ประวัติการเต้นรำสำหรับเด็ก การเต้นรำของชนชาติดึกดำบรรพ์ ประวัติความเป็นมาและพัฒนาการของนาฏศิลป์ การเต้นรำเซเบอร์

บทสนทนาสำหรับน้องๆ

"ประวัติความเป็นมาและพัฒนาการของนาฏศิลป์"

(อยู่ในกรอบการพัฒนาด้านสุนทรียภาพ)

เรียนท่านทั้งหลาย คุณเคยสงสัยหรือไม่ว่า “การเต้นรำคืออะไร” - เมื่อคุณเห็นการแสดงบัลเล่ต์บนเวทีหรือในทีวี การเต้นรำพื้นบ้านหรือป๊อปแดนซ์ที่สวยงาม “ต้นกำเนิดของมันมาจากไหน? จะเชี่ยวชาญศิลปะนี้ได้อย่างไร? วันนี้คุณจะได้เรียนรู้ประวัติความเป็นมาและพัฒนาการของนาฏศิลป์

แม้แต่ในสมัยโบราณ การเต้นรำเป็นภาษาแรกๆ ที่ผู้คนสามารถแสดงความรู้สึกได้

คุณรู้หรือไม่ว่าการเต้นรำครั้งแรกของสมัยโบราณอยู่ไกลจากสิ่งที่เรียกว่าคำนี้ในปัจจุบัน? ชายโบราณถ่ายทอดความประทับใจที่มีต่อโลกรอบตัวเขาด้วยการเคลื่อนไหวและท่าทางต่างๆ โดยใส่อารมณ์และสภาพจิตใจเข้าไป เสียงร้อง ร้องเพลง เล่นโขน เชื่อมโยงกับการเต้นรำ การกระทำเหล่านี้มีความสำคัญทางพิธีกรรม และการเต้นรำครั้งแรกมีลักษณะเป็นพิธีกรรม

การเต้นรำมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับชีวิตและวิถีชีวิตของผู้คน ดังนั้นการเต้นรำแต่ละครั้งจึงสอดคล้องกับตัวละครซึ่งเป็นจิตวิญญาณของผู้คนที่เป็นต้นกำเนิด ด้วยการเปลี่ยนแปลงในระบบสังคม สภาพความเป็นอยู่ ธรรมชาติและรูปแบบของศิลปะเปลี่ยนไป และการเต้นก็เปลี่ยนไปด้วย

การเต้นรำที่แสดงออกมีความสำคัญอย่างยิ่งทั้งในชีวิตประจำวันและในชีวิตสาธารณะ บ่อยครั้งที่งานฉลองเริ่มต้นขึ้นและมาพร้อมกับการเต้นรำ ด้วยการพัฒนาของสังคมการเต้นรำก็พัฒนาขึ้นด้วยรูปแบบต่าง ๆ ปรากฏขึ้นแล้วในหมู่ชาวกรีกโบราณการเต้นรำสามารถแบ่งออกเป็นสิ่งศักดิ์สิทธิ์ (พิธีกรรม, พิธีกรรม), ทหาร, เวที, สังคมและในประเทศ การเต้นรำของตัวละครตัวเดียวกันโดยประมาณนั้นอยู่ในหมู่ชนชาติอื่น

ในรัสเซีย ต้นกำเนิดของการเต้นรำแบบต่างๆ มีมาตั้งแต่สมัยโบราณ การเต้นรำพื้นบ้านรัสเซียที่เก่าแก่ที่สุดคือการเต้นรำแบบกลม - นี่คือการเต้นรำจำนวนมาก รูปแบบของมันคือวงกลมที่เรียบง่ายซึ่งแสดงถึงการเคลื่อนไหวของดวงอาทิตย์รอบโลก ต่อมามี quadrilles, lancets, sixes, ฯลฯ ปรากฏขึ้น

แต่การเต้นรำแบบมืออาชีพครั้งแรกบัลเล่ต์ครั้งแรกเกิดขึ้นในยุคกลางของฝรั่งเศส มันอยู่ที่นั่นตั้งแต่การเต้นรำที่โยกเยกและกระทืบกระโดดและกระโดดที่เรียกว่า branles (จากคำว่า Branle - โยกเยก, การเต้นรำแบบกลม) การออกแบบท่าเต้นของฝรั่งเศสเกิดขึ้นเมื่อเวลาผ่านไป และจนถึงทุกวันนี้ในด้านการออกแบบท่าเต้นแบบมืออาชีพ คำศัพท์ต่างๆ ก็ยังคงอยู่ในภาษาฝรั่งเศส

ในรัสเซีย การออกแบบท่าเต้นมีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 6 ปีก่อนคริสตกาล และมาช้านานมีคำสอนและวิธีการสอนต่างๆ นานา จนกระทั่งเมื่อร้อยกว่าปีที่แล้ว นักบัลเล่ต์และอาจารย์อ. วากาโนว่าไม่ได้สร้างระบบการเต้นคลาสสิกที่ชัดเจนอย่างมีเหตุผล เป็นระบบนี้ที่สอนเด็กเต้นคลาสสิกมาหลายปีในโรงเรียนบัลเล่ต์และออกแบบท่าเต้น สตูดิโอ และแผนกต่างๆ เป็นระบบของอ. Vaganova เป็นพื้นฐานของการเต้นรำแบบมืออาชีพ

ดูตัวอย่าง:

การพัฒนาระเบียบวิธี

"ลักษณะการสอนพื้นบ้าน - การแสดงละครในกลุ่มอายุต่างๆ ของกลุ่มออกแบบท่าเต้นเด็ก"

ครู - นักออกแบบท่าเต้น

Chesnokova T.E

1. บทนำ
2. คุณค่าของวัฒนธรรมพื้นบ้านและนาฏศิลป์พื้นบ้านในการศึกษาสุนทรียศาสตร์ของเด็ก
3. การสร้างบทเรียนนาฏศิลป์พื้นบ้านในกลุ่มออกแบบท่าเต้นสำหรับเด็ก
4. ลักษณะอายุของการสอนโฟล์ค-นาฏศิลป์

ศิลปะพื้นบ้านเป็นสมบัติล้ำค่าที่ไม่มีวันหมดซึ่งผู้สร้างสรรค์การเต้นรำได้ตักตวงและจะตักตวงวัสดุสำหรับความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขา ด้วยรัก เข้าใจ และรู้จักศิลปะพื้นบ้านเท่านั้นจึงจะสามารถนำมาใช้ประโยชน์ได้

การเต้นรำเป็นพงศาวดารชีวิตของผู้คน การเปลี่ยนแปลงในชีวิตของผู้คนสะท้อนให้เห็นในการพัฒนาศิลปะพื้นบ้าน ธีม โครงเรื่อง รูปภาพใหม่ๆ มาถึงท่าเต้นแล้ว เมื่อเร็ว ๆ นี้การเต้นบนเวทีได้รับการเสริมสมรรถนะด้วยเทคนิคอย่างเห็นได้ชัดมีการแสดงออกและซับซ้อนมากขึ้น แต่ก่อนหน้านี้ จิตวิญญาณของผู้คนสะท้อนให้เห็นในการเต้นรำเหล่านี้ โดยเน้นการแสดงในลักษณะใดรูปแบบหนึ่ง

หนึ่งในสมบัติของศิลปะพื้นบ้านคือการเต้นรำพื้นบ้าน.

และเนื่องจากที่นี่เรากำลังพูดถึงกลุ่มเด็กพื้นบ้าน ควรสังเกตว่าการเต้นรำพื้นบ้านเป็นหนึ่งในวิธีการที่สำคัญที่สุดของการศึกษาด้านสุนทรียศาสตร์ของเด็ก

การทำงานกับเด็กหมายถึงทุกวัน รายชั่วโมง ทุกปีเพื่อให้เด็กได้รับประสบการณ์ทางจิตวิญญาณในชีวิต กำหนดบุคลิกของเขา พัฒนาอย่างครอบคลุมและกลมกลืน

หนึ่งในลิงค์ในกระบวนการศึกษาโดยรวมถือได้ว่าเป็นบทเรียนการเต้นรำพื้นบ้าน,ซึ่งการศึกษาและการฝึกอบรมจะแยกออกจากกัน

การฝึกสอนแบบก้าวหน้าเน้นที่ทิศทางหลักของกระบวนการศึกษา: “คุณต้องสอนอย่างง่าย ๆ เป็นสุข อย่างละเอียดถี่ถ้วน”, “คุณต้องสอนในลักษณะที่เข้าถึงได้และทนทาน”

จากสิ่งนี้ เป็นไปได้ที่จะแยกแยะหลักการพื้นฐานของกระบวนการเรียนรู้ที่ต้องใช้ในการสร้างบทเรียนการเต้นรำพื้นบ้าน:

1. จากง่ายไปซับซ้อน
2. ความพร้อมใช้งาน

ตัวอย่างเช่น เมื่อศึกษาองค์ประกอบของการเต้นรำยูเครน - การเคลื่อนไหวของ "นักวิ่ง" เราเรียนรู้การเคลื่อนไหวนี้ในวงกลมใน "รูปแบบที่บริสุทธิ์" ก่อนจากนั้นจึงจะสามารถดำเนินการร่วมกับการเคลื่อนไหวอื่น ๆ ได้: การเลี้ยวต่างๆตำแหน่งมือ แล้วในชุดค่าผสมที่ซับซ้อนมากขึ้น

เป็นการดีที่สุดที่จะอธิบายเนื้อหาใหม่อย่างง่ายๆ ชัดเจน และรัดกุม

หัวใจสำคัญของบทเรียนนาฏศิลป์พื้นบ้านคือการสร้างบทเรียนนาฏศิลป์คลาสสิก ซึ่งรวมถึงการออกกำลังกายที่บาร์และตรงกลาง

โดยคำนึงถึงลักษณะเฉพาะของการเต้นรำพื้นบ้านโดยทั่วไป บทเรียนนี้สร้างขึ้นในครึ่งหลังของบทเรียนแตกต่างกันเล็กน้อยและแม่นยำยิ่งขึ้น หากในการเต้นรำแบบคลาสสิก "เสียงกลาง" คือ adagio และ allegro ดังนั้นในการเต้นรำพื้นบ้าน มันคือการเรียนรู้การผสมผสานและการเต้นของแต่ละคน ลำดับของการออกกำลังกายที่บาร์ถูกกำหนดตามหลักการสลับการเคลื่อนไหวที่ฝึกกลุ่มกล้ามเนื้อต่างๆ

ในรูปแบบที่เสร็จสมบูรณ์แล้ว บทเรียนนาฏศิลป์พื้นบ้านอาจมีลักษณะดังนี้:

1) เดมี่และแกรนด์เพล

2) เลื่อนเท้าลงบนพื้น (battement tendu)

3) การออกกำลังกายส้นเท้าที่ทำงานส้นเท้า

รองรับขา.

4) ขว้างเล็ก (battement tendu jete)

5) ออกกำลังกายด้วยเท้าที่ผ่อนคลาย (flic-flac)

6) การเตรียม "เชือก"

7) เข่าต่ำและสูง (battement fondu)

8) กระทบเศษส่วน

9) การหมุนของขา (rond de jambe)

10) ขาเปิด 90 องศา (ดีโวโลป)

11) ซิกแซก

12) ขว้างขาใหญ่ทำงาน 90 องศา (แกรนด์

Battement tendu jete)

13) แบบฝึกหัดหันหน้าเข้าหาเครื่อง

14) กระโดด

15) หมอบ

ออกกำลังกายตรงกลาง:

1. การหมุน
2. เรียนรู้การผสมผสานท่าเต้น การเคลื่อนไหว
3. Etudes

แต่ในรูปแบบนี้ บทเรียนสามารถสร้างได้เฉพาะกับผู้ใหญ่เท่านั้น

เนื่องจากร่างกายของเด็กไม่สามารถรับภาระดังกล่าวได้

จากบทเรียนข้างต้นของการเต้นรำพื้นบ้าน - การแสดงบนเวที จำเป็นต้องเลือกเฉพาะองค์ประกอบที่คุ้นเคยของบทเรียนที่เด็กมีความสามารถและช่วยพัฒนาเสถียรภาพ การประสานงาน การแสดงดนตรี ในขณะเดียวกันก็รักษาโครงสร้างโดยรวมของบทเรียน

เด็กในวัยต่าง ๆ แตกต่างกันอย่างมีนัยสำคัญในแง่ของระดับของการพัฒนาจิตใจ คุณธรรม และร่างกาย โดยคำนึงถึงลักษณะอายุ จุดแข็ง และความสามารถของเด็ก ครู-นักออกแบบท่าเต้นจะต้องสร้างบทเรียนการเต้นรำบนเวทีพื้นบ้าน โดยนำเสนอข้อกำหนดที่เหมาะสมที่สุดสำหรับแต่ละวัย

เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าคุณสมบัติอายุน้อยกว่าคือกิจกรรมทางอารมณ์ของเขา ความปรารถนาสำหรับกิจกรรมที่เฉพาะเจาะจงและค่อนข้างสั้น นั่นคือ สำหรับเด็กเล็ก บทเรียนสามารถสร้างขึ้นจากองค์ประกอบของเกม ในกรณีนี้ เนื้อหาที่อธิบายใด ๆ จะถูกดูดซึมได้ดีขึ้น เนื่องจากลักษณะทางจิตวิทยาของเด็กเล็ก นั่นคือ ความสามารถในการเคลื่อนไหวเชิงกิจกรรมที่เป็นรูปธรรมทางอารมณ์ เป็นไปไม่ได้ที่จะเน้นความสนใจของเด็กในการทำงานองค์ประกอบเดียวกันเป็นเวลานาน ในกรณีนี้เขาเหนื่อยทางร่างกายความสนใจกระจัดกระจาย เด็กต้องการการปลดปล่อยทางอารมณ์ การเปลี่ยนแปลงการกระทำ การเปลี่ยนแปลงข้อมูล

ที่ วัยรุ่นสิ่งสำคัญคือต้องคำนึงถึงความปรารถนาในวัยผู้ใหญ่ความเป็นอิสระการรับรู้ถึงการกระทำของพวกเขาอย่างชัดเจน ที่นี่ประมาณ 1/3 ของบทเรียนมอบให้กับแบบฝึกหัดที่ barre หลังจากนั้นคุณสามารถไปที่ "กลาง" บทเรียนไม่ควรซ้ำซากจำเจ แม้ว่าจะเป็นส่วนสั้น ๆ ซึ่งน่าสนใจสำหรับเด็ก ๆ เนื่องจากความแปลกใหม่ แต่ก็ต้องได้รับประโยชน์ ครูเองต้องตัดสินใจว่าน้ำหนักเฉพาะของการเคลื่อนไหวแต่ละครั้งคืออะไรในระหว่างบทเรียน และกำหนดอัตราส่วนของส่วนต่างๆ ของบทเรียน การเคลื่อนไหวครั้งแรกที่ง่ายที่สุดคาดว่าจะซับซ้อนมากขึ้นและจำเป็นสำหรับเด็กที่จะเต้นอย่างถูกต้องและสวยงามในภายหลัง ในตอนแรกไม่จำเป็นต้องให้ความสนใจกับการเคลื่อนไหวเพียงครั้งเดียวเป็นเวลานาน การอยู่ที่บาร์นานเกินไปอาจทำให้เกิดความเบื่อหน่ายและสูญเสียความสนใจได้ ขอแนะนำให้เริ่ม "กลาง" ด้วยแบบฝึกหัดบางอย่างที่บาร์ ที่นี่ให้ความสนใจอย่างมากกับการประสานงานของการเคลื่อนไหวของขากับการเคลื่อนไหวของร่างกายและศีรษะ ชั้นเรียนใน "ระดับกลาง" จะซับซ้อนขึ้นทีละน้อย: การเคลื่อนไหวส่วนบุคคลที่ผ่านไปจะรวมกันเป็นการศึกษาขนาดเล็ก

ในกลุ่มเด็กอายุมากกว่าการออกกำลังกายที่บาร์กลายเป็นเรื่องยากขึ้นในเชิงเทคนิคและทางอารมณ์ เวลาที่กำหนดสำหรับชั้นเรียนในระดับ "กลาง" จะค่อยๆ เพิ่มขึ้นโดยการลดการออกกำลังกายที่บาร์ แบบฝึกหัดทั้งที่ barre และตรงกลาง เปลี่ยนแปลง ก้าวของการดำเนินการเร่งขึ้น และการศึกษามีความซับซ้อนมากขึ้น องค์ประกอบใหม่ทั้งหมดไม่ควร "แจก" ในคราวเดียว ในบทเรียนเดียว จำเป็นต้องให้โอกาสเด็กๆ ในการเรียนรู้องค์ประกอบบางอย่างอย่างรอบคอบ แล้ววางเอกสารที่เรียนรู้ไว้ชั่วขณะหนึ่ง แทนที่ด้วยสื่อใหม่ ความถูกต้องชัดเจนความถูกต้องของการแสดงองค์ประกอบของการเต้นรำพื้นบ้านควรเข้าสู่จิตใต้สำนึกของเด็กได้รับการแก้ไขในความทรงจำของกล้ามเนื้อกลายเป็นการสะท้อนกลับ ในกรณีนี้เท่านั้นจึงเป็นไปได้ที่จะสร้างข้อกำหนดเบื้องต้นที่จำเป็นสำหรับการทำงานที่ประสบความสำเร็จกับตัวเลขการเต้นต่างๆ

เนื้อหาดนตรีของบทเรียนมีความสำคัญยิ่ง ในระหว่างบทเรียนต่อเนื่องกันที่เด็กๆ จะคุ้นเคยกับการคิดที่ไพเราะ ดังนั้นสำหรับวัยกลางคนและวัยชรา ดนตรีจึงถูกเลือกให้มีความหลากหลายมากขึ้นด้วยรูปแบบจังหวะที่ซับซ้อนและสีสันที่ไพเราะ ในทีมเด็กเล็ก จำเป็นต้องเลือกท่วงทำนองที่ชัดเจนอย่างยิ่ง สดใส เป็นรูปเป็นร่าง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในตอนแรก การบรรเลงดนตรีประกอบในบทเรียนควรเชื่อมโยงแบบออร์แกนิกกับการเคลื่อนไหวที่ทำ ควรสอดคล้องกับธรรมชาติของการเคลื่อนไหว สไตล์ และสัญชาติ ควรสอดคล้องกับจังหวะอย่างชัดเจน

ทั้งหมดนี้นำมารวมกันให้ความรู้ทั้งวัฒนธรรมดนตรีและรสนิยมของเด็ก ๆ ซึ่งไม่มีความสำคัญเพียงเล็กน้อยในอนาคต

สถานที่ที่จริงจังในการสร้างบทเรียนในการเต้นรำพื้นบ้าน - การแสดงบนเวทีในทีมเด็กมีการเลือกเพลงและสัญชาติที่ศึกษาเนื่องจากไม่สามารถนำทุกเชื้อชาติมาศึกษาในทีมเด็กได้ ตัวอย่างเช่น องค์ประกอบของการเต้นรำของรัสเซีย เบลารุสในทีมเด็กอายุน้อยกว่าจะหลอมรวมได้ง่ายกว่าองค์ประกอบของการเต้นรำแบบโปแลนด์อุซเบก ในกลุ่มเด็กวัยกลางคนขึ้นไปดังนั้นควรขยายละคร เป็นไปได้ที่จะนำองค์ประกอบของการเต้นรำยูเครน, ตาตาร์, บัชคีร์และอื่น ๆ เพื่อการศึกษา

เด็ก ๆ สามารถเรียนรู้ได้มากมายอย่างไม่น่าเชื่อ พวกเขาตอบสนองต่อคำพูดของครูอย่างกระตือรือร้นกระตือรือร้นและขอบคุณ

จากทั้งหมดที่กล่าวมานี้ทำให้เราสรุปได้ว่าไม่เพียงแต่การสร้างบทเรียนนาฏศิลป์พื้นบ้านเท่านั้น แต่การทำงานทั้งหมดกับกลุ่มนาฏศิลป์ของเด็กโดยรวมนั้นจะต้องได้รับการติดต่ออย่างละเอียดอ่อน เป็นมืออาชีพ มีความสามารถ โดยคำนึงถึงคุณลักษณะเฉพาะทั้งหมดของ ในวัยเด็กด้วยความรักต่อเด็กและในอาชีพของตนเอง

วรรณกรรม

1. Inozemtseva G.V. "การเต้นรำพื้นบ้าน" - M. , 1971

2. Reznikova Z.P. "การเต้นรำของชาวโลก" - M. , 1959

3. Stukolkina NM “สี่แบบฝึกหัด บทเรียนการเต้นรำลักษณะ "-

ม., 1972

4. Uralskaya V.I. "ธรรมชาติของการเต้นรำ" - ม., 1981

5. Goleizovsky K.Ya. "ภาพท่าเต้นพื้นบ้านรัสเซีย" - M. ,

1964

1. Gusev G.P. "วิธีการสอนนาฏศิลป์พื้นบ้าน" - ม., 2547
2. เทเลจิน่า แอล.เอ. "พื้นบ้าน - การเต้นรำบนเวที" - Samara, 2002
3. Gusev G.P. "วิธีการสอนนาฏศิลป์พื้นบ้าน: - แบบฝึกหัดที่บาร์" - ม., 2546
4. Uralskaya V.I. "กำเนิดการเต้นรำ" - M. , 2982

ส่งงานที่ดีของคุณในฐานความรู้เป็นเรื่องง่าย ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง

นักศึกษา นักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงานจะขอบคุณอย่างยิ่ง

โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru/

สถาบันการศึกษางบประมาณของรัฐบาลกลางเพื่อการศึกษาระดับอุดมศึกษา

มหาวิทยาลัยวัฒนธรรมและศิลปะแห่งรัฐมอสโก

คณะกิจกรรมสังคมและวัฒนธรรม

กรมกิจกรรมวัฒนธรรมและสันทนาการ

หลักสูตรการทำงาน

ในหัวข้อ: ประวัติการเต้นรำ

ในสาขาวิชาการ: "ประวัติศาสตร์และทฤษฎีกิจกรรมทางสังคมและวัฒนธรรม"

มอสโก 2013

บทนำ

ตอนที่ 1 ต้นกำเนิดของการเต้นรำ: ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงการกำเนิดของบัลเล่ต์

1.1 เหตุผลในการปรากฏตัวของการเต้นรำและที่มาของการเต้นรำ

1.2 อียิปต์โบราณ จีน อินเดีย กรีซ โรม

1.3 การเต้นรำพื้นบ้านในยุโรปตั้งแต่ยุคกลางจนถึงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ตอนที่ 2 ยุคบัลเล่ต์ในต่างประเทศและในรัสเซีย

2.1 บัลเล่ต์ในตะวันตก

2.2 บัลเล่ต์รัสเซีย

ส่วนที่ 3 แนวนาฏศิลป์สมัยใหม่

3.1 แจ๊สแดนซ์

3.2 โมเดิร์นแดนซ์และแจ๊สสมัยใหม่

3.3 คลาสสิกร่วมสมัยในต่างประเทศ

3.4 ระบำบอลรูม

บทสรุป

แหล่งที่มาและวรรณกรรม

บทนำ

มาว่ากันเรื่องการเต้น ในยุคของเรา ยุคอิเล็กทรอนิกส์ จังหวะเร็ว ส่วนใหญ่จะเรียกว่าการเต้นว่าเกิดอะไรขึ้นในไนต์คลับ เมื่อการเคลื่อนไหวถูกลดระดับลงสู่ระดับดึกดำบรรพ์ อย่างไรก็ตาม การเต้นรำไม่เพียงแต่ประกอบด้วย "สองกระทืบ สามกระทง" เท่านั้น มันมีประวัติของมันเอง เป็นศิลปะรูปแบบหนึ่งที่เก่าแก่ที่สุดควบคู่ไปกับดนตรี บางทีอาจจะเก่ากว่าด้วยซ้ำ คำถามนี้ยังเป็นที่ถกเถียงกันอยู่ การเต้นรำได้ผ่านเส้นทางแห่งการเปลี่ยนแปลงที่ยาวนาน โดยแบ่งออกเป็นหลายทางอย่างมีสไตล์ ดังนั้นคำถามในช่วงเริ่มต้นของการเดินทางของเราจึงมีความเกี่ยวข้องมากขึ้น: การเต้นรำคืออะไร?

