ยุคแห่งการตรัสรู้ ศตวรรษที่ 18 ในประวัติศาสตร์ไม่ได้ถูกเรียกโดยบังเอิญว่า Age of Enlightenment: ความรู้ทางวิทยาศาสตร์ซึ่งก่อนหน้านี้เคยเป็นสมบัติของนักวิทยาศาสตร์วงแคบ ได้ก้าวข้ามมหาวิทยาลัยและห้องทดลองไปยังห้องโถงฆราวาสในปารีสและลอนดอน ศตวรรษที่ 18 ในประวัติศาสตร์ไม่ได้ถูกเรียกโดยบังเอิญว่า Age of Enlightenment: ความรู้ทางวิทยาศาสตร์ ซึ่งก่อนหน้านี้เคยเป็นสมบัติของนักวิทยาศาสตร์วงแคบ ไปไกลกว่ามหาวิทยาลัยและห้องทดลอง ไปจนถึงร้านทำผมฆราวาสในปารีสและลอนดอน
Johann Sebastian Bach Johann Sebastian Bach เกิดเมื่อวันที่ 21 มีนาคม ค.ศ. 1685 ในเมือง Eisenach เมืองเล็กๆ ของทูรินเจียนในเยอรมนี ที่ซึ่ง Johann Ambrosius พ่อของเขาทำหน้าที่เป็นนักดนตรีประจำเมือง และลุงของเขา Johann Christoph เป็นนักเล่นออร์แกน วัยเด็กที่มีความสุขจบลงด้วยวัยเพียง 9 ขวบ เมื่อเขาสูญเสียแม่ และอีกหนึ่งปีต่อมา พ่อของเขา เด็กกำพร้าถูกเลี้ยงดูมาในบ้านเล็กๆ ของเขาโดยพี่ชาย ซึ่งเป็นนักเล่นออร์แกนในโอห์ดรูฟที่อยู่ใกล้เคียง ที่นั่น เด็กชายไปโรงเรียนอีกครั้งและเรียนดนตรีต่อกับพี่ชายของเขา Johann Sebastian ใช้เวลา 5 ปีใน Ohrdruf Johann Sebastian Bach เกิดเมื่อวันที่ 21 มีนาคม ค.ศ. 1685 ในเมือง Eisenach เมืองเล็กๆ ของทูรินเจียนในเยอรมนี ที่ซึ่งพ่อของเขา Johann Ambrosius ทำหน้าที่เป็นนักดนตรีประจำเมือง และลุงของเขา Johann Christoph เป็นนักเล่นออร์แกน วัยเด็กที่มีความสุขจบลงด้วยวัยเพียง 9 ขวบ เมื่อเขาสูญเสียแม่ และอีกหนึ่งปีต่อมา พ่อของเขา เด็กกำพร้าถูกเลี้ยงดูมาในบ้านเล็กๆ ของเขาโดยพี่ชาย ซึ่งเป็นนักเล่นออร์แกนในโอห์ดรูฟที่อยู่ใกล้เคียง ที่นั่น เด็กชายไปโรงเรียนอีกครั้งและเรียนดนตรีต่อกับพี่ชายของเขา Johann Sebastian ใช้เวลา 5 ปีใน Ohrdruf
Johann Sebastian Bach ในปี ค.ศ. 1702 เมื่ออายุได้ 17 ปี บาคกลับมายังทูรินเจีย และหลังจากรับหน้าที่เป็น "มือเท้าและนักไวโอลิน" ที่ศาลไวมาร์ได้ช่วงสั้นๆ เขาก็ได้รับตำแหน่งเป็นออร์แกนของคริสตจักรใหม่ในเมืองอาร์นสตัดท์ เมืองที่บาครับใช้ ทั้งก่อนและหลังเขา ต้องขอบคุณการทดสอบที่ผ่านการทดสอบอย่างยอดเยี่ยม เขาได้รับเงินเดือนทันทีที่เกินกว่าที่จ่ายให้ญาติของเขาในทันที ในปี ค.ศ. 1702 เมื่ออายุได้ 17 ปี บาคกลับมายังทูรินเจียและหลังจากทำหน้าที่เป็น "มือเท้าและนักไวโอลิน" ที่ศาลไวมาร์ได้ช่วงสั้นๆ เขาก็ได้รับตำแหน่งเป็นนักเล่นออร์แกนของโบสถ์นอยส์ในอาร์นสตัดท์ เมืองที่บาคเคยรับใช้ทั้งมาก่อนและ หลังจากเขา จนกระทั่งขอบคุณที่ผ่านการทดสอบอย่างยอดเยี่ยม เขาได้รับเงินเดือนที่เกินกว่าที่จ่ายให้ญาติของเขาในทันที
Johann Sebastian Bach เขาอยู่ที่ Arnstadt จนถึงปี 1707 ออกจากเมืองในปี 1705 เพื่อไปชม "คอนเสิร์ตยามเย็น" ที่มีชื่อเสียงซึ่งจัดขึ้นที่ Lübeck ทางตอนเหนือของประเทศ โดยนักเล่นออร์แกนและนักประพันธ์เพลง Dietrich Buxtehude แน่นอน ลือเบคน่าสนใจมากจนบาคใช้เวลาสี่เดือนที่นั่น แทนที่จะเป็นสี่สัปดาห์ที่เขาขอไปพักร้อน ปัญหาที่ตามมาในการรับใช้ตลอดจนความไม่พอใจกับคณะนักร้องประสานเสียงโบสถ์ Arnstadt ที่อ่อนแอและไม่ได้รับการฝึกฝนซึ่งเขาจำเป็นต้องเป็นผู้นำทำให้ Bach ต้องหาที่ใหม่ เขายังคงอยู่ใน Arnstadt จนถึงปี 1707 ออกจากเมืองในปี 1705 เพื่อเข้าร่วม "คอนเสิร์ตยามเย็น" ที่มีชื่อเสียงซึ่งจัดขึ้นที่ Lübeck ทางตอนเหนือของประเทศ โดยนักเล่นออร์แกนและนักประพันธ์เพลง Dietrich Buxtehude แน่นอน ลือเบคน่าสนใจมากจนบาคใช้เวลาสี่เดือนที่นั่น แทนที่จะเป็นสี่สัปดาห์ที่เขาขอไปพักร้อน ปัญหาที่ตามมาในการรับใช้ตลอดจนความไม่พอใจกับคณะนักร้องประสานเสียงโบสถ์ Arnstadt ที่อ่อนแอและไม่ได้รับการฝึกฝนซึ่งเขาจำเป็นต้องเป็นผู้นำทำให้ Bach ต้องหาที่ใหม่
Johann Sebastian Bach 1723 อาศัยอยู่กับครอบครัวของเขาในไลพ์ซิก ที่นี่เขาสร้างสรรค์ผลงานที่ดีที่สุดของเขา เขาอาศัยอยู่กับครอบครัวของเขาในไลพ์ซิก ที่นี่เขาสร้างผลงานที่ดีที่สุดของเขา การพัฒนาทางศิลปะของเขาได้รับอิทธิพลจากความคุ้นเคยของเขากับผลงานของปรมาจารย์ชาวอิตาลีที่โดดเด่น โดยเฉพาะ Antonio Vivaldi ซึ่งบรรเลงคอนแชร์โตที่ Bach ได้แปลสำหรับเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด งานดังกล่าวช่วยให้เขาเชี่ยวชาญด้านศิลปะของท่วงทำนองที่แสดงออก ปรับปรุงการเขียนฮาร์โมนิก และพัฒนาความรู้สึกของรูปแบบ . การพัฒนาทางศิลปะของเขาได้รับอิทธิพลจากความคุ้นเคยของเขากับผลงานของปรมาจารย์ชาวอิตาลีที่โดดเด่น โดยเฉพาะ Antonio Vivaldi ซึ่งบรรเลงคอนแชร์โตที่ Bach ได้แปลสำหรับเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด งานดังกล่าวช่วยให้เขาเชี่ยวชาญด้านศิลปะของท่วงทำนองที่แสดงออก ปรับปรุงการเขียนฮาร์โมนิก และพัฒนาความรู้สึกของรูปแบบ .
โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย เขามีหูและความทรงจำทางดนตรีที่ยอดเยี่ยม เขาแสดงเป็นนักเปียโนอัจฉริยะ, นักไวโอลิน, นักออร์แกน, ผู้ควบคุมวง, ด้นสดเก่ง การเรียนดนตรีเริ่มขึ้นภายใต้การแนะนำของแอล. โมสาร์ท บิดาของเขา การประพันธ์เพลงแรกปรากฏใน ตั้งแต่อายุ 5 ขวบ เขาออกทัวร์อย่างมีชัยในเยอรมนี ออสเตรีย ฝรั่งเศส บริเตนใหญ่ สวิตเซอร์แลนด์ อิตาลี ในปี ค.ศ. 1765 ซิมโฟนีแรกของเขาได้แสดงที่ลอนดอน นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย เขามีหูและความทรงจำทางดนตรีที่ยอดเยี่ยม เขาแสดงเป็นนักเปียโนอัจฉริยะ, นักไวโอลิน, นักออร์แกน, ผู้ควบคุมวง, ด้นสดเก่ง การเรียนดนตรีเริ่มขึ้นภายใต้การแนะนำของแอล. โมสาร์ท บิดาของเขา การประพันธ์เพลงแรกปรากฏใน ตั้งแต่อายุ 5 ขวบ เขาออกทัวร์อย่างมีชัยในเยอรมนี ออสเตรีย ฝรั่งเศส บริเตนใหญ่ สวิตเซอร์แลนด์ อิตาลี ในปี ค.ศ. 1765 ซิมโฟนีแรกของเขาได้แสดงที่ลอนดอน
โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท โมสาร์ท สร้าง 600 ผลงานประเภทต่างๆ พื้นที่ที่สำคัญที่สุดในงานของเขาคือโรงละครดนตรี งานของ Mozart ถือเป็นยุคแห่งการพัฒนาโอเปร่า โมสาร์ทเชี่ยวชาญโอเปร่าร่วมสมัยเกือบทั้งหมด Mozart สร้าง St. 600 ผลงานประเภทต่างๆ พื้นที่ที่สำคัญที่สุดในงานของเขาคือโรงละครดนตรี งานของ Mozart ถือเป็นยุคแห่งการพัฒนาโอเปร่า โมสาร์ทเชี่ยวชาญโอเปร่าร่วมสมัยเกือบทั้งหมด
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน เมเจอร์ ผลงาน 9 ซิมโฟนี 11 โอบล้อม 5 คอนแชร์โตเปียโน 5 คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและออเคสตรา 16 เครื่องสาย 6 ทรีโอสำหรับเครื่องสาย ทองเหลืองและเพลงผสม 6 โซนาตาเปียโนรุ่นเยาว์ 32 โซนาตาเปียโน (แต่งในเวียนนา) 10 โซนาตาสำหรับไวโอลินและเปียโน 5 โซนาต้าสำหรับ เชลโลและเปียโน 32 รูปแบบ (C minor) Bagatelles, rondos, ecossaises, minuets และชิ้นอื่น ๆ สำหรับ pianoforte (ประมาณ 60) โอเปร่าโดย Fidelio Solemn การจัดเรียงเพลงพื้นบ้าน (สก๊อต, ไอริช, เวลส์) ประมาณ 40 เพลงสำหรับคำพูดของผู้เขียนหลายคน
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน เบโธเฟนเกิดที่เมืองบอนน์ น่าจะเป็นวันที่ 16 ธันวาคม พ.ศ. 2313 (รับบัพติสมาเมื่อวันที่ 17 ธันวาคม) นอกจากเลือดของเยอรมันแล้ว เลือดเฟลมิชยังไหลเวียนอยู่ในเส้นเลือดของเขา: ปู่ของนักแต่งเพลง ลุดวิก เกิดในปี ค.ศ. 1712 ในเมืองมาลิน (แฟลนเดอร์ส) เมื่ออายุได้แปดขวบ Beethoven ตัวน้อยได้แสดงคอนเสิร์ตครั้งแรกในเมืองโคโลญ คอนเสิร์ตของเด็กชายก็ถูกจัดขึ้นในเมืองอื่นด้วย เมื่อพ่อเห็นว่าเขาไม่สามารถสอนอะไรลูกชายได้อีกต่อไปจึงหยุดทำงานกับเขาและเมื่อเด็กอายุสิบขวบเขาพาเขาออกจากโรงเรียนและเบโธเฟนเกิดที่เมืองบอนน์น่าจะเป็นวันที่ 16 ธันวาคม พ.ศ. 2313 (รับบัพติสมา วันที่ 17 ธันวาคม) นอกจากเลือดของเยอรมันแล้ว เลือดเฟลมิชยังไหลเวียนอยู่ในเส้นเลือดของเขา: ปู่ของนักแต่งเพลง ลุดวิก เกิดในปี ค.ศ. 1712 ในเมืองมาลิน (แฟลนเดอร์ส) เมื่ออายุได้แปดขวบ Beethoven ตัวน้อยได้แสดงคอนเสิร์ตครั้งแรกในเมืองโคโลญ คอนเสิร์ตของเด็กชายก็ถูกจัดขึ้นในเมืองอื่นด้วย เมื่อพ่อเห็นว่าสอนอะไรลูกไม่ได้แล้ว ก็เลิกทำงานกับเขา พอลูกอายุได้สิบขวบก็พาลูกออกจากโรงเรียน
โรงเรียนมัธยม MKOU Sinyavskaya
วัฒนธรรมดนตรีแห่งการตรัสรู้
บทเรียน-บรรยาย
นำโดยนักเรียนชั้น ป.10
อาจารย์นู๋
ปี 2556.
