За разлика от изкуството на Централна Италия, където живописта се развива в тясна връзка с архитектурата и скулптурата, във Венеция през 14 век. живописта доминира. В творчеството на Джорджоне и Тициан е направен преход към станкова живопис. Една от причините за прехода се определя от климата на Венеция, в който стенописът е лошо запазен. Друга причина е, че станковата живопис се появява във връзка с нарастването на светските теми и разширяването на кръга от предмети, включени в кръга на вниманието на художниците. Успоредно с утвърждаването на станковата живопис се увеличава и жанровото разнообразие. И така, Тициан създава картини на митологични теми, портрети, композиции на библейски сюжети. В творчеството на представителите на Късния Ренесанс - Веронезе и Тинторето, настъпва нов излет на монументалната живопис.
Джорджо да Кастелфранко, по прякор Джорджоне (1477-1510), живял кратък живот. Името Джорджоне произлиза от думата „зорзо“, която на венецианския диалект означава „човек от най-нисък произход“. Произходът му не е точно установен, няма достоверни сведения за годините на чиракуването му при Белини. Джорджоне е бил член на културните слоеве на Венеция. Сюжетите на картините му като "Гръмотевична буря", "Трима философи" са трудни за интерпретация. През 1510 г. Джорджоне умира от чума.
Станковата живопис е вид живопис, чиито произведения имат самостоятелно значение и се възприемат независимо от средата. Основната форма на станковата живопис е картина, отделена с рамка от заобикалящата я среда.
Тициан Вечели (1476/77-1576). Тициан идва от град Кадоре в подножието на Доломитите. Художникът учи при Джовани Белини. През 1507 г. Тициан влиза в работилницата на Джорджоне, който поверява на Тициан завършването на работата му. След смъртта на Джорджоне Тициан завършва някои от неговите произведения и поема редица негови поръчки, отваря работилницата си.
По това време в редица портрети, включително "Саломе", "Дама в тоалетната" и "Флора", той въплъщава идеята си за красота. През 1516 г. художникът създава Успение на Дева Мария (Асунта) за църквата Санта Мария Глориоза деи Фрари във Венеция - картината показва как група анимирани жестикулиращи апостоли виждат Божията майка да се издига, заобиколена от ангели, към небето. През 1525 г. Тициан се жени за Сесилия, своята любима, с която има двама сина.
Тициан по това време обича здрави, чувствени образи, използва звучни, дълбоки цветове. След смъртта на Белини мястото на художника на Венецианската школа на републиката преминава към Тициан. Тициан развива реформата на живописта, която е инициирана от Джорджоне: художникът предпочита големи платна, които позволяват широко и свободно наслагване на цветове. Върху първоначалния слой, веднага след като изсъхне, той нанесе повече или по-малко плътни, но течни щрихи, примесени с прозрачни и блестящи лакове, завършвайки картината чрез засилване на най-ярките тонове и сенките с щрихи, които придобиват почти корпусен характер. Скицата отговаряше на общата емоционална подготовка, но сама по себе си беше завършена.
По покана на папа Павел III Тициан се премества в Рим. В изкуството му се появяват нови теми – драмата на борбата, напрежението. И така, в картината „Ето човекът“ художникът пренася евангелския сюжет в съвременната си обстановка, в образа на Пилат той улавя Пиетро Аретино и под прикритието на един от фарисеите, венецианския дож. Това предизвиква недоволство на папата и Тициан и синът му заминават за Аугсбург при Карл V. В двора на Карл V Тициан пише много, получава особено много поръчки от Испания, крал Филип II му поръчва няколко картини. В началото на 50-те години. Тициан се завръща във Венеция, но продължава да работи за испанския крал. Портретите на Тициан се отличават с жизненост. „Портретът на папа Павел III с Александро и Отавио Фарнезе” показва срещата на трима души, всеки от които е свързан с други тайни чувства. През 1548 г. Тициан рисува два портрета на Карл V. В единия той е представен като триумфатор, спечелил победа – облечен в доспехи, облечен в шлем с перо, Чарлз язди кон до края на гората.
Когато Тициан рисува портрет на император Карл V, той изпуска четката си и императорът я вдига. Тогава художникът каза: „Ваше величество, вашият слуга не заслужава такава чест”. На което се твърди, че императорът отговаря: "Тициан е достоен да бъде служил от Цезар"
Вторият портрет показва императора в традиционен испански черен костюм, седнал в фотьойл на фона на лоджия.
В началото на 50-те години. Тициан, поръчан от Филип II, който става император след абдикацията на баща си Карл V, рисува седем платна на митологични сюжети, които той нарича „поезия“, тълкувайки митологичните сюжети като метафори за човешкия живот. Сред поемите - "Смъртта на Актеон", "Венера и Адонис", "Отвличането на Европа". Последните години от живота си Тициан живее във Венеция. В неговите творби тревожността и разочарованието нарастват. В религиозните картини Тициан все повече се обръща към драматични сюжети – сцени на мъченичество и страдание, в които звучат и трагични нотки.
Късен Ренесанс. Паоло Веронезе (1528-1588). П. Калиари, наречен Веронезе по името на родното си място, е роден във Верона през 1528 г. Пристигайки във Венеция, той веднага получава признание за работата си в Палацо на дожите. До края на живота си в продължение на 35 години Веронезе работи върху декорирането и прославянето на Венеция. Цялата картина на Веронезе е изградена върху цвят. Той знаеше как да сравнява отделните цветове по такъв начин, че тяхното сближаване създава особено интензивен звук. Започват да горят като скъпоценни камъни. За разлика от Тициан, който е бил предимно статив художник, Веронезе е роден декоратор. Преди Веронезе по стените бяха поставени отделни стативни картини за украса на интериора и нямаше общо декоративно единство, синтетично сливане на живопис и архитектура не работи. Веронезе е първият от венецианските художници, който създава цели декоративни ансамбли, рисувайки стените на църкви, манастири, дворци и вили отгоре до долу, вписвайки своята картина в архитектурата. За тези цели той използва фреската техника. В своите картини и главно в плафоните Веронезе използва силни ракурси, смели пространствени намаления, предназначени да разглеждат картината отдолу нагоре. В плафоните си той „отваря небето“.
