Френски балет ФРЕНСКИ БАЛЕТ.Във Франция, през сравните векове, танцът е бил част от койките. игри и църква празненства. От 14 век той беше включен в планината. театрални зрелища и дворцови интермедии, понякога под формата на вмъкнати сцени. През 15 век по време на турнири и празненства се изпълняваха „момерии” с танци. Проф. танцът в Сравни векове се развива на фолклорна основа в изкуството на жонгльорите. Друг източник бяха балните танци (bassdansy) на дворцовите празненства. На базата на различни празнични забавления се формира форма на представяне, която получи кон. 16 век име "балет". Организатори на дворцови тържества, италиански. танцови майстори, овладяли преобладаващите в Италия през 16 век. танцувайте училище, бяха режисьори на представления. Балетът на полските посланици (1573) и Комедийният балет на кралицата (1581), поставени от Балтазарини ди Белгиохозо (Balthasar de Beaujoyoso), станаха първите пълноценни образци на нов жанр - представление с последователно развиващо се действие, което включва дума, музика, танц.
През целия 17 век развитието на "придворния балет" е преминало няколко. етапи. През 1600-10 г. това са "маскарадни балети" ("Маскарад на панаира Сен Жермен", 1606 г.), през 1610-1620 г. - "мелодраматични балети" с пеене, базирани на митологични. разкази и продукции литература („Балет на аргонавтите“, 1614; „Лудостта на Роланд“, 1618), след това издържа до края. 17-ти век „балети в изходи“ („Кралски балет на нощта“, 1653 г.). Техни изпълнители са придворни (през 1651-70 г. - крал Луи XIV) и проф. танцьори - "баладени". През 1660-70-те години. Молиер с комп. Дж. Б. Люли и балет. П. Бошам създава жанра "комедия-балет" ("The trademan in the nobility", 1670), където танцът е драматизиран, пропит с модерно. съдържание. През 1661 г. Бошам оглавява Кралската академия за танци (съществува до 1780 г.), предназначена да регулира формите и терминологията на балетния танц, който започва да се оформя в класическата система. танцувайте. Музеят е основан през 1669 г. и открит през 1671 г. t-r - Кралска музикална академия, която през 1672 г. е оглавена от Люли. В неговите опери („лирически трагедии“), които постепенно изтласкват придворния балет, танцът заема подчинено положение. Но вътре в представлението имаше процес на професионализиране на танца, полиране на формите му в изкуството на Бошам, танцьора Г. Л. Пекур и проф. танцьори (и други.>.), които се появяват за първи път през 1681 г. в балета на Лули "Триумф на любовта". За да кон. 17-ти век постиженията на хореографията намират отражение в теор. произведенията на C. F. Menetrier ("За древните и съвременни балети според законите на театъра", 1682) и R. Feuillet ("Хореография и изкуството на запис на танц", 1700). В края на 17-18 век. славата добиват танцьорите Н. Блонди и Ж. Балон, танцьорът М. Т. де Сублини.
музи. т-р 2-ри етаж. 17-18 век е класицистическа, но в балета, поради бавното му развитие, дълго време се запазват барокови черти. Изпълненията останаха буйни и тромави, лишени от стилово единство.
В началото на 18 век имаше признаци на застой в идейно-образното съдържание на балета с по-нататъшно обогатяване на танцовата техника. Общата тенденция в развитието на балетната техника през 18 век. - желанието за самоопределяне, създаването на цялостен спектакъл, чието съдържание да се изразява чрез пантомима и танц. Въпреки това старите форми се запазват през 18 век, особено на сцената на Кралската музикална академия, предизвиквайки критики от просветителите (Д. Дидро и др.). В началото. 18-ти век това бяха галантни пасторали от 30-те години. - опера-балет комп. J. F. Rameau („Галантна Индия“, 1735 г.), където танцът все още фигурира под формата на изходи, слабо свързани със сюжета. В тези изпълнения станаха известни виртуозни изпълнители: танцьорът М. Камарго, танцьорът Л. Дюпре, брат и сестра Лани. Опитите за предаване на драматичния танц. съдържанието е очертано в костюма на танцьора Ф. Прево (пантомима по сюжета на епизод от "Хораций" от П. Корней по музика на Ж. Джей Муре, 1714 г.; "Характери на танца" по музика на Ж.Ф. Rebel, 1715) и особено M. Salle, докато работи съвместно с Кралската музикална академия също в Лондон, поставя там „драматични действия“ в антични. теми ("Пигмалион", 1734).
Под влиянието на идеите на Просвещението, в творчеството на най-прогресивните фигури в балетния свят, зрелищността отстъпва място на „подражанието на природата“, което приема естествеността на характерите и истинността на чувствата. Тези експерименти обаче почти не проникнаха на сцената на Кралската музикална академия. Дейността на великия реформатор на балета Ж. Ж. Новер продължава извън това училище и отчасти извън Франция (Щутгарт, Виена, Лондон). Принципите на реформата на балетната т-ра са очертани от Новер в теор. произведение „Писма за танци и балети“ (1-во изд., 1760 г.). Балетите, създадени от него под влиянието на идеите на Просвещението, не са развлекателен спектакъл, а сериозен театър. представление, често по сюжети на класически трагедии. Те притежаваха почтеност, действията и преживяванията на персонажите бяха описани с хореография (гл. обр. пантомима), без участието на словото. В Кралската музикална академия през 1776-78 г. са поставени неговите "Медея и Язон" и "Апели и Кампаспе" от Родолф, "Хорас" от Грание и "Дънки" от Моцарт. На 2-ри етаж. 18-ти век редица хореографи провеждат своите експерименти в парижкия театър на италианската комедия и в театрите на Лион и Бордо. В Бордо работи последовател на Новер – Ж. Добервал, създателят на нов тип балетна комедия („Напразна предпазливост“, 1789). В кон. 18-ти век танцьорите М. Гимар, М. Алард, А. Хайнел, Теодор, танцьорите Г. Вестрис, М. и П. Гардел, Добервал придобива слава.
От 80-те години 18-ти век до 20-те години. 19 век начело на трупата на Музикалната академия (през 1789–1814 г. неколкократно сменя името си) е П. Гардел. Репертоарът включваше негови балети („Телемах“ и „Психея“ от Милър, 1790; „Танцумания“ от Мегул, 1800; „Пол и Вирджиния“ от Кройцер, 1806) и балети от Л. Милон („Нина“ по музика. Persuis след Daleyrac, 1813; "Венециански карнавал" върху музиката Persuis след Kreutzer, 1816). През 20-те години. имаше балети на Ж. Омер: „Напразна предпазливост“ на Херолд по Даубервал (1828), „Сомнамбул“ на Херолд (1827), „Манон Леско“ Халеви (1830). От изпълнителите от 1780–1810 г. О. Вестрис е особено известен през 10–20-те години. - танцьори М. Гардел, Е. Биготини, Дж. Гослин, танцьор Л. Дюпорт. През тези години танцовата техника се промени драстично: не плавни, грациозни, а виртуозни ротационни и скачащи движения, движенията на полупръстите станаха преобладаващи. Когато през 30-те години. балетният театър е повлиян от идеите на романтизма, тези техники придобиват ново съдържание. В спектаклите на Ф. Талиони, поставени за дъщеря му М. Талиони („Силфида“, 1832; „Дунавска дева“, 1836), гл. актьорите бяха фантастични. същества, умиращи от контакт с реалността. Тук е разработен нов танцов стил, базиран на въздушния полет на движенията и техниката на танцуване върху пуант, създавайки усещане за безтегловност. През 30-50-те години. балетът във Франция достига най-високото си ниво. Един от най-важните. прод. тази посока е поставена от Ж. Корали и Ж. Перо "Жизел" (1841). Репертоар на Музикалната академия през 1940-те и 1950-те години се състои от романтични балети Корали ("Тарантула" от К. Жид, 1839; "Пери", 1843) и Ж. Мазилие ("Пакита", 1846; "Корсар", 1856). В същото време Перо изпълнява най-добрите си балети извън Франция (насочени към Лондон, но изпълнени от френски артисти) - Есмералда (1844), Катарина, дъщерята на разбойника (1846) и др. Това са спектакли, близки до твърдението на романтични поети от епохата на революцията. се издига, до-ряй се отрази на публиката героично. патос, силата на страстите. Интензивното действие беше въплътено в кулминация. моменти от развит танц, специално внимание беше отделено на характерния танц. Ф. Елслер имаше голям успех в тях. Други също се представиха във Франция. известни романтици. танцьори - К. Гризи, Л. Гран, Ф. Черито. Практика и теория на романтизма. балетът е отразен в произведенията на F. A. J. Castile-Blaz и T. Gauthier, който е и автор на редица сценарии.
