Япония? Как се разви? Ще отговорим на тези и други въпроси в статията. Японската култура се формира в резултат на историческо движение, което започва, когато японците се преместват от континента към архипелага и се ражда цивилизацията от периода Джомон.
Европа, Азия (особено Корея и Китай) и Северна Америка са повлияли силно на сегашното просвещение на този народ. Един от признаците на културата на японците е нейното дълго развитие в ерата на пълна изолация на държавата (политика на сакоку) от всички останали страни по време на управлението на шогуната Токугава, продължило до средата на 19 век - началото на ерата Мейджи.
Влияние
Как се развива художествената култура на Япония? Цивилизацията е била значително повлияна от изолираното регионално местоположение на страната, климатичните и географските особености, както и природните феномени (тайфуни и чести земетресения). Това се изразяваше в изключителното отношение на населението към природата като живо същество. Характерна черта на националния характер на японците е способността да се възхищават на сегашната красота на Вселената, която се изразява в много видове изкуство в малка страна.
Художествената култура на Япония е създадена под влиянието на будизма, шинтоизма и конфуцианството. Същите тези тенденции оказват влияние върху по-нататъшното му развитие.
древни времена
Съгласете се, художествената култура на Япония е великолепна. Шинтоизмът има своите корени в древни времена. Будизмът, въпреки че се е появил преди нашата ера, започва да се разпространява едва от пети век. Периодът Хейан (8-12 век) се счита за златната ера на държавността на Япония. През същия период живописната култура на тази страна достига най-високата си точка.
Конфуцианството се появява през 13 век. На този етап е имало разделяне на философията на Конфуций и будизма.
Йероглифи
Образът на художествената култура на Япония е въплътен в уникална версификация, която се нарича В тази страна изкуството на калиграфията също е силно развито, което според легендата е възникнало от небесни божествени изображения. Именно те вдъхнаха живот на писмеността, така че населението е благосклонно към всеки знак в правописа.
Говори се, че именно йероглифите са дали японската култура, тъй като от тях се появяват изображения около надписа. Малко по-късно започва да се наблюдава силно съчетание на елементи от живопис и поезия в едно произведение.
Ако изучавате японски свитък, ще откриете, че произведението съдържа два вида символи. Това са знаци за писане - печати, стихотворения, колофен, както и живописни. В същото време театърът Кабуки придоби голяма популярност. Различен тип театър - Но - се предпочита основно от военните. тяхната строгост и жестокост оказаха силно влияние върху No.
Живопис
Художествената култура е изучавана от много специалисти. Огромна роля в неговото формиране изигра кайга живописта, което на японски означава рисуване или рисуване. Това изкуство се счита за най-стария вид живопис на държавата, който се определя от огромен брой решения и форми.
В него специално място заема природата, която определя свещеното начало. Разделението на живописта на суми-е и ямато-е съществува от десети век. Първият стил се развива по-близо до четиринадесети век. Това е един вид монохромен акварел. Ямато-е са хоризонтално сгънати свитъци, които обикновено се използват в декорацията на литературни произведения.
Малко по-късно, през 17-ти век, в страната се появява печатането върху таблети - укийо-е. Майсторите изобразяваха пейзажи, гейши, известни актьори от театър Кабуки. Този вид живопис през 18 век оказва силно влияние върху изкуството на Европа. Възникналата тенденция се нарича "японизъм". През Средновековието културата на Япония излиза извън границите на страната - започва да се използва в дизайна на стилни и модни интериори по целия свят.
калиграфия
О, колко красива е художествената култура на Япония! Схващането за хармония с природата може да се види във всеки от нейните сегменти. Какво представлява съвременната японска калиграфия? Нарича се шодо („начин на известия“). Калиграфията, подобно на писането, е задължителна дисциплина. Учените са открили, че това изкуство е дошло там едновременно с китайската писменост.
Между другото, в древни времена културата на човек се оценяваше според нивото му на калиграфия. Днес има голям брой стилове на писане и будистките монаси ги развиват.
Скулптура
Как възникна японската култура? Ще проучим развитието и видовете на тази област от човешкия живот възможно най-подробно. Скулптурата е най-старият вид изкуство в Япония. В древни времена хората от тази страна са правили фигурки на идоли и съдове от керамика. Тогава хората започнаха да инсталират статуи на ханев, създадени от печена глина, върху гробовете.
Развитието на скулптурния занаят в съвременната японска култура е свързано с разпространението на будизма в държавата. Един от най-древните представители на японските паметници се счита за статуята на Буда Амитабха, изработена от дърво, поставена в храма Зенко-джи.
Скулптурите много често бяха направени от греди, но изглеждаха много богати: занаятчиите ги покриваха с лак, злато и ярки цветове.
Оригами
Харесвате ли художествената култура на Япония? Разбирането на хармонията с природата ще донесе незабравимо преживяване. Характерна особеност на японската култура се превърнаха в невероятни оригами продукти („сгъната хартия“). Това умение дължи произхода си на Китай, където всъщност е изобретен пергаментът.
Първоначално "сгъната хартия" се използва в религиозните церемонии. Това изкуство можеше да се изучава само от висшата класа. Но след Втората световна война оригами напуска домовете на благородниците и намира своите почитатели по цялата земя.
Икебана
Всеки трябва да знае каква е художествената култура на страните от Изтока. Япония е вложила много труд в неговото развитие. Друг компонент от културата на тази невероятна страна е икебана („живи цветя“, „нов живот на цветята“). Японците са фенове на естетиката и простотата. Точно тези две качества са вложени в произведенията. Изтънчеността на изображенията се постига чрез ползотворното използване на естествената красота на растителността. Икебана, подобно на оригами, също служи като част от религиозна церемония.
Миниатюри
Вероятно мнозина вече са разбрали, че художествената култура на Древен Китай и Япония е тясно преплетена. А какво е бонсай? Това е уникално японско умение да се култивира почти точна миниатюрна реплика на истинско дърво.
В Япония също е обичайно да се правят нецуке – малки скулптури, които са един вид ключодържател. Често такива фигурки в това качество бяха прикрепени към дрехите на японците, които нямаха джобове. Те не само го украсяват, но и служат като оригинална противотежест. Ключодържателите бяха направени под формата на ключ, торбичка, плетена кошница.