Якопо Тинторето. Истинско име Якопо Робусти (1518-1594). Картината на Тинторето бележи края на италианската версия на Ренесанса. Тинторето гравитира към живописни цикли със сложен тематичен характер; той използва редки и невиждани досега теми. И така, в разширения разказ на огромния цикъл на Scuola di San Rocco, заедно с много добре познати епизоди от Стария и Новия завет, се въвеждат по-рядко срещани и дори напълно нови мотиви - „Изкушението на Христос“ и пейзажни композиции с Магдалина и Мария Египетски. Цикълът на чудесата на Св. Марк във Венецианската академия и в Милано Брера е представена във форми, които са далеч от обичайните изобразителни решения.
Дворецът на дожите, изобразяващ битки, показва изобилие от вариации и дързост на дизайна. В древните митологични теми Тинторето продължава онова свободно-поетическо тълкуване на мотивите, началото на което е поставено от „поезията“ на Тициан. Пример за това е картината "Произходът на Млечния път". Той използва нови източници на сюжет. Така че в картината „Спасението на Арсиное“ художникът изхожда от подредбата на поемата на римския автор Лукан във френската средновековна легенда, а „Танкред и Клоринда“ е написана въз основа на поемата на Тасо.
Тинторето многократно се позовава на сюжета на Тайната вечеря. Ако в тържествената фризообразна „Тайна вечеря“ в църквата Санта Мария Маркуола е представен спор как да се разбират думите на учителя, то на снимката от църквата Санта Тровазо думите на Христос, като удари, разпръсна шокираните ученици, а в платното от Scuola di San Rocco съчетава драматичния аспект на действието и символиката на тайнството, в църквата Сан Джорджо Маджоре тайнството Евхаристия е придобило качеството на универсално вдъхновяваща сила. Ако художниците от класическия тип гравитират към пренасянето на времето, което няма начало и край, то Тинторето използва принципа на пренасяне на събитието. Специфична особеност на творбите на Тинторето е сугестивността, динамиката, експресивната яркост на природните мотиви и пространствената многоизмерност.
Венецианският Ренесанс е отделна своеобразна част от общия италиански Ренесанс. Тук започна по-късно, но продължи много по-дълго. Ролята на древните традиции във Венеция е най-малка, а връзката с последващото развитие на европейската живопис е най-пряка. Във Венеция доминира живописта, която се характеризираше с ярки, наситени и радостни цветове.
Епохата на Висшия ренесанс (на италиански звучи като "Чинквеченто") във Венеция заема почти целия 16-ти век. Много видни художници рисуваха в свободния и весел начин на венецианския Ренесанс.
Художникът Джовани Белини става представител на преходния период от Ранния Ренесанс към Висшето. Известната картина му принадлежи" Езерото Мадона"- красива картина, въплъщаваща мечти за златен век или земен рай.
Ученик на Джовани Белини, художникът Джорджоне се смята за първия майстор на Високия ренесанс във Венеция. Неговото платно » Спяща Венера"- един от най-поетичните образи на голо тяло в световното изкуство. Тази творба е още едно въплъщение на мечтата на простодушни, щастливи и невинни хора, които живеят в пълна хармония с природата.
В Държавния Ермитаж има картина » Джудит », който също принадлежи на Джорджоне. Тази работа се превърна в ярък пример за постигане на триизмерно изображение не само с помощта на светлинен цвят, но и с помощта на техниката за градиране на светлината.
Джорджоне "Юдит" Най-типичният художник на Венеция може да се счита за Паоло Веронезе. Неговите мащабни, многофигурни композиции са посветени на образа на пищните вечери във венециански палати с музиканти, шутове и кучета. В тях няма нищо религиозно. » Тайната вечеря »- това е образ на красотата на света в прости земни прояви и възхищение от съвършенството на красивата плът.
Паоло Веронезе "Тайната вечеря" Творчество Тициан
Еволюцията на венецианската живопис на Чинквеченто е отразена в творчеството на Тициан, който за първи път работи с Джорджоне и е близък с него. Това е отразено в творческия маниер на художника в творбите "Небесна любов и земна любов", "Флора". Женските образи на Тициан са самата природа, сияеща с вечна красота.
- кралят на художниците. Той притежава множество открития в областта на живописта, сред които са богатството на цветовете, цветовото моделиране, оригиналните форми и използването на нюанси на цветовете. Приносът на Тициан към изкуството на венецианския ренесанс е огромен, той оказва голямо влияние върху умението на художниците от следващия период.
Късният Тициан вече е близък до художествения език на Веласкес и Рембранд: съотношението на тонове, петна, динамични щрихи, текстура на цветната повърхност. Венецианците и Тициан заменят господството на линията с предимствата на масива от цветове.
Тициан Вечелио "Автопортрет" (около 1567 г.) Техниката на рисуване на Тичин е поразителна и днес, защото е бъркотия от бои. В ръцете на художника боите са били вид глина, от която живописецът е изваял творбите си. Известно е, че до края на живота си Тициан рисува платната си с пръсти. така че това сравнение е повече от подходящо.
Тициан "Денариус от Цезар" (около 1516 г.) Картини на Тициан Вечелио
Сред картините на Тициан са следните:
- » Асунта»
- "Бакх и Ариадна"
- "Венера от Урбино"
- "Портрет на папа Павел III"
- "Портрет на Лавиния"
- "Венера пред огледалото"
- "Покаяната Магдалена"
- » Свети Себастиан»
Живописно и усещане относнообемната форма в Тициан са в перфектен баланс. Фигурите му са пълни с усещане за живот и движение. Новостта на композиционната техника, необичайното оцветяване, свободните щрихи са отличителна черта на живописта на Тициан. Творчеството му въплъщава най-добрите черти на венецианската школа от Ренесанса.
Характерни черти на живописта на венецианския ренесанс
Последното светило на венецианското Чинквеченто е художникът Тинторето. Известен със своите картини "Битката на архангел Михаил със сатаната"и Тайната вечеря. Изящното изкуство въплъщава ренесансовата идея за идеала, вярата в силата на ума, мечтата за красива, силна личност, хармонично развита личност.
Якопо Тинторето "Битката на Архангел Михаил със Сатана" (1590 г.) 
Якопо Тинторето "Разпятие" Създадени са художествени произведения на традиционни религиозни и митологични теми. Благодарение на това модерността беше издигната в ранга на вечността, като по този начин се утвърди богоподобността на истинския човек. Основните принципи на изображението в този период са имитацията на природата и реалността на героите. Картината е един вид прозорец към света, защото художникът изобразява върху нея това, което е видял в действителност.
