การแนะนำ

บทที่ 1 ประวัติศาสตร์

บทที่สอง ประเภทของ DPI ในอินเดีย

2.3 การผลิตแล็กเกอร์ในประเทศอินเดีย

2.4 ผลิตภัณฑ์โลหะ

2.5 เซรามิกส์

2.6 ศิลปะสิ่งทอ

2.7 การทำหน้ากากอนามัย

บทสรุป

บรรณานุกรม

การแนะนำ

บ่อยครั้งเมื่อพิจารณาถึงลักษณะของศิลปะของประเทศใด ๆ เราต้องเผชิญกับการไม่ใส่ใจต่อศิลปะการตกแต่งและประยุกต์โดยสิ้นเชิง การวิเคราะห์สถาปัตยกรรม จิตรกรรม และประติมากรรมมักจะถือว่าละเอียดถี่ถ้วน ในขณะที่ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ถือเป็นรูปแบบศิลปะรองที่ไม่ได้เป็นตัวแทนคุณค่าทางประวัติศาสตร์และศิลปะที่ยิ่งใหญ่ในตัวมันเอง นั่นคือเหตุผลที่ฉันเชื่อว่าหัวข้อของ DPI นั้นไม่สามารถเกี่ยวข้องได้ นอกจากนี้ เมื่อพูดถึงศิลปะของอินเดีย เรามักจะจินตนาการถึงวัดประติมากรรมขนาดใหญ่หรือภาพวาดขนาดจิ๋ว แต่ DPI นั้นเป็นศิลปะที่คุณมักจะเห็นคำอธิบายแม้แต่ในคำอธิบายของประเทศเล็ก ๆ หรืออาณาจักรที่สาบสูญ แต่ DPI ของอินเดียสร้างความประหลาดใจด้วยความสมดุลที่ละเอียดอ่อนและจริงใจของส่วนประกอบทั้งเล็กและใหญ่ และทักษะด้านจิวเวลรี่ของช่างฝีมือที่สร้างผลงานเหล่านี้ DPI ของอินเดียสร้างความประหลาดใจให้กับความหรูหรา ความปรารถนาที่จะเติมเต็มพื้นที่ทั้งหมดด้วยเครื่องประดับ ความมีชีวิตชีวา และจิตวิญญาณ มันสร้างความประหลาดใจด้วยความแตกต่าง มีสไตล์ ไดนามิก และเอกลักษณ์ประจำชาติอยู่ตลอดเวลา รสชาติหลากสีสันเพิ่มความร่าเริงให้กับผลงานของ DPI ของอินเดีย โครงเรื่องมักจะเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิดจนสามารถติดตามสิ่งที่สำคัญที่สุดและใกล้ชิดในงานได้ แต่ไม่ก้าวก่าย และความหลากหลายของพวกมันก็น่าทึ่ง...

บ่อยครั้งที่งานศิลปะการตกแต่งและประยุกต์เป็นของใช้ในครัวเรือน การใช้งานมีความสำคัญต่อพวกเขา และความสวยงามตามมา นอกจากนี้ ควรสังเกตว่าช่างฝีมือที่สร้างผลิตภัณฑ์เหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นช่างฝีมือที่มีความสามารถมหาศาลและมีความรู้สึกถึงความสวยงาม และผลงานของพวกเขายังคงไม่มีลายเซ็นของผู้สร้าง ผลงานเหล่านี้ทำให้เราชื่นชมและภาคภูมิใจที่ผู้คนเชื่อมโยงกับวัตถุมากกว่าจิตรกร แต่กระนั้นก็สามารถเปลี่ยนสิ่งของที่เป็นประโยชน์และใช้งานได้จริงให้กลายเป็นงานศิลปะอย่างแท้จริง

ในรายวิชาของฉัน ฉันต้องการแสดงให้เห็นว่าศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของอินเดียมีความหลากหลายเพียงใด เพื่อพิสูจน์ว่าเมื่อพิจารณาถึงศิลปะของประเทศใดๆ DPI ไม่ใช่ลักษณะรอง แต่เป็นหนึ่งในลักษณะหลัก เพราะหากไม่ใช่ ใน DPI สามารถติดตามการเปลี่ยนแปลงของศาสนา ความร่วมมือกับประเทศอื่น สถานการณ์ทางเศรษฐกิจของประเทศ และอุดมคติทางสุนทรียศาสตร์...

บทที่ 1 ประวัติศาสตร์

1.1 ประวัติพัฒนาการและอิทธิพลของศาสนาต่อ DPI ในอินเดีย

ในสมัยโบราณในอินเดียและในประเทศอื่น ๆ ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ไม่ได้ถูกมองว่าเป็นสาขาศิลปะอิสระ การสร้างงานประติมากรรมและผลิตภัณฑ์ทางศิลปะ จิตรกรรมและสถาปัตยกรรมล้วนถือเป็นงานฝีมือ ตามกฎแล้วงานนี้ไม่เปิดเผยชื่อ

ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ประเภทหลักที่แพร่หลายที่สุดควรได้รับการพิจารณาว่าเป็นศิลปะของสิ่งที่ออกแบบอย่างมีศิลปะนั่นคือผลิตภัณฑ์ทางศิลปะ - สิ่งของและเครื่องมือในชีวิตประจำวันอุปกรณ์เสริมของพิธีกรรมศักดิ์สิทธิ์และอาวุธ ศิลปะนี้มีมาตั้งแต่สมัยโบราณ

ตามกฎแล้วรูปแบบของเครื่องมือเรียบง่ายนั้นมีความกลมกลืนและเป็นศิลปะและรูปภาพที่อยู่ในนั้นมีลักษณะเป็นโครงเรื่องหรือมีลักษณะเป็นไม้ประดับล้วนๆ การตกแต่งคำนึงถึงวัตถุประสงค์และรูปร่างของวัตถุในชีวิตประจำวันเสมอ

ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในการตกแต่งรายละเอียดทางสถาปัตยกรรม ซึ่งมักใช้การแกะสลักเป็นพิเศษ

วัสดุที่ใช้สร้างผลิตภัณฑ์เชิงศิลปะมีความหลากหลายมาก เกือบทุกอย่างที่ธรรมชาติจัดเตรียมไว้ให้ถูกนำมาใช้ เช่น ไม้ ใบไม้และสมุนไพร เส้นใยพืช เปลือกถั่ว; หินธรรมดา กึ่งมีค่า และหินมีค่า ดินเหนียว โลหะ รวมถึงของมีค่า กระดูก เขา เต่า เปลือกหอย ฯลฯ ที่สำคัญที่สุดคือ ไม้ หิน โลหะ งาช้าง และเส้นใย

ผลงานทางศิลปะของอินเดียในส่วนต่างๆ ของประเทศไม่เหมือนกันและแตกต่างกันในเรื่องความจำเพาะและความคิดริเริ่มของท้องถิ่น เป็นที่น่าสนใจที่ตัวอย่างเช่นในศรีลังกายิ่งกว่าในอินเดียเองประเพณีของศิลปะอินเดียในสมัยโบราณก็ได้รับการอนุรักษ์ไว้ซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งการเผยแพร่และความเจริญรุ่งเรืองของพุทธศาสนา เมื่อถึงศตวรรษที่ 11 พุทธศาสนาเกือบจะสูญหายไปในอินเดีย แต่ยังคงอยู่ได้ในศรีลังกา โดยถ่ายทอดประเพณีอินโด-สิงหลโบราณในอนุสรณ์สถานทางศิลปะ ประเพณีนี้มีส่วนทำให้ยุคกลางแยกแยะงานฝีมือของชาวสิงหลออกจากงานทมิฬซึ่งไม่เกี่ยวข้องกับพุทธศาสนาอีกต่อไป แต่เกี่ยวข้องกับศาสนาฮินดู แต่นอกเหนือจากนี้ ทักษะทางศิลปะและรสนิยมของชาวสิงหล การรับรู้ด้านสุนทรียภาพของพวกเขาได้นำความริเริ่มมาสู่การผลิตงานศิลปะในท้องถิ่น มาสู่การวาดภาพและประติมากรรมที่ยิ่งใหญ่

ผลงานศิลปะส่วนใหญ่ที่ยังหลงเหลือมาให้เรานั้นมีอายุย้อนกลับไปไม่เร็วกว่าศตวรรษที่ 18 งานฝีมือทางศิลปะของศรีลังกามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับงานฝีมือของอินเดียใต้ เป็นเวลาหลายศตวรรษแล้วที่ช่างฝีมือชาวทมิฬผู้มีทักษะจากอินเดียใต้ถูกนำเข้ามายังศรีลังกา และแม้กระทั่งในศตวรรษที่ 18 พวกเขาแข่งขันกับช่างฝีมือชาวสิงหล การเยี่ยมชมช่างทอผ้าจากเมืองใหญ่ทางตอนใต้ของอินเดีย สมาชิกขององค์กรหัตถกรรมท้องถิ่น (shreni) ที่เรียกว่า "ซาลากามาโย" ในภาษาสิงหล ทอด้ายสีทองลงบนผ้ามัสลินบางๆ สำหรับเสื้อคลุมของขุนนางชาวสิงหล กษัตริย์ทมิฬแห่งศรีลังกาสนับสนุนแฟชั่นเสื้อผ้าและเครื่องประดับของชาวพื้นเมืองเป็นพิเศษ เป็นเวลาหลายศตวรรษจนกระทั่งการยึดครองแคนดี้ของอังกฤษในปี พ.ศ. 2358 รูปแบบและการตกแต่งของงานฝีมือยังคงไม่มีการเปลี่ยนแปลงที่เห็นได้ชัดเจนจากศตวรรษก่อน ๆ ยุคอาณานิคมในอินเดียเป็นหายนะสำหรับศิลปะและงานฝีมือ องค์กรของรัฐของช่างฝีมือถูกทำลายโดยอาณานิคมของอังกฤษ และการผลิตงานศิลปะแบบดั้งเดิมก็เสื่อมถอยลง การพัฒนาความสัมพันธ์แบบทุนนิยมและการนำเข้าสินค้าที่ผลิตจากต่างประเทศได้บ่อนทำลายศิลปะและงานฝีมือพื้นบ้านโดยสิ้นเชิง การล่มสลายของศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ระดับชาติหมายถึงการหายไปจากชีวิตประจำวันของผู้คนในรูปแบบศิลปะเดียวที่สามารถเข้าถึงได้โดยทั่วไป อย่างไรก็ตาม การผลิตงานศิลปะบางประเภทยังคงอยู่ในอินเดียเมื่อได้รับเอกราช เมื่อยุคใหม่ในการพัฒนาศิลปะแห่งชาติเริ่มต้นขึ้น

บทที่ 2 ประเภทของ DPI ในอินเดีย

2.1 ศิลปะการแกะสลักกระดูกของอินเดีย

ในอินเดีย ช่างแกะสลักกระดูกมีชื่อเสียงในด้านงานศิลปะ งาช้างเป็นวัสดุที่ดีเยี่ยมสำหรับการแกะสลักอย่างประณีต เนื่องจากมีความแข็งแรงและมีเนื้อละเอียดและเนื้อสัมผัสที่สม่ำเสมอ เป็นสีที่น่าพึงพอใจเป็นพิเศษด้วยชั้นสีที่ละเอียด สง่างาม และโทนสีที่ละเอียดอ่อน

พงศาวดารท้องถิ่นรายงานเกี่ยวกับศิลปะชั้นสูงของช่างแกะสลักงาช้างสิงหลโบราณ คำให้การที่น่าสนใจถูกเก็บรักษาไว้ในจุลวัมสาว่าพระเจ้าเจตตติสสะ (ศตวรรษที่ 4) มีชื่อเสียงในด้านงานแกะสลักงาช้างและยังทรงสอนศิลปะอันอัศจรรย์แก่ผู้อื่นอีกด้วย นักประวัติศาสตร์โบราณรายงานว่ากษัตริย์ทรงสร้างรูปปั้นพระโพธิสัตว์ด้วยงาช้างและเป็นส่วนหนึ่งของราชบัลลังก์ของพระองค์

ในอินเดีย รูปแกะสลัก แผง เสาประตูที่มีการแกะสลัก (เช่น จาก Ri-divihara พร้อมด้วยนักเต้นและสัตว์ต่างๆ) โลงศพ (2 ใบ) ที่ผูกหนังสือ เครื่องประดับของผู้หญิง หวี ที่จับมีด ฯลฯ ทำจากงาช้าง งานแกะสลักงาช้างมีความคงทน นี่เป็นหลักฐานที่ชัดเจนจากตัวอย่างงานที่ยังมีชีวิตอยู่ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19

หวี - panava, สองด้านและด้านเดียว - มีความหรูหราและสวยงามมาก ตัวอย่างเช่น หนึ่งในนั้นถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ในเมืองแคนดี้ ตรงกลางมีการแกะสลักแบบ openwork ทำให้เกิดภาพนูนที่มีรูปทรงมากมาย ตรงกลาง เทพธิดานั่งบนบัลลังก์ ถือกิ่งไม้ไว้ในพระหัตถ์ ทั้งสองข้างของเธอมีนักเต้นสองคน กรอบเรียบง่ายที่มีลวดลายเรขาคณิตช่วยขับเน้นภาพที่ซับซ้อน ที่หวีสองด้านอีกอันหนึ่ง พื้นที่ที่ล้อมรอบด้วยกรอบฉลุหรูหราแบ่งออกเป็นสามส่วนในแนวตั้ง ตรงกลางมีรูปแม่กำลังนั่งอุ้มลูกอยู่ในอ้อมแขน ทางด้านขวาเป็นรูปคนยืน ผู้หญิงกำลังมีลูก และทางซ้ายมีคู่รักอยู่คู่หนึ่ง เสื้อผ้าทาด้วยแถบสีดำแดง (พิพิธภัณฑ์โคลัมโบ) การเปรียบเทียบหวีทั้งสองแสดงให้เห็นว่าปรมาจารย์เปลี่ยนรูปร่างของกรอบภาพด้วยไหวพริบทางศิลปะอย่างไร โดยขึ้นอยู่กับการแกะสลักตรงกลาง สันแรกมีการออกแบบที่ซับซ้อนภายใน พร้อมด้วยรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ มากมาย ซึ่งจำเป็นต้องทำให้กรอบเรียบง่ายขึ้น ที่สันเขาที่สอง ตัวเลขที่ไม่มีรายละเอียดอนุญาตให้ใช้เฟรมที่ซับซ้อน ซึ่งในการออกแบบไม่ได้แข่งขันกับภาพภายใน รสชาติและประสบการณ์การตกแต่งที่มีรากฐานมาจากประเพณีอันยาวนานพิสูจน์ได้ว่าไร้ที่ติ

คุณค่าทางศิลปะที่ยิ่งใหญ่คือรูปปั้นเทพผู้พิทักษ์ที่ประดิษฐ์ขึ้นอย่างชำนาญและประณีตบนจานจากกรอบประตูของวิหาร (ของสะสมของ A.-K. Kumaraswamy) (3) ด้วยความโล่งอกเล็กน้อย เทพธิดาจะถูกแกะสลักไว้ที่ด้านหน้าโดยถือหน่อพืชและดอกไม้อยู่ในมือที่งอ นิ้วและรอยพับบางของเสื้อคลุมที่เข้ารูปพอดีได้รับการประกอบอย่างงดงามเป็นพิเศษ นักวิทยาศาสตร์ลงวันที่จานนี้ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 แต่บางคนอาจคิดว่ามันเก่ากว่ามากตามกาลเวลา

สิ่งที่น่าสนใจคือโลงศพและกล่องที่มีการแกะสลักนูนอย่างต่อเนื่องอย่างประณีต ด้ามมีดแกะสลักรูปทรงต่างๆ น่าประทับใจมาก - บางครั้งก็อยู่ในรูปแบบของ "liya pata" (ลวดลายพืช) บางครั้งก็เป็นรูปหัวสัตว์ประหลาดที่มีปากอ้า - และสิ่งของอื่น ๆ อีกมากมายที่ทำจากกระดูก (4)

2.2 การแปรรูปไม้เชิงศิลปะ

การแกะสลักไม้มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับสถาปัตยกรรม ซึ่งในสมัยกันดีนส่วนใหญ่เป็นไม้ งานของช่างไม้ในท้องถิ่นซึ่งทำผลิตภัณฑ์ต่าง ๆ จากไม้ที่จำเป็นสำหรับชีวิตในบ้านนั้นมีความโดดเด่นด้วยความคิดริเริ่ม พวกเขาชำนาญในการทำเฟอร์นิเจอร์ เครื่องมือ กล่องแกะสลัก ฯลฯ

ตัวอย่างเช่น บอร์ดที่ตกแต่งอย่างสวยงามสำหรับเกม “Olinda Colombu” เป็นผลงานศิลปะอย่างแท้จริง (5)

พวกมันตั้งอยู่บนขาต่ำและมีรอยเว้าเจ็ดรอบตามขอบตามยาวแต่ละด้าน มันเป็นเกมของผู้หญิงระดับชาติในท้องถิ่นเป็นส่วนใหญ่ โดยปกติจะเล่นโดยผู้หญิงสองคนโดยวางเมล็ดโอลินดาห้าถึงเจ็ดเมล็ดในแต่ละหลุม ผู้หญิงในราชวงศ์เล่นไข่มุกแทนเมล็ดพืช ด้านข้างของกระดานตกแต่งด้วยลวดลายเรขาคณิต หลุมถูกวางไว้ในส่วนสี่เหลี่ยม เป็นคู่หรือทีละอัน บางครั้งรูปปั้นนูนของสัตว์มหัศจรรย์ก็ถูกแกะสลักไว้ตรงกลางกระดาน (ตัวอย่างอยู่ในพิพิธภัณฑ์ Kandi) องค์ประกอบของรูเมล็ดและลวดลายเรขาคณิตสามารถเปลี่ยนแปลงได้ค่อนข้างมาก

รูปทรงของเครื่องกดข้าวนั้นดูดั้งเดิมและซับซ้อนแต่ดูหรูหรามาก ตรงกลางมีลักษณะคล้ายถังข้าวใกล้กับทรงกระบอก โดยเทข้าวต้มบดแล้วบีบผ่านรูที่ก้นโลหะ หัวของนกมหัศจรรย์และหาง (ด้านตรงข้าม) ซึ่งสร้างในรูปแบบเก๋ไก๋ยื่นออกมาจากกระบอกสูบทั้งสองทิศทาง ทรงกระบอกตกแต่งด้วยเกลียวเกลียวซึ่งดูเหมือนไปถึงคอของนก ด้านบนเป็นแฮนด์แนวนอนที่สะดวกสบาย รูปทรงทั้งหมด น่าประทับใจมาก

ด้ามจับไม้มีรูปทรงโค้งมนสวยงามและประณีต หัวของสัตว์ประหลาดหรือลวดลายไม้ประดับมักถูกแกะสลักไว้ใต้ตัก รูปแบบหลังนี้ใช้กับสลักเกลียวประตู (“agula”) แต่ในรูปแบบที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้น

ในคอลเลกชัน Kumaraswamy มีกล่องไม้ทรงกลมแบน หนึ่งในนั้นมีไว้สำหรับเก็บเครื่องราชกกุธภัณฑ์ของราชวงศ์ สร้างขึ้นโดยใช้เทคโนโลยีการกลึง เคลือบเงา มีแถบศูนย์กลาง รายละเอียดการตกแต่งหลักคือห่วงทองเหลืองฉลุกว้างพร้อมลวดลายดอกไม้ที่ซับซ้อน

เฟอร์นิเจอร์ประจำชาติมีความหลากหลายมาก ขาเก้าอี้และเก้าอี้มีรูปทรงแปลกประหลาด หัวเตียง ฯลฯ ก็ตกแต่งด้วยงานแกะสลักมากมาย เมื่อพิจารณาจากแหล่งที่มา เฟอร์นิเจอร์ในบ้านที่ร่ำรวยนั้นทำจากไม้ที่มีราคาแพงมาก จุลวัมสากล่าวว่าในพระราชวังของกษัตริย์ปรกรามบาหุ เครื่องเรือนตกแต่งด้วยทองคำและงาช้างราคาแพง

2.3 การผลิตแล็กเกอร์ในประเทศอินเดีย

สารเคลือบเงาอินเดียได้มาจากสารเรซินที่หลั่งออกมาจากแมลงสองชนิดที่อาศัยอยู่บนต้นไม้และพืช นอกจากนี้วานิชที่นำเข้าจากแหล่งกำเนิดเดียวกันยังใช้ในปริมาณเล็กน้อย

