วัฒนธรรมสเปน: ดนตรี ทัศนศิลป์ และประเพณี สั้น ๆ เกี่ยวกับวัฒนธรรมของสเปนและลักษณะของมัน วัฒนธรรมของสเปน วัฒนธรรมทางดนตรีของสเปนในศตวรรษที่ 20

มีวัฒนธรรมที่แตกต่างกันมากมายในโลก แต่ผู้เชี่ยวชาญด้านวัฒนธรรมหลายคนเห็นพ้องกันว่าสเปนเป็นหนึ่งในประเทศที่น่าตื่นตาตื่นใจที่สุดในโลก ตั้งแต่อาหารไปจนถึงเทศกาลประจำปีแบบดั้งเดิมที่สามารถพบเห็นได้บนท้องถนนของประเทศนี้เท่านั้น ประเพณีหลายอย่างเป็นเรื่องปกติทั่วสเปน แต่ก็มีประเพณีที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวอยู่ในแต่ละจังหวัดหรือภูมิภาคโดยเฉพาะ

วัฒนธรรมของสเปนในคราวเดียวได้รับอิทธิพลจากหลายประเทศและผู้คน - เนื่องจากมีที่ตั้งทางภูมิศาสตร์ที่น่าสนใจตรงจุดเชื่อมต่อของยุโรปและแอฟริกาและเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์บางอย่าง ชาวโรมันทิ้งรอยประทับไว้อย่างมากในด้านภาษาและศาสนา ในช่วงปี 1000 ถึง 1492 สเปนเป็นประเทศที่นับถือศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาธอลิก คำหลายคำในภาษาสเปนก็ยืมมาจากชาวอาหรับเช่นกัน ชาวยิวยังมีส่วนร่วมในการผสมผสานวัฒนธรรมอีกด้วย

สถาปัตยกรรมของสเปน

การไปสเปนเพียงเพื่อชมสถาปัตยกรรมตระการตาเพียงอย่างเดียวก็คุ้มค่าแล้ว

นี่คือการผสมผสานระหว่างสไตล์และกาลเวลา การมีอยู่ของความโอ่อ่าโอ่อ่าและความยับยั้งชั่งใจของชนชั้นสูง ความยิ่งใหญ่ และความเรียบง่ายที่เจียมเนื้อเจียมตัวไปพร้อมๆ กัน สเปนเป็นผู้นำในจำนวนมหาวิหารที่มีชื่อเสียงในทุกประเทศทั่วโลก เหล่านี้คือวิหารสไตล์โกธิกแห่งเซบียา

และมัวร์นาซาเร็ธในกรานาดา

และนักพรต Escorial ใกล้กรุงมาดริดด้วย

มหาวิหารยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของบาเลนเซีย

อาสนวิหารซานติอาโก เด กอมโปสเตลาแบบโรมาเนสก์,

บ้าน Terrades (Casa de les Punches) หรือ "บ้านที่มีหนาม" ในบาร์เซโลนาและอื่น ๆ อีกมากมาย

เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึงสถาปนิกชาวสเปนผู้ยิ่งใหญ่อย่าง Antonio Gaudi ซึ่งเป็นผู้วางรากฐานสำหรับการพัฒนาสมัยใหม่ของสเปน

Batlo หรือ "บ้านแห่งกระดูก" ได้รับการออกแบบจากบ้านหลังเก่าสำหรับเจ้าสัวสิ่งทอ Josep Batllo i Casanovas โดยสถาปนิก Gaudí

งานของเขามุ่งเน้นไปที่บาร์เซโลนาเป็นหลักซึ่งทุกอาคารเป็นผลงานการสร้างสรรค์อัจฉริยะชาวคาตาลันคนนี้

ผลงานชิ้นสุดท้ายของเกาดี La Pedrera หรือ "The Quarry"

ศิลปะ

ภาพวาดสเปนได้ทิ้งร่องรอยที่ลบไม่ออกในประวัติศาสตร์วิจิตรศิลป์โลก Salvador Dali เป็นศิลปินชาวสเปนที่มีชื่อเสียงแห่งศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีความสามารถเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกด้วยผลงานภาพวาดเหนือจริงที่แปลกประหลาดและสะเทือนโลก

ช่างแกะสลักและจิตรกรที่มีพรสวรรค์ Francisco Goya ซึ่งถือเป็นปรมาจารย์สมัยใหม่คนแรกของยุคโรแมนติก ได้สร้างแบบจำลองและปูทางไปสู่ผลงานต่อๆ ไปของศิลปินอย่าง Monet และ Pablo Picasso เราสามารถสรุปได้อย่างมั่นใจว่าสเปนเป็นแหล่งกำเนิดของความสามารถ

ดนตรีและการเต้นรำ

ดนตรีเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมสเปน ประเทศนี้มีประวัติศาสตร์อันยาวนานในการเปิดรับดนตรีคลาสสิกอันดาลูเชียนและดนตรีตะวันตกในรูปแบบต่างๆ รวมถึงดนตรีป๊อป สเปนอุดมไปด้วยดนตรีพื้นบ้านหลากหลายรูปแบบ นอกจากนี้ สเปนสมัยใหม่ยังมีศิลปินหลายประเภทแนวร็อก เฮฟวีเมทัล พังก์ และฮิปฮอป

อย่างไรก็ตาม ดนตรีพื้นบ้านสเปนรูปแบบที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือฟลาเมงโก

แม้แต่คนที่ไม่รู้อะไรเลยเกี่ยวกับสเปนเมื่อได้ยินคำว่า "ฟลาเมงโก" ก็จะตอบคุณอย่างรวดเร็วว่าเรากำลังพูดถึงประเทศนี้ การเต้นรำฟลาเมงโกที่เย้ายวนและเร่าร้อนที่มีต้นกำเนิดจากแคว้นอันดาลูเซีย ความสามัคคีของการเต้นรำ การเล่นกีตาร์ และการร้องเพลงถือเป็นความบันเทิงที่เก่าแก่ที่สุดรูปแบบหนึ่งสำหรับชาวสเปน เป็นรูปแบบที่ซับซ้อนของการเคลื่อนไหวร่างกายและขา พร้อมด้วยจังหวะอันแรงกล้าที่กำหนดโดยการปรบมือและคาสทาเน็ต บทบาทของนักร้องมีความสำคัญอย่างยิ่งในการเต้นรำนี้ซึ่งมีการสร้างกีตาร์พิเศษในปี พ.ศ. 2333

เทศกาลและงานเฉลิมฉลอง

หากคุณดูปฏิทินวันหยุดของสเปนเกือบทุกคนจะต้องการอยู่ที่นี่ตลอดไป: มีจำนวนมากหรือประมาณ 200 คน คำอธิบายสำหรับความอุดมสมบูรณ์นี้ง่ายมาก: ชาวสเปนเป็นคนร่าเริงและเจ้าอารมณ์ ความรักในดอกไม้ไฟ เสียงประทัดคำราม เสื้อผ้าที่สดใส ดนตรีที่มีเสียงดัง และฟลาเมงโกเป็นจังหวะอยู่ในสายเลือดของพวกเขา เทศกาลที่โดดเด่นที่สุดคือเทศกาลที่จัดขึ้นในช่วงปีใหม่และสัปดาห์อีสเตอร์ วันหยุดหลักของสเปนคือวันชาติ Hispanidad ซึ่งมีการเฉลิมฉลองในวันที่ 12 ตุลาคมของทุกปี

งานเต้นรำคาร์นิวัลพร้อมเครื่องแต่งกายที่น่าทึ่งช่วยเพิ่มความสนใจให้กับผู้ชื่นชอบวัฒนธรรมสเปน

เซียสต้า

การนอนพักกลางวันเป็นประเพณีที่ดีและไม่ธรรมดาสำหรับชาวสลาฟในการพักผ่อนช่วงบ่ายซึ่งโดยปกติจะใช้เวลา 14.00 น. - 15.00 น. ชาวสเปนใช้เวลานี้อยู่ที่บ้านกับครอบครัวหรืองีบหลับยามบ่าย

ร้านค้าและสถาบันสาธารณะส่วนใหญ่ปิดทำการในช่วงเวลาดังกล่าว ในฤดูร้อน เมื่ออากาศร้อนเป็นพิเศษ การนอนพักกลางวันจะใช้เป็นโอกาสในการคลายร้อน (ใต้ฝักบัวน้ำเย็นหรือในทะเล) เพื่อกลับไปทำงานในตอนท้ายของวันด้วยจิตวิญญาณที่ร่าเริงมากขึ้น

กีฬา

ฟุตบอลไม่เพียงแต่เป็นกีฬาของชาวสเปนเท่านั้น แต่ยังเป็นกีฬาที่มีความหลงใหลอีกด้วย ทีมสโมสรชั้นนำเช่นเรอัลมาดริดและบาร์เซโลนาสามารถดึงดูดผู้คนได้มากกว่า 100,000 คน

ทีมชาติพบสถานที่ในกลุ่มผู้ดีระดับโลก และยังคว้าแชมป์ยุโรปในปี 2551 และฟุตบอลโลกในปี 2553 อีกด้วย

การสู้วัวกระทิงแบบดั้งเดิม - การสู้วัวกระทิงการแสดงกีฬาในสเปนที่มีมานานหลายศตวรรษ ยังคงจัดขึ้นที่ Plaza de Toros ทั่วประเทศ แม้ว่าความนิยมจะแตกต่างกันไปในแต่ละภูมิภาคก็ตาม

ภาษา

แม้ว่าประชากรสเปนเกือบทั้งหมดสามารถพูดภาษาสเปนได้อย่างคล่องแคล่ว แต่ก็มีภาษาทั่วไปอีกหลายภาษาที่ทำงานในภูมิภาคเดียวกัน

ตัวอย่างเช่น "บาสก์" ในประเทศบาสก์และนาวาร์ "คาตาลัน" ในคาตาโลเนีย หมู่เกาะโบเลอาริกและบาเลนเซีย และ "กาลิเซีย" ในกาลิเซีย ทั้งหมดมีสถานะอย่างเป็นทางการเป็นภาษาที่สอง และแม้แต่หนังสือพิมพ์บางฉบับก็ตีพิมพ์เฉพาะในภาษานั้นเท่านั้น

ศาสนาของสเปน

ประชากรสเปนส่วนใหญ่เป็นชาวคาทอลิก อย่างไรก็ตาม พวกเขานับถือศาสนาด้วยวิธีของตนเองและไม่คลั่งไคล้

แม้ว่าแต่ละเดือนในปฏิทินสเปนจะมีวันเพื่อเป็นเกียรติแก่นักบุญประมาณสิบวัน แต่นี่ก็น่าจะเป็นอีกเหตุผลหนึ่งสำหรับงานเลี้ยงอื่น วันหยุดที่นี่มีส่วนผสมของคุณค่าทางจิตวิญญาณและเกียรติยศของคนนอกรีต

สเปนเป็นประเทศที่การแต่งงานของเพศเดียวกันถูกต้องตามกฎหมาย คู่รักดังกล่าวมีสิทธิอย่างเป็นทางการในการรับบุตรบุญธรรม อย่างไรก็ตาม การนำกฎหมายว่าด้วยการแต่งงานของเพศเดียวกันมาใช้นั้นครั้งหนึ่งเคยได้รับการสนับสนุนจากชาวคาทอลิกถึง 67% เอง

งานหลักสูตร

"ลักษณะประจำชาติและวัฒนธรรมของสเปน"

การแนะนำ

บทที่ 1 ข้อมูลทั่วไปเกี่ยวกับสเปน

1.1 ประวัติศาสตร์สเปน

1.2 ภูมิศาสตร์ของสเปน

บทที่ 2 วัฒนธรรมของสเปน

2.1 วรรณกรรม

2.2 สถาปัตยกรรมและวิจิตรศิลป์

2.3 ดนตรี

2.5 การศึกษา

2.6 สันทนาการและการกีฬา

บทที่ 3 ลักษณะประจำชาติของสเปน

3.1 ประเพณีของสเปน

3.2 ชาวสเปน

3.3 ภาษาสเปน ประวัติศาสตร์ภาษาสเปน

3.4 วันหยุดของสเปน

3.5 ชุดสเปน

3.6 อาหารประจำชาติของสเปน

3.7 คำอธิบายโดยย่อของเมือง ภูมิภาค และรีสอร์ทในสเปน

3.8 สถานที่ท่องเที่ยวของสเปน

3.9 สภาพอากาศในสเปน

บทสรุป

บรรณานุกรม

การแนะนำ

ชาติและวัฒนธรรมใดๆ ก็ตามดำรงอยู่มาเป็นเวลานาน และเป็นเรื่องธรรมดาที่ประเพณีจะเปลี่ยนแปลงไม่ได้เป็นเวลานานเช่นนี้ มีจุดเปลี่ยน การเปลี่ยนแปลงแนวทาง ทุกสิ่งที่ทำให้สามารถพูดคุยเกี่ยวกับการพัฒนา วิวัฒนาการ หรือการปฏิวัติวัฒนธรรมของชาติได้ เมื่อเทียบกับพื้นหลังของการเปลี่ยนแปลงอย่างต่อเนื่อง การอธิบายวัฒนธรรมประจำชาติอย่างเป็นระบบเป็นเรื่องยาก ผู้เขียนส่วนใหญ่รวมเอาองค์ประกอบที่เป็นระบบของวัฒนธรรมประจำชาติไว้ในคำจำกัดความ เช่น ภาษา ศาสนา และศิลปะ แต่ไม่มีองค์ประกอบใดในตัวเองที่สามารถทำหน้าที่เป็นคุณลักษณะที่ทำให้วัฒนธรรมประจำชาติหนึ่งแตกต่างจากอีกวัฒนธรรมหนึ่งได้ จะหลีกเลี่ยงแนวทางเชิงพรรณนาต่อวัฒนธรรมของชาติได้อย่างไร ในเมื่อแทนที่จะเสนอทฤษฎี จะมีการเสนอประวัติศาสตร์วัฒนธรรมหรือประวัติศาสตร์ (ในรูปแบบของ "แนวคิดระดับชาติ") แทน ลักษณะที่คงที่และมั่นคงของวัฒนธรรมประจำชาติเป็นเรื่องยากที่จะแยกออก และมีแนวทางมากมายในการแก้ไขปัญหานี้ เราเสนอเป็นหมวดหมู่หลักของการวิเคราะห์เพื่อใช้คุณลักษณะที่มีอยู่ในวัฒนธรรมของประเทศตลอดประวัติศาสตร์ ซึ่งในด้านหนึ่งช่วยให้สามารถรักษาเสถียรภาพและเอกลักษณ์ของตนได้ และในอีกด้านหนึ่ง ตั้งค่าโหมดเฉพาะ ของพลวัตและธรรมชาติของการเปลี่ยนแปลงทางประวัติศาสตร์

ความเกี่ยวข้องของหัวข้อวิจัย สเปน ตรงบริเวณสถานที่พิเศษในบริบทนี้ ประเทศนี้ตั้งอยู่ในบริเวณรอบนอกของเหตุการณ์สำคัญๆ ของศตวรรษที่ 20 ปัจจุบันครองตำแหน่งผู้นำร่วมกับประเทศอื่นๆ ในยุโรป นอกจากนี้ ขณะนี้ยุโรปกำลังพยายามสร้างเอกภาพอีกครั้ง ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างองค์ประกอบต่างๆ ได้ถูกเปิดเผยแล้ว แนวคิดทางวัฒนธรรมของ "ยุโรปตะวันตก" เมื่อตรวจสอบอย่างใกล้ชิดและรอบคอบยิ่งขึ้นก็พังทลายและอธิบายเพียงเล็กน้อยในกรณีที่จำเป็นต้องสร้างแนวคิดเกี่ยวกับประเทศใดประเทศหนึ่งที่เกี่ยวข้องทางภูมิศาสตร์กับยุโรป

บทที่ 1 ข้อมูลทั่วไปเกี่ยวกับสเปน

สเปนเป็นรัฐในยุโรปที่ตั้งอยู่บนคาบสมุทรไอบีเรียซึ่งมีเมืองหลวงอยู่ที่กรุงมาดริด ประมุขของสเปนคือกษัตริย์ฮวน คาร์ลอส รูปแบบของรัฐบาลคือระบอบรัฐธรรมนูญที่มีพระมหากษัตริย์เป็นประมุข สเปนติดกับฝรั่งเศส โปรตุเกส อันดอร์รา และยิบรอลตาร์ซึ่งเป็นอาณานิคมของอังกฤษ และมีทะเลเมดิเตอร์เรเนียนและมหาสมุทรแอตแลนติกพัดเข้ามา

ประเทศนี้เป็นของหมู่เกาะแบลีแอริก ปิติอุส และคานารี ภูเขาและที่ราบสูงคิดเป็น 90% ของพื้นที่ และภูเขามูลาเซน (จุดใต้สุดของยุโรปซึ่งมีหิมะปกคลุมแม้ในฤดูร้อน) ตั้งอยู่ในอาณาเขตของรัฐนี้

ภูมิอากาศ: สเปนครอบครองเขตกึ่งเขตร้อนและมีภูมิอากาศแบบเมดิเตอร์เรเนียนเหนือพื้นที่ส่วนใหญ่ สภาพธรรมชาติของรัฐนี้ใกล้เคียงกับทั้งยุโรปและแอฟริกา แต่ก็มีลักษณะเป็นของตัวเองเนื่องจากที่ตั้งทางภูมิศาสตร์ของคาบสมุทรไอบีเรีย

