบและสร้างขึ้นมาเองหลายประเภท

Reisadl เป็นปรมาจารย์ด้านภูมิทัศน์ป่าไม้ที่ยิ่งใหญ่

ผู้ร่วมสมัยตั้งข้อสังเกตว่า Reisdal เป็นนักจิตวิทยาของป่า ต้นไม้แต่ละต้นมีภาพเหมือนของตนเอง เขียนชีวประวัติของต้นไม้

ภูมิทัศน์ป่าไม้

ทะเลสาบท่ามกลางต้นไม้เบื้องหน้าคือต้นไม้ล้ม ข้างๆ เป็นต้นไม้แห้ง และในส่วนลึกมีต้นเบิร์ชอายุน้อย มีต้นไม้หลายอายุ เขาถ่ายทอดเทคนิคนี้ไปยังชุดภาพวาด:

แม่น้ำในป่า

ป่าโอ๊ค

บึงหนองทำให้ท่วม

ภูมิทัศน์ป่าไม้

ถนน

ภูมิทัศน์แบบพาโนรามา: ปราสาท Beintheir ภูมิประเทศที่มีซากปรักหักพังของปราสาทและโบสถ์

โรงสีในเวกกาภูมิทัศน์หลักของ Reisdal Reisdael จงใจขยายโรงสี ภูมิทัศน์นี้เป็นหนึ่งในสัญลักษณ์ของฮอลแลนด์

ผลงานหลักสามประการของฮอลแลนด์: Night Watch, Mill in Vecca, ทิวทัศน์ของเมืองเดลต้า

ภาพวาดสองภาพที่มีชื่อเดียวกัน: สุสานชาวยิวการวาดภาพในจินตนาการ มันส่งสถานะในช่วงพายุฝนฟ้าคะนอง เบื้องหน้าเป็นต้นไม้ที่แห้งแต่ยังมีชีวิตอยู่ ลำธารที่ไหลอยู่เป็นสัญลักษณ์ของชีวิตที่ไหลเร็ว ต้นไม้ถูกวาดบนพื้นหลังของต้นไม้ที่มีชีวิตชีวาและเขียวชอุ่ม เบื้องหน้าคือหลุมฝังศพที่มีรูปเหมือนของศิลปินเองและลายเซ็นของ Reisdal ในส่วนลึกเราเห็นวัดที่เกือบจะถูกทำลายและในเวลาเดียวกันเราก็เห็นว่าหลังจากพายุฝนฟ้าคะนองปรากฏขึ้น - สัญลักษณ์แห่งความหวัง การชนกันของแสงตรงกลางเป็นอนุสาวรีย์ รูปภาพมีการซ้ำซ้อน ทำให้เกิดความหมายของชีวิตและความตายที่คมชัดยิ่งขึ้น ภาพที่สองมีความมืดมิด คอนทราสต์ของไม้แห้งและสีเขียวที่ถ่ายทอดออกมาได้คมชัดมาก แผ่นพื้นที่มีรูปเหมือนของ Reisdael ปรากฏขึ้นอีกครั้งและวิหารก็เปลี่ยนรูปลักษณ์ ราวกับสิ่งมีชีวิตที่มีเบ้าตาขนาดใหญ่ - ภาพลักษณ์ของโลกที่กำลังจะตาย Reisdael ถือเป็นผู้สร้าง ภูมิทัศน์เชิงปรัชญา

Reisdael วาดภาพทิวทัศน์ฤดูหนาวเช่น: ภูมิทัศน์ฤดูหนาว Winterซึ่งเกี่ยวข้องกับเรื่องของความเหงา Reisdal เป็นผู้เขียนเรื่องภูมิทัศน์-อารมณ์

เขายังเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพทางทะเลด้วย: พายุในทะเลชายฝั่งทะเล

เขาเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านภูมิทัศน์เมือง: มุมมองของอัมสเตอร์ดัมกับแม่น้ำ Amstel มุมมองของ Haarlem (ทัศนะของบ้านเกิด)

ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา Reisdael ได้วาดภาพทิวทัศน์มากมายเกี่ยวกับน้ำตก: ภูมิประเทศที่เป็นหินมีน้ำตกเป็นน้ำตกในนอร์เวย์ซึ่งเป็นน้ำตก

สองโรงสี- ภูมิทัศน์ที่ผิดปกติสามารถมองเห็นได้ชัดเจนหนึ่งโรงสีและที่สองตั้งอยู่ในส่วนลึก

ทิวทัศน์ภูเขากับเรือใบผลงานชิ้นสุดท้ายของ Reisdael ในงานนี้เขาสรุปชีวิตของเขา นี่คือแนวบทกวีและบทกวี

ผลงานของ Mendet Hobeme

เขาเป็นนักเรียนของ Reisdael

ซอยมิดเดลใน Harls เขาเป็นคนแรกที่วาดภาพทิวทัศน์จากธรรมชาติบางครั้งเขาวาดภาพทิวทัศน์จากภาพวาดทิวทัศน์

เขาได้รับความนิยมในอังกฤษและมีส่วนทำให้เกิดภูมิทัศน์ของอังกฤษ Thomas Gensbra, Turner, John Constable อาศัยงานของ Hobeme และ Reisdael

ต้นแบบที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของภูมิทัศน์ที่สมจริง นอกจากภูมิทัศน์ของอังกฤษแล้ว จุดเริ่มต้นของภูมิทัศน์แห่งชาติของฝรั่งเศสยังปรากฏให้เห็นเป็นส่วนใหญ่

คำถามเกี่ยวกับตั๋ว:

ผลงานของแรมแบรนดท์

ในศตวรรษที่ 17 ฮอลแลนด์กลายเป็นประเทศทุนนิยมต้นแบบ เธอทำการค้าอาณานิคมอย่างกว้างขวาง เธอมีกองเรือที่ทรงพลัง การต่อเรือเป็นหนึ่งในอุตสาหกรรมชั้นนำ

ประวัติจิตรกรรมดัตช์ในศตวรรษที่ 17 แสดงให้เห็นถึงวิวัฒนาการของผลงานของจิตรกรภาพเหมือนที่ใหญ่ที่สุดคนหนึ่งในฮอลแลนด์ได้อย่างสมบูรณ์แบบ Frans Hals(ประมาณ 1580-1666) ในช่วงทศวรรษที่ 10-30 Hals ทำงานมากในประเภทการถ่ายภาพบุคคลกลุ่ม โดยพื้นฐานแล้วนี่เป็นการแสดงภาพของสมาคมปืนไรเฟิล - กลุ่มเจ้าหน้าที่สำหรับการป้องกันและคุ้มครองเมือง ชาวเมืองต้องการที่จะถูกทำให้เป็นอมตะบนผืนผ้าใบพวกเขามีส่วนร่วมบางอย่างเพื่อสิทธิในการพรรณนาและศิลปินต้องจดจำความสนใจที่เท่าเทียมกันในแต่ละรุ่น แต่ไม่ใช่ความคล้ายคลึงของภาพเหมือนที่ดึงดูดใจเราในผลงานของ Hals เหล่านี้ พวกเขาแสดงถึงอุดมคติของสาธารณรัฐหนุ่ม ความรู้สึกของเสรีภาพ ความเสมอภาค และความสนิทสนมกัน ผู้คนที่ร่าเริง กระฉับกระเฉง กล้าได้กล้าเสียมอง มั่นใจในความสามารถของพวกเขาและในอนาคตจากผืนผ้าใบในช่วงหลายปีที่ผ่านมา (“St. Adrian's Shooting Guild”, 1627 และ 1633; “St. George's Shooting Guild”, 1627) Khale วาดภาพพวกเขาโดยปกติในงานเลี้ยงที่เป็นมิตรในงานฉลองที่ร่าเริง ขนาดใหญ่ขององค์ประกอบที่ยืดออกในแนวนอน การเขียนที่มีความมั่นใจกว้าง สีที่เข้มข้นและอิ่มตัว (เหลือง แดง น้ำเงิน ฯลฯ) สร้างภาพลักษณ์ที่ยิ่งใหญ่ ศิลปินทำหน้าที่เป็นนักประวัติศาสตร์ของยุคทั้งหมดm

ความมั่งคั่งของการวาดภาพทิวทัศน์ในโรงเรียนดัตช์เกิดขึ้นตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 ผู้เชี่ยวชาญด้านภูมิทัศน์ที่สมจริงที่สุดคือ Jacob van Ruisdael (1628/29-1682) ศิลปินแห่งจินตนาการที่ไม่สิ้นสุด ผลงานของเขามักจะเต็มไปด้วยละครที่ลึกซึ้ง ไม่ว่าเขาจะพรรณนาถึงป่าทึบ ("ป่าพรุ") ทิวทัศน์ที่มีน้ำตก ("น้ำตก") หรือภูมิทัศน์ที่โรแมนติกพร้อมสุสาน ("สุสานชาวยิว") ธรรมชาติในรุยส์ดาเอลปรากฏขึ้นอย่างไม่หยุดนิ่ง ในการต่ออายุชั่วนิรันดร์ แม้แต่ลวดลายธรรมชาติที่เรียบง่ายที่สุดก็ยังสร้างตัวละครที่ยิ่งใหญ่ภายใต้พู่กันของศิลปิน รุยส์ดาเอลมักจะผสมผสานการเขียนอย่างระมัดระวังเข้ากับความมีชีวิตชีวา เข้ากับภาพลักษณ์สังเคราะห์

มีเพียงแจน พอร์เซลลิส (ประมาณ ค.ศ. 1584-1632) เท่านั้นที่ทำงานในทะเล (ท่าจอดเรือ) ถัดจากภูมิทัศน์แบบดัตช์ที่เหมือนจริงและแท้จริง ในขณะนั้นยังมีอีกทิศทางหนึ่งที่มีอยู่: ภูมิประเทศของตัวละครอิตาลี เคลื่อนไหวโดยตัวละครในตำนาน ร่างของคนและสัตว์

ภาพนิ่งของชาวดัตช์เป็นหนึ่งในการตระหนักรู้ทางศิลปะของรูปแบบที่สำคัญที่สุดของศิลปะดัตช์ - ธีมของชีวิตส่วนตัวของคนธรรมดา ชุดรูปแบบนี้เป็นตัวเป็นตนอย่างเต็มที่ในรูปภาพประเภท ในยุค 20-30 ของศตวรรษที่ XVII ชาวดัตช์สร้างภาพวาดร่างเล็กแบบพิเศษ 40-60s - ความมั่งคั่งของการวาดภาพ เชิดชูชีวิตอันเงียบสงบของฮอลแลนด์ซึ่งเป็นชีวิตประจำวันที่วัดได้

ยุค 40-50 เป็นช่วงเวลาของการเติบโตเชิงสร้างสรรค์ ไม่ใช่แค่ชีวิตภายนอกที่เปลี่ยนไป แรมแบรนดท์ก่อนอื่นเขาเปลี่ยนตัวเอง นี่คือเวลาของการก่อตัวของระบบสร้างสรรค์ของเขาซึ่งหลายสิ่งหลายอย่างจะกลายเป็นอดีตและคุณสมบัติอื่น ๆ อันล้ำค่าจะได้รับ ในช่วงเวลานี้เขามักจะหันไปหางานเก่าเพื่อสร้างใหม่ในรูปแบบใหม่ เป็นกรณีนี้เช่นกับ Danae ซึ่งเขาเขียนเมื่อต้นปี 1636 ถึงกระนั้นสิ่งสำคัญก็แสดงออกมาในภาพนี้: หลักการทางกามารมณ์ของคนนอกศาสนาในระดับหนึ่ง "ทิเชียน" อยู่ในนั้นเพียงส่วนหนึ่งของ ทั่วไปในการแสดงออกของประสบการณ์ทางอารมณ์ที่ซับซ้อน แรงกระตุ้นทางวิญญาณเดียว ความคลาสสิก สวยงาม แต่ยังเป็นนามธรรมในอุดมคติด้านความงามถูกแทนที่ด้วยการแสดงออกถึงความจริงของชีวิต บุคลิกลักษณะที่สดใสของคลังสินค้าทางกายภาพ ร่างกายที่น่าเกลียดนี้ถูกถ่ายทอดอย่างสมจริงอย่างยิ่ง แต่แรมแบรนดท์ไม่พอใจกับความจริงภายนอก เมื่อหันไปหาภาพในยุค 40 ศิลปินได้เสริมอารมณ์ให้เข้มแข็ง เขาเขียนภาคกลางด้วยนางเอกและสาวใช้

ภาพเหมือนของแรมแบรนดท์ตอนปลายนั้นแตกต่างจากภาพคนในยุค 30 และยุค 40 อย่างมาก ภาพที่เรียบง่ายอย่างยิ่ง (ครึ่งยาวหรือตามรุ่น) ของผู้คนที่อยู่ใกล้กับศิลปินในโครงสร้างภายในของพวกเขา มักเป็นการแสดงออกถึงอุปมาอุปไมยของบุคลิกภาพของมนุษย์ที่มีหลายแง่มุม โดดเด่นด้วยความสามารถของอาจารย์ในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณที่ไม่มั่นคงและเข้าใจยาก

แรมแบรนดท์รู้วิธีสร้างภาพเหมือนชีวประวัติ เน้นเฉพาะใบหน้าและมือเขาแสดงประวัติศาสตร์ทั้งหมดของชีวิต

ศิลปะฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17

ศิลปะฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 15 ขึ้นอยู่กับประเพณีของฝรั่งเศสยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ภาพวาดและภาพวาดของ Fouquet และ Clouet, งานประติมากรรมของ Goujon และ Pilon, ปราสาทในสมัยฟรังซิสที่ 1, วัง Fontainebleau และ Louvre, บทกวีของ Ronsard และร้อยแก้วของ Rabelais, การทดลองเชิงปรัชญาของ Montaigne, ทั้งหมด สิ่งนี้สะท้อนถึงความเข้าใจแบบคลาสสิกของรูปแบบ ตรรกะที่เข้มงวด เหตุผลนิยม ความรู้สึกของพระคุณที่พัฒนาขึ้น - สิ่งเหล่านั้น ซึ่งถูกกำหนดให้เป็นตัวเป็นตนอย่างสมบูรณ์ในศตวรรษที่ 15 ในปรัชญาของ Descartes ในบทละครของ Corneille และ Racine ในภาพวาดของ Poussin และ Lorrain

ในสาขาวิจิตรศิลป์ กระบวนการของการพัฒนาความคลาสสิกยังไม่เป็นอันหนึ่งอันเดียวกัน

ในด้านสถาปัตยกรรม คุณลักษณะแรกของรูปแบบใหม่ได้รับการสรุป แม้ว่าจะไม่ได้รวมกันอย่างสมบูรณ์ก็ตาม ในพระราชวังลักเซมเบิร์กซึ่งสร้างขึ้นสำหรับภรรยาม่ายของ Henry IV ผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ Maria Medici โดย Salomon de Bros ส่วนใหญ่ถูกพรากไปจากสไตล์โกธิกและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แต่ซุ้มประตูก็มีความชัดเจนแล้วซึ่งจะเป็นเรื่องปกติสำหรับลัทธิคลาสสิก "Maison-Laffitte" โดย Francois Mansart ด้วยความซับซ้อนของปริมาณทั้งหมด ชัดเจน ดึงดูดไปสู่บรรทัดฐานคลาสสิกของการก่อสร้าง

ในการวาดภาพ สถานการณ์มีความซับซ้อนมากขึ้น เนื่องจากอิทธิพลของมารยาท เฟลมิช และบาโรกอิตาลีผสมผสานกันที่นี่ ภาพวาดฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษได้รับอิทธิพลจากศิลปะแบบคาราวัจโจและศิลปะแบบสมจริงของฮอลแลนด์ ไม่ว่าในกรณีใด อิทธิพลเหล่านี้สามารถเห็นได้ชัดเจนในผลงานของพี่น้องเลอ แนง ในภาพเขียนของ Louis Lenain ไม่มีการบรรยาย การแสดงภาพประกอบ องค์ประกอบได้รับการพิจารณาอย่างเข้มงวดและคงที่ รายละเอียดได้รับการตรวจสอบและคัดเลือกอย่างถี่ถ้วนเพื่อเปิดเผยก่อนอื่นถึงพื้นฐานทางจริยธรรมและศีลธรรมของงาน สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งในภาพวาดของ Lenain คือภูมิทัศน์

เมื่อเร็ว ๆ นี้บ่อยครั้งมากขึ้นเรื่อย ๆ ในวรรณคดีประวัติศาสตร์ศิลปะชื่อของทิศทางที่หลุยส์เลนินอยู่นั้นถูกกำหนดโดยคำว่า "ภาพวาดแห่งโลกแห่งความเป็นจริง" ผลงานของศิลปิน Georges de Latour เป็นไปในทิศทางเดียวกัน ในงานแรกของเขาเกี่ยวกับธีมแนวเพลง Latour ปรากฏตัวในฐานะศิลปินที่ใกล้ชิดกับคาราวัจโจ ในงานแรกของ Latour คุณสมบัติที่สำคัญที่สุดประการหนึ่งปรากฏให้เห็น: ความหลากหลายของภาพที่ไม่สิ้นสุด, ความงดงามของสี, ความสามารถในการสร้างภาพที่มีความสำคัญอย่างยิ่งยวดในการวาดภาพประเภท

ช่วงครึ่งหลังของยุค 30 - 40 - ช่วงเวลาแห่งการเติบโตเชิงสร้างสรรค์ของ Latour ในช่วงเวลานี้ เขาหันมาสนใจเรื่องประเภทน้อยลง โดยส่วนใหญ่วาดภาพเขียนเกี่ยวกับศาสนา ภาษาศิลปะของ Latour เป็นลางสังหรณ์ของสไตล์คลาสสิก: ความรุนแรง, ความชัดเจนที่สร้างสรรค์, ความชัดเจนขององค์ประกอบ, ความสมดุลของพลาสติกในรูปแบบทั่วไป, ความสมบูรณ์ที่ไร้ที่ติของเงา, สถิตยศาสตร์ ตัวอย่างคือผลงานชิ้นหนึ่งของเขา "St. Sebastian and the Holy Wives" โดยมีรูป Sebastian ที่สวยงามในอุดมคติอยู่เบื้องหน้าซึ่งชวนให้นึกถึงรูปปั้นโบราณซึ่งในร่างกาย - เป็นสัญลักษณ์ของความทุกข์ทรมาน - ศิลปินแสดงลูกศรที่ติดอยู่เพียงอันเดียว .