เต้นรำ- การเคลื่อนไหวร่างกายเป็นจังหวะและแสดงออกซึ่งมักจะสร้างเป็นองค์ประกอบเฉพาะและบรรเลงพร้อมกับดนตรีประกอบ การเต้นรำตามที่กล่าวไว้ข้างต้นอาจเป็นศิลปะที่เก่าแก่ที่สุด: มันสะท้อนถึงความต้องการของบุคคลที่ย้อนกลับไปในยุคแรกสุดในการถ่ายทอดความสุขหรือความเศร้าผ่านร่างกายแก่ผู้อื่น นอกจากนี้การเต้นรำยังเป็นประชาธิปไตย เขาเชื้อเชิญร่างกายให้พูด ให้โอกาสเขาพูด การเต้นรำช่วยขยายศักยภาพความคิดสร้างสรรค์และส่วนบุคคล กำจัดคอมเพล็กซ์ต่าง ๆ หายกลัวการพูดในที่สาธารณะ สอนให้คุณผ่อนคลาย

การเต้นรำเกิดขึ้นจากการเคลื่อนไหวและท่าทางที่หลากหลายที่เกี่ยวข้องกับกระบวนการทำงานและความประทับใจทางอารมณ์ของบุคคลจากโลกรอบตัวเขา การเคลื่อนไหวนั้นค่อย ๆ อยู่ภายใต้ลักษณะทั่วไปทางศิลปะอันเป็นผลมาจากการเต้นรำซึ่งเป็นหนึ่งในการแสดงออกที่เก่าแก่ที่สุดของศิลปะพื้นบ้าน เริ่มแรกเกี่ยวข้องกับคำและเพลง การเต้นรำค่อย ๆ ได้รับความหมายที่เป็นอิสระ เหตุการณ์สำคัญเกือบทั้งหมดในชีวิตของมนุษย์ดึกดำบรรพ์ได้รับการเฉลิมฉลองด้วยการเต้นรำ: การเกิด การตาย สงคราม การเลือกตั้งผู้นำคนใหม่ การรักษาผู้ป่วย การเต้นรำแสดงการสวดอ้อนวอนขอฝน แสงแดด ความอุดมสมบูรณ์ การปกป้องและการให้อภัย ซึ่งเป็นส่วนสำคัญของศีลศักดิ์สิทธิ์ต่างๆ ความลึกลับ ตั้งแต่สังคมดึกดำบรรพ์ไปจนถึงอียิปต์ จีน และกรีซ ผลของการเต้นรำคืออะไร? มีการจัดระบบอย่างไร? ก่อตัวเป็น "ป๊า"

Dance pas (fr. pas - "step") มาจากรูปแบบพื้นฐานของการเคลื่อนไหวของมนุษย์ - การเดิน วิ่ง กระโดด กระดอน กระโดด เลื่อน หมุน และแกว่ง การผสมผสานของการเคลื่อนไหวดังกล่าวค่อยๆ กลายเป็นการร่ายรำแบบดั้งเดิม

ลักษณะสำคัญของการเต้นรำคือ:

จังหวะ - การทำซ้ำค่อนข้างเร็วหรือค่อนข้างช้าและการเปลี่ยนแปลงของการเคลื่อนไหวพื้นฐาน

การวาด - การผสมผสานของการเคลื่อนไหวในองค์ประกอบ พลวัต - ขอบเขตและความเข้มของการเคลื่อนไหวที่แตกต่างกัน

เทคนิคคือระดับความเชี่ยวชาญของร่างกายและความเชี่ยวชาญในการปฏิบัติงานของ pas และตำแหน่งพื้นฐาน ในการเต้นหลายๆ ครั้ง ท่าทางก็มีความสำคัญเช่นกัน โดยเฉพาะการเคลื่อนไหวของมือ

ปัจจุบันศิลปะการออกแบบท่าเต้นครอบคลุมทั้งศิลปะการแสดงพื้นบ้านและการแสดงบนเวทีระดับมืออาชีพ นาฏศิลป์มีอยู่หลายระดับ ลวดลายในวัฒนธรรมของแต่ละกลุ่มชาติพันธุ์ กลุ่มชาติพันธุ์ และปรากฏการณ์นี้ไม่น่าจะเกิดขึ้นโดยบังเอิญ มันเป็นธรรมชาติที่เป็นกลาง เพราะท่าเต้นพื้นบ้านแบบดั้งเดิมครอบครองสถานที่สำคัญยิ่งในชีวิตสังคมของสังคมทั้งในระยะเริ่มต้นของการพัฒนามนุษย์และตอนนี้เมื่อมันทำหน้าที่หนึ่งของวัฒนธรรม มันเป็นหนึ่งในสถาบันที่แปลกประหลาดของการขัดเกลาทางสังคมของผู้คนและประการแรกคือเด็กวัยรุ่นและเยาวชนและยังทำหน้าที่อื่น ๆ อีกมากมายที่มีอยู่ในวัฒนธรรมโดยรวม

ประวัติศาสตร์การเต้นรำ บัลเล่ต์ พื้นบ้าน

1. ที่มาของการเต้นรำ: ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงการเกิดของบัลเล่ต์

1.1 สาเหตุของการเกิดขึ้นของการเต้นรำและที่มาของการเต้นรำ

การเต้นรำมาจากไหนคน ๆ หนึ่งพัฒนาความอยากในการเคลื่อนไหวเป็นจังหวะได้อย่างไร? บทความที่น่าสนใจมากโดย Konstantin Petrovich Chernikov เกี่ยวกับการเต้นรำคืออะไรและที่จริงแล้วที่มาของมันจะบอกได้อย่างสมบูรณ์แบบ

อันที่จริง การเต้นรำในฐานะปรากฏการณ์ทางสังคมที่เป็นสาธารณะล้วนๆ เป็นชั้นทั้งหมดที่สะท้อนผ่านวิธีการและเทคนิคต่างๆ ของการเต้นรำ ผ่านการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ สังคม และวัฒนธรรมของสังคมมนุษย์ เลเยอร์นี้น่าสนใจมากและไม่ลึกพอในความคิดของฉัน "ไถ" โดยวิทยาศาสตร์สมัยใหม่ นักประวัติศาสตร์ให้ความสำคัญกับการพัฒนาสังคมและเศรษฐกิจในแง่มุมต่างๆ มากขึ้น นักวิจารณ์ศิลปะให้ความสำคัญกับสถาปัตยกรรมหรือจิตรกรรมมากกว่า และในการแสดงละครสมัยใหม่และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง การแสดงป๊อป การเต้นรำยังห่างไกลจากบทบาทแรกเมื่อเทียบกับเสียงร้องหรือ ประเภทการสนทนาเดียวกัน ทำไมความอัปยศเช่นนี้? ท้ายที่สุดแล้ว ศิลปะการออกแบบท่าเต้นอาจเป็นศิลปะที่เก่าแก่ที่สุดในโลก มันมีอายุนับพันปี กำเนิดในสภาพแวดล้อมของมนุษย์ในช่วงเวลาที่โดยพื้นฐานแล้วไม่มีสังคมอารยะที่มีเศรษฐกิจและการเมือง เหตุใดการเต้นรำในยามรุ่งอรุณของประวัติศาสตร์มนุษย์ ควบคู่ไปกับลัทธิและเวทมนตร์ จึงเป็นกิจกรรมที่สำคัญที่สุดในกิจกรรมทางจิตและสังคมวัฒนธรรมทุกประเภทของผู้คน สิ่งนี้เกิดขึ้นเมื่อไหร่และทำไม? ในคำถามที่หลากหลายนี้ เราจะพยายามหาคำตอบ

เป็นที่ชัดเจนว่าการเต้นรำไม่ใช่สิ่งที่บุคคลไม่สามารถอยู่ได้เช่นไม่มีน้ำหรืออาหาร มนุษย์ได้ผ่านเส้นทางวิวัฒนาการที่ยาวนานและยากมาก ซึ่งงานหลักของเขาคือการเอาชีวิตรอด

หมายความว่าถ้าคนโบราณใช้เวลาส่วนหนึ่งอันมีค่าของเขาโดยไม่ได้หาอาหารหรือจัดการชีวิต แต่ไปกับการฝึกการเคลื่อนไหวร่างกายเป็นจังหวะ นี่เป็นสิ่งสำคัญมากสำหรับเขา อะไรจะมีความสำคัญมากสำหรับบรรพบุรุษที่อยู่ห่างไกลของเรา หลายคนมักจะเชื่อว่าสิ่งเหล่านี้เป็นพิธีกรรม ใช่มันเป็นตรรกะ เทพและปีศาจไม่ควรล้อเล่น พวกเขาจะต้องได้รับการเคารพ ปลอบโยน เสียสละอย่างต่อเนื่อง แต่คุณเห็นไหม สำหรับการให้เกียรติและการเสียสละ ไม่จำเป็นต้องกระโดด กระโดด หมุนตัว และบิดตัวไปมาในจังหวะและจังหวะที่แน่นอน คุณสามารถทำทุกอย่างได้อย่างมีเหตุผลมากขึ้นและใช้ความพยายามน้อยลง ซึ่งยังคงมีความจำเป็นในการตามล่าหรือในการทำสงครามกับเพื่อนบ้าน เป็นไปได้มากว่าสาเหตุของการเต้นรำอยู่ลึกกว่าที่เชื่อกันทั่วไปเล็กน้อย

หากคุณเชื่อว่าพจนานุกรมอธิบายและสารานุกรมที่มีอยู่มากมายในปัจจุบัน โดยทั่วไปแล้ว คุณสามารถนิยามการเต้นเป็นรูปแบบศิลปะที่แสดงให้เห็นลักษณะภายนอกของชีวิตในรูปแบบที่เป็นรูปเป็นร่างและศิลปะ ผ่านการเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์ การแสดงออกทางสีหน้า และละครใบ้ เต้นรำ. เขาไม่ใช่สิ่งที่เราเห็นเหรอ? ใช่มันเป็น แต่ไม่ใช่จริงๆ ไม่ใช่ทุกสิ่งที่สามารถอธิบายได้ด้วยปฏิกิริยาง่ายๆ ของบุคคลต่อโลกรอบตัวเขาเท่านั้น อะไรคือลักษณะภายนอกของธรรมชาติที่มีชีวิต หากไม่ใช่การสำแดงภายในที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลา? การเต้นรำขึ้นอยู่กับการกระทำ แต่จะไม่มีการกระทำภายนอกใดๆ หากไม่มีการกระทำภายใน การกระทำภายนอกทั้งหมดที่แสดงออกมาเป็นการเคลื่อนไหว ท่าทาง ท่าเต้น เกิดและก่อตัวขึ้นภายใน - ในความคิด ความรู้สึก ความรู้สึก ประสบการณ์ ที่นี่เรามาดูเหมือนว่าฉันถึงแหล่งที่มา สาเหตุหลักของการเกิดขึ้นของการเต้นรำเช่นเดียวกับลัทธิทางศาสนาคือจิตใจซึ่งเป็นโลกภายในและจิตวิญญาณของบุคคล

จิตใจกลายเป็นผู้ริเริ่มการเต้นเป็นปรากฏการณ์ทางสังคม แน่นอนว่าในตอนแรกมันเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับลัทธิและเวทมนตร์ มันเป็นไปไม่ได้ที่จะแยกพวกเขาออกจากกัน การแยกตัวและความเชี่ยวชาญเฉพาะด้านที่แคบลงของปรากฏการณ์เหล่านี้เกิดขึ้นภายหลังมาก และลัทธิก็ค่อยๆเข้ายึดครอง

อำนาจสูงสุดของลัทธิถูกอธิบายโดยข้อเท็จจริงที่ว่านักมายากลและนักบวชเป็นคนฉลาดและมีความคิดสร้างสรรค์ในแบบของตัวเอง ดังนั้นจึงไม่ยากสำหรับพวกเขาที่จะหาวิธี "โกง" และกดดันญาติของพวกเขาและแรงจูงใจหลัก ในเรื่องนี้คือความกลัวของพลังที่ไม่รู้จัก

ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ การเต้นรำจะจางหายไปเป็นพื้นหลังและเริ่มเพียง "รับใช้" พิธีกรรม ตกแต่งและเสริมปัจจัยของผลกระทบทางจิตใจและพลังงานและอารมณ์ต่อผู้เข้าร่วมในพิธีกรรมทางศาสนาและพิธีกรรม เราจะพูดถึงผลกระทบของการเต้นรำในร่างกายมนุษย์ แต่ตอนนี้ กลับมาที่คำถามเกี่ยวกับสาเหตุของการกำเนิดของมัน

การเต้นรำเริ่มเมื่อไหร่? ตามตรรกะของสิ่งต่าง ๆ ส่วนใหญ่แล้วในความหมายตามลำดับเวลาเวลาของการเกิดขึ้นของประเพณีการเต้นรำคือยุค Madeleine (15 - 10,000 ปีก่อน)

ในช่วงเวลานี้เองที่ศิลปะดั้งเดิมและเหนือสิ่งอื่นใด ภาพวาดในถ้ำได้พัฒนาไปถึงระดับสูงสุด มีเหตุผลที่จะสมมติว่าในช่วงเวลานี้เมื่อจิตใจของมนุษย์และการสื่อสารที่ซับซ้อนมากขึ้นได้เริ่มต้นความจำเป็นในงานศิลปะซึ่งอาจมีความจำเป็นสำหรับศิลปะรูปแบบอื่น ๆ - รวมทั้งการเต้นรำภาพวาดหินในถ้ำ ของฝรั่งเศสและสเปนทำหน้าที่เป็นเครื่องยืนยันในเรื่องนี้ซึ่งจาก 1794 ภาพวาด - 512 พรรณนาถึงผู้คนในท่าต่าง ๆ และช่วงเวลาของการเคลื่อนไหวซึ่งทำซ้ำเป็นระยะ ๆ นอกจากนี้ประมาณ 100 ภาพวาดนั้นอุทิศให้กับสิ่งมีชีวิตที่เหมือนมนุษย์บางประเภท เมื่อพิจารณาว่าภาพวาดในถ้ำนั้นเหมือนจริงมาก แม้กระทั่งการถ่ายภาพ ศิลปินยังคิดเชิงนามธรรมไม่ได้ เขาไม่ได้ประดิษฐ์อะไรเลย และวาดสิ่งที่เขาเห็นด้วยตาของเขาเอง แล้วคุณสามารถถามได้ว่าเขาเห็นอะไร หากเราทิ้งมนุษย์ต่างดาวหรือมนุษย์กลายพันธุ์ เป็นไปได้มากว่าพวกเขาเป็นคนที่แต่งตัวเป็นสัตว์หรือวิญญาณบางชนิดที่พวกเขาเลียนแบบ

คนโบราณวาดภาพเลียนแบบสัตว์และวิญญาณ แต่ถ้าคนทำแล้วไม่เต้นจะเป็นยังไง? ในเวลาเดียวกัน การเกิดของดนตรีและเครื่องดนตรีก็เกิดขึ้น ศิลปะทุกประเภทมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิด ดังนั้นดนตรีจึงเชื่อมโยงกับการเต้นรำด้วย ได้คำตอบสำหรับคำถามแรกแล้ว การเต้นรำไม่ได้ทิ้ง "อนุสาวรีย์" ที่แน่นอนเช่นภาพวาดหรือสถาปัตยกรรม แต่การเกิดของการเต้นรำแทบจะไม่เกิดขึ้นมาก่อน สังคมไม่พร้อม คำถามต่อมาคือ ที่มาของวัฒนธรรมการเต้นเกิดขึ้นได้อย่างไร?

เราได้กล่าวไปแล้วว่าศิลปะการเต้นมีต้นกำเนิดจากส่วนลึกของจิตใจมนุษย์ที่มีความซับซ้อนมากขึ้นเรื่อยๆ และกลายเป็นการสำแดงภายนอกของความต้องการของบุคคลในการเคลื่อนไหวร่างกายบางประเภท ด้วยความต้องการดังกล่าว เราจึงพบคุณตลอดเวลา นอกจากสัญชาตญาณและปฏิกิริยาตอบสนองตามธรรมชาติแล้ว บุคคลยังมีความจำทางชีวกลศาสตร์อีกด้วย มนุษย์อยู่ไม่ได้ถ้าไม่มีกล้ามเนื้อ! หากอวัยวะบางส่วนไม่ทำงานในช่วงเวลาหนึ่งด้วยเหตุผลใดก็ตาม อวัยวะนั้นจะลีบอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ เราต้องการการเคลื่อนไหวเพื่อมีชีวิตอยู่! ทุกสิ่งในโลกนี้เคลื่อนไหวตลอดเวลา ทุกสิ่งสั่นสะเทือนและเปลี่ยนแปลง มนุษย์เป็นลูกของโลกนี้และไม่สามารถดำรงอยู่ได้นอกเหนือจากกฎวัตถุประสงค์ของมัน “ ไม่มีอะไรคงอยู่ตลอดไป”, “ ทุกอย่างไหล, ทุกสิ่งเปลี่ยนแปลง” - ภูมิปัญญาชาวบ้านกล่าว ดังนั้นบุคคลจึงถูกบังคับนอกเหนือจากการเคลื่อนไหวการผลิตที่จำเป็นโดยฟังเสียงของธรรมชาติเพื่อทำการเคลื่อนไหวเพิ่มเติมเพื่อรักษาความมีชีวิตชีวาของเขา ดูเหมือนว่าทำไมเขาต้องทำสิ่งนี้เพราะชีวิตดึกดำบรรพ์นั้นยากและเต็มไปด้วยอันตรายคน ๆ หนึ่งได้รับการออกกำลังกายเป็นจำนวนมากและเห็นได้ชัดว่าไม่ได้รับภาวะขาดออกซิเจน แต่ไม่มี!

เราเป็นสิ่งมีชีวิตที่มีจิตใจที่ซับซ้อนและมีระเบียบสูง ความรู้สึกและความคิดของเราส่งผลต่อสนามพลังงานของเรา ดังนั้น ภาระทางจิตใจและจิตวิญญาณจึงมีความสำคัญต่อเรามากกว่าร่างกาย เนื่องจากเป็นจิตใจของเราที่ควบคุมกระบวนการทางกายภาพทั้งหมดในร่างกายของเรา ผ่านแรงกระตุ้นไฟฟ้าชีวภาพ ฉันเชื่อว่านี่คือความจำเป็นในการเติมพลังจิตเป็นระยะ ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของความต้องการของมนุษย์ในการเคลื่อนไหวร่างกายเป็นจังหวะ ให้ความสนใจ - ไม่ใช่เรื่องง่าย แต่ในการเคลื่อนไหวร่างกายเป็นจังหวะ ทำไมถึงเป็นอย่างนั้น? ใช่ เพราะอวัยวะภายในทั้งหมดของเรา ทั้งร่างกายและระบบประสาทมีการสั่นสะเทือนและการเต้นเป็นจังหวะคงที่ซึ่งมีจังหวะของมันเอง: หัวใจเต้นเป็นจังหวะที่แน่นอน วัฏจักรการหายใจก็ดำเนินไปเป็นจังหวะอย่างเคร่งครัด เป็นต้น ดังนั้นการชาร์จพลังจิตควรทำเป็นจังหวะเพื่อไม่ให้ตกไปอยู่ในความไม่ลงรอยกันกับจังหวะทางชีวภาพตามธรรมชาติของร่างกาย ในกรณีนี้ เราไม่ได้พูดถึงการเต้นที่เราคุ้นเคย แต่เกี่ยวกับวัฒนธรรมของการเคลื่อนไหวร่างกายเป็นจังหวะรูปแบบแรกๆ ควบคู่ไปกับเสียงและเสียงประกอบแบบดั้งเดิมที่มีแนวโน้มมากที่สุด ซึ่งสามารถจัดได้ว่าเป็นจุดเริ่มต้นของวัฒนธรรมการเต้น

เหนือสิ่งอื่นใด การฟังเพลงที่ไพเราะและการเคลื่อนไหวเพื่อความเพลิดเพลินทำให้เกิดฮอร์โมนแห่งความสุข ซึ่งเป็นหนึ่งในสาเหตุทางอ้อมของการเต้น

จิตใจของคนโบราณกลายเป็นผู้ริเริ่มศิลปะการเต้น ความต้องการความรู้ในตนเอง โลก การแสดงออกและความสุข และตัวแทนของลัทธิก็ไม่พลาดโอกาสโดยใช้การเต้นรำในพิธีกรรม เป็นไปได้มากว่าพวกมันมีขนาดใหญ่ ซึ่งเพิ่มเอฟเฟกต์ผ่าน "เอฟเฟกต์ฝูง" ในสังคมดึกดำบรรพ์ แทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะไม่เชื่อฟังผลกระทบนี้ ดังนั้นนักบวชและผู้นำจึงกำหนดกฎเกณฑ์

การเต้นรำครั้งแรกของสมัยโบราณอยู่ไกลจากสิ่งที่เรียกว่าคำนี้ในปัจจุบัน พวกเขามีความหมายแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ด้วยการเคลื่อนไหวและท่าทางที่หลากหลาย คนคนหนึ่งถ่ายทอดความประทับใจที่มีต่อโลกรอบตัวเขา โดยใส่อารมณ์และสภาพจิตใจของเขาเข้าไป เสียงร้อง ร้องเพลง เล่นโขน เชื่อมโยงกับการเต้นรำ การเต้นรำมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับชีวิตและวิถีชีวิตของผู้คนตลอดเวลา ดังนั้นการเต้นรำแต่ละครั้งจึงสอดคล้องกับตัวละครซึ่งเป็นจิตวิญญาณของผู้คนที่เป็นต้นกำเนิด ด้วยการเปลี่ยนแปลงในระบบสังคม สภาพความเป็นอยู่ ธรรมชาติและรูปแบบของศิลปะเปลี่ยนไป และการเต้นก็เปลี่ยนไปด้วย รากของมันหยั่งรากลึกในศิลปะพื้นบ้าน