С упадъка на романтизма (70-90-те години на 19 век) балетът губи връзката си с идеите на модерността. Продукции на А. Сен-Леон в Музикалната академия през 60-те години. привлечени от богатството на танца и изобилието от сценични изяви. ефекти ("Nemea" Minkus и др.>.). Най-добрият балет на Сен Леон - "Копелия" (1870). През 1875 г. трупата на t-ra започва работа в нова сграда, построена от арх. К. Гарние, а зад нея се утвърждава името на балета на Парижката опера. Но балетното изкуство през 80-те и 90-те години. 19 век деградирали. В Парижката опера балетът се превърна в придатък към оперното представление. Призив към балетите на композиторите Л. Делиб ("Силвия" в пост. Мерант, 1876), Е. Лало ("Намуна" в публикацията. Л. Петипа, 1882), А. Месагер ("Два гълъба" в постът Мерант, 1886 г.) не са се променили. Изпълнения на Мерант през 70-те и 80-те, И. Хансен през 90-те. и в началото 20-ти век ("Maladette" от Видал, 1893; "Bacchus" от Duvernoy, 1905) не са успешни, въпреки участието на изключителния танцьор C. Zambelli. Възраждането на балета във Франция става под влияние на руснаците и се свързва с руските сезони, които С. П. Дягилев провежда в Париж от 1908 г. (първото представление на балета през 1909 г.), както и с дейността на Дягилев. Руска балетна трупа, която се представя във Франция през 1911 -29. Много художници и хореографи, които са работили тук, по-късно са свързани с французите. балет t-rum: M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nizhinskaya, J. Balanchine, S. Lifar. Други също оказаха влияние. Руски трупи и артисти: трупата на И. Л. Рубинщайн (1909–11 и през 1920-те), за която пише К. Дебюси (Мъченичеството на св. Себастиан, балет. Рубинщайн, 1911) и М. Равел („Болеро“, балетист Нижинска, 1928); Н. В. Труханов, за който е поставил И. Н. Хлюстин, който също е работил в Парижката опера. рус. трупи се обърнаха към музиката на французите. комп. (Равел, Дебюси, Дука, през 20-те - композиторите на "Шестицата"), декорациите за техните изпълнения са създадени от французите. художници (П. Пикасо, А. Матис, Ф. Леже, Ж. Руо и др.). След Първата световна война пл. Руски артисти откриват балетни школи в Париж, които възпитават повече от едно поколение французи. художници. Директорът на Парижката опера (1910–44) Ж. Руш, в стремежа си да издигне нивото на балета, кани в театъра изтъкнати артисти (Л. С. Бакст, Р. Дюфи, М. Брианшон, И. Бройе, М. Детомас ), рус. художници, хореографи. Известно възраждане на балетната дейност на Операта се очертава още през 10-20-те години. Редица изпълнения пост. Поканени са Л. Статс ("Пчели" по музика на Стравински, 1917; "Сидалис и сатир" Пиерн, 1923), Фокин ("Дафнис и Хлоя", 1921), О. А. Спесивцева. След 1929 г. на основата на антреприза на Дягилев редица руско-фр. балетни групи: „Valle rus de Monte Carlo” и др. През 1930–59 г. (почивка 1944–47) Оперната трупа се оглавява от С. Лифар, който поставя Св. 50 представления. Неговото творчество е от голямо значение за французите. балет, придобил предишния си престиж. Репертоарът на Операта е изцяло обновен. Големи композитори, художници, сценаристи са участвали в създаването на балети. Лифар използва древни, библейски, легендарни сюжети за своите постановки, като понякога ги тълкува символично: „Икар“ по ритмите на Сифер (1935 г., възобновено през 1962 г. с декорации на П. Пикасо), „Йоана от Цариса“ Егк (1942), „ Федра" Аурик (1950, по сценарий и декорация на Ж. Кокто), "Видения" от Соге (1947), "Фантастична сватба" от Деланой (1955). От по-възрастните си съвременници, хореографи на антреприза Дягилев, Лифар възприема традициите на балетната драматургия на Фокин и традициите на хореографията на 19 век, където основното изразно средство е класическото. танцувайте. Танцувай. модернизира езика и изгражда образи на основата на рационални, а не емоционални („неокласицизъм” от Лифар). На неговите изпълнения е възпитано повече от едно поколение французи. артисти: танцьори С. Шварц, Л. Дарсонвал, И. Шовир, М. Лафон, К. Восар, Л. Дейде, К. Беси; танцьори M. Reno, M. Bozzoni, A. Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis. Обаче абстрактната реторика, присъща на балетите на Лифар, загубата на връзка с модерното. реалността, особено осезаема след Втората световна война 1939–45 г., по това време предизвиква недоволство. Млади артисти, търсещи нови пътища и сближаване на изкуството с модерността, започват да работят извън Операта, чийто репертоар Лифар се ограничава до собствените си постановки. Р. Пети създава трупата Балет Шанз-Елизе (1945-51) и Балета на Париж (1948-67, с прекъсвания), където поставя балетите "Странни комедианти" Сьож (1945), "Млад човек и смърт" на музика. Й. С. Бах (1946), "Кармен" върху музиката. Бизе (1949), "Вълк" Дютийо (1953). По-късно (през 1960-те и 1970-те) сред най-добрите му творби са Катедралата Нотр Дам (1965, Парижка опера) и Light the Stars! на екипна музика (1972, "Балет на Марсилия"). Пети работи в драматичния жанр. балет (J. Anouilh написа няколко сценария за него), гравитиращ сега към трагедията, после, особено в ранния период, към шутовска комедия, но винаги изграден върху живи персонажи и съчетаващ танц. форми с ежедневен речник. В най-добрите балети той се обръща към конфликти, които отразяват истинските противоречия на живота, и ги разрешава по хуманистичен начин. план (отхвърляне на неизбежността на злото, морална издръжливост, вяра в човека). Заедно със самия Пети, танцьорите Н. Вирубова, Р. Жанмер, Е. Пагава, Н. Филипар, К. Маршан, В. Верди, И. Скорик, танцьори Ж. Бабиле, Ю. Алгаров, Р. Бриан. През 50-те години. възникнаха други. трупи, където бяха извършени издирвания в областта на актуализиране на теми и танци. език: Балет на Франция и др. трупа J. Charra, "Ballet de l" Egoual" под диригентството на М. Бежар. Бежар, въпреки факта, че от 1960 г. става ръководител на брюкселската трупа Балет на 20-ти век, е един от водещите френски хореографи. Той вижда хореографията в изкуството като средство за изразяване на отношението си към житейските проблеми, понякога директно, понякога във философски или мистичен аспект. Хореографът проявява особен интерес към източната философия, източните театрални форми и танца (балет „Бакти” на индийска музика, 1968 г.). Създава нови форми на хореографски спектакъл: тип „тотален тр” с преобладаване на хореография („Четиримата сина на Емон” към групова музика, 1961 г.), балети със словесен текст („Бодлер” към групова музика и поезия, 1968; „Нашият Фауст“ на колективна музика, 1975), монументални представления в спортни арени и циркове (Деветата симфония по музика на Л. Бетовен, 1964) Поставя свои версии на известни балети: Обредът на Пролет, 1959; Болеро, 1961; -птица", 1970. Острото усещане за модерност прави балетите на Бежар близки до по-ранните да се погрижат за тази публика, особено за младежта.