Якопо Тинторето "Тайната вечеря" Изкуството на рисуването се основава на постиженията на различни науки. Художниците успешно овладяха перспективното изображение. През този период творчеството става лично. Произведенията на стативното изкуство получават все по-голямо развитие.
Якопо Тинторето "Рай" В живописта се формира жанрова система, която включва следните жанрове:
- религиозно – митологично;
- исторически;
- домашен пейзаж;
- портрет.
През този период се появява и гравюрата, а рисунката играе важна роля. Произведенията на изкуството се оценяват сами по себе си като художествен феномен. Едно от най-важните усещания в тяхното възприятие е удоволствието. Висококачествените репродукции на картини от венецианския ренесанс ще бъдат чудесно допълнение към интериора в.
Изкуството на Венеция представлява специална версия на развитието на самите принципи на художествената култура на Ренесанса и във връзка с всички други центрове на ренесансовото изкуство в Италия.
Хронологично изкуството на Ренесанса се оформя във Венеция малко по-късно, отколкото в повечето други големи центрове на Италия от тази епоха. Той се оформи, по-специално, по-късно, отколкото във Флоренция и като цяло в Тоскана. Формирането на принципите на художествената култура на Ренесанса в изобразителното изкуство на Венеция започва едва през 15 век. Това в никакъв случай не се определя от икономическата изостаналост на Венеция. Напротив, Венеция, наред с Флоренция, Пиза, Генуа, Милано, е един от най-развитите икономически центрове на Италия по това време. Виновно за това забавяне е именно ранното превръщане на Венеция в голяма търговска и освен това предимно търговска, отколкото в производителна сила, започнало от 12 век и особено ускорено по време на кръстоносните походи.
Венецианската живопис достига особен разцвет, отличаваща се с богатството и богатството на цветовете. Езическото възхищение от физическата красота се съчетавало тук с интереса към духовния живот на човека. Сетивното възприятие на света беше по-пряко от това на флорентинците и предизвика развитието на пейзажа.
Характерен пример за временно забавяне на прехода на венецианската култура към Ренесанса в сравнение с други области на Италия е архитектурата на Двореца на дожите (14 век). В живописта изключително характерната жизненост на средновековните традиции е ясно отразена в късноготическото творчество на майстори от края на 14 век, като Лоренцо и Стефано Венециано. Те се усещат дори в творчеството на такива художници от 15 век, чието изкуство вече носи изцяло ренесансов характер. Такива са „Мадоните” на Бартоломео, Алвизе Виварини, такова е делото на Карло Кривели, изтънчения и елегантен майстор от Ранния Ренесанс. В неговото изкуство средновековните реминисценции се усещат много по-силно от тези на съвременните му художници от Тоскана и Умбрия. Характерно е, че собствено проторенесансовите тенденции, подобно на изкуството на Кавалини и Джото, които също са работили във Венецианската република (един от най-добрите му цикли е създаден за Падуа), се усещат слабо и спорадично.
Едва приблизително от средата на 15 век можем да кажем, че неизбежният и естествен процес на преминаване на венецианското изкуство към светски позиции, характерен за цялата художествена култура на Ренесанса, най-накрая започва да се осъществява напълно. Особеността на венецианското кватроченто се изразява главно в стремежа към повишена празничност на цвета, за своеобразно съчетание на фин реализъм с декоративност в композицията, в по-голям интерес към фона на пейзажа, към заобикалящата човека пейзажна среда; освен това е характерно, че интересът към градския пейзаж може би е дори по-развит от интереса към природния пейзаж. Именно през втората половина на 15 век става формирането на ренесансовата школа във Венеция като значимо и оригинално явление, което заема важно място в изкуството на италианския Ренесанс. По това време наред с изкуството на архаизирането на Кривели се оформя и творчеството на Антонело да Месина, стремящо се към по-цялостно, обобщено светоусещане, поетично-декоративно и монументално възприятие. Не много по-късно се появява по-наративна линия в развитието на изкуството на Джентиле Белини и Карпачо.
Трябва да се отбележи, че характерните черти на венецианската школа са именно преобладаващото развитие на маслената живопис и много по-слабото развитие на стенописната живопис. По време на прехода от средновековната към ренесансовата реалистична система на монументалната живопис, венецианците, естествено, както повечето народи, преминали от средновековието към ренесансовия етап в развитието на художествената култура, почти напълно изоставят мозайките. Неговата изключително брилянтна и декоративна цветност вече не можеше да отговори напълно на новите художествени предизвикателства. Разбира се, техниката на мозайката продължи да се използва, но ролята й става все по-малко забележима. Използвайки техниката на мозайката, все още е било възможно да се постигнат резултати през Ренесанса, които относително задоволяват естетическите нужди на времето. Но само специфичните свойства на мозаечната смалта, нейното уникално звучно излъчване, сюрреалистичен блясък и в същото време повишената декоративност на цялостния ефект не биха могли да бъдат приложени пълноценно в условията на новия художествен идеал. Вярно, повишеното светлинно излъчване на преливащата блещукаща мозаечна живопис, макар и преобразувано, косвено, повлия на ренесансовата живопис на Венеция, която винаги е гравитирала към звучна яснота и лъчезарно богатство на цветовете. Но самата стилистична система, с която се свързваше мозайката, и следователно нейната техника, трябваше, с малки изключения, да напуснат сферата на голямата монументална живопис. Самата техника на мозайка, сега по-често използвана за по-частни и тесни цели, по-скоро с декоративен и приложен характер, не е напълно забравена от венецианците. Освен това венецианските работилници за мозайка бяха един от онези центрове, които донесоха традициите на технологията за мозайка, по-специално смалта, до нашето време.
Витражната живопис също запази известно значение поради своята „светимост“, въпреки че трябва да се признае, че никога не е имала същото значение нито във Венеция, нито в Италия като цяло, както в готическата култура на Франция и Германия. Идея за ренесансовото пластично преосмисляне на визионерското излъчване на средновековната витражна живопис дава „Свети Георги“ (16 век) от Мочето в църквата Сан Джовани и Паоло.
Като цяло в изкуството на Ренесанса развитието на монументалната живопис протича или във формите на стенописа, или въз основа на частичното развитие на температа и главно върху монументалното и декоративно използване на маслена живопис (стенни панели) .