ประชากร ภาษา: สเปนมีประชากร 39.6 ล้านคน ภาษาราชการคือภาษาสเปน นอกจากนี้ยังพูดภาษาบาสก์ คาตาลัน และกาลิเซียอีกด้วย

เวลา: ในประเทศส่วนใหญ่ ตามหลังมอสโก 2 ชั่วโมง บนเกาะเตเนริเฟ่ 3 ชั่วโมง

สกุลเงิน: สกุลเงินของประเทศคือยูโร (EUR) ในเมืองใหญ่คุณสามารถใช้บัตรเครดิต VISA, MASTER CARD, AMERICAN EXPRESS ได้

เวลาทำการของสถาบัน: ร้านค้าเปิดตั้งแต่ 09.00-13.30 น. และ 16.30-20.00 น. ร้านค้าเล็กๆ ในบริเวณรีสอร์ทมักจะเปิดจนถึง 22.00 น. ห้างสรรพสินค้าเปิดให้บริการตั้งแต่ 10.00 น. - 21.00 น. (วันจันทร์ - วันเสาร์) โดยไม่มีวันหยุด ในแผนกบริการคุณสามารถออกคูปองปลอดภาษีซึ่งให้ส่วนลดแก่ชาวต่างชาติได้ ธนาคารเปิดทำการตั้งแต่ 9:00 น. - 14:00 น. พิพิธภัณฑ์ - ตั้งแต่ 10:00 น. - 14:00 น. ยกเว้นพิพิธภัณฑ์ส่วนกลาง พนักงานจะพักผ่อนในช่วงบ่ายวันเสาร์และวันอาทิตย์ ในฤดูร้อน ร้านอาหารและบาร์ส่วนใหญ่จะต้อนรับผู้มาเยือนตลอดทั้งวัน

เคล็ดลับ: ในโรงแรม ร้านอาหาร และบาร์ ทิปมักจะรวมอยู่ในใบเรียกเก็บเงิน แต่นี่เป็นธรรมเนียมที่จะต้องปัดเศษจำนวนเงิน โดยปกติจะมีการให้ทิปแก่คนเฝ้าประตู คนนำตั๋วโรงละคร และผู้ที่ช่วยเหลือคุณในการเที่ยวชมสถานที่ ในกรณีอื่นๆ ทิปมักจะอยู่ที่ 5-10% ของบิล

ขนส่ง: ในสเปน การเชื่อมโยงการขนส่งทางบกมีให้โดยเครือข่ายถนนและทางรถไฟที่พัฒนาอย่างกว้างขวาง มีระบบการบินทางอากาศที่เป็นที่ยอมรับระหว่างเมืองใหญ่ๆ นอกจากนี้ แผ่นดินใหญ่ของประเทศยังเชื่อมต่อกับทวีปแอฟริกา หมู่เกาะแบลีแอริก และหมู่เกาะคะเนรีผ่านเรือโดยสาร

ในพื้นที่รีสอร์ท มีบริการรถเช่าสำหรับนักท่องเที่ยวที่มีอายุ 21 ปีขึ้นไป ในการสรุปข้อตกลง คุณต้องมีหนังสือเดินทาง ใบขับขี่สากล (มีประสบการณ์อย่างน้อยหนึ่งปี) และเงินมัดจำ 50 ถึง 100 ดอลลาร์สหรัฐ การเช่ารถ เช่น Opel Corsa หรือ Ford Fiesta จะมีราคาประมาณ 40 เหรียญสหรัฐต่อวัน ค่าใช้จ่ายในการเช่ารถรวมประกันแล้ว แต่โดยปกติแล้วราคาน้ำมันจะไม่ถูกนำมาพิจารณาในยอดรวมนั่นคือเมื่อได้รับรถเต็มถังแล้วลูกค้าจะต้องส่งคืนรถที่เติมให้เต็มด้วย น้ำมันเบนซิน 1 ลิตรในสเปนมีราคาประมาณ 0.9 ดอลลาร์

1.1 ประวัติศาสตร์สเปน

ตั้งอยู่ที่สี่แยกของยุโรปและแอฟริกา สเปนและคาบสมุทรไอบีเรียตกอยู่ภายใต้การรุกรานของเชื้อชาติและอารยธรรม ชาวโรมันมาถึงสเปนในช่วงศตวรรษที่ 3 ก่อนคริสต์ศักราช แต่พวกเขาใช้เวลาสองศตวรรษในการพิชิตคาบสมุทร มีการใช้กฎหมาย ภาษา และประเพณีของโรมันอย่างค่อยเป็นค่อยไป ในปีคริสตศักราช 409 อาณาจักรสเปนของโรมันถูกบุกรุกโดยชนเผ่าดั้งเดิม และในปี ค.ศ. 419 อาณาจักรวิซิกอธก็ได้รับการสถาปนาขึ้น ชาววิซิกอธปกครองจนถึงปี ค.ศ. 711 หลังจากนั้นชาวมุสลิมก็ข้ามช่องแคบยิบรอลตาร์และเอาชนะโรเดริก กษัตริย์กอทิกองค์สุดท้าย

ภายในปี 714 กองทัพมุสลิมได้ยึดครองคาบสมุทรทั้งหมด ยกเว้นพื้นที่ภูเขาทางตอนเหนือของสเปน การพิชิตของชาวมุสลิมทางตอนใต้ของสเปน (ซึ่งชาวสเปนเรียกว่าอัล-อันดาลุส) กินเวลาเกือบ 800 ปี ในช่วงเวลานี้ ศิลปะและวิทยาศาสตร์เจริญรุ่งเรือง พืชผลและเทคโนโลยีใหม่ๆ ได้รับการพัฒนาในด้านการเกษตร และมีการสร้างพระราชวัง มัสยิด โรงเรียน สวน และห้องอาบน้ำสาธารณะ ในปี 722 ที่ Covadonga ทางตอนเหนือของสเปน กองทัพเล็กๆ ที่นำโดยกษัตริย์ Visigothic Pelayo สร้างความพ่ายแพ้ให้กับชาวมุสลิมเป็นครั้งแรก การต่อสู้ครั้งนี้เป็นจุดเริ่มต้นของ Reconquista - การกลับมาของสเปนโดยชาวคริสต์

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 แคว้นคาสตีลและอารากอนกลายเป็นศูนย์กลางอำนาจหลักสองแห่งของสเปนที่นับถือศาสนาคริสต์ และในปี ค.ศ. 1469 ทั้งสองก็รวมตัวกันผ่านการอภิเษกสมรสระหว่างอิซาเบลลา เจ้าหญิงชาวแคว้นกัสติลี และเฟอร์ดินันด์ รัชทายาทแห่งบัลลังก์อารากอน อิซาเบลลาและเฟอร์นันโดที่ได้รับการขนานนามว่าพระมหากษัตริย์คาทอลิกเป็นหนึ่งเดียวของสเปนทั้งหมดและนำไปสู่ยุคทอง ในปี ค.ศ. 1478 พวกเขาก่อตั้งการสืบสวนของสเปนที่โหดเหี้ยมฉาวโฉ่ขึ้น ซึ่งในระหว่างนั้นชาวยิวหลายพันคนและคนนอกรีตอื่นๆ ถูกขับไล่และประหารชีวิต พวกเขาปิดล้อมเมืองกรานาดาในปี 1478 และอีก 10 ปีต่อมากษัตริย์มุสลิมองค์สุดท้ายก็ยอมจำนนต่อพวกเขา ถือเป็นการสิ้นสุดการยึดครองประเทศที่รอคอยมานาน

สเปนกลายเป็นอาณาจักรโลกใหม่ที่ยิ่งใหญ่หลังจากที่โคลัมบัสมาถึงอเมริกาในปี 1492 ขณะที่ผู้พิชิตยึดดินแดนจากคิวบาไปยังโบลิเวีย ทองคำและเงินก็ไหลเข้าสู่คลังของสเปนจากเม็กซิโกและเปรู สเปนผูกขาดการค้าในอาณานิคมใหม่เหล่านี้และกลายเป็นหนึ่งในประเทศที่ทรงอำนาจมากที่สุดในโลก อย่างไรก็ตาม ลัทธิกีดกันทางการค้านี้ได้ขัดขวางการพัฒนาอาณานิคมและนำไปสู่สงครามที่มีค่าใช้จ่ายสูงหลายครั้งกับอังกฤษ ฝรั่งเศส และเนเธอร์แลนด์

เมื่อพระเจ้าหลุยส์ที่ 16 ถูกกิโยตินในปี พ.ศ. 2336 สเปนได้ประกาศสงครามกับสาธารณรัฐฝรั่งเศสใหม่แต่พ่ายแพ้ ในปี ค.ศ. 1808 กองทหารของนโปเลียนเข้าสู่สเปน และมงกุฎของสเปนเริ่มสูญเสียอำนาจเหนืออาณานิคม โดยจุดประกายจากการก่อจลาจลในกรุงมาดริด สเปนรวมตัวกับฝรั่งเศสและต่อสู้กับสงครามอิสรภาพนานห้าปี ในที่สุดกองทัพฝรั่งเศสก็ถูกปราบปรามในปี พ.ศ. 2356 และอีกหนึ่งปีต่อมาเฟอร์นันโดที่ 7 ก็ขึ้นครองบัลลังก์สเปนอีกครั้ง การครองราชย์อีกยี่สิบปีถัดมาของเฟอร์นันโดเป็นตัวอย่างเชิงลบของระบอบกษัตริย์ ในรัชสมัยของพระองค์ การสืบสวนได้รับการฟื้นฟู พวกเสรีนิยมและนักรัฐธรรมนูญถูกข่มเหง และเสรีภาพในการพูดเป็นสิ่งต้องห้าม สเปนประสบปัญหาเศรษฐกิจถดถอยอย่างรุนแรงและอาณานิคมของอเมริกาได้รับเอกราช

สงครามสเปน-อเมริกาที่สร้างความเสียหายครั้งใหญ่ในปี พ.ศ. 2441 ถือเป็นการสิ้นสุดของจักรวรรดิสเปน สเปนพ่ายแพ้ต่อสหรัฐฯ ในการรบทางเรือฝ่ายเดียวต่อเนื่องกัน ส่งผลให้คิวบา เปอร์โตริโก กวม และฟิลิปปินส์ ซึ่งเป็นดินแดนครอบครองโพ้นทะเลครั้งสุดท้ายของพวกเขา ปัญหาของสเปนดำเนินต่อไปจนถึงต้นศตวรรษที่ 20 ในปี 1923 ขณะที่ประเทศจวนจะเกิดสงครามกลางเมือง Miguel Primo de Riviera ประกาศตัวว่าเป็นเผด็จการทหารและปกครองจนถึงปี 1930 ในปี 1931 พระเจ้าอัลฟองโซที่ 13 หนีออกนอกประเทศและประกาศสาธารณรัฐที่สอง แต่ในไม่ช้าก็ตกเป็นเหยื่อของความขัดแย้งภายใน การเลือกตั้งในปี พ.ศ. 2479 แบ่งประเทศออกเป็นสองฝ่าย: โดยมีรัฐบาลสาธารณรัฐและผู้สนับสนุนอยู่ฝ่ายเดียว (พันธมิตรที่ไม่สบายใจของคอมมิวนิสต์ สังคมนิยม และอนาธิปไตยที่ต่อสู้เพื่อเพิ่มความเสมอภาคในสังคมและลดบทบาทของคริสตจักร) และฝ่ายค้านชาตินิยม (ก พันธมิตรฝ่ายขวาของกองทัพ โบสถ์ สถาบันกษัตริย์ และพรรคฟาลางส์ - ฝ่ายที่นับถือลัทธิฟาสซิสต์) ในอีกด้านหนึ่ง

การลอบสังหารผู้นำฝ่ายค้าน José Calvo Sotelo โดยตำรวจพรรครีพับลิกันในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2479 กระตุ้นให้กองทัพโค่นล้มรัฐบาล ในช่วงสงครามกลางเมืองต่อมา (พ.ศ. 2479-39) พวกชาตินิยมได้รับการสนับสนุนทางทหารและการเงินอย่างกว้างขวางจากนาซีเยอรมนีและฟาสซิสต์อิตาลี ในขณะที่ฝ่ายตรงข้ามมาจากรัสเซียเท่านั้น และในระดับที่น้อยกว่านั้นมาจากกลุ่มระหว่างกลุ่มที่ประกอบด้วยนักอุดมคติจากต่างประเทศ แม้จะมีภัยคุกคามจากลัทธิฟาสซิสต์ แต่อังกฤษและฝรั่งเศสก็ปฏิเสธที่จะสนับสนุนพรรครีพับลิกัน

ภายในปี 1939 กลุ่มชาตินิยมซึ่งนำโดยฟรังโกได้รับชัยชนะในสงคราม ชาวสเปนมากกว่า 350,000 คนเสียชีวิตในการต่อสู้ครั้งนี้ แต่การนองเลือดไม่ได้สิ้นสุดเพียงแค่นั้น พรรครีพับลิกันประมาณ 100,000 คนถูกประหารชีวิตหรือเสียชีวิตในคุกหลังสงคราม ในช่วงการปกครองแบบเผด็จการ 35 ปีของฟรังโก สเปนเหนื่อยล้าจากการปิดล้อม ถูกตัดออกจากนาโตและสหประชาชาติ และได้รับความเดือดร้อนจากภาวะเศรษฐกิจถดถอย ในช่วงต้นปี 1950 ประเทศเริ่มฟื้นตัว เมื่อการท่องเที่ยวที่เพิ่มขึ้นและการเป็นพันธมิตรกับสหรัฐอเมริกาให้การสนับสนุนที่จำเป็นมาก ภายในปี 1970 สเปนกำลังประสบกับเศรษฐกิจที่เติบโตเร็วที่สุดในยุโรป

ฟรังโกสิ้นพระชนม์ในปี พ.ศ. 2518 โดยก่อนหน้านี้ได้แต่งตั้งฮวน คาร์ลอส หลานชายของอัลฟองโซที่ 13 เป็นผู้สืบทอดตำแหน่ง เมื่อฮวน คาร์ลอสอยู่บนบัลลังก์ สเปนได้ย้ายจากเผด็จการไปสู่ประชาธิปไตย การเลือกตั้งครั้งแรกเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2520 มีการเขียนรัฐธรรมนูญฉบับใหม่ในปี พ.ศ. 2521 และการรัฐประหารที่ล้มเหลวในปี พ.ศ. 2524 ถือเป็นความพยายามที่ไร้ประโยชน์ที่จะย้อนเวลากลับไป ในปี 1982 สเปนได้ทำลายอดีตในที่สุดด้วยการเลือกตั้งรัฐบาลสังคมนิยมด้วยคะแนนเสียงข้างมาก ข้อบกพร่องร้ายแรงประการเดียวในแนวรบภายในประเทศในขณะนั้นคือการรณรงค์ของผู้ก่อการร้ายที่ดำเนินการโดยกลุ่มทหารแบ่งแยกดินแดน ETA โดยมีเป้าหมายเพื่อให้เอกราชแก่บ้านเกิดของชาวบาสก์ ตลอดระยะเวลา 30 ปีของการก่อการร้าย กลุ่ม ETA สังหารผู้คนไปมากกว่า 800 คน

ในปี 1986 สเปนเข้าร่วมสหภาพยุโรปและในปี 1992 ได้กลับมาสู่เวทีโลกอีกครั้ง: การแข่งขันกีฬาโอลิมปิกจัดขึ้นที่บาร์เซโลนา งานแสดงสินค้า 92 ในเซบียา และมาดริดได้รับการประกาศให้เป็นเมืองหลวงแห่งวัฒนธรรมของยุโรป ในปี 1996 ชาวสเปนลงคะแนนให้พรรคอนุรักษ์นิยมที่นำโดยโฮเซ่ มาเรีย อัซนาร์ แฟนเอลตัน จอห์น และอดีตผู้ตรวจสอบภาษี ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2543 เขาได้รับเลือกอีกครั้งด้วยเสียงข้างมากอย่างแน่นอน ความสำเร็จของเขาเป็นผลมาจากเศรษฐกิจสเปนที่แข็งแกร่ง ซึ่งเพิ่มขึ้น 45% ต่อปีในรัชสมัยของอัซนาร์

1.2 ภูมิศาสตร์ของสเปน

สเปนตั้งอยู่ทางตะวันตกเฉียงใต้ของทวีปยุโรปบนคาบสมุทรไอบีเรีย ทางทิศตะวันตกติดกับโปรตุเกส (ความยาวชายแดน 1,214 กม.) ทางเหนือ - กับฝรั่งเศส (623 กม.) และอันดอร์รา (65 กม.) ทางทิศใต้ - กับยิบรอลตาร์ (1.2 กม.) ทางทิศตะวันออกและทิศใต้ถูกล้างโดยทะเลเมดิเตอร์เรเนียน ทางตะวันตกโดยมหาสมุทรแอตแลนติก และทางเหนือโดยอ่าวบิสเคย์ สเปนเป็นเจ้าของหมู่เกาะแบลีแอริกและหมู่เกาะคานารี รวมถึงเขตอธิปไตยห้าแห่งบนชายฝั่งโมร็อกโก ความยาวรวมของชายแดนคือ 1,903.2 กม. ความยาวของแนวชายฝั่งคือ 4,964 กม. สเปนมีข้อพิพาทเรื่องดินแดนกับอังกฤษมายาวนานเกี่ยวกับประเด็นยิบรอลตาร์

