Търсих книжка за оцветяване, намерих много забавен текст

Й.Г.Кол, Пътешествие около Голямата вода.1850г
превод на Вешка

Гледането на дивак пред огледалото е най-комичната гледка за европеец. В него се виждат суета и самовъзхищение, като в парижка кокетка. Той дори я превъзхожда. Докато тя сменя стила на шапката си и цвета на роклята си три или четири пъти годишно, индианецът променя цвета на лицето си - защото вниманието му е приковано към тази част от тялото му - ежедневно.
Наблюдавал съм трима или четирима млади индианци тук и съм ги виждал всеки ден с нова боя на лицата. Те принадлежаха към аристокрацията на групата си и бяха очевидни денди. Виждах ги да се излежават с голямо достойнство и много сериозен поглед, със зелени и жълти ивици по носовете и с тръби под мишниците, увити в широки одеяла-наметала. Те винаги бяха заедно и очевидно образуваха клика.
Всеки ден, когато имах възможност, скицирах оцветяването по лицата им и след време се сдобих с колекция, чието разнообразие ме изуми сама. Странните комбинации, които се появяват в калейдоскопа, могат да се нарекат неизразителни в сравнение с това, което въображението на индиеца произвежда на челото, носа и бузите му. Ще се опитам да дам някакво описание, доколкото думите позволяват.
Две неща ме впечатлиха най-много в тяхната аранжировка на цветя. Първото нещо, което не им пукаше, беше естественото разделяне на лицето на части. А вторият е необикновена смесица от грация и гротеска.
Понякога обаче са използвали естественото разделяне, създадено от носа, очите, устата и т.н. Очите бяха очертани в правилни цветни кръгове. Жълти или бели ивици бяха подредени хармонично и на еднакво разстояние от устата. На бузите беше нанесен полукръг от зелени точки, центърът на който беше ухото. Понякога челото се пресичаше и от линии, успоредни на естествените му контури. Винаги изглеждаше някак човешки, така да се каже, защото основните форми на лицето оставаха непроменени.
Обикновено обаче тези редовни модели не са по вкуса на индианците. Те обичат контраста и често разделят лицето на две половини, които са оформени по различен начин. Единият ще бъде тъмен - да речем, черен или син - а другият ще бъде доста светъл, жълт, яркочервен или бял. Едната ще бъде кръстосана с дебели ивици, оставени от пет пръста, а другата ще бъде сложно боядисана с тънки линии, нанесени с четка.
Това разделяне се извършва по два различни начина. Разделителната линия понякога минава покрай носа, а дясната буза и половината се потапят в тъмнината, а лявата изглежда като цветна леха под лъчите на слънцето. Понякога обаче те нарисуват линия през носа, така че очите да блестят на фона на тъмния цвят, а всичко под носа е светло и лъскаво.
Често съм питал дали има някакво значение на тези различни модели, но винаги съм бил уверен, че това е въпрос на вкус. Те бяха просто изискани арабески, като бродерията им на скуо върху мокасини, колани, торбички и т.н.
Въпреки това, има известна символика в използването на цветовете. Така че, червеното обикновено представлява радост и забавление, черното - скръб. Когато някой тъжно умре, те разтриват лицето си с шепа въглища. Ако починалият е само далечен роднина, върху лицето се нанася само решетка от черни линии. Те също имат полутраур и след известно време боядисват само половината от лицата си в черно.
Червеното е не само тяхната радост, но и любимият им цвят. По принцип покриват лицето с яркочервен цвят, върху който се нанасят други цветове. Те използват за целта китай от Китай, донесен им от индийски търговци. Това червено обаче в никакъв случай не е задължително. Често цветът, върху който се нанасят други цветове, е ярко жълт, за който се използва жълта крона, също закупена от търговци.
Те също са много пристрастни към пруското синьо и използват този цвят не само за рисуване на лицата си, но и като символ на мира на лулите си и като сянка на небето върху гробовете си. Много любопитен факт, между другото, е, че едва ли някой индиец различава синьото от зеленото. Виждал съм небето, което те изобразяват на гробовете си под формата на кръгла арка, еднакво често и от двата цвята. На езика на сиуксите „Тоя“ означава и зелено, и синьо, а един добре пътувал баща йезуит ми каза, че това объркване преобладава сред много племена.
Казаха ми също, че различните племена имат свой любим цвят и съм склонен да вярвам в това, въпреки че не можах да забележа такова правило. Като цяло всички индийци изглежда полагат специални грижи за собствения си меден тен и го подобряват с червен цвят, когато не им се струва достатъчно червен.
Открих при моите пътувания до сиуксите, че има определен национален стил в рисуването на лица. Сиуксите говореха за беден индианец, който беше полудял. И когато попитах някои негови сънародници, които присъстваха, как се проявява лудостта му, те казаха: „О, толкова нелепо се облича в пера и черупки, а лицето си рисува толкова комично, че човек може да умре от смях“. Казаха ми го хора, толкова накичени с пера, черупки, зелено, червен цвят, пруско синьо и коронно жълто, че едва се усмихнах. От това обаче направих извода: трябва да има нещо общо и типично в техния пъстър стил, което лесно може да бъде нарушено.
Освен това малко по-късно на американския щатски панаир успях да направя грандиозно откритие от моите рисунки. Показаха гигантски индианец и въпреки че лицето му беше нарисувано, аз настоях, че оцветяването му е фалшиво. Аз, разбира се, получих само общо впечатление и не можах да покажа в кои редове се състои грешката, но бях сигурен в това. И определено беше потвърдено, че това е псевдоиндианец, не друг, а англосаксонец, непохватно облечен като дивак.

След тази среща Къртис се интересува от културата на индианските племена и дълги години документира живота им. Скоро фотографът се присъединява към експедиция, с която посещава племена в Аляска и Монтана.

През 1906 г. Едуард Къртис започва да работи с богатия финансист J.P. Morgan, който се интересува от финансирането на документален проект за коренното население на континента. Те зародиха идеята да издадат 20-томна фотографска серия, наречена "Северноамериканските индианци".

С подкрепата на Морган Къртис пътува в Северна Америка повече от 20 години. Той е направил над 40 000 изображения на повече от 80 различни племена и е натрупал 10 000 восъчни цилиндъра с индийска реч, музика, песни, истории, легенди и биографии.

В опит да улови и запише това, което виждаше като изчезващ начин на живот, Къртис от време на време се намесваше в документалната достоверност на изображенията. Той организира инсценирани стрелби, поставяйки героите си в романтизирани условия, лишени от признаци на цивилизация. Картините отговаряха повече на идеите за предколумбовото съществуване, отколкото на реалния живот по това време.

Това мащабно произведение на Едуард Къртис е един от най-впечатляващите исторически разкази за живота на индианците в началото на 20-ти век.

1904 г Група индианци навахо в Каньон де Чели, Аризона.

1905 г Лидерите на народа сиукс.

1908 г Майка и дете от племето Апсароке.

1907 г Луси от племето папаго.

1914 г Куагул жена, носеща одеяло с ресни и маска на починал роднина, който е бил шаман.

1914 г Хакалал е водач на племето Накоакток.

1910 г Жена квакиутъл лови морско уши във Вашингтон.

1910 г Момичетата пиган събират златна пръчица.

1907 г Кахатика момиче.

1910 г Млад индианец от племето апачи.

1903 г Ескади от племето апачи.

1914 г Хората от квакиутъл в канута в Британска Колумбия.

1914 г Индианците квакиутъл в кану в Британска Колумбия.

1914 г Индианците куакиутъл пристигнаха с канута за сватбата.

1914 г Куакиутъл шаман изпълнява религиозен ритуал.

1914 г Индианец от коскимо, облечен в кожен костюм и маска Хами („опасно нещо“) по време на церемонията на Нумлим.

1914 г Индианец от племето Квагул танцува в облеклото на Пакусилах (въплъщение в човека на земята).

1914 г Индианец Куагул в костюм на мечка.

1914 г Танцьори на квагул.

1914 г Ритуален танц на индианците Накоакток, носещи маски Хамаца.

1910 г Индианец апачи.

„Със смъртта на всеки старец или жена, някои традиции и познания за свещените обреди, които никой друг не е притежавал, напускат света... Следователно е необходимо да се събира информация в полза на бъдещите поколения и в знак на уважение към начина на живот на една от великите човешки раси. Необходимо е незабавно да се събере информация или тази възможност ще бъде загубена завинаги.
Едуард Къртис

1907 г Индийска мечка от племето Brulee Hollow Horn.

1906 г Тева момиче.

1910 г Жена апаш жъне жито.

1924 г Индианец Марипоза в резервата на река Туле.

1908 г Индианец Хидаца с уловен орел.

1910 г Индианец Нутка се прицелва с лък.

1910 г Вигвам от племето пиган.

1905 г ловец на сиукси.

1914 г Куакиутъл шаман.

1914 г Индианец куакиутл, носещ маска, изобразяваща превръщането на човек в луд.

1908 г Индианец апсароке на кон.

1923 г Кламатски вожд стои на хълм над езерото на кратера в Орегон.

1900 г Железен сандък, индианец Пиган.

1908 г Черен орел, индианец асинибоин.

1904 г Нинизгани, индианец навахо.

1914 г Индианец куакиутл, облечен като горския дух Нухлимкилака („доносител на объркване“).

1923 г Хупа жена.

1914 г Mowakiu, индианец Tsawatenok.

1900 г Лидерите на племето Пиган.