วัตถุประสงค์ของบทเรียน:เปิดเผยลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมดนตรีแห่งการตรัสรู้
วัตถุประสงค์ของบทเรียน:อธิบายลักษณะของสุนทรียศาสตร์ของแนวดนตรีใหม่ - โอเปร่าการ์ตูน; พูดคุยเกี่ยวกับงานของนักแต่งเพลงของ "Viennese Classical School"; เพื่อสร้างความสามารถในการรับรู้และประเมินผลงานดนตรีอย่างเพียงพอ
แผนการเรียน:
1. กำเนิดการ์ตูนโอเปร่า
2. "โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา"
ย. เกย์ดิน.
ระหว่างเรียน
1.กำเนิดของการ์ตูนโอเปร่า
ศตวรรษที่ 18 เข้าสู่ประวัติศาสตร์โลกในฐานะ "ยุคแห่งเหตุผลและการตรัสรู้" ชัยชนะของความคิดของมนุษย์อย่างเสรี ซึ่งเอาชนะโลกทัศน์ในยุคกลาง นำไปสู่การพัฒนาอย่างรวดเร็วของวิทยาศาสตร์ธรรมชาติ วรรณกรรม และศิลปะ
การเกิดและปฏิสัมพันธ์ของหลายประเภทและรูปแบบศิลปะในดนตรีของศตวรรษที่ 18 การใช้เครื่องดนตรีอย่างแพร่หลายในชีวิตประจำวันและประเพณีการทำดนตรีที่เกิดขึ้นใหม่ การเกิดขึ้นของคณะนักร้องประสานเสียง ออเคสตรา กลุ่มโอเปร่า การพัฒนาการศึกษาด้านดนตรี และการก่อตัวของกิจกรรมคอนเสิร์ต การเกิดขึ้นของโรงเรียนนักแต่งเพลงแห่งชาติได้เตรียมการสร้างสรรค์และความเจริญรุ่งเรืองของดนตรีคลาสสิกในศตวรรษที่ 19 สถานที่หลักในแนวดนตรีคือโอเปร่า ละครตลกได้พัฒนาในประเทศที่มีวัฒนธรรมโอเปร่าที่พัฒนาแล้วเพื่อเป็นทางเลือกแทนละครโอเปร่าในราชสำนัก อิตาลีถือเป็นบ้านเกิดซึ่งประเภทนี้เรียกว่าโอเปร่าบัฟฟา (อุปรากรอิตาลี - โอเปร่าการ์ตูน) แหล่งที่มาคือละครตลกของโรงเรียนโรมันในศตวรรษที่ 17 และคอเมดีเดลอาร์เต้ ในตอนแรก เป็นการสลับฉากตลกๆ ที่สอดแทรกเพื่อปลดปล่อยอารมณ์ระหว่างการแสดงของละครโอเปร่า ละครควายเรื่องแรกคือ Servant Madame ของ G. B. Pergolesi ซึ่งแต่งโดยนักประพันธ์เพื่อเป็นการสลับฉากละครชุด The Proud Captive (ค.ศ. 1733) ของเขาเอง ในอนาคต การแสดงอุปรากรควายเริ่มดำเนินการอย่างอิสระ พวกเขามีความโดดเด่นด้วยขนาดที่เล็กของพวกเขา จำนวนตัวอักษรเล็กน้อย อาเรียประเภทตัวตลก การเปล่งเสียงในส่วนของเสียงร้อง การเสริมความแข็งแกร่งและการพัฒนาของตระการตา (ตรงข้ามกับโอเปร่าซีรีอาที่ส่วนโซโลเป็นพื้นฐาน และวงดนตรีและคณะนักร้องประสานเสียงเกือบ ไม่เคยใช้). ประเภทเพลงและนาฏศิลป์เป็นพื้นฐานสำหรับการแสดงละครเพลง ต่อมา ลักษณะทางโคลงสั้นและซาบซึ้งแทรกซึมโอเปร่าควาย โดยเปลี่ยนจากคอเมดีเดลอาร์เตไปเป็นปัญหาแปลก ๆ และหลักการโครงเรื่องของซี. พัฒนาการของควายโอเปร่านั้นสัมพันธ์กับชื่อนักประพันธ์เพลง N. Piccini, G. Paisiello, D. Cimarosa
ในฝรั่งเศส ประเภทที่พัฒนาภายใต้ชื่อ opéra comique (ฝรั่งเศส - ละครตลก) มันมีต้นกำเนิดมาจากการล้อเลียนเสียดสีของ "แกรนด์โอเปร่า" ต่างจากแนวการพัฒนาของอิตาลี ในฝรั่งเศส แนวเพลงนั้นถูกสร้างขึ้นโดยนักเขียนบทละคร ซึ่งนำไปสู่การผสมผสานระหว่างตัวเลขทางดนตรีกับบทสนทนาทางภาษา ดังนั้น ผู้เขียนวรรณกรรมโอเปร่าฝรั่งเศสเรื่องแรกจึงได้รับการพิจารณา (The Village Sorcerer, 1752) ละครเพลงของโอเปร่าคอมมิคพัฒนาขึ้นในผลงานของคีตกวี E. Dunya และ F. Philidor ในยุคก่อนปฏิวัติ ละครโอเปร่าได้รับความสนใจอย่างโรแมนติก ความอิ่มตัวของอารมณ์ที่รุนแรงและเนื้อหาเฉพาะ (ผู้แต่ง P. Monsigny, A. Grétry)
2.นักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยม
นักเรียน 1. HAYDNโจเซฟ(1732-1809) - นักแต่งเพลงชาวออสเตรียผู้ก่อตั้งซิมโฟนีคลาสสิกและสี่ตัวแทน โรงเรียนนักประพันธ์เพลงเวียนนา . เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาทำหน้าที่เป็นนักร้องประสานเสียงในคณะนักร้องประสานเสียงของมหาวิหารเซนต์สตีเฟนในกรุงเวียนนา เขาเชี่ยวชาญศิลปะการจัดองค์ประกอบด้วยตัวเขาเอง เป็นเวลากว่า 30 ปีที่เขารับใช้กับเจ้าชายเอสเตอร์ฮาซีแห่งฮังการีในฐานะหัวหน้าห้องสวดมนต์ ปีที่แล้วเขาอาศัยอยู่ในเวียนนา ในยุค 90 ได้เดินทางไปลอนดอนสองครั้ง Haydn ทิ้งมรดกสร้างสรรค์อันยิ่งใหญ่ไว้ - ซิมโฟนีมากกว่า 100 ตัว, โอเปร่ามากกว่า 30 ตัว, oratorios (ในหมู่พวกเขา - "The Creation of the World", "The Seasons", "The Seven Words of Christ on the Cross"), 14 ฝูง (รวมถึง "Nelson Mass", "Mass Theresa", "Harmiemesse"), 83 เครื่องสาย, เปียโนโซนาต้า 52 ชิ้น, เครื่องดนตรีและเพลงมากมาย จุดสุดยอดของงานของเขา - สิบสองสิ่งที่เรียกว่า "ลอนดอนซิมโฟนี" (เขียนส่วนใหญ่ในอังกฤษ); ท่ามกลางซิมโฟนีอื่น ๆ อำลา (หมายเลข 45) เช่นเดียวกับ "งานศพ" (หมายเลข 44), "Maria Theresa" (หมายเลข 48), "Passion" (หมายเลข 49), "Hunting" (หมายเลข 73) , 6 ซิมโฟนีชาวปารีส (หมายเลข 82-87), "Oxford" (หมายเลข 92) ผลงานของเขาเต็มไปด้วยเนื้อหามากมายพวกเขาเชิดชูด้านสว่างของชีวิตความสุขทันทีของการเป็น อย่างไรก็ตาม พวกเขายังมีลักษณะที่น่าสมเพชที่น่าสมเพชและละครที่ลึกซึ้งและธรรมชาติที่ดีที่เปิดกว้างและมีอารมณ์ขันเจ้าเล่ห์ ดนตรีของ Haydn เป็นเพลงโฟล์กอย่างแท้จริง เปี่ยมไปด้วยความมองโลกในแง่ดี เต็มไปด้วยความสง่างามและมีเสน่ห์ ท่วงทำนองที่ไม่รู้จักเหนื่อย ความกลมกลืนของรูปแบบ ความเรียบง่าย และความชัดเจนของภาพทำให้ผู้ฟังเข้าใจและเข้าถึงได้กว้างที่สุด การปฏิรูปของ Haydn ในด้านซิมโฟนี เช่นเดียวกับบทบาทของนักแต่งเพลงในการกำหนดองค์ประกอบของวงดุริยางค์ซิมโฟนี มีความสำคัญทางประวัติศาสตร์อย่างมาก โดยได้รับการอนุมัติให้ Haydn ได้รับตำแหน่งกิตติมศักดิ์ของ "บิดาแห่งซิมโฟนี" “ Haydn เป็นตัวเชื่อมที่จำเป็นและแข็งแกร่งในสายการประพันธ์ไพเราะ ถ้าไม่ใช่สำหรับเขา ก็คงไม่มีทั้งโมสาร์ทและเบโธเฟน” พี. ไอ. ไชคอฟสกี เขียน
นักเรียน 2 โวล์ฟกัง อมาดิอุส โมสาร์ทเกิดเมื่อวันที่ 27 มกราคม พ.ศ. 2399 ที่เมืองซาลซ์บูร์ก ปัจจุบันเมืองนี้ตั้งอยู่ในอาณาเขตของประเทศออสเตรีย โมสาร์ทได้รับการสอนให้เล่นเครื่องดนตรีและแต่งโดยบิดาของเขา นักไวโอลินและนักประพันธ์เพลง เลโอโปลด์ โมสาร์ท. โมสาร์ทเล่นฮาร์ปซิคอร์ดตั้งแต่อายุ 4 ขวบ ตั้งแต่อายุ 5-6 ขวบ เขาเริ่มแต่งเพลง (ตอนอายุ 8-9 โมสาร์ทสร้างซิมโฟนีชุดแรก และเมื่ออายุ 10-11 ปี เป็นผลงานชิ้นแรกสำหรับโรงละครดนตรี) ในปี ค.ศ. 1762 โมสาร์ทและน้องสาวของเขา นักเปียโนมาเรีย แอนนา เริ่มเดินทางท่องเที่ยวในเยอรมนี ออสเตรีย จากนั้นในฝรั่งเศส อังกฤษ และสวิตเซอร์แลนด์ โมสาร์ทแสดงเป็นนักเปียโน, นักไวโอลิน, นักออร์แกน, นักร้อง ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเขาทำหน้าที่เป็นนักดนตรีประสานเสียงใน - นักเล่นออร์แกนที่ศาลของเจ้าชาย - อาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์ก ระหว่างปี ค.ศ. 1769 ถึง ค.ศ. 1774 เขาได้เดินทางไปอิตาลีสามครั้ง ในปี ค.ศ. 1770 เขาได้รับเลือกเป็นสมาชิกของ Philharmonic Academy ในเมืองโบโลญญา (เขาเรียนบทประพันธ์จากหัวหน้าสถาบันการศึกษา Padre Martini) ได้รับคำสั่งจาก Golden Spur จากสมเด็จพระสันตะปาปาในกรุงโรม ในมิลาน โมสาร์ทได้แสดงโอเปร่า Mithridates กษัตริย์แห่งปอนตุส เมื่ออายุได้ 19 ปี นักแต่งเพลงเป็นผู้แต่งผลงานดนตรีและละครเวที 10 เรื่อง: theatrical oratorio The Duty of the First Commandment (ตอนที่ 1, 1767, Salzburg), ภาพยนตร์ตลกภาษาละติน Apollo and Hyacinth (1767, Salzburg University), the German Singspiel Bastien และ Bastienne "(1768, เวียนนา), อุปรากรชาวอิตาลี The Feigned Simple Girl (1769, Salzburg) และ The Imaginary Gardener (1775, มิวนิก), ละครชุด Mithridates และ Lucius Sulla ของอิตาลี" (1772, มิลาน) โอเปร่า -เซเรเนด (อภิบาล) "Ascanius in Alba" (1771, มิลาน), "The Dream of Scipio" (1772, Salzburg) และ "The Shepherd King" (1775, Salzburg); 2 คันทาทา ซิมโฟนีจำนวนมาก คอนแชร์โต ควอเตต โซนาตา ฯลฯ ความพยายามที่จะหางานทำในศูนย์ดนตรีที่สำคัญในเยอรมนีหรือปารีสไม่ประสบความสำเร็จ ในปารีส โมสาร์ทแต่งเพลงสำหรับละครใบ้โดย J.J. โนเวร่า"เครื่องประดับเล็ก" (1778) หลังจากแสดงโอเปร่า "Idomeneo ราชาแห่งเกาะครีต" ในมิวนิก (พ.