ความคลาสสิคเกิดขึ้นบนยอดของการขึ้นทางสังคมของประเทศฝรั่งเศสและรัฐฝรั่งเศส พื้นฐานของทฤษฎีคลาสสิกคือความมีเหตุผล ตามระบบปรัชญาของ Descartes มีเพียงความสวยงามและประเสริฐเท่านั้นที่ได้รับการประกาศในเรื่องของศิลปะแบบคลาสสิก สมัยโบราณทำหน้าที่เป็นอุดมคติทางจริยธรรมและสุนทรียะ ผู้สร้างกระแสคลาสสิกในภาพวาดฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 15 คือ Nicolas Poussin ชุดรูปแบบของผืนผ้าใบของ Poussin มีความหลากหลาย: ตำนาน ประวัติศาสตร์ พันธสัญญาใหม่และพันธสัญญาเดิม วีรบุรุษแห่งปูสซินเป็นคนที่มีบุคลิกเข้มแข็งและการกระทำที่สง่างาม มีความรับผิดชอบสูงต่อสังคมและรัฐ วัตถุประสงค์สาธารณะของศิลปะมีความสำคัญมากสำหรับปูสซิน คุณสมบัติทั้งหมดเหล่านี้รวมอยู่ในโปรแกรมที่เกิดขึ้นใหม่ของความคลาสสิค ศิลปะแห่งการคิดที่มีนัยสำคัญและจิตวิญญาณที่ชัดเจนยังพัฒนาภาษาเฉพาะอีกด้วย การวัดและการจัดลำดับ ความสมดุลขององค์ประกอบกลายเป็นพื้นฐานของงานภาพแบบคลาสสิก จังหวะเชิงเส้นที่ราบรื่นและชัดเจน พลาสติกรูปปั้นสื่อถึงความรุนแรงและความยิ่งใหญ่ของความคิดและตัวอักษรได้อย่างลงตัว การลงสีสร้างขึ้นจากความสอดคล้องของโทนสีที่เข้มและเข้ม นี่คือโลกที่กลมกลืนกันในตัวเองซึ่งไม่ได้ไปไกลกว่าพื้นที่ภาพเหมือนในบาโรก

ความคิดสร้างสรรค์ Poussin เกิดขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่โดดเด่นด้วยชีวิตทางสังคมและศิลปะที่เพิ่มขึ้นในฝรั่งเศสและการต่อสู้ทางสังคมที่กระตือรือร้น ดังนั้นการวางแนวก้าวหน้าทั่วไปของงานศิลปะของเขา ความสมบูรณ์ของเนื้อหา สถานการณ์ต่าง ๆ เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 17 ในช่วงเวลาของการกดขี่แบบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ที่เข้มข้นที่สุดและการปราบปรามปรากฏการณ์ทางความคิดทางสังคมที่ก้าวหน้า เมื่อการรวมศูนย์กระจายไปยังศิลปินที่รวมตัวกันในราชบัณฑิตยสถานและถูกบังคับให้รับใช้ด้วยงานศิลปะของพวกเขา ความรุ่งโรจน์ของสถาบันพระมหากษัตริย์ ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ งานศิลปะของพวกเขาสูญเสียเนื้อหาทางสังคมที่ลึกซึ้ง และคุณลักษณะที่อ่อนแอและจำกัดของวิธีการแบบคลาสสิกก็มาถึงก่อน

ศิลปะแฟลนเดอร์สแห่งศตวรรษที่ 17

ศิลปะเฟลมิชเป็นสิ่งแรกเหนือสิ่งอื่นใดของรูเบนส์และรูเบนส์อีกครั้ง แม้ว่าในเวลาเดียวกันจะมีศิลปินที่โดดเด่นคนอื่นๆ ในแฟลนเดอร์ส พวกเขาทั้งหมดถูกมองว่าเป็น "วงกลมแห่งรูเบนส์" หรือ "โรงเรียนแห่งรูเบนส์" เหมือนกับดาวเคราะห์ที่โคจรรอบดวงอาทิตย์ของรูเบนส์

ศตวรรษที่สิบเจ็ดเป็นช่วงเวลาของการสร้างโรงเรียนสอนศิลปะแห่งชาติในแฟลนเดอร์ส เช่นเดียวกับในอิตาลี บาโรกได้กลายเป็นเทรนด์ที่โดดเด่นอย่างเป็นทางการที่นี่ อย่างไรก็ตาม Flemish Baroque มีความแตกต่างอย่างมากจากภาษาอิตาลีในหลาย ๆ ด้าน รูปแบบบาโรกเต็มไปด้วยความรู้สึกของชีวิตที่เดือดปุด ๆ และความร่ำรวยที่มีสีสันของโลก ความรู้สึกของพลังธาตุแห่งการเติบโตของมนุษย์และธรรมชาติ ภายในกรอบของบาโรกในระดับที่มากกว่าในอิตาลีมีการพัฒนาคุณลักษณะที่สมจริง

พื้นฐานของวัฒนธรรมศิลปะของแฟลนเดอร์ส - ความสมจริง, ชาตินิยม, ความร่าเริงสดใส, การเฉลิมฉลองที่เคร่งขรึม - แสดงออกอย่างเต็มที่ที่สุดในการวาดภาพ จิตรกรชาวเฟลมิชได้จับภาพความงามอันเย้ายวนของโลกและภาพของบุคคลที่เต็มไปด้วยสุขภาพและพลังงานที่ไม่สิ้นสุด

งานในการตกแต่งปราสาทของครอบครัว วังของขุนนาง โบสถ์คาทอลิกมีส่วนทำให้เกิดการใช้การตกแต่งที่มีประสิทธิภาพอย่างกว้างขวางในการวาดภาพ โดยอิงจากเอฟเฟกต์สี

หัวหน้าโรงเรียนจิตรกรรมเฟลมิชคือ Peter Paul Rubens (1577-1640) รูเบนส์มีพรสวรรค์อย่างครอบคลุม มีการศึกษาที่เฉียบแหลม เป็นศิลปินที่มีขอบเขตความคิดสร้างสรรค์มหาศาลและมีอารมณ์แปรปรวน จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ที่ถือกำเนิด เป็นนักการทูตที่มีความสามารถซึ่งพูดได้หลายภาษา และเป็นนักวิทยาศาสตร์ด้านมนุษยนิยม เขาได้รับการยกย่องอย่างสูงในราชสำนักของเจ้าชายและราชวงศ์ของ Mantua มาดริด ปารีส และลอนดอน ศิลปินผู้เปี่ยมด้วยจินตนาการ รูเบนส์เป็นผู้สร้างผลงานสร้างสรรค์ที่น่าสมเพชขนาดมหึมา พลวัตของรูปแบบ พลังแห่งจินตนาการพลาสติก ชัยชนะของหลักการตกแต่งเป็นพื้นฐานของงานของเขา อย่างไรก็ตามศิลปะของรูเบนส์นั้นเหมือนจริงมาก ความสดของการรับรู้ของชีวิตและความปรารถนาที่จะให้ทุกสิ่งที่แสดงถึงความน่าเชื่อถือของความจริงเป็นสาระสำคัญของงานของเขา

เฟลมิชยังมีชีวิตอยู่ ในศตวรรษที่ 17 ชีวิตยังคงได้รับการจัดตั้งขึ้นเป็นประเภทอิสระ สะท้อนให้เห็นถึงความสนใจในโลกแห่งวัตถุซึ่งมีต้นกำเนิดมาจาก "ภาพวาดของสิ่งของ" ในศิลปะดัตช์ต้นศตวรรษที่ 15 ซึ่งเป็นลัทธิชีวิตส่วนตัว เฟลมิช "ร้านค้าของสิ่งมีชีวิต" ตื่นตาตื่นใจกับความร่าเริงที่มีเสียงดังและเอฟเฟกต์การตกแต่งตามเทศกาล ผืนผ้าใบขนาดใหญ่สีสันสดใสตกแต่งผนังพระราชวังอันกว้างขวางของขุนนางเฟลมิชเชิดชูความงามของการดำรงอยู่ทางโลกความร่ำรวยของชีวิตในชนบทผลของโลกทะเลแม่น้ำ

แอนโธนี่ (แอนตัน, แอนโธนี่) ฟาน ไดค์ เฟลมิชจิตรกรและศิลปินกราฟิค ปรมาจารย์ด้านภาพบุคคลและฉากทางศาสนาในสไตล์ พิสดาร.

Van Dyck ได้รับการพิสูจน์แล้วว่าเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพบุคคลและการวาดภาพในเรื่องศาสนาและในตำนาน กับ 1618 บน 1620 เขาทำงานในเวิร์คช็อป รูเบนส์. เขาสร้างผลงานในหัวข้อทางศาสนา บ่อยครั้งในหลายเวอร์ชัน: ประดับด้วยหนามแหลม» « จูบของยูดาส» "แบกกางเขน" "เซนต์. มาร์ตินและขอทาน", "มรณสักขีของนักบุญ เซบาสเตียน"

จาค็อบ จอร์เดนส์ ( เนเธอลเจค็อบ จอร์เดนส์) ( 19 พฤษภาคม 1593, แอนต์เวิร์ป - 18 ตุลาคม 1678, แอนต์เวิร์ป) - เฟลมิชศิลปิน. ตั้งแต่ พ.ศ. 2150 ทรงศึกษากับ อดัม ฟาน นูร์ท. ในปี ค.ศ. 1616 เขาได้แต่งงานกับลูกสาวของเขา ใช้ชีวิตมาทั้งชีวิตใน เนเธอร์แลนด์ตอนใต้, เฉพาะใน พ.ศ. ๒๔๘๑ เขาทำงานในช่วงเวลาสั้น ๆ ใน อังกฤษ. ภาพวาดของเขาสามารถพบได้ในโบสถ์ทุกแห่งในแอนต์เวิร์ป แม้หลังจากที่เขาอุทธรณ์ไปยัง ลัทธิคาลวินในปี ค.ศ. 1645 คริสตจักรคาทอลิกยังคงมอบหมายงานจากเขาต่อไป จอร์แดนถือว่า โดยเฉพาะหลังความตาย รูเบนส์ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อเขา หนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นของเฟลมิช พิสดาร.

ภาพวาดฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19

20s ศตวรรษที่ 19 เป็นเวลาของการก่อตัวของศิลปะโรแมนติกสำหรับฝรั่งเศส ศิลปินรุ่นเยาว์ประกาศสงครามที่แท้จริงกับครูของพวกเขา นักประวัติศาสตร์เรียกการแสดงของพวกเขาว่าเป็น "การต่อสู้ที่โรแมนติก" และจิตรกร Eugene Ferdinand Victor Delacroix ก็กลายเป็นวีรบุรุษ Delacroix - ฝรั่งเศส จิตรกรและ กำหนดการ, ผู้นำ โรแมนติกแนวโน้มการวาดภาพยุโรป ศิลปินโรแมนติกไม่สนใจศีลที่มีอยู่ในทัศนศิลป์ของยุคก่อน ๆ เต็มใจหันไปใช้แผนการที่ผิดปกติที่เกี่ยวข้องกับความบ้าคลั่งปรากฏการณ์เหนือธรรมชาติความรุนแรงหรือสิ่งแปลกใหม่ (นั่นคือ เหนือ "ปกติ") Delacroix ในฝรั่งเศสเป็นผู้นำในเรื่องนี้ แนวโน้ม Eugene Delacroix เกิดในเมือง Charenton-Saint-Maurice ใกล้กรุงปารีส ศิลปินในอนาคตกำพร้าก่อนกำหนด ในปี ค.ศ. 1815 เขาเข้าไปในสตูดิโอของ Pierre Narcisse Guerin (พ.ศ. 2317-2476) ซึ่งเพิ่งศึกษากับ Theodore Géricaultในฐานะเด็กฝึกงาน ผู้ร่วมสมัยของ Delacroix ปฏิบัติตามการปฏิวัติการปลดปล่อยในกรีซอย่างใกล้ชิดในปี พ.ศ. 2364-2472 (ตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 กรีซอยู่ภายใต้การปกครองของตุรกี) Delacroix เลือกหน้าที่น่าเศร้าที่สุดในมหากาพย์กรีก ในเดือนกันยายน ค.ศ. 1821 ผู้ลงโทษชาวตุรกีได้ทำลายประชากรพลเรือนของคีออส ซึ่งเป็นเกาะของกรีกในทะเลอีเจียน นอกชายฝั่งเอเชียไมเนอร์ ชาวกรีกมากกว่าสี่หมื่นคนถูกสังหารและเป็นทาสประมาณสองหมื่นคน ปฏิกิริยาของศิลปินต่อเหตุการณ์เหล่านี้คือภาพวาด "The Massacre of Chios" (1824) ในเบื้องหน้าคือร่างของ Chios ที่ถึงวาระในผ้าขี้ริ้วสีสันสดใส พื้นหลังเป็นเงามืดของพวกเติร์กติดอาวุธ เชลยส่วนใหญ่ไม่แยแสกับชะตากรรมของพวกเขามีเพียงเด็ก ๆ เท่านั้นที่ขอร้องให้พ่อแม่ปกป้องพวกเขาอย่างไร้ประโยชน์ Delacroix รู้สึกสนใจในความทันสมัยและได้สร้างภาพวาด "Liberty Leading the People (28 กรกฎาคม พ.ศ. 2373)" ขึ้นในปี พ.ศ. 2373 ศิลปินให้เสียงอันไพเราะเหนือกาลเวลาในตอนการต่อสู้บนท้องถนนที่เรียบง่าย ในปี ค.ศ. 1832 เดลาครัวซ์ได้เดินทางไปปฏิบัติภารกิจทางการทูตที่แอลจีเรียและโมร็อกโก ทันทีที่เขากลับมาที่ปารีส ศิลปินเริ่มทำงานในภาพวาด "ผู้หญิงชาวแอลจีเรียในห้องของพวกเขา" (1833) ตั้งแต่ปลายยุค 20 ศตวรรษที่ 19 จิตรกรสร้างภาพวาดการต่อสู้จำนวนหนึ่งซึ่งอุทิศให้กับประวัติศาสตร์ฝรั่งเศสในยุคกลาง ในสมรภูมิแนนซี (ค.ศ. 1828-1834) กองทหาร - มวลชนชุมนุมสีเทาที่มีใบหน้าและธงหลากสี - เคลื่อนตัวอย่างเงอะงะผ่านที่ราบหิมะภายใต้ท้องฟ้ายามพระอาทิตย์ตกสีเหลืองหมอก Eugene Delacroix เป็นจิตรกรอิสระที่สุดในฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19

JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825) เมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ผู้นำที่เป็นที่รู้จักโดยทั่วไปในหมู่ศิลปินชาวฝรั่งเศสคือ Jacques Louis David - ตัวแทนที่สอดคล้องกันมากที่สุดของลัทธินีโอคลาสซิซิสซึ่มในการวาดภาพและเป็นนักประวัติศาสตร์ที่อ่อนไหวในช่วงเวลาที่ปั่นป่วนของเขา David เกิดในปารีสในครอบครัวชนชั้นนายทุนที่ร่ำรวย ในปี ค.ศ. 1766 เขาเข้าสู่ราชบัณฑิตยสถานแห่งจิตรกรรมและประติมากรรม ลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมฝรั่งเศสในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคือความหลงใหลในสมัยโบราณ ในปี ค.ศ. 1781 เดวิดได้รับการยอมรับให้เป็นสมาชิกของ Royal Academy และได้รับสิทธิ์ในการเข้าร่วมนิทรรศการ - Louvre Salons เร็วเท่าที่ 2319 โครงการของรัฐบาลได้รับการพัฒนาที่สนับสนุนการสร้างภาพเขียนขนาดใหญ่ "ออกแบบมาเพื่อรื้อฟื้นคุณธรรมและความรู้สึกรักชาติ" เดวิดได้รับการเสนอโครงเรื่องจากประวัติศาสตร์โรมันตอนต้นซึ่งเป็นผลงานของพี่น้องสามคนจากตระกูลผู้สูงศักดิ์ของ Horatii ในการทำงานเกี่ยวกับภาพเขียน "The Oath of the Horatii" (พ.ศ. 2327) เดวิดไปที่กรุงโรม เมื่อผ้าใบเสร็จแล้วและศิลปินแสดงต่อสาธารณะ องค์ประกอบทั้งหมดจะขึ้นอยู่กับหมายเลขสาม: สามโค้ง ตัวละครสามกลุ่ม ดาบสามเล่ม สามมือ เต็มใจยื่นอาวุธ ในปี พ.ศ. 2338-2542 เดวิดร่วมกับนักเรียนของเขาทำงานในภาพวาด "The Sabines Stopping the Battle between the Romans and the Sabines" ตามที่เขาพูด เขาต้องการ "แสดงมารยาทแบบโบราณด้วยความแม่นยำที่ชาวกรีกและโรมัน ถ้าพวกเขามีโอกาสเห็นงานของฉัน จะไม่ถือว่าฉันเป็นคนต่างด้าวกับประเพณีของพวกเขา" ในปี ค.ศ. 1799 นโปเลียน โบนาปาร์ต ขึ้นสู่อำนาจอันเป็นผลมาจากการรัฐประหารอีกครั้ง เดวิดก็เหมือนกับอดีตนักปฏิวัติคนอื่นๆ ที่ยินดีกับเหตุการณ์นี้อย่างสนุกสนาน (1807) เดวิดสร้างตำนานอีกเรื่องหนึ่ง - ความสดใสของแท่นบูชาและความงดงามของเสื้อผ้าของข้าราชบริพารส่งผลกระทบต่อผู้ชมไม่เลวร้ายไปกว่าเฟอร์นิเจอร์ที่น่าสงสารและผ้าปูที่นอนเก่าของ Marat หลังจากความพ่ายแพ้ของนโปเลียนเดวิดซึ่งครั้งหนึ่งเคยลงคะแนน ในอนุสัญญาว่าด้วยโทษประหารชีวิตพระเจ้าหลุยส์ที่ 16 ทรงถูกบังคับให้ออกจากฝรั่งเศส ศิลปินเดินทางไปบรัสเซลส์ (ซึ่งเป็นของราชอาณาจักรเนเธอร์แลนด์) ซึ่งเขาอาศัยอยู่จนตาย เขายังคงทำงาน: อย่างขยันขันแข็ง แต่ไม่มีความกระตือรือร้น เขาวาดภาพเหมือนผู้ถูกเนรเทศเหมือนเขาและทำงานเกี่ยวกับวิชาโบราณ

ศตวรรษที่ 17 แสดงให้โลกเห็นสอง โรงเรียนสอนศิลปะ - ดัตช์และเฟลมิช. ทั้งสองเป็นทายาทของประเพณีทางศิลปะของเนเธอร์แลนด์ซึ่งเป็นประเทศในยุโรปในอาณาเขตที่เมื่อถึงเวลานั้นชาวคาทอลิกแฟลนเดอร์สได้ก่อตั้งขึ้นซึ่งได้รับการตั้งชื่อตามจังหวัดที่สำคัญที่สุด (ปัจจุบันเป็นดินแดนของเบลเยียมและฝรั่งเศส) จังหวัดอื่น ๆ ได้ปกป้องการยึดมั่นในแนวคิดของการปฏิรูปแล้วรวมตัวกันและเริ่มถูกเรียกว่าสาธารณรัฐดัตช์หรือเพียงแค่ฮอลแลนด์ ในศตวรรษที่ 17 ในฮอลแลนด์ ประมาณสามในสี่ของประชากรอยู่ในเมือง ชนชั้นหลักถือเป็นชนชั้นกลาง คริสตจักรปฏิรูปละทิ้งความงดงามของการตกแต่งไม่มีลูกค้าที่สวมมงกุฎและชนชั้นสูงซึ่งหมายความว่าตัวแทนของชนชั้นกลางกลายเป็นผู้บริโภคหลักของศิลปะ พื้นที่สำหรับวาดภาพนั้นจำกัดเฉพาะบ้านของพวกหัวขโมยและอาคารสาธารณะ

ตามกฎแล้วขนาดของภาพเขียนนั้นไม่ใหญ่ (เมื่อเทียบกับภาพวาดในวังหรือองค์ประกอบแท่นบูชาสำหรับโบสถ์) และแปลงมีลักษณะเป็นห้องซึ่งพรรณนาฉากส่วนตัวในชีวิตประจำวัน ความสำเร็จหลักของศิลปะดัตช์ในศตวรรษที่ 17 - ในการวาดภาพขาตั้ง มนุษย์และธรรมชาติเป็นวัตถุของการสังเกตและพรรณนาโดยศิลปินชาวดัตช์ ความพากเพียร ความพากเพียร รักในความเป็นระเบียบเรียบร้อย และความสะอาด สะท้อนให้เห็นในภาพวาดที่แสดงถึงวิถีชีวิตของชาวดัตช์ นั่นคือเหตุผลที่เจ้านายชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 (ยกเว้น Rembrandt และ Hals) ถูกเรียกว่า "ชาวดัตช์ตัวน้อย"วงกว้างของจิตรกรชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 เกิดขึ้นโดยสัมพันธ์กับธรรมชาติของงานในห้อง ภาพวาดขนาดเล็ก (ภูมิทัศน์ ภายใน ฉากในชีวิตประจำวัน) ภาพวาดของลิตเติลดัทช์มีลักษณะเฉพาะคือความละเอียดอ่อนของการเขียน การแสดงรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ความงดงามของแสงและความแตกต่างของสี ความรู้สึกทั่วไปของความสะดวกสบาย ความใกล้ชิด และความสามัคคีของตัวละครในภูมิทัศน์หรือสภาพแวดล้อมภายใน ในบรรดาตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดคือ Jan Vermeer พี่น้อง Ostade (Adrian van O. และ Isak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu)

ศิลปินส่วนใหญ่พบธีมสำหรับภาพวาดในประเทศบ้านเกิดของตน โดยทำตามคำแนะนำของแรมแบรนดท์: “เรียนรู้ก่อนอื่นเพื่อปฏิบัติตามธรรมชาติอันอุดมสมบูรณ์และการแสดง เหนือสิ่งอื่นใด สิ่งที่คุณพบในนั้น สวรรค์ ดิน ทะเล สัตว์ คนดีและคนเลว - ทั้งหมดทำหน้าที่ของเราในการออกกำลังกาย ที่ราบ เนินเขา ลำธารและต้นไม้ทำให้ศิลปินมีผลงานเพียงพอ เมือง ตลาด โบสถ์ และขุมทรัพย์ทางธรรมชาตินับพันร้องเรียกเราและพูดว่า: ไปเถอะ กระหายความรู้ ใคร่ครวญเรา และสืบพันธุ์เรา ผลงานของศิลปินมีสัดส่วนที่เหลือเชื่อ ส่งผลให้มีการแข่งขันระหว่างจิตรกร ซึ่งนำไปสู่ความเชี่ยวชาญเฉพาะด้านของปรมาจารย์ และบางทีด้วยเหตุนี้ จึงมีความแตกต่างหลากหลายตามประเภท ศิลปินปรากฏตัวซึ่งทำงานเฉพาะในประเภทของท้องทะเลหรือประเภทของวิวเมืองหรือบรรยายถึงการตกแต่งภายในของสถานที่ (ห้อง, วัด) ในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพ มีตัวอย่างของสิ่งมีชีวิตและภูมิประเทศ แต่ไม่เคยมีมาก่อนที่ประเภทเหล่านี้มีลักษณะเฉพาะและความพอเพียงเช่นในฮอลแลนด์ในศตวรรษที่ 17