1910 г Вашият Гон, индианец от Джикарила.

1905 г Момиче хопи.

1910 г Момиче от Jicarrilla.

1903 г Зуни жена.

1905 г Iahla, известен още като „Върба“ от селището Таос Пуебло.

1907 г Папаго жена.

1923 г Риболов от племето Хупа с копие отиде на сьомга.

Индианецът живееше в тясна връзка с природата, отнасяйки се към нея със страхопочитание и дълбоко благоговение; той непрекъснато се обръщаше в молитвите си към духовете и силите, които я въплъщаваха, опитвайки се да ги умилостиви и омилостиви. Връзката му с природата беше едновременно силна и крехка: от една страна, тя му даде средства за живот, от друга, тя постоянно напомняше и предупреждаваше какво уязвимо същество е човек и колко по-малко и по-зле е приспособен към живот в заобикалящата го свят, отколкото други живи същества до него. Ето защо не е изненадващо, че в изкуството индиецът се опита да изрази своите дълбоко лични чувства и усещания, свързани с външния свят - своите страхове, надежди и вярвания, които живееха в самите дълбини на душата му.

Изкуството на индианците беше дълбоко свързано с техните религиозни вярвания. За съжаление, поради унищожаването на традиционния начин на живот и старите религиозни вярвания и традиции, способността да се изразява и разбира най-дълбокият вътрешен смисъл, който се съдържаше в произведенията на индийското изкуство по време на неговия разцвет, беше загубена. Това значение днес е недостъпно не само за белите историци на изкуството, но и за повечето самите индийци. Подобно на изкуството на белия човек, индийското изкуство днес е приятно допълнение към живота, леко и повърхностно; един вид грациозен жест и усмивка, изпратени до живот. То вече не се захранва от онази могъща и непреодолима сила и сила, която се осигурява от пряка връзка с източника на цялата гама от човешки чувства и страсти, скрити в дълбините на човешката душа. Само на тези няколко места, по-специално на някои места на югозапад и северозапад, както и в арктическите региони, където традиционният начин на живот и културните традиции са до голяма степен запазени, понякога могат да се видят примери на истинско индийско изкуство.

Друга причина, поради която индийското изкуство като цяло остава неразбрано и подценявано, е, че неговите произведения са направени в необичаен стил. Западняците вероятно биха му обърнали повече внимание и биха го изучавали по-сериозно, ако принадлежи или към реализма, или към абстракционизма, тъй като и двата стила са добре познати на Запад. Традиционното индийско изкуство обаче не е нито реалистично, нито абстрактно. Тя е схематична и символична и по това наподобява изкуството на Древен Египет. Древните египетски стенописи се смятаха за забавни, необичайни и „аматьорски“, тъй като външният дизайн изглеждаше много прост и наивен. Древноегипетската скулптура получава по-голямо внимание от критици и специалисти, защото е класифицирана като „реалистична“, въпреки че е толкова пропита със символично и религиозно значение, колкото живописта. Изкуството на индианците страда от подобни погрешни и опростени оценки.

Индийското изкуство никога не си е поставяло за цел обективно отразяване на външния свят. Той не се интересуваше от външната страна на нещата; той беше обърнат навътре, основно се занимаваше с ехото и проявите на вътрешния живот на човека: видения, откровения, съкровени мечти, чувства и усещания. Това подхранваше самия художник и той искаше да види това в обекта на своята работа. В индийското изкуство естетическото начало не беше на преден план, въпреки че сред индианците това чувство беше много силно развито. Основната му задача беше да предаде и изрази някакъв мистериозен, мистичен смисъл. Дори рисунките и изображенията върху дрехите и домакинските прибори имат защитно и лечебно предназначение; изразяват връзка със свещен дух-пазител или служат като магически символи, които трябва да гарантират късмет и просперитет. Индийският художник, подобно на древноегипетския си колега, не се е стремял да нарисува точен портрет на човек или изображение на животно. Не го интересуваше външната обвивка, а душата и скритата вътрешна същност на всичко, което го заобикаляше. И как иначе можете да предадете и изобразите такова фино и неуловимо нещо като душата, ако не чрез символи и други подобни средства за предаване на вашите чувства и себеизразяване?

С изключение на паметниците, американските индианци изглежда не са създали много изкуство. Бихме могли да се уверим, че произведенията на древните строители на скални селища и могили не отстъпват на образци както от античната, така и от средновековната европейска архитектура. От друга страна, в Северна Америка не е открито нищо – поне не още – което може да се сравни с шедьоврите на стенописите, открити в Алтамира, Испания, или също толкова известните примери на пещерни рисунки в Ласко, Франция. Върху издигнатите в скалите „селищни къщи“ са оцелели само няколко скромни скални рисунки, но те са направени от индианците навахо, които се появяват тук много години след като създателите на тези уникални архитектурни структури напускат тези места. По стените на кива са открити и няколко рисунки, достъпът до които е разрешен. Възможно е, разбира се, редица шедьоври на стенната живопис да бъдат открити вътре в кива, в редица пуебло, когато там се отвори достъп на външни лица; в края на краищата редица паметници на живописта и скулптурата на древен Египет също бяха скрити от любопитни очи за дълго време. Въпреки това е вероятно значителен брой паметници на индийското изкуство никога да не бъдат открити. Индианците просто не са имали склонността и желанието да ги създават. Изключение, което си струва да се спомене, бяха художниците и дърворезбарите от северозападната част на Тихия океан. Те украсиха стените на известните „дълги къщи“ с истински шедьоври, както и носещите стълбове на жилищни сгради, стълбове на гробни места, мемориални стълбове и известни тотемни стълбове (изразът „тотемен стълб“, въпреки че често се използва, е неправилно; стълбът изобразява не само свещени символи; може да бъде просто емблема или отличителен общ знак).

Единственото сериозно сходство между изкуството на Новия и Стария свят е използването на специфични средства за представяне - пиктограми или петроглифи. Петроглифите са семантични знаци или символи, които са начертани, издълбани или издълбани върху повърхността на скала, камък, в скално убежище или вдлъбнатина, както и по стените на пещери. Те се срещат в почти цяла Северна Америка. Като знаци-символи понякога се използват човешки фигури, удължени и продълговати, както и стъпала, ръце, крака и пръсти. По-често се срещат геометрични фигури с различни форми (кръгли, овални, квадратни, триъгълни, трапецовидни) и техните комбинации, както и невероятни ансамбли от специфично изобразени животни, птици, влечуги и насекоми или техни фрагменти. Понякога петроглифите са изобразени много отблизо, практически сведени до своеобразно голямо петно, а понякога изображението е единично и то на отдалечено и труднодостъпно място.

Какво означаваха петроглифите? За какво са нарисувани? В някои случаи може да са били приложени просто така, „за нищо да не се прави“, без конкретна цел. Някои „надписи“ вероятно са оставени от влюбени, за да изразят чувствата си по този начин. Може би са били оставени от ловци, докато са чакали плячка или са си записвали трофеите, които са получили. Може би това беше спомен от срещата на различни племена, които се бяха събрали, за да сключат договор. Много знаци най-вероятно са свързани с лова: това може да е вид "заговор" или талисман за успешен лов. Но някои от тях, доста вероятно, са от чисто личен характер: младите хора, които специално са напуснали, за да се усамотят на безлюдно място и да получат откровение от дух-пазител, могат да оставят личен знак, за да изразят своите чувства и впечатления в това начин. Авторът на тази книга често се изкачвал на хълм в долина близо до Каризосо, Ню Мексико. На върха му, върху камъни от вулканичен произход, можете да видите хиляди петроглифи с различни форми, размери и представляващи най-разнообразни сюжетни и семантични комбинации. Прилагани са преди 500-1000 години от хора на културата джорнада,като клон на културата моглон,което от своя страна има далечна връзка с културата на Хохокам. Намирайки се там, вие усещате, че сте на свещено място и стоите на свещена земя, а тези знаци не са случайни драсканици, а нещо много мистериозно и важно.

Фактът, че северноамериканският индианец не е бил очарован от монументалните изкуства, до голяма степен се дължи на факта, че той води до голяма степен номадски начин на живот. В още по-голяма степен това може да се дължи на неговия свещен страх и страхопочитание към природата, страх и нежелание да причини каквито и да е щети на живия свят около себе си. Природата беше свещена за него. Дори когато се мести от едно място на друго, той се опитваше да го направи по такъв начин, че да причини възможно най-малко щети на природата. Опитваше се да не оставя следи, стъпвайки по земята, движейки се буквално „на пръсти“; да не счупиш нито един клон, да не откъснеш нито един лист; премахна от лицето на земята всички следи от пожари и лагери. Опита се да се движи като лек вятър. И както видяхме, той се опита да направи дори гроба си скромен и незабележим. Някои индианци дълго време отказвали да използват плуга, предлаган от белия човек, въпреки че се занимавали със земеделие, защото се страхували, че железният плуг, който се разбива в тялото на майката земя, ще я нарани.