През 70-те години. Парижката опера е реорганизирана. Тук има две тенденции: от една страна, да се включат в репертоара доказани балети на изтъкнати хореографи (Баланчин, Робинс, Пти, Бежар, Алисия Алонсо, Григорович) и да се възстанови каноничното. издания на стари балети ("La Sylphide" и "Coppelia" в редакцията на П. Лакота), от друга страна, дават възможност за експериментиране с млади френски. хореографи (Ф. Бласка, Н. Шмуки) и чужденци, вкл. представители на модерния танц (Г. Тетли, Дж. Бътлър, М. Кънингам). През 1974 г. към Операта е създадена Театралната група. търсения под ръка. американецът К. Карлсън. Отдалечавайки се от обичайния академизъм, Парижката опера следва общата тенденция на французите. балет, където се засили интересът към най-новия театър. форми.
През 60-70-те години. много са работили във Франция. балетни трупи: „Grand balle du marc de Cuevas“ (1947–62), който се фокусира върху традиционния репертоар, привличайки известни изпълнители (Т. Туманова, Н. Вирубова, С. Головина, В. Скуратов); Модерен балет на Париж (балетист Ф. и Д. Дюпюи, от 1955), Френски танцов театър Ж. Лацини (1969–71), балет Феликс Бласки (от 1969, от 1972 в Гренобъл), Нац. балетна музика. Младежта на Франция (балетист. Lakote, от 1963 - до края на 60-те), балетна трупа под ръководството на. Ж. Русило (от 1972 г.), Театър на тишината (от 1972 г.). В провинцията работят много трупи: Модерен балетен театър (балетист Ф. Адре, от 1968 г. в Амиен, от 1971 г. в Анже), балет в Марсилия (балетист Пети, от 1972 г.), балет на Рейн (от 1972 г. в Страсбург, балетист П. ван Дайк от 1974 г.), в оперните театри на Лион (балетист В. Биаджи), Бордо (балетист Скуратов). Водещи солисти на 60-70-те: Ж. Амиел, С. Атанасов, К. Беси, Дж. П. Бонфу, Р. Бриан, Д. Ганио, Дж. Гизерикс, М. Денар, А. Лабис, К. Мот, Дж. Пилета , N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Tesmar, N. Tibon, JP Franchetti.
Училище в Парижката опера през 1713 г. (от 1972 г. негов директор е К. Беси). В Париж от 1920 г 20-ти век работи много. частни училища: М. Ф. Кшесинская, О. И. Преображенская, Л. Н. Егорова, А. Е. Волинин, X. Ландер, Б. Князев, М. Губе и др. В Кан през 1962 г. е открит Класическият център. танц (основан от Р. Хайтауър). От 1963 г. в Париж се провеждат ежегодни танцови фестивали; танцът заема голямо място на фестивала в Авиньон и др.
Сред балетните списания: „Archives internationale de la danse“ (1932–36), „Tribune de la danse“ (1933–39), „Art et danse“ (от 1958 г.), „Toute la danse et la musique“ (от 1952 г. ), "Danse et rythmes" (от 1954 г.), "Les saisons de la danse" (от 1968 г.).
Най-известните изследователи и критици (20 век): А. Прюние, П. Тюгал, Ф. Рейна, П. Мишо, Л. Вая, М. Ф. Кристу, И. Лидова, Ю. Сазонова, А. Ливио, Ж. К. Диени, А. Ф. Ерсен. Повече от 25 книги са написани от Лифар.
Лит .: Худеков С., История на танците, части 1–3, Санкт Петербург–Петербург, 1913–15; Левинсън А., Майстори на балета, Санкт Петербург, 1914; Солертински И., Животът и театралното творчество на Жан Жорж Новер, в книгата; Noverre J. J., Писма за танци, [прев. от френски], Л., 1927; Мокулски С., История на западноевропейския театър, част 1, М., 1936; Класика на хореографията. [Сб.], Л.–М., 1937; Слонимски Ю., Майстори на балета, М.–Л., 1937; негов, Драматургия на балетния театър на 19 век, М., 1977; Йофиев М., Балет "Гранд Опера" в Москва, в книгата му: Профили на изкуството, М., 1965; Чистякова В., Ролан Пети, Л., 1977; Красовская В., Западноевропейски балетен театър. Исторически есета. От началото до средата на XVIII век, Л., 1979; Prunleres H., Le ballet de cour en France avant Benserade et Lully, R., 1914; Levinson A., La vie de Noverre, в: Noverre J. G., Lettres sur la danse et sur les ballets, R., ; неговата собствена, Marie Taglioni (1804–1884), R., 1929; Beaumont C. W., Три френски танцьори от 18-ти век: Camargo, Sallé, Guimard, L., 1935; Lifar S., Giselle, apotheose du ballet romantique, R., ; Мишо Р., Le ballet contemporain, R., 1950; Лидова И., Dix-sept visas de la danse française, R., 1953; Кочно В., Балет. , R., 1954; Рейна Ф., Des origines du ballet, R., 1955; Arout G., La danse contemporaine, R., 1955; Ouest I., Балетът на Втората империя, 1–2, L., 1953–1955; неговата собствена, Романтичният балет в Париж, Л., 1966; неговия собствен, Le ballet de l "Opéra de Paris, R., 1976; Lobet M., Le ballet français d" aujourd "hui de Lifar à Béjart, Brux., 1958; Tugal R., Jean-Georges Noverre. Der große Reformator des Balletts, B., 1959; Laurent J., Sazonova J., Serge Lifar, rénovateur du ballet français (1929–1960), R., 1960; Christout MF, Le ballet de cour de Louis XIV, R., 1967 ; нейният, Морис Бежар, Р., 1972 г.
Е. Я. Сурица.
Сцена от балета "Триумф на любовта"
Сцена от балета "Силфида". балет. Ф. Талиони
"Федра". Парижка опера. балет. С. Лифар
"Младостта и смъртта" Балет на Шанз Елизе. балет. Р. Пети
"Жар-птица". Парижка опера. балет. М. Бежар
балет. Енциклопедия. - М.: Голяма съветска енциклопедия. Главен редактор Ю. Н. Григорович. 1981 .
