Австрийска галерия Белведере
Австрийска галерия Белведере (Österreichische Galerie Belvedere)
Австрийският Белведере е архитектурно-парков комплекс. Горният и Долният дворец Белведере са построени през 18 век по нареждане на принца на Савойя. Днес тук се намира Австрийската национална художествена галерия (Österreichische Galerie Belvedere), където са представени всички известни художници и скулптори на Австрия.
Архитектът Йохан Лукас фон Хилдебранд, поръчан от княза, построява истински шедьовър – виенския Белведере. Този необикновен замък се състои от два градински двореца, Долния и Горния Белведере, построени през 1714-1716 г. и 1721-1722 г. По това време жилищните дворци извън градските стени бяха високо ценени, но никой от тях не можеше да се сравни с Белведере на принц Евгений, който като върховен главнокомандващ на императорските войски, губернатор на Испанска Холандия и принц на управляващия дом на херцозите на Савойи, имал ранг на втори император във Виена.
Сравнително скромният Долен Белведер е служил като лятна резиденция на принца, докато много по-богатият Горен Белведер е бил предназначен да приюти колекцията му от произведения на изкуството и като място за съдебни тържества. Комплексът на замъка е великолепен пример за организация на бароков интериор, в който архитектурата е вписана в композиция от градини, тераси, рампи, великолепни алеи, фонтани и езера.
През 1903 г. е открита „Модерна галерия“ в оранжерия Долна Белведере. Името на музея скоро е променено на "Императорска австрийска държавна галерия", а след разпадането на монархията през 1918 г. на "Австрийска галерия".
През 1923 г. в Долния Белведер е открит Бароковият музей, а година по-късно в Горния Белведер се появява „Галерия от 19-ти век”.
След Втората световна война Музеят на средновековното изкуство се помещава в оранжерията на Долния Белведере. Бароковият музей все още остава в Долния Белведер, докато колекциите от 19-ти и 20-ти век запазват мястото си в Горния Белведер.
Колекциите на Белведере обхващат епохи от Средновековието до наши дни и само относително малка част от колекциите могат да бъдат постоянно експонирани, тъй като изложбеното пространство, въпреки размерите на двореца, е ограничено.
Галерията, в която са изложени произведенията на майстори на живописта от 9-ти и 20-ти век, френските импресионисти, се намира в Горния Белведер. Дворецът е построен за тържествени приеми. Вътрешните му интериори: входно стълбище; грациозната зала Terren, която служи като антре; мраморна зала, изрисувана със стенописи от Карлоне и украсена с мазилка; Таванните лампи на майстора Джакомо дел По могат да послужат като пример за преден бароков лукс. Тук можете да видите творбите на типичните представители на ранния австрийски експресионизъм Оскар Кокошка, Егон Шиле, както и на съвременни майстори и художници от периода на Бидермайер (Г. Валдмюлер, Р. фон Алт, Георг Валдмюлер, Ф. фон Амерлинг и др. ).
Но основното богатство на галерията са платната на Густав Климт. Горният Белведер представя значителна колекция от негови творби, сред които: "Целувката" - най-известният шедьовър на художника; "Златната Адел"; "Адам и Ева". Жизнеутвърждаващите, "слънчеви" картини на Климт се считат за въплъщение на стила "виенско ар нуво" - сецесионът. Колекцията съдържа и много произведения на немски и италиански майстори, както и творби на холандски и австрийски художници.
През 1903 г. по настояване на съвременни виенски художници е открита австрийската галерия Белведере, „Модерна галерия”, в оранжерията Долна Белведере. Това е колекция от барокови произведения и експонати на средновековното изкуство (те са изложени в оранжерията). Тук се провеждат временни тематични изложби. Долната зала на двореца е украсена със стенописи на Мартино Алтомонте. В Долния Белведере интериорната украса и антични мебели са перфектно запазени.
1. Егон Шиле. целувка.
2. Огюст Роден. Паметник на Виктор Юго. 1909 г. Теракота
3. Балтазар Пермозер. Триумф на принц Юджийн. 1718-1721
4. Мраморна зала в Долния Белведере
6. Общ изглед на Белведере. Гравюра от I.A. Korviny по рисунка на Соломон Клайнер. 1740 г
7.Принц Евгений Савойски. 1716 г
8. Георг Донер. Венера в ковачницата на Вулкан. 1735 г
9. Мраморна зала в Горния Белведер 
10. Густав Климт 
11. Неизвестен майстор. падане. 1521 г 
12. Густав Климт 
13.
14. Мраморна зала в Горния Белведер 
15. Франц Ксавие Месершмит. Зло като ад. 1770 г 
16. Неизвестен скулптор. Мадона с Младенеца. 1360 г 
17. Входно фоайе в Горен Белведере 
18. Входно стълбище в Горния Белведере. 
19. Неизвестен скулптор. Коленичил ангел. 1380 г 
20. Андреас Уртайл. Стояща фигура с вдигнати ръце (Страх). 1958 г. Бронз 
21. Фернан Кнопф. нимфа. 1896. Гипс 
22. Йохан Георг Дорфмайстер. Аполон и Минерва. 1761 г 
23. Огюст Роден. Густав Малер. 1909 г. Бронз 
24. Франц Ксавие Месершмит. Мария Терезия. 1765 г 
25. Къпачка. Пиер Огюст Реноар. 
Дворцовият комплекс Белведере и Виена отдавна са неразделни понятия. Ако първите два виенски двореца - Хофбург и Шьонбрун - принадлежаха на двойката хабсбургски владетели, то Белведере беше "скромното убежище" на принца на Савойя - великия командир на Свещената Римска империя, в която Австрия беше част 17 век, заедно с Германия и Чехия.
Защо да посетите:един от главните дворци на Виена, който освен външен лукс е богат и на вътрешна красота – тук са изложени известни творби на австрийски художници.
Работни часове:горният Белведере е отворен всеки ден от 9:00 до 18:00 часа, долният Белведере е отворен от 10:00 до 18:00 часа. Петък и в двата двореца е удължен ден - всички сгради на комплекса работят до 21:00 часа.
Каква е цената:комбиниран билет за разглеждане на целия комплекс струва 25€, деца и тийнейджъри до 19 години са безплатни!