คนงานเคลือบสีเรียกว่า i-vaduvo ซึ่งแปลตรงตัวว่า "ช่างทำลูกศร" ช่างฝีมือเหล่านี้เป็นช่างฝีมือระดับต่ำที่สุดเพราะทำงานเป็นช่างกลึงไม้เป็นหลัก พวกเขากลึงไม้และตกแต่ง ทำลูกศร คันธนู หอก ขาเตียงและเฟอร์นิเจอร์อื่น ๆ ไม้กระดาน ด้ามไฟฉาย เสาธง ฯลฯ เมื่อหมุนวัตถุบนเครื่องกลึง ก็สามารถเคลือบเงาได้อย่างง่ายดายโดยการกดแท่งวานิช ต่อต้านมัน; จากนั้นอย่างหลังก็ร้อนขึ้นจากการเสียดสีทำให้นิ่มลงและเติมช่องที่ถูกตัดออกจากวัตถุ เทคนิค Kandyan ที่คล้ายกันนี้ใช้ในอินเดียโดยช่างเคลือบเงา Jodhpur น้ำยาเคลือบเงา Kandyan มีชื่อเสียงเป็นพิเศษในช่วงศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20

มีการใช้เทคนิคที่แตกต่างกันใน Matale หรือที่เรียกว่า niyapoten-veda นั่นคือการทำงานกับตะปู เนื่องจากที่นี่ไม่ได้ใช้เครื่องกลึงและทาวานิชด้วยรูปขนาดย่อ เติมสารสีลงในสารเคลือบเงา: แดง, เหลือง, เขียวและดำ สารเคลือบเงานี้ใช้คลุมไม้เท้า ด้ามหอกและธงที่ใช้ในพิธีการ กระติกผง สันหนังสือ และโอโบ มีการลงแล็คเกอร์สีบนงาช้าง เขาสัตว์ และเปลือกหอยด้วย

2.4 ผลิตภัณฑ์โลหะ

งานโลหะถือเป็นอาชีพช่างฝีมือที่เก่าแก่ที่สุดและเป็นที่เคารพนับถือ ช่างโลหะถูกแบ่งออกเป็นหลายกลุ่ม - ช่างตีเหล็ก, ช่างทองแดง และช่างทอง พงศาวดารยังรายงานเกี่ยวกับช่างฝีมือกลุ่มเหล่านี้ด้วย “จุลวัมสา” เล่าถึงการที่ปรกรามบาหุจ้างช่างตีเหล็ก ช่างทองแดง และแม้แต่ช่างเพชรพลอยมาก่อสร้างอย่างไร เนื่องจากสมัยนั้นช่างแกะสลักหินขาดแคลนอย่างเห็นได้ชัด

อินเดียมีชื่อเสียงในด้านผลงานอันยอดเยี่ยมของช่างอัญมณีมาโดยตลอด พงศาวดารกล่าวถึงเครื่องประดับทองที่สร้างขึ้นอย่างยอดเยี่ยมหลายครั้ง ชาวสิงหลรักและรักการตกแต่งต่างๆ ต่อไป ในสมัยโบราณและยุคกลาง กษัตริย์และข้าราชบริพารผู้มั่งคั่งสวมต่างหู กำไล และแหวนทองคำที่ประดับด้วยเพชรพลอย

ศิลปะอัญมณีโดยเฉพาะการแปรรูปอัญมณียังคงเจริญรุ่งเรืองในเมืองรัตนปุระในพื้นที่ซึ่งมีการขุดอัญมณีกึ่งมีค่าและมีค่า การตัดส่วนใหญ่ทำโดยช่างอัญมณีชาวสิงหลจากกอลล์ ช่างฝีมือชาวศรีลังกาผลิตผลิตภัณฑ์หลากหลายจากโลหะที่เรียบง่ายและมีค่ามานานหลายศตวรรษ

อย่างไรก็ตาม เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ตามที่ Kumaraswami ผู้เขียนหนังสือ "ศิลปะสิงหลยุคกลาง" กล่าว การถลุงเหล็กได้รับการเก็บรักษาไว้เฉพาะใน Hatara Bagh ใกล้ Balangoda ท่ามกลางตัวแทนของวรรณะที่ต่ำกว่าและมีเพียงไม่กี่คนใน Alutnuvar มีส่วนร่วมในการผลิตเหล็กในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ช่างตีเหล็กเรียกว่า "นาวันดันโน" ตั้งแต่สมัยโบราณพวกเขาไม่เพียงแต่ทำเครื่องมือของชาวนาและเครื่องมือของช่างไม้เท่านั้น แต่ยังรวมถึงดาบ หอกและหัวธนู มีด ครกหมาก ชิ้นส่วนของเกี้ยว เครื่องมือผ่าตัด ประตักช้าง รองเท้าส้นเข็มสำหรับเขียน กุญแจ กุญแจ และจานสำหรับสิ่งเหล่านี้ ,บานพับประตู,โบลท์,มือจับ.

มีวิธีการทางเทคนิคหลักสามวิธีในการตกแต่งโลหะด้วยทองคำหรือเงิน: 1) วิธีที่ง่ายที่สุด เมื่อพื้นผิวของโลหะถูกตัดด้วยร่องที่ตัดกันแสง จากนั้นจึงยึดชั้นของโลหะมีค่าโดยใช้ค้อนทุบ เนื่องจากความเป็นพลาสติกและความเหนียวของทองคำและโดยเฉพาะอย่างยิ่งเงิน พวกมันจึงเกาะติดแน่นกับพื้นผิวที่ไม่เรียบของผลิตภัณฑ์และยึดติดกับมันค่อนข้างแน่น ในอินเดียตอนเหนือ รอยบากดังกล่าวเรียกว่า koftgari; 2) การฝังเมื่ออยู่ในเหล็กหรือเหล็กกล้าเส้นของลวดลายจะทำในรูปแบบของร่องลึกแคบด้านทางออกซึ่งแคบกว่าด้านล่างและลวดโลหะมีตระกูล (หรือทองแดง, ทองเหลือง - โดยทั่วไปของ สีที่แตกต่างจากโลหะของผลิตภัณฑ์) ถูกขับเข้าไป ลวดถูกตอกอย่างแน่นหนาด้วยค้อน ขอบของร่องจับแน่น จากนั้นเพียงขัดพื้นผิวให้เรียบเท่านั้น วิธีนี้ยากกว่า: ต้องใช้โลหะในการตกแต่งมากกว่าการบาก แต่ในกรณีที่เครื่องประดับต้องการความแข็งแกร่งเป็นพิเศษ เช่น บนอาวุธ การฝังจะใช้บ่อยกว่าการบาก 3) การซ้อนทับเมื่อสถานที่ใต้นั้นลึกขึ้นเล็กน้อยและทำร่องตามแนวเส้น จากนั้นจึงใส่แผ่นทองคำหรือเงินบาง ๆ (เช่นทองแดง) ที่ตัดตามรูปทรงของช่องแล้วสอดเข้าไปในนั้นและขอบของแผ่นจะถูกตอกเข้าไปในร่องตอกและขัดเงา ตัวจานสามารถตกแต่งด้วยการแกะสลักหรือการไล่ล่า วิธีตกแต่งทั้งหมดนี้เรียกตามคำทั่วไปว่า "ริดิเกตะยันเวดา" โดยปกติงานนี้จะทำโดยช่างตีเหล็ก แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งสิ่งของที่ละเอียดอ่อนจะถูกแปรรูปโดยช่างทอง

ช่างตีเหล็กของ Kandyan มักจะทำให้เหล็กดัดกลายเป็นสีดำเพื่อให้มีลักษณะคล้ายกับเหล็กเทลเลาจ์ของยุโรป จากนั้นโลหะจะเกิดสนิมน้อยลง และโลหะมีค่าและโดยทั่วไปแล้ว รอยบากและการฝังจะดูโดดเด่นกว่าเมื่อเทียบกับพื้นหลังสีเข้ม สำหรับการใส่ร้ายป้ายสีพื้นผิวโลหะจะได้รับการบำบัดด้วยสารประกอบพิเศษและเผา

ผลิตภัณฑ์ที่ทำจากทองเหลืองนั้นผลิตโดยช่างทองและแม่พิมพ์นั้นหล่อโดยโรงถลุง - lokaruvo ซึ่งเป็นของช่างฝีมือกลุ่มล่าง

ตัวอย่างงานทองเหลืองคือแผ่นกุญแจจาก Malwatte Pansala รอบหลุมมีต้นไม้ฉลุและดอกไม้เก๋ๆ และที่ด้านบนมีรูปห่านศักดิ์สิทธิ์ (ฮันส์) และมีการแสดงนกสองตัวที่มีคอไขว้ จานดังกล่าวมักจะตกแต่งด้วยลวดลายต้นไม้เล็ก ๆ ที่ทำโดยใช้เทคนิคฉลุ แผ่นเหล็กจากเมืองทนาคิริกัลวิหารก็สวยงามมากเช่นกัน มีลักษณะเป็นหัวนกล่าเหยื่อ 2 หัว หันหน้าไปในทิศทางตรงกันข้าม

ภาชนะทุกชนิดหล่อด้วยทองเหลืองและทองสัมฤทธิ์ เช่น ตักน้ำ มีอยู่ในวิหารทุกหลังใช้รดน้ำดอกไม้บนแท่นบูชา พวกเขามักจะมีพวยกาแล้วพวกเขาก็ดื่มน้ำจากพวกเขาด้วย ทองแดงไม่ค่อยนิยมใช้ในการหล่อ แต่ระฆังช้าง ฉาบดนตรี แม่พิมพ์สำหรับตีทองเหลือง เงิน และทอง และอุปกรณ์ตีเหรียญมักหล่อด้วยทองสัมฤทธิ์

โคมไฟซึ่งมีรูปทรงน่าสนใจและแตกต่างหลากหลาย มักหล่อจากทองเหลืองมากกว่าทองแดง มีทั้งแบบยืนและแบบแขวน ตัวอย่างหลังนี้เป็นตัวอย่างที่ดีของทองเหลืองในพิพิธภัณฑ์โคลัมโบในรูปของนกที่ห้อยอยู่บนโซ่ ด้านล่างเป็นพวยกาที่มีอ่างเก็บน้ำสำหรับน้ำมันและไส้ตะเกียง ซึ่งมีรูปปั้นนกตัวเล็ก ๆ ขึ้นมา พิพิธภัณฑ์แห่งเดียวกันนี้เป็นที่ตั้งของโคมไฟตั้งพื้นซึ่งประดับด้านบนด้วยรูปปั้นฮันส์อันเก๋ไก๋ ด้านล่างเป็นถาดขยายสำหรับไส้ตะเกียงห้าไส้ งานดังกล่าวดูเหมือนเป็นภาษาทมิฬ ซึ่งพบเห็นได้ทั่วไปในอินเดียตอนใต้

ภาชนะใส่น้ำของโบสถ์ที่ทำจากทองแดง (kendiyya) บางครั้งจะถูกประดับไว้ที่คอและฝาด้วยโกเมนหลังเบี้ย (พร้อมการขัดแบบโค้งมน) เหยือกจากแคว้นรีดิวิหารหนึ่งมีลำตัวกลม คอสูงค่อนข้างหนา มีกระดิ่งเล็กน้อย ฝาปิดนูน มีพวยกาสูงเล็กน้อย ที่ฐานมีรูปดอกไม้แกะสลัก

ของใช้ในครัวเรือนเกือบทุกชิ้นได้รับการตกแต่งด้วยความฉลาดที่น่าทึ่ง รสนิยมทางศิลปะ และทักษะ ยกตัวอย่างกุญแจประตูมทุวันเวลีวิหาร ซึ่งเป็นเหล็กขนาดใหญ่ ประดับด้วยทองเหลือง มีเครื่องประดับหรูหราบนวงแหวน อังค์ (อันคูซา) ทองเหลืองปลายเหล็ก (จากคอลเลกชั่น Paranatella) มีปลายงอเป็นรูปหัวสัตว์ประหลาดหรือคบเพลิงซึ่งมีรูปนกยูงหรือสิงโตเลี้ยงเพิ่มลงในชามพร้อมของตกแต่ง ความกล้าหาญและความสง่างาม - ทุกสิ่งทำให้ประหลาดใจด้วยการผสมผสานระหว่างความสะดวกสบายในทางปฏิบัติและรสนิยมทางศิลปะที่ละเอียดอ่อน

หลังจากการปล้นเมือง Kandy โดยชาวอังกฤษในปี พ.ศ. 2358 เครื่องเงินและทองคำจำนวนเล็กน้อยก็ได้รับการเก็บรักษาไว้ในวัด Kandyan ภาชนะ โคมไฟ ถาด พัดลมส่วนใหญ่ยังคงอยู่ในวัดฮินดู Maha Devale และวัดพุทธแห่งทันตของพระพุทธเจ้า - Dalada Maligawa ใน Kandy นี่คือบางส่วนของรายการเหล่านี้ Kendiyya เป็นภาชนะใส่น้ำของโบสถ์สีเงินมีสัดส่วนที่ยอดเยี่ยม: ลำตัวกลมในหน้าตัด แต่แบนในแนวตั้ง คอสูงใหญ่โตขยายลงเล็กน้อยเล็กน้อยในตอนท้ายจะมีการขยายกว้างและฝานูน ขากว้างกลมแนวตั้งพวยสูง เครื่องประดับบางเบาบนคอเป็นรูปวงแหวน แบบฟอร์มมีขนาดใหญ่ถึงขนาดอนุสาวรีย์และสอดคล้องกับการขาดเครื่องประดับที่เกือบจะสมบูรณ์ แก้วขนาดใหญ่สำหรับใส่ไม้จันทน์ ทำด้วยหินสีดำ ในกรอบทอง มีทับทิมแทรกอยู่ และมีไพลินสี่เม็ดอยู่ที่มุมของก้านสี่เหลี่ยม แก้วนี้อยู่ในความครอบครองของ Rajadhiraja Sinha และเขาบริจาคให้กับวัดมหาเทวาเล ตามขอบกระจกจะมีขอบสีทองที่มีลวดลายเรขาคณิตนูนออกมา และการตกแต่งด้วยทองคำที่มีรูปร่างซับซ้อนห้อยลงมาทั้งสี่ด้าน มีเครื่องประดับนูนบนขา ทั้งหมดนี้ตัดกันอย่างสวยงามกับหินสีดำ

พัดทองคำในรูปของจานกลมจากดาลดามะลิกาวาเป็นของขวัญที่กษัตริย์กีรติศรีราชสิณะทรงถวาย แถบขอบที่ประดับประดาทอดยาวไปตามขอบของจาน และตรงกลางมีดอกกุหลาบนูนเล็กน้อยที่ดูหรูหรา ด้ามจับพัดลมที่มีโปรไฟล์บางนั้นเชื่อมต่อกันด้วยเครื่องประดับเข้ากับดอกกุหลาบตรงกลางและที่ขอบด้านตรงข้ามของดิสก์จะมีปลายปลอมยื่นออกมาราวกับว่าขยายไปทั่วความกว้างทั้งหมดของดิสก์ เทคนิคอันเชี่ยวชาญนี้มอบความสง่างามเป็นพิเศษให้กับแฟนๆ และสร้างความประทับใจทางภาพที่รวมเป็นหนึ่งเดียว

ทัพพีเงินตกแต่งอย่างหรูหรา - "kinissa" - พร้อมที่จับงาช้างแกะสลัก (พิพิธภัณฑ์ London South Kensington (ปัจจุบันเรียกว่าพิพิธภัณฑ์ Victoria and Albert)) มีต้นกำเนิดมาจากวัดหรือพระราชวัง Kandyan (1) ที่ตักเป็นทรงกลม ตกแต่งอย่างหรูหราด้วยลวดลายดอกไม้เก๋ไก๋นูนเล็กน้อย จากด้านข้าง ดูเหมือนรูปปั้นของชายคนหนึ่งกำลังปีนขึ้นไปบนตัก โดยปลายด้ามงาช้างวางอยู่บนหลังของเขา แสดงถึงเป็นชิ้นเดียวด้วย รายละเอียดที่น่าประทับใจอย่างคาดไม่ถึงนี้ ซึ่งวางอยู่ระหว่างตักและปลายด้ามจับ แสดงให้เห็นจินตนาการที่สร้างสรรค์และแปลกใหม่ของปรมาจารย์ ในรูปแบบและองค์ประกอบ ร่างมนุษย์ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษและมีความเหมาะสมในบทบาทการตกแต่ง เครื่องประดับบนด้ามจับเป็นแบบลิยาพาต้า โดยมีหัวของสัตว์ประหลาดที่มีลักษณะคล้ายสิงห (สิงโต) หรือปลามังกร เช่น สัตว์ประหลาดของอินเดีย - มาการะ

2.5 เซรามิกส์

เซรามิกส์แม้จะดูเรียบง่าย แต่ก็มีความสำคัญทางศิลปะอย่างมากเนื่องมาจากรูปทรงที่สวยงามของภาชนะ และถึงแม้จะดูเรียบง่ายแต่ก็ทำเครื่องประดับอย่างเชี่ยวชาญ

ผลิตภัณฑ์ของช่างปั้นหม้อไม่เพียงแต่ใช้ตามความต้องการในบ้านเท่านั้น แต่ยังใช้สำหรับพิธีกรรมอันศักดิ์สิทธิ์ตลอดจนสถาปัตยกรรมด้วย เนื่องจากต้องใช้กระเบื้องดินเผาในการก่อสร้าง

ช่างปั้นเองก็ทำเครื่องประดับด้วยการแกะสลักหรือแสตมป์ สำหรับผลิตภัณฑ์ที่มีราคาแพงกว่าก็มีการคิดเครื่องประดับ บางครั้งมีการใช้ภาพวาดหลากสีสันด้วย

ช่างปั้นประจำหมู่บ้านรู้วิธีใช้คุณสมบัติพลาสติกของดินเหนียวเป็นวัสดุอย่างชำนาญ และเมื่อสร้างรูปทรงให้กับผลิตภัณฑ์ของตน ไม่ต้องสงสัยเลยว่าต้องคำนึงถึงวัตถุประสงค์เฉพาะของพวกมันด้วย เครื่องประดับมักจะสอดคล้องกับวัสดุด้วย

มีช่างปั้นหม้ออยู่ในทุกหมู่บ้าน บางครั้งการตั้งถิ่นฐานของช่างปั้นหม้อก็เกิดขึ้นใกล้กับแหล่งดินเหนียวที่อุดมสมบูรณ์ จากที่นี่สินค้าก็ถูกขนส่งไปยังภูมิภาคต่างๆ ไม่น่าแปลกใจเลยที่หม้อสีแดงคุณภาพดีจาก Nikapata (ใกล้ Haputale) ซึ่งชาวทมิฬทำงานไปที่ Balangoda และภาชนะจาก Kelaniya ตกแต่งด้วยลวดลายแกะสลักสีขาวจบลงที่ Ratnapura, Kegalla และแม้แต่ Kandy เครื่องปั้นดินเผาบางชนิดก็นำเข้าจากอินเดียใต้ด้วย

เครื่องมือของช่างปั้นหม้อนั้นเรียบง่ายมาก สิ่งสำคัญคือล้อ (poruva) ที่มีปลอกหินซึ่งถูกสอดเข้าไปในรังหินที่จมอยู่ในพื้นเพื่อให้ล้อลอยขึ้นจากพื้นดินไม่เกิน 15 ซม. งานฝีมือทำให้ผลิตภัณฑ์ทางศิลปะมีอิสระในรูปแบบพลาสติก ตรงกันข้ามกับความแห้งซึ่งเป็นผลมาจากการขึ้นรูปโดยใช้สเตนซิลของเครื่องอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้

ต่อไปนี้เป็นเครื่องปั้นดินเผาหลายชิ้น

แจกันขนาดใหญ่ (กะลาคา) ที่ใช้เป็นขาตั้งโคมไฟมีรูปทรงสวยงาม มีหน้าตัดกลม ลำตัวแบนในแนวตั้ง คอทรงกระบอกหนา มีวงแหวนหนาสามอัน ขากว้างกลมต่ำ รายละเอียดทั้งหมดของแจกันเป็นสัดส่วน ภาพวาดมีสีเหลืองอ่อนบนพื้นหลังสีแดง ในรูปแบบของลวดลายใบไม้อันเก๋ไก๋

มีภาชนะอีกใบที่มีรูปร่างแปลกประหลาด มีพวยกา 12 อันยื่นออกมาและมีขอบวงแหวนอยู่ที่คอต่ำและกว้าง ตามรูปร่างที่ซับซ้อนของเรือ ขาจึงมีขนาดใหญ่ กว้างและค่อนข้างสูง มันมองเห็น "จับ" ลำตัวที่กว้างและมีพวยกาได้ดี เรือลำนี้ใช้สำหรับการเต้นรำในพิธีกรรมและเรียกว่า "ปุนาวา"

บัวกระเบื้องจากวัดดาลดามะลิกาวาได้รับการตกแต่งอย่างหรูหรา ด้านหนึ่งมีสิงห์ (สิงโต) ที่งดงาม โล่งอก ส่วนอีกด้านหนึ่งมีคันซา (ห่าน) ในเมืองแคนดี้ กระเบื้องที่คล้ายกันนี้ถูกสร้างขึ้นเป็นรูปใบไม้ของต้นโพธิ์อันศักดิ์สิทธิ์ และตกแต่งด้วยรูปสิงโตและห่าน

