Igor Golovatenko แต่งงานกับ Vera Vasina Igor Golovatenko: “ในโอเปร่า สิ่งที่สำคัญที่สุดคือคนที่ร้องเพลง” – เหล่านี้เป็นโอเปร่าที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก

ที่นี่ฉันจะถอยออกจากลำดับเหตุการณ์ทันที หลังจากการฉายรอบปฐมทัศน์ของ Don Carlos ในเดือนธันวาคมในงานเลี้ยงที่โรงละครบอลชอยหญิงสาวที่งดงามซึ่งกลายเป็น Olga Rostropovich ได้เข้ามาทักทายฉันด้วยความยินดี ฉันดีใจและดีใจมากที่ได้พบกับลูกสาวของไอดอลในวัยเยาว์ของฉัน Mstislav Leopoldovich ซึ่งฉันใฝ่ฝันที่จะได้เจอ แต่ไม่มีโอกาสได้เจอ! ยิ่งไปกว่านั้น ฉันยังเป็น "หลานชายด้านการสอน" ของ Rostropovich ศาสตราจารย์เชลโลของฉัน Lev Vladimirovich Gokhman เรียนกับ Svyatoslav Knushevitsky ก่อนแล้วจึงเรียนกับ Rostropovich

- อะไรทำให้คุณออกจากเชลโล?

เรื่องยาว. เห็นได้ชัดว่ามี "สัญญาณลับ" อยู่บ้าง ฉันต้องการที่จะดำเนินการ เมื่ออายุ 19 ปี ฉันพบว่าตัวเองอยู่ภายใต้การควบคุมของวงออเคสตราของนักเรียนที่ฉันเล่นเอง วาทยากรล้มป่วยสองสัปดาห์ก่อนคอนเสิร์ต และจำเป็นต้องช่วยเหลือพวกเขา ฉันถูกขอให้เขียนโปรแกรมเปียโนคอนแชร์โต้ชุดที่ 3 ของ Beethoven, Overture to "The Marriage of Figaro" และ "Symphony Concertante" ของ Mozart จากนั้นเขาได้แสดง Francesca da Rimini ของ Tchaikovsky และผลงานของนักประพันธ์เพลงร่วมสมัย Saratov ต่อมาเมื่อเป็นนักเรียนจากมอสโกเขาได้รับเชิญไปคอนเสิร์ตที่ Saratov Philharmonic หลายครั้ง รายการมีความน่าสนใจ เช่น เพลงฝรั่งเศสกับเพลง "Roman Carnival" ของ Berlioz ที่นั่นฉันได้แสดง Don Juan โดย R. Strauss เป็นครั้งแรก อันดับแรกก็มีการปฏิบัติแล้วจึงศึกษา

หลังจากปีที่ 3 ที่ Saratov Conservatory ฉันเข้าเรียนที่ Moscow Conservatory ในชั้นเรียน V.S. Sinaisky เพื่อแสดงซิมโฟนี หลังจากศึกษามาสองปี Vasily Serafimovich ก็ออกจากเรือนกระจกทันที ลองนึกภาพความประหลาดใจของฉันเมื่อก่อนเริ่มปีการศึกษาใหม่ สำนักงานคณบดีบอกฉันว่า: "ตอนนี้คุณอยู่ในชั้นเรียนของ G.N. Rozhdestvensky"

ตอนที่ฉันย้ายไปเรียนที่ชั้นเรียนของ Rozhdestvensky มีสองคณะได้รวมเข้าด้วยกันที่เรือนกระจก และผู้ควบคุมวงซิมโฟนีก็มาอยู่ร่วมกับผู้ควบคุมวงประสานเสียง และหลายคนที่เพิ่งผ่านการสัมภาษณ์ก็หลั่งไหลมาเรียนออร์เคสตราด้วย ฉันโชคดีมากที่ Gennady Nikolaevich ไม่ได้พาทุกคนไป

คุณไม่เสียใจเหรอที่อาชีพนักร้องของคุณเริ่มต้นช้ากว่าเพื่อนร่วมงานในยุคปัจจุบัน? นั่นคือพวกเขา "เสียเวลา" 5-7 ปีในการฝึกฝนงานศิลปะชิ้นที่ซับซ้อนที่สุดซึ่งพวกเขาต้องละทิ้งไป?

ไม่ ฉันไม่เสียใจกับสิ่งที่เกิดขึ้น และฉันรู้สึกขอบคุณครู "พรีโวคอล" ทุกคนมาก! เพราะถ้า Sinaisky ไม่ได้ให้เทคนิคแบบแมนนวลและพื้นฐานของการดำเนินการและการวางมือแก่ฉัน Rozhdestvensky คงมีช่วงเวลาที่ยากลำบาก เขาแค่ไม่ได้ทำมัน บทเรียนของเขาให้ข้อมูลอย่างน่าอัศจรรย์ หนึ่งชั่วโมงครึ่งของข้อมูลอันล้ำค่าที่จะต้องบันทึกไว้ในเครื่องอัดเสียงเพื่อที่ในภายหลังหลังจาก 10 ครั้งคุณก็สามารถเข้าใจทุกอย่างได้ แต่สิ่งที่มือหรือข้อศอกควรทำนั้นไม่ได้รบกวนเขา นั่นคือการใช้นิ้วในบางสถานที่: "สาม" หรือ "ตรงเวลา" เพื่อดำเนินการ

ตอนนี้ในชีวิตมีสิ่งต่างๆ มากมายเกิดขึ้น ฉันจำเชลโลที่พ่อแม่ทิ้งไว้ใน Saratov ด้วยความอ่อนโยนอย่างยิ่ง เพราะนิ้วของฉันสัมผัสได้ถึงเครื่องดนตรีที่ยังมีชีวิตอยู่ ฉันอยากเล่น...

โอ้ คุ้นเคยดี กล้ามเนื้อดูเหมือนจะจำได้ แต่คุณเอาเครื่องดนตรีไป - และมันจะแก้แค้นคุณ ไม่ตอบสนองความรู้สึกแบบเดียวกัน แค่ผิดหวัง...

ใช่ ฉันไม่ได้เล่นเชลโลมา 12 ปีแล้ว! หวังว่าสักวันหนึ่ง..เมื่อลูกๆโตขึ้นมีเวลาว่าง..

คุณเป็นนักเล่นเชลโลที่มีเสียงดังหรือไม่? ผู้ชายที่มีเครื่องดนตรีนี้มักจะหายใจดังมาก "อย่างหลงใหล" ขณะเล่น ตัวอย่างเช่นในห้องเดี่ยวของ Bach สิ่งนี้จะสังเกตเห็นได้ชัดเจนในการบันทึก!

ไม่ อาจารย์ของฉันไม่รู้จักเสียงภายนอกใดๆ ในระหว่างฟังเพลง จึงระงับเสียงเหล่านั้นทันที นอกจากนี้ยังมีวาทยากรที่ฮัมเพลง สูดจมูก และร้องเพลงตามระหว่างคอนเสิร์ตอีกด้วย และพวกเขายังหมายถึงบันทึกของผู้ยิ่งใหญ่ รวมถึง Toscanini ด้วย แต่อิสรภาพนี้ไม่ได้ตกแต่งเลยและยังเป็นอุปสรรคต่อทั้งวงออเคสตราและนักร้องด้วยเมื่อเกจิมีพฤติกรรมส่งเสียงดังห่างจากศิลปินเดี่ยวหนึ่งเมตร ฉันเสียใจที่ฉันไม่เคยมีโอกาสได้เห็น "ชายชรา" ผู้ยิ่งใหญ่หลายคนด้วยตาของตัวเอง ทั้ง Mravinsky และ Karajan แม้แต่ Evgeny Fedorovich Svetlanov ตอนที่ฉันมาถึงที่นี่ เขายังคงแสดงคอนเสิร์ตครั้งสุดท้ายในมอสโกว แต่อนิจจามันไม่เกิดขึ้นเลย ตามเรื่องราวของภรรยาของฉันซึ่งเป็นนักร้องในขณะนั้นเป็นนักเรียนที่ Choral Academy ซึ่งเข้าร่วมในการแสดงซิมโฟนีที่แปดของ Mahler ภายใต้กระบองของ Svetlanov มันเป็นเรื่องที่ยากจะลืมเลือน แต่ห้าปีรวมถึงหลักสูตรระดับสูงกว่าปริญญาตรีในชั้นเรียนของ Gennady Nikolaevich ก็คุ้มค่าเช่นกัน!

ดังนั้น Rozhdestvensky ให้ตัวอย่างของแนวทางแบบมืออาชีพไม่เพียง แต่ในด้านเทคนิคเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงพฤติกรรมของผู้ควบคุมวงบนเวทีด้วย ไม่ควรมีสิ่งใดที่เบี่ยงเบนความสนใจหรือเข้าใจได้อย่างคลุมเครือ ท่าทางควรมีความแม่นยำและเข้าใจได้เสมอ ลงตามสไตล์. การประชุมสัมนาของเขาเมื่อเขาพูดคุยอย่างสง่างามถึงความแตกต่างในแนวโน้มในการวาดภาพ - นี่คือจุดแข็งของเขา - ทำให้เรานักเรียนเข้าใจทันทีว่าเราขาดการศึกษาบังคับให้เราอ่านและศึกษาเพื่อเข้าใกล้ปรมาจารย์อย่างน้อยหนึ่งก้าว Gennady Nikolaevich มีความสามารถในการไม่ทำงานร่วมกับออเคสตร้าที่ไม่สามารถเล่นร่วมกันได้อย่างหมดจดและใช้งานที่ง่ายที่สุดได้มานานแล้ว เขาเขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้ด้วยตัวเองและไม่ได้ปิดบังมัน ฉันรู้ว่า Rozhdestvensky จะถูกนักล่าหลายคนดุ แต่สำหรับฉัน ประการแรก เขาเป็นครู และไม่ต้องสงสัยเลยว่ามีบุคลิกภาพขนาดใหญ่

- Maestro Rozhdestvensky ตอบสนองต่อ "การทรยศ" ของคุณอย่างไร?

นี่เป็นอีกเรื่องหนึ่ง เพราะผมจากไปค่อนข้างกระทันหัน เป็นไปไม่ได้ที่จะได้งานเป็นผู้ควบคุมวงออเคสตรา เราต้องทำงานเพื่อหาเลี้ยงตัวเอง ฉันไม่สามารถเรียนต่อในเวลาเดียวกันได้ ฉันเพิ่งหยุดเรียนปริญญาโทเป็นปีที่สอง พวกเขาโทรหาฉันและขอให้ฉันเขียนจดหมายลาออก และฉันก็รู้สึกเหมือนอยู่ในชีวิตที่แตกต่างออกไป อาชีพก่อนหน้านี้ ทั้งเชลโลและวาทยากร ดูเหมือนจะกลายเป็นอดีตไปแล้ว รากฐานของการเปลี่ยนไปสู่อาชีพนักร้องนั้นฝังลึกมาก ฉันไม่สามารถตอบตัวเองได้เต็มที่ ทุกคนประหลาดใจ - คุณจะเลิกแสดงและเริ่มร้องเพลงได้อย่างไร?

โดยทั่วไปก็เหมือนกับการย้ายจากนายพลมาเป็นนายทหาร ท้ายที่สุดแล้ว วาทยากรของวงออเคสตราสั่งงานทุกคนตั้งแต่อายุยังน้อย เช่น ผู้บังคับบัญชาหรือนักเล่นหมากรุก และนักร้อง แม้จะเป็นผู้ที่โดดเด่นก็เป็นเพียงตัวหมากรุกเท่านั้น มีความสำคัญไม่มากก็น้อย

ในแง่หนึ่งใช่ แต่ฉันแค่ลองอาชีพในฐานะวาทยากรและจัดคอนเสิร์ตในมอสโกเพียงไม่กี่ครั้งเท่านั้น ฉันจำได้ว่าเป็นครั้งแรกในรัสเซียที่ฉันแสดง "Concert Music for Strings and Brass (Boston Symphony)" ของ Hindemith ในปี 2002 แล้วจะเป็นอย่างไรต่อไป?

ในช่วงปีสุดท้ายของเรือนกระจก เรามีหัวข้อ "การทำงานกับนักร้อง" ดำเนินรายการโดยนักร้อง Maria Viktorovna Ryadchikova ซึ่งกลายเป็นครูสอนร้องเพลงคนแรกของฉัน ในชั้นเรียนของเธอที่โรงเรียนที่ตั้งชื่อตาม ฉันกลายเป็นนักดนตรีที่ Gnesins แม้ว่าฉันไม่เคยได้รับประกาศนียบัตรเปียโนอย่างเป็นทางการ แต่ในทางปฏิบัติ ฉันเชี่ยวชาญการอ่านการมองเห็น ความสามารถในการฟังศิลปินเดี่ยว และทักษะการขนย้าย ในตอนแรกพวกเขาพยายามนำฉันเหมือนเทเนอร์ที่แข็งแกร่ง และดูเหมือนว่าจะได้ผล แต่เมื่อพยายามยืดท่อนบน กลับเกิดปัญหาขึ้น และมันก็เริ่มอึดอัด จากนั้นตามข้อตกลงร่วมกัน เราจึงตัดสินใจหาครูคนอื่น

ด้วยความช่วยเหลือของ Svetlana Grigorievna Nesterenko ซึ่งตอนนั้นเป็นหัวหน้าแผนกแกนนำของ Gnesinka ฉันจึงไปที่ Dmitry Yuryevich Vdovin ฉันรู้แล้วว่าฉันต้องการเรียนเสียงร้องอย่างจริงจังและร้องเพลงอย่างมืออาชีพ วโดวินคัดเลือกฉัน และฉันได้ฝึกงานหนึ่งปีที่ Choir Academy จากนั้นเขาก็ทำงานเป็นนักดนตรีในชั้นเรียนของ Dmitry Yuryevich อีกปีครึ่ง และฉันต้องบอกว่าไม่เพียงแต่บทเรียนร้องเพลงโดยตรงเท่านั้น แต่ยังเล่นและฟังทุกคนในชั้นเรียนตลอดทั้งวันด้วย - มันเป็นโรงเรียนที่ทรงคุณค่าและฉันจำครั้งนี้ด้วยความซาบซึ้งใจมาโดยตลอด อุปกรณ์และเทคนิคทั้งหมดถูกสร้างขึ้นเมื่อห้าปีที่แล้ว ตอนนี้ฉันสามารถออกกำลังกายกับ Dmitry Yuryevich ได้ แต่น่าเสียดายที่น้อยมากเมื่อเราตัดกันและมีเวลา เพราะทันทีที่ฉันเริ่มทำงานที่ New Opera ฉันก็เข้าสู่ละครหลักและแทบไม่มีเวลาว่างเหลือแล้ว!

แน่นอนว่ากรณีของคุณของ Igor เมื่อตั้งแต่ชั้นเรียนของ Rozhdestvensky ไปจนถึงบาริโทนเป็นข้อยกเว้น แต่นักร้องที่มีส่วนร่วมในดนตรีมาตั้งแต่เด็กไม่ใช่เรื่องแปลกในปัจจุบัน แต่เกี่ยวกับการขาดแคลนวาทยากรที่รู้สึกถึงนักร้องในโรงละครโอเปร่าอย่างแท้จริง มีการร้องเรียนจากศิลปินเดี่ยวที่มีความสามารถมากขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งในอดีตมักเป็นผู้ควบคุมวงประสานเสียง คุณรู้สึกอย่างไรเมื่อประเมินเกจิคนต่อไป?

ใช่มันอาจเป็นเรื่องยาก นี่คือตัวอย่างล่าสุดจากดอน คาร์ลอส ฉันจะบอกทันทีว่า Robert Treviñoทำสำเร็จเพื่อเราทุกคน เพราะเมื่อรู้ว่าต้องนำการแสดงที่หัวหน้าวาทยากรทิ้งมาฉายรอบปฐมทัศน์จึงกระทบกระเทือนระบบประสาท เขาทำทุกอย่างอย่างมีเกียรติมาก แต่เรามีช่วงเวลาหนึ่งในองก์ที่ 1 ที่เข้ากันไม่ได้ สำหรับโรดริโกที่เพิ่งปรากฏตัวบนเวที นี่เป็นวลีที่ยาก ยืดหยุ่นในเรื่อง Agogics และเป็นข้อความที่ไพเราะในทันที และฉันก็ทนไม่ไหว ฉันพูดว่า: "เกจิ คุณขับช้าลงที่แถบที่ 3 แต่ฉันไม่ทำ" เพราะเขาทำแถบนี้ "หก" และเมื่อเขาทำ "สอง" ทุกอย่างก็ออกมาดี แต่มันยากสำหรับฉันที่จะพูดแบบนั้นต่อหน้าทุกคน มันไม่สำเร็จสามครั้งติดต่อกัน ฉันต้องทำ

แต่โดยทั่วไปแล้ว ฉันพยายามที่จะไม่โฆษณาความรู้ความประพฤติของฉัน เพราะในตอนแรกที่ Novaya Opera ฉันถูกมองว่าเป็นผู้ควบคุมร้องเพลงมากกว่า ใช่แล้วฉันร้องเพลงได้อ่อนแอกว่ามากมีอะไรจะซ่อนอยู่ แน่นอนว่าการศึกษาครั้งแรกทั้งช่วยและขัดขวางคุณจะเห็นข้อบกพร่องของผู้บังคับบัญชาที่แผงควบคุมได้ดีกว่าคนอื่น ๆ แต่คุณยังต้องทำงานร่วมกับเขาและต้องสังเกตชั้นเชิงด้วย

-คุณเป็นนักเรียนที่สมบูรณ์หรือเปล่า?

โอ้ใช่! โชคร้ายอีกอย่าง...แต่เวลาฉันร้องเพลงฉันไม่ได้ยินเสียงตัวเองตลอดเวลา มันเกิดขึ้นที่ฉันไม่ได้ตีมันในตำแหน่ง สิ่งนี้จะต้องได้รับการตรวจสอบด้วยความรู้สึกหรือบันทึกและวิเคราะห์หลังจากช่วงเวลาทำงาน ทุกคนคงยืนยันทั้งนักร้องดังและมือใหม่ ยิ่งไปกว่านั้น เสียง "ที่เอาต์พุต" หากคุณวางไมโครโฟนไว้ข้างนักร้องกับสิ่งที่ผู้ชมได้ยินพูดบนเวทีประวัติศาสตร์ของโรงละครบอลชอยที่ระยะห่างหลายสิบเมตรก็มีความแตกต่างอย่างมาก ฤดูกาลที่แล้ว หลังจากเป็นหวัด ฉันร้องเพลง "La Traviata" ที่ Bolshoi และดูเหมือนว่าฉันจะหายใจมีเสียงหวีด แต่ในทางปฏิบัติแล้วแทบไม่ได้ยินอะไรแบบนี้ในห้องโถงเลย

ตอนนี้คุณกำลังโน้มน้าวใจในฐานะนักแสดงบนเวที แต่คุณไม่ได้เรียนวิชานี้ที่เรือนกระจกเลยแม้แต่น้อย

New Opera ช่วยฉันได้มากที่นี่ นี่คือโฮมเธียเตอร์ของฉัน ฉันมาที่นี่โดยมีความรู้เพียงเล็กน้อยทั้งทางเสียงและทางพลาสติก ฉันเรียนรู้ทุกอย่างไปตลอดทาง ต้องขอบคุณทีมผู้กำกับที่ฉันมีโอกาสร่วมงานด้วย นักออกแบบท่าเต้น Ivan Fadeev ทำงานร่วมกับฉันเป็นการส่วนตัวโดยฝึกการเคลื่อนไหวขั้นพื้นฐานและคันธนู ผู้กำกับ Alexey Vairo เมื่อฉันรู้จัก Onegin ก็ไม่ทำให้ฉันผิดหวังจริงๆ ไม่พลาดการเคลื่อนไหวพิเศษหรือ "ผิด" แม้แต่ครั้งเดียว

- บทบาทแรกของคุณคืออะไร?

มารุลโลในริโกเล็ตโต มันดูน่าสนใจ ฤดูร้อนนี้ปี 2013 ฉันร้องเพลง Rigoletto ด้วยตัวเองเป็นครั้งแรกและฉันจำได้ว่าเมื่อเจ็ดปีที่แล้วเกือบจะในเวลาเดียวกันฉันปรากฏตัวบนเวทีในโอเปร่าเรื่องเดียวกันในบทบาทเล็ก ๆ

- โดยทั่วไปแล้ว บาริโทนรุ่นเยาว์ที่ร้องเพลงทั้ง Onegin และ Rigoletto นั้นค่อนข้างหายาก

ฉันคิดว่า Onegin เป็นคู่ที่ค่อนข้างแข็งแกร่ง อีกประการหนึ่งคือตามธรรมเนียมบาริโทนเกือบทั้งหมดร้องเพลงนี้ในประเทศของเรา: ทั้งโคลงสั้น ๆ และโคลงสั้น ๆ - ละคร อย่างไรก็ตามในโลกตะวันตก Onegin มักจะร้องด้วยเสียงที่หนักแน่นมาก - ก่อนหน้านี้ Titta Ruffo, Ettore Bastianini ต่อมา Bernd Weikl, Wolfgang Brendel ร้องเพลง ยิ่งไปกว่านั้น ในโลกตะวันตก โดยทั่วไปแล้วมีประเพณีที่แตกต่างออกไปเล็กน้อยในการแสดงละครของรัสเซีย ตัวอย่างเช่น งานปาร์ตี้ของ Yeletsky ก็ถือว่าแข็งแกร่งมากเช่นกัน เกือบจะเหมือนกับของ Tomsky Onegin เป็นส่วนที่ยืดหยุ่นในแง่ของเสียงต่ำ แต่ยังคงแข็งแกร่ง มันเริ่มต้นอย่างมีความสุขเช่นนี้ แต่เมื่อถึงตอนจบ คุณจะต้องเจาะวงออเคสตราที่มีความหนาแน่นค่อนข้างหนาแน่นด้วยเทสซิทูรา

- ถ้าอย่างนั้น เราคาดหวัง Boccanegra จากคุณเร็วๆ นี้ได้ไหม?

ยังเร็วเกินไปที่จะพูดถึง Boccanegra แต่ในปีที่ผ่านมาฉันได้ร้องเพลงฮีโร่ Verdi ไม่น้อยกว่าแปดคน! ฉันจะแสดงรายการ: Germont (เปิดตัวบนเวทีประวัติศาสตร์ของโรงละครบอลชอย), Renato - "Un ballo in maschera" ในโรงละครสามแห่งในอิตาลี, Seid Pasha ใน "The Corsair" ใน Trieste, Montfort ใน "Sicilian Vespers" ในภาษาอิตาลี ในกรุงเอเธนส์ ก่อนหน้านั้นในปี 2011 ฉันร้องเพลงเวอร์ชั่นภาษาฝรั่งเศสที่เมืองเนเปิลส์ การเรียนรู้ข้อความใหม่เป็นเรื่องยากมาก! ที่ New Opera มีการแนะนำ Il Trovatore (เปิดตัวด้วย!) ใน Germont เดียวกันซึ่งกำกับโดย Alla Sigalova การแสดงคอนเสิร์ตของ Aida (Amonasro), Rigoletto ใน Savona และสุดท้าย Rodrigo di Posa ที่ โรงละครบอลชอย

แน่นอนว่า Rigoletto ได้กลายเป็นรุ่นทดลองไปแล้ว ฉันเห็นด้วยเพราะมันเป็นโรงละครขนาดเล็ก ในซาโวนามีป้อมปราการสมัยศตวรรษที่ 16 ใกล้ทะเลและในนั้นมีลานภายในพร้อมเสียงธรรมชาติ ก่อนหน้านั้นฉันได้ร้องเพลง Un ballo in maschera ไปแล้ว การผลิตพร้อมแล้ว "รวบรวม" และแนะนำให้ทุกคนรู้จักภายในสิบวัน และผู้กำกับคือ โรลันโด ปาเนราย บาริโทนผู้ยิ่งใหญ่แห่งอดีต ราวกับว่าพระองค์ทรงอวยพรฉัน ฉันรู้สึกได้ถึงความเชื่อมโยงระหว่างรุ่นทางร่างกาย การได้พบกับตำนานเช่นนี้ถือเป็นเหตุการณ์หนึ่งแล้ว และการได้ฟังเขาร้องเพลงและแสดงเมื่ออายุ 89 ปีก็สุดยอดมาก! เขาตีท็อปโน๊ตที่น่าทึ่งมาก! พรรณรายให้ความสนใจอย่างมากกับ Rigoletto ที่อายุน้อยเช่นนี้ เขาทำทุกอย่างเพื่อให้ฉันรู้สึกสบายใจ เช่น ถอดวิกแล้วย้อมผมให้เป็นสีเทา

นักร้องที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 Renata Scotto ซึ่งปรากฎว่าเกิดที่ Savona ปรากฏตัวในรอบปฐมทัศน์! นักเรียนของเธอร้องเพลง Gilda - สำหรับเธอนี่เป็นเหตุผลในการเข้าร่วมการแสดง การแสดงครั้งที่สองมี Luciana Serra ผู้โด่งดังไม่น้อยเข้าร่วม จากนั้น Dmitry Yuryevich กับฉันก็คุยกันว่าฉันโชคดีแค่ไหนที่เมื่อเริ่มต้นการเดินทางฉันเจอชื่อในอดีตเช่นนี้! และความบังเอิญมีอยู่รอบตัว: วันครบรอบ 200 ปีของ Verdi, วันครบรอบ 100 ปีของ Tito Gobbi และแปดส่วนแวร์ดี! “บรรทัดฐาน” คือ 3-4 บทบาทใหม่ต่อปี

- ก่อนขึ้นเวทีคุณกลัวหรือประหม่ามากแค่ไหน?

ฉันไม่กลัว แต่ฉันกังวล โดยเฉพาะถ้ามันยังร้องไม่หมดและคุณไม่แน่ใจร้อยเปอร์เซ็นต์ อย่างไรก็ตาม Rigoletto มีความกลัวน้อยกว่าที่เขาคิด เพราะผมกับวีโดวินทำท่อนนี้อย่างระมัดระวังจนสามารถร้องได้ในทุกสภาวะ และทั้งทีมรวมทั้งวาทยากรมากความสามารถ คาร์โล ริซซารี (ผู้ช่วยของปัปปาโน) ก็สนับสนุนผมเป็นอย่างมาก

แน่นอนว่ามันยากกว่าถ้าคุณไม่แข็งแรงสมบูรณ์แต่คุณต้องร้องเพลง และนี่คือจุดที่โรงเรียนและเทคโนโลยีเข้ามาช่วยเหลือ ไม่มีความหวาดกลัวบนเวทีเช่นนี้ สำหรับฉัน นี่คือที่อยู่อาศัยที่คุ้นเคย ไม่ว่าฉันจะยืนหันหลังให้ผู้ชมในฐานะวาทยากร หรือตอนนี้หันหน้าไปทางแล้ว

ความต้องการโอเปร่าของคุณกำลังให้กำลังใจ แต่นักดนตรีในเมเจอร์ลีกคงไม่อยาก "ไปทางซ้าย" - เพื่อร้องเพลงที่ไพเราะอย่างประณีตเพื่อให้อยู่ในภาพลักษณ์ของ "The Wandering Apprentice" ของ Mahler หรือไม่?

ฉันต้องการมันจริงๆ! ฉันไม่ปฏิเสธตอนเย็นที่ใกล้ชิดแบบเจียมเนื้อเจียมตัวด้วยซ้ำ คุณเห็นบันทึกย่อหรือไม่? นี่สำหรับ “คอนเสิร์ตในห้องโถง” ของ New Opera ที่นั่นฉันจะร้องเพลงวงจรของ Ravel เรื่อง "Three Songs of Don Quixote to Dulcinea", เพลงโรแมนติกของ Rachmaninov เรื่อง "Arion" และแม้แต่ "The Forest King" ของ Schubert โปรแกรมนี้ภายใต้กรอบของสัปดาห์ Epiphany แบบดั้งเดิมของเรา มุ่งเน้นไปที่หัวข้อวรรณกรรมโดยเฉพาะ (การสนทนาเกิดขึ้นก่อนเริ่มสัปดาห์ Epiphany ด้วยซ้ำ - ประมาณ อัตโนมัติ).

เป็นไปไม่ได้ที่จะแสดงแชมเบอร์มิวสิคบ่อยๆ เพราะใช่ ฉันยุ่งกับการแสดงมาก ไม่ใช่ความผิดของใคร – นั่นคือสิ่งที่จะเกิดขึ้น แต่ฉันฝันถึงรายการจาก Tchaikovsky และ Glinka กับ Semyon Borisovich Skigin ในเดือนมิถุนายนร่วมกับเทเนอร์ Sergei Radchenko จาก Bolshoi Theatre Youth Program ในเรื่องนี้ฉันขอแสดงความนับถือ Molodezhka เกือบทุกสัปดาห์จะมีรายการแชมเบอร์และคอนเสิร์ตบางประเภท ฉันพลาดสิ่งนี้มากในช่วงเริ่มต้นการเดินทาง ฉันศึกษามามากและเริ่มร้องเพลงในการแสดงทันที แต่นักดนตรีเท่านั้นที่ร้องเพลงโอเปร่าเป็นคนใจแคบเล็กน้อยโดยเฉพาะอย่างยิ่งถ้าท่อนนั้นเหมือนกัน และแม้แต่แวร์ดีผู้ยิ่งใหญ่หรือชาวอิตาลีในวงกว้าง บางครั้งก็อยากจะ "เจือจาง" กับชาวเยอรมัน Lieder หรือเนื้อเพลงภาษาฝรั่งเศสอันละเอียดอ่อนของ Debussy และ Chausson

หากจู่ๆ พวกเขาเสนอให้ร้องเพลง "Wozzeck" หรือ "Cardillac" โดย Hindemith ใครจะชนะ - ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Rozhdestvensky ที่คุ้นเคยกับโรงเรียน Novovenskaya โดยตรงหรือนักร้องอัจฉริยะที่เข้าใจว่าหลังจาก Berg เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่ร้องเพลงเบล คันโต?

ฉันคงไม่ร้องเพลงส่วนที่ตั้งชื่อไว้ ดนตรีของ "Wozzeck" ไม่เพียงแต่ซับซ้อนเท่านั้น แต่ยังมีความสำคัญในแง่ของเสียงร้องอีกด้วย หากใน verismo ซึ่งมีเสียงกรีดร้องมากมาย แต่ยังคงมี cantilena อยู่ล่ะก็ Wozzeck ก็เกือบจะร้องเพลงโอเปร่าเช่นนี้ แล้วมันก็ยากที่จะเข้าถึงตัวละครในทางจิตวิทยา แม้แต่ Rigoletto ฉันก็ตัดสินใจว่าควรเลื่อนออกไปหลายปีจะดีกว่าแม้ว่ามันจะออกมาดีในช่วงนี้ก็ตาม คนหลังค่อมที่น่าเศร้ายังต้องใช้ประสาทและการควบคุมตนเองเพื่อที่จะร้องเพลง "Vendetta" ด้วยหัวที่เยือกเย็นและไม่ถูกพาตัวไป และวอซเซ็คก็แย่กว่ามากทั้งในด้านดนตรีและโครงเรื่อง ทุกอย่างบิดเบี้ยวมากที่นั่น! กับ Hindemith ฉันอยากจะร้องเพลง “The Artist Mathis” มากที่สุด ฉันชอบเพลงนี้ แต่ไม่ใช่ตอนนี้ พรรคต้องการวุฒิภาวะที่มากขึ้น มันเป็นละครที่เฉพาะเจาะจงของศตวรรษที่ 20 อย่างแน่นอนซึ่งฉันไม่ได้พยายามอย่างหนักในขณะนี้ ในอีกไม่กี่ปีข้างหน้า - Verdi, bel canto, ดนตรีฝรั่งเศสบางส่วน

- และโมสาร์ทซึ่งนักร้องหลายคนคิดว่าเกือบจะเป็นการเยียวยาเสียง?

น่าเสียดายที่จนถึงตอนนี้ฉันสอนแค่ในชั้นเรียนและแสดงเพลงเดี่ยวในการออดิชั่นสองสามครั้ง Dmitry Yuryevich เชื่อว่าฉันไม่ใช่นักร้องของ Mozart แม้ว่าตัวฉันเองคิดว่าฉันสามารถร้องเพลง The Count และแม้แต่ Don Juan ได้ แต่สิ่งนี้ต้องการความยืดหยุ่นในการร้องที่มากขึ้น และที่สำคัญกว่านั้นคงมีคนอื่นอยากเห็นฉันในเกมนี้ มีบาริโทนของโมสาร์ทที่เหมาะสมกว่านี้อีกมากมาย

ตอนนี้เรามาพูดถึงโรดริโก มาร์คัส ดิ โปซา ของคุณที่ทำให้เกิดความปั่นป่วนในความหมายที่ดีที่สุดกันดีกว่า คุณคาดหวังว่าจะมีการอนุมัติจากสื่อมวลชนสำหรับงานล่าสุดของคุณหรือไม่? มันเหมือนกับว่าคุณกำลังเดบิวต์อีกครั้ง!

ไม่ ฉันไม่ได้คาดหวังมัน ฉันพยายามทำทุกอย่างอย่างจริงใจให้ดีที่สุด พยายามทำให้ดีที่สุดในระหว่างการซ้อมและการแสดง ฉันคิดว่ามันใช้งานได้ แต่เมื่อเขาโค้งคำนับครั้งแรก เสียงปรบมือของผู้ชมแทบจะทำให้เขาแทบล้มลง

พวกเขาอ้างว่าพวกเขามีตัวละครจริงๆ! ฉันแค่หวังว่าจะได้ยินโรดริโกตัวจริงในการแสดงชุดฤดูร้อนใหม่ แต่ถึงแม้จะมาจากเศษเสี้ยวบน You Tube ฉันก็เห็นด้วย คุณอ่านชิลเลอร์ขณะทำงานหรือเปล่า?