ชาวดัตช์ต้องการเห็นโลกที่หลากหลายทั้งในรูป ดังนั้นการวาดภาพที่หลากหลายของศตวรรษนี้ "ความเชี่ยวชาญเฉพาะทาง" ในบางประเภท: ภาพบุคคลและภูมิทัศน์ ชีวิตและประเภทสัตว์ ในฮอลแลนด์ไม่มีการเชื่อมต่อกับอิตาลีและศิลปะคลาสสิกไม่ได้มีบทบาทเช่นในแฟลนเดอร์ส ความเชี่ยวชาญของแนวโน้มที่สมจริง การก่อตัวของช่วงของธีมบางอย่าง และการแบ่งประเภทเป็นกระบวนการเดียวเสร็จสมบูรณ์ภายในปี 1720

ประวัติจิตรกรรมดัตช์ในศตวรรษที่ 17 แสดงให้เห็นถึงวิวัฒนาการของผลงานของจิตรกรภาพเหมือนที่ใหญ่ที่สุดคนหนึ่งในฮอลแลนด์ได้อย่างสมบูรณ์แบบ Frans Hals(1580-1666) กิจกรรมของเขาเกิดขึ้นเกือบทั้งหมดในฮาร์เล็ม ที่นี่เมื่อประมาณปี ค.ศ. 1616 เขาได้รับการเลื่อนตำแหน่งให้เป็นจิตรกรวาดภาพคนสำคัญขั้นสูง และรักษาบทบาทของเขาในด้านนี้ไปจนสิ้นชีวิต ด้วยการถือกำเนิดของ Hals ภาพเหมือนของชาวดัตช์ที่สมจริงและเฉียบแหลมอย่างเข้มงวดจึงบรรลุนิติภาวะ ทุกสิ่งที่ขี้ขลาด, เล็กน้อย, เป็นธรรมชาติซึ่งแตกต่างจากรุ่นก่อนของเขาจะถูกเอาชนะ

ระยะเริ่มต้นของศิลปะ Khals ยังไม่ได้รับการอธิบายอย่างชัดเจน เราเห็นอาจารย์แก้ปัญหาที่ยากที่สุดของภาพกลุ่มทันที เขาวาดภาพตามภาพอีกภาพหนึ่งที่แสดงถึงมือปืนของบริษัทเซนต์. เอเดรียนและเซนต์ จอร์จ (Harlem, พิพิธภัณฑ์ Frans Hals) ที่ซึ่งทั้งความมีชีวิตชีวาของการประชุมที่แออัดและความสว่างของประเภทของขวัญแต่ละประเภทนั้นถ่ายทอดได้อย่างง่ายดายอย่างหาที่เปรียบไม่ได้ ทักษะในการถ่ายภาพและความเฉลียวฉลาดในการจัดกลุ่มของการจัดกลุ่มไปพร้อมกันในภาพถ่ายบุคคลเหล่านี้ด้วยความคมชัดที่ไม่ธรรมดาของลักษณะเฉพาะ Hals ไม่ใช่นักจิตวิทยา: ชีวิตจิตใจของนางแบบมักจะผ่านเขาไป ใช่ และเขาเขียนให้กับคนส่วนใหญ่ที่ชีวิตทั้งชีวิตเกิดขึ้นในสภาวะของกิจกรรมที่เข้มข้นและกระฉับกระเฉง แต่ไม่เจาะลึกถึงคำถามเกี่ยวกับธรรมชาติทางจิตวิทยามากเกินไป แต่ฮัลส์ไม่เหมือนใครที่จับภาพการปรากฏตัวของคนเหล่านี้สามารถจับภาพที่หายวับไปได้อย่างรวดเร็วที่สุด แต่ในขณะเดียวกันก็มีลักษณะเฉพาะมากที่สุดในการแสดงออกทางสีหน้า ท่าทาง ในการโบกมือ เขามีความร่าเริงโดยธรรมชาติ เขามุ่งมั่นที่จะจับภาพทุกภาพในช่วงเวลาแห่งการฟื้นฟู ความปิติยินดี และไม่มีใครถ่ายทอดเสียงหัวเราะด้วยความละเอียดอ่อนและความหลากหลายได้มากเท่ากับที่เขาทำ ภาพเหมือนของเจ้าหน้าที่ (1624, ลอนดอน, คอลเลคชันวอลเลซ), โยกบนเก้าอี้ "Geytgeizen" (ปลายทศวรรษ 1630, บรัสเซลส์, หอศิลป์), "ยิปซี" (ปลายทศวรรษ 1620, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) หรือสิ่งที่เรียกว่า "แม่มดฮาร์เล็ม" - "มาล บ็อบเบ้"(เบอร์ลิน) เรียกได้ว่าเป็นตัวอย่างลักษณะเฉพาะของศิลปะที่เฉียบแหลมและมักกระปรี้กระเปร่าของเขา ชายหนุ่ม ผู้หญิง เด็ก ถูกพรรณนาโดยเขาด้วยความรู้สึกเหมือนมีชีวิต (“ แนวของชายหนุ่มกับถุงมือ", ตกลง. 1650, อาศรม). ความประทับใจของความมีชีวิตชีวายังได้รับการอำนวยความสะดวกโดยเทคนิคของ Hals เองซึ่งเป็นอิสระผิดปกติและเติบโตขึ้นในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ความสดใสในการตกแต่งของผลงานยุคแรกๆ ค่อยๆ ลดลง สีกลายเป็นสีเงิน เสรีภาพในการใช้โทนสีขาวดำบ่งบอกถึงทักษะที่สามารถสร้างภาพลักษณ์ที่กล้าหาญได้

ในการถ่ายภาพบุคคลในช่วงปลายยุค (50-60s) ความกล้าหาญ พลังงาน และความกดดันที่ไร้กังวลจะหายไป ในภาพถ่ายบุคคลชายของอาศรม สามารถติดตามความเหนื่อยล้าและความโศกเศร้าของรูปร่างที่น่าประทับใจได้ทั้งหมด คุณลักษณะเหล่านี้ได้รับการปรับปรุงเพิ่มเติมในภาพวาดชายสวมหมวกปีกกว้าง (พิพิธภัณฑ์ในคัสเซิล) ที่ทาสีอย่างสวยงาม Hals เลิกได้รับความนิยมในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เพราะมันไม่เคยประจบประแจงและกลายเป็นคนต่างด้าวกับรสนิยมที่เกิดใหม่ของลูกค้าผู้มั่งคั่งที่สูญเสียจิตวิญญาณประชาธิปไตยไป แต่ในช่วงท้ายของความคิดสร้างสรรค์ที่ Hals มาถึงจุดสูงสุดของความเชี่ยวชาญและสร้างงานที่ลึกซึ้งที่สุด ในงานบางงาน เทคนิคอิมเพรสชั่นนิสม์ของการแก้ปัญหาสีถูกสรุปไว้ Hals วาดภาพบุคคลนับไม่ถ้วนจนถึงปีสุดท้ายของชีวิต แต่กลับมาที่ภาพเหมือนกลุ่มอีกครั้ง เขาวาดรูปคน 2 คน - ผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์และผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ของบ้านพักคนชรา หนึ่งในนั้นเขาพบที่หลบภัยในบั้นปลายชีวิตของเขา ในภาพเหมือนของผู้สำเร็จราชการแผ่นดิน ไม่มีความสนิทสนมกันขององค์ประกอบก่อนหน้า นางแบบแยกจากกัน ไร้อำนาจ ดวงตาของพวกเขาขุ่นมัว ความหายนะถูกเขียนบนใบหน้าของพวกเขา ในสีที่มืดมน (ดำ เทา และขาว) จุดสีแดงอมชมพูบนเข่าของผู้สำเร็จราชการแผ่นดินคนใดคนหนึ่งทำให้เกิดความตึงเครียดเป็นพิเศษ ดังนั้นเมื่ออายุได้ 9 ขวบ ศิลปินที่ป่วย เหงา และยากจน ได้สร้างผลงานศิลปะที่น่าทึ่งและประณีตที่สุดของเขา

ศิลปะของ Hals มีความสำคัญอย่างยิ่งในช่วงเวลานั้น มันมีผลกระทบต่อการพัฒนาไม่เพียงแต่ภาพเหมือน แต่ยังรวมถึงประเภทของชีวิตประจำวัน ภูมิทัศน์ และสิ่งมีชีวิต

ประเภทภูมิทัศน์ฮอลแลนด์ศตวรรษที่ 17 น่าสนใจเป็นพิเศษ นี่ไม่ใช่ธรรมชาติโดยทั่วไป เป็นภาพทั่วไปบางภาพของจักรวาล แต่เป็นภาพระดับชาติ กล่าวคือภูมิทัศน์ของเนเธอร์แลนด์ ซึ่งเรารู้จักในฮอลแลนด์สมัยใหม่ ได้แก่ กังหันลมที่มีชื่อเสียง เนินทรายในทะเลทราย ท้องฟ้าสีเทาครอบครองพื้นที่ขนาดใหญ่ในการแต่งเพลง นี่คือวิธีที่ฮอลแลนด์ถูกพรรณนา Jan Van Goyen (1596-1656) และ Salomon Van Ruysdael (1600-1670)

รุ่งอรุณของการวาดภาพทิวทัศน์ในโรงเรียนดัตช์หมายถึงช่วงกลาง ศตวรรษที่ 17 ต้นแบบที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของภูมิทัศน์ที่สมจริงคือ เจค็อบ ฟาน รุยส์ดาเอล (1628-1682)ศิลปินแห่งจินตนาการที่ไม่สิ้นสุด ผลงานของเขามักจะเต็มไปด้วยเรื่องราวดราม่า ไม่ว่าจะเป็นป่าทึบ ("Forest Swamp") ทิวทัศน์ที่มีน้ำตก ("Waterfall") หรือภูมิทัศน์ที่โรแมนติกพร้อมสุสาน ("Jewish Cemetery") ธรรมชาติในรุยส์ดาเอลปรากฏขึ้นอย่างไม่หยุดนิ่ง ในการต่ออายุชั่วนิรันดร์ แม้แต่ลวดลายธรรมชาติที่ยากที่สุดก็ยังได้รับตัวละครที่ยิ่งใหญ่ภายใต้แปรงของศิลปิน Ruisdael มักจะรวมการเขียนอย่างระมัดระวังเข้ากับความสมบูรณ์ที่สำคัญอย่างยิ่ง กับลักษณะสังเคราะห์ของภาพ

เขาเกิดที่ฮาร์เลมในปี ค.ศ. 1628 หรือ ค.ศ. 1629 ผลงานชิ้นแรกที่ยังหลงเหลืออยู่ของเขา ลงวันที่ 1646 ดูเหมือนงานของปรมาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่ - และเขาอายุเพียง 18 ปีเท่านั้น ด้วยความมั่นใจอย่างเต็มเปี่ยม เราสามารถพูดได้ว่าในปี 1648 รุยส์ดาเอลได้เข้าเป็นสมาชิกของสมาคมศิลปินแห่งฮาร์เลม

ในวัยหนุ่ม Ruisdael เดินทางค่อนข้างมากเพื่อค้นหาธรรมชาติ - โดยไม่ต้องจากไปจาก Haarlem บ้านเกิดของเขามากกว่าร้อยไมล์ ในช่วงกลางทศวรรษ 1650 ศิลปินย้ายจากฮาร์เลมไปยังอัมสเตอร์ดัม ซึ่งเขาอาศัยอยู่จนถึงวันสุดท้ายของเขา

เมโทรโพลิแทนอัมสเตอร์ดัมในช่วงเวลาของรุยส์ดาเอลแตกต่างอย่างมากจากจังหวัดฮาร์เลม (แม้ว่าระยะห่างระหว่างเมืองเหล่านี้ก็เอาชนะได้ภายในสองชั่วโมง) Ruisdael วาดภาพของเขาไม่ใช่ตามคำสั่งส่วนตัว แต่สำหรับขายฟรี ราวปี 1670 เขาย้ายไปที่ใจกลางเมืองสุดที่จัตุรัส Dam ซึ่งเขาเช่าอพาร์ตเมนต์เหนือร้าน Hieronymus Sveerts ตัวแทนจำหน่ายภาพเขียนและหนังสือ .

Meindert Hobbema(ค.ศ. 1638, อัมสเตอร์ดัม, - 7 ธันวาคม ค.ศ. 1709) - ต้นแบบที่สำคัญที่สุดของภูมิทัศน์ชาวดัตช์หลังจากที่ปรึกษาของเขา Jacob van Ruysdael

เป็นที่ทราบกันดีว่า Hobbema และ Ruisdael เดินทางด้วยกันและสร้างภาพร่างจากธรรมชาติ ในเดือนพฤศจิกายน ค.ศ. 1668 ฮอบเบมาแต่งงานกับเจ้าเมืองอัมสเตอร์ดัม และได้รับตำแหน่งผู้ตรวจสอบคุณภาพของไวน์นำเข้าโดยผ่านเธอ เชื่อกันมานานแล้วว่านี่คือการสิ้นสุดบทเรียนการวาดภาพของเขา

เขาอาจต้องใช้เวลาในการวาดภาพน้อยกว่าเมื่อก่อน แต่งานที่ดีที่สุดของเขาคือ The Alley at Middelharnis ลงวันที่ 1689 และภาพวาดอีกชิ้นในลอนดอน The Ruins of Brederode Castle คือปี 1671 ผลงานในภายหลังเหล่านี้เป็นผลงานที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของการวาดภาพทิวทัศน์ของชาวดัตช์ และโดยพื้นฐานแล้ว ก็คือการวาดเส้นในการพัฒนา

ศิลปินเสียชีวิตด้วยความยากจน แต่ในศตวรรษที่ 18 เขาถูกเลียนแบบอย่างมากและงานของเขากลายเป็นเรื่องของการแข่งขันในหมู่นักสะสม ไม่เหมือนรุยส์ดาเอลที่ชอบจับภาพสัตว์ป่า ฮอบเบมสนใจฉากชนบทอันเงียบสงบพร้อมทิวทัศน์ของหมู่บ้านที่เต็มไปด้วยแสงแดด ซึ่งได้รับความหลากหลายจากกลุ่มต้นไม้สูงตระหง่านที่นี่และที่นั่น ในไอดีลชนบทเหล่านี้ ทุกอย่างเขียนออกมาด้วยความเอาใจใส่ โดยเฉพาะใบไม้

ในการเชื่อมต่ออย่างใกล้ชิดกับภูมิทัศน์ของชาวดัตช์คือ ประเภทสัตว์. ตัวแทนการวาดภาพทิวทัศน์หลายคนมีความสนใจในการถ่ายโอนสัตว์ ส่วนใหญ่มักจะกลายเป็นสิ่งที่เทียบเท่ากับองค์ประกอบภูมิทัศน์ล้วนๆ และบางครั้งภูมิทัศน์ก็ทำหน้าที่เป็นพื้นหลังสำหรับพวกเขาเท่านั้น ความสามารถในการระบุสายพันธุ์ของสัตว์ โครงสร้าง สี ลักษณะการเคลื่อนไหวเป็นหนึ่งในคุณสมบัติที่โดดเด่นของชาวดัตช์ ความละเอียดอ่อนของการถ่ายทอดบรรยากาศและแสง รวมกับทักษะนี้ ได้บรรลุถึงความสมบูรณ์แบบอันยอดเยี่ยมในจิตรกรสัตว์บางตัว พิสูจน์ได้จากผลงานมากมาย Paulus Potter(1625-1654) และ อัลเบิร์ต คิวป์(1620-1691) ทั้งสองคนพร้อมกับภาพวาดสัตว์ที่เล็มหญ้าหรือพักผ่อนในที่โล่ง (Potter's Farm, Hermitage, 1649) ยังเขียนสำเนาแต่ละชุดอย่างใกล้ชิด นอกจากภาพถ่ายทั่วไปแล้ว พอตเตอร์ยังชอบวาดภาพสัตว์ตั้งแต่หนึ่งตัวขึ้นไปในระยะใกล้กับฉากหลังของทิวทัศน์ (“A Dog on a Chain”) ลวดลายที่ชื่นชอบของ Cape คือวัวที่แหล่งน้ำ ("พระอาทิตย์ตกที่แม่น้ำ", "Cows on the Bank of the Stream") จิตรกรรม "ภูมิทัศน์ด้วยฝูงสัตว์ คนขี่ และชาวนา"
ทิวทัศน์ชนบทอันเงียบสงบอาบแสงสีทองของพระอาทิตย์ตกดิน แสงที่อบอุ่นจะแทรกซึมทุกรายละเอียดขององค์ประกอบ ทำให้เกิดเอฟเฟกต์ที่เปล่งประกาย สิ่งนี้ทำให้สีของแหลมแตกต่างไปจากสีน้ำเงินที่เย็นเยียบและสีเขียวในยุคของเขา เช่น Meindert Hobbema. อันที่จริงแล้วการจัดเรียงของสัตว์ที่ดูเหมือนสุ่มนั้นได้รับการพิจารณาอย่างถี่ถ้วนเพื่อแสดงการเล่นของแสงและเงา

เคปยังเป็นหนึ่งในสถานที่แรกในบรรดาตัวแทนของภูมิประเทศที่บริสุทธิ์ ภาพวาดของเขาโดดเด่นด้วยทักษะพิเศษในการถ่ายทอดแสงสีทอง แสงตะวัน แรงบันดาลใจที่หลากหลาย และรวมถึงท่าจอดเรือจำนวนมาก (วิวทะเล)

ซีสเคปเท่านั้น(มารีน่า) หมั้นหมายแล้ว แจน พอร์เซลลิส(1584-1632). มาริน่ามีบทบาทสำคัญมากในงานศิลปะของฮอลแลนด์ในศตวรรษที่ 17 และได้นำผู้เชี่ยวชาญชั้นหนึ่งมาหลายคน แนวทางการพัฒนาท่าจอดเรือทั่วไปดูเหมือนจะเท่ากับสิ่งที่พบเห็นได้ทั่วไปในประวัติศาสตร์ภูมิทัศน์ของชาวดัตช์ ในระยะแรก การเรียบเรียงจะเรียบง่าย ศิลปินเห็นเป้าหมายของเขาที่ประสบความสำเร็จ ถ้าเขาสื่อถึงท้องทะเลอันกว้างใหญ่ เรือที่แกว่งไปมา และผืนน้ำที่มีโอกาสมากที่สุด Jan Porcellis เขียน ในรุ่นต่อๆ ไป ธรรมชาติของการแพร่พันธุ์ของสัตว์ทะเลจะเปลี่ยนแปลงไปสู่พลวัตที่มากขึ้น อย่างไรก็ตาม เหมือนเมื่อก่อน ภาพวาดถูกสร้างขึ้นเพื่อแสดงถึงความสงบของธาตุน้ำ แต่ตอนนี้ยังไม่เพียงพอ พายุเริ่มขว้างเรือบนโขดหิน คลื่นยักษ์คุกคามพวกเขาด้วยความตาย และขับไล่ลูกเรือให้ไปลี้ภัยในท่าเรือ ในทั้งสองกรณี Backhuizen ไม่มีปัญหา (1631-1709) พู่กันของเขาที่มีคุณธรรมเดียวกันสื่อถึงความไร้เมฆของท้องฟ้า พายุไซโคลน ละอองน้ำ โขดหิน และร่องรอยของซากปรักหักพัง

การพัฒนาที่ยอดเยี่ยมมาถึงชีวิตที่นิ่ง ชาวดัตช์ยังคงมีชีวิตซึ่งแตกต่างจากชาวเฟลมิชคือขนาดและแรงจูงใจในการวาดภาพที่มีลักษณะใกล้ชิด Peter Klass (1597-1661), วิลเลม เคดา(1594-1680) มักวาดภาพสิ่งที่เรียกว่า อาหารเช้า: จานกับแฮมหรือพายบนโต๊ะที่เสิร์ฟค่อนข้างสุภาพ ในเลย์เอาต์ที่เชี่ยวชาญวัตถุจะแสดงในลักษณะที่รู้สึกราวกับว่าเป็นชีวิตภายในของสิ่งต่าง ๆ (ไม่ใช่เพื่ออะไรที่ชาวดัตช์เรียกว่าภาพนิ่ง "still leven" - "ชีวิตที่เงียบสงบ" และไม่ "ธรรมชาติมรณะ" - "ธรรมชาติที่ตายแล้ว") การระบายสีถูกจำกัดและขัดเกลา (Heda "Breakfast with Lobster", 1658; Class "Still Life with Candles", 1627)