สเปนครอบครอง 85% ของคาบสมุทรไอบีเรีย ภาคกลางของประเทศถูกครอบครองโดยที่ราบสูงเมเซตาอันกว้างใหญ่พร้อมเทือกเขา Cordillera Central ซึ่งประกอบด้วย Sierra de Guadarrama, Sierra de Gredos และ Sierra de Tata ทางเหนือคือเทือกเขากันตาเบรีย เทือกเขาพิเรนีสทอดยาวไปตามแนวชายแดนฝรั่งเศส (ยอดเขาอาเนโต 3,404 ม.) ทิศตะวันออกติดกับเทือกเขาไอบีเรียและคาตาลัน ทางใต้คือเทือกเขาเซียร์ราโมเรนาและอันดาลูเซีย Mount Mulacén ที่มีความสูงถึง 3,482 เมตร เป็นจุดบนแผ่นดินใหญ่ที่สูงที่สุดในสเปน และตั้งอยู่ในเทือกเขาอันดาลูเซียน Mount Pico de Teide (3,710 ม.) ตั้งอยู่บนหมู่เกาะ Canary ที่ใหญ่ที่สุดใน Tenerife แม่น้ำสายหลักของประเทศ ได้แก่ แม่น้ำ Tagus, Duero, Guadalquivir, Guadiana และ Ebro

บทที่ 2 วัฒนธรรมของสเปน

สเปนมีมรดกทางศิลปะที่น่าทึ่ง เสาหลักแห่งยุคทองคือศิลปินที่ติดตามโตเลโด: El Greco และ Diego Velazquez Francisco Goya เป็นศิลปินที่มีผลงานมากที่สุดของสเปนในศตวรรษที่ 18 และสร้างสรรค์ภาพบุคคลของราชวงศ์ที่เป็นจริงอย่างน่าทึ่ง ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 โลกศิลปะได้รับอิทธิพลจากศิลปินชาวสเปนผู้เป็นที่ถกเถียง เช่น ปาโบล ปิกัสโซ, ฮวน กริส, โจน มิโร และซัลวาดอร์ ดาลี สถาปัตยกรรมของสเปนมีความหลากหลายมาก: อนุสาวรีย์โบราณในเมนอร์กาในหมู่เกาะแบลีแอริก, ซากปรักหักพังของโรมันในเมริดาและตาร์ราโกนา, อาลัมบราอิสลามที่ตกแต่งอย่างสวยงามในกรานาดา, อาคาร Mudejar, มหาวิหารแบบโกธิก, พระราชวังและปราสาท, อนุสาวรีย์สมัยใหม่ที่น่าทึ่งและประติมากรรมแปลกตาของเกาดี

หนึ่งในตัวอย่างนวนิยายที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในโลกคือนวนิยาย Don Quixote La Manca ในศตวรรษที่ 17 ซึ่งเขียนโดย Miguel Cervantes ชาวสเปน นักเขียนชาวสเปนที่มีชื่อเสียงแห่งศตวรรษที่ 20 ได้แก่ Miguel de Unamuno, Federico García Lorca และ Camilo José Cela ผู้ชนะรางวัลโนเบลสาขาวรรณกรรมปี 1989 นักเขียนชื่อดัง ได้แก่ Adelaide García Morales, Ana Maria Matute และ Montserrat Roig ภาพยนตร์สเปนครั้งหนึ่งเคยเกี่ยวข้องกับผลงานของอัจฉริยะเหนือจริง หลุยส์ บูนูเอล ซึ่งใช้ชีวิตส่วนใหญ่ในต่างประเทศ ปัจจุบัน มีการแสดงตลกอันฟุ่มเฟือยของ Pedro Almodóvar ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากในระดับนานาชาติ

ในทศวรรษที่ 1790 กีตาร์ถูกประดิษฐ์ขึ้นในแคว้นอันดาลูเซียโดยการเพิ่มสายที่หกเข้ากับลูทอารบิก กีตาร์มีรูปแบบที่ทันสมัยในช่วงทศวรรษปี 1870 นักดนตรีชาวสเปนยกระดับศิลปะการเล่นกีตาร์ให้ถึงขีดสุดแห่งความมีคุณธรรม Andres Segovia (1893-1997) ได้แยกกีตาร์คลาสสิกออกจากแนวเพลง ฟลาเมงโก ดนตรีที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับชาวยิปซีคันโตออนโดแห่งแคว้นอันดาลูเซีย กำลังอยู่ระหว่างการฟื้นฟู Paco de Lucia เป็นนักกีตาร์ฟลาเมงโกที่มีชื่อเสียงระดับโลก เพื่อนของเขา El Camaron de la Isla จนกระทั่งเสียชีวิตในปี 1992 เป็นนักดนตรีชั้นนำใน Canto Ondo ร่วมสมัย ในปี 1980 ต้องขอบคุณ Pata Negra และ Ketama การผสมผสานระหว่างฟลาเมงโกและร็อคก็ปรากฏขึ้นและในปี 1990 Radio Tarifa ก็ปรากฏตัวขึ้นซึ่งถ่ายทอดการผสมผสานที่มีเสน่ห์ของฟลาเมงโก แอฟริกาเหนือ และท่วงทำนองในยุคกลาง บริษัท Bacalao มีส่วนสนับสนุนชาวสเปนต่อโลกแห่งเทคโนโลยี โดยมีสำนักงานใหญ่ตั้งอยู่ในวาเลนเซีย

ชาวสเปนรักกีฬาโดยเฉพาะฟุตบอล น่าไปชมการแข่งขันฟุตบอลและสัมผัสบรรยากาศตึงเครียด การสู้วัวกระทิงก็เป็นที่นิยมเช่นกัน แม้ว่าจะมีแรงกดดันอย่างต่อเนื่องจากนักเคลื่อนไหวด้านสิทธิสัตว์ระหว่างประเทศก็ตาม

แม้ว่าศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิกจะหยั่งรากลึกในทุกด้านของสังคมสเปน แต่มีชาวสเปนเพียงประมาณ 40% เท่านั้นที่ไปโบสถ์เป็นประจำ ชาวสเปนจำนวนมากไม่เชื่อเรื่องคริสตจักรมากนัก ในช่วงสงครามกลางเมือง โบสถ์ถูกเผาและนักบวชถูกยิงเพราะพวกเขาสนับสนุนการปราบปราม การทุจริต และระเบียบเก่า

2.1 วรรณกรรม

จุดเริ่มต้นของวรรณคดีสเปนในภาษา Castilian ถูกทำเครื่องหมายด้วยอนุสาวรีย์อันยิ่งใหญ่ของมหากาพย์วีรบุรุษชาวสเปน The Song of My Cid (ประมาณปี 1140) เกี่ยวกับการหาประโยชน์ของฮีโร่ Reconquista Rodrigo Díaz de Bivar ซึ่งมีชื่อเล่นว่า Cid บนพื้นฐานของสิ่งนี้และบทกวีที่กล้าหาญอื่น ๆ ในยุคเรอเนซองส์ตอนต้นความโรแมนติคของสเปนได้ถูกสร้างขึ้นซึ่งเป็นประเภทกวีนิพนธ์พื้นบ้านของสเปนที่มีชื่อเสียงที่สุด ที่ต้นกำเนิดของกวีนิพนธ์สเปน Gonsalvo de Berceo (ประมาณ ค.ศ. 1180 - ประมาณ ค.ศ. 1246) เป็นผู้เขียนงานด้านศาสนาและการสอน และผู้ก่อตั้งร้อยแก้วภาษาสเปนถือเป็นกษัตริย์แห่งแคว้นคาสตีลและ Leon Alfonso X the Wise (ครองราชย์) (ค.ศ. 1252–1284) ซึ่งทิ้งพงศาวดารและบทความทางประวัติศาสตร์ไว้จำนวนหนึ่ง ในรูปแบบวรรณกรรมร้อยแก้ว ความพยายามของเขาดำเนินต่อไปโดย Infante Juan Manuel (1282–1348) ผู้เขียนรวบรวมเรื่องสั้น Count Lucanor (1328–1335) กวีที่ใหญ่ที่สุดในช่วงเริ่มต้นของวรรณคดี Castilian คือ Juan Ruiz (1283 - ประมาณ 1350) ผู้สร้างหนังสือแห่งความรักที่ดี (1343) จุดสุดยอดของกวีนิพนธ์สเปนในยุคกลางคือผลงานของนักแต่งบทเพลงผู้เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ ฮอร์เฆ มันริเก (ประมาณ ค.ศ. 1440–1479)

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนต้น (ต้นศตวรรษที่ 16) ได้รับอิทธิพลจากอิตาลี นำโดยการ์ซิลาโซ เด ลา เวกา (ค.ศ. 1503–1536) และการออกดอกของความโรแมนติคของอัศวินชาวสเปน “ยุคทอง” ของวรรณคดีสเปนถือเป็นช่วงเวลาตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 16 ถึงปลายศตวรรษที่ 17 เมื่อ Lope de Rueda (ระหว่างปี 1500–1510 – ประมาณปี 1565), Lope de Vega (1562–1635) , Pedro Calderon (1600–1681) ทำงาน , Tirso de Molina (1571–1648), Juan Ruiz de Alarcón (1581–1639), Francisco Quevedo (1580–1645), Luis Góngora (1561–1627) และสุดท้าย Miguel de Cervantes ซาเวดรา (1547–1616) ผู้เขียน ดอน กิโฆเต้ ผู้เป็นอมตะ (1605–1615)

ตลอดศตวรรษที่ 18 และส่วนใหญ่ของศตวรรษที่ 19 วรรณกรรมสเปนกำลังเสื่อมถอยลงอย่างมาก และเน้นการเลียนแบบวรรณกรรมฝรั่งเศส อังกฤษ และเยอรมันเป็นหลัก ยวนใจในสเปนมีบุคคลสำคัญสามคนเป็นตัวแทน: นักเขียนเรียงความ Mariano José de Larra (1809–1837), กวี Gustavo Adolfo Becker (1836–1870) และนักเขียนร้อยแก้ว Benito Pérez Galdós (1843–1920) ผู้แต่งนวนิยายอิงประวัติศาสตร์มากมาย . ตำแหน่งผู้นำในวรรณคดีแห่งศตวรรษที่ 19 ครอบครองสิ่งที่เรียกว่า Costumbrism เป็นการพรรณนาถึงชีวิตประจำวันและประเพณีโดยเน้นที่สีสันของท้องถิ่น แนวโน้มที่เป็นธรรมชาติและสมจริงปรากฏในผลงานของนักประพันธ์ Emilia Pardo Basan (1852–1921) และ Vicente Blasco Ibáñez (1867–1928)

วรรณกรรมสเปนประสบความสำเร็จอีกครั้งในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 (ซึ่งเรียกว่า “ยุคทองที่สอง”) การฟื้นฟูวรรณกรรมระดับชาติเริ่มต้นด้วยนักเขียน "รุ่นปี 1898" ซึ่งรวมถึง Miguel de Unamuno (1864–1936), Ramon del Valle Inclan (1869–1936), Pio Baroja (1872–1956), Azorin (1874– 2510); ผู้ได้รับรางวัลโนเบล (พ.ศ. 2465) นักเขียนบทละคร Jacinto Benavente (พ.ศ. 2409-2497); กวีอันโตนิโอ มาชาโด (พ.ศ. 2418-2482) และผู้ชนะรางวัลโนเบลสาขาวรรณกรรมปี 1956 ฮวน รามอน ฆิเมเนซ (พ.ศ. 2424-2501) ตามพวกเขาไป กาแล็กซีอันเจิดจ้าของสิ่งที่เรียกว่ากวีได้เข้ามาสู่วรรณคดี "รุ่นปี 1927": Pedro Salinas (พ.ศ. 2435-2494), Jorge Guillen (เกิด พ.ศ. 2436), Vicente Aleixandre (พ.ศ. 2441-2527) ผู้ได้รับรางวัลโนเบลในปี พ.ศ. 2520, Rafael Alberti (เกิด พ.ศ. 2445), Miguel Hernandez (1910– พ.ศ. 2485) ) และ เฟเดริโก การ์เซีย ลอร์กา (พ.ศ. 2441–2479) การขึ้นสู่อำนาจของพวกฟรังโกอิสต์ทำให้การพัฒนาวรรณกรรมสเปนสั้นลงอย่างน่าเศร้า การฟื้นฟูประเพณีวรรณกรรมระดับชาติอย่างค่อยเป็นค่อยไปเริ่มขึ้นในช่วงทศวรรษ 1950-1960 โดย Camilo José Cela (1916) ผู้ได้รับรางวัลโนเบลในปี 1989 ผู้แต่งนวนิยาย The Family of Pascual Duarte (1942), The Beehive (1943) ฯลฯ ; Anna Maria Matute (1926), Juan Goytisolo (1928), Luis Goytisolo (1935), Miguel Delibes (1920), นักเขียนบทละคร Alfonso Sastre (1926) และ Antonio Buero Vallejo (1916), กวี Blas de Otero (1916–1979) ฯลฯ . หลังจากการเสียชีวิตของ Franco มีการฟื้นฟูชีวิตวรรณกรรมครั้งสำคัญ: นักเขียนร้อยแก้วหน้าใหม่ (Jorge Semprun, Carlos Rojas, Juan Marse, Eduardo Mendoza) และกวี (Antonio Colinas, Francisco Brines, Carlos Sahagun, Julio Lamasares) เข้าสู่เวทีวรรณกรรม

2.2 สถาปัตยกรรมและวิจิตรศิลป์

ชาวอาหรับนำวัฒนธรรมการตกแต่งที่พัฒนาแล้วมาสู่ศิลปะสเปน และทิ้งอนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมอันงดงามหลายแห่งในสไตล์มัวร์ รวมถึงมัสยิดในคอร์โดบา (ศตวรรษที่ 8) และพระราชวังอาลัมบราในกรานาดา (ศตวรรษที่ 13–15) ในศตวรรษที่ 11-12 สถาปัตยกรรมสไตล์โรมาเนสก์กำลังพัฒนาในสเปน อนุสาวรีย์ที่โดดเด่นคืออาสนวิหารอันงดงามในเมืองซานติอาโก เด กอมโปสเตลา ในช่วงศตวรรษที่ 13 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 15 ในสเปน เช่นเดียวกับทั่วทั้งยุโรปตะวันตก สไตล์กอทิกก็ก่อตัวขึ้น โกธิคสเปนมักจะยืมลักษณะแบบมัวร์ ดังที่เห็นได้จากมหาวิหารอันยิ่งใหญ่ในเซบียา บูร์โกส และโตเลโด (หนึ่งในมหาวิหารที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป) ปรากฏการณ์ทางศิลปะพิเศษที่เรียกว่า สไตล์มูเดจาร์ ซึ่งพัฒนาขึ้นอันเป็นผลมาจากการผสมผสานระหว่างองค์ประกอบกอทิกและเรอเนซองส์ในเวลาต่อมาในสถาปัตยกรรมกับมรดกมัวร์

ในศตวรรษที่ 16 ภายใต้อิทธิพลของศิลปะอิตาลี สำนักแห่งมารยาทได้ถือกำเนิดขึ้นในสเปน ตัวแทนที่โดดเด่นคือประติมากร Alonso Berruguete (1490–1561) จิตรกร Luis de Morales (ประมาณปี 1508–1586) และ El Greco ผู้ยิ่งใหญ่ (1541– 1614) ผู้ก่อตั้งศิลปะการวาดภาพบุคคลในราชสำนักคือจิตรกรชื่อดัง Alonso San ches Coelho (ค.ศ. 1531–1588) และ Juan Pantoja de la Cruz นักเรียนของเขา (1553–1608) ในสถาปัตยกรรมฆราวาสของศตวรรษที่ 16 รูปแบบ "ปลาเตเรสก์" ที่ประดับประดาได้รับการสถาปนาขึ้น ซึ่งถูกแทนที่ด้วยสไตล์ "เฮอร์เรเรสโก" อันเย็นชาในช่วงปลายศตวรรษ ตัวอย่างคือ พระราชวังอาราม Escorial ใกล้กรุงมาดริด สร้างขึ้นในปี ค.ศ. 1563-1584 เพื่อเป็นที่พักอาศัยของชาวสเปน กษัตริย์

“ยุคทอง” ของจิตรกรรมสเปนเรียกว่าศตวรรษที่ 17 เมื่อศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ Jusepe Ribera (1588–1652), Bartolomé Esteban Murillo (1618–1682), Francisco Zurbaran (1598–1664) และ Diego de Silva Velazquez (1599– 1660) ได้ผล ในงานสถาปัตยกรรมมีสไตล์ "herreresco" ที่ควบคุมไม่ได้ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 หลีกทางให้กับสไตล์ Churriguresco ที่ตกแต่งมากเกินไป

ช่วงศตวรรษที่ 18-19 ลักษณะโดยทั่วไปคือความเสื่อมโทรมของศิลปะสเปน ถูกขังอยู่ในลัทธิคลาสสิกเลียนแบบ และต่อมาเป็นลัทธิคอสตัมบริสผิวเผิน เมื่อเทียบกับพื้นหลังนี้ งานของ Francisco Goya (1746–1828) มีความโดดเด่นเป็นพิเศษอย่างชัดเจน