Въпреки това, въпреки че индиецът на практика не е бил запознат с онези видове изкуство, които се считат за най-значими (въпреки че миниатюрно произведение на изкуството може да бъде също толкова умело изпълнено и със същата стойност като фреска), но в създаването на "дом" , ежедневни неща, той постигна най-високо ниво. Оръжия, дрехи, бижута, предмети за религиозни ритуали са примери за изключителна изработка. На това ниво индианците от Северна Америка бяха ненадминати. Освен това, за разлика от нашето общество, сред индианците артистичните и творческите способности не са били дело само на ограничен кръг от хора. Индианците не смятаха тези способности за някакъв изключителен дар. Има всички основания да се смята, че колкото бързо тези способности избледняват и избледняват в нашето общество, толкова широко са се развили и разпространили сред индианците. Почти всеки индианец би могъл да направи кана или друг шарен керамичен продукт, да изплете кошница, да ушие кожени дрехи, да направи конска сбруя или да нарисува шарка върху боен щит или палатка типи. Повечето индийци имаха „златни“ ръце и „живи“ пръсти. На това ги научиха условията на живот; и техният постоянен контакт и общуване със света на дивата природа, божествата и свещените духове, откровения и видения, магически знаци и символи беше безкраен източник на творческо вдъхновение.

Отново подчертаваме, че онези примери за индийско изкуство, които днес могат да се видят в галерии и музеи, всъщност не представляват истинско, традиционно индийско изкуство във формата, в която е съществувало тогава. Индианците създават шедьоври от краткотрайни материали: кожа, дърво, пера, кожи. Тези образци, които въпреки активната си експлоатация и естествено въздействие са оцелели до наши дни, рядко са правени по-рано от средата на 19 век, тоест вече в онази епоха, когато влиянието на белия човек и неговата култура е било доста осезаемо. . За съжаление, много малко артикули от по-ранен период са достигнали до нас. Веднага щом европейците се появиха на континента, те веднага започнаха да търгуват с индианците, разменяйки ножове, брадви, пистолети, стъклени мъниста, месингови камбани и камбани, метални копчета, както и ярко оцветена вълна и памучни тъкани за кожи и кожи . Можем да кажем, че от средата на XVIII век. индианците вече бяха попаднали под влиянието на модата и вкусовите предпочитания на белия човек. От една страна, гамата от облекла и бижута сред индианците се разширява, а от друга страна, вкусът им, традиционно фин и изискан, се загрубява в хода на контактите с една индустриална цивилизация. Значителна част от това, което се състоеше от онези ярки и великолепни тоалети, в които индийските лидери са изобразени на снимки от 19-ти век. и на който толкова се възхищаваме, е купен от търговските компании на бели хора или от бели разносчици.

Въпреки това, използването на масово произведени европейски материали по никакъв начин не винаги е било вредно за индийската култура и изкуство. Въпреки че носеха, от една страна, външно пъстрота и яркост на сърмите, но, от друга страна, те дадоха възможност на индианците да изразят напълно богатото си въображение и да реализират копнежа си за ярки и богати цветови палитри, тъй като боите бяха само от естествен произход и материалите, които са използвали преди, не са имали такова разнообразие от цветове като промишлените, а понякога са били тъмни и избледнели. Разбира се, влиянието на европейците не беше само повърхностно. Това сериозно промени вкусовете, модата и стила на облеклото, а и самия външен вид на индианците. Преди да контактуват с белите, индийските мъже не са носели якета, ризи или връхни дрехи като цяло, а повечето индийски жени не са носели блузи. По-късно индийските жени попадат под магията на тоалетните на белите военни съпруги, които виждат в крепости и гарнизони. Те започнаха да носят коприна, сатен и кадифе, да се украсяват с панделки и да носят широки поли и пелерини. Днешните навахо, чието облекло туристите смятат за "традиционно индийско облекло", всъщност нямат много малка прилика със своите сънародници, живели преди 200 години. Дори известните бижута на навахо като цяло са модерни, но в никакъв случай древни. Индианците навахо са научени как да ги правят от сребърни майстори от Мексико през 50-те години на миналия век. XIX век. Животът на индианците се промени напълно, откакто испанците прекосиха Рио Гранде през 1540 г. и запознаха местните жители на Северна Америка с коне, огнестрелно оръжие и други странни и непознати досега неща.

Това, разбира се, не означаваше, че индианците са загубили традиционните си творчески умения и способности и са спрели да създават произведения на собственото си индийско изкуство. Индианците за първи път виждат белите преди четири века, а тяхната култура и оригиналните творчески умения и способности, които непрекъснато се развиват на нейната основа, са поне 30 пъти по-стари.

И във всичките пет основни области на разпространение на културите, които идентифицирахме на северноамериканския континент, има голямо сходство в инструментите и всички видове ръчно изработени продукти, въпреки че наличните суровини за тяхното производство в различните райони са различни. В горската зона дървесината беше основният материал; на равнините, кожи и кожи; племената на океанското крайбрежие са имали изобилие от морски раковини и материали, които са получавали от лов на морски животни. Въпреки споменатите различия в суровините, благодарение на разпространението на култури - дифузия и търговия - във всички области, дори и в тези, които не са били непосредствени съседи, наблюдаваме прилики в създадените там инструменти и произведения на изкуството.

Терминът "дифузия" археолозите и антрополозите се отнасят до начина, по който материалната и духовната култура се разпространява от един народ на друг. Материалните предмети, както и религиозните и културни идеи, могат да се разпространяват мирно: чрез смесени бракове или чрез установяване на съюзнически отношения между различни племена и общности. Те могат да се разпространят и в резултат на война: когато от мъртвите се свалят оръжия, дрехи и лични вещи; а също и когато вземат пленници, тоест започват да общуват с хора с различна култура, обичаи и традиции. Има взаимно влияние и понякога културата и традициите на пленниците постепенно могат да окажат много сериозно влияние върху тези, които са ги завладяли. Друг важен източник на разпространение на културите е миграцията на населението. Например, само благодарение на движението на голямо население от Мексико на север бяха възможни мексиканските културни игрища за топка, които са характерни за югозапада и могилите, които са толкова разпространени в югоизточната част на Северна Америка.

Още по времето на древните ловци в Северна Америка е имало родствено преплитане на различни култури. Това потвърждава повсеместното разпространение на върхове, остриета, стъргалки и други каменни инструменти, принадлежащи към различни култури: Clovis, Scotsbluff и Folsom. Търговията била широко разпространена сред почти всички племена, а някои се специализирали в нея. Moyawe търгува между Калифорния и югозападните региони и в двете посоки. Хопи са били опитни посредници в търговията със сол и кожи. Те също така успешно разпространяват червената охра, използвана за триене на тялото, включително по време на религиозни церемонии, която е добивана от техните съседи, Havasupai, в уединени и скрити от любопитни очи пукнатини на Гранд Каньон.

Вероятно е имало активна търговия с краткотрайни материали, както и с храни. Може да бъде сушено месо, царевично брашно и различни деликатеси. Например, знаем, че хората от културата на Хохокам са изнасяли сол и памук. Но разбира се, повече информация за търговските операции ни предоставят открити инструменти, изработени от трайни материали като камък и метал. Преди повече от 10 000 години кремъкът от мините Elibates в Тексас се разпространяваше активно в други райони, а кремъкът от Flint Ridge в Охайо беше изпратен до Атлантическия бряг и до Флорида. Обсидианът, както черен, така и лъскав, беше много търсен. Добиван е само на няколко места в югозападната част, а оттам се доставя в райони, намиращи се на хиляди километри от мястото на добив. Вече можехме да видим колко голямо търсене в Минесота добиват катлинит, от който са направени "тръбите за мир".

Когато едно племе процъфтява и особено когато започва да води уреден начин на живот и строи изящни и скъпи къщи, то също има възможност да купува луксозни предмети. Хората от културата Хоупуел, една от най-колоритните древни индийски култури, се нуждаеха от огромно количество много скъпи материали, за да поддържат демонстративно луксозния и „разходчив“ начин на живот, който са водили, да не говорим за също толкова скъпите церемонии на погребението на мъртви, включително изграждането на гигантски гробни хълмове. От Алабама донесоха нефрит; от планините Апалачи - слюдени плочи и кварцови кристали; от Мичиган и Онтарио, парчета кована мед и ковано сребро. Освен това хората от културата Хоупуел внасят и една от най-търсените стоки на континента по това време: морски раковини.

Хората от Cochise от днешна Аризона са внасяли морски раковини от тихоокеанското крайбрежие преди 5000 години. Техните преки потомци - хората от културата Хохокам - придобиха от рибарите от далечна Калифорния пълен набор от различни черупки: кардиум, оливела и други разновидности. Черупките бяха особено привлекателни поради необичайната си оригинална форма и цвят; те сякаш държаха в себе си мистерията и безкрайността на океанските дълбини. Художниците на Хохокам са използвали големи черупки от миди, за да рисуват шарки върху тях; те са първите в света, които използват метода на гравиране чрез ецване и поне три века по-рано, отколкото е използван в Европа. Върху повдигнатите части на черупката се нанася слой смола, а върху отворената част се нанася киселина, която се получава от ферментирал сок от сагуаро.

В скалните „селища-къщи“ и в пуебло на югозапад от раковини са издълбани пръстени, висулки и амулети, следвайки традициите на хората от културата Хохокам, както в миналото, така и сега. Бижутерите от пуебло, особено зуни, украсяват своите бижута с перли, корали и уши; а по време на церемонии и фестивали можете да чуете звука на тръби, направени от черупките на гигантска мида, които са взети от дълбините на океана преди няколко века. Хората, построили могили в югоизточните райони, също свиреха на тръби, направени от гигантски миди и пиеха своята „черна напитка“ от купи, които бяха гравирани черупки. От черупките на коремоногите мекотели са били изработени гравирани колиета, които са носени на гърдите от жреци и племенни водачи.