Willem Heda ทำงานใน Haarlem และได้รับอิทธิพลจาก Pieter Claesz สิ่งมีชีวิตที่เจียมเนื้อเจียมตัว - "อาหารเช้า" โดย Head ภาพวาดมักจะใช้เครื่องใช้ในครัวเรือนและอาหารชุดเล็ก ๆ มีลักษณะเป็นงานฝีมือที่ดีในการถ่ายทอดพื้นผิวของสิ่งต่าง ๆ สีเงินสีเขียวหรือสีน้ำตาลเงินที่สุขุม ( “ อาหารเช้ากับ Blackberry Pie”, 1631, หอศิลป์ , Dresden; "แฮมและเครื่องเงิน", 1649, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐ, มอสโก)

กับการเปลี่ยนแปลงวิถีชีวิตของชาวดัตช์ในครึ่งหลัง ในศตวรรษที่ 17 ด้วยความปรารถนาของชนชั้นนายทุนในการเป็นชนชั้นสูงอย่างค่อยเป็นค่อยไปและการสูญเสียระบอบประชาธิปไตยในอดีต ธรรมชาติของสิ่งมีชีวิตยังคงเปลี่ยนแปลงไป "อาหารเช้า" ของ Kheda ถูกแทนที่ด้วย "ของหวาน" อันหรูหรา วิลเล็ม คาล์ฟ (ค.ศ. 1619-1693)เครื่องใช้เรียบง่ายถูกแทนที่ด้วยโต๊ะหินอ่อน ผ้าปูโต๊ะปูพรม ถ้วยเงิน เปลือกหอยมุก และแก้วคริสตัล Kalf ประสบความสำเร็จอย่างยอดเยี่ยมในการถ่ายทอดเนื้อสัมผัสของลูกพีช องุ่น และพื้นผิวคริสตัล โทนสีเดียวของภาพนิ่งในสมัยก่อนถูกแทนที่ด้วยการไล่เฉดสีที่มีสีสันสวยงามที่สุด

จิตรกรชาวดัตช์ ในปี ค.ศ. 1640-1645 เขาทำงานในฝรั่งเศสตั้งแต่ปี ค.ศ. 1653 ในอัมสเตอร์ดัม ในอนาคต Willem Kalf อาศัยและทำงานที่อัมสเตอร์ดัมเป็นหลัก สีที่เข้มและเข้มข้นของภาพวาดของเขา จิตรกรภาพนิ่งนี้อาจเนื่องมาจากอิทธิพลของผลงานของแจน เวอร์เมียร์ร่วมสมัยของเขา หนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งโรงเรียนภาพนิ่งของชาวดัตช์ Kalf วาดภาพทั้งภาพวาดเจียมเนื้อเจียมตัวที่แสดงถึงห้องครัวและสวนหลังบ้านที่ไม่ดี ("ลานบ้านของชาวนา" พิพิธภัณฑ์ State Hermitage เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) และองค์ประกอบที่งดงามด้วยเครื่องใช้อันมีค่าและผลไม้ภาคใต้ที่แปลกใหม่ (“อาหารเช้า”, พิพิธภัณฑ์รัฐ, อัมสเตอร์ดัม; “Still Life”, พิพิธภัณฑ์เฮอร์มิเทจ, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) ความมีคุณธรรมของ Kalf ในฐานะจิตรกรภาพนิ่งปรากฏให้เห็นในความประณีตคลาสสิกของโครงสร้างเชิงพื้นที่ สัมผัสที่ละเอียดอ่อนของความสร้างสรรค์และคุณค่าที่แท้จริงของแต่ละสิ่ง ความประณีตและความสมบูรณ์ของความสัมพันธ์ของแสงและเงาและสี และการเปรียบเทียบพื้นผิวที่แตกต่างกันอย่างน่าทึ่ง และวัสดุ

"ยังมีชีวิตอยู่กับกุ้งมังกร เขาไวน์ และแก้ว"คอลเลกชันของวัตถุที่แปลกใหม่และหรูหราที่วางอยู่บนโต๊ะถูกทาสีด้วยฝีมือที่ยอดเยี่ยมและสีสันที่ลึกล้ำ ล็อบสเตอร์ ฮอร์นไวน์ที่มีกรอบสีเงินเป็นประกาย แก้วน้ำใส มะนาว และพรมตุรกี ได้รับการรังสรรค์ขึ้นด้วยความเอาใจใส่อย่างดีเยี่ยม จนทำให้เกิดภาพลวงตาว่าของจริงและสามารถสัมผัสได้ด้วยมือ สถานที่สำหรับวางแต่ละรายการได้รับการคัดเลือกด้วยความระมัดระวังเพื่อให้กลุ่มโดยรวมมีความกลมกลืนของสีรูปร่างและพื้นผิว แสงอันอบอุ่นที่โอบล้อมวัตถุทำให้พวกเขาดูมีศักดิ์ศรีของอัญมณีล้ำค่า และความหายาก ความสง่างาม และความแปลกประหลาดของพวกมันสะท้อนให้เห็นถึงรสนิยมอันประณีตของนักสะสมชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่สิ่งมีชีวิตยังคงได้รับความนิยมเป็นพิเศษ

ดัตช์ยังคงชีวิต- หนึ่งในการนำศิลปะของธีมที่สำคัญที่สุดของศิลปะดัตช์ไปใช้ - ธีมของชีวิตส่วนตัวของคนธรรมดา ชุดรูปแบบนี้เป็นตัวเป็นตนอย่างเต็มที่ในรูปภาพประเภท ในยุค 20-30 ศตวรรษที่ 17 ชาวดัตช์สร้างภาพวาดร่างเล็กแบบพิเศษ 40-60s - การออกดอกของภาพวาด เชิดชูชีวิตชาวเมืองฮอลแลนด์อันเงียบสงบวัดการดำรงอยู่ทุกวัน แม้แต่ในวงกลมของ Hals ที่ซึ่ง Adrian Brouwer จิตรกรชาวเฟลมิชก็พัฒนาขึ้นเช่นกัน ความสนใจที่ชัดเจนในหัวข้อต่างๆ จากชีวิตชาวนาก็ก่อตัวขึ้น อาเดรียน ฟาน ออสตาเด(1610-1685) - เป็นภาพที่ใหญ่ที่สุดในแง่ของการพรรณนาถึงชีวิตชาวนา เขามักจะวาดภาพด้านมืดของเขา ("การต่อสู้") เช่นเดียวกับตัวแทนคนอื่น ๆ เขามักจะเข้าหาหัวข้อของเขาทั้งหมดด้วยจิตวิญญาณแห่งอุดมการณ์ของชนชั้นปกครองและมองความเป็นจริงในอุดมคติหรือเห็นสิ่งมีชีวิตที่ตลกเท่านั้นในชาวนาซึ่งประเพณีก่อให้เกิด เสียงหัวเราะและเรื่องตลก (“ในโรงเตี๊ยมในหมู่บ้าน” 1660)

ศิลปะของเขาได้รับคุณสมบัติของบทกวีในช่วงเวลาต่อมาและแปลงเดิมถูกแทนที่ด้วยภาพของการพักผ่อนอย่างสงบบนธรณีประตูกระท่อมหรือในลานของโรงเตี๊ยมในหมู่บ้านรวมถึงการตกแต่งภายในด้วยฉากของความสะดวกสบายของครอบครัวที่เงียบสงบ (“ ประเทศ คอนเสิร์ต”, 1655, อาศรม). นอกจากภาพวาดร่างเล็กเช่นนี้ Ostade มักจะวาดบนสเกลขนาดใหญ่กว่าครึ่งร่างที่เหมือนจริงอย่างเคร่งครัดของตัวแทนของงานฝีมือต่างๆ ถูกต้องแล้ว ภาพวาดของ Ostade "The Painter in the Studio" (1663) ถือเป็นผลงานชิ้นเอกของการวาดภาพซึ่งศิลปินยกย่องแรงงานมนุษย์โดยไม่ต้องใช้คำประกาศหรือสิ่งที่น่าสมเพช

แต่ธีมหลักของ "ลิตเติ้ลดัตช์" ยังคงไม่ใช่ชาวนา แต่เป็นชีวิตของชาวนา โดยปกติแล้วสิ่งเหล่านี้เป็นภาพที่ไม่มีโครงเรื่องที่น่าสนใจ ในภาพวาดประเภทนี้ ดูเหมือนจะไม่มีอะไรเกิดขึ้น ผู้หญิงกำลังอ่านจดหมาย สุภาพบุรุษและสุภาพสตรีกำลังเล่นดนตรี หรือเพิ่งพบกันและเพิ่งมีความรู้สึกแรก แต่นี่เป็นเพียงการสรุปเท่านั้น ผู้ชมมีสิทธิ์ที่จะคาดเดาตัวเองได้ นักเล่าเรื่องที่สนุกสนานที่สุดในภาพประเภทนี้คือ แจน สแตน(1626-1679). สำหรับสแตน ซึ่งแตกต่างจากคนรุ่นก่อนๆ ส่วนใหญ่ ด้านเรื่องราวไม่ได้เฉยเมย เขามีบทบาทสำคัญในการเริ่มต้นการเล่าเรื่องในภาพวาดของเขา และชอบที่จะพรรณนาฉากบันเทิงบางฉากจากชีวิตประจำวันของชนชั้นนายทุนน้อย ในตัวพวกเขา อาจารย์เผยให้เห็นพลังอันเฉียบแหลมของการสังเกต กำหนดลักษณะเฉพาะของประเภทและเล่าตอนที่เขาเลือกด้วยอารมณ์ขันที่ร่าเริงละเอียดอ่อน ภาพวาด "ผู้หญิงป่วยและหมอ" (ราว ค.ศ. 1660 อาศรม) บ่งบอกถึงเขา ในช่วงท้ายของกิจกรรมของ Sten คุณลักษณะเหล่านี้สูญเสียความคมชัดและตามแนวโน้มทั่วไปเขาเริ่มดำเนินการบนเส้นทางของศิลปะ สง่างามยิ่งขึ้นและทุ่มเทให้กับปัญหาของการรับรู้ภาพโลกแห่งความเป็นจริงอย่างหมดจด

ได้ทักษะที่ยอดเยี่ยม เจอราร์ด เทอร์บอร์ช(1617-1681). เขาเริ่มต้นด้วยวิชาที่เป็นประชาธิปไตยมากที่สุด ("Grinders") เขาโดดเด่นด้วยทักษะขั้นสูงสุดในการวาดภาพผ้าไหมและผ้าซาติน ความโปร่งใสของถ้วยแก้ว พื้นผิวของสิ่งของใดๆ ร่างของ Terborch มักมีลักษณะเป็นขุนนางที่มีชื่อเสียงซึ่งอธิบายได้จากการเลือกแบบจำลองจากสภาพแวดล้อมของขุนนาง ความวิจิตรบรรจงของงานศิลปะของ Terborch ส่วนใหญ่มาจากสีของมัน ซึ่งครอบงำด้วยโทนสีเงินอันวิจิตรงดงาม ในบรรดาภาพวาดที่ดีที่สุดของศิลปินคือ "A glass of lemonade" (Hermitage) และ "Concert" (Berlin, Dahlem)

การตกแต่งภายในกลายเป็นบทกวีโดยเฉพาะอย่างยิ่งในหมู่ชาวดัตช์ตัวเล็ก ชีวิตของดัตช์ดำเนินไปส่วนใหญ่ในบ้าน นักร้องตัวจริงของธีมนี้คือ ปีเตอร์ เดอ ฮูช(1629-1689). ธรรมชาติที่ลวงหลอกของการถ่ายโอนสิ่งต่าง ๆ ลดลงสู่พื้นหลังสำหรับอาจารย์ท่านนี้ และความสนใจมุ่งเน้นไปที่การพัฒนาความสัมพันธ์เชิงพื้นที่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการพรรณนาถึงการตกแต่งภายใน เช่นเดียวกับสนามหญ้าและถนนที่เปิดอยู่ด้านหลัง (“The Mistress with a Servant”, the Hermitage, ca. 1660) ห้องของเขาที่มีหน้าต่างครึ่งเปิดพร้อมรองเท้าที่ถูกโยนทิ้งโดยไม่ได้ตั้งใจหรือไม้กวาดถูกทิ้งไว้ตามกฎแล้วไม่มีร่างมนุษย์ แต่มีคนมองไม่เห็นที่นี่มีความเชื่อมโยงระหว่างการตกแต่งภายในกับผู้คนอยู่เสมอ เมื่อเขาวาดภาพผู้คน เขาจงใจเน้นจังหวะการเยือกแข็ง พรรณนาถึงชีวิตราวกับว่าถูกแช่แข็ง นิ่งเฉยเหมือนกับสิ่งต่างๆ ในตัวของมันเอง ("ลาน")

จังหวะชีวิตที่เชื่องช้า ความถูกต้องของกิจวัตรประจำวัน ความซ้ำซากจำเจของความเป็นอยู่บ่งบอกได้อย่างสมบูรณ์แบบ Gabriel Metsu(1629-1667; "อาหารเช้า") ตามลักษณะทั่วไปของภาพประเภทของเขา เขาอยู่ใกล้กับ Terborch แต่มีสีสันที่สว่างกว่า

ขั้นตอนใหม่ของการวาดภาพประเภทเริ่มต้นในปี 50 และเกี่ยวข้องกับสิ่งที่เรียกว่า โรงเรียนเดลฟท์โดยมีชื่อศิลปินเช่น Karel Fabricius, Emmanuel de Witte และ Jan Vermeer(ค.ศ. 1632-1675) ซึ่งเป็นที่รู้จักในประวัติศาสตร์ศิลปะว่า Vermeer of Delft (มีชื่อเล่นตามสถานที่ทำกิจกรรม) ศิลปะของ Vermeer of Delft เป็นของช่วงปลายของการพัฒนาฮอลแลนด์ รุ่นของนักสู้ที่กล้าหาญแต่หยาบคายเพื่ออิสรภาพและนักธุรกิจที่มีสติ - ผู้จัดงานเศรษฐกิจทุนนิยม - เป็นของอดีต ลูกหลานของพวกเขาเข้าสู่เวทีประวัติศาสตร์ ซึ่งสามารถใช้ประโยชน์จากผลประโยชน์ที่ได้รับได้อย่างปลอดภัย ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ ศิลปะที่มีชีวิตชีวาและสนุกสนานของยุคสุดท้ายของความมั่งคั่งของสาธารณรัฐดัตช์กำลังก่อตัวขึ้น

ในช่วงเวลาเฉพาะนี้เป็นของผู้ใหญ่ เจาะลึก และในเวลาเดียวกันชัดเจนและเรียบง่าย แม้จะมีความซับซ้อนของเทคโนโลยีทั้งหมด ศิลปะของ Vermeer of Delft Vermeer มีผลงานของแท้เพียงไม่กี่ชิ้น มีพิพิธภัณฑ์เพียงไม่กี่แห่งที่มีภาพวาดขนาดเล็กและมีค่าเสมอโดยปรมาจารย์เดลฟท์ หัวข้อของ Vermeer เป็นแบบดั้งเดิมไม่มากก็น้อย หญิงสาวกำลังอ่านจดหมาย ปักผ้า อยู่ท่ามกลางสุภาพบุรุษ จิตรกรอยู่หน้าขาตั้ง เด็กผู้หญิงกำลังฝันอยู่ที่หน้าต่าง (“Girl with a Letter”, Dresden; “The Cavalier and the Lady at the Spinet” , ฯลฯ ) - ในคำเดียวทุกอย่างที่จิตรกรชาวดัตช์วาดภาพมากกว่าหนึ่งครั้ง ในแง่ของเนื้อหา ในความหมายที่แคบของคำ Vermeer ไม่มีอะไรที่เป็นต้นฉบับ เฉพาะในกรณีที่หายากเท่านั้นที่เขาหันไปใช้แผนการสนุกสนานและแนะนำองค์ประกอบของการกระทำลงในองค์ประกอบ (“At the Matchmaker”, 1656, Dresden) อย่างไรก็ตาม ภาพทั้งหมดของเขามีลักษณะเฉพาะตัวโดยสิ้นเชิง มีบทกวีเบาบางประเภทในตัวละครทั้งหมดที่เขาแสดง และพร้อมกับบทกวีและความนุ่มนวลนี้ ความรู้สึกพิเศษของความเรียบง่ายที่รุนแรง สิ่งที่คลาสสิกอย่างแท้จริงประทับอยู่บนงานทั้งหมดของเขา

Vermeer เป็นหนึ่งในนักวาดภาพสีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรปตะวันตกอย่างไม่ต้องสงสัย ไม่เพียงแต่รสนิยมอันละเอียดอ่อนของเขาในการเลือกสีเท่านั้น แต่ความสามารถในการค้นหาความสัมพันธ์ระหว่างกันและกันทำให้ Vermeer เป็นหนึ่งในผู้เชี่ยวชาญด้านสีที่ประณีตที่สุด ด้วยความรู้สึกถึงสัดส่วนและไหวพริบสูงสุด เขาจึงผสมผสานสีเหลืองมะนาว สีฟ้า สีม่วงของเฉดสีที่หลากหลาย สีแดงเข้ม และสีเขียวอ่อนเข้าเป็นช่วงโทนเสียงอันไพเราะ งานของ Vermeer of Delft คือปัญหาแสงศิลปะแบบดั้งเดิมของชาวดัตช์ที่ได้รับการแก้ปัญหาที่สมบูรณ์แบบที่สุด แสงจากเปลือกหอยมุกสีรุ้งเป็นหนึ่งในลักษณะเด่นที่สุดของภาพวาดของปรมาจารย์เดลฟต์ ไม่ต้องสงสัยเลยว่า Vermeer of Delft เป็นหนึ่งในช่างเทคนิคที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในยุคของเขา ภาพวาดไม่กี่ภาพของเขาเขียนด้วยพื้นผิวที่หลากหลายและหลากหลาย วิธีการใช้สีของเขา โดยกำหนดเทคนิคในภายหลังของอิมเพรสชันนิสต์ ทำให้ Vermeer เองสามารถพรรณนาวัตถุที่ห่อหุ้มด้วยแสงไว้ในภาพที่เป็นรูปธรรมทั้งหมดได้ แสงในภาพวาดของ Vermeer ไม่ได้เป็นเพียงสื่อที่โปร่งใส แต่ในอากาศ ซึ่งเต็มไปด้วยการเปลี่ยนผ่านของโทนสีเงินอย่างละเอียดอ่อน

เวอร์เมียร์ทำในสิ่งที่ไม่มีใครทำในศตวรรษที่ 17: เขาวาดภาพทิวทัศน์จากธรรมชาติ (“Street”, “View of Delft”) พวกเขาสามารถเรียกได้ว่าเป็นตัวอย่างแรกของการพ่นสีในอากาศ ศิลปะของ Vermeer มีความเป็นผู้ใหญ่ มีความคลาสสิกในความเรียบง่าย งานศิลปะของ Vermeer มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อยุคสมัยในอนาคต

จุดสุดยอดของสัจนิยมของชาวดัตช์ อันเป็นผลมาจากความสำเร็จทางภาพของวัฒนธรรมดัตช์ในศตวรรษที่ 17 เป็นผลงานของแรมแบรนดท์ แต่ความสำคัญของ R. ก็เหมือนกับศิลปินที่เก่งกาจคนอื่นๆ ที่นอกเหนือไปจากศิลปะดัตช์และโรงเรียนดัตช์ แรมแบรนดท์ครอบครองสถานที่ศูนย์กลางในโรงเรียนดัตช์ในยุครุ่งเรืองสูงสุด ยังคงโดดเด่นแตกต่างจากศิลปินมากมายในบ้านเกิดของเขา พวกเขายังคงเป็นมนุษย์ต่างดาวในวงกว้างของความสนใจทางศิลปะของแรมแบรนดท์และจิตวิทยาเชิงลึกของงานของเขา

Harmensz van Rijn Rembrandtเกิดในปี 1606 ในเมืองไลเดน และเป็นบุตรชายของเจ้าของโรงโม่แป้งผู้มั่งคั่ง เขาค้นพบความดึงดูดใจในการวาดภาพตั้งแต่เนิ่นๆ และหลังจากพักอยู่ที่ University of Leiden ได้ไม่นาน เขาก็อุทิศตนให้กับงานศิลปะทั้งหมด เมื่อสิ้นสุดระยะเวลาสามปีตามปกติของการศึกษากับจาค็อบ สวอนเนนเบิร์ก ศิลปินท้องถิ่นผู้ไม่มีนัยสำคัญ แรมแบรนดท์ไปอัมสเตอร์ดัมเพื่อพัฒนา ซึ่งเขาได้กลายเป็นนักเรียนของ Lastman Lastman ช่างฝีมือผู้ชำนาญซึ่งได้รับการฝึกฝนในอิตาลี ได้แนะนำ Rembrandt ให้รู้จักกับผลของ chiaroscuro ซึ่งใช้ในการถ่ายทอดปริมาณและเผยให้เห็นละครแห่งการกระทำ เทคนิคนี้จะกลายเป็นสิ่งสำคัญในงานของศิลปิน ปีถัดมา แรมแบรนดท์ทำงานในไลเดน และมีชื่อเสียงในฐานะปรมาจารย์ด้านฉากในพระคัมภีร์และในตำนาน ดังนั้นปี 1625-1632 จึงมักเรียกกันว่า ช่วงไลเดนของงานของเขา

