Основната религия е протестантството. Холандците започнаха да създават портрет на Холандия. Това са портрети на техните победители, появяват се пейзажи, натюрморти, жанрова или ежедневна живопис. Това са картини с черно-бяла композиция от епохата на барока. За първи път тук се появява специализацията на художниците. Появиха се само майстори на натюрморт или пейзаж. 12 вида пейзаж: градски, морски, дюни, водопади, горски пейзаж. В самото начало на холандското изкуство портретът се превръща в основна посока. През първата половина на 17-ти век най-великият портретист в Холандия е Франс Халс.
Работата на Франс Халс.
Роден през 1574 г. в Анварпан. След това семейството му се мести в Харлем. Там той учи при художника Ван Мандер. Ван Мандер е създал биографии на големи холандски художници. Франс Халс успя да направи цяла революция в портрета. Халс внася динамика в портретите. "Банкетът на офицерите от ротата на Свети Георги" -първата творба, която му донесе популярност. Халс изобразява офицери по време на пиршество, всеки офицер е изобразен на свой ред. Картината е активен диагонал. Всичко е изградено на принципа на асиметрията. Активен е на цвят.
Халс рисува портретите си много бързо, използвайки отворен динамичен щрих. "циганин". Името е много условно. " Мали Баба»- отворена силно изоставена намазка. По това време в почти всички творби на Халс всички негови герои са усмихнати. "Усмихнат кавалер"
Особено активна е динамиката в портрета. Уилям ван Гайт Гайзен. Не е запазена нито една рисунка на Халс. Най-вероятно е рисувал портретите си без рисунка и е рисувал много бързо.
Халс рисува Ван Дайк за два часа. Ван Дайк го покани да отиде с него в Англия.
Благодатен спътник.Написано по същия бърз и динамичен начин, по който Халс обичаше да пише.
Халс рисува и сериозни портрети: "Портрет на Питър Ван Ден Брок",портрет, изработен по поръчка, така че Халс пише подробно, много сдържан и сбит портрет Рене Декарт. Семеен портрет,пейзажът е нарисуван за него от Питър Молейн. Женски портрет -много изразителен портрет на Халс. Портрет Исак Маса и съпругата му -портрет на негов приятел.
На 30 години рисува картина портрет на офицерите от ротата на св. Андриан.Всяка фигура има свой завой и собствено движение. През 40-те години картината на Халс се променя драстично. По това време на мода влезе портретът на Ван Дайк. Портрети 40-50 години - портрети с преобладаване на черно. От тях портрет на регента на старчески дом.В този портрет има 27 нюанса на черното. Едно от последните произведения на Халс - Администратори на старчески домове.Възниква образът на старостта. Гниенето на плътта се предава в портрета. Съвсем различно той рисува портрет Регенти на болницата Света Елизабет.Портретът ясно показва избора на триъгълник от фигури, всяко лице е ясно видимо. През живота си Халс създава повече от 200 картини. В Харлем има музей. Там е събрана почти цялата им работа.
Творчеството на Рембранд ван Рейн.
Това е един от големите художници на 17 век. Роден през 1606 г. в семейството на мелничар в град Лайден. Първоначално момчето беше много надарено. Рембранд учи известно време в университета. Той е на 14 години, когато усеща призванието си да рисува и напуска университета. Той наема плевня на брега на реката и създава собствено училище на 16-годишна възраст. В неговото училище учат художници като Доу. Първите произведения, които написаха - Изгнание, търговци от храма.В първите си творби той говори за принадлежност към барока. Работата е с диагонална композиция, композиция със светлосенки. В Лайден е нарисуван неговият автопортрет. Необичайна работа с текстура. По това време пристига холандският министър и купува няколко творби на Рембранд. Рембранд напуска Лейдан и заминава за Амстердам, където влиза в ателието на художника Ластман. В творбите се появява нереална светлина. Това е особено забележимо на снимката Неверието на Томас . В Амстердам получава първата поръчка за групов портрет. – Анатомия на д-р Лале . Тук той нарисува картина Жертвата на Авраам. Пророк Йеремия в руините на Йерусалим. В картината главата на светеца излъчва светлина. Успехът му в рисуването го кара да се ожени за Саски Ван Еленбург. Рембранд купува дворец в Амстердам. Автопортрет със Саске в скута. Сасаки с цвете.През същата година, когато Саски е болен, Рембранд получава поръчка за групов портрет на компанията на капитан Кок - Нощната стража. Изобразява изхода на стрелците към упражненията. Картината е шедьовър на Рембранд от 40-те години. Картината е изградена върху подчиненост. Започна дълъг съдебен процес за дълговете на Рембранд. Сбогом на Давид с Джонатаннаписана през същата година като Нощен страж.Картината е закупена от Петър Велики и става една от първите картини в Ермитажа.
Даная.
Слугинята на Рембранд Хендрике се превърна в надежден помощник. Тя ще стане втората съпруга на Рембранд. на снимката Свето семейство с ангелив тази картина има два светлинни диагонала, картината е пропита с топла светлина. Хендрик се появява в портрет - Хендрик на прозореца, Къпеща се жена, Версавия,в историята на картината се крие историята на Давид и Версавия.
Давид и УрияСветлината играе огромна роля в картината.
Портрет на Ян Шести.Цялото внимание е насочено към лицето.
Конспирацията на Клавдий Цивилис.Това е единствената картина от историята на холандците на Рембранд. .
Портрет на старец в червено.Портретна биография. Портрет във времето.
Портрет на стар евреин.В този портрет са подчертани само основните неща: лицето и ръцете.
Портрет на възрастна жена.В този портрет най-фините преходи от светлина към сянка.
Портрет, който чете Тит.
Портрет на поета Декер.
Асур, Хаман, Исфир.Основната работа на последните картини на Рембранд. Картината е базирана на много сложно решение за осветление.
Рембранд рисува повторение на тази картина Аман моли Исфир за прошка.
Рембранд получава поръчка за групов портрет - Syndics.
еврейска булка.Темата за любовта е основната тема в тази картина. Това е любимата картина на Ван Гог и Сутин.
Семеен портрет.Групов портрет. Въображаем портрет на семейството му.
Два автопортрета.
През 66-68 г. Рембранд рисува картина Завръщането на блудния синс което завършва работата му.
Симон в храма.Последната му картина.
Рембранд умира през 1669 г. Той имаше много ученици: Жерар Ду, Фабрициус, Гелдер, един от последните ученици на Рембранд. Неговото училище съществува до края на 17 век.
Теми за кредит:
немско възраждане.
италиански барок. Барокова архитектура. Лоренцо Бернини, Франческо Боромини и Карло Модерно. Скулптура от Бернини. Двама художници Караваджо и Анибали Карачи. Рубенс. Ван Дайк. Йордани. Снайдърс. Брауер.
Холандски пейзаж от 17 век.
Ян Фан Гойен.
Характеризира се с речни пейзажи.
Мелница край рекататипичен холандски пейзаж.
Речен пейзаж.
Почти винаги в работата му светлината в небето се отразява върху земята.
Саломон Рейсдал
Рисува сутрешни пейзажи.
Пейзаж с вагонхарактерен пейзаж за този художник.
Фериботно преминаване.ветровито утро
Той възпитава един от главните художници на 17-ти век Джейкъб Рейзад.
Джейкъб Рейсдал.
Изглед към Едмънд.Светлината в небето, ритмичният пейзаж, вертикалната камбанария точно съвпада с вертикалния формат.
Джейкъб рисува всичките 12 вида пейзаж и сам създава няколко вида.
Рейсадъл беше голям майстор на горския пейзаж.
Съвременниците вече отбелязаха, че Рейсдал е психолог на гората. Всяко дърво има свой портрет.Той пише биография на дървото.
Горски пейзаж.
Езеро сред дърветата.На преден план е паднало дърво, до него е сухо дърво, а в дълбините са млади брези. Има няколко възрасти на дърветата. Той пренася тази техника в серия от картини:
Река в гората
дъбова гора
блато
горски пейзаж
Път
Панорамен пейзаж: Beintheir Castle, пейзаж с руини от замък и църква.
Мелница във Века.Основният пейзаж на Рейсдал. Рейсдал умишлено увеличава мелницата. Този пейзаж е един от символите на Холандия.
Трите основни произведения на Холандия: Нощен страж, Мелница във Века, гледка към град Делта.
Две картини с едно и също заглавие: еврейско гробище.Въображаема рисунка. Той предава състоянието по време на гръмотевична буря. На преден план е сухо, но все още живо дърво. Течащ поток е символ на бързо течащ живот. Дървото е изобразено на фона на оживено и буйно дърво. На преден план е надгробна плоча с портрет на самия художник и подпис на Рейсдал. В дълбините виждаме храм, който е почти разрушен и в същото време виждаме как след гръмотевична буря се появява дъга – символ на надеждата. Централният светлинен удар е паметник. Картината има повторение, създава още по-остър смисъл на живота и смъртта. Втората картина носи голяма тъмнина, контрастът на сухо и зелено дърво е много рязко изобразен. Плочата с портрета на Рейсдал се появява отново и храмът е променил облика си, като същество с огромни очни кухини - образът на умиращ свят. Рейсдал се смята за създател философски пейзаж.
Рейсдал рисува зимни пейзажи като: Зимен пейзаж, Зимакойто се занимава с темата за самотата. Рейсдал е автор на пейзажа-настроение.
Бил е и майстор на морска живопис: Буря в морето, морски бряг.
Той беше майстор на градския пейзаж: Изглед към Амстердам с река Амстел, Изглед към Харлем (изглед към родния му град).
През последните години Рейсдал рисува много пейзажи, изобразяващи водопади: Скален пейзаж с водопад, водопад в Норвегия, водопад.
Две мелници- необичаен пейзаж, едната мелница се вижда ясно, а втората е разположена в дълбините.
Планински пейзаж с платноходкаедно от последните произведения на Рейсдал. В това произведение той обобщава живота си. Това е поетичен, лиричен пейзаж.
Работата на Мендет Хобеме.
Той беше ученик на Рейсдал.
Средна алея в Харлс. Той е първият, който рисува пейзажи от природата.Понякога рисува пейзажи от пейзажни рисунки.
Той беше популярен в Англия и допринесе за появата на английския пейзаж. Томас Генсбра, Търнър, Джон Констабъл разчитаха на работата на Хобеме и Рейсдал.
Най-великият майстор на реалистичния пейзаж. В допълнение към английския пейзаж до голяма степен се проявява началото на френския национален пейзаж.
Въпроси за билети:
Творчеството на Рембранд.
През 17 век Холандия се превърна в примерна капиталистическа страна. Тя провеждаше обширна колониална търговия, имаше мощен флот, корабостроенето беше една от водещите индустрии.
История на холандската живопис от 17 век. перфектно демонстрира еволюцията на творчеството на един от най-големите портретисти в Холандия Франс Халс(около 1580-1666 г.). През 10-30-те години Халс работи много в жанра на груповите портрети. Това е основно изображение на гилдии за пушки - корпорации от офицери за защита и защита на градовете. Бюргерите искаха да бъдат увековечени на платното, те дадоха известен принос за правото да бъдат изобразени и художникът трябваше да помни за еднакво внимание към всеки модел. Но не портретната прилика ни пленява в тези творби на Халс. Те изразяват идеалите на младата република, чувството за свобода, равенство и другарство. От платната на тези години изглеждат весели, енергични, предприемчиви хора, уверени в способностите си и в бъдещето („Стрелбната гилдия на Св. Адриан“, 1627 и 1633 г.; „Стрелбната гилдия на Св. Георги“, 1627 г.). Хале ги изобразява обикновено в другарско пиршество, в весело пиршество. Големият размер на хоризонтално издължената композиция, широкото уверено писане, интензивните, наситени цветове (жълто, червено, синьо и др.) създават монументален образ. Художникът действа като историограф на цяла епоха.м
Разцветът на пейзажната живопис в холандското училище датира от средата на 17 век. Най-големият майстор на реалистичния пейзаж е Якоб ван Рюйсдал (1628/29-1682), художник с неизчерпаемо въображение. Произведенията му обикновено са изпълнени с дълбока драматичност, независимо дали изобразява горски гъсталаци („Горско блато“), пейзажи с водопади („Водопад“) или романтичен пейзаж с гробище („Еврейско гробище“). Природата в Ruisdael се появява в динамика, във вечно обновление. Дори най-простите мотиви от природата придобиват монументален характер под четката на художника. Ruisdael е склонен да комбинира внимателното писане с голяма жизненост, със синтетичен образ.