Къде е: GPS координати: 48.19259, 16.3807 // Адрес на комплекса: Prinz Eugen-Straße 27, 1030 Wien (карта и повече подробности за това как да стигнете до там в статията по-долу).
Дворецът Белведере във Виена - преглед със снимка, история
Дворецът Белведере е лятната резиденция на принца на Савойя. Той с право е признат за скъпоценната перла на Австрия, истински пример за бароковото и архитектурно наследство на страната.
През 1955 г. в апартамента му е подписана Декларацията за независимост на страната. Днес в двореца се помещава Държавната национална галерия, където са представени творби на велики майстори.
Belvedere буквално се превежда като „красива гледка“. Панорамата от двореца до катедралата Свети Стефан и Виена отдолу е наистина красива.
Дворцовият комплекс Белведере във Виена е разположен на хълм и включва Долен и Горен Белведере. Долният дворец е построен през 1716 г. от принц Евгений Савойски. Намира се в огромен цъфтящ парк, украсен с цветни лехи и фонтани.
Година по-късно принцът решава да построи още един дворец, предназначен за тържествени приеми. И така се появиха двама братя, които заедно съставиха цял дворцов комплекс с великолепни сгради и чудесни градини.
И двата дворца са достъпни за посещение днес. Нека разгледаме по-подробно схемата на комплекса и всеки от дворците поотделно.
Схема на комплекс Белведере
По-долу е дадена диаграма на дворцовия комплекс Белведере във Виена.
От него се вижда, че се състои от три сгради и огромна паркова зона.
Белведере 21
В сградата под формата на голям стъклен куб се помещава Музеят за съвременно изкуство Белведере 21. Построен е едва през 1958 г., така че всъщност няма нищо общо с дворцовия комплекс от 18 век. Той е домакин на различни изложби и срещи на представители на съвременното изкуство в Австрия.
Долен дворец Белведере във Виена
В Долния Белведер залите и стаите, където е живял самият Евгений Савойски, са отворени за обществеността. Декорът на помещенията е просто луксозен, посетителите могат да видят колекция от скулптури и картини, които украсяват трапезарията и спалнята на принца, Златния кабинет и Огледалната зала.
Цялата украса на стаите е запазена почти в оригиналния си вид.
Горен Белведере във Виена
Upper Belvedere изглежда много по-луксозно от по-малкия си брат. Съдържа колекции от изкуство от XIX-XX век. Има картини на Реноар, Ван Гог, Моне и австрийския художник Густав Климт, включително известната му целувка.
Шедьоври на художници и красиви скулптури, разположени в залите на двореца, оставят незабравимо впечатление от Белведере във Виена.
Известната виенска галерия се намира точно в сградата на Горния Белведере.
Галерия Белведере Виена
Художествената колекция на галерията съдържа няколко хиляди творби, представящи осемстотин години история на изкуството. В реорганизираната си колекция от 2018 г. музеят представя австрийското изкуство от Средновековието до наши дни от нов ъгъл.
Творбите на художници и художници като Рюланд Фруауф Стари, Франц Ксавер Месершмид, Фердинанд Георг Велдмюлер, Густав Климт, Ерика Джована Клин, Егон Шиле, Хелена Функе или Оскар Кокошка се преплитат в многостранен диалог.
Схема на залите на Горния Белведер
Залите на първия етаж подчертават историята на Белведере като архитектурен обект и музей. Благодарение на това се създава противоречие между препратките към историята и модерността, което ви позволява да погледнете по-нов начин на това, което изглежда е известно от дълго време. Подробни надписи под картините и смислени текстове в залите засилват впечатлението за музея.
Щракнете върху диаграмата, за да я видите по-подробно (отваря се в нов прозорец)
Представянето на картините е организирано хронологично по епохи и е прекъснато от иновативни тематични стаи, посветени на въпроси от австрийската история, идентичност и изкуство.
Екскурзии до виенския Белведере
Най-добрият начин да опознаете Виена е чрез информативни разходки с местни жители, които могат да ви разкажат много интересни неща за града, които са скрити от обичайните туристически гледки. Това е особено важно при запознаване с изтънченото виенско изкуство. На руски език в Белведере се провеждат следните екскурзии с професионални историци на изкуството:
- — групов тур за 20€ на човек;
- — индивидуална обиколка за 250€ за група до 4 човека.
По правило цената на обиколката не включва входната такса за музея. Билети за дворцовия комплекс се закупуват отделно.
Цени за посещение
- 25 € - вход за Горен и Долен Белведере, както и модерния музей Белведере 21.
- 22 € - колекция от произведения на Густав Климт;
- 15 € - посещение на Горен Белведере;
- 13 € - цената за посещение на Долния Белведере;
- 8€ - Музей Белведере 21.
Удобно е, че можете да посетите всеки дворец поотделно, като изберете едно нещо по ваш вкус. В същото време един общ билет за посещение на целия комплекс Белведере ще бъде по-изгоден.
Белведере Виена на картата
На картата на забележителностите на Виена отбелязах дворцовия комплекс Белведере с пурпурен знак с дворцова икона в източната част на столицата.
За удобно разглеждане на картата, тя може да бъде намалена или увеличена, ако е необходимо. Освен това, когато кликнете върху етикетите, се появява подробна информация за всяко едно от интересните места във Виена.
Как да стигна до замъка Белведере
На трамваи номер 71 - спирка Унтерес Белведерена Долния Белведере или трамвай D до спирка Замъкът Белведере– вход директно до Горен Белведере и билетни каси, също с трамвай D, а също и № 18 и О може да се стигне до Квартал Белведере- това е през кръстовището от входа на парк Белведере, от тук се вижда главната фасада на Горния дворец.
Непосредствено до дворцовия комплекс няма метростанции. Затова или вървете пеша от тях за 10-15 минути, или дори стигнете до там с трамваи. Можете да вземете метрото по червената линия до гарата Hauptbahnhof. От тук ще трябва да изминете три пресечки или да карате една спирка на трамвай номер 18.
Дворецът и музей Белведере във Виена е културно наследство на Австрия. Удивителна е не само външната архитектура, „бродирана“ с барокови къдрици, но и вътрешната украса на дворцовия комплекс. Особен интерес представлява безценната колекция от картини в галерия Белведере.