Вижте какво е "френски балет" в други речници:
БАЛЕТ В ЦЯЛ СВЯТ- Великобритания. Преди турнето на трупата на Дягилев и Анна Павлова в Лондон през 1910-1920-те години, балетът се представя в Англия главно от изпълненията на отделни известни балерини на сцените на мюзик зали, например датската Аделин Жене (1878-1970) ... Енциклопедия на Collier
БАЛЕТ ПРЕДИ 1900г- Възникването на балета като придворен спектакъл. В края на Средновековието италианските принцове обръщат голямо внимание на великолепните дворцови празненства. Важно място в тях заемат танците, което породи нуждата от професионални танцови майстори. ... ... Енциклопедия на Collier
балет- От средата на 30-те години. 18-ти век Петербург, придворните балетни представления станаха редовни. През 1738 г. в Санкт Петербург е открито първото руско балетно училище (от 1779 г. Театралното училище), което включва балетни класове (сега Хореографско училище); … Санкт Петербург (енциклопедия)
балет "Жизел"- Жизел (пълното име на Жизел, или Вилис, фр. Giselle, ou les Wilis) е балет с пантомима в две действия по музика на Адолф Чарлз Адам. Либрето от Теофил Готие, Верно дьо Сен Жорж и Жан Корали. Балетът Жизел е създаден на базата на стар ... ... Енциклопедия на нюзмейкърите
Балетът на Игор Стравински "Жар-птицата"- Балетът "Жар-птица" е едно от ранните произведения на Игор Стравински и първият балет на руска тематика в антреприза на изключителния организатор на руските сезони в Париж Сергей Дягилев. Възникна идеята за създаване на сценична работа на тази тема ... ... Енциклопедия на нюзмейкърите
Хореографът е режисьор на танцови номера в концерти, балетни представления, хореографски сцени в музикални и драматични представления, ръководител на танцов ансамбъл или трупа от танцьори. Това е човекът, който измисля и оживява образите на героите, техните движения, пластичност, избира музикалния материал, а също така определя какви трябва да бъдат светлината, грима, костюмите и декорите.
Хореограф
Колко силно емоционално въздействие ще има танцов номер, хореографска сцена в музикален и драматичен театър или цялото балетно представление зависи от това колко красиво и точно са организирани движенията и взаимодействията на танцьори и танцьори, от изразителността и оригиналността на техните движения , за това как танците им се съчетават с музикален материал, сценично осветление, костюми и грим - всичко това заедно създава единен образ на цялото действие. А хореографът е просто човекът, който е неговият създател. Той трябва да познава всички правила и тънкости на балетното изкуство, неговата история, за да създаде такива танци, които ще бъдат интересни за публиката за гледане и изпълнение на танцьорите. Режисьорът трябва да притежава знания, да има опит и способности на организатор, да има богато въображение, фантазия, да е оригинален в идеите си, да има талант, да е музикален, да разбира музика, да има чувство за ритъм, да умее да изразява емоции с помощ на пластичността – именно от тези компоненти се формира изкуството.хореограф. Ако всичко това е в арсенала на лидера, тогава неговата продукция ще има успех сред публиката и критиците.
Думата "хореограф" в превод на руски означава "майстор на танца". Тази професия е трудна и изисква много труд и усилия, както физически, така и морални. Режисьорът трябва да покаже на всички изпълнители техните роли, да обясни какви емоции трябва да изразят в пластичност и изражение на лицето. Сложността на такава работа е и в това, че танцовият сценарий не може да бъде записан на хартия, хореографът трябва да го държи в главата си и да показва на артистите, така че те да научат своята роля. Танцьорите се запознават с ролята директно на репетициите, а актьорите от драматичния и музикалния театър имат възможност да получат предварително текстови и музикални материали. Хореографът трябва да разкрие на изпълнителя съдържанието на своята роля, като му покаже какво и как трябва да се танцува. И колкото по-изразително режисьорът демонстрира идеята си на художника, толкова по-бързо и по-лесно ще бъде разбрана и усвоена идеята му.
Задачата на хореографа е също така да подреди танца или цялото представление по такъв начин, че да поддържа и повишава интереса на публиката. Самите танцови движения са просто механични упражнения, набор от пози, които няма да кажат нищо на зрителя, те само ще демонстрират гъвкавостта на тялото на изпълнителя и ще говорят само ако режисьорът ги изпълни с мисъл и чувство и помогне на художника вложи в тях и душата си. В много отношения успехът на представлението и продължителността на неговия „живот“ на сцената ще зависи от това. Първият изпълнител на всички танци е самият хореограф, защото той първо трябва да демонстрира техните партита на изпълнителите.
Минали и настоящи хореографи
Известни хореографи на Русия и света от 19-ти и 20-ти век:
- Мариус Петипа, който има огромен и безценен принос в руския балет;
- Хосе Мендес - беше режисьор в много известни театри по света, включително Болшой театър в Москва;
- Филипо Талиони;
- Жул Жозеф Перо - един от най-ярките представители на "романтичния балет";
- Гаетано Джоя – представител на италианската хореодрама;
- Джордж Баланчин - положи основите на американския балет, както и на съвременния балетен неокласицизъм, вярваше, че сюжетът трябва да се изразява единствено с помощта на телата на танцьорите, а декорите и великолепните костюми са излишни;
- Михаил Баришников - има голям принос в световното балетно изкуство;
- Морис Бежар е един от най-блестящите хореографи на 20-ти век;
- Марис Лиепа;
- Пиер Лакот - занимава се с реставрация на антична хореография;
- Игор Моисеев - създателят на първия професионален ансамбъл в Русия във фолклорния жанр;
- Васлав Нижински - новатор в хореографското изкуство;
- Рудолф Нуриев;
Съвременни хореографи на света:
- Джером Бел - представител на школата за модерен балет;
- Angelin Preljocaj е ярък представител на новото
Балетмайсторите на Русия от 21 век:
- Борис Айфман – създател на собствен театър;
- Алла Сигалова;
- Людмила Семеняка;
- Мая Плисецкая;
- Гедеминас Таранда;
- Евгений Панфилов е създател на собствена балетна трупа, ентусиаст в жанра на свободния танц.
Всички тези руски хореографи са много известни не само у нас, но и в чужбина.
Мариус Петипа
Френски и руски хореограф, оставил огромно наследство. От 1847 г. постъпва на служба като хореограф в Мариинския театър в Санкт Петербург и Болшой театър на Москва по покана на руския император. През 1894 г. става поданик на Руската империя. Той беше режисьор на огромен брой балети като Жизел, Есмералда, Корсар, Дъщерята на фараона, Дон Кихот, Баядерка, Сънят в лятна нощ, Дъщерята на снеговете, Робърт Дяволът и много други. други
Ролан Пети
Има известни хореографи, които се считат за класици на балета на 20-ти век. Сред тях една от най-ярките фигури е Ролан Пети. През 1945 г. създава своя собствена балетна трупа в Париж, която носи името „Ballet des Champs-Elysées“. Година по-късно той поставя известната пиеса „Младостта и смъртта“ по музика на И.С. Бах, който влезе в класиката на световното изкуство. През 1948 г. Ролан Пети основава нова балетна трупа, наречена Ballet de Paris. През 50-те години той е танцов режисьор на няколко филма. През 1965 г. той поставя легендарния балет „Катедралата Нотр Дам“ в Париж, в който самият той играе ролята на гърбавия Квазимодо, през 2003 г. изпълнява тази постановка в Русия - в Болшой театър, където Николай Цискаридзе танцува ролята на грозната камбана звънец.
Гедеминас Таранда
Друг световноизвестен хореограф е Гедеминас Таранда. След като завършва хореографското училище във Воронеж, той е солист на Болшой театър на Москва. През 1994 г. основава собствен "Имперски руски балет", който му дава световна слава. От 2012 г. е ръководител и съосновател на Фондация за насърчаване на творческото образование и президент на балетния фестивал Grand Pas. Гедеминас Таранда има званието заслужил деятел на изкуството на Русия.
Борис Айфман
Ярък, модерен, оригинален, хореограф - това е Б. Айфман. Той е основател на собствен балетен театър. Има различни звания и награди в областта на изкуството. Първите му продукции през 1960 г. са: „Към живота“ по музика на композитора Д.Б. Кабалевски, както и „Икар“ по музика на В. Арзуманов и А. Чернов. Славата на хореограф донесе балета "Жар-птица" на музиката на композитора. От 1977 г. ръководи собствен театър. Постановките на Борис Айфман винаги са оригинални, иновативни, съчетаващи академична, безсмислена и съвременна рок хореография. Всяка година трупата тръгва на турне в Америка. Репертоарът на театъра включва детски и рок балети.