Само Ян Порселис (около 1584-1632) се занимава с морски пейзаж (пристанище). До реалистичния, чисто холандски пейзаж, по това време съществува и друга посока: пейзажи с италиански характер, анимирани от митологични герои, фигури на хора и животни.
Холандският натюрморт е една от художествените реализации на най-важната тема на холандското изкуство - темата за личния живот на обикновения човек. Тази тема е напълно въплътена в жанровата картина. През 20-30-те години на XVII век. холандците създават особен вид дребна, дребнофигурна живопис. 40-60-те години - разцветът на живописта, прославящ спокойния бюргерски живот на Холандия, премерено ежедневие.
40-50-те години са времето на творческа зрялост. Не само външният живот се е променил Рембранд,Преди всичко той промени себе си. Това е времето на формиране на творческата му система, от която много ще остане в миналото и в която ще се придобият други, безценни качества. През този период той често се обръща към стари произведения, за да ги преправи по нов начин. Такъв беше например случаят с Даная, която той пише още през 1636 г. Още тогава главното се изразяваше в този образ: чувственото начало, езически, до известна степен „Тициан“ беше в него само част от общо в изразяването на сложни емоционални преживявания, един-единствен духовен импулс. Класическият, красив, но и абстрактен в своята красота идеал беше заменен от израза на истината на живота, ярката индивидуалност на физическия склад. Това грозно тяло беше предадено изключително реалистично. Но Рембранд не беше доволен от външната истина. Обръщайки се към картината през 40-те години, художникът засили емоционалното състояние. Той пренаписа централната част с героинята и прислужницата.
Портретите на покойния Рембранд са много различни от портретите от 30-те и дори 40-те години. Тези изключително прости (половина или поколенчески) образи на близки до художника хора във вътрешната си структура винаги са образен израз на многостранна човешка личност, поразяваща със способността на майстора да предава нестабилни, неуловими духовни движения.
Рембранд знаеше как да създаде портрет-биография; подчертавайки само лицето и ръцете, той изрази цялата история на живота
Френско изкуство от 17 век
Френско изкуство от 15 век се основава на традициите на френския Ренесанс. Картините и рисунките на Фуке и Клуе, скулптурите на Гужон и Пилон, замъците от времето на Франциск 1, двореца Фонтенбло и Лувъра, поезията на Ронсар и прозата на Рабле, философските експерименти на Монтен, всички това носи печата на класическо разбиране за формата, строга логика, рационализъм, развито чувство за благодат, - тези. която е предопределена да се въплъти напълно през 15 век. във философията на Декарт, в драматургията на Корней и Расин, в живописта на Пусен и Лорен.
В областта на изобразителното изкуство процесът на формиране на класицизма не беше толкова единен.
В архитектурата се очертават първите черти на новия стил, въпреки че не се допълват напълно. В Люксембургския дворец, построен за вдовицата на Хенри IV, регент Мария Медичи, от Саломон де Бро, много е взето от готиката и ренесанса, но фасадата вече е артикулирана с орден, който ще е типичен за класицизма. Maisons-Lafitte от Франсоа Мансар, с цялата сложност на обемите, е едно цяло, ясна конструкция, която гравитира към класицистичните норми.
В живописта ситуацията е по-сложна, защото тук се преплитат влиянията на маниеризма, фламандския и италианския барок. Френската живопис през първата половина на века е повлияна както от каравагизма, така и от реалистичното изкуство на Холандия. Във всеки случай тези влияния могат ясно да се видят в творчеството на братята Льо Наен. В картините на Луи Ленен няма разказ, илюстративност, композицията е строго обмислена и статична, детайлите са внимателно проверени и подбрани, за да се разкрие преди всичко етичната, морална основа на творбата. От голямо значение в картините на Ленаин е пейзажът.
Напоследък все по-често в литературата по история на изкуството името на посоката, към която принадлежи Луи Ленин, се определя с термина „живопис на реалния свят“. Работата на художника Жорж дьо Латур принадлежи към същата посока. В първите си творби на жанрова тематика Латур се изявява като художник, близък до Караваджо. Още в ранните творби на Латур се проявява едно от най-важните качества: неизчерпаемото разнообразие на неговите образи, великолепието на цвета, способността да се създават монументални значими образи в жанровата живопис.
Втората половина на 30-те - 40-те години - времето на творческата зрялост на Латур. През този период той се обръща по-малко към жанровите сюжети, рисува предимно религиозни картини. Художественият език на Латур е предвестник на класическия стил: строгост, конструктивна яснота, яснота на композицията, пластичен баланс на обобщените форми, безупречна цялост на силуета, статичност. Пример е едно от по-късните му произведения „Св. Себастиан и светите съпруги” с идеално красива фигура на Себастиан на преден план, напомняща антична скулптура, в чието тяло – като символ на мъченическата смърт – художникът изобразява само една забодена стрела. .
Класицизмът възниква на гребена на социалния подем на френската нация и френската държава. Основата на теорията на класицизма беше рационализмът, базиран на философската система на Декарт, само красивото и възвишеното беше обявено за предмет на изкуството на класицизма, античността служи като етичен и естетически идеал. Създателят на класицистическото направление във френската живопис от 15 век. беше Никола Пусен. Темите на платната на Пусен са разнообразни: митология, история, Новия и Стария Завет. Героите на Пусен са хора със силни характери и величествени дела, високо чувство за дълг към обществото и държавата. Обществената цел на изкуството беше много важна за Пусен. Всички тези характеристики са включени в зараждащата се програма на класицизма. Изкуството на значима мисъл и ясен дух също развива специфичен език. Мярката и редът, композиционното равновесие стават в основата на изобразителното произведение на класицизма. Плавен и ясен линеен ритъм, скульптурната пластмаса перфектно предава строгостта и величието на идеите и героите. Оцветяването е изградено върху съзвучието на силни, дълбоки тонове. Това е един хармоничен свят сам по себе си, който не излиза извън изобразителното пространство, както в барока.
Творчеството на Пусен пада върху първата половина на века, белязана от възхода на обществения и художествен живот във Франция и активната социална борба. Оттук и общата прогресивна насоченост на неговото изкуство, богатството на съдържанието му. По-различна ситуация се развива през последните десетилетия на 17-ти век, през периода на най-голямото засилване на абсолютисткото потисничество и потискането на прогресивните явления на социалната мисъл, когато централизацията се разпростира върху художници, обединени в Кралската академия и принудени да служат със своето изкуство. прославянето на монархията. При тези условия изкуството им губи своето дълбоко социално съдържание и на преден план излизат слабите, ограничени черти на класицистичния метод.
Изкуството на Фландрия от 17 век.
Фламандското изкуство е преди всичко Рубенс и още веднъж Рубенс. Въпреки че в същото време във Фландрия е имало и други изключителни художници, всички те са замислени като "кръгът на Рубенс", "школата на Рубенс", като планети, въртящи се около слънцето на Рубенс.
Седемнадесети век е времето на създаването на националната художествена школа по живопис във Фландрия. Както в Италия, барокът става официална доминираща тенденция и тук. Фламандският барок обаче се различава значително от италианския в много отношения. Бароковите форми са изпълнени тук с усещане за кипящ живот и пъстрото богатство на света, усещане за стихийната сила на растежа на човека и природата. В рамките на барока, в по-голяма степен, отколкото в Италия, се развиват реалистични черти.
Основата на художествената култура на Фландрия - реализъм, национализъм, ярка жизнерадост, тържествен празник - беше най-пълно изразена в живописта. Фламандските художници уловиха в своите платна поетичната чувствена красота на света и образа на човек, пълен със здраве, неизчерпаема енергия.
Задачата за декориране на семейни замъци, дворци на аристокрацията, католически църкви допринесе за широкото използване на мощен декоративност в живописта, основан на колористични ефекти.
Ръководител на фламандската живописна школа е Петер Паул Рубенс (1577-1640). Всеобхватно надарен, блестящо образован, Рубенс беше художник с огромен творчески обхват, бурен темперамент. Роден художник-монументалист, талантлив дипломат, който говори няколко езика, учен хуманист, той е бил на голяма почит в княжеските и кралските дворове на Мантуа, Мадрид, Париж и Лондон. Художник с живо въображение, Рубенс е създател на колосални патетични композиции. Динамизмът на формите, силата на пластичното въображение, триумфът на декоративния принцип са в основата на творчеството му. Изкуството на Рубенс обаче е основно реалистично. Свежестта на възприятието за живота и желанието да придаде на всичко изобразено достоверност на истината са същността на неговите творби.
Фламандски натюрморт. През 17 век натюрмортът се утвърждава като самостоятелен жанр. Той отразява интереса към материалния свят, който се заражда в "рисуването на нещата" в холандското изкуство от началото на 15 век, култа към личния живот. Фламандските "магазини за живи същества" удивляват с шумна жизнерадост и празнична декоративност. Платна, големи по размер, ярки на цвят, украсяват стените на просторните дворци на фламандското благородство, прославяйки красотата на земното съществуване, богатството на селския живот, плодовете на земята, морето и реките.
Антъни (Антън, Антъни) ван Дайк фламандскиживописец и график, майстор на придворни портрети и религиозни сцени в стил барок.
Ван Дайк рано се доказва като майстор на портрета и живописта на религиозни и митологични теми. ОТ 1618 На 1620 той работеше в работилницата Рубенс. Той създава произведения на религиозни теми, често в няколко версии: Увенчаване с тръни» « Целувка на Юда» „Носене на кръста“ „Св. Мартин и просяците“, „Мъченичеството на Св. Себастиан"
Джейкъб Йорданс ( netherl.Якоб Йорданс) ( 19 май 1593 г, Антверпен - 18 октомври 1678г, Антверпен) - фламандскихудожник. От 1607 г. учи с Адам ван Ноорт. През 1616 г. се жени за дъщеря си. Преживял целия си живот в Южна Холандия, само през 1641 г. работи за кратко в Англия. Неговите картини могат да бъдат намерени във всяка църква в Антверпен. Дори след обжалването му към калвинизъмпрез 1645 г. католическата църква продължава да поръчва произведения от него. Йорданес се смята, особено след смъртта Рубенс, който оказва голямо влияние върху него, един от видните представители на фламандците барок.
Френска живопис от 19 век
20-те години 19 век са за Франция времето на формирането на романтичното изкуство. Младите художници обявиха истинска война на своите учители. Историците нарекоха представянето им „романтична битка“, а художникът Юджийн Фердинанд Виктор Делакроа стана неин герой. Делакроа – френски художникИ график, лидер романтичентенденции в европейската живопис. Романтичните художници, пренебрегвайки каноните, съществували във визуалните изкуства от предишни епохи, охотно се обърнаха към необичайни теми, свързани с лудост, свръхестествени явления, насилие или екзотика (тоест отвъд „нормалното“). Делакроа във Франция беше лидер на това тенденция . Йожен Делакроа е роден в град Шарентон-Сен-Морис близо до Париж. Бъдещият художник рано остана сирак. През 1815 г. той влиза в ателието на Пиер Нарцис Герен (1774-1833), който наскоро е учил при Теодор Жерико, като чирак. Съвременниците на Делакроа следят отблизо хода на освободителната революция в Гърция през 1821-1829 г. (от 15 век Гърция е под властта на Турция). Делакроа избра може би най-трагичната страница в гръцкия епос. През септември 1821 г. турските наказателни лица унищожават цивилното население на Хиос, гръцки остров в Егейско море, край бреговете на Мала Азия. Повече от четиридесет хиляди гърци бяха убити и около двадесет хиляди бяха поробени. Отговорът на художника на тези събития е картината „Клането на Хиос” (1824 г.) На преден план са фигурите на обречен Хиос в цветни парцали; на фона са тъмните силуети на въоръжени турци. Повечето от пленниците са безразлични към съдбата си, само децата напразно молят родителите си да ги защитят.Делакроа изпитва интерес към модерността и създава през 1830 г. картината „Свободата, водеща народа (28 юли 1830 г.)“. Художникът придаде вечно, епично звучене на обикновен епизод от уличен бой.През 1832 г. Делакроа придружава дипломатическа мисия в Алжир и Мароко. Веднага след завръщането си в Париж художникът се заема с картината "Алжирските жени в покоите си" (1833). От края на 20-те години. 19 век художникът създава редица батални картини, посветени на средновековната френска история. В Битката при Нанси (1828-1834) войските - сиви събрани маси с многоцветни лица и знамена - тромаво се движат през снежна равнина под мъгливо жълто залезно небе. Йожен Делакроа е най-независимият художник във Франция през първата половина на 19 век.