แน่นอน! แปลโดย Mikhail Dostoevsky พร้อมคำนำโดย K. Batyushkov ซึ่งอธิบายมากมายเช่นกัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งความจริงที่ว่า Schiller's Pose เป็นตัวละครหลัก แนวคิดที่ใส่เข้าไปในปากของดิ โพเซคือความคิดของชิลเลอร์เอง ซึ่งเป็น "อัตตาที่เปลี่ยนแปลง" ของเขา บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมเขาถึงปรับปรุงละครเรื่องนี้ใหม่มาก โดยบรรลุถึงการแสดงออกที่ทรงพลังและเข้าใจง่ายของปรัชญาของเขาต่อคนรุ่นเดียวกัน และในแวร์ดี โรดริโกคือหนึ่งในศูนย์กลาง หากไม่ใช่ตัวละครที่สำคัญที่สุด เพราะในทางดนตรีปาร์ตี้นั้นกว้างและสมบูรณ์กว่าปาร์ตี้อื่น

แต่เมื่อฉันได้เรียนรู้จากหนังสือเล่มใหม่ของโรงละครบอลชอยเกี่ยวกับดอน คาร์ลอส ความมีน้ำใจของแวร์ดีที่มีต่อดิ โพเซ่นั้นเป็นไปตามธรรมชาติ บาริโทนที่เตรียมบทบาทนี้ในรอบปฐมทัศน์ครั้งแรกที่ปารีสนั้นดีมาก เกือบจะเป็นนักร้องที่ฉลาดที่สุดในทีมนักแสดง และในระหว่างการซ้อม แวร์ดีได้แสดงบทโรแมนติกแสนวิเศษเรื่อง “Carlo, ch"è sol il nostro amore” ให้กับโรดริโก

อาจจะ. แต่โดยหลักการแล้ว “ดอน คาร์ลอส” ถูกสร้างใหม่หลายครั้ง! เมื่อเร็ว ๆ นี้ฉันอยู่ที่มิลานและแวะที่ร้านดนตรี Ricordi พวกเขาตีพิมพ์ชุด Don Carlos ทั้งหมดสองเล่มที่น่าทึ่ง ทั้งภาษาฝรั่งเศสและภาษาอิตาลี ปรากฎว่าผู้แต่งเขียนเพลงคู่แนวความคิดของ di Posa และ Philip สามหรือสี่ครั้ง ตัวเลือกทั้งหมดมีอยู่ในคลาเวียร์เป็นเรื่องน่าสนใจมากที่จะติดตามว่าแวร์ดีไปถึงอันสุดท้ายได้อย่างไร

- อะไรที่เหนือกว่าคุณใน di Pose นักอุดมคตินิยมโรแมนติกหรืออะไรที่กดดันบ่อยกว่านั้นคือนักปฏิวัติที่กระตือรือร้น?

รูปภาพมีความซับซ้อน สามารถตีความได้หลายวิธี แม้กระทั่งการเปลี่ยนการเน้นจากการแสดงไปสู่การแสดง แต่สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าโรดริโกเป็นนักการเมืองที่ฉลาดและมีทักษะเป็นอย่างแรก จากนั้นก็เป็นเพื่อนและทุกสิ่งทุกอย่าง แต่สิ่งสำคัญสำหรับเขาคือความคิดที่เขาพยายามปลูกฝังแม้กระทั่งในพระมหากษัตริย์ซึ่งใกล้เคียงกับแนวคิดของยุคแห่งการตรัสรู้ โดยทั่วไปแล้วโอเปร่าดอนคาร์ลอสและทิวทัศน์ของการผลิตละครบอลชอยของเราเน้นย้ำเรื่องนี้เป็นเรื่องที่มืดมนมาก เอลิซาเบธผู้ไม่มีความสุขถูกโชคชะตาทับทับ คาร์ลอสต้องเลือกระหว่างการค้นหาความรักและความต่อเนื่องของอาชีพทางการเมือง ซึ่งไม่มีอยู่จริงและไม่สามารถดำรงอยู่ได้ เพราะเขาไม่ใช่บุคคลที่เพียงพออย่างสมบูรณ์ ฟิลิปเป็นเผด็จการและเผด็จการ แต่ไม่ใช่โดยไม่มีความรู้สึกทางครอบครัวซึ่งไม่มีเส้นทางเนื่องจากทั้งเอลิซาเบ ธ และคาร์ลอสไม่สามารถตอบแทนความรู้สึกของเขาได้ เหนือสิ่งอื่นใดอาณาจักรแห่งความมืดนี้ยังมีร่างแห่งความหายนะของผู้สอบสวนปรากฏขึ้น ฉันจะบอกว่าโอเปร่าสิ้นหวัง และมีเพียงโพสเท่านั้นที่เป็นเหมือน "แสงแห่งแสงในอาณาจักรอันมืดมน" เพราะมันพยายามดิ้นรนเพื่อความคิดชั้นสูง เรียกร้องความเป็นมนุษย์ และปลูกฝังความหวัง ใช่ เขาไม่สามารถขัดขวางหรือยกเลิกการประหารชีวิตคนนอกรีตได้ แต่เขาบอกกษัตริย์อย่างตรงไปตรงมาว่าเขาผิด เห็นได้ชัดว่าไม่มีอัศวินแบบนี้อยู่ในราชสำนักของฟิลิปที่ 2 นี่เป็นสิ่งประดิษฐ์ทางศิลปะที่ชัดเจน ซึ่งไม่ได้ทำให้ความสวยงามลดลงแต่อย่างใด

ถือเป็นกรณีที่หาได้ยากในการแสดงละครโอเปร่า เมื่อบาริโทนไม่ใช่คู่แข่งกับเทเนอร์ในการครอบครองนักร้องโซปราโน และไม่ใช่พ่อที่ทุกข์ทรมาน และไม่ใช่ผู้ร้ายที่น่าสนใจ

ใช่ มันเป็นบทบาทพิเศษ และนั่นคือเหตุผลว่าทำไมมันถึงมีคุณค่า

- อีกตัวอย่างหนึ่งของความพิเศษเช่นนี้คือ Hamlet โดย Ambroise Thomas สำหรับบาริโทนเท่านั้น คุณชอบ?

มาก. ฉันฝัน. เมื่อ New Opera ต้องการแนะนำให้ฉันรู้จักกับ Hamlet น่าเสียดายที่การแสดงถูกยกเลิก และจนถึงขณะนี้ยังไม่มีข้อเสนอใดเป็นพิเศษ เนื่องจากโอเปร่าของทอมไม่ค่อยได้จัดแสดง

- ในไม่ช้าคุณควรร้องเพลง Onegin ในเนเปิลส์ที่ Teatro San Carlo อันโด่งดัง

ฉันคุ้นเคยกับโรงละครจากเรื่อง "Sicilian Vespers" อยู่แล้ว อะคูสติกนั้นยอดเยี่ยมมาก! คุณสามารถร้องเพลงได้ทุกจุดบนเวทีและทุกทิศทาง - คุณสามารถได้ยินทุกอย่าง ความสูญเสียในห้องโถงมีน้อย ซานคาร์โลไม่เคยได้รับการบูรณะอย่างกว้างขวาง ต่างจาก La Scala โดยตัวมันเองมีค่ามากเมื่อพิจารณาจากประวัติศาสตร์เกือบสามศตวรรษของหนึ่งในโรงอุปรากรที่เก่าแก่ที่สุดในยุโรปแห่งนี้! ฉันโชคดีที่ได้ร้องเพลงในโรงอุปรากรที่ใหญ่ที่สุดสองแห่งในอิตาลี นอกจากซานคาร์โลแล้วยังเป็น Teatro Massimo ในปาแลร์โมด้วย หลังนี้ถือว่าเป็นหนึ่งในโรงละครที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป

- คุณรู้สึกถึงความเลอะเทอะฉาวโฉ่ของชาวใต้ในกระบวนการทำงานหรือไม่?

ไม่ ฉันจะไม่พูดอย่างนั้น เราแจ้งกำหนดการล่วงหน้าหนึ่งเดือนและทุกอย่างก็เป็นไปตามนั้น บรรยากาศภายในทีมเป็นกันเองมาก ยกเว้นว่าฉันต้องรอเกือบหนึ่งปีสำหรับค่าธรรมเนียม แต่นี่เป็นเทรนด์ทั่วไปของอิตาลีในฟลอเรนซ์การรอเงินสองถึงสามปีถือเป็นเรื่องปกติ

- คุณสื่อสารกับเพื่อนร่วมงานเป็นภาษาอิตาลีที่นั่นหรือไม่?

ใช่ ฉันเชี่ยวชาญภาษาด้วยตัวฉันเองจริง ๆ เพราะเมื่อมีสัญญาฉบับแรกในอิตาลี Dmitry Yuryevich พูดว่า: "เรียนภาษาอิตาลีอย่างเร่งด่วน" ในหนึ่งเดือน ฉันไม่เพียงต้องเชี่ยวชาญการใช้เทคนิค "Sicilian Vespers" ในภาษาฝรั่งเศสเท่านั้น (การแสดงใช้เวลา 4 ชั่วโมงครึ่ง!) แต่ยังพยายามพูดภาษาอิตาลีด้วย ที่นั่น ในบรรดาผู้พูดภาษาพื้นเมือง ทุกอย่างดูง่ายขึ้น

เมื่อการแสดงยาวนานนักร้องบางคนบ่นว่าหยุดในส่วนนั้นถ้าตัวละครไม่อยู่บนเวทีเป็นเวลานานก็ท้อใจ

ฉันไม่สามารถพูดแบบนั้นเกี่ยวกับตัวเองได้บางทีมันอาจจะยังไม่เกิดขึ้นก็ได้ แต่แน่นอนว่าแต่ละส่วนต่างกันออกไป และศิลปินก็มีสมาธิต่างกัน ในแบบเดียวกัน “ดอน คาร์ลอส” คุณแทบไม่เคยลงจากเวทีเลย! เว้นแต่ในขณะที่กษัตริย์ฟิลิปกำลังทนทุกข์อยู่ในห้องทำงานของเขา แต่ก็ยังมีโอกาสได้พักผ่อน ฉันมาแสดงก่อนเริ่มการแสดง 3 ชั่วโมง - นี่คือนิสัยของฉัน สะดวกกว่าสำหรับฉัน ทุกอย่างทำช้าๆ คุณต้องร้องเพลงนานกว่าหนึ่งชั่วโมงจึงจะพร้อม นี่เป็นเรื่องของการปรับแต่งมากกว่าในระดับจิตใจ เมื่อคุณมีเพลงหนึ่งในคอนเสิร์ต คุณจะเตรียมตัวแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงกับเพลงที่ใหญ่และซับซ้อน ฉันไม่ได้คิดเรื่องนี้โดยตั้งใจ แต่ร่างกายเองก็เตรียมตัวสำหรับการวิ่งมาราธอนระยะยาว

คำถามสุดท้ายของฉันเป็นการจงใจยั่วยุ ลองนึกภาพว่าทันใดนั้นการแสดงก็ถูกทิ้งไว้โดยไม่มีผู้ควบคุมวง - เขาป่วยไม่มา ฯลฯ และเมื่อทราบเกี่ยวกับการศึกษาครั้งแรกของคุณ พวกเขาขอให้คุณกอบกู้สถานการณ์และยืนหยัดในการควบคุม

โอ้ไม่ใช่นี่! ฉันลาออกจากอาชีพวาทยากรไปนานแล้ว และแม้ว่าฉันจะรู้คะแนนที่ต้องการดี ฉันก็ไม่กล้าที่จะลงมือแสดง หากไม่มีการฝึกฝนมือก็ลืมไปแล้วว่าต้องทำอย่างไรและควรมอบสิ่งนี้ให้กับบุคคลที่เตรียมพร้อมมากกว่า แน่นอนว่ามีสถานการณ์หายนะที่ไม่มีทางเลือก แต่ขอบคุณพระเจ้า ฉันยังไม่ต้องจัดการกับพวกเขา และฉันหวังว่าจะไม่ต้องจัดการกับพวกเขา

ฉันถูกเสนอให้จัดคอนเสิร์ตบางประเภท โดยฉันจะเล่นเครื่องดนตรี แสดงดนตรี หรือร้องเพลง ฉันตอบว่าฉันไม่ใช่ "ผู้ควบคุมร้องเพลง" แต่เป็นนักร้องโอเปร่า และสิ่งที่เป็นอยู่ในอดีตก็ยังคงอยู่จนถึงตอนนี้ ถ้าสักวันหนึ่งที่มีผมหงอกและแก่ อยากกลับไปเป็นวาทยกร นั่นเป็นอีกหัวข้อที่ยังไม่สมเหตุสมผลที่จะพูดคุย ตอนนี้ฉันมีส่วนร่วมในการร้องเพลงโอเปร่าอย่างจริงจังและไม่ต้องการทำตามขั้นตอนที่อาจตีความได้ว่าไม่เป็นมืออาชีพ ในโลกสมัยใหม่ คุณต้องทำมันให้ดีเพื่อที่จะประสบความสำเร็จ หรือไม่ทำเลย คุณต้องรักษาระดับไว้

สัมภาษณ์โดยทัตยานา เอลาจิน่า

สำเร็จการศึกษาจาก Conservatory แห่งรัฐมอสโก P. I. Tchaikovsky ในชั้นเรียนโอเปร่าและการแสดงซิมโฟนี (ระดับศาสตราจารย์ศิลปินประชาชนของสหภาพโซเวียต Gennady Rozhdestvensky) เขาศึกษาการร้องเพลงเดี่ยวที่ Academy of Choral Art ซึ่งตั้งชื่อตาม V. S. Popov (ชั้นเรียนของศาสตราจารย์ Dmitry Vdovin)

ในปี 2549 นักร้องได้เปิดตัวอย่างมืออาชีพ - ใน "Mass of Life" โดย F. Delius กับ National Philharmonic Orchestra แห่งรัสเซียซึ่งดำเนินการโดย Vladimir Spivakov (การแสดงครั้งแรกในรัสเซีย)

ในปี 2550-2557 - ศิลปินเดี่ยวของโรงละครโอเปร่ามอสโกโนวายา ในปี 2010 เขาเปิดตัวครั้งแรกที่โรงละครบอลชอยในบทบาทนี้ ดร.ฟอล์ก(“The Bat” โดย I. Strauss)
ตั้งแต่เดือนกันยายน 2014 - ศิลปินเดี่ยวของคณะโอเปร่าโรงละครบอลชอย

ละคร

ที่โรงละครบอลชอยเขาแสดงบทบาทดังต่อไปนี้:
ดร.ฟอล์ก(“The Bat” โดย J. Strauss)
โลภาคิน(“The Cherry Orchard” โดย เอฟ. เฟเนลอน) - รอบปฐมทัศน์โลก
จอร์จ เจอร์มอนต์(“La Traviata” โดย G. Verdi)
โรดริโก(“ดอน คาร์ลอส” โดย จี แวร์ดี)
ไลโอเนล(“ The Maid of Orleans” โดย P. Tchaikovsky)
มาร์เซย์(“La bohème” โดย G. Puccini)
โรเบิร์ต(“Iolanta” โดย P. Tchaikovsky)
คุณหมอมาลาเทสต้า(“ดอน ปาสเควล” โดย จี. โดนิเซตติ)
เลสโก(“Manon Lescaut” โดย G. Puccini)
เจ้าชายเยเลตสกี้(“ราชินีแห่งโพดำ” โดย พี. ไชคอฟสกี)
เชลคาลอฟ(“Boris Godunov” โดย M. Mussorgsky)
ดอน อัลวาโร(“Journey to Reims” โดย G. Rossini)
เมืองหลวง(“Eugene Onegin” โดย P. Tchaikovsky)

นอกจากนี้ในละคร:
โรเบิร์ต(“Iolanta” โดย P. Tchaikovsky)
โอเนจิน(“ยูจีน โอเนจิน” โดย ไชคอฟสกี)
เบลคอร์(“เอลิเซอร์แห่งความรัก” โดย G. Donizetti)
ฟิกาโร(“The Barber of Seville” โดย G. Rossini)
โอลิวี("Capriccio" โดย อาร์. สเตราส์)
เคานต์ดิลูน่า(“อิล โตรวาตอเร” โดย จี. แวร์ดี)
อโมนาสโร(“Aida” โดย G. Verdi)
อัลฟิโอ(“เกียรติยศในชนบท” โดย P. Mascagni)
และคนอื่น ๆ

ในเดือนมกราคม 2560 เขามีส่วนร่วมในการแสดงคอนเสิร์ตโอเปร่าเรื่อง Journey to Reims โดย G. Rossini ที่โรงละคร Bolshoi โดยแสดงบทบาทนี้ อัลวาโร(ผู้ควบคุมวง Tugan Sokhiev) ในปี 2018 เขาร้องเพลงเดียวกันในรอบปฐมทัศน์ของละครเรื่องนี้ (กำกับโดย Damiano Michieletto)

การท่องเที่ยว

ในปี พ.ศ. 2554 เขาได้แสดงบทนี้ กาย เดอ มงต์ฟอร์ โรงละครซานคาร์โล(เนเปิลส์).
ในปี 2012 เขาเปิดตัวครั้งแรกใน โรงอุปรากรแห่งชาติปารีส(ปาเลส์ การ์เนียร์) รับบท โลภาคิน (The Cherry Orchard โดย เอฟ เฟเนลอน)
ในปี 2012 เขาเปิดตัวครั้งแรกใน เตอาโตร มัสซิโม(ปาแลร์โม) การแสดงส่วนต่างๆ เชลกาโลวาและ รังโกนีในโอเปร่า "Boris Godunov" โดย M. Mussorgsky
ในปี 2555-2556 ดำเนินการในส่วนนี้ เรนาโต(“Un ballo in maschera” โดย G. Verdi) ใน Rovigo, Savona และ Bergamo (อิตาลี)
ในปี พ.ศ. 2556 เขาได้แสดงบทนี้ เซดา("Corsair" โดย G. Verdi) ใน โรงละครตั้งชื่อตาม ก. แวร์ดีในทริเอสเต, กาย เดอ มงต์ฟอร์(“Sicilian Vespers” โดย G. Verdi) ใน โอเปร่าแห่งชาติกรีก, ริโกเลตโตวี โอเปร่าแห่งซาโวนา, เชลกาโลวาและ รังโกนี(“Boris Godunov” โดย M. Mussorgsky) ใน .
ในปี 2013 เขาเปิดตัวเมื่อวันที่ เทศกาลโอเปร่าเว็กซ์ฟอร์ดโดยได้แสดงส่วนนั้นแล้ว คาร์ล กุสตาฟในโอเปร่าเรื่อง “Christina, Queen of Sweden” โดย J. Foroni
ในปี 2014 เขาเปิดตัวครั้งแรกใน โรงอุปรากรแห่งชาติลัตเวียโดยได้แสดงส่วนนั้นแล้ว เคานต้า ดิ ลูน่าในโอเปร่าเรื่อง Il Trovatore โดย G. Verdi (วาทยากร A. Vilumanis ผู้กำกับ A. Žagars)
ในปี 2014 เขาได้แสดงบทบาทนี้เป็นครั้งแรกในเทศกาลโอเปร่าเว็กซ์ฟอร์ด ไอโอคาน่าใน "Salome" โดย R. Strauss
ในปี 2558 ณ เทศกาลกลินเดอบอร์นเปิดตัวครั้งแรกในเกม ทิศเหนือในโอเปร่าเรื่อง Polyeuctus โดย G. Donizetti และในปี 2560 เขาก็รับบทนี้ด้วย จอร์จ เจอร์มอนต์ใน "La Traviata" โดย G. Verdi
ในปี 2014 เขาได้แสดงส่วนนี้เป็นครั้งแรก คมชัดใน “Madama Butterfly” โดย G. Puccini (Teatro Colon, Buenos Aires)
ในฤดูกาล 2015-16 เขาแสดงบทบาทของ Count di Luna (Il Trovatore) ที่โรงละครโอเปร่าแห่งชาติลัตเวีย, โรงละครโอเปร่า Lille, โรงละครใหญ่แห่งลักเซมเบิร์ก และโรงละครโอเปร่าแห่งรัฐบาวาเรีย; Georges Germont (La Traviata) ที่โรงละครโอเปร่าแห่งชาติชิลี (Santiago)
ในเดือนเมษายน 2017 เขาได้ร้องเพลงนี้ เอ็นริโก(“Lucia di Lammermoor” โดย G. Donizetti) ที่ Cologne Opera
ในเดือนกรกฎาคมของปีเดียวกัน - บทบาทของโรเบิร์ตใน "Iolanta" และบทบาทใน "Eugene Onegin" โดย P. Tchaikovsky (เวอร์ชั่นคอนเสิร์ต) ที่ เทศกาลในเอ็กซองโพรวองซ์และซาวอนลินนาซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของทัวร์โรงละครบอลชอย (ผู้ควบคุมวง Tugan Sokhiev) ใน โรงอุปรากรแห่งชาติบอร์กโดซ์ร่วมแสดงคอนเสิร์ตโอเปร่าเรื่อง The Pirate โดย วี.เบลลินี แสดงเป็น เออร์เนสโต(ดำเนินรายการโดย พอล แดเนียล)
ในปี 2561 ณ เทศกาลซาลซ์บูร์กแสดงบทบาทของ Yeletsky (ราชินีแห่งโพดำ จัดแสดงโดย Hans Neuenfels ดำเนินการโดย Maris Jansons) ใน โรงละครโอเปร่าแห่งรัฐบาวาเรีย- บทบาทของ Count di Luna (Il Trovatore) ในเดรสเดน เซมเพอร์โอเปร่า- ส่วนหนึ่งของ Enrico (Lucia di Lummermoor โดย G. Donizetti)

ในปี 2019 เขาเปิดตัวครั้งแรกใน โรงอุปรากรแห่งชาติวอชิงตัน, แสดงบทบาทในรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า Eugene Onegin (การต่ออายุการผลิตโดย Robert Carsen; ผู้กำกับ Peter McClintock, ผู้ควบคุมวง Robert Treviño); วี รอยัลโอเปร่าเฮาส์ โคเวนท์การ์เดน- ในบทบาทของ Georges Germont (La Traviata) ในบทบาทเดียวกับที่เขาปรากฏตัวบนเวทีเป็นครั้งแรก ลอสแอนเจลิสโอเปร่าและในฐานะ Richard Fort (The Puritans โดย V. Bellini) - ที่ Opera Bastille
ในฐานะส่วนหนึ่งของการทัวร์โรงละครบอลชอยไปฝรั่งเศสเขาแสดงบทบาทของ Yeletsky (The Queen of Spades ในเวอร์ชันคอนเสิร์ต, วาทยากร Tugan Sokhiev, Toulouse)

เขาได้ร่วมงานกับวาทยากรเช่น Kent Nagano, Gianluigi Gelmetti, Laurent Campellone, James Conlon และกับผู้กำกับเช่น Francesca Zambello, Rolando Panerai, Adrian Noble, Elijah Moshinsky

ดำเนินกิจกรรมคอนเสิร์ตที่กระตือรือร้น ร่วมมือกับวงดุริยางค์แห่งชาติรัสเซียอย่างต่อเนื่องภายใต้การดูแลของมิคาอิล Pletnev (โดยเฉพาะเขามีส่วนร่วมในการแสดงคอนเสิร์ตของโอเปร่า "Carmen" โดย J. Bizet, "The Tales of Hoffmann" โดย J. Offenbach, "Eugene Onegin" โดย P. Tchaikovsky รวมถึงดนตรีของ E. Grieg ไปจนถึงละครของ G. Ibsen “Peer Gynt”) เขาเป็นผู้มีส่วนร่วมประจำในเทศกาลใหญ่ของวงออร์เคสตราแห่งชาติรัสเซีย
ในปี 2011 เขามีส่วนร่วมในการแสดงคอนเสิร์ตของโอเปร่า La Traviata ใน Göttingen (ร่วมกับ Göttingen Symphony Orchestra ผู้ควบคุมวง Christoph-Mathias Müller) เขาได้แสดงร่วมกับ National Philharmonic Orchestra ของรัสเซียภายใต้การดูแลของ Vladimir Spivakov และ New Russia Orchestra ภายใต้การดูแลของ Yuri Bashmet

พิมพ์

นักข่าวเพลง Vladimir Oyvin พูดคุยกับบาริโทนมอสโกผู้โด่งดัง ศิลปินเดี่ยวของโรงละครบอลชอย Igor Golovatenko

Vladimir Oyvin: เส้นทางสร้างสรรค์ของคุณเป็นสิ่งที่ไม่ธรรมดาสำหรับนักร้องและนักดนตรี โดยปกติแล้วพวกเขาปรารถนาที่จะเป็นผู้ควบคุมวง ในภายหลังหรือก่อนหน้านั้น และคุณเริ่มต้นด้วยการเป็นผู้ควบคุมวง จากนั้นก็มาเป็นนักร้อง อะไรเป็นแรงบันดาลใจให้คุณทำเช่นนี้? อะไรทำให้คุณไม่พอใจกับการดำเนินการ?

นั่นเป็นคำถามที่ยากมาก ที่จริงแล้ว เพื่อชี้แจงให้กระจ่างว่า ฉันไม่ได้เริ่มต้นด้วยการนำเพลง แต่ก่อนหน้านั้นฉันก็เป็นนักเล่นเชลโลด้วย

- นี่คือสิ่งของของโรงเรียน ฉันหมายถึงที่สถาบัน

– ชีวิตนักดนตรีที่จริงจังเริ่มต้นจากการเป็นวาทยกร แต่รากฐานของมันอยู่ที่ลึกมาก เป็นการยากมากที่จะตอบคำถามนี้อย่างไม่คลุมเครือ

– คำตอบไม่ชัดเจน.

– ฉันเริ่มร้องเพลงตอนที่ยังเรียนอยู่ที่ Moscow Conservatory ฉันเข้าเรียนในระดับบัณฑิตศึกษา และฉันก็ไม่มีความตั้งใจที่จะยอมแพ้หรือเปลี่ยนอาชีพเลย

– ทำไมตอนนั้นถึงได้ร้องล่ะ? แค่เล่น ๆ?

- แค่เล่น ๆ.

– และคุณเริ่มเรียนร้องกับใครเป็นคนแรก?

– ที่เรือนกระจก เรามีวิชาเลือกที่คุณจะเลือกหรือไม่เลือกก็ได้ แต่อย่างใดทุกคนเริ่มเดินมันน่าสนใจ หัวข้อนี้เรียกว่า... อะไรทำนองนี้ “วิธีการทำงานร่วมกับนักร้องเพื่อวาทยากร”

เราทุกคนเริ่มพยายามร้องเพลงที่นั่น บางคนประสบความสำเร็จ บางคนไม่สำเร็จ แต่โดยหลักการแล้ว แนวคิดก็คือพวกเขาต้องการ "จุ่มพวกเราลงไปในเสียงร้องสักหน่อย" เพื่อที่เราจะได้ลองร้องเพลงที่แท้จริง นักร้องร้องยังไง ทำไมร้อง ร้องอะไรบ้าง ฯลฯ จากนั้นเราก็เริ่มศึกษางานบางชิ้นในภาษาต่างๆ มันน่าสนใจอย่างไม่น่าเชื่อ แล้วมีบางอย่างผิดพลาด เสียงนั้นพูดขึ้น มันน่าสนใจมากขึ้นเท่านั้น

จากนั้นเราได้พบกับ Dmitry Yuryevich Vdovin และเริ่มศึกษาอย่างจริงจังและเป็นมืออาชีพ

– ใครพาคุณมาที่ Vdovin? หรือนี่เป็นเพียงกรณี?

– อันที่จริง Svetlana Grigorievna Nesterenko พาฉันไปหาเขา ฉันมาออดิชั่นให้เธอ - เธอเป็นหัวหน้าภาควิชาร้องเพลงเดี่ยวที่ Gnessin College ซึ่ง Maria Viktorovna Ryadchikova ครูคนแรกของฉันทำงานฉันทำงานในชั้นเรียนของเธอในฐานะนักดนตรี ที่นั่นฉันได้พบกับ Svetlana Grigorievna และเธอก็แนะนำให้ฉันรู้จักกับ Dmitry Yuryevich แล้ว นี่เป็นห่วงโซ่ที่ซับซ้อนมาก

– ตัดสินจากผลงานของ Vdovin กับโปรแกรมโรงละครโอเปร่าเยาวชนโรงละครบอลชอยวิธีการสอนของเขามีประสิทธิภาพมาก

“ฉันคิดว่าฉันได้เกือบทุกอย่างที่ฉันรู้จากเขา” ที่นี่เราต้องแยกจากกัน ฉันแบ่งปันเพื่อตัวเอง ข้อดีของ Maria Viktorovna (เธอยังคงทำงานที่ Gnesinka) ก็คือเธอแนะนำให้ฉันรู้จักกับอาชีพนี้ เราเริ่มเรียนตอนที่ผมเรียนจบจากโรงเรียนสอนดนตรีแล้ว ไม่ใช่แม้แต่เทคโนโลยี แต่เป็นเพียงความสนใจในทั้งหมดนี้ และในความจริงที่ว่าฉันมีเสียงนั้น จำเป็นต้องได้รับการพัฒนา ถึงอย่างนั้น ความคิดก็เปล่งออกมา: ทำไมต้องฝังพรสวรรค์ถ้าคุณมีมัน? หากคุณมีเสียงแล้วทำไมไม่ลองมันล่ะ? สมัยนั้นไม่มีการพูดถึงผมที่จะลาออกจากวาทยากร แม้ว่าตอนนั้นผมจะไม่อยู่ในความต้องการทางวิชาชีพในฐานะวาทยากรก็ตาม ฉันไม่มีงานทำ - และแน่นอนว่านี่ก็มีบทบาทบางอย่างเช่นกัน

– ใครสอนคุณเกี่ยวกับพื้นฐานของอาชีพนักร้อง?

– เรื่องของเทคโนโลยีทั้งหมด เทคนิคการร้องเกือบทั้งหมดเป็นของ Vdovin เราทำทั้งหมดนี้มาเป็นเวลานานมาก

– คุณอายุเท่าไหร่ตอนที่เริ่มเรียนร้อง?

- 25 ปี. นี่เป็นเวลาที่จะมา Vdovin แล้ว

– ในแง่หนึ่ง นี่เป็นสิ่งที่ดีด้วยซ้ำ: คุณทำขั้นตอนนี้โดยเจตนา

– มีทั้งข้อดีและข้อเสีย ลบ - ถ้าฉันเริ่มเร็วกว่านี้ฉันคงประสบความสำเร็จมากกว่านี้ แต่โชคชะตาเป็นสิ่งที่ยากที่จะบอกว่าสิ่งที่ถูกต้อง ในทางกลับกัน เป็นเรื่องดีมากที่ฉันมีการศึกษาที่จริงจังหลายชั้นซึ่งช่วยฉันได้มากจริงๆ และเพื่อนำทางบนเวที – ในช่วงเวลาที่ยากจะหาทาง

– คุณสามารถอ่านคะแนนได้อย่างง่ายดาย

- ใช่. โดยพื้นฐานแล้ว ฉันรู้ว่าเครื่องดนตรีใดที่กำลังเล่นอยู่ในขณะนี้ ใครบ้างที่ต้องได้ยินในขณะนั้น เพราะงั้นฉันจึงไม่ต้องคอยดูผู้ควบคุมวงอยู่ตลอดเวลา เพราะฉันรู้สึกได้ด้วยหูว่าเกิดอะไรขึ้น บางครั้งมันก็ขวางทาง มีช่วงเวลาที่ฉันมองเพื่อนร่วมงานที่แผงควบคุมด้วยสายตามืออาชีพโดยไม่ได้ตั้งใจ คุณต้องควบคุมและควบคุมตัวเองจริงๆ ฉันไม่เคยโฆษณาความรู้ความประพฤติของฉัน

– คุณสามารถบอกผู้ควบคุมวงได้ว่าสะดวกกว่าสำหรับคุณ เช่น ร้องเพลงในสามในสี่แทนที่จะเป็นหกในแปด

– ฉันมีกรณีเดียวเท่านั้นที่กล้าบอกผู้ควบคุมวงว่าต้องประพฤตินานแค่ไหน ฉันไม่สามารถร้องเพลงวลีได้ แต่ฉันแทบไม่เคยยอมให้ตัวเองทำเช่นนี้

ถ้าฉันเห็นว่ามันยากสำหรับฉัน ฉันก็เริ่มร้องเพลงแตกต่างออกไป ฉันจะก้าวไปข้างหน้าหรือชะลอความเร็ว แต่ฉันไม่เคยพูดด้วยคำว่า: “อาจารย์ นี่มันควรจะเป็นอย่างนี้!” ฉันไม่มีสิทธิทางศีลธรรมที่จะทำเช่นนี้ อย่างน้อยที่สุด

- คุณสามารถพูดได้อย่างอ่อนโยน:“ ฉันไม่ควรลองแบบนี้เหรอ?”