По-малки черупки като колумела, каури и маргинела са били използвани за направата на орнаменти за пелерини, шапки, колани и глезени; в северната част на равнините стана модерно да се използва назъбена черупка - денталиум, не само като украшение, но и като средство за плащане. Дълго време тази черупка е била използвана като пари от индианците хупа и други племена от централна Калифорния, които са я придобили на остров Ванкувър, разположен далеч на север.

Всяка черупка имаше ясно фиксирана стойност в зависимост от размера.

Най-известният пример за използването на мъниста и като украса, и като средство за плащане е вампумът, използван от племената на ирокезите и алгонкините.

Вампумът ​​се състоеше от множество дискове или тръбички от черупки в бяло, светлокафяво, лилаво и лавандула; всички те бяха внимателно изработени и полирани и съединени заедно под формата на колан. Използвани са по време на важни ритуали; по-специално, вампумът ​​се предаваше с лулата на мира като символ на приятелството и помирението. Английските и холандските заселници много бързо се ориентираха и пуснаха производството и продажбата на вампуми. Фабриката за тяхното производство работи в Ню Джърси до Първата световна война. Днес вампумът ​​е основна украса на индианците; носи се самостоятелно или между редове мъниста или тюркоазени, корали и други камъни.

Индианците са умеели умело да правят мъниста от черупки и камъни от древни времена; мънистата бяха внимателно изрязани от черупката, пробити и полирани. Изработването на мъниста на ръка беше много трудоемък бизнес и индианците бяха силно впечатлени от европейските мъниста, направени по индустриален начин: както в количество, така и в богато разнообразие от цветове. В резултат на това целият стил на индийското облекло се промени. Колумб записва в бордовия си дневник, че когато за първи път излезе на брега и предложи лилави стъклени мъниста на индианците, „те ги хванаха и веднага ги сложиха на вратовете си“. През XVI-XVII век. бели търговци - испанци, французи, англичани и руснаци - продавали на индианците много големи и големи стъклени мъниста от различни видове. Повечето от тях бяха много умела работа на стъклодухачи от Испания, Франция, Англия, Холандия, Швеция, Венеция. Продуктите са получили такива запомнящи се имена като "Padre", "Cornalin d'Aleppo", "Sun" и "Chevron". Днес те са в същото търсене сред колекционерите, както тогава са били сред индианците.

Поради големия размер на мънистата, продуктите са били използвани основно като колиета. Когато през 1750 г. се появяват по-малки мъниста – „Пони мъниста“ (наречено е така, защото белите търговци са носили чанти с него на понита) и „Зърнести мъниста“ – индианците започват да го шият върху дрехи или да правят изделия с мъниста на тъкачна машина. Скоро мъниста практически измести декорацията на продукти с перо или пера от дикобраз. В съвременната епоха мъниста с тюркоазен цвят от сорта Хъбъл, произведени през 20-те години на миналия век, се радват на най-голям успех на югозапад. 20 век в Чехословакия. Той беше продаден на индианците навахо на търговско изложение в Аризона и имаше такъв успех, че индианците го размениха за парчета истински тюркоаз. С течение на времето на различни места се появяват свои собствени стилове на мъниста, различаващи се както по цвят, така и по модел, който представляваше или геометрични форми с различни форми и комбинации, или вид естествен пейзаж. Декорациите бяха нанесени върху дрехи, завеси и домакински прибори по различни методи: на равнините и прилежащите на северозапад плата - с ленив шев; на северозапад - на петна; ирокезските племена са използвали релефна украса и подплата; мрежова бродерия и ажурни шевове са използвани в Калифорния и югоизточната част на Големия басейн; в южната част на прериите правеха плетени гънки; Чипева, Уинебаго и други племена от района на Големите езера са използвали малък стан за тази цел. Модели с изключителна красота и качество все още се правят в индианските резервати в щатите Айдахо, Северна Дакота, Оклахома, Ню Мексико и Аризона.

Въпреки че декорациите с пера и пера от дикобраз са отстъпили място на мъниста, те все още са на мода сред редица племена. Днес орелът, ястребът и други птици, чието оперение е било използвано в бой и други шапки от висящи редове пера, са под закрилата на държавата. Белите търговци започнаха да използват щраусови пера, боядисани в ярки цветове; и, ако е необходимо, пуешки пера. На религиозни фестивали и церемонии в пуебло на Рио Гранде ще видите много хора с пернати шапки, маски, в празнични дрехи с молитвени пръчици в ръце. Дикобразът също вече се превърна в рядко животно. Сега изящните дизайни и орнаменти на иглите му вече не се прилагат за дрехи и домакински прибори в североизточните щати и северните равнини, където това животно някога е било намерено в изобилие. Ирокезите, хуроните, Отава, Чипева и Уинебаго, както и сиуксите, арапахо и шайените се специализираха в подобни декорации. Перлата от дикобраз, дълги 12,5 см, се накисват в сапунена вода, за да станат гъвкави и след това се нанасят върху материала чрез огъване, шиене или увиване. Често декорации от мъниста и перо от дикобраз се прилагаха едновременно: гладки полирани пера добре засенчваха местата, покрити с мъниста. Освен мъниста и перо от дикобраз, косата се използвала за художествена украса в тъкането; използвано е и в бродиране, тъкане и плетене. Както отбелязахме в първата глава, хора на културата анасазиотрязвали косите на мъртвите и ги използвали за накити, както и за плетене на мрежи. Освен това често се използвали косми от коне и кучета, а в равнините - косми от лосове и бизони.

В трета глава говорихме за методите за получаване на кожа за изработка на дрехи и за други цели; и по-рано вниманието беше насочено към факта, че костите, рогата и рогата на други животни са основната суровина за производството на неща, необходими за човека още от времето, когато първите древни ловци добивали месо, кожи и бивни на мамути и мастодонти. Говорихме и за оръдия на люспести камъни, които първите ловци знаеха да правят много преди 20-ти век. пр.н.е д.

Металните инструменти са въведени на северноамериканските индианци чак при техните ловни колеги в Европа. По това време те вече са били използвани в други области, които са били един вид „културни центрове“ и изпращат културни импулси по света. Единственото изключение бяха медните продукти. В Северна Америка са знаели как да работят с мед още при разпространението на културите от ранната медна епоха през архаичния период; основните "медни" центрове бяха Уисконсин, Минесота и Мичиган. В онези безкрайно далечни времена - през V-III век. пр.н.е д. - талантливи майстори от района на Големите езера вече са изработили, може би първите в света, медни върхове на стрели и копия, както и ножове и брадви. По-късните култури Адена, Хоупуел и Мисисипи, особено тези от последната култура, които изповядват южния култ към мъртвите, изработват отлични медни орнаменти под формата на чинии и чинии, както и висулки и приложни орнаменти. Известните богато украсени, богато украсени медни чинии, които бяха арогантно унищожени в споменатия потлач, бяха направени от листове от кована мед. Въпреки това, въпреки тези постижения, обработката на медта се извършваше по примитивен начин. Стопяването беше неизвестно; медта се добива от най-чистите рудни жили, след това се сплесква с чук и когато достига достатъчно меко и гъвкаво състояние, се нарязват листове с необходимата форма. На тях директно е гравиран модел с помощта на резци от камък или кост. Медта се обработваше по студен начин; понякога, вероятно, е било нагрявано на огън, преди да бъде изковано. Използването на калъпи за леене от камък или глина беше напълно неизвестно. Други метали, като атмосферно желязо, олово и сребро, бяха обработени по същия студен начин като медта, но от тези метали се правеше малко работа.

Когато европейците научиха индианците на по-прости и по-надеждни начини за производство на сребро, страстта към сребърните бижута просто завладя цялата индийска общност. Европейците продавали листово сребро на индианците или самите те изработвали листове, използвайки сребърни кюлчета и монети, получени от европейците в хода на търговията. Към 1800 г. ирокезските племена от района на езерата, както и племената на равнините, вече правят сребърни брошки, копчета, обеци, висулки, гребени, катарами, колиета, гривни и браслети. Първоначално продуктите напълно копират английски, канадски и американски дизайни. Скоро индианците започнали да купуват немско сребро, което всъщност не било сребро, а сплав от цинк, никел и мед. Беше по-евтино в сравнение с чистото сребро, което позволи на индианците не само да увеличат производството на сребърни изделия, но и да ги изработят по собствен, оригинален дизайн - това се отнася както до вида на продукта, така и до неговата художествена обработка.

Сребърните изделия дължат своята популярност в югозападните райони на номадските племена от равнините, които са били връзката между тези региони и заселения северозапад. Почти веднага тук се появяват сребърни майстори от Мексико, които обучават индианците на "леене на пясък" с помощта на калъпи от туф и пемза. Мексиканците също така показаха своя испански и испански колониален стил на изработка на сребърни прибори. Тези стилове бяха бързо и добре възприети от навахо, които започнаха да ги прилагат брилянтно в тяхната собствена оригинална интерпретация. Днес, повече от век по-късно, сребърните бижута на навахо представляват едно от най-добрите постижения на съвременното американско изкуство; традициите на навахо и техните съседи, зуни и хопи, с които някога са споделяли тайните на майсторството, адекватно развиват традициите на навахо.