ЖАК ЛУИ ДАВИД (1748-1825) До началото на 19 век. Общопризнатият лидер сред френските художници е Жак Луи Давид - най-последователният представител на неокласицизма в живописта и чувствителен летописец на бурните му времена.Давид е роден в Париж в богато буржоазно семейство. През 1766 г. постъпва в Кралската академия по живопис и скулптура. Характерна особеност на френската култура от онези години е общото увлечение от античността. През 1781 г. Давид е приет за член на Кралската академия и получава правото да участва в нейните изложби - салоните на Лувъра. Още през 1776 г. е разработена правителствена програма, която насърчава създаването на големи картини, „предназначени да възродят добродетелите и патриотичните чувства“. На Давид е предложен сюжет от ранната римска история - подвигът на трима братя от знатния род Хораций.За да работи върху картината "Клетвата на Хорациите" (1784 г.), Давид заминава за Рим. Когато платното беше завършено и художникът го изложи на публиката, цялата композиция се основава на числото три: три арки, три групи герои, три меча, три ръце, готови за оръжие. През 1795-1799г. Давид, заедно със своите ученици, работи върху картината „Сабините спират битката между римляните и сабините“. Според него той искал „да изобрази древните нрави с такава точност, че гърците и римляните, ако имаха възможност да видят работата ми, да не ме смятат за чужд на техните обичаи“. През 1799 г. Наполеон Бонапарт идва на власт в резултат на поредния държавен преврат. Дейвид, подобно на много бивши революционери, с радост приветства това събитие. (1807) Давид създава друг мит - блясъкът на олтара и великолепието на дрехите на придворните влияят на зрителя не по-лошо от окаяните мебели и старите чаршафи на Марат. След поражението на Наполеон Давид, който по едно време гласува в Конвенцията за смъртната присъда на Луи XVI, е принуден да напусне Франция. Художникът заминава за Брюксел (който тогава принадлежеше на Кралство Холандия), където живее до смъртта си. Той продължава да работи: усърдно, но вече без ентусиазъм рисува портрети на изгнаници като него и работи на антични сюжети.
17-ти век показа на света две училища по изкуствата – холандски и фламандски. И двамата са наследници на художествените традиции на Холандия - европейска държава, на територията на която по това време се е образувала католическа Фландрия, кръстена на най-значимата провинция (днес това е територията на Белгия и Франция). Други провинции, защитили своята привързаност към идеите на реформацията, се обединяват и започват да се наричат Холандска република или просто Холандия. През 17 век в Холандия около три четвърти от населението е било градско, като основната класа се е считала за средната класа. Реформираната църква изостави великолепието на декора, нямаше короновани клиенти и племенна аристокрация, което означава, че представителите на буржоазията станаха основните потребители на изкуството. Пространството, предназначено за боядисване, беше ограничено до къщите на бюргерите и обществените сгради.
Размерът на картините по правило не е голям (в сравнение с дворцовите картини или олтарните композиции за църкви), а сюжетите имаха камерен характер, изобразяващи сцени от личен, ежедневен живот. Основното постижение на холандското изкуство от 17 век. - в станковата живопис. Човекът и природата са били обект на наблюдение и изобразяване от холандските художници. Трудолюбие, трудолюбие, любов към реда и чистотата са отразени в картините, изобразяващи холандския начин на живот. Ето защо холандските майстори от 17 век (с изключение на Рембранд и Халс) са наречени "малък холандец"обширен кръг от холандски художници от 17 век. възниква във връзка с камерния характер на творчеството им, малкия размер на картините им (пейзаж, интериор, битови сцени). Картината на малкия холандец се характеризира с финеса на писането, изразителността на малките детайли, красотата на светлината и цветовите нюанси, общото усещане за комфорт, близост и единство на персонажите в пейзажна или интериорна среда. Сред най-видните представители са Ян Вермеер, братята Остаде (Адриан ван О. и Исак ван О.), Джерард Терборх, Ян Стин, Габриел Мецу).
Повечето художници намират теми за своите картини в родната си страна, следвайки съвета на Рембранд: „Научи се преди всичко да следваш богатата природа и да показваш преди всичко това, което намираш в нея. Небето, земята, морето, животните, добрите и лошите хора - всичко това служи за нашето упражнение. Равнините, хълмовете, потоците и дърветата дават достатъчно работа на художника. Градовете, пазарите, църквите и хилядите природни богатства викат към нас и казват: върви, жадни за знание, съзерцавай ни и ни възпроизвеждай. Производителността на художниците достигна невероятни размери, в резултат на това възникна конкуренция между художниците, което от своя страна доведе до специализацията на майсторите. И може би поради това имаше разнообразна диференциация по жанр. Появиха се художници, които работеха само в жанра на морския пейзаж или жанра на градските гледки, или изобразяваха интериора на помещения (стаи, храмове). В историята на живописта има примери за натюрморти и пейзажи, но никога преди тези жанрове не са достигали толкова масов характер и самодостатъчност, както в Холандия през 17 век.
Холандците искаха да видят целия разнообразен свят в снимки. Оттук и широкият обхват на живописта на този век, "тясна специализация" в определени видове сюжети: портрет и пейзаж, натюрморт и анималистичен жанр. В Холандия нямаше връзки с Италия и класическото изкуство не играеше такава роля като във Фландрия. Овладяването на реалистичните тенденции, формирането на определен кръг от теми и разделянето на жанровете като единен процес са завършени до 1720-те години.
Историята на холандската живопис през 17 век перфектно демонстрира еволюцията на творчеството на един от най-големите портретисти в Холандия Франс Халс(1580-1666) Дейностите му се извършват почти изцяло в Харлем. Тук, още около 1616 г., той е издигнат като напреднал голям художник-портретист и запазва ролята си в тази област до края на живота си. С появата на Халс, строго реалистичният и рязко индивидуален холандски портрет достига зрялост. Всичко плахо, дребнаво, натуралистично, което отличава предшествениците му, е преодоляно.
Първоначалната фаза на изкуството на Халс не е изяснена. Веднага виждаме майстора да решава най-трудния проблем на групов портрет. Той рисува една след друга картини, изобразяващи стрелците от корпорацията на Св. Адриан и Св. Джордж (Харлем, Музей на Франс Халс), където с неподражаема лекота са предадени както жизнеността на многолюдна среща, така и яркостта на типовете на всеки един от присъстващите. Изобразителното майсторство и композиционната находчивост на групировките вървят ръка за ръка в тези портрети с необикновената острота на характеристиките. Халс не е психолог: умственият живот на неговите модели обикновено го подминава. Да, и той пише за по-голямата част от хората, чийто целият живот протича в условия на интензивна, енергична дейност, но без да се задълбочава твърде много в въпроси от психологическо естество. Но Халс, като никой друг, улавя външния вид на тези хора, умее да улови най-мимолетното, но в същото време най-характерното в изражението на лицето, в позата, в жестовете. Весел по природа, той се стреми да улови всеки образ в момент на възраждане, радост и никой не предава смеха с такава тънкост и разнообразие като него. Портрет на офицер (1624, Лондон, колекция Уолъс), люлеещ се на стол "Geytgeizen" (края на 1630-те, Брюксел, художествена галерия), "Циганка" (края на 1620-те, Лувър), или т.нар. "Вещица от Харлем" - "Мале Бобе"(Берлин) могат да бъдат посочени като характерни примери за неговото остро и често напрегнато изкуство. Мъжете, жените, децата са изобразени от него със същото усещане за жив образ (“ Портрет на млад мъж с ръкавица", ДОБРЕ. 1650, Ермитаж). Впечатлението за живост се улеснява и от самата техника на Халс, необичайно свободна и нарастваща с годините в своята широта. Декоративният блясък на ранните творби впоследствие намалява, цветът става сребрист, свободата на използване на черно-бели тонове говори за умение, което може да си позволи смела живописна дързост.
В портретите от късния период (50-60-те години) изчезват безгрижната доблест, енергията и напрежението. В мъжкия портрет на Ермитажа, при цялата впечатляваща фигура, може да се проследи умора и тъга. Тези характеристики са допълнително подсилени в брилянтно рисуван портрет на мъж с широкопола шапка (музей в Касел). През тези години Халс престава да бъде популярен, защото никога не ласкае и се оказва чужд на възродените вкусове на заможни клиенти, загубили демократичния си дух. Но именно в късния период на творчеството Халс достига върха на майсторството и създава най-задълбочено произведение. В някои произведения се очертават импресионистични техники на цветови решения. Халс рисува безброй индивидуални портрети до последните години от живота си, но отново се връща към груповите портрети. Рисува 2 портрета - регентите и регентите на старчески дом, в единия от тях самият намира подслон в края на живота си. В портрета на регентите няма другарство на предишните композиции, моделите са разединени, безсилни, имат мътни гледки, по лицата им е изписано опустошение. В мрачния колорит (черно, сиво и бяло) особено напрежение внася розово-червено петно на коляното на един от регентите. Така на 9-годишна възраст един болен, самотен и обеднял художник създава своите най-драматични и най-изящни творби по отношение на занаятчийството.
Изкуството на Халс е от голямо значение за времето си, оказва влияние върху развитието не само на портрета, но и на жанра на ежедневието, пейзажа, натюрморта.
пейзажен жанрХоландия 17 век особено интересно. Това не е природата като цяло, определена обща картина на Вселената, а националната, а именно холандският пейзаж, който разпознаваме в съвременна Холандия: известните вятърни мелници, пустинни дюни. Сивото небе заема голямо място в композициите. Така е представена Холандия Ян Ван Гойен (1596-1656) и Саломон Ван Рюйсдал (1600-1670).
Зората на пейзажната живопис в холандското училище се отнася до средата. 17-ти век Най-големият майстор на реалистичния пейзаж беше Якоб ван Рюйсдал (1628-1682), художник с неизчерпаемо въображение. Произведенията му обикновено са изпълнени с дълбок драматизъм, независимо дали са горски гъсталаци („Горско блато“), пейзажи с водопади („Водопад“) или романтичен пейзаж с гробище („Еврейско гробище“). Природата в Ruisdael се появява в динамика, във вечно обновление. Дори и най-трудните мотиви от природата придобиват монументален характер под четката на художника. Ruisdael е склонен да комбинира внимателното писане с голяма жизнена цялост, със синтетичния характер на изображението.
Той е роден в Харлем през 1628 или 1629 г. Първото му оцеляло произведение, датирано от 1646 г., изглежда като работа на зрял майстор - и тогава той е само на 18 години. С пълна увереност можем да кажем, че през 1648 г. Руисдал става член на гилдията на художниците на Харлем.
В младостта си Руисдал пътува доста в търсене на природата - без обаче да се отклонява от родния си Харлем на повече от сто мили. В средата на 1650-те години художникът се премества от Харлем в Амстердам, където живее до края на дните си.
Митрополит Амстердам по времето на Руисдал беше поразително различен от провинциалния Харлем (въпреки че разстоянието между тези градове дори тогава беше преодоляно за два часа). Руисдал рисува картините си не по частни поръчки, а за свободна продажба. Около 1670 г. той се премества в самия център на града, на площад Дам, където наема апартамент точно над магазина на Йероним Свертс, търговец на картини и книги .