เพลงของช่างปั้นหม้อน่าสนใจมาก โดยเฉพาะการบรรยายขั้นตอนการทำงาน รวมไปถึงการทาสีตกแต่งภาชนะด้วย

“เมื่อรุ่งสาง หยิบตะกร้า [ช่างปั้น] ไปที่กองดินเหนียว

เมื่อทำความสะอาดตะกร้าแล้วจัดที่ไว้บนดินแล้วถวายสักการะเทพผู้พิทักษ์

สวมชุดผ้าขาวม้าเท่านั้นเขาหยิบ coozin อย่างร่าเริงและลงไปในหลุม

เขาขุดดินเหนียวจากตรงกลางโดยไม่สัมผัสด้านข้างของหลุมแล้วเติมตะกร้า

เขาบดดินเหนียวเป็นชิ้นๆ แล้ววางตะกร้าไว้บนคานแล้วเทดินเหนียวนั้นลงในลานของช่างหม้อ

จากนั้นเขาก็แบ่งดินเหนียวออกเป็นชิ้นเท่าๆ กัน และวางไว้บนเสื่อขนาดใหญ่ที่โดนแสงแดด

เมื่อดินเหนียวแห้งและเอาหินออกจากนั้นแล้ว เขาก็โขลกดินเหนียวในครกแล้วร่อนผ่านช่องแคบ

จากนั้นนำผงเติมน้ำในปริมาณเท่ากันลงไปแล้วทำลูกบอลจากส่วนผสม

เขาหยิบลูกบอลดินเหนียวเหล่านี้มาวางทับกันและคลุมด้วยใบไม้

หลังจากสามวันเขาก็แบ่งมันออกเป็นสามส่วนอีกครั้งหนึ่งแล้วจึงนวดอีกครั้ง

เมื่อทราบสัดส่วนที่ถูกต้อง เขาจึงเพิ่มทรายที่ดีที่สุดและสาดน้ำผสมทุกอย่างอีกครั้ง

เมื่อนวดมวลแล้วเขาก็ทำลูกบอลกลมออกมาอีกครั้งแล้ววางเป็นกอง และพาพวกเขาไปอีกสามวัน

หลังจากเตรียมมันด้วยวิธีนี้แล้ว เขาก็เหยียบย่ำและนวดดินเหนียวครั้งแล้วครั้งเล่า

เมื่อกลายเป็นเหมือนขี้ผึ้งเหนียวก็รู้ว่าพร้อมแล้ว

จากนั้นเขาก็แบ่งมันออกเป็นก้อนๆ สำหรับภาชนะขนาดต่างๆ

เขาวางก้อนเนื้อที่เตรียมไว้ในลักษณะนี้ไว้ใกล้โรงปฏิบัติงานและปิดอย่างระมัดระวัง

วันรุ่งขึ้นเขาใช้ไม้อ้อแยกเพื่อแยกก้อนดินเหนียวออกจากกัน

เมื่อแบ่งพวกมันอย่างเหมาะสมแล้ว เขาก็ปั้นลูกบอลขึ้นมาอีกครั้งและจับมันไว้ด้วยกันเหมือนวันก่อน

วันรุ่งขึ้น ตื่นขึ้นมาตอนรุ่งสาง เขากวาดและจัดห้องทำงานให้เป็นระเบียบเรียบร้อย

และนั่งลงหน้าพวงมาลัยโดยถือลูกบอลดินเหนียวทั้งหมดไว้ใกล้มือ

เขาหยิบลูกบอลดินเหนียวด้วยมือขวาทีละลูกแล้ววางลงบนพวงมาลัย

ด้วยมือซ้ายเขาหมุนวงล้อ ด้วยมือขวาเขาสร้าง [ภาชนะ];

เมื่อทราบขนาดและรูปร่างแล้วจึงใช้มือกดลง

เมื่อได้รูปทรงที่ต้องการแล้ว เขาก็จัดแต่งขอบ

ปล่อย [เรือ] ในรูปแบบนี้และทำขอบล้อ เขาหมุนวงล้ออย่างรวดเร็ว

และสังเกตว่ามันราบรื่นหรือไม่ เขาแก้ไขสิ่งผิดปกติทั้งหมดด้วยปลายนิ้วของเขา

เขาพรมน้ำเล็กน้อย ขัดหม้อ จากนั้นใช้ฝ่ามือเปิดกว้างค่อยๆ หยิบมันขึ้นมา

เขาวางมันลงแล้วหยิบขึ้นมาอีกครั้งหลังจากทำเสร็จสามสิบชั่วโมง

แล้วพระหัตถ์ซ้ายถือกาลิเชดาหินและค้อนไม้ทางขวาจับภาชนะไว้แน่นด้วยเท้า

เขาตี [ที่ขอบล่าง] ด้วยค้อนที่เรียบ ทำให้ด้านล่างเท่ากับความกว้างทั้งหมดของหม้อ

ครั้นทำก้นเสร็จแล้วขัดมันแล้วจึงตั้ง [ภาชนะ] ไว้กลางแดด

หลังจากที่แห้งเล็กน้อยแล้ว เขาก็ดึงกิ่งก้านที่มีใบไม้ [ลิยาเวล] มาลัย และกลีบดอกไม้รอบๆ เรือ

การวาดเส้นรอบๆ กลีบดอกไม้ ไก่โต้ง นกแก้ว นกพิราบ เซลาลิฮินี

ในทางกลับกันใบของโบ (ต้น), ช่อดอกไม้และอินทผาลัม, ดอกนา, ดอกโอเลวและดอกบัว

โดยการสร้างจานของดวงอาทิตย์และดวงจันทร์ มาการะที่ประตู [โตรัน] และฮันซูสีทอง

ช้าง ม้า กวาง สิงโต เสือ หมาป่า หมี งูเห่า และโปลองกา

ว่ายน้ำ tisara, ลิฮินีบิน, คินดูโรที่สวยงามและผึ้งน้ำผึ้ง;

งูเหลือมใหญ่ งูดุร้าย ฉลาม เต่า และนกยูงสีทองมากมาย

สาวสวยที่มีหน้าอกอวบอิ่มเหมือนหงส์ทอง

อย่าลืมวาดรูปเด็กๆที่น่ารักน่ารัก

การวาดรอบๆ นารีลาตา กิ่งก้านที่มีใบไม้ และตัวอักษรที่มีสระ

โดยวางตรีศูลมีเครื่องหมาย "โอม" ไว้ตรงกลางเป็นยันต์

วาดรูปสัตว์ทั้งสี่มุมที่มีคอพันกัน (ปุตตุ) นกยูง งูเห่า หงส์ และงู

ราศี ดาวเคราะห์เก้าดวง และดวงดาวยี่สิบเจ็ดดวง

เขาใช้สีแดงที่ดี [สี] gurugal และสีขาว - macula แล้วผสมในน้ำจนได้สารละลายข้น

ผสมกับน้ำมันในปริมาณที่เหมาะสมเพื่อให้สีเปล่งประกาย

หลังจากนั้นเขาก็นำ [หม้อ] ไปตากแดดให้แห้งสนิท

แล้วจึงนำไปใส่ในเตาแล้วตากให้แห้งในวันแรก

ในวันที่สอง เติมฟืนตามต้องการ เขาใช้ไฟปานกลาง

ในวันที่สามเขาจะจุดไฟที่ร้อนพอสมควรและเผา [หม้อ] จนหมด;

หลังจากนั้นเขาก็หยิบไม้ออกมาดับไฟ ทิ้ง [ผลิตภัณฑ์] ให้เย็นเป็นเวลาสามวัน

ในวันที่สี่ เพื่อให้แน่ใจว่าเตาอบเย็นลงแล้ว เขาจึงหยิบภาชนะออกมาทีละใบ”

เพลงนี้รวบรวมประสบการณ์การผลิตทั้งหมดของช่างปั้นหม้อที่สืบทอดมานานหลายศตวรรษจากรุ่นสู่รุ่น และผลงานของเขาได้รับการเรียบเรียงบทกวีอย่างละเอียดอ่อน

2.6 ศิลปะสิ่งทอ

การทอผ้า การปัก และการทอเสื่อแพร่หลายไปทั่วเกาะมาตั้งแต่สมัยโบราณ

ในบรรดาชาวสิงหลมีช่างทอผ้าสองกลุ่ม ได้แก่ Salagamayo ซึ่งเป็นช่างฝีมือที่มีต้นกำเนิดมาจากอินเดียใต้ซึ่งทำผ้าชั้นดีและผ้าทอ และ Beravayo ซึ่งเป็นกลุ่มช่างทอผ้าในท้องถิ่นที่ทำงานเป็นนักดนตรี นักโหราศาสตร์ ฯลฯ ไปพร้อมๆ กัน

ตามประเพณีกษัตริย์วิชัยบาหุที่ 3 (ศตวรรษที่ 13) จากดัมบาเดนิยาพยายามฟื้นฟูการทอผ้าชั้นดีได้ส่งผู้ส่งสารไปยังอินเดียใต้เพื่อขอให้ส่งช่างฝีมือที่ดี ทูตกลับมาพร้อมกับช่างทอผ้าแปดคน ซึ่งพระราชาทรงจัดเตรียมหมู่บ้าน ภรรยา และเกียรติยศให้ ทายาทของช่างทอเหล่านี้ได้รับความไม่พอใจจากผู้ปกครอง Kandyan และถูกบังคับให้ย้ายไปที่ชายฝั่งตะวันตกเฉียงใต้ ที่นั่นพวกเขาไม่ได้ทอผ้าอีกต่อไป แต่ปลูกอบเชยบนดินแดนหลวง เช่นเดียวกับตำแหน่งของพวกเขาภายใต้การปกครองของโปรตุเกสและดัตช์

งานในยุคกลางตอนปลาย Janavamsa รายงานการนำเข้าช่างทอผ้าอินเดียเข้ามาในศรีลังกาซ้ำแล้วซ้ำเล่า ผลผลิตในท้องถิ่นแทบจะหายไปและต้องได้รับการสนับสนุนอย่างต่อเนื่องจากการอพยพของช่างฝีมือจากอินเดียใต้

ในช่วงการปกครองของอังกฤษ การผลิตสิ่งทอพื้นบ้านลดลง ก่อนที่ศรีลังกาจะได้รับเอกราช ดังที่ A.K. เขียนไว้ Kumaraswamy ทอจากเส้นด้ายฝ้ายโฮมเมด ซึ่งแต่ก่อนพบเห็นได้ทั่วไปในทุกจังหวัดของ Kandyan และยังคงมีอยู่เฉพาะใน Talagun, Uda Dumbara และในท้องถิ่นใกล้กับ Vellasa ใน Uva

ตั้งแต่สมัยโบราณ วรรณะของช่างทอผ้าสิงหลในท้องถิ่นผลิตผ้าฝ้ายเรียบง่าย ซึ่งผลิตจนถึงต้นศตวรรษที่ 20 ช่างทอผ้าในหมู่บ้านในภูมิภาคแคนดี้มีชื่อเสียงเป็นพิเศษ สินค้าของพวกเขาไม่ได้รับอิทธิพลจากการเปลี่ยนแปลงของแฟชั่นในราชสำนักและศิลปะของช่างทอผ้าชาวอินเดียใต้ที่มาถึงที่นี่

ตามกฎแล้วเสื้อผ้าประจำชาติของท้องถิ่นเช่นเดียวกับอินเดียไม่ได้ถูกเย็บโดยช่างตัดเสื้อจากผ้าหลายชิ้นชิ้นส่วนของมันเป็นผ้าทอสำเร็จรูปดังนั้นพวกเขาจึงต้องออกมาจากเครื่องทอผ้าในรูปทรงและขนาดที่แตกต่างกัน นี่คือวิธีการใช้ผ้าเช็ดตัวและผ้าเช็ดปาก (อินดุล กาดา) ผ้าที่สวมใส่ได้สำหรับผู้ชาย (ตุปโปติ) สำหรับผู้หญิง (ปาดา เฮลา) ผ้ากันเปื้อนสำหรับผู้ชาย (ดียะ คัชชี) ผ้าพันคอหรือผ้าคลุมไหล่ (เลนซู อูรา มาลา) ผ้าคาดเอว (ปาติ) ผ้าห่ม ทั้งผ้าปู (เอติริลี) พรม (ปารามาทนะ) ผ้าคลุมเหยือกดิน (กาโฮนี) และปลอกหมอน เป็นต้น ผ้าขาว น้ำเงิน หรือแดง ล้วนทำเป็นเครื่องนุ่งห่ม หมวก ปลอกหมอน กระเป๋าพลู ฯลฯ ช่างทอผ้าในหมู่บ้านเหล่านี้ไม่เคยทำผ้ามัสลินเนื้อบางเลย

รูปแบบส่วนใหญ่เป็นรูปทรงเรขาคณิตในธรรมชาติหรือในรูปแบบของสัตว์งูนกที่มีสไตล์สูงซึ่งรวบรวมร่างไว้ในองค์ประกอบการตกแต่งอย่างเคร่งครัด

ตัวอย่างเช่น สายสะพายที่ตกแต่งอย่างหรูหราและน่าสนใจมีรูปแกะสลักเป็นของพระภิกษุชั้นสูงจากเมืองมัลวัตตะซึ่งผลิตในภูมิภาคอูวะ ในแถบแนวนอนมีช้าง ม้า สิงโต และนกที่มีลักษณะสวยงามเรียงกันเป็นแถวเรียงกัน เข็มขัดเหล่านี้สลับกับลายทางที่เต็มไปด้วยลวดลายเรขาคณิต สียังมีให้เลือกหลากหลาย: ดำ, แดง, ชมพู, น้ำเงิน, เขียวและเหลือง

รูปทรงเรขาคณิตไม่มีตัวตน: โดยทั่วไปแล้วจะพรรณนาถึงพืชและดอกไม้ การม้วนผมจากถ้วยดอกไม้ ฯลฯ

การเย็บปักถักร้อยก็เหมือนกับผ้าที่แบ่งออกเป็นการผลิตในขนาดจำกัด (สำหรับราชสำนักและขุนนาง) โดยมีลวดลายการตกแต่งที่มีต้นกำเนิดจากอินเดีย และแบ่งเป็นการผลิตแบบสิงหลในท้องถิ่นอย่างเคร่งครัด

มีช่างตัดเสื้อมืออาชีพเพียงไม่กี่คน (คันนาลี) พวกเขารับใช้กษัตริย์และราชสำนักด้วยการปักอันหรูหรา สำหรับวัดพุทธและฮินดูจะทำจีวร ผ้าม่าน ป้ายวัด ฯลฯ และร่วมตกแต่งรถม้าสำหรับขบวนแห่ศักดิ์สิทธิ์ สำหรับเจ้าของที่ดินที่มีฐานะร่ำรวย พวกเขาทำเสื้อแจ็กเก็ตผ้า หมวกสี่มุม (ทอปปียะ) ปักด้วยทองคำ และเสื้อสเวตเตอร์ปักสำหรับครอบครัว วัสดุราคาแพงสำหรับสินค้าดังกล่าวส่วนใหญ่นำเข้าจากอินเดีย เช่น ผ้าสักหลาดสีแดง ผ้ากำมะหยี่ เลื่อมและดิ้น ผ้าปักสำหรับแจ็กเก็ต และด้ายสีทองสำหรับปักหมวกและพัดในพิธี

หนึ่งในนั้นมีต้นกำเนิดมาจาก Maha Devale ในเมือง Kandy ทำจากผ้ากำมะหยี่สีแดง ปักด้วยด้ายสีทองและสีเงิน พร้อมด้วยผ้ากำมะหยี่สีเขียว เครื่องประดับในรูปแบบของรูปทรงเรขาคณิต ตรงกลางมีดอกกุหลาบ ด้านหน้าทำจากกำมะหยี่สีน้ำเงินซึ่งปักดวงอาทิตย์ ดวงจันทร์ และดวงดาว

ถุงพลู (8) ถูกปักอย่างงดงามและหลากหลาย โดยมากมักเป็นลวดลายพืชและดอกไม้ และมีแถบขอบประดับอย่างวิจิตรงดงามเสมอ กระเป๋าใบหนึ่งถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์โคลัมโบ ได้รับการปักอย่างประณีตและประณีตเป็นพิเศษ ตรงกลางมีดอกกุหลาบที่มีใบแหลมคมสี่ใบระหว่างนั้นบนลำต้นที่บางที่สุดและร่างของนกจะมีดอกไม้เล็ก ๆ ระหว่างดอกกุหลาบตรงกลางและขอบวงกลม ปักด้วยเกลียวดอกไม้บางๆ และดอกไม้ ยังมีรูปนกอีกด้วย เสื่อ (ดัมบารา) ซึ่งทอโดยช่างทอจากวรรณะล่าง - คินาไรมีความสำคัญไม่น้อยต่อเศรษฐกิจและชีวิตประจำวัน เส้นใยทำจากป่าน เส้นใยส่วนหนึ่งปล่อยให้เป็นสีขาวธรรมชาติ ส่วนที่เหลือย้อมเป็นสีดำ เหลือง หรือแดง

ด้ายยืนถูกปั่นเหมือนฝ้ายบนแกนหมุน สำหรับทางพุ่งนั้นจะใช้เส้นใยป่านธรรมชาติสำเร็จรูปซึ่งมีความยาวเท่ากับเส้นผ่านศูนย์กลางของเสื่อ เครื่องทอผ้าเป็นแนวนอน คล้ายกับเครื่องทอผ้าฝ้าย แต่มีลักษณะดั้งเดิมมากกว่า เสื่อก็ทอจากหญ้าเช่นกันและเรียกว่า "peduru" สีหลักสำหรับพวกเขาคือปาตังกีซึ่งให้เฉดสีแดงที่สวยงาม

รูปภาพบนเสื่อมีขนาดใหญ่ เป็นรูปทรงเรขาคณิต แม้จะดูใหญ่โตทั้งในรูปแบบและองค์ประกอบ และเหมาะอย่างยิ่งสำหรับการตกแต่งเสื่อเนื่องจากเชื่อมโยงกับห้องและสถาปัตยกรรมอย่างแยกไม่ออก

มีสองตัวอย่างที่น่าสนใจของเสื่อดังกล่าวในคอลเลกชันของ A.K. Kumaraswamy หนึ่งในจัตุรัสกลางแบ่งออกเป็นเก้าส่วนมีภาพ: ตรงกลาง - ช้างในสี่เหลี่ยมด้านข้าง - นาค (งูเห่า) เลี้ยงด้วยหมวกที่พองลม แถวบนและล่างของสี่เหลี่ยมมีไส้เหมือนกัน: ตรงกลาง - กวาง, ด้านข้าง - นกคู่หนึ่ง องค์ประกอบของตัวเลขเหล่านี้แสดงให้เห็นถึงชั้นเชิงทางศิลปะที่ถูกต้อง: กวาง (บนและล่าง) หันไปในทิศทางตรงกันข้าม นกแต่ละคู่ก็แยกจากกันโดยวางหัวไปในทิศทางที่ต่างกัน ด้วยเทคนิคทางศิลปะที่คำนวณอย่างละเอียดนี้ ปรมาจารย์จะหลีกเลี่ยงความซ้ำซากจำเจที่เน้นย้ำ

จากจัตุรัสกลางที่มีตัวเลขจะมีแถบขวาง: อันแรกตกแต่งด้วยเส้นซิกแซกจากนั้นก็มีแถบกว้างสามแถบจากนั้นก็มีแถบแคบจำนวนหนึ่ง ทุกอย่างได้รับการออกแบบมาเพื่อเอฟเฟกต์ภาพ

บนเสื่ออีกผืนหนึ่ง องค์ประกอบทั่วไปจะคล้ายกับผืนก่อนหน้า ตรงกลางมีนกสองตัว หันไปในทิศทางตรงกันข้าม และเปลือยเปล่าอยู่ที่ด้านข้าง ด้านบนและด้านล่างมีเข็มขัดที่มีปลาและนก โดยมีเข็มขัดสามเส้นที่ด้านบนและด้านล่าง ฟิกเกอร์ทั้งหมดได้รับการกำกับในลำดับที่แตกต่างแต่มีความคิดอย่างเคร่งครัด พร้อมเอฟเฟกต์การตกแต่งที่เหมาะสม

2.7 การทำหน้ากากอนามัย

ช่างแกะสลักปรมาจารย์ด้านศิลปะอินเดีย

เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่สัมผัสกับศิลปะที่มีเอกลักษณ์และมีชีวิตชีวาของศรีลังกาเหมือนหน้ากาก พวกเขาแพร่หลายมานานแล้วในฐานะส่วนสำคัญของละครและการเต้นรำพื้นบ้านและได้รับความนิยมอย่างมากในประเทศมาตั้งแต่สมัยโบราณ ในการแสดงละครของ "kolam" ทุกอย่างขึ้นอยู่กับการใช้หน้ากาก หน้ากากยังใช้ในการเต้นรำแบบปีศาจ "tovil" แม้ว่าความสำคัญเชิงสัญลักษณ์และศาสนาของการเต้นรำจะสูญเสียไปมากแล้ว แต่หน้ากากของนักเต้นและนักแสดงเองก็ยังคงเป็นภาพที่น่าจับตามองสำหรับประชาชน โดยเฉพาะในหมู่บ้าน