การเต้นรำเป็นเรื่องธรรมดามากในหมู่ผู้คนในโลกยุคโบราณ นักเต้นพยายามทำให้แน่ใจว่าทุกการเคลื่อนไหว ท่าทาง การแสดงออกทางสีหน้า แสดงความคิด การกระทำ และการกระทำ การเต้นรำที่แสดงออกมีความสำคัญอย่างยิ่งทั้งในชีวิตประจำวันและในชีวิตสาธารณะ

สำหรับผู้ชายในสังคมดึกดำบรรพ์ การเต้นรำเป็นวิธีคิดและการใช้ชีวิต ในการเต้นรำที่วาดภาพสัตว์นั้นมีการใช้เทคนิคการล่าสัตว์ การเต้นรำเป็นการแสดงออกถึงคำอธิษฐานเพื่อความสมบูรณ์ของฝนและความต้องการเร่งด่วนอื่น ๆ ของชนเผ่า ความรัก การทำงาน และพิธีกรรมรวมอยู่ในการเต้น การเต้นรำในกรณีนี้เชื่อมโยงกับชีวิตมากจนในภาษาของชาวเม็กซิกันทาราฮูมาราอินเดียนแดง แนวคิดของ "แรงงาน" และ "การเต้นรำ" แสดงออกด้วยคำเดียวกัน เมื่อเข้าใจจังหวะของธรรมชาติอย่างลึกซึ้ง ผู้คนในสังคมดึกดำบรรพ์จึงเลียนแบบการเต้นของพวกเขาไม่ได้

การเต้นรำแบบดั้งเดิมมักจะแสดงเป็นกลุ่ม การเต้นรำแบบกลมมีความหมายเฉพาะเจาะจงเป้าหมาย: เพื่อขับไล่วิญญาณชั่วร้าย รักษาคนป่วย ขับไล่ความโชคร้ายออกจากเผ่า การเคลื่อนไหวที่พบบ่อยที่สุดคือการกระทืบ อาจเป็นเพราะมันทำให้โลกสั่นสะเทือนและยอมจำนนต่อมนุษย์ ในสังคมดึกดำบรรพ์ การเต้นรำนั่งยองเป็นเรื่องปกติ นักเต้นชอบที่จะหมุน กระตุก และกระโดด การกระโดดและหมุนวนทำให้นักเต้นรู้สึกเบิกบาน บางครั้งก็จบลงด้วยการสูญเสียสติ นักเต้นมักจะไม่สวมเสื้อผ้า แต่สวมหน้ากาก ผ้าโพกศีรษะที่ประณีต และมักทาสีร่างกาย ใช้เป็นเครื่องดนตรีประกอบ กระทืบ ตบมือ ตลอดจนเล่นกลองและท่อทุกชนิดที่ทำจากวัสดุธรรมชาติ

ชนเผ่าดึกดำบรรพ์ไม่มีเทคนิคการเต้นที่ได้รับการควบคุม แต่การฝึกฝนทางกายภาพที่ยอดเยี่ยมช่วยให้นักเต้นยอมจำนนต่อการเต้นรำและการเต้นรำด้วยความทุ่มเทอย่างเต็มที่จนถึงความคลั่งไคล้ การเต้นรำประเภทนี้ยังสามารถพบเห็นได้ในหมู่เกาะแปซิฟิกใต้ ในแอฟริกา และในอเมริกากลางและอเมริกาใต้

1.2 อียิปต์โบราณ จีน อินเดีย กรีซ โรม

ดังนั้นการเต้นรำจึงเริ่มพัฒนา ในประเทศต่าง ๆ วัฒนธรรม แต่ทุกที่ที่เขามีที่อยู่ ยิ่งไปกว่านั้น เขาได้รับมอบหมายให้มีบทบาทสำคัญ

วัฒนธรรมของอียิปต์โบราณซึ่งมีระดับของสังคมค่อนข้างสูง เต็มไปด้วยดนตรีและการเต้นรำ ชาวอียิปต์ชื่นชอบความสนุกสนานมาก และไม่ใช่วันหยุดเดียว และไม่มีงานเดียวที่ผ่านไปโดยไม่ได้เต้นรำไปกับดนตรีบรรเลง ในอียิปต์โบราณ ศิลปะการเต้นมีมูลค่าสูง และจากความจริงที่ว่ารัฐนี้ถูกโดดเดี่ยวมาเป็นเวลานานเนื่องจากที่ตั้งทางภูมิศาสตร์บางแห่ง วัฒนธรรมการเต้นรำของพวกเขาจึงพัฒนาอย่างอิสระและปราศจากการแทรกแซงจากชนชาติและวัฒนธรรมอื่น ดังนั้นการเต้นรำในอียิปต์โบราณจึงมีความพิเศษและไม่เหมือนใคร ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาของการพัฒนาวัฒนธรรมในช่วงเวลาของฟาโรห์ การออกแบบท่าเต้นจำนวนมากเกิดขึ้น: การเต้นรำเพื่อความบันเทิง ฮาเร็ม พิธีกรรม การเต้นรำทางศาสนาและแม้กระทั่งการทหาร

ข้อมูลภาพที่สำคัญเกี่ยวกับพัฒนาการของการเต้นรำในอียิปต์โบราณสามารถรวบรวมได้จากบันทึกอักษรอียิปต์โบราณ ภาพนูนต่ำนูนสูงด้วยไม้ ภาพแกะสลักด้วยหิน ประติมากรรม และวัตถุต่างๆ จากสุสานโบราณ ในอบีดอส - สถานที่ที่เทพเจ้าแห่งความตายโอซิริสถูกฝังตามความเชื่อของชาวอียิปต์ - ในระหว่างพิธีครีษมายันมีการเต้นรำและดนตรี นักร้องและนักเต้นกลุ่มหนึ่งอาศัยอยู่ที่วัดและมีส่วนร่วมในการสักการะเทพเจ้า หนึ่งในวันหยุดหลักคือพิธีกรรมที่อุทิศให้กับวัว Apis โดยมีการเต้นรำลับที่ดำเนินการโดย "คนใช้" ของวัว

ความรู้สึกของการแสดงละครมีความแข็งแกร่งมากในผู้คนในอียิปต์โบราณ แม้แต่นักเต้นระบำในวิหารของพวกเขาก็ยังแสดงกายกรรม และในภาพนูนต่ำนูนสูงเราสามารถเห็นผู้หญิงทำท่าแยก หรือผู้หญิงถูกโยนขึ้นไปในอากาศแล้วจับโดยคู่หูสองคน และชายคนหนึ่งยืนบนขาข้างหนึ่งและกำลังจะโบยบิน

การเต้นรำงานศพและงานพิธีมีความโดดเด่นด้วยความเข้มงวดและความเรียบง่าย แต่เมื่อเวลาผ่านไป การเต้นรำประเภทอื่นที่มีการตกแต่งมากขึ้นก็เริ่มปรากฏขึ้น ทาสและทาสหญิงได้รับการสอนให้เต้นรำเพื่อความบันเทิงในบ้าน นักเต้นจากประเทศอื่น ๆ ถูกนำตัวไปที่อียิปต์ มีคณะนักแสดงมืออาชีพเดินทางแสดงละครใบ้ แสดงกายกรรมควบคู่ไปกับรำมะนาดและคาสทาเนต บางครั้งการเต้นรำของคนแคระดำก็เป็นที่นิยม

ในงานของกวีโบราณ, นักเขียน, ศิลปิน, ชื่อของการเต้นรำและผู้เข้าร่วมของพวกเขาถูกค้นพบ, มีการอธิบายกฎของการแสดง

เมื่อพูดถึงนาฏศิลป์พื้นบ้านในวัฒนธรรมจีน คนส่วนใหญ่มักนึกถึงท่ารำที่มีสีสันของตัวแทนจากกลุ่มชาติพันธุ์ต่างๆ ที่ไม่ใช่ฮั่น ในขณะเดียวกัน ตั้งแต่สมัยโบราณ ชนเผ่าเหล่านั้นซึ่งต่อมาได้รวมตัวกันเป็นหนึ่งเดียวโดยใช้ชื่อสามัญเดียว นั่นคือ สัญชาติฮั่น มีการร่ายรำตามพิธีกรรมหลากหลายรูปแบบ การเต้นรำพื้นบ้านของจีนในยุคแรก ๆ เช่นเดียวกับศิลปะดั้งเดิมรูปแบบอื่น ๆ ส่วนใหญ่เป็นรูปแบบพิธีกรรมของความเชื่อทางไสยศาสตร์และความเชื่อต่างๆ การเต้นรำเหล่านี้ทำขึ้นเพื่อขอการเก็บเกี่ยวที่ดีหรือการล่าสัตว์ที่ดี

ต่อมาในสมัยราชวงศ์ฮั่น (206 ปีก่อนคริสตกาล - 220) การเต้นรำพื้นบ้านของกลุ่มชาติพันธุ์ส่วนใหญ่ที่อาศัยอยู่ในประเทศจีนได้พัฒนาขึ้น การเต้นรำพื้นบ้านที่ปรากฏในเวลานี้ยังสะท้อนให้เห็นถึงความเชื่อโชคลางและความเชื่อของผู้คน พวกเขาเชื่อว่าการทำพิธีบูชาเทพเจ้า พวกเขาสามารถเกลี้ยกล่อมให้พวกเขาได้รับประโยชน์ที่มากขึ้นในอนาคต

การเต้นรำพื้นบ้านของจีนที่สำคัญคือภาพและการเชิดสิงโต ในขั้นต้น พวกเขาเป็นส่วนหนึ่งของมรดกทางวัฒนธรรมของชาวฮั่นเท่านั้น แต่เมื่อเวลาผ่านไป ตัวแทนของกลุ่มชาติพันธุ์อื่นๆ ที่อาศัยอยู่ในจีนก็เริ่มแสดงการเต้นรำเหล่านี้ นอกจากนี้ การเต้นรำพื้นบ้านจีนรูปแบบหนึ่งที่ละเอียดอ่อนกว่านั้นก็คือ การเต้นรำของศาล ซึ่งบางครั้งเรียกว่าระบำในวัง เริ่มแรกมีต้นกำเนิดที่ราชสำนักของจักรพรรดิฮั่นในรัชสมัยของราชวงศ์ฉิน (221 ปีก่อนคริสตกาล - 206 ปีก่อนคริสตกาล) จักรพรรดิจีนองค์อื่นๆ รวมทั้งผู้ที่มีรากมองโกลและแมนจู ยังคงพัฒนาศิลปะการเต้นประเภทนี้ต่อไป การเชิดมังกรและการเชิดสิงโตมักจะแสดงในช่วงเทศกาลตรุษจีน

ตามการตีความของตำนานฮินดู ต้นกำเนิดของการเต้นรำเกิดขึ้นอย่างแม่นยำในอินเดีย และผู้สร้างคือพระเจ้าพระอิศวรที่เต้นรำเปลี่ยนความสับสนวุ่นวายทั่วไปให้กลายเป็นจักรวาล เชื่อกันว่ามีเพียงซีเลสเชียลเท่านั้นที่มีสิทธิ์เต้นรำและไม่ว่าในกรณีใดจะเป็นมนุษย์ธรรมดา ในงานเฉลิมฉลองในวังสวรรค์ นักระบำกึ่งเทพผู้สวยงามต่างบิดพลิ้วไปในการเต้นรำ ทำให้ทุกคนที่อยู่รอบ ๆ เบิกบานใจและยินดี พระเจ้าพระอิศวรเองถือเป็นนักเต้นที่ยอดเยี่ยมที่สุดเทพอื่น ๆ ทั้งหมดมีเกียรติที่จะแต่งเพลงประกอบให้กับเขา การเต้นรำมีให้สำหรับชาวโลกธรรมดาหลังจากปราชญ์ Bharata ผู้ได้รับสิทธิ์ไปเยี่ยมชมวังศักดิ์สิทธิ์และเพลิดเพลินกับการแสดงการเต้นรำด้วยการกระทำที่ดีของเขาหันไปหาเทพเจ้าพรหมและพระอิศวรด้วยการร้องขอให้สอนศิลปะนี้แก่คนธรรมดา .

ในอินเดียโบราณ การเต้นรำถือเป็นการแสดงออกถึงจิตวิญญาณ ซึ่งเป็นสภาวะภายในในรูปแบบสูงสุด เนื่องจากทัศนคติพิเศษของศาสนาฮินดูต่อศิลปะใดๆ ที่เป็นศูนย์รวมของความงามภายในอันศักดิ์สิทธิ์ในมนุษย์ ศิลปะจึงมีความเท่าเทียมกันในศาสนา ดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่ชาวฮินดูสถานโบราณจะเรียนรู้การเขียน อ่าน และสร้างประติมากรรมหิน นานก่อนที่พวกเขาจะเรียนรู้ที่จะเขียน แกะสลักหิน แสดงความศรัทธาในเทพเจ้าและการเชื่อฟังพวกเขาด้วยการเคลื่อนไหวร่างกาย การเต้นรำของชาวฮินดูในโลกยุคโบราณเป็นส่วนสำคัญของพิธีกรรมและพิธีกรรมทางศาสนา ในขั้นต้น องค์ประกอบการออกแบบท่าเต้นเหล่านี้ค่อนข้างดั้งเดิม แต่ในไม่ช้าพวกเขาก็เกือบจะสมบูรณ์แบบ โดยทั่วไปแล้ว เป็นที่เชื่อกันว่าการเต้นรำแบบคลาสสิกของอินเดียเป็นรูปแบบโยคะที่ผสมผสานพลังงานทางจิตวิญญาณและความอดทนทางร่างกายอย่างกลมกลืน ความจริงที่ว่าการเต้นรำในอินเดียโบราณเป็นส่วนสำคัญของชีวิตและชีวิตในหมู่ผู้คนได้รับการยืนยันในงานเขียนจำนวนมาก เรื่องราวของปราชญ์ และในรูปปั้นต่างๆ ที่แสดงภาพนักเต้นที่ถูกแช่แข็งในท่าที่สลับซับซ้อน

เป็นที่น่าสังเกตว่านาฏศิลป์อินเดียไม่ได้เป็นเพียงชุดการเคลื่อนไหวที่สวยงามแต่เป็นเรื่องราวที่เต็มเปี่ยมของเรื่องราวใดเรื่องหนึ่งโดยเฉพาะ คุณลักษณะนี้ได้รับการเก็บรักษาไว้จนถึงทุกวันนี้ นักเต้นสมัยใหม่ใช้ขั้นตอน ชิงช้า การเคลื่อนไหวของมือ มือ และแม้แต่รูปลักษณ์ที่สะท้อนความรู้สึก การกระทำ หรือแม้แต่เหตุการณ์ทั้งหมดที่กำหนดไว้อย่างเคร่งครัด แม้แต่ในอินเดียโบราณ เด็กสาวและสาวสวยที่คัดเลือกมาเป็นพิเศษซึ่งยังไม่บรรลุนิติภาวะก็กลายเป็นภรรยาของเหล่าทวยเทพที่วัดได้อุทิศให้ พวกเขาแสดงการเต้นรำเปลือยกายซึ่งเป็นการแสดงความรู้สึกที่มีต่อเทพ

ลักษณะเด่นอีกประการหนึ่งของวัฒนธรรมการเต้นรำของชาวฮินดูโบราณคือการตีความข้อความประกอบกับขั้นตอนการออกแบบท่าเต้น นักเต้นแต่ละคนแสดงเรื่องราวและการเต้นรำด้วยทักษะและมุมมองพิเศษของเขา การกระทำนี้อิ่มตัวอย่างสมบูรณ์ด้วยภาระเชิงความหมายอย่างใดอย่างหนึ่งและการตรัสรู้ของผู้อื่น

หลังจากช่วงเวลาหนึ่ง การเต้นรำในอินเดียเริ่มสูญเสียแก่นแท้ทางศาสนา และในยุคกลางแล้ว การเต้นรำส่วนใหญ่เป็นความบันเทิงในศาลและการแสดงที่มีสีสัน ผู้เข้าร่วมการเต้นรำไม่ได้ร้องเพลงเทพเจ้า แต่เป็นผู้อุปถัมภ์ของพวกเขา การเต้นรำของชาวฮินดูสมัยใหม่มีความสง่างาม ความสง่างาม และความรู้สึกมากมายอย่างไม่น่าเชื่อ การออกแบบท่าเต้นของอินเดียมีความพิเศษและไม่มีใครเทียบได้ในโลกทั้งใบ

การเต้นรำศักดิ์สิทธิ์ตามตำนานถูกโอนไปยังกรีซจากอียิปต์โดยออร์ฟัส พระองค์ทรงเห็นพวกเขาในเทศกาลพระวิหารของชาวอียิปต์ แต่เขารองการเคลื่อนไหวท่าทางตามจังหวะของเขาเองและพวกเขาก็เริ่มสอดคล้องกับตัวละครและจิตวิญญาณของชาวกรีกมากขึ้น การเต้นรำเหล่านี้บรรเลงตามเสียงพิณ และโดดเด่นด้วยความงามอันเคร่งครัด วันหยุดและการเต้นรำจึงมักอุทิศให้กับเทพเจ้าต่างๆ: Dionysus, เทพธิดา Aphrodite, Athena พวกเขาสะท้อนบางวันของปีปฏิทินแรงงาน

การเต้นรำของทหารในสมัยกรีกโบราณมีบทบาทสำคัญในการปลูกฝังความกล้าหาญ ความรักชาติ และสำนึกในหน้าที่ของเยาวชน โดยปกติแล้ว การเต้นรำแบบ pyrrhic แบบทหารจะทำโดยสองคน มี pyrrhias จำนวนมากที่มีเพียงชายหนุ่มเท่านั้นที่เต้นและบางครั้งเด็กผู้หญิงก็เต้นรำพร้อมกับชายหนุ่ม การเต้นรำของทหารทำให้เกิดการสู้รบรูปแบบการต่อสู้ที่หลากหลายซึ่งเป็นองค์ประกอบการออกแบบท่าเต้นที่ซับซ้อน ในมือของนักเต้นมีคันธนู ลูกธนู โล่ คบเพลิงที่จุดไฟ ดาบ หอก ลูกดอก ในแผนการเต้นที่กล้าหาญตามกฎแล้วตำนานและตำนานเกี่ยวกับวีรบุรุษได้สะท้อนออกมา

การเต้นรำเพื่อเป็นเกียรติแก่เทพเจ้ากรีกแห่งความอุดมสมบูรณ์และการผลิตไวน์ Dionysus โดดเด่นด้วยความสนุกสนานที่ควบคุมไม่ได้และรุนแรง Dionysius ได้รับการเฉลิมฉลองในฤดูใบไม้ผลิเมื่อไร่องุ่นเริ่มเปลี่ยนเป็นสีเขียวและธรรมชาติก็กลับมามีชีวิต ในชุดคลุมสีม่วง-ทอง พวกเขาถือรูปปั้นของไดโอนิซุสไว้ข้างหน้า ตามด้วยมัมมี่: นางไม้ครึ่งตัวและ naiads ที่มีดอกไม้และใบเถาในผมที่หลวม และเทพารักษ์ที่มีเขาแพะเป็นหนังสัตว์ น่าจะเป็น Dionysia ที่สวมหน้ากากเป็นครั้งแรก

การแสดงละครเวทีกรีกโบราณเป็นส่วนหนึ่งของการแสดงละคร ซึ่งแต่ละประเภทมีการเต้นรำเป็นของตัวเอง ในระหว่างการเต้นรำนักแสดงจะตีเวลาด้วยเท้าซึ่งพวกเขาสวมรองเท้าแตะเหล็กหรือไม้พิเศษตีเวลาด้วยมือของพวกเขาด้วยความช่วยเหลือของ castanets, หอยนางรม, สวมนิ้วกลาง

ในช่วงที่จักรวรรดิโรมันเสื่อมโทรม การเต้นรำและละครใบ้กลายเป็นแว่นตาที่ผิดศีลธรรม และได้รับการปฏิบัติอย่างดูถูกจากพลเมืองที่มีเกียรติของกรุงโรม ซิเซโรและฮอเรซเขียนเกี่ยวกับการเต้นรำของชาวโรมันในบทความของพวกเขา

1.3 การเต้นรำพื้นบ้านในยุโรปตั้งแต่ยุคกลางจนถึงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

วัยกลางคน. ยุคนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยความรู้สึกกลัวตาย ภาพลักษณ์แห่งความตายเช่นปีศาจมักพบในสัญลักษณ์ยุคกลาง ภาพของการเต้นรำตายเกิดขึ้นแล้วในสมัยโบราณ ร่างแห่งความตายยังปรากฏอยู่ในการเต้นรำของสังคมดึกดำบรรพ์มากมาย แต่ในยุคกลางภาพแห่งความตายกลายเป็นสัญลักษณ์ของพลังอันยิ่งใหญ่ "การเต้นรำแห่งความตาย" (danse macabre) แพร่หลายโดยเฉพาะอย่างยิ่งในยุโรปในศตวรรษที่ 14 ในช่วงที่เกิดโรคระบาด ในแง่สังคม การเต้นรำนี้เหมือนกับความตาย ทำให้ตัวแทนของชนชั้นต่างๆ เท่าเทียมกัน ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาของโรคระบาด "การเต้นรำแห่งความตาย" มักจะพัฒนาเป็นเรื่องสนุกที่ตีโพยตีพาย มักจะเริ่มต้นด้วยการเต้นรำอย่างรวดเร็ว จากนั้นนักเต้นคนหนึ่งก็ล้มลงกับพื้นแทนคนตาย และคนอื่นๆ ยังคงเต้นรำอยู่รอบๆ ตัวเขา นำเสนอการไว้ทุกข์ของผู้ตายในรูปแบบล้อเลียน ถ้าคนตายถูกแสดงโดยชายคนหนึ่ง เขาฟื้นคืนชีวิตด้วยการจุมพิตของสาวๆ ถ้าเป็นผู้หญิง ผู้ชายจะจูบเธอ หลังจากการ "ฟื้นคืนชีพ" การเต้นรำแบบกลมทั่วไปตามมา

เรื่องราวมากมายมาจากยุคกลางของความคลั่งไคล้การเต้นอย่างคลั่งไคล้ ในช่วงวันหยุดของคริสเตียน ผู้คนเริ่มร้องเพลงและเต้นรำที่วัดในทันใด ขัดขวางการรับใช้ของคริสตจักรที่เกิดขึ้นในพวกเขา การเต้นรำที่บ้าคลั่งเหล่านี้พบเห็นได้ในทุกประเทศ ในประเทศเยอรมนีเรียกว่า "Dance of St. Witta" และในอิตาลี - "tarantella"