Мейндерт Хобема(1638, Амстердам, - 7 декември 1709) - най-значимият майстор на холандския пейзаж след своя наставник Якоб ван Рюйсдал.
Известно е, че Хобема и Руисдал са пътували заедно и са правили скици от природата. През ноември 1668 г. Хобема се жени за бургомайстора на Амстердам и чрез нея получава поста инспектор за качеството на вносните вина. Дълго време се смяташе, че това е краят на уроците му по рисуване.
Може да му се е налагало да отделя по-малко време за рисуване от преди, но най-добрата му работа, Алеята в Миделхарнис, е от 1689 г., а друга лондонска картина, Руините на замъка Бредерод, е от 1671 г. Тези по-късни творби принадлежат към най-успешните постижения на холандската пейзажна живопис и по същество текат линия в нейното развитие.
Художникът умира в бедност, но още през 18-ти век му се подражава много, а произведенията му стават обект на съперничество между колекционерите. За разлика от Руисдал, който предпочиташе да улавя дивата природа, Хобем беше привлечен от тихи селски сцени с гледки към села, наводнени със слънчева светлина, които се придават разнообразие от извисяващите се групи дървета тук-там. В тези селски идилии всичко е изписано с голямо внимание и особено зеленината.
В тясна връзка с холандския пейзаж е анималистичен жанр. Много представители на пейзажната живопис се интересуват от прехвърлянето на животни. Последните много често се оказват еквивалентни на чисто пейзажни елементи и понякога пейзажът им служи само за фон. Способността да се идентифицира породата на животно, неговата структура, цвят, характерни движения е едно от поразителните свойства на холандците. Тънкостта на предаването на атмосфера и светлина, съчетана с това умение, достига изключително съвършенство при някои рисувачи на животни. Това се доказва от множество произведения Паулус Потър(1625-1654) и Алберт Кейп(1620-1691). И двамата, заедно с картини, изобразяващи животни, пасящи или почиващи на открито (Фермата на Потър, Ермитаж, 1649 г.), написаха и отделни копия от тях в близък план. Потър, в допълнение към общите кадри, обича да изобразява едно или повече животни в близък план на фона на пейзаж („Куче на верига“). Любимият мотив на Кейп е крави на водопоя („Залез на реката“, „Крави на брега на потока“). Картина „Пейзаж със стадо, ездач и селяни“.
Спокойната селска сцена се къпе в златния блясък на залеза. Топла светлина прониква във всеки детайл от композицията, създавайки светещ ефект. Това поразително отличава цвета на нос от студените сини и зелени на неговите съвременници, като напр. Мейндерт Хобема. Привидната случайност на подредбата на животните всъщност е внимателно обмислена, за да се покаже играта на светлината и сянката.
Освен това носът принадлежи на едно от първите места сред представителите на чистия пейзаж. Неговите картини се отличават с изключително майсторство в предаването на златисто, слънчева светлина, изключително разнообразни по мотиви и включват множество марини (морски гледки).
Само морски пейзаж(марината) беше сгодена Ян Порселис(1584-1632). Марина играе много важна роля в изкуството на Холандия през 17-ти век и извежда редица първокласни специалисти. Общият ход на развитие на яхтеното пристанище изглежда е равен на това, което обикновено се наблюдава в историята на холандския пейзаж. На ранен етап композициите са прости. Художникът вижда целта си постигната, ако с най-голяма вероятност предаде морската шир, корабите, които се люлеят върху него, и самата вода. Така пише Ян Порселис. В следващото поколение естеството на предаването на морски видове се променя към по-голяма динамика. Както и преди обаче се създават картини, изобразяващи спокойствието на водната стихия, но това сега не е достатъчно; бурите започват да хвърлят кораби по скалите, гигантски вълни ги заплашват със смърт и карат моряците да се укрият в пристанището. И в двата случая няма затруднения за Backhuizen (1631-1709). Неговата четка със същата виртуозност предава безоблачността на небето, циклони, пръски, скали и следи от развалини.
Блестящото развитие достига до натюрморт. Холандският натюрморт, за разлика от фламандския, е скромен по размери и мотиви за картини от интимен характер. Питър Клас (1597-1661), Вилем Кеда(1594-1680) най-често изобразява т.нар. закуски: ястия с шунка или пай на сравнително скромно сервирана маса. В умело оформление обектите са показани по такъв начин, че човек усеща, сякаш, вътрешния живот на нещата (не напразно холандците нарекоха натюрморта „все още leven“ - „тих живот“, а не "nature morte" - "мъртва природа"). Оцветяването е сдържано и изтънчено (Хеда "Закуска с омар", 1658 г.; клас "Натюрморт със свещи", 1627 г.)
Вилем Хеда работи в Харлем и е повлиян от Питер Клаес. Скромните натюрморти - "закуски" от Head, изобразяващи, като правило, малък набор от домакински прибори и храна, се характеризират с фина изработка в предаването на текстурата на нещата, дискретен сребристо-зелен или сребристо-кафяв цвят (" Закуска с къпинов пай", 1631, Картинна галерия, Дрезден; "Шунка и сребърни прибори", 1649, Държавен музей на изящните изкуства, Москва).
С промяната в живота на холандската общност през 2-та пол. През 17 век с постепенното нарастване на желанието на буржоазията за аристократизация и загубата на предишната й демокрация се променя и естеството на натюрмортите. "Закуските" на Kheda се заменят с разкошни "десерти" Вилем Калф (1619-1693).Простите прибори се заменят с мраморни маси, покривки за килими, сребърни чаши, седефени миди и кристални чаши. Kalf постига невероятна виртуозност в предаването на текстурата на праскови, грозде и кристални повърхности. Единичният тон на натюрмортите от предишния период е заменен от богата градация на най-изящните цветни нюанси.
Холандски художник. През 1640-1645 г. работи във Франция, от 1653 г. - в Амстердам. В бъдеще Вилем Калф живее и работи главно в Амстердам. Дълбоките, наситени цветове на картините му, този художник на натюрморти може да се дължи на влиянието на творчеството на неговия съвременник Ян Вермеер. Един от най-големите майстори на холандската школа за натюрморт, Калф рисува както скромни картини, изобразяващи бедни кухни и задни дворове („Двор на селска къща”, Държавен Ермитаж, Санкт Петербург), така и ефектни композиции със скъпоценни прибори и екзотични южни плодове („Закуска“, Държавен музей, Амстердам; „Натюрморт“, Държавен Ермитаж, Санкт Петербург). Виртуозността на Калф като художник на натюрморт се проявява в класическото усъвършенстване на пространствените конструкции, финото усещане за оригиналността и присъщата стойност на всяко нещо, изтънчеността и богатството на отношенията между светлината и сянката и цветовете и ефектното контрастно сравнение на различни текстури и материали.
"Натюрморт с омар, рог за вино и чаши."Колекцията от екзотични и луксозни предмети, подредени на масата, е боядисана с брилянтна изработка и дълбоко усещане за цвят. Омарът, рогът за вино с искряща филигранна сребърна рамка, прозрачните бокали, лимонът и турският килим са предадени с такава чудесна грижа, че се създава илюзията, че са истински и могат да бъдат докоснати с ръка. Мястото за поставяне на всеки елемент е избрано с такава грижа, че групата като цяло да образува хармония на цвят, форма и текстура. Топлата светлина, която обгръща предметите, им придава достойнството на скъпоценни бижута, а тяхната рядкост, блясък и причудливост отразяват изтънчените вкусове на холандските колекционери от 17-ти век, времето, когато натюрмортите са били изключително популярни.
Холандски натюрморт- едно от художественото изпълнение на най-важната тема на холандското изкуство - темата за личния живот на обикновения човек. Тази тема е напълно въплътена в жанровата картина. През 20-30-те години. 17-ти век холандците създават специален вид дребнофигурна живопис. 40-60-те години - разцветът на живописта, прославящ спокойния бюргерски живот на Холандия, премерено ежедневие. Дори в кръга на Халс, където се развива и Адриан Брауер, фламандският художник, се формира отчетлив интерес към теми от селския живот. Адриан ван Остаде(1610-1685) - е най-голямата по своите изобразителни достойнства в изобразяването на селския живот. Обикновено изобразява сенчестите си страни („Борба“) Подобно на другите му представители, той обикновено подхожда към темите си изцяло в духа на идеологията на управляващата класа и или идеализира реалността, или вижда само смешни създания в селяните, чиито обичаи пораждат смях и шеги. („В селска механа” 1660 г.).
Изкуството му придобива черти на лиризъм в по-късен период, а предишните сюжети се заменят с образи на спокоен отдих на прага на хижа или в двора на селска механа, както и интериори със сцени на тих семеен уют („Сел. Концерт”, 1655 г., Ермитаж). В допълнение към подобни картини с малки фигури, Остаде често рисува в по-голям мащаб строго реалистични полуфигури на представители на различни занаяти. По право картината на Остаде „Художникът в ателието“ (1663) се счита за шедьовър на живописта, в който художникът прославя човешкия труд, без да прибягва нито до декларация, нито до патос.
Но основната тема на "малките холандци" все още не е селянин, а бюргерски живот. Обикновено това са изображения без завладяващ сюжет. В картините от този жанр сякаш нищо не се случва. Една жена чете писмо, джентълмен и една дама пускат музика. Или току-що са се запознали и m/ имат първо усещане, но това е само очертано, на зрителя се дава право да спекулира сам. Най-забавният разказвач в снимки от този вид беше Ян Стан(1626-1679). За Стан, за разлика от повечето негови съвременници, историята не е безразлична. Той отрежда значителна роля на повествователното начало в картините си и обича да изобразява определени забавни сцени от ежедневието на дребната буржоазия. В тях майсторът разкрива остри способности на наблюдателност, удачно характеризира типовете и с тънък весел хумор разказва избраните от него епизоди. Показателна за него е картината „Болната и лекарят” (ок. 1660, Ермитажа). В късния период на дейността на Стин тези черти губят своята острота и, следвайки общата тенденция, той тръгва по пътя на изкуството, по-елегантен и отдаден на проблемите на чисто визуалното възприятие на реалния свят.
Постигна страхотно умение Джерард Терборх(1617-1681). Започва с най-демократичните теми („Милачи“). Той се отличаваше с най-голямо умение в изобразяването на коприна и сатен, прозрачността на стъклените чаши, повърхността на всяко нещо. Фигурите на Терборх много често се характеризират с добре познат аристократичен външен вид, което се обяснява с избора му на модели от средата на благородниците. Изтънчеността на изкуството на Терборх се дължи до голяма степен на цвета му, в който доминират изящни сребристи тонове. Сред най-добрите картини на художника са "Чаша лимонада" (Ермитаж) и "Концерт" (Берлин, Далем).
Интериорът става особено поетичен сред малките холандци. Животът на холандците протичаше главно в къщата. Истинският певец на тази тема беше Питър де Хуч(1629-1689). Илюзорният характер на прехвърлянето на нещата отстъпва на заден план за този майстор и интересът е насочен към развитието на пространствените отношения, по-специално върху изобразяването на интериори, както и дворове и улици, отварящи се зад тях („Господарката с Слуга”, Ермитажа, около 1660 г.). стаите му с полуотворен прозорец с неволно хвърлени обувки или оставена метла по правило са изобразени без човешка фигура, но тук невидимо присъстват хора, винаги има връзка между интериора и хората. Когато изобразява хората, той умишлено подчертава замръзналия ритъм, изобразява живота като замръзнал, неподвижен като самите неща („Двор“).
Бавният ритъм на живот, точността на ежедневието, известна монотонност на съществуването перфектно предава Габриел Мецу(1629-1667; "Закуска"). По общия характер на своите жанрови образи той е близък до Терборх, но по-ярък в цветове.
Нов етап в жанровата живопис започва през 50-те години и се свързва с т.нар. Делфтско училище, с името на такива художници като Карел Фабрициус, Еманюел де Вит и Ян Вермеер(1632-1675), известен в историята на изкуството като Вермеер от Делфт (по прякора на мястото на неговата дейност). Изкуството на Вермеер от Делфт принадлежи към късния период от развитието на Холандия. Поколението героични, но груби борци за независимост и трезви бизнесмени - организатори на капиталистическата икономика - принадлежат на миналото. На историческата арена излязоха техните внуци, които спокойно можеха да използват придобитите придобивки. При тези условия се оформя едно живо, радостно изкуство от последния етап от разцвета на Холандската република.