известни колани кончоа типичните навахо гривни са дело на занаятчии от Plains; а формата на мънистата и копчетата, използвани от навахо, сребърните орнаменти за седла и сбруи и „тиквената огърлица“, наподобяваща венец от разцъфнали тиквени цветя, са заимствани от испанците. Колието наподобява по форма закопчалката на шлема на испанския кавалерист от времето на Кортес; той също имаше ная -талисман-амулет във формата на обърнат полумесец, който ездачът закача на гърдите на коня - негов верен боен приятел. За испанците подобен талисман е вдъхновен от герба на маврите по време на превземането на Испания от Арабския халифат; гербът на маврите беше точно във формата на полумесец.

Обикновено сребърните предмети на навахо бяха направени от едно парче метал и бяха доста големи и масивни, а ако бяха обсипани с парчета тюркоаз, те изглеждаха още по-впечатляващо. Бижутата на Zuni бяха скромни и миниатюрни в сравнение с тях. Те са представени основно от деликатно изпълнени грациозни изображения на птици, пеперуди, насекоми и митологични същества, умело съставени от черен кехлибар, корал, гранат и малки парченца тюркоаз; всеки продукт е невероятна многоцветна мозайка, която привлича и радва окото. Зуни също са признати майстори на инкрустиране и прилагане на миниатюрни канали и вдлъбнатини върху предмети. Що се отнася до хопи, продуктите на техните майстори наподобяват тези на майсторите зуни в миниатюра и изящество; обаче хопите рядко използват цветни камъни, а сребърните им изделия са гравирани, чиито мотиви наподобяват шарки върху керамични изделия от същото племе. Хопи често използват техниката "наслояване": два листа сребро са споени заедно, като долният е почернен от добавянето на сяра; по този начин се осигурява контраст в продукта - светлите и тъмните слоеве сребро взаимно се засенчват.

Навахо, зуни и хопи никога не са имали възможност сами да добиват сребро – дори по време на истинския „сребърен бум“ в югозападните региони. Въпросът беше не само и не толкова в техническите трудности, а във факта, че белите отдавна бяха сложили лапа върху всички недра и минерални отлагания. Първоначално майсторите навахо бижутери са използвали мексикански песо и американски долари като суровина, а когато им е забранено да го правят, започват да купуват кюлчета и кюлчета от дилъри. Днес те купуват както сребро, така и тюркоаз от търговци, които от своя страна ги взимат в Азия, Близкия изток и Мексико. Много често тюркоазът в днешните бижута е фалшив: всъщност не е тюркоаз, а "коктейл" от стъкловидна маса и цветно стъкло. Сега много малко истински тюркоаз се добива на югозапад, но качеството му, уви, не е високо; 12-15 основни находища от този регион, където се е добивал, сега са изчерпани, но качеството на тюркоаза беше забележително и веднага беше забелязано от опитно тренирано око. За съжаление по-голямата част от днешните „бижута на навахо“ изобщо нямат нищо общо с индианците, а се произвеждат масово в Япония и Тайван, както и от бели бизнесмени в Албакърки или Лос Анджелис.

Самите индийци, разбира се, не понижават качеството на своите продукти, още по-малко се спускат към фалшификати; те бяха принудени да наблюдават как глутница мошеници и мошеници безсрамно използва голямото търсене на тези продукти, създадено с усилията на занаятчиите на навахо, като всъщност обезценява пазара за индианците и дискредитира самите продукти. През последните векове тази тъжна картина стана позната на индианците.

Тъкането на кошници и грънчарството бяха някои от дейностите, при които творческият гений на американските индианци може би най-очевиден. Именно тази област на индийското изкуство, както и тъкането, на която ще се спрем малко по-късно, може да послужи като мярка за това колко изтънчена, дълбока, отворена към красотата е била душата на един индиец. Белият човек не използвал копия и върхове на стрели; пера, морски раковини, животински кости и рога, бизонови кожи, типи, томахавки и тотемни прътове означаваха малко в живота му. Въпреки това всеки ден той трябва да използва кошници, керамика и различни съдове и съдове, както и да покрива леглото си с одеяла. Следователно той може да сравни тези неща от ежедневната си употреба с тези, които заобикалят индианеца. И ако е честен със себе си, ще бъде принуден да признае, че нещата, които индианецът използва, не само не са по-лоши, но и в много отношения по-удобни, и по-полезни, и външно по-привлекателни.

В областта на плетенето на кошници и грънчарството индианците нямаха равни; до голяма степен това е вярно и днес. Интересно е да се отбележи, че плетенето на кошници се счита за по-трудно от изработването на грънчарство и поради това изглежда е „по-младо“ на възраст. Известно е обаче, че преди най-малко 10 000 години в сухите райони на запад, където „пустинните култури“ са били широко разпространени, от Орегон до Аризона, древните ловци са могли да правят плетени и пръстеновидни кошници, както и сандали и ловни капани и капани, като се използва същата техника. По същото време в Америка се появяват първите керамични изделия, според датирането на откритите археологически находки едва около 2000 г. пр.н.е. д., тоест 6000 години по-късно, отколкото индианците са усвоили изкуството да тъкат кошници.

Колкото и да е странно, керамиката за първи път се появява и е широко разпространена не на югозапад, който е лидер на различни видове културни постижения и иновации в сравнение с други области и където селското стопанство е познато от 1000 години, а в югоизточната част на горската зона, където селското стопанство е било непознато. Керамиката се появява на югозапад едва около 500–300 г. пр. н. е. пр.н.е д. Но творческият творчески импулс и в двете области идва от древно Мексико, което през цялата история е имало по-високо ниво на култура в сравнение с районите, разположени на север. Отново трябва да се има предвид, че по това време не е имало граница между Централна и Северна Америка, не е имало разделителна линия, която да пречи на хората да пресичат Рио Гранде; те се движеха тихо, носейки със себе си своите вещи, обичаи и традиции.

В крайна сметка изкуството на плетене на кошници достига по-високо ниво на югозапад, отколкото на югоизток и във всяка друга област. Въпреки това, всички индиански племена в Северна Америка бяха добре запознати с това изкуство. Правеха кошници за съхранение, за пренасяне на товари, за готвене. Кошниците бяха както малки, така и огромни; както кръгли, така и квадратни; с бримки и дръжки. Кошница-кутия, кошница-сито, кошница за мелене, кошница за измиване на царевица и жълъди, кошница за биене на семена, кошница-раница, кошница-капан за птици и риби, кошница-шапка, постелка, бебешка люлка и люлка, празнични кошници церемонии , кошници за използване по време на сватби и погребения - всичко това е майсторски изработено от индианците. Ямите за съхранение на храна бяха покрити с клони, клонки и тесни ивици кора; това подтикна идеята за тъкане на рогозки. Входовете на пещерите и къщите бяха окачени с рогозки и плетени завеси, за да не влита прах и да не излиза топлина. Те увили и телата на загиналите. Кошниците бяха изтъкани толкова плътно, че в тях можеха да се носят храна, семена и вода. В кошници готвеха храна във вряща вода, праха дрехи, боядисваха дрехи, а също и варяха тисвин -Индийска бира и други подобни алкохолни напитки. За тъкането е използвано голямо разнообразие от материали: на югозапад, по-специално, са използвани тръстика, меча трева, върба и смрадлика; на югоизток - тръстика, дъб, корени и кора на растенията; на североизток сладка трева, твърда дървесина, кедър и липа; в равнините лешникова и биволска трева; в Калифорния и на северозапад, смърч, кедър, черешова кора и "индийска трева". Почти всеки естествен материал под ръка може да бъде изпарен, боядисан и направен достатъчно ковък и удобен за тъкане.

Самите продукти бяха толкова разнообразни, колкото и материалите, от които са направени. Имаше три основни начина за работа със суровини и изработка на готови продукти: тъкане, сплитане и навиване. Продуктите се различават със забележително разнообразие както по форма, така и по чертеж. Изображенията представляват или геометрични фигури и техните комбинации, или са свързани с човек или природни мотиви. Готовите предмети често бяха украсени със звънци, пера, черупки, ресни от еленска кожа, мъниста, перо от дикобраз или други украшения. Дивата и богата фантазия на индиеца, неговият неизчерпаемо дълбок и ярък вътрешен свят са напълно отразени в онези прекрасни произведения на изкуството, които са били и са изработените от него плетени изделия. Досега кошници с високо художествено качество се изработват от жителите на пуебло, апачи и навахо и особено индианците пима и папаго, живеещи в Аризона. Такива кошници са скъпи, тъй като производството им изисква много усилия и време. Създадени са за творческо себеизразяване, както и за музеи и тези туристи, които имат висок художествен вкус и умеят да ценят красотата. Ако индианец Пима или Папаго се нуждае от някакъв контейнер за лична употреба, днес му е по-лесно да си купи метален продукт в магазин. Класическите кошници датират от онази епоха в развитието на човечеството, включително и на индианците, когато придават по-голямо значение на целта и качеството на нещата, отколкото сега.

В западните и югозападните райони техниката на плексусите и пръстените беше разпространена; на изток продуктите са били „плетени“. При производството на керамика са използвани и различни техники. На запад и югозапад се изработвали изделия чрез нанасяне на един пръстеновиден пласт глина върху друг, а на изток и югоизток глината се заглаждала отвътре или отвън на каната, която служела за форма или шаблон. Грънчарското колело било непознато. Керамиката не е била толкова повсеместна, колкото ракита; в много райони, включително Калифорния и северозападната част, той изобщо не се произвежда, а се използва само за кошници и други плетени изделия.