Фреската е техника, с която през Ранния и Високия Ренесанс са създадени шедьоври като цикъла на Мазачо, строфи на Рафаел и картините на Сикстинската капела на Микеланджело. Но във венецианския климат той много рано открива своята нестабилност и не е широко разпространен през 16 век. Така стенописите на немския комплекс "Fondaco dei Tedeschi" (1508), изпълнени от Джорджоне с участието на младия Тициан, са почти напълно унищожени. Оцелели са само няколко полуизбледнели фрагмента, развалени от влагата, сред които фигурата на гола жена, изпълнена с почти праксителски чар, дело на Джорджоне. Следователно мястото на стенната живопис, в правилния смисъл на думата, беше заето от стенно пано върху платно, предназначено за конкретно помещение и изпълнено с техниката на маслена живопис.
Маслената живопис обаче получи особено широко и богато развитие във Венеция не само защото изглеждаше най-удобният начин да се замени фреската с друга техника на рисуване, адаптирана към влажен климат, но и поради желанието да се предаде образът на човек в тясна връзка с заобикалящата го природна среда, интересът към реалистичното въплъщение на тоналното и колористичното богатство на видимия свят може да се разкрие с особена пълнота и гъвкавост именно в техниката на маслената живопис. В тази връзка темперното рисуване върху дъски в стативите композиции, радващо с голямата си сила на цвета и ясно сияещата си звучност, но по-декоративно по своята същност, естествено трябваше да отстъпи място на масленото и този процес на изместване на температа с маслена живопис се провеждаше особено последователно. навън във Венеция. Не бива да се забравя, че за венецианските художници особено ценно свойство на маслената живопис е способността й да бъде по-гъвкава от температа, а дори и с фреска, да предава светли цветове и пространствени нюанси на човешката среда, способността да нежно и звучно извайват формата на човешкото тяло.
Творчество Джорджоне.
Джорджоне – италиански художник, представител на венецианската живописна школа; един от най-големите майстори на Висшия Ренесанс.
Джорджоне е роден в малкото градче Кастелфранко, Венето, близо до Венеция.
Истинското име на художника е Джорджо, но обикновено е наричан с прякора Джорджоне.
За съжаление не са оцелели нито ръкописите на художника, нито неговите бележки за изкуство, живопис и музика, дори писмата му не са оцелели. Като много млад Джорджоне пристига във Венеция. Известно е, че на шестнадесетгодишна възраст италианският художник вече е обучаван и работи в ателието на известния венециански художник Джовани Белини. Всъщност именно в живописта на Венеция новите хуманистични идеи бяха най-ярко проявени. Венецианската живопис от началото на 16 век е била открито светска.
Още в края на 15 век във Венеция се появяват малки стативни картини вместо икони, удовлетворяващи индивидуалните вкусове на клиентите. Сега художниците се интересуват не само от хората, но и от заобикалящата ги среда, от пейзажа. Джорджоне е първият от всички италиански художници, който отреди важно място в религиозните, митологични и исторически картини на поетично измисления, красив и не чужд на природния пейзаж. Наред с композиции на религиозна тематика („Поклонението на пастирите“) италианският художник създава картини на светски, митологични теми, които придобиват преобладаващо значение в творчеството му. В творбите на Джорджоне („Юдит”, „Трима философи”, „Гръмотевична буря”, „Спяща Венера”) поетичните представи на художника за богатството на жизнените сили, дебнещи в света и човека, се разкриват не в действие, а в състояние на универсална мълчалива духовност.
„Мадоната от Кастелфранко” е най-голямата по размер (200 х 152 см) и единственото произведение на Джорджоне, написано от него за църквата.
В по-късните творби на Джорджоне („Спящата Венера“; „Концерт на страната“) е напълно дефинирана основната тема на творчеството на художника – хармоничното единство на човека и природата. Тя е въплътена в откритията на Джорджоне в областта на художествения език, изиграли важна роля в развитието на европейската маслена живопис. Запазвайки яснотата на обема, чистотата и мелодичната изразителност на контурите, Джорджоне с помощта на меко прозрачно светлодене постига органично сливане на човешката фигура с пейзажа и постига безпрецедентна изобразителна цялост на картината. Той придаде пълнокръвна топлина и свежест на звученето на основните цветни петна, съчетавайки ги с множество цветни нюанси, свързани помежду си с градации на осветлението и гравитиращи към тонално единство. Творческата концепция на Джорджоне пречупва по своеобразен начин съвременните му натурфилософски идеи, които оказват влияние върху формирането на венецианския хуманизъм и отразяват любовта на Ренесанса към красотата на човека и земното битие.
Известната картина на Джорджоне „Гръмотевична буря“ украсяваше галерията на покровителя Габриеле Вендрамин, „Трима философи“ беше в колекцията на Тадео Контарини, картината „Спяща Венера“ по едно време беше в колекцията на музиканта Джироламо Марчело. Джорджоне, като приятел на тези любители на изкуството, е имал възможност да изучава колекциите на хуманистите (известно е, че неговият клиент Габриел Вендрамин „имал много изключително ценни картини от отлични майстори и много ръчно рисувани карти, антични вещи, много книги , глави, бюстове, вази, антични медали"), което несъмнено е отразено в творчеството му, в особената изтънченост и духовност на образите, в пристрастието към литературни, светски теми. Общата посока на творчеството на художника определя интимната и лирична окраска на портретите му („Портрет на млад мъж“; т.нар. „Лора“).
Творческата концепция на италианския художник по своеобразен начин пречупва натурфилософските концепции на времето, има преобразуващ ефект върху живописта на венецианската школа и е доразвита от неговия ученик Тициан. Въпреки преходността на живота на Джорджоне, той имал много ученици, по-късно известни и известни художници, например. Себастиано дел Пиомбо, Джовани да Удине, Франсиско Торбидо (Il Moro) и, разбира се, Тициано Вечелио. Значителен брой майстори на живописта имитират творческата концепция и стил на Джорджоне, включително Лоренцо Лото, Палма Стария, Джовани Кариани, Парис Бордоне, Колеоне, Занчи, Порденоне, Жирол Пенаки, Роко Марконе и други, чиито картини понякога се приписват като дело на велик майстор. Венецианският художник от Висшия Ренесанс Джорджо Барбарели от Кастелфранко в своята картина разкрива изисканата хармония на духовно богат и физически съвършен човек. Точно като Леонардо да Винчи, работата на Джорджоне се отличава с дълбок интелектуализъм и, изглежда, кристална рационалност. Но за разлика от произведенията на да Винчи, чийто дълбок лиризъм на изкуството е много скрит и сякаш подчинен на патоса на рационалния интелектуализъм, лирическият принцип, в ясното му съгласие с рационалния принцип, в картините на Джорджоне се усеща с изключителна сила. Италианският художник умира рано, Джорджоне умира във Венеция по време на чумата през есента на 1510 г.