Луксозен дворцов комплекс Белведере, Виена, с право се нарича австрийски Версай - архитектурата на сградите е толкова богата, а паркът около задачите е толкова елегантен. Преди няколко века замъците са построени като резиденция на принц Евгений Савойски. Няколко века по-късно именно в залите на дворците е подписан съдбоносният Виенски протокол, а малко по-късно и Декларацията за независимост на Австрия. В момента в резиденцията се помещава Националната галерия, където всеки турист може да оцени най-добрите творби на изтъкнати австрийски импресионисти и експресионисти.
История на Белведере
Името на дворцовия комплекс, разположен на хълм, се превежда от австрийски като "красива гледка". Наистина, именно живописният пейзаж стана една от причините през 1716 г. районът да бъде избран за построяването на резиденцията на командира Евгений Савойски.
Връщайки се след изтощителна война с турците, князът пожелал да има луксозен замък за лятната ваканция. И издигнат от известния архитект Йохан Лукас фон Хилдебранд Дворецът Белведеренапълно отговори на очакванията на великия командир.
По-късно обаче се оказа, че принцът се нуждае от друга сграда, в която ще могат да се провеждат балове, официални приеми и аудиенции. Така започва изграждането на втория замък с невероятно богат интериор, величествена зала, множество фрески и скулптури.
След смъртта на Юджийн собствениците на резиденцията се сменяха няколко пъти: сградите се оказаха притежание на императорското семейство и общинска собственост. днес Дворцов комплекс Белведере- местоположението на най-голямата художествена галерия и една от най-известните забележителности на Австрия.
Галерия Белведере
Днес външно дискретният Долен Белведере има статут на музей на живописта и скулптурата на Австрийската империя от 17-18 век. Оригиналното обзавеждане на замъка е запазено с лепенки барелефи, фрески, статуи и уникални стенописи. Не пропускайте да разгледате:
- Мраморни и Огледални зали;
- Зала на гротеските;
- спалня и кабинет на княза.
Горен Белведерев Виенаднес това е истинско място за поклонение на ценителите на творчеството на Густав Климт, Ван Гог, Реноар и други художници от XIX-XX век. Цената на представените в замъка произведения се оценява на милиарди евро. Въпреки че старинният интериор на залите не е запазен, величествените фасади, украсени с огромни скулптури, са наистина впечатляващи.
За да направи посещението на музея по-удобно за туристите, всеки дворец разполага с гардероби, кафенета и магазини за сувенири.
Не по-малко величествени са предните конюшни на замъка, кованите порти, украсени със статуи и огромен парк на три нива с басейни и водопад.
Как да отида там
Така как да стигна до Белведереможете да вземете метрото или трамвая, лесно е да посетите атракцията сами. Най-близката метростанция е Taubstummengasse, откъдето можете бързо да стигнете до Горния дворец. Ако обаче планирате обширен туристически маршрут, трябва да започнете с обиколка на Долния Белведере. Можете да стигнете до тук с трамваи по следните маршрути:
- 71 (спирка Unteres Belvedere);
- D (спирка Schloss Belvedere).
След като посетите бившата резиденция на принца, можете да се разходите из луксозния парк, да се полюбувате на картините в Горния Белведере и след това да отидете до Музея на модерното изкуство или други атракции, разположени в центъра на града.
Ако не знаете къде се намира Белведере във Виена и как да стигнете до замъка, можете да се обадите на такси. Официалният адрес на дворцовия комплекс е Виена, ул. Принц Ойген. 27.
Билети и работно време
Цените на билетите се различават в зависимост от това кои обекти планирате да посетите.
- Единичен билет до Горния Белведере струва 14 EUR (11,5 - на намалена цена).
- Еднократно посещение на Долния Белведере и оранжерията струва 11 EUR (8,5 - с отстъпка).
- Пълен билет, който ви позволява да посетите двата замъка, оранжерията, Музея на модерното изкуство и Зимния дворец струва 31 EUR (26,5 EUR - намалена цена).
Можете да използвате билета повече от веднъж - валиден е 30 дни от първото посещение.
Предлагат се отстъпки за билети за студенти и пенсионери (над 65 години) с придружаващи документи. Посетителите под 18 години могат да посещават музеите безплатно.
Вратите на дворците са отворени за посетители от 10 до 18 часа всеки ден, а в сряда музеят работи до 21 часа. Можете да се разходите из парковия комплекс безплатно през деня.
Галерия Белведере (Виена, Австрия) - изложение, работно време, адрес, телефони, официален сайт.
- Екскурзии за Нова годинакъм Австрия
- Горещи туровекъм Австрия
Предишна снимка Следваща снимка
Дворецът Белведере във Виена е интересен сам по себе си, но любителите на изкуството също са привлечени тук от прекрасна колекция от картини и скулптури. Едноименната галерия е открита през 1903 г., когато художествената асоциация "Сецесион" кани виенчани да се запознаят с произведенията на австрийски и чуждестранни художници, които отхвърлят класическата живопис. Организаторите дариха по-голямата част от експонатите на новия музей, включително картината на Ван Гог "Равнината в Овер". По това време никой все още не си е представял бъдещата им стойност.
„Ядрото” на галерията са 24 картини на Густав Климт, изложени в Горния дворец, сред които „Целувката” е автопортрет на художника с приятелката му Емилия Флеге. Красиви са и другите му творения от „златния период“: „Юдит“, „Адам и Ева“, „Фриц Ридлер“. В резултат на следвоенната реституция 10 картини, включително и двете известни Адел, бяха върнати на наследниците на предишните собственици, но това, което остава, изненадва и радва.
Голям интерес представляват картините на Егон Шиле "Семейство" и "Прегръдка". Алегоричният цикъл на „Петте сетива“ на Ханс Макарт в академичен стил изглежда чужд сред модернистичните платна, но именно той се смята за предшественик на Густав Климт. Мраморната зала на Долния дворец е украсена със стенописи на Мартино Алтомонте на митологични сюжети. В него са изложени предмети на средновековното изкуство и произведения в бароков стил. В свободни зони се организират тематични изложби и временни експозиции.
Практическа информация
Адрес: Виена, Prinz-Eugen-Strasse 27. Уебсайт (на английски).