– สิ่งนี้เป็นอันตรายเสมอ เพราะอาจส่งผลเสียต่อความภาคภูมิใจของผู้ควบคุมวงได้ อีกทั้งตอนนี้ผมได้ย้ายออกจากอาชีพนี้แล้ว ฉันพยายามประพฤติตนอย่างถูกต้อง และแม้ว่าฉันจะรู้อะไรบางอย่าง ฉันก็ไม่ได้แสดงให้เห็น

– บอกเราเกี่ยวกับการทำงานร่วมกับ Dmitry Vdovin

- มันเป็นที่น่าตื่นตาตื่นใจ. ฉันจำครั้งแรกที่ฉันมาหาเขาในความคิดของฉันได้ร้องเพลงฉากการตายของโรดริโกจากดอนคาร์ลอสของแวร์ดี ตั้งแต่นั้นมาเราก็เริ่มเรียน มีสิ่งที่น่าสนใจมากมายเกิดขึ้น

เขาเป็นครูที่มีความต้องการอย่างมาก และหากไม่มีคุณสมบัติหลักนี้ ก็จะไม่มีอะไรเกิดขึ้น แม้แต่ในชั้นเรียน เขาก็ยังมุ่งมั่นที่จะบรรลุผลสูงสุดอยู่เสมอ ไม่ใช่ว่าทุกคนจะร้องเพลงดังขึ้นเรื่อยๆ หากเขาได้ยินข้อผิดพลาดใด ๆ ก็ให้แก้ไขให้ถูกต้องที่สุด หากมีคนทำผิด จุดประสงค์ของบทเรียนคือแก้ไขข้อผิดพลาดนี้

ลักษณะเฉพาะของการได้ยินของเขาคือเขาได้ยินเสียงผิดปกติซึ่งภายในไม่กี่ปีก็สามารถทำลายเสียงได้ แต่สำหรับผู้ที่ไม่ได้ฝึกหัด สิ่งเหล่านี้คือหน่วยมิลลิเมตรที่แยกไม่ออกจริงๆ

- เขาสอนบทเรียนอย่างรุนแรง– หรือในทางกลับกัน นุ่มนวลบ้างไหม?

– ฉันจะไม่บอกว่ามันยากจริงๆ แต่มันต้องใช้ความพยายามมาก แตกต่าง. สิ่งเดียวที่เขาทนไม่ได้คือความเกียจคร้าน การไม่ตั้งใจ และข้อความที่ไม่ได้เรียน สำหรับฉันสิ่งสำคัญคือเขาเป็นนักดนตรีคนแรกและสำคัญที่สุด มันมาจากแก่นแท้ของดนตรี ถ้ามีวลีที่ต้องร้องแบบนั้น เขาก็จะทำสำเร็จ บรรลุการแสดงดนตรีที่เฉพาะเจาะจง สำหรับเขา เทคนิคการร้องมีความสำคัญไม่ใช่จุดจบในตัวมันเอง แต่เป็นวิธีการแสดงออกทางความคิดทางดนตรี นี่คือสิ่งที่สำคัญที่สุดที่คุณมุ่งมั่นในบทเรียนของเขา

– เขาทำงานร่วมกับคุณในเรื่องคำศัพท์ได้อย่างไร? พจน์เช่นคุณเป็นเหตุการณ์ที่หายาก คุณมีทัศนคติที่เคารพต่อคำพูด

- นี่มาจากเขาเช่นกัน เขาย้ำย้ำกับเราอยู่เสมอว่าจำเป็นต้องเรียนภาษาทั้งเพื่อการสื่อสารและก่อนอื่นเลยเพื่อที่จะร้องเพลงในภาษาเหล่านี้และเข้าใจสิ่งที่คุณกำลังร้องเพลง เป็นเรื่องน่าสนใจมากที่ได้ดูเมื่อมีนักเรียนใหม่มา - ฉันทำงานเป็นนักดนตรีในชั้นเรียนของเขาเป็นเวลาหนึ่งปีหรือหนึ่งปีครึ่ง ประวัติการทำงานของฉันอย่างเป็นทางการอยู่ที่ Academy of Choral Arts เราเรียนพร้อมๆ กัน และฉันก็ทำงานด้วย

มันเป็นกระบวนการที่น่าสนใจมาก เพราะว่าฉันนั่งเล่นทั้งวัน มีคนมามากมาย - จากนั้นมีคนมาโดยไม่รู้ว่าเพลงนั้นเกี่ยวกับอะไร หรือไม่รู้คำแปล คุณสามารถฟังได้ทันที บุคคลสามารถฟังการบันทึกและร้องเพลงบางอย่างโดยการคัดลอก แต่เขาจะไม่สามารถเติมวลีทางดนตรีที่มีความหมายได้หากเขาไม่รู้ว่าเขากำลังร้องเพลงอะไร

มีเหตุการณ์ตลกๆ หากคุณกำลังเรียนรู้งานใหม่ Dmitry Yuryevich เรียกร้องให้แปลคำต่อคำเสมอเพื่อที่คุณจะได้เล่าใหม่ได้ว่าเป็นเรื่องเกี่ยวกับอะไร สิ่งสำคัญคือต้องรู้ไม่เพียงแต่การแปล แต่บริบทโดยทั่วไปด้วย ถ้านี่คืออาเรีย มันอยู่ที่ไหนในโอเปร่า ใครกำลังพูดกับใคร? งานนี้แม้จะมีงานประจำ แต่ก็มีความจำเป็นในกระบวนการศึกษา และการใช้ถ้อยคำก็มีความสำคัญมากในทุกภาษา การออกเสียงในภาษาอิตาลีฝรั่งเศสมีความแตกต่างกัน...

– สำหรับนักร้อง มีสามภาษาหลัก: อิตาลี เยอรมัน และฝรั่งเศส

- ฉันคิดว่าใช่ แน่นอนว่าเป็นภาษารัสเซียด้วย แม้ว่าจะเป็นของพื้นเมือง แต่ก็มีความแตกต่างเช่นกัน ตัวอย่างเช่น พยัญชนะคู่ซึ่งมีมากมายในภาษาของเรา แต่ด้วยเหตุผลบางอย่างพวกเขาจึงถูกละเลยและข้อความก็ทนทุกข์ทรมานจากสิ่งนี้ เป็นไปไม่ได้เลยที่จะจินตนาการถึงความรักของไชคอฟสกีด้วยการใช้ถ้อยคำที่ไม่ดี มันจะแย่มาก!

สิ่งที่สำคัญที่สุดที่ฉันต้องพูดเกี่ยวกับภาพลักษณ์การสอนของ Vdovin ก็คือเขามีแนวทางเฉพาะบุคคลที่ครอบคลุมอยู่เสมอ เขาได้ยินเสียงของตัวเองและความเป็นเอกเทศของมันอย่างน่าอัศจรรย์จนเขาไม่เคยมีแนวทางแบบ "ทั่วไป" เลย สำหรับนักเรียนแต่ละคน สำหรับแต่ละเสียง เขามักจะเลือกหลักธรรมหนึ่งข้อที่เป็นของเสียงนี้โดยเฉพาะ บุคคลนี้โดยเฉพาะ นี่เป็นสิ่งสำคัญมากสำหรับเขา เขามักจะได้ยินโดยรวม ไม่มีสิ่งใดที่เขาเกี่ยวข้องกับเพียงคำศัพท์หรือเทคนิคเท่านั้น หากเรากำลังพูดถึงเทคนิค - วิธีการร้องเพลงนี้หรือโน้ตตัวนั้น สิ่งนี้จะเชื่อมโยงกับวลีดนตรีทั้งหมดในบริบทเสมอ ฉันคิดว่านี่เป็นช่วงเวลาที่น่าตื่นตาตื่นใจที่สุด

– อะไรคือเหตุผลที่ทำให้คุณเดบิวต์บนเวทีโอเปร่า?

– ถ้าคุณหมายถึงบทบาทแรกสุด นั่นคือ Marullo จาก Rigoletto ที่ Novaya Opera จากนั้นฉันก็เปิดตัวสองครั้งโดยมีเวลาพักหนึ่งสัปดาห์ จากนั้นฉันก็ร้องเพลง The Magic Flute - มีส่วนหนึ่งของนักพูดซึ่งเขาได้สนทนากับทามิโน ข้อความสองหน้า มีเพียงบทบรรยายเท่านั้น จากนั้นในปี 2010 ฉันร้องเพลง Onegin จากนั้น Robert จาก Iolanta จากนั้นฉันก็เริ่มร้องเพลงท่อนที่จริงจัง

– ทำไมคุณถึงไม่เข้าร่วมโปรแกรม Youth Opera ของโรงละคร Bolshoi กับเขาในขณะที่เรียนกับ Vdovin?

– เพราะเราเรียนมาเป็นเวลานานแล้วและทั้งเขาและฉันก็ไม่เห็นความต้องการนี้สำหรับฉัน เราสื่อสารกันได้ดี ยังคงออกกำลังกาย และทุกครั้งที่ฉันเตรียมชุดใหม่ ฉันจะไปหาเขาเสมอ และรู้ว่าเขาจะหาเวลาให้ฉัน ในความเป็นจริง ไม่จำเป็นต้องอยู่ในโครงการเยาวชน แล้วตอนนั้นฉันก็แก่ไปหน่อยแล้ว

– สำหรับนักร้อง อายุเป็นแนวคิดที่เกี่ยวข้องกัน

– แต่ถึงกระนั้นทำไมต้องขวางทางคนอื่นในเมื่อฉันมีโอกาสสื่อสารกับอาจารย์แล้ว!

– ในช่วงเวลานี้คุณร้องเพลงค่อนข้างมาก คุณจะตั้งชื่อท่อนที่คุณชื่นชอบว่าอะไร?

– ส่วนใหญ่แล้วน่าจะเป็นแวร์ดี ยากที่จะบอกว่าเกมไหนที่คุณชื่นชอบ มีเกมดังกล่าวอยู่หลายเกม แน่นอนว่าในบรรดาคนอื่น ๆ ที่ฉันร้องเพลงบทบาทของ Onegin ซึ่งฉันได้แสดงหลายครั้ง แต่แต่ละครั้งที่คุณสามารถจินตนาการได้ในรูปแบบใหม่ ก็ต้องพบกับสีสันใหม่ๆ แน่นอนว่านี่คือฟิกาโรใน The Barber of Seville; นี่คือโลกที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง และมีสไตล์ที่แตกต่าง

- ลิ้น Twisters?

- นี่คือโบมาร์เช่ส์! วัยกล้าหาญสไตล์กล้าหาญ แน่นอนว่าเพลง "Don Carlos" และ "Il Trovatore" แม้ว่า "Il Trovatore" จะยากกว่ามากและฉันก็ไม่ได้ร้องเพลงนี้มากนัก แต่ "Don Carlos" และแน่นอน Germont ใน "La Traviata" คือเพลงโปรดของฉัน บทของ Germont น่าทึ่งมาก และเขียนขึ้นด้วยทักษะอันยอดเยี่ยม และความรู้ด้านเทคนิคการร้องที่ยอดเยี่ยม

– ว่าแต่ คุณร้องเพลงท่อนนี้ยังไง? ในองก์ที่ 2 ส่วนใหญ่มักจะถูกตัดออก

- เรามีมันเทียบท่าด้วย

- ทำไม? บิลอลังการมาก สวยมาก และไม่ซับซ้อนมาก!

อิกอร์ โกโลวาเทนโก - เจอร์มอนต์ การแสดงที่โรงละครนิวโอเปร่า ภาพถ่าย – ดาเนียล โคเชตคอฟ

– ครั้งหนึ่งฉันร้องเพลงนี้ในเยอรมนี ในการแสดงคอนเสิร์ต และเราก็ร้องเพลงทุกอย่างที่นั่น ฉันไม่สามารถอธิบายให้คุณฟังได้ว่าทำไมมันถึงถูกตัด เมื่อ Laurent Campellone เป็นผู้ควบคุมวงที่ Bolshoi เขาต้องการแสดงทั้งหมดโดยไม่ต้องตัดต่อ เพื่อว่าทุกอย่างจะได้เป็นไปตามที่แวร์ดีเขียน: “Addio del passato” สองครั้ง, cabaletta โดย Georges Germont สองครั้ง ฯลฯ

การซ้อมสองสามช่วงแรกน่าสนใจอย่างไม่น่าเชื่อ เพราะเราพบสีสันใหม่ๆ ความหมายใหม่ในการทำซ้ำเหล่านี้ แต่แล้วผู้กำกับฟรานเชสก้า แซมเบลโลก็คิดว่ามันน่าเบื่อนิดหน่อย โดยทั่วไปแล้ว ฉันเชื่อมั่นว่าดนตรีชิ้นใดก็ตาม โดยเฉพาะโอเปร่า มักจะสูญเสียความหมายบางส่วนไปจาก "การแทรกแซงการผ่าตัด" เช่นนี้เสมอ

– มีการบันทึกเพลง “La Traviata” จากการแสดงของ Deutsche Oper ในปี 1968 โดยมี Lorin Maazel เป็นผู้ควบคุม นำแสดงโดย Pilar Lorengar (Violetta), Giacomo Arraguel (Alfred) และ Dietrich Fischer-Dieskau (Georges Germont) ในการบันทึกนี้ ฉันค้นพบครั้งแรกว่าในฉากของ Alfred และ Georges Germont ผู้เป็นพ่อมีชิ้นส่วนขนาดใหญ่ นั่นคือ Cabaletta ซึ่งแทบจะละเว้นไปเกือบทุกครั้ง

– หลายคนคิดว่าเพลงนี้คล้ายกับเพลงในอาเรีย เรียกได้ว่าเป็น "เวอร์ชันอย่างเป็นทางการ" เลยก็ว่าได้ แน่นอนว่าดนตรีนั้นยอดเยี่ยมมาก - เขายังคงโน้มน้าวลูกชายของเขาด้วยคำอื่น ๆ และทำให้น้ำเสียงของเขานุ่มนวลลง ก่อนหน้านั้นมีเพียงเสียงกรีดร้อง และหลังจาก Cabaletta การระเบิดที่เกิดขึ้นก็มีเหตุผลมากกว่า แต่อย่างที่พวกเขาพูดกันว่านายก็คือนาย ผู้ที่เดิมพันก็ตัด – เราไม่สามารถทำอะไรที่นี่ได้

และอีกครั้งที่ฉันร้องเพลงนี้ทั้งหมดเมื่อคอนเสิร์ต "La Traviata" ที่ไม่มีการตัดได้แสดงที่ Novaya Opera เมื่อปีที่แล้วที่ Epiphany Festival Alexander Kohil แสดงที่นั่น Lyuba Petrova และ Gosha Vasiliev ร้องเพลง - มีนักแสดงที่ดีและเราทุกคนก็ร้องเพลงทุกอย่างเหมือนเดิมพร้อมกับคาบาเล็ตต์

– ละครเรื่องใดที่คุณสนใจมากที่สุดในปัจจุบัน?

- ใช่แล้ว ทุกอย่างน่าสนใจ! ฉันโชคดีมาก: ฉันไม่ได้ร้องเพลงส่วนที่ฉันสนใจเพียงเล็กน้อย ฉันเพิ่งไปไอร์แลนด์ - มีเพลง "Salome" ที่น่าทึ่งของ Antoine Mariotte นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส เมื่อพวกเขาส่งบันทึกมาให้ฉัน ฉันก็ตกใจมาก - ไม่สามารถเทียบเคียงกับ Richard Strauss ได้เลย (แม้ว่าโอเปร่าทั้งสองจะเขียนเกือบจะพร้อมๆ กัน และพวกเขาก็แย่งชิงลิขสิทธิ์บทละครของ Wilde ด้วยซ้ำ) ดนตรีมีความน่าสนใจมาก ค่อนข้างชวนให้นึกถึงสไตล์ของ Massenet

จากนั้น ฉันก็เปิดตัวครั้งแรกในบัวโนสไอเรสที่โรงละคร Teatro Colon ในตำนาน ซึ่งฉันได้ร้องเพลง Sharpless ในเรื่อง Madama Butterfly ของปุชชินี นี่เป็นเรื่องที่น่าสนใจมากเช่นกัน เพราะหลังจากนั้นฉันก็ร้องเพลง "La Boheme" ที่นี่ หากปี 2013 เป็นปีแห่งแวร์ดีสำหรับฉัน (ฉันร้องเพลงแวร์ดีแปดบทในระหว่างฤดูกาลนี้) ปี 2014 ก็คือปีแห่งปุชชินี ฉันร้องเพลง Sharpless, Marcel อย่างไรก็ตาม ปีนี้ต้องขอบคุณ Sokhiev ที่ทำให้น่าสนใจมากเพราะเราได้แสดง "The Maid of Orleans" โดย Tchaikovsky และ "La Bohème"

– ส่วนของคุณใน “The Maid of Orleans” เป็นหนึ่งในส่วนที่น่าสนใจที่สุด

– มีการทำงานจำนวนมหาศาลเกิดขึ้น

– ฉันไม่ชอบนักแสดงนำอย่าง Anna Smirnova เธอฟังดูเฉียบแหลมที่ด้านบน แค่ส่งเสียงแหลม - นี่ไม่ใช่ส่วนของเธอ

อิกอร์ โกโลวาเทนโก และแอนนา สมีร์โนวา การแสดงคอนเสิร์ตโอเปร่าของไชคอฟสกีเรื่อง The Maid of Orleans ที่โรงละครบอลชอย ภาพ – ดามีร์ ยูซูปอฟ

– ฉันจะไม่เถียง – ท้ายที่สุดแล้ว นี่คือเกมสุดขั้วและโหดร้าย สำหรับฉันดูเหมือนว่าไม่มีอะไรยากไปกว่านี้อีกแล้วทั้งในไชคอฟสกีหรือในละครรัสเซียโดยทั่วไป จากนั้น: เราต้องคำนึงถึงความจริงที่ว่าในช่วงเตรียมการเธอร้องเพลงเยอะมากเกือบทุกวันและเห็นได้ชัดว่าเธอเบื่อกับการแสดงโดยเฉพาะครั้งที่สอง (แม้ว่าสำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าครั้งที่สองจะดีกว่าครั้งแรกก็ตาม) . บางทีเธออาจจะกังวล

ไม่ว่าในกรณีใด "The Maid of Orleans" จากนั้น "La Bohème" ในเดือนมกราคมและ "La Traviata" ซึ่ง Tugan Taimurazovich กำลังดำเนินการอยู่ในขณะนี้ - นี่เป็นผลงานที่น่าสนใจมากสำหรับฉันและฉันดีใจมากที่หัวหน้า ของโรงละครบอลชอยเป็นผู้ควบคุมวงที่มีความสามารถและยอดเยี่ยมมาก

– เล็กน้อยเกี่ยวกับเทคนิคการร้องที่บริสุทธิ์ ฉันชอบวงจร Poulenc ของคุณเป็นพิเศษ “Naughty Songs” ในคอนเสิร์ตวันที่ 27 มกราคม - เพราะมันสำแดงเสียงของคุณในทุกช่วง

– พูดยากมากที่จะร้องเพลงที่นั่น เพราะมี “การกระจายตัวของเทสซิทูรา” ที่มีขนาดใหญ่มาก

– การแพร่กระจายจากล่างขึ้นบนแสดงให้เห็นว่าคุณมีเสียงที่สม่ำเสมอผิดปกติเมื่อย้ายจากการลงทะเบียนไปยังการลงทะเบียนโดยไม่มีตะเข็บ - ซึ่งหายากมาก นี่เป็นเสียงที่เป็นธรรมชาติของคุณ – หรือคุณเคยทำมาแล้วบ้าง?

– แน่นอนว่าเราได้ทำงานนี้อยู่ เพราะถึงแม้เสียงนั้นจะได้รับจากธรรมชาติ แต่ก็ต้องได้รับการประมวลผล เสียงใดๆ หากเพียงเพราะโดยหลักการแล้ว การร้องเพลงเป็นกระบวนการที่ผิดธรรมชาติโดยสิ้นเชิงสำหรับร่างกาย และถ้าเสียงมีข้อบกพร่องหรือข้อบกพร่องโดยธรรมชาติแล้ว คุณจำเป็นต้องพยายามทำให้สิ่งเหล่านั้นราบรื่น

– คุณต้องทำงานหนักมาก – หรือนี่คือความสม่ำเสมอจากธรรมชาติ?

ฉันต้องทำงานหนักมากโดยไม่ได้ลงรายละเอียดเพราะจริงๆ แล้วเสียงก็เปลี่ยนไปในกระบวนการร้องเพลงด้วย การหายใจจะค่อยๆ แข็งแกร่งขึ้น กล้ามเนื้อบางส่วนเริ่มทำงาน ซึ่งเราไม่สงสัยในชีวิตธรรมดาเลย สมมติว่าคุณประสบความสำเร็จในบางสิ่งบางอย่าง แล้วเสียงของคุณเปลี่ยนไป และคุณต้องทำมันอีกครั้ง นี่เป็นกระบวนการที่ไม่หยุดนิ่ง เรายังต้องปรับสิ่งต่าง ๆ ด้วยเหตุผลบางอย่าง สมมติว่าละครอื่น - คุณไม่สามารถร้องเพลง Rodrigo ใน Don Carlos - และ Figaro หรือ Onegin - ด้วยเสียงเดียวกันด้วยเสียงเดียวกัน สิ่งเหล่านี้แตกต่างอย่างสิ้นเชิงที่ต้องปรับเปลี่ยน

สำหรับ “La Bohème” เราทำงานเพื่อทำให้เสียงมีการรวบรวมมากขึ้นและกะทัดรัดมากขึ้น คุณไม่สามารถร้องเพลงด้วยเสียงแบบเดียวกับที่คุณร้องใน “Troubadour” ที่นั่นควรมีสีเข้มกว่าและเป็นเนื้อเดียวกันมากกว่า แต่ใน La Bohème ไม่มีการร้องเพลงแบบนี้เลย เป็นคานทิเลนาที่ไม่มีที่สิ้นสุด

– นี่เป็นครั้งแรกที่คุณแสดงวัฏจักรของ Poulenc หรือไม่?

ใช่แล้ว ฉันใฝ่ฝันที่จะร้องเพลงวงจรนี้มาห้าปีแล้ว นี่เป็นครั้งแรกที่ฉันร้องเพลงนี้ และหวังว่าจะไม่ใช่ครั้งสุดท้าย เราจะทำซ้ำอีกครั้ง มันจะเกือบจะเป็นโปรแกรมเดียวกัน (อาจจะไม่มี zarzuelas)

– โปรแกรมมีขนาดใหญ่มากแม้ว่าจะไม่มีก็ตาม

– ฉันทำงานมากกับ Poulenc เพราะมันเป็นไปไม่ได้ที่จะร้องเพลงนี้ ดังนั้นถ้าจะพูดว่า “ทันที” - คุณต้องทำงานให้มาก มีรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ มากมายที่ต้องแก้ไขด้วยเสียงของคุณ เนื่องจากคุณสามารถเรียนรู้ข้อความได้ แต่คุณไม่สามารถร้องเพลงได้ง่ายขนาดนั้น มีช่วงการเปลี่ยนภาพที่ซับซ้อนมาก และเพลงก็มีสไตล์ที่แตกต่างกันมาก

– ใช่ ตั้งแต่เพลงอันธพาลเพลงแรกไปจนถึงการอธิษฐาน และอันสุดท้าย “เซเรเนด” มีสไตล์ที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิง

– การแปลชื่อวงจรนี้ก็มีการปรับให้เรียบขึ้นเช่นกัน แต่ฟังดูเหมือน “เพลงอนาจาร” จริงๆ มีเนื้อหาที่หยาบคายมาก ความอัจฉริยะของเพลงนี้ก็คือเนื้อเพลงเทียบได้กับเนื้อเพลงตลกๆ ความอัจฉริยะของ Poulenc คือการที่เขาผสมผสานข้อความเหล่านี้เข้ากับดนตรีที่บริสุทธิ์และไพเราะอย่างน่าทึ่ง ฉันไม่ได้พูดถึงความบริสุทธิ์ของสไตล์ด้วยซ้ำ - จากมุมมองของนักแต่งเพลงทุกสิ่งที่เขียนที่นั่นน่าทึ่งมาก ไม่มีอะไรจะบ่นเกี่ยวกับที่นั่นเลย แบบฟอร์มทั้งหมดถูกสร้างขึ้นอย่างแม่นยำมาก

– คุณยังสร้างแบบฟอร์มได้อย่างแม่นยำมาก

– เรากำลังสร้างมันขึ้นมาร่วมกับ Sibirtsev แน่นอนว่าสิ่งนี้จำเป็นต้องทำ

– แม้ว่าฉันจะมีข้อร้องเรียนเกี่ยวกับ Sibirtsev ก็ตาม แต่เขา "ดึงผ้าห่มคลุมตัวเอง" เล็กน้อย แต่เล่นเสียงดังเล็กน้อยในบางแห่ง

- บางทีฉันอาจจะไม่เถียง ฉันชอบบริเวณนี้ในห้องโถง มีประเพณีอยู่ที่นั่น แต่อะคูสติกก็มี... ฉันจะไม่พูดถึงปัญหา แต่จะพูดถึงความแตกต่างและรายละเอียดบางอย่างที่ยากต่อการนำมาพิจารณา เว็บไซต์มีความซับซ้อนและคลุมเครือ

– คุณร้องเพลงหลายเวทีในตะวันตก แต่คุณยังไม่ได้ร้องเพลงที่ดีที่สุด

– คุณยังต้องเติบโตตามพวกเขา คุณรู้ไหมว่าในความเป็นจริงแล้ว เราทุกคนต่างต่อสู้ดิ้นรนที่นั่น แต่เส้นทางของฉันค่อยเป็นค่อยไป และเส้นประสาทที่เกี่ยวข้องกับการแสดงก่อนวัยอันควรในระยะเหล่านี้สามารถนำไปสู่ผลที่ตามมาบางอย่างได้เช่นฉันมีเรื่องราวกับ Rigoletto: ฉันไม่เตรียมพร้อมทางจิตใจสำหรับกลุ่มอายุนี้ ฉันคิดว่านี่เป็นเรื่องปกติสำหรับระดับที่ฉันเป็น

– นี่เป็น “เรื่องราว” แบบไหน?

– ที่ไหนสักแห่งในเดือนพฤศจิกายน 2555 ตัวแทนชาวอิตาลีของฉันโทรหาฉัน - ตอนนั้นฉันกำลังร้องเพลง "Un ballo in maschera" และ "Le Corsaire" โดย Verdi ในอิตาลี - และเสนอให้ร้องเพลง Rigoletto ใน Savona ในฤดูร้อนปี 2556 ตอนแรกฉันปฏิเสธอย่างเด็ดขาด แต่เขายังคงชักชวนฉันต่อไปและในที่สุดฉันก็ตอบตกลง

อย่างไรก็ตาม ข้อโต้แย้งของตัวแทนของฉันนั้นสมเหตุสมผล: ความต้องการที่จะมีบทบาทอย่าง Rigoletto ในละครของฉัน และด้วยเหตุนี้ โอกาสในการเดบิวต์ในบรรยากาศที่ดีที่สุด นี่คือการผลิตในโรงละครขนาดเล็ก (ไม่ใช่แม้แต่ในโรงละครเอง แต่ในพื้นที่เปิดโล่งในป้อมปราการโบราณ) การแสดงเพียงสองครั้ง กระบวนการซ้อมสั้นมาก - ประมาณสองสัปดาห์ (อันตรายใหญ่หลวงอยู่เสมอคือแม้ว่าคุณจะสามารถร้องเพลงทั้งหมดท่อน ด้วยวงออเคสตราและอื่นๆ บางครั้งก็ยากมากที่จะทนต่อกระบวนการซ้อมเต็มรูปแบบของการผลิต) ซึ่งอาจใช้เวลาหนึ่งเดือนหรือมากกว่านั้นสำหรับนักร้องที่มีประสบการณ์) วงออเคสตราของอิตาลีที่ให้ความเคารพและรักนักร้องและวงดนตรีที่บรรเลงอย่างละเอียดอ่อน (ไม่เหมือนกับวงดนตรีในประเทศส่วนใหญ่)

กล่าวโดยสรุป ฉันยอมแพ้ต่อการโน้มน้าวใจ และเมื่อฉันพบว่าผู้กำกับจะเป็นบาริโทนชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่อย่าง Rolando Panerai ฉันก็ไม่ต้องการการโน้มน้าวใจมากนัก โดยทั่วไปต้องบอกว่าในเวลานั้นมีความบังเอิญที่น่าสนใจมากมาย - ปีครบรอบของ Verdi, ปีครบรอบของ Tito Gobbi (ซึ่งเป็น Rigoletto ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20) - หนึ่งร้อยปีนับตั้งแต่เขาเกิด ฉันโชคดีมากที่ Renata Scotto ปรากฏตัวในการแสดงครั้งแรก และ Luciana Serra ปรากฏตัวในการแสดงครั้งที่สอง ทั้งหมดนี้หมายความว่า แน่นอนว่าการได้เดบิวต์ในสภาพแวดล้อมเช่นนี้ที่รายล้อมไปด้วยนักร้องผู้ยิ่งใหญ่เช่นนี้ ถือเป็นของขวัญแห่งโชคชะตาอันยิ่งใหญ่

แน่นอนว่าการเปิดตัวบนเวทีใหญ่ในโรงละครขนาดใหญ่มักจะเกี่ยวข้องกับความเครียดเพิ่มเติมและอาจก่อให้เกิดอันตรายที่แก้ไขไม่ได้หากนักร้องไม่พร้อมดังนั้นฉันจึงโชคดีที่ได้ร้องเพลงหลายท่อนเป็นครั้งแรกในอิตาลี ในโรงภาพยนตร์ขนาดเล็ก "Ballo in Masquerade" และ "Rigoletto" ก็อยู่ในหมู่พวกเขา อย่างไรก็ตามหลังจากลอง Rigoletto แล้ว ฉันก็ยังตัดสินใจว่าจะไม่ร้องเพลงท่อนนี้ - มันซับซ้อนเกินไปและแน่นอนว่าต้องใช้อายุพอสมควร ฉันต้องยอมรับว่าใน Savona มีการทดลองที่ประสบความสำเร็จซึ่งแสดงให้เห็นว่าฉันสามารถทำได้ แต่เมื่อเวลาผ่านไป ฉันคิดว่าฉันสามารถอยู่อย่างสงบสุขได้จนถึงอายุสี่สิบ แต่แล้วเราจะได้เห็นกัน

นอกจากนี้ ฤดูกาล 2012/13 โดยทั่วไปแล้วเต็มไปด้วยกิจกรรมและการเปิดตัวมากมาย ฉันร้องเพลง Verdi ใหม่แปด (!) บทบาทในระหว่างฤดูกาล รวมถึง Rigoletto, Renato, Amonasro, Count di Luna และ Rodrigo ฉันเชื่อว่าฉันไม่สามารถเฉลิมฉลองครบรอบ 200 ปีของแวร์ดีผู้ยิ่งใหญ่ด้วยความเอิกเกริกไปมากกว่านี้ได้

– ตอนนั้นคุณยังเด็กเกินไป

– Dmitry Yuryevich อวยพรฉันสำหรับสิ่งนี้: ไปร้องเพลงกันเถอะ แน่นอนว่าถ้าผู้กำกับคือ โรลันโด้ ปาเนราย!

– ฉันจำได้ว่าเขาเป็นบาริโทนขนาดไหน

“ปรากฏว่าเขาอวยพรฉันเหมือนกัน” มีความรู้สึกของการส่งต่อกระบองจากรุ่นสู่รุ่น แถมปรากฏทีหลังว่าเราเกิดวันเดียวกันด้วย

- เขาอายุเท่าไหร่?

– ปีนี้ครบรอบ 90 ปี เขามีประวัติที่น่าทึ่งกับ Karajan ตอนที่ฉันกำลังเตรียม La Boheme ฉันฟังแผ่นเสียงมากมาย เกือบทุกอย่างที่หาได้ Marseille ที่ฉันชอบคือ Panerai ฉันยอมรับได้

– ใครคือ Georges Germont ที่คุณชื่นชอบ?

– มันยากที่จะพูด เพราะพวกเขาล้วนน่าทึ่ง: Bastianini, Cappuccili, Manuguerra, Bruzon... และของเรา อาจเป็น Pavel Gerasimovich Lisitsian

– นี่คือคำตอบที่ฉันรอคอย ฉันเชื่อว่าลิซิเซียนเป็นนักร้องระดับโลก

– ฉันควรจะพูดถึงเขาเป็นพิเศษ เพราะตอนที่ฉันยังเด็ก ฉันมีแผ่นเสียงอยู่ที่บ้าน และฉันก็ฟังมันตลอดเวลา มีบันทึกหนึ่งโดย Lisitsian ซึ่งเขาร้องเพลงโรแมนติกโดย Tchaikovsky และอีกแผ่นหนึ่งที่เขามี "Aida" จากโรงละครบอลชอย การบันทึกเสียงค่อนข้างเก่า แต่เขาร้องเพลงเป็นภาษารัสเซียได้อย่างน่าอัศจรรย์ แต่เขาร้องเพลงได้อย่างไร! และอีกเพลงหนึ่งคือ "Sadko" ที่เขาร้องเพลงให้กับแขกรับเชิญ Vedenetsky และการร้องเพลงของเขาก็ติดหูฉันตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา

– แต่มีอย่างอื่นติดอยู่ในความทรงจำของฉัน มีการออกอากาศในปี 1956 (ยังอยู่บนทีวี KVN-49 ที่มีหน้าจอและเลนส์ขนาดเล็ก) ของ "La Traviata" จากโรงละคร Bolshoi ซึ่ง Pavel Gerasimovich ร้องเพลงและ Alfred ร้องโดย Jan Pierce เทเนอร์ชาวอเมริกัน ฉันอายุสิบสี่ปี กำลังฟังรายการออกอากาศกับพ่อ เขาฟังแล้วฟังแล้วพูดว่า: "และลิซิเซียนก็นกกระทาแขก!" ตอนนั้นฉันไม่ค่อยเข้าใจอะไรมาก (และพ่อของฉันไม่ใช่นักดนตรี แต่เขามีความสามารถในการได้ยินดีเยี่ยม) ตั้งแต่นั้นมาฉันก็จำชื่อนี้ได้และเริ่มติดตามเขา หาก Pavel Lisitsian มีชีวิตอยู่ในยุคอื่น แน่นอนว่าเขาคงกลายเป็นดาราระดับโลกไปแล้ว

“ น่าเสียดายที่นี่เป็นความโชคร้ายของคนทั้งรุ่นซึ่งถูกบังคับให้นั่งอยู่หลังม่านเหล็ก แต่เรามีนักร้องแบบไหนแค่เริ่มเขียนชื่อเหล่านี้

– เราฟังการบันทึกของพวกเขาเป็นภาษารัสเซีย คุณรู้สึกอย่างไรกับการร้องเพลงในภาษาอื่นที่ไม่ใช่ภาษาต้นฉบับ?