История на живописта
Художествената култура на древна Япония представлява интерес за много хора. Живописът в тази страна възниква през японския палеолит и се развива по следния начин:
- Ямато период. По времето на Асука и Кофун (4-7 век), наред с въвеждането на йероглифите, създаването на държавен режим по китайски модел и популяризирането на будизма, много произведения на изкуството са пренесени в Япония от Китай. След това картини в китайски стил започнаха да се възпроизвеждат в Страната на изгряващото слънце.
- Нара време. През VI и VII век. Будизмът продължава да се развива в Япония. В това отношение започва да процъфтява религиозната живопис, използвана за украса на многобройните храмове, построени от аристокрацията. Като цяло през ерата Нара приносът за развитието на скулптурата и изкуството е по-голям, отколкото в живописта. Ранните картини в този цикъл включват стенописи по вътрешните стени на храма Хорю-джи в префектура Нара, изобразяващи живота на Буда Шакямуни.
- Хейан ера. В японската живопис, започвайки от 10-ти век, се отличава тенденцията на ямато-е, както писахме по-горе. Такива картини са хоризонталните свитъци, използвани за илюстриране на книги.
- Ерата на Муромачи. През XIV век се появява стилът Supi-e (монохромен акварел), а през първата половина на XVII век. художниците започват да отпечатват гравюри върху дъски - укийо-е.
- Картината от ерата на Адзучи-Момояма е в рязък контраст с картината от периода Муромачи. Има полихромен стил с широко използване на сребро и през този период образователната институция Кано се радва на голям престиж и слава. Негов основател е Кано Ейтоку, който рисува тавани и плъзгащи се врати към отделни стаи. Такива рисунки украсяваха замъците и дворците на военното благородство.
- ерата на Майджи. От втората половина на 19-ти век изкуството се разделя на конкуриращи се традиционни и европейски стилове. През ерата на Майджи Япония претърпява големи социални и политически промени чрез процеса на модернизация и европеизация, организиран от властите. Млади обещаващи художници бяха изпратени в чужбина да учат, а чуждестранни художници идваха в Япония, за да създават училищни художествени програми. Както и да е, след първоначалния прилив на любопитство към западния стил на изкуството, махалото се завъртя назад и японският традиционен стил се възроди. През 1880 г. западните художествени практики са забранени от официални изложби и са силно критикувани.
поезия
Художествената култура на древна Япония все още се изучава. Неговата характеристика е гъвкавост, някаква синтетика, тъй като се е формирала под влиянието на различни религии. Известно е, че японската класическа поезия е излязла от ежедневието, действала е в него и тази нейна земност се е запазила до известна степен в традиционните форми на днешната поезия - триредовото хайку и петредовото танка, които се отличават с подчертано масов характер. Впрочем, точно това качество ги отличава от гравитиращия към елитаризма „свободен стих“, появил се в Япония в началото на 20 век под влиянието на европейската поезия.
Забелязали ли сте, че етапите на развитие на художествената култура на Япония са многостранни? Поезията в обществото на тази страна изигра специална роля. Един от най-известните жанрове е хайку, можете да го разберете само като се запознаете с неговата история.
За първи път се появява в ерата Хейан, приличаше на стила ренга, който беше един вид изход за поети, които искаха да си починат от замислените стихове на уа. Хайкай се развива в отделен жанр през 16-ти век, когато ренгата става твърде сериозна, а хайку разчита на разговорния език и все още е хумористичен.
Разбира се, художествената култура на Япония е описана накратко в много произведения, но ще се опитаме да говорим за нея по-подробно. Известно е, че през Средновековието един от най-известните литературни японски жанрове е танка („лаконична песен“). В повечето случаи това е петред, състоящ се от двойка строфи с фиксиран брой срички: 5-7-5 срички в три реда от първата строфа и 7-7 в два реда от втората. Що се отнася до съдържанието, танка използва следната схема: първата строфа представлява специфичен естествен образ, а втората отразява чувството на човек, което отразява този образ:
- В далечните планини
Дългоопашат фазан дреме -
Тази дълга, дълга нощ
Мога ли да спя сам? ( Какиномото но Хитоваро, началото на 8 век, превод от Санович.)
Японска драматургия
Мнозина твърдят, че художествената култура на Китай и Япония е хипнотизираща. Харесвате ли сценичните изкуства? Традиционната драматургия на Страната на изгряващото слънце е разделена на джорури (куклен театър), драматургия на театър Но (кьоген и йокиоку), театър кабуки и шингеки. Обичаите на това изкуство включват пет основни театрални жанра: кьоген но, бугаку, кабуки и бунраку. Всички тези пет традиции присъстват и днес. Въпреки колосалните различия, те са свързани с общи естетически принципи, които са в основата на японското изкуство. Между другото, драматургията на Япония се заражда на сцената на No.
Театърът Кабуки се появява през 17-ти век и достига своя апогей към края на 18-ти. Формата на изпълненията, която се развива през посочения период, е запазена на съвременната сцена на Кабуки. Постановките на този театър, за разлика от сцените на No, насочени към тесен кръг от почитатели на античното изкуство, са предназначени за масовата публика. Корените на уменията Кабуки произлизат от изпълненията на комици - изпълнители на малки фарсове, сцени, състоящи се от танци и пеене. Театралното умение на Кабуки погълна елементите на джорури и не.
Появата на театър Кабуки се свързва с името на работника на будисткото светилище О-Куни в Киото (1603 г.). O-Kuni се представи на сцената с религиозни танци, които включват движенията на народните танци на Nembutsu-odori. Нейните изпълнения бяха осеяни с комични пиеси. На този етап постановките се наричали юджо-кабуки (кабуки на куртизанки), о-куни-кабуки или онна-кабуки (дамски кабуки).
Гравюри
През миналия век европейците, а след това и руснаците, се сблъскват с феномена на японското изкуство чрез гравиране. Междувременно в Страната на изгряващото слънце рисуването върху дърво в началото изобщо не се смяташе за умение, въпреки че притежаваше всички свойства на масовата култура – евтиност, достъпност, тираж. Ценителите на Ukiyo-e успяха да постигнат най-висока разбираемост и простота както в въплъщението на сюжети, така и в техния избор.