Как да стигнете: с трамвай номер 71 до спирка. Unteres Belvedere или No D, 2 до спирката. Шварценбергплац.
Работно време: всеки ден от 10:00 до 18:00 часа. Цена на билета за възрастни - 22 евро, за пенсионери и студенти - 19 евро, входът за тийнейджъри до 18 години е безплатен. Цените на страницата са за ноември 2018г.
Густав Климт. Фермерска градина с цветя (Градината на пивоварната на град Лицлберг на Атерзее). Около 1906г
Изкуството от първата половина на 20 век
Фердинанд Ходлер (1853–1918). Вълнение. 1900 г
Швейцарският художник Фердинанд Ходлер е най-яркият представител на символизма. Още приживе той придобива слава като един от най-успешните изразители на естетиката на епохата на Арт Нуво. Стилът на Ходлер е разпознаваем: той създава произведения с монументална простота, декоративна двусмисленост, в които една от основните роли играе символичният характер на цвета и композицията.
Обръща се внимание на пространствените характеристики и цвета на картината. Ходлер обичаше да изобразява изолирани фигури на хора сякаш извън времето и пространството. Неговите герои не са портрети, а типове, те са ценни не сами по себе си, а като характеристики на определени държави или професии. Условността на пространството и особената колоритност се обясняват с дълбокия интерес на художника към средновековната религиозна живопис. Уловеният момент е много прост и не се поддава на интерпретация, като същевременно притежава невероятна привлекателност и фина двусмисленост. Важна роля в това усещане за значимост играе монументалността на изобразената фигура.
Франц фон Мач (1861–1942) Хилда и Франц Мач 1901
Австрийският художник и скулптор Франц фон Мач е виден представител на виенския Югендстил. Jugendstil е едно от имената на Арт Нуво като цяло, художествено течение от началото на 19-20 век, което се характеризира с широк спектър от характеристики. Общи черти са преразглеждането на сухите академични правила на живописта, интерес към себеизразяването или определена художествена концепция (историзъм, ориентализъм), експерименти с композицията, присъщата стойност на символичните или орнаментални интерпретации на темата. Франц фон Мач пробва ръката си в много жанрове и техники. Той е автор на надгробни паметници и фонтани, проектира костюми за актриси и заедно с Густав Климт проектира и изпълнява монументални фрески за Виенския университет. Една от забележителностите на Виена е известният часовник Anker-Ur, който той създава.
Тази картина е групов портрет, художникът е изобразил малките си дъщери. Особено забележимо е влиянието на символиката, привържениците на която обръщаха голямо внимание на цвета. Авторът прави белия цвят на роклята и косата на една от дъщерите сребърни, той грее с някакъв неземен блясък. Светлината в картината е условна, фигурите и предметите не са осветени естествено, със сенки, а равномерно. Изглежда, че любящият баща се стреми не просто да улови деца, но да създаде за тях цял свят, далеч от тревогите на нашето време. Обръща се внимание на използването на любима техника на иновативните художници от края на 19-20 век: фигурата вляво е отрязана по ръба, точно като фигурата на конче играчка, което означава отхвърляне на конвенционални правила на образа, намерението да грабнеш миг от потока на живота. Въпреки това, докато момичетата гледат директно към зрителя, си личи, че позират умишлено. Подобна комбинация от умишлено и случайно е характерна за живописта от този период.
Клод Моне (1840-1926). Пътека в градината на Моне в Живерни. 1902 г
Основната цел на импресионистите е била да рисуват природата „каквато е“, а не „каквато трябва да бъде“ според академичните канони. Ето защо моменталните впечатления, взаимодействието на светлинни и цветни вълни и нестабилните състояния на въздуха играят важна роля в тяхната работа.
Тази картина изобразява известната градина на Клод Моне. С него е свързан периодът от 43-годишния творчески живот на майстора - тук са рисувани почти всички пейзажи. Гъста зелена алея, буйни гъсталаци от храсти и цветя изпълват платното с безброй цветни петна, всичко се слива в топло движение на въздуха, сякаш оживява в приказен сън.
Тина Блау (1845–1916). Крио в Пратера. 1902 г
Тина Блау е една от най-талантливите и известни австрийски художници от 19-ти и началото на 20-ти век. Наред с такива майстори като Карл Мол, Якоб Шиндлер и Мари Егнер, тя се смята за представител на импресионизма. Блау беше известна с пейзажната си работа, както и с натюрморта и портретите на своите виенски колеги художници, които създава в края на кариерата си.
Пейзажите на художника се отличават със сдържаната си колоритност, те са много солидни, почти неокласически по композиция. Blau съчетава интереса към импресионистичната интерпретация на околния въздух и моделиране на светлина и сянка с ясна, почти геометрично строга структура за изграждане на пейзажен изглед. Необходимо е да се отбележи основната особеност на маниера на автора - естеството на картината на художника е много плоска по текстура, тя се различава от класическия френски импресионизъм, чиито майстори предпочитат да нанасят боя много гъсто, пастообразно. Блау посвети целия си живот на пейзажната живопис, тя разработи специален курс на обучение за студенти и дълги години успешно се занимава с преподавателска дейност. Художникът прекара десет години в творчески пътувания в Италия, посети много европейски градове, след което създаде голям брой платна.
Цяла поредица от картини, донесли успеха на Блау сред публиката, е посветена на най-известния градски парк във Виена - Пратер. Художникът дълго време живееше близо до него. Това платно изобразява гледка към първия австрийски хиподрум Крио. Творбата, както всички творби на Блау, се отличава със сдържан колорит, отлична техника на рисуване, фино лирично настроение, което се създава от импресионистично прецизни щрихи.
Ричард Герстъл (1883–1908). сестри Фей. 1905 г
Посетителите на галерия Белведере имат уникалната възможност да се запознаят с произведенията на австрийския художник Рихард Герстл, чието творчество се развива под знака на експресионизма. Неговата трагична съдба заслужава внимание. Веднъж той се запознава със семейството на великия композитор Арнолд Шьонберг и това събитие променя живота на художника. Той беше покорен от Матилда Шьонберг, съпругата на маестрото, дори прекара с нея лятото на 1908 г. Но романсът не продължи дълго, жената скоро се върна при съпруга си. Зашеметен от раздялата, Герстл се затворил в ателието си, изгорил част от любовната кореспонденция, вероятно и част от платната, и се самоубил. Той беше само на 25 години. Близките събрали останалите 66 картини и ги поставили в склада на магазина на по-големия брат на художника. Само двадесет години по-късно, в началото на 30-те години, той показва картините на търговец на произведения на изкуството. Той беше шокиран от тяхната изразителна сила и таланта на неизвестен автор.