Светото семейство, 1500 г., Национална художествена галерия, Вашингтон
„Изпитване с огън на Мойсей“, 1500-1501, Уфици, Флоренция
„Съдът на Соломон“, 1500-1501, Уфици, Флоренция
„Юдит“, 1504 г., Държавен Ермитаж, Санкт Петербург
"Мадона от Кастелфранко". 1504 г., катедралата Св. Либерал, Кастелфранко
„Четене на Мадона“. 1505 г., Ашмолски музей, Оксфорд
Поклонение на влъхвите, 1506-1507, Национална галерия, Лондон
„Поклонение на пастирите“, 1505-1510, Национална художествена галерия, Вашингтон
"Лора", 1506 г., Художествено-исторически музей, Виена
„Млад мъж със стрела“, 1506 г., Художествено-исторически музей, Виена
"Старицата", 1508 г., галерия Академия (Венеция)
Буря, ок. 1508, Галерия Академия, Венеция.
Спяща Венера, ок. 1508, Галерия на старите майстори, Дрезден.
„Трима философи“, 1509 г., Художествено-исторически музей, Виена
„Портрет на млад мъж“, 1508-1510, Музей на изящните изкуства, Будапеща.
Описание на презентацията на отделни слайдове:
1 слайд
Описание на слайда:
„Крал на художниците и художник на кралете“ Тициан Вечелио (1477-1576). MOBU средно училище № 4, Лучегорск, общински район Пожарски, Приморски край, учител по история и социални науки, Zabora V. V. 2014
2 слайд
Описание на слайда:
Флора Около 1515 г. Галерия Уфици, Флоренция. Сякаш отвътре лицето на млада жена, която държи букет цветя, сияе с прекрасен мистериозен огън. Замислени очи са вперени встрани, усмивката едва докосва устните й, тя сякаш е сама с мислите си. Момичен прасковен руж подчертава кадифето на тъмните очи, подчертава млечната белота на шията и женствените наклонени рамене. Кестенови къдрици, покриващи малки уши, шия, падат на вълна върху кокетно открехнати гърди. Флора в римската митология е милостива богиня на цъфтящи уши, градини и цветя. Празникът в нейна чест Флоралия беше придружен от весела разврат и се провеждаше с участието на обикновените хора, както и на корумпирани жени.
3 слайд
Описание на слайда:
"Любов земна и небесна" (1515) - едно от първите произведения на Тициан, което ясно разкрива оригиналността на художника. Сюжетът на картината все още е мистериозен. Независимо дали облечените и голи жени изобразяват срещата на Медея и Венера, целта на Тициан е да предаде определено душевно състояние. Меките и спокойни тонове на пейзажа, свежестта на голото тяло, ясната звучност на цвета на красивите и малко студени дрехи (златната жълтеница на цвета е резултат от времето) създават впечатлението за спокойна радост. Движенията и на двете фигури са величествено красиви и в същото време изпълнени с жизнен чар. Спокойните ритми на пейзажа, който се разпростира зад нас, сякаш излъчват естествеността и благородството на движението на красивите човешки тела.
4 слайд
Описание на слайда:
5 слайд
Описание на слайда:
Във „Венера от Урбино” утвърждаването на радостта от битието намира своя ярък израз. Може да е по-малко възвишено благородно от Венера на Джорджоне, но на тази цена се постига по-директна жизненост на образа. Конкретната, почти жанрова интерпретация на сюжетния мотив, като засилва непосредствената жизненост на впечатлението, не намалява поетическото очарование на образа на красива жена. В картините от 1530-те години на религиозни и митологични теми Тициан органично съчетава легендите и реалностите на съвременния живот в духа на традициите на венецианския ранен Ренесанс. Художникът пренася богинята (външността й е отчасти вдъхновена от „Спящата Венера” от Джорджоне) в уютния мир на венецианска къща от 16 век.
6 слайд
Описание на слайда:
Даная, 1545 г. Клиент - Филип II Испански, 1553-1562. Тициан смело взема цветови и тонални съотношения, като ги съчетава с сякаш светещи сенки. Благодарение на това той предава подвижно единство на форма и цвят, ясен контур и меко моделиране на обема, които помагат за възпроизвеждане на природата, пълна с движение и сложни променящи се съотношения. В Даная майсторът все още утвърждава красотата на щастието на човека, но изображението вече е лишено от предишната си стабилност и спокойствие. Щастието вече не е постоянно състояние на човек, то се придобива само в моменти на ярък изблик на чувства.
7 слайд
Описание на слайда:
"Венера с огледало" (около 1555 г.) е една от най-добрите творби на италианския художник. Тициано Вечелио създава галерия от красиви картини, които празнуват чувствеността и очарованието на женската красота. Неговите блестящи топли тонове със сдържано горещи проблясъци на червено, златисто, студено синьо са по-скоро като поетичен сън, очарователна и вълнуваща приказка-песен за красотата и щастието. Венера на Тициан, като олицетворение на женствеността, плодородието, майчинството, е красива със зрялата красота на земна жена.
8 слайд
Описание на слайда:
9 слайд
Описание на слайда:
Картината „Алегория на времето“ (1565) има дълбоко философско значение. В древната митология езикът на символите е бил използван за по-точно обозначаване на определени понятия, за засилване на изразителността на изображението. Тициан сравнява възрастта на зрял човек с лъв - всичко е в неговата власт, той управлява света, а възрастта на млад човек с доверчивата готовност на младо куче да служи, старостта придобива мъдрост, дълбоко познание за живот, самота и физическа слабост.
Венеция е оригиналният център на италианския Ренесанс, оригиналността на нейната живописна школа. Творчество Д.Белини. Висок ренесанс във Венеция . Разцветът на живописната школа на Венеция през 16 век. Спецификата на венецианския ренесанс, продължителността на запазване на ренесансовите традиции през 16 век. Джорджоне и неговата роля във формирането на Високия ренесанс във Венеция.