Към този конкретен период принадлежи зрялото, проникновено и в същото време ясно и просто, въпреки цялата изтънченост на технологиите, изкуството на Вермеер от Делфт. Има малко автентични творби на Вермеер, само няколко музея имат малки и винаги ценни картини на майстора на Делфт. Темата на Вермеер е повече или по-малко традиционна; млади жени, които четат писмо, бродират, в компанията на джентълмен, художник пред статив, момиче, просто мечтаещо на прозореца („Момиче с писмо“, Дрезден; „Кавалерът и дамата на спинета“ и др.) - с една дума всичко, което е изобразявано повече от веднъж от холандски художници. По тематика, в тесния смисъл на думата, Вермеер няма нищо оригинално. Само в редки случаи той се обръща към забавни сюжети и въвежда елемент на действие в композицията („При сватовника“, 1656 г., Дрезден). Всички негови образи обаче имат напълно индивидуален характер. Във всички персонажи, които изобразява, има някаква лека и лека поезия и наред с тази поезия и мекота във всички негови творби е запечатано особено усещане за сурова простота, нещо наистина класическо.
Вермеер несъмнено е един от най-големите колористи в историята на западноевропейското изкуство. Не само неговият деликатен вкус в избора на цветове, но и способността да намират връзката си един с друг правят Вермеер един от най-изисканите майстори на цветовете. С най-голямо чувство за пропорция и такт, той съчетава лимоненожълто, синьо, лилаво с голямо разнообразие от нюанси, алени и бледозелени цветове в една звучна тонална гама. Именно в работата на Вермеер от Делфт традиционният холандски художествен проблем със светлината получава своето най-съвършено решение. Преливащата седефена светлина е една от най-характерните черти на картините на делфтския майстор. Освен това няма съмнение, че Вермеер от Делфт е един от най-завършените техници на своето време. Малкото му картини са написани с богата и разнообразна текстура. Неговият метод на нанасяне на боя, предопределящ по-късната техника на импресионистите, дава възможност на самия Вермеер да изобрази обгръщащите светлина обекти в цялата им живописна конкретност. Светлината в картините на Вермеер е не просто прозрачна среда, а въздух, богат на фини преходи от сребристи тонове.
Вермеер прави това, което никой друг не е правил през 17-ти век: рисува пейзажи от природата („Улица“, „Изглед към Делфт“). Те могат да се нарекат първите образци на пленерна живопис. Зряло, класическо в своята простота, изкуството на Вермеер е от голямо значение за бъдещите епохи.
Върхът на холандския реализъм, резултат от изобразителните постижения на холандската култура от 17 век. е дело на Рембранд. Но значението на Р., като всеки брилянтен художник, надхвърля границите само на холандското изкуство и холандската школа. Заемайки централно място в холандската школа от епохата на най-високия й разцвет, Рембранд все още стои отделно от многобройните художници на своята родина. Те остават чужди на широтата на спектъра на художествените интереси на Рембранд и дълбокия психологизъм на творчеството му.
Харменс ван Рейн Рембранде роден през 1606 г. в Лайден и е син на богат собственик на мелница за брашно. Рано открива влечение към рисуването и след кратък престой в университета в Лайден се отдава изцяло на изкуството. В края на обичайния тригодишен период на обучение при незначителния местен художник Якоб Суаненбург, Рембранд заминава за усъвършенстване в Амстердам, където става ученик на Ластман. Ластман, квалифициран майстор, обучен в Италия, запозна Рембранд с ефекта на светлотения, който се използва за предаване на обем и разкриване на драмата на действието. Тази техника ще стане основното в работата на художника. Следващите години Рембранд работи в Лайден, печелейки репутация на майстор на библейски и митологични сцени. Затова обикновено се наричат годините 1625-1632. Лайденски период от неговото творчество.
През 1632 г. се премества в Амстердам, където веднага печели слава, като написва „Урокът по анатомия на д-р Тулп“. 30-те години са времето на най-високата слава, пътят към кт е отворен за художника от тази картина, която се счита за групов портрет и има друго име „Урок по анатомия“. На това платно хората са обединени от действие, всички са представени в естествени пози, вниманието им е привлечено от главния герой - д-р Тулп, демонстриращ структурата на мускулите в труп. Той живее с търговеца на произведения на изкуството Хендрик ван Уйленборх, който го покровителства, урежда поръчки за портрети, което създава репутация на младия художник като модерен успешен майстор. През 1634 г. Рембранд се жени успешно за племенницата на Хендрик Саския и до 1639 г. заедно със съпругата си се сдобива с великолепна къща в столицата. До началото на 1640 г. той се радва на голям успех с клиентите, това е времето на личното му благополучие. В известния шедьовър от този период - "Автопортрет със Саския на колене" (около 1635 г., Художествена галерия, Дрезден), Рембранд се изобразява с младата си съпруга на празничната трапеза. Нежни преливания от златисти тонове, струи светлина, проникващи в картината, предават радостното настроение на млад и успял художник и съпругата му, изпълнени с надежди и мечти.
Целият този период е покрит с романтика. Художникът сякаш специално се стреми в работата си да се измъкне от скучното бургерско ежедневие. Той рисува себе си и Саския в луксозни тоалети, във фантастични тоалети и шапки, създавайки ефектни композиции, във всичко, в позите, в движенията преобладава общото – радостта от битието. (Саския като Флора). Бароковият език е най-близо до изразяването на това приповдигнато настроение. Рембранд през този период е до голяма степен повлиян от италианския барок.
В сложни ракурси пред нас се появяват героите на картината „Жертвата на Авраам“ (1635). Картината проследява душевното състояние на Авраам, който с внезапната поява на ангел не е имал време да почувства нито радостта от освобождението от ужасна жертва, нито благодарност, но засега изпитва само умора и недоумение.
Рембранд винаги е обръщал голямо внимание на офорт (гравиране) и рисунка и скоро става най-големият майстор на графичната техника в Европа. Портрети и пейзажи, изпълнени от него в техниката на офорт, битови и религиозни сцени, се отличаваха с новостта на художествените техники, дълбок психологизъм на образите, богатство на светлотения, изразителност и лаконизъм на линиите. До нас са достигнали около две хиляди рисунки на Рембранд. Сред тях са подготвителни скици, скици за картини, скици на сцени от ежедневието и идеи, родени във въображението му.
В края на ранния период на творчеството се появява една от най-известните му картини "Нощен страж" - групов портрет на гилдията на пушките. Но group porter е официалното име на продукта, произтичащо от желанието на клиентите. В „Нощната стража“ Рембранд използва нов подход към жанра на груповия портрет, традиционен за холандското изкуство. Картината (1642, Rijks Museum, Амстердам) е групов портрет на членове на гилдията за стрелба на капитан Банинг Кок и е решена от художника като истинска улична сцена. Рембранд изоставя статичното подреждане на всички участници, прието по това време, създавайки сцена, пълна с движение. Контрастите на светлина и сянка, емоционалността на картината предават вълнението на събитието. Картината придобива исторически характер, разказвайки за смели хора, които са готови да защитават свободата и националната независимост на своята родина с оръжие в ръце. Клиентите не разбраха намерението на художника и, като се започне от тази картина, конфликтът с доминиращата среда ще се засили, но няма да намали енергията на майстора, а Рембранд ще продължи да създава реалистични платна, забележителни с емоционалното си въздействие . Зрелищната, несъмнено донякъде театрална, свободна композиция, както вече споменахме, нямаше за цел да представлява всеки един от клиентите. Много лица просто са лошо „прочетени“ в остър светлинен цвят, в контрасти на дебели сенки и ярка слънчева светлина, към CT излиза отряд (през 19 век картината потъмнява толкова много, че се смята за изображение на нощна сцена, следователно неправилното име.капитан върху светлите дрехи на лейтенанта, доказва, че не е нощ, а ден). Появата на непознати в тази сцена, особено на малко момиченце в златисто жълта рокля, изглеждаше неразбираемо и абсурдно за зрителя. Всичко тук предизвика недоумение и дразнене на публиката и можем да кажем, че с тази картина започва конфликтът между художника и обществото. Със смъртта на Саския през същата година настъпва естественото скъсване на Рембранд с чуждите за него бюргерски кръгове.
Реалистичното умение на Рембранд се задълбочава през годините. Той отказва излишни детайли и декоративни ефекти в полза на по-голяма дълбочина и емоционална интензивност на художествения образ. Много голямо място в творчеството на художника започва да заема камерен портрет. Рембранд разкрива духовния живот на човек, сякаш траен във времето и пространството. Това е един вид портрет-биография. Такива са например „Портрет на стара жена“, „Хендрикие на прозореца“, „Четене на Тит“, портрети на приятелите на художника Н. Брайнинг, Дж. Сикс, множество автопортрети (повече от сто в маслени бои). и дървени въглища).
40-50-те години - Това е времето на творческа зрялост.Това е времето на добавяне на творческата му система, от която много ще остане в миналото и ще се придобият нови, безценни качества. През този период той често се обръща към стари произведения, за да ги преправи по нов начин. Такъв е случаят с Даная, която рисува през далечната 1636 г. Обръщайки се към картината през 40-те години, художникът засилва емоционалното си състояние. Той пренаписа централната част с героинята и прислужницата. Като направи на Даная нов жест на вдигната ръка, той й каза голямо вълнение, израз на радост, надежда, призив. Светлината играе огромна роля: светлинният поток сякаш обгръща фигурата на Даная, тя цялата свети от любов и щастие, тази светлина се възприема като израз на човешки чувства.
В началото на 50-те години художникът създава един шедьовър след друг. Той вече беше излязъл от мода, но богатите клиенти не бяха преведени.
През тези години той избира за интерпретация най-лиричните, поетични страни на човешкото съществуване, човешкото, което е вечно и универсално: майчината любов, състраданието. Свещеното писание му дава най-голям материал, а от него – сцените от живота на светото семейство. Религиозна по тематика, но чисто жанрова в интерпретацията на сюжета, ермитажната картина „Свето семейство” (1645) е изключително характерна за това време.
Наред с библейско-жанровите композиции, този период е пълен с нов вид изобразяване на реалността за Рембранд - пейзажи. Отдавайки в някои случаи почит на романтичните си наклонности, той създава заедно с това снимки на неукрасено холандско село, които завладяват със строг реализъм на подхода. Малкият „Зимен изглед“ (1646, Касел), изобразяващ селски двор и няколко фигури на повърхността на замръзнал канал в светлината на ясен мразовит ден, е един от най-съвършените примери за холандския реалистичен пейзаж по отношение на тънкост на усещането и истинност на зрителното възприятие.
Въпреки необятността и художествената стойност на създаденото през този период, финансовото положение на Рембранд се оказва изключително трудно до средата на 1650-те. Поради спада на броя на поръчките, трудната продажба на картини и особено небрежността на майстора при воденето на делата си, Рембранд изпитва големи финансови затруднения. Дългът, свързан с придобиването на скъпа къща приживе на Саския, заплашваше от пълна разруха. Опитът да се измъкне от дългове можеше само да забави катастрофата, но тя все пак избухна. През лятото на 1656 г. Рембранд е обявен в несъстоятелност и цялото му имущество е продадено на търг. Лишен от обичайния си дом, той беше принуден да се премести със семейството си в бедния еврейски квартал на търговската столица и тук последните му дни преминаха в остро усещан недостиг.
Тези несгоди, като нещастията, сполетяли Рембранд по-късно - смъртта на Хендрик, смъртта на единствения му син Тит - бяха безсилни да спрат по-нататъшното израстване на неговия гений.