- ฉันจะเกี่ยวข้องได้อย่างไร... คุณเห็นไหมว่าเหรียญนี้มีสองด้าน ในด้านหนึ่ง ฉันชอบไอด้านี้ในภาษารัสเซีย เลื่อยเป็นชิ้นๆ และชอบมันมาก ในทางกลับกัน (ฉันรู้เรื่องนี้ในภายหลังเมื่อฉันเริ่มเรียนภาษาอิตาลีและอุปรากรอิตาลี) แน่นอนว่าโอเปร่าสูญเสียโวหารไปมาก

บางสิ่งก็ไม่สามารถแปลได้ ในโอเปร่าของ Rossini บทเพลงมีสำนวนจำนวนมาก ตัวอย่างเช่นใน The Barber of Seville ในเปียโนรัสเซียเมื่อ Figaro มาหา Rosina และบอกเธอว่า: "mangerem dei confetti" ซึ่งแปลว่า "มากินขนมหวานกันเถอะ" และสำนวนภาษาอิตาลีแปลว่า "งานแต่งงานจะเร็ว ๆ นี้" และมีหลายกรณีเช่นนี้

– นักแปลมีความสามารถหรือไม่?

– ใช่ แต่นอกจากนี้ บางสิ่งก็แปลไม่ได้ง่ายๆ ภาษามีความแตกต่างกันมากจนในภาษารัสเซียการเล่นคำศัพท์ต้นฉบับทั้งหมดเรื่องตลกทั้งหมดสูญเสียความคล่องตัวเสน่ห์ของภาษา น่าเสียดายที่มันเป็นเช่นนั้น

– บางสิ่งอาจจะยังแปลได้อยู่?

- แน่นอน. ที่ English National Opera ทุกอย่างร้องเป็นภาษาอังกฤษและเยี่ยมมาก แน่นอนคุณสามารถร้องเพลงอะไรบางอย่างได้ แต่คำถามประการแรกคือคุณภาพของการแปล เรามีการแปลโอเปร่าของ Wagner ที่ยอดเยี่ยมโดย Viktor Kolomiytsov ทั้ง "Tristan" และ "The Ring" ซึ่งเป็นโอเปร่าของ Wagner เกือบทั้งหมด และการแปลเหล่านี้หากคุณใช้การแปลแบบอินไลน์เกือบจะเหมือนกัน แต่ในขณะเดียวกันทุกอย่างก็ได้รับการเคารพ: ทั้งจังหวะและสัมผัสอักษร นี่เป็นกรณีที่หายาก แต่ชายผู้นี้รู้ภาษาเยอรมันเป็นอย่างดีและเชี่ยวชาญบทกวี

– สิ่งสำคัญคือเขาต้องมีหูทางดนตรีด้วย

– ที่นี่เราต้องการความซับซ้อนเช่น Pasternak ผู้แปลเช็คสเปียร์

- ฉันไม่รู้... Pasternak ก็ Pasternak เหมือนกัน การแปลของเขามีความน่าสนใจในฐานะบทกวีมากกว่าการแปล

– อย่างไรก็ตาม ผมอยากจะแสดงหลักการของมันเอง ในอีกด้านหนึ่งฉันไม่ต้องการที่จะประณามยุคประวัติศาสตร์ - นั่นคือเวลาและในศตวรรษที่ 19 ทุกคนร้องเพลงเป็นภาษาของประเทศของตน ดังนั้นแวร์ดีจึงสร้าง "สายัณห์ซิซิลี" ใหม่ซึ่งเขียนเป็นภาษาฝรั่งเศสอย่างสวยงาม เขาต้องสร้างมันขึ้นมาใหม่เป็นภาษาอิตาลีและทำลายโอเปร่าซึ่งสูญเสียไปมาก นี่เป็นตัวอย่างที่ชัดเจน ฉันรู้เรื่องนี้เพราะฉันต้องร้องโอเปร่าเรื่องนี้ทั้งสองเวอร์ชั่น และฉันก็รู้ด้วยตัวเองว่าการร้องเป็นภาษาฝรั่งเศส... ไม่ใช่ว่าจะสะดวกกว่า แต่อย่างไรก็ตาม... มันไหลลื่นเป็นธรรมชาติมากกว่า แต่ในเวอร์ชันภาษาอิตาลี (แม้ว่าภาษาอิตาลีจะเป็นภาษาแม่ของเขาก็ตาม!) มันไม่เหมือนกัน

กับดอน คาร์ลอสจะยากกว่าเพราะผมไม่รู้เวอร์ชั่นภาษาฝรั่งเศส ฉันไม่ได้ร้องเพลงนี้ แม้ว่าฉันจะร้องเพลงเป็นภาษาอิตาลีได้ค่อนข้างสบายใจก็ตาม

– ความสัมพันธ์ของคุณกับผู้กำกับโอเปร่าเป็นอย่างไรบ้าง?

– ฉันไม่ชอบคำว่า "ผู้กำกับ" ที่ทันสมัยในตอนนี้ - มันทำให้ฉันเจ็บหูอยู่เสมอ แต่ฉันเข้าใจว่าตอนนี้มีสถานการณ์เกิดขึ้นโดยที่ในอีกด้านหนึ่งมีโอเปร่าของผู้กำกับ วาทยากรหรือละครเพลง แน่นอนว่านี่เป็นการแบ่งส่วนเดียวที่ป่าเถื่อนและผิดธรรมชาติ ถ้าคุณไม่พอใจกับหลักการกำกับการแสดงคอนเสิร์ตล่ะ?

ฉันร้องเพลงในคอนเสิร์ตมาหลายครั้งแล้ว และบอกได้เลยว่านี่คือความสุดโต่งอีกประการหนึ่ง ในขณะที่คุณเรียกมันว่า “ผู้กำกับ” เป็นจุดสุดยอดอย่างหนึ่ง ตัวอย่างเช่นเมื่อใดที่ "Eugene Onegin" อยู่ในแจ็คเก็ตที่มีปืนพกค่อนข้างพูดหรือในทางกลับกันคือการแสดงคอนเสิร์ตที่ไม่ชัดเจนว่าใครเกี่ยวข้องกับใคร นี่คือความสุดขั้วสองประการ และคุณต้องพยายามเพื่อให้ได้ค่าเฉลี่ยสีทอง

– มีการแสดงคอนเสิร์ตพร้อมองค์ประกอบของเกม ปัจจุบันมีโรงโอเปร่าหลายแห่งจนผู้กำกับที่มีพรสวรรค์ไม่เพียงพอ มีน้อยมาก และที่เหลือส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับสิ่งอื่นนอกเหนือจากสิ่งที่คุณและฉันเป็น พวกเขาจำเป็นต้องทำ "ไม่ใช่อย่างที่เคยเป็น" สำหรับหลายๆ คน น่าเสียดายที่นี่เป็นจุดจบในตัวมันเอง

– คุณพูดถูก สิ่งนี้มาจากความจริงที่ว่าบางคนจำเป็นต้องแสดงตัวตน เพื่อแสดง “ฉัน” ของตัวเอง ไม่ใช่สิ่งที่ผู้แต่งเขียน เทรนด์แฟชั่นทั้งหมดนี้เริ่มต้นที่เมืองไบรอยท์เมื่อประมาณครึ่งศตวรรษก่อน สิ่งนี้ขัดแย้งกันเนื่องจากวากเนอร์เป็นผู้พินัยกรรมว่าโอเปร่าของเขาควรทำตามที่เขาเขียนเท่านั้นและไม่มีทางอื่น การจัดแสงยังถูกเขียนไว้ที่นี่และที่นั่นในเพลงของเขา และน่าแปลกใจที่เรื่องทั้งหมดนี้เริ่มต้นขึ้นภายใต้ทายาทของวากเนอร์ และทุกวันนี้มันก็แพร่หลายไปแล้ว

– เรายังต้องหาข้อสรุป: อะไรสำคัญกว่ากัน? จากมุมมองของฉัน โอเปร่าเป็นแนวดนตรี ดนตรีและข้อความควรให้ความสำคัญ และการแต่งกายและอื่นๆ ควรเป็นเรื่องรอง แต่เพื่อไม่ให้รบกวนดนตรี สิ่งที่สำคัญที่สุดในการกำกับคือมันจะรบกวนดนตรีหรือไม่

– มีความแตกต่างมากมายที่นี่ ยกตัวอย่างเช่น “Eugene Onegin” ผู้โชคร้ายคนเดียวกัน ในฐานะบุคคลที่เลี้ยงดูวรรณกรรมรัสเซีย ฉันหลงรักประวัติศาสตร์ของเราและในชีวิตประจำวัน ไม่สามารถจินตนาการสิ่งนี้ได้ในบริบทอื่นใดนอกจากของพุชกิน ฉันไม่สามารถจินตนาการได้เช่น "La Bohème" ในบริบทอื่นใดเพราะมันค่อนข้างยากเนื่องจากเนื้อหาทั้งหมดของบทเต็มไปด้วยรายละเอียดในชีวิตประจำวันไปจนถึงจานอาหาร

– และปีศาจอย่างที่เรารู้ก็อยู่ในรายละเอียด

- ใช่แล้ว! คุณไม่สามารถทิ้งทั้งหมดนี้ได้ (คำโปรดของ Dostoevsky) และแยกออก หากคุณไปสร้างวิสัยทัศน์ด้วยปืนพก คุณจะไม่สามารถทิ้งมันไปที่ไหนสักแห่งได้ จากนั้นคุณก็ใช้เสรีภาพในการแสดงโอเปร่าที่แตกต่างออกไปเล็กน้อย

อีกประการหนึ่งคือบางครั้งสิ่งที่เรียกว่า "แมคเบธ" สามารถถ่ายโอนไปยังเวลาอื่นได้ ทุกสิ่งทุกอย่างไม่ได้มาจากความเป็นจริงทางประวัติศาสตร์ที่เฉพาะเจาะจง แต่มาจากแนวคิดของละครนั่นเอง บทละครของเช็คสเปียร์ในตอนแรกมีการจัดฉากโดยไม่มีฉากใดๆ เลย แต่นั่นเป็นเรื่องราวที่แตกต่างออกไปเล็กน้อย

ที่ Novaya Opera "Onegin" จัดแสดงโดย Artsibashev ซึ่งฉันชอบมาก ไม่มีการตกแต่งที่นั่นเช่นกัน ไม่มีอะไรเลย มีเพียงเก้าอี้สองตัวบนเวทีเท่านั้น อย่างไรก็ตาม ฉันคิดว่านี่เป็นผลงานที่ยอดเยี่ยมในแบบของตัวเอง! การบำเพ็ญตบะนี้ช่วยให้คุณสัมผัสได้ว่าภายในมีความแตกต่างมากมายเพียงใด

– แต่ Evgeny Kolobov ก็มีส่วนร่วมในการผลิตครั้งนี้ด้วย และศิลปินคือ Sergei Barkhin

– นี่เป็นการผลิตครั้งแรกของโรงละครจริงๆ ย้อนกลับไปในปี 1996 มีนักร้องกี่คนที่ผ่านการผลิตครั้งนี้ - และนักร้องที่ยอดเยี่ยม!

- แต่นี่เป็นข้อยกเว้น

– คุณรู้ไหมว่าทำไมสิ่งนี้ถึงเป็นข้อยกเว้น? เพราะจัดโดยคนที่มีความสามารถมาก ซึ่งสิ่งที่สำคัญที่สุดคือไม่ต้องแสดง "ฉัน" ของตัวเองออกมา...

– ...และความสามัคคีของดนตรีและเวที ในบรรดาผู้กำกับที่คุณเคยพบ คุณชอบใครมากที่สุดในแง่ของการผสมผสานการกำกับกับดนตรี?

– ฉันไม่ได้ร่วมงานกับผู้กำกับมากนักในระหว่างการผลิต ฉันมีอินพุตมากมาย ตัวอย่างเช่นใน Novaya Opera เดียวกัน

จากผลงานล่าสุด ฉันอดไม่ได้ที่จะพูดถึงดอน คาร์ลอส แม้ว่าผลงานของ Adrian Noble จะไม่ได้ถูกวิพากษ์วิจารณ์จากคนขี้เกียจเท่านั้น แต่มันถูกสร้างขึ้นด้วยความรักอันยิ่งใหญ่ต่อแวร์ดี นี่เป็นผู้กำกับคนแรกในประสบการณ์การร้องเพลงของฉันที่เสนอให้ร้องเพลงโอเปร่าโดยไม่ต้องตัดต่อ ทุกคนเบิกตากว้าง! โดยปกติแล้วสิ่งแรกที่ผู้กำกับทำคือ...

-...ฉีกบท!

Dmitry Beloselsky (King Philip) และ Igor Golovatenko (Rodrigo) ในการผลิตโอเปร่าเรื่อง Don Carlos ของ Verdi ที่โรงละคร Bolshoi ภาพ – ดามีร์ ยูซูปอฟ

– นี่เป็นเวอร์ชันสี่องก์ มีโน้ตอยู่บ้าง แต่มีเพียงโน้ตเล็กๆ น้อยๆ เท่านั้น ที่ไหนสักแห่งในฉากของคณะนักร้องประสานเสียง แต่ก็ไม่สำคัญ ทุกสิ่งทุกอย่าง แม้กระทั่งความโรแมนติคของโรดริโกซึ่งปกติจะผ่าครึ่งเขาก็ทุ่มหมด ฯลฯ มีช่วงเวลาแบบนี้อยู่มากมาย แม้ว่าการผลิตนี้จะขาดดวงดาวจากท้องฟ้า แต่ก็ไม่มีการเปิดเผยใด ๆ เลย แต่จัดทำขึ้นด้วยความเคารพอย่างสูงต่อนักร้อง ผู้แต่ง และชิลเลอร์ ซึ่งฉันคิดว่าเขารู้จักค่อนข้างดี บางทียุคประวัติศาสตร์ก็ไม่ปรากฏให้เห็นมากนัก...

– แต่นี่ไม่ใช่หนังสือเรียนประวัติศาสตร์!

- ใช่ ไม่ใช่หนังสือประวัติศาสตร์ การติดตามจดหมายจะนำไปสู่ผลลัพธ์ที่น่าเศร้าเสมอ

– คุณจำเป็นต้องติดตามวิญญาณหรือไม่?

- ใช่เพื่อจิตวิญญาณ คุณต้องเห็นบางสิ่งเบื้องหลังข้อความ ดูป่าสำหรับต้นไม้ เมื่อเร็วๆ นี้ ฉันมีประสบการณ์ที่ยอดเยี่ยมที่ได้ร่วมงานกับ Žagars ที่ Riga Opera

- นั่นคือสิ่งที่ฉันไม่ชอบ

- หลายคนไม่ชอบเขาแล้วเราจะทำอย่างไร? ฉันมีโอกาสเดียวที่จะได้ร่วมงานกับเขา

- คุณร้องเพลงอะไร?

- “ทรูบาดอร์”. และเขาทำให้ฉันเชื่อว่าเขาพูดถูกแม้ว่าจะเป็นเรื่องยากสำหรับฉันที่จะยอมรับการโอนการกระทำจากยุคนั้นไปจนถึงปี 1919 มีมือปืนชาวลัตเวียและทั้งหมดนั้น แต่ฉันมั่นใจกับผลงานการกำกับของเขากับศิลปิน เขาให้ความสนใจกับพลาสติกเป็นอย่างมาก ใช้ชีวิตแบบพลาสติกเพื่อให้ผู้คนไม่ดูเหมือนรูปปั้นบนเวที

– ฉันเห็นผลงานของเขาเรื่อง “Eugene Onegin” ระหว่างทัวร์ที่มอสโกว ฉันไม่ได้ชอบเธอจริงๆ

– ฉันเข้าร่วมใน “Onegin” นี้ ฉันได้รับการแนะนำครั้งหนึ่ง คือที่ริกา

– ฉันไม่ค่อยสัมภาษณ์ผู้ที่ไม่ใช่นักดนตรีคลาสสิก แต่บังเอิญว่าฉันกำลังพูดคุยกับศิลปินและผู้กำกับโรงละครที่ Malaya Bronnaya ซึ่งเป็น Lev Durov ที่เพิ่งเสียชีวิตไปเมื่อเร็ว ๆ นี้และเขากล่าวว่า:“ ตอนนี้ในการกำกับถ้าไม่มีใครวิ่ง ข้ามเวทีแบบเปลือยเปล่าถือว่าล้าสมัย” เขาดูราวกับว่ากำลังลงไปในน้ำ ที่ Žagars ขณะที่ Tatiana กำลังนอนหลับ ชายเปลือยสวมชุดหนังหมีก็ปรากฏตัวขึ้น เหตุใดจึงจำเป็น?

– ฉันสามารถพูดได้ว่าไม่มีสิ่งใดใน Troubadour และขอบคุณพระเจ้า! ฉันแค่พูดถึงความประทับใจล่าสุดของฉัน เพราะฉันไม่ได้ร่วมงานกับผู้กำกับละครมากนัก การร่วมงานกับพรรณรายในภาพยนตร์เรื่อง “Rigoletto” เรื่องเดียวกันนั้นไม่ใช่งานของผู้กำกับเสียทีเดียว เขาเป็นนักร้องและนักดนตรีที่ยอดเยี่ยม เขามีประสบการณ์บนเวทีมากมาย เขาให้คำแนะนำอันมีค่ามากมายแก่ฉันเกี่ยวกับภาพลักษณ์ที่ตลกขบขัน - จะต้องทำอย่างไร แต่ในฐานะนักดนตรีในฐานะนักร้องจากภายใน

– ฉันไม่ชอบผลงานล่าสุดของ “Rigoletto” ที่โรงละครบอลชอย

- ฉันไม่เห็นเธอโชคไม่ดี

– ตัวตลกและตัวตลกไม่เหมือนกัน ที่ Bolshoi ตอนนี้ Rigoletto เป็นตัวตลก การกระทำเกิดขึ้นในละครสัตว์ และไม่มีความชัดเจนว่าทำไมทุกคนถึงชื่นชอบสิ่งที่เรียกว่า Duke ตัวตลกคือบุคคลที่สามารถพูดความจริงกับผู้ปกครองได้ เป็นที่ชัดเจนว่าทำไมข้าราชบริพารถึงเกลียด Rigoletto มาก เพราะเขาคนเดียวที่สามารถบอกความจริงได้ - และเกี่ยวกับสิ่งเหล่านั้นด้วย และนี่ก็ไม่มีความชัดเจนเลยว่าทำไมคนอื่นถึงเกลียดเขา

- คุณขุดลึกมากสำหรับการผลิตเช่นนี้ โดยที่คุณพูด พวกเขาวิ่งไปรอบ ๆ โดยที่เปลือยเปล่า

“ที่นี่ไม่มีลาเปลือยเปล่า ขอบคุณพระเจ้า” แต่แทนที่จะเป็นศาลของ Duke of Mantua บนเวทีจะมีละครสัตว์ครึ่งซ่องซึ่งอดีต Duke ดูแลอยู่

– ในปัจจุบัน น่าเสียดายที่ผู้กำกับไม่ได้เจาะลึกขนาดนั้น แม้ว่าจะมีกรณีอื่น ๆ ฉันพูดเกี่ยวกับ Zhagars ว่าเขาทำงานร่วมกับศิลปินในสาขาศิลปะพลาสติกอย่างน่าสนใจและประสบผลสำเร็จ และการผลิตก็จริงจัง - โดยไม่ต้องใช้ดิ้นทั้งหมดนี้ มีผู้กำกับอีกคนที่ทำให้ฉันประหลาดใจอย่างมาก - นี่คือ Hugo de Ana

- เขามาจากไหน?

– เขามีเชื้อสายอาร์เจนตินา

- เขาวางไว้ที่ไหน?

– เขาอาศัยอยู่ในมาดริด แต่แสดงอยู่ในอเมริกาใต้, สเปน, อิตาลี

– เขาแสดงโอเปร่าอะไร?

– ครั้งแรกที่ฉันทำงานกับเขาคือที่ปาแลร์โม - เขาจัดแสดงบอริสโกดูนอฟ อีกแห่งอยู่ในบัวโนสไอเรส - Madama Butterfly

- อะไรคุณกำลังร้องเพลงบอริส?

– ไม่ ฉันร้องเพลง Shchelkalov และ Rangoni

– ฉันถามเพราะว่าตอนนี้ Leiferkus กำลังร้องเพลงเวอร์ชั่นบาริโทนอยู่

– มีสิ่งที่ฉันไม่มีวันทำ

– โดยทั่วไปแล้ว เพลงรัสเซียเป็นสิ่งที่ซับซ้อน ประเภทของเสียงของฉันมีไม่มากนัก และบอริส - โชคดีที่แผนของฉันไม่ได้ไปไกลขนาดนั้น แต่การผลิตครั้งนี้เป็นเรื่องยากสำหรับฉันเพราะฉันร้องเพลงสองท่อนที่นั่น ก่อนอื่น Shchelkalov ร้องเพลงจากนั้นเขาก็เปลี่ยนเสื้อผ้าสร้างตัวเองใหม่และหลังจากนั้นครึ่งชั่วโมงเขาก็ออกมาร้องเพลง Rangoni

ต้องกล่าวถึงเป็นพิเศษเกี่ยวกับผู้กำกับคนนี้ เพราะเขาเป็นคนมีการศึกษาด้านสุนทรียภาพที่น่าทึ่ง เขาเองก็วาดภาพทิวทัศน์ เครื่องแต่งกาย และการจัดแสง

– เขาจัดฉากทั้งหมดด้วยตัวเองหรือเปล่า?

- เขาทำทุกอย่างด้วยตัวเอง นี่ไม่ได้หมายความว่าเขาตกแต่งเอง เขามีผู้ช่วยแน่นอน แต่สิ่งสำคัญคือเขามีคอนเซ็ปต์ด้านภาพที่สมบูรณ์สำหรับการแสดง และมันก็น่าทึ่งมาก!

- นี่เป็นกรณีที่หายาก

- นี่เป็นกรณีที่หายาก! ยิ่งไปกว่านั้น เมื่อผมมาถึงงานสร้าง “มาดามะ บัตเตอร์ฟลาย” ผมได้รู้ว่าชายคนนี้ได้ศึกษาประวัติศาสตร์ของญี่ปุ่นในยุคนั้นอย่างถี่ถ้วนแล้ว

ท้ายที่สุดมีเรื่องราวที่น่าสนใจเกี่ยวกับบทละครที่ปุชชินีได้เห็น ละครเรื่องนี้ชื่อ Madama Butterfly เขียนโดย David Belasco นักเขียนบทละครและนักแสดงชาวอเมริกัน และในทางกลับกันก็เขียนโดยอิงจากเรื่องราวของจอห์น ลูเธอร์ ลอง ผู้รู้จักลูกชายของหญิงสาวชาวญี่ปุ่นที่ทำหน้าที่เป็นต้นแบบของ Cio-Cio san กล่าวคือ เขารู้จักคนจริง ๆ เป็นเด็กผู้ชายในขณะที่เขาอยู่ในนั้น โอเปร่า

ผมได้อ่านผลงานทั้งสองนี้แล้ว น่าเสียดายที่ไม่มีการแปลเป็นภาษารัสเซีย และฉันต้องอ่านเป็นภาษาอังกฤษ น่าสนใจมาก. ที่นั่นบทของบัตเตอร์ฟลายและซูซูกิเองก็อ่านยากมากเพราะสำเนียงภาษาญี่ปุ่นถูกเขียนออกมาดังนั้นครึ่งหนึ่งของคำจึงไม่สามารถเข้าใจได้ อย่างไรก็ตามผมกลับรู้สึกได้ว่าได้สัมผัสยุคนี้แล้ว

มันน่าสนใจมากเสมอเมื่อมีต้นแบบจริงและคุณสามารถเรียนรู้บางอย่างเกี่ยวกับบุคคลนี้ได้ ดังนั้นคุณสามารถสร้างตัวละครของคุณได้ Sharpless มีการอธิบายรายละเอียดเพิ่มเติมอีกเล็กน้อยที่นั่น มันแห้งนิดหน่อย แต่น่าสนใจ ทั้งหมดนี้หมายความว่า Hugo ไม่เพียงแต่ศึกษาทั้งหมดนี้ - ลงลึกถึงประวัติศาสตร์ของอาชีพเกอิชา - แต่งานของเขาเต็มไปด้วยความรักในประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมของญี่ปุ่น! ฉันไม่สามารถรับรองความถูกต้องของการสร้างรายละเอียดใดๆ ของการตกแต่งภายในหรือเสื้อผ้าได้ แต่อย่างน้อย คนๆ นี้ก็พยายามอย่างเต็มที่ที่จะทำเช่นนี้

เขาทำงานเยอะมากโดยให้รายละเอียด โดยใช้อุปกรณ์ประกอบฉาก และสอนฉันถึงวิธีทำงานกับอุปกรณ์ประกอบฉาก เขาบอกว่าถ้าคุณมีแว่นตาหรือไม้เท้า สิ่งของเหล่านี้ก็น่าจะได้ผลอย่างแน่นอน คือถ้ามาใส่แว่นก็ต้องหาความเคลื่อนไหวบ้างจึงจะเห็นว่าอยู่กับแว่นพวกนี้ ฉันไม่สวมแว่นตา มันยากสำหรับฉันที่จะเข้าใจ

- พูดถึงรายละเอียด หากคุณจำได้ว่าใน "Eugene Onegin" Tatiana ของริกา Tatiana วิ่งไปรอบเวทีพร้อมกับแล็ปท็อป

- ใช่ฉันจำได้.

- ฉันไม่รังเกียจ. แต่จดหมายนั้นเขียนด้วยมือ! หนึ่งในสองสิ่ง: เขียนจดหมายบนแล็ปท็อปของคุณ หรือไม่วิ่งข้ามเวทีไปกับมัน

– นี่เป็นการเปิดตัวครั้งแรกของฉันที่ริกาโอเปร่า ฉันไปที่นั่นเพื่อร้องเพลง และให้ความสนใจเพียงเล็กน้อยกับรายละเอียดเหล่านี้ การผลิตภาพยนตร์ "จากภายใน" ไม่ได้ทำให้ฉันหงุดหงิดมากนัก ฉันรับมันอย่างใจเย็น ยิ่งไปกว่านั้น การผลิตมีความซับซ้อนมากในการป้อนข้อมูลจนไม่มีเวลาคิดเกี่ยวกับเรื่องทั้งหมดนี้ สำหรับฉันสิ่งที่สำคัญที่สุดคือการร้องเพลง

นักร้องที่ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับการแสดงมักจะไม่ได้คำนึงถึงเรื่องแนวความคิด แต่คำนึงถึงวิธีการร้องเพลงด้วย การทำความเข้าใจแนวคิดที่ฝังอยู่ในการแสดงจะเกิดขึ้นในภายหลัง จะทำอย่างไรนี่คือกระบวนการแสดงละคร

– ลงตัวได้อย่างไร?

– ใช่ ใส่ยังไงไม่ให้หลุด เมื่อกลับมาที่ฮิวโก้ สำหรับฉัน ผู้กำกับคนนี้คือคนสุดท้ายที่ฉันร่วมงานด้วยจนถึงปัจจุบัน เขาให้ฉันมากมาย และแน่นอนว่าเขามีบุคลิกที่ยอดเยี่ยม

– คุณมีข้อเสนออะไรเกี่ยวกับเวทีตะวันตกบ้างไหม?

“ฉันต้องไปที่ Glyndebourne เพื่อร่วมงานเทศกาลเร็วๆ นี้”

– ตอนนี้ใครเป็นผู้รับผิดชอบ? เป็นเวลาหลายปีที่มี Vladimir Yurovsky

“เขาจากไป แต่ฉันไม่รู้ว่าตอนนี้เขาเป็นใคร”

– คุณจะร้องเพลงอะไรที่นั่น?

– Poliuto ของ Donizetti จะอยู่ที่นั่น โอเปร่านี้ได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงอายุหกสิบเศษ มีแผ่นเสียงที่มีชื่อเสียงจาก La Scala ที่ Callas, Corelli และ Bastianini ร้องเพลง มีส่วนที่ยากเป็นพิเศษสำหรับเทเนอร์

- ทุกคนที่นั่นมีช่วงเวลาที่ยากลำบาก

– โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับเทเนอร์ ตอนนี้โอเปร่านี้ถูกลืมไปเล็กน้อยเพราะโดยทั่วไปแล้วละครเพลง bel canto ไม่ได้อยู่ในแฟชั่น นักแต่งเพลงเช่น Mercadante, Bellini, Donizetti มักไม่ได้จัดฉากบ่อยนัก แม้ว่า Donizetti จะมีโอเปร่าเจ็ดสิบสี่เรื่อง ลองนึกดูสิ!

– เบลลินีคือไอดอลของฉัน สำหรับฉัน โอเปร่าอันดับหนึ่งคือ "Norma"

- แน่นอน! แต่ "นอร์มา" ก็ไม่ได้จัดแสดงบ่อยนักในขณะนี้ ดูที่เว็บไซต์ของโรงละคร - คุณจะไม่พบมัน

– ฉันจำได้ว่าร้าน La Scala เกิดขึ้นในปี 1974 และ Montserrat Caballe ก็เริ่มร้องเพลง - มันน่าตกใจมาก! เธอยืนอยู่ที่ฉากหลังตรงหน้าต้นไม้คิวบิสม์ธรรมดาๆ และเมื่อเธอร้องเพลง Casta Diva แล้วก็สเตรตต้า ฉันก็ตกตะลึงอย่างยิ่ง ฉันนึกไม่ถึงเลยว่ามันจะมีเสียงแบบนั้น!

“เธอมีเปียโนที่ยอดเยี่ยม ไม่เหมือนใคร”

“มันเป็นการแสดงที่น่าสนใจที่สุดที่ฉันเคยฟัง” แม้จะเปรียบเทียบกับการบันทึกของคัลลาสด้วยซ้ำ เสียงร้องที่สมบูรณ์แบบ

– เป็นการยากที่จะเปรียบเทียบ ฉันไม่เคยทำสิ่งนี้ ตัวอย่างเช่น ฉันมีช่วงหนึ่งที่ฉันกำลังจะตายจากบาสเตียนนีนี จากนั้นก็มีช่วงหนึ่งที่ฉันรัก Gobbi จริงๆ จากนั้นช่วงเวลาที่ฉันไม่สามารถแยกตัวเองออกจาก Manuguerra ได้ - และอื่นๆ

“ฉันไม่รู้จักมานูเอร์ราเลย แม้ว่าเพื่อนคนหนึ่งจะเล่าทุกอย่างเกี่ยวกับเขาให้ฉันฟังก็ตาม

- นี่คือบาริโทนที่น่าทึ่ง! ไม่มีใครมีเลกาโตที่สมบูรณ์แบบเช่นนี้ เขามักจะมีโน้ตจมูกเล็กน้อยด้วยเหตุนี้บางทีพวกเขาจึงไม่ชอบเขามากนักแม้ว่าเขาจะมีอาชีพที่ดีมากร้องเพลงไปทุกที่ แต่เขาก็มีข้อบกพร่องนี้ เสียงสวยจับใจ!

มีช่วงหนึ่งที่ฉันชอบคาปูชิลลี่มาก เป็นการยากมากที่จะเปรียบเทียบใครสักคนกับคนอื่น มันเป็นงานที่ไม่เห็นคุณค่า แต่ในเวลานั้น ในโรงละครเล็กๆ ของอิตาลี เรื่อง "Maria di Rudenz" หรือ "Roberto Devereux" ของ Donizetti ได้รับความนิยมอย่างมาก

– เหล่านี้เป็นโอเปร่าที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก

– ตอนนี้พวกเขายังไม่เป็นที่รู้จักเลย ชื่อเหล่านี้ไม่มีความหมายสำหรับใครเลย แต่ถึงกระนั้นเขาก็มีโอเปร่ามากมาย (ซึ่งตอนนี้ไม่ได้แสดงไว้ที่ใดเลย) ซึ่งนักร้องรุ่นเยาว์สามารถเติบโตได้ เช่น "Linda di Chamouni", "Maria di Roan", "Gemma di Vergi" เป็นต้น โรงละครเหล่านี้หลายแห่งปิดให้บริการแล้วเนื่องจากวิกฤตทางการเงิน

– เมื่อฉันเปรียบเทียบ Donizetti กับ Bellini สำหรับฉันแล้ว Donizetti ร้องเพลงยากกว่า เบลลินีมีความเป็นธรรมชาติมากกว่า - เขารู้สึกถึงธรรมชาติของเสียงร้องมาก

– มันไม่หนักหรอก แค่ว่า Donizetti อยู่ใกล้ Verdi มากขึ้นแล้ว ในทำนองเดียวกัน โอเปร่าเรื่องสุดท้ายของ Verdi ก็เข้าใกล้ Verismo มากขึ้นแล้ว

– โอเธลโล ขอโทษที มันเป็นเพียงโอเปร่าของวากเนอร์เรียน

– “Othello” เป็นบทความพิเศษทั้งหมด

– นี่คือโอเปร่าที่ฉันชอบโดย Verdi ทุกสิ่งทุกอย่างถูกสร้างขึ้นทั่วแวร์ดีเอง

- พูดแล้วนี่คือรอยยิ้มของอัจฉริยะ อย่างไรก็ตามนี่คือแวร์ดีที่สุด

– ผลงานที่ดีที่สุดของ “Othello” ที่ฉันเคยเห็นคือการผลิตของ Latvian Opera and Ballet Theatre ในปี 1980 ผู้กำกับ Olgerts Šalkonis ผู้ออกแบบฉาก Edgars Vardeunis ในปีเดียวกันนั้นเองพวกเขานำการแสดงนี้ไปมอสโคว์ในทัวร์ซึ่งในระหว่างนั้นฉันก็ได้เห็นมัน ในนั้น เวทีปราศจากการตกแต่งและรายละเอียดในแต่ละฉาก...

