วาไรตี้เป็นศิลปะการแสดงประเภทหนึ่งที่การแสดงคอนเสิร์ตสั้นๆ ของศิลปินตั้งแต่หนึ่งคนขึ้นไป (ผู้บรรยาย นักร้อง นักเล่นโคลงสั้น ๆ นักเต้น นักกายกรรม นักมายากล ฯลฯ) ประกอบขึ้นเป็นโปรแกรมหนึ่งซึ่งออกแบบตามกฎสำหรับการรับรู้ของมวลชน เวทีมีหลายด้านและหลากหลาย การรับรู้ของผู้ชมเกี่ยวกับศิลปะนี้ก็หลากหลายเช่นกัน สำหรับบางคน เวทีคือการแสดงดนตรีและวงดนตรีและนักแสดง สำหรับการแสดงที่สาม - การแสดงของนักแสดงตลก สำหรับการแสดงตลกสำหรับนักแสดงตลกหรือการเต้นรำร่วมสมัย รูปแบบของการดำรงอยู่ของศิลปะนี้ก็แตกต่างกันเช่นกัน: คอนเสิร์ตในสโมสร, โรงภาพยนตร์และห้องแสดงคอนเสิร์ต, การละเล่นของนักเรียนในห้องประชุมของสถาบัน, โปรแกรมการแสดงละครที่สนามกีฬาหรือใน Sports Palace, การแสดงของ Theatre of Miniatures, การแสดงใน Variety Theatre, คอนเสิร์ตเดี่ยว ฯลฯ และในแต่ละกรณี องค์ประกอบของผู้ชม ขนาดของผู้ชมจะเป็นตัวกำหนดคุณสมบัติของการแสดงสดแบบวาไรตี้

รากเหง้าของดนตรีป๊อปย้อนกลับไปในอดีตอันไกลโพ้น สามารถติดตามได้ในศิลปะสมัยโบราณ - อียิปต์, กรีซ, โรม, องค์ประกอบของมันอยู่ในการแสดงของนักแสดงตลกที่เดินทาง - ตัวตลก, ปิ่นปักผม, นักเล่นปาหี่, แดนดี้ ฯลฯ อย่างไรก็ตามใน รูปแบบสมัยใหม่ ศิลปะป๊อปที่พัฒนาขึ้นในยุโรปตะวันตกในช่วงศตวรรษที่ 19 ดังนั้น ผู้เยี่ยมชมร้านกาแฟในปารีสจึงได้รับความบันเทิงจากนักดนตรี นักร้อง นักแต่งเพลงประกอบละคร ซึ่งมีเนื้อหาเฉียบคมและเฉพาะประเด็น ความสำเร็จของร้านกาแฟดังกล่าวนำไปสู่การเกิดขึ้นขององค์กรบันเทิงขนาดใหญ่ - คาเฟ่คอนเสิร์ต (เอกอัครราชทูต Eldorado ฯลฯ ) ในอังกฤษที่โรงแรมขนาดเล็ก (โรงแรม) ห้องโถงดนตรีเกิดขึ้น - ห้องโถงดนตรีที่มีการเต้นรำเพลงการ์ตูนการแสดงละครสัตว์ แห่งแรกคือ Star Music Hall ซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2375

เช่นเดียวกับหอแสดงดนตรีในลอนดอน Alhambra ในปี 1869 Folies Bergère เปิดทำการในปารีส และอีกสองทศวรรษต่อมา Moulin Rouge ถูกเรียกว่า "วาไรตี้ฮอลล์" (จากภาษาฝรั่งเศส variété - variety) คำว่า "วาไรตี้" ค่อยๆ เริ่มนำมาใช้ไม่เพียงแต่กับโรงภาพยนตร์บางแห่งเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานศิลปะทั้งหมดซึ่งประกอบด้วยประเภทต่างๆ ซึ่งท้ายที่สุดแล้วการแสดงแบบองค์รวมจะถูกสร้างขึ้น

ในปีพ. ศ. 2424 ได้มีการเปิดการแสดงคาบาเร่ต์ศิลปะ (จากการแสดงคาบาเร่ต์ของฝรั่งเศส - บวบ) "Sha noir" ("Black Cat") ในปารีสซึ่งมีศิลปินนักแสดงและนักเขียนรุ่นเยาว์มารวมตัวกัน มักกล่าวถึงปัญหาสังคมและการเมืองเฉียบพลัน คาบาเรต์มีชื่อเสียงมากในเยอรมนี ออสเตรีย และประเทศอื่นๆ ในยุคของเรารูปแบบนี้ซึ่งแยกออกจากร้านกาแฟเริ่มมีอยู่ในฐานะโรงละครทางการเมืองและเหน็บแนมในรูปแบบเล็ก ๆ (เยอรมนี) โดยมีชื่อที่เปลี่ยนไปเล็กน้อย - คาบาเร่ต์

รายการวาไรตี้มาถึงรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 หลังจากรายการวาไรตี้โชว์ การแสดงคาบาเรต์ยังดึงดูดความสนใจจากสาธารณชนอีกด้วย พวกเขามีบรรพบุรุษของตัวเองในรัสเซียซึ่งเป็นผู้กำหนดความคิดริเริ่มของเวทีรัสเซียเป็นส่วนใหญ่ บูธเหล่านี้สร้างความสนุกสนานให้กับผู้ชมจากองค์ประกอบทางสังคมที่หลากหลายในวันหยุดและความหลากหลาย - รายการคอนเสิร์ตขนาดเล็กที่จัดขึ้นในโรงภาพยนตร์ก่อนและหลังการสิ้นสุดของการเล่นหลัก รายการที่หลากหลายรวมถึงเพลงรัสเซียและเพลงจากโอเปร่า การเต้นรำแบบคลาสสิกและการเต้นรำพื้นบ้าน บทกลอนจากเพลงประกอบละคร บทกวีและเรื่องราวที่แสดงโดยนักแสดงละคร โดยทั่วไปแล้วโรงละครมีอิทธิพลอย่างมากต่อเวทีรัสเซียซึ่งกำหนดความคิดริเริ่ม

หลังการปฏิวัติเดือนตุลาคม ศิลปินได้ละทิ้งโรงแสดงคาบาเรต์ การแสดงวาไรตี้ โรงละครขนาดเล็ก ไปจนถึงถนนและจัตุรัส ไปจนถึงผู้คนทั่วไป พวกเขาเปลี่ยนผู้บรรยายในคอนเสิร์ต การชุมนุม เดินทางด้วยคอนเสิร์ตไปยังแนวหน้าของสงครามกลางเมือง พูดที่สถานีจัดหางาน ในค่ายทหาร และสโมสรคนงาน ตอนนั้นเองที่แนวคิดของ "เวที" (จากฝรั่งเศส - เวที) แพร่กระจายไปทั่วพื้นที่ศิลปะ

พื้นฐานของศิลปะป๊อปอาร์ตคือการแสดงในเวลาสั้นๆ แต่สมบูรณ์ในรูปแบบ การแสดง (โดยศิลปินหนึ่งคนหรือหลายคน) ที่มีบทละครเป็นของตัวเอง ซึ่งเช่นเดียวกับการแสดงขนาดใหญ่ ควรมีการแสดง การถึงจุดสุดยอด และ ข้อไขเค้าความ หนังสั้นสื่อความหมายเข้มข้นถึงขีดสุด ดังนั้นจึงมีการใช้อติพจน์ พิสดาร ตลกโปกฮา และความเยื้องศูนย์กันอย่างแพร่หลายบนเวที ด้วยเหตุนี้ความสว่าง รายละเอียดที่เกินจริง การเปลี่ยนแปลงการแสดงในทันที ตัวเลขยังคงมีความสำคัญในการแสดงที่หลากหลาย (การแสดง การแสดง ฯลฯ) ที่สร้างขึ้นบนพื้นฐานของบทละคร (บทวิจารณ์) ในการแสดงดังกล่าว ตัวเลขจะรวมเป็นหนึ่งโดยรูปร่างของผู้สังเกตหรือโดยโครงเรื่องง่ายๆ

ศิลปินที่แสดงบนเวทีใช้หน้ากากที่เรียกว่าภาพบางภาพซึ่งโดดเด่นด้วยความมั่นคงไม่เพียง แต่รูปลักษณ์ภายนอกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงคุณสมบัติของตัวละครและชีวประวัติด้วย ภาพนี้เกิดจากจินตนาการทางศิลปะ อาจไม่เกี่ยวข้องกับบุคลิกของศิลปินเอง

อย่างไรก็ตาม บ่อยครั้งที่หน้ากากของศิลปินวาไรตี้กลายเป็นการแสดงบุคลิกของตัวเองอย่างเข้มข้น แต่เบื้องหลังหน้ากากใดก็ตามที่ศิลปินซ่อนไว้ เขาพูดกับผู้ชมโดยตรง พยายามรวมพวกเขาไว้ในการแสดง เพื่อทำให้พวกเขาเป็น "คู่สนทนา" ของเขา