ศ. 2324) โมสาร์ทก็เลิกรากับอาร์คบิชอปและตั้งรกรากอยู่ในเวียนนา หาเลี้ยงชีพด้วยบทเรียนและสถานศึกษา (คอนเสิร์ต) เหตุการณ์สำคัญในการพัฒนาโรงละครดนตรีแห่งชาติคือการร้องเพลงของ Mozart เรื่อง The Abduction from the Seraglio (พ.ศ. 2325, เวียนนา) ในปี ค.ศ. 1786 ภาพยนตร์รอบปฐมทัศน์ของ Mozart เรื่อง "Director of the Theatre" และโอเปร่า "The Marriage of Figaro" ตามเรื่องตลก โบมาเช่. หลังจากเวียนนา มีการจัดแสดง "การแต่งงานของฟิกาโร" ในกรุงปราก ซึ่งได้รับการต้อนรับอย่างกระตือรือร้น เช่นเดียวกับโอเปร่าครั้งต่อไปของโมสาร์ท "The Punished Libertine หรือ Don Giovanni" (พ.ศ. 2330) นับตั้งแต่ปลายปี พ.ศ. 2330 โมสาร์ทเป็นนักดนตรีแชมเบอร์ในราชสำนักของจักรพรรดิโจเซฟที่ 2 โดยมีหน้าที่แต่งระบำเพื่อสวมหน้ากาก ในฐานะนักแต่งเพลงโอเปร่า โมสาร์ทไม่ประสบความสำเร็จในกรุงเวียนนา โมสาร์ทสามารถแต่งเพลงให้กับโรงละครเวียนนาอิมพีเรียลได้เพียงครั้งเดียว - โอเปร่าที่ร่าเริงและสง่างาม "พวกเขาทั้งหมดเป็นเช่นนั้นหรือโรงเรียนแห่งคู่รัก" (กล่าวอีกนัยหนึ่ง - "ผู้หญิงทุกคนทำเช่นนี้", 1790) โอเปร่า "ความเมตตาของติตัส" บนแปลงโบราณซึ่งกำหนดเวลาให้ตรงกับการเฉลิมฉลองพิธีราชาภิเษกในกรุงปราก (พ.ศ. 2334) ได้รับอย่างเย็นชา โอเปร่าสุดท้ายของโมสาร์ท The Magic Flute (โรงละครเวียนนาชานเมือง 1791) ได้รับการยอมรับในหมู่ประชาชนในระบอบประชาธิปไตย ความยากลำบากของชีวิต ความยากจน ความเจ็บป่วย ทำให้ชีวิตของนักแต่งเพลงใกล้เข้ามาทุกที เขาเสียชีวิตก่อนอายุ 36 ปี และถูกฝังอยู่ในหลุมศพทั่วไป
นักเรียน 3. ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนเกิดเมื่อเดือนธันวาคม พ.ศ. 2313 ที่เมืองบอนน์ ยังไม่ได้ระบุวันเกิดที่แน่นอน น่าจะเป็นวันที่ 16 ธันวาคม พ่อของนักแต่งเพลงต้องการสร้างโมสาร์ทตัวที่สองจากลูกชายของเขา และเริ่มสอนให้เขาเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและไวโอลิน ในปี ค.ศ. 1778 การแสดงครั้งแรกของเด็กชายเกิดขึ้นที่โคโลญ อย่างไรก็ตาม Beethoven ไม่ได้กลายเป็นเด็กมหัศจรรย์ แต่พ่อมอบหมายให้เด็กคนนี้กับเพื่อนร่วมงานและเพื่อน ๆ ของเขา คนหนึ่งสอนลุดวิกเล่นออร์แกน อีกคนสอนไวโอลิน ในปี ค.ศ. 1780 Christian Gottlob Nefe นักออร์แกนและนักแต่งเพลงมาถึงกรุงบอนน์ เขากลายเป็นครูที่แท้จริงของเบโธเฟน ขอบคุณ Nefe องค์ประกอบแรกของ Beethoven ซึ่งเป็นรูปแบบการเดินขบวนของ Dressler ก็ได้รับการตีพิมพ์เช่นกัน ในเวลานั้นเบโธเฟนอายุสิบสองปีและทำงานเป็นผู้ช่วยออร์แกนในศาลอยู่แล้ว เบโธเฟนเริ่มแต่งเพลง แต่ไม่ต้องรีบเผยแพร่ผลงานของเขา สิ่งที่เขาเขียนในเมืองบอนน์ส่วนใหญ่ได้รับการแก้ไขโดยเขาในภายหลัง จากผลงานวัยเยาว์ของนักแต่งเพลง โซนาต้าของเด็กสามคนและหลายเพลงเป็นที่รู้จัก รวมถึง "บ่าง" ในฤดูใบไม้ร่วงปี 1792 เบโธเฟนออกจากบอนน์ เมื่อมาถึงกรุงเวียนนา Beethoven เริ่มเรียนกับ Haydn ต่อมาอ้างว่า Haydn ไม่ได้สอนอะไรเขาเลย ชั้นเรียนทำให้ทั้งนักเรียนและครูผิดหวังอย่างรวดเร็ว เบโธเฟนเชื่อว่าไฮเดนไม่ใส่ใจกับความพยายามของเขามากพอ Haydn รู้สึกหวาดกลัวไม่เพียงเพราะความเห็นที่ชัดเจนของ Ludwig ในขณะนั้น แต่ยังรวมถึงท่วงทำนองที่ค่อนข้างมืดมนซึ่งไม่ธรรมดาในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ในไม่ช้า Haydn ก็เดินทางไปอังกฤษและมอบลูกศิษย์ให้กับ Albrechtsberger อาจารย์และนักทฤษฎีที่มีชื่อเสียง ในท้ายที่สุด เบโธเฟนเองก็เลือกที่ปรึกษาของเขา - อันโตนิโอ ซาลิเอรี
ในช่วงปีแรกของชีวิตที่เวียนนา Beethoven ได้รับชื่อเสียงในฐานะนักเปียโนอัจฉริยะ การเล่นของเขาทำให้ผู้ชมประหลาดใจ ผลงานของเบโธเฟนเริ่มเผยแพร่อย่างกว้างขวางและประสบความสำเร็จ ในช่วงสิบปีแรกที่ใช้ในกรุงเวียนนา โซนาตายี่สิบตัวสำหรับเปียโนและคอนแชร์โตเปียโนสามตัว โซนาตาแปดตัวสำหรับไวโอลิน ควอเตตและงานแชมเบอร์อื่นๆ Oratorio Christ บนภูเขามะกอกเทศ บัลเลต์ Creations of Prometheus ที่หนึ่ง และซิมโฟนี . ในปี พ.ศ. 2339 เบโธเฟนเริ่มสูญเสียการได้ยิน เขาพัฒนา tinitis - การอักเสบของหูชั้นในทำให้หูอื้อเนื่องจากอาการหูหนวกเบโธเฟนไม่ค่อยออกจากบ้านสูญเสียการรับรู้เสียง เขากลายเป็นมืดมนถอนตัว ในช่วงหลายปีที่ผ่านมานักประพันธ์เพลงได้สร้างผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาทีละคน ในช่วงปีเดียวกันนี้ เบโธเฟนทำงานโอเปร่าเรื่องเดียวของเขาคือฟิเดลิโอ โอเปร่านี้เป็นของประเภทโอเปร่าสยองขวัญและกู้ภัย ความสำเร็จของฟิเดลิโอเกิดขึ้นในปี ค.ศ. 1814 เมื่อโอเปร่าเริ่มการแสดงครั้งแรกในเวียนนา จากนั้นในปราก ที่ซึ่งเวเบอร์นักประพันธ์เพลงชาวเยอรมันผู้โด่งดังเป็นผู้ดำเนินการ และสุดท้ายที่เบอร์ลิน หลังจากปี ค.ศ. 1812 กิจกรรมสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงลดลงชั่วขณะหนึ่ง อย่างไรก็ตาม หลังจากสามปี เขาเริ่มทำงานด้วยพลังงานเดียวกัน ในเวลานี้ โซนาตาเปียโนจากวันที่ 28 ถึงครั้งสุดท้าย, 32, โซนาต้าเชลโล 2 ตัว, ควอร์เต็ต และวงจรเสียงร้อง “To a Distant Beloved” ได้ถูกสร้างขึ้น ส่วนใหญ่อุทิศให้กับการประมวลผลเพลงพื้นบ้าน นอกจากชาวสก็อต ไอริช เวลส์ แล้ว ยังมีชาวรัสเซียอีกด้วย แต่การสร้างสรรค์ที่สำคัญในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาเป็นผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสองชิ้นของเบโธเฟน - "The Solemn Mass" และ Symphony No. 9 with Chorus
การแสดงซิมโฟนีที่เก้าในปี พ.ศ. 2367 ผู้ชมปรบมือให้นักแต่งเพลงยืนปรบมือ เป็นที่ทราบกันดีว่าเบโธเฟนยืนหันหลังให้ผู้ชมและไม่ได้ยินอะไรเลยนักร้องคนหนึ่งจับมือเขาแล้วหันหน้าเข้าหาผู้ชม ผู้คนโบกผ้าเช็ดหน้า หมวก มือ ต้อนรับผู้แต่ง การปรบมือกินเวลานานจนเจ้าหน้าที่ตำรวจที่อยู่ด้วยเรียกร้องให้หยุดทันที คำทักทายดังกล่าวได้รับอนุญาตเฉพาะในความสัมพันธ์กับบุคคลของจักรพรรดิเท่านั้น
เบโธเฟนถึงแก่กรรมเมื่อวันที่ 26 มีนาคม พ.ศ. 2370 ผู้คนกว่าสองหมื่นคนติดตามโลงศพของเขา ในระหว่างงานศพ พิธีมิสซาที่โปรดปรานของเบโธเฟนใน C Minor โดย Luigi Cherubini ได้ดำเนินการ
3. ครูเสนองานต่อไปนี้ให้นักเรียน:
แบบฝึกหัด 1
นี่เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่หายากที่สุดในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก เมื่อแนวดนตรีใหม่ไม่ได้ถูกสร้างขึ้นโดยนักแต่งเพลง แต่โดย… นักปรัชญา โดยธรรมชาติแล้ว เขาไม่ได้เชี่ยวชาญทักษะการแต่งเพลงอย่างเต็มที่ แต่เขาพยายามทำให้การแสดงโอเปร่าไม่ใช่ผู้สูงศักดิ์ แต่เป็นประชาธิปไตย เข้าใจได้ และสาธารณชนทั่วไปเข้าถึงได้ ปราชญ์คนนี้ชื่ออะไรและเพลงที่เขาสร้างขึ้น
ตอบ: ในปี ค.ศ. 1752 เขาได้สร้างละครตลกฝรั่งเศสเรื่องแรกชื่อว่า "The Village Sorcerer"
งาน2
โรงเรียนคลาสสิกแห่งเวียนนาและปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุด - Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Christoph Willibald Gluck - มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะดนตรีของยุโรป หนึ่งในนั้นสร้างซิมโฟนีมากกว่า 100 รายการและถูกเรียกว่า "บิดาแห่งซิมโฟนี" ผลงานไพเราะที่มีชื่อเสียงที่สุด ได้แก่ "Creation of the World", "Seasons", "Funeral", "Farewell" ตั้งชื่อผู้แต่งคนนี้ บอกเราเกี่ยวกับงานของอาจารย์ท่านนี้และการรับรู้ของคุณเกี่ยวกับงานของเขา
ตอบ:โจเซฟ ไฮเดน.