- น่าสนใจ น่าสนใจ!

- ... และท้ายที่สุดก็มีเวทีว่างเปล่าสวมผ้าสีดำ - และมีเตียงที่มีแสงสว่างอยู่ตรงกลาง เป็นเรื่องเยี่ยมมาก และ Kārlis Zarins วัยกลางคนอยู่แล้วก็ร้องเพลง Othello ในแบบที่ไม่ใช่คนหนุ่มสาวทุกคนจะร้องเพลงได้

– พวกเขามีโรงละครโอเปร่าที่แข็งแกร่งมากมาโดยตลอด โรงละครมีขนาดเล็กแต่ก็ยังมีคณะละครที่แข็งแกร่งมาก หากคุณอ่านพวกเขามี "Lucia", "Il Trovatore", "The Barber of Seville", "Eugene Onegin", "Aida", "Nabucco", "Madama Butterfly" - ละครโอเปร่าพื้นฐานเกือบทั้งหมด!

– ฉันไม่ได้ติดตามมันจริงๆ ฉันแค่ประเมินตามทัวร์ในมอสโกว แต่ฉันจำการผลิตนั้นไปตลอดชีวิตและคิดว่ามันดีที่สุด ความสนใจทั้งหมดมุ่งไปที่ฉากสุดท้าย เหมือนกับแว่นขยายที่รวมแสงทั้งหมดไว้ด้วยกัน นี่คือการกำกับที่จำเป็น

– โดยทั่วไปแล้วถ้าเรากลับมากำกับอีกครั้งนี่เป็นคำถามที่ยากมาก เพราะ... เช่นเดียวกับคำถามของผู้ควบคุมวง มันเป็นคำถามเกี่ยวกับบุคลิกภาพเสมอ “คุณมีอะไรจะพูดไหม?” เป็นคำถามหลัก และเป็นการยากที่จะให้คำตอบที่ชัดเจน เนื่องจากไม่มีเกณฑ์ มีหลักเกณฑ์อย่างไรจะตัดสินอย่างไร?

มีผู้กำกับมืออาชีพหลายคนที่รู้วิธีสร้างฉากฉากต่างๆ อย่างเช่น การเปลี่ยนผ่านที่มีเหตุผลทางดนตรี การผลิตดูเหมือนจะเสร็จสิ้นอย่างมั่นคง แต่ก็ไม่ได้หายใจ แต่มันเกิดขึ้นในอีกทางหนึ่ง ผู้กำกับมีไอเดียที่น่าทึ่ง แต่เขาไม่รู้ว่าจะนำมันไปปฏิบัติอย่างไร และต้องทำอย่างไรทั้งหมด ดังนั้นทุกอย่างที่นี่จึงซับซ้อนและคลุมเครือมาก คุณไม่มีทางรู้ว่าสิ่งต่าง ๆ จะจบลงอย่างไร

เช่นเดียวกับในเนเปิลส์ที่พวกเขาบังคับให้ฉันอาบน้ำ แนวคิดของผู้กำกับคือ Onegin มีหัวใจที่เย็นยะเยือก และจากนั้นมันก็ละลายภายใต้แรงกดดันของความรู้สึก และที่ไหนสักแห่งก่อนฉากดวล สระน้ำก็เต็มไปด้วยและมีเศษน้ำแข็งลอยอยู่ที่นั่น Lensky ตกลงไปในน้ำและในฉากสุดท้าย Gremin - Dima Beloselsky กลิ้งตัวออกไปในรถเข็น (ซึ่งตอนนี้ไม่มีการผลิตใดสามารถทำได้) และฉันก็ขับรถเขาไป ก่อนอื่นฉันขับรถเขาแล้วทัตยานา

บทบาทเปลี่ยนไป และฉากสุดท้ายก็อยู่ในน้ำทั้งหมด มีโซฟาอยู่ตรงกลางและเราอยู่บนโซฟาตัวนี้ พระเจ้ายกโทษให้ฉันด้วย! ความคิดนี้มันบ้ามาก ยิ่งไปกว่านั้น มันไม่มีประโยชน์ที่จะโต้แย้ง

– คุณเคยฝึกซ้อมบ้างไหมที่คุณไม่ชอบทิศทางมากนักจนปฏิเสธที่จะร้องเพลง?

- ไม่ นั่นไม่ได้เกิดขึ้น ฉันไม่อยู่ในฐานะที่จะปฏิเสธงานได้ ตัวอย่างเช่น ในเนเปิลส์ ฉันไม่ชอบการผลิตเลย ฉันสามารถพูดได้อย่างมั่นใจ แต่ผู้กำกับเป็นคนที่น่านับถือมาก ในความคิดของฉัน การแสดงนี้เคยจัดแสดงทั่วยุโรปมาแล้วห้าครั้ง เขาได้รับโบนัสมากมายจากสิ่งนี้และอื่นๆ ถ้าฉันพูดว่า: "ขอโทษ แต่ฉันไม่ชอบสิ่งนี้" ฉันจะกลับบ้านแล้วเชิญคนอื่น

– เป็นเรื่องที่เข้าใจได้ คุณยังไม่สามารถจ่ายได้

- แน่นอนว่าสิ่งต่าง ๆ ไม่ได้สุดขั้วไม่มีใครถามขอบคุณพระเจ้าที่จะเปลือยเปล่าหรือทำอะไรที่ไม่เหมาะสม แต่มันก็ยังห่างไกลจากพุชกิน! ที่นั่นไม่มีวัฒนธรรมรัสเซียเลย ลำต้นของต้นเบิร์ชบางต้นตกลงมาจากด้านบน - มันเป็น "เหมือนป่า" ดงต้นเบิร์ชและนั่นคือทั้งหมด ไม่มีคำใบ้ของโอเปร่ารัสเซียอีกต่อไป หากสิ่งนี้สอดคล้องกับสิ่งที่เกิดขึ้นในดนตรี! แต่มันไม่ตรงกับอะไรเลย

คุณเห็นไหมว่าชายคนนั้นไม่ได้อ่านพุชกิน หรือผมอ่านแล้วไม่เข้าใจ ไม่ใช่ว่าเขามีจิตใจที่เยือกเย็น นั่นไม่ใช่ประเด็นเลย เพราะต่อมามันก็ละลายหายไปและเรื่องไร้สาระอื่นๆ (คุณรู้ไหมว่าเมื่อเร็ว ๆ นี้ฉันได้รับแจ้งว่ามีคำถามในการสอบ Unified State: Onegin รัก Tatyana หรือไม่ และตัวเลือกคำตอบ: รัก / ไม่รัก / ไม่จริงๆ ฉันจะไม่ผ่านการสอบ Unified State นี้!)

– คุณมีแผนอย่างไรที่ Bolshoi ที่คุณยังไม่ได้ร้อง?

- ใหม่คุณหมายถึง? ตอนนี้ในความคิดของฉัน แผนสำหรับฤดูกาลหน้ายังไม่ได้ประกาศ ตอนนี้ฉันร้องเพลงการแสดงในปัจจุบัน สิ่งเดียวก็คือเขาได้รู้จักกับ La Bohème ฉันรู้ว่าจะมีการผลิตสำหรับฤดูกาลหน้า แต่ฉันยังไม่รู้ว่าฉันจะเข้าร่วมหรือไม่

– คุณยังคงร่วมงานกับ Novaya Opera ต่อไปหรือไม่?

– ใช่ ฉันดำเนินการต่อเพราะฉันรู้ด้วยตัวเองว่ามันยากมากสำหรับฉันที่จะแยกจากโรงละครแห่งนี้ ในด้านหนึ่งฉันไม่ได้ร้องเพลงที่นั่นบ่อยนัก (ถ้าคุณนับจำนวนการแสดงต่อปี) แต่ใน ในทางกลับกัน ฉันรู้สึกว่านี่คือบ้านของฉัน

- และพวกเขาจะไม่ใส่อะไรคุณที่นั่นเหรอ?

- ไม่ ไม่มีการสนทนาเช่นนั้น คุณสามารถใส่บาริโทนอะไรได้บ้าง? คุณเห็นไหมว่ายังเร็วเกินไปที่จะพูดถึงบทบาทนำของบทบาทบางส่วนของแวร์ดี “Macbeth” หรือ “Simon Boccanegra” คนเดียวกันยังเร็วมาก และจากนั้นก็ไม่มีใครรู้ว่าโดยทั่วไปแล้วห้องโถงของโรงละครแห่งนี้ได้รับการปรับให้เข้ากับชื่อดังกล่าวอย่างไร คุณต้องดูว่าเหมาะสมกับโอเปร่าแต่ละประเภทมากน้อยเพียงใด

“พวกเขาจัดฉาก Tristan และ Isolde”

– ฉันไม่ได้ฟังมันเองฉันไม่รู้

- มันดีมาก! ฉันสงสัยมากเกี่ยวกับแนวคิดนี้ แต่ก็เยี่ยมมาก! และโดยทั่วไปและโดยเฉพาะ Latham-Koenig

- เขาสวย. นักดนตรีที่ยอดเยี่ยม

– ผลงานล่าสุด “แมทธิว แพชชั่น” ทำได้ยอดเยี่ยมมาก หนึ่งเดือนครึ่งก่อนหน้านี้ ริลลิงมาแสดงความรักของนักบุญแมทธิวในห้องโถง ไชคอฟสกี้. ดังนั้นฉันสามารถพูดได้ว่านักร้องชาวรัสเซียไม่ได้ด้อยกว่าชาวเยอรมันในเรื่อง St. Matthew Passion และลาแธม-โคนิกก็ทำได้

– สำหรับ New Opera ฉันเสียใจเพียงสองสิ่งเท่านั้น: ฉันไม่เคยมีโอกาสได้ร่วมงานกับ Kolobov และอย่างที่สอง เราไม่ได้ร้องเพลงร่วมกับ Latham-Koenig แม้แต่ครั้งเดียว มันแปลกแต่นั่นคือสิ่งที่เกิดขึ้น เขาเดินทางบ่อยมากและเราก็ไม่เคยข้ามเส้นทางกับเขาเลย เราต้องมีการติดต่อเมื่อการผลิต “Troubadour” ดำเนินไป แต่ฉันไม่สามารถมีส่วนร่วมในการผลิตได้ ฉันเข้ามาทีหลังและเขาไม่ได้ทำการแสดงนี้อีกต่อไป ฉันพูดกับเขาเองว่า: "เป็นอย่างไรบ้าง เกจิที่เราเดินไปรอบ ๆ โรงละครเดียวกันมาหลายปีแล้ว แต่ยังร้องเพลงด้วยกันไม่ได้" มันสนุกมาก.

– และ “King Roger” ของ Szymanowski ก็ทำได้ดีมากในคอนเสิร์ตเช่นกัน ฉันเชื่อว่าเมื่อไม่มีความคิดของผู้กำกับที่ดี การแสดงคอนเสิร์ตที่มีองค์ประกอบของการแสดงละครจะดีกว่า

– คุณพูดถูก เพราะบางครั้งคุณก็อยากจะปลดปล่อยโอเปร่าจากความคิดเดิมๆ ของผู้กำกับ ซึ่งน่าเสียดายที่มีอยู่จริง แน่นอนว่าการแสดงคอนเสิร์ตคือดนตรีล้วนๆ การทำดนตรีล้วนๆ แต่บางครั้งก็มีบางอย่างขาดหายไปเช่นกัน สมมติว่าเราร้องเพลง "La Traviata" ในเวอร์ชันคอนเสิร์ต มันเป็นไปไม่ได้เลยที่จะไม่สื่อสารกับคู่ของคุณ

– นั่นเป็นเหตุผลที่ฉันบอกว่าองค์ประกอบบางอย่างของโรงละครสามารถนำมาใช้ในการแสดงคอนเสิร์ตได้

– ทั้งหมดนี้มีสิทธิ์ที่จะดำรงอยู่

– แล้วดนตรีก็ครอบงำ

– ฉันจะบอกว่ามันแตกต่างออกไปเล็กน้อย ความจริงก็คือ แน่นอนว่า ดนตรีเป็นสิ่งที่สำคัญที่สุดในโอเปร่า แต่สิ่งที่ผู้กำกับตอนนี้มักลืมไป ขอโทษที ฉันจะไม่สุภาพ ก็คือในโอเปร่า คนที่สำคัญที่สุดคือคนที่ร้องเพลง เพราะเห็นไหมว่าผู้คนยังคงมาชมโอเปร่าเพื่อฟังนักร้อง ถ้าวงออเคสตราเล่นได้ยอดเยี่ยม คณะนักร้องประสานเสียงก็ร้องเพลงได้ยอดเยี่ยม เครื่องแต่งกายก็ยอดเยี่ยม การแสดงก็ยอดเยี่ยม แต่นักร้องก็ร้องเพลงได้ไม่ดี แล้วใครจะต้องการโอเปร่านี้ล่ะ? ดังนั้นจึงมีอีกยุคหนึ่งที่นักร้องเป็นนักร้องโอเปร่ากลุ่มแรกจริงๆ และนี่ก็มีองค์ประกอบบางอย่างที่ต้องใช้ความพยายามมากเกินไปด้วยซ้ำ

ตอนนี้มันกลับกลายเป็นสิ่งที่ตรงกันข้าม และเมื่อมีการเขียนบทความเชิงวิพากษ์วิจารณ์ทั้งที่นี่และในโลกตะวันตก แนวโน้มก็เหมือนกัน มีการเขียนมากมายเกี่ยวกับการผลิต มากมายเกี่ยวกับผู้ควบคุมวง และชื่อของนักร้อง และพวกเขาร้องเพลงอย่างไร - เป็นการดีถ้าพวกเขาเขียนสองสามบรรทัด

– มันยากมากที่จะเขียนเกี่ยวกับนักร้อง พวกเขาจะเขียน - เธอร้องเพลงเก่ง แต่รายละเอียดบางอย่างจับยากมาก

– แน่นอนฉันล้อเล่น แต่เทรนด์นี้มีอยู่ ฉันร้องไปกี่ผลงานแล้ว แต่บทความสำคัญๆ ที่ตัวแทนของฉันส่งมาให้ฉันก็มีรูปแบบเดียวกัน ฉันบอกไปแล้วว่าอะไร นี่คือทั้งหมด

– ลาแทม-โคนิก แสดงทั้ง “The Passion” และ “King Roger” ได้เป็นอย่างดี แล้วฉันก็ได้ยินเขาเป็นครั้งแรกในคอนเสิร์ตซิมโฟนี เขาร่วมแสดงคอนเสิร์ตสองรายการ: ไวโอลินคอนแชร์โตของ Elgar กับ Nikita Borisoglebsky และเปียโนคอนแชร์โต้ครั้งที่สองของ Tchaikovsky กับ Lukas Geniušas กับ New Opera Orchestra ใน St. ไชคอฟสกี้.

– คอนแชร์โต้ครั้งที่สองของไชคอฟสกีมีความสวยงามมาก ฉันชอบส่วนที่สองเป็นพิเศษซึ่งมีทั้งสามคนอยู่

– วงออเคสตราอยู่ในสภาพดีเยี่ยมเช่นนี้!

– เมื่อวาทยากรมีอำนาจทางดนตรีอย่างจริงจัง พวกเขาจะเล่นแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ฉันเคยเห็นสิ่งนี้หลายครั้ง ฉันไม่ต้องการรุกรานใคร ไม่ว่าในสถานการณ์ใดก็ตาม แต่สิ่งสำคัญมากคือใครอยู่หลังแผงควบคุม คุณสามารถได้ยินมันได้ตลอดเวลา

- ตอนนี้คุณอายุเท่าไหร่?

- 34 ปี.

– แน่นอนว่ามันยังเร็วอยู่ แต่คุณไม่คิดเหรอว่าจะต้องไปสอน?

– Dmitry Yuryevich ถามฉันด้วยว่าฉันอยากสอนไหม ฉันตอบว่าไม่ เมื่อฉันดูว่าเขาใช้ความพยายามและความพยายามมากแค่ไหนฉันก็บอกว่าฉันเป็นคนเห็นแก่ตัวมากในเรื่องนี้ ฉันล้อเล่นแน่นอน แน่นอนว่าตอนนี้ฉันไม่ได้คิดถึงเรื่องนี้แล้ว

- เปล่าประโยชน์และนี่คือเหตุผล ความจริงก็คือการสอนตัวเองบังคับให้ครูสอนการแสดงต้องกำหนดงานด้วยวาจา

- เพื่อทำความเข้าใจกับตัวเอง

– คุณทำอะไรบางอย่างโดยสัญชาตญาณ แต่สำหรับนักเรียน คุณต้องกำหนดมันด้วยคำพูด เหมาะสำหรับนักดนตรี วาทยากร และนักร้อง

– อันที่จริง ตอนนี้ฉันอาศัยอยู่ในระบอบการปกครองที่ไม่มีเวลาเพียงพอสำหรับสิ่งนี้ แม้แต่กับนักเรียนคนเดียวก็ตาม ยิ่งกว่านั้นตอนนี้ฉันคิดว่าตัวเองไม่ได้เตรียมตัวด้านจิตใจ ถ้าฉันรู้สึกว่าฉันเป็นผู้ใหญ่และมีเวลา... แม้ว่าฉันจะไม่แน่ใจว่าจะมีเวลาว่างมากขึ้นก็ตาม

– ตอนนี้เกี่ยวกับดนตรีสมัยใหม่ ใครคือขีด จำกัด สูงสุดของนักแต่งเพลงยุคใหม่สำหรับคุณ - Schnittke หรือ Denisov - หรือในทางกลับกัน Schoenberg? ความสัมพันธ์ของคุณกับแชมเบอร์มิวสิคคืออะไร?

– ในส่วนของดนตรีสมัยใหม่ ผมชอบมันมาก แต่ในด้านเสียงร้องผมร้องน้อยมาก ฉันมีประสบการณ์ครั้งหนึ่ง นี่เป็นโปรเจ็กต์จากโรงละครบอลชอย เมื่อเราร้องเพลงโอเปร่าเรื่อง The Cherry Orchard โดย Philippe Fenelon นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส มันเป็นประสบการณ์ที่ยอดเยี่ยมและน่าสนใจมาก ด้วยเหตุนี้ ทีมงานของเราทั้งหมดจึงได้ไปที่ Paris Opera ทุกคนจึงเปิดตัวที่นั่น ในส่วนของดนตรีก็น่าสนใจแม้จะยากเพราะเขียนด้วยรูปแบบที่ทันสมัยมาก

สำหรับดนตรีสมัยใหม่ ฉันไม่รู้ทุกสิ่งที่เกิดขึ้นหลังจาก Schnittke เป็นอย่างดี ฉันไม่ได้ทำสิ่งนี้และฉันไม่สามารถพูดได้ว่าตอนนี้ฉันมีความปรารถนาหรือสนใจสิ่งนี้เพราะตอนนี้ฉันอาศัยอยู่ในละครที่แตกต่างออกไป

– คุณรู้สึกอย่างไรเกี่ยวกับ Schnittka?

– ฉันรัก Schnittke ฉันรักเขามาก แม้ว่าไม่ใช่ทุกสิ่งที่ทำให้ฉันประทับใจก็ตาม ฉันฟัง Concerto Grosso ครั้งที่สองในคอนเสิร์ตที่ดำเนินการโดย Natalia Grigorievna Gutman มันยอดเยี่ยมมาก ฉันเล่นเชลโลโซนาต้าของเขาเอง - มันเป็นเพลงที่น่าทึ่ง เพลงของเขาสำหรับภาพยนตร์เรื่อง "Dead Souls" ของชไวเซอร์นั้นยอดเยี่ยมมาก มีบางสิ่งที่ใกล้ตัวฉันมากเพราะฉันได้สัมผัสมันด้วยตัวเอง

เป็นเรื่องยากสำหรับฉันที่จะบอกว่าเพลงกำลังดาวน์โหลดบน Shostakovich สำหรับฉันเพราะฉันไม่ค่อยรู้อะไรมาก แน่นอนว่าโชสตาโควิชสำหรับฉันคือดนตรีแห่งเอเวอเรสต์แห่งศตวรรษที่ยี่สิบ นี่คือสิ่งที่ฉันฝันถึงตอนที่ฉันกำลังควบคุมวง น่าเสียดายที่โชสตาโควิชไม่สามารถทำอะไรได้เลย

ส่วนแชมเบอร์มิวสิคผมชอบมันมาก ไม่สามารถทำได้เสมอไป เนื่องจากตารางการแสดงโอเปร่าแน่น แต่ต้องทำอย่างนี้เพราะถ้าร้องแต่แวร์ดีตลอดเวลาเสียงจะขาดความยืดหยุ่นไปนิดหน่อย

– ในห้องดนตรีควรมีการผลิตเสียงที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

– การผลิตเสียงอาจเหมือนกัน คุณเพียงแค่ต้องมองหาสีที่ต่างกัน ดนตรีแชมเบอร์ต้องการความท้าทายที่แตกต่างกันเล็กน้อย มันไม่ได้เหมือนโปสเตอร์ทั้งหมด

– เสียงควรมีขนาดกะทัดรัดมากขึ้น

– ฉันกำลังพูดถึงคำว่า “การผลิตเสียง” เพราะคุณมีเสียงเดียวที่เปล่งออกมา - ไม่ว่าคุณจะมีเสียงอะไรก็ตาม คุณก็จะร้องเพลงแบบนั้น คุณสามารถลบสิ่งเล็กน้อยที่ไหนสักแห่ง เพิ่มบางอย่างที่ไหนสักแห่ง แล้วฉันก็มีไอเดีย ไอเดีย บางอย่างที่อยากจะนำไปปฏิบัติ

- อะไรกันแน่?

– ฉันได้นำแนวคิดหนึ่งไปใช้แล้ว มีไอเดียที่จะรวมดนตรีฝรั่งเศสและ Tosti ไว้ในคอนเสิร์ตเดียว โดยทั่วไปแล้ว สักวันหนึ่งฉันมีความฝันอันสิ้นหวังที่จะร้องเพลง Poulenc และเมื่อเร็ว ๆ นี้ Semyon Borisovich Skigin และฉันร้องเพลง "Farewell to Petersburg" ของ Glinka ใน House of Music ใน Chamber Hall

– น่าเสียดายที่ฉันไม่สามารถอยู่ที่นั่นได้

– และยังเป็นวงจรที่น่าทึ่งของความรักแบบฝรั่งเศสของ Tchaikovsky ซึ่งได้กลายเป็นหนึ่งในวงจรที่ฉันชื่นชอบจริงๆ ฉันร้องเพลงมันตลอดเวลา บุคคลที่มีความสามารถมากคนหนึ่งในวงออเคสตราของ Spivakov ได้ทำการเรียบเรียงที่ยอดเยี่ยมและเราร้องเพลงนี้ด้วย "Moscow Virtuosi" - ตอนนี้พวกเขากำลังฉลองวันครบรอบปีของพวกเขา ฉันอยากจะร้องเพลงวงจรนี้ต่อไป

ฉันมีความปรารถนาที่จะสร้างส่วนหนึ่งของความรักของไชคอฟสกี ฉันไม่ได้ร้องเพลงรักของเขาเป็นจำนวนมาก เขาร้องเพลงทีละคน ครั้งละสองคน ครั้งละสามคน และไม่เพื่อแยกทางหรือร้องเพลงบทประพันธ์บางประเภท ฉันมีความคิดนี้

– ฉันกำลังสั่งให้คุณ “เพื่อชายฝั่งแห่งปิตุภูมิอันห่างไกล” โดย Borodin ในความคิดของฉัน นี่คือโรแมนติกรัสเซียที่ดีที่สุด Robert Hall แสดงได้อย่างน่าทึ่งจริงๆ ฉันฟังเขาเมื่อหลายปีก่อนใน Great Hall of the Conservatory ซึ่งเขาร้องเพลงรายการโรแมนติกของรัสเซีย เขาร้องเพลงได้ดีมากจนฉันเขียนไว้ในรีวิว: “ขอบคุณ Hall สำหรับบทเรียนภาษารัสเซีย!” ไม่มีคนของเราร้องเพลงภาษารัสเซียเหมือนฮอลล์ร้องเพลง เมื่อเขาร้องเพลง "For the Shores of the Distant Fatherland" ฉันก็น้ำตาไหล

– ใช่ ฉันก็ได้รับการเปิดเผยที่คล้ายกันเช่นกันเมื่อฉันฟัง Mirella Freni และ Atlantov ร้องเพลง “The Queen of Spades” มีการบันทึกการแสดงจากเวียนนาโอเปร่า ใช่ เธอร้องเพลงด้วยสำเนียงเล็กน้อย แต่ประเด็นไม่ได้อยู่ที่สำเนียง แต่อยู่ที่วิธีที่คำนั้นอยู่กับเธอ เธอเข้าใจความเชื่อมโยงระหว่างถ้อยคำและดนตรี ซึ่งเป็นเรื่องยากมากที่จะบรรลุผลสำเร็จในดนตรีของไชคอฟสกี ความสัมพันธ์ระหว่างคำ เลกาโต และแนวดนตรี นี่เป็นเรื่องยากอย่างไม่น่าเชื่อ เพราะบางครั้ง Tchaikovsky ดูเหมือนจะไม่มีอะไรจะร้องเพลงด้วยเหตุผลบางอย่าง สองสามโน้ต แต่มันเป็นไปไม่ได้ที่จะร้องเพลง สิ่งเหล่านี้คือความยากลำบากเหนือธรรมชาติบางประการ

– คุณรู้จักการแสดงของ Robert Hall ดีแค่ไหน?

– ฉันไม่รู้จริงๆ เราจำเป็นต้องฟัง น่าจะเป็นในยูทูป

– เขาเรียนภาษารัสเซียเป็นพิเศษ และมันก็เยี่ยมมาก ล่าสุดเขาเพิ่งมีคอนเสิร์ตที่ Chamber Hall of the House of Music เขาร้องเพลงหลังการผ่าตัด เขาเป็นมะเร็งลำคอ และแน่นอนว่ามีการสูญเสียเสียงร้องเพียงเล็กน้อยเท่านั้น แต่โดยรวมแล้ว ดนตรีก็เยี่ยมมาก เขาร้องเพลงร่วมกับ Skigin

– ฉันต้องบอกคุณว่า Skigin เป็นนักดนตรีที่น่าทึ่ง! ฉันโชคดีมาก อย่างแรกเลยที่ได้ร้องเพลงกับเขา และอย่างที่สองคือได้สื่อสารกัน และแน่นอนว่า Youth Opera Program โชคดีมากที่ได้มาพบพวกเขา นอกจากนี้เขายังสร้างวงจรความรักทั้งหมดของไชคอฟสกีที่นี่ด้วย และแน่นอนว่าการที่พวกเขาสื่อสารกับนักดนตรีแบบนี้นั้นยอดเยี่ยมมาก!

ใช่ ฉันจำได้ว่าเราคุยกันเรื่อง Schnittke ฉันมีบทความของเขามากมาย - มีสิ่งที่น่าสนใจมากมายเช่นเกี่ยวกับ Prokofiev ฉันคิดว่าเขาเป็นอัจฉริยะ - เขารู้วิธีกำหนดสิ่งต่าง ๆ ให้กระชับ

– ฉันจำคำพูดของเขาเกี่ยวกับบาคมาโดยตลอด: “บาคเป็นศูนย์กลางของดนตรี ทุกอย่างตกเป็นของเขา และทุกสิ่งก็ออกมาจากเขา” และฉันก็รู้สึกทึ่งกับความสุภาพเรียบร้อยของเขาด้วย ฉันพบเขาหลังคอนเสิร์ตวิโอลา มันเป็นคอนเสิร์ตที่ยอดเยี่ยมมาก ฉันชื่นชมคอนเสิร์ตนี้และ Schnittke ถามว่า:“ Volodya คุณไม่คิดว่าคอนเสิร์ตครั้งนี้ไม่ดีเท่ากับ Yura Bashmet หรือเปล่า”

- เขาพูดถูกในแบบของเขาเอง

“ ฉันตอบว่า:“ ฉันรัก Yura Bashmet มาก แต่คอนเสิร์ตของคุณมีค่าในตัวเองโดยไม่คำนึงถึงนักแสดง”

– เขายังคงเป็นนักแสดงคนแรก และนักแสดงคนแรกก็ถอดเปลือกออก นอกจากนี้เขายังมีสิทธิ์ในการประพันธ์ร่วมด้วย (หากไม่ใช่การประพันธ์)

– แต่คุณเห็นไหมว่าการพูดแบบนี้หมายความว่าคุณต้องมีความภูมิใจในตนเองที่ถูกต้อง ฉันชอบซิมโฟนีที่แปดของเขามากด้วย Schnittke พูดถึงเธอว่า “ฉันได้รับอนุญาตให้มองเข้าไปในสถานที่ที่มีคนไม่กี่คนที่ได้รับอนุญาตให้มองดู”

– เขากำลังพูดถึงการเสียชีวิตทางคลินิกหรือไม่?

- มองข้ามขอบ.

– คุณเห็นด้วยหรือไม่ว่าซิมโฟนีสุดท้ายของนักแต่งเพลง: Mahler's Ninth, Shostakovich's Fifteenth, Parsifal ก็เป็นโอเปร่าครั้งสุดท้ายเช่นกัน - ดูเหมือนว่าบุคคลนั้นอยู่ที่นั่นแล้วและนี่คือข้อความจากที่นั่น

- Eighth Symphony ของ Schnittke คล้ายกับเพลงที่สิบห้าของ Shostakovich ต่อหน้าเธอ สิ่งที่ฉันชอบที่สุดคือลำดับที่สิบ แต่เมื่อครั้งที่สิบห้าปรากฏขึ้น มันก็กลายเป็นรายการโปรดของฉัน ทุกอย่างเรียบง่าย โปร่งใสมาก...

– ฉันรักสิบห้ามาก. ฉันยังเขียนบทความจากเรื่องนี้ที่เรือนกระจกด้วยซ้ำ ฉันรู้ทุกโน้ตจริงๆ นี่ไม่เพียงแต่เป็นผลงานชิ้นเอกของการเรียบเรียงเท่านั้น แต่ยังเป็นความคิดที่ลึกซึ้งอีกด้วย ทุกอย่างเรียบง่ายมากที่นั่น...

– นอกจากนี้ยังมีทุกสิ่งที่มองเห็นได้เกินขอบเขต

– ใช่ เหมือนสี่วงสุดท้าย

– คุณมีความคิดที่จะทำงานกับ Schubert หรือไม่?

ฉันคิดว่าคุณจะถามเกี่ยวกับเรื่องนี้ คุณรู้ไหม ฉันยังกลัวนิดหน่อยที่จะสัมผัสสิ่งนี้ ฉันพยายามร้องเพลงชูเบิร์ตเล็กน้อย จริงๆ แล้วในคอนเสิร์ตฉันร้องเพลงแค่ "The Forest King" เท่านั้น นี่เป็นความท้าทายที่ยิ่งใหญ่สำหรับนักเปียโนมากกว่านักร้อง มีอะไรให้เล่นมากมาย ที่จริงแล้วฉันหาข้ออ้างให้ตัวเองว่าฉันไม่มีเวลา ปริมาณงานในโอเปร่าเพียงอย่างเดียวนั้นใหญ่โตจริงๆ บางทีถ้าฉันมีเวลาฉันก็จะดึงตัวเองขึ้นมาสักหน่อย แต่คุณคงเห็นแล้วว่า เพื่อที่จะดื่มด่ำไปกับดนตรีนี้ คุณจะต้องเป็นอิสระจากทุกสิ่งทุกอย่างโดยสิ้นเชิง

– คุณต้องมีนักเปียโน ไม่ใช่นักเล่นดนตรีประกอบ ไม่ใช่แม้แต่คนที่เก่งที่สุด แต่เป็นนักเปียโน หากคุณตัดสินใจร่วมงานกับชูเบิร์ต หากคุณจำการมีอยู่ของฉันได้ ฉันสามารถแนะนำนักเปียโนวัยเดียวกับคุณหลายคนได้

– ฉันมีความคิดบางอย่างด้วยตัวเอง

– คุณสามารถเริ่มต้นด้วย “ภรรยาของมิลเลอร์คนสวย”

– แต่อย่างน้อยก็ไม่ใช่จาก Winterreise!