ช่างแกะสลักหน้ากากไม้ไม่ได้มีเป้าหมายทางศิลปะเพียงอย่างเดียวเสมอไป และหน้ากากจำนวนมากก็มีความหมายเชิงสัญลักษณ์โดยเฉพาะเท่านั้น แต่จำนวนหนึ่งถือได้ว่าเป็นงานศิลปะพื้นบ้านที่แท้จริงเนื่องจากการแสดงออกภายนอก ความสำคัญทางชาติพันธุ์ของพวกเขาก็ยิ่งใหญ่เช่นกัน

หน้ากากที่น่าสนใจทางศิลปะมากที่สุดใช้ในการเต้นรำ "รัสยา" เพื่อเป็นการแสดงนำของการแสดง "โกลัม" มีหน้ากากที่ดูน่าอัศจรรย์และน่ากลัวมากซึ่งแสดงถึงสิ่งมีชีวิตกึ่งศักดิ์สิทธิ์ เหมือนจริงกว่ามากคือหน้ากากจำนวนมากของการเต้นรำ "ซันนิยะ" ที่ใช้ในการแสดง "โทวิล" ดูเหมือนพวกมันจะเลียนแบบการ์ตูนล้อเลียนผู้คน

ตัวอย่างเช่นที่แปลกประหลาดมากคือหน้ากากของมือกลองเก่าที่มีหนวดเคราหนาขนาดใหญ่และใบหน้าที่มีรอยย่นลึกและแสดงออกอย่างชราภาพแม้ว่าดวงตาโปนและปากคำรามของเขาจะทำให้เขาดูแปลกประหลาดเป็นพิเศษ (9) การแสดงออกที่เข้มข้น แต่เจ้าเล่ห์บนใบหน้า ด้วยริมฝีปากที่ประณีตของ Mudali ซึ่งเป็นข้าราชการระดับสูง

ราชามีใบหน้าที่มีหนวดสีดำสวยงามและมีมงกุฎที่มีโครงสร้างซับซ้อนซึ่งมีขนาดใหญ่กว่าศีรษะถึงสามเท่า ที่ด้านข้างของใบหน้ามีปากกระบอกปืนของมาคาร์มหัศจรรย์สองตัว (10) บิซาวะ (พระราชินี) มีพระพักตร์งดงาม มีริมฝีปากงดงาม ดวงตาเบิกกว้างราวกับประหลาดใจ มงกุฎอันสง่างามเป็นที่จดจำด้วยลวดลายต้นไม้และดอกไม้ จากนั้นห้อยลงมาทั้งสองด้านบนผ้า "มุก" โดยมีพื้นหลังที่ใบหน้าของราชินีดูเคร่งขรึมเป็นพิเศษ

ใบหน้าของผู้หญิงผิวดำที่มีผมหยักศกอย่างหรูหราในทรงผมที่แนบหลังใบหูจนถึงระดับคางก็น่าสนใจเช่นกัน เธอหัวเราะอย่างสุดกำลัง เผยให้เห็นฟันเรียงกันเป็นแถว ควรสังเกตว่ารายละเอียดนี้ใช้ในการล้อเลียนตัวละครที่มียศทางสังคมต่ำ: พวกเขามักจะมีฟันขนาดใหญ่ที่บิดเบี้ยวหรือกระจัดกระจายยื่นออกมาอย่างผิดปกติอย่างมาก ผู้หญิงผิวดำซึ่งศิลปินพยายามแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่ามีเสน่ห์ มีฟันที่ตรงและสวยงาม ถ้าฟันไม่ปรากฏเลยในบุคคลระดับสูง ในราชวงศ์ ในมูดาลี ผู้ใหญ่บ้าน และตำรวจ แล้วเจ้าหนี้ (เฮตติยะ) จะมีใบหน้าบิดเบี้ยว จมูกเบี้ยว ดวงตานักล่าเล็ก ๆ และสอง ฟันซี่ใหญ่ในปากที่เปิดครึ่ง ผู้หญิงซักผ้า (ผู้ชาย) มีดวงตาโตโปน จมูกกว้าง และลิ้นยื่นออกมาระหว่างแถวของฟันซี่ใหญ่ที่ติดแน่น ผู้ช่วยของเขามีภาพล้อเลียนมากยิ่งขึ้นด้วยจมูกที่แบนและฟันแถวบนดันไปข้างหน้าไกล

หน้ากากเต้นรำของซันนิยะ (10) แสดงออกได้ดีมาก มีความคิดสร้างสรรค์มากมาย แต่ดูเป็นธรรมชาติมากกว่ามาก

หัตถกรรมที่อธิบายไว้มีอายุย้อนกลับไปถึงปลายยุคอาณานิคม ซึ่งเป็นช่วงที่งานฝีมือตกต่ำลง ทั้งในด้านศิลปะและอุตสาหกรรม แต่โชคดีที่วัฒนธรรมพื้นบ้านสาขานี้ยังไม่ตาย: ผลิตภัณฑ์ศิลปะเกือบทุกประเภทแม้ว่าจะในปริมาณเล็กน้อย แต่ก็ยังถูกสร้างขึ้นต่อไปโดยยังคงรักษาลักษณะประจำชาติไว้

ความสนใจในวัฒนธรรมประจำชาติท้องถิ่นที่เพิ่มขึ้นหลังจากที่อินเดียได้รับเอกราช ความช่วยเหลือที่ครอบคลุมจากรัฐบาลในด้านงานฝีมือทางศิลปะมีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาครั้งใหม่ และการผลิตทางศิลปะบางประเภทได้รับการฟื้นฟูอย่างแท้จริง

ผลิตภัณฑ์ประเภทใหม่ปรากฏขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งในลักษณะการตกแต่งอย่างหมดจด ในขณะที่ในสมัยโบราณการผลิตทางศิลปะทั้งหมดมีเพียงจุดประสงค์ในทางปฏิบัติเท่านั้น เซรามิกส์ที่สร้างขึ้นตามประเพณีโบราณปรากฏขึ้นเริ่มมีการสร้างประติมากรรมตกแต่งเช่นประติมากรรมไม้จากไม้ภูเขาอันมีค่าถาดตกแต่งผนังที่ทำจากทองเหลืองและโลหะอื่น ๆ ซึ่งทำซ้ำด้วยทักษะที่ยอดเยี่ยมของ "Moon Stones" โบราณที่มีชื่อเสียง

ด้วยการฟื้นฟูงานฝีมือศิลปะพื้นบ้าน ประชากรสิงหลและทมิฬของเกาะอนุรักษ์และพัฒนาประเพณีประจำชาติของตน ความสามารถและทักษะเชิงสร้างสรรค์ของคุณ

บทที่ 3 ศิลปะร่วมสมัยของอินเดีย

3.1 ศิลปะร่วมสมัยของอินเดีย

ในอินเดีย ความสนใจในศิลปะของศิลปินร่วมสมัยเพิ่มมากขึ้นในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา พื้นที่แกลเลอรีและนิทรรศการบางแห่งได้รับการสร้างขึ้นใหม่เป็นพิเศษเพื่อรองรับการจัดวางขนาดใหญ่ โครงการวิดีโออาร์ตที่ซับซ้อน หรือการติดตั้งมัลติมีเดีย ตัวอย่างที่โดดเด่น 3 แห่งในเดลี ได้แก่ Space Gallery, Wadehra Art Gallery, Talwar Gallery ซึ่งหลาย ๆ คนถือเป็นแกลเลอรีศิลปะร่วมสมัยที่ดีที่สุด เพิ่งเปิดสาขาที่สองเพื่อแสดงโครงการศิลปะที่ซับซ้อน และอีกสาขาหนึ่งในโกลกาตา

นอกจากการประมูลและการตรวจสอบแล้ว ศูนย์ KHOY ที่มีเวิร์กช็อปสำหรับศิลปินยังปรากฏอยู่ทางตอนใต้ของเดลี นี่เป็นสถาบันเดียวในประเทศที่มีการพัฒนาโครงการและโปรแกรมสำหรับศิลปิน ห้องอ้างอิงและข้อมูลประกอบด้วยแคตตาล็อกนิทรรศการต่างๆ และไฟล์บทความเกี่ยวกับศิลปินอินเดียร่วมสมัย ปูจา ซูด ผู้อำนวยการก่อตั้ง KHOY Center ผู้มีพลัง กำลังต่อสู้เพื่อให้ศูนย์เปิดดำเนินการได้อย่างเต็มที่: "รัฐบาลปฏิเสธที่จะสนับสนุนศิลปะร่วมสมัย" เธอกล่าว มีเพียงภาคเอกชนเท่านั้นที่ให้ความช่วยเหลือแก่สถาบันดังกล่าวและงานศิลปะใหม่ๆ อย่างไรก็ตาม มีความผิดหวังและความคับข้องใจในแวดวงศิลปะอินเดียในปัจจุบัน Nikhil Chopra ศิลปินการแสดงรุ่นเยาว์จากมุมไบกล่าวว่า “ฉันไม่อยากจะเชื่อเลยว่าในประเทศที่มีประชากรมากกว่าหนึ่งพันล้านคน มีโรงเรียนศิลปะดึกดำบรรพ์ไม่เกิน 10 แห่ง ไม่มีพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย ไม่มีเงินทุนจริง ไม่มีกลุ่ม ของภัณฑารักษ์ศิลปะร่วมสมัยที่ผ่านการฝึกอบรมมาอย่างดี ไม่มีการวิจารณ์ศิลปะในวารสาร และมีนิตยสารศิลปะที่จริงจังเพียงเล่มเดียว (“Art of India”) และมีนักสะสมงานศิลปะร่วมสมัยรายใหญ่เพียงไม่กี่ราย กล่าวอีกนัยหนึ่งไม่มีโครงสร้างพื้นฐานที่แท้จริงในด้านศิลปะร่วมสมัยในประเทศ”

และยังมีสัญญาณของการปรับปรุงในสถานการณ์ พวกเขากำลังจะสร้างพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในเมืองโกลกาตา ในปี 2008 มูลนิธิ Devi Art เปิดขึ้นที่นี่ตามความคิดริเริ่มของนักสะสมรุ่นเยาว์คนสำคัญ Akunam Poddar เพื่อจัดแสดงผลงานของเขาจากศิลปินร่วมสมัย จัดนิทรรศการ การบรรยาย และการประชุม มหาวิทยาลัยชวาหระลาร์ เนห์รูในเดลีได้จัดตั้งโรงเรียนศิลปะและสุนทรียภาพขึ้นด้วยหลักสูตรที่ซับซ้อนมากในด้านประวัติศาสตร์ศิลปะและการศึกษาวัฒนธรรม

ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมานี้เองที่ศิลปินชาวอินเดียมีโอกาสได้แสดงร่วมกับศิลปินชาวยุโรปและอเมริกา และผู้ที่ไม่ได้เดินทางไปต่างประเทศสามารถเห็นทุกสิ่งที่ต้องการผ่านทางอินเทอร์เน็ตและค้นพบตัวตนของตนเองในเวทีศิลปะระดับโลกในปัจจุบัน และงานศิลปะของพวกเขาไม่ได้แสดงให้เห็นถึง "การสำแดงจิตวิญญาณอินเดียที่โดดเด่น" อีกต่อไป ไม่ว่าจะเป็นในเนื้อหาหรือรูปแบบ อย่างไรก็ตาม ศิลปินอินเดียหลายคนอ้างว่าตนต่อต้านรสนิยมโลกาภิวัตน์ “เราเดินทาง เราได้รับข้อมูลมากขึ้นเรื่อยๆ และสิ่งนี้ทำให้เรามีความรู้ที่เป็นประโยชน์มากขึ้นในด้านความคิดสร้างสรรค์” Subodh Gupta กล่าว “แต่ในงานเขียนของฉัน หม้อ กระทะเหล็ก และอุปกรณ์เครื่องครัวเหล่านี้มาจากวัยเด็กของชนชั้นกลางตอนล่าง จากความทรงจำของครอบครัวและพิธีกรรมด้านอาหาร”

อย่างไรก็ตามไม่ใช่ทุกคนที่ซื่อสัตย์กับงานของตนมากนัก Abhay Sardesai บรรณาธิการบริหารของนิตยสาร Art of India กล่าวว่าศิลปินอินเดียร่วมสมัยจำนวนมากยึดติดกับบริบทในท้องถิ่นมากเกินไป หรือเน้นย้ำกระแสโลกาภิวัตน์มากเกินไป ขึ้นอยู่กับรสนิยมของลูกค้า โดยใช้ประโยชน์จากสัญลักษณ์ที่คุ้นเคยของ วัฒนธรรมอินเดีย เพื่อดึงเอาบริบทท้องถิ่นเกินความจริง ทำให้เกิดสิ่งที่น่าตื่นเต้นสำหรับผู้บริโภคชาวตะวันตก

Gayatri Sinha นักวิจารณ์และภัณฑารักษ์จากเดลี เชื่อว่าการเมืองในทวีปทางใต้เป็นตัวกำหนดบริบทของศิลปะอินเดียที่เกิดขึ้นในปัจจุบัน มากกว่าแหล่งอิทธิพลอื่นๆ ฮุสเซน จิตรกรที่โดดเด่นที่สุดของอินเดีย เฉลิมฉลองวันเกิดปีที่ 95 ของเขาในปี 2010 ขณะที่ถูกเนรเทศ โดยถูกบังคับให้ออกจากบ้านเกิดเนื่องจากการคุกคามและความพยายามในชีวิตของผู้นับถือนิกายฟันดาเมนทัลลิสท์ เขาถูกกล่าวหาว่าวาดภาพเทพเจ้าและเทพธิดาที่เปลือยเปล่าในภาพวาดของเขา
แต่ในบางกรณี ความตึงเครียดเหล่านี้ก็สามารถกลายเป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจอันทรงพลังในการสร้างสรรค์ได้ “นี่เป็นสังคมที่เหยียดเชื้อชาติและเหยียดเชื้อชาติมาก” คันวาร์กล่าวในการให้สัมภาษณ์ - “ศิลปินอินเดียจัดแสดงไปทั่วโลก และทุกๆ วันพวกเขาจะตัดสินใจว่าพวกเขาจะประพฤติตนอย่างไรในความสัมพันธ์กับสังคม ไม่ว่าจะเผชิญหน้ากับสังคม ไม่ว่าจะรักษาทัศนคติเชิงวิพากษ์วิจารณ์ หรือทำงานเพื่อตลาด”

แต่ปัจจุบันโลกศิลปะอินเดียกำลังเขียนหน้าสุดท้ายของประวัติศาสตร์ใหม่อย่างรวดเร็ว

3.2 ปัญหาศิลปะอินเดียในมุมมองของนักวิจารณ์ตะวันตก

1. การอนุรักษ์ความทรงจำของการวาดภาพเป็นทางเลือกเดียวสำหรับศิลปะอินเดียที่สอดคล้องกับคุณค่าสากลควบคู่ไปกับประเพณีการระบุตัวเราว่าเป็นชาติที่มีเอกลักษณ์ โครงการนี้เป็นที่ยอมรับไม่ได้สำหรับศิลปินลูกผสม ผู้อพยพที่รวมอยู่ในวาทกรรมทางสังคมและศิลปะที่แตกต่างกัน การใช้รูปแบบนี้เพื่อคิดเกี่ยวกับองค์ประกอบของศิลปะตะวันตกที่ศิลปินชาวอินเดียพยายามที่จะผสมผสานเข้ากับงานศิลปะของตน ถือเป็นปัญหาอย่างมาก เนื่องจากภาพที่สร้างขึ้นโดยนักเขียนดังกล่าวไม่สามารถนำมาเปรียบเทียบกับผลงานสร้างสรรค์ของศิลปินท้องถิ่นได้

2. ความศักดิ์สิทธิ์ การทำลายล้าง และอันตรายอื่นๆ ที่คุกคามศิลปะอินเดียสมัยใหม่ การเชื่อมต่อกับยุโรปและสหรัฐอเมริกาเป็นไปได้โดยมีการขายผลงานของศิลปินชาวอินเดีย และสิ่งที่ขายคือสิ่งที่ทำลายประเพณีของชาติบรรพบุรุษ ในงานที่จะขายให้กับนักสะสมชาวตะวันตกไม่ควรมีความเป็นคู่ซึ่งเป็นสิ่งที่ต้องมีการตีความที่ซับซ้อนนั่นคือผู้เขียนจะต้องละทิ้งทั้งขนบธรรมเนียมประเพณีของวัฒนธรรมประจำชาติและกระแสทั้งหมดที่มาจากภายนอก เป็นผลให้มีอันตรายในการประเมินผลงานและความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินชาวอินเดียโดยปฏิเสธความเป็นตัวตนของผู้สร้าง

3. วาทกรรมคู่ขนาน ในด้านหนึ่ง กิจกรรมของศิลปินชาวอินเดียในโลกตะวันตกเกี่ยวข้องกับการสร้างโลกที่ขัดแย้งกันอย่างรุนแรง จากนั้นเราก็ต้องเผชิญกับผู้เปรี้ยวจี๊ดระดับสูงกับศิลปินที่ตระหนักว่าตนเองเป็นชาวอินเดียนแดงสามารถเข้าสู่การสนทนาที่คู่ควรกับระบบสากลของศิลปะสมัยใหม่ เช่น อานิช กาปูร์, ฮุสเซน และซูซา ในทางกลับกัน ที่เหลือทั้งหมดเป็นศิลปินอินเดียประจำจังหวัด เข้าใจผิด และหมกมุ่นอยู่กับความเป็นจริงของตนเอง และไม่มีทางแยกตรงนี้ได้ แน่นอนว่าภัณฑารักษ์และนักสะสมชาวตะวันตกชอบที่จะจัดการกับสิ่งแรกมากกว่า งานฝีมือดึงดูดระบบจินตภาพในท้องถิ่นงานฝีมือไร้ค่าศิลปะของผู้หญิงแกลเลอรีเล็ก ๆ - สูญเสียความสำคัญในหมู่นางแบบตะวันตกที่ยิ่งใหญ่และได้รับการส่งเสริมอย่างดีและตามกฎแล้วจะถึงวาระที่จะลืมเลือน

4. เส้นทางแห่งการค้นหาอันเจ็บปวด นักวิจารณ์ชาวตะวันตกพูดถึงรูปแบบการพัฒนาที่เป็นสากล สังคม เศรษฐกิจ เทคโนโลยี และวัฒนธรรมที่จัดตั้งขึ้นโดยประเทศตะวันตก ความจริงก็คือศิลปะอินเดียร่วมสมัยไม่สามารถละทิ้งความเกี่ยวข้องและไม่สามารถลดให้เหลือเพียงการทำตามแบบตะวันตกได้ จุดแข็งอยู่ที่การแสดงออกทางศิลปะและมุมมองที่หลากหลาย ที่นี่เรากำลังเผชิญกับสถานการณ์ที่ยากลำบากที่โรงเรียนหลายพันแห่งกำลังเจริญรุ่งเรือง ความร่ำรวยและความหลากหลายของโรงเรียนและตัวแทนของศิลปะอินเดียร่วมสมัยทำให้เป็นไปไม่ได้ที่จะแบ่งขั้วของวาทกรรมวิพากษ์วิจารณ์ตามเงื่อนไขที่ไม่ชัดเจน: ประเพณีและความทันสมัย

3.3 การรับรู้ศิลปะอินเดียร่วมสมัยของตะวันตก

กระบวนการค้นพบศิลปะทดลองของอินเดียในตะวันตกในช่วงทศวรรษที่ผ่านมา สะท้อนถึงขั้นตอนของการเปลี่ยนแปลงที่น่าอัศจรรย์ในแวดวงศิลปะของอินเดีย ซึ่งส่งผลให้ยอดขายเพิ่มขึ้นและการเกิดขึ้นของศิลปินชาวอินเดียในศูนย์วัฒนธรรมนานาชาติที่สำคัญๆ