ระหว่างทาง เวทีรัสเซียได้แก้ปัญหาต่าง ๆ นานา: มันปั่นป่วน ให้กำลังใจ สร้างแรงบันดาลใจ ให้การศึกษา รู้แจ้ง และแน่นอนว่าให้ความบันเทิง ความบันเทิงมีอยู่ในเวที ไม่เหมือนศิลปะอื่นใด แต่ก็ไม่เหมือนกับความไม่ลงรอยกัน เนื้อหาที่จริงจังมักจะซ่อนอยู่หลังความสดใสภายนอก ความสนุกสนาน และยิ่งศิลปินมีความสามารถมากเท่าใด ทักษะของเขาก็จะยิ่งสูงขึ้นเท่านั้น เขาก็ยิ่งสามารถสรุปความคิดที่จริงจังในรูปแบบที่ง่ายได้ดียิ่งขึ้น ตัวอย่างของการเป็นพลเมือง ความคมชัดของเนื้อหาทางสังคม และความสมบูรณ์แบบของรูปแบบศิลปะคือศิลปะการเสียดสีของ A. I. Raikin

ตามเนื้อผ้า สถานที่ขนาดใหญ่บนเวทีของเราเป็นประเภทที่เกี่ยวข้องกับคำ นี่คือเรื่องราว บทพูดคนเดียว ฉากเล็กๆ ฟียเลตอน โคลงกลอน ล้อเลียน เอนเตอร์เทนเนอร์ ภารกิจในการแนะนำผู้คนจำนวนมากให้รู้จักวัฒนธรรมในช่วงทศวรรษที่ 20-30 ศตวรรษที่ 20 นำรูปแบบของการอ่านเชิงศิลปะมาสู่ชีวิตจากเวทีวรรณกรรมสมัยใหม่และคลาสสิก ผู้อ่านศิลปินพยายามที่จะเปิดเผยโลกของผู้แต่ง ความคิดริเริ่มทางศิลปะของผลงานของเขาให้ผู้ชมได้รับรู้อย่างเต็มที่

สถานที่ชั้นนำบนเวทีถูกครอบครองโดยแนวดนตรีและเสียงร้อง: โรแมนติก, กวีและเพลงพื้นบ้าน, เพลงป๊อปและร็อค, แจ๊ส ฯลฯ ผู้ชมจำนวนมากมารวมตัวกันในคอนเสิร์ตเดี่ยวของนักร้องเพลงป๊อปชื่อดัง ในกระบวนการของการพัฒนา รูปแบบใหม่และทิศทางโวหารเกิดขึ้น พวกเขาทำให้เวทีดนตรีเต็มไปด้วยแนวคิดทางศิลปะที่สดใหม่ สะท้อนถึงจังหวะของเวลา การแสดงออกแบบท่าเต้นทั้งชุดและเดี่ยวมีการนำเสนออย่างกว้างขวางบนเวที: การเต้นรำพื้นบ้าน การบรรเลงด้วยพลาสติก เกมจำลองขนาดเล็ก การเต้นรำในจังหวะสมัยใหม่

การแสดงละครสัตว์ดึงดูดสายตา: นักเล่นกล นักเล่นกลลวงตา นักเชิดหุ่น นักกายกรรม นักไต่เชือก นักเล่นละครใบ้ สิ่งที่น่าตื่นเต้นมากมายเกิดขึ้นที่จุดตัดของประเภท: ละครใบ้และการแสดงผาดโผน ละครใบ้และการเล่นกล ฯลฯ ศิลปินหลายคนใช้ความแปลกประหลาดที่มีอยู่ในธรรมชาติของศิลปะวาไรตี้

ศิลปะที่หลากหลายได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางในสหภาพโซเวียต All-Union Olympiad of Theatre and Arts of the Peoples of the USSR ในปี 1930, All-Union Festival of Folk Dance ในปี 1936, ทศวรรษแห่งศิลปะประจำชาติของสาธารณรัฐสหภาพ, คอนเสิร์ตที่รายงานมีส่วนทำให้เกิดการก่อตัวของประเภทนี้ สร้างสรรค์ในหมู่ชนที่ไม่เคยรู้จักมาก่อนนอกจากรูปแบบนิทานพื้นบ้าน มีการจัดการแข่งขัน All-Russian และ All-Union ของเยาวชนที่มีความคิดสร้างสรรค์เป็นประจำ โดยธรรมชาติแล้วดนตรีป๊อปมีความเกี่ยวข้องกับโรงละคร ภาพยนตร์ วรรณกรรม และดนตรีมาโดยตลอด รูปแบบต่างๆ ของอิทธิพลร่วมกันของศิลปะวาไรตี้กับศิลปะอื่นๆ มีให้เห็นตลอดประวัติศาสตร์ ดนตรีแจ๊สและร็อครวมอยู่ในดนตรีไพเราะ การเต้นรำแบบวาไรตี้ การแสดงผาดโผนมีอิทธิพลต่อการออกแบบท่าเต้นแบบคลาสสิก หมายถึงเวทีภาพยนตร์ตลอดเวลา นักวิจารณ์เขียนเกี่ยวกับการจัดฉากของโรงละคร ในทางกลับกัน เวทีถูกจับโดยกระบวนการแสดงละคร มันส่งผลกระทบต่อทุกประเภทของมัน แนวโน้มทั่วไปของรายการละคร ไปจนถึงการสร้างการแสดง โรงละครวาไรตี้

ทุกคนรู้ถึงทักษะที่โดดเด่นของ K. I. Shulzhenko ซึ่งแสดงเพลงโคลงสั้น ๆ อย่างทะลุปรุโปร่ง



การแสดงโดย Tarapunka (Yuri Timoshenko) และ Plug (Efim Berezin ซ้าย)/



นักมายากล Harutyun Hakobyan บนเวที



The Beatles วงดนตรีอังกฤษชื่อดัง

หากมีชายสูงเกินสมควรอยู่บนเก้าอี้ข้างหน้าฉัน ฉันก็เริ่มรู้สึกว่าฉันหูตึง ไม่ว่าในกรณีใด เพลงดังกล่าวไม่ใช่เพลงป๊อปสำหรับฉัน อย่างไรก็ตาม มันก็เกิดขึ้นเช่นกันว่าสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีสามารถมองเห็นได้อย่างสมบูรณ์แบบ อย่างไรก็ตาม ถึงกระนั้นก็ตาม มันไม่ได้กลายเป็นความจริงของวาไรตี้อาร์ต ท้ายที่สุดแล้ว ศิลปินและผู้กำกับคนอื่นๆ ก็มุ่งความสนใจไปที่การทำให้หูของเราพอใจโดยไม่สนใจสายตาของเรา โดยเฉพาะอย่างยิ่งบ่อยครั้งที่คนเราประเมินค่าด้านที่งดงามของศิลปะป๊อปอาร์ตต่ำเกินไปในแนวดนตรี แต่อาการของโรคเดียวกันสามารถสังเกตได้จากการอ่านเชิงศิลปะและในความบันเทิง

- อืม - คุณว่า - อีกครั้งที่เรากำลังพูดถึงสิ่งที่รู้จักกันมานาน ศิลปินป๊อปหลายคนขาดวัฒนธรรมการแสดงบนเวที ซึ่งบางครั้งจำนวนของพวกเขาก็ปราศจากการแสดงออกทางพลาสติกและดูซ้ำซากจำเจ

อันที่จริง ข้อบกพร่องร้ายแรงเหล่านี้ซึ่งศิลปะป๊อปอาร์ตยังไม่ถูกเอาชนะ มักปรากฏในบทวิจารณ์ บทความที่เป็นปัญหา และการอภิปรายอย่างสร้างสรรค์ บางส่วนจะได้รับผลกระทบในบทความนี้ อย่างไรก็ตาม ฉันต้องการถามคำถามที่กว้างขึ้น เห็นได้ชัดว่าประเด็นที่นี่ไม่ใช่แค่การขาดทักษะเท่านั้น ข้อบกพร่องนี้ส่งผลกระทบต่อแม้แต่แนวเพลงป๊อปที่มุ่งสู่วิสัยทัศน์เท่านั้น นักกายกรรม นักเล่นกล นักเล่นกลลวงตา (แม้แต่ผู้ที่เก่งที่สุด เชี่ยวชาญในฝีมือของพวกเขา) ส่วนใหญ่มักจะทำบาปด้วยความซ้ำซากจำเจทางสายตาแบบเดียวกัน ขาดวัฒนธรรมพลาสติก ประเภทของประเภททั้งหมดจะลดลงตามกฎแล้วเป็นการสลับกันภายในจำนวนวงกลมของกลอุบายและเทคนิคที่ดำเนินการโดยประมาณหนึ่งวง ตราประทับที่พัฒนาขึ้นทุกปี (เช่น คู่ชายนักกายกรรม สูงและเล็ก ทำงานอย่างช้าๆ แสดงพลัง หรือนักเล่นปาหี่ผู้โศกเศร้าสวมชุดทักซิโด้พร้อมซิการ์และหมวก ฯลฯ) เท่านั้นที่ตอกย้ำ , ทำให้ถูกต้องตามกฎหมายกับแนวเพลงป๊อปยากจนที่น่าทึ่ง ขนบธรรมเนียมประเพณีที่ครั้งหนึ่งมีชีวิต กลายเป็นโซ่ตรวนสำหรับการพัฒนาศิลปะ