– ต้องคำนึงถึง “Winter Reise” การร้องเพลงเป็นหน้าที่ของบาริโทนทุกคนที่เคารพตนเอง

- เอาล่ะมาดูกัน ในตอนนี้ ในบรรดาโครงการในอนาคตอันใกล้นี้ ไชคอฟสกียังคงเป็นสิ่งสำคัญอันดับแรกของฉัน ฉันอยากจะร้องเพลงมันจริงๆ ชูเบิร์ตสำหรับฉันในปัจจุบันไม่มีความสำคัญเท่ากับไชคอฟสกี คุณต้องเติบโตขึ้นมาเพื่อชูเบิร์ต ฉันรู้สึกว่าฉันยังไม่โต (ฉันไม่ได้เจ้าชู้นะ พูดแบบนั้นแหละ)

– ฉันไม่ได้แนะนำให้คุณร้องเพลง “Winter Reise” ตอนนี้ด้วยซ้ำ

– แม้ว่าฉันจะคิดเกี่ยวกับมันตลอดเวลาก็ตาม

- แต่ "มิลเลอร์" - คุณทำได้ค่อนข้างมาก คุณรู้ไหมว่าอะไรในความคิดของฉันคือการบันทึกที่ดีที่สุดของ "The Miller"? เทเนอร์ เกออร์กี วิโนกราดอฟ ในภาษารัสเซีย คุณไม่ได้ยินเหรอ?

– ฉันไม่เคยได้ยินคำว่า Melnichikha ในภาษารัสเซียเลย

– บันทึกเสียงร่วมกับนักเปียโน Orentlicher บันทึกที่น่าทึ่ง มีความงดงามในการทำความเข้าใจข้อความในตัวเอง

– เป็นการยากที่จะให้ใครก็ตามอยู่ข้างๆ Fischer-Dieskau... แต่ Thomas Hampson ทำให้ฉันตกใจมาก - ในปี 1997 เขาได้บันทึกเสียงโดยที่ Zawallisch เล่นเปียโน เขาร้องเพลงได้อย่างน่าทึ่งที่นั่น ฉันไม่รู้ว่าเกิดอะไรขึ้นกับเขาในภายหลัง - ตอนนี้เขาร้องเพลงแตกต่างออกไปเล็กน้อย แต่แล้วมันก็เป็นนิยายวิทยาศาสตร์

– คุณเคยลองร้องเพลง Mahler หรือไม่?

– ฉันพยายามแล้ว แต่จนถึงตอนนี้ฉันไม่มีโอกาสได้ร้องเพลงนี้บนเวทีเลย แม้ว่าแน่นอนว่าฉันยังอยากทำ “บทเพลงของผู้ฝึกหัดพเนจร” มีแนวคิดมากมาย แต่คำถามทั้งหมดคือจะสร้างโปรแกรมได้อย่างไร

สมมติว่าตอนนี้เรามีไอเดียสำหรับคอนเสิร์ตนี้แล้ว และฉันมาหา Dmitry Aleksandrovich Sibirtsev แล้วพูดว่า: "ฉันอยากร้องเพลง Poulenc" จากนั้นเราก็เริ่มคิดว่าจะแนบไปกับอะไร ราเวลก็ปรากฏตัวขึ้น จริงๆ แล้ว Tosti นั้นเป็นความฝันของฉันมายาวนาน นั่นคือการได้ร้องเพลงของ Tosti อย่างน้อยสักท่อน ดังนั้นทุกอย่างจึงเกิดขึ้นที่นี่ หากเราทำสิ่งที่คล้ายกันได้ โดยที่เราสามารถร้องเพลง Mahler ได้ แน่นอนว่าเราจะร้องเพลง...

– ขอบคุณมากที่สละเวลาสัมภาษณ์มากกว่าสองชั่วโมงตามภาระงานของคุณ

- ขอบคุณมาก!

สัมภาษณ์โดย วลาดิมีร์ ออยวิน . ขอขอบคุณสำหรับความช่วยเหลือในการถอดความบทสัมภาษณ์นี้กับ Anatoly Lvovich

โกโลวาเทนโก, อิกอร์ อเล็กซานโดรวิช(เกิด 17 พฤศจิกายน 2523) - นักร้องโอเปร่าชาวรัสเซีย (บาริโทน) ศิลปินเดี่ยวชั้นนำของโรงละครบอลชอย (ตั้งแต่ปี 2014) และโรงละครโอเปร่ามอสโกโนวายา (ตั้งแต่ปี 2550)

ชีวประวัติ

Igor Golovatenko เกิดที่เมือง Saratov ในครอบครัวนักดนตรี

เขาสำเร็จการศึกษาจาก Central Music School of Saratov ในสามสาขาพิเศษ: เปียโน (คลาสของ Elvira Vasilyevna Chernykh/Tatiana Fedorovna Ershova), เชลโล (คลาสของ Nadezhda Nikolaevna Skvortsova) และการแต่งเพลง (คลาสของ Vladimir Stanislavovich Michelet)

ในปี 1997 เขาเข้าเรียนที่ Saratov State Conservatory L.V. Sobinov ในชั้นเรียนเชลโลของศาสตราจารย์ Lev Vladimirovich Ivanov (Gokhman) ซึ่งเขาศึกษาจนถึงปี 2000 เขาแสดงเป็นศิลปินเดี่ยวร่วมกับวงออเคสตราของ Saratov Philharmonic และ Saratov Conservatory แสดงเชลโลคอนแชร์โตโดย L. Boquerrini, C. Saint-Saëns, A. Dvorak และ "Variations on a Rococo Theme" โดย P. I. Tchaikovsky ด้วยวง Young Russia Orchestra ดำเนินการโดย M. Gorenshtein เขาเล่นคอนแชร์โต้สำหรับเชลโลและออร์เคสตราครั้งแรกของโชสตาโควิช (2544, Saratov, Saratov Philharmonic Hall)

ในปี 1999 เขาเริ่มดูแลวงซิมโฟนีออร์เคสตราของ Saratov Conservatory ซึ่งเขาร่วมงานมาจนถึงปี 2003 นอกจากนี้เขายังแสดงร่วมกับ Saratov Regional Philharmonic Symphony Orchestra ในฐานะวาทยกรรับเชิญ เป็นครั้งแรกที่เขาแสดงผลงานของนักแต่งเพลง Saratov Elena Vladimirovna Gokhman (2478-2553) "Ave Maria" (2544) และ "Twilight" (2545) สำหรับศิลปินเดี่ยวนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา ในบรรดาผลงานไพเราะที่แสดงในช่วงเวลานี้: "Don Giovanni" โดย Richard Strauss, "Francesca da Rimini" โดย Tchaikovsky, การทาบทาม "Roman Carnival" โดย Berlioz, "Bolero" โดย Ravel เป็นต้น

ในปี 2000 เขาเข้าเรียนที่ Moscow State Conservatory ซึ่งตั้งชื่อตาม P. I. Tchaikovsky ในภาควิชาโอเปร่าและการแสดงซิมโฟนีในชั้นเรียนของศาสตราจารย์ Vasily Serafimovich Sinaisky สำเร็จการศึกษาด้วยเกียรตินิยมในปี 2548 ในชั้นเรียนศิลปินประชาชนแห่งสหภาพโซเวียตศาสตราจารย์ Gennady Nikolaevich Rozhdestvensky ขณะศึกษาอยู่ที่ Moscow Conservatory เขาได้แสดง "Concerto for Woodwinds, Harp and Orchestra" ของ P. Hindemith เป็นครั้งแรกในรัสเซีย (2002, Small Hall of the Moscow Conservatory)

ในปี 2549 เขาเข้าฝึกงานที่ Academy of Choral Arts ในชั้นเรียนร้องเพลงเดี่ยวของศาสตราจารย์ Dmitry Yuryevich Vdovin (ปัจจุบันเป็นหัวหน้าโครงการเยาวชนโรงละคร Bolshoi) ซึ่งเขายังคงพัฒนาต่อไป

ในเดือนเมษายน พ.ศ. 2549 เขาได้เปิดตัวด้วยเสียงบนเวที Svetlanov Hall ของ Moscow International House of Music แสดงบทบาทบาริโทนใน "Mass of Life" โดยนักแต่งเพลงชาวอังกฤษ Frederick Delius (ข้อความเป็นภาษาเยอรมันจากงาน "Thus Spake Zarathustra" โดย F. Nietzsche) กับ National Philharmonic Orchestra ของรัสเซียภายใต้การดูแลของ Vladimir Spivakov และคณะนักร้องประสานเสียงของ Academy of Choral Art ภายใต้การดูแลของ V.S. Popova การแสดงครั้งแรกในรัสเซีย

ตั้งแต่ปี 2550 เขาเป็นศิลปินเดี่ยวที่ Moscow Novaya Opera Theatre เขาเปิดตัวละครเวทีครั้งแรกในบทบาทของ Marullo (Rigoletto โดย G. Verdi) และ Orator (The Magic Flute โดย Mozart)

ในเดือนตุลาคม 2010 นักร้องเปิดตัวครั้งแรกในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเกิดขึ้นใน Great Hall of the St. Petersburg Philharmonic มีการแสดงชิ้นส่วนของ "Mass of Life" (จำนวนนักร้องประสานเสียงและบางส่วนที่มีบาริโทนเป็นนักร้องเดี่ยว) พร้อมด้วยวง Academic Symphony Orchestra ที่ดำเนินการโดย Alexander Titov

ตั้งแต่ปี 2010 เขาเป็นศิลปินเดี่ยวรับเชิญที่ Bolshoi Theatre of Russia ซึ่งเขาได้เปิดตัวในบทบาทของ Falk (Die Fledermaus โดย J. Strauss, วาทยกร Christoph-Mathias Müller, ผู้กำกับ Vasily Barkhatov)

การแสดงครั้งแรกของนักร้องบนเวทีประวัติศาสตร์ของโรงละครบอลชอยเกิดขึ้นในบทบาทของ Georges Germont (La Traviata โดย G. Verdi ผู้ควบคุมวง Laurent Campellone ผู้กำกับ Francesca Zambello) ในปี 2012

ตั้งแต่เดือนกันยายน 2014 - ศิลปินเดี่ยวของโรงละครบอลชอย

การท่องเที่ยว

ปี	โรงละคร/เมือง	งาน	ของฝาก
2011		“Sicilian Vespers” (ผู้กำกับ Nicola Joel, วาทยกร Gianluigi Gelmetti)	กาย เดอ มงต์ฟอร์ (เปิดตัว)
2011	เกิตทิงเกน	La Traviata (การแสดงคอนเสิร์ต วาทยกร คริสตอฟ-มาเธียส มุลเลอร์)	จอร์จ เจอร์มอนต์
2012	โอเปร่า การ์นีเยร์ (ปารีส)	“The Cherry Orchard” โดย F. Fenelon (ผู้กำกับ Georges Lavaudan, วาทยกร Tito Ceccherini)	โลภาคิน
2012		“Eugene Onegin” (ผู้กำกับ A. Žagars, วาทยากร M. Pitrėnas)	โอเนจิน
2012	เตอาโตร มัสซิโม (ปาแลร์โม)	“บอริส โกดูนอฟ” (ผู้กำกับ อูโก เด อานา, บอริส เฟอร์รุชโช เฟอร์ลาเนตโต)	ชเชลคาลอฟ, รังโกนี
2012-2013	การผลิตร่วมกันของโรงละคร Rovigo, Savona, Bergamo	"งานเต้นรำสวมหน้ากาก"	เรนาโต
2013	โรงละคร Giuseppe Verdi (ตริเอสเต)	"Corsair" (ผู้กำกับและผู้ควบคุมวง Gianluigi Gelmetti)	ปาชา ซีด (เปิดตัว)
2013	โอเปร่าแห่งชาติของกรีซ	"สายัณห์ซิซิลี"	กาย เดอ มงต์ฟอร์
2013	โรงละครซาโวนา	"ริโกเลตโต" (กำกับโดย โรลันโด ปาเนราย)	ริโกเล็ตโต (เปิดตัว)
2013	โรงละครโอเปร่าแห่งรัฐบาวาเรีย (มิวนิก)	"Boris Godunov" (ฉบับพิมพ์ครั้งแรกของโอเปร่า, วาทยกร Kent Nagano)	เชลคาลอฟ
2013	เทศกาลโอเปร่าเว็กซ์ฟอร์ดครั้งที่ 62 (เปิดตัว)	“คริสตินา ราชินีแห่งสวีเดน” โดย เจ. โฟโรนี	คาร์ล กุสตาฟ (เปิดตัว)
2014	โรงละครโอเปร่าซานคาร์โล (เนเปิลส์)	“ยูจีน โอเนจิน”	โอเนจิน
2014	โรงอุปรากรแห่งชาติลัตเวีย (ริกา)	“Troubadour” (ผู้กำกับ A. Žagars, วาทยกร A. Vilumanis และ J. Liepins)	เคานต์ดิลูน่า
2014	เทศกาลโอเปร่าเว็กซ์ฟอร์ด ครั้งที่ 63	“ซาโลเม” โดย A. Marriott	โยคานอัน (เปิดตัว)
2014	โคลอน (โรงละคร) (บัวโนสไอเรส)	“Madama Butterfly” (ผู้กำกับ Hugo de Ana, วาทยกร Ira Levin)	ชาร์ปส์ (เปิดตัว)
2014	บาร์บิกัน ฮอลล์	“ Cantata Spring” โดย S.V. Rachmaninov	ส่วนบาริโทน
2015	เทศกาลโอเปร่า Glyndebourne (เปิดตัว)	"โพลียูกต์" โดย Gaetano Donizetti	เซเวโร (เปิดตัว)
2015	โคโลญโอเปร่า (โคโลญ, เยอรมนี), (เปิดตัวครั้งแรก)	"โบฮีเมีย"	มาร์เซย์
2016	Opera House of Lille (ฝรั่งเศส) (เปิดตัวครั้งแรก)	“ทรูบาดอร์”	เคานต์ดิลูน่า
2016	Grand thtre de Luxembourg (ลักเซมเบิร์ก) (เปิดตัวครั้งแรก)	“ทรูบาดอร์”	เคานต์ดิลูน่า
2016	โรงละครโอเปร่าแห่งรัฐบาวาเรีย	“ทรูบาดอร์”	เคานต์ดิลูน่า
2016	โรงละครโอเปร่าแห่งก็อง (ฝรั่งเศส) (เปิดตัวครั้งแรก)	“ทรูบาดอร์”	เคานต์ดิลูน่า
2016	โรงละครเทศบาลซานติอาโก (เปิดตัว)	“ลาทราเวียตา”	จอร์จ เจอร์มอนต์
2017	เทศกาลโอเปร่านานาชาติ XXXV ตั้งชื่อตาม F. I. Chaliapin ในคาซาน (เปิดตัว)	“ยูจีน โอเนจิน”	โอเนจิน

Igor Golovatenko เป็นนักร้องโอเปร่า (บาริโทน) ศิลปินเดี่ยวของโรงละครบอลชอย (ตั้งแต่ปี 2014) และโรงละครโอเปร่าโนวายา (ตั้งแต่ปี 2550) เขาสำเร็จการศึกษาจาก Moscow Conservatory ชั้นเรียนของศาสตราจารย์ G. N. Rozhdestvensky (การแสดงโอเปร่าและซิมโฟนี) และ Academy of Choral Art ชั้นเรียนของศาสตราจารย์ D. Yu. Vdovin (ร้องเพลงเดี่ยว) ละครของนักร้องรวมถึงบทบาทในโอเปร่าของ Verdi, Puccini, Donizetti, Tchaikovsky และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ รวมถึงแชมเบอร์มิวสิค ร่วมมือกับโรงอุปรากรต่างประเทศชั้นนำหลายแห่ง

MS: ฉันขอแสดงความยินดีกับคุณที่ประสบความสำเร็จในการฉายรอบปฐมทัศน์ของ Don Pasquale ประสิทธิภาพอินทรีย์

ไอจี: ขอบคุณ. ฉันคิดว่ามันสนุกดี นี่เป็นงานที่ผิดปกติมากในหลาย ๆ ด้าน ประการแรกในแง่ของละคร เพราะก่อนหน้านั้นฉันได้ร้องเพลงโอเปร่า "Il Trovatore" เก้าครั้งในลีล สามการแสดงในลักเซมเบิร์กและสามการแสดงในมิวนิก และมีการแสดงหนึ่งครั้งในลีลและลักเซมเบิร์ก และอีกการแสดงในมิวนิก แต่มีการแสดงติดต่อกันและฉันทำงานในโอเปร่านี้เป็นเวลาหกเดือนนั่นคือตั้งแต่เดือนพฤศจิกายนถึงมีนาคม - ห้าเดือน! – ร้องเพลงท่อนของ Count di Luna ฉันแทบจะเป็นบ้า และถึงกับจับได้ว่าตัวเองที่มิวนิกระหว่างการแสดงครั้งที่สองหรือสาม ฉันเริ่มลืมข้อความนั้น คุณจินตนาการได้ไหม? ฉันรู้ว่านี่มันมากเกินไป - มีการแสดงติดต่อกันมากมาย แม้ว่ามันอาจจะดีสำหรับการร้องเพราะฉันเพิ่งชินกับท่อนนี้

MS: แต่ตอนนี้คุณจะร้องเพลงตอนกลางดึก

IG: ทั้งตอนกลางคืนและตอนกลางวัน ฉันเกลียดโอเปร่าเรื่องนี้มานานแล้ว แม้ว่าฉันจะต้องร้องอีกครั้งในเดือนมิถุนายนก็ตาม อย่างไรก็ตาม การพักผ่อนที่ดีที่สุดคือการเปลี่ยนกิจกรรม ดังนั้น “ดอน ปาสเควล” จึงกลายเป็นการพักผ่อนสำหรับฉัน เมื่อฉันมาถึงและเริ่มซ้อม ฉันก็พบว่าตัวเองหลงใหลในดนตรี โครงเรื่อง และผลงานนี้มาก อาจดูน่าแปลกใจสำหรับบางคน แต่ฉันชอบวิธีการทำงานของ Kulyabin มาก ฉันยังเขียนถึงเขาเกี่ยวกับเรื่องนี้ด้วยตัวเองและบอกว่าขอบคุณมากสำหรับงานของเขา เพราะหลังจากเรื่องอื้อฉาวในโนโวซีบีสค์ เราทุกคนคง...

MS: เราเครียดมาก.

IG: ฉันไม่สามารถรับรองคนอื่นได้ แต่อย่างน้อยในตอนแรกฉันก็ไปซ้อมด้วยความไม่ไว้วางใจหรือวิตกกังวล นี่ไม่ได้หมายความว่าในตอนแรกฉันไม่ไว้ใจผู้กำกับเลย แต่ยังคงมีความรู้สึกจิตใต้สำนึกอยู่บ้าง แต่หลังจากการซ้อมไม่กี่วัน ฉันก็รู้ว่าฉันถูกดึงดูดเข้าสู่กระบวนการนี้ มันน่าสนใจสำหรับฉัน เพราะเขาพยายาม "ขุดลึก" รายละเอียดบางอย่างเกี่ยวกับความสัมพันธ์ระหว่างตัวละครในการบรรยาย เราทำงานร่วมกับครูสอนภาษาอิตาลีและถามกันตลอดเวลาว่าความหมายของวลีนี้หรือวลีนั้นคืออะไร เพราะตัวอย่างเช่น ในการท่องจำ วลีบางวลีสามารถตีความได้แตกต่างกันขึ้นอยู่กับว่าพวกเขาถูกจ่าหน้าถึงใคร - Don Pasquale, Norina และอื่นๆ บน. เราทำงานกันอย่างกระตือรือร้นจนฉันไม่ทันสังเกตว่าเวลาผ่านไปเร็วแค่ไหน ฉันไม่สามารถพูดได้ว่าท่อนของ Malatesta นั้นยากเกินไป แต่ก็มีปริมาณมาก - มีวงดนตรีมากมายและมีบทบรรยายค่อนข้างมาก และฉันขอย้ำอีกครั้ง: สำหรับฉันนี่เป็นการเปลี่ยนแปลงละครที่ดีมากซึ่งเป็นการพักผ่อนในแง่ของเสียงร้อง ฉันไม่เคยมีบทบาทใหม่ที่น่าสนใจเช่นนี้มาก่อน ยกเว้น The Barber of Seville แม้ว่ามันจะยังคงเป็นประเภทที่แตกต่างออกไป เพราะมันเล่นเดี่ยวมากกว่าและยังคงมีบทบาทนำ และแน่นอนว่าดึงดูดความสนใจได้มากขึ้น และ Malatesta แม้ว่าโดยหลักการแล้วในการแสดงของเราเขาจะเป็นศูนย์กลางของการวางอุบายทั้งหมด แต่เขาไม่ใช่บุคคลหลักในโอเปร่า เป็นเรื่องที่น่าสนใจมากที่ได้ร่วมงานกับพันธมิตร โดยมีโค้ชชาวอิตาลีที่ยอดเยี่ยมและผู้ควบคุมวงที่ยอดเยี่ยม ในความคิดของฉันการผลิตเกิดขึ้น ฉันไม่รู้บางทีมันอาจจะขัดแย้งกันในแง่หนึ่งนักวิจารณ์ที่เขียนเกี่ยวกับการแสดงนี้รู้ดีกว่า แต่สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่ามันจะค่อนข้างตลกและไม่หยาบคาย ในความคิดของฉันการผลิตประสบความสำเร็จคงจะดีถ้ามันอยู่ได้นานและเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับนักร้องรุ่นเยาว์หลายคน

MS: สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าแม้การกระทำจะถูกโอนไปยังยุคของเราก็ไม่ได้ขัดขวางเราจากการถ่ายทอดอารมณ์และความคิดของโอเปร่า แต่อย่างใด

IG: บางครั้งมันเกิดขึ้นที่การเปลี่ยนแปลงเวลาและสถานที่ดำเนินการส่งผลร้ายแรงต่อการแสดง เช่นเดียวกับในกรณีของ "Il Trovatore" ในลีล และสิ่งนี้ไม่ได้ผลในด้านการผลิตแต่อย่างใด มีหลายสิ่งที่ต้องได้รับการจัดการอย่างระมัดระวัง หากข้อความในบทมีข้อบ่งชี้ของใช้ในครัวเรือนหรือคุณลักษณะของเสื้อผ้าลักษณะที่ปรากฏของตัวละคร - ตัวอย่างเช่นควรจดจำ "หมวกเบเร่ต์ราสเบอร์รี่" ที่มีชื่อเสียงในโอเปร่าของไชคอฟสกี - เป็นที่พึงปรารถนาที่นางเอกของโอเปร่านี้ ยังคงสวมหมวกเบเร่ต์สีแดงเข้ม

MS: ผลงานของ Don Pasquale ได้รับการตอบรับที่ดี

IG: ใช่ แม้ว่าปกติฉันจะไม่อ่านหนังสือพิมพ์ก็ตาม

MS: ไม่อ่านเลยเหรอ?

ไอจี: ฉันพยายามไม่อ่าน เพื่ออะไร? โดยเฉพาะในช่วงรอบปฐมทัศน์ ลองนึกภาพ - ฉันร้องเพลง วันรุ่งขึ้นบทความก็ออกมา แล้วก็แสดงอีกครั้ง มันยังคงเป็นเรื่องที่น่าปวดหัวอยู่ ฉันพยายามอ่านทีหลัง เมื่อผ่านไปสองสัปดาห์แล้ว ฉันก็เกิดความประทับใจขึ้นเอง ท้ายที่สุดแล้ว การแสดงถือเป็นเรื่องที่ต้องสะเทือนอารมณ์มาก เพราะนักแสดงทุ่มเทอย่างเต็มที่ ครูโรงเรียนดนตรีของฉันไม่เคยดุนักเรียนของเธอหลังคอนเสิร์ต แต่พูดเสมอว่า: "ทำได้ดีมาก ทุกอย่างเรียบร้อยดี!" และไม่กี่วันต่อมา คุณกลับมาที่ชั้นเรียน และเธอก็อธิบายอย่างใจเย็นว่ามันไม่ได้ผล เรายังเป็นเหมือนเด็กในเรื่องนี้ - หากเราถูกโจมตีด้วยการวิพากษ์วิจารณ์ (แม้กระทั่งบางทีที่สร้างสรรค์) ทันทีหลังการแสดง สิ่งนี้อาจนำไปสู่ความบอบช้ำทางจิตใจได้ ฉันไม่ได้พูดเกินจริง มันอาจทำให้เกิดความบอบช้ำทางจิตใจได้มากหากคุณวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรง ฉันก็เลยดูแลตัวเองในเรื่องนี้และถ้ามีอะไรแบบนี้เกิดขึ้นฉันก็ลองอ่านดูสักพักหรือมีคนบอกฉัน สมมติว่า Dmitry Yuryevich (Vdovin) ให้ความสำคัญกับสิ่งที่พวกเขาเขียนเสมอจากนั้นก็ส่งลิงก์มาให้ฉัน

MS: คุณสนใจสิ่งที่พวกเขาเขียนไหม?

IG: มันยากที่จะบอกว่าน่าสนใจหรือไม่น่าสนใจ ฉันไม่สามารถพูดได้ว่าฉันไม่สนใจสิ่งนี้เลยฉันไม่สามารถตีตัวออกห่างแบบนั้นได้ทันทีเพราะผู้คนไปชมการแสดงและด้วยเหตุนี้ฉันก็เชื่อมโยงกับพวกเขาใช่ไหม? พวกเขาดูที่ผลลัพธ์ไม่เพียงแต่งานของฉันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานของทั้งทีมด้วย แน่นอน ฉันสนใจว่าพวกเขาคิดอย่างไรเกี่ยวกับเรื่องนี้ แต่ผมอาจจะไม่เห็นด้วยกับบางเรื่อง เช่น ความคิดเห็น หรือข้อความ เป็นต้น ฉันคิดว่านี่เป็นเรื่องปกติ

แน่นอนว่าฉันไม่สามารถประเมินผลงานของตัวเองจากภายนอกได้ เพราะฉันไม่สามารถได้ยินเสียงตัวเองจากภายนอกได้ เมื่อพวกเขาบอกฉัน สมมติว่าฉันไม่มี Legato เพียงพอในบางวลี ฉันก็มักจะรับฟังความคิดเห็นดังกล่าวเสมอ และแน่นอนว่ามีคนที่น่าเชื่อถือสำหรับฉันเช่น Dmitry Yuryevich เขาพูดตรงประเด็นเสมอ และฉันพยายามคำนึงถึงความปรารถนาของเขาและแก้ไขข้อผิดพลาด

MS: สำหรับฉันดูเหมือนว่าความคิดเห็นของ Dmitry Yuryevich ยังคงเป็นความคิดเห็นจากครูและเรากำลังพูดถึงคำวิจารณ์ สำหรับคุณ การแสดงของคุณอาจประสบความสำเร็จ แต่มันคือความสำเร็จส่วนตัวของคุณ แต่สำหรับผู้ชมและนักวิจารณ์ มันเป็นอีกทางหนึ่ง

ไอจี: แน่นอน ฉันเห็นด้วย ฉันถือว่างานของตัวเองประสบความสำเร็จ ประสบความสำเร็จ แต่ก็สามารถผ่านพ้นไปได้สำหรับคนทั่วไป หรือในทางกลับกัน - ฉันมีการแสดงที่ไม่ดีเมื่อมีบางอย่างไม่ได้ผล แต่ผู้ชมมีความสุขมากและนักวิจารณ์ก็เขียนบางสิ่งที่ดีเช่นกัน มันยากที่จะพูดในที่นี้ เพราะว่าฉันมีเกณฑ์การประเมินของตัวเอง และฉันจู้จี้จุกจิกเกี่ยวกับตัวเองมาก

MS: และถ้ามีบทความเชิงลบ คุณจะโต้ตอบกับมันอย่างไร?

IG: เป็นเรื่องปกติหากความคิดเห็นนั้นสร้างสรรค์ (เช่น ข้อความไม่ชัดเจนเพียงพอ การใช้ถ้อยคำที่ไม่แสดงออก การร้องอาเรียทั้งหมดด้วยเสียงเดียวกัน ความรัดกุมของนักแสดง ความไร้การแสดงออก) กล่าวคือ สิ่งเหล่านี้ส่งผลต่อแง่มุมต่างๆ ของ ศิลปะการแสดงของเรา ในความคิดของฉัน อะไรก็ตามนอกเหนือจากนี้ ก็คือความสมัครเล่น การร้องเพลง ดนตรี การแสดงโดยทั่วไปถือเป็นเรื่องละเอียดอ่อนมากในแง่ของรสนิยมทางสุนทรีย์ ถ้าฉันอ่านบทวิจารณ์และมีข้อความเกี่ยวกับฉันหรือเพื่อนร่วมงานของฉันว่าเขาไม่ได้ร้องเพลงตามที่นักวิจารณ์ต้องการฉันก็ไม่เข้าใจสิ่งนี้ และเมื่อทุกอย่างถูกเขียนตรงประเด็น: ทิศทางไม่เป็นที่พอใจไม่ว่าจะทางนี้หรือทางนั้น ศิลปินเดี่ยวก็อยู่บนเวทีลึกเกินไปและไม่มีใครได้ยิน เป็นต้น ดังนั้น ความคิดเห็นเฉพาะเจาะจงดังกล่าวจึงมีความสำคัญสำหรับฉัน

MS: ถึงกระนั้น นักร้องก็เป็นอาชีพที่ยากลำบาก จริงๆ แล้วเป็นอาชีพอื่นๆ ที่เกี่ยวข้องกับศิลปะการแสดง

IG: นักร้องขึ้นอยู่กับเสียงของเขาและสภาพของเขาเป็นหลัก มันเกิดขึ้นอย่างที่เราทุกคนพูดเล่นกันในบางครั้ง: วันนี้คุณมาโรงละคร - ไม่มี "ขึ้น" วันถัดไปที่คุณมา - ไม่มี "ลง" วันถัดไปคุณมาร้องเพลงได้ดีและ 15 นาทีก่อนการแสดง ประสิทธิภาพ - ด้วยเหตุผลบางอย่าง "ขึ้น" หายไป . ทำไม ไม่มีใครรู้ว่า. จริงๆ แล้ว ฉันมักจะอิจฉาคนที่มีความเครียดและสุขภาพที่ดีอยู่เสมอ เพราะพวกเขาอาจไม่สนใจว่าพวกเขาจะมีอาการอย่างไร

MS: ฉันคิดว่าไม่มีคนแบบนี้ในงานศิลปะ

IG : มีทุกแบบ. อย่างไรก็ตาม สิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับนักร้องก็คือสุขภาพและความสามารถในการวิตกกังวลให้น้อยที่สุด แต่สิ่งนี้ก็มาพร้อมกับประสบการณ์ด้วย เพราะเมื่อคุณได้ร้องเพลงบางส่วนแล้ว - และไม่ใช่ในโรงละครแห่งใดแห่งหนึ่ง แต่ในคนละแห่ง คุณจะสะสมสัมภาระบางประเภทและคุณสามารถควบคุมสถานการณ์ได้ สิ่งสำคัญที่นักร้องขึ้นอยู่กับคือความเป็นอยู่ที่ดีและสภาพเสียงของเขาเองทั้งในปัจจุบันและเวลานี้ แม้ว่าคุณจะควบคุมทุกโน้ต แต่มันอาจจะจบลงอย่างเลวร้าย แต่มีบางครั้งที่จำเป็น

IG: ทั้งอุปกรณ์และองค์ประกอบทางจิตเพราะถ้านี่คือการแสดงโอเปร่าที่ซับซ้อนคุณต้องกระจายตัวเองอย่างแน่นอนเพื่อไม่ให้ "จบลง" ในการแสดงครั้งแรก ถ้าฉันร้องเพลง "Il Trovatore" ท่อนของฉันก็ถูกสร้างขึ้นในลักษณะใดแบบหนึ่ง - มี terzetto ที่ยากมากเพลงที่ยากมากจากนั้นท่อนนั้นก็ลดลงเนื่องจากความยากลำบากและฉันก็พูดประมาณว่าพักผ่อน แน่นอนว่านี่ไม่ใช่การผ่อนคลายอย่างแน่นอน แต่ฉันรู้ว่าหลังจากอาเรียฉันสามารถผ่อนคลายได้นิดหน่อย และนี่คือความยากลำบาก ตัวอย่างเช่นใน "Eugene Onegin" เฉพาะในฉากที่หกส่วนที่ยากที่สุด (เสียงร้อง) เริ่มต้นขึ้นนั่นคือคุณไม่ทำอะไรเลยจนกระทั่งเกือบท้ายสุดของโอเปร่าจากนั้น arioso ก็เริ่มต้นขึ้นโดยที่การควบคุมด้วยเสียงเป็นสิ่งจำเป็นอย่างยิ่ง ก่อนหน้านี้ เป็นเรื่องเกี่ยวกับการจัดการภาพลักษณ์ของฮีโร่มากกว่า: คุณต้องตีตัวออกห่างจากผู้อื่น ห้ามสัมผัสกับตัวละครล่วงหน้าไม่ว่าในสถานการณ์ใด และต้องอยู่ห่างจากพวกเขาให้มาก แม้ว่าจะอยู่ในฉากที่มี ทะเลาะกับ Lensky และดวลกัน ฉันว่าอย่างนั้นจนถึงจุดหนึ่งที่มีการโต้ตอบกับตัวละครผ่านการปลดประจำการ นั่นคือช่วงเวลาแห่งการควบคุมอยู่เสมอ

MS: นักร้องต้องพึ่งพาอะไรอีกในระหว่างการแสดง?