การเต้นรำไม่เพียง แต่เป็นวิธีการผ่อนคลายที่จำเป็นเท่านั้น แต่ยังเป็นความบันเทิงหลักอีกด้วย การเต้นรำในยุคกลางยังคงเป็นการแสดงสดเป็นส่วนใหญ่ ผู้คนชอบการเต้นรำแบบกลม แต่ไม่มีกฎการเต้นที่มั่นคง การเต้นรำเป็นรูปแบบการเกี้ยวพาราสีที่เป็นที่ยอมรับ นักแสดงของพวกเขามาพร้อมกับการเต้นรำด้วยการร้องเพลง การเคลื่อนไหวนั้นง่ายที่สุด ในศตวรรษที่สิบสอง ลัทธิแห่งความรักโรแมนติกและความกล้าหาญได้เปลี่ยนการเต้นไปอย่างมาก โดยปิดเสียงลักษณะที่เร้าอารมณ์อย่างตรงไปตรงมา การเต้นรำเป็นหนึ่งในกิจกรรมปกติสำหรับอัศวินและทำหน้าที่เป็นเหมือนการแข่งขันในประเทศแบบคู่ขนานกับการแข่งขันกลางแจ้ง โดยปกติการเต้นรำจะนำโดยคู่หนึ่ง ร่วมกับคนอื่น ๆ ค่อย ๆ เคลื่อนไหวเป็นวงกลม ประเภทของการเต้นรำนี้ชวนให้นึกถึงโปโลเนซในหลาย ๆ ด้าน

ในช่วงปลายยุคกลาง ความแตกต่างระหว่างการเต้นรำคู่ในราชสำนักกับการเต้นรำแบบกลุ่มในหมู่บ้าน ในแง่สังคมยังไม่มีลุ่มน้ำที่แข็งกระด้าง ชาวบ้านสามารถเลียนแบบการเต้นรำในราชสำนักได้ และบางครั้งอัศวินก็ชอบร่วมรำวงในชนบท ชาวนายอมเต้นรำด้วยความเป็นธรรมชาติที่ไม่ถูกจำกัด อัศวินเต้นรำอย่างเคร่งครัดมากขึ้น ตามมารยาทในราชสำนัก การเต้นรำพื้นบ้านยังคงเป็นด้นสดในขณะที่การเต้นรำในศาลเริ่มมีมากขึ้นเรื่อย ๆ รูปแบบหลักของศิลปะในวังคือระบำฟิกเกอร์ ซึ่งกลุ่มนักเต้นได้ก่อตัวเป็นขบวนการฟ้อนรำอย่างต่อเนื่อง

สิ่งสำคัญอย่างยิ่งในการพัฒนาการเต้นรำในศาลคือการเกิดขึ้นของครูสอนนาฏศิลป์มืออาชีพ ซึ่งไม่เพียงแต่สอนผู้สูงศักดิ์เท่านั้น แต่ยังทำหน้าที่เป็นผู้ตัดสินชี้ขาดในด้านมารยาทและมารยาท และมักจะมีอิทธิพลอย่างมากต่อบรรยากาศในสนาม

การเต้นรำเป็นส่วนหนึ่งของการปฏิบัติทางศาสนาในศาสนาหลักส่วนใหญ่ และเป็นเรื่องปกติในศาสนาคริสต์จนถึงศตวรรษที่ 13 ถือเป็นส่วนเสริมของการบูชาดนตรีไม่ว่าจะเป็นเสียงร้องหรือบรรเลง งานทางสังคมและงานเฉลิมฉลองทางโลก ซึ่งมักเกี่ยวข้องกับงานเฉลิมฉลองทางศาสนา ก็มีการเต้นรำด้วยเช่นกัน เช่นเดียวกับพิธีกรรมทางการต่างๆ เช่น การเสด็จพระราชดำเนินเยือนและพิธีราชาภิเษก แต่การแสดงความชื่นชมยินดีและการสรรเสริญทางกายภาพนี้ไม่ได้จำกัดเฉพาะในโอกาสพิเศษเท่านั้น การเต้นรำเป็นส่วนหนึ่งของชีวิตประจำวันด้วย มีรายงานมากมายเกี่ยวกับการเต้นรำยามบ่ายและการใช้การเต้นรำเพื่อสร้างร่างกายที่แข็งแรง ท่าเต้นนี้เชื่อมโยงกับการฝึกทหาร ซึ่งส่วนใหญ่ใช้เท้าและไม่เพียงแต่ต้องอาศัยความอดทนเท่านั้น แต่ยังต้องใช้ความคล่องตัวและการเดินเท้าที่รวดเร็วอีกด้วย

ในยุคเรเนสซองส์ การเต้นรำทุกวันมีความสำคัญอย่างยิ่ง ไม่เพียงแต่งานรื่นเริงในยามค่ำคืนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานเฉลิมฉลองริมถนนอันงดงาม ซึ่งบางครั้งก็สว่างไสวและสง่างามเป็นพิเศษไม่สามารถทำได้โดยปราศจากมัน ในห้องโถงของพระราชวังของขุนนางอิตาลี มีการแสดงละครสลับฉากด้วยเพลงและการเต้นรำ การเต้นรำเป็นพื้นฐานของแว่นตาอันโอ่อ่าเหล่านี้

พัฒนาการของนาฏศิลป์ระหว่างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความเกี่ยวข้องกับอิตาลีตอนเหนือเป็นส่วนใหญ่ แม้ว่าในเวลาต่อมาเพียงเล็กน้อย เมื่อการเต้นรำแผ่กระจายไปทั่วยุโรป ราชสำนักฝรั่งเศสก็กลายเป็นที่มาของสไตล์อันวิจิตรงดงามและความงามแบบบาโรก ผู้ปกครองของนครรัฐของอิตาลีให้ความสนใจกับแว่นตาอันตระการตามากขึ้นเรื่อยๆ เทคนิคการเต้นชุดหนึ่งค่อยๆ พัฒนาขึ้นพร้อมกับกฎบังคับจำนวนหนึ่ง การเต้นรำในชนบทที่มีชีวิตชีวาไม่เหมาะกับสุภาพสตรีในราชสำนักและสุภาพบุรุษ เสื้อผ้าของพวกเขา เช่น ห้องโถงหรือสวนที่พวกเขาเต้นรำ โครงสร้างความคิดของพวกเขาไม่อนุญาตให้มีการเคลื่อนไหวที่ไม่มีการรวบรวมกันอย่างแน่นอน เพื่อฟื้นฟูระเบียบและเสริมสร้างระเบียบวินัย มีปรมาจารย์ด้านการเต้นพิเศษซึ่งการเต้นรำเป็นศูนย์รวมของความยับยั้งชั่งใจและความซับซ้อน ตอนนี้ไม่มีอะไร "เป็นที่นิยม" เหลืออยู่ในเขาแล้ว การเต้นรำกลายเป็นละครมากขึ้น ปรมาจารย์นาฏยศิลป์มืออาชีพซ้อมรำเดี่ยวกับเหล่าขุนนางล่วงหน้า และกำกับการเคลื่อนไหวของกลุ่มนักเต้น ในขณะที่ข้าราชบริพารคนอื่นๆ เป็นผู้ชม

การพัฒนาศิลปะดนตรีในยุคเรอเนซองส์มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการพัฒนาการเต้น เนื่องจากนักประพันธ์เพลงหลักเกือบทั้งหมดมุ่งความสนใจไปที่การเต้นในการแต่งเพลง

การสวมหน้ากาก โมเมเรีย และขบวนคาร์นิวัล ความบันเทิงที่ชื่นชอบในยุคกลาง โดยเฉพาะอย่างยิ่งแพร่หลายในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ส่วนใหญ่ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาพวกเขาชอบสวมหน้ากากนั่นคือการเต้นรำสวมหน้ากากและหน้ากากมีความสำคัญเป็นพิเศษในยุคนี้ ผู้ที่ต้องการไม่ระบุตัวตนเดินทางในหน้ากาก ตัวแทนของตระกูลขุนนางที่ต่อสู้กันซ่อนใบหน้าภายใต้หน้ากาก ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดคือโรมิโอที่เข้าสู่บอลคาปูเล็ต (โศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์ "โรมิโอและจูเลียต")

งานคาร์นิวัลยังมีส่วนช่วยอย่างมากในการเต้นในฐานะความบันเทิงสาธารณะ ที่งดงามที่สุดของพวกเขาคือสิ่งที่เรียกว่าชัยชนะ - การแสดงในเรื่องที่เป็นตำนานด้วยฉากที่ดำเนินการอย่างชำนาญ ค่อนข้างเจียมเนื้อเจียมตัวมากกว่าคือแกง การปลอมตัวของช่างฝีมือและพ่อค้าในเมืองต่างๆ ของอิตาลี ที่ซึ่งผู้คนจำนวนมากสวมหน้ากากเดินขบวนอยู่เบื้องหลังสัญลักษณ์ที่ประดับตกแต่งในอาชีพของตน

การเต้นรำในยุคกลางที่หลากหลาย

เบสแดนซ์ - จาก fr. Basse danse - "การเต้นรำต่ำ" - ชื่อทั่วไปของ "การเต้นรำแบบกระโดด" แบบเลื่อนของศตวรรษที่ 16; พวกเขาปรากฏตัวครั้งแรกที่ศาลเบอร์กันดี "การเต้นรำต่ำ" - ตรงกันข้ามกับ "การเต้นรำสูง" (danse haute) ซึ่งมีลักษณะการกระโดดสูงและกระดอนสูง การเต้นรำแบบเบสเป็นการเต้นรำแบบพิธีการคล้ายกับโปโลเนซคือ เชื่อมโยงกับการเดินมากกว่าการเต้นรำเช่นนั้น การเต้นรำแบบเบสถือเป็นบรรพบุรุษของเอสตัมปี การเต้นรำสามารถทำได้ทั้งแบบสองส่วน (ปกติ) และแบบสามส่วน การเต้นรำแบบเบสประกอบด้วยสามส่วน: การเต้นรำแบบเบส การทำซ้ำ และการทอร์เดียน - การเต้นรำแบบกระโดด การฟ้อนรำเบสหายไปในศตวรรษที่ 16 แทนที่ด้วยปาเวน

Estampie (estampie) หรือ estampida - รูปแบบเครื่องดนตรียุคกลางและการเต้นรำจาก Provence ผู้เขียนในยุคกลางกล่าวถึง stantype ซึ่งอาจเป็นชื่อละตินสำหรับ estampida stantype แต่ละแบบประกอบด้วยชุดของ "จุด" (puncti): แต่ละเครื่องหมายวรรคตอน (จุด) ประกอบด้วยสองส่วนที่มีจุดเริ่มต้นเหมือนกัน (apertum) และจุดสิ้นสุดต่างกัน (clausum) นอกเหนือจากสแตนไทป์คือ ductia ซึ่งประกอบด้วย "จุด" ซึ่งพวกเขาเต้น Estampi ถือได้ว่าเป็นหนึ่งในการเต้นรำหลักของยุคกลาง

ซัลตาเรลโลเป็นการเต้นรำแบบอิตาลีที่กระฉับกระเฉงในจังหวะที่รวดเร็ว ในสามส่วน หรือสองส่วนในบางครั้ง ชื่อมาจาก saltare - "กระโดด" ซัลตาเรลโลพบได้ทั่วไปโดยเฉพาะในศตวรรษที่ 16-17 แต่พบในต้นฉบับภาษาอังกฤษและอิตาลีตั้งแต่ช่วงต้นศตวรรษที่ 14 ในศตวรรษที่สิบหก ซัลทาเรลโลจับคู่กับการเต้นเบสและพาสซาเมซโซ (ตามหลัง) ทุกวันนี้ ซัลทาเรลโลกำลังเต้นรำในอิตาลีและสเปนในลักษณะเดียวกับทารันเทลลา

Moresca (morisco) เป็นการเต้นรำแบบโขนที่รู้จักกันตั้งแต่ยุคกลางตอนต้น นักเต้นซึ่งสอดคล้องกับแนวความคิดที่โรแมนติกอย่างแรงกล้าของชาวมัวร์ สวมเครื่องแต่งกายพิลึกพิลั่นพร้อมกระดิ่งที่ข้อเท้า ดนตรีถูกครอบงำด้วยจังหวะประและท่วงทำนองที่แปลกใหม่ บ่อยครั้งที่ใบหน้าของนักเต้นหนึ่งคนหรือมากกว่านั้นถูกทาสีดำ ในยุโรป การเต้นรำแพร่กระจายไปยังภูมิภาคที่มีการติดต่อระหว่างชาวมุสลิมและคริสเตียน ทะเลยุโรปมีต้นกำเนิดในสเปนซึ่งมีการกล่าวถึงในศตวรรษที่ 15 แล้ว

Courante เป็นการเต้นรำแบบสองส่วน แต่เดิมเป็นละครใบ้ รู้จักกันมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ระฆังค่อยๆ ขยายออกเป็นสามส่วนและในศตวรรษที่ 17 เริ่มดำเนินการควบคู่ไปกับอัลเลมานด์ (หลังจากนั้น) ลักษณะเฉพาะของเสียงระฆังของศตวรรษที่ XVII คือการเปลี่ยนแปลงบ่อยครั้งในหน่วยเมตรจาก 3/2 เป็น 6/4 และย้อนกลับ ซึ่งสอดคล้องกับการสลับร่างของการเต้นรำหลักสองรูปแบบ - pas de courante และ pas de coupe

Gigue เป็นการเต้นรำแบบอังกฤษที่ได้รับความนิยมในศตวรรษที่ 16 ชื่อนี้มาจากคำภาษาฝรั่งเศสโบราณ giguer ("เต้นรำ") หรือจากคำภาษาอังกฤษโบราณ giga (ซอพื้นบ้าน) ตอนแรกกิ๊กอยู่ใน 4/4 ครั้ง ต่อมาจิจิแต่งใน 6/8 ครั้งด้วยโน้ตตัวที่แปดคั่นด้วย

Pavane - การเต้นรำที่เปิดลูกบอลแห่งศตวรรษที่ 16-17 ในขนาดสองส่วน (บางครั้งเป็นสามส่วน) ซึ่งเป็นขบวนที่ช้าและสง่างาม Pavana มาจากสเปนชื่อเกี่ยวข้องกับคำว่า pavo ("นกยูง"); บางที pavane อาจเป็นรูปแบบการเต้นเบสตอนปลาย ในศตวรรษที่ 17 ปาเวนมักจะตามมาด้วยเรือแกลเลียร์ที่กระโจนอย่างรวดเร็ว ในอิตาลีและเยอรมนี ปาโดวานา (จากชื่อเมืองปาดัวของอิตาลี) มักทำหน้าที่เป็นคำพ้องความหมายของปาวาเนส นักประพันธ์เพลงชาวเยอรมันในช่วงหลังปี ค.ศ. 1600 เขียนบทประพันธ์อันวิจิตรงดงามซึ่งพวกเขาเรียกว่า "ปวัน" นอกจากนี้ Pavanes ยังประพันธ์เพลงโดย Madrigalists ชาวอังกฤษ W. Byrd, J. Bull, O. Gibbons และ J. Dowland

Galliarda เป็นการเต้นรำที่ร่าเริงและมีชีวิตชีวาของศตวรรษที่ 16-17 ในตอนแรกค่อนข้างเร็ว ภายหลังดำเนินการด้วยความเร็วที่จำกัดมากขึ้นในระยะทางสามเมตร เดิมเป็นสองส่วน แกลเลียร์ดจึงเปลี่ยนเมตรและกลายเป็น "คู่" กับปาวาเนหรือพาสซาเมซโซ (แสดงต่อจากพวกเขา) Galliard เป็นหนึ่งในนาฏศิลป์ยุโรปที่โปรดปรานของศตวรรษที่ 17

Branle เป็นชื่อสามัญสำหรับการเต้นรำของศตวรรษที่ 16-17 บรันเล่มีหลากหลายรุ่นในจังหวัดต่าง ๆ ของฝรั่งเศส - เบอร์กันดี, ปัวตู, แชมเปญ, ปีการ์ดี, ลอร์แรน, โอบารา, บริตตานี ในศตวรรษที่สิบห้า branle เสร็จสิ้นการเต้นเบสในศตวรรษที่ XVI-XVII กลายเป็นการเต้นรำที่เป็นอิสระซึ่งนำมารวมกันเป็นห้องสวีท ลำดับของชิ้นส่วนในชุด branle มีดังนี้: branle double, branle simple, branle healthy, montirande และ gavotte; คำสั่งอาจเปลี่ยนแปลงได้ แต่กาโวตต์มักจะมาที่จุดสิ้นสุดเสมอ แบรนเล่มักถูกรวมอยู่ในบัลเลต์แบบบาโรก แม้ว่าตัวการเต้นรำจะเลิกใช้ไปแล้วก็ตาม

Bergamasque - การเต้นรำของศตวรรษที่ XVI-XVII ขนาด 2/4 หรือ 4/4 มาจากเมืองแบร์กาโมของอิตาลี เชคสเปียร์กล่าวถึงเบอร์กามาสก์ในเรื่อง A Midsummer Night's Dream ดังนั้นการเต้นรำนี้จึงเป็นที่รู้จักในอังกฤษในศตวรรษที่ 16 แล้ว ในต้นฉบับของเวลานั้น bergamask มีท่วงทำนองเฉพาะ ซึ่งมักจะเป็น basso ostinato (เช่น เบสที่ทำซ้ำอย่างต่อเนื่อง) ที่มีความหลากหลาย

Chaconne เป็นการเต้นรำแบบสเปนของศตวรรษที่ 16-18 ใกล้กับ passacaglia ตามคำอธิบายของผู้แต่งในศตวรรษที่ 16 และ 17 การเต้นรำมาถึงสเปนจากเวสต์อินดีส Chaconne ในรูปแบบดั้งเดิมที่เย้ายวนและเจ้าอารมณ์ในศตวรรษที่ 17 กลายเป็นการเต้นที่ช้าอย่างโอฬาร ดนตรี - ด้วยการพัฒนาที่หลากหลายตามเบสโซออสตินาโต

Allemande - จาก fr. allemand - "เยอรมัน" - การเต้นรำของศตวรรษที่ 16-18 ตามชื่อของมัน - มีต้นกำเนิดจากเยอรมัน เช่นเดียวกับเพลง pavane allemande เป็นการเต้นรำจังหวะปานกลางในสองจังหวะ การเต้นรำที่สงบนี้มักจะตามมาด้วยเสียงตีระฆังสามจังหวะที่มีชีวิตชีวา

ในยุคเรอเนสซองส์ ความบันเทิงทางโลก ทีละหยด กลายเป็นความซับซ้อนและซับซ้อนยิ่งขึ้นสำหรับทุกคนที่ไม่เกียจคร้าน องค์ประกอบของโรงละครและการเต้นรำแทรกซึมทั้งชีวิตเก่าและวัยเยาว์ของขุนนางศักดินา - บางครั้งงานเลี้ยงในปราสาทคล้ายกับการแสดงละคร: ระหว่างที่เสิร์ฟอาหารแต่ละจานศิลปินและนักดนตรีที่ได้รับเชิญเล่นฉากเต้นรำและโขนเล็ก ๆ และเล่นเครื่องดนตรี ในศตวรรษที่ 15 การเต้นรำเปลี่ยนไปเล็กน้อย - ซับซ้อนมากขึ้นพวกเขาแข็งแกร่งขึ้นเร็วขึ้นและคล่องตัวมากขึ้นในปัจจุบันมีการกระโดดและแม้แต่การยกแบบเบา - ไม่ช้าก็เร็วผู้หญิงที่ได้รับความช่วยเหลือจากสุภาพบุรุษก็ลุกขึ้น อากาศ. ท่าเต้นใหม่ๆ ปรากฏขึ้นมากมาย แต่ละท่ามีการเคลื่อนไหวบางอย่าง (pa) ยิ่งไปกว่านั้น จำเป็นต้องรู้จักพวกเขา - ทั้งการเต้นรำและการเคลื่อนไหว - ในลักษณะเดียวกับกฎของมารยาท

ดังนั้นการเต้นรำจึงพัฒนาเป็นสิ่งที่เราเรียกว่าบัลเล่ต์หรือการเต้นรำแบบคลาสสิก มาดูเรื่องราวของเขากันดีกว่า

2. ยุคบัลเล่ต์ในต่างประเทศและในรัสเซีย

2.1 บัลเล่ต์ในตะวันตก

ในศตวรรษที่ 15 ในช่วงปลายยุคกลาง ความสนใจในกรีกโบราณได้ปรากฏขึ้นในวัฒนธรรม ซึ่งนำไปสู่แนวความคิดเช่นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา การจัดลำดับความสำคัญในชีวิตทางวัฒนธรรมเปลี่ยนไป และนักเต้นก็สัมพันธ์กับคนในอุดมคติ บัลเล่ต์ถือกำเนิดขึ้นเช่นเดียวกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในอิตาลี ชื่อ "บัลเล่ต์" นั้นมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับอิตาลีเพราะ ballo หมายถึงการเต้นรำ การแสดงถูกจัดแสดงในวังสำหรับขุนนางในท้องถิ่น และนักเต้นก็ตกแต่งการแสดงละครนี้ ในช่วงแรกสุดของบัลเล่ต์ เมื่อสิ้นสุดการแสดง ผู้ชมก็มีส่วนร่วม แน่นอน เมื่อเทียบกับบัลเลต์ร่วมสมัย ในยุคกลาง การออกแบบท่าเต้นนั้นอ่อนแอกว่ามาก การเคลื่อนไหวหลักประกอบด้วยขั้นตอนตามการเต้นรำในศาล สิ่งนี้อธิบายได้ด้วยข้อเท็จจริงที่ว่ามีคนเพียงไม่กี่คนที่ถือว่าเป็นนักออกแบบท่าเต้น

ขอบคุณ Catherine de Medici ชาวอิตาลีที่แต่งงานกับกษัตริย์ Henry II ของฝรั่งเศส ศิลปะแห่งบัลเล่ต์เริ่มแพร่หลายไปทั่วอิตาลี เธอสนับสนุนและให้เงินสนับสนุนอย่างเต็มที่ในการผลิตการแสดงเต้นรำ โดยทั่วไป การแสดงจะจัดขึ้นในเหตุการณ์ที่มีชื่อเสียงของรัฐ เช่น การมาถึงของเอกอัครราชทูตโปแลนด์ ต่อมาบัลเล่ต์ได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่จากพระมหากษัตริย์ฝรั่งเศสและอิตาลีและได้มีการสร้างโรงละครพิเศษขึ้นเพื่อแสดงเพื่อเงินต่อหน้าผู้ชมทั่วไป

ในตอนแรกมันเหมือนกับฉากเต้นรำที่รวมกันเป็นหนึ่งการกระทำหรืออารมณ์ ตอนในการแสดงดนตรี โอเปร่า บัลเลต์ที่ยืมมาจากอิตาลีจึงเฟื่องฟูในฝรั่งเศสในฐานะการแสดงอันวิจิตรตระการตา จุดเริ่มต้นของยุคบัลเล่ต์ในฝรั่งเศสและทั่วโลกควรได้รับการพิจารณาในวันที่ 15 ตุลาคม พ.ศ. 1581 เมื่อมีการแสดงโชว์ที่ศาลฝรั่งเศสซึ่งถือเป็นบัลเล่ต์ครั้งแรก - "The Comedy Ballet of the Queen" (หรือ " Cerce") จัดแสดงโดยนักไวโอลินชาวอิตาลี "หัวหน้าผู้ควบคุมดนตรี" โดย Baltasarini de Belgioso พื้นฐานทางดนตรีของบัลเล่ต์ชุดแรกคือการเต้นรำในศาลซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของชุดเก่า ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ประเภทของการแสดงละครใหม่ปรากฏขึ้น เช่น บัลเลต์ตลก บัลเลต์โอเปร่า ซึ่งเป็นสถานที่สำคัญสำหรับดนตรีบัลเลต์ และพยายามทำให้เป็นละคร แต่บัลเล่ต์กลายเป็นศิลปะการแสดงบนเวทีที่เป็นอิสระเฉพาะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เท่านั้นด้วยการปฏิรูปที่ดำเนินการโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Jean Georges Noverre (งานของเขา "Letters on Dance" มีความสำคัญอย่างยิ่ง) ตามสุนทรียศาสตร์ของการตรัสรู้ของฝรั่งเศส เขาสร้างการแสดงที่มีการเปิดเผยเนื้อหาในรูปแบบการแสดงละคร อนุมัติบทบาทเชิงรุกของดนตรีว่าเป็น "โปรแกรมที่กำหนดการเคลื่อนไหวและการกระทำของนักเต้น"

ผู้ก่อตั้งซึ่งเป็นบรรพบุรุษของบัลเล่ต์คือ Louis XIV ซึ่งเป็น Sun King ผู้รักการเต้นรำ ตอนอายุสิบสอง (1651) เขาได้เปิดตัวในบัลเล่ต์ที่เรียกว่า "บัลเลต์เดอคูร์" - บัลเลต์ในศาลซึ่งจัดแสดงเป็นประจำทุกปีในช่วงเทศกาล

งานรื่นเริงของยุคบาโรกไม่ได้เป็นเพียงวันหยุดและความบันเทิงเท่านั้น แต่ยังเป็นโอกาสในการเล่นใน "โลกกลับด้าน" ตัวอย่างเช่นกษัตริย์เป็นเวลาหลายชั่วโมงกลายเป็นตัวตลกศิลปินหรือตัวตลกในเวลาเดียวกันตัวตลกก็สามารถที่จะปรากฏตัวในรูปแบบของราชาได้ ในการแสดงบัลเลต์ครั้งหนึ่งซึ่งถูกเรียกว่า "บัลเลต์แห่งราตรี" หนุ่มหลุยส์ได้มีโอกาสปรากฏตัวครั้งแรกต่อหน้าอาสาสมัครในรูปแบบพระอาทิตย์ขึ้น (ค.ศ. 1653) และอพอลโล - เทพแห่งดวงอาทิตย์ (1654).