การฟื้นฟูประเพณีอันยิ่งใหญ่ของสเปนเกิดขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 เส้นทางใหม่ในงานศิลปะโลกได้รับการปูทางโดยสถาปนิกคนเดิม อันโตนิโอ เกาดี (พ.ศ. 2395-2469) ผู้ซึ่งถูกเรียกว่า "อัจฉริยะแห่งลัทธิสมัยใหม่" ซัลวาดอร์ ดาลี ผู้ก่อตั้งและตัวแทนที่โดดเด่นของลัทธิเหนือจริงในการวาดภาพ (พ.ศ. 2447-2532) หนึ่งใน ผู้ก่อตั้งลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ฮวน กริส (ค.ศ. 1887–1921) ศิลปินแนวนามธรรม Joan Miró (พ.ศ. 2436–2526) และปาโบล ปิกัสโซ (พ.ศ. 2424–2516) ซึ่งมีส่วนในการพัฒนาขบวนการศิลปะสมัยใหม่หลายอย่าง

ดิเอโก เวลาซเกซ. ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของสเปนคือ Diego Velazquez (1599-1660) ซึ่งเป็นศิลปินร่วมสมัยรุ่นเยาว์ของ El Greco เขาเกิดที่เมืองเซบียาซึ่งเป็นบุตรชายของขุนนางที่มีเชื้อสายโปรตุเกสและตั้งแต่วัยเด็กก็ตัดสินใจอุทิศตนให้กับการวาดภาพ เขาศึกษาในสตูดิโอของศิลปินและนักวิทยาศาสตร์ชื่อดังของเซบียา F. Pacheco ต้องขอบคุณคำแนะนำที่เขาสามารถย้ายไปมาดริดได้ เมื่ออายุ 23 ปี Diego Rodriguez de Silva y Velazquez กลายเป็นจิตรกรประจำศาล เมื่อบั้นปลายชีวิต Velazquez ได้รับตำแหน่งสูงสุดในราชสำนักมาดริด กลายเป็นจอมพล อัศวิน และสมาชิกของ Order of Santiago เงินเดือนราชวงศ์ที่สูงคงที่ทำให้เขาไม่สามารถวาดภาพเพื่อหารายได้ได้ เขาดึงเฉพาะสิ่งที่เขาต้องการเท่านั้น เบลัซเกซแทบจะไม่ได้ทำงานกับวิชาศาสนาเลย (ดังที่ Théophile Gautier ตั้งข้อสังเกตอย่างมีไหวพริบว่า "ถ้าเขาไม่ได้วาดภาพเทวดา ก็เพียงเพราะพวกเขาไม่ได้โพสท่าสำหรับเขา"); ยิ่งไปกว่านั้น ความหลงใหลซึ่งถือเป็นคุณลักษณะที่กำหนดของทุกสิ่งที่เป็น "ภาษาสเปน" นั้นแทบจะขาดหายไปในนั้น การสังเกตอย่างเย็นชาคือสิ่งที่ทำให้เวลาซเกซโด่งดัง “สำหรับเขา การมีชีวิตอยู่หมายถึงการรักษาระยะห่างของเขา นี่คือศิลปะแห่งระยะทาง เมื่อแยกจากการวาดภาพทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับความยากลำบากของงานฝีมือแล้ว เขาพยายามรักษางานศิลปะของเขาให้ห่างไกลเพื่อดูว่ามันได้รับการขัดเกลาจนถึงแก่นแท้ที่เข้มงวด - ระบบของงานรูปภาพล้วนๆ ที่ต้องใช้วิธีแก้ปัญหาที่ชัดเจน... ตัวเลขของเขามองไม่เห็น มันเป็นนิมิตที่บริสุทธิ์และความเป็นจริงก็น่ากลัวจริงๆ ด้วยเหตุนี้ ท้ายที่สุดแล้ว ผู้ชมก็ขาดความกังวลโดยสิ้นเชิง งานของเขาคือวาดภาพและปลดปล่อยตัวเองจากมันโดยทิ้งเราไว้หน้าระนาบผืนผ้าใบ นี่คืออัจฉริยะของการไม่แยแส” นักปรัชญา X. Ortega y Gasset กล่าวถึงเวลาซเกซ ผืนผ้าใบส่วนใหญ่ของเวลาซเกซเป็นภาพบุคคล เขาวาดภาพคนแคระในราชสำนัก เด็กทารก และพระคาร์ดินัลโรมัน ในคอลเลกชันของกษัตริย์สเปน ซึ่งปัจจุบันเป็นเจ้าของโดยพิพิธภัณฑ์ปราโด ผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงของเวลาซเกซได้รับการเก็บรักษาไว้ ประการแรกคือ "Las Meninas" ซึ่งแสดงให้เห็น Infanta Margarita ตัวน้อยที่รายล้อมไปด้วยผู้หญิงที่รออยู่ (ในปอร์โต: ladies- ระหว่างรอ) ลูก้า จิออร์ดาโน ศิลปินชาวอิตาลีเรียกภาพวาดนี้ว่า “เทววิทยาแห่งจิตรกรรม”

สเปนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 เป็นดินแดนแห่งความขัดแย้ง ขณะที่อยู่ในรัสเซีย แคทเธอรีนที่ 2 ติดต่อกับวอลแตร์และอารามที่ปิด; ขณะที่ฝรั่งเศสร้องเพลง Marseillaise และประหารชีวิตกษัตริย์ การสืบสวนของสเปนในปี พ.ศ. 2321 ได้ตัดสินจำคุกเคานต์ปาโบล โอลาวิเด ผู้ปกครองเมืองเซบียา ผู้สร้างถนนข้ามเซียร์ราโมเรนา นักปฏิรูปและนักเขียน ให้จำคุกแปดปี เพื่ออะไร? สำหรับจัดงานบอลสาธารณะและแสดงความเห็นไม่เคารพพระภิกษุ Francisco Goya ผู้ซึ่งเติบโตจากคนยากจนมาเป็นจิตรกรในศาล เป็นเพื่อนกับผู้รู้แจ้ง และเคยเข้าร่วมงาน auto-da-fé และการประหารชีวิตในที่สาธารณะ

2.3 ดนตรี

ความเจริญรุ่งเรืองของวัฒนธรรมดนตรีสเปน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในแนวเพลงของคริสตจักร เริ่มต้นขึ้นในศตวรรษที่ 16 นักประพันธ์เพลงชั้นนำในยุคนั้นคือปรมาจารย์ด้านนักร้องประสานเสียง Cristóbal de Morales (1500–1553) และลูกศิษย์ของเขา Tomás Luis de Victoria (ประมาณปี 1548–1611) ซึ่งมีชื่อเล่นว่า “Spanish Palestrina” เช่นเดียวกับ Antonio de Cabezón (1510 –1566) มีชื่อเสียงจากการประพันธ์ฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกน ในศตวรรษที่ 19 หลังจากยุคแห่งความซบเซามายาวนาน ผู้ริเริ่มการฟื้นฟูวัฒนธรรมดนตรีประจำชาติคือเฟลิเป เปเดรล (พ.ศ. 2384-2465) ผู้ก่อตั้งโรงเรียนการแต่งเพลงภาษาสเปนแห่งใหม่และผู้สร้างดนตรีวิทยาสเปนสมัยใหม่ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ดนตรีสเปนมีชื่อเสียงในยุโรปด้วยนักแต่งเพลงเช่น Enrique Granados (1867–1916), Isaac Albéniz (1860–1909) และ Manuel de Falla (1876–1946) สเปนสมัยใหม่ได้ผลิตนักร้องโอเปร่าที่มีชื่อเสียงระดับโลกเช่น Placido Domingo, José Carreras และ Montserrat Caballe

2.4 ภาพยนตร์

ผู้กำกับภาพยนตร์ชาวสเปนที่มีชื่อเสียงที่สุดอย่าง Luis Buñuel (1900–1983) ย้อนกลับไปในปี 1928 ร่วมกับ Salvador Dali ได้สร้างภาพยนตร์เรื่องเหนือจริงเรื่องแรกของเขาเรื่อง The Dog of Andalus Buñuelถูกบังคับให้ออกจากสเปนหลังสงครามกลางเมืองและตั้งรกรากในเม็กซิโกซิตี้ ซึ่งเขาได้สร้างภาพยนตร์ชื่อดังเรื่อง The Exterminating Angel (1962), Belle of the Day (1967), The Discreet Charm of the Bourgeoisie (1973) และ What Gets in ทาง (1977) ในยุคหลังฟรังโก ผู้กำกับภาพยนตร์หลายคนปรากฏตัวในสเปนและมีชื่อเสียงทั้งในและต่างประเทศ ซึ่งรวมถึงคาร์ลอส เซารา, เปโดร อัลโมโดวาร์ (A Woman on the Verge of a Nervous Breakdown, 1988; Quica, 1994) และเฟอร์นันโด ทรูวา (Belle Epoque, 1994) ซึ่งช่วยสร้างชื่อเสียงไปทั่วโลกให้กับภาพยนตร์สเปน

2.5 การศึกษา

การเรียนเป็นภาคบังคับและไม่มีค่าใช้จ่ายตั้งแต่อายุ 6 ถึง 16 ปี โดยมีนักเรียนประมาณหนึ่งในสามเข้าเรียนในโรงเรียนเอกชน มีมหาวิทยาลัยมากกว่า 40 แห่งในสเปน ที่ใหญ่ที่สุดคือมหาวิทยาลัยของมาดริดและบาร์เซโลนา ในปี 1992 มีนักศึกษา 1.2 ล้านคนกำลังศึกษาอยู่ในมหาวิทยาลัย โดย 96% เป็นนักศึกษาในมหาวิทยาลัยของรัฐ ในสเปน 4.3% ของ GDP ถูกใช้ไปกับการศึกษาในปี 1995

2.6 สันทนาการและการกีฬา

ในตอนกลางคืน คาเฟ่และบาร์จะมีการแสดงดนตรีและการเต้นรำแบบสเปน มักได้ยินเสียงเพลงฟลาเมงโกอันดาลูเซียน เทศกาลพื้นบ้านอันมีสีสัน งานแสดงสินค้า และวันหยุดทางศาสนาจัดขึ้นในส่วนต่างๆ ของประเทศ

ในสเปน การสู้วัวกระทิงยังคงเป็นที่นิยม กีฬาที่ชอบคือฟุตบอล คนหนุ่มสาวยังเล่นเปโลตาหรือลูกบอลบาสก์อีกด้วย การชนไก่ทางตอนใต้ของประเทศดึงดูดผู้ชมจำนวนมาก

บทที่ 3 ลักษณะประจำชาติของสเปน

3.1 ประเพณีของสเปน

สเปนเป็นประเทศที่พิเศษโดยสิ้นเชิง ไม่เหมือนประเทศเพื่อนบ้านในยุโรป ซึ่งแน่นอนว่าทรัพย์สินหลักคือชาวสเปนเอง คนที่ส่งเสียงดังและเจ้าอารมณ์เหล่านี้ไม่ปิดบังทัศนคติต่อผู้อื่น ในทางกลับกัน พวกเขาพยายามที่จะแสดงออกและด้วยวิธีที่สะเทือนอารมณ์มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ โดยธรรมชาติแล้วในประเทศที่สงบสุขเช่นนี้ งานเฉลิมฉลอง งานแสดงสินค้า เทศกาล และงานรื่นเริงทุกประเภทได้รับความนิยมเป็นพิเศษ หนึ่งในนั้นจัดขึ้นที่บาเลนเซีย ซึ่งอุทิศให้กับนักบุญโจเซฟ นักบุญอุปถัมภ์ของช่างไม้และช่างทำตู้ ตุ๊กตาตัวใหญ่ - ฟอลลาส - ทำจากผ้าและกระดาษแข็งหนา เป็นชื่อให้กับการเฉลิมฉลองที่ร่าเริงนี้ ในตอนกลางวันเป็นธรรมเนียมที่จะต้องพาพวกเขาไปตามถนนในเมืองและในตอนเย็นโดยมีประทัดและดอกไม้ไฟเผาพวกเขา เสียงขรมจะไม่หยุดตลอดทั้งคืนหลังจากนี้ และงานเฉลิมฉลองจะดำเนินต่อไปจนถึงเช้า

เช่นเดียวกับในประเทศอื่น ๆ ปีใหม่ในสเปนเป็นวันหยุดที่สำคัญและมีเสียงดังที่สุดช่วงหนึ่ง เขามักจะพบกันที่นี่ในบริษัทขนาดใหญ่บนถนนสายหลักของเมือง หลายๆ คนคงทราบธรรมเนียมของมาดริดในการรวมตัวกันที่จัตุรัสกลางและกินองุ่น 12 ผลในขณะที่เสียงระฆังดังขึ้น และล้างพวกเขาด้วยแชมเปญ นี่เป็นพิธีกรรมที่แท้จริง: ชาวสเปนผู้ชื่นชอบองุ่นผู้ยิ่งใหญ่เชื่อเช่นนั้น

ประวัติความเป็นมาของลาเบียวตั้งแต่ปี 1258 ป้อมปราการไม้ดิน เศรษฐกิจของภูมิภาคเป็นตัวแทนจากการเพาะปลูกพืช การเลี้ยงปศุสัตว์ การผลิตปลาป่น และการต่อเรือ อาคารและโครงสร้างของการก่อสร้างของเยอรมัน ตอนนี้ - โปเลสค์

ประวัติของเปเรสลาฟ-ซาเลสสกี สถานที่ท่องเที่ยวของ Pereslavl-Zalessky อารามโกริตสกี้ ทางรถไฟสายแคบเปเรสลาฟล์ อารามนิกิตสกี้ หินสีฟ้า. พิพิธภัณฑ์ Pereslavl-Zalessky เขตสงวนพิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์ ศิลปะ และสถาปัตยกรรม

การจำแนกประเภทของพิพิธภัณฑ์ในภูมิภาค Astrakhan กลุ่มโปรไฟล์ พิพิธภัณฑ์ของสะสมและประเภทวงดนตรี แบ่งออกเป็นพิพิธภัณฑ์ของรัฐและเอกชน และในเขตปกครอง-อาณาเขต วัสดุพิพิธภัณฑ์ งานนิทรรศการของพิพิธภัณฑ์

ประวัติโดยย่อและบทบาทของสถาปนิก A.P. Zenkova ในชีวิตของอัลมาตี ประวัติและขั้นตอนการก่อสร้างอาสนวิหารโฮลีแอสเซนชัน ภาพพาโนรามาสมัยใหม่ของอนุสาวรีย์สถาปัตยกรรมและการวางผังเมือง การใช้ประโยชน์ในด้านการท่องเที่ยวและศักยภาพในการทัศนศึกษา

อนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรม: ดินแดนอัลไต, Buryatia, ดินแดนครัสโนยาสค์, ภูมิภาคอีร์คุตสค์และเคเมโรโว, โนโวซีบีร์สค์และออมสค์, ภูมิภาคทอมสค์และชิตา วัฒนธรรมและชีวิตของทรานไบคาเลีย พิพิธภัณฑ์กลางแจ้ง ประวัติศาสตร์ และความงามของอาคารต่างๆ ในภูมิภาคอีร์คุตสค์

ที่ตั้งทางภูมิศาสตร์ของเกาะและลักษณะเฉพาะของสภาพภูมิอากาศ กลุ่มชาติพันธุ์หลักที่อาศัยอยู่ในไซปรัส ได้แก่ ชาวกรีก เติร์ก มาโรไนต์ และอาร์เมเนีย วันหยุดประจำชาติไซปรัส ประเพณีและประเพณี สถานที่ท่องเที่ยว และอนุสรณ์สถานทางประวัติศาสตร์

ภูมิภาค Astrakhan และเมืองต่างๆ ของ Astrakhan ภูมิภาค Astrakhan มีทรัพยากรด้านการท่องเที่ยว การพักผ่อนหย่อนใจ และสถานพยาบาล-รีสอร์ทที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว และสถานที่ท่องเที่ยวต่างๆ บ้าน-พิพิธภัณฑ์ของ V. Khlebnikov พืชและสัตว์ในเขตสงวน โคลน และโรงพยาบาลบัลเนอโลจิคัล

การเกิดขึ้นของไชน่าทาวน์ กำแพงกิไต-โกร็อด สี่โซนของไชน่าทาวน์ - Nogin, Staraya, Novaya, Dzerzhinsky (Lubyanka), Sverdlov (Teatralnaya), Revolution ปัญหาและแนวโน้มการพัฒนาเยาวราช

คำอธิบายโดยย่อของสาธารณรัฐอินเดีย การแบ่งเขตการปกครอง เศรษฐกิจ การพัฒนาการท่องเที่ยว การก่อการร้ายเป็นภัยคุกคามต่อความมั่นคงของชาติอินเดีย อินเดียในฐานะสมาชิกของ "ชมรมนิวเคลียร์" วัฒนธรรม ประวัติศาสตร์ ประเพณี ประเพณี และศาสนาของอินเดีย

ที่ตั้งทางภูมิศาสตร์และจำนวนประชากรของเมือง Arkhangelsk ซึ่งเป็นศูนย์กลางทางวิทยาศาสตร์และอุตสาหกรรมขนาดใหญ่ทางตะวันตกเฉียงเหนือของรัสเซีย คำอธิบายของสถานที่ท่องเที่ยวสำคัญของเมือง: ประวัติศาสตร์ท้องถิ่น, ศิลปะ, พิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์, เขตอนุรักษ์ธรรมชาติ, อาราม