มากขึ้นกว่าที่เคย การแทรกซึมขององค์ประกอบของศิลปะตะวันตกสามารถสัมผัสได้ในศิลปะอินเดียในปัจจุบัน ศักยภาพในการล่าอาณานิคมในอดีตของตะวันตกในปัจจุบันสามารถฟื้นคืนมาและสร้างการพึ่งพาใหม่ซึ่งคราวนี้เป็นวัฒนธรรมที่เกี่ยวข้องกับอาณานิคมเก่าได้หรือไม่? อะไรคือความสำคัญของการยอมรับศิลปะอินเดียร่วมสมัยในยุโรป? ไม่มีทางที่จะต่อต้านการพึ่งพาประเทศตะวันตกครั้งใหม่ได้หรือ?
ปัจจุบัน ศิลปะอินเดียถือเป็นหนึ่งในการแสดงที่มีแนวโน้มมากที่สุดของวัฒนธรรมร่วมสมัย ตัวอย่างเช่น เราสามารถอ้างอิงนิทรรศการ โครงการ นิตยสาร กิจกรรมต่างๆ มากมายที่ศิลปินและประติมากรชาวอินเดียมีส่วนร่วมในศูนย์กลางสำคัญๆ ของตะวันตก: สหรัฐอเมริกา สหราชอาณาจักร เยอรมนี ฝรั่งเศส ญี่ปุ่น อิตาลี และสเปน ผลงานของศิลปินอินเดียร่วมสมัยจัดแสดงอยู่ในคอลเล็กชันส่วนตัวและพิพิธภัณฑ์ที่สำคัญๆ ในประเทศตะวันตก

ในช่วง 20 ปีที่ผ่านมา ผู้ซื้อจากต่างประเทศได้แสดงความสนใจในผลงานของศิลปินชาวอินเดียเพิ่มมากขึ้น ตั้งแต่ปี 2545 ราคาของพวกเขาได้เพิ่มขึ้นถึง 2-3 เท่า ผลงานของศิลปินร่วมสมัยที่มียอดขายสูงสุด Atul Dodiya และ Subodh Gupta กำลังดึงเงินหลายแสนดอลลาร์จากการประมูล และราคาประมูลภาพวาดโดยศิลปินสมัยใหม่ชาวอินเดียที่โดดเด่น - Hussain, F.N. Souza ทะลุ 1 ล้านเหรียญไปแล้ว ในปี 2010 ประติมากรรมกระจกเหล็กโดย Anish Kapoor ถูกประมูลที่ Christie's ในราคาสูงสุดเป็นประวัติการณ์ที่ 1.4 ล้านเหรียญสหรัฐ นักธุรกิจที่อาศัยอยู่ในนิวยอร์กจ่ายเงิน 1.6 ล้านดอลลาร์สำหรับภาพวาด "Mahisasura" ของ Tyeb Mehta เกี่ยวกับปีศาจฮินดูที่พ่ายแพ้โดยเทพธิดา Durga

หากศิลปินอินเดียรุ่นก่อน ๆ อิจฉาความสำเร็จของเพื่อนร่วมงานชาวจีน สถานการณ์ในปัจจุบันก็เปลี่ยนไป ยามินี เมห์ตา หัวหน้าฝ่ายศิลปะสมัยใหม่และร่วมสมัยของอินเดียที่ Christie's ในลอนดอน กล่าวว่าธุรกิจศิลปะของอินเดียกำลังมีช่วงเวลาดีๆ แต่การขาดการสนับสนุนจากสถาบันยังคงเป็นความท้าทายที่ยิ่งใหญ่ “ในอินเดียไม่มีการสนับสนุนจากรัฐบาลสำหรับศิลปะร่วมสมัย ไม่มีการจัดสรรเงินทุนเพื่อการพัฒนา ดังเช่นในจีน” เธอกล่าว ทางการจีนส่งเสริมศิลปินของตนเพื่อชดเชยการสูญเสียความคิดสร้างสรรค์ในทัศนศิลป์ในช่วงการปฏิวัติวัฒนธรรมในทศวรรษ 1960 ต่างจากศิลปะจีน ผลงานของศิลปินอินเดียส่วนใหญ่ถูกซื้อโดยชาวอินเดีย “ชาวอินเดียส่วนใหญ่ซื้อผลงานของศิลปินท้องถิ่น ซึ่งเป็นวิธีที่ดีในการเริ่มสะสม แต่ศิลปะอินเดียที่ค่อยเป็นค่อยไปจะต้องก้าวข้ามขอบเขตเพื่อให้ได้รับการต้อนรับในวงกว้างมากขึ้นในโลกตะวันตก” Stefan Wimmer จากแกลเลอรี Beck Egling ในเยอรมนีกล่าว

เอกสารที่คล้ายกัน

การทอผ้าจักสานเป็นหนึ่งในงานฝีมือพื้นบ้านที่เก่าแก่ที่สุดของชาวสลาฟ ตัวอย่างผลิตภัณฑ์จักสาน การทอและการเย็บปักถักร้อย ผลิตภัณฑ์โลหะหลอมที่สร้างสรรค์โดยช่างฝีมือชาวคูบาน การแปรรูปไม้อย่างมีศิลปะและการทำเครื่องใช้ในครัวเรือนจากไม้

การนำเสนอเพิ่มเมื่อ 05/12/2015


ศิลปะชาติพันธุ์และการตกแต่งและประยุกต์ของชาวอัลไตในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ถึงต้นศตวรรษที่ 20 การทำเครื่องประดับและการแปรรูปโลหะ แปรรูปผ้าสักหลาดและวัสดุผ้าเนื้อนุ่ม ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของชาวคาซัค ลักษณะของหัตถกรรมพื้นบ้าน

งานหลักสูตรเพิ่มเมื่อ 06/07/2014


ศึกษายุคหินของอินเดีย เครื่องมือหินประเภทมัทราส การค้นพบเครื่องมือสับที่เก่าแก่ที่สุด - สับ วัฒนธรรมก่อน Soan ของอินเดียเหนือในช่วงยุคน้ำแข็ง การฝังศพหินใหญ่ที่ Chinggleput ภาพวาดในถ้ำยุคหินเก่าตอนปลาย

บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 10/07/2552


ประวัติโดยย่อของการก่อตัวและการพัฒนาศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ในดาเกสถาน ลักษณะเด่นของเซรามิกพื้นบ้าน พรม เครื่องประดับ และสถาปัตยกรรม ศิลปะการแกะสลักหินและไม้ อาวุธศิลปะของดาเกสถาน

วิทยานิพนธ์เพิ่มเมื่อ 26/02/2556


โครงสร้างทางสังคมของอินเดีย ทิศทางหลักของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของอินเดีย อนุสรณ์สถานแห่งความคิดและโลกทัศน์ของอินเดีย พราหมณ์เป็นหมวดปรัชญา ศาสนาไศวนิกาย ไวษณพ และพระกฤษณะ พระพุทธศาสนา ศิลปะอินเดีย ลักษณะของมัน

บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 08/03/2550


ความเชื่อมโยงระหว่างศาสนากับศิลปะ ความสัมพันธ์ การเกิดขึ้นและการเผยแผ่พระพุทธศาสนา เวทีและลักษณะต่างๆ ศิลปะในอินเดีย ทิศทางของมัน อิทธิพลของโรงเรียนฉานต่อศิลปะในประเทศจีน การมีส่วนร่วมของคำสอนเซนต่อศิลปะญี่ปุ่น ลัทธิละมะและศิลปะ

บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 23/01/2554


ผลงานวิจิตรศิลป์ของอินเดียซึ่งเป็นศูนย์รวมของสัญลักษณ์ทางวัตถุของเทพเจ้า ศีลและประเพณีของช่างฝีมือชาวอินเดีย ลักษณะเฉพาะของการกำเนิดกลุ่มชาติพันธุ์อินเดีย จิตวิญญาณ และการแสดงดนตรีของอารยธรรม

การนำเสนอเพิ่มเมื่อวันที่ 13/03/2558


วัฒนธรรมของอินเดียเป็นหนึ่งในวัฒนธรรมที่เก่าแก่ที่สุดของมนุษยชาติ ซึ่งมีการพัฒนาอย่างต่อเนื่องมาเป็นเวลาหลายพันปี อนุสาวรีย์ทางสถาปัตยกรรมของอินเดีย วิชาศาสนาในงานประติมากรรมและจิตรกรรม ประเพณีการแสดงละครและภาพยนตร์ของอินเดีย

การนำเสนอเพิ่มเมื่อ 24/05/2555


ลักษณะของศิลปะประยุกต์ของคาซัคซึ่งแสดงโดยการทอพรม การทำพรมสักหลาด การทอเสื่อประดับ การตอกหนัง การแกะสลักไม้ และการแปรรูปโลหะเชิงศิลปะ (การผลิตเครื่องประดับ)

การนำเสนอเพิ่มเมื่อ 25/11/2014


สถานที่แห่งการพัฒนาศิลปะการจัดสวนของอินเดียในประวัติศาสตร์ของประเทศ ภูมิสถาปัตยกรรมอินเดียเป็นปรากฏการณ์ดั้งเดิม พืชในตำนานของอินเดีย เขตอนุรักษ์และอุทยานแห่งชาติธรรมชาติของอินเดีย คลื่นหินอันยิ่งใหญ่แห่งเทือกเขาหิมาลัย

ภาพวาด Madhubani (หมายถึงป่าแห่งน้ำผึ้ง) มีต้นกำเนิดในหมู่บ้านเล็กๆ ในรัฐ Maithili ประเทศอินเดีย
โดยทั่วไปแล้ว ภาพวาด Madhubani จะมีลักษณะเด่นด้วยการใช้สีจัดจ้าน การออกแบบทางเรขาคณิตแบบดั้งเดิม รูปร่างที่น่าอัศจรรย์พร้อมดวงตาที่แสดงออกถึงความรู้สึกขนาดใหญ่ และธรรมชาติที่เต็มไปด้วยสีสัน ภาพวาดเหล่านี้บรรยายเรื่องราวจากเทพนิยายและตัวละครโปรดคือลอร์ด
ไม่สามารถสืบย้อนถึงต้นกำเนิดของภาพวาด Madhubani หรือ Maithili ได้ มิถิลา ถือเป็นอาณาจักรของ พระเจ้าชนก บิดาของนางสีดา ศิลปะที่แพร่หลายในสมัยรามเกียรติ์ในมิถิลาอาจเปลี่ยนไปเป็นศิลปะไมถิลีตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา ภาพวาดฝาผนังอันเก่าแก่ของแคว้นมคธมีบทบาทสำคัญในการพัฒนารูปแบบศิลปะนี้

จิตรกรรมขนาดจิ๋ว

ตามชื่อเลย การวาดภาพขนาดย่อหมายถึงผลงานที่มีขนาดเล็กแต่เต็มไปด้วยรายละเอียดและการแสดงออก ภาพวาดย่อส่วนของอินเดียเป็นตัวแทนในหลายประเภท รวมถึงภาพวาดย่อส่วนโมกุลจำนวนมากที่บรรยายภาพชีวิตในราชสำนักและบุคลิกร่วมสมัย เหตุการณ์ และการกระทำในสมัยโมกุล
คุณสมบัติหลักของการวาดภาพขนาดจิ๋วคือการวาดภาพที่ซับซ้อนด้วยแปรงบางและสีสันสดใสที่ทำจากหินกึ่งมีค่า เปลือกหอย ทองคำและเงิน
เพชรประดับของอินเดียที่พัฒนาขึ้นในสมัยจักรวรรดิโมกุล (ศตวรรษที่ 16-XIX) ตามประเพณีที่ดีที่สุดของเพชรประดับเปอร์เซีย แม้ว่าภาพวาดขนาดย่อจะได้รับการพัฒนาในราชสำนักโมกุล แต่รูปแบบนี้ได้รับการยอมรับโดยชาวฮินดู (ราชปุตส์) และต่อมาโดยชาวซิกข์ ภาพวาดโมกุลขนาดย่อมีความเจริญรุ่งเรืองในรัชสมัยของพระเจ้าอักบาร์ จาหังกีร์ และชาห์ชะฮัน มีภาพวาดจำนวนไม่น้อยที่รอดมาจนถึงทุกวันนี้

การวาดภาพ Gond เป็นหนึ่งในรูปแบบศิลปะของชนเผ่าที่มีต้นกำเนิดในอินเดียตอนกลาง งานศิลปะชิ้นนี้ได้รับแรงบันดาลใจจากเนินเขา ลำธาร และป่าไม้ที่ Gonds อาศัยอยู่
และขนบธรรมเนียมทางสังคมนั้นศิลปิน Gond ถ่ายทอดออกมาเป็นชุดของจุดและขีดที่สร้างขึ้นอย่างประณีตเป็นรูปทรง
มีการทาสี Gond บนผนัง เพดาน และพื้นของบ้านในหมู่บ้านเพื่อเฉลิมฉลองประเพณีและเทศกาลต่างๆ พวก Gonds ยังเชื่อด้วยว่าภาพวาดของพวกเขาจะนำโชคดีมาให้
ภาพวาดเป็นการผสมผสานระหว่างสีเอิร์ธโทนและเฉดสีสดใสที่สะท้อนชีวิตบนผืนผ้าใบ
วิธีการเขียนแบบกอนด์สามารถสืบย้อนไปถึงศิลปะการสักแบบโบราณซึ่งเป็นเรื่องธรรมดาในหมู่กอนด์
ภาพวาดเหล่านี้สะท้อนถึงนิทานพื้นบ้านและเรื่องราวของชนเผ่าที่ขับร้องโดยกวีและนักร้องที่เร่ร่อน การสะท้อนประวัติศาสตร์ในงานศิลปะถือเป็นเรื่องปกติในอินเดีย

รัฐทางตอนใต้มีชื่อเสียงจากภาพวาดตันจอร์ เนื่องจากเป็นรูปแบบศิลปะที่เจริญรุ่งเรืองในเมือง Tanjore ในอดีต ภาพวาดสไตล์นี้จึงยังคงได้รับความนิยมและเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง ภาพวาดทำด้วยหินกึ่งมีค่า แก้ว และทองคำ ดูสวยงามมากและเพิ่มความยิ่งใหญ่ให้กับสถานที่ที่พวกเขาตกแต่ง
วีรบุรุษของภาพเขียนเหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นเทพเจ้าที่มีใบหน้ากลมขนาดใหญ่และประดับด้วยลวดลาย รูปแบบศิลปะนี้เจริญรุ่งเรืองตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ถึงศตวรรษที่ 18 ในเมืองทันจอร์ในสมัยราชวงศ์ อยู่ภายใต้การอุปถัมภ์ของเจ้าชาย นายัค นายไนดู และถือว่าศักดิ์สิทธิ์
ความนิยมของศิลปะนี้เกิดขึ้นพร้อมกับช่วงเวลาที่วัดใหญ่ถูกสร้างขึ้นโดยผู้ปกครองต่างๆ และด้วยเหตุนี้ เนื้อหาจึงวนเวียนอยู่กับธีมของเทพ
จิตรกรรมลักษณะนี้ได้รับชื่อมาจากวิธีการผลิต "kalam" แปลว่า 'ด้ามจับ' และ 'kari' แปลว่า 'งาน' ศิลปินใช้ด้ามไม้ไผ่อันประณีตจุ่มลงในสีย้อมผัก
การออกแบบประกอบด้วยเส้นละเอียดและลวดลายที่สลับซับซ้อน
การวาดภาพลักษณะนี้ได้รับการพัฒนาในเมือง Kalahasti ใกล้ ๆ และ Masulipatnam ใกล้ Hyderabad

ศิลปะกาลัมการี

กะลามการีมีต้นกำเนิดใกล้วัดจึงมีธีมตามตำนาน ภาพวาดของ Kalamkari บางภาพแสดงร่องรอยของอิทธิพลของชาวเปอร์เซียในด้านลวดลายและลวดลาย ภาพวาดคาลัมคารีมีความเจริญรุ่งเรืองในช่วงการปกครองของมารัทธา และพัฒนาเป็นสไตล์ที่เรียกว่าการรุปปูร์ นำมาประยุกต์ใช้กับผ้าทอทองสำหรับราชวงศ์

Anjali Nayyar นิตยสาร Indian Herald

1.1 ประวัติพัฒนาการและอิทธิพลของศาสนาต่อ DPI ในอินเดีย

ในสมัยโบราณในอินเดียและในประเทศอื่น ๆ ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ไม่ได้ถูกมองว่าเป็นสาขาศิลปะอิสระ การสร้างงานประติมากรรมและผลิตภัณฑ์ทางศิลปะ จิตรกรรมและสถาปัตยกรรมล้วนถือเป็นงานฝีมือ ตามกฎแล้วงานนี้ไม่เปิดเผยชื่อ

ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ประเภทหลักที่แพร่หลายที่สุดควรได้รับการพิจารณาว่าเป็นศิลปะของสิ่งที่ออกแบบอย่างมีศิลปะนั่นคือผลิตภัณฑ์ทางศิลปะ - สิ่งของและเครื่องมือในชีวิตประจำวันอุปกรณ์เสริมของพิธีกรรมศักดิ์สิทธิ์และอาวุธ ศิลปะนี้มีมาตั้งแต่สมัยโบราณ

ตามกฎแล้วรูปแบบของเครื่องมือเรียบง่ายนั้นมีความกลมกลืนและเป็นศิลปะและรูปภาพที่อยู่ในนั้นมีลักษณะเป็นโครงเรื่องหรือมีลักษณะเป็นไม้ประดับล้วนๆ การตกแต่งคำนึงถึงวัตถุประสงค์และรูปร่างของวัตถุในชีวิตประจำวันเสมอ

ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในการตกแต่งรายละเอียดทางสถาปัตยกรรม ซึ่งมักใช้การแกะสลักเป็นพิเศษ

วัสดุที่ใช้สร้างผลิตภัณฑ์เชิงศิลปะมีความหลากหลายมาก เกือบทุกอย่างที่ธรรมชาติจัดเตรียมไว้ให้ถูกนำมาใช้ เช่น ไม้ ใบไม้และสมุนไพร เส้นใยพืช เปลือกถั่ว; หินธรรมดา กึ่งมีค่า และหินมีค่า ดินเหนียว โลหะ รวมถึงของมีค่า กระดูก เขา เต่า เปลือกหอย ฯลฯ ที่สำคัญที่สุดคือ ไม้ หิน โลหะ งาช้าง และเส้นใย

ผลงานทางศิลปะของอินเดียในส่วนต่างๆ ของประเทศไม่เหมือนกันและแตกต่างกันในเรื่องความจำเพาะและความคิดริเริ่มของท้องถิ่น เป็นที่น่าสนใจที่ตัวอย่างเช่นในศรีลังกายิ่งกว่าในอินเดียเองประเพณีของศิลปะอินเดียในสมัยโบราณก็ได้รับการอนุรักษ์ไว้ซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งการเผยแพร่และความเจริญรุ่งเรืองของพุทธศาสนา เมื่อถึงศตวรรษที่ 11 พุทธศาสนาเกือบจะสูญหายไปในอินเดีย แต่ยังคงอยู่ได้ในศรีลังกา โดยถ่ายทอดประเพณีอินโด-สิงหลโบราณในอนุสรณ์สถานทางศิลปะ ประเพณีนี้มีส่วนทำให้ยุคกลางแยกแยะงานฝีมือของชาวสิงหลออกจากงานทมิฬซึ่งไม่เกี่ยวข้องกับพุทธศาสนาอีกต่อไป แต่เกี่ยวข้องกับศาสนาฮินดู แต่นอกเหนือจากนี้ ทักษะทางศิลปะและรสนิยมของชาวสิงหล การรับรู้ด้านสุนทรียภาพของพวกเขาได้นำความริเริ่มมาสู่การผลิตงานศิลปะในท้องถิ่น มาสู่การวาดภาพและประติมากรรมที่ยิ่งใหญ่

ผลิตภัณฑ์ทางศิลปะส่วนใหญ่ที่ยังหลงเหลือมาให้เรามีอายุย้อนไปถึงสมัยนั้น

ยังมีชีวิตอยู่เป็นประเภทของการวาดภาพ

ในงานศิลปะ วิจิตรศิลป์ หุ่นนิ่ง (จากภาษาฝรั่งเศส natur morte - "ธรรมชาติที่ตายแล้ว") มักเรียกว่าภาพของวัตถุที่ไม่มีชีวิตรวมกันเป็นกลุ่มเดียว...

โครงการสร้างวิสาหกิจบริการสังคมและวัฒนธรรม

ศิลปะภูมิทัศน์ของญี่ปุ่น

ทุกสิ่งที่มีชีวิตและไม่มีชีวิต - สิ่งมีชีวิตทุกตัวร้องเพลง เสียงกระซิบของกิ่งไม้ เสียงของทราย เสียงคำรามของลม เสียงพึมพำของน้ำ ทุกสิ่งที่มีอยู่ล้วนแต่ทำด้วยใจ" จากละครโนเรื่อง "ทาคาซาโกะ" ของเดซามิ แห่งศตวรรษที่ 14-15...

สร้างสรรค์สำเนียงสดใสในห้องเด็กโดยใช้เทคนิคผ้าบาติก

ผ้าบาติกเป็นการออกแบบที่ประยุกต์ในลักษณะพิเศษ เรากำลังพูดถึงวิธีการตกแต่งผ้าแบบดั้งเดิมโดยการใช้ลวดลายด้วยขี้ผึ้งละลาย ตามด้วยการทาสีบริเวณผ้าที่ยังไม่ปิดบัง...