Делото на Тициан. Последният етап от венецианския ренесанс; творчеството на П. Веронезе и Ж. Тинторето. 2 часа
ВЪЗРАЖДАНЕ ВЪВ ВЕНЕЦИЯ. Венецианският ренесанс, наред с флорентинско-римския, е един от най-важните центрове на италианския ренесанс. Важно е да се разбере, че развитието на Ренесанса във Венеция има своите специфики. Тук по същество проторенесансовият етап отсъства, началото на ранния Ренесанс пада през втората половина на 15 век, ренесансовите традиции в изкуството оцеляват почти до края на 16 век, образувайки отделен етап на късен Ренесанс /втората половина на 16 век./. Отличителна черта на венецианската школа е водещата роля на живописта, повишеното внимание към проблемите на цвета, показването на природата.
Един от водещите майстори на ранния Ренесанс във Венеция е Джовани Белини. Формирането на етапа на Високия Ренесанс е свързано с творчеството на неговите ученици Джорджоне и Тициан, най-големият представител на Венецианския Висок Ренесанс. Необходимо е да се проучат основните етапи от работата на Тициан, еволюцията на неговото оцветяване. Трябва да се запознаете с изкуството на късния Ренесанс във Венеция, представено в допълнение към късните произведения на Тициан, от творчеството на П. Веронезе и Дж. Тинторето, което отразява нарастването на трагичните противоречия в обществото и културата на Италия .
Ако творчеството на Микеланджело през втората си половина вече носи чертите на нова ера, то за Венеция целият 16 век все още преминава под знака на Чинквеченто. Венеция, която успя да запази своята независимост, остава вярна на традициите на Ренесанса за по-дълго време.
От работилницата на Джанбелино произлизат двама големи художници от Висшия венециански ренесанс: Джорджоне и Тициан.
Джорджо Барбарели да Кастелфранко, по прякор Джорджоне(1477-1510) - типичен художник от Висшия Ренесанс. Той е първият на венецианска земя, който се обръща към литературни теми, към митологични теми. Пейзажът, природата и красивото голо човешко тяло стават за него предмет на изкуството и обект на поклонение. Усещането за хармония, съвършенството на пропорциите, линеен ритъм, живопис с мека светлина, духовността и психологическата изразителност на образите му и в същото време логиката, рационализмът на Джорджоне са близки до Леонардо, който несъмнено е оказал пряко влияние върху него. когато пътува от Милано през 1500 г. до Венеция. Но Джорджоне е по-емоционален от великия милански майстор и като типичен венециански художник се интересува не толкова от линейната перспектива, колкото от ефирните и предимно цветни проблеми.
Още в първото известно произведение, „Мадоната от Кастелфранко“ (около 1505 г.), Джорджоне се появява като утвърден художник; образът на Мадоната е изпълнен с поезия, замислена мечтателност, прониза с онова настроение на тъга, което е характерно за всички женски образи на Джорджоне. През последните пет години от живота си (Джорджоне умира от чума, която е особено чест гост във Венеция) художникът създава най-добрите си творби, изпълнени в маслена техника, основната във венецианската школа по времето, когато мозайката се превърна в нещо от миналото заедно с цялата средновековна художествена система, а фреската се оказа нестабилна във влажния венециански климат. В картината от 1506 г. "Гръмотевична буря" Джорджоне изобразява човека като част от природата. Жена, хранеща дете, млад мъж с тояга (който може да бъде сбъркан с воин с алебарда) не са обединени от никакво действие, а са обединени в този величествен пейзаж от общо настроение, общо състояние на духа. Джорджоне притежава най-добрата и изключително богата палитра. Приглушените тонове на оранжево-червените дрехи на младежа, зеленикаво-бялата му риза, отекваща бялото наметало на жената, са сякаш обгърнати от онзи полумрачен въздух, характерен за предбуреевото осветление. Зеленият цвят има много нюанси: маслини в дърветата, почти черни в дълбините на водата, олово в облаците. И всичко това е обединено от един светещ тон, създаващ впечатление за нестабилност, безпокойство, безпокойство, радост, като самото състояние на човек в очакване на предстояща гръмотевична буря.
Същото чувство на изненада пред сложния духовен свят на човек предизвиква и образът на Джудит, който съчетава привидно несъвместими черти: смело величие и фина поезия. Картината е написана с жълта и червена охра, в един-единствен златист цвят. Мекото черно-бяло моделиране на лицето и ръцете донякъде напомня сфумато на Леонард. Позата на Джудит, стояща на някакъв вид балюстрада, е абсолютно спокойна, лицето й е спокойно и замислено: красива жена на фона на красива природа. Но в ръката й студено блести меч с две остриета и нежният й крак лежи на мъртвата глава на Олоферн. Този контраст носи усещане за объркване и нарушава целостта на идиличната картина.
Духовност и поезия проникват в образа на „Спящата Венера” (около 1508-1510). Тялото й е изписано лесно, свободно, грациозно и не напразно изследователите говорят за „музикалността“ на ритмите на Джорджоне; не е лишено от чувствен чар. Но лицето със затворени очи е целомъдрено строго, в сравнение с него Тицианските Венери изглеждат истински езически богини. Джорджоне нямаше време да завърши работата по „Спящата Венера“; според съвременниците пейзажният фон в картината е нарисуван от Тициан, както и в друга късна творба на майстора - "Концерт на страната" (1508-1510). Тази картина, изобразяваща двама господа в великолепни дрехи и две голи жени, едната от които взема вода от кладенец, а другата свири на флейта, е най-веселото и пълнокръвно произведение на Джорджоне. Но това живо, естествено усещане за радост от битието не е свързано с някакво конкретно действие.
Славата на Тициан идва рано. Още през 1516 г. той става първият художник на републиката, от 20-те години - най-известният художник на Венеция и успехът не го напуска до края на дните му. Около 1520 г. херцогът на Ферара му поръчва поредица от картини, в които Тициан се появява като древен певец, който е успял да усети и най-важното да въплъти духа.
Венеция от тези години е един от центровете на напреднала култура и наука. Тициан се превръща в централна фигура на художественото съзерцание и мечтателното настроение. Комбинацията от тези черти е толкова характерна за Джорджоне, че именно „Концертът на страната“ може да се счита за най-типичното му произведение. Чувствената радост у Джорджоне винаги е опоетизирана, одухотворена.
Тициан Вечели(1477? -1576) - най-великият художник на венецианския ренесанс. Създава произведения както на митологични, така и на християнски сюжети, работи в жанра портрет, колористичният му талант е изключителен, композиционната му изобретателност е неизчерпаема, а щастливото му дълголетие му позволява да остави след себе си богато творческо наследство, оказало огромно влияние върху потомците му, Тициан е роден в Кадоре, малък град в подножието на Алпите, военно семейство, учи като Джорджоне с Джанбелино и първата му работа (1508 г.) е съвместно рисуване с Джорджоне на хамбари на Германското поместие във Венеция. След смъртта на Джорджоне, през 1511 г., Тициан рисува в Падуа няколко стаи на филантропските братства скуоло, в които несъмнено се усеща влиянието на Джото, който някога е работил в Падуа, и Мазачо. Животът в Падуа запозна художника, разбира се, с произведенията на Мантеня и Донатело.
