"Рисуване на графики"
Графиката е вид изобразително изкуство, което използва линии, щрихи, петна и точки като основни визуални средства.
Графични снимки. Цветът може да се използва и в графиката, но за разлика от живописта, тук той играе поддържаща роля.
Графични снимки. Когато рисуват графики, те обикновено използват не повече от един цвят (с изключение на основния черен), в редки случаи - два). В допълнение към контурната линия в графичното изкуство широко се използват щрих и петно, също контрастиращи с бялата (а в други случаи и цветната, черна или по-рядко текстурирана) повърхност на хартията - основната основа за графични произведения. Комбинация от същите средства може да създаде тонални нюанси. Най-често срещаната отличителна черта на графиката е специалното отношение на изобразения обект към пространството, ролята на което до голяма степен се играе от фона на хартията (по думите на съветския майстор на графиката В. А. Фаворски, „въздухът на бяло лист").
Графични снимки. Най-древният и традиционен вид графично изкуство е рисунката, чийто произход може да се види в примитивните скални резби и в древната вазопис, където основата на изображението са линията и силуетът. Задачите на рисуването имат много общо с живописта, а границите между тях са подвижни и до голяма степен условни: акварел, гваш, пастел и темпера могат да се използват както за създаване на собствени графични произведения, така и за картини по стил и характер.
Графични снимки. Графичното изкуство включва както самата рисунка, така и печатни произведения на изкуството (гравиране, литография и др.), базирани на изкуството на рисуване, но притежаващи собствени визуални средства и изразни възможности.
Графични снимки. В графиката, наред със завършените композиции, скици от природата, скици за произведения на живопис, скулптура, архитектура (рисунки на Микеланджело, Л. Бернини в Италия, О. Роден във Франция, Рембранд в Холандия, В. И. Баженов в Русия) имат самостоятелни художествени стойност.. Липсвайки такъв обем от пълнота на възможности като рисуването, при създаването на пространствена илюзия за реалния свят, графиките с голяма свобода и гъвкавост варират степента на пространственост и плоскост; за графичните произведения може да е характерна задълбоченост на обемно-пространственото изграждане, задълбоченост при разработване на най-фините елементи на текстурата и разкриване на структурата на обект.
Наследството на графичното изкуство е разнообразно. Той е белязан от произведенията на световноизвестни майстори като Албрехт Дюрер (1471-1528), Франсиско Гоя (1746-1828), Густав Доре (1832-1883), японски художници Китагава Утамаро (1753-1806), Хирошиге Андо (1797). -1858) и гравьорът и чертожникът Хокусай Кацушика (1760-1849), чието творчество оказва значително влияние върху европейското изкуство в края на 19-ти и началото на 20-ти век.
От съвременните майстори на графиката най-известен е холандският художник Морис Ешер, който е един от първите, изобразяващи фрактали и става известен след публикуването на книгата „Grafiek en Tekeningen“, в която самият той коментира 76 свои най-добрите произведения.
И така, разгледахме историческите корени на графичното изкуство и съвременната графика.
Графичните изображения могат да бъдат самостоятелна част от изобразителното изкуство.
Картините на графиката, дадоха основата и развитието на толкова красиви видове изобразително изкуство, както и.
Графични снимки. Графична рисунка. Това е пълно изкуство. Графиката има дълга и богата история. Графичното изкуство е древна форма на изкуство. Графичните снимки са нашата модерност. Графичните картини се уважават и обичат.
Много хора се занимават с графики. Събирайте графики. Графичните графики са интересни и завладяващи.
Съвременното декоративно изкуство също не може да се представи без графики и графични изображения. Скици, скици, рисунки позволяват на художника да мисли по интересен и оригинален начин. Снимки на графики и рисунки са в основата на творчеството на всеки професионален майстор.
Графика, рисунка, графично изображение, графична рисунка могат да бъдат направени на базата на различни материали. Графика на хартия. Дървесна графика. Метална графика. Графика върху плат. Графика върху стъкло. Пясъчна графика.
Умелото графично изображение улавя и пленява зрителя не по-лошо от многоцветни картини, рисувани с маслени бои или акварел.
Графични снимки. Графиките са страхотни сами по себе си. Графиките са интересни. Графиката е вълнуваща. Графичните рисунки от майстори като Микеланджело се считат за безценни произведения на изкуството на рисуването, изкуството на графиката.
Графични снимки. Модерна графика.
Съвременната графика има своите майстори. Мнозина се специализират в посоката на графичното рисуване и цял живот се занимават с графика.
Съвременната графика има както своите фенове, така и своите ценители. Графичните рисунки са лесно придобити от много любители и колекционери. Графичните произведения също могат да бъдат много скъпи. Графичните картини не са евтини и отхвърлени в изкуството. Графичните картини са техният собствен красив свят във визуалните изкуства.
Графични снимки. Модерна графика. Нашата галерия представя огромно разнообразие от графични произведения. Има графични произведения за всеки вкус. Разгледайте по-отблизо нашите графични произведения. Графиката е вид магическа фея на модерното изкуство, но графиката е красива сама по себе си. Добрата графична рисунка или графична композиция може да украси всеки интериор със своята прекрасна аура. Графиките са страхотни!
Графиката завладя не само художниците. Картините на графиката се превърнаха в муза за майсторите на съвременната поезия.
Графиката на стиха е особен начин за запис на поетичен текст, за разлика от прозаичния.
„Тя започна да го целува целия намазан с мармалад и в опашката и гривата
и на витрината на хранителния магазин Елисеевски и в компютъра Macintosh
И той умишлено заменя едната или другата (ланита) дискета вместо нея
без да забравя да я целуна на всеки молив на Kohinoor."
В съвременната поезия има много термини от коренната дума – „Графични картини“. Например: специални графики на стихове, специални графики на стихове, специфични графики на стихове.
графики. Графиката прониква и прониква в целия ни живот. Те обичат графиката. Възхищавайте се на графиката. Те са любители на графиката. Някои хора страдат от графики.
Най-популярният и добре познат вид графика е рисуването. Всеки художник започва с графика и графични произведения.
графики. хартия. молив. Какво друго е необходимо. Разбира се, креативност. Със сигурност вдъхновение.
"Вземам молив, графит с буквата" T ",
Започвам да рисувам чувства.
И с трепереща ръка върху бял чаршаф
Нарушаване на законите на изкуството."
Графични снимки. Графиката прониква и прониква в целия ни живот. Те обичат графиката. Възхищавайте се на графиката. Те са любители на графиката. Много хора страдат от графики.
„Разкъсвам хартията с връх до дупки
И ударите не падат като дъжд.
Еликсир, пиян от душата от смъртта
Връща се със скърцане под зъби.
„Твърда графика! На парченца - хартия!
Пръстите ми вече започват да изтръпват.
Мелезата, която не вярваше в изоставянето си,
От меланхолия внезапно може да умре.
Графични снимки. Снимки графики украсяват живота ни. Те обичат графиката. Възхищавайте се на графиката. Те са любители на графиката. Много хора страдат от графики.
„Болка, вина, съжаление, негодувание, безнадеждност,
Надежда, гняв, грях, копнеж...
И любовта, която не прие дадеността на свободата,
Непростителност кръжи в храма..."
графики. Снимки графики украсяват живота ни. Те обичат графиката. Възхищавайте се на графиката. Те са любители на графиката. Мнозина в графика виждат своето щастие.
"Какво стана? Все още не са свършили работата.
От еклектизма на чувствата се оказа мазнина.
Бих изгорил тези линии на преплитане,
След като съживиха Феникса от огъня ... "
графики. Модерна графика.
Съвременната графика има своите майстори. Много художници се специализират в посоката на графичното рисуване и цял живот се занимават с графика.
Съвременната графика има своите фенове и ценители. Графичните рисунки са лесно придобити от много любители и колекционери. Графичните произведения също могат да бъдат много скъпи. Графичните картини не са евтини и отхвърлени в изкуството. Графичното изкуство е свой собствен красив свят в изобразителното изкуство!
Графични снимки! Модерна графика! Нашата галерия представя огромно разнообразие от графични произведения на художници. Има графични произведения за всеки вкус. Разгледайте по-отблизо нашите графични произведения. Картините на графики са вид магическа фея на модерното изкуство, но графиките са красиви сами по себе си. Добрата графична рисунка или графична композиция може да украси всеки интериор със своята прекрасна аура!
Графични снимки! Графиките са страхотни!
- Рисунки от класически художнициУважаеми потребители, можете да изтеглите графики на някои художници в rar архиви. Големи изображения. Актуализация в секцията Графична история.
- vk.com/сайт. Представяне на сайта "Графика" в контакт. Общността има много уроци за художници. Постоянно се добавят нови албуми на класически графични художници.
Творби на художниците от сайта "Графика".
графики- от една страна - вид изкуство, от друга - занимание, което е достъпно за всеки, и всички хора се занимават с него от малки. За да създадете графична рисунка, имате нужда само от лист хартия и материал за рисуване - молив или боя. Тоест, от една страна, графиките са публично достъпни.
Но от друга страна, това е сложна форма на изкуство, която трябва да се преподава по същия начин като живописта или скулптурата. Това е трудността и простотата на графиката. Всеки може да рисува, но само малцина могат да станат майстори.
Графиките са разделени на два вида: отпечатан (печат)предназначени за репликация; И уникален, което предполага създаването на произведения в един екземпляр.
Най-често срещаната отличителна черта на графиката е специалното отношение на изобразения обект към пространството, ролята на което до голяма степен се играе от фона на хартията, „въздухът на бял лист“, по думите на съветския майстор на графиката В. А. Фаворски. Пространствено усещане се създава не само от областите на листа, които не са заети от изображението, но често (например при акварелни рисунки) и фона на хартията, който се появява под цветния слой.
Предлагаме на вашето внимание секция: Библиотека за художници.
В „Библиотека” можете да изтеглите книги по изкуство, анатомия, история на изкуството, уроци по рисуване и рисуване за домашно обучение.
Както и 100 броя на списание Художествена галерия във формат djvu.
Изкуството на графиката е разнообразно. Включва политически плакат и рисунка от вестници и списания, книжна илюстрация и карикатура, индустриална приложна графика и филмова реклама. Голяма част от него е статива графика - рисунки и гравюри, изпълнени самостоятелно, извън специална практическа цел. Наречена е така по аналогия със станковата живопис, чиито произведения художникът създава на специална машина - статив; думата "графика" идва от гръцкото grapho (grafo) - пиша, рисувам. Разбира се, стативните графики не са напълно лишени от цел. Взимайки четка, молив или длето на гравьор, художникът винаги има конкретна цел. Той се стреми да предаде на хората своите мисли и чувства, своето разбиране за живота, да утвърди достойното в него и да накаже негативното, да покаже удивителната, скрита красота на света, виждан само от него. Но в същото време авторът на статива рисунка или гравюра не винаги преследва агитационна или обвинителна цел с работата си, като майстор на плакати и карикатури, не изпълнява рекламни или утилитарни задачи, като художници на плакати и индустриални графики, образите му, накрая, не са свързани с литературни герои и ситуации, както в произведенията на илюстраторите.
По същия начин майсторите на станковата живопис и скулптура, за разлика от стенописците и декораторите, създават самостоятелни произведения, които не са свързани с никакъв художествен ансамбъл - сграда, стая, площад, парк и т.н.
Статевната графика има много общо със стативната живопис. Въпреки че водещите им художествени средства са различни, и двата вида изкуство имат големи и в много отношения сходни възможности за изобразяване на природата, хората и цялото богатство на материалния свят. Различни аспекти от човешкия живот, който винаги е бил във фокуса на изкуството, предполагат добавянето на различните му жанрове в него - портрет, пейзаж, ежедневна или бойна композиция, натюрморт и т.н. Тези жанрове съществуват както в съветската живопис, така и в съветската графика . Светът на човешката душа е показан с особена дълбочина в многобройни произведения на станковата живопис, скулптура и графика. За тази психология, за многостранен и страхотен разговор със зрителя за човек, ние особено ценим стативното изкуство.
Имайки много общо с живописта, стативната графика, в същото време по начин на изпълнение - предимно на хартия, се доближава до всички останали видове графики по отношение на рисуването и техниките на гравиране. Той, както цялото семейство графични изкуства, се отличава със сравнителната скорост на изпълнение на нещата, както и с добри възможности за тяхното възпроизвеждане. Благодарение на това, първо, графиката има големи данни, за да бъде актуално изкуство, бързо реагиращо на събитията от обществения живот, изкуство, което живее в ритъма на модерността. Тези възможности, присъщи на графиката, както ще видим по-долу, неведнъж са били перфектно използвани от нейните майстори. Второ, тъй като графичният лист обикновено се изпълнява по-бързо от картина или скулптура (въпреки че от графика се изискват не по-малко духовна сила, талант и умение), той запазва специална непосредственост на общуване с природата, възможността за жива фиксация на то. Ако към това добавим, че техниката на изпълнение на графичните произведения е много разнообразна, става очевидно идейното и естетическото богатство на този вид изкуство.
Много интересни неща очакват внимателния зрител на графичните произведения. Не веднага, а постепенно пред него се разкрива оригиналността и красотата на всяка графична техника - сребристата яснота на рисунката с графитен молив и кадифената чернота на италианския молив, прецизната плавност на рисунките с химикалка с туш или туш, нежността на пастели и сангвиници. Постепенно се научаваме да оценяваме богатата гама от сиво-черни тонове, достъпни за рисуване с въглен, сос, черен акварел или мастило, прозрачната лекота на цветния акварел и по-тежкия, материален език на гваша. Възхищаваме се на разнообразния и гъвкав език на дърворезбите, на обобщените и лаконични форми на линогравюрата, на изразителността на светлината и сянката и на дълбочината на цвета в офорт, на свободния, богат на нюанси на цвета, на мекотата на моделирането, рисуването с литография молив.
Често художниците работят и със смесена техника, като комбинират в своите произведения, например, въглен, тебешир и някакъв вид молив или акварел и пастел, акварел и гваш и т.н.
И в литографията, и в техниките на гравиране зрителят вижда крайния резултат от работата на художника – отпечатък или отпечатък, иначе – гравюра. Много такива щампи могат да бъдат получени от една дъска или камък и всички те са еднакво оригинални произведения на изкуството. Тази особеност на щампите - доста големият им тираж при запазване на всички художествени достойнства - е особено ценна за нас.
Все повече и повече кръгове от съветски хора сега се присъединяват към изкуството. Те намират в печата пълнотата на мислите и естетическите преживявания, които доставя истинското велико изкуство, и в същото време печатът не е далечен музей, уникален, който виждаме само от време на време, а нещо, с което красотата влиза в нашия дом, в ежедневието.
Съветската станкова графика е обширна област от нашето изкуство, чиято все още ненаписана история включва прекрасни страници с големи художествени търсения и постижения. Той има свои собствени блестящи традиции както в руското изкуство, така и в редица други национални художествени школи. Почти всички големи художници от миналото са били и големи майстори на рисунката и акварела. Акварели на Александър Иванов и К. Брюлов, множество рисунки и акварели на Репин, графики на В. Серов и Врубел са шедьоври на нашето изкуство, изпълнени с вечен чар. Като демократично изкуство, пренасящо образите и мислите на художниците на хората, литографията се появява в Русия в началото на 19 век. Кипренски, Орловски, Венецианов, по-късно Перов, Шишкин, Вл. Маковски, Левитан и други художници. През четиридесетте години на 19-ти век Щедровски в албума „Тук са нашите“ показва на зрителя търговия, занаятчии, народни типове. Това беше първият опит за създаване на цветна литография в руското изкуство. Водещите художници от миналия век оценяват изкуството на гравюрата за относително по-голямата му достъпност за хората, защото приближава творенията им до публиката на народната публика. Класикът на украинската поезия и художник Т. Г. Шевченко, който работи в офорт, пише през 1857 г.: „От всички изящни изкуства сега най-много харесвам гравирането. И не без основание. обществото“. Шишкин също беше ентусиаст на офорт. И. Е. Репин многократно се обръща към различни техники за гравиране. Цялото жанрово разнообразие - битови, исторически сцени, портрет и пейзаж - се развива в литографията, офортът и рисунката от миналия век.
В графиката от началото на 20 век, както и във всяко изкуство, има сложно преплитане на понякога противоположни тенденции. Събитията от революцията от 1905 г. улавят с особена сила графиката на списанията, но намират отклик и в стативни неща - офорти на С. Иванов, в пастели на В. Серов, шокиран свидетел на репресиите на царизма срещу работниците. В тези творби, както и в изображенията на миньори, работещи жени, студенти от Касаткин, в рисунките на С. Коровин, изобразяващи войници, в листовете на Сергей Иванов, посветени на бедните мигранти, има интерес към работещия човек характерен за напредналото руско изкуство и съчувствие към неговата трудна и често трагична съдба. Но в графиката на тези десетилетия се забелязва и тенденция към отдалечаване от сложността и противоречията на социалната реалност. В някои случаи тази тенденция налага своеобразно пасивно съзерцание върху творчеството на художниците, в други отвежда художниците в творчеството им към дворцови зали и паркове, далечни и чужди за широката публика. Почти водещият жанр в предреволюционната графика е пейзажът. В него работят големи майстори като А. Остроумова-Лебедева, В. Фалилеев, К. Юон, И. Нивински, И. Павлов, Е. Лансере и др. Те фино виждат красотата на многостранната природа, нейните различни състояния, поезията на архитектурата в нейната връзка с пейзажа. Това възхищение от красотата на света е основното вечно съдържание на техните творби, което ни вълнува и до днес. Но понякога в чаршафите им се усеща нотка на съзерцание.