ฉันจะยกตัวอย่างนักเล่นกลสองคน - ผู้ชนะการแข่งขัน All-Russian ครั้งที่ 3 ล่าสุดของศิลปินวาไรตี้ I. Kozhevnikov ซึ่งได้รับรางวัลที่สองคือประเภทของนักเล่นปาหี่ตามที่อธิบายไว้: หมวกกะลา, ซิการ์, ไม้เท้าประกอบเป็นชุดสีของการแสดง, แสดงทักษะอย่างไร้ที่ติ E. Shatov ผู้ชนะรางวัลที่ 1 กำลังทำงานกับโพรเจกไทล์ละครสัตว์ - คอน ในตอนท้ายของมันคือท่อใสแคบที่มีเส้นผ่านศูนย์กลางลูกเทนนิส Shatov โยนลูกบอลลงในท่อเพื่อรักษาสมดุลบนหัวของเขา แต่ละครั้งคอนจะเติบโตขึ้นเรื่อย ๆ จนสูงเกือบสิบเมตร ด้วยส่วนใหม่แต่ละส่วนของส่วนแรก ประสิทธิภาพของตัวเลขจะคมชัดขึ้นและสื่อความหมายได้มากขึ้น ในที่สุด ความยาวของคอนกลายเป็นขนาดที่ไม่พอดีกับความสูงของเวที (แม้จะสูงเท่ากับในโรงละครวาไรตี้ก็ตาม) นักเล่นปาหี่มาอยู่ข้างหน้าโดยทรงตัวเหนือศีรษะของผู้ชมแถวหน้า ลูกบอลลอยขึ้นเกือบจะหายไปกับพื้นหลังของเพดานและจบลงในท่อ ตัวเลขนี้นอกเหนือจากความบริสุทธิ์พิเศษที่ใช้แสดงแล้ว ยังเป็นที่น่าสังเกตว่ามาตราส่วนการมองเห็นซึ่งเปลี่ยนแปลงเป็นครั้งคราวจะถูกรับรู้โดยผู้ที่นั่งอยู่ในหอประชุมในเอกภาพองค์รวม จากนี้ เอฟเฟ็กต์ที่ตื่นตาตื่นใจจะกลายเป็นสิ่งพิเศษ นอกจากนี้ยังเป็นความบันเทิงแบบป๊อปโดยเฉพาะ ลองนึกภาพหมายเลขของ Shatov บนหน้าจอทีวีหรือในภาพยนตร์สิ! ไม่ต้องพูดถึงข้อเท็จจริงที่ว่าองค์ประกอบที่ไม่คาดฝันไม่รวมอยู่ในโครงเรื่องโทรทัศน์หรือภาพยนตร์ที่ถ่ายทำล่วงหน้า (ด้วยเหตุนี้ เวทีและคณะละครสัตว์จะไม่มีวันปรากฏบนจอ!) ความมั่นคงของขนาดที่กำหนดโดยความมั่นคง ขนาดของหน้าจอและระยะการมองของเราจะทำให้เสน่ห์ของ Shatov ลดลง

งานศิลปะของ Shatov (ในระดับที่มากกว่าจำนวนของ Kozhevnikov) จะสูญเสียไปหากถูกถ่ายโอนไปยังทรงกลมของงานศิลปะอื่น นี่เป็นหลักฐานแรกที่แสดงถึงความหลากหลายที่แท้จริงของเขา หากการถ่ายโอนดังกล่าวสามารถดำเนินการได้อย่างง่ายดายโดยไม่มีการสูญเสียที่ชัดเจน เราสามารถพูดได้อย่างปลอดภัยว่างานนี้และผู้แต่งทำบาปต่อกฎหมายของป๊อปอาร์ต โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับแนวเพลงและสุนทรพจน์ของวิทยุป๊อป นักร้องเพลงป็อปของเราหลายคนฟังได้ดีที่สุดทางวิทยุ ซึ่งพวกเขาไม่ต้องมองหาทำนองพลาสติกที่เทียบเท่ากับเมโลดี้ที่กำลังเล่นอยู่ ต่อหน้าไมโครโฟนวิทยุนักร้องซึ่งเวทีนั้นทรมานอย่างแท้จริงรู้สึกดีมาก ในทางกลับกันนักร้องเพลงป๊อปประสบกับความไม่สะดวกบางอย่างทางวิทยุ: เขาไม่เพียงถูก จำกัด โดยการขาดการติดต่อกับผู้ชมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความจริงที่ว่าความแตกต่างของการแสดงที่มีอยู่ใน ด้านการมองเห็นของภาพจะขาดด้านเสียง แน่นอนว่าสิ่งนี้นำมาซึ่งผลกระทบที่ลดลง ฉันจำการบันทึกเพลงของ Yves Montand ครั้งแรกที่ Sergey Obraztsov นำมาจากปารีสได้ ตัวศิลปินเองนั้นลึกซึ้งและสำคัญกว่ามากเพียงใดเมื่อเราเห็นเขาร้องเพลงบนเวที: เสน่ห์ของดนตรีและคำพูดถูกเพิ่มเข้ามาด้วยเสน่ห์ของนักแสดงที่สร้างภาพลักษณ์ของมนุษย์ที่ปั้นได้ชัดเจนที่สุด Stanislavsky ชอบพูดซ้ำ: ผู้ชมไปที่โรงละครเพื่อเห็นแก่คำบรรยายเขาสามารถอ่านข้อความที่บ้านได้ สิ่งที่คล้ายกันอาจกล่าวได้เกี่ยวกับเวที: ผู้ชมต้องการดูการแสดงจากเวที เขาสามารถเรียนรู้ข้อความ (และแม้แต่ดนตรี) ในขณะที่อยู่ที่บ้าน อย่างน้อยก็ฟังทางวิทยุ ตัวอย่างเช่น การไปดูคอนเสิร์ตเพื่อฟัง Yuri Fedorishchev ซึ่งพยายามอย่างสุดกำลังเพื่อฟื้นฟูการแสดงเพลง "Mississippi" ของ Paul Robeson นั้นคุ้มค่าหรือไม่ ฉันคิดว่าในการบรรลุเป้าหมายของเขา Fedorishchev จะประสบความสำเร็จทางวิทยุมากกว่านี้ การฟัง "Mississippi" ทางวิทยุ เราอาจประหลาดใจว่าจับน้ำเสียงดนตรีของนักร้องนิโกรได้แม่นยำเพียงใด และในขณะเดียวกันเราก็ไม่สามารถสังเกตเห็นความเฉื่อยพลาสติกของ Fedorishchev ซึ่งขัดแย้งกับต้นฉบับ

ผู้อำนวยการของรายการที่ฉันบังเอิญได้ยิน Fedorishchev พยายามทำให้ความน่าเบื่อของการร้องเพลงของเขาสดใสขึ้น ในระหว่างการแสดงเพลงฝรั่งเศส "At Night Alone" ก่อนท่อนซึ่งธีมของพลเรือนเริ่มต้นขึ้น - ธีมของการต่อสู้เพื่อสันติภาพ ทันใดนั้นไฟในห้องโถงก็ดับลง มีเพียงแสงสีแดงของฉากหลังเท่านั้นที่ยังคงอยู่ ในส่วนที่น่าสมเพชที่สุดของเพลง ซึ่งต้องใช้การแสดงที่สดใส ผู้ชมพบว่าตัวเองถูกบังคับให้เป็นเพียงผู้ฟัง เพราะทั้งหมดที่เขาเห็นคือภาพเงาดำที่ไม่เคลื่อนไหวตัดกับพื้นหลังสีแดงสลัว ดังนั้นการกำกับ การแสวงหาการแสดงที่หลากหลายสำหรับผู้ชม ทำให้นักแสดงและงานโดยรวมกลายเป็นสิ่งเสียหายอย่างแท้จริง ความขาดแคลนอย่างน่าประหลาดใจของเทคนิคการให้แสง ซึ่งในกรณีที่อธิบายไว้ข้างต้นนำไปสู่การเปลี่ยนการเน้น เป็นหนึ่งในโรคของศิลปะวาไรตี้ของเรา ระบบเอฟเฟกต์แสงถูกสร้างขึ้นจากหลักการที่ตรงไปตรงมาและเป็นตัวอย่าง (ธีมของการต่อสู้เพื่อสันติภาพนั้นเกี่ยวข้องกับสีแดงไม่ใช่อย่างอื่น!) หรือบนหลักการของความสวยงามในห้องโถง (ความปรารถนาที่จะ "ยอมจำนน" นักแสดง โดยไม่คำนึงถึงเนื้อหาทางศิลปะของการแสดงและรูปแบบ) เป็นผลให้ยังไม่ได้ใช้ความเป็นไปได้ของแสงที่น่าสนใจที่สุด สามารถพูดได้เช่นเดียวกันเกี่ยวกับเครื่องแต่งกาย: ไม่ค่อยช่วยเสริมภาพลักษณ์ หากมีประเพณีที่ดีในการใช้เครื่องแต่งกายเพื่อเน้นย้ำถึงที่มาของบทบาท (เช่น แจ็กเก็ตกำมะหยี่พร้อมโบว์โดย N. Smirnov-Sokolsky ในขณะเดียวกันก็ช่วยเผยพระฉายาลักษณ์ที่หาได้ยากยิ่ง เมื่อเร็ว ๆ นี้ฉันได้เป็นพยานว่าชุดที่เลือกไม่สำเร็จทำให้ความประทับใจที่เกิดจากจำนวนลดลงอย่างมาก เรากำลังพูดถึง Kapigolin Lazarenko: นักร้องสวมชุดสีแดงสดที่มีความวุ่นวายขนาดใหญ่และเห็นได้ชัดว่าไม่สอดคล้องกับเพลง Come Back ที่ไพเราะและไพเราะ