Пиер Лакот е танцьор и хореограф, признат експерт по антична хореография. Наричат го балетен археолог, хореографски антиквар. Той е признат реставратор на забравени шедьоври от минали векове.
Пиер Лакот е роден на 4 април 1932 г. Учи в балетното училище към Парижката опера, взема уроци от големите руски балерини - Матилда Кшесинская, Олга Преображенская, Любов Егорова. Той се разбира особено добре с първата си учителка Егорова - тя имаше отлична памет, тя помнеше балетите на Мариус Петипа във всеки детайл и разказа на момчето всички роли, както големи, така и малки.
Посещение на "Зелената гостина" - Пиер Лакот,
На 19-годишна възраст Пиер Лакот става първият танцьор на главния театър във Франция. Той танцува с такива звезди като Ивет Шовир, Лизет Дарсонвал, Кристиан Восар. На 22-годишна възраст се интересува от модерни танци, започва да се занимава самостоятелно, изоставя кариерата си на класически танцьор и през 1955 г. напуска Парижката опера. През 1957 г. танцува с Нюйоркската Метрополитън Опера.
През втората половина на петдесетте и началото на шейсетте години Лакот ръководи балетната трупа на Айфеловата кула, която играе в театър Шанз-Елизе, поставя за нея спектаклите на „Вълшебната нощ“, „Парижкото момче“ по музика на Шарл Азнавур и др. През 1963-1968 г. е художествен ръководител на Националния балет на френската музикална младеж, за който поставя Простата симфония по музика на Бритън, Хамлет по музика на Уолтън и Бъдещи страсти по музика на Лутославски. Там за първи път се изявява брилянтната танцьорка Гилен Тесмар, която по-късно става съпруга на Лакот.
La Sylphide е абсолютният символ на романтичния балет. Именно в „Силфида“ балерината Мария Талиони за първи път отива на пуанта („не за ефект, а заради фигуративни задачи“). Героинята на Талиони наистина изглеждаше свръхестествено същество, не жена, а дух, нарушаващ законите на гравитацията, когато танцьорката се "плъзга" по сцената, почти не докосвайки пода, и замръзна за момент в летяща арабеска, сякаш подкрепен от чудотворна сила на върха на извит крак. Именно тази „Силфида“, поставена за Мария от баща й Филипо Талиони, сто и петдесет години по-късно е внимателно възродена от френския хореограф Пиер Лакот.
През 1971 г. Лакот, неочаквано за всички, реконструира балета La Sylphide, поставен през 1832 г. от Филип Талиони за легендарната му дъщеря. Спектакълът, направен за телевизията, нашумя, пренесен е на сцената на Парижката опера през 1972 г., поражда мода за старите балети и става първият в дълга редица възраждания на Lacotta. Реконструкцията не беше на сто процента - Лакот не можеше да "потъне" в несъвършената техника на танцьорите от онази епоха и да сложи всички балерини на пуанти, въпреки че в "Силфида" от 1832 г. само Мария Талиони се изправи на пръсти , и това беше изиграно в хореографията.
Сюжетът на балета е базиран на фантастичния роман на френския писател Шарл Нодие „Трилби“ (1822). Премиерата на балета по музика на френския композитор Жан Шнайцхофер се състоя през 1832 г. в Гранд опера в Париж.
Композитор: Й. Шнайцхофер. Хореограф: Пиер Лакот
Сценография и костюми: Пиер Лакот. Мариински театър. Музика - Чезаре Пуни. Хореография - Пиер Лакот
В ролите: Ундина - Евгения Образцова, Матео - Леонид Сарафанов, Джанина - Яна Серебрякова, Дама на морето - Екатерина Кондаурова, Две от Ундини - Надежда Гончар и Татяна Ткаченко.
Френският маестро работи няколко години върху балета „Ундина” – рядък случай за западния свят. Започна с факта, че той дойде в Санкт Петербург по покана на дирекцията на Мариинския театър за преговори - какво ще може да постави Лакот в този театър. Хореографът Никита Долгушин намери стара партитура на Ундина, петербургската версия на балета, поставена от Жул Перо през 1851 г. Лакот разбра - това е съдба. Той пое Ondine, започна да смесва версиите от Санкт Петербург и Лондон, въз основа на три сценария, създаден от Перо, и резултатът беше балет, който далеч не беше безупречен, но дава представа за хореографията на онова време.
За трупата на Парижката опера Лакот през 2001 г. реставрира „Копелия“ на Артур Сен Леон, чиято премиера е през 1870 г. Самият той изигра ролята на стария ексцентрик Копелиус.
През 1980 г. с ансамбъла за класически балет на Москва френският хореограф поставя за Екатерина Максимова пиесата „Натали, или швейцарската млекарка“, друг напълно забравен балет на Филипо Талиони.
Но Лакот не е гастролиращ хореограф без собствена трупа. През 1985 г. става директор на балета в Монте-Карло. През 1991 г. Пиер Лакот поема държавния балет на Нанси и Лотарингия. С пристигането му балетът на град Нанси се превръща във втората по значимост класическа трупа във Франция (след Парижката опера).
Той купи архива на Мария Талиони и ще издаде книга за тази легендарна балерина. Пълно е с нови идеи...
belcanto.ru ›lacotte.html
Във Франция в ср. вековното хоро е било част от народни игри и църковни празници. От 14 век той беше включен в планината. театрални зрелища и дворцови интермедии, понякога под формата на вмъкнати сцени. През 15 век по време на турнири и празненства се изпълняваха „момерии” с танци. Проф. танцувайте в ср. век се развива на фолклорна основа в изкуството на жонгльорите. Друг източник бяха балните танци (bassdansy) на дворцовите празненства. На базата на различни празнични забавления се формира форма на представяне, която получи кон. 16 век име "балет". Организатори на дворцови тържества, италиански. танцови майстори, овладяли преобладаващите в Италия през 16 век. танцувайте училище, бяха режисьори на представления. Балетът на полските посланици (1573 г.) и Комедийният балет на кралицата (1581 г.), поставени от Балтазарини ди Белгиохозо (Балтазар де Божуйо), стават първите пълноценни образци на нов жанр - представление с последователно развиващо се действие която включваше дума, музика, танц. През целия 17 век развитието на "придворния балет" е преминало няколко. етапи. През 1600-10 г. това са "маскарадни балети" ("Маскарад на панаира Сен Жермен", 1606 г.), през 1610-1620 г. - "мелодраматични балети" с пеене, базирани на митологични. разкази и продукции литература („Балет на аргонавтите“, 1614; „Лудостта на Роланд“, 1618), след това издържа до края. 17-ти век „балети в изходи“ („Кралски балет на нощта“, 1653 г.). Техни изпълнители са придворни (през 1651-70 г. - крал Луи XIV) и проф. танцьори - "баладени". През 1660-70-те години. Молиер с комп. Дж. Б. Люли и балет. П. Бошам създава жанра "комедия-балет" ("The trademan in the nobility", 1670), където танцът е драматизиран, пропит с модерно. съдържание. През 1661 г. Бошам оглавява Кралската академия за танци (съществува до 1780 г.), предназначена да регулира формите и терминологията на балетния танц, който започва да се оформя в системата на класическия танц. Музеят е основан през 1669 г. и открит през 1671 г. театър – Кралската музикална академия, която през 1672 г. се оглавява от Люли. В неговите опери („лирически трагедии“), които постепенно изтласкват придворния балет, танцът заема подчинено положение. Но вътре в представлението имаше процес на професионализиране на танца, полиране на неговите форми в изкуството на Бошам, танцьора G. L. Pekur и проф. танцьори (Лафонтен и други), които се появяват за първи път през 1681 г. в балета на Лули „Триумф на любовта“. За да кон. 17-ти век постиженията на хореографията намират отражение в теор. произведенията на C. F. Menetrier ("За древните и съвременни балети според законите на театъра", 1682) и R. Feuillet ("Хореография и изкуството на запис на танц", 1700). В края на 17-18 век. славата добиват танцьорите Н. Блонди и Ж. Балон, танцьорът М. Т. де Сублини.