คุณสมบัติทางเทคโนโลยีของการแสดงหุ่นนิ่งในกราฟิก

ประวัติศาสตร์ของกราฟิกในรูปแบบศิลปะมีประวัติย้อนกลับไปหลายพันปี กราฟิกถือเป็นศิลปะที่เก่าแก่ที่สุดในบรรดาวิจิตรศิลป์...

ประเพณีและนวัตกรรมทางศิลปะของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์

จนถึงกลางศตวรรษที่ 19 จิตรกรชาวฝรั่งเศสเป็นส่วนหนึ่งของระบบนี้ โดยประสบกับอิทธิพลของสถาบันวิชาชีพที่ซับซ้อนซึ่งมีแผนกในงานศิลปะหลักทุกประเภท...

แอนิเมชั่นญี่ปุ่น

การเกิดขึ้นของอนิเมะ ภาพยนตร์แอนิเมชันญี่ปุ่นเรื่องแรกปรากฏในปี พ.ศ. 2460 เหล่านี้เป็นภาพยนตร์ขนาดเล็กที่มีความยาวตั้งแต่หนึ่งถึงห้านาที และจัดทำโดยศิลปินเดี่ยว...

ความเรียบง่ายแบบญี่ปุ่นในการออกแบบ

จุดเริ่มต้นแรกของความเรียบง่ายในยุโรปถูกค้นพบแล้วในศตวรรษที่ 18: ในปี พ.ศ. 2320 กวี นักปรัชญา และศิลปินชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ที่สุด โยฮันน์ โวล์ฟกัง เกอเธ่ ได้สร้างประติมากรรมที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในสวนของบ้านพักฤดูร้อนของเขาในเมืองไวมาร์...

เครื่องประดับอื่น ๆ ที่เต็มไปด้วยความหมายเชิงสัญลักษณ์ก็แพร่หลายในมองโกเลียเช่นกัน เหล่านี้รวมถึงเครื่องประดับของ ochirs - สัญลักษณ์ของสายฟ้า - สัญลักษณ์แห่งพลังที่อยู่ยงคงกระพันการป้องกันจากความชั่วร้าย เครื่องประดับสามวงกลมที่เรียกว่าอัญมณีสามอันเป็นสัญลักษณ์ของความสามัคคีของจิตวิญญาณร่างกายและคำพูด badam tsetseg - ดอกบัวสีขาวบานสะพรั่ง - เป็นตัวเป็นตนถึงความบริสุทธิ์ของจิตวิญญาณและความคิดของบุคคล

ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของประเทศมองโกเลียในกระบวนการพัฒนาทางประวัติศาสตร์พร้อมกับลักษณะดั้งเดิมที่เป็นเอกลักษณ์ได้ดูดซับองค์ประกอบจำนวนหนึ่งจากวัฒนธรรมในยุคก่อน ๆ ของชนชาติใกล้เคียง งานศิลปะการตกแต่งและประยุกต์หลายชิ้นเกี่ยวข้องกับลัทธิและความเชื่อโบราณของชาวมองโกล ตัวอย่างเช่น วัตถุสำหรับพิธีกรรมชามานิกจะตกแต่งด้วยรูปพระอาทิตย์ เดือน และดวงดาว ดวงอาทิตย์ถูกพรรณนาเป็นวงกลมที่มีรังสีเล็ดลอดออกมา และมีวงกลมอีกวงหนึ่งล้อมรอบด้านนอกซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของดวงจันทร์

อนุสาวรีย์ของลัทธิโบราณก็เป็นองกอน - ไอดอลเช่นกัน พวกเขาถือเป็นภาชนะสำหรับดวงวิญญาณของคนตาย อุปถัมภ์หรือทำร้ายสมาชิกที่ยังมีชีวิตในตระกูลหนึ่งหรืออีกกลุ่มหนึ่ง อองกอนมีรูปแบบที่แตกต่างกัน: มนุษย์ สัตว์ นก บางครั้งพวกมันถูกสร้างขึ้นมาในรูปของต้นไม้ ดวงจันทร์ ดวงดาว และอื่นๆ ต่อจากนั้นภาพสัญลักษณ์ของวิญญาณผู้อุปถัมภ์ก็รวมอยู่ในเครื่องประดับพื้นบ้าน แหล่งข้อมูลที่เป็นลายลักษณ์อักษรมีข้อมูลที่น่าสนใจเกี่ยวกับองกอนซึ่งชาวมองโกลบูชาในสมัยโบราณ ตัวอย่างเช่น Plano Carpini เขียนว่า: "...พวกเขา (ชาวมองโกล - N. Ts.) มีรูปเคารพที่ทำจากผ้าสักหลาดซึ่งสร้างเป็นรูปผู้ชายและวางไว้ทั้งสองด้านของประตูสำนักงานใหญ่... พวกเขาจำได้ว่าพวกเขาเป็นฝูงผู้พิทักษ์โดยให้นมและลูกหลานของปศุสัตว์มากมาย... และเมื่อพวกเขาต้องการสร้างรูปเคารพเหล่านี้ แม่บ้านสูงวัยทุกคนที่อยู่ในการเดิมพันเหล่านั้นก็รวมตัวกันสร้างพวกเขาด้วยความเคารพและเมื่อพวกเขา ทำเช่นนั้น พวกเขาฆ่าแกะ กินมัน และเผาไฟจากกระดูกของเธอ”

ในบรรดาองกรที่มีใบหน้าเป็นมนุษย์ มีทั้งผู้หญิงและผู้ชาย ผู้หญิงทำจากทองแดง และผู้ชายทำจากเหล็ก ประเภทของมนุษย์ถูกถ่ายทอดจากด้านหน้า ลำตัวแบน แข็งตัว โดยไม่ต้องพยายามถ่ายทอดการเคลื่อนไหวแม้แต่น้อย บางครั้งบนจานเดียวพวกเขาวาดภาพแยกกันซึ่งไม่เกี่ยวข้องกัน ซึ่งแต่ละภาพมีความหมายพิเศษของตัวเอง พวกเขาใช้สัญลักษณ์อย่างกว้างขวาง สีอ่อนเป็นสัญลักษณ์ของสันติภาพและความดี ในขณะที่สีเข้มเป็นสัญลักษณ์ของความชั่วร้ายและความชั่วร้าย นอกจากนี้ยังมีไอดอล - ผู้อุปถัมภ์อุตสาหกรรม ตัวอย่างเช่น ในส่วนล่างของอวัยวะของช่างตีเหล็ก มีการแสดงเครื่องมือช่างตีเหล็ก

ความลับและคุณลักษณะของการประหารชีวิตวัตถุพิธีกรรมชามานิกและองกอนถูกส่งต่อจากรุ่นสู่รุ่นแทบไม่เปลี่ยนแปลง

เนื่องจากการถือกำเนิดและการเผยแพร่ศาสนาลามะอย่างกว้างขวางในประเทศมองโกเลีย ทำให้ต้องมีงานศิลปะตกแต่งและประยุกต์จำนวนมากเพื่อตกแต่งอารามและวัดวาอาราม

ในอารามขนาดใหญ่พวกเขาเริ่มสร้างเวิร์คช็อปซึ่งมีช่างฝีมือจากหลากหลายอาชีพทำงาน ตามรายงานอย่างเป็นทางการย้อนหลังไปถึงปี 1926 ในตอนต้นของศตวรรษนี้มีช่างฝีมือพื้นบ้านมากกว่า 1,200 คนทำงานในมองโกเลีย รวมถึงช่างอัญมณี 255 คน ช่างตีเหล็ก 297 คน ช่างแกะสลัก 590 คน ช่างเย็บฝีมือ 85 คน มีเอกสารที่น่าสนใจในหอจดหมายเหตุแห่งสาธารณรัฐประชาชนมองโกเลียซึ่งรายงานว่าที่สำนักงานใหญ่ของเจ้าชายผู้ปกครองเพียงคนเดียวของประเทศมีผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ที่มีคุณวุฒิ 245 คนทำงาน: ช่างทำเงิน, ทองเหลืองและทองแดง, โรงหล่อ, ช่างทำตู้ , ช่างทอผ้า และช่างปัก

ในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของชาวมองโกลไม่มีแบบจำลองศีลที่ได้รับการยอมรับอย่างมั่นคงเช่นเดียวกับในวิจิตรศิลป์ ดังนั้นปรมาจารย์แต่ละคนจึงมีอิสระในการสร้างสรรค์ค่อนข้างมากและสามารถแสดงออกถึงความเป็นตัวของตัวเองทางศิลปะได้ ตัวอย่างเช่น องค์ประกอบหลักทั้งหมดของกระโจม เริ่มต้นด้วยโทโน่ - วงแหวนด้านบนของกระโจม ผนังโครง เสาหลังคา ผ้าสักหลาดที่หุ้ม ประตู ม่านด้านใน และพรมปูพื้นเป็นผลงานของ ช่างฝีมือพื้นบ้าน เทพนิยายและมหากาพย์โบราณมักมีการเชิดชูความงามของกระโจม ตัวอย่างเช่นนี่คือวิธีการอธิบายกระโจมของฮีโร่ Ezen:

“ทางด้านทิศใต้ของกระโจม มีนกยูงงอและไก่ฟ้าแกะสลักไว้เหนือประตู บนธรณีประตูมีว่าวบินและสกอตเตอร์ สูงขึ้นอีกเล็กน้อย ไกลออกไปตรงกลางมีรูปนกครุฑแกะสลัก บน ผนังขัดแตะของกระโจม - ต่อสู้กับแกะตัวผู้ บนเสาเดียว - นกที่บินได้ บนวงแหวนตอนบนมีรูปครุฑคู่บารมี Garudi มองเห็นนกนางนวลบนวงกลมของเขา มีเพียงสี่ยืนทำจากไม้เบิร์ช บนนั้นมีรูปสิงโตและเสือสลักอยู่ ต่อสู้กันอย่างดุเดือด”

ในงานศตวรรษที่ 17 - ชีวประวัติของ Zaya-pandit ของ Oirat Namkhaidzhamtso (1599-1662) - ให้คำอธิบายโดยละเอียดเกี่ยวกับ yurt: "กระโจมของเจ้าชายคนหนึ่งมีโทนสีเงินพร้อมห่วงเหล็ก uni ขัดเงา - เสาทาสีสีต่างๆ ข่าน - ผนังขัดแตะพับ ประตูพับบุด้วยเหล็กสีเงิน ผ้าคลุมด้านนอกเป็นผ้าสีแดงและสีเขียวของคาซัค ขอบด้วยผ้าไหมหลากสี"

การผลิตโครงสร้างกระโจมและการตกแต่งมีความเกี่ยวข้องกับประเพณีงานไม้เชิงศิลปะ

ตั้งแต่สมัยโบราณ ชาวมองโกลได้สร้างของใช้ในครัวเรือนมากมายจากไม้ เช่น รถเข็น หีบ ตู้ จาน อานม้า เครื่องดนตรีและหมากรุก - โครอล ซึ่งอยู่ในกระโจมทุกหลัง ของเล่น แผ่นไม้แกะสลักสำหรับพิมพ์หนังสือและไอคอน ประติมากรรม และอื่นๆ อีกมากมาย มากกว่า.

เพื่อจุดประสงค์นี้ จะใช้เฉพาะไม้แห้งเท่านั้น ดังนั้นจึงให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการอบแห้งที่เหมาะสม ไม้มีหลายประเภท - นำไฟฟ้าซึ่งทำหน้าที่เป็นวัสดุในการแกะสลักและส่งสัญญาณเสียงซึ่งใช้ในการผลิตเครื่องดนตรี ช่างไม้และช่างแกะสลักที่มีประสบการณ์มักจะกำหนดคุณภาพและวัตถุประสงค์ของไม้ในขณะที่ยังอยู่ในป่า จากนั้นเปลือกก็ถูกดึงออกจากต้นไม้ที่อาจารย์เลือกไว้เพื่อให้แห้งเป็นเวลานานหลังจากนั้นต้นไม้ก็ถูกตัดลง จากนั้นนำแกนออกมาและจุ่มลำต้นลงในน้ำสักพักเพื่อทำความสะอาดเรซิน ไม้ชิ้นเล็กๆถูกต้มในน้ำ มีหลายวิธีในการทำให้ไม้แห้ง

รูปแกะสลักพิธีกรรม - อองกอน (พระเครื่อง) ทองแดง. ศตวรรษที่สิบหก คอลเลกชันส่วนตัว

รางและครกสำหรับบดชาอิฐทำจากไม้เนื้อแข็งชิ้นเดียวโดยการเจาะออก ไม้เนื้อแข็งก็ขุดเครื่องผสม Koumiss ทัพพีชามรางเนื้อภาชนะกลั่นและในกรณีนี้ส่วนใหญ่ใช้ไม้เบิร์ชและแอสเพนซึ่งไม่ดูดซับกลิ่นและโดดเด่นด้วยความหนาแน่น ในฤดูร้อน ลำต้นของต้นไม้ที่กำลังเติบโตถูกตัดออกจากด้านหนึ่งและเหลือเพียงครึ่งเดียว ในฤดูใบไม้ร่วง ต้นไม้เหี่ยวเฉาและโน้มตัวไปด้านข้างซึ่งยังมีไม้และน้ำนมที่ยังมีชีวิตอยู่ซุ่มซ่อนอยู่ นี่คือวิธีการได้รับรูปร่างโค้งซึ่งจำเป็นสำหรับการทำเช่นวงแหวนด้านบนของกระโจม - โทโน่ ไม้เบิร์ช, ซีดาร์, บัคธอร์น, ด๊อกวู้ด, แซ็กซอล, ทามาริสก์, รากจูนิเปอร์, เถ้าและไม้ประเภทอื่น ๆ ถูกนำมาใช้ในการแกะสลักเชิงศิลปะ ไม้นำเข้าที่ใช้คือไม้จันทน์และไม้มะฮอกกานี เครื่องดนตรีซึ่งส่วนใหญ่เป็นเครื่องสายก็ทำมาจากไม้ ตัวอย่างเช่น กุสลียัตกามีหกประเภทที่แตกต่างกัน: สายเดียว, สอง, สาม, ห้า, เจ็ดและเก้าสาย ไวโอลินของยัตกีแกะสลักจากไม้ที่ให้เสียงได้ดี และส่วนล่างทำจากไม้ทังกาทั้งชิ้น ดาดฟ้าตกแต่งด้วยลวดลายดอกไม้ บทกวีมหากาพย์ "Dzhangar" ให้คำอธิบายบทกวีเกี่ยวกับ yatga และเสียงของมัน:

ถ้าไม้บรรทัดเริ่ม

เก้าสิบเอ็ดสาย

กัสลีย์เรียงตามอันที่เป็นสีเงิน

ถ้า Khansha เริ่มเล่น

- ดูเหมือนว่า: ในกก

การเต้นรำหงส์กำลังบิน

หงส์เต้นรำร้องเพลง

มีเสียงก้องอยู่ในหูของฉัน

เป็ดบินไปตามทะเลสาบ

เป็ดร้องไปตามทะเลสาบ

สิบสองเฟรตมหัศจรรย์

เฟรตที่ล้นหลามและแตกต่าง

แน่นอนว่าการผลิตเครื่องดนตรีต้องใช้ทักษะและประสบการณ์ระดับมืออาชีพสูง ต่อมาเนื่องจากการเผยแพร่พระพุทธศาสนาอย่างกว้างขวาง เครื่องดนตรีโบราณส่วนหนึ่งจึงถูกนำมาใช้เพื่อจุดประสงค์ทางศาสนา ในขณะที่อีกส่วนหนึ่งถูกลืมไป

กล่องยานัตถ์. งานแกะสลักโลหะ. ศตวรรษที่สิบเก้า คอลเลกชันส่วนตัว

เครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในหมู่ผู้คนคือเครื่องดนตรีประเภทโค้งคำนับ ได้แก่ คูร์และโมรินคูร์ ซึ่งคอตกแต่งด้วยหัวม้าแกะสลัก ช่างฝีมือพื้นบ้านทำและตกแต่งโมรินคูร์ด้วยความรักและจินตนาการอันยิ่งใหญ่ เครื่องดนตรีแต่ละชิ้นมีเสียงที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง

ช่างฝีมือชาวมองโกเลียแกะสลักกระดานจากไม้สำหรับพิมพ์หนังสือและไอคอน และแม่พิมพ์สำหรับเตรียมอาหารประจำชาติ - คุกกี้บูฟ

ขั้นแรก ช่างแกะสลักสร้างภาพร่างของสิ่งของในอนาคตและเครื่องประดับที่เกี่ยวข้อง จากนั้นภาพร่างนี้ถูกถ่ายโอนไปยังชิ้นงานและเริ่มแกะสลัก โดยค่อยๆ เลือกพื้นที่ของพื้นหลัง ช่างฝีมือชาวมองโกเลียสร้างแผงแกะสลักและองค์ประกอบประติมากรรมทั้งหมดจากไม้ ตัวอย่างเช่นบนภาพนูนต่ำนูนสูงที่สร้างโดยปรมาจารย์จาก Urga Shirchin ม้าเล็มหญ้า อูฐ ภูเขาที่มองเห็นได้ในระยะไกลนั้นได้รับการแกะสลักอย่างเชี่ยวชาญ - ทุกสิ่งที่เป็นที่รักและล้อมรอบคนเลี้ยงสัตว์มองโกลตั้งแต่วันแรกจนถึงวันสุดท้าย

ตัวหมากรุกจำนวนมาก และบางครั้งฉากมวยปล้ำ การขี่ม้า และการยิงธนูทั้งหมดล้วนแกะสลักจากไม้

ไม้ถูกนำมาใช้สร้างประติมากรรมเพื่อประดับวัดในพุทธศาสนา แต่บางครั้งการใช้สีผสมกันทำให้ความสวยงามและความสำคัญทางศิลปะของประติมากรรมเหล่านี้ลดลง

พิพิธภัณฑ์ของสาธารณรัฐประชาชนมองโกเลียมีผลงานช่างแกะสลักไม้ที่ยอดเยี่ยมมากมาย ในบรรดาผลงานของช่างแกะสลัก Dzabkhan Suren - "Yaman-taka" และ "Dzhamsaran" ผลงานของปรมาจารย์ Shirchin - "Red Genius" และ "Sendem"

ปรมาจารย์จากโดเมนของ Duregch-van ได้รับชื่อเสียงที่ดีจากผลงานของพวกเขา: Lumbum-agramba, Gaadan, Orkhondoy, Sambu, Lamjav และอื่น ๆ

ช่างแกะสลักยังทำงานกับวัสดุอื่นๆ เช่น กระดูก หิน อำพัน ตัวอย่างเช่นสำหรับเครื่องแต่งกายของ Urga tsam ชุดเครื่องประดับทำจากกระดูกอูฐซึ่งถูกทำความสะอาดด้วยไขมันโดยการต้มในน้ำหลังจากนั้นก็กลายเป็นสีขาวเหมือนหิมะ

ในอดีตมีงานศิลปะประจำชาติที่โดดเด่นอีกประเภทหนึ่งที่ข้าพเจ้าอยากจะกล่าวถึง นี่คือการสร้างสรรค์โดยปรมาจารย์พิเศษของ dzulch - ประติมากรรมและเครื่องประดับมากมายจากไขมันแพะซึ่งถูกปั่นอย่างระมัดระวังจนกระทั่งหลอดเลือดดำหายไปจากนั้นจึงบดและอัดแน่นในน้ำเย็น มีการเติมสีสีลงไป มวลที่ได้รับจึงยังคงไม่เปลี่ยนแปลงแม้ในสภาวะที่มีความร้อนจัด ใช้ทำแท่นบูชาสำหรับวัดในศาสนาพุทธ - ดอกไม้ ตุ๊กตาสัตว์ และเครื่องบูชาเทพเจ้า

ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของชาวมองโกเลียที่มีเอกลักษณ์อีกประเภทหนึ่งคือ dzumber - การสร้างภาพนูนจากองค์ประกอบพลาสติกชนิดพิเศษ องค์ประกอบนี้ได้มาจากพอร์ซเลนบดหรือหินอ่อนผสมกับน้ำตาลทรายและกาว องค์ประกอบที่มีความหนาเท่ากับครีมเปรี้ยวถูกทาสีด้วยสีที่ต่างกันแล้วบีบลงบนกระดาษแข็งหรือไม้ที่ลงสีพื้นแล้วโดยใช้แท่งพิเศษที่มีรู องค์ประกอบที่ซับซ้อนถูกสร้างขึ้นโดยใช้วิธีนี้ ชวนให้นึกถึงการแกะสลักอย่างประณีต หลังจากการชุบแข็ง มวลที่อัดออกมามีความแข็งแรงมาก พื้นหลังของภาพนูนต่ำนูนสูงมักจะทาสีแดงหรือสีน้ำเงิน และภาพนูนนูนปิดทอง เทคนิคนี้ใช้ในการทำโต๊ะพิธีกรรม ซึ่งปัจจุบันถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ในอูลานบาตอร์