Краят на 1650-те и 1660-те години са най-трагичните години от живота на Р., но те са пълни с творческата дейност на Рембранд с грандиозна сила. Представлява сякаш синтез на всичките му предишни психологически и изобразителни търсения. В тези снимки всичко е изчистено от преходно, случайно. Детайлите са сведени до минимум, жестовете, позите, накланянето на главата са внимателно обмислени и осмислени. Фигурите са увеличени, близо до предната равнина на платното. Дори малките произведения от тези години създават впечатление за изключително величие и истинска монументалност. Основните изразни средства са светлината и линиите. По-точно би било да се каже за покойния Р., че цветът му е „светещ”, защото в неговите платна светлината и цветът са едно цяло, цветовете му сякаш излъчват светлина. Това сложно взаимодействие на цвят и светлина не е самоцел, то създава определена емоционална среда и психологически характеристики на образа.
В портретите Рембранд вече е по-свободен в избора на модели и рисува предимно лица с подчертана индивидуалност. Това са предимно възрастни жени и стари евреи. Но със същата острота той е в състояние да предаде очарованието на лицето на млада жена или очарованието на младежкия външен вид. Всичко дребнаво в тези портрети отстъпва място на обобщено, но в същото време необичайно рязко представяне на образа. Това до голяма степен се улеснява от нарастващата широта на начина на техническо изпълнение.
Последният в историята на груповия портрет беше образът на Рембранд на старейшината на магазина за платове - т.нар. „Синдикс“ (1662, Амстердам). заслужено считан за един от върховете на творчеството на Рембранд). Остра психологическа характеристика, простота на конструкцията, криеща непогрешимостта на ритъма на линиите и масите, както и скъперничък в броя на цветовете, но интензивен колорит обобщават целия предишен път на Рембранд като портретист.
В годините на зрялост (50-те години) Рембранд създава най-добрите си офорти. Дълбочината на психологическия анализ, която отличава Рембранд, експресивният реализъм на образите и съвършенството на овладяването на художествената техника бяха отразени в дълга поредица от прекрасни листове, тематично дори по-разнообразни от живописта на майстора. Сред най-известните са „Христос изцеление на болните“ (т.нар. „Лист от сто флорина“, ок. 1649 г.), „Три кръста“ (1653 г.), портрети на Лютма (1656 г.), Харинг (1655 г.), Шест. (1647 г.), както и пейзажите, известни като Трите дървета (1643 г.) и Имението на златната везна (1651 г.).
Също толкова важно място в графичното наследство на Рембранд заемат рисунките. Остротата и оригиналността на възприятието на Рембранд за околния свят бяха отразени в тези многобройни и разнообразни листове с особена сила. Начинът на рисуване, подобно на стила на рисуване на Рембранд, забележимо се развива по време на творческото развитие на майстора. Ако ранните рисунки на Рембранд са разработени подробно и доста сложни по композиция, то в по-зрял период той ги изпълнява по широк живописен начин, необичайно сбит и прост. Обикновено Рембранд рисуваше с химикалка от гъска или тръстика и успяваше да постигне с помощта на най-простите техники изключителна сила на изразяване. Р. остави след себе си 2000 рисунки. Неговите рисунки, дори когато са дребни скици на някакъв обикновен мотив, са цялостно цяло, предаващо изцяло цялото разнообразие на природата.
Епилог на творчеството на Р. може да се счита за грандиозното му платно "Завръщането на блудния син" (около 1668-1669, Ермитажа), в което естетическата височина и изобразителното умение на художника се проявяват с най-голяма пълнота. Евангелската притча за млад мъж, който напусна дома си, пропиля богатството си и се върна при баща си нещастен, дрипав, унизен, художникът изпълва с дълбоко човешко съдържание. Благородната идея за любов към страдащия човек се разкрива тук в образи, които са поразителни с житейската си убедителност. Лицето на стария полусляп баща и жестът на ръцете му изразяват безкрайна доброта, а фигурата на сина в мръсни парцали, прилепнал към баща си, е искрено и дълбоко покаяние. Може би никоя друга картина на Рембранд не предизвиква толкова дълбоки и състрадателни чувства. Рембранд научи своите зрители на любовта и прошката. В бъдеще, през последните години и месеци, животът на Рембранд протича външно спокойно. След като е надживял Хендрикие и Тит, той умира на 4 октомври 1669 г.
Р. оказва огромно влияние върху изкуството. Няма художник в Холандия, който да не е изпитал влиянието на велик художник, от които най-известни са Фердинанд Бол (1616-1680), Гербранд ван ден Екгут (1621-1674) и Арт дьо Гелдер (1645-1727). След като овладеят темите, композиционните техники и видовете учители, те въпреки това не отидоха по-далеч в своята фигурна живопис отвъд външната имитация на техниките на Рембранд. Живото влияние на майстора, напротив, определено се отрази на многобройните пейзажисти до него - Филипс Конинк (1619-1688), Думер (1622-1700) и др. Но мнозинството го предаде, преминавайки към позицията на академичност и имитация на модните тогава фламандци, а след това и на французите.
Както често се случва в историята на изкуството, въпреки блестящия си талант, Рембранд умира в бедност и самота, забравен, безполезен майстор. Но колкото по-нататък тече времето, толкова по-ценно е в очите на човечеството наследството на художника. Без преувеличение може да се каже, че Рембранд е един от най-големите художници в историята на световното изкуство. Мнозина биха го нарекли ненадминат. Гробът на Рембранд е изгубен, но творчеството му ще живее векове.
През последната четвърт на 17 век започва упадъкът на холандската живопис, загубата на националната й идентичност и от нач. 18-ти век идва краят на великата ера на холандския реализъм.
Холандската култура през 17 век
Победата на буржоазната революция в Северна Холандия доведе до образуването на независима държава – Република Седемте обединени провинции – Холандия (по името на най-значимата от тези провинции); за първи път в една от страните на Европа е установена буржоазно-републиканска система. Движещите сили на революцията са селяните и най-бедните слоеве от градското население, но дошлата на власт буржоазия се възползва от нейните завоевания.
Освобождението от игото на испанския абсолютизъм и католическата църква, унищожаването на редица феодални ограничения отвори пътя за бърз растеж на производителните сили на републиката, която според Маркс „е образцова капиталистическа страна от 17-ти век. век.” Само в Холандия по това време градското население надделява над селското, но основният източник на печалби не е индустрията (въпреки че тук се развиват текстилното производство и особено корабостроенето), а посредническата търговия, която се разширява поради колониалната политика. С обогатяването на управляващите класи, бедността на трудещите се расте, селяните и занаятчиите са разорени, а класовите противоречия се засилват към средата на 17 век.
Въпреки това, през първите десетилетия след създаването на републиката, демократичните традиции от революционната епоха са живи. Широтата на националноосвободителното движение, подемът на самосъзнанието на народа, радостта от освобождението от чуждото иго обединяваха най-разнообразни слоеве от населението. В страната са създадени условия за развитие на науката и изкуствата. Напредналите мислители от онова време, по-специално френският философ Декарт, намират убежище тук и се формира фундаментално материалистичната философска система на Спиноза. Най-високите постижения са постигнати от художниците на Холандия, такива художници като Рембранд, Руисдал, Терборх, Халс, Хобема, Хонтхорст и много други майстори на живописта. Холандските художници са първите в Европа, които се освобождават от потискащото влияние на придворните кръгове и католическата църква и създават демократично и реалистично изкуство, което пряко отразява социалната реалност.
Холандска живопис от 17 век
Отличителна черта на развитието на холандското изкуство беше значителното преобладаване сред всички негови видове живопис. Картини украсяваха къщите не само на представители на управляващия елит на обществото, но и на бедни бюргери, занаятчии и селяни; те бяха продадени на търгове и панаири; понякога художниците ги използвали като средство за плащане на сметки. Професията на художник не беше рядка, имаше много художници и те се състезаваха ожесточено помежду си. Малко от тях можеха да се хранят с рисуване, мнозина се заеха с различни професии: Стен беше ханджия, Хобема беше акцизен служител, Джейкъб ван Рюйсдал беше лекар.
Бързото развитие на холандската живопис през 17 век се обяснява не само с търсенето на картини от онези, които искат да украсят домовете си с тях, но и с тяхното виждане като стока, като средство за печалба, източник на спекулации. След като се отърва от прекия клиент - католическата църква или влиятелен феодален филантроп - художникът беше напълно зависим от изискванията на пазара. Вкусовете на буржоазното общество предопределиха пътищата на развитие на холандското изкуство и художниците, които им се противопоставиха, защитавайки своята независимост по въпросите на творчеството, се оказаха изолирани, умирайки преждевременно в нужда и самота. Освен това по правило това бяха най-талантливите майстори. Достатъчно е да споменем имената на Халс и Рембранд.
Основният обект на изображението за холандските художници е заобикалящата действителност, която никога досега не е била толкова пълно отразена в творбите на художници от други национални школи. Обръщението към най-разнообразните аспекти на живота доведе до засилване на реалистичните тенденции в живописта, в които водещо място заемат всекидневният жанр и портрет, пейзаж и натюрморт. Колкото по-правдиво, колкото по-дълбоко художниците отразяваха реалния свят, който се отвори пред тях, толкова по-значими бяха творбите им.
Всеки жанр имаше свои собствени клонове. Така например сред пейзажистите имаше художници-маринисти (изобразяващи морето), художници, които предпочитаха гледки към равнинни места или горски гъсталаци, имаше майстори, които се специализираха в зимни пейзажи и пейзажи с лунна светлина: сред жанровите художници, художници, които изобразявани селяни, бюргери, сцени на пиршества и домашния бит, ловни сцени и пазари; имаше майстори на църковния интериор и различни видове натюрморти - „закуски“, „десерти“, „магазини“ и т. н. Засегнаха особеностите на ограниченията на холандската живопис, стеснявайки броя на задачите за нейните създатели. Но в същото време концентрацията на всеки от художниците върху определен жанр допринесе за усъвършенстването на уменията на художника. Само най-големите от холандските художници са работили в различни жанрове.
Формирането на реалистичната холандска живопис се осъществява в борбата срещу италианизиращата тенденция и маниеризъм. Представителите на тези тенденции, всеки по свой начин, но чисто външно, заимстваха техниките на италианските художници, дълбоко чужди на традициите на националната холандска живопис. На ранен етап от формирането на холандската живопис, обхващащ годините 1609-1640, реалистичните тенденции се проявяват по-ясно в портретния и битовия жанр.
Пейзаж на Холандия
Принципите на холандския реалистичен пейзаж се оформят през първата третина на 17-ти век. Вместо условни канони и идеализирана, измислена природа в картините на майсторите от италианизиращата посока, създателите на реалистичния пейзаж се обърнаха към изобразяването на истинската природа на Холандия с нейните дюни и канали, къщи и села. Те не само улавяха характера на местността с всички знаци, създавайки характерни мотиви на националния пейзаж, но се стремяха да предадат атмосферата на сезона, влажен въздух и пространство. Това допринесе за развитието на тоналната живопис, подчиняването на всички компоненти на картината на един тон.
Един от най-големите представители на холандския реалистичен пейзаж е Ян ван Гойен (1596-1656). Работил е в Лайден и Хага. Любимите мотиви на художника Ян ван Гойен в неговите малки пейзажи: долини и водната повърхност на широки реки с градове и села по бреговете в сиви, облачни дни. Много място (около две трети от снимката) Ян ван Гойен остави небето с въртящи се облаци, наситени с влага. Такава е картината „Изглед към река Ваал близо до Неймеген“ (1649 г., Москва, Държавен музей на изящните изкуства Пушкин), издържана в тънка кафяво-сива цветова гама.
Специален вид пейзаж, изобразяващ животни, пасища с крави, овце е създаден от Пол Потър (1625-1654). След като изучи перфектно навиците на животните, художникът често им даваше близки планове, внимателно изписвайки текстурата на всеки материал, меката вълна и най-малките детайли. Такива са картините "Бик" (1647, Хага, Маурицхойс), "Куче на верига" (Санкт Петербург, Ермитаж).
Холандски натюрморт
Наред с пейзажната живопис, натюрмортът, който се отличава с интимен характер, получава широко разпространение в Холандия през 17 век. Холандските художници избираха голямо разнообразие от предмети за своите натюрморти, знаеха как да ги композират перфектно, да разкрият особеностите на всеки обект и неговия вътрешен живот, неразривно свързан с човешкия живот.