เมื่อหลุยส์ที่สิบสี่เริ่มปกครองอย่างอิสระ (พ.ศ. 2164) ประเภทของบัลเล่ต์ของศาลก็ถูกนำไปใช้เพื่อประโยชน์ของรัฐ ช่วยกษัตริย์ไม่เพียง แต่สร้างภาพลักษณ์ที่เป็นตัวแทนของเขาเท่านั้น แต่ยังจัดการสังคมของศาลด้วย (เช่นเดียวกับศิลปะอื่น ๆ ) บทบาทในโปรดักชั่นเหล่านี้แจกจ่ายโดยกษัตริย์และสหายของเขาคือ Comte de Saint-Aignan เท่านั้น

ในปี ค.ศ. 1661 พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ทรงก่อตั้งโรงเรียนบัลเลต์แห่งแรกในโลกคือ Royal Academy of Dance หัวหน้าโรงเรียนคือ Lully ผู้กำหนดการพัฒนาบัลเล่ต์สำหรับศตวรรษหน้า เนื่องจาก Lully เป็นนักแต่งเพลง เขาจึงพิจารณาการพึ่งพาท่าเต้นในการสร้างวลีดนตรีและธรรมชาติของท่าเต้น - กับธรรมชาติของดนตรี ในความร่วมมือกับ Molière และ Pierre Beauchamp ครูสอนเต้นของ Louis XIV ได้สร้างรากฐานทางทฤษฎีและการปฏิบัติของศิลปะบัลเล่ต์ Pierre Beauchamp เริ่มสร้างคำศัพท์ของนาฏศิลป์คลาสสิก จนถึงทุกวันนี้ มีการใช้คำศัพท์สำหรับการกำหนดและอธิบายตำแหน่งบัลเลต์หลักและชุดค่าผสมในภาษาฝรั่งเศส

การพัฒนาต่อไปและความเจริญรุ่งเรืองของบัลเล่ต์ตกอยู่ในยุคของแนวโรแมนติก ย้อนกลับไปในยุค 30 ของศตวรรษที่สิบแปด นักบัลเล่ต์ชาวฝรั่งเศส Camargo ย่อกระโปรงของเธอและละทิ้งส้นเท้า ซึ่งอนุญาตให้เธอใส่รองเท้าแตะในการเต้นของเธอ ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบแปด ชุดบัลเล่ต์มีน้ำหนักเบาและเป็นอิสระมากขึ้นซึ่งส่วนใหญ่มีส่วนช่วยในการพัฒนาเทคนิคการเต้นอย่างรวดเร็ว การแสดงบัลเล่ต์จำเป็นต้องมีการพัฒนาดนตรีบัลเล่ต์ เบโธเฟนในบัลเล่ต์ The Creations of Prometheus (1801) ได้ทำความพยายามครั้งแรกในการประสานบัลเล่ต์ ทิศทางที่โรแมนติกเกิดขึ้นในบัลเล่ต์ของ Adam Giselle (1841) และ Le Corsaire (1856) บัลเลต์ของเดลิเบส คอปเปเลีย (1870) และซิลเวีย (1876) ถือเป็นบัลเลต์ไพเราะชุดแรก ในเวลาเดียวกัน แนวทางที่ง่ายขึ้นสำหรับดนตรีบัลเลต์ก็ถูกร่างไว้ด้วย (ในบัลเลต์ของ C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo เป็นต้น) เป็นเพลงไพเราะ จังหวะที่ชัดเจน ทำหน้าที่เป็นเพียงการบรรเลงประกอบการเต้น .

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 เทรนด์ศิลปะใหม่เกิดขึ้น - แนวโรแมนติกซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อบัลเล่ต์ นักแสดงพยายามทำให้การเต้นโปร่งสบายขึ้น นักแสดงพยายามยืนด้วยปลายนิ้ว ซึ่งนำไปสู่การประดิษฐ์รองเท้าปวงต์ ในอนาคตเทคนิคการเต้นของผู้หญิงกำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน คนแรกที่ใช้การเต้นรำปวงต์เป็นวิธีการแสดงออกคือ Maria Taglioni นักเต้นละทิ้งเครื่องแต่งกายหนักๆ ที่มีอยู่ในบัลเลต์ วิกผม และเครื่องสำอาง เต้นรำในชุดเดรสสีอ่อนเท่านั้น ใน Paris Grand Opera ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2375 รอบปฐมทัศน์ของบัลเล่ต์ Sylphide เกิดขึ้นซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของยุคบัลเล่ต์แนวโรแมนติก ตอนนั้นเองที่ Taglioni ได้แนะนำบัลเล่ต์ตูตูและรองเท้าปวงต์ ก่อนที่มาเรีย นักบัลเล่ต์สาวสวยจะเอาชนะผู้ชมด้วยเทคนิคการเต้นอัจฉริยะและเสน่ห์แบบผู้หญิง Taglioni ไม่ได้หมายถึงความงามแต่อย่างใด ได้สร้างนักบัลเล่ต์รูปแบบใหม่ขึ้นมา - จิตวิญญาณและความลึกลับ ใน La Sylphide เธอได้รวมเอาภาพลักษณ์ของสิ่งมีชีวิตที่พิสดาร เป็นตัวเป็นตนในอุดมคติ ความฝันแห่งความงามที่ไม่สามารถบรรลุได้ ในชุดเดรสสีขาวพลิ้วๆ กระโดดโลดเต้นและเย็นยะเยือกที่ปลายนิ้วของเธอ Taglioni กลายเป็นนักบัลเล่ต์คนแรกที่ใช้รองเท้า Pointe และทำให้พวกเขากลายเป็นส่วนสำคัญของบัลเล่ต์คลาสสิก ในเวลานี้มีบัลเล่ต์ที่ยอดเยี่ยมมากมาย แต่น่าเสียดายที่บัลเล่ต์แสนโรแมนติกเป็นศิลปะการเต้นรำที่รุ่งเรืองครั้งสุดท้ายในตะวันตก จากครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 บัลเล่ต์ซึ่งสูญเสียความหมายเดิมไปได้กลายเป็นส่วนเสริมของโอเปร่า เฉพาะในช่วงทศวรรษที่ 1930 ภายใต้อิทธิพลของบัลเล่ต์รัสเซีย การฟื้นฟูรูปแบบศิลปะนี้เริ่มขึ้นในยุโรป

2.2 บัลเล่ต์รัสเซีย

บัลเล่ต์รัสเซียจะคงอยู่ในประวัติศาสตร์นานหลายศตวรรษอย่างไม่ต้องสงสัย มันเต็มไปด้วยอัจฉริยะด้านการเต้น บัลเลต์คลาสสิก ผู้ออกแบบท่าเต้น และนีโอคลาสสิก สมัยใหม่ แต่นี่ไม่ใช่หัวข้อของงานของเรา ดังนั้นเรามาเน้นที่งานที่สำคัญที่สุดที่พัฒนา "คลาสสิก" ของรัสเซียและส่งเสริมให้โลกเห็น

การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกในรัสเซียตามข้อมูลของ I. E. Zabelin เกิดขึ้นที่ Shrovetide เมื่อวันที่ 17 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1672 ที่ศาลของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชใน Preobrazhensky Reitenfels กำหนดการแสดงนี้จนถึงวันที่ 8 กุมภาพันธ์ 1675 การผลิตบัลเล่ต์เกี่ยวกับ Orpheus โดยนักแต่งเพลง G. Schutz กำกับโดย Nikolai Lima ก่อนเริ่มการแสดงนักแสดงที่วาดภาพออร์ฟัสขึ้นมาบนเวทีและร้องเพลงคู่ภาษาเยอรมันแปลเป็นซาร์โดยนักแปลซึ่งคุณสมบัติที่สวยงามของจิตวิญญาณของอเล็กซี่มิคาอิโลวิชได้รับการยกย่อง ในเวลานี้ทั้งสองด้านของออร์ฟัสมีปิรามิดสองแห่งที่ตกแต่งด้วยแบนเนอร์และส่องสว่างด้วยไฟหลากสีซึ่งหลังจากเพลงของออร์ฟัสเริ่มเต้นรำ

ต่อมาโดยพระราชกฤษฎีกาพิเศษของจักรพรรดิปีเตอร์มหาราช การเต้นรำกลายเป็นส่วนสำคัญของมารยาทในราชสำนัก ในยุค 1730 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่ศาลของ Anna Ivanovna มีการแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์เป็นประจำ ฉากเต้นรำในโอเปร่าได้รับการออกแบบโดย J. B. Lande และ A. Rinaldi (ชื่อเล่นว่า Fossano) เยาวชนผู้สูงศักดิ์จำเป็นต้องเรียนเต้นรำ ดังนั้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก การเต้นรำบอลรูมจึงกลายเป็นระเบียบวินัยบังคับในคณะนักเรียนนายร้อยผู้ดี ด้วยการเปิดโรงละครฤดูร้อนใน Summer Garden และโรงละครฤดูหนาวที่ปีกของ Winter Palace นักเรียนนายร้อยเริ่มมีส่วนร่วมในการเต้นรำบัลเล่ต์ ครูสอนเต้นในอาคารคือ Jean-Baptiste Landet เขาทราบดีว่าพวกขุนนางจะไม่อุทิศตนให้กับศิลปะบัลเล่ต์ในอนาคต แม้ว่าพวกเขาจะเต้นบัลเลต์ร่วมกับมืออาชีพก็ตาม Lande ไม่เหมือนใครเห็นความต้องการโรงละครบัลเล่ต์รัสเซีย ในเดือนกันยายน ค.ศ. 1737 เขายื่นคำร้องโดยให้เหตุผลว่าจำเป็นต้องสร้างโรงเรียนพิเศษแห่งใหม่ ซึ่งเด็กหญิงและเด็กชายที่มีพื้นฐานมาจากความเรียบง่ายจะเรียนศิลปะการออกแบบท่าเต้น ในไม่ช้าก็ได้รับอนุญาตดังกล่าว ดังนั้นในปี ค.ศ. 1738 โรงเรียนสอนเต้นบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซียจึงถูกเปิดขึ้น (ปัจจุบันคือ A. Ya. Vaganova Academy of Russian Ballet) เด็กหญิงสิบสองคนและชายหนุ่มร่างเพรียวสิบสองคนได้รับการคัดเลือกจากคนรับใช้ในวัง ซึ่งแลนด์เริ่มสอน ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1743 อดีตนักเรียนของ Lande เริ่มได้รับเงินเดือนเป็นนักเต้นบัลเลต์ โรงเรียนจัดการอย่างรวดเร็วเพื่อให้นักเต้นบัลเลต์คณะละครเวทีรัสเซียยอดเยี่ยมและศิลปินเดี่ยวที่ยอดเยี่ยม ชื่อของนักเรียนที่ดีที่สุดในฉากแรกยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrey Nesterov

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ศิลปะบัลเลต์ของรัสเซียได้เติบโตขึ้นอย่างสร้างสรรค์ นักเต้นชาวรัสเซียนำความหมายและจิตวิญญาณมาสู่การเต้นรำ

บัลเลต์ในเวลานั้นได้รับตำแหน่งพิเศษเหนือศิลปะการละครประเภทอื่น ในประวัติศาสตร์ของโรงละครบัลเล่ต์ของเรา เรามักพบชื่อของปรมาจารย์ต่างประเทศที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซีย ก่อนอื่น ได้แก่ Charles Didelot, Arthur Saint-Leon และ Marius Petipa พวกเขาช่วยสร้างโรงเรียนบัลเล่ต์รัสเซีย แต่ศิลปินชาวรัสเซียผู้มีความสามารถก็ทำให้สามารถเปิดเผยความสามารถของครูได้เช่นกัน สิ่งนี้ดึงดูดนักออกแบบท่าเต้นที่ใหญ่ที่สุดในยุโรปให้มาที่มอสโคว์และเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างสม่ำเสมอ ไม่มีที่ไหนในโลกที่พวกเขาจะได้พบกับคณะละครขนาดใหญ่ที่มีความสามารถและได้รับการฝึกฝนมาเป็นอย่างดีเช่นเดียวกับในรัสเซีย ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 19 วรรณกรรมและศิลปะของรัสเซียมีความสมจริง นักออกแบบท่าเต้นอย่างร้อนรน แต่ไม่เป็นผล พยายามสร้างการแสดงที่สมจริง พวกเขาไม่ได้คำนึงถึงว่าบัลเล่ต์เป็นศิลปะที่มีเงื่อนไขและความสมจริงในบัลเล่ต์แตกต่างอย่างมากจากความสมจริงในภาพวาดและวรรณคดี วิกฤตของศิลปะบัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้น เนื้อหาของการแสดงเป็นแบบแผนโบราณ ไม่ซับซ้อน เป็นเพียงข้ออ้างในการรำอันตระการตา ซึ่งศิลปินได้แสดงทักษะของตน สำหรับนักเต้น สิ่งสำคัญคือการปรับแต่งรูปแบบและเทคนิคของการเต้นรำคลาสสิก และในสิ่งนี้พวกเขาได้รับความสามารถพิเศษ เวทีใหม่ในประวัติศาสตร์บัลเล่ต์รัสเซียเริ่มต้นขึ้นเมื่อนักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ P. Tchaikovsky แต่งเพลงบัลเลต์เป็นครั้งแรก มันคือสวอนเลค ก่อนหน้านั้นดนตรีบัลเล่ต์ไม่ได้จริงจัง เธอถูกมองว่าเป็นความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีที่ต่ำที่สุดเพียงแค่ประกอบกับการเต้น ขอบคุณไชคอฟสกี ดนตรีบัลเลต์กลายเป็นศิลปะที่จริงจังควบคู่ไปกับดนตรีโอเปร่าและซิมโฟนี เมื่อก่อนดนตรีต้องเต้นอย่างเดียว ตอนนี้การเต้นต้องเชื่อฟังดนตรี จำเป็นต้องมีวิธีการใหม่ในการแสดงออกและแนวทางใหม่ในการสร้างผลงาน การพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซียเพิ่มเติมเกี่ยวข้องกับชื่อของนักออกแบบท่าเต้นมอสโก A. Gorsky ผู้ซึ่งละทิ้งเทคนิคที่ล้าสมัยของละครใบ้แล้วใช้เทคนิคการกำกับการแสดงสมัยใหม่ในการแสดงบัลเล่ต์ ด้วยความสำคัญอย่างยิ่งต่อการออกแบบภาพในการแสดง เขาจึงดึงดูดศิลปินที่เก่งที่สุดให้มาทำงาน แต่นักปฏิรูปศิลปะบัลเลต์ตัวจริงคือ มิคาอิล โฟกิน ผู้ต่อต้านการสร้างการแสดงบัลเล่ต์แบบดั้งเดิม เขาแย้งว่าธีมของการแสดง ดนตรี ยุคของการแสดง แต่ละครั้งต้องใช้ท่าเต้นที่แตกต่างกัน รูปแบบการเต้นที่แตกต่างกัน เมื่อแสดงบัลเล่ต์ "Egyptian Nights" Fokine ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ V. Bryusov และภาพวาดอียิปต์โบราณและภาพของบัลเล่ต์ "Petrushka" ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ A. บล็อก ในบัลเล่ต์ Daphnis และ Chloe เขาละทิ้งการเต้นปวงต์และเคลื่อนไหวด้วยพลาสติกฟรีฟื้นจิตรกรรมฝาผนังโบราณ "Chopiniana" ของเขาฟื้นบรรยากาศของบัลเล่ต์แสนโรแมนติก

...

เอกสารที่คล้ายกัน

ประวัติความเป็นมาของการปรากฏตัวและวิวัฒนาการของการเต้นรำบอลรูมในศาล: polonaise, quadrille, gallop, pas de patiner ("modern polka"), pas de Grace, chaconne, cotillon สำรวจประวัติศาสตร์การเต้นรำบอลรูมในศตวรรษที่ 20: การเต้นรำบอลรูมยุโรปและละตินอเมริกา

กระดาษภาคเรียนเพิ่ม 10/27/2010


ประวัติความเป็นมาของการพัฒนานาฏศิลป์เป็นศิลปะที่พิเศษมาก การเต้นรำเป็นรูปแบบหนึ่งของพิธีกรรมขลัง (ศักดิ์สิทธิ์) ที่มีประสิทธิภาพมากที่สุด ร่ายมนตร์ทั้งเมื่อวานและวันนี้ ทั้งท่าและท่า สัญลักษณ์ของการเต้นรำ บทบัญญัติและแนวคิดพื้นฐาน ประวัติการเต้นรำหน้าท้อง

บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 04/28/2011


ประวัติความเป็นมาของการก่อตั้งกลุ่มนาฏศิลป์จอร์เจียน วิวัฒนาการและการปฏิรูปการฟ้อนรำจอร์เจีย ลักษณะของบัลเล่ต์ การแสดงนาฏศิลป์พื้นบ้านจอร์เจียในเวทีปัจจุบัน วงดนตรีพื้นบ้านและการเต้นรำ "Erissini" ท่วงทำนองโพลีโฟนิกจอร์เจีย

บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 07/12/2010


ความหมายของการเต้นรำ ทิศทางและประเภทของการเต้นรำ คำอธิบายสั้น ๆ เกี่ยวกับเส้นทางที่สร้างสรรค์ของนักเต้นบัลเล่ต์ Igor Moiseev การเต้นรำพื้นบ้าน ความจำเพาะของการแสดงท่าเต้นของความเป็นจริง บทบาทของนาฏศิลป์ในการศึกษาวิชาการในเด็ก

บทคัดย่อ, เพิ่ม 04/08/2009


ที่มาของการเต้นรำแบบตะวันออกเป็นการผสมผสานระหว่างร่างกายมนุษย์กับดนตรี การประเมินเปรียบเทียบระบำหน้าท้องรูปแบบต่างๆ: อียิปต์ เลบานอน ตุรกี เปอร์เซีย อาหรับ กรีก อเมริกัน แสดงการเต้นรำด้วยผ้าพันคอ ฉาบ และกระบี่

ทดสอบเพิ่ม 04/28/2012


ความเป็นมาและสาเหตุของการเกิดขึ้นของการเต้นรำบอลรูมในรัสเซีย การพัฒนาบนดินรัสเซีย การเต้นรำบอลรูมสมัยใหม่เป็นการสังเคราะห์กีฬาและศิลปะ คุณสมบัติของผลงานครูกับนักเรียนประเภทต่างๆ อิทธิพลของการเต้นรำต่อการพัฒนาบุคลิกภาพ

ภาคเรียนที่เพิ่ม 06/25/2011


แจ๊สเป็นปรากฏการณ์ทางศิลปะ พัฒนาการของการเต้นรำแจ๊สในยุค 30-50 ศตวรรษที่ XX การเต้นรำแจ๊สพันธุ์หลัก พัฒนาการของดนตรีแจ๊สในยุค 60 การเกิดขึ้นของแจ๊สโมเดิร์นแดนซ์ ความสำคัญของอิมโพรไวส์ในการเต้นแจ๊ส แก่นแท้และคุณสมบัติของเทคนิคการเต้นแจ๊ส

บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 05/16/2012


คลาสสิก, พื้นบ้าน, ลักษณะเฉพาะ, ประวัติศาสตร์และทุกวัน, ห้องบอลรูมและนาฏศิลป์วาไรตี้ ต้นกำเนิดของบัลเล่ต์รัสเซียสมัยใหม่ ความเป็นมืออาชีพของการเต้นรำพื้นบ้านรัสเซีย การเกิดขึ้นของการแสดงละครในรัสเซีย จุดเริ่มต้นของการศึกษาออกแบบท่าเต้นในรัสเซีย

บทคัดย่อ, เพิ่ม 04/20/2015


บัลเล่ต์และการแสดงบนเวทีต่างๆ การสร้างภาพท่าเต้นบนเวที เทคนิคและรูปแบบการเต้นของศตวรรษที่ XX เริ่มต้นของศตวรรษที่ XXI เกิดขึ้นบนพื้นฐานของการเต้นรำแบบอเมริกันและยุโรปสมัยใหม่และการเต้นรำหลังสมัยใหม่ เต้นรำพลาสติกฟรี

การนำเสนอเพิ่ม 10/16/2014


การเต้นรำของหมอผีเป็นสิ่งที่จำเป็นสำหรับการเกิดขึ้นของการเต้นรำอัลไตซึ่งเป็นประวัติความเป็นมาของการพัฒนา บทบาทของกลุ่มคติชนในการแปลประเพณีของชาติ Dance Theatre "Altam" เป็นกลุ่มศิลปะการออกแบบท่าเต้นระดับมืออาชีพกลุ่มแรกของสาธารณรัฐอัลไต

กระทรวงวัฒนธรรมแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย

กระทรวงวัฒนธรรมแห่งภูมิภาค Sverdlovsk

GOU SPO ภูมิภาค Sverdlovsk

วิทยาลัยศิลปะแร่ใยหิน

การแสดงท่าเต้น "ผูกพัน"

งานเข้ารอบสุดท้าย

ผู้ดำเนินการ:

คาโซวา ดาเรีย อเล็กซีฟนา,

นักศึกษาชั้นปีที่ 4

แผนกออกแบบท่าเต้น

________ ____________

ลายเซ็นวันที่

คุณสมบัติ หัวหน้างานวิทยาศาสตร์:

เข้ารับการป้องกัน Lyashchenko N.A. อาจารย์

ศีรษะ แผนกออกแบบท่าเต้น

ความคิดสร้างสรรค์ ความคิดสร้างสรรค์

________ ________________ ______ ________________

วันที่ ลายเซ็นวันที่ Lyashchenko

Asbest 2015

บทที่ 1 เหตุผลในการเลือกการออกแบบท่าเต้น………..……….3

1.1. ประวัติความเป็นมาของการสร้างสรรค์ท่าเต้น………………………..3

1.2. ที่มาและแรงจูงใจในการเลือกหัวข้อการผลิต………….13

บทที่ 2 สถานการณ์ดนตรีและการออกแบบท่าเต้น……………………………..16

2.1. การวิเคราะห์เชิงอุดมการณ์และใจความ…………………………………………..16

2.2. แนวคิดสร้างสรรค์ของการผลิต…………………………………………………17

บทที่ 3 ความสำคัญในทางปฏิบัติ………………………………………………………...24

แหล่งข้อมูล……………………………………………… 26

แอปพลิเคชัน…………………………………………………………………… 27

บทที่ 1 เหตุผลในการเลือกการออกแบบท่าเต้น

"ผูกพัน"

ประวัติความเป็นมาของการสร้างสรรค์นาฏศิลป์สมัยใหม่

การเต้นรำสมัยใหม่เป็นศิลปะรูปแบบหนึ่งที่เป็นอิสระ ที่ซึ่งการเคลื่อนไหว ดนตรี แสง และสี ถูกผสมผสานในรูปแบบใหม่ โดยที่ร่างกายได้รับภาษาเลือดที่ครบถ้วน การเต้นรำสมัยใหม่ทำให้ผู้คนเชื่อว่าศิลปะคือความต่อเนื่องของชีวิตและการตระหนักรู้ในตนเอง

การเต้นรำสมัยใหม่เป็นแนวคิดที่สัมพันธ์กันชั่วขณะ แต่ละช่วงเวลามีวัฒนธรรมดนตรีของตนเองซึ่งก่อให้เกิดการเต้นรูปแบบใหม่ การเต้นรำแต่ละครั้งสามารถเรียกได้ว่าทันสมัย ​​แต่สำหรับช่วงเวลานั้น ดังนั้นการเต้นรำสมัยใหม่จึงเป็นการเต้นรำสมัยใหม่ ทันสมัย ​​และมีความเกี่ยวข้องกับเวลานั้น จุดประสงค์ของการเต้นรำสมัยใหม่คือการแสดงความรู้สึกและอารมณ์ของบุคคล นี่เป็นรูปแบบการเต้นที่ค่อนข้างเสรีและใช้งานได้หลากหลายซึ่งไม่มีมาตรฐานที่ชัดเจน นักออกแบบท่าเต้นที่พยายามถ่ายทอดความคิดและความรู้สึกของผู้คน กำลังค้นหาและคิดค้นการเคลื่อนไหวใหม่ๆ อยู่เสมอ ซึ่งมักจะผสมผสานเทคนิค สไตล์ และทิศทางที่แตกต่างกัน

การเต้นรำสมัยใหม่มีรากฐานมาจากบัลเล่ต์คลาสสิก ด้านหนึ่ง การเต้นรำสมัยใหม่ถูกสร้างขึ้นเพื่อตอบสนองต่อข้อจำกัดที่เป็นทางการและเข้มงวดของบัลเล่ต์คลาสสิก (ตัวอย่างเช่น การเน้นในสไตล์นี้ตกอยู่ที่การเคลื่อนไหวที่เป็นอิสระและแสดงออก ซึ่งไม่ใช่กรณีในบัลเล่ต์คลาสสิกที่มีทุกอย่าง ตามกฎบางอย่าง) ในทางกลับกัน การเต้นรำสมัยใหม่ได้ซึมซับการเคลื่อนไหวและขั้นตอนมากมายจากบัลเลต์คลาสสิกที่เข้าสู่ละครนาฏศิลป์สมัยใหม่

สาเหตุของการเกิดขึ้นของทิศทางการออกแบบท่าเต้นสมัยใหม่คือวิกฤตของโรงเรียนบัลเล่ต์คลาสสิกเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 นักเต้นในสมัยนั้นต้องการเทคนิคใหม่ๆ ในการแสดงความคิดใหม่ๆ เกี่ยวกับเสรีภาพของมนุษย์ ห่างไกลจากขนบธรรมเนียมของนาฏศิลป์คลาสสิก

แนวคิดของการเต้นรำสมัยใหม่อยู่ในเสรีภาพและการแสดงออกของการเคลื่อนไหว ซึ่งเป็นโอกาสอันยอดเยี่ยมในการแสดงความรู้สึกของคุณด้วยสีสันที่สดใสที่สุด

ในช่วงศตวรรษที่ 20 ทิศทางที่แตกต่างกันมากมายปรากฏขึ้น การเต้นรำสมัยใหม่รวมถึงพื้นที่ต่างๆ เช่น: การเต้นรำสมัยใหม่ การแสดงคอนแทคเลนส์ แจ๊สสมัยใหม่ การเต้นรำร่วมสมัย พลาสติกฟรี ล็อค ล็อคป๊อป เบรคแดนซ์ ฮิปฮอป แจ๊ส ฟังก์และอื่น ๆ อีกมากมาย .

แนวคิดของการเต้นรำสมัยใหม่เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2373 โดยครูชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงและนักทฤษฎีการเคลื่อนไหวบนเวที ฟรองซัวส์ เดลซาร์เต ซึ่งศึกษาความเชื่อมโยงระหว่างเสียง ท่าทาง และอารมณ์ เขาแย้งว่ามีเพียงท่าทางที่เป็นอิสระจากแบบแผนและการจัดรูปแบบเท่านั้นที่สามารถถ่ายทอดความแตกต่างของประสบการณ์ของมนุษย์ได้อย่างแท้จริง

ยุคก่อนประวัติศาสตร์ของการเต้นรำสมัยใหม่เริ่มต้นขึ้นในต้นศตวรรษที่ 20 นักดนตรีสามคนของการเต้นรำสมัยใหม่ในยุคแรกในอเมริกา ได้แก่ Isadora Duncan, Ruth St. Denis และ Loy Fuller พวกเขาสร้างโรงเรียนบัลเลต์สมัยใหม่ของตนเองขึ้น ซึ่งเป็นศิลปะที่ปราศจากอนุสัญญา การแสดงด้นสดและการออกแบบท่าเต้นฟรีเป็นหลักการสำคัญของศิลปะการเต้นรำสมัยใหม่ พวกเขาผสมผสานปรัชญา ละคร เพลง และประวัติศาสตร์สมัยโบราณเข้าด้วยกันในการเต้นรำในรูปแบบต่างๆ ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับการสร้างรากฐานของการเต้นรำสมัยใหม่ ศตวรรษที่ 20 ได้นำรูปแบบและสไตล์การเต้นใหม่ๆ เข้ามามากมาย โดยที่โด่งดังที่สุดคือบูกี้วูกี้ แจ๊สแดนซ์ บลูส์ ชาร์ลสตัน ร็อกแอนด์โรล มากาเรนา สเต็ป แลมบาดา เต้นรำละตินอเมริกา ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 20 การเต้นรำดิสโก้, ฮิปฮอป, เบรกแดนซ์, เร่งรีบ, ครัมป์, การแปรสัณฐาน, จังหวะและบลูส์และอื่น ๆ ก็แพร่หลาย

อิซาดอรา ดันแคนและคนอื่นๆ ที่มีความคิดเหมือนเธอสองสามคนตัดสินใจท้าทายท่าเต้นแบบดั้งเดิม พวกเขาเปิดโรงเรียนของตนเองซึ่งสอนพื้นฐานของบัลเล่ต์สมัยใหม่ แนวคิดหลักของทิศทางการเต้นนี้คือการออกแบบท่าเต้นฟรีตามด้นสดและการแสดงอารมณ์ของตัวเอง ผู้ก่อตั้งการเต้นรำสมัยใหม่ที่เป็นที่รู้จักโดยทั่วไปคือ Isadora Duncan เธอเริ่มทำงานเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 Isadora Duncan เป็นผู้ริเริ่มและปฏิรูปการออกแบบท่าเต้น ซึ่งในการเต้นรำของเธอ ซึ่งเป็นอิสระจากรูปแบบบัลเลต์คลาสสิกที่เป็นทางการ ได้นำเสนอเนื้อหาทางดนตรีที่เป็นพลาสติก เธอเปรียบเทียบโรงเรียนบัลเล่ต์คลาสสิกกับการเต้นรำพลาสติกฟรี เธอใช้พลาสติคกรีกโบราณ เต้นในชุดทูนิกและไม่สวมรองเท้า เป็นคนแรกที่ใช้ดนตรีไพเราะในการเต้น ได้แก่ โชแปง กลัค ชูเบิร์ต เบโธเฟน แวกเนอร์ Isadora ใฝ่ฝันที่จะสร้างคนใหม่ที่การเต้นรำจะเป็นมากกว่าธรรมชาติ ด้วยการเต้นของเธอ เธอได้ฟื้นฟูความกลมกลืนของจิตวิญญาณและร่างกาย เธอเปิดการเต้นรำให้กับผู้คนในรูปแบบที่บริสุทธิ์ "คุณค่าในตัวเองเท่านั้น" ซึ่งสร้างขึ้นตามกฎของศิลปะบริสุทธิ์ ในศิลปะการเต้นประสานเสียงของ Isadora Duncan ความปรารถนาในความกลมกลืนและความงามนั้นแสดงออกในรูปแบบในอุดมคติ เริ่มจากดนตรี เธอเริ่มเคลื่อนไหวสู่หลักฮาร์โมนิก และนั่นคือเหตุผลที่เธอกลายเป็นผู้ก่อตั้งหลักและเพียงคนเดียวของการเต้นรำสมัยใหม่ทั้งหมด ดันแคนบรรลุการจับคู่ที่ลงตัวของการแสดงอารมณ์ของภาพดนตรีและการเต้นรำ การเคลื่อนไหวเกิดขึ้นจากดนตรี ภาษาการเต้นรำของ Duncan เป็นภาษาของการเคลื่อนไหวที่เป็นธรรมชาติ แสดงออกอย่างอิสระ Isadora แสดงออกทางอารมณ์และดนตรีอย่างผิดปกติ ใช้การเคลื่อนไหวร่างกายที่เป็นอิสระในการเต้นรำด้นสดของเธอ เทพเจ้าหลักดันแคนคือความเป็นธรรมชาติ ในชื่อของเธอ เธอปฏิเสธเทคนิคการออกกำลังกายที่เหน็ดเหนื่อย การฝึกปฏิบัติทางศิลปะของ Duncan สร้างความตื่นตาตื่นใจให้กับคนร่วมสมัยด้วยการผสมผสานที่น่าตื่นตาตื่นใจของโลกแห่งประสบการณ์ทางอารมณ์ ความเป็นพลาสติก และดนตรี

รุ่นที่สองในด้านการเต้นรำสมัยใหม่คือนักออกแบบท่าเต้นเช่น: Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Helen Tamiris, Chania Holm ประการแรกข้อดีของพวกเขาอยู่ที่ความจริงที่ว่าแต่ละคนไม่เพียง แต่เป็นนักออกแบบท่าเต้นและนักแสดงที่ยอดเยี่ยมเท่านั้น แต่ยังเป็นครูที่สร้างระบบของตนเองสำหรับการฝึกนักเต้น เอ็ม. เกรแฮมเป็นครู นักออกแบบท่าเต้น และนักแสดงคนแรกที่สร้างระบบการเต้นอย่างต่อเนื่อง ความสำเร็จของกลุ่มของเธอเกิดขึ้นจากผลงานชุดแรกในนิวยอร์กในปี 1926 เรื่อง The Heretic และ The Primitive Mysteries เกรแฮมสร้างการแสดงตามธีมมหากาพย์ในตำนาน ตามเนื้อเรื่องในตำนานโบราณและในพระคัมภีร์ไบเบิล ประการแรก เธอพยายามสร้างภาษานาฏศิลป์ที่สามารถถ่ายทอดประสบการณ์อันซับซ้อนของมนุษย์ได้ทั้งหมด นักออกแบบท่าเต้นและครูที่สำคัญที่สุดอันดับสองคือดอริส ฮัมฟรีย์ Doris Humphrey ให้ความสนใจอย่างมากกับการปรับแต่งพลาสติกและเทคนิคของการเต้น ในขณะเดียวกันก็ต่อต้านความงามและการเต้นที่ประณีตของ Saint-Denis งานของเธอได้รับอิทธิพลจากนิทานพื้นบ้านของชาวอเมริกันอินเดียนและนิโกร เช่นเดียวกับศิลปะของตะวันออก เธอเป็นคนแรกในสหรัฐอเมริกาที่สอนองค์ประกอบการเต้นและสรุปประสบการณ์ของเธอในหนังสือ The Art of Dance

ในปี 1950 รุ่นที่สามเริ่มสร้าง หลังสงครามโลกครั้งที่สอง นักแสดงรุ่นเยาว์และนักออกแบบท่าเต้นต้องเผชิญกับคำถามที่ค่อนข้างรุนแรง: เพื่อสานต่อประเพณีของคนรุ่นก่อนหรือมองหาวิธีพัฒนาศิลปะการเต้นของตนเอง นักออกแบบท่าเต้นบางคนละทิ้งประสบการณ์ของคนรุ่นก่อน ๆ อย่างสิ้นเชิงและพรวดพราดเข้าสู่การทดลอง หลายคนปฏิเสธพื้นที่เวทีปกติและย้ายการแสดงของพวกเขาไปที่ถนน สวนสาธารณะ ฯลฯ ปฏิเสธรูปแบบการแสดงที่เกี่ยวข้องกับผู้ชมในการแสดงละคร ทัศนคติต่อเครื่องแต่งกาย ดนตรี และองค์ประกอบอื่นๆ ของการแสดงละครเปลี่ยนไป นักออกแบบท่าเต้นหลายคนละทิ้งการบรรเลงดนตรีโดยสิ้นเชิงและใช้เครื่องเคาะจังหวะหรือเสียงเท่านั้น นักแต่งเพลงมักจะเป็นผู้ร่วมสร้างนักออกแบบท่าเต้น โดยสร้างดนตรีพร้อมๆ กับการเคลื่อนไหว หนึ่งในผู้ที่สานต่อประเพณีของคนรุ่นก่อนคือJosé Limón การออกแบบท่าเต้นของเขาเป็นการสังเคราะห์ที่ซับซ้อนของการเต้นรำสมัยใหม่แบบอเมริกันและประเพณีสเปน-เม็กซิกันด้วยความแตกต่างที่คมชัดของจุดเริ่มต้นในเชิงโคลงสั้นและน่าทึ่ง วีรบุรุษถูกพรรณนาในช่วงเวลาของความตึงเครียดสูงสุด ยกระดับจิตวิญญาณที่รุนแรง เมื่อจิตใต้สำนึกชี้นำการกระทำของพวกเขา การแสดงของเขา "The Moor's Pavane", "Dances for Isadora", "Mass of War Times" ได้รับความนิยมมากที่สุด Merce Cunningham ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเป็น "บิดา" ฝ่ายวิญญาณของเปรี้ยวจี๊ดด้านการออกแบบท่าเต้น เขาเป็นหนึ่งในผู้ที่ไปตามทางของตัวเองและก่อตั้งโรงเรียนสอนเต้นของตัวเอง การแสดงของเขาตื่นตาตื่นใจกับการเคลื่อนไหวที่คาดไม่ถึง คันนิงแฮมมองว่าการแสดงเป็นการรวมตัวขององค์ประกอบอิสระที่สร้างขึ้นอย่างอิสระ เอ็ม คันนิงแฮมเชื่อว่าทุกการเคลื่อนไหวสามารถเต้นได้ และองค์ประกอบของการเต้นรำถูกสร้างขึ้นตามกฎแห่งโอกาส งานหลักของนักออกแบบท่าเต้นคือการสร้างท่าเต้นชั่วขณะ ซึ่งนักแสดงแต่ละคนมีจังหวะและการเคลื่อนไหวของตัวเอง เช่นเดียวกับเอ็ม. เกรแฮมและดี. ฮัมฟรีย์ เอ็ม. คันนิงแฮมสร้างเทคนิคและโรงเรียนสอนเต้นของเขาเอง ดังนั้นเมื่อต้นยุค 70 ของศตวรรษที่ 20 โรงเรียนนาฏศิลป์หลักหลายแห่งได้พัฒนา - สมัยใหม่: เทคนิคของ M. Graham, D. Humphrey และ H. Limon ซึ่งเป็นเทคนิคของ M. Cunningham ในขณะเดียวกัน ระบบการเต้นแจ๊สก็พัฒนาและปรับปรุง

แจ๊สแดนซ์พัฒนามาจากการเต้นรำของชนเผ่าแอฟริกัน ทาสจากแอฟริกานำแจ๊สแดนซ์มาสู่อเมริกาในศตวรรษที่ 17 และ 18 เมื่ออยู่ในอเมริกา พวกเขาฟื้นฟูวันหยุดและขนบธรรมเนียมอย่างรวดเร็วและปรับตัว แทนที่จะใช้กลอง พวกเขาตบมือและตีจังหวะด้วยเท้า เป็นเวลาหลายศตวรรษที่มีการรวมตัวกันของสองวัฒนธรรม คือ แอฟริกันและอเมริกัน และด้วยเหตุนี้ การเต้นรำที่ก่อความไม่สงบจึงเกิดขึ้น ในยุค 20. ในศตวรรษที่ 20 ดนตรีแจ๊สและการเต้นรำได้รับความนิยมอย่างมาก นักเต้นมืออาชีพเริ่มแสดงบนเวที ซึ่งนำเทคนิคใหม่ๆ มาสู่สไตล์แจ๊สและเริ่มสอนดนตรีแจ๊สให้กับผู้อื่น ในเวลาเดียวกัน ดนตรีแจ๊สก็เต็มไปด้วยองค์ประกอบของการเต้นรำแบบยุโรป

ในยุค 40-50 เพลงยอดนิยมได้รับการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญและการเต้นก็เปลี่ยนไปด้วย รูปแบบของแจ๊สสมัยใหม่ปรากฏขึ้นในช่วงเวลานี้ ปัจจุบันดนตรีแจ๊สมีหลากหลายแนวที่เต้นไปตามดนตรีประเภทต่างๆ แต่สไตล์ทั้งหมดนี้ผสมผสานการเคลื่อนไหวที่กระฉับกระเฉงและเป็นจังหวะ จังหวะและการประสานงานเป็นส่วนที่สำคัญที่สุดของการเต้นแจ๊ส ลักษณะเฉพาะของแจ๊สคือการซิงโครไนซ์ - ไม่เพียงแต่จะเน้นบีตที่เข้มข้นเท่านั้น แต่ยังเน้นบีตที่อ่อนแอของบีตด้วย แจ๊สแดนซ์มักใช้การเคลื่อนไหวของสะโพกและกระดูกเชิงกรานทำให้การเต้นมีความพิเศษ การเคลื่อนไหวแบบแยกส่วนเป็นคุณสมบัติหลักของการเต้นแจ๊ส โดยปกติ ครูและนักออกแบบท่าเต้นจะสังเคราะห์เทคนิคและรูปแบบการเต้นที่หลากหลายขึ้นในบทเรียนและการแสดงของพวกเขา ครูและนักออกแบบท่าเต้นคนแรกที่ผสมผสานเทคนิคการเต้นสมัยใหม่และการเต้นแจ๊สในงานของเขาคือ ลุยจิ (ยูจีน หลุยส์) ซึ่งสังเคราะห์เทคนิคการเต้นคลาสสิกและแจ๊ส Gus Giordano ในปี 1966 ได้ตีพิมพ์หนังสือเรียนเรื่องเทคนิคแจ๊สสมัยใหม่เล่มแรก ความสนใจในการเต้นรำแจ๊สสมัยใหม่ค่อยๆ เพิ่มขึ้น ครูชาวอเมริกันจัดสัมมนาครั้งแรก ดังนั้นเมื่อต้นยุค 70 ทิศทางใหม่เกิดขึ้น - แจ๊สสมัยใหม่ แจ๊สแดนซ์ที่หายไปจากชีวิตประจำวัน รำพื้นบ้าน ผ่านเวที การแสดงละคร ค่อยๆ กลายเป็นศิลปะการเต้นแบบพิเศษ จับทั้งยุโรป โรงเรียนนี้พิชิตประเทศต่างๆ มากมายทั่วโลก ทำให้คุณสามารถอบรมสั่งสอนร่างกายของนักเต้นได้ วิธีที่ครอบคลุมมากที่สุด การเต้นแจ๊สมีการเปลี่ยนแปลงตลอดเวลา ส่วนหนึ่งเป็นเพราะเหตุนั้น นักเต้นนั้นสามารถนำการเคลื่อนไหวของตัวเองมาเต้นได้ และเพราะว่าแจ๊สนั้นเต้นได้หลากหลายแนวเพลง ปัจจุบันแจ๊สมีหลายประเภท: แจ๊สคลาสสิคหรือดั้งเดิม เหล่านี้เป็นการเต้นรำแจ๊สรูปแบบแรกที่แสดงโดยชาวแอฟริกัน

Afrojazz คือความพยายามที่จะเชื่อมโยงดนตรีแจ๊สในปัจจุบันกับบรรพบุรุษของชาวแอฟริกัน ได้ชื่อมาจากชื่อถนนในนิวยอร์กที่มีโรงภาพยนตร์หลายแห่ง

ในช่วงปลายยุค 60 แจ๊สแดนซ์ได้เข้ามาแทนที่ในด้านการออกแบบท่าเต้นสมัยใหม่จำนวนมาก และในขณะเดียวกัน กระบวนการของการรวมโรงเรียนหลักของการออกแบบท่าเต้นสมัยใหม่ก็เริ่มขึ้น ครูและนักออกแบบท่าเต้นคนแรกที่ผสมผสานเทคนิคการเต้นสมัยใหม่และการเต้นแจ๊สในงานของเขาคือ แจ็ค โคล ลุยจิ (ยูจีน หลุยส์) ผู้สังเคราะห์เทคนิคการเต้นคลาสสิกและแจ๊ส Gus Giordano ในปี 1966 ได้ตีพิมพ์หนังสือเรียนเล่มแรกเกี่ยวกับเทคนิคการเต้นแจ๊สสมัยใหม่ ความสนใจในการเต้นรำแจ๊สสมัยใหม่ค่อยๆ เติบโตขึ้นในยุโรปตะวันตก ครูชาวอเมริกันจัดสัมมนาครั้งแรก