В предреволюционната гравюра, илюстрация на списания и книги, повече, отколкото в други форми на изкуството, се усеща влиянието на обществото „Светът на изкуството“, може би защото много от членовете му са графици от високо професионално ниво. От тези художници това общество включваше Остроумова-Лебедева и Лансере. Въпреки това, всички най-добри страни на тяхното творчество се формират в противоречие с естетическите нагласи на теоретиците от „Светът на изкуството”, които се застъпват за „чистото изкуство” далеч от живота. Картините, акварели и рисунки на главните фигури на "Светът на изкуството" А. Беноа, К. Сомов и други възкресяваха галантния и неодушевен свят на придворния живот от минали епохи, бяха изтънчена и заучена игра на историята. Така в предреволюционната графика се създават произведения, наситени с цялата драматизъм на социалните противоречия, появява се маса от камерни лирически пейзажи и в същото време процъфтява ретроспективизмът, тоест отклонение от модерността, естетизма на света на изкуството. .
През първите години след революцията външният вид на стативната графика се промени малко. Тези сурови години бяха времето на войнственото високогласно изкуство на плаката, агитационната монументална скулптура и новото изкуство за декориране на масови празници. На фона на бързото развитие на тези видове изкуство, стативната графика на пръв поглед изглежда особено традиционна. По принцип тук работят същите майстори, както и в предреволюционните години, а работата им, която вече е до голяма степен определена, не претърпява незабавно и бързо сложни промени, свързани с влиянията на новата реалност. Пейзажът и портретът станаха водещите жанрове на стативната графика. Художниците с любов изобразяват древните ъгли на градовете, забележителните архитектурни паметници, вечната красота на природата, неподатлива на социални бури. В техните произведения има много завладяващо майсторство, спокойно възхищение от красотата на света. Но този затворен малък свят на ретроспективен пейзаж, обърнат към миналото, сякаш е защитен от невидима стена от случващите се в страната събития.
Произведенията от домашния жанр, от които са създадени малко, изобразяват същия тих и скромен живот, недокоснат от никакви социални катаклизми, обикновена домашна работа.
Графиката на тези години е доминирана от гравюри и литографии; рисуването и акварелът не са често срещани. Пейзажите и портретите често се публикуват в албуми с гравюри, а това са малко тиражни и скъпи издания за малко ценители.
Интимността отличава портретните творби. Модели на портретисти обикновено са художници, писатели, художници, тоест доста тесен кръг от хора, духовно близки до автора. Техният вътрешен свят се разкрива фино и внимателно, но все още не на нивото на грандиозни обобщения, които ще бъдат достъпни за съветското изкуство по-късно.
И само в портретите, направени от Н. А. Андреев, по-специално в образите му на В. И. Ленин, портретният жанр в графиката веднага придобива нови качества, обобщаваща сила, социален звук. Тези рисунки с право са включени сред най-добрите постижения на съветското изкуство, те и до днес ни радват и участват в живота ни. Но в годините на тяхното създаване тези листове бяха сякаш блестящо изключение, само потвърждаващо правилото - тоест общия камерен характер на повечето портретни произведения. От рисунките на Андреев, сякаш изпреварили времето си, ще започнем запознаването си със съветската станкова графика.
За Н. А. Андреев (1873 - 1932) - известен скулптор, автор на московските паметници на Гогол, Островски, Паметника на свободата, рисуването беше не само необходим подготвителен етап на работа, но и независима област на творчеството . В началото на 20-те години той прави голям брой графични портрети - Дзержински, Луначарски, Горки, Станиславски, художници от Художествения театър и др.
Човек в цялата почтеност на своя характер - това интересува Андреев, портретист. В чаршафите му вътрешният свят на модела е очертан ясно, уверено, детайлно, но без полутонове и богатство от нюанси. Запознавайки се с портретите на Андреев, ние някак си получаваме сбора от много точни, проверени знания за хората, изобразени върху тях. Именно яснотата на това знание е своеобразен патос на творчеството на Андреев, а маниерът на портретите също му се подчинява.
Голяма част от този маниер идва от скулптурната визия на художника за формата. Това е подчертаната пластичност на рисунката, задължителното търсене на изразителна силуетна линия, но и твърдостта на цвета, липсата на усещане за въздух. Но основното тук беше положителното, което даде на скулптурния талант на Андреев - способността да види модела като цяло, основното нещо в очертанията на главата, да види спецификата на външния вид, изчистен от произволни линии и завои. Тази цялостност на силуета, съчетана с най-детайлното развитие на лицето, особено на очите, съставлява уникалния стил на художника. Тя беше добре поднесена в ръцете на Андреев от сангвинични, пастелни, цветни моливи, както и въглен или италиански молив, с който бяха очертани основните обеми.
По същия начин Андреев изпълнява няколко портрета на В. И. Ленин, които са част от неговата известна Лениниана - голям цикъл от скици, рисунки, скици и скулптури, чието създаване е основната работа на Андреев през годините на съветската власт. . Портретите на Ленин на Андреев са за нас не само дело на талантлив художник, но и скъпоценното откровение на очевидец, човек, който многократно е наблюдавал Ленин на конгреси и конгреси и в кабинета му в Кремъл. В процеса на тази работа Андреев направи много бегли скици, но има само три завършени живописни портрета; художникът отлично разбираше сложността и спецификата на задачите им, с привидната възможна скорост на изпълнение.
В един от тези портрети, леко примижаване на очите на Ленин, едва забележима усмивка вдъхваха живот на образа, създавайки образ, пълен с човешка топлина. В същото време в портрета живее усещането за социалната значимост на образа на лидера и затова този лист е толкова нов по съдържание за изкуството на графичния портрет от онези години (ил. 1).
Темата за Ленин - водач на масите с още по-голяма сила и изражение е развита от Андреев в профилния портрет на В. И. Ленин, често датиран в началото на 20-те години на миналия век. Импулсът и енергията на този вдъхновен образ, неговият възвишен героизъм печелят сърцата. В същото време разбирането за историческата роля на В. И. Ленин тук е толкова зряло, че това произведение на Андреев изглежда далеч изпреварва обхвата на изкуството от началото на 20-те години. При цялото богатство и постижения на изкуството на тези години ние няма да намерим в него такова усещане за мащаба на делата на Ленин, обхвата на мисълта на Ленин, такова историческо разбиране на неговия образ. И изглежда справедливо неотдавнашното предположение на изследователката на "Лениниана" Л. Трифонова, че портретът, станал известен едва през 30-те години на миналия век, е създаден не в началото на 20-те години, а по-късно. Лаконичният език и вътрешното съдържание придават на този лист истинска монументалност. Ненапразно този портрет вече е познат на широката публика не само от много репродукции: той е направен в мозайка, рисуван е в H:t панели, когато се украсяват празници. Увеличена до огромен размер, рисунката не губи нищо в своята лаконична изразителност,
Г. С. Верейски (роден през 1886 г.) също работи в областта на портрета от първите години на формирането на съветската графика. Моментът на оценка на обществената значимост на човек ще заеме важно място по-късно в неговите неща, но пътят на художника към това и особено характерът на първите му творби са различни от тези на Андреев. Г. С. Верейски получава първите си умения в изкуството в частно ателие в Харков, учи в университета, участва в студентски революционен кръг и революционните събития от 1905 г., във връзка с това, затвор и след това няколко години емиграция - това са някои моменти от биографията на художника. От 1918 г. в продължение на няколко години Верейски работи в отдела за гравюри на Ермитажа. Той идва там, като вече притежава значителна информация от историята на световното изкуство, а дългогодишната му работа в Ермитажа го обогати още повече в това отношение. Не книга, а живо познание за шедьоврите на световното изкуство остави отпечатък върху творческия образ на художника; голяма култура, благородство, простота, зад която стои взискателност, отличават многобройните му творби. Верейски започва с литографски портрети и въпреки че сега го познаваме като отличен чертожник и офорт, той прави най-много в областта на литографията.
От самото начало на работата си Верейски се характеризира с вярност към природата, наблюдение. Следователно, може би дългият път на този художник в изкуството изглежда на пръв поглед гладък и спокоен. Всъщност той е белязан от постоянни търсения, усъвършенстване на уменията,
Първият албум на Берейски "Руски артисти" е издаден през 1922 г. Тук виждаме напълно представена група художници на дружество „Светът на изкуството” от основателите до второто му поколение. Верейски познава идеално своите модели и точно улавя духовното настроение, характера на всеки един от художниците - мрачната сериозност и неудобната самота на Беноа, безрадостната концентрация на Сомов, бодливия израз, интензивността на вътрешния живот на Митрохин и т.н. листове, както и от портретите на Андреев, можем да научим много за хората, изобразени тук, но в портретите на Верейски няма момент на оценка на хората, така да се каже, от разстояние, характеристиката е дадена в камера , интимно-лирическа плоскост, а въпросът за социалната значимост на дейността им все още не е повдигнат. В следващите албуми от 1927 - 1928 г. Верейски вече по-точно намира естествената и спокойна поза на модела, рисува по-уверено и свободно. Успешни портрети на художници Головин, Замирайл, архитект Шуко, критик Яремич, Нотгафт. Верейски успя да предаде вътрешната култура, жизнеността на ума, очарованието на голямото образование, присъщо на хората, изобразени от него.
През 30-те години на миналия век Верейски работи много върху портрети на пилоти, възхищавайки се на тяхната смелост и смелост, опитвайки се да подчертае тези качества в описанието им. И когато в началото на Великата отечествена война той създава портрети на смелите участници в битките при Фисанович, Мешчерски, Осипов и други, те изглеждаха като продължение на историята на художника за смелите съветски войници, започната от произведенията от 1930-те години.
Но основното постижение на Верейски през този период и след това бяха портретите на културни дейци. През военните години художникът с особена яснота усеща, че темата на портретите му е творчеството, способността, ценна и неотменна от човек на изкуството, да работи с творческа проницателност дори в момент на тежки трудности. В тези листове голямото техническо умение на Верейски сякаш за първи път беше осветено от дълбоко емоционално вълнение, а неговите винаги правилни и точни портрети придобиха жива емоционалност. Директорът на Ермитажа, ориенталистът И. А. Орбели и поетът Н. Тихонов, са нарисувани от него в дните на обсадата на Ленинград; трудностите й оставиха отпечатък върху външния вид на тези хора, но въпреки условията, в които работят и творческата им дълбочина е предадена осезаемо и ясно. Същата поезия на вдъхновени търсения е и в портретите на художника Е. Е. Лансере, диригента Е. А. Мравински, художничката Т. Н. Яблонская (ил. 2). Тук отново са представени културни дейци от различни професии, но как се е променил техният вътрешен свят, тяхната пламенна отдаденост на изкуството е осветена с нов смисъл. Предишната интимност на творбите на Верейски изчезва, а въпросът за социалната роля на изкуството звучи с пълна сила в портретите му от 1940-1950 г. Методите на неговото психологическо писане не станаха различни, а само по-точни, но от обичайната съвестна правдивост на неговите характеристики, контурите на голямата вътрешна близост на изобразените от него хора, близостта в главното - в разбирането на смисъла на работата му, сякаш сами по себе си са посочени.
Изричайки името на Г. С. Верейски, често веднага си припомняме произведенията на М. С. Родионов (1885 - 1956) - художник, чието изкуство в много отношения е вътрешно близко до Г. С. Верейски. И основните области на работа - портрет и пейзаж (които Верейски също направи много), и строгата красота на маниерите и внимателността при изучаването на природата бяха общи за тези художници. Изпълнена от М. С. Родионов през 1944 - 1946 г., също в техниката на литографията, поредица от портрети на учени и художници - Абрикосов, Баранов, Веснин и др. - залага в нашата графика същата линия на сериозно, лишено от външна ефектност, силно вътрешно правдивостта на портретното изкуство, която очертават и творбите на Г. С. Верейски.
Творбите на Верейски и Родионов ни отведоха далеч от първите следреволюционни години. Връщайки се към тях, трябва да допълним кръга от портретни произведения, които вече са ни познати с творбите на Б. М. Кустодиев (1878 - 1927). Основен художник, Кустодиев работи много в графиката. Интересен портрет на Ф. И. Шаляпин, изпълнен от него през 1921 г. с акварел и молив. Ако в първия вариант на този портрет печатът на ежедневието сякаш гаси вътрешната светлина в лицето на Шаляпин, то по-нататък художникът създава сложен и в същото време убедителен образ; в него се усеща талант, широта, елегантност и някаква скрита мисъл (ил. 3).
Вторият широко разпространен жанр в графиката на 20-те години на миналия век е пейзажът. Един от най-големите му майстори е А. П. Остроумова-Лебедева (1871 - 1955). Ранно пробуденият й интерес към изкуството я отвежда в училището по техническо рисуване „Щиглиц“, където учи под ръководството на отличен учител и гравьор В. В. Мате, велик майстор на репродукцията на тонално гравиране. Творческият профил на Остроумова не беше определен веднага. След като се премества в Художествената академия, тя учи там при различни учители и впоследствие е приета за студентка на И. Е. Репин. Това беше събитие, което остави отпечатък върху всички по-нататъшни дейности на художника. „В дълбините, в основата на нашето изкуство, веселият, свеж и вечно жив реализъм на Репински е крайъгълният камък на всеки“, пише по-късно Остроумова. Постепенно все по-определя се интересът на художника към гравюрата и по-специално към цветната дърворезба. Тя изучава прекрасни образци на това изкуство в различни колекции по време на пътуването си до Париж. От всички техники на гравиране дърворезбите в Русия до началото на 20-ти век имат най-малко независима художествена стойност и съществуват главно като начин за възпроизвеждане на картини. Цветните дърворезби бяха напълно забравени. Ето защо, когато Остроумова-Лебедева представи редица свои гравюри в Академията за конкурса, включително цветна дърворезба от картината на фламандския художник Рубенс „Персей и Андромеда“, журито първоначално дори отхвърли този лист, като го сбърка с акварел .
През дългия си творчески живот Остроумова-Лебедева носи ангажимент към дърворезбата и акварела. За първия от тях самата художничка пише с любов и поезия:
„Оценявам в това изкуство невероятната лаконичност и краткост на изложението, неговия лаконизъм и поради това неговата изключителна острота и изразителност. Оценявам безмилостната сигурност и яснота на линиите му в гравюрата на дърво... Самата техника не позволява за поправки и следователно няма място за съмнения и колебания в гравирането на дърво...
И колко красиво е работата на инструмента върху твърда дървесина! Дъската е толкова излъскана, че изглежда като кадифе, а по тази лъскава златиста повърхност бързо бяга остро длето и цялата работа на художника е да го държи в границите на волята му!
Прекрасен момент, когато след упорита и бавна работа, свързана с непрекъснато интензивно внимание - не правете грешка - търкаляте боя с валяк и всички линии, които сте оставили на дъската, започват да блестят с черна боя и изведнъж се появява рисунка на борда.
Винаги съм съжалявал, че след такъв брилянтен разцвет на гравюрата, който беше през 16 и 17 век, това изкуство започна да увяхва, превърна се в услуга, занаят! И винаги съм мечтал да му дам свобода!"
Още в предреволюционните години Остроумова създава много прекрасни произведения - гледки към Санкт Петербург и околностите, пейзажи, рисувани по време на пътувания в Италия, Испания, Франция,
Холандия. Неизменната точност и вярност към природата вече са съчетани в тях с голям дар на обобщаване. Художникът Санкт Петербург рисува особено проницателно и поетично. Градът се издига в чаршафите си величествен, пълен с хармония и красота. Хармонията на композицията, линейната яснота, чистотата на цвета отличават нейните произведения.
След революцията, която предизвика на художника, според нейните мемоари, прилив на творческа енергия и радостен подем, Остроумова все още работи най-вече в жанра на архитектурния пейзаж. В нейните чаршафи, както преди, градът не е оживени улици, кипящи от активна тълпа, а преди всичко царството на красивата архитектура, нейната трайна красота.
В същото време пред художничката се разкриват нови черти в облика на града, а сдържаната емоционалност на нейните картини понякога се заменя с по-бурно, импулсивно чувство. В рамките на единен пейзажен жанр Остроумова създава много разнообразни и винаги вътрешно интегрални неща. Спомнете си например нейния акварел от 1918 г. "Петроград. Марсово поле". Този лист с бързото движение на облаците във високото небе, простора на площада и стройната, насочена напред фигура на паметника на Суворов е изпълнен със скрито напрежение и патос. Отношението на художничката тук е смело, весело, ритмите на живота, чути от нея, са ясни, като марш, и като марш музикални. Остроумова рисува с леки щрихи, обобщени по форма, използвайки детайлите с мъдра умереност. Изглежда, че този лист е нарисуван доста просто, но умението и страхотен художествен вкус стоят зад неговата простота. Това се проявява и в благородството на скромната и красива палитра на това нещо.
Дърворезът „Смолни” е пропит с необичайна за Остроумова бурна емоционалност. Дъхът на революцията сякаш вее над този пейзаж и сградата от спокойни класически форми сякаш отново оживява, като в кипенето на октомври 1917 г. Сблъсъкът на черно и бяло изглежда удвоява силата на всеки от тези цветове. Колоните на Пропилеите, които маркират входа на Смолни, стават заплашително черни, земята блести с ярка белота, щрихи се вихрят в бързо движение, очертавайки пътя към сградата в дълбините, едно дърво се огъва под поривист вятър и наклонено падащи линии леко очертават небето над Смолни. Създава се образ, пълен с импулс, движение, романтично вълнение. Освен това колко красива и живописна е тази черна дърворезба, колко големи са чисто декоративните й качества.
Цикълът от малки дърворезби, изобразяващи Павловск, също се отличава с декоративност. Декоративността е видяна от художника в очертанията на куп дървета, силуета на статуя или решетка, наблюдавана в живота и следователно убедителна.
Класически пример за голямото майсторство на Остроумова-Лебедева е пейзажът „Лятна градина в скреж“ (1929; ил. 4).
Спокойствието на пустата градина те изпълва, когато погледнеш тази гравюра; вие сякаш се озовавате на неговата алея - така композицията на листа е разгърната от автора. Шевът от отпечатъци в дълбокия сняг и ритъмът на заснежената черна решетка очертават движението в дълбините на чаршафа и нежно е закръглено там от лекия силует на мост. Движението и отдалечените фигури на хора оживяват целия лист, но не нарушават снежния му чар. Именно в съчетанието на удивително спокойствие, тишина с усещане за живота на големия град, преливащ някъде съвсем наблизо, се ражда особеното очарование на тази гравюра. Поезията на зимата, нейните мъгливи цветове, мразовит въздух, който духа над короните на дърветата в крехка розова скреж, е прекрасно предадена от художника тук.