Съдбата обаче беше неблагоприятна за Герстл дори след смъртта. Известно време след откриването на първата изложба на негови творби Австрия е насилствено присъединена към нацистка Германия. Творбите на художника са забранени с етикета „дегенеративно изкуство“. Едва след свалянето на фашисткия режим, картините на този незаслужено забравен майстор започват да се връщат на обществеността.
Герстл беше отличен портретист, както личи от това платно. Той създава образи на сестри, които пленяват зрителя със своята несигурност, уязвимост и особен наивен поглед към света. Жените гледат доверчиво, с усмивка. Художникът рисува много свободно, избирайки условно кафяв планарен фон. Конвенцията е подсилена от умишлено детския начин на рисуване и привидно произволни щрихи-отблясъци.
Пиер Огюст Реноар (1841–1919) Момиче с руса коса 1904–1906
„Аголи“ е цял цикъл картини на Реноар. Това произведение от късния период на творчеството, то показа в целия си блясък основните качества на живописта на художника: скулптурност и здрава конструкция на фигурите, любов към сложните комбинации от цветове, изляти в скучен, мистериозен блясък. Портретът е изпълнен с чувственост, цялото внимание на майстора е насочено към младостта, величието на момичето, художникът буквално се наслаждава на телесността на модела. През последните си десетилетия Реноар страда от артрит, болестта много затруднява работата му, до края на живота си художникът е обездвижен.
Карл Мол (1861–1945). брезова гора
Карл Мол рисува картини, пълни със символистичен, мистичен звук. Отличителна черта на творчеството на майстора е, че той създава мистериозния свят на своите платна не с помощта на знаци, алегории или литературни сюжети, а по специален начин, показвайки фрагменти от природата.
Този пейзаж е написан условно (което е характерно за художника). Зелена трева със златист блясък, сребристо-златисто небе привличат вниманието със своята необичайност. Изкуството на Мол е пряко свързано с творческата практика на великия Густав Климт, който допълнително задълбочава условната неяснота на цветовата схема на картините. Освен това, начинът на нанасяне на боя и специалната визия на природата говорят за силно влияние върху автора на творчеството на Винсент ван Гог (Мол обичаше и активно популяризира неговото изкуство в Австрия). Прави впечатление как художникът работи с текстурата: той извайва брезови стволове с черна и бяла боя, като ги прави груби, което създава много ефективен контраст с условността на целия пейзаж. Платното, характерно за изкуството на символизма като цяло, е портрет на състоянието на природата и самия автор. Подобни портретни пейзажи са продължение на тенденция, която вече се е появила сред романтиците през първите десетилетия на 19 век. Към новия XX век традицията се обогатява с нови колористични и композиционни решения. Художниците спряха сляпо да следват природата и подредиха природните явления по метафорично-символистичен начин.
Едвард Мунк (1863–1944). Парк в Кьозен. 1906 г
Норвежецът Едвард Мунк е художник от 20-ти век, станал известен в живописта, графиката, работил е за театъра, създавал теоретични произведения за изкуството. Стилът на Мунк се формира пряко под влиянието на парижката живописна школа, по-специално на нейните майстори като Пол Гоген, Анри Тулуз-Лотрек, Винсент Ван Гог. Мунк разработи широк, свободен начин на нанасяне на точкови бои, които често, както в тази работа, се смесват директно върху платното, а не върху палитра. Майсторът предпочиташе теми, свързани с философията на символизма. Той разработи художествени метафори за самота, изчезване и смърт.
В началото на 1900-те художникът постоянно страда от нервно напрежение, така че приятелите му го канят да се отпусне в тихия немски град Бад Кьозен. Там той отсяда при д-р Макс Линде, познавач и ценител на изкуствата. Картината изобразява неговия парк, където е монтирано копие на известната статуя "Мислителят", изработена от самия Роден. Мунк я изобразява тук горе вдясно, а по-късно и отделно. Пейзажът се отличава с много жива, свежа палитра, авторът, сякаш играе, свободно нанася боя.
Бронзия Колер-Пинел (1863–1934). Почистване на хляб. 1908 г
Бронзия Колер-Пинел е талантлива австрийска художничка от първите десетилетия на 20-ти век, повлияна от всички основни тенденции на Ар Нуво. Нейният стил еволюира от импресионизма в началото на кариерата й, Jugendstil до експресионизма и „Нова обективност“ в последните години от живота й. Колър-Пинел е най-значително повлиян от френски постимпресионисти като Винсент ван Гог и Пол Гоген. Следата на нео-примитивизма е очевидна: нейните творби се отличават с директен поглед към света около тях.
През 1902 г. художникът попада в кръга на Густав Климт и майсторите на Виенския сецесион. Къщата й е украсена от такива звезди на сецесиона като Йозеф Хофман и Коломан Мозер. В него Колер-Пинел организира светски вечери, на които присъстваха философи, музиканти, художници, сред тях беше и известният Егон Шиле.
В тази картина художникът въплъщава една от любимите теми на постимпресионистите, сюжетът за прибиране на реколтата е прославен от Ван Гог. Традиционно означава желанието на твореца да се докосне символично до простия човешки живот с помощта на живописта. Тогавашните майстори търсят извор за пречистване от градската суета в дълбините на селския живот. Зрителят не вижда лицата на героите, а само прегърбените им фигури. Безименните герои са фокусирани върху работата си, те са твърде незначителни на фона на земята, напускаща хоризонта. Снопите са направени почти наивно и образуват своеобразен орнамент със своята монотонност.
Колер-Пинел е една от малкото жени от онова време, която успя да постигне успех и признание в живописната област. Може би затова, въпреки отличното качество на работа и високия професионализъм, работата й често предизвиква атаки от страна на критиците. В наше време името Koller-Pinel твърдо влезе в историята на европейското изкуство.