Ukiyo-e беше специално училище по изкуствата, така че тя успя да предложи редица изключителни майстори. Така името на Хисикава Моронобу (1618-1694) се свързва с началната фаза на развитието на сюжетната гравюра. В средата на 18 век създава Сузуки Харунобу, първият ценител на многоцветното гравиране. Основните мотиви на творчеството му са лирически сцени, в които внимание не се обръща на действието, а на предаването на настроения и чувства: любов, нежност, тъга. Подобно на изящното древно изкуство от ерата Хейан, виртуозите на укийо-е възродиха необикновения култ към изящната красота на жените в обновена градска среда.
Единствената разлика беше, че вместо гордите аристократи от Хейан, отпечатъците изобразяваха грациозни гейши от развлекателните квартали на Едо. Художникът Утамаро (1753-1806) е може би уникален пример за професионалист в историята на живописта, който изцяло посветил своето творчество на изобразяването на дами в различни пози и рокли, в различни житейски обстоятелства. Една от най-добрите му творби е гравюрата "Гейша Осама", която се съхранява в Москва, в Музея на живописта на Пушкин. Художникът необичайно фино предаде единството на жеста и настроението, израженията на лицето.
Манга и аниме
Много художници се опитват да изучават живописта на Япония. Какво е аниме (японска анимация)? Различава се от другите анимационни жанрове по това, че е по-настроена към възрастен зрител. Има дублиращо се разделение на стилове за недвусмислена целева аудитория. Мярката за смазване е полът, възрастта или психологическият портрет на киномана. Много често анимето е филмова адаптация на японски манга комикси, която също получи голяма слава.
Основната част на мангата е предназначена за възрастен зрител. Според данни от 2002 г. около 20% от целия японски книжен пазар е зает от манга комикси.
Япония е близо до нас географски, но въпреки това дълго време остава неразбираема и недостъпна за целия свят. Днес знаем много за тази страна. Дългата доброволна изолация доведе до факта, че нейната култура е напълно различна от културите на други държави.
Добър ден, скъпи читатели! Продължавам селекцията от игрални филми за Япония, които препоръчвам за гледане. Филмите, подобно на книгите, ви позволяват да опознаете начина на живот, манталитета и културата на жителите на страната на изгряващото слънце.
Японски игрални филми:
1. Император, съвместен филм между Япония и САЩ, издаден през 2012 г., жанр - военна история, режисиран от Питър Уебър. Филмът показва събитията, случили се в Япония след Втората световна война, когато американските войски пристигат в Япония, за да възстановят реда, да арестуват военнопрестъпници и да определят бъдещия ход на развитие на Япония. Погледът на ситуацията е показан през очите на американски генерал, който е обичал японско момиче преди войната. Той трябваше да определи степента на вина на император Хирохито от Япония за отприщване на войната.
Филмът е интересен от историческа гледна точка, тъй като показва реалните събития от онова време. А Япония е представена не само като страна-агресор, но и като засегната страна – градовете са напълно разрушени и опожарени, стотици хиляди хора са изгорени при експлозията на атомни бомби.
2. Шинсенгуми, годината, в която е направен филмът 1969, направен в Япония, режисиран от Тадаши Савашима.
Филмът показва последните години на шогуната Токугава. Когато се сформира малък отряд от група свободни самураи (ронини) за защита на последния шогун от клана Токугава, така нареченият отряд на самопровъзгласилата се полиция. Този военен отряд от отчаяни и смели самураи се ръководи от Кондо Исами, селянин по произход. Отрядът се славел с ненадмината си военна сръчност в ръкопашен бой и с идеите за победата на шогуната над имперската власт.
По същата тема можете да намерите документален филм, който възстановява събитията от онова време и дава обективна оценка на действията на отряда Шинсенгуми и неговия командир Кондо Исами. Филмът е базиран на исторически събития и игралният филм практически не променя същността на документалния.
3.Скрито острие, произведен в Япония, издаден през 2004 г., режисиран от Йоджи Ямада. Жанрът на филма е драма, мелодрама. Действието на филма се развива в средата на 19-ти век в малкото княжество Унасаку на северозападния бряг на Япония. През този период в страната настъпват големи промени, самураите са преустроени по западен начин и овладяват огнестрелните оръжия и нови начини за водене на война. Започва конфликт между стария начин на живот и всичко ново, което бързо улавя живота на японците.
На фона на отношенията между мъж и жена ненатрапчиво се показва образът на самурай, който се състои в стриктно спазване на правилата на честта, в достойнството и честността. След като гледате този филм, за пореден път стигате до извода, че стереотипът, че самураите са войнствена класа, е погрешен. По думите на героя на филма „за самурай да убиеш човек е толкова трудно, колкото всеки друг“.
4. Моите дъждовни дни,продукция Япония 2009, драматичен жанр. Филмът показва живота на ученичките, които правят енджо-касай. Всичко се променя, когато главният герой среща млад мъж, учител по история. Този романтичен филм разказва за развитието на отношенията между тях. Много сладък и трогателен филм.
5.Любов на специално ниво- продукция Япония, режисьор Наото Кумазава, година на издаване 2014, жанр мелодрама.
Всичко започва в гимназията, Куруруки Юни е ученичка, умна, има високи оценки по всички дисциплини с изключение на английския. Тя е целеустремена и умна, крие всички емоции дълбоко в себе си и затова е много самотна.
Млад учител по английски, Сакурай, възлага ежедневните часове на Юни. Какво го накара да го направи? Желанието да научи Кукуруки на езика или желанието да извади момичето от черупката си. Но каквото и да беше, допълнителните уроци по английски доведоха до резултат, който никой не очакваше. Филмът е сладък, всички действия се развиват бавно с минимален набор от думи и игра на чувства, красиви актьори, спокоен музикален съпровод. Проектиран за тийнейджърска женска аудитория. Може да изглежда малко стегнато.
6. Искам да те прегърна- продукция Япония, режисьор Акихико Шиото, година на издаване 2014.
Тъжната и трогателна история за връзката между младия мъж Масами и момичето Цукаса се основава на реални събития. Действието на филма се развива на остров Хокайдо. Един ден група млади баскетболисти пристигат във фитнес залата, която беше запазена по същото време от група хора с увреждания. Това събитие позволи на таксиметровия шофьор Масами, който играе баскетбол от училище, да се срещне с Цукаса, който стана инвалид в резултат на автомобилна катастрофа.