IG: จากหลายๆ สถานการณ์บนเวที ตัวอย่างเช่น เกี่ยวกับวิธีการปฏิบัติของตัวนำ เนื่องจากมีตัวนำที่มั่นคงมากที่ประพฤติในลักษณะเดียวกันในวันนี้และวันพรุ่งนี้ ฉันจะไม่บอกว่ามันเหมือนกัน แต่อย่างน้อยก็ไม่มีเรื่องน่าประหลาดใจ ฉันมีกรณีเช่นนี้ เราซ้อมฉาก ร้อง ร้อง วาทยากรคอนโทรล "ออนโฟร์" ทันใดนั้นที่การแสดงในสถานที่นี้ เขาก็เปลี่ยนมาใช้ "สอง" โดยไม่บอกใครเกี่ยวกับเรื่องนี้ และแม้แต่ฉันด้วยการศึกษาของฉันก็ยังไม่สามารถจับมันได้เพราะมันไม่ได้ถูกกำหนดโดยสิ่งใดเลย: ทั้งดนตรีและจังหวะ ทั้งวงออเคสตราไม่เข้าใจเขาและฉันก็เช่นกัน แน่นอนว่าฉันออกจากที่นั่นได้ แต่มันไม่ง่ายเลย

ครูที่ยอดเยี่ยมของฉัน Gennady Nikolaevich Rozhdestvensky พูดคุยเกี่ยวกับ Willy Ferrero ซึ่งแสดงเมื่อตอนที่เขายังเป็นเด็กมากมาย และผู้เห็นเหตุการณ์ทุกคนต่างตกตะลึงว่าเขาควบคุมสมาชิกวงออเคสตราซึ่งเป็นผู้ใหญ่เหล่านี้ได้ง่ายเพียงใด แน่นอนว่านี่เป็นกรณีพิเศษ ท้ายที่สุดแล้ว การดำเนินการเป็นเรื่องของการแผ่รังสีที่ถูกสะกดจิตบางประเภท ถ้าคนมีมันก็ไม่สำคัญว่าจะขยับมืออย่างไร ตัวอย่างเช่น มีวิดีโอของ Furtwängler ซึ่งเป็นวาทยากรที่เก่งและเก่ง แต่ถ้าฉันเล่นในวงออเคสตราของเขา ฉันคงจะไม่เข้าใจอะไรบางอย่าง อย่างไรก็ตามระหว่างเขากับวงออเคสตรามีความเข้าใจที่สมบูรณ์ เห็นได้ชัดว่านี่เป็นเวทมนตร์บางอย่าง ฉันไม่สามารถอธิบายได้

เนื่องจากฉันเกี่ยวข้องกับอาชีพนี้จึงไม่ใช่เรื่องยากสำหรับฉันที่จะเข้าใจงานของผู้ควบคุมวงดนตรีที่มีวงออเคสตรา - แต่เฉพาะในขณะที่อยู่ในหอประชุมเท่านั้น มันยากสำหรับฉันที่จะทำสิ่งนี้บนเวที เพราะฉันยุ่งอยู่กับสิ่งที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง แต่ก็มีข้อยกเว้นเช่นกัน ตัวอย่างเช่นเมื่อเราแสดง "The Maid of Orleans" กับ Sokhiev ฉันยืนอยู่ข้างๆเขาห่างออกไปสองเมตรและสัมผัสได้ถึงพลังงานอันบ้าคลั่งที่มาจากชายคนนี้ด้วยผิวหนัง: เขาใช้ความพยายามอย่างมากในการทำคะแนน! แน่นอนว่านี่เป็นสิ่งที่ดีมาก

MS: มีอะไรขึ้นอยู่กับผู้กำกับหรือเปล่า?

ไอจี: แน่นอน. ไม่ว่านักร้องจะต่อต้านอย่างไร ความเป็นอันดับหนึ่งในโอเปร่าตอนนี้ก็เป็นของผู้กำกับ และนั่นก็ไม่ใช่ว่าจะดีเสมอไป น่าเสียดาย มีผู้เชี่ยวชาญที่รู้วิธีเรียบเรียงนักร้องในวงดนตรีที่ซับซ้อนและรับฟังความคิดเห็นของผู้ควบคุมวง แต่อนิจจามันหายากมาก ตามกฎแล้ว สถานการณ์แตกต่างออกไป: ผู้กำกับพยายามอัดเพลงโอเปร่าเข้าไปในคอนเซ็ปต์ของพวกเขา เหมือนอยู่บนเตียง Procrustean นักแต่งเพลง นักร้อง และผู้ควบคุมวงต้องทนทุกข์ทรมานจากสิ่งนี้ และพวกเขาพบว่าตัวเองอยู่ในสภาพการทำงานที่น่าอึดอัดใจมาก ตัวอย่างเช่น ผู้กำกับ Troubadour (ในลีล) ตัดสินใจว่าเขาต้องการสร้าง West Side Story บนเวที และตามคำสั่งของเขา สถานที่ที่ควรจะเป็นของ "Troubadour" ซึ่งเป็นปราสาทสมัยศตวรรษที่ 15 ถูกแทนที่ด้วยสลัมและลานบ้านที่สกปรก และเวลาพลบค่ำก็ปกคลุมอยู่บนเวที ภรรยาของผมอยู่ในการแสดงและยอมรับว่าตอนที่ผมและนักร้องผิวดำ Ryan Speedo Green (ซึ่งรับบทเป็นเฟอร์นันโด) ปรากฏตัวพร้อมกันท่ามกลางแสงสลัวบนเวที มันเป็นไปไม่ได้ที่จะแยกเราจากผู้ชมออกจากกัน และเธอก็เดาได้ว่าพวกเราคนไหนสูงเพียงเพราะสปีโดสูงกว่าฉันมาก นอกจากนี้ยังมีปัญหาทางเทคนิคอื่น ๆ : ในการแสดงนี้มีเพลงบาริโทนที่ยากมากซึ่งเป็นงานที่ยากมากสำหรับผู้ควบคุมวงในแง่ของการแสดงดนตรีประกอบ (งานของวงออเคสตราคือให้นักร้องมีจังหวะที่สบายในขณะที่พยายาม ไม่ต้องเร่งรีบหรือ "แขวนคอ" กับศิลปินเดี่ยว) กล่าวอีกนัยหนึ่ง มีปัญหาวงดนตรีมากมายที่ต้องอาศัยความร่วมมืออย่างระมัดระวังระหว่างวาทยกรและนักร้อง กรรมการไม่เข้าใจเรื่องแบบนี้! ในโรงละครที่คิวจับคุณได้ ให้พูดตรงนั้น แต่ในโอเปร่า วิธีนี้ใช้ไม่ได้ผล เนื่องจากหอประชุมถูกแยกออกจากเวทีด้วยหลุมวงออเคสตรา และถ้าคุณร้องเพลงไปทางปีก ผู้ชมจะไม่ได้ยินเสียง ข้อความดนตรี ใน Troubadour เราทำงานเกือบจะไร้สาระ: ตามความคิดของผู้กำกับฉันอยู่ที่ความสูงห้าเมตรและวางจอภาพไว้ที่ระดับของกล่องที่สอง จอมอนิเตอร์นั้นเล็กมากจนมองไม่เห็นผู้ควบคุมวง ซึ่งเราควรทำงานร่วมกันด้วยฉันใด ฉันยืนตัวตรง เงยหน้ามองตรงไปข้างหน้า และเพื่อที่จะเห็นผู้ควบคุมวง ฉันจึงได้ ร้องเพลงโดยก้มหน้าลงและจ้องมองลงไป ฉันบอกผู้กำกับว่านี่เป็นไปไม่ได้ และในเวลานั้นเขายุ่งอยู่กับการแยกเพลงกับนักร้องโซปราโน นักร้องอธิบายว่าเธอร้องเพลงโดยหันหัวไปทางขวา 90 องศาไม่ได้ และนี่คือสถานการณ์จริงบนเวที

เทคนิคการแสดงเปลี่ยนแปลงและปรับปรุงอยู่ตลอดเวลา แต่ปัญหายังคงหลีกเลี่ยงไม่ได้ ในปัจจุบันนักร้องบนเวทีไม่เพียงแต่ต้องมีเสียงที่เก่งเท่านั้น แต่ยังต้องมีการเตรียมตัวทางร่างกายที่ดีด้วย ลองนึกภาพ - คุณต้องปีนบันไดสูงห้าเมตรและโดยไม่ต้องมีเวลาหายใจเริ่มร้องเพลงที่ซับซ้อนอย่างยิ่งจากมุมมองทางดนตรี ตามกฎแล้วผู้กำกับอย่าคิดถึงช่วงเวลาดังกล่าว

MS: สถานการณ์ดังกล่าวเป็นการร้องขอจากผู้ชมหรือความทะเยอทะยานของผู้กำกับ?

IG: แน่นอนว่าผู้กำกับมีความทะเยอทะยานในอาชีพของตัวเอง และเขาพยายามที่จะทำให้แผนของเขาเป็นจริง ผู้ชมมักจะยืนยันว่าผู้กำกับอยู่ในช่วงคลื่นเดียวกันกับพวกเขา - ในยุคของเรา ไม่ค่อยเกิดขึ้นเลยที่การแสดงจะ "ถูกลืม"

MS: ในความเห็นของคุณ ผลงานคลาสสิกตอนนี้ไม่เกี่ยวข้อง และอย่างที่คุณพูด พวกมันจะ "ถูกลืม" ใช่ไหม?

IG: ไม่ นั่นไม่ใช่สิ่งที่ฉันหมายถึง การแสดงทั้งสมัยใหม่และคลาสสิกสามารถมีเหตุผลได้มาก ฉันไม่ได้ต่อต้าน West Side Story แต่ทุกอย่างก็มีที่ของมัน ฉันกำลังบอกว่างานของผู้กำกับไม่ควรบิดเบือนงานต้นฉบับและนำด้านความหมายของโอเปร่าไปสู่จุดที่ไร้สาระ ตัวอย่างเช่น ข้อความต้นฉบับของ "La Bohème" เต็มไปด้วยการอ้างอิงถึงรายละเอียดในชีวิตประจำวัน และหากถูกลบออก ผู้ชมก็จะไม่ชัดเจนสำหรับสิ่งที่พวกเขาร้องเพลงบนเวที และการกระทำทั้งหมดจะกลายเป็นเรื่องไร้สาระ

MS: ปฏิกิริยาของสาธารณชนก็มีความสำคัญต่อนักร้องเช่นกันใช่ไหม?

IG: เราก็พึ่งพาสาธารณะเช่นกัน ที่ไหนสักแห่งที่ผู้ชมสงวนไว้และเย็นกว่า ตัวอย่างเช่นในลีลเดียวกันฉันมีการแสดงของ Il Trovatore เก้าครั้งและผู้ชมปรบมือตามเพลงแทบจะไม่มีเลย เราไม่รู้ว่าผู้ชมต้องการให้ร้องโอเปร่าทั้งเรื่องโดยไม่มีเสียงปรบมือ เหยื่อรายแรกเป็นชาวแอฟริกันอเมริกันคนเดียวกับที่แสดงบทบาทของเฟอร์นันโด เขามีฉากแรกในโอเปร่า เมื่อเขาร้องเพลงเสร็จก็มีแต่ความเงียบงัน เขากลายเป็นคนขาวแล้วพูดว่า “พวกเขาไม่ชอบฉันเพราะฉันเป็นคนผิวดำ” ฉันพูดว่า:“ สปีโด้ใจเย็น ๆ สำหรับฉันดูเหมือนว่าพวกเขาไม่สนใจว่าคุณเป็นอย่างไร แต่พวกเขามักจะประพฤติตัวแบบนี้เสมอ” ถัดมาเป็นโซปราโนอาเรีย - สิ่งเดียวกันนั่นคือความเงียบแห่งความตาย นี่คือผู้ชม แต่สุดท้ายผู้ชมก็กระทืบเท้าและผิวปาก ซึ่งหมายความว่าประสบความสำเร็จ แต่ในระหว่างการแสดง ฉันก็มีประสบการณ์มากมายเช่นกัน เมื่อหลังจากอาเรียของฉัน ฉันก็เดินจากไปจนเกือบถึงขนตาของตัวเอง นี่คือสถานการณ์

MS: และเมื่อคุณร้องเพลงการแสดงเสร็จแล้ว ความรู้สึกอะไรจะเกิดขึ้นในตัวคุณ: ความพึงพอใจและความสุขหรือความเหนื่อยล้า?

IG: แน่นอนว่าถ้าผลงานดีย่อมมีความพึงพอใจเสมอ แต่ตามกฎแล้วหลังจากการแสดงฉันก็เหมือนผ้าขี้ริ้วที่บิดเบี้ยว ความเหนื่อยล้าเกิดขึ้นเสมอเพราะต้นทุนทางอารมณ์นั้นมีค่ามากเป็นพิเศษ แม้ว่างานปาร์ตี้จะมีขนาดไม่ใหญ่มากก็ตาม ตัวอย่างเช่น เมื่อมีการผลิต “Madama Butterfly” ในบัวโนสไอเรส ฉันคิดอยู่ตลอดเวลาว่าแม้ในขณะที่ฉันยืนทำอะไรไม่ถูก ไม่ร้องเพลงอะไรเลย งานของฉันก็ยังคงเห็นอกเห็นใจ เห็นอกเห็นใจ และฟังเพลงนี้ ซึ่งเช่น ความเศร้าโศกสาหัส ในองก์ที่สอง นางเอกร้องเพลงเกี่ยวกับวิธีที่เธอจะไปขอทาน มีข้อความเศร้าสุดๆ ดนตรีไพเราะ มีเสน่ห์สุดๆ เหมือนช่วงพีคสุดท้าย พระเจ้าของฉัน มันช่างยากเหลือเกินที่จะยืนฟัง! นี่เป็นต้นทุนทางอารมณ์อย่างมาก

MS: ในการสัมภาษณ์ครั้งหนึ่งของคุณ คุณบอกว่ายังคงมีความสำคัญเมื่อการแสดงเป็นภาษาต้นฉบับ สิ่งนี้สำคัญแค่ไหน? และเพื่อใคร? ประชาชนยังคงมาฟังนักร้องไม่ใช่เนื้อเพลง การแปลซึ่งเป็นบรรทัดสำหรับผู้ดูให้เพียงความคิดทั่วไปเกี่ยวกับสิ่งที่เพลงเป็นการยืนยันทางอ้อมว่าข้อความที่มีความแตกต่างนั้นไม่สำคัญ

ไอจี: นี่เป็นคำถามที่ยาก ก่อนอื่นการแสดงในภาษาต้นฉบับเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับผู้แต่งและตัวโอเปร่าเองอย่างน่าแปลกเพราะท้ายที่สุดแล้วโอเปร่าของอิตาลีเมื่อแปลเป็นภาษารัสเซียก็ถูกลิดรอนจากความคิดริเริ่มทางโวหารอย่างสิ้นเชิงเนื่องจากโอเปร่าของอิตาลีโดยเฉพาะ bel canto มีความโดดเด่นด้วยโครงสร้างบางอย่างของแนวทำนอง โครงสร้างนี้เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการออกเสียงในภาษาอิตาลี ที่นั่นขึ้นอยู่กับว่าพยัญชนะเปลี่ยนเมื่อใด สระใด: ปิด, เปิดและอื่น ๆ Bellini, Mercadante, Donizetti, Verdi, Ponchielli, Puccini - ผู้แต่งทั้งหมดนี้ให้ความสำคัญกับข้อความอย่างยิ่ง ตัวอย่างเช่น ปุชชินีบังคับให้นักประพันธ์เขียนข้อความใหม่สี่หรือห้าครั้ง และเขาก็ไม่พอใจในแต่ละครั้ง บางครั้ง Donizetti ก็แก้ไขบางส่วนของบทที่ไม่เหมาะกับเขาด้วย แวร์ดีพิถีพิถันมากเกี่ยวกับตำราโอเปร่า แม้ว่าเขาจะทำงานร่วมกับผู้เชี่ยวชาญที่โดดเด่นในประเภทนี้ก็ตาม โอเปร่าอิตาลี หากคุณไม่ต้องการสูญเสียความสมบูรณ์ของโวหาร ควรทำเป็นภาษาอิตาลีเท่านั้น

กรณีอื่นๆ เช่น “Sicilian Vespers” หรือ “Don Carlos” โดย Verdi คือตอนที่โอเปร่าเขียนเป็นภาษาฝรั่งเศสครั้งแรกแล้วแปลเป็นภาษาอิตาลี ฉันร้องเพลง "Sicilian Vespers" ทั้งเวอร์ชันภาษาฝรั่งเศสและอิตาลี และฉันสามารถพูดได้ว่าฉันชอบภาษาฝรั่งเศสมากกว่าเพราะมันมีสไตล์ที่ครบถ้วนมากกว่า น่าเชื่อถือมากกว่า และแปลกพอสมควร แม้ว่า Verdi จะเป็นอัจฉริยะ แต่ฉันคิดว่าเขามีปัญหาในการแปลเพลงจากภาษาฝรั่งเศสเป็นภาษาอิตาลีอย่างเหลือเชื่อ เขาต้องเปลี่ยนอะไรมากมายแม้แต่ทำนอง ฉันเห็นสิ่งนี้โดยการเปรียบเทียบทั้งสองเวอร์ชันด้วยสายตา: คุณจะเห็นว่าเขาทนทุกข์ทรมานอย่างไรเพราะเขาไม่สามารถสร้างแนวทำนองขึ้นมาใหม่ได้ - เขาต้องทำลายมัน หยุดชั่วคราวตรงนั้น และอื่นๆ

สำหรับฉันดูเหมือนว่าสิ่งนี้ใช้ได้กับโอเปร่าใด ๆ เพราะนักแต่งเพลงที่เขียนในภาษาใดภาษาหนึ่งโดยเฉพาะอย่างยิ่งหากเป็นภาษาพื้นเมืองของเขาใช้องค์ประกอบอันไพเราะที่มีอยู่ในคำพูดนี้โดยเฉพาะ ตัวอย่างเช่นนี่คือดนตรีของ Tchaikovsky: มันก็ยากที่จะจินตนาการในภาษาอื่น ๆ แม้ว่าตัวอย่างเช่น "Eugene Onegin" แบบเดียวกันฟังดูน่าทึ่งในภาษาอิตาลี แต่ถึงกระนั้นก็ยังไม่ใช่ Tchaikovsky เพราะสำหรับดนตรีของ Tchaikovsky คุณต้องใช้ภาษารัสเซียและการออกเสียงที่ดีมาก หากคุณดูโอเปร่าใด ๆ คุณจะต้องเผชิญกับความจริงที่ว่าแม้จะมีการแปลที่ดีมาก แต่ความสวยงามของแนวดนตรีก็ยังคงสูญหายไป นอกจากนี้ แต่ละภาษาในความคิดผมยังมีความแน่นอน ผมจะใส่ยังไงดี...

MS: เมโลดิก้า.

ไอจี : เมโลดิกส์. ทุกภาษามีคะแนนการออกเสียงพิเศษ ดังนั้นจึงเป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการถึงเพลงของ Wagner และ Richard Strauss ที่ไม่มีภาษาเยอรมันซึ่งมีพยัญชนะหลายตัว การออกเสียงที่ชัดเจนมาก ค่อนข้างกะทันหัน และหยุดระหว่างคำ ในขณะเดียวกัน Legato ก็เป็นเรื่องทั่วไปและเป็นสิ่งพิเศษเฉพาะที่มีอยู่ในภาษาเยอรมันเท่านั้น เราสามารถพัฒนาหัวข้อนี้เพิ่มเติมได้ แต่สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าทุกอย่างชัดเจนที่นี่ นี่เป็นแง่มุมแรก

ต่อไปในส่วนของประชาชน ไม่ว่าเธอจะสนใจฟังในภาษาต้นฉบับหรือไม่นั้นขึ้นอยู่กับระดับการศึกษาของเธอ หากสาธารณชนรู้จักอุปรากรอิตาลีดีพอและชื่นชอบ ก็สามารถฟังเป็นภาษาอิตาลีได้อย่างใจเย็นและไม่จำเป็นต้องแปล แต่ตัวอย่างเช่น บางสิ่งสามารถทำได้ในภาษารัสเซีย โดยเฉพาะอย่างยิ่งหากภาษามีความคล้ายคลึงกัน ตัวอย่างเช่น “Rusalka” ของ Dvořák สามารถแปลได้อย่างง่ายดาย เนื่องจากภาษาเช็กฟังดูตลกมากสำหรับเราในบางที่ และเป็นไปไม่ได้เลยที่จะกำจัดความรู้สึกนี้ออกไปโดยสิ้นเชิง แน่นอนถ้าคุณร้องเพลงเป็นภาษารัสเซียโอเปร่าจะสูญเสียไปเล็กน้อย แต่จะสูญเสียน้อยกว่ามากเมื่อแปล Hamlet เป็นภาษารัสเซียซึ่งจะสูญเสียความสวยงามทั้งภาษาและทำนองไป สำหรับเส้นวิ่งนี่เป็นจุดที่ยาก: คนที่รู้ว่าโอเปร่าเกี่ยวกับอะไรไม่ต้องการข้อความนี้เลย แต่คนที่ไม่รู้จักโอเปร่าและมาโรงละครเป็นครั้งแรกจะถูกฟุ้งซ่าน เส้นวิ่งเพราะเขาถูกบังคับมองเธออยู่ตลอดเวลา บางครั้งมีการแปลในลักษณะที่บุคคลไม่สามารถเข้าใจได้ว่าทำไมถึงเขียนสิ่งหนึ่ง แต่มีบางอย่างที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงเกิดขึ้นบนเวที - อย่างไรก็ตามนี่อาจเป็นความผิดของผู้กำกับซึ่งจัดฉากสิ่งที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง สิ่งที่เขียนไว้ในบันทึกย่อ - แต่ที่นี่ก็มีช่วงเวลาที่ตลกมากมายเช่นนี้ สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าโดยหลักการแล้วโอเปร่าแม้จะเปิดเผยต่อสาธารณะโดยไม่ต้องพูดถึงเราก็ตามเป็นประเภทที่ยากมากซึ่งคุณยังต้องเตรียมตัวให้พร้อม ใครก็ตามที่มาที่โรงละครโอเปร่าควรรู้ เช่น อาเรียหรือการทาบทามคืออะไร ทำไมบางครั้งพวกเขาถึงเต้นในโอเปร่า และทำไมบางครั้งพวกเขาถึงร้องเพลงบัลเล่ต์ ฉันยังคงเชื่อว่าควรจะแสดงโอเปร่าในภาษาต้นฉบับ และการฝึกฝนก็แสดงให้เห็นว่านี่เป็นกระแสนิยมจริงๆ

MS: แต่ฉันอยากให้คำพูดชัดเจนเหมือนกัน

ไอจี: ใช่ ใช่. หากคำพูดของตัวละครในโอเปร่า "Boris Godunov" ไม่ชัดเจนฉันก็แทบจะจินตนาการไม่ออกว่าใครจะเข้าใจสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีได้อย่างไร นี่ไม่ใช่เพลงของฮันเดลซึ่งมีคำเพียงสองบรรทัด แต่มีอย่างอื่นที่สำคัญกว่านั้น - คำเหล่านี้ร้องในสองสามท่อนแรก จากนั้นเพียงแค่เพลิดเพลินไปกับดนตรีและรูปแบบต่างๆ การปรับที่น่าทึ่ง แน่นอนว่าผู้ชมส่วนหนึ่งมักจะไปจบลงที่โรงละครโดยไม่ได้ตั้งใจ และนั่นก็ไม่มีอะไรผิดปกติ ตัวอย่างเช่น เธอไม่รู้ว่าเธอสามารถปรบมือได้ที่ไหนและทำไม่ได้ แต่ในโอเปร่าสิ่งนี้ก็สำคัญมากเช่นกัน อย่างไรก็ตาม เราร้องเพลงให้กับทุกคน งานของเราคือทำให้ทั้งดนตรีและภาพลักษณ์ของพระเอกน่าสนใจ ฉันไม่แบ่งประชาชนออกเป็นกลุ่มคนที่รู้และคนที่ไม่รู้ว่าจะโต้ตอบอย่างไร บททดสอบที่ยากที่สุดสำหรับนักร้องคือการร้องเพลงให้กับคนที่รู้และเข้าใจทุกอย่าง

MS: ผู้ฟังในประเทศต่างๆ แตกต่างกันหรือไม่? ทำงานในโรงภาพยนตร์ต่าง ๆ ?

IG: แน่นอน แน่นอน และแน่นอนอีกครั้ง ประการแรก โรงภาพยนตร์มีความแตกต่างกัน แม้จะอยู่ในประเทศเดียวกันก็ตาม ฉันทำงานมากในอิตาลี ในเมืองต่างๆ ทั้งในภาคเหนือและภาคใต้ โดยทั่วไปแล้วอิตาลีเป็นประเทศที่น่าตื่นตาตื่นใจ คุณขับรถไปที่นั่นเป็นระยะทาง 100 กม. และคุณได้เห็นภูมิทัศน์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ผู้คนที่แตกต่างกัน และความคิดที่แตกต่างกัน ดังนั้นโรงละครที่นั่นจึงแตกต่างกัน ในอังกฤษหรือไอร์แลนด์ มีโรงละครที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิงและผู้ฟังที่แตกต่างกัน ในฝรั่งเศส คุณไม่สามารถเปรียบเทียบผู้ชมในปารีสกับลีลได้ อย่างที่พวกเขาพูดกันว่า บุคคลสาธารณะที่ดีที่สุด เป็นมิตรที่สุด และกระตือรือร้นที่สุด ครั้งหนึ่งเคยอยู่ในบัวโนสไอเรส เหล่านี้เป็นผู้ชมที่น่าทึ่ง - หากพวกเขาชอบพวกเขาก็สามารถทำลายโรงละครในความหมายที่แท้จริงของคำได้ แต่เมื่อฉันร้องเพลงที่นั่นทุกอย่างก็สงบลงมาก เห็นได้ชัดว่าผู้ที่รักโอเปร่าในช่วงปี 1980 และ 90 ตอนนี้แก่แล้วและไม่ไปแสดง แต่เราก็ได้รับการตอบรับเป็นอย่างดี อาจเป็นไปได้ว่าผู้คนที่นั่นมีนิสัยพิเศษ - พวกเขาเป็นมิตรที่ไม่ธรรมดาเหมือนกับเราเลย ที่นี่ ถ้าคนทั่วไปรักศิลปิน เขาก็จะรู้สึกดี แต่ถ้าเขาไม่ชอบศิลปิน เขาก็ยังปรบมือให้เขา โดยทั่วไปแล้วในประเทศของเราไม่ค่อยมีคน "ลืม" ฉันจำไม่ได้ แม้ว่าบางคนร้องเพลงไม่เก่ง แต่พวกเขาก็ยังสนับสนุนเขาและตบมือเขา

MS: อะไรยากกว่ากัน - การได้รู้จักกับการแสดงหรือการซ้อมตั้งแต่เริ่มต้น?

IG: มันขึ้นอยู่กับการแสดงแบบไหน ฉันจะไม่ตอบคำถามนี้อย่างชัดเจน เพราะมันขึ้นอยู่กับสถานการณ์เฉพาะ เช่น โอเปร่าอะไร งานปาร์ตี้ขนาดใด โรงละครอะไร ใครซ้อม จัดสรรเวลาเท่าไรในการซ้อม การแสดงละครหรือการแนะนำตัว และอื่นๆ

เช่น มีกรณีหนึ่งตอนที่ผมซ้อมเพลง Troubadour (ยิ้ม) เรามีการซ้อมตั้งแต่เดือนพฤศจิกายนถึงคริสต์มาส ไม่ว่าจะในวันที่ 24 หรือ 25 ธันวาคม ฉันควรจะบินไปมอสโคว์ จากนั้นตัวแทนของฉันก็โทรหาฉันและพูดว่า: "ฟังนะ ในโคโลญฉันต้องร้องเพลง La Bohème สองการแสดง บาริโทนของพวกเขาล้มป่วยที่นั่น คุณรู้จัก La Bohème ใช่ไหม” ฉันพูดว่า:“ แน่นอนฉันรู้!” มีรถไฟสายตรงจากลีลไปยังโคโลญจน์ และคุณสามารถไปถึงที่นั่นได้ภายในสามถึงสี่ชั่วโมง เพื่อให้ทันเวลา ฉันต้องกระโดดขึ้นรถไฟโดยแต่งหน้า ก่อนออกเดินทางไม่กี่นาที (มีการแสดง "Troubadour" ในชุดคอสตูม) และในตอนเย็นฉันก็อยู่ที่โคโลญจน์ และวันรุ่งขึ้น เวลา 12.00 น. ฉันได้ซ้อมเพลง "La Bohème" ซึ่งเรา "พัง" (หมายถึงต้องผ่านทุกฉากกับผู้กำกับเพื่อทำความเข้าใจว่าใครกำลังทำอะไรรวมทั้งฉันด้วย) ภายในสามชั่วโมง มันเป็นโอเปร่าทั้งมวล และบนเวทีก็มีเพียงฉันและผู้ช่วยผู้กำกับ หนึ่งชั่วโมงต่อมา ฉันมีนัดกับวาทยากร และในตอนเย็นก็มีการแสดง ในความคิดของฉัน นี่คือรายการที่เร็วที่สุดในการฝึกฝนของฉัน ใครก็ตามที่รู้ว่า La Boheme คืออะไรจะเข้าใจว่ามันช่างเหลือเชื่อจริงๆ ในฉากแรกเพียงฉากเดียว มีคนอย่างน้อยสี่คนโต้ตอบกัน สิ่งของต่างๆ มากมาย เช่น โต๊ะ เก้าอี้ แปรง ขาตั้ง แก้ว จาน; พวกเขานำอาหารไปที่นั่นและโปรยเงิน นั่นคือมีเหตุการณ์เลวร้ายมากมายอยู่ที่นั่น และฉันต้องจัดการกับมันทันที ฉันยังภูมิใจที่เราทำทุกอย่างได้สำเร็จ แต่แน่นอนว่านี่เป็นข้อดีของผู้กำกับเป็นหลักเพราะคุณจำเป็นต้องรู้จักการแสดงเป็นอย่างดีเพื่อที่จะแจ้งให้คนใหม่ทราบถึงช่วงเวลาที่อาจทำให้เกิดปัญหาได้

การแสดงดำเนินไปได้อย่างยอดเยี่ยม สิ่งเดียว - ฉันเล่าให้ทุกคนฟังเกี่ยวกับเรื่องนี้ หัวเราะเป็นเวลานาน - ฉันรู้สึกทึ่งกับผู้แสดง โดยทั่วไปนี่เป็นอีกประเด็นหนึ่งตอนนี้อาชีพนี้จมลงสู่การลืมเลือนไปแล้ว แทบไม่มีผู้แนะนำเหลืออยู่เลย และบางครั้งก็จำเป็นมาก และเมื่อจู่ๆ ฉันต้องร้องเพลง La Bohème อย่างเร่งด่วน ฉันก็มีความสุขมากเมื่อมีผู้หญิงคนหนึ่งเข้ามาในห้องแต่งตัวก่อนการแสดง แนะนำตัวเอง และบอกว่าเธอเป็นผู้ร้อง ฉันพูดว่า: “โอ้ ยินดีอย่างยิ่งที่ได้พบคุณ ฉันขอร้องคุณ หากคุณเห็นว่าฉันมีปัญหาใดๆ ฉันลืมสายหรือต้องเข้าที่ไหน โปรดช่วยฉันด้วย” เธอพูดว่า "โอเค" และเธอก็จากไป ฉันชื่นชมอารมณ์ขันของเธอในการแสดงเมื่อฉันเห็นสิ่งที่เธอกำลังทำอยู่ เธอนั่งกับคลาเวียร์และท่องข้อความกับเราซ้ำกับเรา - ไม่ช้าก็เร็ว ฉันพูดกับตัวเองว่า:“ Golovatenko นั่นแหละลืมเรื่องผู้แจ้งเพราะถ้ามีอะไรเกิดขึ้นเธอก็จะไม่มีเวลาติดตามมัน” การแสดงนั้นน่าทึ่งมาก เห็นได้ชัดว่าเมื่ออยู่ในสถานการณ์ตึงเครียด คุณก็จะดึงตัวเองขึ้นมาทันที

MS: ฉันมีคำถามนี้: โรงเรียนสอนร้องเพลงโดยรวมมีการเปลี่ยนแปลงอย่างไรในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา?

IG: มันยากที่จะพูดเพราะฉันยังไม่พร้อมที่จะวิเคราะห์ทั้งหมดนี้ ในความคิดของฉัน การพัฒนาเสียงโดยละเอียดซึ่งก็คือการวางตำแหน่งเสียงที่ถูกต้องได้หายไปแล้ว และบางครั้งนักร้องก็ต้องเผชิญกับส่วนที่ยากมากโดยที่ยังไม่เชี่ยวชาญเสียงทางเทคนิคอย่างเต็มที่ เสียงนั้นหมดลง ใช้งานเป็นเวลานานไม่ได้ และคนเหล่านี้ร้องเพลงมาห้าถึงสิบปี - เท่านั้นเอง เรื่องนี้น่าเศร้ามาก ทางโรงเรียนได้ออกจากเรื่องนี้แล้ว ในกรณีนี้ ฉันกำลังพูดถึงโรงเรียนภาษาอิตาลีแบบเก่า ซึ่งน่าเสียดายที่แทบจะไม่มีใครพูดอีกต่อไปแล้ว นอกจากนี้ ก่อนหน้านี้นักร้องสามารถ “ร้องเพลง” ได้ กล่าวคือ ร้องเพลงแสดงนำในโรงละครขนาดเล็ก จึงได้รับประสบการณ์และแสดงเฉพาะในโรงละครขนาดใหญ่เท่านั้น บัดนี้ หากตัวแทนสังเกตเห็นบุคคลเสียงดีที่สามารถร้องเพลงได้ประมาณ "ริโกเล็ตโต" หรือ "นาบุคโก" เมื่ออายุยี่สิบห้าปี นักแสดงคนนี้หากเขาทำต่อไป ก็จะถูกเอารัดเอาเปรียบจนกว่าเขาจะ หยุดร้องเพลง ฉันกำลังตกอยู่ในสถานการณ์ที่รุนแรง แต่สิ่งนี้ก็เกิดขึ้นเช่นกัน น่าเสียดายที่ตัวแทนและผู้กำกับละครไม่เต็มใจที่จะใช้เวลาและเงินในการฝึกอบรมนักร้องเพื่อพัฒนาพวกเขา และการเติบโตหมายถึงการใช้เวลาหลายปีเพื่อให้คนๆ หนึ่งค่อยๆ สูงขึ้นเรื่อยๆ...