Керамиката в основните райони на разпространението си - на югозапад и изток - е сходна както по форма, така и като цяло. По отношение на видовете и формите на продуктите, индианската керамика беше много по-консервативна в сравнение с плетената ракита. Оригиналността беше главно в рисунките и шарките върху керамика, въпреки че хората от култовете на мъртвите Хоупуел, Мисисипи и Южните изработваха изделия под формата на фигури на хора и животни; днес тази традиция се продължава от индианците Пуебло. Рисунката е направена с боя или гравирана с костни и каменни резци; или е щампован с пръсти, шнур, както и дървени печати и матрици. Скромен брой видове и форми на продукти бяха напълно компенсирани от сочно и многоцветно оцветяване: бели, кафяви, червени и жълти бои, заедно и поотделно, бяха нанесени с четки, парцалени петна или кичури козина. Боите се нанасят върху мократа повърхност на продукта преди топлинна обработка на разреден огън. Стабилен черен нюанс се постига чрез овъгляване на малък затворен пламък. След изпичане продуктите с най-добро качество се полират със специално устройство от кост или камък или се търкат с влажна кърпа, за да им се придаде сатенен блясък и яркост. За да бъде крайният продукт особено искрящ и искрящ, понякога глина се смесвала с цветен пясък или частици слюда.

Най-добрите образци на днешната индианска керамика се правят на югозапад. Благодарение на творческите усилия на индианците, живеещи тук, през последните 50 години наблюдаваме възраждане и истински прилив на интерес както към керамиката, така и към други ръчно изработени творения на индийски майстори. Разбира се, керамика не се прави във всички пуебло на югозапад. На някои места уменията на това изкуство вече са загубени, на други акцентът е върху по-изгодното производство на бижута, а някъде се правят прости предмети само за домашна употреба. Продуктите с най-високо качество се произвеждат в пуеблота на Сан Илдефонсо, Санта Клара, Сан Хуан, Акома и Зия. Именно в Сан Илдефонсо изключителните майстори на керамика Мария и Хулио Мартинес създават своите прекрасни образци през 1919 г., в които дизайн, направен с матова черна боя, е нанесен върху полирана черна повърхност. Хулио Мартинес наруши традицията, че керамиката се изработва само от жени.

Дванадесет години по-късно жителка на същото пуебло Розали Агиар започва да прави известни продукти с инкрустирани шарки. От останалите племена на югозапад, които са запазили традициите в производството на грънчарство, трябва да се отбележи хопите, които произвеждат, макар и в ограничено количество, кани с невероятно качество, и марикопа, които правят прекрасни вази и великолепни кървавочервени кани с висок врат.

През 1900 г. брилянтна индийка на име Нампейо започва да прави керамика в духа на древните традиции на индианците хопи. Въпреки това, днес хопите са известни с повече от своята керамика и сребърни бижута; те са известни преди всичко с кукли - "качини". Изкуството да се издълбават тези фигурки с височина от 7,5 до 45 см от парче памук не е древно; те са били собственост от по-малко от сто години. Тези кукли са направени, за да помогнат на децата да запомнят 250-те мъжки и женски божества, които представляват качините. Но ако самите фигурки не са древни, то изобразените от тях свещени духове, които живеят в планините в Северна Аризона и идват всяка зима в селата на хопи, със сигурност са. Едно от тези села, Oraibi, разположено на височините на Hopi Sord Mesa, е може би най-старото постоянно населено място в Съединените щати.

„Качините“ бяха направени по следния начин: върху основата беше нанесен слой бял каолин, отгоре - ярко оцветен модел и многоцветни декорации от пера. Ръцете, краката, главата, шапката на куклата, както и предметите, с които е изобразена, са направени отделно и след това внимателно залепени към основата. Тези оригинални фигурки са прекрасен пример за миниатюрно изкуство. Тъй като това не са култови предмети, а обикновени изображения, не се счита за неетично да ги купите. И посетителите се радват да придобият тези очарователни малки шедьоври, изобразяващи божество или индианец, преоблечен като такъв, изпълняващ ритуален танц по време на религиозен празник.

Индианците хопи сега наброяват по-малко от 6000; Най-доброто индийско изкуство на Пуебло се произвежда от занаятчии от половин дузина селища с по-малко от 5000 жители. Най-голямото индианско племе на югозапад е навахо, с население от около 80 000 души. Те са поносими "кошничари", безразлични към керамиката и, разбира се, изключителни майстори в производството на изкуствени сребърни прибори. Въпреки това, трябва да се отбележи по-специално областта, в която те са демонстрирали наистина неподражаем стил на собствен и оригинален стил през последните няколко века: тъкане.

Тъкането е познато в Северна Америка от древни времена. Хората от културите Адена и Хоупуел са правили неща от текстил преди 2000 години и след кратко време това изкуство се разпространява в Калифорния и региона на Големите равнини. Продуктите по това време се правеха на ръка, без стан. От използваните техники може да се назоват плетене, бродерия с тамбур, бримка, мрежа, гънки, усукване и други методи на ръкоделие. Безспорните лидери в тази област бяха индианците от северозападната част на Тихия океан, особено чилкатите, които живееха в далечния север, на границата между Аляска и Канада. Чилкатът, издънка на тлинкитите, изработва ризи за рокли, както и одеяла, кувертюри и прочутата наметка, използвайки смес от парчета кедрова кора и косми от планинска коза, боядисани в бяло, жълто, синьо и черно. Тези продукти са в голямо търсене сред колекционери и колекционери на образци на художественото народно изкуство. Подобно на Салиш в Северна Калифорния, които изработват вълнени одеяла и кувертюри с много високо качество, Чилкат започва да използва елементарна тъкачна рамка, която се обработва ръчно.

Истинският стан влезе в употреба само на югозапад. Тук хопите постигнаха голям успех в тъкането; той също получи известно разпространение сред индианците Пуебло. Но именно навахо донесоха технологичния напредък в тази област: започвайки с обикновен стан за колан, при който единият край беше прикрепен към колана на тъкача, а другият беше фиксиран около дърво или един от поддържащите стълбове на жилището, те го подобри до сложен вертикален стан. Възможно е американският югозапад да е мястото на неговото изобретение. Първоначално като суровина са използвани растителни влакна и животински косми; след това започват да използват памучен конец, а от 1600 г. нататък - овча вълна, която става достъпна, след като испанските заселници, дошли в Ню Мексико, носят със себе си стада овце. Днес главните тъкачи в района са навахо, които са научили изкуството от пуеблоанците през 1700 г. Те правят одеяла и кувертюри в смели дизайни и цветове на редица места в обширната територия на резервата на навахо. Сред известните със своите майстори места са Чинле, Назлини, Клагето, Ти-Но-По, Лукачукай, Ганадо, Широките руини и още две дузини.

Изкуството на тъкане се практикува от жените навахо. Но изкуството на пясъчните рисунки вече е прерогатив на мъжете. Изпълнението на такива рисунки беше от компетенцията на шамана, тъй като те имаха не само религиозна, но и лечебна цел. Болният седнал на земята и докато четел молитви и пеел песнопения, шаманът започнал да рисува картина около него в пясъка. С напредването на рисунката болестта трябваше да навлезе в нея и божествата, изобразени на рисунката, трябваше да разкрият своите чудодейни сили. След това, при залез слънце, рисунката беше изтрита от лицето на земята и болестта трябваше да изчезне заедно с нея. Рисуването в пясъка беше обичайно сред навахо, папаго, апаши и пуебло; въпреки че трябва да се каже, че терминът "рисуване с пясък" или "рисуване в пясъка" е неточен и подвеждащ. Само основата, върху която се нанася рисунката, се състои от пясък; самата рисунка се нанася не с цветни бои, а с натрошени на прах цветни материали: растения, въглен и цветен прашец, които умело се изливат на тънка струя между пръстите върху пясъка. За да се направи такава рисунка, бяха необходими точност, търпение и издръжливост и изключителна памет, тъй като беше необходимо да се възпроизведе точно традиционната рисунка, предвидена от ритуала в пясъка, и само по памет.

В живописта, както и в бижутата, кошничарството и грънчарството, югозападният регион е бил в челните редици на Ренесанса на индианците, който се наблюдава в последно време. Неговото ръководство отчасти се дължи на факта, че жителите на този район избягват унищожаването на техния бит и култура, пред което са изправени племената от източното и западното крайбрежие, както и пълното изселване и прогонване от родните им земи, което индианците от равнините и югоизтока изпитаха. Индианците от югозапад са преминали през унижение и бедност и периоди на горчиво изгнание и изгнание; но като цяло те успяха да се задържат на земите на своите предци и успяха да запазят определена приемственост на бита и културата.

Като цяло в Съединените щати има много художници от различни школи и направления; но това е толкова голяма страна, че има много малка връзка между различните културни центрове; съществуването и плодотворната дейност на изключително надарени и талантливи художници може да не са известни в далечните Ню Йорк и Лос Анджелис. Тези два града не са същите културни центрове като Лондон, Париж и Рим в техните страни. Поради тази причина съществуването в югозападната част на уникална школа от индийски художници, ако не се пренебрегне, не е изиграло роля, сравнима с талантите, които представлява. В по-малка страна подобна оригинална посока със сигурност би получила незабавно и дългосрочно признание. В продължение на половин век индианските художници от Югозапада създават прекрасни произведения с жизнена оригиналност. Интересът към тях, както и към индийската литература, дава надежда за нарастващата роля на индийското изкуство в цялата американска култура.