ในยุค 70 ของศตวรรษที่ 19 สไตล์สตรีทแดนซ์เช่น locking, breakdance, hip-hop กลายเป็นที่นิยมในอเมริกาในสไตล์ 90s เช่น funk, krump ในตอนเริ่มต้น การเต้นรำเหล่านี้มีลักษณะที่เป็นธรรมชาติ: คนหนุ่มสาวรวมตัวกัน จัดการแข่งขันเต้นรำของตนเอง เรียกพวกเขาว่าการต่อสู้ จากนั้นพวกเขาก็เริ่มเตรียมการสำหรับการต่อสู้ล่วงหน้า โดยเชิญผู้ชมและกลุ่มสนับสนุน ทุกวันนี้การแข่งขันดังกล่าวได้จัดขึ้นในระดับนานาชาติในสถานที่ต่าง ๆ ในโลกของเรา

การล็อค - ในทางเทคนิค การล็อคนั้นอยู่ใกล้กับฮิปฮอปต้นกำเนิดมาก ดังนั้นองค์ประกอบมากมายจึงถูกยืมมาจากที่นั่น - การเคลื่อนไหวที่เฉียบคมและเข้มข้น การขว้างและเขย่ามือต่างๆ การกระโดดในประเภทและระดับต่างๆ การล็อคเป็นการสังเคราะห์การเคลื่อนไหวและความนิ่ง

ฮิปฮอปเป็นกระแสวัฒนธรรมที่เกิดขึ้นในหมู่ชนชั้นแรงงานในนิวยอร์กในช่วงปลายทศวรรษ 1970 นี่คือรูปแบบการเต้นรำบนพื้นฐานของคำศัพท์สมัยใหม่ทั้งหมดของการเต้นรำในคลับ การเต้นรำที่ร่าเริงและกระฉับกระเฉงไม่ก้าวร้าวโดยใช้เทคนิคที่เรียกว่า "แกว่ง" ของร่างกาย, กระโดด, การผสมผสานของการเคลื่อนไหวเล็ก ๆ ด้วยแขนและขา ดนตรีโดดเด่นด้วยจังหวะที่ขาดหายและไดนามิกของความเร็วปานกลางพร้อมเครื่องดนตรีสั้น ๆ

Breakdance - ส่วนแรกนำเสนอสิ่งที่เรียกว่า ตัวแบ่งส่วนบนซึ่งมีความเป็นไปได้ไม่รู้จบ ถูกจำกัดด้วยจินตนาการของนักแสดงหรือทีมนักแสดงเท่านั้น ในนั้น คุณสามารถเปิดเผยตัวเองได้อย่างเต็มที่และกว้างขวาง โดยด้นสดทั้งในขณะเดินทางและก่อนการแสดง สร้างและประดิษฐ์องค์ประกอบและการเคลื่อนไหวใหม่ การเคลื่อนไหวของทิศทางนี้ต้องมีการเตรียมการบางอย่างจากนักเต้นและมีความโดดเด่นด้วยความจำเพาะของการแสดงและเลียนแบบการเคลื่อนไหวที่ผิดปกติของบุคคลในชีวิตประจำวัน: กลไกที่มีการตรึงที่จุดใดจุดหนึ่งหรือแบบก้องกังวานคล้ายกับการเคลื่อนไหวของของเล่นเครื่องจักร ยังเลียนแบบการเคลื่อนไหวของหุ่นยนต์หรือการเคลื่อนไหวของแขนขายาง ส่วนสำคัญที่สองเรียกว่า ทำลายซึ่งบางครั้งเรียกว่าการเต้นเบรกแดนซ์ที่ต่ำกว่า ดูเหมือนว่าเราจะกระฉับกระเฉง กระฉับกระเฉง และต้องการการเตรียมตัวที่ดีจากนักแสดงดังที่ระบุไว้ข้างต้น ส่วนล่างดูน่าประทับใจมากและเต็มไปด้วยองค์ประกอบกายกรรม

Crump เป็นการพัฒนารูปแบบ "Clowning" หรือ "Clown Dance" คุณลักษณะที่โดดเด่นของมันคือพลังและความแข็งแกร่งของนักแสดง มุ่งเป้าไปที่การปลดปล่อยนักเต้นจากพลังงานด้านลบ โดยการสาดอารมณ์ของเขาออกจากเวที การเต้นรำตัวตลกถูกสร้างขึ้นในช่วงต้นยุค 90 โดย Thomas Johnson หรือ Tommy the Clown ในปีพ.ศ. 2535 จอห์นสันเริ่มผสมผสานองค์ประกอบการเต้นในท้องถิ่นต่างๆ เข้าด้วยกัน และสร้างสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์และหลากหลาย ซึ่งช่วยให้เขาสามารถไล่ตามอาชีพของตัวเองในฐานะตัวตลกสำหรับเด็ก นักเต้นที่ครัมพ์โต้ตอบกันมากขึ้นและทำงานกับน้ำหนักของคู่หู นักแสดงเช่น Missy Elliott, Chemical Brothers, Black Eyed Peas ใช้ krumping ในวิดีโอของพวกเขา ทำให้การเต้นรำโด่งดังไปทั่วโลก

ติดต่อด้นสดปรากฏในปี 1972 ติดต่อด้นสดเป็นการเต้นรำที่ด้นสดถูกสร้างขึ้นรอบ ๆ จุดติดต่อกับคู่หู ติดต่อด้นสดเป็นรูปแบบหนึ่งของการเต้นรำฟรี สตีฟ แพกซ์ตันชาวอเมริกันถือเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนคอนแทคอิมโพรไวเซชัน ในฐานะนักออกแบบท่าเต้นและนักเต้น เขาศึกษาการเต้นสมัยใหม่และคลาสสิก เล่นยิมนาสติกและไอคิโด และยังใช้เวลาส่วนใหญ่ค้นคว้าเกี่ยวกับการด้นสด ในการด้นสดการติดต่อ การเคลื่อนไหวเป็นไปตามการเคลื่อนที่ของจุดสัมผัสระหว่างร่างกายของพันธมิตร การเคลื่อนไหวมีชัยเมื่อร่างกายทั้งสองเข้ามาสัมผัสกัน การค้นหาวิถีเชิงพื้นที่ร่วมกันเมื่อมีปฏิสัมพันธ์กับน้ำหนักของร่างกาย การเต้นรำถูกชี้นำโดยความรู้สึกของคู่หู ความตั้งใจที่จะรักษาหรือไม่รักษาการติดต่อทางกายภาพ และค้นหาการสนับสนุนซึ่งกันและกันต่อไป

Hustle เป็นการเต้นรำคู่ที่มีพื้นฐานมาจากการด้นสดและ "การเป็นผู้นำ"

แปลจากภาษาอังกฤษว่า hustle, crush. เป็นชื่อเรียกรวมสำหรับการเต้นรำกับเพลงดิสโก้ที่ได้รับความนิยมในทศวรรษ 1980 เช่น ดิสโก้ฟ็อกซ์ ดิสโก้สวิง และความเร่งรีบนั่นเอง
มันคือการเต้นรำแบบ "โซเชียล" - นั่นคือโดยพื้นฐานแล้วง่ายมาก เต้นรำในสี่ครั้ง (ดิสโก้ - ฟอกซ์สำหรับสามคน) กับเพลงเกือบทุกชนิด ไม่ต้องฝึกฝนนานและอนุญาตให้ทุกคนที่ต้องการเต้นหลังจากฝึกฝนเล็กน้อย

ดนตรีที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้นและหลากหลายมากขึ้นก็เกิดขึ้นพร้อมกับเครื่องดนตรีไฟฟ้าชนิดใหม่ ทิศทางดนตรีที่แตกต่างกันมากขึ้น และด้วยรูปแบบการเต้นที่ต่างกันออกไป ในช่วงปลายยุค 80 และต้นยุค 90 สไตล์บางรูปแบบได้รับความนิยมจากการถือกำเนิดของวิดีโอ ผลงานของไมเคิล แจ็กสัน ซึ่งในขณะนั้นได้รับฉายาว่าราชาแห่งเพลงป๊อปและราชาแห่งการเต้นรำ ก่อให้เกิดการแสดงรูปแบบใหม่ - "a la Jackson" คลิปที่โด่งดังที่สุดของเขาจากอัลบั้ม "Thriller", "Bad" ใช้การเคลื่อนไหวของดิสโก้, เบรค, ฮิปฮอป

ในศตวรรษที่ 20 คำว่า "วาไรตี้นาฏศิลป์" ปรากฏขึ้น - นี่เป็นผลงานของประวัติศาสตร์ศิลปะฆราวาสซึ่งสะท้อนให้เห็นในประการแรกสถานที่ที่นักแสดงเข้ามา นั่นไม่ใช่เวทีละคร แต่เป็นเวทีสำหรับรายการวาไรตี้หรือคอนเสิร์ตฮอลล์ แนวคิดของ "วาไรตี้นาฏศิลป์" ยังรวมถึง stylizations ของนาฏศิลป์พื้นบ้าน, นาฏศิลป์, กึ่งคลาสสิก, การเต้นรำในรูปแบบของท่าเต้นประจำบ้าน, สเต็ป, ขณะนี้อยู่บนเวทีเราเห็นการแสดงค่อนข้างมาก, แก้ด้วยแจ๊สแดนซ์หรือ การเต้นรำสมัยใหม่ ดังนั้นแนวคิดของ "วาไรตี้นาฏศิลป์" จึงรวมเอาศิลปะการออกแบบท่าเต้นจำนวนมากเข้าไว้ด้วยกัน อย่างไรก็ตาม ในปัจจุบัน มหาวิทยาลัยและสถาบันวัฒนธรรมและศิลปะหลายแห่งได้เปิดแผนกนาฏศิลป์ "วาไรตี้" อย่างแม่นยำแล้ว ขออภัย ความสับสนเกี่ยวกับคำศัพท์นี้ไม่สามารถทำอะไรได้

พูดได้อย่างมั่นใจเต็มเปี่ยมว่าศตวรรษที่ 20 เป็นความก้าวหน้าที่สร้างสรรค์อย่างแท้จริงสำหรับการออกแบบท่าเต้นและการปฏิวัติในวัฒนธรรมการเต้น

สรุปแล้ว เราสามารถพูดได้ว่าการเต้นรำสมัยใหม่เป็นแนวคิดที่สัมพันธ์กัน ชั่วขณะ และแต่ละช่วงเวลามีวัฒนธรรมทางดนตรีของตัวเอง ซึ่งก่อให้เกิดการเต้นรูปแบบใหม่ อย่างไรก็ตาม รูปแบบการเต้นรำสมัยใหม่มีองค์ประกอบค่อนข้างหลากหลาย ซึ่งทำให้เป็นประชาธิปไตยมากขึ้นและเข้าถึงได้สำหรับผู้ที่มีข้อจำกัดบางประการในด้านความเป็นพลาสติกและความยืดหยุ่น

การแสดงท่าเต้น "Rope" จัดแสดงตามทิศทางของการเต้นรำสมัยใหม่ - ปั้นฟรี

พลาสติกหลวม- การเคลื่อนไหวที่เกิดขึ้นในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เพื่อการหลุดพ้นจากกรอบของนาฏศิลป์คลาสสิกและการผสมผสานของการเต้นรำเข้ากับชีวิต ในรูปแบบนี้ หลักการถูกกำหนดขึ้นโดยใช้การเต้นรำสมัยใหม่และแจ๊สสมัยใหม่ ร่วมสมัย และแม้กระทั่งการแสดงด้นสด Isidora Duncan กลายเป็นผู้ก่อตั้งพลาสติกฟรี

หนึ่งในแหล่งที่มาของอุดมการณ์ของการเต้นอิสระคือการเคลื่อนไหวเพื่อความสมบูรณ์แบบทางกายภาพ การปลดปล่อยร่างกาย การปฏิเสธกรอบและขอบเขต การผสมผสานทิศทางและรูปแบบการเต้น ผู้ก่อตั้งฟรีแดนซ์เชื่อว่าทุกคนสามารถและควรเต้น และการเต้นรำนั้นจะช่วยให้ทุกคนพัฒนาและเปลี่ยนแปลงชีวิตของพวกเขา พลาสติกฟรีมักเป็นการปลดปล่อย การแสดงตน "การบิน" เป็นทัศนคติพิเศษต่อตนเอง ร่างกาย วิธีคิดพิเศษ ปั้นฟรีช่วยให้คุณเป็นได้ทั้งที่เกิดขึ้นเองและมีสติ ทำให้สามารถแสดงออกถึงความคิดสร้างสรรค์ สัมผัสได้ถึงความสุขในการเคลื่อนไหว ความกลมกลืนของร่างกายกับดนตรีและจังหวะ ปั้นฟรีเป็นทิศทางในการออกแบบท่าเต้นสมัยใหม่ ประเภทของการเต้นรำบนเวทีที่ผสมผสานองค์ประกอบของการออกแบบท่าเต้นแจ๊ส สไตล์สมัยใหม่ และเทคนิคการเต้นคลาสสิกเข้าด้วยกันอย่างน่าทึ่ง

1.2. ที่มาและแรงจูงใจในการเลือกธีมของการแสดงท่าเต้น "The Bound"

โครงเรื่องของการแสดงท่าเต้น "Bound" ขึ้นอยู่กับหนังสั้นเรื่อง "Rope" พล็อตเรื่องสั้นของภาพยนตร์ (หรือมากกว่านั้นคือภาพสเก็ตช์) มีดังต่อไปนี้ ชายหนุ่มและหญิงสาว “นึกขึ้นได้” กลางถนน พวกเขาถูกมัดด้วยเชือกด้านหลังและไม่สามารถปลดปล่อยตัวเองได้ หญิงสาวต่อต้านและผู้ชายก็ไปตามทางที่ตั้งใจไว้ ผู้คนที่เดินผ่านไปมาพบมีปฏิกิริยาตอบสนองต่อสถานการณ์ต่างกัน บางคนเพิกเฉย คนอื่นๆ เยาะเย้ย คนสุดท้ายที่เจอแก้มัด เขาลูบหน้าหญิงสาวแล้วแก้มัด นอกจากนี้ หญิงสาวตระหนักดีว่าเกิดอะไรขึ้นและเข้าใจว่าเธอขาดชายหนุ่มไม่ได้ ชายหนุ่มเมื่อพวกเขาแก้มัดเขาต้องการที่จะตีผู้ปลดปล่อย แต่เพียงแค่ขับไล่เขากลับไปหาหญิงสาวและพวกเขาก็เริ่มมัดตัวเองด้วยเชือกอีกครั้ง

จริงๆ แล้ว หนังเรื่องนี้เป็นอุปมา เชือกซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความสัมพันธ์ การพึ่งพาอาศัยกันโดยไม่รู้ตัวหรือมีสติสัมปชัญญะในความสัมพันธ์แบบครึ่งๆ หนึ่ง - นี่คือธีมหลักของภาพยนตร์เรื่องนี้อย่างแม่นยำ

สัญลักษณ์ที่คล้ายกันมักพบในโรงภาพยนตร์ และในวรรณคดี การแต่งเพลงของนักดนตรีสมัยใหม่ กุญแจมือ โซ่ โซ่ตรวน อาจเป็นรูปแบบของเชือกก็ได้ โครงเรื่องที่คล้ายกันสามารถพบได้ในตำนานของเพลโต: สัตว์ในอุดมคติที่มีสี่แขนสี่ขาและสองหัวซึ่งถูกแยกจากผู้สร้างและผู้ที่มองหาคู่ชีวิตของพวกเขามาตลอดชีวิตบนโลก

ประเด็นรองอีกเรื่องหนึ่งในภาพยนตร์เรื่องนี้คือทัศนคติของผู้คนรอบข้างต่อสถานการณ์ที่พวกเขาสังเกตเห็น ปฏิกิริยาของพวกเขา ผู้คนรอบข้างได้รับความพึงพอใจจากการดูความทุกข์ทรมานของคนสองคนเชื่อมโยงถึงกัน พวกเขาสองคนที่เดินผ่านไปมาซึ่งล้อเลียนพวกเขา พยายามวาดภาพพวกเขา ในขณะที่ความนับถือตนเองของพวกเขาเพิ่มขึ้นจากสิ่งที่พวกเขาเห็น นอกจากนี้ ระหว่างทางพวกเขาได้พบกับอันธพาลสองคนที่พยายามเยาะเย้ยพวกเขา ทำให้พวกเขาอับอาย มีเพียงคนเดียวที่แสดงความเห็นอกเห็นใจและความช่วยเหลือของเขา

ตอนจบของเรื่องซึ่งน่าสนใจกว่าในการเข้าใจความหมายที่ผู้เขียนใส่เข้าไป คือ ตัวละครเดินไปด้วยกัน จับมือกัน เธอเอาหัวพิงไหล่เขา ผู้ชมทุกคนที่ดูหนังเรื่องนี้จะสรุปเอาเองว่า มีคนบอกว่าความรักในความสัมพันธ์ควรควบคู่ไปกับอิสรภาพของทั้งคู่ และบางคนจะเข้าใจความรักว่าไม่มีอิสระอีกต่อไป แต่เป็นการพึ่งพาอาศัยกัน

การเสพติดเกิดขึ้นไม่เฉพาะในความสัมพันธ์ที่เกิดจากความรัก แต่ยังรวมถึงความสัมพันธ์ระหว่างพ่อแม่และลูก มิตรภาพระหว่างเพื่อน ระหว่างคนที่ถูกบังคับให้อยู่ด้วยกันด้วยเหตุผลบางอย่าง การผลิตของฉันแสดงให้เห็นถึงการพึ่งพาทางจิตวิทยาระหว่างเพื่อนสองคน การตระหนักรู้ถึงการพึ่งพาซึ่งกันและกัน เมื่อเพื่อนข้ามเส้นบางเส้นในความสัมพันธ์ระหว่างกัน และพวกเขาได้พัฒนาระดับของความใกล้ชิดทางจิตใจซึ่งทั้งสองหรือหนึ่งในสองคนสูญเสียตัวเองและสถานการณ์นี้เริ่มเป็นภาระแก่พวกเขาแต่ละคน ตัวอย่างเช่น ความรู้สึกดังกล่าวอาจเกิดขึ้นจากการเอาใจใส่ซึ่งกันและกันในสถานการณ์ที่ยากลำบากบางอย่าง สมมุติว่าสามีหรือคู่หมั้นทิ้งเพื่อนคนหนึ่งของเธอ แล้วเพื่อนคนที่สองจะกลายเป็น "ทุกอย่าง" สำหรับคนแรก และเป็นผู้ปลอบโยน ที่ปรึกษา และแม่ ในเวลาเดียวกัน ผู้ปลอบโยนก็สนุกกับความต้องการและความสำคัญของเธอ เธอรู้สึกเข้มแข็ง เป็นผู้ใหญ่และเฉลียวฉลาด อย่างไรก็ตาม เพื่อนของเธอต้องการคำแนะนำจากเธอ ที่พร้อมจะใช้คำแนะนำเหล่านี้

ปลอบโยนที่ลืมเกี่ยวกับตัวเองและคนที่เธอรัก (สามีลูก) ประสบการณ์ตลอดทั้งวันจากชีวิตของเพื่อนของเธอในฐานะของเธอเองแทบจะไม่แยกแยะชีวิตของเธอจากชีวิตของเพื่อนของเธอ จึงมีการสูญเสียตนเองในความสัมพันธ์ของแฟนสาวและการเสพติดเกิดขึ้น มีช่วงเวลาที่ทุกอย่างในชีวิตเริ่มดีขึ้นสำหรับแฟนสาวที่ "โชคร้าย" (เช่น มีผู้ชายคนหนึ่งปรากฏขึ้น) เธอค่อยๆ ขยับตัวออกจากผู้ปลอบโยน - ท้ายที่สุดเธอก็ไม่ต้องการอีกต่อไป

และที่นี่ผู้ปลอบโยนประสบกับความทุกข์ทรมานอย่างแท้จริง - เธอรู้สึกว่างเปล่าความเหงา (แม้จะมีสามีและคนที่คุณรัก) เจ็บปวดและอิจฉาเพื่อนที่เธอเลือกคนใหม่ซึ่งทำให้เพื่อนของเธอระคายเคืองและไม่เต็มใจที่จะสื่อสาร จากภายนอก อาจดูตลก แต่ในความเป็นจริง นี่เป็นสถานการณ์ที่เจ็บปวดมากที่อาจจบลงด้วยโรคประสาท ความซึมเศร้า และการสูญเสียความสนใจในชีวิตของผู้ปลอบโยนที่ถูกทอดทิ้ง บ่อยครั้งที่แฟนเก่าเลิกกันเลิกเห็นและสื่อสารกัน และมิตรภาพของพวกเขาซึ่งมีดีและจริงใจมากมายก็สิ้นสุดลง

ต้นกำเนิดของศิลปะการเต้นอยู่ในสมัยโบราณ หลักฐานของสิ่งนี้คือภาพเขียนหินที่แสดงรูปปั้นเต้นรำ ซึ่งสันนิษฐานว่าสร้างขึ้นในยุคหินใหม่ (8 - 5 พันปีก่อนคริสต์ศักราช)

จนถึงขณะนี้ ยังไม่มีความเห็นเป็นเอกฉันท์เกี่ยวกับความเป็นอันดับหนึ่งของการเต้น เพลง หรือดนตรี สิ่งหนึ่งที่ไม่อาจโต้แย้งได้ - ลักษณะของการเต้นรำนั้นสัมพันธ์กับการตระหนักรู้ถึงจังหวะที่ประกอบกับลำดับการเคลื่อนไหวของร่างกาย การเคลื่อนไหวร่างกายเป็นจังหวะเหล่านี้อาจมีเนื้อหาที่แตกต่างกัน ซึ่งต่อมาเป็นโอกาสสำหรับการสร้างทฤษฎีมากมายเกี่ยวกับที่มาของการเต้นรำ (รุ่นก่อนเรียกว่าเกม พิธีกรรมทางเวทมนตร์หรือทางศาสนา สัญชาตญาณกาม ฯลฯ) ทฤษฎีใด ๆ มีสิทธิที่จะมีอยู่และไม่สามารถถือได้ว่าเป็นความจริงเพียงอย่างเดียว การศึกษาอย่างรอบคอบของพวกเขายืนยันข้อสรุป - ทุกครั้งที่การเต้นรำมีความสำคัญอย่างยิ่งในชีวิตทางสังคมของบุคคลในการพัฒนาที่กลมกลืนสวยงามและร่างกาย

ในช่วงแรกของการดำรงอยู่ การเต้นรำพยายามสะท้อนความเป็นจริงในรูปแบบทางสังคม เพื่อเลือกคุณลักษณะทั่วไปที่สุด เพื่อให้ได้ภาพที่ชัดเจน เพลงแรกสำหรับนักเต้นคือเสียงกลอง เสียงกำไลและพระเครื่องที่ดังขึ้น การแต่งหน้าครั้งแรกคือการเพ้นท์ใบหน้าเลียนแบบเลือด และประสบการณ์ครั้งแรกของการแสดงการแสดงออกคือการเลียนแบบสัตว์ต่างๆ ทั้งหมดนี้เกิดขึ้นกับนักวิจัยเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ในหมู่ชาวอินเดียนแดงของบราซิลและชนเผ่าอินเดียนบางเผ่าในอเมริกาเหนือ