ในปี ค.ศ. 1632 เขาย้ายไปอัมสเตอร์ดัม ซึ่งเขาได้รับชื่อเสียงทันทีด้วยการเขียน "บทเรียนกายวิภาคของดร. ทุลป์" ยุค 30 เป็นช่วงเวลาแห่งความรุ่งโรจน์สูงสุด เส้นทางสู่ KT เปิดให้นักวาดภาพด้วยภาพนี้ ซึ่งถือเป็นภาพเหมือนกลุ่มและมีอีกชื่อหนึ่งว่า “บทเรียนกายวิภาคศาสตร์” บนผืนผ้าใบนี้ ผู้คนรวมกันเป็นหนึ่งด้วยการกระทำ ทุกคนแสดงท่าตามธรรมชาติ ความสนใจของพวกเขาถูกดึงดูดไปยังตัวละครหลัก - ดร. ทุลป์ ซึ่งแสดงให้เห็นโครงสร้างของกล้ามเนื้อในศพ เขาอาศัยอยู่กับพ่อค้างานศิลปะ Hendrik van Uylenborch ซึ่งอุปถัมภ์เขา จัดคำสั่งซื้อภาพเหมือน ซึ่งสร้างชื่อเสียงให้กับศิลปินรุ่นเยาว์ในฐานะผู้เชี่ยวชาญที่ประสบความสำเร็จด้านแฟชั่น ในปี ค.ศ. 1634 แรมแบรนดท์ได้แต่งงานกับหลานสาวของเฮนดริกอย่าง ซาสเกีย และในปี ค.ศ. 1639 เขาก็ได้บ้านอันวิจิตรงดงามในเมืองหลวงร่วมกับภรรยาของเขา จนถึงต้นทศวรรษ 1640 เขาสนุกกับความสำเร็จอย่างมากกับลูกค้า นี่คือช่วงเวลาแห่งความผาสุกส่วนตัวของเขา ในผลงานชิ้นเอกที่มีชื่อเสียงของช่วงเวลานี้ - "ภาพเหมือนตนเองกับ Saskia คุกเข่า" (ประมาณ 1635, Art Gallery, Dresden) แรมแบรนดท์วาดภาพตัวเองกับภรรยาสาวของเขาที่โต๊ะรื่นเริง โทนสีทองที่เอ่อล้นอย่างอ่อนโยน กระแสแสงที่ส่องผ่านภาพสื่อถึงอารมณ์ที่สนุกสนานของศิลปินรุ่นเยาว์ที่ประสบความสำเร็จและภรรยาของเขา เต็มไปด้วยความหวังและความฝัน

ช่วงเวลานี้เต็มไปด้วยความโรแมนติก จิตรกรผู้นี้แสวงหางานของเขาเป็นพิเศษเพื่อหลีกหนีจากชีวิตประจำวันของพวกเบอร์เกอร์ที่น่าเบื่อ เขาวาดภาพตัวเองและ Saskia ในชุดหรูหรา ในชุดและผ้าโพกศีรษะที่น่าอัศจรรย์ สร้างองค์ประกอบที่น่าตื่นตาตื่นใจ ในทุกสิ่ง ในท่าทาง ในการเคลื่อนไหว สิ่งทั่วไปมีชัย - ความสุขของการเป็น (ซัสเกียเป็นฟลอร่า). ภาษาบาโรกใกล้เคียงกับการแสดงอารมณ์อันสูงส่งนี้มากที่สุด แรมแบรนดท์ในช่วงเวลานี้ได้รับอิทธิพลจากอิตาลีบาโรกเป็นส่วนใหญ่

ในมุมที่ซับซ้อน ตัวละครในภาพวาด "The Sacrifice of Abraham" (1635) ปรากฏขึ้นต่อหน้าเรา ภาพสะท้อนสภาพจิตใจของอับราฮัมผู้ซึ่งทูตสวรรค์ปรากฏตัวขึ้นอย่างกะทันหันไม่มีเวลารู้สึกถึงความสุขของการปลดปล่อยจากการเสียสละอันน่ากลัวหรือความกตัญญู แต่จนถึงขณะนี้มีเพียงความเหนื่อยล้าและความสับสน

แรมแบรนดท์ให้ความสำคัญกับการแกะสลัก (การแกะสลัก) และการวาดภาพเป็นอย่างมาก และในไม่ช้าก็กลายเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านเทคนิคกราฟิกที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป ภาพบุคคลและภูมิทัศน์ที่ดำเนินการโดยเขาในเทคนิคการแกะสลัก ฉากในชีวิตประจำวันและทางศาสนามีความโดดเด่นด้วยความแปลกใหม่ของเทคนิคทางศิลปะ จิตวิทยาเชิงลึกของภาพ ความสมบูรณ์ของ chiaroscuro ความชัดเจนและความรัดกุมของเส้น ประมาณสองพันภาพวาดโดยแรมแบรนดท์ได้มาหาเรา ภาพสเก็ตช์ภาพสเก็ตช์ภาพชีวิตประจำวัน และไอเดียที่เกิดในจินตนาการของเขา

ในช่วงเปลี่ยนผ่านช่วงต้นของความคิดสร้างสรรค์ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา "Night Watch" - ภาพเหมือนกลุ่มของสมาคมปืนไรเฟิล แต่กลุ่มพนักงานยกกระเป๋าเป็นชื่อทางการของผลิตภัณฑ์ที่เกิดจากความต้องการของลูกค้า ใน The Night Watch แรมแบรนดท์ใช้แนวทางใหม่ในการถ่ายภาพบุคคลกลุ่ม ซึ่งเป็นศิลปะดั้งเดิมของชาวดัตช์ ภาพวาด (1642, พิพิธภัณฑ์ Rijks, อัมสเตอร์ดัม) เป็นภาพกลุ่มของสมาชิกของสมาคมยิงปืนของกัปตันแบนนิงค็อกและศิลปินได้แก้ไขเป็นฉากถนนจริง แรมแบรนดท์ละทิ้งการจัดเรียงแบบคงที่ของผู้เข้าร่วมทั้งหมดที่ยอมรับในเวลานั้น ทำให้เกิดฉากที่เต็มไปด้วยการเคลื่อนไหว ความแตกต่างของแสงและเงา อารมณ์ของภาพวาด สื่อถึงความตื่นเต้นของงาน ภาพนี้ใช้ตัวละครทางประวัติศาสตร์บอกเล่าถึงผู้กล้าหาญที่พร้อมปกป้องเสรีภาพและความเป็นอิสระของชาติบ้านเกิดด้วยอาวุธในมือ ลูกค้าไม่เข้าใจเจตนาของศิลปิน และเริ่มต้นจากภาพนี้ ความขัดแย้งกับสภาพแวดล้อมที่โดดเด่นจะรุนแรงขึ้น แต่จะไม่ลดพลังงานของอาจารย์ และแรมแบรนดท์จะสร้างผืนผ้าใบที่เหมือนจริงต่อไป น่าทึ่งสำหรับผลกระทบทางอารมณ์ของพวกเขา องค์ประกอบฟรีที่สวยงามและน่าทึ่งอย่างไม่ต้องสงสัยดังที่ได้กล่าวไปแล้วไม่ได้มีจุดมุ่งหมายเพื่อเป็นตัวแทนของลูกค้าแต่ละราย ใบหน้าจำนวนมาก "อ่าน" ได้ไม่ดีใน chiaroscuro ที่คมชัดซึ่งตรงกันข้ามกับเงาหนาและแสงแดดจ้า CT ออกมา (ในศตวรรษที่ 19 ภาพมืดมากจนถือว่าเป็นภาพฉากกลางคืนด้วยเหตุนี้ ชื่อไม่ถูกต้อง กัปตันบนเสื้อผ้าสีสดใสของร้อยโทพิสูจน์ว่าไม่ใช่กลางคืน แต่เป็นกลางวัน) การปรากฏตัวของคนแปลกหน้าในฉากนี้โดยเฉพาะเด็กหญิงตัวเล็ก ๆ ในชุดสีเหลืองทองดูเหมือนจะเข้าใจยากและไร้สาระสำหรับผู้ชม ทุกสิ่งทุกอย่างทำให้เกิดความสับสนและระคายเคืองต่อสาธารณชน และเราสามารถพูดได้ว่าด้วยภาพนี้ ความขัดแย้งระหว่างศิลปินและสังคมเริ่มต้นขึ้น ด้วยการตายของซัสเกียในปีเดียวกัน แรมแบรนดท์จึงเกิดความแตกแยกตามธรรมชาติกับกลุ่มชาวเมืองต่างดาวสำหรับเขา

ทักษะที่สมจริงของ Rembrandt นั้นลึกซึ้งยิ่งขึ้นตลอดหลายปีที่ผ่านมา เขาปฏิเสธรายละเอียดที่ไม่จำเป็นและเอฟเฟกต์การตกแต่ง เพื่อสนับสนุนความลึกและอารมณ์ที่เข้มข้นของภาพศิลปะ สถานที่ขนาดใหญ่มากในผลงานของศิลปินเริ่มถ่ายภาพเหมือนในห้อง แรมแบรนดท์เผยให้เห็นชีวิตฝ่ายวิญญาณของบุคคลราวกับคงอยู่นานในกาลเวลาและสถานที่ นี่คือประเภทของชีวประวัติบุคคล ตัวอย่างเช่นคือ "ภาพเหมือนของหญิงชรา", "Hendrikje ที่หน้าต่าง", "Reading Titus", ภาพเหมือนของเพื่อนของศิลปิน N. Breining, J. Six, ภาพเหมือนตนเองจำนวนมาก (มากกว่าหนึ่งร้อยในน้ำมัน และถ่าน)

40-50s - นี่คือช่วงเวลาของการเติบโตเชิงสร้างสรรค์นี่คือช่วงเวลาของการเพิ่มระบบสร้างสรรค์ของเขาซึ่งหลายอย่างจะกลายเป็นอดีตและคุณสมบัติใหม่อันล้ำค่าจะได้รับ ในช่วงเวลานี้เขามักจะหันไปหางานเก่าเพื่อสร้างใหม่ในรูปแบบใหม่ นี่เป็นกรณีของ Danae ซึ่งเขาวาดขึ้นในปี 1636 เมื่อหันไปใช้ภาพวาดในทศวรรษที่ 1940 ศิลปินได้เพิ่มอารมณ์ของเขาให้เข้มข้นขึ้น เขาเขียนภาคกลางด้วยนางเอกและสาวใช้ ให้ดาเน่ยกมือขึ้นใหม่ เขาบอกกับเธอด้วยความตื่นเต้น การแสดงออกถึงความสุข ความหวัง และแรงดึงดูด แสงมีบทบาทอย่างมาก: ฟลักซ์การส่องสว่างเช่นเดียวกับที่ปกคลุมร่างของ Danae เธอเปล่งประกายด้วยความรักและความสุขทั้งหมดแสงนี้ถูกมองว่าเป็นการแสดงออกถึงความรู้สึกของมนุษย์

ในช่วงต้นทศวรรษ 50 ศิลปินสร้างผลงานชิ้นเอกขึ้นมาทีละชิ้น เขาตกเทรนด์ไปแล้ว แต่ลูกค้าที่ร่ำรวยไม่ได้รับการแปล

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมานี้ เขาเลือกการตีความแง่มุมที่ไพเราะและไพเราะที่สุดของการดำรงอยู่ของมนุษย์ มนุษย์ ซึ่งเป็นนิรันดร์และเป็นสากล นั่นคือ ความรักของมารดา ความเห็นอกเห็นใจ พระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ให้เนื้อหาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแก่เขาและจากนั้น - ฉากของชีวิตของครอบครัวศักดิ์สิทธิ์ ศาสนาในเนื้อหา แต่ประเภทในการตีความพล็อตเรื่องอย่างหมดจด ภาพวาดอาศรมครอบครัวศักดิ์สิทธิ์ (1645) เป็นลักษณะเฉพาะอย่างยิ่งของเวลานั้น

นอกจากการเรียบเรียงแนวพระคัมภีร์แล้ว ช่วงเวลานี้ยังเต็มไปด้วยการพรรณนาถึงความเป็นจริงแบบใหม่สำหรับแรมแบรนดท์ - ทิวทัศน์ ในบางกรณีเพื่อเป็นการยกย่องความโน้มเอียงที่โรแมนติกของเขา เขาสร้างพร้อมกับสิ่งนี้ รูปภาพของหมู่บ้านชาวดัตช์ที่ไร้เครื่องตกแต่งซึ่งน่าหลงใหลด้วยความสมจริงของวิธีการอย่างเคร่งครัด “Winter View” ขนาดเล็ก (1646, Kassel) ซึ่งแสดงภาพลานบ้านของชาวนาและตัวเลขหลายตัวบนพื้นผิวของคลองที่กลายเป็นน้ำแข็งท่ามกลางแสงของวันที่อากาศหนาวจัด เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่สมบูรณ์แบบที่สุดของภูมิทัศน์สมจริงของเนเธอร์แลนด์ในแง่ของ ความละเอียดอ่อนของความรู้สึกและความจริงของการรับรู้ทางสายตา

แม้จะมีความกว้างใหญ่และคุณค่าทางศิลปะของสิ่งที่สร้างขึ้นในช่วงเวลานี้ สถานการณ์ทางการเงินของแรมแบรนดท์กลับกลายเป็นว่ายากอย่างยิ่งในช่วงกลางทศวรรษ 1650 เนื่องจากจำนวนคำสั่งซื้อที่ลดลง การขายภาพเขียนที่ยากลำบาก และโดยเฉพาะอย่างยิ่งความประมาทเลินเล่อของอาจารย์ในการดำเนินการของเขา แรมแบรนดท์จึงประสบปัญหาทางการเงินอย่างมาก หนี้ที่เกี่ยวข้องกับการซื้อบ้านราคาแพงในช่วงชีวิตของ Saskia คุกคามถึงความพินาศทั้งหมด การพยายามปลดหนี้อาจแค่ชะลอความหายนะ แต่ก็ยังปะทุขึ้น ในฤดูร้อนปี 2199 แรมแบรนดท์ถูกประกาศล้มละลายและทรัพย์สินทั้งหมดของเขาถูกขายทอดตลาด ถูกลิดรอนจากบ้านตามปกติ เขาถูกบังคับให้ย้ายไปกับครอบครัวของเขาไปยังย่านชาวยิวที่ยากจนในเมืองหลวงการค้า และที่นี่วันสุดท้ายของเขาผ่านไปด้วยความขาดแคลนอย่างรุนแรง

ความทุกข์ยากเหล่านี้ เช่นเดียวกับความโชคร้ายที่เกิดขึ้นกับแรมแบรนดท์ในภายหลัง - การตายของเฮนดริก การตายของติตัส ลูกชายคนเดียวของเขา - ไม่มีอำนาจที่จะหยุดยั้งการเติบโตของอัจฉริยะของเขาต่อไป

ช่วงปลายทศวรรษ 1650 และ 1660 เป็นปีที่น่าเศร้าที่สุดในชีวิตของ R. แต่เต็มไปด้วยกิจกรรมสร้างสรรค์ของ Rembrandt ที่มีพลังมหาศาล มันแสดงถึงการสังเคราะห์การค้นหาทางจิตวิทยาและรูปภาพก่อนหน้าทั้งหมดของเขา ในภาพเหล่านี้ ทุกอย่างชัดเจนโดยบังเอิญ รายละเอียดจะถูกเก็บไว้ให้น้อยที่สุด ท่าทาง ท่าทาง การเอียงศีรษะได้รับการพิจารณาและทำความเข้าใจอย่างรอบคอบ ตัวเลขถูกขยายใกล้กับระนาบด้านหน้าของผืนผ้าใบ แม้แต่งานชิ้นเล็กในช่วงหลายปีที่ผ่านมายังสร้างความประทับใจให้กับความยิ่งใหญ่และความยิ่งใหญ่อันน่าทึ่งอย่างแท้จริง วิธีการแสดงออกหลักคือแสงและเส้น คงจะถูกต้องกว่าถ้าจะพูดเกี่ยวกับอาร์ผู้ล่วงลับว่าสีของเขา "สว่างไสว" เพราะในผืนผ้าใบของเขา แสงและสีเป็นหนึ่งเดียว สีของเขาก็ดูเหมือนเปล่งแสง ปฏิสัมพันธ์ที่ซับซ้อนของสีและแสงไม่ใช่จุดจบในตัวมันเอง แต่สร้างสภาพแวดล้อมทางอารมณ์และลักษณะทางจิตวิทยาบางอย่างของภาพ

ในการถ่ายภาพบุคคล แรมแบรนดท์มีอิสระในการเลือกนางแบบและระบายสีใบหน้าที่มีลักษณะเฉพาะตัวเป็นส่วนใหญ่ ส่วนใหญ่เป็นหญิงชราและชาวยิว แต่ด้วยความคมชัดแบบเดียวกัน เขาก็สามารถถ่ายทอดเสน่ห์ของใบหน้าของหญิงสาวหรือเสน่ห์ของรูปลักษณ์ที่อ่อนเยาว์ได้ ทุกสิ่งเล็กๆ น้อยๆ ในภาพบุคคลเหล่านี้ทำให้เกิดลักษณะทั่วไป แต่ในขณะเดียวกัน การนำเสนอภาพที่คมชัดผิดปกติ นี้ส่วนใหญ่อำนวยความสะดวกโดยความกว้างที่เพิ่มขึ้นของลักษณะการดำเนินการทางเทคนิค

ภาพสุดท้ายในประวัติศาสตร์ของกลุ่มคือภาพโดยแรมแบรนดท์พี่ของร้านขายผ้า - ที่เรียกว่า "ซินดิกส์" (1662, อัมสเตอร์ดัม) ถือว่าเป็นหนึ่งในจุดสุดยอดของผลงานของแรมแบรนดท์) ลักษณะทางจิตวิทยาที่เฉียบแหลม ความเรียบง่ายของการก่อสร้าง การซ่อนความไม่ผิดพลาดของจังหวะของเส้นและมวล รวมถึงจำนวนสีที่ตระหนี่ถี่เหนียว แต่การลงสีที่เข้มข้นจะสรุปเส้นทางก่อนหน้าทั้งหมดของแรมแบรนดท์ในฐานะจิตรกรภาพเหมือน

ในช่วงวัยเจริญพันธุ์ (50 ปี) แรมแบรนดท์ได้สร้างงานแกะสลักที่ดีที่สุดของเขา ความลึกของการวิเคราะห์ทางจิตวิทยาที่ทำให้แรมแบรนดท์แตกต่าง ความสมจริงที่แสดงออกของภาพ และความสมบูรณ์แบบของความเชี่ยวชาญในเทคนิคทางศิลปะนั้นสะท้อนให้เห็นในชุดแผ่นงานอันน่าทึ่งชุดยาว ซึ่งมีความหลากหลายทางใจความมากกว่าภาพวาดของอาจารย์ ในบรรดาที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "Christ Healing the Sick" (ที่เรียกว่า "Leaf of a ร้อย florins", c. 1649), "Three Crosses" (1653), ภาพเหมือนของ Lutma (1656), Haring (1655), Six (1647) เช่นเดียวกับภูมิประเทศที่เรียกว่า The Three Trees (1643) และ The Estate of the Gold Weigher (1651)

สถานที่สำคัญเท่าเทียมกันในมรดกกราฟิกของแรมแบรนดท์ถูกครอบครองโดยภาพวาด ความคมชัดและความคิดริเริ่มของการรับรู้ของแรมแบรนดท์เกี่ยวกับโลกรอบตัวสะท้อนให้เห็นในผ้าปูที่นอนที่หลากหลายและหลากหลายเหล่านี้ด้วยพลังพิเศษ ลักษณะการวาดภาพ เช่นเดียวกับรูปแบบการวาดภาพของแรมแบรนดท์ มีวิวัฒนาการอย่างเห็นได้ชัดตลอดการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของอาจารย์ หากภาพวาดช่วงแรกๆ ของแรมแบรนดท์มีรายละเอียดและค่อนข้างซับซ้อนในการจัดองค์ประกอบ ในช่วงเวลาที่โตเต็มที่แล้ว เขาก็แสดงภาพในลักษณะกว้างๆ รัดกุมและเรียบง่ายอย่างผิดปกติ แรมแบรนดท์มักจะวาดด้วยปากกาห่านหรือกก และสามารถบรรลุได้ด้วยความช่วยเหลือของเทคนิคที่ง่ายที่สุด พลังพิเศษของการแสดงออก R. ทิ้งภาพวาดไว้ 2,000 รูป ภาพวาดของเขาแม้จะเป็นเพียงภาพร่างเล็ก ๆ น้อย ๆ ของแรงจูงใจธรรมดา ๆ ก็ตาม แต่ก็เป็นภาพที่สมบูรณ์และถ่ายทอดความหลากหลายของธรรมชาติได้อย่างเต็มที่