โมสาร์ทจากไปโดยไม่ทิ้งศิลาฤกษ์ นิ้วเชื่อฟัง และที่สำคัญรวดเร็ว
นี่คือวิธีที่ดอกไม้หายไป และท้องฟ้าก็เป็นสีฟ้าตลอดไป
โดยปราศจากการสรรเสริญที่ว่างเปล่าหน้าซื่อใจคด - ความสุขของเกจิศิลปินก็ล้มลง
แสงและแสงแดดส่องจากที่สูง อาศัยอยู่ใกล้ฟ้าและใกล้โลก
ภาพหลอนแห่งโชคและความสงสัยในยามพลบค่ำ Mozart - และขดที่บินได้จะถูกจดจำ
และชุดของการแยกจากกันไม่รู้จบ Mozart - และดนตรีก็เป็นเรื่องง่าย
ไม่มีเงาใดถูกทิ้งให้ประทับบนแรงบันดาลใจ เลียนแบบไม่ได้ นิรันดร์
V. Borovitskaya
การบ้าน:
งานขั้นสูง:เหล่านักเรียนได้เตรียมรายงานเกี่ยวกับอนุเสาวรีย์ของกรุงโรมโบราณแล้ว ตอนนี้พวกเขาได้รับเชิญให้เล่นบทบาทของนักข่าวอีกครั้งและเตรียมรายงานเกี่ยวกับอนุสรณ์สถานทางวัฒนธรรมของการตรัสรู้จากมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
* งานนี้ไม่ใช่งานทางวิทยาศาสตร์ ไม่ใช่งานที่มีคุณสมบัติขั้นสุดท้าย และเป็นผลจากการประมวลผล จัดโครงสร้าง และจัดรูปแบบข้อมูลที่รวบรวม ซึ่งมีจุดประสงค์เพื่อใช้เป็นแหล่งข้อมูลสำหรับการเตรียมงานด้านการศึกษาด้วยตนเอง
รายงานในหัวข้อ "ดนตรีในยุคแห่งการตรัสรู้"
ในช่วงยุคแห่งการตรัสรู้ งานศิลปะดนตรีเพิ่มขึ้นอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน หลังจากการปฏิรูปที่ดำเนินการโดยเค.วี. กลัค (ค.ศ. 1714–1787) โอเปร่ากลายเป็นศิลปะสังเคราะห์ที่ผสมผสานดนตรี การร้องเพลง และการแสดงละครที่ซับซ้อนเข้าไว้ด้วยกันในการแสดงเดียว FJ Haydn (1732–1809) ยกระดับดนตรีบรรเลงไปสู่ศิลปะคลาสสิกระดับสูงสุด จุดสุดยอดของวัฒนธรรมดนตรีแห่งการตรัสรู้คือผลงานของ J.S. Bach (1685–1750) และ W.A. Mozart (1756–1791) อุดมคติแห่งความกระจ่างสว่างไสวโดยเฉพาะอย่างยิ่งในโอเปร่าของโมสาร์ทเรื่อง The Magic Flute (1791) ซึ่งโดดเด่นด้วยลัทธิแห่งเหตุผลแสงและความคิดของมนุษย์ในฐานะมงกุฎแห่งจักรวาล
โอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 18
การปฏิรูปโอเปร่าในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ส่วนใหญ่เป็นการเคลื่อนไหวทางวรรณกรรม บรรพบุรุษของมันคือนักเขียนและนักปรัชญาชาวฝรั่งเศส เจ.เจ. รุสโซ รุสโซยังศึกษาดนตรีและหากในปรัชญาเขาเรียกร้องให้กลับสู่ธรรมชาติแล้วในประเภทโอเปร่าเขาสนับสนุนการหวนคืนสู่ความเรียบง่าย ในปี ค.ศ. 1752 หนึ่งปีก่อนที่การแสดงรอบปฐมทัศน์ของมาดามแปร์โกเลซีในปารีสที่ประสบความสำเร็จ รุสโซได้แต่งโอเปร่าการ์ตูนของตัวเองเรื่อง The Village Sorcerer ตามด้วย Letters on French Music ซึ่งราโมกลายเป็นหัวข้อหลักของการโจมตี
อิตาลี. หลังจากมอนเตเวร์ดี นักประพันธ์โอเปร่าเช่น Cavalli, Alessandro Scarlatti (บิดาของ Domenico Scarlatti ผู้ประพันธ์งานฮาร์ปซิคอร์ดรายใหญ่ที่สุด) Vivaldi และ Pergolesi ก็ปรากฏตัวทีละคนในอิตาลี
การเพิ่มขึ้นของการ์ตูนโอเปร่า อุปรากรอีกประเภทหนึ่งมีต้นกำเนิดมาจากเนเปิลส์ - อุปรากรควาย (opera-buffa) ซึ่งเกิดขึ้นจากปฏิกิริยาตามธรรมชาติของโอเปร่าซีเรีย ความหลงใหลในโอเปร่าประเภทนี้ได้กวาดเมืองในยุโรปอย่างรวดเร็ว - เวียนนา, ปารีส, ลอนดอน จากอดีตผู้ปกครอง - ชาวสเปนผู้ปกครองเนเปิลส์ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1522 ถึงปี ค.ศ. 1707 เมืองนี้สืบทอดประเพณีการแสดงตลกพื้นบ้าน ถูกประณามโดยครูที่เข้มงวดในโรงเรียนสอนดนตรี แต่เรื่องตลกก็ทำให้นักเรียนหลงใหล หนึ่งในนั้นคือ G. B. Pergolesi (ค.ศ. 1710–1736) ตอนอายุ 23 ปี ได้เขียนบทประพันธ์หรือละครตลกเรื่อง The Servant-Mistress (ค.ศ. 1733) ก่อนหน้านั้น นักประพันธ์เพลงได้แต่งเพลง intermezzos (ซึ่งมักจะเล่นระหว่างการแสดงของโอเปร่า seria) แต่การสร้างสรรค์ของ Pergolesi ก็ประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม ในบทของเขา มันไม่ได้เกี่ยวกับการเอารัดเอาเปรียบของวีรบุรุษในสมัยโบราณ แต่เกี่ยวกับสถานการณ์ที่ทันสมัยอย่างสมบูรณ์ ตัวละครหลักอยู่ในประเภทที่รู้จักจาก "commedia dell'arte" - การแสดงตลกแบบด้นสดของอิตาลีแบบดั้งเดิมพร้อมชุดบทบาทการ์ตูนมาตรฐาน โอเปร่าควายได้รับการพัฒนาอย่างน่าทึ่งในผลงานของชาวเนเปิลส์ตอนปลายเช่น G. Paisiello (1740–1816) และ D. Cimarosa (1749–1801) ไม่ต้องพูดถึงละครตลกของ Gluck และ Mozart
ฝรั่งเศส. ในฝรั่งเศส Lully ถูกแทนที่โดย Rameau ซึ่งครองเวทีโอเปร่าตลอดครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18
การเปรียบเทียบภาษาฝรั่งเศสของควายโอเปร่าคือ "โอเปร่าการ์ตูน" (opera comique) ผู้เขียนเช่น F. Philidor (1726-1795), P. A. Monsigny (1729-1817) และ A. Gretry (1741-1813) นำการเยาะเย้ยของ Pergolesian มาสู่ใจและพัฒนารูปแบบการ์ตูนของตัวเองซึ่งสอดคล้องกับ Gallic รสนิยม มันจัดให้มีการแนะนำฉากสนทนาแทนการท่อง
เยอรมนี. เชื่อกันว่าโอเปร่ามีการพัฒนาน้อยกว่าในเยอรมนี ความจริงก็คือนักประพันธ์เพลงโอเปร่าชาวเยอรมันหลายคนทำงานนอกประเทศเยอรมนี - ฮันเดลในอังกฤษ, กัสเซในอิตาลี, กลัคในเวียนนาและปารีส ในขณะที่โรงละครในศาลของเยอรมันถูกครอบครองโดยคณะละครอิตาลีที่ทันสมัย Singspiel ซึ่งเป็นแอนะล็อกท้องถิ่นของโอเปร่าบัฟฟาและละครตลกฝรั่งเศสเริ่มพัฒนาช้ากว่าในประเทศละติน ตัวอย่างแรกของประเภทนี้คือ "Devil at Large" ของ I. A. Hiller (1728-1804) ซึ่งเขียนในปี 1766 เมื่อ 6 ปีก่อนการลักพาตัวของ Mozart จาก Seraglio น่าแปลกที่กวีชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ Goethe และ Schiller ไม่ได้สร้างแรงบันดาลใจให้กับนักประพันธ์โอเปร่าชาวอิตาลีและฝรั่งเศส
ออสเตรีย. โรงอุปรากรในเวียนนาแบ่งออกเป็นสามสาขาหลัก สถานที่ชั้นนำถูกครอบครองโดยโอเปร่าอิตาลีอย่างจริงจัง (Italian opera seria) ซึ่งวีรบุรุษและเทพเจ้าคลาสสิกอาศัยและเสียชีวิตในบรรยากาศของโศกนาฏกรรมสูง ละครตลก (opera buffa) ที่เป็นทางการน้อยกว่า ซึ่งอิงจากเนื้อเรื่องของ Harlequin และ Columbine จากคอเมดีของอิตาลี (commedia dell "arte) ล้อมรอบด้วยคนขี้ขลาดไร้ยางอาย ปรมาจารย์ที่เสื่อมโทรม และพวกอันธพาลและมิจฉาชีพทุกประเภท ร่วมกับชาวอิตาลีเหล่านี้ รูปแบบ โอเปร่าการ์ตูนเยอรมัน (singspiel) พัฒนา ) ซึ่งประสบความสำเร็จในการใช้ภาษาเยอรมันพื้นเมืองของเขาที่เข้าถึงได้สำหรับบุคคลทั่วไป ก่อนที่อาชีพโอเปร่าของ Mozart จะเริ่มต้น Gluck สนับสนุนการหวนคืนสู่ความเรียบง่ายของศตวรรษที่สิบเจ็ด โอเปร่าซึ่งโครงเรื่องไม่ได้ถูกปิดเสียงโดยเพลงเดี่ยวที่ยาวนานซึ่งทำให้การพัฒนาของการกระทำล่าช้าและทำหน้าที่เป็นนักร้องเพียงโอกาสเดียวที่จะแสดงพลังเสียงของพวกเขา
ด้วยพลังแห่งพรสวรรค์ของเขา โมสาร์ทจึงรวมสามทิศทางนี้เข้าด้วยกัน ตอนเป็นวัยรุ่น เขาเขียนโอเปร่าแต่ละประเภท ในฐานะนักแต่งเพลงที่เป็นผู้ใหญ่ เขายังคงทำงานทั้งสามทิศทางต่อไป แม้ว่าประเพณีของโอเปร่าซีเรียจะจางหายไป
Platonova Vera, ชั้น 11 A
ในศตวรรษที่ 18 รัฐต่างๆ ในยุโรปส่วนใหญ่ได้รับอิทธิพลจากขบวนการตรัสรู้ ขอบคุณการปฏิรูปของปีเตอร์ฉัน รัสเซียเข้าร่วมกระบวนการนี้อย่างแข็งขัน โดยเข้าร่วมกับความสำเร็จของอารยธรรมยุโรป การหันไปทางยุโรปซึ่งก่อให้เกิดปรากฏการณ์ "ความเป็นยุโรปของรัสเซีย" เกิดขึ้นในรูปแบบรัสเซียทั่วไป - อย่างฉับพลันและเด็ดขาด การมีปฏิสัมพันธ์กับโรงเรียนสอนศิลปะที่เป็นที่ยอมรับมากขึ้นในยุโรปตะวันตกทำให้ศิลปะของรัสเซียสามารถเข้าสู่เส้นทางของ "การพัฒนาแบบเร่งรัด" โดยสามารถเข้าใจทฤษฎีสุนทรียศาสตร์ของยุโรป ประเภทและรูปแบบทางโลกในเวลาอันสั้น
ความสำเร็จหลักของการตรัสรู้ของรัสเซียคือการเฟื่องฟูของความคิดสร้างสรรค์ส่วนบุคคลซึ่งเข้ามาแทนที่งานนิรนามของศิลปินในรัสเซียโบราณ กำลังดำเนินการตามสูตร Lomonosov: "ดินแดนรัสเซียจะให้กำเนิด Platons ของตัวเองและ Newtons ที่มีไหวพริบ"
ถึงเวลาแล้วสำหรับการสร้างโลกทัศน์ทางโลกอย่างแข็งขัน ศิลปะในวิหารยังคงพัฒนาต่อไป แต่ค่อยๆ จางหายไปเป็นเบื้องหลังในชีวิตทางวัฒนธรรมของรัสเซีย ประเพณีทางโลกมีความเข้มแข็งในทุกวิถีทาง
ในเพลงของ XVIII ศตวรรษเช่นเดียวกับในวรรณคดีและภาพวาดมีการสร้างรูปแบบใหม่ใกล้กับยุโรป ความคลาสสิค.