По време на Великата отечествена война Остроумова-Лебедева, която вече беше над седемдесетгодишна, не напуска Ленинград. Тя сподели с всички жители неимоверните трудности на блокадата и не спря да работи по силите си. Страниците от нейните мемоари, свързани с тези години, са не само хроника на трудности и духовни тревоги, но и свидетелство за вечно творческо изгаряне, неуморно желание за работа. Такава любов към изкуството, голяма преданост към него все още са пример за младите художници, а постиженията на Остроумова-Лебедева в гравирането и по-специално възраждането на художествените цветни дърворези от нейните останки като непоклатим принос на велик майстор към нашата изкуство.
Произведенията на В. Д. Фалилеев (1879 - 1948) в много отношения са близки до творчеството на Остроумова-Лебедева по отношение и стилистика. Освен това е майстор на черната и цветна дърворезба и се насочва към офорт и линогравюра в постоянно търсене на нови технически възможности на работата си, в частност цвят. Пейзажите на Фалилеев, изобразяващи родната му страна и чужди, ни привличат със същата пълнота на чувствата, способността да виждаме красота в обичайните мотиви на природата, както произведенията на Остроумова-Лебедева, но хармонията и класическата чистота на линиите са по-малко често срещано в неговите гравюри, маниерът на рисуването му е по-свободен и някак по-неспокоен, колоритът е по-горещ и живописен. В същото време способността да се обобщават впечатленията, да се създаде обемен художествен образ с минимум средства, прави Фалилеев родствен с Остроумова-Лебедева. В този смисъл, например, е характерен албумът с цветни линогравюри на Фалилеев „Италия“, където художникът, посвещавайки само един лист на един или друг град, в изключително лаконични композиции, понякога изобразяващ само фрагмент от сграда, сякаш концентрира най-характерното във облика на италианските градове.
Художникът се интересува и от бурната природа, създава серия от офорти „Дъждове“, в редица листове той варира, изучавайки променливия вид на морето, очертанията на бурна морска вълна. В пейзажи с мотиви от бури и дъжд някои изследователи виждат своеобразен графичен отговор на революционна буря, но подобно сближаване все още изглежда твърде просто. И с Фалилеев няма да посмеем да установим подобна връзка между неговите сюжети и социални събития. Но в съвкупността от неговите творби, в особената интензивност на тяхната вътрешна структура, наистина има усещане за сложността на социалния свят и то е по-отчетливо в неговите пейзажни листи, отколкото, например, в линогравюрата на Войските , защото Фалилеев е бил преди всичко пейзажист.
И. Н. Павлов (1872 - 1951) също е представител на пейзажния жанр в графиката. В негово лице Москва имаше толкова предан и неуморен поет, като Ленинград в лицето на Остроумова-Лебедева. Павлов е почти на същата възраст като Остроумова, но пътят му в изкуството започва в други, по-трудни условия на живот. Син на затворнически фелдшер, по-късно страж в катедралата „Христос Спасител“ в Москва, той трябваше да „отиде в хората“ рано, записвайки се като чирак в гравьорска занаятчийска работилница. Репродукционните гравюри от картини на В. Маковски бяха първите произведения, които му донесоха успех. Впоследствие Павлов учи в училището по техническо рисуване на Щиглиц и в работилницата на Мате, както и в училището на Дружеството за насърчаване на изкуствата, но не за дълго поради необходимостта от работа. При възпроизвеждането на картини художникът постига голямо умение, а гравюрите му се публикуват в популярни списания от онези години, запознавайки читателите с произведенията на големи художници - от Репин до В. Маковски. Фотомеханиката обаче допълнително измества този начин на възпроизвеждане. В творбите на Павлов се появява основната тема на творчеството му - древните кътчета на Москва и провинциалните градове, пейзажът на Русия, който избледнява в миналото.
Преходът към създаването на оригинални гравюри не беше лесен за художника, но неговото усърдие и любов към темата му направиха много. От 1914 г. започват да се появяват албуми с пейзажни гравюри на И. Н. Павлов. В основата на неговите пейзажи бяха впечатления от природата край Москва, от пътувания по Волга и Ока. Камерното възприемане на природата, търсенето на един вид интимност в нея отличават тези първи творби. "Стремех се към подбора на ъгли и очаквах да видя своите гравюри като истински пейзажи на настроението. В голям мащаб, в панорамното изображение, ми се струваше, че интимността и композиционната яснота, които се опитах да постигна, могат напълно да изчезнат", художникът си спомня по-късно. Започвайки голяма поредица от московски пейзажи, Павлов и тук търси предимно камерни лирически мотиви, улавящи древността. „Търсих най-редките стари сгради, дворове, задънени улици, стогодишни дървени къщи, църкви със стара архитектура; не пренебрегнах много изключителни паметници на древността... Понякога старото се редува с новото, за да подчертават типичността на отнетата част от града“, четем в мемоарите му.
От година на година се натрупват московските гравюри на И. Н. Павлов, които съставляват многобройните му албуми. Много се промени за сравнително кратък период от време в Москва, тихите кътчета, които И. Н. Павлов рисува в огромния модерен град, станаха неузнаваеми. И ние сме благодарни на художника, който е съхранил за нас скромния уют на тихите алеи, приветливостта на къщичките (ил. 5). И в други руски градове - Кострома, Углич, Рязан, Торжок - Павлов е привлечен от древната архитектура. Той много добре усети нейната изразителност и оригиналност. Но като цяло творбите на Павлов са несравнимо по-малко артистичност и пластична красота, отколкото например в пейзажите на Остроумова-Лебедева или Фалилеев. Документалната точност на работата му често се превръща във фотография.
5. И. Н. Павлов. Лист от албума "Стара Москва". На Варварка. 1924 г
Цикълът на съвременните пейзажи на Павлов се попълва през 1920 - 1930 г., когато, след като се присъединява към Асоциацията на художниците на революционна Русия, той, подобно на много майстори на изкуството, заминава на творчески командировки в индустриалните центрове на страната. Цветна линогравюра "Астрахан" с тъмно ято кораби и светлини на голяма сграда на Народния комисариат за воден транспорт на брега, пейзаж "На Волга" с остри черни силуети на платноходки и леко трепереща вода, "Баку" , "Балахна" и някои други листове, изпълнени през тези години, са сред най-добрите творби на художника. Листът "Звенигород. Покрайнини", създаден от 78-годишния майстор през 1949 г., завладява с радостно, светло настроение.
Неуместното възхваление на творчеството на Павлов от критиците в края на 40-те и началото на 50-те години на миналия век прикрива недостатъците на неговите произведения и, парадоксално, затруднява установяване на истинските им достойнства. Пълното отричане на работата му не е рядкост днес. Но ние оценяваме страхотната работа на художника и неговия богат опит, който той щедро сподели с много майстори на съветската графика в началото на кариерата им.
Заслугата на Павлов - заедно с В. Д. Фалилеев - е въвеждането на линогравюра в ежедневието на съветските художници и изобретяването на нов метод за отпечатване на щампи с акварели - акватипове.
От учениците на И. Н. Павлов, М. В. Маторин, майстор на цветната дърворезба и пейзажист, работи ползотворно като художник и учител.
В призива си към архитектурния пейзаж, към паметниците на античността И. Н. Павлов не е сам през 20-те години на ХХ век. Вл. Ив. Соколов, ученик на Левитан, когото същият И. Н. Павлов успява да заинтересува от техниките на гравиране, издава няколко албума през 1917 - 1925 г., посветени на Сергиев Посад, стара Москва, Ростов. Всичко това са добри примери за стария пейзаж. В албумите с литографии на Юон и Кустодиев през 20-те години на миналия век могат да се видят и Сергиев Посад, руски пейзажи, снимки от недокоснатия стар провинциален живот. Класическите сгради на Санкт Петербург стоят в очертаните линии на дърворезбите на П. А. Шилинговски, чийто албум с пейзажи, публикуван през 1923 г., макар и наречен "Петербург. Руините и възраждането", но основно съдържаше само скръбни снимки на руините - разрушението причинени на Петроград от военни опустошения. Веднъж в Армения, ветото на Шилинг отново вижда само чертите на античността, публикувайки албум с офорти „Старият Ериван“ през 1927 г. Така древният пейзаж в графиката от първото десетилетие не е случайно хоби на отделни майстори, а цяло явление.
Едва около 1927 г. интересът към него пресъхва и същият Шилинговски, голям ревнител на архитектурната древност, през следващата 1928 г. създава албума "Нова Армения", сякаш отбелязва в творчеството му характерна промяна, настъпила в програмата.
Новото, разбира се, расте в недрата на старото, а произведенията, посветени на съвременния пейзаж, се появяват в графиката, така да се каже, в нейните дълбини, сред вече познатите ни неща. Техни автори бяха художници, които още вчера посветиха творчеството си на съзерцанието на вечните красоти на архитектурата и природата. Така например И. И. Нивински (1881-1933), най-големият майстор на съветския офорт, в албума "Крим", издаден през 1925 г., артистично и лесно, макар и с нотка на съзерцание, предава ежедневния празник на красивото южната природа. До 10-ата годишнина на октомври, по заповед на Съвета на народните комисари, Нивински създава няколко големи офорта „Zages“, където, изобразявайки електроцентрала в Грузия, той не само въвежда нов сюжет в своите пейзажи, но и активно търси нови форми на изразяване за него.
Успешен е офортът "Паметник на В. И. Ленин в Загата" с внимателното си рисуване и паметникът на В. И. Ленин, естествено доминиращ в индустриалния пейзаж - творението на скулптора И. Д. Шадр (ил. 6). Красотата на този паметник, неговият величествено грандиозен силует става тук основен компонент на пейзажното изображение. Природата сега е замислена от художника не само като обект на възхищение за съзерцание, но и като поле на голяма човешка дейност. Нотките на активно отношение към живота за първи път прозвучаха отчетливо в графичния пейзаж.
През втората половина на 20-те години се появяват нови мотиви в творчеството на художника И. А. Соколов (р. 1890). От самото начало на работата си И. А. Соколов, ученик и голям почитател на В. Д. Фалилеев, изобразява сцени на труд в гравюра. Отначало това е тежката и неприятна домакинска работа на жената в домакинството, занаятчийската работа – тесен и ограничен свят, показан с топлина и любов. Обущар, наведен над работата си, перачка, баба с внуците си във вечерна тясна невзрачна стая, тънък силует на дантела на фон от лек плат със сложен модел, очевидно свързани от него - това са първите произведения на Соколов (ил. 7).
По своя характер те са много близки до творчеството на И. Павлов, Вл. Соколов и други художници, които ни показаха неофициалните кътчета на големите градове, тяхната недокосната древност. „Така че изглежда, че животът, отразен в гравюрите на И. А. Соколов, е протекъл зад стените на онези малки къщи, които И. Н. Павлов е изобразил“, правилно пише биографът на И. А. Соколова М. З. Холодовская.
Очевидно, тъй като картините на труда винаги са били близки на художника, именно той е един от първите, които разширяват тесния обхват на своята тема и започват да изобразяват новия свят на индустриалния труд - работата в голям металургичен завод. Към 1925 г. принадлежат първите му листове, изобразяващи московския завод "Сърп и чук". По това време художникът вече е усвоил техниката на цветната многоплоска линогравюра, а видовете работилници, преплитането на мощни стоманени ферми, сложното осветление на сцени с ослепителен нажежен метал са възпроизвеждани от него точно и задълбочено. По-късно, вече зрял майстор, Соколов отново идва в позната фабрика и през 1949 г. създава поредица от гравюри, посветени на него. Този път той въвежда портретни листове в поредицата; един от тях, изобразяващ стоманоработеца Ф. И. Свешников, беше особено успешен за художника. Под прикритието на Свешников, който внимателно наблюдава топенето, той успя да предаде скромността, простотата, очарованието на човек с голям житейски и трудов опит. Но дори първите „заводски“ листове на Соколов запазват своето значение за нас; те съдържат съвестната точност на първите стъпки по пътя, непознат от самия автор и други художници.
През целия си живот И. Соколов работи много и в областта на пейзажа. Неговите пейзажи от 20-те и 30-те години на 20-ти век стават широко известни; студената свежест на ранната пролет и огненото облекло на есента винаги са отпечатани в тях с ясен, прецизен модел, ясни, чисти цветове. Подобрявайки техниката на цветна линогравюра, постигайки свободно прехвърляне на богата гама от цветове, художникът използва голям брой дъски и понякога навива върху дъската не един, както обикновено, а няколко цвята. Неговата добре позната гравюра "Кузминки, есен", завладяваща с горещи живописни цветове, например, е изпълнена на седем дъски в девет цвята.
Събитията от войната са отразени от художника в големите сериали „Москва през 1942 г.“ и „Какво унищожи врагът“. В първия от тях, рисувайки танкове, заминаващи за фронта по улиците на Москва, стада, изгонени в тила, зеленчукови градини в дворовете и т.н., художникът насища листовете си с жанрови мотиви, но все пак остава предимно пейзажист в решаването композицията като цяло. Във втория - пейзажен - сериал, документалната задача е умишлено изведена на преден план, но тъгата също оцветява тези листове, изобразяващи болезненото унищожаване на красивите ансамбли на предградията на Ленинград. Същата документална задача е изправена пред художника в поредицата от следвоенни години, в които той старателно и педантично възпроизвежда запомнящи се места, свързани с живота и творчеството на В. И. Ленин и А. М. Горки.
Първите творби за новия живот, като листовете на Нивински или Соколов, не бяха многобройни. Броят им обаче постепенно се увеличава. През годините на първата петилетка бяха организирани командировки на художници и графици до най-важните нови сгради, индустриални гиганти и първите колективни ферми. Художниците бяха ентусиазирани от тези нови за тях задачи. И въпреки че сред произведенията, създадени в резултат на тези пътувания, все още имаше малко неща с висока художествена стойност, с тази творба в графиката навлиза нов свеж поток, полъхът на великия живот на страната.
Сложността на това произведение се състои както в недостатъчното познаване на ежедневието на социалистическото строителство от художниците, така и в дискусионността на много въпроси от художествената форма, характерни за онези години. Многобройни художествени групи често излизат с противоположни теоретични платформи и в споровете, които възникват по това време, понякога се поставя под въпрос самото право на съществуване на стативното изкуство. Не бива да се забравя, че тези години бяха период на противоречиви търсения в областта на художественото образование. Често неправилното обучение на художници в университетите ги лишава от здравите основи на професионалните умения и младият график трябваше да компенсира много по-късно. Вярно е, че творбите на редица отлични майстори от по-старото поколение, както и съветите, които давали на младите хора, често извън официалните стени на университета, бяха много поучителни за нея. Имаше и такива ателиета като например ателието на Кардовски, в което художниците преминаха през плодотворна школа по реалистична рисунка и композиция. И въпреки това условията на работа на художниците бяха трудни. Те се подобряват само с премахването на художествените групировки в началото на 30-те години и обединяването на всички здрави творчески сили върху една реалистична платформа.
При рисуване на графики по съвременни теми бързо се развиха няколко основни области на работа на художниците. Едно от тях беше, както видяхме в гравюрите на И. Соколов, чрез точно, донякъде описателно, почти документално възпроизвеждане на видяните, предимно индустриални, условия на труд. В произведенията от този тип имаше много искрено и честно желание на авторите да разкажат на зрителя възможно най-точно и пълно за новите сгради и фабрики. Неслучайно художниците често не се ограничават до един лист, а в цяла поредица от тях улавят изгледи на фабрика, строителство и т.н.
Втората посока може да се нарече затоплена от лирично чувство, лаконична, запазваща жизнеността на етюда, но и неговата сдържаност, изкуството на индустриалния пейзаж, създадено в края на 20-те и началото на 1930-те години от Н. Н. Купреянов (1894 - 1933 г.), ученик на толкова различни художници, като Кардовски, Петров-Водкин, Остроумова-Лебедева, Купреянов преминава през кратък, но труден път в изкуството, пълен с постоянни търсения. Интересно работи не само в статиковата графика, но и в книжната илюстрация. Един от първите Купреянов посвети нещата си на революцията, а дърворезбите му „Бронирана кола“ (1918) и „Крайцер „Аврора“ (1923), донякъде умишлено в подчертаната си ъгловатост или бързо движение на линиите, носят частица истинска духовна повдигане, оживен отклик на събитията от октомври. Оставяйки скоро дърворезби, Купреянов работи предимно в маниера на свободни, изпълнени със светлина и тайнствени светлинно-сенчести преходи в рисунките с мастило и акварел. съставляват една от страните на творчеството му. Но Купреянов изкуството рано също навлиза в просторите на необятна страна. В поредицата „Железопътни коловози“ (1927) неговата бърза четка изпълва лист след лист с бумтящото движение на влаковете и в неговия забързан ритъм се чува ехото от бизнеса на страната жизнени цикли "Балтийски", които започват да се създават през 1931 г., и "Рибарство на Каспийско море", възникнали в резултат на пътуванията на художника там - същата лекота е външно небрежна о, схематичният начин на рисуване. Зад него се усеща далеч не завършеното търсене на образи на модерността, съчетаващо израза на мимолетното и обемното съдържание на характеристиката.
Ранна смърт прекъсна работата на художника в средата.
Третото направление в работата на графиците по съвременни теми се появява с ранна тенденция на романтично оптимистично изобразяване на сюжета. Превръща индустриалните мотиви във величествен, понякога очарователен спектакъл. Изглежда, че такива произведения имат най-креативния, емоционален подход към природата. И наистина, сред тях значителни и много красиви в изпълнение неща не са необичайни. Но романтичната им възбуда най-често има донякъде абстрактен и субективен характер, тя, подобно на описателната точност на други произведения, е резултат само от първия контакт на художника с темата. Не без причина, увлечени от общите възгледи за строителството, цеховете на фабриките и т.н., авторите на всички ранни индустриални произведения все още отреждат много скромно място на хората в тях. Пример за произведения на романтичен план може да бъде листът на Н. И. Дормидонтов "Днепрострой" (1931; ил. 8). Дормидонтов (роден 1898 г.) е и един от първите художници на модерната тема в графиката. Още от средата на 20-те години на миналия век се появяват неговите работни листове, посветени на труда - отначало строго точни и сухи, след това по-свободни и намиращи се в композицията. В рисунката "Днепрострой" художникът е очарован от огромния мащаб на конструкцията, омайната картина на нощната работа, осветена от ярката светлина на множество електрически крушки. В неговата рисунка работата се превръща в невероятен спектакъл, мистериозен, грандиозен и леко фантастичен.