ประวัติศาสตร์ชาติพันธุ์ของแหลมไครเมีย แหลมไครเมียเป็นดินแดนที่มีหลายเชื้อชาติ การมีส่วนร่วมของกลุ่มชาติพันธุ์และกลุ่มชาติพันธุ์ต่อมรดกทางวัฒนธรรมของแหลมไครเมีย ประวัติความเป็นมาของการปรากฏตัวของชาวเบลารุสในแหลมไครเมีย อนุสรณ์สถานวัฒนธรรมกรีกในแหลมไครเมีย อาคาร Kenassa ใน Simferopol เป็นวัตถุทางชาติพันธุ์

เอกสารที่แสดงให้เห็นถึงการคุ้มครองระหว่างประเทศและการรวมไว้ในรายการมรดกทางวัฒนธรรมของโลกของอนุสรณ์สถานทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรม "เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กกับสภาพแวดล้อม" Shuvalovsky Park และ Shuvalov Estate ในฐานะมรดกโลกทางวัฒนธรรม

ซากเมืองยุคกลาง ปราสาท อาราม หมู่บ้านที่มีอยู่ในปัจจุบันซึ่งมีถ้ำเทียมหรือถ้ำธรรมชาติ ถ้ำเป็นที่อยู่อาศัย ห้องศาสนา ห้องฝังศพ หรือห้องเอนกประสงค์ เมืองถ้ำไครเมียของ Mangup, Chufut-Kale, Bakhchisarai

ศึกษาประวัติศาสตร์ของการเกิดขึ้นและระยะการพัฒนาของเมือง Tyukalinsk ซึ่งตั้งอยู่ในไซบีเรียตะวันตกทางตะวันตกเฉียงเหนือของภูมิภาค Omsk บนทางหลวง Tyumen-Omsk คุณสมบัติของการผสมผสานระหว่างสถาปัตยกรรมโบราณดั้งเดิมและสมัยใหม่ของเมือง พิพิธภัณฑ์ระดับภูมิภาค

ประวัติศาสตร์เมืองดมิทรอฟ ทำเลที่ตั้งสะดวกของ Dmitrov ทางตอนเหนือของภูมิภาคมอสโก ติดกับ Sergiev Posad และ Klin ซึ่งเต็มไปด้วยสถานที่ท่องเที่ยว ที่ดินของภูมิภาคมอสโกและประวัติศาสตร์ของพวกเขา วิหารแห่ง Dmitrov อาราม Borisoglebsky และ Nikolo-Peshnoshsky

ทบทวนประวัติศาสตร์ท้องถิ่นโดยสาขาของพิพิธภัณฑ์ภูมิภาค คอลเลกชันเกี่ยวกับโบราณคดี บรรพชีวินวิทยา เหรียญกษาปณ์ ชาติพันธุ์วิทยา ธรรมชาติ ประวัติศาสตร์ เศรษฐศาสตร์ และวัฒนธรรมของภูมิภาค Tula samovar เป็นคุณลักษณะที่ขาดไม่ได้ของความสงบสุขของครอบครัวในสมัยก่อน

คำอธิบายของสถานที่ท่องเที่ยวสำคัญของครัสโนดาร์ซึ่งก่อนอื่นจะต้องรวมถึงสถาปัตยกรรมของมัน - ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลเมื่อต้นศตวรรษที่ยี่สิบ เมืองนี้เรียกว่าลิตเติ้ลปารีส ถนนสายหลักและถนนสายหลัก โรงละคร อนุสาวรีย์ มหาวิหารแห่งครัสโนดาร์

สภาพภูมิอากาศและสถานที่ท่องเที่ยวทางธรรมชาติของคาบสมุทร Apennine รากเหง้าทางประวัติศาสตร์ของภาษาอิตาลี ลักษณะทางมานุษยวิทยาและศาสนาของประเทศ วันหยุดประจำชาติ ประเพณี ประเพณี อิตาลีเป็นสัญลักษณ์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ศิลปะสเปน วัฒนธรรมดนตรี นักดนตรีที่มีผลงานโดดเด่น. งานเรียบเรียงของ I. Albéniz, E. Granados, F. Pedrel,

มานูเอล เด ฟาลลา (1876-1946) - นักแต่งเพลงชาวสเปนที่โดดเด่นซึ่งเป็นตัวแทนของอิมเพรสชันนิสม์ เส้นทางสร้างสรรค์ วัฏจักรเสียง "เพลงพื้นบ้านสเปนเจ็ดเพลง" การนำเพลงพื้นบ้านและน้ำเสียงนาฏศิลป์ไปใช้ ความคิดสร้างสรรค์ด้านเปียโนและโอเปร่า กิจกรรมสำคัญทางดนตรี

ความสำคัญของงานของ M. de Falla

วัฒนธรรมดนตรีและศิลปะของฮังการี การแสดงดนตรี โรงเรียนโอเปร่าใหม่ ผลงานของ Franz Lehár (1870-1948) และ Imre Kalman (1882-1953)

เบลา บาร์ต็อก (2424-2488) – นักแต่งเพลง นักเปียโน ครูอาจารย์ที่โดดเด่น หลากหลายแนวในงานของเขา การประมวลผลเพลงพื้นบ้าน งานทฤษฎีเกี่ยวกับคติชน ความคิดสร้างสรรค์โอเปร่า แนวโน้มอิมเพรสชั่นนิสต์และเอ็กซ์เพรสชันนิสต์ งานเปียโน. วงจรของงานที่มีพื้นฐานมาจากคติชน "พิภพเล็ก ๆ".

วรรณกรรมเช็กและสโลวัก การแสดงวัฒนธรรม วิทยาศาสตร์ดนตรี.

เส้นทางสร้างสรรค์ ลีโอชา จานาเชค (1854-1928) .

การสร้าง โบกุสลาวา มาร์ตินู (1890-1959) .

§ 15. วัฒนธรรมดนตรีอเมริกันในช่วงปลาย XIX - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ XX

วรรณกรรม. ดนตรี. ผลงานของนักแสดง-นักแต่งเพลง ผู้สร้างบทเพลงแจ๊สคลาสสิกยุคแรก หลุยส์ อาร์มสตรอง, เบนนี กู๊ดแมน, ดยุค เอลลิงตัน ต้นกำเนิดของแนวดนตรี ผลงานของเจอโรม เคิร์น, ริชาร์ด โรเจอร์ส, โคล พอร์เตอร์

เฟรเดอริก ลอว์ และละครเพลงเรื่อง My Fair Lady

จอร์จ เกิร์ชวิน (1898-1937) . มรดกทางดนตรี “ Rhapsody in Blue” ความสำคัญที่โดดเด่นในการพัฒนาเทรนด์ใหม่ในดนตรีอเมริกัน (ซิมโฟนีแจ๊ส) แนวเพลงหลากหลาย (บลูส์ สวิง แร็กไทม์) ชาวอเมริกันในปารีสเป็นห้องออร์เคสตราที่ยอดเยี่ยม โอเปร่า "พอร์จี้และเบส" ความคิดริเริ่มของละครโอเปร่า ลักษณะเสียงร้องไพเราะของตัวละคร

ลีโอนาร์ด เบิร์นสไตน์ (1918-1990) – นักแต่งเพลง วาทยากร นักเปียโน นักประชาสัมพันธ์เพลง ละครเพลงเรื่อง "เรื่องฝั่งตะวันตก" การตีความใหม่ของแนวเพลง

ผลงานของ Samuel Barber (1910-1981), Aaron Copland (1900-1990), John Cage (1912-1992)

§ 16. วัฒนธรรมและศิลปะดนตรีของอังกฤษ ฝรั่งเศส อิตาลี และโปแลนด์ ปลายคริสต์ศตวรรษที่ 19 – ต้นคริสต์ศตวรรษที่ 20

นักแต่งเพลงชาวอังกฤษประจำชาติ อี. เอลการ์ อาร์.วี. วิลเลียมส์, เอส. สก็อตต์, จี. โฮลสท์.

ผลงานของเบนจามิน บริทเทน (2456-2519) ความคิดสร้างสรรค์โอเปร่า ความหลากหลายประเภท "บังสุกุลสงคราม". ความคิดริเริ่มของแนวคิดของผู้เขียน องค์ประกอบที่ยิ่งใหญ่ของเรียงความ บทเพลง, บทเพลง, บทเพลงแห่งบังสุกุล ประเพณีและนวัตกรรม

ศิลปะ วรรณกรรม ดนตรีฝรั่งเศส นักแสดงนักแต่งเพลง ฝรั่งเศส "หก" และตัวแทน : Louis Durey (1888-1979), Arthur Honegger (1892-1955), Germaine Taillefer (1892-1983), Darius Milhaud (1892-1974), Francis Poulenc (1899-1963), Jean Cocteau (1899-1963)

การสร้าง เอฟ. ปูล็องซ์ . ความคิดสร้างสรรค์โอเปร่า ละครเดี่ยวเรื่อง "เสียงมนุษย์" ละครเพลง. งานเขียนอื่น ๆ

กลุ่ม Young France และตัวแทน : อังเดร โจลิเวต์ (1905-1974), โอลิวิเยร์ เมสเซียน (1908-1992)

การพัฒนาศิลปะ วรรณกรรม ดนตรีศาสตร์ในอิตาลี ศึกษาบทเพลงและการเต้นรำพื้นบ้าน ผลงานของ Ottorino Respighi (2422-2479), Ildebrando Pizzetti (2423-2511), Gian Francesco Malipiero (2425-2516), Alfredo Casella (2426-2517)

ศิลปะดนตรี สมาคมสร้างสรรค์นักแต่งเพลง "Young Poland" ความคิดสร้างสรรค์, K. Szymanowski, V. Lutosłowski, M. Karlovich

คริสตอฟ เพนเดเรคกี (เกิด พ.ศ. 2476) – ตัวแทนที่โดดเด่นของนักดนตรีแนวหน้าชาวโปแลนด์ ความหลากหลายของความคิดสร้างสรรค์

“ลุค แพชชั่น” - งานออราทอริโอที่ยิ่งใหญ่ ละครเพลง. ตรรกะการเติมน้ำเสียงแบบอนุกรมของการพัฒนาภาพดนตรี หลักการติดตั้งเลเยอร์ที่ตัดกัน

เนื้อหาของบทความ

ดนตรียุโรปตะวันตกดนตรียุโรปตะวันตกหมายถึงวัฒนธรรมทางดนตรีของยุโรป - ทายาทของวัฒนธรรมกรีกโบราณ โรมโบราณ และจักรวรรดิโรมัน ซึ่งล่มสลายไปสู่ส่วนตะวันตกและตะวันออกเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 4

วัฒนธรรมของยุโรปตะวันออกและอเมริกาก็มีการพัฒนาไปในทิศทางเดียวกับวัฒนธรรมของยุโรปตะวันตก วัฒนธรรมดนตรีรัสเซียซึ่งเผยให้เห็นคุณสมบัติหลายอย่างที่คล้ายกับดนตรีของยุโรปนั้นตามกฎแล้วถือว่าเป็นอิสระ วัฒนธรรมกรีกโบราณผสมพันธุ์ทั้งตะวันตกและตะวันออก แต่ตะวันออกโบราณ (อียิปต์, บาบิโลน, มีเดีย, Parthia, Sogdiana, Kushans ฯลฯ ) มีอิทธิพลอย่างเห็นได้ชัดต่อพัฒนาการทางดนตรีของยุโรป ในช่วงยุคกลาง เครื่องดนตรีหลากหลาย จังหวะและการเต้นรำใหม่ๆ แพร่กระจายจากทางใต้ของยุโรปไปทางเหนือ และสเปนมุสลิมเป็นตัวนำประเพณีดนตรีและวรรณกรรมของชาวอาหรับ ต่อมาชาวเติร์กออตโตมันกลายเป็นผู้ถือครองความเป็นมืออาชีพทางดนตรีของอารยธรรมอิสลามซึ่งในทางของมันเองได้เพิ่มความมั่งคั่งของวัฒนธรรมดนตรีของผู้คนในตะวันออกกลางและตะวันออกกลางที่สืบทอดมาจากสมัยโบราณในทางของตัวเอง

ลักษณะเด่นของมันคือยุโรปตะวันตก วัฒนธรรมดนตรีเกิดขึ้นในยุคกลาง ในเวลานั้น ประเพณีดนตรีมืออาชีพได้ก่อตั้งขึ้นภายใต้กรอบของคริสตจักรคริสเตียน ในปราสาทของขุนนาง และในหมู่อัศวิน และในการฝึกฝนของนักดนตรีในเมือง เป็นเวลาหลายศตวรรษที่ประเพณีเหล่านี้เป็นแบบโมโนโฟนิกและเฉพาะในช่วงยุคกลางที่เป็นผู้ใหญ่เท่านั้นที่ปรากฏตัวพฤกษ์พฤกษ์และการเขียนดนตรีระบบรูปแบบและจังหวะของคริสตจักรที่เป็นหนึ่งเดียวก็ถือกำเนิดขึ้นและเครื่องดนตรีของยุโรป (ออร์แกน ฮาร์ปซิคอร์ด ไวโอลิน) ก็บรรลุถึงความสมบูรณ์แบบ หลังจากยุคเรอเนซองส์ ดนตรีมีความเป็นอิสระมากขึ้น โดยแยกตัวออกจากตำรา (พิธีกรรม วรรณกรรม และบทกวี) ความฉลาดส่วนบุคคลมีมูลค่าสูง แนวดนตรีใหม่ของเนื้อหาทางโลก (โอเปร่า) และรูปแบบของดนตรีบรรเลงถือกำเนิดขึ้น และแนวคิดเกี่ยวกับ "งาน" ดนตรีที่บันทึกไว้ (การเรียบเรียง) และผลงานของนักแต่งเพลงก็ปรากฏขึ้น ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 การทำให้กระบวนการสร้างสรรค์มีความเฉพาะตัวเพิ่มมากขึ้น ทั้งในการแต่งเพลงและงานฝีมือในการทำเครื่องดนตรี และต่อมาในศิลปะการแสดง วัฒนธรรมดนตรีประจำศาลและในเมืองกำลังพัฒนาอย่างเข้มข้นมากกว่าวัฒนธรรมของคริสตจักร โหมดคริสตจักรและเทคนิคของโพลีโฟนีในรูปแบบที่คริสตจักรพัฒนาขึ้น (โพลีโฟนี) ให้หนทางไปสู่โหมดใหม่ (เมเจอร์และไมเนอร์) และหลักการโฮโมโฟนิก-ฮาร์โมนิกของการรวมเสียง

กระบวนการใหม่ที่พัฒนาขึ้นหลังศตวรรษที่ 17 ยังคงเผยให้เห็น "ภาษา" ทางดนตรีทั่วไปที่นักดนตรี "พูด" ไม่ว่าพวกเขาจะอาศัยอยู่ในส่วนใดของโลกยุโรปก็ตาม ละครเพลง "แฟชั่น" ที่เกิดขึ้นในอิตาลี ฝรั่งเศส และเยอรมนีเผยแพร่แนวคิดสุนทรีย์แบบเดียวกันเกี่ยวกับดนตรีและวิธีการสร้างสรรค์ ซึ่งกำหนดความคิดริเริ่มของสไตล์ดนตรี (บรรทัดฐาน ภาษาดนตรี) ในยุคประวัติศาสตร์โดยเฉพาะ ขอบเขตของสไตล์เหล่านี้แม้จะมีความหลากหลายของภาพเหมือนที่สร้างสรรค์ของนักดนตรี แต่ก็มีความแตกต่างอย่างชัดเจนและสร้างรากฐานโวหารแบบเดียวกัน (บาโรก, คลาสสิค, โรแมนติก, แสดงออก, อิมเพรสชั่นนิสต์ ฯลฯ ) เช่นเดียวกับในวรรณคดี สถาปัตยกรรม และวิจิตรศิลป์ของรูปแบบที่สอดคล้องกัน ยุคสมัย

อันเป็นผลมาจากการเปลี่ยนแปลงรูปแบบดนตรีอย่างต่อเนื่องเนื่องจาก "เทคนิค" บางอย่างของการแต่งเพลงความหมายเปลี่ยนไปแง่มุมต่าง ๆ ของความสามารถในการแสดงความสามารถแบบไดนามิกพฤติกรรมเหตุผลทางคณิตศาสตร์และจิตวิทยาของบุคคล ความต้องการของชาวยุโรปในการสร้างสรรค์สิ่งใหม่ในวงการดนตรีซึ่งแตกต่างไปจากที่เคยเกิดขึ้นมาก่อน นำไปสู่สไตล์นักแต่งเพลงที่หลากหลายและตั้งแต่ศตวรรษที่ 20 ในอีกด้านหนึ่ง ไปสู่วิธีการสร้างสรรค์แบบ "รวบรวม" โดยใช้เทคนิคที่เป็นที่รู้จักเพื่อสร้างผลงานดนตรีใหม่ และในอีกด้านหนึ่ง เป็นการปฏิเสธบรรทัดฐานโวหารที่รู้จักทั้งหมดในด้านการสร้างสรรค์และการแสดงดนตรี ไปจนถึงการทดลอง ความคิดสร้างสรรค์ (เปรี้ยวจี๊ด) เพื่อค้นหาสิ่งแปลกใหม่ในวัสดุที่เกี่ยวข้องกับแนวคิดสมัยใหม่เกี่ยวกับดนตรี (เสียงรบกวนและเสียงเฉพาะของสิ่งแวดล้อม) และด้วยเสียงเครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ใหม่ ๆ ไปจนถึงวิธีทางเทคนิคในการประมวลผลเสียงทุกประเภท (บนซินธิไซเซอร์ เทปคอมพิวเตอร์) ไปจนถึงการปฏิเสธวิธีการแก้ไขงานดนตรีบนกระดาษโดยใช้ระบบโน้ตดนตรี