การจัดแสง เครื่องแต่งกาย และการจัดฉากเป็นสามเสาหลักที่ด้านที่น่าตื่นตาตื่นใจของการแสดงวาไรตี้วางอยู่ แต่ละหัวข้อเหล่านี้มีค่าควรแก่การอภิปรายเป็นพิเศษ ซึ่งแน่นอนว่าบทความของฉันไม่สามารถเรียกร้องได้ ที่นี่ฉันจะสัมผัสเฉพาะด้านนั้นของเวทีเฉพาะที่ไม่สามารถสร้างใหม่ได้อย่างเพียงพอบนหน้าจอทีวีและโรงภาพยนตร์ เวทีมีกฎของพื้นที่และเวลาของตัวเอง: ระยะใกล้, การย่อ, การตัดต่อในโรงภาพยนตร์ (และโทรทัศน์) ซึ่งละเมิดเอกภาพของหมวดหมู่เหล่านี้หรือค่อนข้างสมบูรณ์, สร้างพื้นที่ใหม่และเวลาใหม่, ไม่เหมาะสำหรับ เวที เวทีเกี่ยวข้องกับแผนคงที่ เนื่องจากระยะห่างจากนักแสดงถึงผู้ชมแต่ละคนจะแตกต่างกันเล็กน้อย เฉพาะเท่าที่นักแสดงสามารถเดินเข้าไปในส่วนลึกของเวทีได้ ต้องพูดเหมือนกันเกี่ยวกับการตัดต่อ: มันเกิดขึ้นบนเวที (ถ้าเท่านั้น) ภายในทั้งหมดซึ่งมีอยู่ตลอดเวลาบนเวที การตัดต่อนี้สามารถสร้างได้ด้วยการจัดแสง (เทคนิคที่ใช้ประสบความสำเร็จในการแสดงของสตูดิโอวาไรตี้ของมหาวิทยาลัยแห่งรัฐมอสโก) หรือเกิดขึ้นในใจของผู้ชม พูดง่ายๆ ก็คือ เขาแยกบางส่วนออกจากการรับรู้ของเขาที่มีต่อภาพที่มองเห็น ในขณะที่ยังคงรักษาส่วนทั้งหมดไว้ในขอบเขตการมองเห็นของเขาต่อไป

เพื่อไม่ให้ดูไม่มีมูล ผมจะยกตัวอย่าง การแสดง "บ้านของเราคือบ้านของคุณ" โดย Moscow State University Variety Studio การค้นหาที่น่าสนใจมากสำหรับการแสดงออกของปรากฏการณ์กำลังดำเนินการในทีมนี้ ในเวลาเดียวกันบทกวีโคลงสั้น ๆ หรือชาดกซึ่งอิงจากความสัมพันธ์เชื่อมโยงกลายเป็นองค์ประกอบหลักของเรื่อง แต่สิ่งสำคัญคือต้องสังเกตว่าทั้งบทกวีและสัญลักษณ์เปรียบเทียบในการแสดงของสตูดิโอกลายเป็นรูปแบบของการบรรยายที่เป็นรูปเป็นร่างและเป็นภาพ (ตัวอย่างเช่น ตัวเลขทางเรขาคณิตที่ทาสีในตัวเลขตัวใดตัวหนึ่งช่วยเปิดเผยความหมายเชิงเสียดสีของแนวคิดที่สำคัญมากมาย) ในฉากที่เล่าถึงการจัดกิจกรรมสันทนาการของเยาวชน ("Youth Club") ผู้ชุมนุมประท้วง 4 คนซึ่งนั่งอยู่บนแท่นขนาดมหึมา 4 อัน ราวกับอยู่บนโพเดียม เปล่งวลีที่ประกอบกันเป็น abracadabra อันน่าทึ่ง ของการพูดลอยๆ และระบบราชการ ความสนใจของผู้ชมจะเปลี่ยนจากผู้กรีดร้องคนหนึ่งไปยังอีกคนหนึ่งทันที: ผู้พูดแสดงท่าทางพร้อมกับคำพูดของเขา (บางครั้ง ตรงกันข้ามกับคำพูดที่ซับซ้อน) ในขณะที่คนที่เหลือยังคงไม่เคลื่อนไหว ฉันคิดว่าฉากนี้ถ่ายทำในภาพยนตร์ ดูเหมือนว่าข้อความและฉากในฉากของเธอจะคาดเดาการตัดต่อในอนาคตอย่างไม่เปลี่ยนแปลง แบบจำลองแต่ละอันเป็นแบบโคลสอัพ การระเบิดด้วยปืนกลระยะใกล้ แบบจำลอง ท่าทาง แต่มีการสูญเสียที่สำคัญสองครั้งที่นี่ ประการแรก การขาดสิ่งเสริมสำหรับแบบจำลองแต่ละอัน: ท่าทางที่เยือกเย็นของตัวละครอื่นๆ และอย่างที่สองคือการแปลงบรรทัดทั้งหมดเป็นการสลับวลีโดยไม่เปลี่ยนความสนใจของเราจากอักขระหนึ่งไปยังอีกอักขระหนึ่ง ความแตกต่างซึ่งกลายเป็นอาวุธที่แข็งแกร่งที่สุดของผู้เขียนในฉากนี้ จะหายไปในภาพยนตร์อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้

คงจะผิดหากจะบอกว่าความคลาดเคลื่อน ความแตกต่างระหว่างคำและภาพเป็นคุณสมบัติของป๊อปอาร์ตเท่านั้น ทั้งละครเวทีและหน้าจอต่างก็รู้จักเขา แต่มีหลายวิธีในการบรรลุผลนี้ และมีความสำคัญมากในเวที ที่นี่มีการเปิดเผยความแตกต่าง มันแสดงให้เห็นว่าเป็นการปะทะกันของฝ่ายตรงข้ามโดยเจตนาโดยมีจุดประสงค์เพื่อจุดประกายเสียงหัวเราะ ฉันจะยกตัวอย่างนักแสดงที่ปรับปรุงความชำนาญของอาวุธเวทีนี้อย่างต่อเนื่องทุกปี ฉันหมายถึงวงนักร้อง "Yur" (Yu. Osintsev, Y. Makoveenko, Y. Bronstein, Y. Diktovich; ผู้กำกับ Boris Sichkin) ในเพลง "นักเดินทาง" วงสี่ร้องเพลงในขณะที่มือของศิลปินเปลี่ยนเป็นใบรับรองการเดินทาง (เปิดฝ่ามือ) และตราประทับสถาบัน (กำปั้นกำปั้น) ประทับตราให้เงิน ฯลฯ ทั้งหมดนี้ไม่ได้ เกิดขึ้นในรูปแบบของภาพประกอบ - รูปแบบของข้อความ แต่ขนานไปกับมันบางครั้งก็ประจวบกัน แต่ส่วนใหญ่อยู่ในแถวที่ขัดแย้งกัน เป็นผลให้จากการชนกันของคำกับท่าทางที่ไม่คาดคิด ความหมายใหม่ที่ไม่คาดคิดก็เกิดขึ้น ตัวอย่างเช่น นักธุรกิจที่เดินทางไปคนละทิศละทางไม่มีธุระอะไร นอกจากเล่นโดมิโนบนรถไฟ มือกวนข้อนิ้วเป็น "บังคับ" ในข้อความซึ่งกล่าวว่าเงินของผู้คนถูกใช้ไปโดยประมาทในการเดินทางเพื่อทำธุรกิจซึ่งกันและกัน จากนี้ท่าทางของมือที่ผสมกระดูกในจินตนาการจะกลายเป็นคำพูดที่ไพเราะมาก

งานสุดท้ายของสี่ - "โทรทัศน์" - เป็นความสำเร็จที่สร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขาอย่างแน่นอนในการใช้วิธีการแสดงออกทางสายตาของเวที ในที่นี้ สมาชิกของควอเตตทำหน้าที่ล้อเลียน เป็นนักอ่าน ละครใบ้ และแสดงละครได้อย่างเท่าๆ กัน นอกจากนี้ยังแสดงให้เห็นถึงทักษะการออกแบบท่าเต้นที่โดดเด่น กล่าวคือ เรากำลังพบเห็นแนวเพลงสังเคราะห์ที่คำว่า ดนตรี มีความเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับละครใบ้ การเต้นรำ ฯลฯ ยิ่งกว่านั้น เสรีภาพในการผสมผสานและการเปลี่ยนจากความสัมพันธ์แบบปานกลางไปสู่ อีกอันหนึ่งนั้นยอดเยี่ยมเท่าที่จะเป็นได้เฉพาะในวาไรตี้อาร์ตเท่านั้น ในระหว่างการแสดงต่อหน้าเราผ่านการล้อเลียนเกือบทุกประเภทที่มีอยู่
โทรทัศน์. การเปลี่ยนแปลงของพวกเขา เช่นเดียวกับการเปลี่ยนแปลงวิธีการที่ศิลปินใช้ ทำให้เกิดภาพที่งดงามมาก ความหลากหลายเป็นของศิลปะที่งดงามอย่างไม่ต้องสงสัย แต่มีศิลปะการแสดงมากมาย: โรงละคร ภาพยนตร์ ละครสัตว์ และปัจจุบันคือโทรทัศน์ ซึ่งเผยให้เห็นถึงศักยภาพทางสุนทรียะที่สำคัญ มีความสัมพันธ์กันอย่างไรในศิลปะกลุ่มนี้? ดูเหมือนว่าวาไรตี้เธียเตอร์ยังคงอยู่ในกรอบของศิลปะการละครแม้ว่าจะมีความคล้ายคลึงกันมากกับรูปแบบอื่นๆ โดยธรรมชาติแล้ว โรงละคร (เข้าใจในความหมายกว้างๆ ของคำนี้) มีการเปลี่ยนแปลงขอบเขตอย่างต่อเนื่อง ซึ่งในทางใดทางหนึ่งก็กลายเป็นพื้นที่คับแคบสำหรับเวทีไปแล้ว อย่างไรก็ตาม คุณสมบัติบางอย่างของป๊อปอาร์ต แม้จะมีวิวัฒนาการที่สำคัญ แต่ก็ยังคงไม่เปลี่ยนแปลง ประการแรกควรรวมหลักการของการจัดระเบียบภาพในรูปแบบของปรากฏการณ์ที่หลากหลาย และถ้าเราพูดถึงรูปแบบรูปภาพยังคงเป็นสิ่งสำคัญในเวทีสมัยใหม่ (ขึ้นอยู่กับแนวดนตรีบางประเภท)