Холандските художници от 17-ти век Питер Клаес (около 1597 - 1661) и Вилем Хеда (1594-1680/1682) рисуват множество варианти на "закуски", изобразяващи шунки, румени кифлички, пайове с къпини, крехки стъклени чаши с вино, полу- с невероятно умело предаващи цвета, обема, текстурата на всеки артикул. Неотдавнашното присъствие на човека е осезаемо в безпорядъка, случайното подреждане на нещата, които току-що са му послужили. Но това нарушение е само привидно, тъй като композицията на всеки натюрморт е внимателно обмислена и намерена. Дискретна сиво-златиста, маслинена тонална гама обединява обектите и придава специална звучност на онези чисти цветове, които подчертават свежестта на прясно нарязан лимон или меката коприна на синя панделка.
С течение на времето „закуските“ на майсторите на натюрморта, художниците Клаес и Хеда отстъпват място на „десертите“ на холандските художници Абрахам ван Бейерен (1620/1621-1690) и Вилем Калф (1622-1693). Натюрмортите на Beieren са строги като композиция, емоционално наситени, цветни. Вилем Калф през целия си живот рисува по свободен начин и демократични "кухни" - саксии, зеленчуци и натюрморти, аристократични в подбора на изящни скъпоценни предмети, пълни със сдържано благородство, като сребърни съдове, чаши, черупки, наситени с вътрешно изгаряне на цветове .
В по-нататъшното си развитие натюрмортът върви по същите пътища като цялото холандско изкуство, губейки своята демократичност, своята духовност и поезия, своя чар. Натюрмортът се превръща в украса на дома на високопоставени клиенти. С цялата декоративност и умение на изпълнение, късните натюрморти изпреварват упадъка на холандската живопис.
Социалната дегенерация, добре познатата аристократизация на холандската буржоазия през последната третина на 17 век, пораждат тенденция към сближаване с естетическите възгледи на френското благородство, водят до идеализиране на художествените образи, тяхното усъвършенстване. Изкуството губи връзки с демократичната традиция, губи своята реалистична основа и навлиза в период на дълъг упадък. Силно изтощена във войните с Англия, Холандия губи позициите си на голяма търговска сила и най-големия художествен център.
Френско изкуство от 17 век
Във френското изкуство от 17 век идеите за човек и неговото място в обществото, генерирани от времето на образуването на централизирани монархии в Европа, намират най-пълно отражение. Класическата страна на абсолютизма, която осигурява растежа на буржоазните отношения, Франция преживява икономически подем и се превръща в мощна европейска сила. Борбата за национално обединение срещу феодалното своеволие и анархия помогна за укрепване на високата дисциплина на ума, чувството за отговорност на личността за своите действия и интереса към държавните проблеми. Философът Декарт развива теорията за волята, прокламирайки господството на човешкия ум. Той призовава за себепознание и завладяване на природата, разглеждайки света като рационално организиран механизъм. Рационализмът става характерна черта на френската култура. До средата на 17 век се развива национален литературен език - той утвърждава принципите на логическата яснота, точността и чувството за мярка. В творчеството на Корней и Расин френската класическа трагедия достига своя апогей. В своите драми Молиер пресъздава „човешката комедия“. Франция изживява разцвета на националната култура, не случайно Волтер нарича 17-ти век „велик”.
Френската култура от 17 век се формира в условията на установяването на абсолютизма. Неговото разнообразие и непоследователност обаче определят широко движение за национално обединение. То намери ярки отговори на острите социални конфликти, които съпътстваха раждането на ново общество. През първата половина на 17 век основите на държавата са разклатени от селски и градски въстания, голямо демократично движение на парламентарната Фронда. На тази основа се раждат утопии, мечти за идеално общество, основано на законите на разума и справедливостта, и свободомислещата критика на абсолютизма. Развитието на френското изкуство през 17 век преминава през два етапа, съвпадащи с първата и втората половина на века.
Изкуството на Западна Европа през 18 век
Осемнадесети век в Западна Европа е последният етап от дългия преход от феодализъм към капитализъм. В средата на века завършва процесът на примитивно натрупване на капитали, води се борба във всички сфери на общественото съзнание и назрява революционна ситуация. По-късно това доведе до господството на класическите форми на развит капитализъм. В течение на един век е извършено гигантско разпадане на всички социални и държавни основи, концепции и критерии за оценка на старото общество. Възникна цивилизовано общество, появи се периодичен печат, сформираха се политически партии, водеше се борба за освобождаване на човека от оковите на феодално-религиозния мироглед.
Във визуалните изкуства значението на прякото реалистично изобразяване на живота нараства. Сферата на изкуството се разширява, то става активен говорител на освободителните идеи, изпълнено с актуалност, борбен дух, изобличава пороците и абсурдите не само на феодалното, но и на зараждащото се буржоазно общество. Той също така изложи нов положителен идеал за неограничена личност на човек, свободен от йерархични идеи, развиващ индивидуални способности и в същото време надарен с благородно чувство за гражданство. Изкуството става национално, привлича не само кръга на изтънчени ценители, но и широка демократична среда.
| Изобразителното изкуство на 18 век в най-добрите произведения се характеризира с анализ на най-фините човешки преживявания, възпроизвеждане на нюансите на чувствата и настроенията. Интимност, лиризъм на образите, но и аналитична наблюдателност (понякога безмилостна) са характерни черти на изкуството на 18 век. както в жанра на портрета, така и в ежедневната живопис. Тези особености на художественото възприемане на живота са приносът на 18-ти век за развитието на световната художествена култура, въпреки че трябва да се признае, че това е постигнато с цената на загубата на универсалната завършеност в изобразяването на духовния живот, целостта в въплъщение на естетическите възгледи на обществото, характерни за живописта на Рубенс, Веласкес, Рембранд, Пусен. | |
Основните тенденции в общественото и идеологическото развитие на Западна Европа през 18 век се проявяват неравномерно в различните страни. Ако в Англия индустриалната революция, извършена в средата на 18 век, консолидира компромиса между буржоазията и благородството, то във Франция антифеодалното движение има по-масов характер и подготвя буржоазна революция. Обща за всички страни беше кризата на феодализма, неговата идеология, формирането на широко социално движение - Просвещението, с неговия култ към първичната недокосната природа и разума, който я защитава, с критиката на съвременната покварена цивилизация и мечтата на хармония на благотворната природа и нова демократична цивилизация, гравитираща към естественото състояние.
Осемнадесети век е епохата на Разума, унищожаващия скептицизъм и ирония, ерата на философите, социолозите, икономистите; развиват се точните природни науки, географията, археологията, историята и материалистичната философия, свързани с техниката. Нахлувайки в умствения живот на епохата, научното познание създава основата за точно наблюдение и анализ на реалността за изкуството. Просветителите провъзгласяват целта на изкуството да имитира природата, но подредена, подобрена природа (Дидеро, А. Поуп), изчистена от ума от вредното въздействие на създадена от човека цивилизация, създадена от абсолютисткия режим, социалното неравенство, безделие и лукс. Рационализмът на философската и естетическата мисъл на 18 век обаче не потиска свежестта и искреността на чувствата, а поражда стремеж към съразмерност, грация и хармонична завършеност на художествените явления на изкуството, от архитектурните ансамбли до приложно изкуство. Просветителите придават голямо значение в живота и изкуството на чувството - центърът на най-благородните стремежи на човечеството, чувство, което копнее за целенасочени действия, съдържащо сила, която революционизира живота, чувство, способно да възроди изначалните добродетели на „естествен човек“ ( Дефо, Русо, Мерсие), следвайки природните закони. природа.
Афоризмът на Русо „Човек е велик само в чувствата си“ изразява един от забележителните аспекти на обществения живот на 18 век, който поражда задълбочен, изтънчен психологически анализ в реалистичен портрет и жанр, поезията на чувствата. пропити лирическия пейзаж (Гейнсбъро, Вато, Берней, Робърт), „лирически роман“, „стихотворения в проза“ (Русо, Прево, Мариво, Филдинг, Стърн, Ричардсън), той достига най-високия си израз във възхода на музиката (Хендел, Бах, Глук, Хайдн, Моцарт, италиански оперни композитори). От една страна, „малките хора“ станаха героите на художествените произведения на живописта, графиката, литературата и театъра от 18-ти век - хора, както всички останали, поставени в обичайните условия на епохата, не разглезени от просперитет и привилегии, подчинени на обикновените естествени движения на душата, доволни от скромно щастие. Художниците и писателите се възхищаваха на тяхната искреност, наивна непосредственост на душата, близка до природата. От друга страна, фокусът е върху идеала за еманципиран цивилизован интелектуален човек, породен от просветителската култура, анализа на неговата индивидуална психология, противоречиви психични състояния и чувства с техните фини нюанси, неочаквани импулси и рефлективни настроения.
Остра наблюдателност, изтънчена култура на мисълта и чувствата са характерни за всички художествени жанрове на 18 век. Художниците се стремяха да уловят ежедневни ситуации с различни нюанси, оригинални индивидуални образи, гравитираха към забавни разкази и омайни зрелища, остри конфликтни действия, драматични интриги и комедийни сюжети, изтънчена гротеска, буфонада, изящни пасторали, галантни празненства.
Нови проблеми бяха поставени и в архитектурата. Значението на църковното строителство е намаляло, а ролята на гражданската архитектура е нараснала, изящно проста, актуализирана, освободена от прекомерна внушителност. В някои страни (Франция, Русия, отчасти Германия) бяха решени проблемите с планирането на градовете на бъдещето. Раждат се архитектурни утопии (графични архитектурни пейзажи – Джовани Батиста Пиранези и т. нар. „хартиена архитектура“). Характерен стана типът частна, обикновено интимна жилищна сграда и градски ансамбли на обществени сгради. В същото време в изкуството на 18-ти век, в сравнение с предишни епохи, синтетичното възприятие и пълнотата на покритието на живота намаляват. Предишната връзка на монументалната живопис и скулптурата с архитектурата е прекъсната, в тях се засилват чертите на станковата живопис и декоративността. Предмет на специален култ беше изкуството на всекидневния живот, декоративните форми. В същото време се засили взаимодействието и взаимното обогатяване на различни видове изкуство, постиженията, придобити от един вид изкуство, бяха по-свободно използвани от други. Така влиянието на театъра върху живописта и музиката е много плодотворно.
Изкуството на 18 век преминава през два етапа. Първият продължава до 1740-1760 г. Характеризира се с модифицирането на късните барокови форми в декоративния стил рококо. Оригиналността на изкуството от първата половина на 18 век - в комбинация от остроумен и подигравателен скептицизъм и изтънченост. Това изкуство, от една страна, е изтънчено, анализирайки нюансите на чувствата и настроенията, стремящи се към елегантна интимност, сдържан лиризъм, от друга страна, гравитира към „философията на удоволствието“, към приказни образи на Изтока - араби, китайци, перси. Едновременно с рококо се развива реалистична тенденция - за някои майстори то придобива рязко обвинителен характер (Хогарт, Суифт). Борбата на художествените течения в националните училища беше открито проявена. Вторият етап е свързан със задълбочаване на идеологическите противоречия, нарастване на самосъзнанието, политическата активност на буржоазията и масите. В края на 1760-1770 г. Кралската академия във Франция се противопоставя на изкуството на рококо и се опитва да възроди церемониалния, идеализиращ стил на академичното изкуство от края на 17-ти век. Галантните и митологични жанрове отстъпват място на историческия със сюжети, заимствани от римската история. Те бяха призовани да подчертаят величието на монархията, която е загубила авторитета си, в съответствие с реакционната интерпретация на идеите на „просветения абсолютизъм“. Представителите на напредналата мисъл се обърнаха към наследството на древността. Във Франция графът дьо Кайлус откри научната ера на изследвания в тази област („Колекция от антики“, 7 тома, 1752-1767). В средата на 18-ти век немският археолог и историк на изкуството Винкелман (История на античното изкуство, 1764) призовава художниците да се върнат към „благородната простота и спокойното величие на древното изкуство, носещо в себе си отражение на свободата на гърците и римляните от епохата на републиката." Френският философ Дидро открива заговори в древната история, които изобличават тираните и призовават към въстание срещу тях. Възникна класицизмът, противопоставяйки декоративността на рококо с естествената простота, субективния произвол на страстите - познаване на законите на реалния свят, чувство за пропорция, благородство на мислите и делата. Художниците първо изучават древногръцкото изкуство при новооткрити паметници. Провъзгласяването на идеално, хармонично общество, приматът на дълга над чувството, патосът на разума са общи черти на класицизма от 17-ти и 18-ти век. Класицизмът от 17 век обаче, възникнал на основата на националното обединение, се развива в условията на разцвета на благородното общество. Класицизмът на 18 век се характеризира с антифеодална революционна ориентация. Целта му беше да обедини прогресивните сили на нацията за борба срещу абсолютизма. Извън Франция класицизмът нямаше революционния характер, който имаше в първите години на Френската революция.