Ловис Коринт (1858–1925). Дамата в аквариума със златни рибки. 1911 г
Ловис Коринт е един от най-ярките представители на немския импресионизъм. Художникът се пробва в различни теми: той беше майстор на портрети, плодотворно работи по темите на древната митология. От 1891 г. Коринт се присъединява към Берлинския сецесион. Заедно с друг известен немски импресионист, Макс Либерман, художникът е смятан за най-популярния и търсен художник на тази брилянтна берлинска асоциация.
1909 г. той прекарва в курорта Мекленбург. Картините от този период се отличават с особено спокойствие, топлина на домашна атмосфера. Представеното платно изобразява съпругата на автора. Работата е направена в най-добрите традиции на импресионизма. Пространството е майсторски създадено: на платното на практика няма празно, незапълнено място. Зрителят се озовава в уютен, обзаведен с любов апартамент, където всичко е заровено в зеленина. Позата на жената привлича вниманието: изглежда, че току-що седна на дивана. Създава се впечатлението, че в това движение, в нейния съсредоточен и спокоен поглед към книгата, е отразена същността на семейния уют, с който художникът наистина е бил заобиколен благодарение на грижите на съпругата си. Известни са още няколко отлични семейни портрета на майстора.
Коломан Мозер (1868–1918). Портрет на жена в профил. Около 1912г
Коломан Мозер е един от най-видните художници на Виенския сецесион, основател на сдружението „Виенски работилници“. Неговите творчески принципи, особено в графиката и дизайна, са от основно значение за развитието на тези области през 20-ти век. През натоварения си творчески живот създава книги, графични произведения - от пощенски картички до винетки за списания, работи с модни дрехи, създава витражи, сервизи, бижута и мебели. Художникът обичаше да рисува прости мъжки и женски фигури, които със своята монументалност и безхудожественост наподобяват творбите на друга известна фигура в стил Арт Нуво - Фердинанд Ходлер. Мозер предпочиташе синьото и розовото, цветовете, типични за символистите, представящи мистичния свят на раждането, самотата и смъртта.
Жената, показана в профил, изглежда побеляла от светлина, но произходът й е неясен. Изглежда, че това не е слънчева светлина, а лунна светлина или дори отражения на някакви невидими за зрителя огньове. Така с чисто изобразителни средства майсторът създаде мистериозна, двусмислена атмосфера на своята лаконична работа. Образът на персонаж в профил, когато погледът на модела отвежда зрителя някъде отвъд ръба на картината, е характерен и за художници от последното десетилетие на 19 - началото на 20 век, символисти, прерафаелити.
Оскар Кокошка (1886-1980.) Портрет на художника Карл Мол. 1913 г
Оскар Кокошка е един от най-известните и отличителни художници в Австрия, известен със своя запомнящ се експресионистичен стил на рисуване.
Портретите донесоха най-голямата слава на майстора. Ето портрет на художника Карл Мол. Впечатляваща е фигурата на изобразения и големите му ръце. Големите ръце са една от традиционните техники, което означава, че човек на труда е пред зрителя. Художникът, според Кокошка, е преди всичко работник, а не празен представител на Бохемия. Портретът е нарисуван по традиционен за автора начин: той плътно полага боя, активно пречупва пространството, изглежда, че се огъва заедно с фигурата на Мол.
Оскар Ласке (1874–1951). Кораб на глупаците. 1923 г
Австриецът Оскар Ласке е известен със своята живопис и архитектура. Голяма част от наследството на художника се състои от скици от пътуванията му в Европа и Северна Африка. Ласке работи в жанра на пейзажа и градската живопис, платната му се отличават с ярък, пронизващ цвят. Майсторът участва в битките на Първата световна война и този опит значително повлия на неговия мироглед, отразен в голям брой картини на военни теми и сюжети от морален характер.
„Корабът на глупаците“ е произведение, което изобличава пороците, горчива критика на човешките грехове. Това е алегорична картина със сложен, многоизмерен и разклонен сюжет. Темата му не е нова в изкуството: известно е едноименното произведение (1495–1500, Лувър, Париж) на великия холандец Йероним Бош. Платното може да се разглежда много дълго време и да се намират все повече метафори и поучителни истории. Например сцената на Разпятието има за цел да покаже, че Христос е дал живота си напразно за греховете на човечеството. Вдясно, почти в средата, има дълга опашка на борсата на труда, което показва икономическата криза, в която са били немскоговорящите страни в края на 1910-те и началото на 1920-те години. Оскар Ласке, следвайки своите средновековни предшественици, изобличава греховете на сладострастието, прелюбодеянието, лъжесвидетелстването, алчността. Художникът въвежда образи на представители на Бохемия, празна публика, а до тях са сцени на прелюбодеяние, средновековни изображения на смъртта под формата на скелет с ятаган, дявол във фрак, чревоугодници под формата на коремни чудовища и много други.
Подобни платна, наследяващи и актуализиращи морализаторските тенденции на средновековната култура, бяха много търсени след Първата световна война. Художниците се опитаха да разберат целта и жертвите на най-голямото и безмилостно клане от онова време.
Густав Климт
Густав Климт. Водни змии I. 1904–1907
Густав Климт (1862–1918). Портрет на Соня Книпс. 1898 г
Густав Климт е един от най-популярните съвременни художници. Неговите творби се отличават с най-високо майсторство и виртуозност на изпълнение.
„Портрет на Соня Книпс“ е пример за ранното творчество на художника. Трябва да се каже няколко думи за модела. Соня Книпс, родена баронеса Поатие, беше жена с фина психическа организация, омъжена за богат мъж. Каузата за живота й е подкрепата на известните „Виенски работилници”. Като се съгласи да позира за Климт, тя направи смел акт - подкрепи скандалния художник: факт е, че Климт преди това е създал фрески за дизайна на Виенския университет, които клиентът разпозна като порнографски. В тази картина авторът римува нежния нюанс на белите цветя и роклята на героинята. Пред зрителя е класически портрет, който отговаря на идеалите на модерността. Художникът се възхищава на чертите на лицето на Соня, нейния концентриран, „хипнотизиращ“ вид. Позата на момичето е забележителна: тя сякаш току-що седна и замръзна за секунда. На портрета се придава специална изтънченост от „вкус на античността“: роклята прилича на средновековните тоалети на английските кралици, цветята изглежда идват от холандски натюрморти, а черният фон е много популярен в европейските портрети на благородни личности. от 15-18 век. На него бледите черти и дрехите на Соня се виждат още по-ярко. Около жената възниква специална мистериозна аура, сякаш художникът е уловил нейното душевно състояние, изпълнено със спокойно достойнство. Портретът, разбира се, трябваше да ласкае клиента.