Подобна интерпретация на труда може да се види в поредица от гравюри на А. И. Кравченко (1889 - 1940), също посветени на строителството на Днепрогес (1931). Той е създаден от художника още в зрялото време на творчеството и в него ясно се проявява неговото зрелищно умение,
В гравюрите на този цикъл огромни конструкции на язовира са струпани, издигащи се, стрели на кранове се издигат близо около тях, високото небе се завихря от облаци, а слънцето изпраща ослепителните си лъчи нагоре. Контрастите на черно-белите цветове пораждат ярка, неспокойна гама от гравюри. Грандиозен и впечатляващ е спектакълът на строителството край Кравченко. А хората, които създават нов индустриален гигант при трудни условия, са дадени само като ритмично повтарящи се групи от еднакви силуетни фигури, като абстрактни носители на движение. Въпреки това много художници по това време са привлечени преди всичко от общата панорамна изразителност на строителната площадка, работилница и т. н. А в гравюрите на Кравченко тя е изразена само най-талантливо.
Творчеството на Кравченко като цяло прави ярка и оригинална страница в историята на нашата графика. Майстор на дърворезба, офорт и рисунка, много чувствителен към темите за остра социална окраска в стативите, писател на научна фантастика и магьосник в илюстрациите, Кравченко бързо придоби широка популярност у нас и в чужбина. Произхождащ от селско семейство, той получава образованието си в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура. Негови учители са известни руски художници С. Иванов, В. Серов, К. Коровин, А. Архипов. Кравченко започва кариерата си като художник, но в областта на рисунката и гравюрата, към която се обръща през годините на съветската власт, работата му е особено интересна. Многобройни пътувания до Индия, Франция, Италия, Америка и Съветския съюз завършват художественото образование на Кравченко и разширяват кръгозора му. Кравченко работи много усилено. Той създава причудлив свят от образи в книжни илюстрации, съчетавайки фантазия и гротеска, треперещата магия на чувствата и енергията на обсебването. Той непрекъснато работи в областта на пейзажа, различните му листове улавят хармонията, красотата и скромната природа на Московския регион и известните градове на Европа. Той е един от първите графици, които създават серии от истории, отговарящи на обществени теми. Цикълът от гравюри, посветени на погребението на В. И. Ленин, направени през същата 1924 г., е тъжен разказ на очевидец, а сега придобива значението на историческо произведение. Впоследствие художникът отново се връща към ленинската тема, като през 1933 г. изпълнява строга и тържествена гравюра „Мавзолей“. Изработва и цикъл от гравюри „Животът на жената в миналото и настоящето” за съветския павилион на Международната изложба в Париж. В контрастни картини художникът възпроизведе съдбата на жена-майка в царска и съветска Русия; той действа тук като разказвач, чиято реч е емоционална и ярка, но в образите му нямаше голяма вътрешна и пластична изразителност. След поредицата "Днепрострой" Кравченко не напуска индустриалната тема и през 1938 г., въз основа на материалите на творческо пътуване, създава рисунки и офорти, посветени на завода Азовстал.
В офорта, изобразяващ изливането на стомана (ил. 9), художникът все още е очарован от силата на огромните технически конструкции, от величието на картината на труда. Той свободно композира сложна сцена, ефектно я осветява с потоци светлина и искри. Освен това тук се появява истински трудов ритъм, а с него и целесъобразността на всичко, което се случва, вместо донякъде абстрактния патос на Днепроетрой. Освен грандиозно забавление, листът придобива и страхотно съдържание.
Този монументален офорт е направен от Кравченко за Всесъюзното изложение "Индустрия на социализма". Тази изложба в съветското изкуство е свързана с масовата привлекателност на художниците към настоящето. Произведенията за него се създават в продължение на няколко години, като се започне от 1936 г. Малко преди началото на тази работа 1500 барабанисти от една от най-големите фабрики написаха на страниците на Правда, обръщайки се към артистите:
„Очакваме страхотни картини от вас. Искаме те да не са просто обикновени фотографии. Искаме да бъде вложена страст в тях. Искаме те да вълнуват нас и нашите деца. Искаме те да ни вдъхват радостта от борбата и жаждата за нови победи. Искаме да покажете на хората от нашата страна – героите и обикновените участници в нашето строителство."
Тези пламенни думи не само добре формулираха задачите на нашето изкуство, но и отразяваха атмосферата на взискателната любов на хората към изкуството, онзи възвишен интерес към него на един труден човек, който помагаше на художниците в творчеството им. Организирана по инициатива на Серго Орджоникидзе и открита в дните на 18-ия партиен конгрес, изложбата обхваща широко живота на Съветската страна. Тук са изложени над 1000 творби, от които около 340 са в графичния отдел (с изключение на сатирата). Малко от тези листове бяха произведения с голямо умение, малко от тях са оцелели до днес. Но новите теми, донесени от тях, видяни от художниците приживе - върху скелето на нови сгради, в цеховете на фабриката - бяха голямо завоевание за изкуството на графиката. Днепрострой и работа в поташните мини в Соликамск, изграждането на метрото и развитието на Арктика, златодобивът в тайгата и работата на миньор - колко различни са тези теми от порочния кръг от житейски феномени, към който светът на стативната графика беше ограничена по-рано, колко малко придържане към античността, фундаментален ретроспективизъм! Тук все още имаше много индустриални пейзажи. Но освен тях се появяват и сцени на труд; и човек, работещ във фабрика, на поле, в лаборатория, в мина, става герой на графични произведения за първи път. Художниците все още не познават добре вътрешния му свят, отначало се чувстват добре и са в състояние да предадат уверения му навик в работата, пластичността на професионалните движения. Следователно трудовият жест в рисунките е по-убедителен от изражението на лицето, а някои добри произведения са развалени от външната грубост на персонажите.
Художникът А. Самохвалов (р. 1894), например, в поредица от акварели добре показа енергичността и оптимизма на "Момичетата от Метрострой", но също така подчерта тяхната грубост. Такъв акцент сякаш ограничава познанията ни за героините на Самохвалов и обеднява творчеството му, въпреки че в самия му тон, в атмосферата му има черти, които се виждат правилно в живота. По-замислено е охарактеризиран човекът на труда в акварела на С. М. Шор (р. 1897) „Момичето на козата“ от поредицата „Стара и нова квалификация на Донбас“ (1936; ил. 10). Тук се създава образът на интелигентна и енергична жена, чувствително се отгатват нейният духовен склад, морална сила. Не напразно С. Шор става майстор на графичния портрет, най-често изпълняван от нея в техниката на офорт.
В предвоенните години се появяват листове, посветени на работниците от И. А. Лукомски (роден 1906 г.). В неговата сепия рисунка „Работник“ (1941; ил. 11) акцентът е преместен от индивидуалното-характерно към типичното, подчертано, сякаш еблизо. В лицето на работника се чете вътрешна свобода, гордост от труда.
През 30-те години на миналия век важно събитие за графиката е подготовката на изложба с илюстрации за историята на партията. Той фокусира интереса на много художници към исторически теми, накара ги да преосмислят пътя, изминат от нашата държава. Историко-революционната тема започва живота си в графиката още в началото на 20-те години на миналия век. Но по това време това са само отделни произведения, предимно гравюри, в които често абстрактната декоративност и схематизъм все още се смятат за неразделна част от техниката на гравиране. По-късно, през 1927 г., като пълна противоположност на тези произведения, под длетото на украинския художник В. И. Касиян се появява образ на героя от битките в Перекоп, раздуван с революционен патос. V. I. Kasiyan (роден 1896 г.) - родом от Западна Украйна, получил образование в Пражката академия за изящни изкуства - художник, търсещ душа, ярък темперамент. Списъкът му е ярък, емоционален, но той все още остава сам в графика на тези години.
Повечето от творбите, създадени за гореспоменатата изложба, придобиха по-скоро статив, отколкото илюстративен характер. Открита през 1941 г., преди войната, тя се нарича „Изложба на нови произведения на съветската графика“ и включва редица добри произведения. Много от тях принадлежаха на майстори на книжната графика. Илюстраторите внесоха в сферата на стативната рисунка психологическата природа на образите и точността на историческата ситуация, които тогава бяха скорошни и поразителни постижения на тяхното изкуство. Такива бяха листовете на групата художници Кукриникси - "На барикадите", "Чкалов на остров Уд", "Политически следи", Кибрик - "Халтурин и Обнорски", Шмаринов "Погребението на Бауман" и др.
Интересът на графиците към историческите теми през 20-те и 30-те години на миналия век има и друг аспект, свързан с литературата.
Вдъхновените образи на Пушкин и Лермонтов привличаха творческото внимание на художниците в продължение на много години. Н. П. Улянов (1875 - 1949) вложи много работа в своята поредица за Пушкин. Един от големите съветски художници от по-старото поколение, близък ученик на В. А. Серов, Улянов беше майстор на историческата живопис и портрет, както и театрален художник.
Рисунките на Улянов разказват за различни периоди от живота на големия поет – от лицейските дни до последните трагични месеци; те са завършени в различна степен - някои са по-големи, други приличат на скици, като страници с интензивни и недовършени търсения, но във всички тях основното за художника е огненият живот на душата на Пушкин. Една от най-добрите е рисунка, направена във връзка с картината „Пушкин и съпругата му пред огледало на съдебен бал“. Гордият, красив образ на Пушкин се появява тук в лаконичните линии на вдъхновената рисунка на Серов.
Темата на Пушкин получава друга интерпретация в графиката - в пейзажа на запомнящите се места. Художникът Л. С. Хижински (роден 1896 г.) изпълнява в този жанр. В своите ювелирни дърворези, изработени с голямо майсторство, изобразяващи местата на Пушкин и Лермонтов, той постига трудно съчетание на документална точност и емоционално поетическо начало. Без тази комбинация успехът на мемориалния пейзаж, който винаги е изграден върху фин подтекст, индивидуални асоциации, е невъзможен.
През 30-те години на миналия век новите моменти в развитието на графиката се усещат много силно. Те се състоят не само в нови насоки в творчеството на художниците, които, както видяхме – подкрепени с изложбена дейност! – набират мащабни мащаби, но и в новото съдържание на традиционните жанрове портрет и пейзаж, както и в появата на значими творби на художници от съюзните републики. И така, V. I. Kasiyan, вече споменат по-горе, създава гравюри, посветени на Шевченко, пълни със сериозни мисли през тези години. Художникът вложи много духовен огън и в по-късната си работа върху великия кобзар, изобразявайки непрестанно ядосан Шевченко на фона на епизоди от народната борба (ил. 12).
Сред най-важните произведения на тези години са пейзажи и портрети на арменския майстор М. Абегян, литографии, посветени на Молдова от украинеца Г. Пустовит, монументален офорт на грузинския художник Д. Кутателадзе, изобразяващ С. Орджоникидзе и С. М. Киров. През този период известният азербайджански художник А. Азимзаде - карикатурист, чертожник и плакатист - създава най-интересните неща в областта на стативната графика. Картини от миналото са възпроизвеждани в листовете му по оригинален начин на детайлна, с нотка на орнаментална рисунка. Какво е новото в портрета и пейзажа на 30-те години на миналия век? Предишната интимност на тези жанрове изчезва, а техните господари излизат все по-смело към живота, опознавайки нови хора, разширявайки географския обхват на пейзажните произведения. Последното се отнася не само за майсторите на индустриалния, но и за обикновения пейзаж. Ако по-рано само Е. Е. Лансере, който неуморно изучава природата и живота на народите на Кавказ, и Шилинговски, който рисува Армения, се отклоняваха от установената московско-ленинградска традиция в пейзажа, сега цяла плеяда от майстори създава своите произведения извън своята тесни граници. Художниците изобразяват природата на централна Русия, Север, Крим, Кавказ и Централна Азия. Пейзажът се превръща в зона на брилянтно приложение на акварелната техника. Творбите на графиците Л. Бруни, А. Остроумова-Лебедева, художниците С. Герасимов, А. Дейнека, П. Кончаловски свидетелстват за истинския разцвет на акварелния пейзаж. Активността на мирогледа на автора е нова черта на тези произведения. Може би с особена яснота се вижда в пейзажите на онези художници, които случайно са посетили чужбина през тези години.
Остра визия за контрастите на чуждата действителност е присъща например на парижките и римските пейзажи на А. А. Дейнека (ил. 13). Художникът не може да се предаде на спокойния чар на величествената архитектура и статуи, както неведнъж е било в предреволюционните чужди поредици от графики; на този красив фон окото му забелязва както фигурата на безработен мъж, така и зловещите самоуверени фигури на служителите на църквата. В кръга на такива произведения като листовете на Дейнека се раждат характерни за съветската графика журналистическа страст и политическа непримиримост.
Тези качества се проявяват с голяма сила и в "Испанската серия" от рисунки на ленинградеца Ю. Н. Петров (1904 - 1944). Поредицата на Петров беше принос на станковата графика към борбата срещу фашизма, която през онези години вече беше активно водена както от майстори на карикатурата, така и от политически плакатисти. Изкуството на Ю. Петров, чертожник и илюстратор, беше изкуството на голяма култура и дълбоки чувства. Петров беше участник в борбата срещу фашизма в Испания, познаваше и обичаше тази страна, нейните хора, нейните велики писатели и художници от миналото и тази любов и благоговение се отразяваха в неговите рисунки. Испания, нейните планински пейзажи, къщи, разрушени от бомби, нейните сдържани, горди и пламенни хора - войниците на Народната армия, жени и деца, загубили домовете си, са заловени в лаконични, малко тъжни и смели композиции. Някои страници от поредицата на Петров изглеждат като скици, но нежната рисунка с мека моделировка очертава толкова точно пластичността на формите и пейзажните планове, толкова трепетно ги изпълва животът, че голямата замисленост на всеки лист става осезаема. Този сериал все още остава едно от най-опитните и искрени неща в нашия график. Авторът му по-късно загина на военен пост по време на Великата отечествена война и неговото изкуство, което обещаваше много, не успя да достигне зенита си.
Великата отечествена война, започнала през 1941 г., драматично промени характера и темпа на развитие на всички видове изкуство. Тя също така предизвика големи промени в стативната графика. Ефективността на графиката, сравнителната простота на нейните техники сега се превърнаха в особено ценни качества. Горещата нужда да се каже думата в часа на националните изпитания, бързо да се отговори на горчивината и героизма на идващия ден, накара много художници да рисуват, акварел, а понякога и гравиране. В станковата графика сега, заедно с признатите й майстори, започнаха да работят някои художници, както и много успешно илюстратори.
Още от първата година на войната, наред с плакатите и карикатурите, статичната графика се превърна в една от най-активните форми на изкуството, дълбоко вълнуваща сърцата на зрителите. Майсторите на рисуването и гравирането създадоха много красиви неща, родени от гняв и вдъхновение. В тази поредица от произведения има отделни върхове, отличаващи се със специално пластично умение. Но общото ниво на военната графика е високо. Художниците създават своите рисунки както в редиците на Червената армия, така и в обсадения Ленинград, в градове, през които премина тежка вълна на отстъпление, в тила, където всичко беше подчинено на задачите на фронта, и извън страната ни в последния период на битката срещу фашизма. Графиките ни показаха различни страни на войната, различни аспекти на живота в този решаващ период от историята на нашата родина - от мимолетната замисленост на уморена медицинска сестра до панорамата на огромна битка. В същото време разликата в талантите, складът на образното мислене на художниците също се отрази ясно. В творбите на един войната изглежда като дълги военни пътища, често неприятни, а понякога и толкова остро приятни за окото с неочакваната красота на оцелялата гора. В листовете на друг тя преминава през поредица от прости сцени от армейския живот, скицирани набързо, но точно. В рисунките на третия тя е в особено изражение на очите на воин или партизанин, който е срещал смъртта повече от веднъж. Смелостта и патриотизмът на съветския народ, така ярко проявени през годините на войната, бяха възпяти от художниците в тези произведения от различно естество. Графичните произведения са пълни с онова специално усещане за красотата на нашия съветски живот, изострено от войната, което беляза най-добрите неща във всички форми на изкуството.
Характерна особеност на графиката беше появата на голям брой скици. Художниците понякога ги изпълняваха в най-трудната бойна ситуация, опитвайки се да разкажат по-точно и по-пълно на хората за войната, да съберат материал за бъдещи композиции. В предговора към албума с рисунки „Дневник на фронтовата линия“ на московския график П. Я. Кирпичев, Герой на Съветския съюз С. Борзенко пише: „Една след друга картини преминават, нарисувани по свежите следи от войната, преминават както ги е виждал художникът по време на събитията... Никакви опасности и трудности не го спират.Той си пробива път до избраните обекти сред минните полета и работи там от сутрин до вечер, страхувайки се да пропусне момента, страхувайки се, че пожарите щяха да излязат и трофейните екипи ще отнесат разрушените оръдия и танкове." Това описание на творчеството на художника на фронта е много характерно, защото също като Кирпичев през войната са работили много стативи графики. Скиците представляват ценния фонд на нашето изкуство, далеч не са публикувани изцяло. Техни автори са Н. А. Аввакумс, О. Г. Верейски, М. Г. Дерегус, У. М. Джапаридзе, Н. Н. Жуков, П. Я. Е. К. Окас, У. Тансикбаев, С. С. Уранова и други създадоха цяла хроника на трудно военно ежедневие, стихотворение за един човек в света. война, защитавайки родината си от фашизма.