музи. театър 2 етаж. 17-18 век е класицистическа, но в балета, поради бавното му развитие, дълго време се запазват барокови черти. Изпълненията останаха буйни и тромави, лишени от стилово единство.
В началото на 18 век имаше признаци на застой в идейно-образното съдържание на балета с по-нататъшно обогатяване на танцовата техника. Общата тенденция в развитието на балетния театър през 18 век. - желанието за самоопределяне, създаването на цялостен спектакъл, чието съдържание да се изразява чрез пантомима и танц. Въпреки това старите форми се запазват през 18 век, особено на сцената на Кралската музикална академия, предизвиквайки критики от страна на просветителите (Д. Дидро и др.). В началото. 18-ти век това бяха галантни пасторали от 30-те години. - опера-балет комп. J. F. Rameau („Галантна Индия“, 1735 г.), където танцът все още фигурира под формата на изходи, слабо свързани със сюжета. В тези изпълнения станаха известни виртуозни изпълнители: танцьорът М. Камарго, танцьорът Л. Дюпре, брат и сестра Лани. Опитите за предаване на драматичния танц. съдържанието е очертано в изкуството на танцьора Ф. Прево (пантомима, базирана на сюжета на епизод от "Хорас" от П. Корней по музика на Ж. Джей Муре, 1714 г.; "Характери на танца" по музика на Ж.Ф. Rebel, 1715) и особено M. Salle, който, работейки заедно с Кралската музикална академия също в Лондон, организира там „драматични действия“ в антич. теми ("Пигмалион", 1734).
Под влиянието на идеите на Просвещението, в творчеството на най-прогресивните фигури на балетния театър, зрелищността отстъпва място на „имитация на природата“, която приема естествеността на характерите и истинността на чувствата. Тези експерименти обаче почти не проникнаха на сцената на Кралската музикална академия. Дейността на големия реформатор на балетния театър Ж. Ж. Новер протича извън този театър и отчасти извън Франция (Щутгарт, Виена, Лондон). Принципите на реформата на балетния театър са очертани от Новер в теор. произведение „Писма за танци и балети“ (1-во изд., 1760 г.). Балетите, създадени от него под влиянието на идеите на Просвещението, не са развлекателен спектакъл, а сериозен театър. представление, често по сюжети на класически трагедии. Те притежаваха почтеност, действията и преживяванията на персонажите бяха описани с хореография (гл. обр. пантомима), без участието на словото. В Кралската музикална академия през 1776-78 г. са поставени неговите "Медея и Язон" и "Апели и Кампаспе" от Родолф, "Хорас" от Грание и "Дънки" от Моцарт. На 2-ри етаж. 18-ти век редица хореографи провеждат своите експерименти в парижкия театър на италианската комедия и в театрите на Лион и Бордо. В Бордо работи последовател на Новер – Ж. Добервал, създателят на нов тип балетна комедия („Напразна предпазливост“, 1789). В кон. 18-ти век танцьорите М. Гимар, М. Алард, А. Хайнел, Теодор, танцьорите Г. Вестрис, М. и П. Гардел, Добервал придобива слава.
От 80-те години 18-ти век до 20-те години. 19 век начело на трупата на Музикалната академия (през 1789-1814 г. няколко пъти сменя името си) е П. Гардел. Репертоарът включваше негови балети („Телемах“ и „Психея“ от Милър, 1790; „Танцумания“ от Мегул, 1800; „Пол и Вирджиния“ от Кройцер, 1806) и балети от Л. Милон („Нина“ по музика. Persuis след Daleyrac, 1813; "Венециански карнавал" върху музиката Persuis след Kreutzer, 1816). През 20-те години. имаше балети на Ж. Омер: „Напразна предпазливост“ на Херолд по Даубервал (1828), „Сомнамбул“ на Херолд (1827), „Манон Леско“ Халеви (1830). От изпълнителите от 1780-1810 г. О. Вестрис беше особено известен през 10-20-те години. - танцьори М. Гардел, Е. Биготини, Дж. Гослин, танцьор Л. Дюпорт. През тези години танцовата техника се промени драстично: не плавни, грациозни, а виртуозни ротационни и скачащи движения, движенията на полупръстите станаха преобладаващи. Когато през 30-те години. балетният театър е повлиян от идеите на романтизма, тези техники придобиват ново съдържание. В спектаклите на Ф. Талиони, поставени за дъщеря му М. Талиони („Силфида“, 1832; „Дунавска дева“, 1836), гл. актьорите бяха фантастични. същества, умиращи от контакт с реалността. Тук е разработен нов танцов стил, базиран на въздушния полет на движенията и техниката на танцуване върху пуант, създавайки усещане за безтегловност. През 30-50-те години. балетът във Франция достига най-високото си ниво. Един от най-важните. прод. тази посока е поставена от Ж. Корали и Ж. Перо "Жизел" (1841). Репертоар на Музикалната академия през 1940-те и 1950-те години се състои от романтични балети Корали ("Тарантула" от К. Жид, 1839; "Пери", 1843) и Ж. Мазилие ("Пакита", 1846; "Корсар", 1856). В същото време Перо изпълнява извън Франция (председател в Лондон, но изпълняван от френски артисти) най-добрите си балети - Есмералда (1844), Катарина, дъщерята на разбойника (1846) и др. Това са спектакли, близки до изкуството на поетите-романти от ерата на революцията. възходите, които засегнаха публиката героично. патос, силата на страстите. Интензивното действие беше въплътено в кулминация. моменти от развит танц, специално внимание беше отделено на характерния танц. Ф. Елслер имаше голям успех в тях. Други известни романтици също се изявяват във Франция. танцьори - К. Гризи, Л. Гран, Ф. Черито. Практика и теория на романтизма. балетът е отразен в произведенията на F. A. J. Castile-Blaz и T. Gauthier, който е и автор на редица сценарии.