ดนตรีแห่งยุคกลาง

ในช่วงเวลาที่ยาวนาน วัฒนธรรมรูปแบบใหม่ได้ถูกสร้างขึ้นในยุโรปตะวันตก โดยประเพณีลัทธิ (คริสตจักร) อัศวิน (ชนชั้นสูง) และประเพณีชาวเมือง (ในเมือง) มีความโดดเด่น ความเฉพาะเจาะจงและปฏิสัมพันธ์ของพวกเขามีส่วนช่วยในการพัฒนาลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมดนตรียุโรปตะวันตก

ดนตรีของคริสตจักรคาทอลิกในยุคกลางตอนต้น (ศตวรรษที่ 4-10)

ดนตรียุโรปตะวันตกโดยพื้นฐานแล้วมีลักษณะเฉพาะทางวิชาชีพในอ้อมอกของการปฏิบัติของคริสตจักรคริสเตียนคาทอลิก ซึ่งเริ่มเผยให้เห็นถึงความเฉพาะเจาะจงตั้งแต่ศตวรรษที่ 4 วัดเป็นศูนย์กลางของการเรียนรู้และความเป็นมืออาชีพทางดนตรี ดนตรีแห่งการนมัสการมีความโดดเด่นด้วยธรรมชาติของการละทิ้งทุกสิ่งที่ไร้สาระความอ่อนน้อมถ่อมตนและการดื่มด่ำในการอธิษฐาน หากในชุมชนคริสเตียนยุคแรกๆ ทุกคนมารวมตัวกันร้องเพลง หลังจากสภาเลาดีเซีย (364) มีเพียงนักร้องมืออาชีพเท่านั้นที่เริ่มร้องเพลงในโบสถ์

บทสวดเกรโกเรียน

ต้นกำเนิดของพิธีกรรมดนตรีแบบคริสเตียนพบเห็นได้ในบทสวดโบราณของอียิปต์ แคว้นยูเดีย และซีเรีย สำหรับนักบวช ผู้มีอำนาจในด้านดนตรีคือกษัตริย์ดาวิดชาวยิวในสมัยโบราณ เขาปรากฏตัวบ่อยครั้งในยุคกลาง: ทั้งในตำนานในพระคัมภีร์ไบเบิล การขับปีศาจออกจากกษัตริย์ซาอูลโดยการเล่นเครื่องดนตรี หรือภาพการเล่นเครื่องดนตรีต่างๆ (เพลงสดุดี พิณ ระฆัง) อย่างไรก็ตาม คริสตจักรได้ก่อตั้งประเพณีทางดนตรีใหม่โดยอาศัยการร้องเพลงบทศักดิ์สิทธิ์: “ดาวิดร้องเพลงสดุดีและเราร้องเพลงร่วมกับดาวิดจนถึงทุกวันนี้ ดาวิดใช้ซิทารา ซึ่งเป็นสายที่ไม่มีชีวิต แต่คริสตจักรใช้ซิทาราที่มีสายมีชีวิต ลิ้นของเราเป็นเหมือนเชือก พวกเขาประกาศเสียงที่แตกต่างกัน แต่มีความรักเดียว” (จากคำสั่งของคริสตจักรแห่งสภาเลาดีเซีย)

การร้องเพลงซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของการนมัสการของคริสเตียนยังคงเป็นแบบโมโนโฟนิกมาเป็นเวลานาน ในคริสตจักรส่วนใหญ่ ดำเนินการตามประเภทของเพลงสดุดีซึ่งคล้ายกับการท่อง: ท่อนเล็ก ๆ และถ้อยคำในข้อความที่ไม่ได้อ่านในทางปฏิบัตินั้นร้องโดยคน ๆ เดียว และผู้นมัสการก็ตอบรับด้วยการท่องซ้ำซากจำเจแบบเดียวกัน ข้อความครอบงำดนตรีซึ่งเป็นไปตามจังหวะของคำ และน้ำเสียงที่ไพเราะไม่ควรเบี่ยงเบนไปจากความหมายของข้อความ ในศตวรรษที่ 5-7 มีประเพณีสงฆ์ต่างๆ ที่พัฒนาขนานไปกับประเพณีของโรมัน ในเมืองลียง สหราชอาณาจักร และทางตอนเหนือของอิตาลี การร้องเพลงแบบ Gallican เกิดขึ้นในสเปน (โตเลโด) ซึ่งอยู่ภายใต้อิทธิพลของวัฒนธรรมอาหรับ-มุสลิม การร้องเพลงแบบโมซาราบิก ตั้งแต่ศตวรรษที่ 5-6 ในอิตาลี กลายเป็นธรรมเนียมที่จะต้องแสดงบทเพลงศักดิ์สิทธิ์ในลักษณะร้องเพลงสวด ซึ่งโดดเด่นด้วยการขับร้องและทำนองเพลง ผู้สร้างการร้องเพลงประเภทนี้คือบิชอปแอมโบรสในมิลานซึ่งใช้บทกวีในรูปแบบของบทกวีโรมันโบราณ (บทสวด Ambrosian)

ด้วยการเสริมสร้างความเข้มแข็งของสถาบันพระสันตะปาปา เจ้าหน้าที่ฝ่ายวิญญาณได้เลือกเพลงประกอบพิธีกรรมและดำเนินการแต่งตั้งให้เป็นนักบุญ ตั้งแต่ศตวรรษที่ 6 โรงเรียนสอนร้องเพลง (Schola cantorum) ก่อตั้งขึ้นในกรุงโรม ด้วยการเกิดขึ้นของบทสวดแบบเกรโกเรียน จึงมีการผสมผสานประเพณีการร้องเพลงของคริสตจักรเข้าด้วยกัน ผู้สร้างคือสมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่ 1 เขารวบรวมบทสวดชุดใหญ่ (ต่อต้านเสียง) ซึ่งรวมถึงเพลงท้องถิ่นหลายเพลง ส่วนหลักของบทสวดประกอบขึ้นเป็นส่วนที่ "เคลื่อนไหว" ของบริการของคริสตจักร: เพลงสดุดีเริ่มต้น, เพลงสดุดีสำหรับวันที่กำหนดของปี, คำอธิษฐานระหว่างการมีส่วนร่วม ฯลฯ การร้องเพลงประสานเสียงที่เข้มงวด, ไร้เหตุผลและรุนแรงซึ่งมีทำนองเพลงอยู่ใต้บังคับบัญชา ตามจังหวะของคำพูดได้รับเลือกให้รับใช้พระเจ้า ตำรา (พันธสัญญาเดิมและพันธสัญญาใหม่) ร้องเป็นภาษาละตินในรูปแบบของโมโนดี้เท่านั้น - การร้องเพลงชายเสียงเดียวไม่ว่าจะร้องประสานเสียง (พร้อมเพรียงกัน) หรือโดยนักร้องคนเดียว เครื่องดนตรีชนิดเดียวที่เริ่มได้ยินในโบสถ์ตั้งแต่ปี 660 ควบคู่ไปกับการร้องเพลงคือออร์แกนที่ได้รับการแนะนำโดยสมเด็จพระสันตะปาปาวิตาเลียน ออร์แกนมาจากตะวันออกพบเห็นได้ทั่วไปในชีวิตประจำวัน แต่โบสถ์ได้ให้สถานะเป็น "เครื่องดนตรีศักดิ์สิทธิ์" และปรับปรุงการออกแบบจนถึงคริสต์ศตวรรษที่ 17 สร้างออร์แกนขนาดใหญ่ควบคู่ไปกับการก่อสร้างโบสถ์และพัฒนาเทคนิค ของการเล่นเครื่องดนตรีชนิดนี้

การร้องเพลงสดุดีที่น่าเบื่อหน่ายไม่มีจังหวะ (มีการร้องข้อความธรรมดา) ทำนองขึ้นสู่โทนเสียงที่สูงขึ้นอย่างนุ่มนวล และคงอยู่ตรงนั้นและลงมายังระดับเดิม ข้อความและทำนองอยู่ในหนังสือพิเศษและปรับปรุง ช่วงของรูปแบบหลัก - ท่วงทำนองที่เน้นโครงสร้างทางจิตวิญญาณของพิธีสวดมนต์นั้น จำกัด อยู่ที่แปด พวกเขาประกอบโครงสร้างของออคโตโชส - ระบบของโหมดคริสตจักรแปดโหมดที่ครอบงำการฝึกนักร้องและทฤษฎีดนตรี นักทฤษฎียุคกลางกำหนดโครงสร้างทางอารมณ์ของแต่ละโหมด: 1 – ความคล่องตัว ความชำนาญ; 2 – ความจริงจังและความเคร่งขรึมที่น่าสังเวช; 3 – ความตื่นเต้น ความหุนหันพลันแล่น ความโกรธ และความรุนแรง 4 – ความสงบและความรื่นรมย์ ความช่างพูด และการเยินยอ 5 – ความสุข ความเงียบสงบ และความสนุกสนาน 6 – ความโศกเศร้า การสัมผัส และความหลงใหล; 7 – ความเบาของความเยาว์วัย ความรื่นรมย์ 8 – ความจริงจังในวัยชรา ความสง่างาม

ในบรรดาบทสวดเกรโกเรียนมีบทสวดที่แตกต่างจากบทสวดประจำวันและประกอบขึ้นเป็นบริการพิเศษ - มวล นี่คือวงจรการสวดมนต์เนื่องในโอกาสวันหยุดพิธีกรรมหลักจาก 5-6 ส่วน แต่ละคนตั้งชื่อตามคำเริ่มต้นของข้อความ: ไครี่ เอลิสัน (พระเจ้ามีความเมตตา); กลอเรีย… (กลอเรีย); เครโด… (ฉันเชื่อในพระเจ้าองค์เดียว); แซงทัส… และ เบเนดิกตัส (บริสุทธิ์คือพระเจ้าจอมโยธา); (สาธุการแด่ผู้ที่มาในพระนามของพระเจ้า); แอ็กนัส เด... (ลูกแกะของพระเจ้าผู้ทรงลบล้างบาปของโลก).

การกำเนิดของพฤกษ์

ในศตวรรษที่ 9 ในใจกลางของ "การเรียนรู้ดนตรี" (อารามเซนต์กาลเลิน, มหาวิหารแร็งส์, ลึตติช, ชาตร์ ฯลฯ ) ซึ่งมีกองกำลังร้องเพลงที่ดี มีการร้องเพลงเกรกอเรียนโมโนโฟนิกรูปแบบใหม่เกิดขึ้น ซึ่งนำไปสู่การเกิดขึ้นของ พฤกษ์ในคริสตจักร จนกระทั่งคริสต์ศตวรรษที่ 12-13 การร้องเพลงสองเสียงมีอำนาจเหนือกว่า (diaphony) ท่วงทำนองของบทสวดเกรโกเรียนนั้นไม่เปลี่ยนแปลง ฟังดูเหมือนเสียงสนับสนุน โดยได้รับชื่อว่า "ทำนองคู่" (cantus planus) "เพลงที่หนักแน่น" (cantus Firmus) ไม่มีเสียงร้องในการร้องประสานเสียง โทนเสียงของทำนองจะเข้ามาแทนที่กันในแต่ละพยางค์ใหม่ (เสียงร้องพยางค์) เมื่อเวลาผ่านไป การแสดงประสานเสียงเต็มไปด้วยนวัตกรรม: ในสถานที่ซึ่งคณะนักร้องประสานเสียงสลับกับการร้องเพลงเดี่ยว ท่วงทำนองที่มีสีสันมากขึ้นก็เริ่มปรากฏขึ้น บ่อยครั้งสิ่งนี้เกิดขึ้นเมื่อแต่ละบทของข้อความนำหน้าด้วยเสียงทำนอง (antiphon) และเมื่ออยู่ท้ายข้อความเมื่อสวดมนต์อัศเจรีย์ (เช่น "Hallelujah!") อุปกรณ์ทำนองที่ตกแต่งเป็นพิเศษ (melismas) และบทสวดประดับ (วันครบรอบ) ก็ปรากฏขึ้น นี่คือที่มาของสไตล์การร้องเพลงแบบ Melismatic ในการบริการนอกเหนือจากการร้องประสานเสียงหลักแล้วยังมีการแสดงข้อความเพิ่มเติมพร้อมสัมผัส - ในเพลงพิเศษ (ลำดับ, tropes) พวกเขาฟังในวันคริสต์มาสและอีสเตอร์ จากนั้นความคิดสร้างสรรค์ของผู้เขียนก็เริ่มปรากฏให้เห็น (Notker Zaika และ Totilon - พระของอารามใน St. Galen) และความสามารถในการแสดงของพระสงฆ์ที่เริ่มแต่งและแสดงตอนต่างๆ จากพระกิตติคุณเป็นดนตรี (การบูชาคนเลี้ยงแกะ , มอบของขวัญแก่พระกุมารเยซู, ไว้ทุกข์เด็กทารกที่ถูกฆ่าตามคำสั่งของเฮโรด ฯลฯ ) ประเภทของละครพิธีกรรมที่เป็นเอกลักษณ์เกิดขึ้น ซึ่งจะเปิดเผยในภายหลังใน oratorio การแนะนำดนตรีและบทกวีที่หลากหลายทำให้บทสวดแบบเกรกอเรียนสมบูรณ์ขึ้นและดึงดูดผู้ศรัทธา แต่ก็ยังคงเป็นแบบโมโนโฟนิกโดยพื้นฐานแล้ว

ขั้นตอนแรกในการสร้างโพลีโฟนีคือการร้องเพลงดังกล่าว เมื่อโทนเสียงของทำนองประสานเสียงถูกทำซ้ำด้วยเสียงอีกเสียงหนึ่งที่มาพร้อมกับการร้องประสานเสียง (ออร์แกนัม) แต่ละโทนเสียง (โน้ต) ร้องเพียงพยางค์เดียว และการร้องเพลงด้วยเสียงพยางค์ทำให้ทำนองเพลงประสานเสียงในแนวตั้ง "หนาขึ้น" แต่ทำนองเองก็เคลื่อนไหวไปในทิศทางเดียว ที่นี่เอฟเฟกต์ทางศิลปะและเสียงที่สร้างขึ้นในโบสถ์ด้วยเสียงจากเสียงต่างๆ กลายเป็นสิ่งสำคัญ ทำให้สามารถประเมินคุณภาพของการผสมโทนเสียงในแนวตั้ง (ไม่ใช่ในทำนองเพลง แต่อยู่ในความสามัคคี) - ไพเราะ (สอดคล้องกัน) และไม่สอดคล้องกัน (ไม่สอดคล้องกัน) ในสถานที่ของอาสนวิหารคาทอลิกมีการสั่นพ้องเป็นพิเศษเอฟเฟกต์ "เสียงสะท้อน" ได้รับการปรับปรุงซึ่งไม่ได้อำนวยความสะดวกในทุกช่วงเวลาที่ปรากฏในการร้องเพลงร่วมกัน แต่โดยหลักแล้วโดยผู้ที่มองว่าเป็นน้ำเสียงเดียวกัน (สมบูรณ์แบบ): อ็อกเทฟ, ห้าและสี่ เมื่อเวลาผ่านไป เสียงของทั้งสองเสียงจะขนานกันน้อยลง กล่าวคือ อิสระมากขึ้นในทิศทางของการเคลื่อนไหวอันไพเราะ: เสียงที่เปล่งออกมาพร้อมกันสองเสียงจะแยกออก จากนั้นรวมหรือข้าม พฤกษ์ประเภทแรกนี้ครอบคลุมเกือบทุกทวีปยุโรป รวมทั้งอังกฤษด้วย Organum เป็นแนวเพลงแนวโพลีโฟนิกชั้นนำของยุคกลาง

ดนตรีในยุคกลางที่เป็นผู้ใหญ่

ในศตวรรษที่ 11-12 (ยุคของแซงต์มาร์กซิยาล) การร้องเพลงสองเสียงรูปแบบพิเศษซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากอารามทางตอนใต้ของฝรั่งเศสในเมืองลิโมจส์และอารามซานติเอโกเดอกอมโปสเตลาทางตอนเหนือของสเปน ที่นี่ความเจริญรุ่งเรืองของ Melismatics - ตกแต่งเพลงหลักของการร้องประสานเสียงด้วยท่วงทำนองที่เป็นอิสระและเคลื่อนที่ได้มากขึ้น ในบางสถานที่ ศิลปินเดี่ยวในขณะที่นักร้องคนอื่น ๆ แสดงพยางค์ที่ดึงออกมาได้แนะนำบทร้องของเขาเองในพยางค์นี้ (จากสามถึงสิบเสียง) สไตล์ Melismatic ขัดขวางความคล้ายคลึงกันของเสียง "โน้ต-ฟอร์-โน้ต" สองเสียง และสร้างเงื่อนไขเบื้องต้นสำหรับความรู้สึกเป็นอิสระของเสียงทั้งสอง ปัจจุบันได้รับชื่อพฤกษ์ "โกธิค" เนื่องจากเป็นจุดสุดยอดในการพัฒนาลัทธิเกรกอเรียน ภายใต้อิทธิพลของพฤกษ์ที่พัฒนาแล้ว (พฤกษ์) บทสวดเกรกอเรียนจะหมดไปในยุคของยุคกลางที่เป็นผู้ใหญ่