ในบทความนี้ไม่สามารถพิจารณาทุกแง่มุมของหัวข้อได้ งานของฉันค่อนข้างเจียมเนื้อเจียมตัวมากขึ้น: ดึงความสนใจไปที่ปัญหาทางทฤษฎีบางอย่างของวาไรตี้อาร์ต ซึ่งส่วนใหญ่จะเป็นตัวกำหนดตำแหน่งของมันท่ามกลางศิลปะอื่นๆ และอธิบายธรรมชาติของการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ศิลปะวาไรตี้ของเรา ดังที่ทราบกันดีว่ากฎทางทฤษฎียังคงเป็นกฎที่จำเป็นสำหรับทุกคนเท่านั้น จนถึงวันที่ศิลปินแนวสร้างสรรค์ที่สดใสเข้ามาและทำลายขอบเขตที่ดูเหมือนจะผ่านไม่ได้เมื่อวานนี้ ทุกวันนี้ เรากำลังเห็นแนวศิลปะสังเคราะห์ของป๊อปอาร์ต: หลักการในอดีตไม่สามารถต้านทานแรงกดดันของการค้นพบใหม่ได้ สิ่งสำคัญคือต้องสังเกตว่าการเปลี่ยนแปลงอย่างต่อเนื่องทำให้แบนเนอร์มีการเปลี่ยนแปลงตลอดเวลา แต่โดยพื้นฐานแล้วไม่สั่นคลอนหลักการของเวทีในฐานะปรากฏการณ์

A. VARTANOV ผู้สมัครประวัติศาสตร์ศิลปะ

นิตยสารโซเวียตละครสัตว์ มีนาคม 2507

1.1 ประวัติความเป็นมาของป๊อปอาร์ต

คำว่า "เวที" (จากภาษาละติน strata) หมายถึง - พื้น, ชานชาลา, เนิน, ชานชาลา

คำจำกัดความที่ถูกต้องที่สุดของวาไรตี้อาร์ตในฐานะศิลปะที่ผสมผสานประเภทต่างๆ ไว้ในพจนานุกรมของ D.N. Ushakov: "วาไรตี้คือศิลปะในรูปแบบเล็กๆ พื้นที่ของการแสดงดนตรีที่น่าตื่นตาตื่นใจและการแสดงดนตรีบนเวทีเปิด ความเฉพาะเจาะจงอยู่ที่การดัดแปลงได้ง่าย ต่อเงื่อนไขต่างๆ ของการสาธิตในที่สาธารณะและการกระทำในระยะเวลาสั้นๆ ในรูปแบบทางศิลปะและการแสดงออก ศิลปะที่ก่อให้เกิดการระบุตัวตนที่สร้างสรรค์ของนักแสดงอย่างชัดเจน ในความเฉพาะเจาะจง ความเกี่ยวข้องทางสังคมและการเมืองอย่างเฉียบพลันของหัวข้อที่ครอบคลุม ในองค์ประกอบที่โดดเด่น ของอารมณ์ขัน เสียดสี สื่อสารมวลชน

สารานุกรมแห่งสหภาพโซเวียตให้คำจำกัดความของดนตรีป๊อปว่ามาจากภาษาฝรั่งเศส estrade ซึ่งเป็นรูปแบบศิลปะที่รวมถึงศิลปะการละครและเสียงร้องรูปแบบเล็กๆ ดนตรี การออกแบบท่าเต้น ละครสัตว์ ละครใบ้ ฯลฯ ในคอนเสิร์ต มีการแสดงตัวเลขที่แยกจากกัน ซึ่งรวมกันโดยผู้ให้ความบันเทิง พล็อต ในฐานะที่เป็นศิลปะอิสระก่อตั้งขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19

นอกจากนี้ยังมีคำจำกัดความของเวที:

พื้นที่เวทีถาวรหรือชั่วคราวสำหรับการแสดงคอนเสิร์ตของศิลปิน

ศิลปะที่หลากหลายมีรากฐานมาจากอดีตอันไกลโพ้น โดยมีร่องรอยมาจากศิลปะของอียิปต์โบราณและกรีกโบราณ แม้ว่าเวทีจะมีปฏิสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับศิลปะอื่นๆ เช่น ดนตรี ละครเวที การออกแบบท่าเต้น วรรณกรรม ภาพยนตร์ ละครสัตว์ โขน แต่ก็เป็นรูปแบบศิลปะที่เป็นอิสระและเฉพาะเจาะจง พื้นฐานของป๊อปอาร์ตคือ - "หมายเลขของพระองค์" - ดังที่ N. Smirnov-Sokolsky กล่าว 1 .

จำนวน - การแสดงเล็ก ๆ ศิลปินหนึ่งคนหรือมากกว่าพร้อมโครงเรื่อง จุดสุดยอด และข้อไขเค้าความ ความเฉพาะเจาะจงของการแสดงคือการสื่อสารโดยตรงของศิลปินกับสาธารณชน ในนามของเขาเองหรือในนามของตัวละคร

ในศิลปะยุคกลางของศิลปินพเนจร โรงละครตลกในเยอรมนี ตัวตลกในมาตุภูมิ โรงละครหน้ากากในอิตาลี ฯลฯ มีการอุทธรณ์โดยตรงของศิลปินต่อผู้ชมซึ่งทำให้ศิลปินคนต่อมากลายเป็นผู้มีส่วนร่วมโดยตรงในการกระทำ ระยะเวลาสั้นๆ ของการแสดง (ไม่เกิน 15-20 นาที) ต้องใช้ความเข้มข้นสูงสุดในการแสดงออก ความกระชับ และพลวัต การแสดงวาไรตี้จำแนกตามลักษณะเฉพาะออกเป็นสี่กลุ่ม กลุ่มสปีชีส์แรกควรมีหมายเลขภาษาพูด (หรือคำพูด) จากนั้นมาดนตรี, พลาสติก - ท่าเต้น, ผสม, ตัวเลข "ดั้งเดิม"

ศิลปะการแสดงตลกสร้างขึ้นจากการติดต่ออย่างเปิดเผยกับสาธารณะ เดล- ศิลปะ (หน้ากาก) ศตวรรษที่ XVI-PPXVII

การแสดงมักจะด้นสดตามฉากเรื่องราวทั่วไป เสียงดนตรีเป็นเพลงสลับฉาก (เสียงแทรก): เพลง การเต้นรำ เสียงบรรเลงหรือเสียงร้อง - เป็นแหล่งที่มาโดยตรงของเพลงป๊อป

ในศตวรรษที่ 18 มี การ์ตูนโอเปร่าและ เพลง. Vaudeville เป็นการแสดงที่น่าทึ่งด้วยดนตรีและมุขตลก ฮีโร่หลักของพวกเขา - คนธรรมดา - เอาชนะขุนนางที่โง่เขลาและชั่วร้ายมาโดยตลอด

และในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 แนวเพลงก็ถือกำเนิดขึ้น บทละคร(โอเปร่าขนาดเล็กตามตัวอักษร): ศิลปะการแสดงละครประเภทหนึ่งที่รวมเอาเสียงร้องและดนตรีบรรเลง การเต้นรำ บัลเลต์ องค์ประกอบของป๊อปอาร์ต บทสนทนา ในฐานะที่เป็นประเภทอิสระ บทละครปรากฏในฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2393 "บิดา" ของบทละครฝรั่งเศสและบทละครทั่วไปคือ Jacques Offenbach (1819-1880) ต่อมาประเภทดังกล่าวพัฒนาขึ้นใน "comedy of masks" ของอิตาลี

ความหลากหลายเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับชีวิตประจำวัน นิทานพื้นบ้าน และขนบธรรมเนียมประเพณี ยิ่งกว่านั้น พวกเขายังถูกคิดใหม่ ทันสมัย ​​และ "เหินห่าง" ความคิดสร้างสรรค์ป๊อปรูปแบบต่างๆ ถูกนำมาใช้เป็นงานอดิเรกที่สนุกสนาน