บทส่งท้ายของงานของ R. ถือได้ว่าเป็นผืนผ้าใบที่ยิ่งใหญ่ของเขา "The Return of the Prodigal Son" (ประมาณปี ค.ศ. 1668-1669, Hermitage) ซึ่งความสูงด้านสุนทรียะและทักษะด้านภาพของศิลปินแสดงออกด้วยความสมบูรณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด คำอุปมาเรื่องพระกิตติคุณเกี่ยวกับชายหนุ่มคนหนึ่งที่ออกจากบ้าน เสียเงินทรัพย์สมบัติของเขาและกลับไปหาบิดาของเขาด้วยความทุกข์ยาก มอมแมม อัปยศ ศิลปินเต็มไปด้วยเนื้อหาที่เป็นมนุษย์อย่างลึกซึ้ง ความคิดอันสูงส่งของความรักต่อผู้ทุกข์ทรมานถูกเปิดเผยที่นี่ในภาพที่โดดเด่นในการโน้มน้าวใจเหมือนชีวิตของพวกเขา ใบหน้าของพ่อที่ตาบอดครึ่งคนแก่และท่าทางของมือของเขาแสดงถึงความเมตตาอย่างไม่มีขอบเขต และรูปร่างของลูกชายในผ้าขี้ริ้วสกปรกที่เกาะติดกับพ่อของเขานั้นจริงใจและสำนึกผิดอย่างสุดซึ้ง บางทีไม่มีภาพวาดอื่นๆ ของแรมแบรนดท์ที่จะปลุกความรู้สึกที่ลึกซึ้งและเห็นอกเห็นใจมากมายเช่นนี้ แรมแบรนดท์สอนผู้ชมเกี่ยวกับความรักและการให้อภัย ในอนาคตไม่กี่ปีและหลายเดือนมานี้ ชีวิตของแรมแบรนดท์จะดำเนินไปอย่างสงบ หลังจากมีอายุยืนกว่าเฮนดริกเยและติตัส เขาถึงแก่กรรมเมื่อวันที่ 4 ตุลาคม ค.ศ. 1669

R. มีผลกระทบอย่างมากต่องานศิลปะ ไม่มีจิตรกรในฮอลแลนด์ที่ไม่ได้สัมผัสกับอิทธิพลของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ซึ่ง Ferdinand Bol (1616-1680), Gerbrand van den Eckgout (1621-1674) และ Art de Gelder (1645-1727) มีชื่อเสียงมากที่สุด หลังจากที่เชี่ยวชาญในหัวข้อ เทคนิคการเรียบเรียง และประเภทของครูแล้ว พวกเขาก็ไม่ได้ไปไกลกว่านั้นในการวาดภาพร่างของพวกเขาเกินกว่าจะเลียนแบบเทคนิคของแรมแบรนดท์จากภายนอก ในทางกลับกันอิทธิพลที่มีชีวิตของอาจารย์ส่งผลกระทบต่อจิตรกรภูมิทัศน์จำนวนมากที่อยู่ติดกับเขาอย่างแน่นอน - Philips Koninck (1619-1688), Doomer (1622-1700) และอื่น ๆ แต่คนส่วนใหญ่ทรยศต่อเขาโดยย้ายไปอยู่ในตำแหน่งนักวิชาการและเลียนแบบเฟลมิงส์ที่ทันสมัยในขณะนั้นและจากฝรั่งเศส

มักเกิดขึ้นในประวัติศาสตร์ศิลปะ แม้ว่า Rembrandt มีพรสวรรค์อันยอดเยี่ยมของเขา เขาก็เสียชีวิตด้วยความยากจนและความเหงา ปรมาจารย์ที่ถูกลืมและไร้ประโยชน์ แต่ยิ่งเวลาผ่านไป มรดกของศิลปินก็ยิ่งมีคุณค่าในสายตามนุษย์มากขึ้นเท่านั้น สามารถพูดได้โดยไม่ต้องพูดเกินจริงว่า Rembrandt เป็นหนึ่งในศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะโลก หลายคนเรียกมันว่าไม่มีใครเทียบได้ หลุมศพของแรมแบรนดท์หายไป แต่งานของเขาจะคงอยู่นานหลายศตวรรษ

ในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 17 ความเสื่อมโทรมของภาพวาดชาวดัตช์ การสูญเสียเอกลักษณ์ประจำชาติ และตั้งแต่เริ่มแรก ศตวรรษที่ 18 การสิ้นสุดยุคที่ยิ่งใหญ่ของสัจนิยมของชาวดัตช์กำลังมาถึง

วัฒนธรรมดัตช์ในศตวรรษที่ 17

ชัยชนะของการปฏิวัติชนชั้นนายทุนในเนเธอร์แลนด์ตอนเหนือนำไปสู่การก่อตั้งรัฐเอกราช - สาธารณรัฐเจ็ดสหจังหวัด - ฮอลแลนด์ (ตามชื่อจังหวัดที่สำคัญที่สุด) เป็นครั้งแรกในประเทศใดประเทศหนึ่งในยุโรปที่มีการจัดตั้งระบบชนชั้นนายทุน - สาธารณรัฐ แรงขับเคลื่อนของการปฏิวัติคือชาวนาและกลุ่มที่ยากจนที่สุดของประชากรในเมือง แต่ชนชั้นนายทุนซึ่งเข้ามามีอำนาจ ใช้ประโยชน์จากชัยชนะของตน
การหลุดพ้นจากแอกของลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ของสเปนและคริสตจักรคาทอลิก การทำลายข้อจำกัดด้านศักดินาจำนวนหนึ่งเปิดทางให้กองกำลังผลิตของสาธารณรัฐเติบโตอย่างรวดเร็ว ซึ่งตามคำกล่าวของมาร์กซ์ “เป็นประเทศทุนนิยมที่เป็นแบบอย่างของศตวรรษที่ 17 ศตวรรษ” เฉพาะในฮอลแลนด์ในเวลานั้นเท่านั้นที่ประชากรในเมืองมีชัยเหนือชนบท แต่ผลกำไรจากแหล่งหลักไม่ใช่อุตสาหกรรม (แม้ว่าการผลิตสิ่งทอและการต่อเรือโดยเฉพาะจะได้รับการพัฒนาที่นี่) แต่เป็นการค้าตัวกลางซึ่งขยายตัวเนื่องจากนโยบายอาณานิคม เมื่อชนชั้นปกครองร่ำรวยขึ้น ความยากจนของคนงานก็เพิ่มขึ้น ชาวนาและช่างฝีมือถูกทำลาย และความขัดแย้งทางชนชั้นรุนแรงขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 17
อย่างไรก็ตาม ในช่วงทศวรรษแรกหลังจากการก่อตั้งสาธารณรัฐ ประเพณีประชาธิปไตยในยุคปฏิวัติยังคงมีอยู่ ความกว้างของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติ, การเพิ่มขึ้นของความประหม่า, ความสุขของการปลดปล่อยจากแอกต่างประเทศได้รวมเอาส่วนที่หลากหลายที่สุดของประชากรเข้าด้วยกัน ประเทศได้พัฒนาเงื่อนไขเพื่อการพัฒนาวิทยาศาสตร์และศิลปะ นักคิดที่ก้าวหน้าในสมัยนั้น โดยเฉพาะนักปรัชญาชาวฝรั่งเศส Descartes ได้พบที่หลบภัยที่นี่ และระบบปรัชญาเชิงวัตถุพื้นฐานของสปิโนซาได้ก่อตัวขึ้น ศิลปินแห่งฮอลแลนด์ประสบความสำเร็จอย่างสูงสุด เช่น จิตรกรเรมบรันต์, รุยส์ดาเอล, เทอร์บอร์ช, ฮาลส์, ฮอบเบมา, ฮอนทอร์สท์ และปรมาจารย์ด้านการวาดภาพอื่นๆ อีกมากมาย ศิลปินชาวดัตช์เป็นศิลปินกลุ่มแรกในยุโรปที่เป็นอิสระจากอิทธิพลของวงศาลและคริสตจักรคาทอลิก และสร้างงานศิลปะที่เป็นประชาธิปไตยและสมจริงซึ่งสะท้อนถึงความเป็นจริงทางสังคมโดยตรง

ภาพวาดชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17

ลักษณะเด่นของการพัฒนาศิลปะดัตช์เป็นลักษณะเด่นที่สำคัญในบรรดาภาพวาดทุกประเภท รูปภาพประดับบ้านไม่เพียง แต่ตัวแทนของชนชั้นสูงในสังคมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชาวเมืองผู้ยากจน ช่างฝีมือ และชาวนาด้วย พวกเขาขายในการประมูลและงานแสดงสินค้า บางครั้งศิลปินใช้เป็นเครื่องมือในการชำระค่าใช้จ่าย อาชีพศิลปินไม่ได้หายาก มีจิตรกรมากมาย และแข่งขันกันอย่างดุเดือด มีเพียงไม่กี่คนที่สามารถเลี้ยงตัวเองได้ด้วยการวาดภาพ หลายคนรับงานที่หลากหลาย: สเตนเป็นผู้ดูแลโรงแรม ฮอบเบมาเป็นเจ้าหน้าที่สรรพสามิต เจค็อบ ฟาน รุยส์ดาเอลเป็นแพทย์
การพัฒนาอย่างรวดเร็วของภาพวาดชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 ไม่เพียงอธิบายได้ด้วยความต้องการภาพวาดของผู้ที่ต้องการตกแต่งบ้านด้วยภาพวาดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงมุมมองของพวกเขาในฐานะสินค้าโภคภัณฑ์เป็นแหล่งการเก็งกำไร การกำจัดลูกค้าโดยตรง - คริสตจักรคาทอลิกหรือผู้ใจบุญศักดินาผู้มีอิทธิพล - ศิลปินขึ้นอยู่กับความต้องการของตลาดอย่างสมบูรณ์ รสนิยมของสังคมชนชั้นนายทุนได้กำหนดเส้นทางการพัฒนาศิลปะดัตช์ไว้ล่วงหน้า และศิลปินที่ต่อต้านพวกเขา ปกป้องความเป็นอิสระของพวกเขาในเรื่องของความคิดสร้างสรรค์ พบว่าตนเองโดดเดี่ยว ตายก่อนวัยอันควรในความต้องการและความเหงา ยิ่งไปกว่านั้น ตามกฎแล้วสิ่งเหล่านี้เป็นปรมาจารย์ที่มีความสามารถมากที่สุด พอเพียงที่จะพูดถึงชื่อของ Hals และ Rembrandt
วัตถุหลักของภาพสำหรับศิลปินชาวดัตช์คือความเป็นจริงโดยรอบ ซึ่งไม่เคยมีมาก่อนในผลงานของจิตรกรในโรงเรียนระดับชาติอื่นๆ มาก่อน การอุทธรณ์ไปยังแง่มุมที่หลากหลายที่สุดของชีวิตนำไปสู่การเสริมความแข็งแกร่งของแนวโน้มที่เหมือนจริงในการวาดภาพซึ่งเป็นผู้นำในด้านประเภทและแนวตั้งในชีวิตประจำวันภูมิทัศน์และสิ่งมีชีวิต ยิ่งศิลปินสะท้อนโลกแห่งความเป็นจริงที่ลึกซึ้งมากขึ้นเท่าใด ผลงานของพวกเขาก็ยิ่งมีความสำคัญมากขึ้นเท่านั้น
แต่ละประเภทมีสาขาของตัวเอง ตัวอย่างเช่นในหมู่จิตรกรภูมิทัศน์มีจิตรกรทางทะเล (วาดภาพทะเล) จิตรกรที่ชอบทิวทัศน์ของที่ราบหรือป่าทึบมีผู้เชี่ยวชาญที่เชี่ยวชาญในภูมิทัศน์ฤดูหนาวและภูมิทัศน์ที่มีแสงจันทร์: ในบรรดาจิตรกรประเภทศิลปินที่ พรรณนาถึงชาวนา, เบอร์เกอร์, ฉากงานเลี้ยงและชีวิตในบ้าน, ฉากล่าสัตว์และตลาด; มีผู้เชี่ยวชาญด้านการตกแต่งภายในของโบสถ์และภาพนิ่งประเภทต่างๆ - "อาหารเช้า", "ของหวาน", "ร้านค้า" ฯลฯ คุณสมบัติของข้อ จำกัด ของการวาดภาพชาวดัตช์ได้รับผลกระทบทำให้จำนวนงานน้อยลงสำหรับผู้สร้าง แต่ในขณะเดียวกัน ความเข้มข้นของศิลปินแต่ละคนในแนวเพลงใดแนวหนึ่งก็มีส่วนช่วยในการปรับแต่งทักษะของจิตรกร เฉพาะศิลปินชาวดัตช์ที่ใหญ่ที่สุดเท่านั้นที่ทำงานในประเภทต่างๆ
การก่อตัวของภาพวาดชาวดัตช์ที่เหมือนจริงเกิดขึ้นในการต่อสู้กับแนวโน้มและกิริยาท่าทางของอิตาลี ตัวแทนของแนวโน้มเหล่านี้แต่ละคนในรูปแบบของตนเอง แต่ภายนอกล้วนยืมเทคนิคของศิลปินชาวอิตาลีซึ่งแตกต่างจากประเพณีการวาดภาพชาวดัตช์อย่างลึกซึ้ง ในช่วงแรกๆ ของการก่อตัวของภาพวาดชาวดัตช์ ครอบคลุมปี 1609-1640 แนวโน้มที่เหมือนจริงปรากฏชัดขึ้นในภาพเหมือนและประเภทในชีวิตประจำวัน

ภูมิทัศน์ของฮอลแลนด์

หลักการของภูมิทัศน์เสมือนจริงของชาวดัตช์ได้ก่อตัวขึ้นในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 17 แทนที่จะใช้ศีลตามเงื่อนไขและธรรมชาติในอุดมคติที่คิดค้นขึ้นในภาพวาดของปรมาจารย์แห่งทิศทางการทำให้เป็นอิตาลี ผู้สร้างภูมิทัศน์ที่เหมือนจริงได้หันมาวาดภาพธรรมชาติที่แท้จริงของฮอลแลนด์ด้วยเนินทราย คลอง บ้านและหมู่บ้าน พวกเขาไม่เพียงแต่จับภาพลักษณะของพื้นที่ด้วยป้ายทั้งหมด สร้างลวดลายทั่วไปของภูมิทัศน์แห่งชาติ แต่ยังพยายามถ่ายทอดบรรยากาศของฤดูกาล อากาศชื้น และพื้นที่ สิ่งนี้มีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาการลงสีวรรณยุกต์ การด้อยกว่าองค์ประกอบทั้งหมดของภาพเป็นโทนสีเดียว
หนึ่งในตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของภูมิทัศน์สมจริงของดัตช์คือ Jan van Goyen (1596-1656) เขาทำงานในไลเดนและกรุงเฮก ลวดลายที่ชื่นชอบของศิลปินแจน ฟาน โกเยนในภูมิประเทศเล็กๆ ของเขา: หุบเขาและผิวน้ำของแม่น้ำกว้างที่มีเมืองและหมู่บ้านริมฝั่งในวันที่มีเมฆมากและมีสีเทา พื้นที่เยอะ (ประมาณสองในสามของภาพ) แจน ฟาน โกเยน ออกจากท้องฟ้าพร้อมกับเมฆหมุนวนที่อิ่มตัวด้วยความชื้น นั่นคือภาพวาด "วิวของแม่น้ำ Vaal ใกล้ Nijmegen" (1649, มอสโก, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐพุชกิน) ที่มีสีน้ำตาลเทาบาง ๆ
ภูมิประเทศชนิดพิเศษที่วาดภาพสัตว์ ทุ่งหญ้ากับวัว แกะ ถูกสร้างขึ้นโดย Paul Potter (1625-1654) เมื่อศึกษานิสัยของสัตว์อย่างสมบูรณ์แล้ว ศิลปินมักจะให้ภาพโคลสอัพแก่พวกเขา เขียนพื้นผิวของวัสดุแต่ละอย่างอย่างระมัดระวัง ขนแกะที่อ่อนนุ่ม และรายละเอียดที่เล็กที่สุด นั่นคือภาพวาด "Bull" (1647, The Hague, Mauritshuis), "Dog on a chain" (St. Petersburg, Hermitage)

ดัตช์ยังคงชีวิต

นอกจากการวาดภาพทิวทัศน์แล้ว ชีวิตยังคงซึ่งโดดเด่นด้วยบุคลิกที่ใกล้ชิด แพร่หลายในฮอลแลนด์ในศตวรรษที่ 17 ศิลปินชาวดัตช์เลือกวัตถุที่หลากหลายสำหรับภาพนิ่งของพวกเขา พวกเขารู้วิธีจัดองค์ประกอบให้สมบูรณ์แบบ เพื่อเผยให้เห็นลักษณะของวัตถุแต่ละชิ้นและชีวิตภายในของมัน ซึ่งเชื่อมโยงกับชีวิตมนุษย์อย่างแยกไม่ออก
จิตรกรชาวดัตช์แห่งศตวรรษที่ 17 Pieter Claesz (ประมาณ 1597 - 1661) และ Willem Heda (1594-1680/1682) ได้วาดภาพ "อาหารเช้า" หลายฉบับซึ่งวาดภาพแฮม, ขนมปังสีแดงก่ำ, แบล็กเบอร์รี่พาย, แก้วน้ำที่เปราะบางซึ่งเต็มไปด้วยไวน์ ด้วยฝีมือการถ่ายทอดสี ปริมาณ เนื้อสัมผัสของแต่ละรายการอย่างชำนาญ การมีอยู่ของมนุษย์เมื่อไม่นานนี้เห็นได้ชัดเจนในความไม่เป็นระเบียบ ซึ่งเป็นการจัดสิ่งต่าง ๆ ที่เพิ่งรับใช้เขาโดยไม่ได้ตั้งใจ แต่ความผิดปกตินี้ปรากฏชัดเท่านั้น เนื่องจากองค์ประกอบของสิ่งมีชีวิตแต่ละชนิดได้รับการพิจารณาและค้นพบอย่างรอบคอบ ช่วงโทนสีเทาอมทองที่สุขุมรอบคอบจะรวมตัวแบบเป็นหนึ่งเดียวและให้สีที่บริสุทธิ์เป็นพิเศษซึ่งเน้นความสดของมะนาวที่เพิ่งตัดใหม่หรือผ้าไหมเนื้อนุ่มของริบบิ้นสีน้ำเงิน
เมื่อเวลาผ่านไป "อาหารเช้า" ของปรมาจารย์ด้านภาพนิ่ง จิตรกร Claes และ Heda หลีกทางให้ "ของหวาน" ของศิลปินชาวดัตช์ Abraham van Beijeren (1620/1621-1690) และ Willem Kalf (1622-1693) ภาพนิ่งของ Beieren นั้นเข้มงวดในการจัดองค์ประกอบ เต็มไปด้วยอารมณ์และมีสีสัน Willem Kalf ตลอดชีวิตของเขาทาสีอย่างอิสระและเป็น "ครัว" ที่เป็นประชาธิปไตย - หม้อผักและสิ่งมีชีวิตชั้นสูงในการเลือกวัตถุล้ำค่าอันวิจิตรงดงามเต็มไปด้วยขุนนางที่ถูก จำกัด เช่นภาชนะเงินแก้วถ้วยเปลือกหอยที่อิ่มตัวด้วยการเผาไหม้ของสีภายใน .
ในการพัฒนาต่อไป ชีวิตยังคงดำเนินไปตามเส้นทางเดียวกับศิลปะดัตช์ทั้งหมด โดยสูญเสียประชาธิปไตย จิตวิญญาณ และบทกวี เสน่ห์ของมัน ภาพนิ่งกลายเป็นของตกแต่งบ้านของลูกค้าระดับสูง ด้วยการตกแต่งและทักษะการประหารชีวิต สิ่งมีชีวิตตอนปลายคาดว่าภาพวาดของชาวดัตช์จะลดลง
ความเสื่อมของสังคม ชนชั้นนายทุนชาวดัตช์ที่รู้จักกันดีในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 17 ก่อให้เกิดแนวโน้มที่จะมาบรรจบกันกับมุมมองด้านสุนทรียะของชนชั้นสูงในฝรั่งเศส นำไปสู่อุดมคติของภาพศิลปะ การปรับแต่งภาพเหล่านั้น ศิลปะกำลังสูญเสียความสัมพันธ์กับประเพณีประชาธิปไตย สูญเสียพื้นฐานความเป็นจริง และเข้าสู่ช่วงตกต่ำเป็นเวลานาน เมื่อทำสงครามกับอังกฤษอย่างเหน็ดเหนื่อย ฮอลแลนด์สูญเสียตำแหน่งในฐานะมหาอำนาจทางการค้าและศูนย์กลางด้านศิลปะที่ใหญ่ที่สุด

ศิลปะฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17

ในศิลปะฝรั่งเศสของศตวรรษที่ 17 ความคิดเกี่ยวกับบุคคลและสถานที่ของเขาในสังคมซึ่งเกิดขึ้นจากช่วงเวลาของการก่อตัวของราชาธิปไตยแบบรวมศูนย์ในยุโรปพบว่าการสะท้อนที่สมบูรณ์ที่สุด ฝรั่งเศสเป็นประเทศคลาสสิกแห่งสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ซึ่งรับประกันการเติบโตของความสัมพันธ์แบบชนชั้นนายทุน ฝรั่งเศสประสบกับความเฟื่องฟูทางเศรษฐกิจและกลายเป็นมหาอำนาจยุโรปที่ทรงอิทธิพล การต่อสู้เพื่อการรวมชาติเพื่อต่อต้านเจตจำนงและอนาธิปไตยของระบบศักดินาช่วยเสริมสร้างวินัยขั้นสูงของจิตใจ ความรับผิดชอบของแต่ละบุคคลสำหรับการกระทำของเขา และความสนใจในปัญหาของรัฐ ปราชญ์ Descartes ได้พัฒนาทฤษฎีของเจตจำนงโดยประกาศการครอบงำจิตใจมนุษย์ เขาเรียกร้องให้รู้จักตนเองและการพิชิตธรรมชาติโดยพิจารณาว่าโลกเป็นกลไกที่จัดอย่างมีเหตุผล ลัทธิเหตุผลนิยมกลายเป็นลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมฝรั่งเศส กลางศตวรรษที่ 17 ภาษาวรรณกรรมประจำชาติได้พัฒนาขึ้น ซึ่งยืนยันหลักการของความชัดเจนเชิงตรรกะ ความถูกต้อง และความรู้สึกของสัดส่วน ในงานของ Corneille และ Racine โศกนาฏกรรมคลาสสิกของฝรั่งเศสมาถึงจุดสูงสุด ในละครของเขา Moliere ได้สร้าง "หนังตลกของมนุษย์" ขึ้นมาใหม่ ฝรั่งเศสกำลังประสบกับความมั่งคั่งของวัฒนธรรมประจำชาติ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่วอลแตร์เรียกศตวรรษที่ 17 ว่า "ยิ่งใหญ่"
วัฒนธรรมฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 เกิดขึ้นภายใต้เงื่อนไขของการสถาปนาระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ อย่างไรก็ตาม ความหลากหลายและความไม่สอดคล้องกันของสิ่งนี้ได้กำหนดการเคลื่อนไหวในวงกว้างสำหรับการรวมชาติ พบการตอบสนองที่ชัดเจนต่อความขัดแย้งทางสังคมที่คมชัดที่มาพร้อมกับการเกิดของสังคมใหม่ ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 รากฐานของรัฐสั่นคลอนจากการลุกฮือของชาวนาและการลุกฮือในเมือง ขบวนการประชาธิปไตยขนาดใหญ่ของรัฐสภาฟรองด์ บนพื้นฐานนี้ ยูโทเปียถือกำเนิดขึ้น ความฝันของสังคมในอุดมคติตามกฎแห่งเหตุผลและความยุติธรรม และการวิพากษ์วิจารณ์การสมบูรณาญาสิทธิราชย์อย่างเสรี พัฒนาการของศิลปะฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 ต้องผ่านสองขั้นตอน ประจวบกับครึ่งแรกและครึ่งหลังของศตวรรษ

ศิลปะของยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 18

ศตวรรษที่สิบแปดในยุโรปตะวันตกเป็นขั้นตอนสุดท้ายของการเปลี่ยนแปลงอันยาวนานจากระบบศักดินาไปสู่ระบบทุนนิยม ในช่วงกลางศตวรรษ กระบวนการสะสมทุนดั้งเดิมได้เสร็จสิ้นลง มีการต่อสู้ดิ้นรนในทุกด้านของจิตสำนึกทางสังคม และสถานการณ์การปฏิวัติกำลังสุกงอม ต่อมานำไปสู่การครอบงำของรูปแบบคลาสสิกของระบบทุนนิยมที่พัฒนาแล้ว ตลอดหนึ่งศตวรรษที่ผ่านมา รากฐานทางสังคมและของรัฐ แนวคิดและเกณฑ์ในการประเมินสังคมเก่าได้แตกสลายไปอย่างมโหฬาร สังคมอารยะได้เกิดขึ้น มีหนังสือพิมพ์ปรากฏขึ้น มีพรรคการเมืองเกิดขึ้น การต่อสู้ดำเนินไปเพื่อการปลดปล่อยมนุษย์จากพันธนาการของโลกทัศน์เกี่ยวกับศักดินาและศาสนา
ในทัศนศิลป์ ความสำคัญของการพรรณนาถึงชีวิตที่เหมือนจริงโดยตรงเพิ่มขึ้น ขอบเขตของศิลปะขยายออกไป มันกลายเป็นโฆษกที่กระตือรือร้นสำหรับแนวคิดการปลดปล่อย เต็มไปด้วยหัวข้อเฉพาะ จิตวิญญาณการต่อสู้ ประณามความชั่วร้ายและความไร้สาระของศักดินาไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสังคมชนชั้นนายทุนที่เกิดขึ้นใหม่ด้วย นอกจากนี้ยังเสนอแนวคิดเชิงบวกใหม่เกี่ยวกับบุคลิกภาพที่ไม่ผูกมัดของบุคคล ปราศจากความคิดแบบลำดับชั้น พัฒนาความสามารถส่วนบุคคล และในขณะเดียวกันก็ให้สัญชาติญาณอันสูงส่ง ศิลปะกลายเป็นของชาติ ไม่เพียงแต่ดึงดูดใจกลุ่มผู้ชื่นชอบการกลั่นกรองเท่านั้น แต่ยังดึงดูดสภาพแวดล้อมที่เป็นประชาธิปไตยในวงกว้างอีกด้วย

วิจิตรศิลป์แห่งศตวรรษที่ 18 ในงานที่ดีที่สุดมีลักษณะเฉพาะโดยการวิเคราะห์ประสบการณ์ที่ดีที่สุดของมนุษย์ การทำซ้ำความแตกต่างของความรู้สึกและอารมณ์ ความสนิทสนมการแต่งบทเพลงของภาพ แต่ยังรวมถึงการสังเกตเชิงวิเคราะห์ (บางครั้งไร้ความปราณี) เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะแห่งศตวรรษที่ 18 ทั้งในประเภทภาพเหมือนและในการวาดภาพในชีวิตประจำวัน คุณลักษณะเหล่านี้ของการรับรู้ทางศิลปะของชีวิตคือการมีส่วนร่วมของศตวรรษที่ 18 ในการพัฒนาวัฒนธรรมศิลปะโลกแม้ว่าจะควรตระหนักว่าสิ่งนี้ประสบความสำเร็จโดยสูญเสียความสมบูรณ์สากลในการพรรณนาถึงชีวิตฝ่ายวิญญาณความสมบูรณ์ใน ศูนย์รวมของมุมมองที่สวยงามของสังคมลักษณะของภาพวาดของ Rubens, Velasquez, Rembrandt, Poussin

แนวโน้มหลักในการพัฒนาสังคมและอุดมการณ์ของยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 18 แสดงออกอย่างไม่เท่าเทียมกันในประเทศต่างๆ หากในอังกฤษการปฏิวัติอุตสาหกรรมที่เกิดขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ได้รวมการประนีประนอมระหว่างชนชั้นนายทุนกับชนชั้นสูงเข้าด้วยกัน ในฝรั่งเศส ขบวนการต่อต้านศักดินามีลักษณะที่ใหญ่โตกว่าและกำลังเตรียมการปฏิวัติของชนชั้นนายทุน วิกฤตของระบบศักดินา อุดมการณ์ การก่อตัวของขบวนการทางสังคมในวงกว้าง - การตรัสรู้ โดยมีลัทธิของธรรมชาติที่ยังมิได้ถูกแตะต้องและจิตใจที่ปกป้องมัน ด้วยการวิพากษ์วิจารณ์อารยธรรมที่เสื่อมทรามสมัยใหม่และความฝันของ ความกลมกลืนของธรรมชาติอันเป็นประโยชน์และอารยธรรมประชาธิปไตยใหม่ที่มุ่งสู่สภาพธรรมชาติ
ศตวรรษที่สิบแปดเป็นยุคแห่งเหตุผล ความสงสัยและการประชดประชันที่ทำลายล้างทั้งหมด อายุของนักปรัชญา นักสังคมวิทยา นักเศรษฐศาสตร์ ได้มีการพัฒนาวิทยาศาสตร์ธรรมชาติ ภูมิศาสตร์ โบราณคดี ประวัติศาสตร์ และปรัชญาวัตถุนิยมอย่างแท้จริง ซึ่งเชื่อมโยงกับเทคโนโลยี การบุกรุกชีวิตจิตของยุคนั้น ความรู้ทางวิทยาศาสตร์ได้สร้างรากฐานสำหรับการสังเกตและวิเคราะห์ความเป็นจริงสำหรับงานศิลปะอย่างถูกต้อง ผู้รู้แจ้งประกาศเป้าหมายของศิลปะเพื่อเลียนแบบธรรมชาติ แต่ได้รับคำสั่งและธรรมชาติที่ดีขึ้น (Didero, A. Pope) เคลียร์จิตใจจากผลกระทบที่เป็นอันตรายของอารยธรรมที่มนุษย์สร้างขึ้นซึ่งสร้างขึ้นโดยระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ความไม่เท่าเทียมกันทางสังคม ความเกียจคร้าน และความฟุ่มเฟือย เหตุผลนิยมของความคิดเชิงปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ของศตวรรษที่ 18 ไม่ได้ระงับความสดและความจริงใจของความรู้สึก แต่ก่อให้เกิดการดิ้นรนเพื่อความได้สัดส่วนความสง่างามและความสมบูรณ์ของปรากฏการณ์ทางศิลปะของศิลปะตั้งแต่สถาปัตยกรรมตระการตาไปจนถึง ศิลปะประยุกต์ ผู้รู้แจ้งให้ความสำคัญอย่างยิ่งในชีวิตและศิลปะกับความรู้สึก - จุดสนใจของแรงบันดาลใจอันสูงส่งที่สุดของมนุษยชาติ ความรู้สึกที่ปรารถนาการกระทำอย่างเด็ดเดี่ยว บรรจุพลังที่ปฏิวัติชีวิต ความรู้สึกที่สามารถฟื้นคุณธรรมดั้งเดิมของ "บุคคลธรรมดา" ( Defoe, Rousseau, Mercier) ปฏิบัติตามกฎธรรมชาติ ธรรมชาติ
คำพังเพยของรุสโซว่า "ผู้ชายยิ่งใหญ่ในความรู้สึกของเขาเท่านั้น" แสดงถึงแง่มุมที่โดดเด่นอย่างหนึ่งของชีวิตทางสังคมของศตวรรษที่ 18 ซึ่งก่อให้เกิดการวิเคราะห์ทางจิตวิทยาในเชิงลึกและประณีตในแนวตั้งและประเภทที่เหมือนจริง บทกวีเป็นร้อยแก้ว" (Rousseau, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson) ถึงการแสดงออกสูงสุดในการเพิ่มขึ้นของดนตรี (Handel, Bach, Gluck, Haydn, Mozart, นักแต่งเพลงโอเปร่าชาวอิตาลี) ในอีกด้านหนึ่ง "คนตัวเล็ก" กลายเป็นวีรบุรุษของงานศิลปะการวาดภาพกราฟิกวรรณกรรมและโรงละครแห่งศตวรรษที่ 18 - ผู้คนเช่นเดียวกับคนอื่น ๆ ที่อยู่ในสภาพปกติของยุคไม่ถูกทำลายโดยความมั่งคั่งและสิทธิพิเศษ เป็นไปตามการเคลื่อนไหวตามธรรมชาติของจิตวิญญาณ พอใจอย่างพอประมาณ ศิลปินและนักเขียนชื่นชมความจริงใจ ความฉับไวที่ไร้เดียงสาของจิตวิญญาณ ใกล้ชิดธรรมชาติ ในทางกลับกัน จุดเน้นอยู่ที่อุดมคติของนักปราชญ์ที่มีอารยะธรรม ที่สร้างขึ้นโดยวัฒนธรรมการตรัสรู้ การวิเคราะห์จิตวิทยาส่วนบุคคลของเขา สภาพจิตใจที่ขัดแย้งและความรู้สึกด้วยความแตกต่างที่ละเอียดอ่อน แรงกระตุ้นที่ไม่คาดคิด และอารมณ์ที่สะท้อนกลับ
การสังเกตแบบเฉียบพลัน วัฒนธรรมทางความคิดและความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะทุกประเภทของศตวรรษที่ 18 ศิลปินพยายามจับภาพสถานการณ์ในชีวิตประจำวันด้วยเฉดสีต่างๆ รูปภาพดั้งเดิมของแต่ละคน เน้นไปที่การเล่าเรื่องที่ให้ความบันเทิงและการแสดงที่มีเสน่ห์ การกระทำที่ขัดแย้งกันอย่างเฉียบขาด การแสดงละครและโครงเรื่องตลก
ปัญหาใหม่ก็ถูกหยิบยกขึ้นมาในสถาปัตยกรรม ความสำคัญของการสร้างโบสถ์ลดลง และบทบาทของสถาปัตยกรรมโยธาก็เพิ่มขึ้น เรียบง่าย สวยงาม ทันสมัย ​​ปราศจากความน่าประทับใจที่มากเกินไป ในบางประเทศ (ฝรั่งเศส รัสเซีย และเยอรมนีบางส่วน) ปัญหาในการวางแผนเมืองแห่งอนาคตได้รับการแก้ไขแล้ว ยูโทเปียทางสถาปัตยกรรมถือกำเนิดขึ้น (ภูมิสถาปัตยกรรมกราฟิก - Giovanni Battista Piranesi และสิ่งที่เรียกว่า "สถาปัตยกรรมกระดาษ") ประเภทของอาคารที่อยู่อาศัยที่เป็นส่วนตัวซึ่งมักจะใกล้ชิดและกลุ่มอาคารสาธารณะในเมืองกลายเป็นลักษณะเฉพาะ ในเวลาเดียวกัน ในงานศิลปะของศตวรรษที่ 18 เมื่อเปรียบเทียบกับยุคก่อน การรับรู้สังเคราะห์และความสมบูรณ์ของชีวิตลดลง ความเชื่อมโยงในอดีตของภาพวาดและประติมากรรมขนาดใหญ่กับสถาปัตยกรรมถูกทำลายลง ลักษณะของภาพวาดขาตั้งและการตกแต่งได้ทวีความรุนแรงขึ้น หัวข้อของลัทธิพิเศษคือศิลปะในชีวิตประจำวันรูปแบบการตกแต่ง ในเวลาเดียวกัน ปฏิสัมพันธ์และการเพิ่มคุณค่าซึ่งกันและกันของงานศิลปะประเภทต่าง ๆ เพิ่มขึ้น ความสำเร็จที่ได้รับจากศิลปะประเภทหนึ่งก็ถูกใช้อย่างอิสระมากขึ้นโดยผู้อื่น ดังนั้นอิทธิพลของโรงละครที่มีต่อการวาดภาพและดนตรีจึงมีผลอย่างมาก
ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 18 ต้องผ่านสองขั้นตอน ครั้งแรกกินเวลาจนถึงปี ค.ศ. 1740-1760 โดดเด่นด้วยการปรับเปลี่ยนรูปแบบบาโรกตอนปลายให้เป็นสไตล์โรโกโกตกแต่ง ความคิดริเริ่มของศิลปะในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 - เป็นการผสมผสานระหว่างความสงสัยและความซับซ้อนที่เย้ยหยันและเยาะเย้ย ในอีกด้านหนึ่ง ศิลปะนี้ได้รับการขัดเกลา วิเคราะห์ความแตกต่างของความรู้สึกและอารมณ์ มุ่งมั่นเพื่อความสนิทสนมที่สง่างาม บทกวีที่ถูกจำกัด ในทางกลับกัน มุ่งสู่ "ปรัชญาแห่งความสุข" ไปสู่ภาพที่สวยงามของตะวันออก - อาหรับ จีน, เปอร์เซีย. ควบคู่ไปกับ Rococo แนวโน้มที่สมจริงได้รับการพัฒนา - สำหรับผู้เชี่ยวชาญบางคนได้รับลักษณะที่กล่าวโทษอย่างรุนแรง (Hogarth, Swift) การต่อสู้ของกระแสศิลปะภายในโรงเรียนแห่งชาติได้ปรากฏอย่างเปิดเผย ขั้นตอนที่สองเกี่ยวข้องกับความขัดแย้งทางอุดมการณ์ที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น การเติบโตของความประหม่า กิจกรรมทางการเมืองของชนชั้นนายทุนและมวลชน ในช่วงเปลี่ยนของ 1760-1770 Royal Academy ในฝรั่งเศสต่อต้านศิลปะโรโกโกและพยายามรื้อฟื้นรูปแบบงานศิลปะเชิงพิธีการอันเป็นอุดมคติในอุดมคติของศิลปะทางวิชาการในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 ประเภทที่กล้าหาญและในตำนานได้เปิดทางให้กับประเภทประวัติศาสตร์ด้วยแผนการที่ยืมมาจากประวัติศาสตร์โรมัน พวกเขาตั้งใจที่จะเน้นย้ำถึงความยิ่งใหญ่ของสถาบันพระมหากษัตริย์ซึ่งสูญเสียอำนาจตามการตีความเชิงปฏิกิริยาของแนวคิดเรื่อง "สมบูรณาญาสิทธิราชย์ที่รู้แจ้ง" ตัวแทนของความคิดขั้นสูงหันไปหามรดกแห่งสมัยโบราณ ในฝรั่งเศส Comte de Caylus ได้เปิดยุคการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ในพื้นที่นี้ ("Collection of Antiquities", 7 เล่ม, 1752-1767) ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 นักโบราณคดีและนักประวัติศาสตร์ศิลป์ชาวเยอรมัน Winckelmann (History of the Art of Antiquity, 1764) ได้เรียกร้องให้ศิลปินหวนคืนสู่ "ความเรียบง่ายอันสูงส่งและความสง่างามอันเงียบสงบของศิลปะโบราณซึ่งสะท้อนถึงเสรีภาพของชาวกรีกและโรมัน แห่งยุคสาธารณรัฐ” นักปรัชญาชาวฝรั่งเศส Diderot พบแผนการในประวัติศาสตร์สมัยโบราณที่ประณามทรราชและเรียกร้องให้มีการจลาจลต่อต้านพวกเขา ความคลาสสิคเกิดขึ้นโดยตัดทอนการตกแต่งของโรโกโกด้วยความเรียบง่ายตามธรรมชาติความเห็นแก่ตัวตามอำเภอใจ - ความรู้เกี่ยวกับกฎแห่งโลกแห่งความเป็นจริงความรู้สึกของสัดส่วนความสูงส่งของความคิดและการกระทำ ศิลปินได้ศึกษาศิลปะกรีกโบราณเป็นครั้งแรกที่อนุสรณ์สถานที่เพิ่งค้นพบใหม่ การประกาศสังคมอุดมคติและความสามัคคี ความเป็นอันดับหนึ่งของหน้าที่เหนือความรู้สึก ความน่าสมเพชของเหตุผลเป็นลักษณะทั่วไปของลัทธิคลาสสิกในศตวรรษที่ 17 และ 18 อย่างไรก็ตาม ความคลาสสิกของศตวรรษที่ 17 ซึ่งเกิดขึ้นบนพื้นฐานของการรวมชาติ พัฒนาในสภาพความเจริญรุ่งเรืองของสังคมชั้นสูง ความคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 มีลักษณะเป็นแนวปฏิวัติต่อต้านศักดินา มีวัตถุประสงค์เพื่อรวมพลังที่ก้าวหน้าของประเทศเพื่อต่อสู้กับสมบูรณาญาสิทธิราชย์ นอกประเทศฝรั่งเศส ความคลาสสิกไม่ได้มีลักษณะการปฏิวัติเหมือนในช่วงปีแรกๆ ของการปฏิวัติฝรั่งเศส
ควบคู่ไปกับความคลาสสิคซึ่งได้รับอิทธิพลจากแนวโน้มที่สมจริงยังคงมีอยู่ แนวโน้มน้าวเหตุผลนิยมถูกร่างไว้: ศิลปินพยายามที่จะสรุปปรากฏการณ์ชีวิต
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 อารมณ์อ่อนไหวถือกำเนิดขึ้นด้วยลัทธิแห่งความรู้สึกและความหลงใหล ความชื่นชมในทุกสิ่งที่เรียบง่าย ไร้เดียงสา จริงใจ แนวโน้มศิลปะก่อนโรแมนติกที่เกี่ยวข้องเกิดขึ้น และความสนใจในยุคกลางและรูปแบบศิลปะพื้นบ้านเกิดขึ้น ตัวแทนของกระแสเหล่านี้ยืนยันคุณค่าของความรู้สึกที่สูงส่งและกระตือรือร้นของบุคคลเปิดเผยละครของความขัดแย้งของเขากับสิ่งแวดล้อมกระตุ้นให้เขาเข้าไปยุ่งในกิจการสาธารณะที่แท้จริงในนามของชัยชนะของความยุติธรรม พวกเขาปูทาง "ไปสู่ความรู้เกี่ยวกับหัวใจมนุษย์และศิลปะมหัศจรรย์ในการนำเสนอต่อตาถึงที่มา การพัฒนา และการล่มสลายของความหลงใหลอันยิ่งใหญ่" (Lessing) และแสดงความต้องการที่เพิ่มขึ้นสำหรับศิลปะที่ปั่นป่วนและน่าสมเพช