Въпреки плавността, която отличава скиците, те вече показват чертите на таланта на всеки художник - и не само неговия майстор на рисуването, но и определен набор от явления, които го докосват най-много.
Така А. В. Кокорин (роден 1908 г.), например, никога няма да мине покрай живописна сцена, която внезапно видя, той ще скицира в графичния си дневник и двете седла, окачени на пистолет, и счупен камион, който стърчи изпод него на три отстрани ботушите на войници, които го кърпят, и боец на конвой, който спокойно шие нещо на шевна машина точно в полето, и фигура на свещеник с голяма раница, разговарящ със съветски войник. Общата характеристика на външния вид на хората е точно уловена от Кокорин и зад простите му сцени винаги усещате лека усмивка, привързаност към своите герои. Именно в тези скици е натрупан опитът на Кокорин като майстор на архитектурния пейзаж, способен да очертае облика на града, основните контури на неговата архитектура и живота на улицата - качества, развити в след- военни индийски рисунки.
Топлината и лиричността отличават скиците и рисунките на Д. К. Мохалски. Дори в най-неподходящата ситуация за това, в суматохата на фронтовите пътища, водещи директно към Берлин в последния етап от войната, или вече в Берлин - цитаделата на фашизма, която нашите войски току-що превзеха - топлината на животът, неговият радостен лъч, в нежен вид непременно ще блесне в чаршафите на Мохалски момичета регулатори на движение, с вид на боец, прикован към жена с бебешка количка.
Н. Н. Жуков (роден 1908 г.) се появява във военните скици като художник-физиономист, който може да види много в човек. Постоянният интерес към вътрешния свят на човек осмисля дори най-привидно бегъл от неговите рисунки. В чаршафите му се редуват пейзажи, скици на войници, жанрови сцени. Начинът на рисуване с молив на Жуков, лишен от оттенък на външна ефектност, отразява сякаш загрижеността на този художник към природата, обмислеността на подхода му към нея. Творбите на Жуков придобиват известност още преди войната, когато завършва поредица от илюстрации към биографията на К. Маркс. Впоследствие Жуков не напусна работата си по тази отговорна тема. Много труд е вложен от него в създаването на поредица от рисунки "V.I. Ленин". Най-успешните й листове са решени под формата на лека скица, фиксираща кратък момент във веригата от други, под формата на своеобразно портретно изследване. Но именно по време на създаването на военни скици се засили наблюдението на художника и умението му за бърза скица, които му бяха полезни по-късно - както в обширна серия от рисунки, посветени на деца, популярни сред зрителите, така и в портрети. Най-вече опитът от военновременната работа е отразен в илюстрациите към „Приказката за един истински човек“ на Б. Полевой, създадени от Жуков малко след войната.
Трябва да се каже, че опитът на военната работа играе роля в илюстративната работа на други художници. Този опит помогна на О. Г. Верейски да създаде рисунки за "Василий Теркин" от А. Твардовски, за дълго време доведе до военната тема А. В. Кокорин, по-късно илюстратор на "Севастополски разкази" Л. Н. Толстой. Логичен е и пътят на А. П. Ливанов от създадената от него поредица „Партизани“ малко след войната до илюстрирането на „Чапаев“ от Д. А. Фурманов.
Друга характерна особеност на графиката от военните години беше привличането на художниците към формата на серия, тоест поредица от листове, обединени от една концепция и начин на изпълнение. Виждахме, че поредицата е създадена от художници и преди, но през военните години те се превърнаха във водещо явление в графиката. Сериалът е добър само когато зрителят научава нещо ново с всяка негова страница, когато художникът насочва впечатленията си, редувайки листовете по определен начин, тоест придавайки на сериала ясна композиция. Винаги срещаме понятието "композиция", когато анализираме отделно произведение на изкуството. Но в действителност има и композиция на цяла графична поредица като вътрешна закономерност на редуването на нейните листове, между които възникват различни връзки. Изграждайки ясно композицията на поредицата, художникът намира в нея ново средство за голяма изразителност. Авторът на поредицата по същество изпълнява многосричково, многостранно произведение, всяка страница от което трябва да звучи завършено и силно, и в същото време да бъде неразделна част от цялото, създадено сякаш от един дъх. Разбира се, тази задача не е лесна. И често сборът от листовете, наречен от художника серия, по същество не е сериал.
Съставът на поредицата е различен. По този начин серия може да бъде изградена върху контрастно съпоставяне на листове или, напротив, върху техния равномерен, идентичен звук. В друг случай авторът може да започне своята поредна история, като постепенно повишава емоционалното си напрежение, създавайки своеобразна кулминация на действието и чувствата в един или повече листа и го затваря с край.
Така например е подреден голям цикъл от литографии на А. Ф. Пахомов „Ленинград в дните на блокадата и освобождението“, публикуван с текста на поета Н. С. Тихонов през 1946 г. Този цикъл е първото голямо представление в станковата графика на А. Ф. Пахомов (роден през 1900 г.), майстор на детските книги, известен с илюстрациите си към произведенията на Н. А. Некрасов и И. С. Тургенев. Литографиите на Пахомов са разкази на очевидци и ни докосват с истината на това, което виждаме, със светлината на голяма човешка солидарност и смелост.
Поредицата се отваря с листа „Виждане на народната милиция“, Той веднага ни отвежда в атмосфера на тревога, обърканост на нарушен щастлив живот. Освен това събитията се развиват бързо, животът на града се променя, обстрелите и бомбардировките стават неразделна част от него. Ленинградците строят бункери по улиците, дежурят по време на алармата на покривите, спасявайки ранените от разрушени къщи. Всичко това е показано в литографии, бързо сменящи се една друга, детайлно, като история, но изпълнена с вътрешно напрежение. В тях времето е уплътнено и наситено, хората действат, без да губят нито минута, смело се борят с врага.
Следващата страница от албума - "На Нева за вода" (ил. 14) ни изважда от забързания ритъм на тези епизоди. Тук времето се влачи бавно - това е тежката стъпка на студените и гладни дни на блокадата на Ленинград. Момиче с непоносимо тежка кофа бавно се движи нагоре по стълбите. Тази героиня Пахомов е един от най-силните образи не само на поредицата, но и на цялата военна графика. Погледът на зрителя преди всичко се спира на лицето на момичето – така е изградена композицията на литографията, така диктува изключителната изразителност на това лице. Художникът разработи изражението на лицето си в детайли - тъмните очи, изразяващи дълбока умора, изглеждат особено големи на по-тънко лице, намръщените вежди са събрани в рязко движение, безкръвните устни на полуотворена уста са толкова бледи, че почти не се открояват на лицето и художникът леко очертава контура с тяхната линия. Изглежда, че образът на това момиче ще бъде въплъщение на умора и страдание. Но най-забележителното в него е съчетанието на тези черти на физическа умора и изтощение с духовна твърдост.
Постоянството, непокорността на героинята на Пахомов е най-сложното сливане на много аспекти от нейния духовен живот, нейните вътрешни качества и в същото време това е нейното основно качество, което надделява над всички останали. Тук, наред с обичайната за Пахомов простота и невероятна яснота на изображението, се раждат неговата многостранност и дълбочина. Пахомов винаги е особено близо до образите на децата. И в тази литография той успя да разкаже много, показвайки как едно момиче налива вода от чайник; за нея това е въпрос, в който е погълната изцяло – и необходимост, и в същото време игра. В тази комбинация има болезнена болка, в нея има истински блокаден живот с неговите нотки на остра трагедия в разгара на ежедневието. Снежната шир на реката, замръзващият прозрачен зимен въздух са добре предадени в литографии. Този лист, както и следващата рисунка "До болницата" - най-мощният, изпълнен с чувство. Те образуват сякаш кулминацията на сериала. Освен това историята на художника се води по-спокойно и в съответствие с темпа на събитията листовете му стават по-ярки и по-радостни: "Кровелици", "Новогодишна нощ" и др. Поредицата логично завършва с картината на фойерверки на 27 януари 1944 г. в чест на пробива на блокадата на града от Съветската армия, фойерверк, който толкова дълбоко и радостно вълнува хората, предизвиквайки цял низ спомени и надежди. Под фойерверките хората се радват по различни начини: както шумно, отдавайки се на светлия триумф на този момент до края, така и замислено, леко отдалечавайки се в спомените, и дълбоко, с цялото си сърце, чувствайки безопасността на децата си. Вълнението и радостта ги обединяват, а близката композиция на листа сякаш прави тази плътност видима и със собствените си очи.
Военният Ленинград е посветен на много творби на други художници. Нека назовем от тях поредица от линогравюри от С. Б. Юдовин (1892 - 1954). Видяхме как в поредицата на Пахомов техниката на литография позволява на художника да представи всяка замислена от него картина в детайли, задълбавайки се в детайлите, съчетавайки линейната им тънкост с живописността на топящите се простори на зимния пейзаж. Серията на Юдовин е направена в линогравюра. Юдовин се характеризира с обостряне на чувствата, в листовете му авторитетно звучат трагични нотки. И цялата фигуративна структура на листовете му, и начинът на изпълнение са подвластни на това усещане за трагизма на случващото се. В гравюрите му царят тежкият черен цвят и студеният блясък на снега. В смразяващата тишина на града хората се тъпчат с мъка, прегъвайки се под тежестта на бремето, под бремето на блокадните проблеми. Техните фигури, които обикновено се виждат сякаш отгоре, рязко изпъкват на фона на заснежените улици. Ъгловат модел, безмилостна светлина, грабваща сиени от мрака; живот, който стана рамката на трагедията - това са гравюрите на Юдовин. Напразно е да упрекваме художника за тяхната груба правдивост, за липсата на оптимизъм. Естеството на таланта на Юдовин му позволява да изрази с особена чувствителност трагичните аспекти на борбата на ленинградците с врага.
Но графиката като цяло се характеризираше с по-ярък поглед към света, дори когато изобразява изпитанията, сполетяли съветските хора. Това можехме да видим още в поредицата на Пахомов и ще намерим ново потвърждение за това, като се запознаем с поредица от рисунки на Д. А. Шмаринов „Няма да забравим, няма да простим!“ Шмаринов (р. 1907) е един от онези художници, чиито усилия доведоха до голям успех на съветската книжна илюстрация през 30-те години. Получава добра професионална подготовка в художествените ателиета на Прахов в Киев и Кардовски в Москва. Талантът на психолог и голямата вътрешна култура отличават неговите книжни произведения. През военните години Шмаринов създава плакати и стативи рисунки. Серия "Няма да забравим, няма да простим!" е изпълнена от него през 1942 г. за кратко време, но идеята му се формира през цялата първа година на войната.
Историята на художника започва не постепенно, отначало – той веднага ни шокира с високата трагедия на рисунката „Екзекуция“. Снимките на изпитанията и премеждията на войната следват една след друга, но ярката тема за смелостта на съветския народ, възникнала от първата страница на поредицата, печели дори и в най-горчивите й страници. Една от най-добрите рисунки от този цикъл е листът "Връщане" (ил. 15). Хиляди съветски колективни фермери в живота са били запознати с позицията, в която се намира жената, изобразена от художника. Шмаринов я рисува в момента, когато спектакълът на опустошения, разрушен роден дом за първи път се отваря пред очите й, принуждавайки я да спре в някакъв ступор на скръбен и възмутен размисъл. Дълбоката й възбуда почти външно не се проявява в нищо. Това е сдържането на силна личност, която не си позволява експлозия от чувства, моменти на отчаяние. И колко много разказва пейзажът на зрителя тук! Прозрачната чистота на въздуха, яркостта на слънчевите отражения и сенките, плъзгащи се по размразената земя - тази красива картина на ранна пролет носи радост в сложния подтекст на сцената. Листът започва да звучи като лирична история и това е много характерно за таланта на Шмаринов. Рисунките на Шмаринов, изпълнени с въглен и черен акварел, преминават през много етапи в процеса на работа. Но те с радост избягват сухата външна завършеност, запазвайки треперещата живост на щрихите, сякаш току-що са положени от художника.
Само в последните два листа от поредицата - "Завръщане" и "Среща" - няма образ на нацистите и въпреки че радостта е все още много далеч, атмосферата става по-лека, героите дишат по-лесно. Суровият живот на първата година от войната, чиито събития бяха обобщени от художника, му подсказа композицията на поредицата - нестихващото трагично напрежение на повечето от страниците й и ярките нотки на последните рисунки.
През военните години В. А. Фаворски (роден през 1886 г.), един от най-старите съветски художници, голям майстор на дърворезбата, също се насочва към станковата графика. През цялата му кариера книжната илюстрация привлича вниманието му в най-голяма степен. И сега съветските и чуждестранните зрители се възхищават преди всичко на хармоничния епичен свят на неговите гравюри за „Сказание за похода на Игор“, на трагедията и дълбочината на илюстрациите за „Борис Годунов“, на многосричния, пълен с философски обобщения и понякога суров. , понякога завладяващи нюанси на живота, поредица от гравюри за "Малки трагедии" от Пушкин. Но още в края на 20-те години на миналия век Фаворски създава и красив портрет на Ф. М. Достоевски - напълно независим, макар и, разбира се, тясно свързан с книгите на писателя. Светлината и сянката се противопоставят в този тревожен лист; трепетно, силно оформя образа на човек, обхванат от вихър от болезнени мисли. Тук влизаме в контакт с духовен живот с изключителна интензивност, отгатваме вътрешния свят, пълен с противоречия и борба. В свободното разнообразие от щрихи, в мъдрото използване на цвета се усеща голямо умение.
През 40-те години на миналия век Фаворски създава листове "Минин и Пожарски", "Кутузов". Художникът не беше сам в творческия си призив към славните страници от историята на нашата Родина; те естествено привличаха особено внимание на художници и графици през военните години. В самаркандската поредица от ритмично тънки линогравюри, изпълнени по едно и също време, ходът на ежедневието е изобразен с небързана грация и лаконизъм. Белият фон, който играе важна роля във всички нейни чаршафи, подчертава елегантността на силуетите, музикалността на простите, но обмислени композиции.
Художникът и по-късно неведнъж се позовава на станковата графика (лист "Летящи птици", 1959; виж фронтиспис и др.), но книжната илюстрация го заема в неизмеримо по-голяма степен.
Видно място във военновременната графика принадлежи на творчеството на Л. В. Сойфертис (роден през 1911 г.). Сойфертис преди това е работил в областта на графиката на сатиричните списания, а сега често се появява на страниците на списание "Крокодил". През военните години участва в битките в Севастопол, Новоросийск, Одеса. Сойфертис имаше шанса да види много тежки неща във войната, неведнъж смъртта беше до него, но неговият ярък и светъл талант извличаше от тази не яростни бойни сцени, не трагедия и смърт, а усмивката на живота, която остава дори под бомбардировки. Една особена острота, забавност отличава изобразените от него позиции. Един моряк бърза към фронтовата линия в обсадения Севастопол, а момчетата - за бързина заедно - усърдно лъскат обувките му. „Веднъж“ е името на този лист. Има въздушна битка над града на слънчевото небе, жени го гледат, а старицата спокойно шие нещо, седнала точно там на стол на портата. Моряците на витрината на вестника четат последните новини, застанали в тясна група, настръхнали с щикове на пушки (ил. 16), моряк и фотограф са разположени във фунията от бомбата - необходима е снимка за партийния документ . Всичко това, очевидно, може да се нарече ежедневни епизоди, но това е живот, който се е утвърдил на един хвърлей от фронтовата линия, а най-непретенциозните, дори забавни на пръв поглед сцени тук са разпръснати с дъх на голяма смелост и героизъм. Истинската грация отличава рисунките на Soyfertis. И ако в „Самаркандската серия“ на Фаворски преследваните линии и силуети на линогравюри бяха грациозни, то изящните и красиви леки на Сойфертис, крехки, сякаш небрежни линии на контурната рисунка и живо, дишащо, леко оцветено прозрачно акварелно запълване.
Сойфертис остава художник на мимолетна усмивка и голяма симпатия към хората в своите рисунки от 50-те години. Неговият сериал "Метро" - поредица от жанрови сцени, забелязани в суматохата на московските подземни дворци, и рисунки и офорти, посветени на деца, все още се гледат изненадващо бдително, все още осветени от взискателен интерес към човек. Понякога трогателни и забавни, понякога подигравателни и дори леко гротескни, придобиващи острота в сравненията, тези листове винаги ни разкриват някои нови черти на живота, нещо ново в обичайното течение на ежедневието.
Големият материал, натрупан през военните години, не се вписва лесно в архивите на художниците. Много от тях продължават да работят по военни теми и след края на войната. Особено много рисунки и гравюри за войната бяха показани на изложби от първите мирни години. В същото време работата на графиките естествено вървеше по пътя на обобщаване на техните знания и визуални впечатления, по пътя от скица и скица до статив лист и цяла графична поредица. Така няколко серии литографии, базирани на материалите на неговите военни скици, са изпълнени през 1946 - 1950 г. от художника В. В. Богаткин (роден 1922 г.). През военните години Богаткин едва започва творческата си работа. Рисува много; една от рисунките му, изобразяваща млад войник на брега на Тиса (1945), придоби значителна слава. Но основната област на неговата работа беше пейзажът. Мълчанието на безлюдните улици на обсадения Ленинград, помрачената Москва, Берлин в дните на краха на фашизма, планините от повредена техника по улиците му, съветските танкове при Бранденбургската врата са уловени от Богаткин в неговите литографии. С годините точността на видяното, съдържащо се в тези листове, създадени по горещите преследвания на войната, все повече се оценява от нас.
В края на 40-те и началото на 50-те години картината на развитието на стативната графика е сложна и в много отношения противоречива. Художниците успяха да забележат и предадат някои много значими страни от нашия живот и най-вече да покажат на човек, преминал през войната, радостта от завръщането му на работа, страстната жажда за творчество. Това беше особено очевидно в някои произведения, посветени на колективния труд; красотата на спокойните ниви на нашата Родина се усещаше в тях като новопридобита, завладяна собственост. В същото време в потока от рисунки, изобразяващи съветските хора и тяхната работа, бяха ясно отразени чертите на илюстрацията, бедността на мислите и чувствата. Документалната проза попречи на много художници в тези творби да се издигнат до нивото на поетическо обобщение на нашия живот. Появяват се много рисунки и гравюри на исторически и революционни теми, художниците влагат силата и таланта си в своето творчество, но влиянието на култа към личността е особено тежко за тях. Тя пречи на художниците да създават произведения с голямо идейно богатство, доведе в някои творби до неправилно отразяване на ролята на народа като създател на историята.