Густав Климт (1862-1918). Джудит I. 1901 г
Густав Климт (1862-1918). Джудит I. 1901 г. (подробност)
„Юдит I“ е една от най-известните картини на Густав Климт. Работата е извършена в т. нар. златен период, който се превръща в връх в творчеството му. Типът femme fatale най-много привлече майстора. Платното е моделирано от Адел Блох-Бауер, съпруга на филантроп, богат индустриален индустриалец, който спонсорира майстора. Адел позира за няколко известни творби на Климт (Портрет на Адел Блох-Бауер I, Джудит II), всички от които се отличават с чувственост. Еротизираният образ на Джудит е бил търсен още от Ренесанса. Тук художникът изобразява Юдит с главата на Олоферн. Героинята е символ на инструмента на победата в ръцете на Господ. Платното е много богато на текстура: авторът интензивно използва позлата, играе на съпоставянето на гъстия черен цвят на косата и полупрозрачната тъкан на пелерина.
Густав Климт. целувка. 1907–1908 г
Картината "Целувката" е един от акцентите в колекцията на галерия Белведере, шедьовър, който все още не е загубил своята завладяваща сила. Творбата се отличава с изтънчена декоративност, изящна еротика и многоизмерна метафора. Това произведение представлява най-известният етап в творчеството на майстора, съвсем основателно наричан „златен период“. Позлата се появява в творбите на Климт след пътуване до Италия, по-специално Венеция и Равена, където той е запленен от златото на византийските мозайки и се убеждава, че лаконизмът, плоскостта и условността на пространството имат уникална сила на влияние. Равнински и орнаментални свойства на съвременната монументална живопис позволиха на художника да интегрира хармонично спиритизма на древното религиозно изкуство. Майсторът създава незабравим авторски стил, сливайки заедно организма и пронизващата декоративност на модерността, символиката на цвета и настроението на епохата на декаданса.
Прави впечатление комбинацията от условен златист фон и кориците на героите с реалистична и много чувствена интерпретация на лица. Златист фон с блестящи точки, откровено орнаментален модел от цветя, поляна, която прилича на пътека от скъпоценни камъни, и мрачна чувственост, която буквално привлича окото, откритостта на погледа на жената направи картината „Целувката“ една от най-разпознаваемите произведения в световната история на изкуството. Тази алегорична по сюжета картина е и символистична поради семантичното натоварване на цвета. Творбите от „златния период“ на майстора оказват влияние върху принципите на изкуството и обществения вкус на културната публика през първите десетилетия на 20 век.
Густав Климт (1862–1918). Портрет на Йоханес Щауде
Густав Климт е известен със своята поредица от портрети на жени. Най-известните, богати и влиятелни европейци от началото на 20-ти век му поръчаха своите изображения. Представеното платно изобразява Йохан Щауде (1883-1967), това произведение е едно от последните произведения на майстора. Благородната простота на композицията привлича вниманието, героинята гледа право напред. Йохана позира за Климт повече от веднъж (между другото, тя беше и модел на Егон Шиле). Лека маска за лице е обрамчена от синьо-черна коса и кожена боа. Klimt използва естетическа и пронизваща гама от ярко сини, наситени червени и черни цветове. В редица по-късни творби този портрет се откроява със своята простота, която подчертава красотата на жената. Моделът е облечен в тоалет от известните Виенски работилници.
Густав Климт (1862-1918) Портрет на жена в бяло. Около 1917–1918 г
Галерия Белведере притежава най-голямата колекция от творби на Густав Климт. Австрийският художник е съосновател на прочутия Виенски сецесион и организатор на изложби през 1908-1909 г., които запознават художествените среди на Австрия с постиженията на световния авангард. Още приживе Климт постигна огромен успех сред публиката и клиентите, най-богатите и влиятелни семейства в Европа искаха да имат снимка на четката му. На 56-годишна възраст майсторът умира неочаквано от пневмония, оставяйки голям брой недовършени творби, „Портрет на жена в бяло“ е една от тях.
Струва си да се обърне внимание на квадратния формат на платното - Климт често го е използвал. Квадратът означава математическа хармония, равенство на хоризонталното (светско) и вертикалното (божествено). Естетическата чистота на равните линии на фигурата, нейният баланс отговаряха идеално на лаконичния, изискан интериор на клиентите на Климт, ценители на стила Арт Нуво. Хармонията се вижда и в почти орнаменталната композиция на платното. Авторът разделя картината наполовина по диагонал на черно и бяло. Той влиза в лицето на непозната дама точно по средата. Така зрителят има възможност да проследи процеса на създаване на произведение на изкуството. Майсторът премина от симетрия и чисти геометрични линии към елегантен декоративизъм в крайния финал. Жената, подобно на много други героини, има много ярка маска за лице. Това е едновременно художествено преувеличение и следване на тогавашната мода. Въпреки че платното не е завършено, то има привлекателност, присъща на творчеството на Климт.
Егон Шиле
Егон Шиле. Майка с две деца. 1915–1917 г
Егон Шиле (1890–1918). Малкият Райнер (Хърбърт Райнер на около шест години). 1910 г
Заедно с Оскар Кокошка и Густав Климт Егон Шиле е един от лидерите на виенското ар нуво. Приживотните изложби на младия художник се провеждат в най-големите художествени центрове на Европа, в градове като Виена, Прага, Цюрих, Берлин и Париж. Шиле разработи разпознаваем авторски стил, който съчетава орнаменталната плоскост на модерността, нервни, изразителни контурни линии и почти натуралистични детайли на мускулите на тялото. Всички герои в неговите творби са подобни на скелети и малко или много отразяват физиологичните характеристики на самия майстор. В това експертите виждат и неговия устойчив интерес към вътрешните, духовни сили на човека, символиката, датираща още от духовното изкуство на Северния Ренесанс. Шиле е загрижен за човешките чувства, емоционалност, те се проявяват в буквално отблъскващи телесни характеристики.