หม้อน้ำและขาตั้งเป็นแบบทากัน โลหะ การแกะสลัก การปั๊มลายนูน ศตวรรษที่สิบเก้า

เสื้อผ้า หมวก รองเท้า และของใช้ในบ้านที่ทำจากวัสดุเนื้อนุ่มจำเป็นต้องตกแต่งด้วยงานเย็บ งานปัก หรืองานปะติดอย่างมีศิลปะ ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ประเภทนี้แพร่หลายในหมู่ชนเผ่าเร่ร่อน เช่นเดียวกับการสร้างพรมและพรมปูพื้น

ตัวอย่างหนึ่งของความมีชีวิตชีวาของประเพณีและเทคนิคโบราณคือการใช้พรมเชอร์ดิกอย่างแพร่หลายในประเทศมองโกเลีย หนึ่งในตัวอย่างแรกสุดของพรมดังกล่าวถูกค้นพบในระหว่างการขุดหลุมฝังศพของ Noin-Ula แต่จนถึงทุกวันนี้พรมที่คล้ายกันนี้สามารถพบได้ในกระโจมของคาซัค คีร์กีซ และมองโกล ได้แก่พรมปูพื้น พื้น และวัสดุปูกระโจม

เทคนิคในการทำมีดังนี้: จากสักหลาดที่ทาสีแดง น้ำตาลดำ และเขียว รายละเอียดของเครื่องประดับถูกตัดออก เย็บหรือวางบนพื้นหลังสักหลาดหลักแล้วรีด เทคนิคการติดปะติดอันเป็นเอกลักษณ์นี้ได้รับการอนุรักษ์ไว้ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบัน

ศิลปะการปะติดปะติดถือเป็นศิลปะพื้นบ้านรูปแบบหนึ่งของชาติอย่างแท้จริง วัสดุในการใช้งานแตกต่างกัน ตัวอย่างเช่น ในหมู่ชาวมองโกลตะวันตก การทากระเบื้องโมเสคบนผิวหนังเป็นเรื่องปกติ ซึ่งในสมัยโบราณเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในหมู่ประชากรของเอเชียกลาง

นอกจากงานปะติดแล้ว การตัดเย็บเชิงศิลปะประเภทต่างๆ ยังเป็นเรื่องปกติสำหรับมองโกเลีย

การปักประเภทนี้ใช้ตกแต่งเสื้อผ้า รองเท้า หมวก สิ่งของทางศาสนาและของใช้ในครัวเรือน ช่างฝีมือหญิงผู้มีทักษะสร้างภาพวาดไอคอนปักทั้งหมดซึ่งไม่ด้อยไปกว่าภาพวาด

ตะเข็บแต่ละประเภทมีวัตถุประสงค์และชื่อพิเศษของตัวเอง ตัวอย่างเช่น การเย็บ zuu orookh (การพันด้ายรอบเข็ม) เป็นวิธีเย็บผ้าแบบมองโกเลียโดยทั่วไป พวกเขาใช้มันเพื่อปักลวดลายประดับที่ชาวมองโกลชื่นชอบกับสิ่งของเล็กๆ เช่น ถุงยาสูบ กล่องใส่ถ้วยและกล่องใส่ยานัตถุ์ และบนริบบิ้นผ้าโพกศีรษะ ตะเข็บแชกลาสใช้สำหรับเย็บส่วนบนของหมวกและถุงน่องสักหลาด ตะเข็บซากาซัน NURUU (หลังปลา) ใช้สำหรับเย็บริมขอบผ้า

มิลเดอร์ ไม้ทองแดง ปลายศตวรรษที่ 19 มิ.ย

ในพื้นที่ทางตอนเหนือของ Arahangai ทางตะวันออกของอดีต Tsetsenkhan Amag ใกล้แม่น้ำ Chono-gol มีช่างฝีมือที่รู้เคล็ดลับของการเย็บที่ทนทานเป็นพิเศษ tuuchmal shirmel ซึ่งใช้ในการเย็บพื้นรองเท้าบู๊ตและ เสื้อผ้าของนักมวยปล้ำ ด้ายที่ใช้ทำตะเข็บนี้คือด้ายป่านและเอ็นสัตว์ที่บิดเข้าด้วยกัน

อาน. หนัง, โลหะ. ปลายศตวรรษที่ 19

เป็นเรื่องยากที่ไม่เพียงแต่จะอธิบายเท่านั้น แต่ยังต้องพูดถึงศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ที่มีเอกลักษณ์ทุกประเภทที่มีอยู่มาตั้งแต่สมัยโบราณในหมู่ชาวมองโกเลีย โดยสรุปฉันจะอยู่กับพวกเขามากกว่านี้ ประเพณีการทำวัตถุต่างๆ จากหนังสัตว์ โดยหลักๆ คือภาชนะและขวด ยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ พวกมันเบามาก ทนทาน และขาดไม่ได้ในชีวิตเร่ร่อน ขวดหนังทำในลักษณะดังต่อไปนี้: ช่องว่างของขวดในอนาคตถูกตัดออกจากหนังเปียกแล้วเย็บ, มูลม้าเปียกถูกยัดเข้าไปในคอของขวดด้านในจากนั้นจึงนำเครื่องประดับไปใช้กับพื้นผิวของภาชนะตามแนวเส้นโครงร่าง โดยดึงเหล็กร้อนออกมาให้มีลักษณะนูนและทนทาน จากนั้นเก็บขวดไว้บนกองไฟเป็นเวลาหลายวัน มูลสัตว์ที่อยู่ในขวดจะแห้งและสามารถถอดออกได้

สั่นสำหรับลูกศร หนัง, โลหะ. ศตวรรษที่ 17 จีซีเอ็ม

หนังถูกนำมาใช้ทำเข็มขัด สายรัด ชิ้นส่วนของบังเหียนม้า รองเท้าบูท กระเป๋าต่างๆ โซ่ โล่ ตกแต่งด้วยงานปักและการเย็บปะติดปะติดปะต่อกัน

กระติกน้ำ หนัง. ศตวรรษที่สิบแปด คอลเลกชันส่วนตัว

ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ที่น่าสนใจอีกประเภทหนึ่งของชาวมองโกลคือ namkh - การทอลวดลายที่ซับซ้อนจากด้ายสีบนไม้กางเขนไม้ ด้วยความช่วยเหลือของด้ายห้าสี - น้ำเงิน, ขาว, แดง, เหลือง, ดำ - ถูกนำมาใช้เพื่อสร้างลวดลายการทอที่หลากหลายที่มีลักษณะทางเรขาคณิตและซูมอร์ฟิก

โกลน เหล็กหล่อ ศตวรรษที่ XX จีซีเอ็ม.

ตั้งแต่ยุคสำริด ประเพณีการหล่อยังไม่ถูกขัดจังหวะ และเมื่อถึงปลายศตวรรษที่ผ่านมา การหล่อทองสัมฤทธิ์ ทองเหลือง และทองแดงทางศิลปะก็แพร่หลายไปทั่วทุกมุมของดินแดนมองโกเลีย ชาวมองโกลให้ความเคารพอย่างสูงต่องานฝีมือของช่างตีเหล็กที่เกิดขึ้นในสมัยโบราณประเพณีของมันได้รับการสืบทอดจากรุ่นสู่รุ่น ในบันทึกของเขาเมื่อต้นศตวรรษนี้ G. E. Grumm-Grzhimailo เน้นย้ำถึงสถานที่ชั้นนำของช่างตีเหล็กในบรรดางานฝีมือหลายประเภทและความเคารพสากลที่ผู้คนได้รับ เช่น เมื่อเข้ามา

ช่างเหล็กผู้มีเกียรติในโรงตีเหล็กซึ่งยุ่งอยู่กับงานไม่อาจลุกขึ้นทักทายเขาก่อนได้เนื่องจากเชื่อกันว่าช่างตีเหล็กนั้นสูงกว่าผู้มีเกียรติจึงได้รับความเคารพนับถืออย่างสูง

Grumm-Grzhimailo บรรยายถึงวิธีการที่เขาเห็นในการหล่อตัวหมากรุกในมองโกเลียตะวันตก ขั้นแรก แบบจำลองถูกตัดออกจากไม้และคลุมด้วยดินเหนียว จากนั้นจึงนำไปเผาและได้แม่พิมพ์ จากนั้นจึงหล่อ

รายการพิธีกรรม เหล็กหล่อ ศตวรรษที่สิบเก้า จีซีเอ็ม

มีหลักฐานที่น่าสนใจอีกชิ้นหนึ่ง ตำนานเล่าว่าเมื่อหลายศตวรรษก่อน ชนเผ่าหนึ่งที่เรียกว่ามองโกลพ่ายแพ้ในสงครามกับพวกเติร์ก มีผู้รอดชีวิตสองคน - ชายและหญิง - นูกุซและคิยานซึ่งออกตามหาอาหารและที่พักพิงได้บุกเข้าไปในพื้นที่ภูเขาที่ไม่สามารถเข้าถึงได้ซึ่งล้อมรอบด้วยหินและป่าไม้ - เออร์กูเน-คุน (สันเขาสูงชัน) หลายปีต่อมาลูกหลานของพวกเขาเริ่มคับแคบในบริเวณนั้น และเพื่อค้นหาทางออก พวกเขาค้นพบภูเขาเหล็กที่ขวางทางออก คนทั้งเผ่าเริ่มเตรียมฟืนและถ่านหิน จากนั้นจึงกองฟืนไว้ที่ตีนเขาแล้วจุดไฟ นอกจากนี้ ยังมีการฆ่าม้าและวัวเจ็ดสิบตัว หนังของพวกมันถูกนำมาใช้ทำขนขนาดใหญ่ ด้วยความช่วยเหลือในการละลายภูเขาเหล็กจนกลายเป็นทางผ่านในนั้น ชาวมองโกลก็โผล่ออกมาจากช่องเขาเข้าไปในที่ราบกว้างใหญ่

ราชิด อัด-ดิน รายงานว่าญาติของเจงกีสข่านมีธรรมเนียมในคืนสุดท้ายของปีเก่าที่จะระเบิดเครื่องสูบลมของช่างตีเหล็ก และละลายเหล็กให้ร้อนแดงเล็กน้อย แล้วจึงตีด้วยค้อนบนทั่งตีเหล็ก ตำนานนี้อาจเกิดขึ้นจากการตีความความหมายของชื่อ Temujin Chinggis - ช่างตีเหล็ก Chinggis ในการรวมกันนี้คำจำกัดความของเตมูจินมีความเกี่ยวข้องกับแนวคิดพื้นบ้านโบราณเกี่ยวกับพลังของช่างตีเหล็กผู้เชี่ยวชาญเหล็ก

ชุดสำหรับไปป์สูบบุหรี่ โลหะแกะสลัก ศตวรรษที่สิบเก้า คอลเลกชันส่วนตัว

ช่างตีเหล็กพัฒนาขึ้นทุกหนทุกแห่งในมองโกเลียในศตวรรษที่ 19 ช่างตีเหล็กเป็นช่างอัญมณีและช่างโลหะ พวกเขาทำกุญแจ โกลน ขอบล้อและเกวียน บูช แท็กาน คีมคีบเตาผิง มีด และผลิตภัณฑ์อื่นๆ

ตั้งแต่สมัยโบราณ เป็นเรื่องปกติที่จะทำแผ่นโลหะซึ่งขัดเงาให้เป็นกระจกเงา ลวดลายต่างๆ ได้รับการขัดเกลาบนแผ่นเหล็กและแผ่นโลหะ การออกแบบถูกแกะสลักด้วยเส้นบางๆ และทำลวดลายเป็นเส้นสีเงิน ใช้สำหรับตกแต่งจดหมายลูกโซ่ ซองธนู และกระเป๋าข้างรถ ทั่วเมืองคัลคา โคชุนแห่งดาไล-โชนกอร์-วัน แห่งสายโนยน-ข่าน อายมากมีชื่อเสียงในด้านผลิตภัณฑ์โลหะของเขา

มีดพิธีกรรม - ภูบู ศตวรรษที่สิบเก้า พิพิธภัณฑ์ตำนานพื้นบ้าน Arkhangai

เทคนิคการแกะสลักโลหะคือการแกะสลักเครื่องประดับบนพื้นผิวเป็นครั้งแรก จากนั้นจึงเอาโลหะพื้นหลังออกด้วยสิ่ว ผลลัพธ์ที่ได้คือลูกไม้แกะสลักจากโลหะ การแกะสลักโลหะอย่างมีศิลปะของปรมาจารย์ชาวมองโกเลียมีค่าควรแก่การชื่นชม ผลิตภัณฑ์ของตนสามารถแข่งขันกับงานแกะสลักงาช้างและไม้จันทน์ที่ดีที่สุดโดยศิลปินชาวอินเดีย ในคอลเลกชันของผู้เขียนมีหินเหล็กไฟตกแต่งตามขอบโค้งด้วยเครื่องประดับนูนสองชั้น ช่องว่างในพื้นหลังเต็มไปด้วยการแกะสลัก บางแห่งใช้การฝังทองคำ

ชุดเข็มขัดพร้อมกับหินเหล็กไฟ ซึ่งโดดเด่นด้วยความละเอียดของการแกะสลักนั้นถูกเก็บไว้ใน State Hermitage of the USSR, พิพิธภัณฑ์กลางแห่งรัฐอูลานบาตอร์, พิพิธภัณฑ์ตำนานพื้นบ้านของ Khuvsgul จุดมุ่งหมายของสาธารณรัฐประชาชนมองโกเลีย และคอลเลกชันอื่น ๆ

อุปกรณ์สำหรับไปป์สูบบุหรี่จากคอลเลคชันของผู้เขียนเนื่องจากลักษณะของการแกะสลักจึงเป็นของปรมาจารย์จาก Sain-Noyon-Khan Amag นอกจากหินเหล็กไฟแล้ว ยังมีกล่องต่างๆ ท่อสูบบุหรี่และอุปกรณ์เสริมสำหรับพวกเขา กล่องใส่ยานัตถุ์สำหรับยานัตถุ์ก็ถูกตัดจากเหล็กด้วย กล่องใส่บุหรี่เหล็กที่มีการแกะสลักดังกล่าวอยู่ในคอลเลกชันของวิศวกรชาวฮังการี Jozsef Gelet (บูดาเปสต์ ประเทศฮังการี) ลำตัวตกแต่งด้วยลวดลายดอกไม้ลวดลายละเอียดโดยใช้เทคนิคการแกะสลักโลหะพร้อมการแกะสลักเพิ่มเติม

กาน้ำชา - โดม ทองแดง เงิน เหรียญ. ศตวรรษที่สิบเก้า มิ.ย

ตัวอย่างของทักษะขั้นสูงในการแก้ไขอดีตคือกล่องเหล็กสำหรับถ้วยซึ่งอยู่ในคอลเลคชันของผู้เขียน ด้วยมือของปรมาจารย์มันถูกเปลี่ยนเป็นลูกไม้ฉลุซึ่งประกอบด้วยองค์ประกอบที่เล็กที่สุดของลวดลายดอกไม้ คอลเลกชันของผู้เขียนประกอบด้วยกล่องแก้วเหล็กแกะสลักพร้อมฝาปิดบานพับแบน ผลงานของศิลปินนิรนามจากตระกูลดาไลเชิญคอวันโคชุน มีเส้นผ่านศูนย์กลาง 16.5 ซม. และสูง 6 ซม. มีรูปมังกร 12 ตัวอยู่บนพื้นหลังเป็นเครื่องประดับดอกไม้แฟนซีบนฝา ลำตัว และก้นถ้วย ด้านนอกของตัวเรือนเป็นทอง เครื่องประดับที่ละเอียดอ่อนไม่แพ้กันประดับกล่องแกะสลักสำหรับแปรงซึ่งดูเหมือนท่อกลวง มีการใช้รอยบากสีเงินเคลือบทองบนพื้นผิว รอยกรีดระหว่างเครื่องประดับบ่อยครั้งทำให้เกิดความรู้สึกของลูกไม้โปร่งใส

ถังสังเวย. เนื้อเงิน ศตวรรษที่ 19 มิ.ย

ในพิพิธภัณฑ์กลางแห่งรัฐในอูลานบาตอร์ มีอานที่ทำโดยศิลปินนิรนาม ซึ่งคันธนูและยางของเขาก็มีการตกแต่งลายมังกรด้วย เห็นได้ชัดว่าสิ่งของที่กล่าวถึงเป็นชุดเดียวและเป็นของคนคนเดียว แต่ถูกแยกออกจากกันในเวลาต่อมา อย่างไรก็ตามควรจำไว้ว่าช่างฝีมือของจังหวัด Derga ของทิเบตตะวันออกซึ่งมีชื่อเสียงในด้านผลิตภัณฑ์โลหะทำงานโดยใช้เทคนิคที่คล้ายกัน นักวิจัยของเราต้องค้นหาในอนาคตว่าเทคนิคการแกะสลักโลหะอันเป็นเอกลักษณ์นี้ปรากฏตัวครั้งแรกเมื่อใด

กาต้มน้ำ. เหล็ก. ศตวรรษที่ 17 จีซีเอ็ม

ก่อนหน้านี้ช่างฝีมือมักใช้วิธีการฝังทองแดงและเหล็ก ต่อมา การใช้เงินและทองก็บ่อยขึ้น เทคนิคที่ซับซ้อนมากขึ้น: การพิมพ์ลายนูน การแกะสลัก การหล่อ และลวดลายเริ่มถูกนำมาใช้มากขึ้นเรื่อยๆ หากปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 ผลิตเครื่องประดับแกะสลักแบบตื้น ๆ ต่อมาเมื่อชื่นชมความสามารถของเทคนิคนี้พวกเขาก็เริ่มแกะสลักอย่างลึกซึ้ง

เอเรนเทย์ กระถางธูป เงินเหรียญกษาปณ์ ปลายศตวรรษที่ 19 มิ.ย

ชื่อของปรมาจารย์หลายคนถูกลืมไปแล้ว อย่างไรก็ตามเป็นที่ทราบกันดีว่าในช่วงปลายศตวรรษที่ผ่านมา Noyon Gonchigjav ปรมาจารย์ผู้ชำนาญและผู้อุปถัมภ์งานศิลปะผู้ยิ่งใหญ่อาศัยและทำงานอยู่ กลุ่มช่างฝีมือผู้ชำนาญทำงานภายใต้เขา คนโตในหมู่พวกเขาคือปรมาจารย์ Irentei, Dondog, Chavgants, Tse-vegdzhamba, Genden, Tumenbaldzhir, Duldariy และอีกหลายคน

ชุดเข็มขัด. เหล็กเงิน ศตวรรษที่สิบเก้า มิ.ย

คอลเลกชันของศิลปินประชาชนของ MPR U. Yadamsuren บรรจุเรือ zavya สีเงินซึ่งสร้างขึ้นตามตำนานโดย Dondog ปรมาจารย์ผู้มีชื่อเสียงคนหนึ่งซึ่งมีอายุประมาณ 70 ปีในปี 1905

เมื่อพิจารณาจากความคล้ายคลึงกันของการตกแต่งเชิงศิลปะของกระถางไฟเงินจากพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ในอูลานบาตอร์กับภาชนะจากคอลเลคชันของ U. Yadamsuren เห็นได้ชัดว่าทั้งสองชิ้นเป็นส่วนหนึ่งของชุดวัตถุบูชาลัทธิบูชาซึ่งสร้างขึ้นโดยปรมาจารย์คนเดียวกัน บนขา แขน และกำแพง หัวของมังกรและสัตว์ประหลาดมหัศจรรย์ - มาการ์ - ได้รับการแกะสลักด้วยงานศิลปะชั้นยอด

จี้ฝัก. เงินเหรียญกษาปณ์ ศตวรรษที่สิบเก้า จีซีเอ็ม

มีตำนานเล่าว่ารูปปั้นของเทพ Yamataka ซึ่งก่อนหน้านี้เคยตั้งอยู่ในวัดสีขาวของ Bogdo-gegen นั้นถูกสร้างขึ้นโดย Dondog ปรมาจารย์คนเดียวกัน ผู้ที่เห็นรูปปั้นนี้ต่างประหลาดใจกับทักษะที่สูงผิดปกติของการตกแต่งทางศิลปะและการขัดกระจก ประติมากรรมสูง 40 ซม. นี้เป็นรูปพระยามันตกะผู้มีอาวุธหลายเศียรซึ่งเป็นเทพที่น่าสะพรึงกลัว บางทีประติมากรรมดังกล่าวอาจถูกพูดถึงในนิทานพื้นบ้าน พวกมัน “...เบากว่าเงิน แวววาวราวกับน้ำแข็ง และประดับด้วยอัญมณีมากมาย...”