Графиката на тези години се развива едностранчиво в технически план. Много графични техники почти не се използват, преобладава рисуването с мастило, въглен и черен акварел. Само в сферата на пейзажа беше доста често срещана истинска акварелна живопис и някои видове гравиране. Но разнообразието от техники често съжителстваше в пейзажа с вътрешната пасивност на нещата.
От друга страна, през тези години са създадени и произведения с голяма художествена стойност. И така, през този период се формира оригиналният и силен талант на Б. И. Пророков, сега един от водещите майстори на съветската графика. Творчеството на Пророков е жизнено свързано с годините на войната, с това, което художникът е видял и преживял по това време. Но Пророков не само се върна през всичките тези години с паметта на сърцето си към войната, той успя да каже с изкуството си най-необходимите думи за света.
Б. И. Пророков е роден през 1911 г. в Иваново-Вознесенск. Способността му за рисуване се проявява още в гимназията. Неговите училищни рисунки, изпратени на конкурса на вестник "Комсомолская правда", бяха отличени с първа награда. Това даде на автора правото да получи билет за Висшия художествен и технически институт (Вхутейн). Ученето там обаче даде малко на Пророков и продължи по-малко от две години. За Пророков бяха много ценни само съветите на най-великия майстор на политическата графика Д. С. Мур, който преподава литография. След като не е получил специално образование, Пророков преминава през добро училище - политическо и художествено - на работа в Комсомолская правда и по-късно в списание Крокодил. По задачи от вестника той пътува много из страната, като вестникар се научи да прави голям запас от скици за бъдеща употреба, за да изпълни бързо всяка задача. Повечето от предвоенните творби на Пророков са карикатури на вътрешни и международни теми. Отделни плакати, също изпълнени от него, и по-специално лист, разобличаващ зверската антихуманистична природа на фашизма, вече предвещават публицистичната интензивност, страст и острота на бъдещите му творби.
От първите месеци на войната Пророков работи във вестника на гарнизона на полуостров Ханко, който героично издържа на обсадата на врага.
„Понякога ни е неудобно да говорим за подвига на човек на изкуството толкова високо, колкото за подвига на войник или командир, докато не се случи писател или художник да замени убития командир в битка и да поведе защитата на височината“, пише Ханко, участник в защитата, който разказа за това в историята „Гангутси“ Вл. Рудни - И не мога да си представя упорита борба на моряците от Гангут * ( * Полуостров Гангут Ханко е наречен по времето на Петър I) през четиридесет и първата година без пророчески смях и сатира, без ежедневните си живописни фейлетони, гравюри, портрети, издълбани поради липсата на цинк за клишета върху линолеум, откъснати от подовете в разрушени от войната къщи. „Художникът напусна Ханко с последните отряди на "моряците". Кронщад и Ленинград под блокада, Малая Земля край Новоросийск, Берлин и Порт Артур - това са основните етапи на неговия военен път. И навсякъде, дори в най-трудните условия и точно на преден план, художникът рисува много.
Първата следвоенна поредица на Пророков "В Китай Гоминдан" е създадена от него на базата на видяното в Далечния изток непосредствено след поражението на японските милитаристи. Малък по обем, той само очертава някои от чертите на живота на китайския народ, все още преживяващ колониален гнет и борещ се за националното си освобождение. Но страстта на отношението на автора към живота вече е напълно отразена тук. Със симпатия художникът рисува китайски партизанин - прост, скромен и смел младеж, с омраза и подигравка - елегантни американци, организирали нечовешки състезания с рикши; той споделя, струва ни се, както лудостта на неистов оратор на митинг, така и тежката умора на рикша, приклекнала под палещото слънце до карета. В следващите творби на Пророков ние сякаш ще усетим неговия авторски глас, неговото винаги горещо възмущение или любов и затова творбите му ще ни завладеят с особена сила.
В следващите цикли от рисунки "Ето я, Америка!" и "За мир!" гласът на публициста Пророков се засили. Животът в чаршафите му придобива гневната сила на политическото разобличаване на империализма. В рисунката „Танците на агресора до дъното“ художникът във вълнуващ жалък образ показва волята на работниците за мир, силата на тяхната солидарност. Порив на възмущение освободи силите, събраха монолитна група от хора, които хвърлиха резервоар във водата. Листът е лаконичен по композиция, изпълнен с патос на борба; той лесно издържа на голямо увеличение и неведнъж привържениците на мира извън страната ни го носеха като плакат на демонстрации. Серия "Ето я, Америка!" е изпълнена от Пророков като илюстрация към книга с брошури и есета за Америка. Но по същество се е превърнал в статив цикъл - съдържанието на листовете му е толкова независимо, разбираемо и без текст. По същия начин по-късните илюстрации на Пророков към книгата „Маяковски за Америка“ придобиха стативни черти. Призивът към Маяковски беше дълбоко логичен в произведенията на Пророков. Художникът е много близо до страстния натиск на стихотворенията на Маяковски и характерното им редуване на гняв и сарказъм, и смели алегорични образи, и задължителната политическа оценка на явленията.
Във всички свои творби, изпълнени след войната, Пророков се бори за мир, разобличава империализма, безчовечността на колониалната му политика, милитаристични замисли. Но най-мощната реч на художника за света беше поредицата му „Не трябва да се повтори!”, в която за първи път след утихналите битки той се докосна до военни видения, които не бяха напуснали сърцето.
В поредицата му са подчертани два листа с противоположни настроения: на единия - "Хирошима" - обречено лице, което все още ни гледа от ада на атомна експлозия, на другия - млада майка, с оръжие в ръце, защитаваща дете, защитаващо светъл живот на земята. Между тези два листа, като в рамка, има низ от картини от войната. В тях хората се борят със смъртта, която носи фашизмът; и в смъртния час презират врага, както млада жена презира палачите, в чиито очи има кърваво видение на Бабий Яр (ил. 17). Никакви детайли, които разсейват голямото напрежение, всеки лист е усещане, взето в най-висшия момент, това е болка, която все още не е предназначена да спре. Тук като задължителни художествени техники са избрани остър силует и близък план. Само един артист с голяма смелост и пламенна вяра в хората би могъл да ни повтори жестоката истина за отминалата война с такава удивителна сила. Страниците му, изпълнени с болка, гняв и страдание, не оставят никого безразличен. Завет на чешкия комунист Й. Фучик "Хора, бъдете бдителни!" звучи за нас в тази поредица от съветски художник.
Сред произведенията, посветени на В. И. Ленин, се открояват рисунките на най-големия майстор на книжната илюстрация Е. А. Кибрик (роден 1906 г.). В отделни листове от поредицата художникът, който внимателно изучава материалите, свързани с дейността на Ленин в годината на революцията, не само усвоява първата истина за външното сходство, но и се придвижва по-нататък, в дълбините на вътрешната характеристика.
Листът "В. И. Ленин в подземието" (ил. 18) възпроизвежда юлските дни от 1917 г., когато Ленин, живеещ в Петроград, е принуден да се укрива от хрътките на Временното правителство. Как самият художник си е представил сюжета на тази рисунка? Според него тук той е искал да покаже Ленин теоретика, учения, мислителя, който ежедневно се появява в онези дни със статии, въоръжаващи партията в борбата й за диктатурата на пролетариата; конкретния момент, който трябва да бъде изобразен, художникът описва по следния начин: „... Ленин, каквато беше неговата природа, се разхождаше из стаята, размишлявайки върху огромния материал, който животът доставяше всеки ден и в който трябваше да улови най-важното нещо, какво е необходимо да се насочи партито с друга статия в Правда.Намерил това основно нещо, той бързо седна на масата, веднага забрави за всичко на света, потопи се в работа. Характерно е, че Кибрик си представя образ в движение и, нарисувайки един единствен момент във веригата от други, той също взема предвид предишния. Тишината на малка самотна стая е пълна с напрежението на големия труд. Художникът успя да предаде заетостта и заетостта на Левин с работата си с концентрирания израз на лицето си, позата на бързо пишещ човек.
Картината "В. И. Ленин в Разлив" е различна по настроение: има възбуда, сдържан импулс. Потокът на мислите на Ленин е далеч от околността, а просторите на езерния пейзаж също така сякаш разширяват обхвата на листа. В цитираната по-горе книга Кибрик подробно описва процеса на работата си върху тези композиции и всеки, запознат с неговите рисунки, ще се интересува да прочете тези страници,
До средата на 50-те години в графиката се появяват красиви неща за нашето съвремие. Художникът Ю. И. Пименов, художник, график и театрален декоратор, отвори за нас цял един голям свят, изпълнен с ярка радост от живота с голямата си поредица „Подмосковье“. Пименов притежава рядката дарба на поетическото ежедневие, умението да вижда красотата на ежедневието. А красотата, забелязана в обикновеното, винаги намира своите особено близки пътеки към сърцето на зрителя. Горещият въздух на горещ ден в предградията и фигурата на момиче на крайбрежната алея, пламенни работници на строителната площадка на нови къщи и сиянието на дъжда на площад в предградията на Москва - това са простите сюжети на рисунките и акварели на Пименов . „За един жанров художник, струва ми се – пише той, „най-ценните находки са онези истински късове от живота, които се виждат, където в обикновени, невъобразими, реални случаи от всеки ден се разкрива великата истина за страната.” Бурният работен ритъм на нашето време, неговата специална, енергична и делова красота живеят в творбите на художника (виж корицата). Може би основният чар на образите на Пименов и по-специално на неговите постоянни героини - жени, работещи на строителна площадка, заети с ремонт на апартаменти, шиене, домакинска работа, се крие в дейност, дейност. Светлият, светъл цвят на неговите акварели придава празничност дори на най-обикновените на пръв поглед сцени и неща. Художникът внася и голяма живописност в техниката на черния акварел и въглен. С градации на черно той е в състояние да предаде дълбочината на сенките, които падат върху водата от дърветата, и прозрачния студ на ранната пролет, и свежестта на дъжда на перона на гарата, и смолистия комфорт на горския път . Пименов е много интегрален художник. Неговата гледна точка към света, кръгът от любимите му сюжети остава същият в поредица от картини от 40-те - 50-те години на миналия век - жанрови сцени, натюрморти, които толкова просто и поетично разказват за съвременник, а в неговите графики и дори в прозата - в книга за Московския регион, написана от пламенен ентусиазъм, бързо, грациозно и лесно, с чисто художествена визия за живота в неговата наистина красива, многоцветна облика.
Животът в движение, нов и радостен, роден всеки ден, бърза да улови Пименов в по-късния си сериал „Нови квартали”.
Пътувал повече от веднъж в чужбина през 50-те години на миналия век, Пименов създава цяла поредица от малки платна и скици въз основа на впечатленията от тези пътувания или директно по време на пътуванията си. И тук погледът му остава преди всичко погледът на човек, влюбен в красотата, журналистиката не му е присъща. Но изпълнените с тъга текстове на някои от чуждите му произведения неволно звучат като контраст със звучното щастие на листовете му, посветени на обикновените дни и дела от нашия живот.
Чуждестранните творби на Пименов не бяха самотни в нашия график. През 50-те години на миналия век и по-късно, когато международните културни връзки на страната ни се разширяват и много художници пътуват до различни страни по света, се появява цяла група сериали, базирани на впечатленията от тези пътувания. Те обикновено съдържаха сцени от уличен живот, пейзажи, отделни портретни листове. Художниците разказаха за видяното, показвайки живописните кътчета на природата, известните паметници на архитектурата и скулптурата, особеностите на живота, хората, срещани по време на пътувания. Принудителната плавност характеризира повечето от тези произведения. Но в резултат на пътувания бяха създадени и завършени сериали, в които репортажът, скицността бяха заменени от истинско художествено обобщение. От запознаването с подобни цикли зрителят получи не само верига от ярки туристически впечатления, но и нови познания за определена страна и естетическо удоволствие.
Едно от тези неща беше поредицата на Н. А. Пономарев (р. 1918 г.) "Северен Виетнам", създадена през 1957 г. Обликът на тази страна, видян от художника, е пълен с чар: сиво-синьо високо небе, простори на спокойни води, оризови полета и верига от люлякови скали на хоризонта, ту ясно видими, ту топящи се в перлена мъгла . В тези листи живее спокойна, леко съзерцателна поезия от ежедневието. С дълбоко съчувствие са изобразени хората - скромните трудолюбиви хора на Виетнам - рибари, миньори, жени, отиващи на пазара (ил. 19), чакащи преминаването край залива. Деликатното и фино оцветяване придава изразителност на рисунките. Виетнамската поредица в много отношения беше повратна точка за нейния автор. Художникът започва кариерата си с рисунки с въглен и черен гваш, посветени на миньорите от Донбас (1949-1950). Имаха много съвест и труд и по-малко творческо вдъхновение. Рисувайки Виетнам, художникът открива в работата си не само нови поетични нотки, но и способността на колорист, който може да види хармонията и декоративността на смесената техника на гваш и пастел.
От сериалите, базирани на чужди впечатления, интересни бяха и произведенията на О. Г. Верейски (р. 1915). О. Верейски, днес виден илюстратор на книги от съветски писатели и статиков график, дължи първите си познания за изкуството на баща си Г. С. Верейски. Учи и в Художествената академия в Ленинград. С еднаква свобода О. Верейски владее както меката живописност на тоновата рисунка с черен акварел или туш, така и ярките контрасти на ясна, определена техника на рисуване с химикал. Напоследък художникът се интересува от някои техники на гравиране и той повтаря някои от рисунките си, изпълнени в резултат на пътувания до Египет, Сирия и Ливан, в щампи. Един от най-добрите сред тях е лист, наречен "Почивка по пътя. Сирия" (ил. 20). Той е красив по цвят и лаконична композиция, но основният му чар е в образа на жена. Изисканата красота и леката тъга на лицето, сдържаната нежност на жеста и естествената грация на жената са възпроизвеждани от художника с истинско естетическо удоволствие. Листовете от „Американски сериал“ на О. Верейски също са пълни с точни наблюдения и той вижда не само церемониалните, но и сенчестите, битови черти на американския живот.
Познанията ни за тази страна се допълват и от рисунки с химикалка, елегантни в своята линейна скицираност, от В. Горяев, художник с остър, донякъде саркастичен маниер, илюстратор Марк Твен, постоянен сътрудник в сп. Крокодил.
Следвоенната графика се характеризира с големи успехи на художниците от съюзните републики. В Украйна, Естония, Литва и Латвия вече са сформирани най-силните отбори от графици. И рисунката, и акварелът имат своите велики художници в тези републики, а изкуството на гравюрата се развива тук и тогава, когато в края на 40-те и началото на 1950-те години то е в упадък в РСФСР.
Като пример за украинска станкова графика може да се посочи поредицата "Украински народни мисли и песни" от М. Дерегус. Широко замислен, включващ листове с различни настроения и теми, този цикъл характеризира зрелостта на украинската графика, въпреки че в творчеството на самия Дерегус - пейзажист и илюстратор par excellence - стои донякъде отделно. Тъгата и надеждата на листа „Мисълта на Марус Богуславка“ и трагедията на самотата, измамена вяра в хората в листа „Мисълта на тримата братя на Азов“ се заменят със смелата поезия на нашите дни в композицията „ Мисълта на партизаните“ с централния образ на Ковпак. Младите украински художници В. Панфилов, който посвети своите гравюри на стоманоработчици, и И. Селиванов, който създава листове на исторически и революционни теми, успешно работят в гравюрата. Типичен жанр за украинската графика е индустриалният пейзаж, обикновено изпълнен в техники на гравиране. Негови майстори са В. Мироненко, А. Пашченко, Н. Родзин и др.
В балтийските републики пейзажната графика е много разнообразна. Има силен поток от камерен лирически пейзаж, емоционален, с голям чар. Негови създатели са естонски художници, майстори на гравюрата Р. Кальо, А. Кееренд, Л. Еносаар, акварелист К. Бурман (младши), графици на Латвия – А. Юнкер, литовец – Н. Кузминскис и др. В творбите им има лирически разсъждения и тясно общуване с природата, което обогатява душата, и всеки път красотата на родните поля, живописния древен Талин и т.н. се разбира по нов начин.
В творчеството на най-възрастния естонски чертожник Г. Райндорф пейзажните изображения придобиват по-философска окраска. Сега ни е трудно да си представим напълно дългия творчески път на този художник, тъй като почти всички негови предвоенни произведения загиват по време на Великата отечествена война. Но следвоенният период на неговата дейност също е плодотворен. Райндорф е роден през 1889 г. в Санкт Петербург. След като успешно завършва училището по техническо рисуване на Stieglitz, той получава право на командировка в чужбина и заминава за Франция. Краткият период на чуждестранните пенсионери е прекъснат от Първата световна война. Завръщайки се в родината си, Райндорф работи в областта на приложната и пейзажна графика и се занимава с преподавателска дейност. Основните му творчески интереси през 40-те - 50-те години на миналия век са погълнати от пейзажа и до известна степен от книжната илюстрация. Той изпълнява своите неща през тези години предимно под формата на рисунки; по-рано художникът създава и изразителни листове за гравиране. Стремежът към обективна точност на изображението понякога отива в ущърб на емоционалното богатство на листовете му на Райндорф, но в най-добрите му творби тези два принципа се съчетават. Най-характерни в това отношение са неговите листове „В горещите дни на август” (1955). Един вид хармония обединява всичко, което живее в този селски пейзаж, а виртуозната техника на рисуване с графитен молив придава на листовете тонално богатство и специално филигранно изпълнение.