Малко след края на Първата световна война, малка група бели художници, учени и жители на и около Санта Фе създават движение, което става известно като движението Санта Фе. Те си поставят задачата да запознаят света с мощния творчески потенциал, който притежават индианците. В резултат на техните усилия през 1923 г. е създадена Академията за индийски изящни изкуства. Тя помага на художниците по всякакъв възможен начин, организира изложби и в крайна сметка Санта Фе се превръща в един от най-важните центрове на изящните изкуства в Съединените щати и еднакво важен както за индийските, така и за белите художници.

Изненадващо, люлката на съвременното индийско изкуство е Сан Илдефонсо, малко селище на пуебло, където по това време са се издигнали известните майстори на керамика Хулио и Мария Мартинес. Дори днес Сан Илдефонсо е един от най-малките пуебло; населението му е само 300 души. Още по-изненадващ е фактът, че основателят на движението за възраждане на индийското изкуство е Кресченсио Мартинес, братовчед на Мария Мартинес. Crescencio (Moose Abode) е един от младите индиански художници, които в началото на 20 век. експериментира с бои на водна основа по примера на белите художници. През 1910 г. той вече работи много ползотворно и привлича вниманието на организаторите на движението Санта Фе. За съжаление той почина преждевременно от испанския грип по време на епидемия; това се случва през 1918 г., когато той е само на 18 години. Но инициативата му беше продължена; скоро вече има 20 млади художници, работещи в Сан Илдефонсо; заедно с талантливи грънчари, те работиха ползотворно в тази малка Атина на брега на Рио Гранде.

Техният творчески импулс прониква в околните пуебло и в крайна сметка достига до апачите и навахо, привличайки ги в тази „творческа треска“. В самия Сан Илдефонсо се появява друг известен художник – това е племенникът на Кресченцио на име Ава Цире (Алфонсо Ройбал); той беше син на известен грънчар и имаше кръв от навахо във вените. От другите изявени майстори на изкуството от периода на този прилив на творческа енергия, наблюдаван през 20-30-те години. През 20-ти век могат да се нарекат таоските индианци Чиу Та и Ева Мирабал от пуебло Таос, Ма Пе Уи от пуебло Зия, Руфина Вигил от Тесуке, То Пау от Сан Хуан и индиецът хопи Фред Каботи. В същото време на преден план излиза цяла плеяда художници от племето навахо, известно със способността си бързо да усвоява и оригинална, оригинална обработка на творчески идеи; ето имената на най-известните от тях: Кийтс Бигей, Сибил Язи, Ха Со Де, Куинси Тахома и Нед Нота. Говорейки за апашите, трябва да се спомене Алън Хаусър. И като че ли за капак, в същото време собственото художествено училище на Кайова е създадено в равнините с финансовата подкрепа на белите ентусиасти; Джордж Кебоун се смята за основател на това училище. И индийският художник от Сиу Оскар Хауи повлия на развитието на цялото индийско изящно изкуство.

Днес индианското визуално изкуство е един от най-бързо растящите клони на дървото на американската скулптура и живопис. Съвременният индийски художник се доближава до абстрактни и полуабстрактни мотиви, добре познати от традиционните индийски шарки върху кожени изделия от мъниста и перо от дикобраз, както и върху керамика. Проявявайки все по-голям интерес към миналото си, индийските художници се опитват да преосмислят мистериозните геометрични изображения върху древна керамика и да намерят нови творчески подходи и решения, базирани на тях. Те изучават такива тенденции в съвременното изкуство като реализъм и перспектива, за да намерят собствен оригинален стил, базиран на тях. Те се опитват да съчетаят реализъм с фантастични мотиви, вдъхновени от природата, поставяйки ги в ограничено двуизмерно пространство, което отново предизвиква аналогия с изкуството на Древен Египет. От древни времена индийските художници са използвали ярки, чисти, полупрозрачни цветове, често само основните компоненти на цветовата схема, като същевременно се придържат към отделни цветови символи. Следователно, ако в очите на бял човек той види само обикновен модел, тогава индиецът, който гледа картината, прониква много по-дълбоко в нея и се опитва да възприеме истинското послание, идващо от художника, създал картината.

В палитрата на индийския художник няма място за мрачни тонове. Той не използва сенки и разпределение на светотини (това, което се нарича игра на светлина и сянка). Усещате простора, чистотата на околния свят и природата, кипящата енергия на движението. В творбите му се усещат безкрайните простори на американския континент, което много силно контрастира с мрачната, затворена и тясна атмосфера, излъчвана от картините на много европейски художници. Произведенията на индийския художник може би могат да се сравнят, макар и само по настроение, с жизнеутвърждаващите и отворени към безкрайност платна на импресионистите. Освен това тези картини се отличават с дълбоко духовно съдържание. Те само изглеждат наивни: имат дълбоки импулси от традиционните религиозни вярвания.

През последните години индиански художници успешно експериментират с абстрактното движение на съвременното изкуство, комбинирайки го с онези абстрактни мотиви, или поне изглежда така, открити в кошничките и керамиката, както и подобни мотиви на религиозни знаци и символи. Индианците показаха способности в областта на скулптурата; те успешно завършиха обширни стенописи, преливащи една в друга и за пореден път доказаха, че в почти всяка форма на модерно изкуство техният талант и въображение могат да бъдат търсени и във всяка една от тях ще могат да покажат своята оригиналност.

Може да се заключи, че въпреки общия упадък на традиционните индийски художествени форми (въпреки че има редица много важни изключения от тази тенденция), индийците не само не са пропилявали своята креативност и не са загубили творческите си способности, но се опитват все по-активно да ги прилага, включително и в нови, засега нетрадиционни за тях направления. Когато индийският народ навлиза в 21 век. с надежда и непрекъснато нарастваща енергия интересът ще расте не само към отделните индийски художници, но и към индийците като цяло; на духа им, на отношението им към живота и начина на живот. От своя страна изкуството на белия човек ще бъде обогатено само чрез поглъщане на ярката и уникална идентичност на индийското изкуство и цялата индийска култура.

От античното изкуство се е запазил обичаят геометризиране на растителни и животински форми в орнамента. Има орнамент, подобен на гръцкия меандър. Особен интерес представляват издълбаните тотемни стълбове, направени от един ствол на дърво. Геометризацията на техните изобразителни елементи е толкова силна, че в процеса на адаптиране към триизмерната форма на колоната отделните части се отделят една от друга, естествената връзка се нарушава и се появява ново оформление, свързано с митологичните представи. на "световното дърво". В такива изображения очите на риба или птица могат да бъдат върху перките или опашката, а клюнът - на гърба. В Бразилия рисунките на американски индианци са изучавани от известния антрополог К. Леви-Строс. Той изследва техниките за едновременно изобразяване и "рентгеново" изображение.

Индианците майсторски владееха техниката на обработка на дърво. Имаха бормашини, тесели, каменни брадви за дървообработване и други инструменти. Знаеха как да режат дъски, да режат къдрави скулптури. Те правеха къщи, канута, работни инструменти и тотемни стълбове от дърво. Изкуството на тлингит се отличава с още две характеристики: многофигурно - механично свързване на различни изображения в един обект и поли-иконично - поток, понякога криптиран, скрит от майстора, плавен преход от едно изображение към друго .

Живеейки в дъждовния и мъглив климат на морския бряг, тлинкитите изработват специални пелерини от тревни влакна и кедрово личе, които приличат на пончо. Те служеха като надежден подслон от дъжда. Произведенията на монументалното изкуство включват скални рисунки, рисунки по стените на къщи, тотемни стълбове. Изображенията върху стълбовете са създадени в стил, наречен двустранен (двустранен). Индианците от Северна Америка са използвали така наречения скелетен стил, за да рисуват изображения върху ритуални предмети, керамика, а също и за създаване на скално изкуство. В живописта, както и в бижутата, кошничарството и грънчарството, югозападният регион е бил в челните редици на Ренесанса на индианците, който се наблюдава в последно време. Неговото ръководство отчасти се дължи на факта, че жителите на този район избягват унищожаването на техния бит и култура, пред което са изправени племената от източното и западното крайбрежие, както и пълното изселване и прогонване от родните им земи, което индианците от равнините и югоизтока изпитаха. Индианците от югозапад са преминали през унижение и бедност и периоди на горчиво изгнание и изгнание; но като цяло те успяха да се задържат на земите на своите предци и успяха да запазят определена приемственост на бита и културата. В по-малка страна подобна оригинална посока със сигурност би получила незабавно и дългосрочно признание. В продължение на половин век индианските художници от Югозапада създават прекрасни произведения с жизнена оригиналност. Интересът към тях, както и към индийската литература, дава надежда за нарастващата роля на индийското изкуство в цялата американска култура.

Малко след края на Първата световна война, малка група бели художници, учени и жители на и около Санта Фе създават движение, което става известно като движението Санта Фе. Те си поставят задачата да запознаят света с мощния творчески потенциал, който притежават индианците. В резултат на техните усилия през 1923 г. е създадена Академията за индийски изящни изкуства. Тя помага на художниците по всякакъв възможен начин, организира изложби и в крайна сметка Санта Фе се превръща в един от най-важните центрове на изящните изкуства в Съединените щати и еднакво важен както за индийските, така и за белите художници.