รูปแบบใหม่ของการใช้ชีวิตในสังคมชั้นสูง - การเดินในสวนสาธารณะ, ขี่ไปตาม Neva, ไฟส่องสว่าง, ลูกบอลและ "หน้ากาก", การชุมนุมและการต้อนรับทางการทูต - มีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาอย่างกว้างขวาง เพลงบรรเลง. ตามคำสั่งของเปตราวา วงโยธวาทิตของทหารก็ปรากฏตัวขึ้นในแต่ละกองทหาร งานเฉลิมฉลองอย่างเป็นทางการ ลูกบอล และงานเฉลิมฉลองถูกจัดเตรียมโดยวงดนตรีออร์เคสตราสองวงและคณะนักร้องประสานเสียงในศาล ตัวอย่างของศาลตามมาด้วยขุนนางเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกซึ่งเริ่มวงออเคสตราที่บ้าน ออร์เคสตราป้อมปราการและโรงละครดนตรีก็ถูกสร้างขึ้นในที่ดินอันสูงส่งเช่นกัน การทำดนตรีมือสมัครเล่นกำลังแพร่กระจาย การสอนดนตรีกลายเป็นส่วนบังคับของการศึกษาอันสูงส่ง ในตอนท้ายของศตวรรษ ชีวิตดนตรีที่หลากหลายทำให้ชีวิตไม่เฉพาะในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเมืองอื่น ๆ ของรัสเซียด้วย
ในบรรดานวัตกรรมทางดนตรีที่ยุโรปไม่รู้จักคือ ฮอร์นออเคสตรา สร้างขึ้นโดยนักดนตรีแชมเบอร์อิมพีเรียลรัสเซีย ไอ.เอ. มาเรชในนามของเอส.เค. นาริชกิน Maresh สร้างวงดนตรีที่ประสานกันอย่างดีประกอบด้วย 36 เขา (3 อ็อกเทฟ) นักดนตรีเสิร์ฟเข้ามามีส่วนร่วมซึ่งเล่นเป็น "กุญแจ" สดเนื่องจากเขาแต่ละอันสามารถสร้างเสียงได้เพียงเสียงเดียว ละครรวมถึงดนตรียุโรปคลาสสิก รวมทั้งการประพันธ์เพลงที่ซับซ้อนโดย Haydn และ Mozart
ในยุค 30 ของ XVIII ศตวรรษในรัสเซียโอเปร่าศาลอิตาลีถูกสร้างขึ้นการแสดงที่ได้รับในวันหยุดสำหรับประชาชน "เลือก" ในเวลานี้ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กดึงดูดนักดนตรีชาวยุโรปรายใหญ่หลายคน ส่วนใหญ่เป็นชาวอิตาลี รวมทั้งนักประพันธ์เพลง F. Araya, B. Galuppi, J. Paisiello, J. Sarti, D. Cimarosa ฟรานเชสโก้ อารยาในปี ค.ศ. 1755 เขาเขียนเพลงสำหรับโอเปร่าเรื่องแรกพร้อมข้อความภาษารัสเซีย เป็นบทเพลงของ A.P. Sumarokov บนพล็อตจาก Metamorphoses ของ Ovid โอเปร่าที่สร้างขึ้นในประเภทอิตาลีชุด ถูกเรียกว่า เซฟาลัสและโปรคริส.
ในยุค Petrine แนวดนตรีประจำชาติเช่น partes concerto และไม่สามารถพัฒนาต่อไปได้
คานท์ในสมัยของปีเตอร์มหาราชมักถูกเรียกว่า "วิวาท" เพราะพวกเขาเต็มไปด้วยการสรรเสริญชัยชนะทางทหารและการเปลี่ยนแปลง ("ชื่นชมยินดี ดินแดนรอสโก") เพลงของเพลง "ยินดีต้อนรับ" มีลักษณะเฉพาะด้วยการประโคมจังหวะอันเคร่งขรึมของโปโลเนซ การแสดงของพวกเขามักจะมาพร้อมกับเสียงแตรและระฆัง
ยุค Petrine เป็นจุดสูงสุดในการพัฒนาการร้องเพลงประสานเสียง ปรมาจารย์ที่ยอดเยี่ยมของคอนเสิร์ต V.P. Titov เข้ามาแทนที่นักดนตรีคนแรกที่ศาลของซาร์ปีเตอร์ เขาเป็นคนที่ได้รับคำสั่งให้เขียนคอนเสิร์ตที่เคร่งขรึมเนื่องในโอกาสที่กองทัพรัสเซียได้รับชัยชนะ Poltava ในปี 1709 (“ Rtsy us now” - ชื่อ "ชัยชนะของ Poltava" ก่อตั้งขึ้นหลังองค์ประกอบ)
ในตอนกลางของ XVIII ศตวรรษ ความปรารถนาสำหรับเอฟเฟกต์การร้องในคอนเสิร์ตแบบพาร์ทไทม์ถึงรูปแบบที่มากเกินไป: การแต่งเพลงปรากฏขึ้นซึ่งมีคะแนนรวมมากถึง 48 เสียง ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ ปรากฏการณ์ทางศิลปะใหม่ คอนเสิร์ตฝ่ายวิญญาณ เข้ามาแทนที่คอนเสิร์ตคู่รักเคร่งขรึมดังนั้นตลอดศตวรรษที่ 18 การร้องเพลงประสานเสียงของรัสเซียจึงเป็นวิวัฒนาการที่ยาวนาน - จากรูปแบบส่วนอนุสาวรีย์ที่ชวนให้นึกถึงรูปแบบสถาปัตยกรรมบาโรกไปจนถึงตัวอย่างระดับสูงของความคลาสสิคในผลงานของ M. S. Berezovsky และ D. S. Bortnyansky ผู้สร้าง คอนเสิร์ตจิตวิญญาณรัสเซียแบบคลาสสิก
คอนเสิร์ตประสานเสียงวิญญาณรัสเซีย
ใน XVIII ศตวรรษ เนื้อหาประเภทงานร้องประสานเสียงขยายตัวอย่างมาก มีการเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน, เพลงประกอบละคร, เพลงเต้นรำพร้อมคณะนักร้องประสานเสียง (ตัวอย่างที่โด่งดังที่สุดคือ Polonaise ของ Kozlovsky "เสียงฟ้าร้องแห่งชัยชนะ" ตามคำพูดของ Derzhavin ซึ่งในตอนท้าย XVIII กลายเป็นเพลงชาติของจักรวรรดิรัสเซีย)
ประเภทนักร้องประสานเสียงชั้นนำคือคอนเสิร์ตจิตวิญญาณของรัสเซียซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของประเพณีประจำชาติโบราณ คอนเสิร์ตทางจิตวิญญาณถึงจุดสูงสุดในยุคแคทเธอรีน (1762) 1796). มันเป็นช่วงเวลาที่ดีสำหรับวัฒนธรรมรัสเซีย ความพยายามที่จะรื้อฟื้นจิตวิญญาณของการปฏิรูปของปีเตอร์ประสบความสำเร็จอย่างมาก การเมือง เศรษฐกิจ วิทยาศาสตร์ และวัฒนธรรมได้รับแรงผลักดันในการพัฒนาอีกครั้ง การฝึกสอนตัวแทนที่มีความสามารถมากที่สุดของวิทยาศาสตร์และศิลปะในต่างประเทศได้กลับมาดำเนินการอีกครั้ง การติดต่อทางวัฒนธรรมที่ใกล้ชิดระหว่างรัสเซียและยุโรปผู้รู้แจ้งไม่สามารถช่วย แต่มีอิทธิพลต่อการเกิดขึ้นของประสบการณ์ครั้งแรกของความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงมืออาชีพ
ในช่วงเวลานี้มีการสร้างผลงานประเภทคอนเสิร์ตมากกว่า 500 ชิ้น นักแต่งเพลงชาวรัสเซียเกือบทั้งหมดในช่วงครึ่งหลังที่เรารู้จักหันมาหาเขาศตวรรษที่สิบแปด
ถือกำเนิดขึ้นในส่วนลึกของประสานเสียงประสานเสียง คอนแชร์โตจิตวิญญาณตลอดการพัฒนาได้รวมเอาหลักการสองประการ - ประเพณีการร้องเพลงของคริสตจักรและการคิดทางดนตรีทางโลกใหม่ คอนเสิร์ตได้รับความนิยมทั้งในฐานะจุดสิ้นสุดของการรับใช้ในโบสถ์และในฐานะที่เป็นเครื่องประดับในพิธีในศาล เขาเป็นจุดเด่นของรูปแบบและภาพที่สัมผัสกับปัญหาทางศีลธรรมและปรัชญาอย่างลึกซึ้ง
ถ้าเปรียบ “partes concerto เทียบชั้นได้กับคอนแชร์โต้ กรอสโซ่ จากนั้นโครงสร้างของคอนแชร์โต้ประสานเสียงคลาสสิกก็มีลักษณะที่เหมือนกันกับวงจรโซนาตา-ซิมโฟนี มันมักจะประกอบด้วยสามหรือสี่ส่วนที่แตกต่างกันด้วยวิธีการนำเสนอที่ตัดกัน ในส่วนสุดท้าย ตามกฎ วิธีการพัฒนาโพลีโฟนิกมีชัย
นักประพันธ์เพลงต่างประเทศที่โดดเด่นซึ่งอาศัยอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (D. Sarti, B. Galuppi) มีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการจัดคอนเสิร์ตประสานเสียงคลาสสิกของรัสเซีย ความสำเร็จสูงสุดของเพลงประสานเสียงรัสเซียแห่งการตรัสรู้นั้นสัมพันธ์กับชื่อของ M.S. Berezovsky และ D.S. บอร์ตเนียสกี้
แม็กซิม โซซอนโทวิช เบเรซอฟสกี (ค.ศ. 1745-1777)
M. S. Berezovsky เป็นปรมาจารย์ด้านดนตรีประสานเสียงรัสเซียที่โดดเด่นในศตวรรษที่ 18 ซึ่งเป็นหนึ่งในตัวแทนคนแรกของโรงเรียนนักแต่งเพลงแห่งชาติ ผลงานที่ยังหลงเหลืออยู่ของนักแต่งเพลงมีปริมาณน้อย แต่มีความสำคัญมากในสาระสำคัญทางประวัติศาสตร์และศิลปะ ในวัฒนธรรมดนตรีของยุค 60-70 ของศตวรรษที่ XVIII มันเปิดเวทีใหม่ - ยุคของความคลาสสิคของรัสเซีย
ชื่อของเบเรซอฟสกีถูกเรียกในหมู่ผู้ก่อตั้งคอนแชร์โต้ร้องประสานเสียงคลาสสิก a cap p ella : ผลงานของเขาร่วมกับผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลี Galuppi แสดงถึงขั้นตอนแรกในการพัฒนาแนวเพลงประเภทนี้
จุดสุดยอดของ M.S. เบเรซอฟสกีกลายเป็นคอนเสิร์ต “อย่าปฏิเสธฉันในวัยชรา” . นี่คือ ผลงานชิ้นเอกของดนตรีรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ที่ได้รับการยอมรับในระดับสากล เทียบเท่ากับความสำเร็จสูงสุดของศิลปะยุโรปร่วมสมัย คอนเสิร์ตขนาดเล็กถือเป็นงานที่ยิ่งใหญ่ ดนตรีของเขาเผยให้เห็นโลกฝ่ายวิญญาณที่หลากหลายของบุคคล กระทบกับอารมณ์ที่ลึกซึ้งและความถูกต้องของชีวิต
ทั้งในข้อความและเพลงของคอนแชร์โต้ ได้ยินน้ำเสียงส่วนตัวอย่างชัดเจน นี่คือคำพูดของบุคคลที่หนึ่ง คำวิงวอนขอวิงวอนต่อพระผู้ทรงฤทธานุภาพ (ฉัน ส่วนหนึ่ง) ถูกแทนที่ด้วยภาพการกดขี่ข่มเหงของบุคคลโดยศัตรูที่มุ่งร้าย ( II ส่วน - "แต่งงานและเลียนแบบเขา") . ตามด้วยหัวข้อใหม่ - คำอธิษฐานแห่งความหวัง ("พระเจ้า คุณล้มเหลว" -สาม ส่วนหนึ่ง) และสุดท้ายตอนจบเต็มไปด้วยการประท้วงที่น่าสมเพช มุ่งต่อต้านความชั่วและความอยุติธรรม (“ขอให้ผู้ที่ใส่ร้ายจิตวิญญาณของข้าพเจ้าได้รับความอับอายและพินาศ”) ข้อเท็จจริงที่ว่าธีมทั้งหมดของคอนแชร์โต้มีลักษณะทางอารมณ์เฉพาะเจาะจงที่พูดถึงความแปลกใหม่พื้นฐานของสไตล์ ซึ่งเอาชนะความเป็นกลางที่เป็นนามธรรมของธีมของการร้องเพลงของปาร์ตี้