นี่ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ ในอังกฤษ ผับ (สถาบันสาธารณะ) เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 และกลายเป็นต้นแบบของหอแสดงดนตรี (หอแสดงดนตรี) ผับได้กลายเป็นสถานบันเทิงสำหรับประชาชนส่วนใหญ่ที่เป็นประชาธิปไตย ซึ่งแตกต่างจากร้านเสริมสวยของชนชั้นสูงที่เล่นดนตรีคลาสสิกเป็นส่วนใหญ่ ในผับมีการแสดงเพลง การเต้นรำ นักแสดงตลก ละครใบ้ กายกรรม แสดงฉากจากการแสดงยอดนิยมซึ่งประกอบด้วยการเลียนแบบและการล้อเลียนแสดงในผับพร้อมกับเปียโน ในเวลาต่อมา ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 คอนเสิร์ตคาเฟ่ได้แพร่หลาย เดิมทีเป็นตัวแทนของคาเฟ่วรรณกรรมและศิลปะ ที่ซึ่งกวี นักดนตรี และนักแสดงแสดงด้วยการแสดงด้นสดของพวกเขา ในการดัดแปลงต่าง ๆ พวกเขาแพร่กระจายไปทั่วยุโรปและกลายเป็นที่รู้จักในชื่อคาบาเรต์ (บวบ) ความบันเทิงไม่ได้แยกปัจจัยของจิตวิญญาณ ตำแหน่งพลเมืองเป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งสำหรับศิลปินวาไรตี้

ความสามารถในการปรับตัวของวาไรตี้อาร์ตให้เข้ากับผู้ชมได้ง่ายนั้นซ่อนเร้นอันตรายของการเกี้ยวพาราสีกับสาธารณะชน การยอมจำนนต่อรสนิยมที่ไม่ดี เพื่อไม่ให้ตกลงไปในเหวของความหยาบคายและความหยาบคายศิลปินต้องการพรสวรรค์รสนิยมและไหวพริบที่แท้จริง จากหมายเลขเพลงป๊อปแต่ละรายการ ผู้กำกับได้สร้างรายการขึ้นมา ซึ่งเป็นวิธีที่แสดงออกอย่างชัดเจนเช่นกัน การเชื่อมต่อการติดตั้งรูปแบบขนาดเล็กอย่างอิสระ แยกออกจากความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะประเภทต่างๆ และรักษาอย่างอิสระ ซึ่งนำไปสู่การกำเนิดของศิลปะที่มีสีสัน วาไรตี้โชว์. ศิลปะของการแสดงวาไรตี้มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับโรงละคร ละครสัตว์ แต่ไม่จำเป็นต้องมีการแสดงละครที่เป็นระบบ ความธรรมดาของโครงเรื่อง การขาดการพัฒนาของการกระทำ (ละครหลัก) ก็เป็นลักษณะเฉพาะของการแสดงขนาดใหญ่เช่นกัน การแสดง(จาก fr. - รีวิว). ส่วนที่แยกจากกันของบทวิจารณ์นั้นเชื่อมโยงกันด้วยแนวคิดเชิงปฏิบัติและสังคมร่วมกัน ในฐานะที่เป็นประเภทละครเพลง การแสดงผสมผสานองค์ประกอบของการแสดงคาบาเรต์ บัลเลต์ และการแสดงวาไรตี้ การแสดงชุดนี้มีจุดเด่นอยู่ที่ดนตรี การร้องเพลง และการเต้นรำ รายการวาไรตี้มีการดัดแปลงของตัวเอง:

- รายการวาไรตี้จากตัวเลขแต่ละตัว

- วาไรตี้โชว์

- คาบาเร่ต์เต้นรำ

- การแสดง

ในศตวรรษที่ 20 การแสดงกลายเป็นการแสดงความบันเทิงที่ยอดเยี่ยม มีหลายชุดในสหรัฐอเมริกาที่เรียกว่า แสดง.

เวทีดนตรีประกอบด้วยดนตรีเบา ๆ ประเภทต่าง ๆ : เพลง, ข้อความที่ตัดตอนมาจากละครเพลง, ละครเพลง, การแสดงวาไรตี้ในรูปแบบที่หลากหลายของงานบรรเลง ในศตวรรษที่ 20 เวทีเต็มไปด้วยดนตรีแจ๊สและเพลงยอดนิยม

ดังนั้นป๊อปอาร์ตจึงมาไกล และวันนี้เราสามารถสังเกตเห็นประเภทนี้ในรูปแบบและการแสดงที่แตกต่างกัน ซึ่งแสดงให้เห็นว่าการพัฒนาไม่หยุดนิ่ง

ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของผู้แต่งคือการสร้างและการแสดงผลงานทางดนตรีของผู้แต่งในแบบสมัครเล่น ตามประเพณีที่พัฒนาขึ้นในประเทศของเรา AMST มักถูกเข้าใจว่าเป็นการแต่งเพลง (เช่น ...

คุณสมบัติทางเสียงของอูคูเลเล่

รูปที่ 1 อูคูเลเล่เป็นอูคูเลเล่สี่สายขนาดจิ๋วที่ปรากฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 บนเกาะของหมู่เกาะฮาวายซึ่งตั้งอยู่ทางตอนเหนือของมหาสมุทรแปซิฟิก ผู้สร้างเป็นผู้อพยพชาวโปรตุเกส...

ปัญหาคุณค่าทางศิลปะของดนตรี

เพลง... อะไรนะ? จุดแข็งของเธอคืออะไร? ผู้คนคิดเรื่องนี้มานานแล้ว “เสียงดนตรีล้วนมาจากใจมนุษย์ ดนตรีเชื่อมโยงกับความสัมพันธ์ระหว่างมนุษย์กับมนุษย์ ... ดังนั้นคุณต้องเข้าใจเสียง ...

การเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วผิดปกติในสภาพชีวิตสมัยใหม่ทำให้ผู้คนต้องทำการประเมินอย่างเพียงพอและตัดสินใจอย่างรวดเร็ว เพื่อที่จะบรรลุศักยภาพของตนได้สำเร็จมากขึ้น...

กระบวนการสร้างความสามารถทางดนตรีและความคิดสร้างสรรค์ของสมาชิกกลุ่มวาไรตี้สมัครเล่น

เยาวชนอายุตั้งแต่ 17 ถึง 20 ปีมีช่วงสำคัญในกระบวนการทั่วไปของการกลายเป็นบุคคลในฐานะบุคคล เมื่ออยู่ในกระบวนการสร้างตัวละครใหม่ โครงสร้างและองค์ประกอบของกิจกรรมของวัยรุ่น . ..

การพัฒนารสนิยมทางดนตรีของเด็กวัยประถมศึกษาในคาบเรียนดนตรี

อย่างจริงจังในการพัฒนารสนิยมทางดนตรีของนักเรียนได้รับอิทธิพลจากพื้นที่ต่างๆของดนตรีสมัยใหม่ นี่คือดนตรีร็อค เทคโน ป๊อป แร็พ และแนวทางอื่นๆ หนึ่งในคำถามแรกที่ผู้คนถามเมื่อพบกัน...

ปัญหาของโอเปร่าแห่งชาติคือหัวใจสำคัญของงานทั้งหมดของเวเบอร์ โอเปร่าที่ดีที่สุด 3 เรื่องของเขา - "Free Gunner", "Evryant", "Oberon" แสดงเส้นทางและทิศทางที่แตกต่างกัน...

เพลงป๊อปเป็นเครื่องมือในการให้ความรู้แก่รสนิยมทางดนตรีของวัยรุ่น

Estrada เป็นศิลปะการแสดงละครประเภทหนึ่งซึ่งหมายถึงทั้งประเภทที่แยกจากกันและการสังเคราะห์ประเภท มีทั้งการร้องเพลง การเต้นรำ การแสดงดั้งเดิม ศิลปะละครสัตว์ ภาพลวงตา...

เต้นรำบนเวที - หมายเลขเต้นรำสั้น ๆ , เดี่ยวหรือกลุ่ม, นำเสนอในคอนเสิร์ตวาไรตี้กลุ่ม, รายการวาไรตี้, โรงละครดนตรี, โรงละครขนาดเล็ก, การแสดงร่วมกับและเสริมรายการของนักร้อง, ตัวเลขเป็นต้นฉบับแม้ในประเภทเสียงพูด . มันพัฒนาบนพื้นฐานของการเต้นรำพื้นบ้าน การเต้นรำประจำวัน (บอลรูม) บัลเล่ต์คลาสสิก การเต้นรำสมัยใหม่ ยิมนาสติก การแสดงผาดโผน , ในการก้าวข้ามอิทธิพลต่างชาติและประเพณีของชาติต่างๆ ธรรมชาติของการเต้นรำปั้นถูกกำหนดโดยจังหวะสมัยใหม่ซึ่งเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของศิลปะที่เกี่ยวข้อง: ดนตรี, โรงละคร, ภาพวาด, ละครสัตว์, ละครใบ้

ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาทิศทางการเต้นรำสามารถแบ่งตามเงื่อนไขออกเป็นสองเหตุการณ์สำคัญ: ช่วงเวลาก่อนศตวรรษที่ 20 และระยะเวลาที่เริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 20 จนถึงปัจจุบัน

นอกจากศิลปินพเนจรในยุคกลางและการแสดงของพวกเขาแล้ว ความหลากหลายยังถือเป็นต้นกำเนิดของการเต้นที่หลากหลายสมัยใหม่อีกด้วย เป็นฉากที่ใน XVII-XVIII แสดงระหว่างการแสดงดนตรีหรือส่วนหนึ่งของการแสดงละคร โอเปร่าอาเรียมีการแสดงที่หลากหลาย ผู้ชมสามารถเห็นข้อความที่ตัดตอนมาจากบัลเลต์ ฟังเพลงพื้นบ้าน และท้ายสุด เพลิดเพลินกับการเต้นรำ ในรัสเซีย ต้นกำเนิดของเวทีเต้นรำพบได้ในการแสดงของนักเต้นในรัสเซียและนักร้องประสานเสียงยิปซีตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 - ในงานเทศกาลพื้นบ้าน ปลายศตวรรษที่ 19 มีการแสดงคอนเสิร์ตเป็นกลุ่มบนเวทีของสวน "voxals" และร้านกาแฟ