Има и линия на романтичен пейзаж в графиките на балтийските държави, наситени с патоса на бурните неспокойни човешки чувства. В гравюрите на латвийските художници П. Упитис, О. Абелите, в отделни листи на М. Озолиньш, образите на природата са оцветени с остра емоционалност, изпълнени с вътрешно напрежение.
В офортите на рижанина Е. Андерсън пейзажът се превръща в среда, в която се разгръща величественото действие на труда.
Много балтийски художници действат както като пейзажисти, така и като автори на тематични произведения и това само обогатява творбите им. В многостранното творчество на естонския художник Е. К. Окас (р. 1915) например могат да се намерят пейзажни листове, портрети и тематични неща. Окас е роден в Талин в работническо семейство и учи там - първо в Държавното художествено и индустриално училище, а след това в Държавното висше художествено училище. По време на Великата отечествена война той работи като фронтов художник. Окас е едновременно художник и майстор на книжна илюстрация. Но ако образите, които той създава за страниците на книгите, понякога са отделени от нас с десетилетия и векове, героите на неговите стативи винаги живеят в съвремието, дишат от неговата никаква ведра атмосфера. Усещането за сложността на съвременния свят с неговите остри социални противоречия изпълва, например, листовете от холандската и италианската поредица от пътническите скици на Окас, фундаментално изпълнени от него в различни техники на гравиране. Прозорливи и строго правдиви, тези гравюри звучат като истинска журналистика. Литовският художник В. Юркунас (р. 1910) също работи с книжна и статикова графика. Завършва Каунасското художествено училище през 1935 г. и непрекъснато се занимава с преподавателска дейност. В неговите гравюри хората като че ли са особено тясно свързани с родната природа, с родната земя. Такива са героите на възпроизведеното от него стихотворение на Майронис (1960; ил. 21), такъв е малкият колхозник, спечелил симпатиите на много зрители - образът на младостта, която се разхожда по красивата земя, безхитростно проста и провокативна, зашеметяваща с уникална цялост на чувствата ("Аз ще бъда млекарка", 1960). Техниката на линогравюра в листове на В. Юркунас притежава едновременно лаконичност и гъвкавост, тя естествено служи за създаване на неговите ярки, оптимистични образи.
Балтийския трафик в областта на портрета работи с ентусиазъм, И ако сред творбите на художници от РСФСР сега имаме, освен неизменно успешните, но вече редки изпълнения на Г. С. Верейски, само остро характерни гравирани портрети на М. Фейгин , в Балтийско море ще бъдем доволни от фините и разнообразни умения на редица портретисти.
Естонският художник Е. Айнман (роден 1913 г.) постига много в този жанр. Получава образование в Държавното училище за приложни изкуства и Висшето художествено училище в Талин.Творческият му път започва през Великата отечествена война. Сега, в дълга поредица от негови творби, ясно се виждат чертите на таланта му. Замислено и внимателно отношение на художника към вътрешния свят на неговите модели. Уважението към човек е характерна черта на работата му. То винаги се проявява, независимо дали художникът рисува стар рибар или млад ученик в професионалното училище, медицинска сестра или актриса. В същото време директният опит на автора, оценката на модела, остава някъде встрани, основното е сдържан и обективен разказ за него. Портретите на Айнман завладяват с изтънчеността на графичния маниер, чужд на външните ефекти. Тази тънкост отличава неговите листове, изпълнени с графит или италиански молив, и акварел, и литография.
Емоционална и лирична е портретната работа на естонския художник А. Бах-Лийманд, който е особено добър в изобразяването на жени и деца. Портретите и автопортретът на литовския художник А. Макунайте, който работи в линогравюра, са изпълнени със сериозни мисли. Изразителни са портретите с въглен, създадени от младата латвийска чертожница Ф. Паулюк.
Графиката в Украйна и балтийските държави има дълга традиция и затова нейният успех е до голяма степен естествен. Но дори в републики като Киргизстан или Казахстан, където графичното изкуство е доста младо, то вече е постигнало забележим напредък.
Водещият майстор на графиката в Киргизстан е Л. Илина (родена през 1915 г.), ученичка на Московския полиграфически институт, работила дълги години в град Фрунзе. Монументалност, големи форми, лаконизъм са характерни черти на нейните линогравюри. През последните години Илина, донякъде се отдалечава от книжната илюстрация, изпълнява много стативи творби, и по-специално пейзажната поредица от дърворезби „Родна земя“ (1957) и голяма серия от цветни линогравюри, посветени на жената на нейната република. Чертите на новото, които отличават нашия живот, може би са особено забележими в женските съдби, показани от киргизкия художник. Работата не огъва жените сега, а само придава величие и значение на стойката. Свободното, неограничено отношение отличава както момичето производител на цвекло (1956), така и делегатите от далечния Тиен Шан, които внимателно слушат говорещия (1960). Линогравюрата на Л. Илина са пластични, обемът е свободно формован в тях с жив, груб щрих, големи цветни петна. В същото време силуетният декоративен ефект на чаршафа винаги се запазва (ил. 22).
В Азербайджан художникът М. Рахман-заде (р. 1916), който изобразява офшорни нефтени находища в Каспийско море, работи интересно в областта на цветната литография. Тя знае как да въведе в своята поредица различни мотиви, които изглеждат подобни и в същото време всеки път разкриват нещо ново в индустриалния пейзаж. Листът Flyover от нейните творби от 1957 г. се откроява сред другите със своята стройна композиция, звучна комбинация от ярко жълта вода и черни ажурни структури. Такива са част от постиженията на републиканските гравьори и чертожници.
Днешните графики са много различни от тези от първото следвоенно десетилетие. Какво ново, толкова за разлика от предишното, се появи в него? Ако по-рано модерността беше уловена с истинско поетическо обобщение само в отделни неща, сега нейните живи черти са разпръснати в много графични произведения. Масовото обръщане на художниците към настоящето дава своите резултати. Модерността се асимилира в нейните невъншни, дълбоко вкоренени черти, художниците откриват сякаш ново лице на страната ни, съветския човек. В много отношения графиката от последните години има нещо общо с живописта. Художниците на тези изкуства виждат строгото и стремително лице на времето, особена активност на отношението прониква в техните произведения. И жаждата за нови, неизпитани форми на изкуството също се оказва обща за тях. В графиката всичко това се отнася преди всичко до щампата. Възходът му започва в средата на 50-те години на миналия век и сега можем да говорим за истинския му разцвет. Този разцвет се свързва преди всичко с притока на нови млади сили към станковата гравюра. Но за това допринесоха и вече опитни художници. В пейзажите на А. Ведерников, например, Ленинград, обременен с много традиции на изобразяването му, изведнъж се появява в толкова нов облик, искрящ с чисти цветове, че сякаш се вижда за първи път. Техниката на цветна литография на Ведерников не имитира нито рисунка с цветен молив, нито детайлна акварелна живопис. Художникът оперира с обобщени форми, смели комбинации от няколко чисти тона. Неговото търсене на декоративност в цветната литография е един от многото характерни щампи днес.
Сред успехите на гравюрата можем да причислим и дърворезките на Ф. Д. Константинов за селския труд и особено неговия пейзажен лист „Пролет в колхозата” (1957; ил. 23) и пейзажите на арменския художник М. М. Абегян - „Скалист бряг на Занга”, „В планините на Бжни” (1959) и много други творби на художници от по-старото и средното поколение.
Но новото, което отличава съвременната гравюра, се усеща особено ясно в нещата на младите. И. Голицин, А. Ушин, Г. Захаров, Я. Манухин, И. Решец, Л. Тукачев, К. Назаров, В. Попков, Д. Нодия, И. Некрасов, В. Волков - цяла плеяда млади хора който се представи ярко в печат. Виждаме обикновени крайградски пейзажи в "Сюита на жици" на А. Ушин (роден 1927), възпитаник на Ленинградското художествено-педагогическо училище (ил. 24). В листовете му не се случват събития, само електрическите влакове се втурват в тишина и в същото време тук се случват много неща - стоманени ферми се издигат, за да поддържат жиците, снопове светлина от прозореца на влака разкъсват плътния нощен мрак, бели светкавици дъждът го пресича и облаци се натрупват в ослепителна купчина в черните небеса - животът тече, уникален, жив, усетен много остро, в най-активното си, напрегнато състояние. Именно това остро, активно възприемане на живота в неговата постоянна динамика отличава много произведения на младите. Обединява техните произведения. Но освен това младите хора са много индивидуални в работата си. Всеки от тези художници вече има свое лице в изкуството, свое мнение за живота, собствено разбиране за езика на гравюрата.
Уникално звучат просторни пейзажи и лирични сцени от Г. Захаров с подчертания им ритъм на големи черно-бели щрихи и петна. Подробни са замислените, леко иронични пейзажни романи на И. Голицин, където всяка къща е цяла история за живота на огромен град, а кръстовището на улицата ни разгръща в мигновено и малко песимистично виждане свитък от човешкото ежедневие. Гъвкавата техника на сребърно гравиране на Голицин до голяма степен се формира под влиянието на Фаворски. Тънкостта на дърворезбата, нейното тонално богатство, толкова подвластно на Фаворски, сякаш разшириха хоризонтите на Голицин, художника на по-голяма, по-смела техника на линогравюра (ил. 25),
Леко суров, значим и в най-обикновените си проявления животът тече 24. A. A. U Shin. Дъжд. 1960 г. на голям град в офорти на В. Волков от Ленинград. Освободени от суматохата и дреболиите, чаршафите му монументализират реалността, сякаш излагайки смелия й величествен ритъм в потока на ежедневието. А хората са показани от художника в някакъв, но значим аспект - те са сурови, лаконични трудещи се хора.
Грузинският художник Д. Нодия активно вижда индустриалния пейзаж и трудовите сцени в динамика. Прозрачният свят на младостта, чудесно сливане на детска яснота на душата и възрастна тънкост на духовните движения, е разкрит от Ю. Манухин в крехкия образ на неговата популярна Трева на тревата.
Същият художник в гравюра, посветена на борбата за мир, постига специален израз на образа, който олицетворява гнева и болката на Хирошима. В същото време Манухин научи много от близостта на своя стативен лист с изкуството на плаката (ил. 26).
В. Попков (ил. 27) подробно и с ентусиазъм разказва за работата на транспортните работници в поредица от гравюри и гваши, който през последните години се изявява интересно и като живописец. Във всички тези творби младите художници ни разкриват различни страни на нашата модерност, видяни по свой начин и много свежо.
Разбира се, не всички в гравюрата вече са само успешни. Има и дребно всекидневно писане, илюстративност. Често ги срещаме в сериали, посветени на работата, както и със скучен протокол в индустриалния пейзаж. Има и неща, чийто смисъл се изчерпва от външната им декоративност. От друга страна, новото в графиката през последните години се роди в рисунката, макар че тук не се появи толкова мощен отряд от млади хора. Показателен в това отношение е творческият път на В. Е. Цигал (роден през 1916 г.). Започва в първите следвоенни години с поредица от рисунки с мастило и акварел, в които животът и делото на съветския народ са показани автентично, често лирично и топло, но все още без големи художествени открития. Цигал е отчасти възпрепятстван от неговата прекомерна активност, желанието да покрие с изкуството си твърде широк спектър от житейски феномени. Цигал работи бързо, големи серии от неговите листове се появяват на почти всички големи изложби. Но истинска творческа концентрация дойде при него едва когато, след като започна да пътува и да изучава живота на селяните в планинските села на Дагестан, за сравнително дълго време се интересува от тази една тема, която, разбира се, беше доста благодарна за художник. Така се появява сериалът му „Дагестан” (1959 – 1961), който е голяма крачка напред за Цигал. В този цикъл има и неизчерпаемото очарование на новостта на живота на планините, което се разкрива на художника, и някои много тайни, ежедневни черти, забелязани от приятелски поглед и особено усещане за хармония между човека и природата . Неговите листове са изградени върху фино съпоставяне на мотиви, общи за Дагестан, но внезапно разкриващи пред нас както спецификата на бита, така и взаимоотношенията на хората, вечни и в същото време фино модерни (ил. 28).
В настоящия възход на стативната графика, сложното / финото изкуство на акварела намери своето място. В акварела са особено необходими сигурно око и бърза, прецизна ръка. В него корекциите са почти невъзможни, а движението на четката с боя и вода е измамно лесно и изисква строга дисциплина от художника. Но колористичните възможности на акварелите са богати, а прозрачността на хартията под прозрачен слой боя му придава уникална лекота и изящество. "Акварелът е живопис, която тайно би искала да се превърне в графика. Акварелът е графика, която се превръща в рисуване учтиво и деликатно, изграждайки своите постижения не върху убиваща хартия, а върху странно разкриване на нейната еластична и нестабилна повърхност", пише веднъж един от най-големите познавачи на Съветска графика А. А. Сидоров. И сега, както и през 30-те години на миналия век, пейзажистите са майстори на акварела у нас. Творбите на С. Бойм, Н. Волков, Г. Храпак, С. Семенов, В. Алфеевски, Д. Генин, А. Могилевски и много други показват живота на един съвременен град, природата в богатството на нейните багри, в неговото чудесно разнообразие. И все по-рядко пасивната описателност намира подслон в пейзажа.
Това са някои от характеристиките на съвременната съветска графика. Въпреки това, нейната картина е толкова сложна и богата, че, разбира се, заслужава отделно описание. Целта ни беше само да се запознаем с творчеството на най-известните майстори на станковата графика и отделни моменти от нейната история.
Художникът Ю. И. Пименов, чиито рисунки бяха разгледани по-горе, пише: „Пътят на художника е пътят на омагьосването с живота и пътят на неговото изразяване, пълен с разочарования и провали. Но във всяко искрено нещо има зърно , микрочастица от желаното, после ехо, някъде се получава вълна от това чувство и разцъфтява. Заради това „зърно на желаното“, заради реципрочната вълна от чувство, абсолютно необходима за твореца, се извършва цялата му упорита и радостна работа.
Известни художници, скулптори, графици
Айвазовски Иван Константинович(1817–1900) - руски художник, майстор на морския пейзаж („Деветата вълна“, „Черно море“).
Боровиковски Владимир Лукич(1757–1825) - руски и украински портретист, сантименталист (портрети на М. И. Лопухина, А. Б. Куракин).
Бош (Бос ван Акен) Йероним (Йероним)(ок. 1460–1516) - холандски художник, един от най-големите майстори на Северния Ренесанс.
Ботичели Сандро (Алесандро ди Мариано ди Вани Филипепи)(1445-1510) - най-великият италиански художник от Ранния Ренесанс.
Брьогел-стари Петър ("Селянин")(ок. 1525–1569) - фламандски художник и график, майстор на пейзажни и жанрови сцени.
Брюлов Карл Павлович(1799-1852) - руски художник, чертожник, майстор на напрегнати драматични платна ("Последният ден на Помпей") и церемониални портрети ("Конница").
Ван Гог Винсент(1853-1890) - холандски художник, представител на постимпресионизма. Неговите картини се характеризират с контрасти на цветовете, устремен ритъм. Той създава трагични образи по болезнено напрегнат, изключително експресивен начин, изграден върху контрасти на цветовете, стремителен ритъм, върху свободната динамика на пастообразен щрих („Нощно кафене”, „Пейзаж в Овер след дъжд”).
Ван Дайк Антъни (1599–1641) -Фламандски художник, виртуоз на живописта, ученик на Рубенс. Творбите му са белязани с благородна духовност („Автопортрет“).
Ван Eik януари(ок. 1385 или 1390–1441) - фламандски художник от Ранния Ренесанс, майстор на портрети, автор на повече от 100 композиции на религиозна тематика, един от първите художници, усвоили техниката на рисуване с маслени бои.
Васнецов Виктор Михайлович(1848–1926) - руски художник-пътешественик. Създава платна по темите на руските епоси и приказки („Альонушка“, „Трима героя“).
Вато Антоан(1684-1721) - френски художник, майстор на жанровата живопис.
Веласкес Диего (Веласкес Родригес де Силва)(1599–1660) - испански художник Платната на Веласкес ("Закуска", "Предаване на Бреда") се отличават с чувство за хармония, финес и наситеност на цвета.
Венецианов Алексей Гаврилович(1780–1847) - руски художник. Повечето от творбите му - на теми от селския живот, са написани от природата.
Верещагин Василий Василиевич(1842–1904) - руски художник-батъл. В творбите си той показва ужасите на войната („Апотеозът на войната“). Загинал при експлозията на линкора Петропавловск в Порт Артур.
Вермер Ян Делфт(1632-1675) - холандски художник, отличаващ се с поетическото си възприемане на ежедневието („Момиче, четещо писмо“).
Веронезе (Каляри) Паоло(1528–1588) - италиански ренесансов художник. Създадените от него картини се отличават с празничност и изтънченост.
Врубел Михаил Александрович(1856–1910) - руски художник от сребърния век Гравитира към философско обобщение, трагедия, символично разбиране на сюжета („Сън за принцеса“, „Демон“).
Вучетич Евгений Викторович(1908–1974) - руски съветски скулптор (фигура на Родината на Мамаев курган във Волгоград).
Ге Николай Николаевич(1831–1894) - известен руски художник, майстор на портрети, исторически и религиозни картини („Тайната вечеря“, „Петър I разпитва царевич Алексей Петрович в Петерхоф“, „Какво е истината?“).
Гейнсбъро Томас(1727–1788) - Английски художник, график, портретист и пейзажист.
Гоген Йожен Анри Пол(1848–1903) - Френски художник, скулптор на керамика и график. Наред с Сезан и Ван Гог, той се смята за най-големия представител на постимпресионизма.
Гоя Франсиско Хосе де(1746–1828) - Испански художник и график, смел новатор на формата. Сред творбите му са фрески, картини ("Гола Мая"), поредица от гравюри ("Капричос").
Греко (Ел Греко)(Доменикос Теотокопулос) (1541-1614 ) - испански художник от гръцки произход, чиито творби се характеризират с мистична екзалтация ("Портрет на инквизитора").
Дейвид Жак Луи(1748–1825) - френски художник, привърженик на класическата живописна школа („Клетвата на Хорациите“).
Дали Салвадор(1904–1989) - испански художник, един от най-изявените представители на сюрреализма. В картините си той придава видима автентичност на неестествени ситуации и комбинации от обекти.