MS: สำหรับฉันดูเหมือนว่าไม่ใช่นักร้องทุกคนอยากทำสิ่งนี้

IG: ใช่ ทุกคนอยากได้มันสักครั้ง - และคุณก็ได้รับมัน - และคุณก็เป็นดาราแล้ว และนี่คือปัญหาที่พบบ่อย เนื่องจากตัวแทน อิมเพรสซิเรียล ผู้กำกับละครก็ไม่ต้องการรอเช่นกัน วันนี้คุณร้องเพลงได้ - ไปร้องเพลงได้เลย หากคุณไม่ต้องการเราจะไม่โทรหาคุณ ไม่มีใครอยากรอให้นักร้องเติบโตมาทำหน้าที่เฉพาะเจาะจง ถ้าคนๆ หนึ่งสามารถทำงานและร้องเพลงได้บางส่วน เขาก็จะเต็มไปด้วยงานมากจนทนไม่ไหว ช่วงเวลาที่น่าเศร้าเกิดขึ้น การพังทลาย และอื่นๆ

MS: คุณคิดว่าอะไรคือเคล็ดลับความสำเร็จของนักร้องคนนี้?

IG: ความสำเร็จของนักร้องประกอบด้วยหลายองค์ประกอบ นอกจากน้ำเสียง ความสามารถ และพรสวรรค์ของตัวเองแล้ว แน่นอนว่าเขายังเป็นครูที่ฉลาดอีกด้วย หรือถ้านี่ไม่ใช่ครูสอนร้องเพลง ก็แสดงว่ามีนักดนตรีหรือ "หู" ที่ดีมากอยู่ใกล้ๆ Joan Sutherland มีวาทยากร "ส่วนตัว" จริงๆ นั่นคือ Richard Boning มีตำนานเล่าว่าเวลาเขาไม่ได้แสดง เขาก็ยังนั่งแถวหน้าแสดงให้เธอเห็นว่าเธอประเมินสูงไปหรือต่ำไป พูดหยาบๆ และมีหลายกรณีเช่นนี้

การแสดงละครที่ถูกต้องก็มีความสำคัญเช่นกัน อย่าร้องเพลงที่อาจเป็นอันตรายต่อเสียง หรือเพลงที่เสียงอาจไม่มีประสิทธิภาพนักหากเป็นการเปิดตัวครั้งแรก หากนี่เป็นการเปิดตัวครั้งสำคัญในโรงละครบางแห่ง คุณจะต้องแสดงเฉพาะสิ่งที่จะทำให้เสียงของคุณเปิดเผยออกมาได้สูงสุดเท่านั้น มากขึ้นอยู่กับตัวแทนที่นี่ ตัวแทนมีสองประเภท บางคนมองว่านักร้องเป็น "ปืนใหญ่" (ขอเรียกจอบว่าจอบ): คุณร้องเพลงมาห้าถึงสิบปีคุณคุ้นเคยกับมันอย่างเต็มที่แล้วทุกอย่างก็จบลง คนอื่นจะจัดตารางเวลาของคุณอย่างชาญฉลาดโดยค่อยๆสะสมละครนั่นคือพวกเขาพร้อมที่จะพัฒนาคุณ มีน้อยมากและฉันโชคดีมากที่มีตัวแทนเช่นนี้: ในแง่หนึ่งเขาพยายามแสดงละครในโรงละครขนาดใหญ่ที่ดีมาก - เทศกาล Glyndebourne, Bavarian Opera, Teatro Colon ในบัวโนสไอเรส แต่ในทางกลับกัน เขาจะคอยดูแลเสมอว่าฉันร้องเพลงเฉพาะที่เหมาะกับเสียงของฉันในขณะนั้นเท่านั้น ฉันได้รับข้อเสนอให้ร้องเพลง เช่น Mazepa หรือเจ้าชายใน "The Enchantress" หรือ Alfio ใน "Rural Honor" แต่ฉันปฏิเสธข้อเสนอเหล่านี้ เพราะอย่างน้อยตอนนี้นี่ไม่ใช่ละครของฉัน

MS: ตัวแทนของคุณมาจากไหน?

IG: เขาเป็นชาวอังกฤษ อาศัยและทำงานในลอนดอน เป็นสิ่งสำคัญมากสำหรับตัวแทน เนื่องจากในปัจจุบันเป็นกระแสนิยมที่จะพูดว่า "รู้ให้ทัน" ซึ่งก็คือการรู้จักผู้กำกับ นักร้อง การแสดง และตัวแทนอื่นๆ นี่เป็นตลาดที่ใหญ่มากซึ่งทุกคนรู้จักกัน ดังนั้นหากไม่ระมัดระวังแล้วคุณจะหลุดออกจากวงจรนี้ เป็นสิ่งสำคัญสำหรับเราที่จะไม่ทะเลาะกับผู้ควบคุมวง ผู้อำนวยการ หรือใครก็ตาม คุณไม่ควรทะเลาะกันไม่ว่าในกรณีใด เพราะบางครั้งสิ่งนี้อาจทำให้เกิดความเสียหายต่อชื่อเสียงของคุณอย่างแก้ไขไม่ได้ และพวกเขาจะหยุดเชิญคุณทันที ดังนั้นขึ้นอยู่กับตัวแทนมาก หากนี่เป็นตัวแทนอ่อนแอเขาจะไม่สามารถขายคุณได้ หากนี่คือตัวแทนที่แข็งแกร่ง เขาจะสามารถขายคุณได้อย่างมีกำไร แต่ถ้าเขาไม่ติดตามละครของคุณ ก็อาจถึงแก่ชีวิตได้

MS: แล้วใครเป็นคนกำหนดละครล่ะ?

IG: การจะร้องเพลงนี้หรือท่อนนั้นในสถานการณ์เฉพาะที่เสนอโดยโรงละครและผู้กำกับ (!) ท้ายที่สุดแล้วจะขึ้นอยู่กับตัวนักร้องเองเสมอ แต่จะต้องมีคนที่สามารถแนะนำให้เขาทำหรือไม่ทำอะไรสักอย่างได้

MS: ตามสมมุติฐาน ตัวแทนของคุณพูดกับคุณว่า: “ฉันคิดว่าเสียงของคุณพร้อมแล้ว มาทำส่วนนี้กันดีกว่า” และ Vdovin พูดว่า: “ไม่ ฉันไม่แนะนำ”

IG: ฉันมีกรณีเช่นนี้ ล่าสุดตัวแทนเสนอท่อนหนึ่งให้ฉัน ฉันปรึกษากับ Vdovin แล้วเขาก็พูดว่า: "ไม่ ฉันคิดว่าคุณไม่จำเป็นต้องร้องเพลงนี้" และฉันได้เห็นบางกรณีแล้วรวมถึงการเหยียบคราดด้วยเท้าของตัวเองสองสามครั้งตอนนี้ชอบที่จะเห็นด้วยและฟัง แม้ว่าฉันจะโชคดี - ฉันไม่ได้เหยียบคราดที่ฉาวโฉ่บ่อยนัก แต่เพื่อนร่วมงานของฉันมีกรณีที่ร้ายแรงกว่า ฉันแค่ร้องเพลงท่อนที่เป็นปัญหาไปแล้วครั้งหนึ่ง และมันก็ไม่ประสบความสำเร็จมากนัก

MS: มันคงจะยากมากเมื่อมีข้อเสนอที่น่าดึงดูด แต่ลึกๆ แล้วคุณเข้าใจว่านี่เป็นความเสี่ยงครั้งใหญ่

IG: คุณสรุปสถานการณ์คลาสสิกเมื่อมีข้อเสนอที่น่าสนใจ แต่เมื่อมองย้อนกลับไป คุณเข้าใจว่ามันอาจจะจบลงอย่างเลวร้าย ที่นี่คุณควรดำเนินการต่อจากข้อเท็จจริงที่ว่าหากคุณต้องการเงินและชื่อเสียง คุณก็จะได้รับมัน แต่คุณสามารถสร้างรายได้ด้วยเสียงของคุณเท่านั้น หากมีบางอย่างเกิดขึ้นกับเสียงของคุณเพราะความผิดของคุณ ไม่ใช่เพราะคุณป่วย แต่เพียงเพราะคุณเพียงร้องเพลงที่ไม่ควรร้อง มันเป็นความผิดของคุณเท่านั้นและไม่มีใครเป็นอีก

MS: ดังนั้นคุณต้องตระหนักถึงส่วนแบ่งความรับผิดชอบที่คุณแบกรับในขณะที่ทำการตัดสินใจครั้งนี้หรือครั้งนั้น?

ไอจี: แน่นอน. โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพูดถึงสัญญาในโรงภาพยนตร์ขนาดใหญ่พอสมควร คุณต้องเข้าใจเสมอว่าเมื่อคุณไปร้องเพลงในโรงละครขนาดใหญ่ ก็มีความกดดันจากสภาพแวดล้อมในโรงละครเช่นกัน ยิ่งโรงละครมีชื่อเสียงมากเท่าไร ความรับผิดชอบก็ยิ่งมากขึ้นเท่านั้น บวกกับเส้นประสาทและสิ่งที่ไม่พึงประสงค์ที่สุด - ความเหนื่อยล้าซึ่งสะสมระหว่างการแสดง ถ้าคุณมาชั้นเรียนสดๆ และร้องเพลงทั้งท่อน มันไม่ได้มีความหมายอะไรเลย คุณสามารถซ้อมหนึ่งเดือนหรือหนึ่งเดือนครึ่งเป็นเวลาสามถึงหกชั่วโมง (บางครั้งอาจมากกว่านั้น) ได้หรือไม่? หากคุณเห็นด้วยกับบางสิ่งบางอย่าง คุณจะต้องมีขอบเขตของความปลอดภัย

MS: แต่ถ้าคุณปฏิเสธ คุณอาจไม่ได้รับเชิญในภายหลัง

ไอจี: ใช่แน่นอน! ในอาชีพของเรา เป็นไปไม่ได้ที่จะปฏิเสธ เพราะบางครั้งการปฏิเสธถูกมองว่าเป็นการดูถูกเป็นการดูถูก มีเพียงหัวของคุณเองเท่านั้นที่สามารถช่วยได้และแน่นอนว่าจะดีถ้ามีคนฉลาดอยู่ใกล้ ๆ - ครูหรือตัวแทน

ยกตัวอย่างเช่น Rigoletto มันเป็นแบบนี้: ตัวแทนชาวอิตาลีที่เราร่วมงานด้วยในขณะนั้นเสนอให้สร้างเกมนี้ ตอนแรกฉันปฏิเสธ แต่ผลก็คือพวกเขาชักชวนฉัน (และก็ถูกต้องเช่นกัน!) เป็นโรงละครเล็ก ๆ ของอิตาลี ไม่ใช่โรงละคร แต่เป็นลานกลางแจ้งในปราสาท แต่มีระบบเสียงที่ดี วงออเคสตราของอิตาลีที่ไม่อัดแน่นไปด้วยเสียง แต่กลับให้คุณร้องเพลงและบรรเลงอย่างไพเราะมาก . พันธมิตรนั้นยอดเยี่ยมมาก และผู้อำนวยการบาริโทนผู้ยิ่งใหญ่ Rolando Panerai ผู้ช่วยฉันมากมายทั้งคำแนะนำและการกระทำ ฉันร้องเพลงเพียงสองการแสดงเท่านั้น ไม่ใช่สิบห้าเหมือนตอนนี้ เกือบสามปีผ่านไป แต่วันนี้ฉันยังไม่พร้อมที่จะร้องเพลง Rigoletto ตลอดเวลา ฉันบอกตัวเองว่าจะไม่กลับมาเล่นบทนี้อีกจนกว่าจะถึงวัยหนึ่ง แม้ว่าฉันจะรู้ว่าฉันสามารถเชี่ยวชาญมันด้วยเสียงก็ตาม แต่นั่นไม่ใช่ประเด็น งานปาร์ตี้ต้องเสียค่าใช้จ่ายทางอารมณ์จำนวนมหาศาลและไร้มนุษยธรรม ประการแรก อาเรียเป็นเพียง "การสึกหรอ" ขั้นแรก - เสียงกรีดร้องอย่างบ้าคลั่งเพียงแค่น้ำตาไหลในส่วนแรกของ "Cortigiani" จากนั้นคุณต้องร้องเพลงบนเปียโน - "Marullo... signore" จากนั้นจึงเลกาโตซึ่งยากมาก “Miei signori, perdono pietate” เป็นส่วนที่ยากที่สุดของเพลง เพราะหัวใจของคุณเต้นแรง คุณจึงไม่สามารถสงบลมหายใจได้ ที่นั่นคุณจำเป็นต้องควบคุมเสียงของคุณและโดยหลักการแล้วคือการควบคุมร่างกายซึ่งมาพร้อมกับอายุเท่านั้น ต่อไปเป็นการร้องคู่กับกิลดา ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่ยากลำบากที่สุดในการแสดงครั้งที่สอง เมื่อเธอมาและเล่าทุกอย่างที่เกิดขึ้นกับเธอ ฉันจำได้ว่านั่งอยู่บนเวทีด้วยท่าทีเย็นชาและคิดว่าจะร้องเพลงโน๊ตตัวนั้นอย่างไร เพราะถ้ามันถูกพาออกไปคุณจะไม่สามารถหยิบกระดูกขึ้นมาได้ในภายหลัง ที่นั่นคุณต้องมีการควบคุม เช่นเดียวกับในสถานการณ์ที่นักบินควบคุมเครื่องบินโดยสารที่มีคนสามร้อยคนบนเครื่อง สิ่งเดียวกันนี้เกิดขึ้นในองก์ที่สามเมื่อนางเอกกำลังจะตายไปแล้ว ถ้าฉันกลับมาที่บทนี้ตอนนี้ ฉันจะใส่อารมณ์อื่นๆ ลงไป แต่แล้วฉันก็คิดว่าจะร้องเพลงทุกอย่างอย่างเท่าเทียมกันและดี และนั่นคือสิ่งที่จำเป็นจริงๆ

MS: มีเวทีไหนที่คุณอยากจะร้องเพลงบ้างไหม?

ไอจี: แน่นอน. นี่คือเวทีที่ทุกคนปรารถนา - Metropolitan Opera, Covent Garden ฉันยังอยากกลับไปที่บัวโนสไอเรสด้วย ฉันชอบโรงละครแห่งนี้มาก ฉันชอบมันมาก Teatro Colon เป็นโรงละครในตำนานที่นักร้องและผู้ควบคุมวงผู้ยิ่งใหญ่เกือบทุกคนเคยร่วมงานกัน มีเวทีที่ฉันยังไม่ได้ร้อง: Opera Bastille (แม้ว่าฉันจะร้องเพลงที่ Opera Garnier), La Scala มีเวทีดีๆ มากมายที่ฉันอยากไปจริงๆ และหวังว่าสักวันหนึ่งสิ่งนี้จะเกิดขึ้น

MS: ฉันอดไม่ได้ที่จะถามคำถามเกี่ยวกับทัศนคติต่อละครและองค์กร

IG: โรงละครละครที่แท้จริงคือเมื่อวันนี้มีชื่อหนึ่ง พรุ่งนี้อีกชื่อหนึ่ง วันมะรืนนี้ชื่อที่สาม และอื่นๆ ฉันทำงานในโรงละครแห่งนี้นี่คือ New Opera

MS: โรงละครบอลชอยมีนักร้องมากมาย และที่ Metropolitan Opera ศิลปินเดี่ยวรับเชิญเกือบทั้งหมด

IG: ใช่ แต่ในเวลาเดียวกันที่ Metropolitan Opera นักแสดงดาราบางคนร้องเพลงอย่างต่อเนื่องเช่น Netrebko, Fleming, Hvorostovsky, Domingo ทุกอย่างขึ้นอยู่กับสิ่งที่โรงละครต้องการ หากโรงละครต้องการวงดนตรีเดี่ยวที่ยอดเยี่ยม เพื่อให้ทุกอย่างได้รับการซ้อม เพื่อให้ศิลปินเดี่ยวรู้สึกและเข้าใจซึ่งกันและกันอย่างสมบูรณ์แบบ แน่นอนว่าพวกเขาก็ต้องนั่งซ้อม หากมีคนมาถึงสองสามวันก่อนการแสดงแล้วออกจากโรงละครอื่นดังที่เกิดขึ้นเกือบทุกที่ในขณะนี้ การแสดงที่ดีก็เกิดขึ้นได้เนื่องจากนักร้องหลายคนที่ทำเช่นนี้เป็นนักดนตรีที่โดดเด่น แต่สมมติว่ามีการแสดงโอเปร่าทั้งมวล เช่น La Bohème, The Barber of Seville, The Marriage of Figaro หรือ Cos? fan tutte” (“นี่คือสิ่งที่ผู้หญิงทุกคนทำ”) ต้องใช้การทำงานเป็นทีมจำนวนมาก ในกรณีเช่นนี้ 2-3 วันไม่เพียงพอ

เห็นไหมว่าแต่ละกรณีจะต้องพิจารณาแยกกัน โรงละครที่มีโอเปร่าที่คล้ายกันในละครของพวกเขา เช่น ในมิวนิก มีทีมงานเดี่ยวเป็นของตัวเอง แต่ในการแสดงเกือบทุกรายการ พวกเขาใช้ศิลปินเดี่ยวรับเชิญ เพราะวิธีเดียวที่จะดึงดูดสาธารณชนคือชื่อของดาราบนโปสเตอร์ - นั่นคือจิตวิทยาตอนนี้ ขอย้ำอีกครั้งว่าการเปิดตัวครั้งแรกที่ Paris Opera เป็นเรื่องยากมาก ขอแนะนำให้คุณออกดีวีดีการแสดงบางส่วนไปแล้ว หากคุณไม่มีดีวีดี แสดงว่าคุณไม่มีใครเลย พวกเขาจะไม่เชิญคุณไปที่นั่น แม้ว่าคุณจะร้องเพลงได้ดีมากก็ตาม มันกลายเป็นวงจรอุบาทว์

MS: บอกฉันที การเป็นศิลปินเดี่ยวของโรงละครบอลชอยมีเกียรติไหม?

ไอจี: ฉันคิดว่าอย่างนั้น. เพราะนี่คือโรงละครที่มีชื่อเสียงและมีน้ำหนักค่อนข้างมาก โดยทั่วไปทางตะวันตกมีโรงละครรัสเซียสองแห่งที่รู้จักกันดี ได้แก่ Bolshoi และ Mariinsky ฉันต้องบอกว่านักร้องพยายามอย่างเต็มที่ที่จะเข้าไปในโรงละครบอลชอย เมื่อเพื่อนร่วมงานที่คุณทำงานตามสัญญาด้วยพบว่าฉันมาจากโรงละครบอลชอย พวกเขาพูดว่า: "โอ้ เยี่ยมเลย ฉันอยากจะร้องเพลงที่นั่น" ฉันได้ยินเรื่องนี้หลายครั้ง ตัวอย่างเช่น Celso Albelo เทเนอร์ชาวสเปนผู้ยอดเยี่ยมกล่าวหลังจากรอบปฐมทัศน์ของ Don Pasquale ว่าเขายังคงต้องการมาที่บอลชอย มันหมายความว่าเขาชอบมัน นี่ไม่ใช่แค่คำพูดที่สวยงามเท่านั้น

MS: คุณยังร้องเพลง Chamber Repertoire ด้วยเหรอ? ฉันได้ยินมาว่าในวันครบรอบ 125 ปีวันเกิดของ Nikolai Semyonovich Golovanov คุณได้ทำรายการจากความรักของเขา

ไอจี: มันก็เป็นเช่นนั้นจริงๆ คอนเสิร์ตนี้จัดขึ้นโดย Stanislav Dmitrievich Dyachenko ซึ่งเรารู้จักระหว่างที่ฉันเรียนกับ Gennady Nikolaevich Rozhdestvensky เขายังคงทำงานเป็นนักดนตรีในชั้นเรียน แม้ว่าตอนนี้เขาจะมีชั้นเรียนวาทยกรของตัวเองที่เรือนกระจกแล้วก็ตาม ในเดือนมิถุนายนปีที่แล้ว เขาโทรหาฉันเกี่ยวกับการแสดงโรแมนติกของ Golovanov ตอนแรกส่งเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ จากนั้นฉันก็ขอให้เขาส่งเพิ่ม ฉันตื่นเต้นกับแนวคิดนี้ทันที เพราะมันเป็นเนื้อหาทางดนตรีที่มีคุณภาพพิเศษจากมุมมองของนักแต่งเพลง แม้ว่าจะเป็นการยากที่จะบอกว่า Golovanov เป็นนักแต่งเพลงเพราะทุกสิ่งที่เขาเขียนถูกสร้างขึ้นเมื่ออายุเกือบ 17-20 ปี จากนั้นเขาก็มีส่วนร่วมในการดำเนินการอย่างใกล้ชิดจนไม่มีเวลาแต่งเพลง ทั้งหมดนี้น่าสนใจยิ่งกว่าเพราะเขาได้สร้างสรรค์เรื่องราวโรแมนติกที่ยอดเยี่ยมเช่นนี้เมื่อตอนที่เขายังเป็นชายหนุ่มมาก เขามีความรักมากมายจากบทกวีของกวีในยุคเงิน: Severyanin, Balmont, Akhmatova นี่คือเลเยอร์ทั้งหมด ซึ่งยังไม่ได้สำรวจโดยสมบูรณ์ แทบจะไม่มีการตีพิมพ์เลย บางทีอาจมีเพียงเรื่องเดียวเท่านั้นที่ได้รับการตีพิมพ์ในคอลเลกชันของ Nezhdanova และนั่นคือทั้งหมด และเขามีความรักหนึ่งร้อยสี่สิบซึ่งเห็นได้ชัดว่าไม่มีใครเคยแสดงเลย

และฉันก็รู้ว่าฉันได้ค้นพบนักแต่งเพลงคนใหม่แล้ว และเป็นคนที่น่าสนใจมากในตอนนั้น เขามีการอ้างอิงถึงดนตรีของ Scriabin, Medtner, Rachmaninov, Taneyev อย่างไรก็ตามดนตรีเป็นต้นฉบับมาก เขาหักเหทั้งหมดนี้ด้วยวิธีของเขาเองแม้ว่าเขาจะได้อะไรมากมายจาก Rachmaninov ในพื้นผิวเปียโน แต่ในบางแห่งก็มีการเปลี่ยนทำนองที่ไพเราะคล้ายกันด้วยซ้ำ ความรักบางเรื่องฉันไม่กลัวคำนี้ด้วยซ้ำ มันยอดเยี่ยมมาก โดยเฉพาะ "ดอกบัว" ที่น่าอัศจรรย์ซึ่งอิงจากบทกวีของไฮเนอ

เราร้องเพลงคอนเสิร์ตนี้ในเดือนเมษายนที่พิพิธภัณฑ์ - อพาร์ทเมนต์ของ N. S. Golovanov ซึ่งน่าเสียดายที่ไม่สามารถรองรับทุกคนได้ แต่สักวันหนึ่งฉันก็อยากจะทำซ้ำรายการนี้และหวังว่ามันจะกระตุ้นความสนใจเพราะเพลงนี้จำเป็นต้องได้รับการโปรโมต เธอคุ้มค่า.

MS: หวังว่าคุณจะทำมันอีกครั้ง

IG: ฉันอยากทำสิ่งนี้แน่นอน โดยเฉพาะกับ Dyachenko เพราะเขาสนใจเพลงนี้อย่างจริงใจและจริงใจมาก และเขาแสดงมันในแบบที่คุณอยากร้องเพลงจริงๆ จนกระทั่งคุณติดพลังของเขา นอกจากนี้ Dyachenko ยังเป็นนักเปียโนและผู้เล่นวงดนตรีชั้นนำอีกด้วย นอกจากนี้เขายังเป็นวาทยากรที่ยอดเยี่ยมและเราเข้าใจกันแทบไม่ต้องใช้คำพูดเลย

แต่เนื่องจากแผนสำหรับฤดูกาลหน้าพร้อมแล้ว บางทีอาจจะเป็นฤดูกาลหนึ่งก็ได้ ฉันอยากจะแสดงคอนเสิร์ตดนตรีรัสเซีย ความรักของรัสเซีย หรือเพลง ซึ่งจะมีผลงานของ Mussorgsky, Rachmaninov, Taneyev, Medtner ซึ่งมีความรักที่สวยงามมากมายมากมายและ Golovanov - นี่คือหนึ่งในสายพันธุกรรมของ เพลงรัสเซีย

MS: คุณร้องเพลงชูเบิร์ตใช่ไหม?

IG: ฉันแค่ร้องเพลง “The Forest King” ของ Schubert เท่านั้น ฉันคิดว่าฉันยังไม่พร้อมสำหรับวงจรของ Schubert

มส.: ทำไม?

IG: เพราะว่ามันยากมาก ประการแรกเป็นการยากที่จะหาเวลาทำ คุณต้องทำเป็นเวลานานคุณต้องทำหนึ่งรอบเป็นเวลาหลายเดือน ฉันยังไม่มีโอกาสเช่นนั้นและไม่รู้ว่ามันจะปรากฏตัวเมื่อใด ในทางกลับกัน คุณต้องหาเวลาแสดงคอนเสิร์ต หาคู่ หานักเปียโนที่ว่างในตอนนั้นและใครจะรับมือได้ มีปัญหามากมายที่นี่ และปัญหาที่สำคัญที่สุดคือความพร้อมภายในที่จะแสดง เพราะสำหรับฉัน มีความลึกลับทั้งในดนตรีของชูเบิร์ตและในดนตรีของโมสาร์ท ซึ่งฉันยังหาคำตอบไม่ได้ ฉันจึงไม่สัมผัสเพลงนี้ ลาก่อน.

MS: สำหรับสาธารณะ ดูเหมือนง่ายมาก แต่...

IG: นั่นคือประเด็น: เพลงของ Schubert ดูเรียบง่าย แต่เมื่อคุณเริ่มร้องเพลง คุณจะเข้าใจว่ามีความลึกซึ้งที่คนที่ค่อนข้างเป็นผู้ใหญ่เท่านั้นที่สามารถแสดงออกได้ โดยต้องมีประสบการณ์บางอย่างมาแล้ว เพราะทั้งบทกวีและดนตรีต้องการประสบการณ์ชีวิตบางอย่าง หากคุณทำสิ่งนี้อย่างไร้เดียงสามากพอ มันอาจไม่ได้ผล ฉันคิดว่าสักวันหนึ่งฉันจะเข้าใกล้เพลงนี้ แต่ไม่ใช่ตอนนี้

พูดตามตรง Beethoven อยู่ใกล้ฉันมากขึ้นเสมอ แม้ว่าฉันไม่ต้องการเปรียบเทียบ Beethoven กับ Schubert ก็ตาม แต่บางทีฉันอาจจะเริ่มด้วย Beethoven หรือ Brahms ฉันไม่รู้ สำหรับฉันดูเหมือนว่าตอนนี้มันอยู่ใกล้ฉันมากขึ้น มาดูกัน.

MS: โปรดบอกเราเกี่ยวกับแผนการสร้างสรรค์ของคุณสำหรับฤดูกาลหน้า

IG: ฤดูกาลควรเริ่มต้นด้วยการแสดงโอเปร่าที่โรงละครบอลชอยซึ่งจะจัดแสดงโดยอดอล์ฟ ชาปิโร ผู้กำกับละครชื่อดัง ฉันหวังว่าสิ่งนี้จะน่าสนใจและให้ความรู้สำหรับทุกคนที่เกี่ยวข้อง นี่คือโอเปร่าขนาดมหึมา ครั้งหนึ่งเคยเป็นโอเปร่าที่ฉันชื่นชอบโดยปุชชินี จริงๆ แล้วฉันเริ่มรู้จักกับผู้แต่งคนนี้ด้วย ฉันมีแผ่นเสียงที่บ้านที่ Caballe, Domingo, Sardinero ร้องเพลง - นี่เป็นบันทึกที่รู้จักกันดี และนี่คือโอเปร่าเรื่องแรกที่ฉันฟัง มันโดนใจฉันมาก แน่นอนว่าโอเปร่าของปุชชินีทุกตอนน่าทึ่งและยอดเยี่ยม แต่โอเปร่านี้มีบางสิ่งที่พิเศษที่ไม่มีในอย่างอื่น มีการลงโทษแบบหนึ่งที่ดังในท่วงทำนองบางเพลงโดยเฉพาะในองก์ที่สี่ความว่างเปล่าอันน่าสยดสยองเกิดขึ้นซึ่งไม่ใช่เรื่องปกติของดนตรีอิตาลี ในดนตรีอิตาลี แม้จะเศร้าที่สุด ก็ยังมีแสงสว่างอยู่เสมอ และทุกสิ่งที่นั่นช่างน่ากลัว มืดมน สิ่งที่คล้ายกันพบได้ในปุชชินี บางทีอาจมีแค่ใน “Madama Butterfly” และในเพลงสุดท้ายของหลิวใน “Turandot” แต่นี่คือกำลังสองแล้วกำลังสองอีกครั้ง ฉันยังคงจับได้ว่าตัวเองไม่สามารถฟังเพลงนี้ได้ทางร่างกายโดยเฉพาะองก์ที่สี่ - มันยากมากในทางจิตใจ แม้ว่าดนตรีที่นั่นจะน่าทึ่ง แต่ก็มีธรรมชาติที่เป็นลางร้ายมาก แต่ก็แทรกซึมเข้าไปในตัวคุณมากจนทำให้คุณหายใจไม่ออกจนยากที่จะต้านทาน มาดูกันว่าผลผลิตจะเป็นอย่างไร รอบปฐมทัศน์จะมีขึ้นในช่วงกลางเดือนตุลาคม

ในวันที่ 16 พฤศจิกายน จะมีคอนเสิร์ตที่ House of Music ใน Chamber Hall โดยมี Semyon Borisovich Skigin และ Ekaterina Morozova จาก Youth Program เราต้องร้องเพลง Mussorgsky ที่นั่น - "Paradise" และอาจเป็นวงจรเสียง "Without the Sun" บางทีเราอาจจะร้องเพลงอย่างอื่น ฝรั่งเศสหรือรัสเซีย เราจะได้เห็นกัน Katya จะร้องเพลง "Satires" โดย Shostakovich

ในช่วงปลายเดือนพฤศจิกายน มีการวางแผนคอนเสิร์ตร่วมกับนักเปียโนชาวอิตาลี Giulio Zappa และผู้สำเร็จการศึกษาที่ยอดเยี่ยมจากโครงการเยาวชน Nina Minasyan ที่โรงละคร Bolshoi ใน Beethoven Hall เป็นไปได้มากว่ามันจะเป็นเพลงฝรั่งเศสและอิตาลี แม้ว่าหลังจากการแสดงครั้งนี้ Giulio จะมีคอนเสิร์ตกับ Youth Program อีก 2 คอนเสิร์ต ซึ่งรายการนี้ยังมีดนตรีอิตาลีด้วย พวกเขากำลังเตรียมกวีนิพนธ์โรแมนติกของอิตาลีจาก Bellini, Donizetti, Tosti ถึง Respighi และนักเขียนชาวอิตาลีร่วมสมัย ดังนั้นเพื่อไม่ให้ตัวเองพูดซ้ำ ตอนนี้เรากำลังคิดว่าจะทำอย่างไรให้ดีที่สุด แต่ไม่ว่าในกรณีใดเขาเป็นนักเปียโนและนักดนตรีที่ยอดเยี่ยม ฉันอยากจะแสดงคอนเสิร์ตกับเขามานานแล้ว ฉันดีใจที่ในที่สุดมันจะได้ผลในฤดูกาลหน้า

ในเดือนธันวาคมที่โรงละครบอลชอยฉันคิดว่าจะมี "ดอนคาร์ลอส" หรือที่เรียกว่าการฟื้นฟู - การฟื้นฟูการผลิตฉันไม่ได้เข้าร่วมมานานแล้ว และปลายเดือนมกราคมจะมีการแสดงคอนเสิร์ต Journey to Reims ของ Rossini นี่คือโครงการของ Sokhiev และสัญญาว่าจะน่าสนใจมาก ในเดือนมีนาคม โรงละครบอลชอยจัดทัวร์คอนเสิร์ต "The Maid of Orleans" ซึ่งแสดงที่นี่ในปี 2014 นี่เป็นการแสดงครั้งแรกของ Sokhiev ที่โรงละครบอลชอย

จากนั้นฉันก็ไปที่โคโลญ ซึ่งฉันมี Lucia di Lammermoor แล้วก็ La Traviata ใน Glyndebourne นี่คือลักษณะของฤดูกาล

เอ็มซี: โชคดีนะ!

การสนทนาดำเนินรายการโดย Irina Shirinyan