งานทั้งสี่ส่วนเชื่อมโยงกันไม่เพียงแค่แนวคิดอันน่าทึ่งเพียงส่วนเดียวและตรรกะของโทนเสียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเส้นเสียงสูงต่ำด้วย: ธีมที่ไพเราะที่ฟังในการวัดครั้งแรกของคอนแชร์โต้กลายเป็นพื้นฐานทางภาษาของภาพอื่นๆ ทั้งหมด มีความสำคัญอย่างยิ่งโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เกรนที่มาจากต่างประเทศในขั้นต้นจะถูกเปลี่ยนเป็นธีมแบบไดนามิกและแน่วแน่ของความทรงจำสุดท้าย "ปล่อยให้พวกเขาละอายใจและหายไป ... " ซึ่งเป็นจุดสุดยอดในการพัฒนาวัฏจักรทั้งหมด
Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751-182)
D. S. Bortnyansky พัฒนาประเภทหลักของการประสานเสียงประสานเสียงคลาสสิกรัสเซีย ผสมผสานองค์ประกอบของเครื่องดนตรีฆราวาสและดนตรีคริสตจักรแกนนำในดนตรี ตามกฎแล้วคอนแชร์โตของเขามีสามส่วน สลับกันตามหลักการ เร็ว-ช้า-เร็ว บ่อยครั้งส่วนแรกที่สำคัญที่สุดในวัฏจักรประกอบด้วยสัญญาณของโซนาตาซึ่งแสดงในการเปรียบเทียบธีมที่ตัดกันสองรูปแบบซึ่งกำหนดไว้ในอัตราส่วนยาชูกำลัง การกลับไปที่คีย์หลักจะเกิดขึ้นเมื่อสิ้นสุดการเคลื่อนไหว แต่ไม่มีการทำซ้ำเฉพาะเรื่อง
Bortnyansky เป็นเจ้าของคอนเสิร์ต 35 คอนเสิร์ตสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงแบบผสม 4 เสียง, 10 คอนเสิร์ตสำหรับ 2 นักร้องประสานเสียง, เพลงสวดของโบสถ์อื่นๆ จำนวนหนึ่ง รวมถึงคณะนักร้องประสานเสียงฆราวาส รวมถึงเพลงประสานเสียงที่มีใจรัก "A Singer in the Camp of Russian Warriors" ในเนื้อเพลง V. A. Zhukovsky (2355)
หนึ่งในผลงานที่ลึกซึ้งและเป็นผู้ใหญ่ของอาจารย์ - คอนเสิร์ตครั้งที่ 32 ทำเครื่องหมายโดย P.I. ไชคอฟสกีในฐานะ "ดีที่สุดในบรรดาสามสิบห้า" ข้อความนี้นำมาจากสดุดี 38 ของพระคัมภีร์ซึ่งมีบรรทัดดังกล่าว: "บอกฉันทีพระเจ้าจุดจบของฉันและจำนวนวันของฉันเพื่อที่ฉันจะได้รู้ว่าอายุของฉันเป็นอย่างไร ... ฟังพระเจ้าคำอธิษฐานของฉัน และฟังเสียงร้องของฉัน อย่าเงียบน้ำตาของฉัน ... ". มีสามการเคลื่อนไหวในคอนแชร์โต้ แต่ไม่มีความแตกต่างระหว่างพวกเขา ดนตรีมีความโดดเด่นด้วยความสามัคคีของอารมณ์ที่โศกเศร้าและความสมบูรณ์ของใจความ ภาคแรกเปิดด้วยธีมสามเสียงชวนให้นึกถึงสดุดี XVII ศตวรรษ. ส่วนที่สองเป็นตอนสั้นของโกดังร้องเพลงที่เข้มงวด ตอนจบที่มีรายละเอียดซึ่งเขียนในรูปแบบของความทรงจำ เกินขนาดของสองส่วนแรก ดนตรีในตอนจบถูกครอบงำโดยเสียงแผ่วเบาอันแผ่วเบา สื่อถึงคำอธิษฐานที่กำลังใกล้ตายของบุคคลที่กำลังจะสิ้นใจ
คอลเลกชันของเพลงรัสเซีย
สำหรับวัฒนธรรมรัสเซียขั้นสูงทั้งหมด XVIII ศตวรรษมีลักษณะเฉพาะด้วยความสนใจอย่างลึกซึ้งในวิถีชีวิต ประเพณี และขนบธรรมเนียมของผู้คน การรวบรวมและการศึกษานิทานพื้นบ้านอย่างเป็นระบบเริ่มต้นขึ้น นักเขียนชื่อดัง Mikhail Dmitrievich Chulkov รวบรวมคอลเล็กชั่นเพลงพื้นบ้านรัสเซียชุดแรก
เป็นครั้งแรกที่มีการสร้างโน้ตดนตรีของเพลงพื้นบ้านคอลเลกชันที่พิมพ์ออกมาพร้อมการจัดเรียงจะปรากฏขึ้น: Vasily Fedorovich Trutovsky ("คอลเลกชันเพลงง่าย ๆ ของรัสเซียพร้อมโน้ต") นิโคไล อเล็กซานโดรวิช ลโวฟ และ Ivan Prach (“ รวมเพลงลูกทุ่งรัสเซียพร้อมเสียง”)
คอลเล็กชั่น Lvov-Prach มี 100 เพลง ซึ่งส่วนใหญ่เป็นตัวอย่างคลาสสิกของนิทานพื้นบ้านรัสเซีย: "โอ้ คุณ หลังคา หลังคาของฉัน", "มีต้นเบิร์ชอยู่ในทุ่ง", "ไม่ว่าจะอยู่ในสวน ในสวน" . ในคำนำของคอลเลกชั่น (“On Russian Folk Singing”) N. Lvov เป็นครั้งแรกในรัสเซียที่ชี้ให้เห็นถึงความสร้างสรรค์ที่ไม่เหมือนใครของโพลีโฟนีประสานเสียงพื้นบ้านรัสเซีย
เพลงจากคอลเลคชันเหล่านี้ถูกใช้โดยทั้งคนรักดนตรีและนักประพันธ์เพลงที่ยืมพวกเขามาเพื่อผลงานของพวกเขา - โอเปร่า, เครื่องดนตรี, บทเพลงไพเราะ
ในช่วงกลางของ XVIII ศตวรรษที่มีคอลเลกชันที่เป็นเอกลักษณ์ของมหากาพย์รัสเซียและเพลงประวัติศาสตร์ที่เรียกว่า "คอลเลกชันของ Kirsha Danilov" . ไม่มีข้อมูลที่เชื่อถือได้เกี่ยวกับคอมไพเลอร์ สันนิษฐานว่า Kirsha Danilov (Kirill Danilovich) เป็นนักร้องด้นสดซึ่งเป็นตัวตลกที่อาศัยอยู่ในเหมือง Urals เขาบันทึกท่วงทำนองของเพลงในหนึ่งบรรทัดโดยไม่มีข้อความซึ่งวางแยกไว้ต่างหาก
โรงเรียนนักแต่งเพลงแห่งชาติรัสเซีย
การก่อตัวในช่วงครึ่งหลังของ XVIII ศตวรรษแห่งฆราวาสแรกในรัสเซีย โรงเรียนนักแต่งเพลง. การเกิดของเธอคือจุดสุดยอดของการตรัสรู้ของรัสเซีย . บ้านเกิดของโรงเรียนคือเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งความสามารถของตัวแทนที่ฉลาดที่สุดเจริญรุ่งเรือง ในหมู่พวกเขามีผู้ก่อตั้งโอเปร่ารัสเซีย V.A. Pashkevich และ E.I. โฟมิน ปรมาจารย์ด้านดนตรีบรรเลง I.E. Khandoshkin ผู้สร้างที่โดดเด่นของคอนแชร์โตจิตวิญญาณคลาสสิก M.S. Berezovsky และ D.S. Bortnyansky ผู้สร้างห้อง "เพลงรัสเซีย" O.A. Kozlovsky และ F.M. Dubyansky และอื่น ๆ
นักแต่งเพลงชาวรัสเซียส่วนใหญ่มาจากสภาพแวดล้อมพื้นบ้าน พวกเขาซึมซับเสียงที่มีชีวิตชีวาของนิทานพื้นบ้านรัสเซียมาตั้งแต่เด็ก ดังนั้นจึงเป็นธรรมชาติและสมเหตุสมผลที่รวมเพลงพื้นบ้านไว้ในเพลงโอเปร่ารัสเซีย (โอเปร่าโดย V. A. Pashkevich และ E. I. Fomin) ในการแต่งเพลง (ความคิดสร้างสรรค์ของ I. E. Khandoshkin)
ตามประเพณีของศตวรรษก่อน แนวเสียง ทั้งฆราวาสและวัด พัฒนาอย่างกว้างขวางที่สุดในยุคแห่งการตรัสรู้ ในหมู่พวกเขามีคอนแชร์โต้ประสานเสียงทางจิตวิญญาณ โอเปร่าการ์ตูน และเพลงแชมเบอร์ เช่นเดียวกับในนิทานพื้นบ้าน ในแนวเพลงเหล่านี้ ทัศนคติต่อคำที่เป็นพื้นฐานของดนตรีจะถูกรักษาไว้ ผู้แต่งบทเพลงถือเป็นผู้แต่งโอเปร่าและกวีถือเป็นผู้แต่งเพลง ชื่อของนักแต่งเพลงมักจะอยู่ในเงามืดและเมื่อเวลาผ่านไปก็ลืมไป
โอเปร่าการ์ตูนรัสเซีย
กำเนิดโรงเรียนกวีแห่งชาติ XVIII ศตวรรษที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการพัฒนาของโอเปร่ารัสเซีย มันเริ่มต้นด้วยละครตลกซึ่งอาศัยผลงานตลกของนักเขียนและกวีชาวรัสเซีย: Y. Knyazhnin, I. Krylov, M. Popov, A. Ablesimov, M. Matinsky
เนื้อหาเกี่ยวกับโอเปร่าการ์ตูนมีอยู่ทุกวัน โดยมีเนื้อเรื่องที่ไม่ซับซ้อนแต่น่าสนใจจากชีวิตประจำวันของรัสเซีย วีรบุรุษของเธอเป็นชาวนาที่มีไหวพริบ ทาส เศรษฐีที่ตระหนี่และโลภ เด็กสาวที่ไร้เดียงสาและสวยงาม ขุนนางที่ชั่วร้ายและใจดี
Dramaturgy ขึ้นอยู่กับการสลับบทสนทนากับ ตัวเลขดนตรีขึ้นอยู่กับรัสเซีย เพลงพื้นบ้าน. กวีระบุไว้ในบทเพลงว่าควรร้อง "เสียง" (เพลงยอดนิยม) อย่างใดอย่างหนึ่ง ตัวอย่างคือโอเปร่ารัสเซียที่รักมากที่สุด XVIII ศตวรรษ "เมลนิคเป็นพ่อมด เจ้าเล่ห์ และผู้จับคู่" (1779) A. Ablesimov พร้อมดนตรีโดย M. Sokolovsky นักเขียนบทละคร A. O. Ablesimov เขียนข้อความของเขาทันทีตามเนื้อหาเพลงบางเพลง การมีส่วนร่วมของ M. Sokolovsky ประกอบด้วยการประมวลผลเพลงซึ่งนักดนตรีคนอื่นสามารถทำได้ดี (ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การประพันธ์เพลงนั้นมาจาก E. Fomin มาเป็นเวลานาน)
ความเจริญรุ่งเรืองของละครตลกได้รับการอำนวยความสะดวกโดยความสามารถของนักแสดงชาวรัสเซียที่โดดเด่น - E.S. Yakovleva (ในการแต่งงานของ Sandunova บนเวที - Uranova) นักแสดงสาวเสิร์ฟ P.I. Kovaleva-Zhemchugova, I.A. ดมิเรฟสกี้
บทบาทที่โดดเด่นในการพัฒนาโอเปร่ารัสเซีย XVIII ศตวรรษที่เล่น Vasily Alekseevich Pashkevich(ค. 1742-1797) หนึ่งในนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียที่ยิ่งใหญ่ที่สุด XVIII ศตวรรษ. โอเปร่าที่ดีที่สุดของเขา (โชคร้ายจาก Carriage, Miserly, St. Petersburg Gostiny Dvor) ได้รับความนิยมอย่างมาก XIX ศตวรรษ. ปัชเควิชเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการเขียนทั้งมวล การแสดงลักษณะตลกที่เฉียบคมและมีจุดมุ่งหมายที่ดี ประสบความสำเร็จในการทำซ้ำเสียงสูงต่ำของคำพูดในส่วนเสียงร้อง เขาคาดหวังหลักการที่จะอธิบายลักษณะวิธีการสร้างสรรค์ของ Dargomyzhsky และ Mussorgsky ในภายหลัง
ศิลปินมากความสามารถพิสูจน์ตัวเองในโอเปร่า Evstigny Ipatievich Fomin(1761-1800). โอเปร่าของเขา "โค้ชบนฐาน" .(1787) โดดเด่นด้วยความเชี่ยวชาญในการขับร้องประสานเสียงของเพลงพื้นบ้านประเภทต่างๆ สำหรับแต่ละเพลง เขาพบรูปแบบการประมวลผลของตัวเอง โอเปร่านำเสนอเพลงที่เอ้อระเหย "นกไนติงเกลไม่ร้องตามพ่อ" และ "เหยี่ยวบินสูง" เพลงเต้นรำที่มีชีวิตชีวา "ต้นเบิร์ชโหมกระหน่ำในทุ่ง", "เด็กหนุ่ม, เด็กหนุ่ม", "จากใต้ต้นโอ๊กจาก ภายใต้ต้นเอล์ม”. หลายเพลงที่เลือกสำหรับ "โค้ช" สามปีต่อมาแทบไม่เปลี่ยนแปลงเข้าสู่ "คอลเลกชันเพลงพื้นบ้านรัสเซีย" โดย N.L. Lvova - I. ประชา