Дега Едгар ( 1834–1917) - френски художник импресионист, майстор на пастелите („Сините танцьори“).
Делакроа Юджийн ( 1798–1863) - френски художник и график, ръководител на френския романтизъм („Свободата, водеща хората“).
Джорджоне(1477–1510) - италиански художник, един от основоположниците на изкуството на Висшия ренесанс („Спяща Венера“, „Юдит“).
Джото ди Бондоне(1266–1337) - италиански художник, основоположник на съвременната живопис („Оплакване на Христос“).
Донатело (Донато ди Николо ди Бето Барди) ( 1386–1466) - Италиански скулптор, един от "бащите" на Ренесанса.
Дюрер Албрехт(1471–1528) - немски ренесансов художник и график, теоретик на изкуството (автопортрети, Мадона с младенеца, гравюри).
Кандински Василий Василиевич(1866–1944) - руски художник и график, авангардист, един от основоположниците на абстрактното изкуство.
Канова Антонио(1757–1822) - италиански скулптор, най-значимият представител на класицизма в европейската скулптура.
Караваджо Микеланджело да (Микеланджело Мериси Караваджо)(1571–1610) - италиански художник, реформатор на европейската живопис от 17 век, един от най-големите майстори на барока.
Кипренски Орест Адамович(1782–1836) - руски художник и чертожник, представител на романтизма (портрети на А. С. Пушкин).
Клодт Петр Карлович(1805–1867) - руски скулптор, представител на класицизма, художник на животни (коне на Аничков мост в Санкт Петербург).
Коровин Константин Алексеевич(1861-1939) - руски художник и театрален художник, тънък майстор на пленерната живопис, близък до импресионизма.
Крамской Иван Николаевич(1837–1887) - руски художник, пътуващ, учител на И. Е. Репин („Майска нощ“). Майстор на психологически портрет, разкриващ сложни умствени движения („Непознат“).
Кранах Лукас Стари(1472–1553) - немски художник и график, съчетал художествените принципи на Ренесанса с готическата традиция, брилянтен портретист.
Куинджи Архип Иванович(1841–1910) - руски пейзажист, пътуващ. Творбите на Куинджи демонстрират декоративна звучност на цветовете, светлинни ефекти, близки до природата до илюзията („Нощ на Днепър“).
Ларионов Михаил Федорович(1881-1964) - руски художник, авангардист, абстракционист, създател на т. нар. районизъм.
Левитан Исак Илич(1860–1900) - руски пътуващ художник, пейзажист, създател на „пейзаж на настроението”, разкриващ фините нюанси на състоянията на природата („Над вечния мир”).
Левицки Дмитрий Григориевич(1735–1822) - руски портретист от 18 век, майстор на церемониалните портрети.
Леонардо да Винчи(1452–1519) - италиански художник, скулптор, архитект и учен Той въплъщава идеала за женска красота в световноизвестната картина "Джоконда" ("Мона Лиза").
Лизип(IV в. пр. н. е.) - древногръцки скулптор, придворен художник на Александър Велики.
Мазачо (Томазо ди Джовани ди Симоне Касай)(1401-1428) - италиански художник, в творбите си той се стреми да въплъти идеята за човешкото съвършенство.
Малевич Казимир Северинович(1878-1935) - руски абстракционист ("Черен квадрат"), основател на супрематизма.
Мане Едуард(1832-1883) - френски художник, един от най-ярките представители на импресионизма. Творбите му се отличават със свежест и острота на възприемане на реалността („Концерт в Тюйлери“).
Анри Матис(1869-1954) - френски художник, график, утвърдил орнаменталния стил в витражи, гравюри, литографии, основоположник на фовизма.
Микеланджело Буонароти(1475-1564) - италиански художник, скулптор и архитект ("Давид", картина на Сикстинската капела в Рим).
Мирон от Ельтер(V в. пр. н. е.) - гръцки скулптор от епохата, която непосредствено предшества най-високия разцвет на гръцкото изкуство (края на VI - началото на V век). Най-известното произведение на Мирон е "Дискобол".
Модилиани Амедео(1884–1920) - италиански художник. Творбите на Модилиани се отличават с музикална изтънченост на силуета и колорита, сбитост на композицията.
Моне Оскар Клод(1840-1926) - френски художник, един от основателите на импресионизма.
Мунк Едвард(1863-1944) - норвежки художник и график, един от основоположниците на експресионизма ("Пискът").
Мухина Вера Игнатиевна(1889–1953) - съветски монументален скулптор („Работница и колхозница“).
Перов Василий Григориевич (Криденер)(1834-1882) - руски художник, един от основателите на "Сдружението на пътуващите художествени изложби" ("Тройка", "Портрет на Ф. М. Достоевски", "Ловци на почивка").
Петров-Водкин Кузма Сергеевич(1878-1939) - руски съветски художник ("Къпенето на червения кон"), символист, романтик.
Пикасо Пабло Руис(1881-1973) - френски художник, работил в няколко направления - кубизъм, реализъм и пр. Създава произведения, изпълнени с болка и протест ("Герника"), автор на прочутата "Гълъба на мира".
Пиросмани Нико(1862–1918) - грузински примитивен художник Рисува групови портрети, табели, рязко предаващи усещане за пълнота и радост от живота.
Праксител(IV в. пр. н. е.) - древногръцки скулптор, роден в Атина ок. 390 г. пр. н. е д. Автор на известните композиции "Хермес с бебето Дионис", "Аполон убива гущера". Повечето от произведенията на Праксител са известни от римски копия или от описания на древни автори.
Пусен Никола(1594-1665) - френски художник, представител на школата на класицизма ("Пейзаж с Полифем").
Рафаел Санти(1483-1520) - италиански художник и архитект, чиито платна се отличават с класическа яснота и величествена духовност. Той прославя земното съществуване на човек, хармонията на неговите умствени и физически сили („Сикстинската Мадона“).
Рейнолдс Джошуа(1723-1792) - английски художник и теоретик на изкуството. Виртуозен портретист („Джей О. Хийтфийлд“), той също рисува на исторически и митологични теми.
Рембранд Харменс ван Рейн(1606-1669) - холандски художник, чертожник, гравьор. Той рисува сцени и портрети, които са сложни по отношение на психологическата структура („Нощна стража“, „Данае“).
Реноар Огюст(1841-1919) - френски художник, график и скулптор, близък до импресионистите. Той възпя чувствената красота и радостта от битието.
Репин Иля Ефимович(1844–1930) - руски и украински художник. Той разкрива духовната красота на хората, тяхната свободолюбие („Казаците пишат писмо до турския султан“, „Боржи на Волга“, „Те не чакаха“).
Рьорих Николай Константинович(1874-1947) - руски художник, от 20-те години на миналия век живее в Индия, чиято философия оказва огромно влияние върху творчеството му.
Роден Огюст(1840-1917) - френски скулптор, новатор на формата ("Мислител", "Граждани на Кале").
Рокотов Федор Степанович(1735–1808) - изключителен руски художник. Сред творбите на художника са фини, поетични портрети, пропити със съзнание за духовната и физическа красота на човека.
Рубенс Питър Пол(1577–1640) - фламандски художник. Пейзажите му са пропити с усещане за мощни природни сили. Сцените от селския живот („Завръщането на жътварите“) са пропити с демократичен дух.
Рубльов Андрей(ок. 1360-ок. 1430) - великият руски художник, иконописец, най-големият майстор на Московската живописна школа. Творбите на Рубльов са пропити с дълбока човечност и възвишена духовност („Троица“, картини на много катедрали, икони).
Саврасов Алексей Кондратиевич(1830–1897) - руски пейзажист, пътуващ. Той предава поетичната красота и значението на ежедневните мотиви („Горовете пристигнаха”).
Сарян Мартирос Сергеевич(1880–1972) - арменски художник Майстор на жизнеутвърждаващ, емоционален пейзаж, ярък и декоративно обобщен по стил („Араратска долина“, „Армения“), остър психологически портрет и натюрморт с празничен цвят.
Сезан Пол(1839-1906) - френски художник, постимпресионист ("Бреговете на Марна", "Праскови и круши").
Серов Валентин Александрович(1865–1911) - руски художник и график, Скитник. Ранните творби („Момиче с праскови“) са свежи и богати на цветове.
Снайдерс Франция(1579-1657) - фламандски художник, майстор на натюрморти и анималистични композиции в бароков стил („Бойте на петли”, „Търговец на плодове”).
Суриков Василий Иванович(1848-1916) - руски художник-пътешественик, много платна са посветени на повратни моменти в руската история ("Бояриня Морозова" и др.). Майстор на портрети.
Тинторето (Робусти) Якопо(1518-1594) - италиански художник, един от най-големите художници на венецианската школа от късния Ренесанс.
Тициан (Тициан Вечелио)(1476-1576) - италиански художник, ръководител на венецианската школа. Творбите му се отличават с жизнерадост, многостранност на възприятието за живота („Венера и Адонис“, „Даная“), а в по-късните творби – напрегнат драматизъм.
Торвалдсен Бертел(1768–1844) - датски скулптор, представител на класицизма. Скулптурите на Торвалдсен се отличават с пластична завършеност, сдържаност и идеализиране на образите („Джейсън“).
Тропинин Василий Андреевич(1776–1857) - руски художник, майстор на романтичния портрет.
Тулуз-Лотрек Анри дьо(1864-1901) - френски график и художник, постимпресионист.
Фидий(V в. пр. н. е.) - древногръцки скулптор от високия класически период. Работата на Фидий се счита за едно от най-високите постижения на древното изкуство (статуи на Атина, Зевс Олимпийски).
Хокусай Кацушика(1760-1849) - японски художник и чертожник, майстор на цветната дърворезба.
Челини Бенвенуто(1500–1571) - италиански скулптор, архитект и писател Един от най-известните представители на маниеризма.
Шагал Марк(1887-1985) - френски художник, последовател на сюрреализма. Повечето от образите му са вдъхновени от руски и еврейски народни мотиви.
Шишкин Иван Иванович(1832–1898), руски художник, един от най-големите майстори на реалистичната пейзажна живопис. Академик (1865), професор (1873), ръководител на пейзажна работилница (1894-1895) на Художествената академия. Член-основател на Асоциацията на пътуващите художествени изложби.
Ешер Морис Корнелис(1898–1972) холандски график. Той е най-известен със своите концептуални литографии, гравюри върху дърво и метал, в които майсторски изследва пластичните аспекти на понятията за безкрайност и симетрия, както и особеностите на психологическото възприятие на сложни триизмерни обекти.
Ярошенко Николай Александрович(1846–1898) - руски художник-скитник. Драматични са портретите, пейзажите, жанровите сцени („Копалец“, „Стари и млади“).
Този текст е уводна част.Графиката е вид изобразително изкуство.
Терминът „графика“ идва от гръцката дума „grapho“ – пиша. Основните визуални средства на графиката са линия, щрих, точка и точка. Основният цвят е черен, въпреки че други цветове могат да се използват като спомагателни.
М. Врубел. Илюстрация за трагедията от А.С. Пушкин "Моцарт и Салиери"
Фонът на хартията в графиката играе ролята на пространство, което е важно за графичното рисуване.
Графиката, въпреки по-скъпарския език в сравнение с живописта, се отличава с по-големи възможности за изобразяване и предаване на емоции. Трябва само да си спомним рисунките на младата художничка Надя Рушева. Те очароват с лекота, точност и дълбочина на изображенията. Можете да прочетете за този художник.
Н. Рушева "Пушкин и Пущин"
Много известни художници са използвали възможностите на графиката: Билибин, Брьогел, Ван Гог, Вато, Врубел, Гоя, Куаренга, Леонардо да Винчи, Алфонс Муха, Рембранд, Тициан, Сомов, Хокусай и др.
Ф. Толстой "Под играта на Купидон" Тонирана хартия, молив, сепия, варос
Жанровете на графиката са по същество същите като жанровете на живописта. Но тук портретният жанр и пейзажът са по-разпространени, в по-малка степен - исторически, битови и други жанрове.
М. Демидов "Портрет на С. Рахманинов"
В. Фаворски "Михаил Кутузов" (1945). От поредицата "Велики руски генерали"
В. Фаворски "Пушкински лицеист" (1935)
Пейзажът в графична рисунка „не играе“ с цветове, но изненадва с финеса на чувствата и насърчава въображението.
С. Никиреев "Глухарчета"
Графични произведения на световноизвестни художници
Графичното изкуство е разнообразно и привлича художници със способността да предават чувства и мисли само с молив или флумастер. Тази възможност завладява не само художника-график, създаващ произведението на изкуството, но и зрителя.
А. Дюрер "Автопортрет" (1500). Старата пинакотека (Мюнхен)
Основен европейски художник Албрехт Дюрер(1471-1528), оставил голямо наследство от рисунки - около хиляда: пейзажи, портрети, скици на хора, животни и растения. Този художник най-пълно се разкри именно в графичната рисунка, т.к. в картините той не винаги е бил свободен от произвола на клиентите.
Дюрер постоянно се упражняваше в оформлението, обобщаването, изграждането на пространството. Неговите анималистични и ботанически рисунки се отличават с високо майсторство и наблюдателност. Повечето от рисунките му са внимателно изработени. В своите гравюри и картини той многократно повтаря мотивите на графичните произведения.
А. Дюрер „Молещи се ръце“ (около 1508 г.)
Кацушика Хокусай "Автопортрет"
Кацушика Хокусай(1760-1849) - великият японски художник укийо-е (изображения на променящия се свят), илюстратор, гравьор. Автор е на много графични рисунки и гравюри.
Кацушика Хокусай "Голямата вълна край Канагава" (1823-1831)
Владимир Андреевич Фаворски(1886-1964) - руски и съветски график, майстор на портрета, дърворезбата и книжната графика, изкуствовед, сценограф, стенописец, учител и теоретик на изобразителното изкуство, професор.
Известен със своите цикли от графики и гравюри, както и илюстрации към произведенията на A.S. Пушкин, към „Сказание за похода на Игор“, преводите на Маршак, разказите на Пришвин и Толстой и др.
В пластичната си визия Фаворски е близък до византийските мозайци, до Микеланджело, Врубел.
В. Фаворски. Илюстрация към „Малки трагедии“ от А.С. Пушкин
Леонардо да Винчи(1452-1519). „Универсален човек“: италиански художник и учен, изобретател, писател, музикант, един от най-големите представители на изкуството на Висшия Ренесанс.
Предполагаем автопортрет на Леонардо да Винчи
Художникът непрекъснато записва резултатите от своите наблюдения на заобикалящия го свят в скици, скици, направени в различни техники (италиански молив, сребърен молив, сангвиник, писалка и др.), Постига острота в предаването на изражения на лицето, физически черти и движения на човешкото тяло, довеждайки всичко до съвършенство.в съответствие с духовната атмосфера на неговия състав.
Леонардо да Винчи. Скица на главата на младо момиче (глава на ангел за картината "Мадона в скалите")
Леонардо да Винчи "Витрувианският човек" (1490 г.). Галерия на Венецианската академия (Италия)
Тази рисунка е създадена, за да определи пропорциите на (мъжкото) човешко тяло, както е описано в трактата на древния римски архитект Витрувий „За архитектурата“.
Витрувиански човек- фигурата на гол мъж в две насложени позиции: с разтворени ръце и крака, вписани в кръг; с разперени ръце и крака, събрани заедно, вписани в квадрат. Фигурата и нейните обяснения понякога се наричат "канонични пропорции".
Рисунката е направена с химикал, туш и акварел с метален молив, размерите на рисунката са 34,3 × 24,5 сантиметра.
Рисунката е едновременно научна работа и произведение на изкуството, тя е пример за интереса на Леонардо към пропорциите.
Карикатура
Специфичен графичен жанр е карикатурата (сатирична рисунка, карикатура).
Карикатурата е един от най-старите видове рисунка. Той отразява проблемите на обществото и от ранни времена е служил като определен метод за самоутвърждаване над нарушителя. Така те се подиграваха на враговете, така хората се подиграваха на своите владетели или поробители. Обикновено това е рисунка с груби изкривявания на чертите на нарушителите или добавени рога, опашка и т.н. Произходът на карикатурата в Русия е през 17 век. от народни щампи.
Карикатура в сатирична или хумористична форма и в момента изобразява всякакви социални, социално-политически, ежедневни явления, реални лица или характерни типове хора.
Съвременната карикатура е сатирична или хумористична рисунка, изоанекдот. По тематика се разграничават политически, социални, битови и др. Карикатурата се развива в цял свят.
Капитализмът през очите на Хьорлуф Бидструп, датски карикатурист ((1912-1988)
Известни домашни карикатуристи: Черемних, Ротов, Семьонов, Бродат, Денис, Кукриникси, Ефимов.
Кукриникси (отляво надясно: Порфирий Крилов, Михаил Куприянов, Николай Соколов)
Карикатура на Кукриникси
Карикатура(фр. заряд) - вид карикатура; сатиричен или добродушно-хумористичен образ (обикновено портрет), в който се наблюдава външната прилика, но се открояват най-характерните черти на модела. Карикатурите могат да изобразяват хора, животни и различни предмети. За разлика от карикатурите, карикатурите не осмиват недостатъците на героя, те са добродушни, карат хората да се усмихват, но не и да се смеят на изобразените герои.
Карикатура на Максим Галкин
Друг вид карикатура е гротеската.
Гротескни(Френски гротеска, буквално - „странно“, „комично“ – вид художествена дейност, която комично или трагикомично обобщава и изостря житейска история чрез комбинация от реално и фантастично. Гротеската е присъща и на други видове изкуство: литература, живопис, музика. Всъщност гротеската е присъща на определено художествено мислене, тя е един вид дарба. В гротескния жанр пишеха Аристофан, Ф. Рабле, Е. Т. А. Хофман, Н. В. Гогол, М. Твен, Ф. Кафка, М. А. Булгаков, М. Е. Салтиков-Шчедрин.Но в тази статия разглеждаме само гротескното във визуалните изкуства.
Лирическа гротеска