С упадъка на романтизма (70-90-те години на 19 век) балетът губи връзката си с идеите на модерността. Продукции на А. Сен-Леон в Музикалната академия през 60-те години. привлечени от богатството на танца и изобилието от сценични изяви. ефекти ("Немея" от Минкус и др.). Най-добрият балет на Сен Леон - "Копелия" (1870). През 1875 г. театралната трупа започва работа в нова сграда, построена от арх. К. Гарние, а зад нея се утвърждава името на балета на Парижката опера. Но балетното изкуство през 80-90-те години. 19 век деградирали. В Парижката опера балетът се превърна в придатък към оперното представление. Призив към балетите на композиторите Л. Делиб ("Силвия" в пост. Мерант, 1876), Е. Лало ("Намуна" в публикацията. Л. Петипа, 1882), А. Месагер ("Два гълъба" в постът Мерант, 1886 г.) не са се променили. Изпълнения на Мерант през 70-80-те, И. Хансен през 90-те. и в началото 20-ти век ("Maladette" от Видал, 1893; "Bacchus" от Duvernoy, 1905) не са успешни, въпреки участието на изключителния танцьор C. Zambelli. Възраждането на балета във Франция става под влияние на руснаците и се свързва с руските сезони, които С. П. Дягилев провежда в Париж от 1908 г. (първото представление на балета през 1909 г.), както и с дейността на Дягилев. Руска балетна трупа, която играе във Франция през 1911-29 г. Много художници и хореографи, които са работили тук, по-късно са свързани с французите. балетен театър: M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nizhinskaya, J. Balanchine, S. Lifar. Влияние имаха и други руснаци. трупи и артисти: трупата на И. Л. Рубинщайн (1909-11 и през 1920-те), за която пише К. Дебюси (Мъченичеството на св. Себастиан, балет. Рубинщайн, 1911) и М. Равел (Болеро", балет. Нижинска , 1928); Н. В. Труханов, за когото е поставил И. Н. Хлюстин, който също е работил в Парижката опера. рус. трупи се обърнаха към музиката на французите. комп. (Равел, Дебюси, Дъкб, през 20-те - композиторите на "Шестицата"), декорациите за техните изпълнения са създадени от французите. художници (П. Пикасо, А. Матис, Ф. Леже, Ж. Руо и др.). След Първата световна война пл. Руски артисти откриват балетни школи в Париж, които възпитават повече от едно поколение французи. художници. Директорът на Парижката опера (1910-44) Ж. Руш, стремейки се да повиши нивото на балета, кани в театъра изтъкнати артисти (Л. С. Бакст, Р. Дюфи, М. Брианшон, И. Бройе, М. Детомас), Рус. . художници, хореографи. Известно възраждане на балетната дейност на Операта се очертава още през 10-20-те години. Редица изпълнения пост. Поканени са Л. Статс ("Пчели" по музика на Стравински, 1917; "Сидалис и сатир" Пиерн, 1923), Фокин ("Дафнис и Хлоя", 1921), О. А. Спесивцева. След 1929 г. на основата на антреприза на Дягилев редица руско-фр. балетни трупи: „Balle rus de Monte Carlo” и др. 50 представления. Неговото творчество е от голямо значение за французите. балет, придобил предишния си престиж. Репертоарът на Операта е изцяло обновен. Големи композитори, художници, сценаристи са участвали в създаването на балети. Лифар използва древни, библейски, легендарни сюжети за своите постановки, като понякога ги тълкува символично: „Икар“ по ритмите на Сифер (1935 г., възобновено през 1962 г. с декорации на П. Пикасо), „Йоана от Цариса“ Егк (1942), „ Федра" Аурик (1950, по сценарий и декорация на Ж. Кокто), "Видения" от Соге (1947), "Фантастична сватба" от Деланой (1955). От по-възрастните си съвременници, хореографи на антреприза Дягилев, Лифар възприема традициите на балетната драматургия на Фокин и традициите на хореографията на 19 век, където основното изразно средство е класическото. танцувайте. Танцувай. модернизира езика и изгражда образи на основата на рационални, а не емоционални („неокласицизъм” от Лифар). На неговите изпълнения е възпитано повече от едно поколение французи. артисти: танцьори С. Шварц, Л. Дарсонвал, И. Шовир, М. Лафон, К. Восар, Л. Дейде, К. Беси; танцьори M. Reno, M. Bozzoni, A. Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis. Обаче абстрактната реторика, присъща на балетите на Лифар, загубата на връзка с модерното. реалността, особено осезаема след Втората световна война от 1939-45 г., по това време предизвиква недоволство. Млади артисти, търсещи нови пътища и сближаване на изкуството с модерността, започват да работят извън Операта, чийто репертоар Лифар се ограничава до собствените си постановки. Р. Пети създава трупата Балет Шанз-Елизе (1945-51) и Балета на Париж (1948-67, с прекъсвания), където поставя балетите Скитащите комици от Соге (1945), Младостта и смъртта на музика. Й. С. Бах (1946), "Кармен" върху музиката. Бизе (1949), "Вълк" Дютийо (1953). По-късно (през 60-70-те) сред най-добрите му произведения - "Катедралата Нотр Дам" (1965, Парижка опера) и "Запалете звездите!" на екипна музика (1972, "Балет на Марсилия"). Пети работи в драматичния жанр. балет (J. Anouilh написа няколко сценария за него), гравитиращ сега към трагедията, после, особено в ранния период, към шутовска комедия, но винаги изграден върху живи персонажи и съчетаващ танц. форми с ежедневен речник. В най-добрите балети той се обръща към конфликти, които отразяват истинските противоречия на живота, и ги разрешава по хуманистичен начин. план (отхвърляне на неизбежността на злото, морална издръжливост, вяра в човека). Заедно със самия Пети, танцьорите Н. Вирубова, Р. Жанмер, Е. Пагава, Н. Филипар, К. Маршан, В. Верди, И. Скорик, танцьори Ж. Бабиле, Ю. Алгаров, Р. Бриан. През 50-те години. възникват и други трупи, където се търсят търсения в областта на осъвременяването на темите и танците. Езици: Балет на Франция и други от трупата на Ж. Шара, „Балет на Егуал“ под диригентството на М. Бежар Бежар, въпреки факта, че от 1960 г. става ръководител на брюкселската трупа Балет на 20-ти век, е един от водещите френски хореографи.Той вижда в хореографското изкуство средство за изразяване на отношението към житейските проблеми, ту директно, ту във философски или мистичен аспект. Хореографът проявява особен интерес към източната философия, източната театрална форми и танци (балет „Бакти” по индийска музика, 1968 г. Създава нови форми на хореографски спектакъл: един вид „тотален театър” с преобладаване на хореографията („Четиримата синове на Емон” към групова музика, 1961 г.), балети с словесен текст („Бодлер“ към групова музика и поезия, 1968; „Нашият Фауст“ към колективна музика, 1975), монументални изпълнения на спортни арени и циркове („Деветата симфония“ по музика на Л. Бетовен, 1964). постави свои собствени издания на известни балети: „Пролетният ритуал“, 1959 г., „Болеро“, 1961 г., „Жар-птица“, 1970 г. Острото усещане за модерност прави • Балетите на Бежар са близки до публика, която преди това е била чужда на това изкуство, особено младежта.
През 70-те години. Парижката опера е реорганизирана. Тук има две тенденции: от една страна, да се включат в репертоара доказани балети на изтъкнати хореографи (Баланчин, Робинс, Пти, Бежар, Алисия Алонсо, Григорович) и да се възстанови каноничното. издания на стари балети ("La Sylphide" и "Coppelia" в редакцията на П. Лакота), от друга страна, дават възможност за експериментиране с млади френски. хореографи (Ф. Бласка, Н. Шмуки) и чужденци, вкл. представители на модерния танц (Г. Тетли, Дж. Бътлър, М. Кънингам). През 1974 г. към Операта е създадена Театралната група. търсения под ръка. американецът К. Карлсън. Отдалечавайки се от обичайния академизъм, Парижката опера следва общата тенденция на французите. балет, където се засили интересът към най-новия театър. форми. През 60-70-те години. много са работили във Франция. балетни трупи: "Grand balle du marc de Cuevas" (1947-62), който се фокусира върху традиционния репертоар, привличайки известни изпълнители (Т. Туманова, Н. Вирубова, С. Головина, В. Скуратов); Съвременен балет на Париж (балетист Ф. и Д. Дюпюи, от 1955), Френски танцов театър Ж. Лацини (1969-71), Балет Феликс Бласки (от 1969, от 1972 в Гренобъл), Нац. балетна музика. Младежта на Франция (балетист. Lakote, от 1963 - до края на 60-те), балетна трупа под ръководството на. Ж. Русило (от 1972 г.), Театър на тишината (от 1972 г.). Много трупи работят в провинцията: Театърът за модерен балет (балетист Ф. Адре, от 1968 г. в Амиен, от 1971 г. в Анже), балетът на Марсилия (балетист Пети, от 1972 г.), балетът на Рейн (от 1972 г. в Страсбург, балетист П. ван Дайк от 1974 г.), в оперните театри на Лион (балетист В. Биаджи), Бордо (балетист Скуратов). Водещи солисти на 60-70-те: Ж. Амиел, С. Атанасов, К. Беси, Дж. П. Бонфу, Р. Бриан, Д. Ганио, Дж. Гизерикс, М. Денард, А. Лабис, К. Мот, Дж. Пилета , N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Tesmar, N. Tibon, JP Franchetti.