Едновременно с класицизма, изпитвайки неговото влияние, реалистичната тенденция продължава да живее. В него се очертават рационалистическите тенденции: художниците се стремят да обобщят житейските явления.
През втората половина на 18 век се ражда сантиментализмът със своя култ към чувството и страстта, възхищението от всичко просто, наивно, искрено. Възниква свързана предромантична тенденция в изкуството и се появява интерес към Средновековието и народните форми на изкуството. Представителите на тези течения утвърждаваха стойността на благородните и активни чувства на човек, разкриваха драмата на неговите конфликти с околната среда, подтиквайки го да се намесва в реални обществени дела в името на триумфа на справедливостта. Те проправиха пътя „към познанието на човешкото сърце и магическото изкуство да представяш пред очите произхода, развитието и краха на една голяма страст“ (Лесинг) и изразяват нарастващата нужда от развълнувано, жалко изкуство.
изкуство от 19 век
През 19-ти век капитализмът става доминираща формация не само в Европа, но и на други континенти. Именно през този период рязко ескалира борбата между две култури – прогресивнодемократичната и реакционната буржоазна. Изразявайки напредналите идеи на времето, реалистичното изкуство на 19 век утвърждава естетическите ценности на действителността, прославя красотата на истинската природа и работещия човек. Реализмът на 19 век се различава от предишните векове по това, че пряко отразява в изкуството основните противоречия на епохата, социалните условия на живота на хората. Критичните позиции определят основата на метода на реалистичното изкуство през 19 век. Най-последователното му превъплъщение е изкуството на критическия реализъм - най-ценният принос към художествената култура на епохата.
Различни области на културата на 19 век се развиват неравномерно. Световната литература (Виктор Юго, Оноре Балзак, Анри Стендал, Фьодор Достоевски, Лев Толстой), музиката (Йохан Бетовен, Фредерик Шопен, Рихард Вагнер) достига най-високи висоти. По отношение на архитектурата и приложните изкуства, след възхода, който определи стила на ампир, и двете изкуства са в криза. Настъпва разпад на монументалните форми, стиловото единство като цялостна художествена система, обхващаща всички видове изкуство. Най-пълно развитие получават стативите форми на живописта, графиката и отчасти скулптурата, които гравитират към монументалните форми в най-добрите си проявления.
С националната идентичност в изкуството на всяка капиталистическа страна се засилват общи черти: критична оценка на явленията на живота, историзъм на мисленето, тоест по-задълбочено обективно разбиране на движещите сили на социалното развитие, както на минали исторически етапи, така и на присъстват. Едно от основните постижения на изкуството на 19-ти век е развитието на исторически теми, в които за първи път се разкрива ролята не само на отделни герои, но и на масите от хора, по-конкретно се пресъздава историческата среда . Широко се използват всички видове портрет, битов жанр, пейзаж с подчертан национален характер. Разцветът преживява сатиричната графика.
С победата на капитализма едрата буржоазия се превръща в основната заинтересована сила за ограничаване и потискане на реалистичните и демократични тенденции на изкуството. Творенията на водещите фигури на европейската култура Констабъл, Гоя, Жерико, Делакроа, Домие, Курбе, Мане често са били преследвани. Изложбите бяха изпълнени с излъскани произведения на т. нар. салонни художници, тоест тези, които заеха доминиращо място в арт салоните. За да задоволят вкусовете и изискванията на буржоазните клиенти, те култивираха повърхностни описания, еротични и забавни мотиви, дух на апология за буржоазните основи и милитаризма.
Още през 1860-те години Карл Маркс отбелязва, че „капиталистическото производство е враждебно на определени клонове на духовното производство, като изкуството и поезията“. Изкуството интересува буржоазията основно или като печеливша инвестиция (колекционерство), или като луксозен предмет. Разбира се, имаше колекционери с истинско разбиране за изкуството и неговото предназначение, но това бяха малко, изключения от правилата. Като цяло, действайки като законодател на модата и основен потребител на изкуството, буржоазията налага ограниченото си разбиране за изкуството на художниците. Развитието на широкомащабното масово производство с неговата безличност и разчитане на пазара доведе до потискане на творчеството. Разделението на труда в капиталистическото производство култивира едностранчивото развитие на личността и лишава самия труд от творческа цялост. Говорейки за враждебността на капитализма към изкуството, Маркс и Енгелс не са имали предвид общата невъзможност за художествен прогрес през 19-ти и 20-ти век. Основателите на научния комунизъм възхваляваха в своите писания постиженията на, например, критическия реализъм от 19 век.
Демократичната линия на изкуството, разкриваща ролята на народа като движеща сила на историята и утвърждаваща естетическите ценности на демократичната култура на нацията, преминава през редица етапи на развитие. На първия етап, от Великата френска революция от 1789-1794 до 1815 г. (времето на националноосвободителната борба на народите срещу наполеоновата агресия), експлоататорската същност на буржоазното общество все още не е осъзната напълно. Демократичното изкуство се формира в борбата срещу остатъците от художествената култура на благородниците, както и срещу проявите на ограниченията на буржоазната идеология. Най-високите постижения на изкуството по това време се свързват с революционния патос на масите, които вярват в победата на идеалите за свобода, равенство и братство. Това е разцветът на революционния класицизъм и раждането на романтичното и реалистичното изкуство.
Вторият етап, от 1815 до 1849 г., се пада във времето на установяването на капиталистическата система в повечето европейски страни. В развитото демократично изкуство на този етап се извършва преход към решителна критика на експлоататорската същност на буржоазното общество. Това е периодът на най-високия разцвет на революционния романтизъм и формирането на изкуството на критическия реализъм.
С изострянето на класовите противоречия между буржоазията и пролетариата, достигайки своя апогей по време на Парижката комуна (1871 г.), антагонизмът между реакционната буржоазна и демократична култури се засилва още повече. В края на 19 век критиката на капиталистическия начин на живот, както в литературата, така и в произведенията на изобразителното изкуство, се извършва от позицията на нарастващия мироглед на революционния пролетариат.
Подобна информация.
Холандските художници са дали голям принос в творчеството на майстори, които започват работата си през 17 век и не спират досега. Те обаче оказват влияние не само върху колегите си, но и върху професионалистите в литературата (Валентин Пруст, Дона Тарт) и фотографията (Елън Куй, Бил Гекас и др.).
Начало на разработката
През 1648 г. Холандия получава независимост, но за образуването на нова държава Холандия трябва да понесе акт на отмъщение от Испания, който унищожава около 10 хиляди души във фламандския град Антверпен по това време. В резултат на клането жителите на Фландрия емигрират от териториите, контролирани от испанските власти.
Въз основа на това би било логично да се признае, че тласъкът за независимите холандски художници идва именно от фламандското творчество.
От 17 век се развиват както държавни, така и художествени клонове, което води до образуването на две школи на изкуствата, разграничени по националност. Имаха общ произход, но по знаци се различаваха доста. Докато Фландрия остава под крилете на католицизма, Холандия преживява напълно нов разцвет от 17-ти век нататък.
Холандска култура
През 17 век новата държава едва тръгва по пътя на своето развитие, като напълно прекъсва връзката с изкуството на една отминала епоха.
Борбата с Испания постепенно затихна. Националните настроения започнаха да се проследяват в популярните среди при отклонение от католическата религия, наложена по-рано от властите.
Протестантското господство имаше противоречиво виждане за декорацията, което доведе до намаляване на работата по религиозни теми, а по-късно само играеше в ръцете на светското изкуство.
Никога досега реалната заобикаляща реалност не е била толкова често изобразявана на снимките. В своите творби холандските художници искаха да покажат обикновения ежедневен живот без разкрасяване, изискани вкусове и благородство.
Светската художествена експлозия поражда многобройни тенденции като пейзаж, портрет, ежедневен жанр и натюрморт (за които дори най-развитите центрове на Италия и Франция не знаеха, че съществуват).
Собствената визия на холандските художници за реализъм, изразена в портрети, пейзажи, интериорни произведения и натюрморти, поражда интереса на всички сектори на обществото към това умение.
По този начин холандското изкуство от 17-ти век е наречено „Златната епоха на холандската живопис“, осигурявайки статута му на най-забележителната епоха в живописта на Холандия.
Важно е да се знае: има погрешно мнение, че холандското училище изобразява само посредствеността на човешкото съществуване, но майсторите от онези времена нагло разрушават рамката с помощта на своите фантастични произведения (например „Пейзаж с Йоан Кръстител “ от Блумарт).
Холандски художници от 17 век. Рембранд
Рембранд Харменс ван Рейн се смята за една от най-големите артистични фигури в Холандия. В допълнение към дейността на художника, той се занимаваше и с гравиране и с право се смяташе за майстор на светлото.
Неговото наследство е богато на индивидуално разнообразие: портрети, жанрови сцени, натюрморти, пейзажи, както и картини на сюжети от история, религия и митология.
Неговата способност да овладее светлоденицата направи възможно засилването на емоционалната изразителност и духовността на човек.
Докато работи върху портрети, той работи върху човешките изражения на лицето.
Във връзка със сърцераздирателните трагични събития по-късните му творби бяха изпълнени с приглушена светлина, която разкрива дълбоките чувства на хората, в резултат на което брилянтните творби не се интересуваха никого.
По това време външната красота беше на мода без никакви опити за гмуркане в дълбочина, както и натурализмът, който беше в противоречие с откровения реализъм.
Всеки любител на руската изкуство може да види картината "Завръщането на блудния син" със собствените си очи, тъй като това произведение се намира в Ермитажа в Санкт Петербург.
Франс Халс
Франс Халс е велик холандски художник и голям портретист, който помогна за въвеждането на жанра на свободното писане в руското изкуство.
Произведението, което му донесе известност, е картината, наречена „Банкетът на офицерите от стрелбата на Свети Георги“, рисувана през 1616г.
Неговите портрети за онова време бяха твърде естествени, което не беше в крак с днешния ден. Поради факта, че художникът остава неразбран, той, подобно на великия Рембранд, завърши живота си в бедност. Циганката (1625-1630) е едно от най-известните му произведения.
Ян Стин
Ян Стин е един от най-остроумните и весели холандски артисти на пръв поглед. Осмивайки социалните пороци, той обичаше да прибягва до умението на социалната сатира. Той, забавлявайки зрителя с безобидни, забавни образи на гуляйджии и дами с лесни добродетели, всъщност предупреждаваше срещу такъв начин на живот.
Художникът имаше и по-спокойни картини, например работата „Сутрешна тоалетна“, която на пръв поглед изглеждаше абсолютно невинно действие. Но ако се вгледате внимателно в детайлите, можете да бъдете доста изненадани от техните разкрития: това са следи от чорапи, които преди това са стискали краката ви, и саксия, пълна с нещо неприлично през нощта, както и куче, което си позволява да бъде правилно на възглавницата на домакинята.
В най-доброто от собствените си творби художникът изпревари колегите си в елегантно умелото съчетаване на цветови палитри и майсторство на сенките.
Други холандски художници
В тази статия бяха изброени само трима ярки хора от десетки, достойни да стоят наравно с тях в същия списък:
И така, в тази статия вие се запознахте с холандските художници от 17-ти век и тяхното творчество.