Цукаса не обича да се третира като инвалид. След като преживя тежките последици от инцидента и постепенно се върна към живота, тя стана силна. Масами от своя страна е мил и нежен човек. Връзката им не беше разбрана от родителите и от двете страни, но въпреки това младите хора продължиха да се срещат. Осъзнавайки, че връзката на младите хора искрени родители също се влюбиха в Tsukasa. Имаше прекрасна сватба на красив млад мъж и момиче в инвалидна количка, но животът има свой собствен път ...
Съвременната японска художествена сцена изглежда е напълно глобализирана. Художниците пътуват между Токио и Ню Йорк, почти всички са получили европейско или американско образование, говорят за работата си на международния художествен английски. Тази картина обаче далеч не е пълна.
Националните форми и тенденции се оказват едни от най-търсените стоки, които Япония може да предложи на световния пазар на художествени идеи и произведения.
самолетна операция. Как superflat съчетава американската маниашка култура и традиционната японска живопис
Такаши Мураками. "Танг Тан Бо"Ако в западния свят за почти всички (с изключение на може би най-запалените постмодерни теоретици) границата между високата и масовата култура все още остава актуална, макар и проблематична, то в Япония тези светове са тотално смесени.
Пример за това е Такаши Мураками, който успешно съчетава изложби в най-добрите световни галерии и стрийминг продукция.
Запис от обиколката на изложбата на Мураками "Ще вали лек дъжд"
Връзката на Мураками с популярната култура обаче – а за Япония това е предимно културата на феновете на мангата и анимето (отаку) – е по-сложна. Философът Хироки Азума критикува разбирането за отаку като автентичен японски феномен. Отаку се смятат за пряко свързани с традициите на периода Едо от 17-19 век - ерата на изолационизма и отхвърлянето на модернизацията. Азума твърди, че движението отаку - базирано на манга, анимация, графични романи, компютърни игри - е могло да възникне само в контекста на следвоенната американска окупация в резултат на вноса на американска култура. Изкуството на Мураками и неговите последователи преоткрива отаку с поп арт техники и развенчава националистическия мит за автентичността на традицията. Той представлява „реамериканизация на японизираната американска култура“.
От художествена гледна точка, superflat е най-близо до ранната японска укийо-е живопис. Най-известното произведение в тази традиция е разпечатката „Голямата вълна от Канагава“ от Кацушика Хокусай (1823–1831).
За западния модернизъм откриването на японската живопис е пробив. Това даде възможност да се види картината като самолет и се стреми да не преодолява тази нейна особеност, а да работи с нея.
Кацушики Хокусай. "Голямата вълна край Канагава" Пионери на производителността. Какво означава японското изкуство от 1950-те днес
Документация на творческия процес на Акира Канаяма и Казуо Ширага
Superflat се оформя едва през 2000-те години. Но значимите за световното изкуство художествени действия започват в Япония много по-рано - и дори по-рано, отколкото на Запад.
Перформативният обрат в изкуството настъпва в началото на 60-те и 70-те години на миналия век. В Япония представлението се появява през петдесетте години.
За първи път Gutai Group измести фокуса си от създаването на самодостатъчни обекти към процеса на тяхното производство. Оттук - една стъпка към изоставянето на арт обекта в полза на едно ефимерно събитие.
Въпреки че отделни художници от Гутай (а те бяха 59 за двадесет години) съществуваха активно в международния контекст, разбирайки как тяхната колективна дейност на японското следвоенно изкуство като цяло започва на Запад съвсем наскоро. Бумът дойде през 2013 г. с няколко изложби в малки галерии в Ню Йорк и Лос Анджелис, Токио 1955-1970: Новият авангард в MoMA и масивната историческа ретроспектива Gutai: Splendid Playground в музея Гугенхайм. Московският внос на японско изкуство изглежда е почти закъсняло продължение на тази тенденция.
Садамаса Мотонага. Работа (Вода) в музея Гугенхайм Удивително е колко модерно изглеждат тези ретроспективни изложби. Например, централен обект на експозицията в музея Гугенхайм е реконструкцията на Работа (Вода) от Садамаса Мотонага, в която нивата на музейната ротонда са свързани с полиетиленови тръби с цветна вода. Те напомнят за щрихи с четка, които са били откъснати от платното и служат като пример за централния фокус на Gutai върху „конкретността“ (както името на групата се превежда от японски), материалността на обектите, с които работи художникът.
Много членове на Gutai са получили образование, свързано с класическата живопис на нихонга, много от тях са биографично свързани с религиозния контекст на дзен будизма, с неговата характерна японска калиграфия. Всички те откриха нов, процедурен или съучастен подход към древните традиции. Казуо Ширага е заснел на видео как рисува монохромите си срещу Раушенберг с краката си и дори е създавал картини публично.
Минору Йошида превърна цветя от японски щампи в психеделични обекти - пример за това е Бисексуалното цвете, една от първите кинетични (движещи се) скулптури в света.
Кураторите на изложбата в музея Гугенхайм говорят за политическото значение на тези произведения:
„Гутай демонстрира значението на свободните индивидуални действия, разрушаването на очакванията на публиката и дори глупостта като начини за противодействие на социалната пасивност и конформизъм, които в продължение на десетилетия позволиха на милитаристично правителство да спечели критична маса от влияние, да нахлуе в Китай и след това присъединете се към Втората световна война."
Добър и мъдър. Защо художниците напуснаха Япония за Америка през 60-те години на миналия век
Gutai беше изключение от правилото в следвоенна Япония. Авангардните групи останаха маргинални, светът на изкуството беше строго йерархичен. Основният начин за признание беше участието в конкурси, провеждани от признати асоциации на класически художници. Затова мнозина предпочетоха да отидат на Запад и да се интегрират в англоезичната художествена система.
Беше особено трудно за жените. Дори в прогресивния Гутай делът на тяхното присъствие не достигна дори една пета. Какво можем да кажем за традиционните институции, достъпът до които изисква специално образование. До шейсетте години момичетата вече са придобили правото на това, но учат изкуство (ако не става дума за декоративни, което е част от набора от умения ryosai kenbo- добра съпруга и мъдра майка) беше социално мръсна професия.