Славата на Тициан идва рано. Още през 1516 г. той става първият художник на републиката, от 20-те години - най-известният художник на Венеция и успехът не го напуска до края на дните му. Около 1520 г. херцогът на Ферара му поръчва поредица от картини, в които Тициан се появява като древен певец, успял да усети и най-важното да въплъти духа на езичеството (Вакханал, Празник на Венера, Бакхус и Ариадна).
Венеция от тези години е един от центровете на напреднала култура и паяци. Тициан се превръща в централна фигура в художествения живот на Венеция, заедно с архитекта Якопо Сансовино и журналиста Пиетро Аретино, той формира един вид триумвират, който ръководи целия интелектуален живот на републиката. Богатите венециански патриции поръчват олтарни изображения от Тициан и той създава огромни икони: Възнесението на Мария, Мадона Пезаро (кръстена на клиентите, изобразени на преден план) и много повече - определен тип монументална композиция върху религиозен сюжет, който едновременно играе роля не само на олтарно изображение, но и на декоративно пано. В Мадона на Пезаро Тициан развива принцип на децентрализация на композицията, който флорентинската или римската школа не е познавала. След като премести фигурата на Мадоната надясно, той противопоставя два центъра: семантичния, олицетворен от фигурата на Мадоната, и пространствения, определен от изчезващата точка, поставен далеч вляво, дори отвъд рамката , което създаде емоционалната интензивност на творбата. Звуковият живописен галдот (белият воал на Мария, зелен килим, сини, кафяви, златни дрехи на предстоящите не противоречи, а действа в хармонично единство с ярките характери на моделите. Възпитани върху „умната“ картина на Карпачо, върху изящния колорит на Джанбелино, Тициан обича сюжети в този период, където можете да покажете венецианската улица, великолепието на нейната архитектура, празничната любопитна тълпа. Ето как една от най-големите му композиции "Въведението на Мария в храма" (около 1538 г.) е създадена - следващата стъпка в изкуството за изобразяване на групова сцена, в която Тициан умело съчетава естествеността на живота с Тициан пише много по митологичната тема, особено след пътуване до Рим през 1545 г., където духът на античността е разбран от него, изглежда, с най-голяма пълнота. : всички останали - около 1554 г.), в който, стриктно следвайки сюжета на мита, той изобразява принцесата, изнемогваща в очакване на пристигането на Зевс, и с поляна, лакомо хваща златен дъжд. Даная е съвършено красива в съответствие с древния идеал за красота, който венецианският майстор следва. Във всички тези варианти тицианската интерпретация на образа носи плътско, земно начало, израз на простата радост от битието. Неговата „Венера“ (около 1538 г.), в която много изследователи виждат портрет на херцогиня Елеонора от Урбино, е близка по композиция до тази на Джордж. Но въвеждането на домашна сцена в интериора вместо пейзажен фон, внимателният поглед на широко отворените очи на модела, кучето в краката й са детайли, които предават усещането за истинския живот на земята, а не на Олимп.
През целия си живот Тициан се занимава с портретна живопис. В неговите модели (особено в портрети от ранните и средните периоди на творчество) благородството на външния вид, величието на носенето, сдържаността на позата и жеста, създадени от еднакво благородна цветова схема, и скъперни, строго подбрани детайли (портрет на млад мъж с ръкавица, портрети на Иполито Риминалди, Пиетро Аретино, дъщеря на Лавиния).
Ако портретите на Тициан винаги се отличават със сложността на героите и интензивността на вътрешното състояние, то в годините на творческа зрялост той създава особено драматични образи, противоречиви герои, представени в конфронтация и сблъсък, изобразени с наистина шекспирова сила ( групов портрет на папа Павел III с неговите племенници Отавио и Александро Фарнезе, 1545-1546). Такъв сложен групов портрет е разработен едва през барока на 17 век, точно както конен церемониален портрет като Тициан „Карл V в битката при Мульорг” послужи като основа за традиционната представителна композиция на портретите на Ван Дайк.
Към края на живота на Тициан творчеството му претърпява значителни промени. Той все още пише много на древни теми („Венера и Адонис“, „Пастирът и нимфата“, „Диана и Актеон“, „Юпитер и Антиопа“), но все по-често се обръща към християнски теми, към сцени от мъченичество, в което езическата жизнерадостност, античната хармония се заменят с трагичен мироглед („Бичеването на Христос”, „Покаяната Мария Магдалина”, „Св. Севастиан”, „Оплакване”, „Денарий от Цезар”).
Техниката на писане също се променя: златисто светло оцветяване и светло остъкляване отстъпват място на мощно, бурно, пастообразно рисуване. Пренасянето на текстурата на обективния свят, неговата материалност се постига чрез широки щрихи на ограничена палитра.
„Св. Себастиан“ е написана всъщност само с охра и сажди. Мазикът предава не само текстурата на материала, но с движението си се оформя самата форма, създава се пластичността на изобразеното.
Неизмеримата дълбочина на скръбта и величествената красота на човешкото същество са предадени в последното произведение на Тициан, Плач, завършено след смъртта му от неговия ученик. Мадоната, която държеше сина си на колене, замръзна от скръб, Магдалена вдига ръка от отчаяние, старецът остава в дълбоки тъжни мисли. Трепкащата синкаво-сива светлина обединява контрастните цветни петна на дрехите на героите, златните коси на Мария Магдалена, почти скулптурно моделираните статуи в нишите и в същото време създава впечатлението за избледняващ, отминаващ ден, настъпването на здрач, засилващ трагичното настроение.
Тициан умира в напреднала възраст, като е живял почти век, и е погребан във венецианската църква dei Frari, украсена с неговите олтарни образи. Той имаше много ученици, но никой от тях не беше равен на учителя. Огромното влияние на Тициан се отрази на живописта на следващия век, изживяно е до голяма степен от Рубенс и Веласкес.