ศิลปะศตวรรษที่ 19

ในช่วงศตวรรษที่ 19 ระบบทุนนิยมกลายเป็นรูปแบบที่โดดเด่นไม่เพียงแต่ในยุโรปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในทวีปอื่นๆ ด้วย ในช่วงเวลานี้เองที่การต่อสู้ระหว่างสองวัฒนธรรมรุนแรงขึ้นอย่างรวดเร็ว - ประชาธิปไตยแบบก้าวหน้าและชนชั้นนายทุนปฏิกิริยา การแสดงความคิดขั้นสูงของเวลาศิลปะที่เหมือนจริงของศตวรรษที่ 19 ยืนยันคุณค่าความงามของความเป็นจริงยกย่องความงามของธรรมชาติที่แท้จริงและคนทำงาน ความสมจริงของศตวรรษที่ 19 แตกต่างจากศตวรรษก่อนหน้าตรงที่สะท้อนให้เห็นความขัดแย้งหลักของยุคนั้นโดยตรงในงานศิลปะ สภาพสังคมของชีวิตผู้คน ตำแหน่งที่สำคัญกำหนดพื้นฐานของวิธีการศิลปะที่เหมือนจริงในศตวรรษที่ 19 การกลับชาติมาเกิดที่สม่ำเสมอที่สุดของเขาคือศิลปะของสัจนิยมเชิงวิพากษ์ ซึ่งเป็นผลงานที่มีค่าที่สุดต่อวัฒนธรรมศิลปะแห่งยุคนั้น
วัฒนธรรมด้านต่าง ๆ ของศตวรรษที่ 19 พัฒนาอย่างไม่เท่าเทียมกัน วรรณกรรมโลก (Victor Hugo, Honore Balzac, Henri Stendhal, Fyodor Dostoevsky, Leo Tolstoy), ดนตรี (Johann Beethoven, Frederic Chopin, Richard Wagner) ถึงความสูงสูงสุด ในด้านสถาปัตยกรรมและศิลปะประยุกต์ ภายหลังการเพิ่มขึ้นที่กำหนดสไตล์เอ็มไพร์ ศิลปะทั้งสองนี้อยู่ในภาวะวิกฤต มีการสลายตัวของรูปแบบอนุสาวรีย์ ความสามัคคีโวหารเป็นระบบศิลปะที่สมบูรณ์ ครอบคลุมศิลปะทุกประเภท รูปขาตั้งของภาพวาด ภาพกราฟิก และประติมากรรมบางส่วน ซึ่งมุ่งสู่รูปแบบที่ยิ่งใหญ่ในลักษณะที่ดีที่สุด ได้รับการพัฒนาอย่างสมบูรณ์ที่สุด

ด้วยเอกลักษณ์ประจำชาติในศิลปะของประเทศทุนนิยม ลักษณะทั่วไปจึงได้รับการปรับปรุง: การประเมินที่สำคัญของปรากฏการณ์แห่งชีวิต ประวัติศาสตร์แห่งการคิด นั่นคือ ความเข้าใจอย่างลึกซึ้งถึงพลังขับเคลื่อนของการพัฒนาสังคม ทั้งระยะประวัติศาสตร์ที่ผ่านมาและ ปัจจุบัน. หนึ่งในความสำเร็จที่สำคัญของศิลปะแห่งศตวรรษที่ 19 คือการพัฒนารูปแบบประวัติศาสตร์ซึ่งเป็นครั้งแรกที่บทบาทของวีรบุรุษแต่ละคนไม่เพียง แต่ยังเปิดเผยมวลชนสภาพแวดล้อมทางประวัติศาสตร์ถูกสร้างขึ้นใหม่โดยเฉพาะมากขึ้น . ภาพเหมือนทุกประเภท ประเภทในชีวิตประจำวัน ภูมิประเทศที่มีลักษณะเด่นประจำชาติถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย ความมั่งคั่งกำลังประสบกับกราฟิกเสียดสี
ด้วยชัยชนะของระบบทุนนิยม ชนชั้นนายทุนขนาดใหญ่จึงกลายเป็นกำลังหลักในการจำกัดและปราบปรามแนวโน้มทางศิลปะที่เป็นจริงและเป็นประชาธิปไตย การสร้างบุคคลสำคัญของวัฒนธรรมยุโรป Constable, Goya, Gericault, Delacroix, Daumier, Courbet, Manet มักถูกข่มเหง นิทรรศการเต็มไปด้วยผลงานขัดเกลาของศิลปินที่เรียกว่าซาลอนซึ่งก็คือผู้ที่ครอบครองสถานที่ที่โดดเด่นในร้านศิลปะ เพื่อเอาใจรสนิยมและความต้องการของลูกค้าชนชั้นนายทุน พวกเขาได้ปลูกฝังคำบรรยายผิวเผิน แรงจูงใจที่เร้าอารมณ์และสนุกสนาน จิตวิญญาณของการขอโทษต่อรากฐานของชนชั้นนายทุนและการทหาร
ในช่วงต้นทศวรรษ 1860 คาร์ล มาร์กซ์ตั้งข้อสังเกตว่า "การผลิตทุนนิยมเป็นปฏิปักษ์ต่อการผลิตทางจิตวิญญาณบางสาขา เช่น ศิลปะและกวีนิพนธ์" ศิลปะเป็นที่สนใจของชนชั้นนายทุนส่วนใหญ่ไม่ว่าจะเป็นการลงทุนที่ให้ผลกำไร (สะสม) หรือเป็นสินค้าฟุ่มเฟือย แน่นอนว่ามีนักสะสมที่มีความเข้าใจในศิลปะและจุดประสงค์ที่แท้จริง แต่มีเพียงไม่กี่คนเท่านั้น ข้อยกเว้นสำหรับกฎเกณฑ์ โดยทั่วไป ชนชั้นนายทุนทำหน้าที่เป็นผู้นำเทรนด์และเป็นผู้บริโภคงานศิลปะเป็นหลัก ชนชั้นนายทุนจำกัดความเข้าใจศิลปะเกี่ยวกับศิลปินอย่างจำกัด การพัฒนาการผลิตจำนวนมากโดยมีลักษณะเฉพาะและการพึ่งพาตลาดทำให้เกิดการปราบปรามความคิดสร้างสรรค์ การแบ่งแยกแรงงานในการผลิตทุนนิยมปลูกฝังการพัฒนาด้านเดียวของแต่ละบุคคลและทำให้แรงงานขาดคุณธรรมเชิงสร้างสรรค์ มาร์กซ์และเองเงิลส์ไม่ได้คำนึงถึงความเป็นปรปักษ์ของทุนนิยมต่อศิลปะในสมัยนั้นถึงความเป็นไปไม่ได้ทั่วไปของความก้าวหน้าทางศิลปะในศตวรรษที่ 19 และ 20 ผู้ก่อตั้งลัทธิคอมมิวนิสต์ทางวิทยาศาสตร์ยกย่องในงานเขียนของพวกเขา ตัวอย่างเช่น ความสมจริงเชิงวิพากษ์ของศตวรรษที่ 19
แนวศิลปะประชาธิปไตยเผยให้เห็นบทบาทของประชาชนในฐานะแรงผลักดันของประวัติศาสตร์และยืนยันคุณค่าความงามของวัฒนธรรมประชาธิปไตยของชาติต้องผ่านการพัฒนาหลายขั้นตอน ในระยะแรก ตั้งแต่การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ในปี ค.ศ. 1789-1794 ถึง ค.ศ. 1815 (ช่วงเวลาของการต่อสู้เพื่ออิสรภาพของประชาชนในการต่อต้านการรุกรานของนโปเลียน) แก่นแท้ของการเอารัดเอาเปรียบของสังคมชนชั้นนายทุนยังไม่เป็นที่ตระหนักอย่างเต็มที่ ศิลปะประชาธิปไตยเกิดขึ้นจากการต่อสู้กับเศษวัฒนธรรมศิลปะของชนชั้นสูงที่หลงเหลืออยู่ เช่นเดียวกับการต่อต้านการแสดงออกของข้อจำกัดทางอุดมการณ์ของชนชั้นนายทุน ความสำเร็จสูงสุดของศิลปะในขณะนั้นเกี่ยวข้องกับการปฏิวัติที่น่าสมเพชของมวลชน ซึ่งเชื่อในชัยชนะของอุดมคติแห่งเสรีภาพ ความเสมอภาค และภราดรภาพ นี่คือยุครุ่งเรืองของการปฏิวัติแบบคลาสสิกและการกำเนิดของศิลปะที่โรแมนติกและสมจริง
ขั้นตอนที่สองระหว่างปี พ.ศ. 2358 ถึง พ.ศ. 2392 เป็นช่วงเวลาที่ก่อตั้งระบบทุนนิยมในประเทศยุโรปส่วนใหญ่ ในศิลปะประชาธิปไตยขั้นสูงของขั้นตอนนี้ การเปลี่ยนแปลงกำลังเกิดขึ้นจากการวิพากษ์วิจารณ์ที่แน่วแน่ของแก่นแท้ของการเอารัดเอาเปรียบของสังคมชนชั้นนายทุน นี่คือช่วงเวลาแห่งการออกดอกสูงสุดของลัทธิยวนใจแบบปฏิวัติและการก่อตัวของศิลปะของสัจนิยมเชิงวิพากษ์
ด้วยความขัดแย้งทางชนชั้นที่รุนแรงขึ้นระหว่างชนชั้นนายทุนกับชนชั้นกรรมาชีพ ถึงจุดไคลแม็กซ์ระหว่างประชาคมปารีส (พ.ศ. 2414) ความเป็นปรปักษ์ระหว่างชนชั้นนายทุนปฏิกิริยากับวัฒนธรรมประชาธิปไตยยิ่งเด่นชัดมากขึ้นไปอีก ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 การวิพากษ์วิจารณ์วิถีชีวิตแบบทุนนิยมทั้งในวรรณคดีและงานวิจิตรศิลป์ได้ถือกำเนิดขึ้นจากมุมมองของการมองโลกทัศน์ที่เพิ่มขึ้นของชนชั้นกรรมาชีพปฏิวัติ

ข้อมูลที่คล้ายกัน

ศิลปินชาวดัตช์มีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อผลงานของปรมาจารย์ที่เริ่มทำงานในศตวรรษที่ 17 และไม่เคยหยุดนิ่งมาจนถึงตอนนี้ อย่างไรก็ตาม พวกเขามีอิทธิพลไม่เพียงแต่กับเพื่อนร่วมงาน แต่ยังรวมถึงมืออาชีพด้านวรรณกรรม (Valentin Proust, Donna Tartt) และการถ่ายภาพ (Ellen Cooy, Bill Gekas และคนอื่นๆ)

จุดเริ่มต้นของการพัฒนา

ในปี ค.ศ. 1648 ฮอลแลนด์ได้รับเอกราช แต่สำหรับการก่อตัวของรัฐใหม่ เนเธอร์แลนด์ต้องทนต่อการแก้แค้นจากสเปน ซึ่งทำลายผู้คนประมาณ 10,000 คนในเมืองเฟลมิชแห่งแอนต์เวิร์ปในขณะนั้น อันเป็นผลมาจากการสังหารหมู่ ชาวแฟลนเดอร์สอพยพออกจากดินแดนที่ควบคุมโดยทางการสเปน

จากสิ่งนี้ คงจะสมเหตุสมผลที่จะยอมรับว่าแรงผลักดันสำหรับศิลปินอิสระชาวดัตช์นั้นมาจากความคิดสร้างสรรค์ของเฟลมิชอย่างแม่นยำ

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 มีทั้งสาขาของรัฐและศิลปะซึ่งนำไปสู่การก่อตั้งโรงเรียนศิลปะสองแห่งโดยคั่นด้วยสัญชาติ พวกเขามีต้นกำเนิดร่วมกัน แต่ในสัญญาณพวกเขาแตกต่างกันมากทีเดียว ในขณะที่แฟลนเดอร์สยังคงอยู่ภายใต้ปีกของนิกายโรมันคาทอลิก ฮอลแลนด์ก็ประสบกับผลิดอกใหม่ทั้งหมดตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 เป็นต้นไป

วัฒนธรรมดัตช์

ในศตวรรษที่ 17 รัฐใหม่เริ่มดำเนินการบนเส้นทางของการพัฒนาเท่านั้น โดยทำลายการเชื่อมโยงกับศิลปะแห่งยุคที่ล่วงเลยไปอย่างสิ้นเชิง

การต่อสู้กับสเปนค่อยๆ ลดลง อารมณ์ของชาติเริ่มถูกติดตามในแวดวงที่ได้รับความนิยมเมื่อออกจากศาสนาคาทอลิกที่ทางการกำหนดไว้ก่อนหน้านี้

การปกครองแบบโปรเตสแตนต์มีมุมมองที่ขัดแย้งกันในเรื่องการตกแต่ง ซึ่งนำไปสู่การลดงานในวิชาศาสนา และต่อมาก็เล่นโดยฝีมือของศิลปะฆราวาสเท่านั้น

ไม่เคยมีการแสดงความเป็นจริงโดยรอบในภาพมาก่อน ในผลงานของพวกเขา ศิลปินชาวดัตช์ต้องการแสดงชีวิตประจำวันที่ธรรมดาๆ โดยไม่มีการตกแต่ง รสนิยมที่ประณีต และความมีเกียรติ

การระเบิดทางศิลปะแบบฆราวาสก่อให้เกิดกระแสนิยมมากมาย เช่น ภูมิทัศน์ ภาพบุคคล ประเภทในชีวิตประจำวัน และภาพชีวิต (ซึ่งแม้แต่ศูนย์กลางที่พัฒนาแล้วที่สุดของอิตาลีและฝรั่งเศสก็ไม่ทราบ)

วิสัยทัศน์เกี่ยวกับความสมจริงของศิลปินชาวดัตช์ ซึ่งแสดงออกมาในรูปคน ทิวทัศน์ งานภายใน และภาพวาดภาพนิ่ง ก่อให้เกิดความสนใจจากทุกภาคส่วนของสังคมในทักษะนี้

ดังนั้นศิลปะดัตช์ของศตวรรษที่ 17 จึงถูกเรียกว่า "ยุคทองของจิตรกรรมดัตช์" เพื่อรักษาสถานะเป็นยุคที่โดดเด่นที่สุดในภาพวาดของเนเธอร์แลนด์

สิ่งสำคัญคือต้องรู้: มีความคิดเห็นที่ผิดพลาดว่าโรงเรียนดัตช์บรรยายถึงความธรรมดาของการดำรงอยู่ของมนุษย์เท่านั้น แต่ผู้เชี่ยวชาญในสมัยนั้นได้ทำลายกรอบการทำงานอย่างโจ่งแจ้งด้วยความช่วยเหลือจากผลงานที่ยอดเยี่ยมของพวกเขา (เช่น "ภูมิทัศน์กับ John the Baptist " โดย Bloomart)

ศิลปินชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 แรมแบรนดท์

Rembrandt Harmensz van Rijn ถือเป็นหนึ่งในบุคคลที่มีผลงานศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในฮอลแลนด์ นอกจากกิจกรรมของศิลปินแล้ว เขายังมีส่วนร่วมในการแกะสลักและได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้เชี่ยวชาญของ chiaroscuro

มรดกของเขาอุดมไปด้วยความหลากหลายส่วนบุคคล: ภาพบุคคล ฉากประเภท สิ่งมีชีวิต ทิวทัศน์ ตลอดจนภาพวาดเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ ศาสนา และตำนาน

ความสามารถของเขาในการควบคุม chiaroscuro ทำให้สามารถเพิ่มการแสดงออกทางอารมณ์และจิตวิญญาณของบุคคลได้

ในขณะที่ทำงานเกี่ยวกับการถ่ายภาพบุคคล เขาทำงานเกี่ยวกับการแสดงออกทางสีหน้าของมนุษย์

ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับเหตุการณ์โศกนาฏกรรมที่ทำให้เสียใจ ผลงานของเขาในเวลาต่อมาเต็มไปด้วยแสงสลัวที่เผยให้เห็นความรู้สึกลึกๆ ของผู้คน อันเป็นผลมาจากผลงานที่ยอดเยี่ยมกลายเป็นไม่มีใครสนใจ

ในขณะนั้น ความงามภายนอกอยู่ในแฟชั่นโดยไม่ต้องพยายามเจาะลึก เช่นเดียวกับธรรมชาตินิยม ซึ่งขัดแย้งกับความสมจริงโดยสิ้นเชิง

ผู้รักศิลปะชาวรัสเซียทุกคนสามารถเห็นภาพวาด "The Return of the Prodigal Son" ด้วยตาของเขาเอง เนื่องจากงานนี้อยู่ในอาศรมในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Frans Hals

Frans Hals เป็นศิลปินชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่และเป็นจิตรกรวาดภาพคนสำคัญที่ช่วยแนะนำประเภทของการเขียนอิสระในงานศิลปะรัสเซีย

ผลงานที่ทำให้เขาโด่งดังคือภาพเขียนชื่อ "งานเลี้ยงของเจ้าหน้าที่ของบริษัทปืนไรเฟิลแห่งเซนต์จอร์จ" ซึ่งเขียนขึ้นในปี ค.ศ. 1616

ภาพเหมือนของเขาในเวลานั้นเป็นธรรมชาติเกินไป ซึ่งไม่เป็นไปตามยุคปัจจุบัน เนื่องจากความจริงที่ว่าศิลปินยังคงเข้าใจผิดอยู่เขาจึงจบชีวิตด้วยความยากจนเช่นเดียวกับแรมแบรนดท์ The Gypsy Woman (1625-1630) เป็นหนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา

แจน สตีน

Jan Steen เป็นหนึ่งในศิลปินชาวดัตช์ที่มีไหวพริบและเฮฮาที่สุดตั้งแต่แรกเห็น เยาะเย้ยความชั่วร้ายทางสังคม เขาชอบใช้ทักษะเสียดสีสังคม เขาสร้างความบันเทิงให้ผู้ชมด้วยภาพตลกที่ไม่เป็นอันตรายของนักเลงและสตรีที่มีคุณธรรมง่าย ๆ เตือนให้ระวังวิถีชีวิตเช่นนี้

ศิลปินยังมีภาพวาดที่สงบกว่าเช่นงาน "Morning Toilet" ซึ่งในแวบแรกดูเหมือนจะเป็นการกระทำที่ไร้เดียงสาอย่างแน่นอน แต่ถ้าคุณดูรายละเอียดอย่างใกล้ชิด คุณอาจประหลาดใจมากกับการเปิดเผยของพวกเขา: นี่คือร่องรอยของถุงน่องที่บีบขาของคุณก่อนหน้านี้และหม้อที่เต็มไปด้วยสิ่งที่ไม่เหมาะสมในเวลากลางคืนเช่นเดียวกับสุนัขที่ช่วยให้ตัวเองถูกต้อง บนหมอนของปฏิคม

ในผลงานที่ดีที่สุดของเขา ศิลปินนำหน้าเพื่อนร่วมงานของเขาด้วยการผสมผสานจานสีและความเชี่ยวชาญด้านเงาอย่างมีความชำนาญ

ศิลปินชาวดัตช์คนอื่นๆ

ในบทความนี้ มีเพียงสามคนที่สดใสจากหลายสิบคนเท่านั้นที่ถูกเสนอชื่อ ซึ่งคู่ควรที่จะยืนเคียงข้างพวกเขาในรายการเดียวกัน:

ดังนั้น ในบทความนี้ คุณจะได้รู้จักกับศิลปินชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 และผลงานของพวกเขา