Йоко Оно. отрязано парче
Историята на емиграцията на пет мощни японски художници от Токио в Съединените щати беше обект на изследването на Мидори Йошимото „Into Performance: Japanese Women Artists in New York“. Яйой Кусама, Такако Сайто, Миеко Шиоми и Шигеко Кубота в началото на кариерата си решават да заминат за Ню Йорк и работят там, включително върху модернизирането на традициите на японското изкуство. Само Йоко Оно е израснала в САЩ, но тя също умишлено отказва да се върне в Япония, след като се е разочаровала от артистичната йерархия на Токио по време на краткия си престой през 1962-1964 г.
Оно става най-известната от петимата, не само като съпруга на Джон Ленън, но и като автор на протофеминистки представления, посветени на обективирането на женското тяло. Има очевидни паралели между Cut Piece It, в който публиката можеше да отреже парчета от дрехите на артиста, и „Ритъм 0“ на „бабата на пърформанса“ Марина Абрамович.
На къси крака. Как да преминете авторското актьорско обучение Тадаши Сузуки
В случая с Оно и Гутай методите и темите на тяхната работа, отделени от авторите, стават международно значими. Има и други форми на експорт – когато творбите на художника се възприемат с интерес на международната арена, но самият метод не се заимства поради своята специфика. Най-впечатляващият случай е системата за актьорско обучение на Тадаши Сузуки.
Театърът Suzuki е обичан дори в Русия - и това не е изненадващо. Последният път беше с нас през 2016 г. с спектакъла „Троянките“ по текстовете на Еврипид, а през 2000-те идваше няколко пъти с постановки на Шекспир и Чехов. Сузуки пренесе действието на пиесите в актуалния японски контекст и предложи неочевидни интерпретации на текстовете: той открива антисемитизма у Иванов и го сравнява с пренебрежителното отношение на японците към китайците, пренася действието на Крал Лир в японска лудница.
Сузуки изгради своята система в опозиция на руската театрална школа. В края на 19 век, по време на така наречения период Мейджи, модернизиращата се имперска Япония преживява възхода на опозиционните движения. Резултатът беше мащабно западняне на една изключително затворена преди това култура. Сред внесените форми беше системата Станиславски, която все още остава в Япония (и в Русия) един от основните режисьорски методи.
Сузуки упражнения
През шейсетте години, когато Сузуки започва кариерата си, все повече се разпространява тезата, че заради телесните си черти японските актьори не могат да свикнат с роли от западни текстове, които изпълват репертоара на онова време. Младият режисьор успя да предложи най-убедителната алтернатива.
Системата от упражнения на Suzuki, наречена граматика на краката, включва десетки начини за седене и дори повече за стоене и ходене.
Актьорите му обикновено играят боси и изглеждат, като свалят центъра на тежестта, възможно най-здраво привързани към земята, тежки. Сузуки учи тях и чуждестранни изпълнители на техниката си в село Тога, в древни японски къщи, пълни с модерно оборудване. Трупата му дава само около 70 представления годишно, а през останалото време живее, почти без да напуска селото и няма време за лични дела - само работа.
Центърът Тога се появява през 70-те години на миналия век и е проектиран по поръчка на директора от световноизвестния архитект Арата Исозака. Системата на Сузуки може да изглежда патриархална и консервативна, но самият той говори за Тога в съвременните термини на децентрализация. Дори в средата на 2000-те, Suzuki разбира важността на износа на изкуство от столицата в регионите и организирането на местни производствени точки. Според режисьора театралната карта на Япония в много отношения наподобява руската - изкуството е съсредоточено в Токио и няколко по-малки центъра. Руският театър също би се възползвал от компания, която редовно гастролира в малки градове и е базирана далеч от столицата.
SCOT Company Center в Тога Цветни пътеки. Какъв ресурс откри съвременният театър в системите нох и кабуки
Методът Suzuki произлиза от две древни японски традиции - но също и от кабуки. Не само, че тези видове театър често се характеризират като изкуство на ходенето, но и в по-очевидни детайли. Suzuki често следва правилото за изпълнение на всички роли от мъжете, използва характерни пространствени решения, например ханамичи („пътеката на цветята“) от образеца на кабуки – платформа, която се простира от сцената в дълбините на аудиторията. Той също така използва доста разпознаваеми символи като цветя и свитъци.
Разбира се, в глобалния свят не става дума за привилегията на японците да използват националните си форми.
Театърът на един от най-значимите режисьори на нашето време, американецът Робърт Уилсън, е изграден върху заемки от но.
Той не само използва маски и грим, които напомнят на масовата публика на Япония, но и заимства начините на действие, базирани на максимално забавяне на движението и самодостатъчна изразителност на жеста. Комбинирайки традиционни и ритуални форми с ултрамодерни леки партитури и минималистична музика (едно от най-известните произведения на Уилсън е постановка на операта на Филип Глас Айнщайн на плажа), Уилсън по същество произвежда синтеза на произхода и уместността, към която се стреми голяма част от модерното изкуство за.
Робърт Уилсън. "Айнщайн на плажа"
От нох и кабуки израсна един от стълбовете на модерния танц – буто, в буквален превод – танцът на мрака. Изобретен през 1959 г. от хореографите Казуо Оно и Тацуми Хиджиката, които също черпят от нисък център на тежестта и концентрация върху стъпалата, Буто е за внасяне на отраженията на травматично военно преживяване в телесното измерение.
„Те показаха тялото болно, рухнало, дори чудовищно, чудовищно.<…>Движенията са или бавни, или умишлено резки, експлозивни. За това се използва специална техника, когато движението се извършва сякаш без участието на основните мускули, поради костните лостове на скелета“, свързва историкът на танца Ирина Сироткина в историята на освобождението на тялото, свързва то с напускането на балетната нормативност. Тя съпоставя буто с практиките на танцьори и хореографи от началото на 20 век – Айседора Дънкан, Марта Греъм, Мери Уигман, говори за влиянието върху по-късния „постмодернист“ танц.
Фрагмент от танца на Кацура Кана, съвременният наследник на традицията Буто
Днес буто в оригиналния си вид вече не е авангардна практика, а историческа реконструкция.
Въпреки това речникът на движението, разработен от Оно, Хиджиката и техните последователи, остава значителен ресурс за съвременните хореографи. На Запад се използва от Димитрис Папайоану, Антон Адасински и дори във видеото за „Belong To The World“ на The Weekend. В Япония наследник на традицията на буто е например Сабуро Тешигавара, който ще дойде в Русия през октомври. Въпреки че самият той отрича паралели с танца на мрака, критиците намират доста разпознаваеми признаци: привидно обезкостено тяло, крехкост, безшумна стъпка. Вярно, те вече са поставени в контекста на постмодернистичната хореография – с нейното високо темпо, бягане, работа с постиндустриална нойз музика.