Изненадващо, люлката на съвременното индийско изкуство е Сан Илдефонсо - малко селище пуебло, където по това време изгрява звездата на известните майстори на керамика Хулио и Мария Мартинес. Дори днес Сан Илдефонсо е един от най-малките пуебло; населението му е само 300 души. Още по-изненадващ е фактът, че основателят на движението за възраждане на индийското изкуство е Кресченсио Мартинес, братовчед на Мария Мартинес. Crescencio (Moose Abode) е един от младите индиански художници, които в началото на 20 век. експериментира с бои на водна основа по примера на белите художници. През 1910 г. той вече работи много ползотворно и привлича вниманието на организаторите на движението Санта Фе. За съжаление той почина преждевременно от испанския грип по време на епидемия; това се случва през 1918 г., когато той е само на 18 години. Но инициативата му беше продължена; скоро вече има 20 млади художници, работещи в Сан Илдефонсо; заедно с талантливи грънчари, те работиха ползотворно в тази малка Атина на брега на Рио Гранде.

Техният творчески импулс прониква в околните пуебло и в крайна сметка достига до апачите и навахо, като ги въвлича в тази „творческа треска“. В самия Сан Илдефонсо се появява друг известен художник – това е племенникът на Кресченцио на име Ава Цире (Алфонсо Ройбал); той беше син на известен грънчар и имаше кръв от навахо във вените. От другите изявени майстори на изкуството от периода на този прилив на творческа енергия, наблюдаван през 20-30-те години. През 20-ти век могат да се нарекат таоските индианци Чиу Та и Ева Мирабал от пуебло Таос, Ма Пе Уи от пуебло Зия, Руфина Вигил от Тесуке, То Пау от Сан Хуан и индиецът хопи Фред Каботи. В същото време на преден план излиза цяла плеяда художници от племето навахо, известно със способността си бързо да усвоява и оригинална, оригинална обработка на творчески идеи; ето имената на най-известните от тях: Кийтс Бигей, Сибил Язи, Ха Со Де, Куинси Тахома и Нед Нота. Говорейки за апашите, трябва да се спомене Алън Хаусър. И като че ли за капак, в същото време собственото художествено училище на Кайова е създадено в равнините с финансовата подкрепа на белите ентусиасти; Джордж Кебоун се смята за основател на това училище. И индийският художник от Сиу Оскар Хауи повлия на развитието на цялото индийско изящно изкуство.

Днес индианското визуално изкуство е един от най-бързо растящите клони на дървото на американската скулптура и живопис.

Съвременният индийски художник се доближава до абстрактни и полуабстрактни мотиви, добре познати от традиционните индийски шарки върху кожени изделия от мъниста и перо от дикобраз, както и върху керамика. Проявявайки все по-голям интерес към миналото си, индийските художници се опитват да преосмислят мистериозните геометрични изображения върху древна керамика и да намерят нови творчески подходи и решения, базирани на тях. Те изучават такива тенденции в съвременното изкуство като реализъм и перспектива, за да намерят собствен оригинален стил, базиран на тях. Те се опитват да съчетаят реализъм с фантастични мотиви, вдъхновени от природата, поставяйки ги в ограничено двуизмерно пространство, което отново предизвиква аналогия с изкуството на Древен Египет. От древни времена индийските художници са използвали ярки, чисти, полупрозрачни цветове, често само основните компоненти на цветовата схема, като същевременно се придържат към отделни цветови символи. Следователно, ако в очите на бял човек той види само обикновен модел, тогава индиецът, който гледа картината, прониква много по-дълбоко в нея и се опитва да възприеме истинското послание, идващо от художника, създал картината.

В палитрата на индийския художник няма място за мрачни тонове. Той не използва сенки и разпределение на светотини (това, което се нарича игра на светлина и сянка). Усещате простора, чистотата на околния свят и природата, кипящата енергия на движението. В творбите му се усещат безкрайните простори на американския континент, което много силно контрастира с мрачната, затворена и тясна атмосфера, излъчвана от картините на много европейски художници. Произведенията на индийския художник може би могат да се сравнят, макар и само по настроение, с жизнеутвърждаващите и отворени към безкрайност платна на импресионистите. Освен това тези картини се отличават с дълбоко духовно съдържание. Те само изглеждат наивни: имат дълбоки импулси от традиционните религиозни вярвания.

През последните години индианските художници успешно експериментират с абстрактното движение на съвременното изкуство, комбинирайки го с онези абстрактни мотиви, или поне изглежда така, открити в кошничките и керамиката, както и подобни мотиви от религиозни знаци и символи. Индианците показаха способности в областта на скулптурата; те успешно завършиха обширни стенописи, преливащи една в друга и за пореден път доказаха, че в почти всяка форма на модерно изкуство техният талант и въображение могат да бъдат търсени и във всяка една от тях ще могат да покажат своята оригиналност.

Индийското изкуство е естетика, фокусирана върху детайлите, дори привидно простите картини и гравюри могат да съдържат най-дълбокия вътрешен смисъл и да носят скритото намерение на автора. Оригиналното изкуство на индианците в редица страни (САЩ, Канада, Уругвай, Аржентина и др.) на практика е замряло; в други страни (Мексико, Боливия, Гватемала, Перу, Еквадор и др.), тя става основа на народното изкуство от колониалния период и новото време.

художествена митология индийски орнамент

Преди много време в необятните прерии на Америка нямаше асфалтирани пътища, нямаше градове със стъклени небостъргачи, нямаше бензиностанции и супермаркети. Имаше само слънце и земя, трева и животни, небе и хора. И тези хора бяха индианци. Старите им вигвами отдавна са стъпкани на прах, а самите туземци в Америка са останали с шепа; така че защо все още живеят в културата и изкуството? Нека се опитаме да разрешим загадката в този преглед.

Тотеми и шамани

Индийска Америка е свят, потънал в магия от главата до петите. Духовете на силните животни и мъдрите предци се сляха в едно цяло - поклонението на родовото животно, тотема. Хората вълци, хората от елени и хората от росомаха срещнаха удивени европейци в горите на дивата Северна Америка.

Но мистичната връзка с духовете на животните и предците не може да се поддържа без Посредник – шаман. Неговата сила е огромна и е на второ място след силата на лидера - освен ако не комбинира и двете роли. Шаманът причинява дъжд и разпръсква облаците, той прави жертви и защитава от врагове, той пее и заклинава света.

Шаманизмът и тотемизмът, отдавна забравени от европейците, шокираха белите хора: това беше като връщане към дълбокото детство на човечеството, което беше почти изтрито от паметта. Отначало новодошлите от Европа презрително се подиграваха на „диваците“; но векове по-късно те разпознаха себе си в индианците преди хиляди години и смехът беше заменен от благоговейния ужас пред древни тайни.

Мистичната култура на Америка е жива и днес. Именно тя даде на света великия шаман Карлос Кастанеда - и в същото време кокаин и халюциногени. Във визуалните изкуства Индийска Америка е пронизана с магьосничество; полупрозрачни сенки и животни с човешки очи, безмълвни заплашителни шамани и порутени тотеми - това са любимите образи на изкуството с индийска тематика.

чужди очи

Изкуството на всяка велика цивилизация е особено различно от другите традиции. В Америка е имало няколко велики индиански цивилизации - и всички те са изненадващо различни от всичко познато и познато в Евразия и Африка.

Прекрасният и странен индийски стил не интересуваше жадните за злато конкистадори; когато ги нямаше, хората на изкуството надничаха с любопитство картините и декорациите, храмовете и облеклото на местните жители на Америка.

Невъзможно е да се каже веднага какво е ключът към този стил. Може би това е "примитивен" минимализъм: в картините на индианците няма излишни детайли, техните скици удивляват със своята лаконичност и невероятна убедителна сила. Изглежда, сякаш някои богове изхвърлят дреболии, оставяйки самата същност на своите творения в оригиналния им вид: нематериалните идеи на гарвани, елени, вълци и костенурки...

Груби и ъглови линии, съчетани с най-ярките цветове - това е още един признак на индийското изкуство, възприет от съвременните стилисти. Понякога подобни творения наподобяват нещо между скалното изкуство и брачния танц на паун.

Носталгия по Златния век

Но всичко това все още не обяснява привличането на наследството на Индийска Америка към съвременното изкуство. За да получим отговор, трябва да отидем по-далеч.

Най-важното и ужасно разочарование на древното човечество беше преходът от свободен лов и събиране на плодове към земеделие и скотовъдство. Светът, изграден върху отношението към природата като към майка, рухна безвъзвратно: за да се изхранват, хората трябваше да превърнат земята в дойна крава, насилствено да я орат и безмилостно да отрязват житните стъбла.

Човекът, дотогава свободен и неотделим от околния свят, се е превърнал в негов господар – но в същото време и роб. Горчив плач за загубата на доверие с природата и Бога е съдържанието на всички митове и легенди за някогашния Златен век, за изгубения рай, за вкуса на греха и грехопадението на човека.

Но индианците не изживяха напълно тази катастрофа, толкова неизбежна, колкото сбогуването с детството. Когато европейците дойдоха при тях, находчивите туземци бяха много по-близо до лицето на първобитната природа; те все още можеха и имаха право да се чувстват като нейните любими деца. А европейците могат само да завиждат и да унищожават.

Художественият свят на Индийска Америка е последният дар на една отминала примитивна култура. Просто трябва да го пазим. Точно както нашите далечни потомци ще спасят последните картини и филми с животни и дървета – когато най-накрая унищожим природата на планетата и започнем да плачем за изгубения зелен свят. В крайна сметка, историята на човечеството е история на неизбежни загуби и постоянен залез: без това нямаше да има зазоряване.

Но не се притеснявайте; по-добре слушай тази песен.