Венеция през 16-ти век остава последната крепост на независимостта и свободата на страната; както вече споменахме, тя остава вярна на традициите на Ренесанса за най-дълго време. Но в края на века чертите на предстоящата нова ера в изкуството, новото художествено направление, вече са съвсем очевидни тук. Това може да се види в творчеството на двама големи художници от втората половина на този век - Паоло Веронезе и Тинторето.
Паоло Каляри, прякор Веронезе(той е от Верона, 1528-1588) е предопределен да стане последният певец на празничната, ликуваща Венеция от 16-ти век. Започва с правенето на картини за палатите на Верона и изображения за църквите във Верона, но славата му идва, когато през 1553 г. започва да работи върху стенописи за Двореца на дожите във Венеция. Оттук нататък животът на Веронезе е завинаги свързан с Венеция („Триумфът на Венеция“). Прави картини, но по-често рисува големи маслени картини върху платно за венецианските патриции, олтарни образи за венециански църкви по собствена поръчка или по официална поръчка на републиката („Поклонението на влъхвите“). Печели конкурса за украса на библиотеката на Св. Марк. Славата го съпътства през целия му живот. Но каквото и да е написал Веронезе: „Брак в Кана Галилейска” за трапезарията на манастира Сан Джорджо Маджоре (1562-1563; размер 6,6 х 9,9 м, изобразяващ 138 фигури); картини на алегорични, митологични, светски сюжети; независимо дали портрети, жанрови картини, пейзажи; „Пирът при Симон Фарисея“ (1570) или „Пирът в дома на Левин“ (1573), пренаписани по-късно по настояване на инквизицията, са огромни декоративни картини на празнична Венеция, където венецианската тълпа се облича в елегантно костюми е изобразен на фона на широко изрисувана перспектива на венецианския архитектурен пейзаж, сякаш светът за художника е постоянна брилянтна феерия, едно безкрайно театрално действие. Зад всичко това стои толкова прекрасно познание за природата, всичко е изпълнено в толкова изящен единичен (сребърно-перлен и син) цвят с цялата яркост и пъстрота на богатите дрехи, толкова е вдъхновено от таланта и темперамента на художника, че театралното действие придобива житейска убедителност. Във Веронезе има здравословно чувство за радост от живота. Неговият мощен архитектурен фон не отстъпва на Рафаел по своята хармония, но сложното движение, неочаквани ъгли на фигурите, повишена динамика и претовареност в композицията („Оплакване на Христос“), която се появява в края на творчеството му, страстта за илюзионизъм на изображението говорят за появата на изкуството на други възможности и друга изразителност.
Трагичното отношение се проявява в творчеството на друг художник – Якопо Робусти, известен в изкуството като Тинторето(1518-1594) ("tintoretto" - бояджия: бащата на художника е бояджия на коприна). Тинторето остава в работилницата на Тициан за много кратко време, но според съвременниците на вратите на работилницата му виси мотото: „Рисуна на Микеланджело, оцветяване на Тициан“. Но Тинторето е може би по-добър колорист от своя учител, въпреки че за разлика от Тициан и Веронезе, неговото признание никога не е било пълно. Многобройни произведения на Тинторето, написани главно на теми за мистични чудеса, са пълни с тревога, тревога и объркване. Още в първата картина, която му донесе слава, „Чудото на св. Марко“ (1548 г.), той представя фигурата на светеца в толкова сложна перспектива и всички хора в състояние на такъв патос и такова бурно движение, което би имало е невъзможно в изкуството на Високия Ренесанс в неговия класически период. Подобно на Веронезе, Тинторето пише много за Двореца на дожите, венецианските църкви, но най-вече – за филантропските братства. Два от най-големите му цикъла се изпълняват за Scuolo di San Rocco и Scuolo di San Marco.
Принципът на фигуративността на Тинторето е изграден сякаш върху противоречия, които вероятно са плашели съвременниците му: образите му явно са на демократичен склад, действието се развива в най-простата обстановка, но сюжетите са мистични, пълни с възвишени чувства , изразяват екстатична фантазия на майстора, изпълнена с маниерна изтънченост. Той има и изтънчено романтични образи, раздути от лирично чувство („Спасението на Арсиноя“, 1555), но и тук настроението на тревожност се предава от колеблива нестабилна светлина, студени зеленикаво-сиви проблясъци. Необичайна е композицията му „Въведение в храма” (1555), която е нарушение на всички приети класически норми на строителство. Крехката фигура на малката Мария е поставена на стъпалата на стръмно издигащо се стълбище, на върха на което я очаква първосвещеникът. Усещането за необятността на пространството, бързината на движението, силата на едно единствено чувство придава особено значение на изобразеното. Ужасни елементи, светкавици обикновено придружават действието в картините на Тинторето, засилвайки драматизма на 118-то събитие („Отвличането на тялото на св. Марко“).
От 60-те години композициите на Тинторето стават по-прости. Той вече не използва контрасти на цветни петна, а изгражда цветова схема върху необичайно разнообразни преходи на щрихи, мигащи или избледняващи, което засилва драматичността и психологическата дълбочина на случващото се. Така той написа Тайната вечеря за братството на Св. Марк (1562-1566).
От 1565 до 1587 Тинторето работи върху украсата на Scuolo di San Rocco. Гигантският цикъл на тези картини (няколко десетки платна и няколко плафона), заемащи два етажа от стаята, е пропит с пронизваща емоционалност, дълбоко човешко чувство, понякога каустично чувство на самота, погълнатост на човека в безгранично пространство, усещане за незначителност на човек пред величието на природата. Всички тези чувства бяха дълбоко чужди на хуманистичното изкуство на Висшия Ренесанс. В една от последните версии на Тайната вечеря Тинторето вече представя почти утвърдена система от барокови изразни средства. Маса, поставена диагонално, трептяща светлина, пречупена в чинии и грабваща фигури от тъмнината, остър светлинен цвят, множество фигури, представени в сложни ъгли - всичко това създава впечатление за някаква вибрираща среда, усещане за изключително напрежение. Нещо призрачно, сюрреалистично се усеща в по-късните му пейзажи за същия Scuolo di San Rocco („Полет в Египет“). В последния период на творчеството Тинторето работи за Двореца на дожите (композиция „Рай”, след 1588 г.).
Тинторето е правил много портрети. Той изобразява венецианските патриции, затворени в своето величие, горди венециански доже. Стилът му на рисуване е благороден, сдържан и величествен, както и интерпретацията на модели. Изпълнен с тежки мисли, болезнена тревога, умствено объркване, майсторът се изобразява в автопортрет. Но това е характер, на който моралното страдание е придало сила и величие.