Сабуро Тешигавара. метаморфоза
Локално глобално. По какво съвременното японско изкуство е подобно на западното?
Творбите на Тешигавара и много негови колеги органично се вписват в програмите на най-добрите западни фестивали за съвременен танц. Ако прегледате описания на представления и представления, които бяха показани на фестивала / Токио - най-голямото годишно шоу на японския театър, тогава ще бъде трудно да забележите фундаментални разлики от европейските тенденции.
Една от централните теми е специфичността на обекта - японски художници изследват пространствата на Токио, вариращи от съсиреци на капитализма под формата на небостъргачи до маргинални зони на концентрация на отаку.
Друга тема е изследването на неразбирането между поколенията, театърът като място за среща на живо и организирано общуване на хора от различни възрасти. Проекти, посветени на нея от Тошика Окада и Акира Танаяма, бяха пренасяни във Виена няколко години подред на един от ключовите европейски фестивали на сценичните изкуства. Нямаше нищо ново в пренасянето на документални материали и лични истории на сцената до края на 2000-те, но кураторът на Виенския фестивал представи тези проекти на публиката като възможност за жив контакт от точка до точка с друг култура.
Друга основна линия е преработването на травматичното преживяване. За японците това се свързва не с ГУЛАГ или Холокоста, а с бомбардировките над Хирошима и Нагасаки. Театърът се позовава на него постоянно, но най-мощното твърдение за атомните експлозии като момент на генезиса на цялата съвременна японска култура все още принадлежи на Такаши Мураками.
към изложбата „Малко момче: Изкуството на японската експлодираща субкултура“ „Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture“ е заглавието на неговия куриран проект, показан в Ню Йорк през 2005 г. "Малко момче" - "бебе" на руски - името на една от бомбите, хвърлени над Япония през 1945 г. Събирайки стотици манга комикси от водещи илюстратори, отличителни винтидж играчки, стоки, базирани на известни аниме от Годзила до Hello Kitty, Мураками докара концентрацията на сладост - kawaii - до границата на музейното пространство. В същото време той лансира селекция от анимации, в които централни изображения стават снимки на експлозии, гола земя и разрушени градове.
Това противопоставяне беше първото голямо твърдение за инфантилизацията на японската култура като начин за справяне с посттравматичното стресово разстройство.
Сега това заключение изглежда вече очевидно. Върху него е изградено академично изследване на kawaii от Инухико Йомота.
Има и по-късни травматични тригери. От най-важните - събитията от 11 март 2011 г., земетресението и цунамито, довели до голяма авария в атомната електроцентрала Фукушима. На Фестивал/Токио-2018 цяла програма от шест представления беше посветена на разбирането на последствията от природно и технологично бедствие; те станаха и тема за една от творбите, представени на Солянка. Този пример ясно показва, че арсеналът от критични методи, използвани от западното и японското изкуство, не е коренно различен. Haruyuki Ishii създава инсталация от три телевизора, които преминават през високоскоростни редактирани и зациклени кадри от телевизионни програми за земетресението.
„Произведението е съставено от 111 видеоклипа, които художникът гледаше всеки ден в новините до момента, в който всичко, което видя, вече не се възприемаше като измислица“, обясняват кураторите. „Нова Япония“ е показателен пример за това как изкуството не се съпротивлява на интерпретация, основана на национални митове, но в същото време критичното око открива, че същата интерпретация може да бъде уместна за изкуство от всякакъв произход. Кураторите говорят за съзерцанието като основа на японската традиция, черпейки от цитати от Лао Дзъ. В същото време, сякаш го оставя извън уравнението, фактът, че почти цялото съвременно изкуство е фокусирано върху „ефекта на наблюдателя“ (както се нарича изложбата) – дали под формата на създаване на нови контексти за възприемане на познатото явления или в поставянето на въпроса за възможността за адекватно възприятие като такова.
Imagined Communities – още една работа на видео художника Харуюки Ишии
Игра
Все пак не бива да се мисли, че Япония от 2010-те е концентрация на прогресивност.
Навиците на добрия стар традиционализъм и любовта към ориенталистката екзотика все още не са надживели. „Театърът на Девите“ е заглавието на доста възхитена статия за японския театър „Такаразука“ в руското консервативно списание „PTJ“. Такаразука се появява в края на 19 век като бизнес проект за привличане на туристи в отдалечен град със същото име, който случайно се превръща в крайна точка на частна железница. В театъра играят само неомъжени момичета, които според собственика на железницата трябвало да примамват мъже зрители в града. Днес Такаразука функционира като индустрия, със собствен телевизионен канал, гъста концертна програма, дори местен увеселителен парк. Но само неомъжените момичета все още имат право да бъдат в трупата – да се надяваме, че поне не проверяват за девственост.
Такаразука обаче бледнее в сравнение с клуба Toji Deluxe в Киото, който японците наричат също театър. Те се показват абсолютно диви, ако се съди по описаниеКолумнистът на New Yorker Иън Бурума, стриптийз шоу: няколко голи момичета на сцената превръщат демонстрацията на гениталиите в публичен ритуал.
Подобно на много художествени практики, това шоу се основава на древни легенди (с помощта на свещ и лупа мъжете от публиката можеха да се редуват да изследват „тайните на богинята майка Аматерасу“), а самият автор беше напомнен на традицията но.
Търсенето на западни аналози на Такаразуки и Тоджи ще оставим на читателя – не е трудно да ги открием. Отбелязваме само, че значителна част от модерното изкуство е насочена именно към борбата с подобни практики на потисничество – както западни, така и японски, вариращи от суперфлет до танца на буто.
Той създава картините си през периода на Тайсе (1912-26) и ранната Шоуа. Той е роден през 1891г
година в Токио, е син на журналиста Кишида Гинко. През 1908 г. завършва училище, на годишна възраст
На 15-годишна възраст той става християнин и се отдава на църковни дейности, след това Кишида
Рюсей изучава западни художествени стилове в студиото Хакубакай под
Сейки Курода (1866-1924), който е един от основателите на Академията на изкуствата в Япония.