Училище в Парижката опера през 1713 г. (от 1972 г. негов директор е К. Беси). В Париж от 1920 г 20-ти век работи много. частни училища: М. Ф. Кшесинская, О. И. Преображенская, Л. Н. Егорова, А. Е. Волинин, Х. Ландер, Б. Князев, М. Губе и др. В Кан през 1962 г. е открит Центърът за класически танц (основан от Р. Хайтауър). От 1963 г. в Париж се провеждат ежегодни танцови фестивали; танцът заема голямо място на фестивала в Авиньон и т.н.
Сред балетните списания: "Archives internationale de la danse" (1932-36), "Tribune de la danse" (1933-39), "Art et danse" (от 1958 г.), "Toute la danse et la musique" (от 1952 г. ), "Danse et rythmes" (от 1954 г.), "Les saisons de la danse" (от 1968 г.).
Най-известните изследователи и критици (20 век): А. Прюние, П. Тюгал, Ф. Рейна, П. Мишо, Л. Вая, М. Ф. Кристу, И. Лидова, Ю. Сазонова, А. Ливио, Ж. К. Диени, А. Ф. Ерсен. Повече от 25 книги са написани от Лифар.
балет. Енциклопедия, SE, 1981
Френският и руският балет са се обогатявали неведнъж. Така френският хореограф Ролан Пети смята себе си за "наследник" на традициите на "Руския балет" на С. Дягилев.
Ролан Пети е роден през 1924 г. Баща му беше собственик на закусвалня - синът му дори имаше възможност да работи там и по-късно в памет на това той постави хореографски номер с поднос, но майка му беше пряко свързана с балетното изкуство: тя основа компанията Repetto, която произвежда дрехи и обувки за балет. На 9-годишна възраст момчето заявява, че ще напусне дома, ако не му разрешат да учи балет. След като издържа успешно изпита в Парижкото оперно училище, той учи там при С. Лифар и Г. Рико, година по-късно започва да играе миманно в оперни спектакли.
След като завършва през 1940 г., Ролан Пети става артист-кордебалет в Парижката опера, година по-късно е избран за партньор от М. Бург, а по-късно прави балетни вечери с Ж. Чара. На тези вечери се изпълняват малки номера в хореографията на Ж. Чара, но тук Р. Пети представя първата си творба - Ски скокове. През 1943 г. изпълнява соловата партия в балета „Обичай чаровницата“, но повече го привлича дейността на хореографа.
След като напуска театъра през 1940 г., 20-годишният Р. Пети, благодарение на финансовата подкрепа на баща си, поставя балета "Комедианти" в Театъра на Шанз Елизе. Успехът надмина всички очаквания - което направи възможно създаването на собствена трупа, наречена Champs Elysees Ballet. Тя продължи само седем години (разногласията с администрацията на театъра изиграха фатална роля), но бяха поставени много представления: „Млад мъж и смърт“ по музика и други произведения на самия Р. Пети, постановки на други хореографи от онова време, откъси от класически балети - "Силфида" , "Спящата красавица", " ".
Когато "Балетът на Шанз-Елизе" престава да съществува, Р. Пети създава "Балета на Париж". Новата трупа включваше Марго Фонтейн - именно тя изпълнява една от централните роли в балета по музиката на Дж. Франсис "Момичето в нощта" (самият Р. Пети танцува другата главна част), а през 1948 г. танцува в балета "Кармен" по музика на Ж. Бизе в Лондон.
Талантът на Ролан Пети беше оценен не само сред феновете на балета, но и в Холивуд. През 1952 г. във филма-мюзикъл "Ханс Кристиан Андерсен" играе ролята на принца от приказката "Малката русалка", а през 1955 г. като хореограф участва в създаването на филмите "Кристален чехъл". " по приказката "Пепеляшка" и - заедно с танцьорката Ф. Астер - "Дългокракият татко."
Но Ролан Пети вече е достатъчно опитен, за да създаде многоактен балет. И той създава такава продукция през 1959 г., като взема за основа драмата на Е. Ростан "Сирано де Бержерак". Година по-късно този балет е заснет заедно с три други постановки на хореографа - "Кармен", "The Diamond Eater" и "Mourning for 24 hours" - всички тези балети са включени във филма на Терънс Йънг "Едно, две, три, четири, или черни чорапогащи". В три от тях главните роли изигра самият хореограф - Сирано де Бержерак, Хосе и Младоженецът.
През 1965 г. Ролан Пети поставя балета „Катедралата Нотр Дам“ в Парижката опера по музика на М. Жар. От всички актьори хореографът остави четири основни, всеки от които олицетворява определен колективен образ: Есмералда - чистота, Клод Фроло - подлост, Феб - духовна празнота в красива "черупка", Квазимодо - душата на ангел в грозно тяло (тази роля изигра Р. Пети). Наред с тези персонажи в балета има безлика тълпа, която може и да спасява, и да убива с еднаква лекота... Следващата творба е балетът Изгубеният рай, поставен в Лондон, разкриващ темата за борбата на поетичните мисли в човешка душа с груба чувствена природа. Някои критици го видяха като "скулптурна абстракция на секса". Финалната сцена, в която жената скърби за изгубената чистота, изглеждаше доста неочаквана - приличаше на обърната пиета... Марго Фонтейн и Рудолф Нуреев танцуваха в това представление.
Оглавявайки Марсилиския балет през 1972 г., Ролан Пети взема стиховете на В. В. Маяковски за основа на балетния спектакъл. В този балет, наречен Light the Stars, той самият играе главната роля, за която си бръсне главата. На следващата година той си сътрудничи с Мая Плисецкая - тя танцува в неговия балет "Болната роза". През 1978 г. поставя балета „Пиковата дама“ за Михаил Баришников, а в същото време и балет за Чарли Чаплин. Хореографът беше лично запознат с този велик актьор и след смъртта му получи съгласието на сина на актьора да създаде такава продукция.
След 26 години ръководене на балета в Марсилия, Р. Пети напуска трупата поради конфликт с администрацията и дори забранява поставянето на неговите балети. В началото на 21 век той си сътрудничи с Болшой театър в Москва: Пасакалия по музика на А. Веберн, Пиковата дама по музика на П. И. Чайковски, неговата катедрала Нотр Дам е поставена в Русия. Програмата „Ролан Пети разказва“, представена в Болшой театър на Нова сцена през 2004 г., предизвика голям интерес сред публиката: Николай Цискаридзе, Лусия Лакара и Илзе Лиепа изпълниха фрагменти от неговите балети, а самият хореограф говори за живота си.
Хореографът почина през 2011 г. Ролан Пети постави около 150 балета - той дори твърди, че е "по-плодотворен от Пабло Пикасо". За работата си хореографът многократно е получавал държавни награди. У дома, през 1974 г., той е награден с Ордена на Почетния легион, а за балета „Пиковата дама“ е удостоен с Държавната награда на Руската федерация.
Музикални сезони