นอกจากการเลียนแบบแล้ว การเต้นรำยังมีฟังก์ชั่นการศึกษาอีกด้วย นักวิจัยชาวอเมริกันได้ดูตัวอย่างการแสดงระบำป้องกันตัว 33 บรรทัด คนละ 33 คน นักเต้นจำนวนมากแสดงความสามัคคีอย่างน่าอัศจรรย์แสดงความแข็งแกร่งและพลังของกองทัพ

กำเนิดนาฏศิลป์

การเต้นรำครั้งแรกของสมัยโบราณอยู่ไกลจากสิ่งที่เรียกว่าคำนี้ในปัจจุบัน พวกเขามีความหมายแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ด้วยการเคลื่อนไหวและท่าทางที่หลากหลาย คนคนหนึ่งถ่ายทอดความประทับใจที่มีต่อโลกรอบตัวเขา โดยใส่อารมณ์และสภาพจิตใจของเขาเข้าไป เสียงร้อง ร้องเพลง เล่นโขน เชื่อมโยงกับการเต้นรำ การเต้นรำมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับชีวิตและวิถีชีวิตของผู้คนตลอดเวลา ดังนั้นการเต้นรำแต่ละครั้งจึงสอดคล้องกับตัวละครซึ่งเป็นจิตวิญญาณของผู้คนที่เป็นต้นกำเนิด ด้วยการเปลี่ยนแปลงในระบบสังคม สภาพความเป็นอยู่ ธรรมชาติและรูปแบบของศิลปะเปลี่ยนไป และการเต้นก็เปลี่ยนไปด้วย รากของมันหยั่งรากลึกในศิลปะพื้นบ้าน

การเต้นรำเป็นเรื่องธรรมดามากในหมู่ผู้คนในโลกยุคโบราณ นักเต้นพยายามทำให้แน่ใจว่าทุกการเคลื่อนไหว ท่าทาง การแสดงออกทางสีหน้า แสดงความคิด การกระทำ และการกระทำ การเต้นรำที่แสดงออกมีความสำคัญอย่างยิ่งทั้งในชีวิตประจำวันและในชีวิตสาธารณะ บ่อยครั้งที่งานฉลองเริ่มต้นขึ้นและมาพร้อมกับการเต้นรำ

สำหรับผู้ชายในสังคมดึกดำบรรพ์ การเต้นรำเป็นวิธีคิดและการใช้ชีวิต ในการเต้นรำที่วาดภาพสัตว์นั้นมีการใช้เทคนิคการล่าสัตว์ การเต้นรำเป็นการแสดงออกถึงคำอธิษฐานเพื่อความสมบูรณ์ของฝนและความต้องการเร่งด่วนอื่น ๆ ของชนเผ่า ความรัก การทำงาน และพิธีกรรมรวมอยู่ในการเต้น การเต้นรำในกรณีนี้เชื่อมโยงกับชีวิตมากจนในภาษาของชาวเม็กซิกันทาราฮูมาราอินเดียนแดง แนวคิดของ "แรงงาน" และ "การเต้นรำ" แสดงออกด้วยคำเดียวกัน เมื่อเข้าใจจังหวะของธรรมชาติอย่างลึกซึ้ง ผู้คนในสังคมดึกดำบรรพ์จึงเลียนแบบการเต้นของพวกเขาไม่ได้

การเต้นรำแบบดั้งเดิมมักจะแสดงเป็นกลุ่ม การเต้นรำแบบกลมมีความหมายเฉพาะเจาะจงเป้าหมาย: เพื่อขับไล่วิญญาณชั่วร้าย รักษาคนป่วย ขับไล่ความโชคร้ายออกจากเผ่า การเคลื่อนไหวที่พบบ่อยที่สุดคือการกระทืบ อาจเป็นเพราะมันทำให้โลกสั่นสะเทือนและยอมจำนนต่อมนุษย์ ในสังคมดึกดำบรรพ์ การเต้นรำนั่งยองเป็นเรื่องปกติ นักเต้นชอบที่จะหมุน กระตุก และกระโดด การกระโดดและหมุนวนทำให้นักเต้นรู้สึกเบิกบาน บางครั้งก็จบลงด้วยการสูญเสียสติ นักเต้นมักจะไม่สวมเสื้อผ้า แต่สวมหน้ากาก ผ้าโพกศีรษะที่ประณีต และมักทาสีร่างกาย ใช้เป็นเครื่องดนตรีประกอบ กระทืบ ตบมือ ตลอดจนเล่นกลองและท่อทุกชนิดที่ทำจากวัสดุธรรมชาติ

ชนเผ่าดึกดำบรรพ์ไม่มีเทคนิคการเต้นที่ได้รับการควบคุม แต่การฝึกฝนทางกายภาพที่ยอดเยี่ยมช่วยให้นักเต้นยอมจำนนต่อการเต้นรำและการเต้นรำด้วยความทุ่มเทอย่างเต็มที่จนถึงความคลั่งไคล้ การเต้นรำประเภทนี้ยังสามารถพบเห็นได้ในหมู่เกาะแปซิฟิกใต้ ในแอฟริกา และในอเมริกากลางและอเมริกาใต้

ข้อมูลภาพที่สำคัญเกี่ยวกับพัฒนาการของการเต้นรำในอียิปต์โบราณสามารถรวบรวมได้จากบันทึกอักษรอียิปต์โบราณ ภาพนูนต่ำนูนสูงด้วยไม้ ภาพแกะสลักด้วยหิน ประติมากรรม และวัตถุต่างๆ จากสุสานโบราณ ในอบีดอส - สถานที่ที่เทพเจ้าแห่งความตายโอซิริสถูกฝังตามความเชื่อของชาวอียิปต์ - ในระหว่างพิธีครีษมายันมีการเต้นรำและดนตรี นักร้องและนักเต้นกลุ่มหนึ่งอาศัยอยู่ที่วัดและมีส่วนร่วมในการสักการะเทพเจ้า หนึ่งในวันหยุดหลักคือพิธีกรรมที่อุทิศให้กับวัว Apis โดยมีการเต้นรำลับที่ดำเนินการโดย "คนใช้" ของวัว

ความรู้สึกของการแสดงละครมีความแข็งแกร่งมากในผู้คนในอียิปต์โบราณ แม้แต่นักเต้นระบำในวิหารของพวกเขาก็ยังแสดงกายกรรม และในภาพนูนต่ำนูนสูงเราสามารถเห็นผู้หญิงทำท่าแยก หรือผู้หญิงถูกโยนขึ้นไปในอากาศแล้วจับโดยคู่หูสองคน และชายคนหนึ่งยืนบนขาข้างหนึ่งและกำลังจะโบยบิน

การเต้นรำงานศพและงานพิธีมีความโดดเด่นด้วยความเข้มงวดและความเรียบง่าย แต่เมื่อเวลาผ่านไป การเต้นรำประเภทอื่นที่มีการตกแต่งมากขึ้นก็เริ่มปรากฏขึ้น ทาสและทาสหญิงได้รับการสอนให้เต้นรำเพื่อความบันเทิงในบ้าน นักเต้นจากประเทศอื่น ๆ ถูกนำตัวไปที่อียิปต์ มีคณะนักแสดงมืออาชีพเดินทางแสดงละครใบ้ แสดงกายกรรมควบคู่ไปกับรำมะนาดและคาสทาเนต บางครั้งการเต้นรำของคนแคระดำก็เป็นที่นิยม

ในงานของกวีโบราณ, นักเขียน, ศิลปิน, ชื่อของการเต้นรำและผู้เข้าร่วมของพวกเขาถูกค้นพบ, มีการอธิบายกฎของการแสดง

ตัวอย่างเช่นโฮเมอร์กวีชาวกรีกโบราณในอีเลียดบรรยายการเต้นรำแบบกลมและในโอดิสซีย์ - คู่ชายในฉากหลังของชายหนุ่มที่เต้น Lucian เขียนบทความเรื่อง The Dialogue on Dance ทั้งหมด นอกจากนี้เรายังสามารถหาคำอธิบายของการเต้นรำใน Aristotle, Philostratus ในโศกนาฏกรรมของ Aeschylus, Sophocles, Euripides ในภาพยนตร์ตลกของ Aristophanes ภาพของนักเต้นและนักเต้นจำนวนมากบนรูปปั้นนูนต่ำ ในการเพ้นท์แจกัน และในงานประติมากรรม ยังบอกถึงธรรมชาติของการฟ้อนรำของกรีกโบราณอีกด้วย ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือรูปปั้นนูน "Dancing Young Greek Women", ภาพวาดแจกัน "Kordax" และ "Sikinnis", ประติมากรรม - "Dancing Greek Woman", "Dancing Maenad", ตุ๊กตา Tanagra ที่มีชื่อเสียง, "Running Mercury"

การเต้นรำของชาวกรีกโบราณสามารถแบ่งออกเป็นสิ่งศักดิ์สิทธิ์ (พิธีการ พิธีกรรม) การทหาร เวที สังคมและในประเทศ การเต้นรำของตัวละครตัวเดียวกันโดยประมาณนั้นอยู่ในหมู่ชนชาติอื่น

การเต้นรำศักดิ์สิทธิ์ตามตำนานถูกโอนไปยังกรีซจากอียิปต์โดยออร์ฟัส พระองค์ทรงเห็นพวกเขาในเทศกาลพระวิหารของชาวอียิปต์ แต่เขารองการเคลื่อนไหวท่าทางตามจังหวะของเขาเองและพวกเขาก็เริ่มสอดคล้องกับตัวละครและจิตวิญญาณของชาวกรีกมากขึ้น การเต้นรำเหล่านี้บรรเลงตามเสียงพิณ และโดดเด่นด้วยความงามอันเคร่งครัด วันหยุดและการเต้นรำจึงมักอุทิศให้กับเทพเจ้าต่างๆ: Dionysus, เทพธิดา Aphrodite, Athena พวกเขาสะท้อนบางวันของปีปฏิทินแรงงาน

การเต้นรำของทหารในสมัยกรีกโบราณมีบทบาทสำคัญในการปลูกฝังความกล้าหาญ ความรักชาติ และสำนึกในหน้าที่ของเยาวชน โดยปกติแล้ว การเต้นรำแบบ pyrrhic แบบทหารจะทำโดยสองคน มี pyrrhias จำนวนมากที่มีเพียงชายหนุ่มเท่านั้นที่เต้นและบางครั้งเด็กผู้หญิงก็เต้นรำพร้อมกับชายหนุ่ม การเต้นรำของทหารทำให้เกิดการสู้รบรูปแบบการต่อสู้ที่หลากหลายซึ่งเป็นองค์ประกอบการออกแบบท่าเต้นที่ซับซ้อน นักเต้นมีธนู ลูกศร โล่ คบเพลิง ดาบ หอก และลูกดอกในปืนไรเฟิล ในแผนการเต้นที่กล้าหาญตามกฎแล้วตำนานและตำนานเกี่ยวกับวีรบุรุษได้สะท้อนออกมา

การเต้นรำบนเวทีของชาวกรีกโบราณเป็นส่วนหนึ่งของการแสดงละคร และแต่ละประเภทก็มีการเต้นรำเป็นของตัวเอง ในระหว่างการเต้นรำนักแสดงจะตีเวลาด้วยเท้าของพวกเขาด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงสวมรองเท้าแตะไม้หรือเหล็กพิเศษบางครั้งพวกเขาก็ตีเวลาด้วยมือของพวกเขาด้วยความช่วยเหลือของคาสทาเนตที่แปลกประหลาด - หอยนางรมวางบนนิ้วกลาง

การเต้นรำในที่สาธารณะมาพร้อมกับครอบครัวและงานเฉลิมฉลองส่วนตัว เมืองและวันหยุดประจำชาติ การเต้นรำมีทั้งในประเทศ ในเมือง และในชนบท พวกเขามีความหลากหลายในการวาดภาพเรื่องและองค์ประกอบในองค์ประกอบของนักแสดง เป็นการเต้นรำทางสังคมที่มีอิทธิพลอย่างมากต่อการเกิดขึ้นของการเต้นรำบนเวที

นักรบโรมันผู้เคร่งขรึมในศตวรรษแรกของยุคของเราโดยเฉพาะอย่างยิ่งชอบการเต้นรำที่เหมือนทำสงครามในความทรงจำเกี่ยวกับการลักพาตัวสตรีชาวซาบีน ตามตำนานเล่าว่า Romulus เป็นผู้แนะนำ นอกจากนี้ยังมีการร่ายรำของนักบวช ถวายเกียรติแด่พระเจ้า พวกเขาดูเหมือนขบวนเคร่งขรึมมากขึ้น

ในช่วงที่จักรวรรดิโรมันเสื่อมโทรม การเต้นรำและละครใบ้กลายเป็นแว่นตาที่ผิดศีลธรรม และได้รับการปฏิบัติอย่างดูถูกจากพลเมืองที่มีเกียรติของกรุงโรม ซิเซโรและฮอเรซเขียนเกี่ยวกับการเต้นรำของชาวโรมันในบทความของพวกเขา

ระบำหน้าท้องเป็นหนึ่งในศิลปะการเต้นที่เก่าแก่และลึกลับที่สุด ประวัติของมันถูกปกคลุมไปด้วยความลึกลับและความลึกลับ วัฒนธรรมตะวันออกมักจะดึงดูดด้วยความงามและเสน่ห์ที่พิเศษอยู่เสมอ

ขณะนี้มีตำนานมากมายที่เกี่ยวข้องกับประวัติความเป็นมาของการเต้นรำหน้าท้องและนักแสดง ทุกคนสามารถจินตนาการถึงความงามที่ยืดหยุ่นได้ซึ่งเคลื่อนไหวอย่างกลมกลืนไปกับดนตรีจังหวะ อย่างไรก็ตาม มีเพียงไม่กี่คนที่สามารถตอบคำถามได้อย่างมั่นใจ “ระบำหน้าท้องมาจากไหน” และไม่ว่าเราจะเข้าใจถูกต้องหรือไม่

เวอร์ชันต้นกำเนิดของการเต้นรำหน้าท้อง รากประวัติศาสตร์

มีตำนานที่น่าสนใจที่อธิบายถึงลักษณะของระบำหน้าท้องว่าเป็นอุบัติเหตุ ถูกกล่าวหาว่าครั้งหนึ่งผึ้งบินอยู่ใต้เสื้อผ้าที่กำลังพัฒนาของนักเต้นข้างถนน แมลงรู้สึกงุนงงกับกลิ่นหอมที่สวยงามของน้ำมันที่เล็ดลอดออกมาจากหญิงสาว นักเต้นพยายามกำจัดผึ้งที่น่ารำคาญโดยไม่ขัดจังหวะการแสดงของเธอและดิ้นไปมาระหว่างการเต้นรำ หญิงสาวทำสิ่งนี้อย่างสง่างามและเป็นพลาสติก ดังนั้นผู้ชมทั่วไปจึงใช้การเต้นรำแบบพิเศษและรู้สึกยินดีเป็นอย่างยิ่ง หญิงสาวผู้ชาญฉลาดที่สังเกตเห็นความสำเร็จและความสนใจ ยังคงเคลื่อนไหวในรูปแบบใหม่ที่ไม่เคยปรากฏมาก่อน แสดงให้เห็นเส้นสายที่สวยงามของร่างกายและมือของเธอ หลายคนชอบการเต้นรำนี้และเริ่มแพร่กระจาย

แน่นอนว่านี่เป็นเพียงตำนาน ประวัติความเป็นมาของการเต้นรำหน้าท้องกินเวลานานกว่าการแสดงของสาวสวยคนหนึ่ง รากเหง้าของการเต้นรำแบบตะวันออกลึกลงไปในประวัติศาสตร์ และแม้กระทั่งตอนนี้ก็ยังไม่สามารถระบุแหล่งกำเนิดที่แน่นอนของระบำหน้าท้องได้

เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าพื้นฐานของระบำหน้าท้องเป็นการเต้นรำแบบโบราณซึ่งมีความหมายอันศักดิ์สิทธิ์ พวกเขายกย่องผู้หญิง เทพธิดาแห่งความอุดมสมบูรณ์ และผู้หญิงโดยทั่วไป ระบำหน้าท้องเป็นสัญลักษณ์ของสิ่งที่ในสังคมสมัยนั้นถือเป็นชะตากรรมอันศักดิ์สิทธิ์ของผู้หญิงทุกคน: กระบวนการของการตั้งครรภ์ การคลอดบุตร และการคลอดบุตรเอง อย่างไรก็ตาม การเต้นรำค่อยๆ เริ่มสูญเสียความหมายอันศักดิ์สิทธิ์และได้รับทิศทางที่เป็นโลกมากขึ้น

หากเราพูดถึงสถานที่ที่มีการเต้นรำหน้าท้อง นักวิจัยหลายคนมักจะนึกถึงอียิปต์โบราณ อย่างไรก็ตาม เป็นที่น่าสังเกตว่าหลายประเทศมีส่วนทำให้เกิดการเต้นประเภทนี้ ดังนั้นการเต้นรำของชาวอียิปต์ที่หลากหลายและหลากหลายในขั้นต้นจึงถูกเสริมด้วยนักเต้นจากอินเดีย พวกมันมีความยืดหยุ่นและปราณีตพร้อมการจัดเตรียมท่าเต้นที่ยอดเยี่ยม การเคลื่อนไหวของมือของพวกเขามีเอกลักษณ์เฉพาะตัวและมีความหมายพิเศษ ยังได้รับอิทธิพลจากเพื่อนบ้านที่ใกล้ชิดของชาวอียิปต์ เช่น เปอร์เซีย ซีเรีย ปาเลสไตน์ และบางประเทศในแอฟริกา ชาวยิปซีเร่ร่อนก็มีส่วนร่วมเช่นกัน การเต้นรำพื้นบ้านของพวกเขาผสมผสานกับประเพณีอินเดีย อาหรับ ยิวและสเปนเป็นเวลาหลายศตวรรษ ในกรีซ การเต้นได้แสดงอารมณ์ออกมาอย่างกระฉับกระเฉง สดใส และเฉียบคมยิ่งขึ้น ในตุรกีควบคู่ไปกับการเติบโตของดินแดนมีการเต้นรำพื้นบ้านมากขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งค่อยๆผสมกัน ด้วยเหตุนี้การเคลื่อนไหวที่หลากหลายจึงเกิดขึ้น จังหวะและรูปแบบใหม่ที่ไม่ธรรมดา

การกระจายและความนิยมของการเต้นระบำหน้าท้อง ชื่อไม่ถูกต้อง

อียิปต์ถูกค้นพบโดยนโปเลียนในยุโรป ชาวยุโรปที่มีความซับซ้อนเริ่มให้ความสนใจในวัฒนธรรมใหม่ที่ไม่รู้จัก นักเขียนและศิลปินต่างให้ความสนใจเป็นคนแรกๆ ที่มาเยือนประเทศลึกลับแห่งนี้ ซึ่งกำลังรีบอธิบายความงามของตะวันออกในทุกสี รวมถึงนักเต้นงามพื้นเมืองด้วย นักเดินทางกลุ่มแรกไม่ได้ล้าหลัง พูดถึงวัฒนธรรมตะวันออกว่าเป็นสิ่งมหัศจรรย์ แปลกใหม่ และเร้าอารมณ์ จึงมีความสนใจสูงและใช้งานได้สำเร็จ

ในปี พ.ศ. 2432 ปารีสได้เห็นสิ่งที่เรียกว่า "การเต้นรำแบบตะวันออก" เป็นครั้งแรก ไม่กี่ปีต่อมา หนึ่งในผู้แสดงของรายการดังกล่าวตัดสินใจที่จะดึงดูดผู้ชมให้ได้มากที่สุดโดยใช้ชื่อที่ตรงไปตรงมาและเร้าใจตามมาตรฐานของเวลานั้นบนโปสเตอร์ - "Danse Du Ventre" ("ระบำหน้าท้อง") ได้ผลตามที่คาดหวังไว้ หลายคนเต็มใจที่จะจ่ายเงินเพื่อดูนักเต้นที่เปลือยเปล่า ความคิดและสไตล์การเต้นตกหลุมรักฮอลลีวูดในทันที สิ่งนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการแพร่กระจายของ "ระบำหน้าท้อง" ต่อไป ความนิยมของการแสดงด้วยการมีส่วนร่วมของนักเต้นชาวตะวันออกเพิ่มขึ้นและชื่อ "เติบโต" อย่างแน่นแฟ้นกับสไตล์การเต้นของพวกเขา

ต่อมาได้มีการพยายามตีความชื่อนี้ในรูปแบบต่างๆ ทำให้การเต้นรำมีความหมายลึกซึ้งอีกครั้ง ตัวอย่างเช่น บางคนยึดติดกับรูปแบบที่ว่าระบำหน้าท้องหมายถึง "การเต้นรำแห่งชีวิต" (ท้องถูกเรียกว่าชีวิตเมื่อหลายศตวรรษก่อน) และชีวิตมีความเกี่ยวข้องอย่างแม่นยำกับผู้หญิงคนหนึ่งของแผ่นดินแม่และภาวะเจริญพันธุ์

นอกจากนี้ "ระบำหน้าท้อง" อาจเป็นเพียงการตีความคำว่า "บาลาดี" ที่ผิดพลาด มันหมายถึง "บ้านเกิด" ในความหมายที่กว้างที่สุดของคำ เป็นการเต้นรำแบบพื้นบ้านของชาวอียิปต์ที่มีการเต้นตามหมู่บ้านในโอกาสต่างๆ บ่อยที่สุดในบ้าน ในกลุ่มญาติๆ

ปัจจุบันมีการเต้นรำแบบตะวันออกมากกว่า 50 รูปแบบ แต่ละคนมีความอิ่มตัวด้วยองค์ประกอบที่มีอยู่ในการเต้นรำพื้นบ้านนี้หรือการเต้นรำพื้นบ้านซึ่งเมื่อหลายศตวรรษก่อนเป็นพื้นฐานของ "ระบำหน้าท้อง"

ตารางเรียนนาฏศิลป์ตะวันออก



วันจันทร์

วันอาทิตย์

ค่าใช้จ่ายกลุ่ม

บทเรียนทดลอง:

1
ชั่วโมง
600 ถู
200 ถู

2
ชั่วโมง
1 200 ถู
300 ถู

3
ชั่วโมง
1 800 ถู
400 ถู

ชั้นเรียนเดี่ยว:

1
ชั่วโมง
600 ถู

การสมัครรับข้อมูล: *

1
ชั่วโมงต่อสัปดาห์
4-5 ชั่วโมงต่อเดือน
2 000 ถู
1 900 ถู
438 รูเบิล/ชั่วโมง

2
ชั่วโมงต่อสัปดาห์
8-10 ชั่วโมงต่อเดือน
4 000 ถู
3 200 ถู
369 รูเบิล/ชั่วโมง