การเต้นรำยอดนิยมของศตวรรษที่ 19 - สามารถ(Cancan ฝรั่งเศสจาก Canard - Duck), การเต้นรำแบบฝรั่งเศสที่มีต้นกำเนิดจากแอลจีเรีย, 2 จังหวะ, จังหวะเร็ว ลักษณะเฉพาะ - ขว้างขากระโดด แพร่หลายตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 มีการใช้กันอย่างแพร่หลายในละครโอเปร่าคลาสสิกและรายการวาไรตี้ เราสามารถพูดได้ว่าด้วยการถือกำเนิดของ cancan ยุคการเต้นรำใหม่เริ่มต้นขึ้น กระป๋องมีต้นกำเนิดในปารีสประมาณปี 1830 เป็นการเต้นรำของผู้หญิงที่แสดงบนเวทีพร้อมกับยกขาสูง ในช่วงทศวรรษที่ 1860 มีการเปิดชั้นเรียนเต้นรำหลายแห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งส่วนใหญ่พวกเขาเต้นแคนแคน

การเต้นรำที่เป็นที่นิยมอีกอย่างหนึ่งของศตวรรษที่ 19 คือการเต้นรำแบบเค้ก

เค้กวอล์ค -(เช่น Cakewalk, Cake Walk; Cakewalk ภาษาอังกฤษ - การเดินกับเค้ก) - การเดินขบวนเต้นรำที่เป็นที่นิยมของชาวแอฟริกัน - อเมริกันตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 คุณสมบัติลักษณะเฉพาะ: จังหวะเร็ว, ลายเซ็นเวลา - 2 จังหวะ, จังหวะที่ประสานกัน, คอร์ดที่สร้างเสียงแบนโจ, คลังสินค้าตลกขี้เล่น จังหวะที่เน้นเสียงชัดเจนตามแบบฉบับของ Cake Walk ต่อมาได้ก่อตัวเป็นพื้นฐานของแร็กไทม์ และอีกสองทศวรรษต่อมาได้กำหนดรูปแบบของป๊อปแจ๊ส Cake Walk เป็นส่วนหนึ่งของการแสดงตลกขบขันของโรงละครนักร้องในอเมริกาเหนือในศตวรรษที่ 19 ซึ่งแสดงด้วยเพลงเร็วที่สอดประสานกันในแนวแร็กไทม์ยุคหลัง ในปีสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 การเดินเค้กซึ่งแยกออกจากเวทีนักร้องได้แพร่หลายในยุโรปในรูปแบบของการเต้นรำในร้านเสริมสวย นักออกแบบท่าเต้นป๊อปแดนซ์

บนเวทีนักร้อง การเดินเค้กมีความหมายเชิงสัญลักษณ์พิเศษ มันเป็นฉากเดินเล่นที่พวกนิโกรแต่งตัวโป๊ ควงแขนกับผู้หญิงที่แต่งตัวตามสมัยนิยม จำลองขบวนขันหมากของสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษผิวขาวในวันอาทิตย์ในรูปแบบการ์ตูน การแสดงลักษณะภายนอกของผู้ปลูก แดนดี้สีดำเยาะเย้ยความสำคัญที่โง่เขลาของพวกเขา ความหมองคล้ำทางจิตใจ ความพึงพอใจในตนเองของความเหนือกว่าในจินตนาการ รูปแบบของการเยาะเย้ยที่ซ่อนอยู่ในการเดินเค้กพบการสะท้อนเฉพาะในทรงกลมเสียง

ดนตรีเต้นรำซึ่งแสดงออกโดยเน้นเสียงเคาะและจังหวะเมโทรที่ซับซ้อนกว่ามาก มีบทบาทเชิงนวัตกรรมที่สำคัญ เปิดแนวทางใหม่สำหรับการพัฒนาศิลปะดนตรีสมัยใหม่ หลักการทางดนตรีใหม่ถูกนำมาใช้ในจิตวิทยาของผู้ชมที่กว้างที่สุด ในตอนแรกในสหรัฐอเมริกาเท่านั้น จากนั้นในยุโรป ต่อต้านทุกสิ่งที่นักแต่งเพลงชาวยุโรปยืนยันมานานหลายศตวรรษ รูปแบบดนตรีของเค้กวอล์คพบได้ในเปียโนของร้านเสริมสวย และในเพลงป๊อปสำหรับการบรรเลงแบบดั้งเดิม และในการเดินขบวนสำหรับแตรวง และบางครั้งในการเต้นรำบอลรูมที่มีต้นกำเนิดจากยุโรป “แม้ในเพลงวอลทซ์ การประสานเสียงก็ปรากฏขึ้น ซึ่ง Waldteuffel และ Strauss ไม่เคยคิดฝันถึง” (Blesh R., Janis H. พวกเขาเล่นแร็กไทม์) ประเภทเค้กวอล์คถูกใช้โดยนักประพันธ์เพลงเชิงวิชาการหลายคน (เช่น Debussy, Stravinsky เป็นต้น)

นวัตกรรมการเดินเค้กไม่ได้มีแค่ในด้านดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการออกแบบท่าเต้นด้วย สิ่งนี้แสดงให้เห็นในการเคลื่อนไหวพิเศษของขาซึ่งดูเหมือนจะเป็น "อิสระ" ของร่างกายนักเต้น เช่นเดียวกับการเต้นรำอื่น ๆ ของคณะนักร้องประสานเสียง ร่างกายของผู้แสดงยังคงอยู่ในสภาพสมดุลและถูกควบคุมอย่างเคร่งครัด มือของเขาห้อยระโยงระยางเหมือน "ผ้าขี้ริ้ว" ที่ทำอะไรไม่ถูก พลังทั้งหมดของนักเต้น ทักษะที่เป็นปรากฎการณ์ทั้งหมดของเขา และจังหวะที่เวียนหัวรวมอยู่ในการเคลื่อนไหวของขา สำเนียงแบบซิงโครนัสที่แม่นยำที่เกิดจากส้นของเท้าข้างหนึ่งและปลายเท้าของอีกข้างหนึ่ง ชนิดของ "เคาะ" เหยียบย่ำด้วยพื้นไม้ วิ่งไปข้างหน้าด้วยส้นเท้า ฟรีราวกับว่า "สับเปลี่ยน" วุ่นวาย อัตราส่วนของขาที่ "ไม่แยแส" และ "ขาที่แกว่งไปมา" ซึ่งผิดปกติสำหรับนักเต้นบัลเลต์แบบดั้งเดิม เน้นย้ำถึงผลกระทบที่ตลกขบขันของความใจเย็นภายนอก ซึ่งแยกออกจากภาพหน้ากากเยือกแข็งไม่ได้

การเดินเค้กมีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะการเต้นรำของปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX มันให้กำเนิดการเต้นรำจำนวนมากที่แทนที่การเต้นโพลกา การเต้นรำแบบสแควร์ การเต้นรำแบบคันทรี่ และการเต้นรำยอดนิยมอื่น ๆ ในอดีตที่ผ่านมาจากการใช้ทางวัฒนธรรม การเต้นรำใหม่ล่าสุดเหล่านี้ - Grizzly bar, bunny hag, texas tommy, tarki trot ฯลฯ โดดเด่นด้วยจังหวะ 2 จังหวะพิเศษซึ่งแยกออกจากการเดินเค้กไม่ได้ และเอฟเฟกต์ "โยก" ที่เป็นเอกลักษณ์ วิวัฒนาการของพวกเขาจบลงด้วยทูสเต็ปและฟ็อกซ์ทรอตที่รู้จักกันดีซึ่งได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางทั่วโลกและยังคงอยู่ในละครเต้นรำในครัวเรือนเป็นเวลาหลายปี

ความมั่งคั่งเริ่มแรกของการเต้นรำเหล่านี้เกิดขึ้นพร้อมกับจุดสูงสุดของความนิยมของแร็กไทม์และจุดเริ่มต้นของ "ยุคแจ๊ส"

เวที- ศิลปะบนเวทีประเภทหนึ่งที่สื่อถึงทั้งประเภทที่แยกจากกันและการสังเคราะห์ประเภท: การร้องเพลง การเต้นรำ การแสดงต้นฉบับ ศิลปะละครสัตว์ ภาพลวงตา

เพลงป๊อบ- ศิลปะดนตรีที่ให้ความบันเทิงส่งถึงผู้ชมที่กว้างที่สุด

ดนตรีประเภทนี้ได้รับการพัฒนามากที่สุดในศตวรรษที่ 20 โดยปกติจะรวมถึงเพลงเต้นรำ เพลงต่างๆ ผลงานสำหรับวงดนตรีป๊อปและซิมโฟนีออร์เคสตร้า ตลอดจนวงดนตรีที่ใช้เสียงและเครื่องดนตรี

บ่อยครั้งที่เพลงป๊อปถูกระบุด้วยแนวคิดทั่วไปของ "ดนตรีเบาๆ" นั่นคือ ง่ายต่อการเข้าใจ เข้าถึงได้ทั่วไป ในแง่ประวัติศาสตร์ ดนตรีเบาๆ สามารถนำมาประกอบกับงานคลาสสิกที่มีเนื้อหาเรียบง่ายและได้รับความนิยมในระดับสากล เช่น บรรเลงโดย F. Schubert และ J. Brahms, F. Lehar และ J. Offenbach, วอลทซ์โดย J. Strauss และ A. K. Glazunov, "Little Night serenade" โดย W. A. ​​Mozart

ในธรรมชาติและระดับสุนทรียศาสตร์ที่กว้างใหญ่และแตกต่างกันอย่างมากนี้ พื้นที่ของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีในแง่หนึ่ง วิธีการแสดงออกแบบเดียวกันนี้ถูกนำมาใช้ในดนตรีที่จริงจัง ในทางกลับกัน เฉพาะของพวกเขาเอง .