ทฤษฎีดนตรี. สัญกรณ์

การพัฒนาทฤษฎีดนตรีในยุโรปตะวันตกดำเนินการภายใต้กรอบทุนการศึกษาของคริสตจักร นักปรัชญาพิจารณาดนตรีในระบบ "ศิลปศาสตร์" เจ็ดแบบ โดยสืบทอดประเพณีของชาวกรีกโบราณ โดยดนตรีอยู่ร่วมกับเลขคณิต เรขาคณิต และดาราศาสตร์ (ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของ "ควอเดรียม") ตามนักปรัชญาชาวโรมัน Boethius ดนตรีมีสามประเภทเป็นหลัก: ดนตรีโลก - การเคลื่อนไหวของทรงกลมท้องฟ้า, มนุษย์ - การรวมกันของเสียงของมนุษย์, เครื่องดนตรี - การสำแดงของรูปแบบตัวเลข ความรู้ด้านดนตรีซึ่งอยู่บนพื้นฐานของความเข้าใจในกฎแห่งความงามของจำนวนและสัดส่วนนั้นมีค่ามากกว่าการฝึกฝน: “นักดนตรีคือผู้ที่ได้รับความรู้เกี่ยวกับศาสตร์แห่งการร้องเพลงไม่ใช่โดยการเป็นทาสในวิถีทางปฏิบัติ แต่ด้วยเหตุผลผ่านการอนุมาน " (Boethius) อย่างไรก็ตามการพัฒนาเชิงปฏิบัติของดนตรี "แก้ไข" ทฤษฎีซึ่งหลังจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการพัฒนาในทิศทางของภาษาดนตรีสไตล์เทคนิคการแสดงและการปรับปรุงเครื่องดนตรีแต่ละบุคคลในการชี้แจงคำศัพท์ทางดนตรีและการตีความของผู้แต่ง ภาษาดนตรี

ความจำเพาะของวัฒนธรรมดนตรียุโรปตะวันตกมีความเกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นของโน้ตดนตรีซึ่งเป็นต้นกำเนิดของการฝึกฝนดนตรีในโบสถ์ การแสดงดนตรีทั้งมวลไม่สามารถพอใจได้อีกต่อไปด้วยการเขียนข้อความด้วยวาจาเท่านั้น ความทรงจำของนักร้องที่จดจำ "โทนเสียง" บางอย่าง (ท่วงทำนองกิริยา) ที่เหมาะสมกับข้อความทางเทววิทยาบางอย่างนั้นมีมากเกินไป มีการใช้สัญลักษณ์ตัวอักษร ซึ่งเป็นที่รู้จักทั้งในสมัยกรีกโบราณและในโลกอิสลาม แต่จำเป็นต้องมีการบ่งชี้ที่ชัดเจนเกี่ยวกับพัฒนาการด้านทำนองและจังหวะของบทสวด

จนกระทั่งถึงศตวรรษที่ 11 นักร้องใช้ไอคอนพิเศษ (นอยมาส) ซึ่งวางอยู่เหนือข้อความในข้อความ การเขียนที่ไม่ใช่ตัวเลขไม่ได้บันทึกจังหวะ แต่บันทึกเฉพาะระดับเสียงและทิศทางของทำนองเท่านั้น

ผลงานเชิงทฤษฎีทางดนตรีของชาวอาหรับ (อัล-ฟาราบี) ซึ่งแปลเป็นภาษาละตินในภาษามุสลิมในสเปน กลายเป็นที่มาของนวัตกรรมมากมายในดนตรีของยุโรปตะวันตก นอกเหนือจากการฝึกเล่น "ลูต" ที่มาจากชาวอาหรับ (ตัวย่อไม่มีบทความชื่อภาษาอาหรับ "al-ud" - "laud", "lut") ชาวยุโรปจะยืมรูปแบบการบันทึกดนตรีจากบทความตะวันออก : โครงร่างของสายอู๊ดสี่สาย (หลัง - ห้า) ที่ระบุเสียงเป็นตัวอักษรอารบิกที่ใช้นิ้วกด (แท็บ) นักดนตรีของโบสถ์ยังวาดเส้นเพื่อระบุตำแหน่งระดับเสียงที่แตกต่างกัน แต่จำนวนบรรทัดสูงถึง 18 บรรทัด ซึ่งสื่อถึงช่วงการร้องเพลงทั้งหมด พื้นฐานของโน้ตดนตรีสมัยใหม่ ถูกสร้างขึ้นโดยหัวหน้าโบสถ์ร้องเพลง Guido of Arezzo (ประมาณปี 995–1050) โดยแนะนำระบบดนตรีสี่บรรทัด (ไม้เท้า) พร้อมการกำหนดตัวอักษรของโทนเสียง การปฏิรูปของ Guido ยังส่งผลต่อทฤษฎีดนตรีด้วย เขานำประเพณีการเขียนบทความเกี่ยวกับดนตรีเข้าใกล้ "เทคนิค" ในการสร้างดนตรีมากขึ้น โดยปฏิเสธ "ปรัชญา" เกี่ยวกับดนตรี (ในจิตวิญญาณของ Boethius) กุยโดยังรับผิดชอบในการแนะนำชื่อเสียงยุโรปที่มีชื่อเสียง: โด-เร-มี-ฟา-โซล-ลา-ซี. ตามเวอร์ชันหนึ่งมีความเกี่ยวข้องกับตัวอักษรของอักษรละตินและปรากฏเป็นวิธีการสวดมนต์ (การสะกดจิต) โดยไม่มีข้อความด้วยวาจาในสัมผัสภาษาละตินที่คิดค้นขึ้นเป็นพิเศษโดย Guido ตามเวอร์ชันอื่นชื่อของโทนสียุโรปถูกยืมมาจากชาวอาหรับและสอดคล้องกับชื่อตัวอักษรในอักษรอาหรับ: ดาล-รา-มิม-ฟา-ซาด-ลัม-ซิน. ()

พฤกษ์โพลีโฟนีตอนต้น (polyphony)

ในงานของนักดนตรี (Leonina ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 12 และ Perotina ศตวรรษที่ 12-13) ซึ่งรับใช้ในโรงเรียนร้องเพลงของโบสถ์แห่งมหาวิหารนอเทรอดามในปารีส โพลีโฟนีรูปแบบใหม่กำลังก่อตัวขึ้น ตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 รูปแบบของโรงเรียน Notre Dame มีความโดดเด่นด้วยลักษณะเฉพาะ: การปรากฏตัวของเสียงสามและสี่เสียง, การเคลื่อนไหวอันไพเราะของเสียงบน (เสียงแหลม), อิสรภาพและความแตกต่างของเสียงเพิ่มเติมที่เกี่ยวข้องกับการร้องประสานเสียง, การเปลี่ยนแปลงของการร้องเพลงประสานเสียง ทำนองเป็นพื้นหลังที่ทำให้เกิดเสียงที่วัดได้ - เสียงที่ยั่งยืน ความกลมกลืนของเสียงดนตรีไม่ได้เกิดขึ้นมากนักผ่านข้อความแบบ Caesuras แต่ผ่านการร้องซ้ำอันไพเราะและวลีที่เป็นจังหวะ ในผลงานของ Perotin ซึ่งมีชื่อเล่นว่า "The Great" ระบบของโหมดจังหวะดนตรีที่เป็นอิสระจากข้อความถูกสร้างขึ้น (มี 6 โหมดต่อมา 8) และเทคนิคการพัฒนาใหม่ (canon, การเลียนแบบ) จะปรากฏขึ้นตามการทำซ้ำ ทำนองเดียวกันในเสียงที่แตกต่างกัน หลักการของพหุเสียงของโรงเรียนนอเทรอดามซึ่งไม่เพียงแต่มีพื้นฐานมาจากแนวดิ่งเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการเคลื่อนไหวของเสียงเชิงเส้นด้วย กำลังแพร่กระจายไปทุกที่ ความช้าของพิธีกรรมในโบสถ์ซึ่งแสดงออกมาด้วยเสียงร้องเพลงประสานเสียงเริ่มผสมผสานกับสีสันของจินตนาการอันไพเราะ

ประเพณีดนตรีฆราวาสในยุคกลาง

เป็นเวลานานแล้วที่ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีทางโลกอยู่นอกขอบเขตของความเป็นมืออาชีพ การก่อตัวของมันได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการก่อตัวของประเพณีศาล (อัศวิน) ในวัฒนธรรมของยุโรปปฏิสัมพันธ์กับวัฒนธรรมดนตรีของชาวเมืองกับวัฒนธรรมพื้นบ้านของเมืองในยุคกลาง ย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 9 (ยุคการอแล็งเฌียง) มีการจัดตั้ง "สถาบันพระราชวัง" (จำลองมาจากสมัยโบราณ) ซึ่งมีการโต้แย้งทางวิทยาศาสตร์และมีการแข่งขันของกวีและนักดนตรี ด้วยการถือกำเนิดของศูนย์วัฒนธรรมแห่งใหม่ (มหาวิทยาลัย) พร้อมด้วยมหาวิหารขนาดใหญ่ซึ่งมีโรงเรียนสำหรับฝึกนักร้อง การเรียนรู้จึงไม่เพียงมุ่งความสนใจไปที่แวดวงนักบวชเท่านั้น แต่ยังอยู่ในแวดวงขุนนางผู้รู้แจ้งด้วย

Trouvères และคณะเร่ร่อน

อุดมการณ์แห่งความกล้าหาญมีบทบาทสำคัญในการก่อตัวของประเพณีดนตรีทางโลก สงครามครูเสดไปทางตะวันออกและความคุ้นเคยกับวัฒนธรรมศาลอาหรับ (อิสลาม) - การร้องเพลงเดี่ยวของบทกวีที่แต่งร่วมกับอู๊ดซึ่งเจริญรุ่งเรืองในสเปนมุสลิมขยายโลกทัศน์ของอัศวินมีส่วนทำให้เกิดบรรทัดฐานของ "สันติสุข ” พฤติกรรมและจรรยาบรรณ ตัวละครพิเศษในบทสนทนาของอัศวินกับ "หญิงสาวสวย" ที่อุทิศตนรับใช้เธอและอุดมคติของความรักในราชสำนัก พัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 11-12 ในการสร้างสรรค์ดนตรีและบทกวีของคณะละครและคณะ (ตามที่เรียกคณะทางตอนเหนือ) - ตัวอย่างแรกของบทกวีฆราวาสที่มีดนตรีบันทึกเป็นลายลักษณ์อักษร การสร้างบทกวีพร้อมร้องเพลงสรรเสริญหญิงสาวสวยเป็นที่ต้องการของขุนนางผู้รู้แจ้ง ในปราสาทและในงานเฉลิมฉลองทางสังคม อัศวินเปลี่ยนจาก "คนป่าเถื่อนผู้กล้าหาญ" มาเป็น "นักเลงเสน่ห์ของผู้หญิง" คณะนักร้องชาวโปรวองซ์เขียนบทกวีไม่ใช่ในภาษาพูด แต่เป็นภาษา "โคอีน" ที่มีความซับซ้อน

ชื่อของคณะละครและคณะละครหลายคนบ่งชี้ว่าพวกเขามาจากชนชั้นทางสังคมที่แตกต่างกัน: Guillaume VII, เคานต์แห่งปัวติเยร์, ดยุคแห่งอากีแตน; เคานต์แห่งอองกูแลม; Gascon Marcabrun ผู้น่าสงสารซึ่งรับราชการในศาลคาตาลัน Bernart de Ventadorn; แบร์ทรองด์ เดอ บอร์น. Peire Vidal - กว้างขวางและพูดจาเร็วเสิร์ฟในราชสำนักของกษัตริย์ฮังการีเขาและ Girouat de Borneil อยู่ใกล้กับผู้ปกครองของบาร์เซโลนา Guiraut Riquier ทำหน้าที่ในศาลเดียวกันเป็นเวลาหลายปีซึ่งท่วงทำนอง (48) ได้รับการเก็บรักษาไว้อย่างดีที่สุด ชาวมาร์เซย์จากครอบครัวพ่อค้าชาว Genoese ผู้มั่งคั่ง และ Goselm Fedi ผู้ซึ่งสูญเสียโชคลาภและกลายเป็นนักเล่นปาหี่ ในศตวรรษที่ 12 Troubadours ประสบความสำเร็จในศาล Castilian ทางตอนเหนือของสเปน Trouvères ส่วนใหญ่มีต้นกำเนิดมาจาก Arras (ทางเหนือของ Laura) ในบรรดา Trouvères มีชาวเมืองและอัศวินหลงทางจำนวนมาก (Jean de Brienne) และผู้เข้าร่วมในสงครามครูเสด (Guillaume de Ferrieres, Bouchard de Marly) ผู้มีชื่อเสียงคือ Canon de Bethune บุตรชายของเคานต์ ผู้แต่งเพลงหลายเพลงเกี่ยวกับสงครามครูเสด; นักเล่นปาหี่ที่น่าสงสาร แต่เป็นกวีที่มีการศึกษาและละเอียดอ่อน Colin Muset เช่นเดียวกับ Thibault เคานต์แห่งแชมเปญ ราชาแห่งนาวาร์ (มีท่วงทำนอง 59 เพลงที่รอดชีวิต)

ในศิลปะของคณะละครและคณะ แนวเพลงที่มีลักษณะเฉพาะได้ถูกสร้างขึ้น: อัลบา (เพลงแห่งรุ่งอรุณ), เซิร์ฟเวอร์ (เพลงจากมุมมองของอัศวิน), เพลงบัลลาด, rondo, canzona, เพลงบทสนทนา, เพลงเดือนมีนาคมของพวกครูเสด, คร่ำครวญ (บน การเสียชีวิตของริชาร์ดหัวใจสิงโต) เนื้อเพลงของเพลงที่แสดงถึงความรู้สึก "อ่อนโยน" นั้นเป็นเพลงที่มีความละเอียดอ่อน ทำนองนั้นแต่งขึ้นในท่อนเดียวและทำซ้ำในท่อนใหม่ โดยทั่วไปรูปแบบจะแตกต่างกันไป - บางครั้งมีการทำซ้ำของท่อน, ละเว้น, บางครั้งไม่มีพวกมัน, วลีก็ถูกแบ่งอย่างชัดเจนและแยกแยะตามความสามารถในการเต้น ความเชื่อมโยงระหว่างท่วงทำนองกับท่อนร้องก็แสดงออกมาเป็นจังหวะเพราะว่า ทำนอง "พอดี" เป็นหนึ่งในหกโหมดจังหวะ ("รูปแบบ") - ตัวเลขจังหวะ "เทียม"

ในศตวรรษที่ 12-13 งานของคณะนักร้องประสานเสียงมาถึงเยอรมนี ข้อความจากภาษาฝรั่งเศสได้รับการแปลเป็นภาษาเยอรมัน และบทกวีของพวกเขาเองดูเหมือนจะเป็นเพลงที่รู้จักอยู่แล้ว ในที่นี้กวี-นักร้องเรียกว่านักขุดแร่ มินเนซังมีความเจริญรุ่งเรืองในราชสำนัก - จักรวรรดิ, ดยุค (เวียนนา), แลนด์เกรฟ (ทูรินเจีย), ราชวงศ์เช็ก (ปราก) ซึ่งมีการแข่งขันร้องเพลง ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของมินเนซังแห่งศตวรรษที่ 12-15: ดีทมาร์ ฟอน ไอสต์, วอลเตอร์ ฟอน เดอร์ โฟเกลไวเดอ, นิดการ์ต ฟอน โรเวนธาล, ออสวัลด์ ฟอน โวลเกนสไตน์ Oswald von Wohl เจ้าของปราสาทประจำตระกูล เคยเป็นเจ้าบ่าว นักแสวงบุญ พ่อครัว และอัศวินนักขุดแร่ เฮนรีแห่งไมเซินได้รับฉายาว่า "เฟราเอนล็อบ" ("ผู้สรรเสริญสตรี") Adam de la Halle เป็นคนสุดท้ายในคณะนักร้องประสานเสียง กวีผู้มีการศึกษาและนักดนตรีชื่อดังผู้เผยแพร่หลักการสร้างสรรค์ของคณะนักร้องประสานเสียงไปยังอิตาลี เขาเขียนโพลีโฟนิกรอนโดสและบัลลาดและวางรากฐานของประเภทละครเพลง - เขาเป็นคนแรกที่สร้างการแสดงตลกในศาลพร้อมดนตรี เกมเกี่ยวกับโรบินและแมเรียน(เกี่ยวกับความรักของอัศวินต่อคนเลี้ยงแกะ)

นักดนตรีเมือง ( นักเล่นปาหี่, นักดนตรี, shpilmans). ตั้งแต่ศตวรรษที่ 9 ข้อมูลเกี่ยวกับนักดนตรีพื้นบ้านปรากฏขึ้น ซึ่งเพลงและเพลงบรรเลงของพวกเขาจะเป็นพื้นฐานของเนื้อเพลงฆราวาสในศตวรรษที่ 12-13 นักเล่นกล นักดนตรี และนักเล่นกลเป็นนักดนตรีที่มีฝีมือ ส่วนใหญ่เดินทางไปจากเมืองหนึ่งไปอีกเมืองหนึ่งและแสดงในงานเทศกาล บางคนตั้งรกรากและกลายเป็นนักเป่าแตรและมือกลองในเมือง นักร้อง การแสดงละครใบ้ นักแสดง นักแสดงเครื่องดนตรีต่างๆ (วิเอเล - ไวโอลิน พิณ ฟลุต ผ้าคลุมไหล่ - โอโบ ออร์แกน ฯลฯ ) พวกเขามักจะหางานทำกับขุนนาง ในบรรดาเด็กฝึกงานที่เดินทาง นักร้อง กวี และนักเขียนบทละคร Hans Sachs มีชื่อเสียง โดยเดินทางผ่านเมืองต่างๆ ของเยอรมนี และเป็นผู้นำขบวนการไมสเตอร์ซิงเงอร์ในนูเรมเบิร์ก