Още през 1910 г. младият художник започва да излага работата си на годишната
Държавно изложение Бантен. Ранните му творби, особено пейзажи, са рисувани
силно повлиян и отразява стила на неговия учител Курода Сейки.
Рейко портрет
По-късно художникът се срещна и се сприятели с Мусанока Санеацу (Mushanokoji Saneatsu),
който въвежда художника в обществото Сиракаба (Бялата бреза) и го въвежда в европейското
Фовизъм и кубизъм. Формирането на Кишида Рюсей като художник се случи в първия
десетилетие на ХХ век, когато много японски млади художници заминават да учат
рисуване в чужбина, предимно в Париж. Кишида Рюсей никога не е бил в Европа и
не учи при европейски майстори, а влиянието на европейския постимпресионизъм върху него
беше огромен, особено работата на Ван Гог и Сезан. От края на 1911 г. до нач
1912 г. той е вдъхновен от творчеството на съвременните френски художници, с чието творчество
Среща се в списание Ширакаба и чрез илюстрирани книги. Ранната му работа е ясно
създаден под влиянието на Анри Матис и фовистите.
Автопортрет с шапка, 1912 г
стил: фовизъм
През 1912 г., на двадесет и една годишна възраст, Кишида Рюсей дебютира като
професионален художник, първата му самостоятелна изложба се състоя в
Художествена галерия Рокандо. През същата година художникът организира своята
Fyizankai Art Circle за изучаване и популяризиране
постимпресионизъм.
Градина на президента на Южноманджурската железопътна компания 1929 г
Скоро кръгът се разпадна поради вътрешни конфликти след провеждане на две изложби.
От около 1914 г. художникът изоставя фовизма, ранния си стил. През 1915г
година Кишида Рейсай създава групата Шодоса, в която неговият основен другар, ученик
а художникът Мичисай Коно беше последовател.
Пътят в началото на лятото на 1917 г
стил: йога-ка
Оттогава той развива свой собствен уникален стил на велик майстор, на японски
на езика се нарича "shajitsu" или "shasei", обикновено се превежда на руски като реализъм.
Художникът опростява формите, намира уникален цвят, всичко това идва от изкуството
Сезан. Въпреки че Кишида Рейсай високо оценява изкуството на Франция, но в по-късния период той
смята се, че ориенталското изкуство далеч превъзхожда западното изкуство.
Път, пресечен през хълм, 1915 г
стил: йога-ка
Портрет на Бърнард Лийч, 1913 г
стил: фовизъм
Автопортрет, 1915 г.,
стил: йога-ка
Автопортрет, 1913 г.,
стил: йога-ка
Автопортрет, 1917 г.,
стил: йога-ка
Портрет на мъж
стил: йога-ка
От около 1917 г. художникът се премества в Кугенума Фуджисава в района на Канагава. Той започна
изучават стиловете и техниките на северноевропейските ренесансови художници като напр
Дюрер и Ван Дайк. През този период той рисува своята известна серия от картини на дъщерята на Рейко,
които съчетават почти фотографски реализъм със сюрреалистичен
декоративни елементи. В началото на 20-те години на миналия век Кишида Рюсей се интересува от
елементи на ориенталското изкуство, по-специално до китайските картини "Песни" и
"династия Юан".
"Портрет на Санада Хисакичи"
По време на голямото земетресение в Канто през 1923 г. домът на художника в Кугенум е бил
унищожен, Кишида Рюсей се премества в Киото за кратък период от време, след което през февруари
1926 г. се завръща да живее в Камакура. През 20-те години на миналия век художникът рисува много
статии за естетиката и историята на японската живопис.
Чаена чаша Чаена купа и три зелени ябълки, 1917 г
стил: сезанизъм
Натюрморт, 1918 г.
стил: сезанизъм
Две червени ябълки, чаена чаша, чайна купа и бутилка, 1918 г
стил: сезанизъм
През 1929 г., със съдействието на южноманджурската железница, Кишида Рюсей прави
единственото задгранично пътуване в живота ми, посещение на Далиан, Харбин и Фенгтиан
в Манджурия. На връщане у дома той направи спирка в град Токуяма, квартал
Ямагучи, където внезапно почина от остро самоотравяне на тялото. Кишида Рюсей
създава свои портрети, пейзажи и натюрморти до ранната си смърт на 12 г
38 години. Гробът на художника се намира на гробището Tama Reien в Токио. След смъртта
Кишида Рюсей към две от картините си Японска правителствена агенция по въпросите на културата
удостоен със званието "Национална културна ценност". През декември 2000 г. един от
портретът му на дъщеря му Рейко с носна кърпа на раменете е продаден за 360 милиона йени, което
стана най-високата цена на търговете за японска живопис.
Здравейте, скъпи читатели - търсачи на знания и истина!
Японските художници се отличават със своя уникален стил, усъвършенстван от поколения майстори. Днес ще говорим за най-ярките представители на японската живопис и техните картини, от древни времена до модерни времена.
Е, нека се потопим в изкуството на Страната на изгряващото слънце.
Раждането на изкуството
Древното изкуство на рисуването в Япония се свързва преди всичко с особеностите на писането и следователно се основава на основите на калиграфията. Първите примери включват фрагменти от бронзови камбани, съдове и предмети от бита, открити при разкопки. Много от тях са боядисани с естествени бои, а изследванията показват, че продуктите са направени по-рано от 300 г. пр.н.е.
Нов етап в развитието на изкуството започва с пристигането в Япония. На емакимоно - специални хартиени свитъци - изображения на божествата от будисткия пантеон, сцени от живота на Учителя и неговите последователи.
Преобладаването на религиозните теми в живописта може да се проследи в средновековна Япония, а именно от 10-ти до 15-ти век. Имената на художниците от онази епоха до днес, уви, не са запазени.
В периода 15-18 век започва ново време, характеризиращо се с появата на художници с развит индивидуален стил. Те маркират вектора за по-нататъшното развитие на изобразителното изкуство.
Ярки представители на миналото
Напрегнат Шубун (началото на 15 век)
За да стане изключителен майстор, Xubong изучава техниките на писане на китайски художници Сунг и тяхната работа. Впоследствие той става един от основателите на живописта в Япония и създател на суми-е.
Sumi-e е художествен стил, който се основава на рисуване с мастило, което означава един цвят.