ในงานอื่น ๆ ของเขาเรื่องประโลมโลก Orpheus (ตามข้อความโดย Y. Knyaznin ตามตำนานโบราณ, 1792), Fomin ได้รวบรวมธีมที่น่าเศร้าเป็นครั้งแรกในโอเปร่ารัสเซีย ดนตรีแนวประโลมโลกได้กลายเป็นหนึ่งในสุดยอดผลงานศิลปะแห่งการตรัสรู้ของรัสเซีย
ในทาบทามซึ่งนำหน้าเรื่องประโลมโลก พรสวรรค์ของโฟมินในฐานะนักซิมโฟนีได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ ในนั้นนักแต่งเพลงที่มีสไตล์ที่น่าทึ่งสามารถถ่ายทอดความน่าเศร้าของตำนานโบราณได้ ในความเป็นจริง Fomin ก้าวแรกสู่การสร้างซิมโฟนีรัสเซีย ดังนั้นในลำไส้ของโรงละครเช่นเดียวกับในยุโรปตะวันตกซิมโฟนีรัสเซียในอนาคตจึงถือกำเนิดขึ้น
โอเปร่าของ Fomin ชื่นชมตรงกลางเท่านั้น XX ศตวรรษ. ในช่วงชีวิตของนักแต่งเพลงชะตากรรมบนเวทีของพวกเขาไม่มีความสุข โอเปร่า "Coachmen on a Frame" ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับโฮมเธียเตอร์ยังไม่เป็นที่รู้จักของสาธารณชนทั่วไป การแสดงละครการ์ตูนเรื่อง The Americans (สำหรับบทโดยหนุ่ม I.A. Krylov) ถูกห้าม (ผู้อำนวยการโรงละครของจักรวรรดิไม่ชอบสิ่งนั้นในระหว่างการพัฒนาพล็อตชาวอินเดียนแดงกำลังจะเผาชาวยุโรปสองคน)
เนื้อเพลงเสียงในครัวเรือน
การเกิดชั้นใหม่ของนิทานพื้นบ้านมีความสำคัญในการปฏิรูปอย่างมากในศิลปะพื้นบ้าน - เพลงเมือง. มันเกิดขึ้นบนพื้นฐานของเพลงชาวนาพื้นบ้านซึ่ง "ปรับ" ให้เข้ากับชีวิตในเมือง - การแสดงรูปแบบใหม่: ทำนองของมันมาพร้อมกับคอร์ดที่บรรเลงด้วยเครื่องดนตรีบางอย่าง
ในตอนกลางของ XVIII ศตวรรษในรัสเซีย แนวเพลงแนวใหม่กำลังเกิดขึ้น - "เพลงรัสเซีย" . เรียกว่าผลงานเสียงพร้อมบรรเลงประกอบในตำราบทกวีรัสเซีย โคลงสั้น ๆ ในเนื้อหา "เพลงรัสเซีย" เป็นผู้บุกเบิกความรักของรัสเซีย
บรรพบุรุษของ "เพลงรัสเซีย" เป็นบุคคลสำคัญในราชสำนักของแคทเธอรีน II , คนรักดนตรีที่มีการศึกษา กริกอรี่ นิโคเลวิช เทปลอฟ ผู้แต่งหนังสือเพลงพิมพ์ภาษารัสเซียเล่มแรก“ ในขณะเดียวกันความเกียจคร้าน ... ” (1759) ในแง่ของรูปแบบและลักษณะการนำเสนอเพลงของ Teplov เป็นตัวแทนของประเภทการนำส่งจากลาดเทไปสู่ความโรแมนติกพร้อมกับคลอ รูปแบบของเพลงของเขามักจะเป็นคู่
ประเภทของ "เพลงรัสเซีย" นั้นเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับประเพณีพื้นบ้าน จึงไม่น่าแปลกใจที่เพลงของผู้แต่งหลายคนกลายเป็นเพลงพื้นบ้าน ("ที่นี่ไปรษณีย์ทรอยก้ารีบเร่ง" โดย Ivan Rupin สู่เนื้อเพลงโดย F. N. Glinka)
ในตอนท้ายของ XVIII ศตวรรษได้รับการเลื่อนตำแหน่งผู้เชี่ยวชาญที่มีพรสวรรค์ของประเภทแกนนำแชมเบอร์ - Fedor Dubyansky และ Osip Kozlovsky . "เพลงรัสเซีย" ที่สร้างขึ้นโดยพวกเขาซึ่งมีส่วนเปียโนที่พัฒนาแล้วพอสมควรและรูปแบบที่ซับซ้อนมากขึ้นถือได้ว่าเป็นความรักครั้งแรกของรัสเซีย เสียงสะท้อนของชีวิตในเมืองนั้นได้ยินอย่างชัดเจน (“The Dove Dove Moans” โดย Dubyansky, “Sweet Evening Sat”, “A Cruel Fate” โดย Kozlovsky)
บทกวี "เพลงรัสเซีย" ที่ใช้กันอย่างแพร่หลายโดยกวีชื่อดัง: Sumarokov, Derzhavin, Dmitriev, Neledinsky-Meletsky ด้วยเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่าง สิ่งเหล่านี้มีความเกี่ยวข้องกับอารมณ์ศิลปะโดยทั่วไป อารมณ์อ่อนไหว. ตามกฎแล้ว นี่คือเนื้อเพลงความรัก: การทรมานและความสุขของความรัก การพลัดพราก การทรยศและความริษยา "ความหลงใหลที่โหดร้าย"
"เพลงรัสเซีย" นิรนามที่เผยแพร่โดย F. Meyer ("คอลเลกชันเพลงรัสเซียที่ดีที่สุด", 1781) ก็เป็นที่นิยมเช่นกัน
ดนตรีบรรเลง
ในยุค 70-80 ของ XVIII ศตวรรษ การก่อตัวของเครื่องมือในห้องมืออาชีพเริ่มขึ้นในรัสเซีย ในเวลานี้ นักดนตรีชาวรัสเซียเชี่ยวชาญด้านดนตรีบรรเลงที่ซับซ้อน โดยพัฒนาแนวเพลงโซนาตาเดี่ยว รูปแบบต่างๆ และวงดนตรีแชมเบอร์ กระบวนการนี้เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการแพร่กระจายของการทำดนตรีที่บ้านอย่างแพร่หลาย เป็นเวลานานที่ดนตรีแห่งชีวิตในเมืองหรือชีวิตในอสังหาริมทรัพย์ยังคงเป็น "อาหารเลี้ยงเชื้อ" ซึ่งต้นอ่อนต้นของรูปแบบเครื่องดนตรีประจำชาติทำให้สุก
เครื่องดนตรีรัสเซียชุดแรกเป็นของ Dmitry Bortnyansky นี่คือกลุ่มเปียโนและแชมเบอร์ซิมโฟนี ซึ่งจริงๆ แล้วเป็นเซ็ปเทตสำหรับเปียโน ฮาร์ป ไวโอลินสองตัว วิโอลาดากัมบา บาสซูน และเชลโล
โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่ชื่นชอบคือชิ้นการเต้นทุกประเภท - minuets, polonaises, ecossess, การเต้นรำแบบคันทรี - และรูปแบบต่างๆของเพลงพื้นบ้านสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ หลากหลายรูปแบบสำหรับไวโอลินที่สร้างขึ้น Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747-1804) ตัวแทนของโรงเรียนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - นักแต่งเพลงนักไวโอลินอัจฉริยะผู้ควบคุมวงและอาจารย์ที่โดดเด่น Khandoshkin มีชื่อเสียงด้านศิลปะการแสดงด้นสดเขาเล่นวิโอลากีตาร์และบาลาลิกาได้ดี
ในประวัติศาสตร์ดนตรีรัสเซีย ชื่อของ Khandoshkin เกี่ยวข้องกับการก่อตั้งโรงเรียนสอนไวโอลินแห่งชาติ มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ส่วนใหญ่ของเขาประกอบด้วยรูปแบบต่างๆ ของเพลงพื้นบ้านรัสเซียและโซนาตาสำหรับไวโอลิน ไวโอลิน 2 ตัว ไวโอลินและวิโอลา หรือไวโอลินพร้อมเบส การแต่งเพลงเหล่านี้ทำให้ดนตรีแชมเบอร์รัสเซียออกจากวงล้อมของ การทำดนตรีที่บ้าน การได้มาซึ่งขอบเขตอัจฉริยะ นอกจากนี้ยังเป็นสิ่งสำคัญที่พวกเขาจะต้องบรรลุความเป็นอันหนึ่งอันเดียวกันอย่างเป็นธรรมของภาษาเครื่องมือยุโรปและนิทานพื้นบ้านรัสเซีย นักวิจัยเชื่อว่าท่วงทำนองของเพลงบางเพลงที่ผู้แต่งนำมาเป็นธีมสำหรับรูปแบบต่างๆ ได้รับการบันทึกครั้งแรกโดยเขา
ชุดรูปแบบเปียโนของรัสเซียเขียนขึ้นโดย Trutovsky (เช่นในรูปแบบของเพลงพื้นบ้าน“ ในป่ามียุงมากมาย) Karaulov รวมถึงนักดนตรีต่างชาติที่ทำงานในรัสเซีย
บทบาทของนักดนตรีต่างชาติในการพัฒนาดนตรีรัสเซียมีสองเท่า การตำหนิติเตียนที่ยุติธรรมของสาธารณชนขั้นสูงนั้นเกิดจากการที่กลุ่มชนชั้นสูงชื่นชมอย่างคนตาบอดในทุกสิ่งที่มาจากต่างประเทศ ซึ่งเกี่ยวข้องกับการประเมินศิลปะของรัสเซียต่ำเกินไป ในเวลาเดียวกัน กิจกรรมของนักประพันธ์เพลง นักแสดง และครูจากต่างประเทศมีส่วนทำให้วัฒนธรรมดนตรีโดยรวมและการศึกษาของนักดนตรีมืออาชีพในประเทศเพิ่มขึ้น
ชะตากรรมของมรดกอันสร้างสรรค์ของเขาช่างน่าทึ่ง งานส่วนใหญ่ของนักประพันธ์ซึ่งดำเนินการตลอดศตวรรษที่ 19 ยังคงเป็นต้นฉบับและเก็บไว้ในโบสถ์ Court Singing ในทศวรรษแรก XX ศตวรรษ ที่เก็บถาวรที่ร่ำรวยที่สุดของโบสถ์ที่มีลายเซ็นต์เฉพาะของนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียหลายคนถูกเผา
ความสำเร็จและการยอมรับการอุปถัมภ์ของบุคคลที่สูงที่สุดมาถึงเบเรซอฟสกีตั้งแต่เนิ่นๆ เมื่ออายุยังน้อยและมีชื่อเสียงในรัสเซียในไม่ช้าเขาก็กลายเป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียคนแรกที่ได้รับการยอมรับให้เป็นสมาชิกของ Bologna Academy ที่มีชื่อเสียง อย่างไรก็ตาม แม้จะมีความแตกต่างในระดับสูง หลังจากกลับมายังบ้านเกิดของเขาหลังจากอยู่ต่างประเทศได้ 9 ปี Maxim Berezovsky ก็ไม่สามารถบรรลุตำแหน่งที่เห็นได้ชัดเจน การลงทะเบียนของเขาใน Court Chapel ในตำแหน่งเจียมเนื้อเจียมตัวของพนักงานธรรมดาเห็นได้ชัดว่าไม่สอดคล้องกับประสบการณ์ต่างประเทศที่ได้รับหรือความเป็นไปได้ที่สร้างสรรค์ เห็นได้ชัดว่าสิ่งนี้ทำให้นักแต่งเพลงรู้สึกผิดหวังอย่างขมขื่นแม้ว่าผู้รักการร้องเพลงในโบสถ์จะได้เรียนรู้การประสานเสียงทางจิตวิญญาณของเขาและชื่นชมอย่างมากจากผู้ร่วมสมัยของเขาโบสถ์ ทหาร และข้ารับใช้ วงออเคสตรา โรงละครส่วนตัว หรือได้รับการศึกษาที่บ้าน ในสภาพแวดล้อมทางวัฒนธรรม XVIII ศตวรรษ ดนตรีอยู่ในตำแหน่งที่ต่ำที่สุด มันขึ้นอยู่กับการอุปถัมภ์ทั้งหมด และนักดนตรีเองในสังคมชนชั้นสูงได้ครอบครองตำแหน่งของกึ่งผู้รับใช้ การสร้างสรรค์ของนักเขียนชาวรัสเซียมักถูกมองว่าเป็นเพลง "ชั้นสอง" เมื่อเปรียบเทียบกับผลงานของชาวเยอรมันหรือชาวอิตาลี ไม่มีนายในประเทศเพียงคนเดียวที่ไปถึงตำแหน่งสูงในศาล
แธดเดียส โรงสีที่ฉลาดและเจ้าเล่ห์ แสร้งทำเป็นพ่อมดผู้ทรงพลัง สับสนหัวของเพื่อนบ้านที่ฉลาดหลักแหลมของเขาอย่างสิ้นเชิง อย่างไรก็ตาม ทุกอย่างจบลงด้วยงานแต่งงานอันแสนสุขของหญิงสาว อันยูตา และฟีลิมอน เด็กชายในหมู่บ้านที่หล่อเหลา