มีตำนานว่าเมื่อมีการแสดงรูปปั้นครั้งแรก คนหนึ่งในปัจจุบันคิดว่าศีรษะของยามันทากะมีรูปร่างยาวกว่าที่ควรจะเป็น จากนั้นเมื่อสัมผัสไปที่คนรวดเร็ว อาจารย์ก็ตัดศีรษะของรูปปั้นออกทันทีต่อหน้าคนเหล่านั้นและแทนที่ด้วยอีกอันที่กลมกว่า แบนเล็กน้อย ซึ่งดึงดูดใจรสนิยมของชาวเออร์จิเนียน อันที่จริง ดร. บี. รินชินและคนอื่นๆ ที่เห็นรูปปั้นนี้จำได้ว่ามีการนำศีรษะที่ยาวและถูกตัดออกซึ่งทำด้วยทักษะอันยอดเยี่ยมมาจัดแสดงอยู่ใกล้ๆ

ศิลปะอัญมณีเป็นที่รู้จักกันอย่างแพร่หลายทั่วประเทศมองโกเลีย แต่ช่างฝีมือจาก Dari Ganga, Urga, Khoshuns ตอนกลาง และ Dalai Choynkhor Van Khoshun มีชื่อเสียงเป็นพิเศษ

ผู้หญิงที่แต่งงานแล้วของ Khalkha สวมผ้าโพกศีรษะที่ประณีตมาก ประดับด้วยเครื่องประดับมากมาย ซึ่งส่วนใหญ่ทำจากด้ายทองและเงินที่ดีที่สุด วิธีการนี้ประกอบด้วยสิ่งต่อไปนี้: พวกเขาหลอมเงินหรือทองชิ้นหนึ่งแล้วส่งผ่านแผงพิเศษที่มีรูขนาดเส้นผ่านศูนย์กลางเล็ก โลหะที่ไหลออกมาจากรูเหล่านี้แข็งตัวกลายเป็นลวดเส้นเล็ก ด้ายที่เสร็จแล้วจะถูกพันเข้ากับกระสวยลูกฟูกและเคาะอย่างระมัดระวังด้วยค้อนไม้ ซึ่งจะทำให้ด้ายโลหะมีพื้นผิวที่หยาบ เมื่อด้ายพร้อมพวกเขาก็ตัดส่วนที่มีความยาวตามที่ต้องการออกแล้วจัดวางลวดลายโดยยึดไว้ในบางสถานที่ หลังจากนั้น ชิ้นส่วนของเครื่องประดับหรือลวดลายตกแต่งทั้งหมดก็ถูกบัดกรีลงบนพื้นผิวที่จะตกแต่ง

กล่องพิมพ์ได้ เงินปิดทองลายนูน จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 จีซีเอ็ม

หมวกสตรี Khalkha นอกจากลวดลายเป็นเส้นแล้วยังตกแต่งด้วยปะการังและอัญมณีอีกด้วย เครื่องประดับผมสำหรับผู้หญิง Darigan และ Uzumchi ไม่ได้ถูกสร้างให้มีค่ามากนัก และไม่ได้ตกแต่งด้วยวิธีที่ต้องใช้แรงงานมากขนาดนั้น ส่วนใหญ่ถูกปกคลุมไปด้วยการแกะสลักและการแทรกปะการัง

ผนึก. เนื้อเงินหล่อ. จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 จีซีเอ็ม

การแปรรูปโลหะเชิงศิลปะประเภทพิเศษคือการผลิตแมวน้ำ ส่วนใหญ่มักทำจากเงิน ตัวแมวน้ำรูปทรงสี่เหลี่ยมขนาดใหญ่มีด้ามจับที่หรูหรา บางครั้งก็ถูกสร้างขึ้นในรูปของเสือหรือมังกรซึ่งแสดงถึงความแข็งแกร่งและการเติมเต็มความปรารถนาทั้งหมด

พิมพ์ข้อความ เงิน. จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 จีซีเอ็ม

ในบรรดานักอัญมณีแห่งศตวรรษที่ผ่านมา ปรมาจารย์ด้านทองคำและช่างเงิน ปรมาจารย์จาก Urga Luvsantseren มีชื่อเสียงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Shagdarsuren มีชื่อเสียงจากผลงานทองแดงลวดลายเป็นเส้น Bayanuldziy จากอุบซูนูร์ อายัค; Arslankhabdar, Ugdiy และ Gunzen ลูกชายของเขาจาก Bayan-Delger; ซาฟานเชี่ยวชาญ Donon, Bagh และ Yadamjav ลูกชายของเขา; ปรมาจารย์โพสต์ Tojil, Galsan; ผู้เชี่ยวชาญด้านอัญมณีจาก Dariganga - Shar-Darkhan, Duinkhor, Genden, Jamba และอื่น ๆ

ตั้งแต่ยุคสำริด ประเพณีการหล่อยังไม่ถูกขัดจังหวะ และเมื่อถึงปลายศตวรรษที่ผ่านมา ศิลปะการหล่อจากทองสัมฤทธิ์ ทองเหลือง ทองแดง และโลหะผสมก็แพร่หลายไปทั่วทุกมุมของดินแดนมองโกเลีย มีการหล่อเครื่องดนตรีพิธีกรรมและวัตถุทางศาสนาอื่นๆ ในกรณีนี้ พวกเขาใช้โลหะผสม tsad หรือ tsas ซึ่งรวมถึงทองแดง สังกะสี เงิน และตะกั่วคุณภาพดี ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับเสียงเครื่องดนตรี ตัวอย่างเช่น ในการหล่อระฆัง ขั้นแรกได้มีการสร้างแม่พิมพ์ดินเผาซึ่งเคลือบด้านนอกด้วยองค์ประกอบพิเศษของไขมันแพะบริสุทธิ์และเขม่าไม้ไผ่ ความหนาของชั้นขี้ผึ้งจะกำหนดความหนาของผนังระฆังในอนาคต มีการประดับตกแต่งบนพื้นผิวของขี้ผึ้ง จากนั้นชั้นแว็กซ์ก็ถูกคลุมด้วยชั้นดินเหนียวผสมกับกระดาษ เหลือเพียงรูเล็ก ๆ ให้แว็กซ์หลุดออกไป จากนั้นแม่พิมพ์ก็ถูกยิง ขี้ผึ้งก็หลุดออกมา โดยเหลือช่องไว้ซึ่งโลหะผสมโลหะเหลวจะถูกนำเข้าไปในรู หลังจากที่โลหะแข็งตัวแล้ว แม่พิมพ์ดินเหนียวก็แตกออก ระฆัง กระถางธูป และกระถางธูปถูกหล่อในลักษณะนี้

ระฆังหล่อถูกทำให้ร้อนอีกครั้ง และเหมือนกับกระบวนการชุบแข็งเหล็ก มันถูกจุ่มลงในน้ำเย็นทันที หลังจากขัดเงาอย่างละเอียดแล้ว พวกเขาจะถูกให้ความร้อนอีกครั้งและระบายความร้อนด้วยอากาศเย็น และพาพวกเขาไปที่ริมฝั่งแม่น้ำ ดังนั้นการทำงานที่ซับซ้อนและอุตสาหะในการปรับระฆังจึงเริ่มต้นขึ้น เสียงซึ่งส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับประสบการณ์และความชำนาญของปรมาจารย์ มีลำดับและรูปแบบที่เข้มงวดระหว่างการให้ความร้อน การทำความเย็น การแข็งตัว และเสียงระฆังในอนาคต ปรมาจารย์แต่ละคนมีความลับในการคัดเลือกนักแสดงและฉากของตัวเอง จนถึงทุกวันนี้ ผู้ชื่นชอบและผู้ที่ชื่นชอบสามารถจดจำผู้แต่งระฆังใบใดใบหนึ่งได้จากการตกแต่งและเสียงระฆัง ดังนั้นระฆังทั้งหกร้อยใบที่หล่อโดยปรมาจารย์ผู้โด่งดังจาก Urga Dagwa Dorj เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 จึงแตกต่างกันทั้งการตกแต่งภายนอกและเสียง ฉันฝังหล่อและปรับระฆังอย่างถูกต้อง - เด็นชิกให้เสียงที่ชัดเจนและไพเราะอย่างน่าประหลาดใจซึ่งสามารถได้ยินได้เป็นเวลาหลายนาที คุณสมบัตินี้เป็นลักษณะเฉพาะของระฆังที่ผลิตใน Bargin Aimak ซึ่งได้รับการยกย่องอย่างสูงทั่วทั้งมองโกเลียในเรื่องของเสียงที่บริสุทธิ์ รูปทรงที่ประณีต และการตกแต่ง

ใน Urgs ปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ช่างฝีมือโลหะที่มีทักษะหลายคนทำงาน - Khortyn Shovkh, Junai-agramba, Choidzhamtso, Luv-sandorj, Tsend, Luvsan และคนอื่น ๆ

เมื่อหล่องานที่ซับซ้อนขนาดใหญ่จะใช้วิธีการหล่อแบบกลั่นที่เรียกว่าเทคนิคซึ่ง Zana-badzar พัฒนาขึ้นตามตำนานกล่าวว่าเทคนิคดังกล่าวเอง ในศตวรรษที่ผ่านมาได้มีการร่างคำแนะนำซึ่งสรุปกฎพื้นฐานของเทคโนโลยีการหล่อนี้ ประกอบด้วยสิ่งต่อไปนี้: พวกเขาสร้างผลิตภัณฑ์ในอนาคตในรูปแบบดินเผาหลังจากเย็นลงแล้วฝังไว้ในพื้นดินหรือหลุมที่มีทรายแห้งซึ่งมีท่อกลั่นที่มีหม้อไอน้ำอยู่ด้านบนและท่อสองท่อสำหรับกำจัดอากาศ และก๊าซก็ออกมา ทองสัมฤทธิ์ถูกละลายในหม้อขนาดใหญ่ มันไหลลงมาตามท่อกลั่นลงในแม่พิมพ์ดินเหนียวและเติมเข้าไป ปรมาจารย์ด้านการกลั่นที่มีชื่อเสียงคือ Gaadan จาก Khoshun แห่ง Duregch-van เขาทำแม่พิมพ์หล่อจากส่วนผสมของดินเหนียวและขี้เถ้า สามารถใช้หล่อได้หลายครั้ง ในขณะที่แม่พิมพ์ปกติจะถูกทำลายหลังจากการหล่อครั้งแรก

เครื่องประดับเป็นพื้นฐานการตกแต่งของศิลปะพื้นบ้านทุกประเภท ศิลปินที่แท้จริงคือผู้ที่ผสมผสานวิสัยทัศน์ทางศิลปะและทักษะของมือที่มีทักษะเข้าด้วยกันอย่างมีความสุข

ทุกสิ่งที่อยู่รอบตัวมนุษย์ เริ่มจากดวงอาทิตย์ ดวงจันทร์ ไฟ น้ำ พืช สัตว์ ล้วนถูกประดิษฐ์ขึ้นใหม่เป็นเครื่องประดับ เช่นเดียวกับดนตรีที่สะท้อนชีวิตเป็นแรงบันดาลใจให้กับบุคคล ในลักษณะเดียวกัน เครื่องประดับซึ่งมีภาษาที่เป็นเอกลักษณ์ในการทำซ้ำชีวิต ก็เป็นกุญแจสำคัญในการทำความเข้าใจวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของคนรุ่นก่อน

เครื่องประดับมองโกเลียมีการพัฒนามาเกือบพันปี การอุทิศตนของดวงอาทิตย์และดวงจันทร์และการเกิดขึ้นของลัทธิสุริยจักรวาลทำให้เกิดลักษณะของเครื่องประดับในรูปแบบของวงกลมหนึ่งหรือหลายวงที่มีรังสีแยกจากกันชวนให้นึกถึงวงล้อ

ตั้งแต่สมัยโบราณลวดลายรูปเขาสัตว์ (เคย ugaldz) ราวกับว่าเป็นการทำซ้ำเส้นโค้งอันทรงพลังของเขาของแกะป่านั้นแพร่หลายในหมู่ชาวมองโกเลีย ต่อจากนั้นเครื่องประดับนี้ก็เปลี่ยนไปและซับซ้อนมากขึ้น เป็นเรื่องปกติที่จะจัดกรอบขอบของวัตถุด้วยเครื่องประดับนี้หรือวางไว้ตรงกลางในตำแหน่งที่มองเห็นได้มากที่สุด เครื่องประดับสี่เหลี่ยม - uldziy, khatan suykh - สร้างเครื่องประดับใหม่ร่วมกับ ugaldz ที่เคยมีมา

ลวดลายที่พันกันกลายเป็นยอดและใบของพืชที่สวยงามเติมเต็มพื้นผิวของวัตถุ

เป็นไปไม่ได้ที่จะแสดงรายการเครื่องประดับทั้งหมดที่พบในงานศิลปะมองโกเลีย แต่บ่อยครั้งคุณจะพบสิ่งต่อไปนี้: อัลคานฮี - รูปแบบที่ชวนให้นึกถึงคดเคี้ยวกรีกโบราณ; hae - ไม้กางเขนด้านเท่าที่มีขอบโค้ง - สัญลักษณ์ของดวงอาทิตย์ uldziy - เส้นถัก - สัญลักษณ์แห่งความไม่มีที่สิ้นสุด; khaany buguich - สร้อยข้อมือข่านที่เรียกว่าและ khatan suykh - ต่างหูของเจ้าหญิง ในบรรดาเครื่องประดับซูมอร์ฟิก สิ่งที่พบบ่อยที่สุดมีดังต่อไปนี้: เขาแกะ, ผีเสื้อ, มังกร

ตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา นิทานพื้นบ้านและวรรณกรรมของชาวมองโกลได้รับความสมบูรณ์จากการยืมมาจากวรรณกรรมอินเดีย อาหรับ จีน และทิเบตโบราณ ในลักษณะเดียวกัน ลวดลายประดับและโครงเรื่องมากมายของศิลปะของประเทศเหล่านี้ก็เข้ามาในศิลปะและวัฒนธรรมของ ชาวมองโกเลีย.

เครื่องประดับไม่ถือเป็นความคิดสร้างสรรค์ประเภทอิสระ แต่ทำหน้าที่ออกแบบและตกแต่งงานศิลปะตกแต่งและประยุกต์โดยสิ้นเชิง นอกเหนือจากผลกระทบทางอารมณ์ทางสายตาแล้ว ยังมีความหมายเชิงสัญลักษณ์ที่ลึกซึ้งอีกด้วย ตัวอย่างเช่น ulziy ที่ประตูกระโจมมองโกเลียด้านหน้าของหีบและภาชนะถูกมองว่าเป็นความปรารถนาดีซึ่งหมายถึงความต่อเนื่องของความสุขที่สืบทอดมาจากบรรพบุรุษ รูปแบบของเมล็ดข้าวบาร์เลย์สี่เมล็ด - ซูเร็กทัมกาเป็นตัวเป็นตนถึงความอุดมสมบูรณ์และความเจริญรุ่งเรือง อาจเข้าใจได้ว่าเป็นความปรารถนาที่จะมีลูกและปศุสัตว์ให้มากที่สุดเท่าที่มีธัญพืชในโลก

เครื่องประดับอื่นๆ ที่เต็มไปด้วยความหมายเชิงสัญลักษณ์ก็แพร่หลายในประเทศมองโกเลียเช่นกัน เหล่านี้รวมถึงเครื่องประดับของ ochirs - สัญลักษณ์ของสายฟ้า - สัญลักษณ์แห่งพลังที่อยู่ยงคงกระพันการป้องกันจากความชั่วร้าย เครื่องประดับสามวงกลมที่เรียกว่าอัญมณีสามอันเป็นสัญลักษณ์ของความสามัคคีของจิตวิญญาณร่างกายและคำพูด badam tsetseg - ดอกบัวสีขาวบานสะพรั่ง - เป็นตัวเป็นตนถึงความบริสุทธิ์ของจิตวิญญาณและความคิดของบุคคล เมื่อตกแต่งสิ่งนี้หรือสิ่งนั้นด้วยเครื่องประดับ ศิลปินคำนึงถึงว่ามันจะเป็นของใคร: ผู้หญิงหรือผู้ชาย ของใช้ในครัวเรือนของผู้ชาย เริ่มต้นด้วยหินเหล็กไฟและอาวุธ ได้รับการตกแต่งด้วยเครื่องประดับซูมอร์ฟิกหรือรูปสัตว์ ซึ่งบ่งบอกถึงความแข็งแกร่งและความฉลาด ซึ่งตามความเชื่อที่ได้รับความนิยมได้ปกป้องเจ้าของของพวกเขา

หากเครื่องประดับชิ้นใดชิ้นหนึ่งมีเนื้อหาเชิงสัญลักษณ์ที่เฉพาะเจาะจงมาก การจัดเรียงเครื่องประดับบนวัตถุนั้นจะถูกควบคุมอย่างเข้มงวด เช่น ลวดลายด้านบนและด้านบนของถุงน่องสักหลาดไม่เหมือนกับลวดลายบนหมวก

ตัวหมากรุก. ต้นไม้. XIX - ต้นศตวรรษที่ XX คอลเลกชันส่วนตัว

ในสมัยโบราณ โครงสร้างสีของเครื่องประดับมองโกเลียถูกกำหนดโดยสีของสีย้อมแร่ ส่วนใหญ่เป็นสีน้ำเงิน สีแดง และสีดำ ต่อจากนั้นก็เริ่มมีการใช้สีที่หลากหลายและสดใสมากขึ้น สิ่งนี้ช่วยเพิ่มผลกระทบทางอารมณ์ของเครื่องประดับที่มีต่อผู้ชม

โดยสรุปเราชี้ให้เห็นอีกครั้งว่าเครื่องประดับเป็นจิตวิญญาณของศิลปะพื้นบ้านหากไม่มีมันก็ยากที่จะจินตนาการถึงการดำรงอยู่ของงานฝีมือทางศิลปะทั้งเล็กและใหญ่

สินค้าศิลปะและหัตถกรรมสมัยใหม่ในมองโกเลีย...

อ้างอิง

เกี่ยวกับผู้แต่ง: Nyam-Osoryn Tsultem (2466-2544) - ศิลปินประชาชนแห่งสาธารณรัฐประชาชนมองโกเลียนักวิจารณ์ศิลปะประธานสหภาพศิลปินมองโกเลีย (2498-2533) ซึลเทมเกิดในปี พ.ศ. 2466 ในเป้าหมาย Ara-Khangai ของ MPR ในปี 1930 เขาถูกส่งไปศึกษาการวาดภาพไอคอนในอารามแห่งหนึ่งในอูลานบาตอร์ ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2483 เขาทำงานที่ State Theatre ในตำแหน่งผู้ช่วยศิลปินโดยศึกษาในตอนเย็นในสตูดิโอของ Belsky และ Bushnev ในปี 1944 เขาได้รับแต่งตั้งให้เป็นศิลปินคนแรกที่ Mongolkino ซึ่งกำลังดำเนินการในภาพยนตร์เรื่อง "Steppe Knights" (มองโกเลีย: Tsogt Taizh) ในปี พ.ศ. 2488-2494 เขาศึกษาที่สถาบันมอสโกซึ่งตั้งชื่อตาม Surikov ในการประชุมเชิงปฏิบัติการของ S.V. Gerasimov เขาได้รับเลือกให้เป็นรองผู้ว่าการรัฐ Great Khural เป็นสมาชิกผู้สมัครของคณะกรรมการกลางของ MPRP ผู้ได้รับรางวัล State Prize ของ MPR และตั้งแต่ปี 1974 - ศิลปินของประชาชนของ MPR ตั้งแต่ปีพ.ศ. 2498 ถึง พ.ศ. 2533 เขาเป็นหัวหน้าสหภาพศิลปินมองโกเลีย ภายในปี 1984 Tsultem สร้างสรรค์ผลงานมากกว่า 400 ชิ้น ประเภทหลักที่ Tultem ทำงานคือแนวนอน: "Isle in the Steppe" (1955); “ Road” (1974), “ Autumn” (1972) ฯลฯ นอกเหนือจากการวาดภาพทิวทัศน์แล้ว Tsultem ยังมีส่วนร่วมในการวาดภาพบุคคล (ภาพเหมือนของ M. Manibadar, U. Yadamsuren, Dashdeleg, Tsogzolma, Ts. Tsegmida, Ichinkhorlo; “ Guardwoman ” (1968), “Yu. Tsedenbal ในหมู่ผู้เลี้ยงโค” (1975) นอกเหนือจากความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะแล้ว Tsultem ยังได้สร้างอัลบั้ม-เอกสารประวัติศาสตร์ศิลปะหลายชุด (“The Art of Mongolia from Ancient Times to the Present Day” (Moscow, 1982), “Architecture of Mongolia,” “Sculpture of Mongolia,” “Zanabazar, " ศิลปะมองโกเลียร่วมสมัย" และ "ศิลปะการตกแต่งประยุกต์ของมองโกเลีย") Monkhzhin และ Enkhzhin ลูกชายของ Tultem เดินตามรอยพ่อของพวกเขาและกลายเป็นศิลปินเช่นกัน