Шубун направи много, за да накара новия стил да се вкорени в художествените среди.Той преподава изкуство на други таланти, включително бъдещи известни художници, като Сешу.
Най-популярната картина на Шубун се нарича "Четене в бамбуковата горичка".
„Четене в бамбуковата горичка“ от Напрегнат Шубун
Хасегава Тохаку (1539-1610)
Той става създател на училището, наречено на негово име - Хасегава. Първоначално той се опитва да следва каноните на школата Кано, но постепенно неговият индивидуален „почерк“ започва да се проследява в неговите произведения. Тохаку се ръководеше от графиките на Sesshu.
Основата на работата беше прости, кратки, но реалистични пейзажи с неусложнени имена:
- "Борове";
- "Клен";
- Борове и цъфтящи растения.
Пайнс, Хасегава Тохаку
Братя Огата Корин (1658-1716) и Огата Кензан (1663-1743)
Братята са били отлични занаятчии от 18 век. Най-големият, Огата Корин, се отдава изцяло на рисуването и основава жанра римпа. Той избягва стереотипните образи, предпочитайки импресионистичния жанр.
Огата Корин рисува природата като цяло и цветята под формата на ярки абстракции в частност. Неговите четки принадлежат към картината:
- „Сливов цвят червено и бяло”;
- "Вълните на Мацушима";
- "хризантеми".
Вълните на Мацушима от Корин Огата
По-малкият брат - Огата Кензан - имаше много псевдоними. Поне се занимаваше с рисуване, но беше по-известен като прекрасен керамист.
Огата Кензан усвоява много техники на грънчарството. Той се отличаваше с нестандартен подход, например създава плочи под формата на квадрат.
Собствената живопис не се отличаваше с великолепие - това беше и нейната особеност. Той обичаше да поставя калиграфия върху продукти като свитък или откъси от поезия. Понякога работеха заедно с брат си.
Кацушика Хокусай (1760-1849)
Работил е в стила на укийо-е - един вид дърворезба, с други думи, гравюра. За цялото време на творчество той смени около 30 имена. Най-известната творба е Голямата вълна край Канагава, благодарение на която той става известен извън родината си.
„Голямата вълна от Канагава“ от Хокусай Кацушика
Особено усилено Хокусай започна да работи след 60 години, което донесе добри резултати. Ван Гог, Моне, Реноар са били запознати с творчеството му и до известна степен е повлияло на творчеството на европейските майстори.
Андо Хирошиге (1791-1858)
Един от най-големите художници на 19 век. Роден, живял, работил в Едо, продължил делото на Хокусай, вдъхновен от творчеството му. Начинът, по който той изобразява природата, е почти толкова поразителен, колкото и броят на самите творби.
Едо е предишното име на Токио.
Ето някои фигури за неговото творчество, които са представени от цикъл картини:
- 5,5 хиляди - броят на всички гравюри;
- „100 изгледа на Едо;
- „36 гледки към Фуджи“;
- "69 станции Кисокайдо";
- „53 станции Токайдо“.
Картина от Андо Хирошиге
Интересното е, че изключителният Ван Гог е написал няколко копия от своите гравюри.
Модерност
Такаши Мураками
Художник, скулптор, моден дизайнер, той печели име още в края на 20 век. В работата си той се придържа към модните тенденции с елементи от класиката и черпи вдъхновение от аниме и манга карикатури.
Картина от Такаши Мураками
Произведенията на Такаши Мураками са класифицирани като субкултура, но в същото време са невероятно популярни. Например през 2008 г. една от неговите творби е купена на търг за над 15 милиона долара. Едно време съвременният създател е работил заедно с модните къщи "Marc Jacobs" и "Louis Vuitton".
Тихо Асима
Сътрудник на предишен художник, тя създава съвременни сюрреалистични картини. Те изобразяват гледки към градове, улици на мегаполиси и същества сякаш от друга вселена - призраци, зли духове, извънземни момичета. На фона на картините често можете да видите девствената, понякога дори плашеща природа.
Картините й достигат големи размери и рядко се ограничават до хартия. Пренасят се върху кожа, пластмасови материали.
През 2006 г., като част от изложба в британската столица, жена създава около 20 сводести конструкции, които отразяват красотата на природата на селото и града, денем и нощем. Един от тях украси станцията на метрото.
Хей Аракава
Един млад мъж не може да се нарече просто художник в класическия смисъл на думата – той създава инсталации, които са толкова популярни в изкуството на 21-ви век. Темите на изложбите му са истински японски и засягат приятелските отношения, както и работата на целия екип.
Ей Аракава често участва в различни биеналета, например във Венеция, изложен е в Музея на модерното изкуство в родината си и заслужено получава различни награди.
Икенага Ясунари
Съвременният художник Икенага Ясунари успява да съчетае две на пръв поглед несъвместими неща: животът на днешните момичета в портретна форма и традиционните техники на Япония идват от древността. В работата си художникът използва специални четки, естествени пигментирани бои, мастило, въглен. Вместо обичайния лен - ленена тъкан.
Картина на Икенага Ясунари
Тази техника на контрастиране на изобразената епоха и външния вид на героините създава впечатлението, че те са се върнали при нас от миналото.
Поредица от картини за сложността на живота на крокодила, която напоследък стана популярна в интернет общността, също е създадена от японския карикатурист Кейго.
Заключение
И така, японската живопис възниква около 3-ти век пр. н. е. и оттогава се е променила много. Първите изображения са приложени върху керамика, след това будистките мотиви започват да преобладават в изкуствата, но имената на авторите не са оцелели до наши дни.
В ерата на Новата епоха майсторите на четката придобиват все повече индивидуалност, създават различни направления, школи. Днешното изобразително изкуство не се ограничава само до традиционната живопис – използват се инсталации, карикатури, художествени скулптури, специални конструкции.
Благодаря ви много за вниманието, скъпи читатели! Надяваме се, че нашата статия е била полезна, а историите за живота и творчеството на най-ярките представители на изкуството направиха възможно да ги опознаем по-добре.
Разбира се, трудно е да се разкаже в една статия за всички художници от древността до наши дни. Затова нека това бъде първата стъпка към познаването на японската живопис.
И се присъединете към нас - абонирайте се за блога - ще изучаваме будизма и културата на Изтока заедно!