ที่สถานีไปรษณีย์ - การติดตั้ง - โค้ชรวมตัวกัน ในหมู่พวกเขามีโค้ชหนุ่ม Timofey ที่ประสบความสำเร็จทั้งในการเผชิญหน้า สติปัญญา และความคล่องแคล่ว Fadeevna ภรรยาสาวสวยผู้รักสามีของเธออยู่กับเขา แต่ทิโมธีมีศัตรูที่น่าอิจฉาและร้ายกาจที่สุด นั่นคือ ฟิลก้า โปรลาซ่าหัวขโมยและหัวขโมย Filka คนนี้ใฝ่ฝันที่จะขายทิโมธีผู้โชคดีในฐานะสมาชิกใหม่และเข้าครอบครองภรรยาของเขาซึ่งดึงดูดเขามาเป็นเวลานาน และทิโมธีคงจะเป็นทหาร ถ้าไม่ใช่เพราะทหารผ่านศึก เขาช่วยทิโมธีให้เป็นอิสระในฐานะคนหาเลี้ยงครอบครัวเพียงคนเดียวของครอบครัวชาวนาจากการรับใช้ ฟิลก้าเองก็เป็นทหาร
Melodrama คือการแสดงละครที่มีดนตรีสลับกับการท่อง และบางครั้งก็เล่นพร้อมกันกับการออกเสียงของข้อความ
ดนตรีคลาสสิกและขั้นตอนหลักของการพัฒนา
คลาสสิก (จาก lat. сlassicus - แบบอย่าง) - สไตล์ในงานศิลปะของศตวรรษที่ 17 - 18 ชื่อ "ความคลาสสิก" มาจากความดึงดูดใจของความคลาสสิกแบบโบราณว่าเป็นมาตรฐานสูงสุดของความสมบูรณ์แบบทางสุนทรียะ ตัวแทนของความคลาสสิคดึงอุดมคติด้านสุนทรียะจากตัวอย่างศิลปะโบราณ ความคลาสสิคมีพื้นฐานอยู่บนความเชื่อในความสมเหตุสมผลของการมีอยู่ ในการมีอยู่ของระเบียบและความสามัคคีในธรรมชาติและโลกภายในของมนุษย์ สุนทรียศาสตร์ของความคลาสสิกประกอบด้วยกฎเกณฑ์ที่เข้มงวดซึ่งมีผลบังคับซึ่งงานศิลปะต้องปฏิบัติตาม สิ่งสำคัญที่สุดคือความต้องการความสมดุลระหว่างความงามและความจริง ความชัดเจนเชิงตรรกะ ความกลมกลืนและความสมบูรณ์ขององค์ประกอบ สัดส่วนที่เข้มงวด และความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างประเภท
ในการพัฒนาความคลาสสิคมี 2 ขั้นตอน:
ความคลาสสิคของศตวรรษที่ 17 ซึ่งพัฒนาขึ้นส่วนหนึ่งในการต่อสู้กับศิลปะบาโรกส่วนหนึ่งในการโต้ตอบกับมัน
ความคลาสสิกของการตรัสรู้ของศตวรรษที่ 18
ความคลาสสิคของศตวรรษที่ 17 เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับบาร็อคในหลาย ๆ ด้าน ได้รับการแสดงออกที่สมบูรณ์ที่สุดในฝรั่งเศส นี่คือความมั่งคั่งของระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ซึ่งให้การอุปถัมภ์สูงสุดแก่งานศิลปะของศาล และเรียกร้องความโอ่อ่าตระการและความงดงามจากมัน โศกนาฏกรรมของ Corneille และ Racine รวมถึงคอเมดี้ของ Molière ซึ่ง Lully ทำงานเป็นของเขา กลายเป็นจุดสุดยอดของศิลปะคลาสสิกของฝรั่งเศสในด้านศิลปะการละคร "โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ " ของเขามีรอยประทับของผลกระทบของคลาสสิก (ตรรกะที่เข้มงวดของการก่อสร้าง, ความกล้าหาญ, ตัวละครที่ถูก จำกัด ) แม้ว่าพวกเขาจะมีลักษณะแบบบาโรก - ความงดงามของโอเปร่าของเขาความอุดมสมบูรณ์ของการเต้นรำขบวนนักร้องประสานเสียง
ความคลาสสิคของศตวรรษที่ 18 ใกล้เคียงกับยุคแห่งการตรัสรู้ การตรัสรู้เป็นการเคลื่อนไหวในวงกว้างในปรัชญา วรรณคดี และศิลปะที่ครอบงำทุกประเทศในยุโรป ชื่อ "การตรัสรู้" อธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่านักปรัชญาในยุคนี้ (Voltaire, Diderot, Rousseau) พยายามให้ความรู้แก่พลเมืองของตน พยายามแก้ไขปัญหาเกี่ยวกับโครงสร้างของสังคมมนุษย์ ธรรมชาติของมนุษย์ และสิทธิของเขา ผู้รู้แจ้งเกิดขึ้นจากแนวคิดเรื่องอำนาจทุกอย่างของจิตใจมนุษย์ ศรัทธาในบุคคล ในใจของเขากำหนดอารมณ์ที่สดใสและมองโลกในแง่ดีซึ่งมีอยู่ในมุมมองของร่างการตรัสรู้
โอเปร่าเป็นศูนย์กลางของความขัดแย้งทางดนตรีและสุนทรียศาสตร์ นักสารานุกรมชาวฝรั่งเศสถือว่าเป็นประเภทที่ควรฟื้นฟูการสังเคราะห์ศิลปะที่มีอยู่ในโรงละครโบราณ แนวคิดนี้เป็นพื้นฐานของ K.V. กลั๊ค.
ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ของการตรัสรู้แบบคลาสสิกคือการสร้างประเภทของซิมโฟนี (วงจรโซนาตา - ซิมโฟนี) และรูปแบบโซนาตาซึ่งเกี่ยวข้องกับงานของนักแต่งเพลงของโรงเรียนมันไฮม์ โรงเรียนมานไฮม์ก่อตั้งขึ้นในเมืองมานไฮม์ (ประเทศเยอรมนี) ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 บนพื้นฐานของโบสถ์ในศาล ซึ่งนักดนตรีชาวเช็กส่วนใหญ่ทำงาน ในงานของคีตกวีของโรงเรียน Mannheim โครงสร้าง 4 ส่วนของซิมโฟนีและองค์ประกอบคลาสสิกของวงออเคสตราได้ถูกสร้างขึ้น
โรงเรียนมานไฮม์กลายเป็นผู้บุกเบิกโรงเรียนคลาสสิกแห่งเวียนนา - ทิศทางดนตรีที่แสดงถึงงานของ Haydn, Mozart, Beethoven ในงานของคลาสสิกเวียนนา วงจรโซนาตา-ซิมโฟนี ซึ่งกลายเป็นคลาสสิก ในที่สุดก็ถูกสร้างขึ้น เช่นเดียวกับประเภทของแชมเบอร์ทั้งมวลและคอนแชร์โต้
ในบรรดาแนวเพลงบรรเลง ดนตรีเพื่อความบันเทิงในชีวิตประจำวันประเภทต่างๆ ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ เช่น เซเรเนด เพลงหลากหลายที่ฟังในที่โล่งในตอนเย็น Divertimento (ความบันเทิงฝรั่งเศส) - งานบรรเลงแบบหลายส่วนสำหรับแชมเบอร์ทั้งมวลหรือวงออเคสตรา ผสมผสานคุณสมบัติของโซนาตาและห้องสวีทเข้าด้วยกัน และใกล้กับเซเรเนด น็อคเทิร์น
K.V. Gluck - นักปฏิรูปที่ยิ่งใหญ่ของโรงละครโอเปร่า
Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) - ชาวเยอรมันโดยกำเนิด (เกิดใน Erasbach (บาวาเรีย, เยอรมนี)) อย่างไรก็ตามเป็นหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา
กิจกรรมการปฏิรูปของ Gluck เกิดขึ้นที่เวียนนาและปารีส และดำเนินไปตามสุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิก โดยรวมแล้ว Gluck เขียนโอเปร่าประมาณ 40 เรื่อง - อิตาลีและฝรั่งเศส, ควายและซีรีส์, แบบดั้งเดิมและนวัตกรรม ต้องขอบคุณยุคหลังที่ทำให้เขามีตำแหน่งที่โดดเด่นในประวัติศาสตร์ดนตรี
หลักการปฏิรูปของ Gluck ได้ระบุไว้ในคำนำของเขาเกี่ยวกับเพลงประกอบละคร Alceste พวกเขาลงมานี้:
ดนตรีต้องแสดงออกถึงเนื้อความในบทกวีของโอเปร่า ดนตรีไม่สามารถดำรงอยู่ได้ด้วยตัวของมันเอง นอกเหนือจากการแสดงละคร ดังนั้น Gluck จึงช่วยเสริมบทบาทของพื้นฐานทางวรรณกรรมและนาฏกรรมของโอเปร่าอย่างมีนัยสำคัญ โดยทำหน้าที่รองเพลงประกอบละคร
โอเปร่าควรมีผลกระทบทางศีลธรรมต่อบุคคล ดังนั้นการอุทธรณ์ต่อแผนโบราณที่มีความน่าสมเพชและสูงส่ง ("Orpheus and Eurydice", "Paris and Helen", "Iphigenia in Aulis") G. Berlioz เรียก Gluck ว่า "Aeschylus of music"
โอเปร่าต้องสอดคล้องกับ "หลักสามประการแห่งความงามในทุกศิลปะ" - "ความเรียบง่ายความจริงและความเป็นธรรมชาติ" จำเป็นต้องกำจัดโอเปร่าที่มีคุณธรรมและการตกแต่งเสียงที่มากเกินไป (มีอยู่ในอุปรากรอิตาลี) แผนการที่สลับซับซ้อน
ไม่ควรมีความคมชัดระหว่างเพลงและบทบรรยาย Gluck แทนที่การท่อง secco ด้วยดนตรีประกอบซึ่งเป็นผลมาจากการที่มันเข้าใกล้เพลง (ในละครโอเปร่าแบบดั้งเดิมบทประพันธ์ทำหน้าที่เป็นตัวเชื่อมระหว่างหมายเลขคอนเสิร์ตเท่านั้น)
Gluck ยังตีความ arias ด้วยวิธีใหม่: เขาแนะนำคุณสมบัติของด้นสดอิสระเชื่อมโยงการพัฒนาของเนื้อหาดนตรีกับการเปลี่ยนแปลงในสภาพจิตใจของฮีโร่ อาเรียส บทสวด และคณะนักร้องประสานเสียงรวมกันเป็นฉากละครขนาดใหญ่
การทาบทามควรคาดหวังเนื้อหาของโอเปร่าแนะนำผู้ฟังเข้าสู่บรรยากาศ
บัลเล่ต์ไม่ควรเป็นตัวเลขคั่นระหว่างหน้าที่ไม่เกี่ยวข้องกับการกระทำของโอเปร่า บทนำจะต้องกำหนดโดยหลักสูตรของการแสดงละคร
หลักการเหล่านี้ส่วนใหญ่รวมอยู่ในโอเปร่า Orpheus และ Eurydice (ฉายรอบปฐมทัศน์ในปี ค.ศ. 1762) โอเปร่านี้เป็นจุดเริ่มต้นของเวทีใหม่ ไม่เพียงแต่ในงานของ Gluck แต่ยังรวมถึงในประวัติศาสตร์ของโอเปร่ายุโรปทั้งหมดด้วย ออร์ฟัสตามมาด้วยโอเปร่าผู้บุกเบิกอีกเรื่องหนึ่งของเขาคือ Alceste (1767)
ในปารีส กลักเขียนโอเปร่านักปฏิรูปเรื่องอื่นๆ: Iphigenia in Aulis (1774), Armida (1777), Iphigenia in Tauris (1779) การแสดงละครของพวกเขาแต่ละคนกลายเป็นงานที่ยิ่งใหญ่ในชีวิตของปารีสทำให้เกิดการโต้เถียงกันอย่างดุเดือดระหว่าง "Glukists" และ "Picchinists" - ผู้สนับสนุนโอเปร่าอิตาลีแบบดั้งเดิมซึ่งแสดงโดย Nicolo Picchini นักแต่งเพลงชาวเนเปิลส์ (1728 - 1800). ชัยชนะของ Gluck ในการโต้เถียงนี้ถูกทำเครื่องหมายด้วยชัยชนะของโอเปร่า Iphigenia ใน Tauris ของเขา
ดังนั้น กลัคจึงเปลี่ยนอุปรากรให้เป็นศิลปะแห่งอุดมการณ์ทางการศึกษาขั้นสูง แต่งเติมด้วยเนื้อหาที่มีคุณธรรมลึกซึ้ง และเผยให้เห็นความรู้สึกที่แท้จริงของมนุษย์บนเวที การปฏิรูปโอเปร่าของ Gluck มีอิทธิพลอย่างมากต่อผู้ร่วมสมัยและนักแต่งเพลงรุ่นต่อๆ มา (โดยเฉพาะงานคลาสสิกแบบเวียนนา)