คำว่า "วาไรตี้ออเคสตร้า" ถูกเสนอโดย L. O. Utyosov ในช่วงปลายยุค 40 ซึ่งทำให้สามารถแยกแนวคิดออกเป็นสองแนวคิด:
เพลงป๊อปและแจ๊ส

ดนตรีป๊อปและแจ๊สสมัยใหม่มีคุณสมบัติทั่วไปหลายอย่าง: การมีจังหวะการเต้นเป็นจังหวะคงที่ซึ่งดำเนินการโดยส่วนจังหวะ ลักษณะเด่นของงานเต้นรำที่แสดงโดยกลุ่มป๊อปและแจ๊ส แต่ถ้าดนตรีแจ๊สมีลักษณะเฉพาะคือการแสดงแบบด้นสด คุณสมบัติพิเศษของจังหวะก็คือการสวิง และบางครั้งรูปแบบของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ก็ค่อนข้างยากที่จะเข้าใจ ดังนั้นดนตรีป๊อปจึงมีความโดดเด่นด้วยภาษาดนตรี ท่วงทำนอง และจังหวะที่เรียบง่ายที่สุด

ประเภทการประพันธ์เพลงป็อปที่พบมากที่สุดประเภทหนึ่งคือป๊อปซิมโฟนีออร์เคสตร้า (ESO) หรือซิมโฟแจ๊ส ในประเทศของเรา การก่อตัวและการพัฒนาของ ESO มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ V. N. Knushevitsky, N. G. Minkh, Yu. V. Silantiev บทเพลงของวงซิมโฟนีออร์เคสตร้ามีความหลากหลายมาก ตั้งแต่บทเพลงออเคสตร้าดั้งเดิมและจินตนาการในธีมที่เป็นที่รู้จัก ไปจนถึงบทเพลงประกอบละครและโอเปเรตตา

นอกเหนือจากส่วนจังหวะที่ขาดไม่ได้และองค์ประกอบเครื่องเป่าเต็มรูปแบบของวงดนตรีขนาดใหญ่ (กลุ่มแซกโซโฟนและกลุ่มเครื่องเป่า) ESO ยังรวมถึงกลุ่มเครื่องดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตร้าแบบดั้งเดิม เช่น เครื่องลมไม้ แตร และเครื่องสาย (ไวโอลิน วิโอลา เชลโล) อัตราส่วนของกลุ่มใน ESO ใกล้เคียงกับวงดุริยางค์ซิมโฟนี: กลุ่มเครื่องสายมีอิทธิพลเหนือ ซึ่งเป็นผลมาจากธรรมชาติของดนตรีที่ไพเราะเป็นส่วนใหญ่สำหรับ ESO เครื่องลมไม้มีบทบาทสำคัญ หลักการของการออเคสตร้านั้นใกล้เคียงกับที่ใช้ในวงซิมโฟนีออร์เคสตร้ามาก แม้ว่าการมีส่วนจังหวะที่เร้าใจอย่างต่อเนื่องและบทบาทที่กระตือรือร้นของกลุ่มเครื่องเป่าลม (และบางครั้งแซกโซโฟน) บางครั้งก็คล้ายกับเสียงของวงออเคสตราแจ๊ส บทบาทเชิงสีสันที่สำคัญใน ESO บรรเลงโดยพิณ ไวบราโฟน ทิมปานี

ESO เป็นที่นิยมมากในประเทศของเรา การแสดงของพวกเขาออกอากาศทางวิทยุและโทรทัศน์ ส่วนใหญ่มักจะแสดงดนตรีประกอบภาพยนตร์ เข้าร่วมในคอนเสิร์ตและเทศกาลต่างๆ มากมาย นักแต่งเพลงชาวโซเวียตหลายคนเขียนเพลงสำหรับ ESO โดยเฉพาะ เหล่านี้คือ A. Ya. Eshpay, I. V. Yakushenko, V. N. Ludvikovsky, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu. S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter -letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V. Kalvarsky และคนอื่น ๆ

แนวเพลงป๊อปประกอบด้วยเพลงป๊อปประเภทต่างๆ: เพลงโรแมนติกแบบดั้งเดิม เพลงโคลงสั้น ๆ สมัยใหม่ เพลงในจังหวะการเต้นที่มีดนตรีประกอบที่พัฒนาแล้ว สิ่งสำคัญที่รวมเพลงป๊อปหลายประเภทเข้าด้วยกันคือความต้องการของผู้แต่งในการเข้าถึงและการจดจำเมโลดี้ได้สูงสุด รากเหง้าของประชาธิปไตยดังกล่าวอยู่ในความรักแบบเก่าและในนิทานพื้นบ้านในเมืองสมัยใหม่

เพลงป๊อปไม่ได้เป็นเพียงความบันเทิงที่บริสุทธิ์ ดังนั้นในเพลงป๊อปของโซเวียตธีมของการเป็นพลเมือง ความรักชาติ การต่อสู้เพื่อสันติภาพ ฯลฯ ฟังดู F. Tukhmanov และนักแต่งเพลงโซเวียตคนอื่น ๆ ไม่เพียง แต่เป็นที่รักในประเทศของเราเท่านั้น เพลง "Moscow Evenings" ของ Solovyov-Sedoy ได้รับการยอมรับไปทั่วโลกอย่างแท้จริง ในศตวรรษที่ XX เพลงเต้นรำประเภทต่าง ๆ ประสบความสำเร็จซึ่งกันและกัน ดังนั้นจังหวะแทงโก้ รัมบ้า ฟ็อกซ์ทร็อตจึงถูกแทนที่ด้วยร็อกแอนด์โรล จังหวะบิดและสั่นเข้ามาแทนที่ จังหวะแซมบ้าและบอสซาโนวาได้รับความนิยมอย่างมาก เป็นเวลาหลายปีที่สไตล์ดิสโก้แพร่หลายในเพลงป๊อปและแดนซ์ มันเกิดขึ้นจากส่วนผสมของดนตรีบรรเลงของนิโกรที่มีองค์ประกอบของการร้องเพลงและความเป็นพลาสติก ซึ่งเป็นลักษณะของนักร้องป๊อปจากละตินอเมริกา โดยเฉพาะอย่างยิ่งจากเกาะจาเมกา ความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดในยุโรปตะวันตกและสหรัฐอเมริกากับอุตสาหกรรมการบันทึกเสียงและการฝึกฝนดิสโก้ เพลงสไตล์ดิสโก้กลายเป็นหนึ่งในกระแสความนิยมที่เคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วของดนตรีป๊อปและแดนซ์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20

ในบรรดานักแต่งเพลงชาวโซเวียตที่วางประเพณีในประเทศในแนวเพลงเต้นรำ ได้แก่ A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky และคนอื่น ๆ

เพลงร็อคร่วมสมัยสามารถนำมาประกอบกับดนตรีป๊อปได้ ในวัฒนธรรมดนตรีของยุโรปตะวันตกและสหรัฐอเมริกา เทรนด์นี้มีสีสันมากในแง่ของระดับอุดมการณ์และศิลปะและหลักการทางสุนทรียศาสตร์ มันถูกนำเสนอโดยผลงานที่แสดงการประท้วงต่อต้านความอยุติธรรมทางสังคม การเกณฑ์ทหาร สงคราม และโดยงานที่สั่งสอนอนาธิปไตย การผิดศีลธรรม และความรุนแรง สไตล์ดนตรีของวงดนตรีที่เป็นตัวแทนของเทรนด์นี้มีความหลากหลายไม่แพ้กัน อย่างไรก็ตาม พวกมันมีพื้นฐานทั่วไปและมีลักษณะเด่นบางประการ

หนึ่งในคุณลักษณะเหล่านี้คือการใช้การร้องเพลง การเดี่ยวและการรวมวง และด้วยเหตุนี้ ข้อความซึ่งมีเนื้อหาที่แยกจากกัน และเสียงของมนุษย์เป็นสีพิเศษของเสียงต่ำ สมาชิกของวงดนตรีหรือกลุ่มมักจะรวมหน้าที่ของนักดนตรีและนักร้องเข้าด้วยกัน เครื่องดนตรีชั้นนำคือกีตาร์รวมถึงคีย์บอร์ดต่าง ๆ ซึ่งมักจะเป็นเครื่องลมน้อยกว่า เสียงของเครื่องดนตรีถูกขยายโดยเครื่องแปลงเสียง, เครื่องขยายเสียงอิเล็กทรอนิกส์ เพลงร็อคแตกต่างจากดนตรีแจ๊สในโครงสร้างจังหวะเมโทรที่เป็นเศษส่วน

ในประเทศของเรา องค์ประกอบของดนตรีร็อคสะท้อนให้เห็นในงานของวงนักร้องและเครื่องดนตรี (VIA)

เพลงป๊อปของโซเวียตเนื่องจากลักษณะเฉพาะและความนิยมอย่างกว้างขวางจึงมีบทบาทสำคัญในการศึกษาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของคนรุ่นใหม่