Художникът е рисувал Малкия Рейнер повече от веднъж, една рисунка се съхранява в Музея на изкуствата Метрополитън. Портретът от Белведере е много остроумен и богат на декорация. Момчето е представено в стилизирана ориенталска рокля и поза. Той е облечен в скъпа, добре изработена копринена роба. Доминиращата част на платното е наситен пурпурен цвят. Зрителят е впечатлен от контраста на спокойна, отпусната, буквално медитативна, но монолитна, събрана позиция на героя и палавото забавление на лицето му. Шиле набляга на големите ръце на детето. Удължените нервни пръсти са знак за духовната тънкост на човек и неговата бохемска принадлежност.
Егон Шиле (1890–1918). Слънчогледи. 1911 г
Австрийският художник Егон Шиле става един от най-значимите представители на епохата на Арт Нуво. Изборът на тема за творбата "Слънчогледи" не е случаен: написана е по стъпките на известните "Слънчогледи" от Винсент ван Гог. Картината на майстора е изключително популярна сред австрийските художници, защото е излагана няколко пъти в големи галерии във Виена. Шиле, подобно на Ван Гог, преосмисля метафората за крехкостта на всичко съществуващо, въвеждайки в творчеството си мотива за ставане и изчезване. Цветята традиционно са служили като символ на живота и красотата, обречени на смърт. Под влиянието на Ван Гог слънчогледите са рисувани от друг майстор Густав Климт, близък до Шиле. Платното има характер на почти абстрактна композиция. Ярки петна от цветя са вплетени в тъмни листа. Този полунатюрморт-полупейзаж олицетворява кръговрата на човешкия живот.
Егон Шиле (1890–1918) Прегръдка 1917
Творбите на Егон Шиле в жанра пейзаж, портрет, гол са пропити с драматичен контраст на съпоставяне на живот и смърт, любов и чувство на самота, статика и динамика. Основната линия, основната тема, която даде тласък на творческото вдъхновение на художника, беше темата за еротика, секс, телесна любов. Историците на изкуството виждат в творбите на майстора творческа интерпретация на идеите на Зигмунд Фройд за решаващото значение на либидото в човешкия живот. Наследството на Шиле включва стотици графични и живописни произведения, изобразяващи откровени любовни сцени, еротични образи на жени и скици на сексуални актове.
Второто име на представената картина е „Любовна двойка II, мъж и жена“. Тази тема свързва Шиле с Густав Климт, друг известен представител на австрийското сецесионно изкуство, но творчеството на първия е по-физиологично, изразително в своя натурализъм. Художникът изобразява тела, буквално покрити с кожа, където се вижда всеки напрегнат мускул. Обръща се внимание на техните цветови характеристики: светлият тон на кожата на героинята и тъмният тон на мъжете. Мъжете традиционно са изобразявани с по-тъмен цвят на тялото още от древноегипетското изкуство. Общата гама на картината също е значителна. Шиле работи в палитрата на постимпресионисти и авангардисти, такава комбинация от маслина, охра, бежово, тъмно кафяво и бяло, свалена от черно, се среща например при Пикасо в периода 1907-1914 г.
Егон Шиле (1890–1918) Четири дървета 1917
Егон Шиле е известен със своя разпознаваем авторски стил, който се формира на пресечната точка на Ар Нуво и Експресионизъм. От Арт Нуво художникът взе елегантността на линията, финеса на орнаменталните детайли, естетическите комбинации от елегантни цветови нюанси. Експресионистичният стил се изразява в начина на изобразяване на човешки тела, които буквално са наелектризирани от еротика. Пейзажите заемат почетно място в творческото наследство на Шиле, въпреки че не са толкова известни на широката публика, колкото неговите еротични рисунки.
Авторът изгражда творбата „Четири дървета“ върху слоеве за рисуване: всяка хоризонтална линия е отделена от предишната с дебел цветен контур. Тази техника има двоен ефект: прави пейзажа декоративен, а благодарение на оцветяването на слоевете с пронизващи розови и сини цветове, придобива екзистенциален характер. Оцветяването на картината създава тревожно, дори страшно впечатление, тъй като розовите и сините цветове са били символи на живота и смъртта за съвременните художници. Както самият Шиле каза, движенията на облаците, шарката на дърветата, водата, планините му напомнят за движенията на човешките тела. Учителят смяташе, че импулсите, излъчвани от природата, са свързани с емоциите, усещанията и състоянията на човек. Четири дървета наистина изглеждат като четирима души с различни характери, поведение и външен вид.
Егон Шиле (1890–1918). Семейство. 1918г
Големият австрийски художник Егон Шиле е живял кратък, но много ярък живот, изпълнен с творчески открития, познавал е славата в ранна възраст. В Белведере се съхранява една от най-интересните и представителни колекции от негови творби. Наред с Густав Климт, художникът е смятан за най-блестящия изразител на естетиката и културата на европейското Арт Нуво.
За да разберете тази работа на майстора, трябва да знаете неговата биография. През 1918 г., когато Шиле е само на 28 години, в Европа избухва тежка грипна епидемия, прочутият "испански грип", който отне живота на повече от 20 милиона души. Художникът започва да рисува „Семейство“, когато все още не подозира нищо за предстоящия край: той почина три дни след смъртта на бременната си съпруга. След като се разболя, художникът започна да преправя платното. Интересното е, че изобразената жена не е негова съпруга, а неизвестен модел; фигурата на мъж има характеристики на автопортрет. Работата остана недовършена. Външният вид на героите е поразителен. Те, примирени със съдбата, гледат някъде в далечината. Жестът на мъжа е впечатляващ – той докосва сърцето му, сякаш дава обет за вярност към семейството си. Кафявите земни цветове доминират върху платното, сякаш героите вече са в лоното на земята. В тази творба стилът на Шиле се променя, той става по-реалистичен, настроението на картината е много меко, покорно, дори просветлено. От експресионизма остана само драматичната символика на цвета.