คริสตจักรคาทอลิกไม่ยอมรับดนตรีทุกประเภท โดยพัฒนา "ศิลปะที่สมบูรณ์แบบ" (ars perfectum) ซึ่งเป็นรูปแบบดนตรีที่สอดคล้องกับการนมัสการ มติของสภาคริสตจักรและถ้อยแถลงของนักเทววิทยาหลักๆ ที่เกี่ยวข้องกับการศึกษาอันเคร่งศาสนาของผู้ศรัทธา มีข้อห้ามในการเข้าโบสถ์สตรีในการร้องเพลง เต้นรำ และพิธีกรรมพื้นบ้าน นักร้องและนักดนตรีพเนจร เรียกพวกเขาว่าประวัติศาสตร์ ด้วยการปลูกฝังศีลธรรมของนักบวชและนักบวช คริสตจักรจึงปกป้องตนเองจากชีวิตของฆราวาส วัฒนธรรมดนตรีแบ่งออกเป็นสองชั้น: ลัทธิและฆราวาส โบสถ์และฆราวาส อย่างไรก็ตามตั้งแต่ศตวรรษที่ 12-13 “ผู้คนพเนจร” เริ่มมีส่วนร่วมในการแสดงจิตวิญญาณ ในตอนของพิธีที่จำเป็นต้องแสดงบทบาทในการ์ตูน หรือในกรณีที่ดำเนินการในภาษาท้องถิ่น

ดนตรีแนวลัทธิและฆราวาสในศตวรรษที่ 13-14

ลักษณะเฉพาะของดนตรีในคริสตจักรที่กลายเป็นฆราวาสเริ่มปรากฏให้เห็นในศตวรรษที่ 12–13 ภาพทางโลกแทรกซึมเข้าไปในประเด็นทางจิตวิญญาณ และรูปแบบของพิธีสวดก็ดูน่าตื่นตาตื่นใจยิ่งขึ้น บทสวดเกรโกเรียนยังคงเป็นองค์ประกอบบังคับของการให้บริการของคริสตจักร แต่ความเป็นไปได้ของการนำเสนอแบบโพลีโฟนิกนั้นถูกเปิดเผยขึ้นอยู่กับบุคลิกลักษณะของผู้แต่ง โรงเรียนโพลีโฟนิกระดับภูมิภาคกำลังถูกสร้างขึ้น คำว่า "musica composita" ซึ่งใกล้เคียงกับคำว่า "การเรียบเรียง" ในอนาคตปรากฏขึ้น (J. de Grogeo ต้นศตวรรษที่ 14) มีความหมายโดยเปรียบเทียบกับคำที่ชาวมุสลิมใช้ตั้งแต่ศตวรรษที่ 9 คำว่า "tarkib" (ภาษาอาหรับ - "การประพันธ์") - "ดนตรีที่แต่ง" มีการผสมผสานระหว่างเทคนิคของศิลปะคริสตจักรกับลักษณะของศิลปะทางโลก

ดนตรีศักดิ์สิทธิ์รูปแบบใหม่กำลังพัฒนา ซึ่งหลักการโคลงสั้น ๆ ได้รับการสำแดงออกมา ในอิตาลี มีการเผยแพร่เพลงสรรเสริญ (เลาดา) และบทร้อยแก้วสั้น ๆ ที่ใกล้เคียงกับเนื้อเพลงฆราวาส ด้วยการพัฒนาของลัทธินอกรีตฝ่ายวิญญาณ (คณะฟรานซิสกัน) บทสวดฝ่ายวิญญาณจึงปรากฏเป็นภาษาท้องถิ่น ในฝรั่งเศส อาร์คบิชอป พี. คอร์เบลได้ประพันธ์ "ร้อยแก้วลา" ที่ได้รับความนิยมในปัจจุบัน ซึ่งสรรเสริญลาและมีจุดประสงค์เพื่อใช้ในพิธีเข้าสุหนัต ในประเทศสเปนในศตวรรษที่ 13 ที่ศาลของ King Alfonso X the Wise of Castile กวีนักดนตรีผู้อุปถัมภ์วิทยาศาสตร์การแต่งบทเพลงทางจิตวิญญาณเจริญรุ่งเรือง: คอลเลกชันเพลงสวด (บทเพลง) ที่อุทิศให้กับพระแม่มารีปรากฏ (มากกว่า 400 เพลงในภาษากาลิเซีย) พวกเขาแสดงพื้นฐานของเพลงพื้นบ้าน มีการขับร้อง และดำเนินการโดยวงดนตรีบรรเลง

โมเท็ต. กิเมล.

การเกิดขึ้นและพัฒนาการของรูปแบบการร้องเพลงเสียงแหลมในการปฏิบัติของคริสตจักรได้รับอิทธิพลจากประเพณีดนตรีพื้นบ้าน น้ำเสียงและองค์ประกอบของการร้องเพลงพื้นบ้านที่ "ไม่ลงรอยกัน" ในศตวรรษที่ 12 จิตวิญญาณของวัฒนธรรมราชสำนักฝรั่งเศสในยุคของพระเจ้าหลุยส์ที่ 9 ให้กำเนิดแนวเพลงใหม่ - โมเตต์ที่พัฒนาพฤกษ์หลายชั้น โมเท็ตกลายเป็นแนวเพลงชั้นนำ "โกธิคจิ๋วแห่งยุคกลาง" แนวโน้มที่เพิ่มขึ้นต่อการแสดงออกของภาพที่สมจริงและความเป็นปัจเจกบุคคลนั้นแสดงให้เห็นได้ดีที่สุดในรูปแบบนี้ ซึ่งกลายเป็นว่าเหมาะสำหรับการสร้างดนตรีศักดิ์สิทธิ์และฆราวาส นอกจากทำนองใหม่แล้ว คำใหม่ๆ ก็เริ่มดังขึ้นด้วย สำหรับการร้องประสานเสียงในภาษาละติน มีการเพิ่มทำนองอีกเพลง (หลายเพลง) ด้วยข้อความในภาษาทั่วไป มักมีเนื้อหาที่ตลกขบขัน ขี้เล่น หรือเร้าอารมณ์ การทำซ้ำ (จังหวะ แรงจูงใจ) และรูปแบบบทเพลงกลายเป็นลักษณะเฉพาะ โดดเด่นด้วยคุณภาพที่เล็ก ขี้เล่น และไพเราะ โมเท็ตได้เติมเต็ม "ผืนผ้าใบ" แบบโพลีโฟนิกอันยิ่งใหญ่ด้วยเทคนิคที่ชาญฉลาดยิ่งขึ้น และมีส่วนช่วยในการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของแต่ละบุคคล Motets เล่นในงานเทศกาล การแข่งขัน ความบันเทิง และพิธีการต่างๆ นอกโบสถ์มีการแสดงพร้อมกับเครื่องดนตรีบางชนิดและตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 13 โมเท็ตเครื่องมือปรากฏขึ้น

ความเจริญรุ่งเรืองของพหูพจน์ในฝรั่งเศสนำไปสู่การเกิดขึ้นของการเขียนโพลีโฟนิกที่เป็นผู้ใหญ่ ซึ่งไม่บรรลุผลสำเร็จในทันทีที่การรวมกันของเสียงอิสระหลายเสียง (ทั้งในจังหวะและทำนอง) ซึ่งจะเป็นที่รู้จักในศตวรรษที่ 16–18 (จาก เจ. ปาเลสตรินา หรือ เจ.เอส. บาค) แรงกระตุ้นประการหนึ่งที่ทำให้สไตล์โพลีโฟนิกเข้าใกล้จุดสูงสุดมากขึ้นคือสไตล์การร้องเพลงที่แพร่หลายในอังกฤษ (gimel ต่อมาคือ fabourdon) ลักษณะการร้องเพลงพื้นบ้านของอังกฤษที่นำมาใช้ในการร้องเพลงในโบสถ์ การผสมผสานของเสียงที่ก่อตัวเป็นช่วงแนวตั้งของสามและ sexts ถือว่าไม่สมบูรณ์ในทฤษฎีคริสตจักร พวกเขาระบุ “ปัญหา” ของการสร้างรูปแบบใหม่ (ที่ไม่ใช่คริสตจักร) – หลักและรอง ซึ่งช่วงที่สามจะครอบงำ การปฏิบัติร้องเพลงโพลีโฟนิกในยุคกลางดูเหมือนจะพยายาม "ถอยห่าง" จากการรวมกันของเสียงในแนวตั้งและเริ่มพัฒนาการเคลื่อนไหวเชิงเส้น (ขึ้นอยู่กับกันและกันน้อยลง) มากขึ้น - จุดแตกต่าง แต่ในทางกลับกัน การ "ค้นหา" การปรับแต่งระดับตติยภูมิที่ตอบสนองหู (ในแนวตั้งและไม่ใช่การผสมผสานอันไพเราะแบบก้าวหน้า - ในฮาร์มอนิก) จะดำเนินต่อไป ในช่วงยุคกลางที่เจริญรุ่งเรือง ระบบโมดอลหลัก-รองจะเริ่มตกผลึก ซึ่งจะประกอบขึ้นเป็นลักษณะเฉพาะของการคิดทางดนตรีของยุโรปตะวันตกในยุคปัจจุบัน โดยอาศัยเทคนิคโฮโมโฟนิก-ฮาร์โมนิก

คุณสมบัติของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในดนตรี

"ศิลปะใหม่" (อาร์โนวา)

ภาพลักษณ์ของนักดนตรีมืออาชีพ ก่อตั้งขึ้นในโบสถ์ในยุคกลางในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 13-14 เสริมด้วยภาพลักษณ์ของขุนนางผู้รู้แจ้งที่แต่งเพลงเพื่อคริสตจักรและสังคมโลก มืออาชีพต้องมีความรู้เกี่ยวกับกฎทางดนตรี ซึ่งเป็นความรู้ที่คนรักดนตรีทั่วไปไม่รู้จัก มีความเข้าใจถึงความสำคัญที่เป็นอิสระของดนตรี ความสามารถในการ "สร้าง" ตามกฎของตัวเอง และเป็นแหล่งแห่งความสุข ความจำเพาะของการปฏิสัมพันธ์ระหว่างลัทธิและความเป็นมืออาชีพทางดนตรีฆราวาสแสดงให้เห็นในการแบ่งแยกศิลปะดนตรีและบทกวีออกเป็น: "ศิลปะใหม่" (ars nova) และ "ศิลปะเก่า" (ars antiqua) นักทฤษฎีของ ars nova เป็นนักดนตรี กวี และนักปรัชญาชาวฝรั่งเศส Philippe de Vitry (1291–1361) ผู้เขียนบทความ อาส โนวา(ประมาณปี 1320) งานนี้กำหนด "เวกเตอร์" ใหม่สำหรับการพัฒนาดนตรีซึ่งแตกต่างจากลัทธิที่ก่อตั้งขึ้นก่อนหน้านั้น สิ่งนี้ไม่เพียงแสดงออกมาในการรับรู้ช่วงเซมิโทนว่า "ไม่เป็นเท็จ" และช่วงที่สามเป็นความไพเราะ (สอดคล้องกัน) แต่ยังรวมถึงการแบ่งจังหวะเมโทรใหม่ด้วย – bilobeds เสริม trilobeds ที่ครอบงำคริสตจักร ด้วยการสร้างโมเท็ตโคลงสั้น ๆ, rondos และบัลลาดขนาดจิ๋ว โครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของดนตรีมืออาชีพก็เปลี่ยนไป ในงานของนักแต่งเพลงเทคนิค isorhythmic (หลักการ ostinato-variational) ปรากฏขึ้น: การขยายระยะเวลาของน้ำเสียงของเสียงพื้นฐานที่ต่ำกว่า (ไพเราะ ostinato หรือการทำซ้ำ - "cantus prius Firmus") ด้วยเสียงด้านบนที่สร้างโครงสร้างส่วนบนของแสงเคลื่อนที่ เหนือมัน การร้องประสานเสียงซ้ำ ๆ ท่วงทำนองไม่ได้มีบทบาทในเชิงอุปมาอุปไมยอีกต่อไป แต่กลายเป็นปัจจัยหนึ่งของแนวฮาร์มอนิก - มันร่วมจัดระเบียบเสียงทั้งหมดเป็นจังหวะ

เสียงสามเสียงของกวีและนักแต่งเพลง Guillaume de Machaut (ประมาณปี 1300–1377) ซึ่งทำหน้าที่เป็นต้นเสียงของอาสนวิหารนอเทรอดามและเลขานุการของกษัตริย์จอห์นแห่งลักเซมเบิร์กแห่งโบฮีเมีย มีชื่อเสียงมาก ดนตรีหยุดเป็น "วิทยาศาสตร์อันศักดิ์สิทธิ์" แต่กลายเป็นตัวแทนของหลักการทางโลก: "ดนตรีเป็นวิทยาศาสตร์ที่มุ่งมั่นเพื่อให้เราสนุกสนาน ร้องเพลง และเต้นรำ" (Machaud) นักประพันธ์เพลงที่ยังคงทำงานให้กับโบสถ์ได้ยืมมาจากดนตรีของอาร์โนวาเพื่อสไตล์ที่แสดงออก ในศตวรรษที่ 14 ในอิตาลี นักดนตรีที่สดใสจำนวนหนึ่งปรากฏตัวซึ่งแต่งเพลงตามแรงบันดาลใจและแต่งทำนองของตัวเองสำหรับมวลชนโพลีโฟนิก มวลชนและโมเท็ตในโบสถ์มีอิทธิพลเหนือ แต่แนวเพลงทางโลกก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน - มาดริกัล, คาคเซีย, เพลงบัลลาด เส้นทางสร้างสรรค์ของคณะละครยังคงดำเนินต่อไป แต่ด้วยเทคนิคระดับมืออาชีพที่แตกต่างกัน - โพลีโฟนิกพร้อมภาพศิลปะที่หลากหลายยิ่งขึ้น ในบรรดานักดนตรีที่โดดเด่นในยุคนั้นคือ Francesco Landini นักเล่นออร์แกนตาบอดที่เก่งกาจ (1325–1347) ผู้ประพันธ์เพลงมาดริกัลสองและสามเสียงอันโด่งดังและเพลงบัลลาดที่โคลงสั้น ๆ อย่างอิดโรย

โรงเรียนโพลีโฟนิกดัตช์ (ฝรั่งเศส-เฟลมิช) ในศตวรรษที่ 15-16

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 15 ภาคเหนือเริ่มมีบทบาทอย่างแข็งขันในวัฒนธรรมดนตรีของยุโรป หลังจากการผนวกเนเธอร์แลนด์เข้าในอาณาเขตของดยุคแห่งเบอร์กันดี ปฏิสัมพันธ์ของประเพณีดนตรีของฝรั่งเศส เบอร์กันดีและอังกฤษก็ทวีความรุนแรงมากขึ้น ทำให้เกิดโรงเรียนมืออาชีพแห่งใหม่ด้านโพลีโฟนิก ซึ่งแพร่กระจายอิทธิพลไปยังอิตาลี สเปน และอาณานิคม ของโลกใหม่ ในศตวรรษที่ 15-16 นักดนตรีชาวดัตช์ทำงานในใจกลางเมืองใหญ่ๆ เกือบทั้งหมดในยุโรป ดนตรีของพวกเขาแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงจิตวิญญาณที่เกี่ยวข้องกับแนวคิดอันประเสริฐของศรัทธาคาทอลิก ด้วยความสำเร็จของโรงเรียนดนตรีคริสตจักรแห่งโรมัน พวกเขาจึงสามารถปลูกฝังประเพณีนี้ด้วยแรงกระตุ้นใหม่ๆ ของยุคอาร์โนวา ทำให้ดนตรีในโบสถ์มีพลังพิเศษด้านความงามทางศิลปะและความสมบูรณ์แบบ ความเชี่ยวชาญเชิงเหตุผลทางคณิตศาสตร์ของเทคนิคโพลีโฟนิกปรากฏอยู่ในเสียงของคณะนักร้องประสานเสียงโพลีโฟนิกที่ร้องเพลงโดยไม่มีผู้ร่วมเดินทาง (คาเปลลา) การร้องเพลงประสานเสียงรูปแบบใหม่นี้เป็นผลมาจากปรากฏการณ์ต่างๆ มากมายที่ชาวดัตช์นำมาใช้ ได้แก่ การขับร้องประสานเสียงออร์โธดอกซ์ การร้องเพลงประสานเสียงแบบโพลีโฟนิก การร้องเพลง "ในสาม" ของภาษาอังกฤษ เพลงพื้นบ้านของเฟลมิช และเพลง frotolla ของอิตาลีอันไพเราะ พหูพจน์นี้เผยให้เห็นเสียงหนึ่งมิติในคณะนักร้องประสานเสียงซึ่งสามารถทำได้จากออร์แกนเท่านั้น ความสมดุลของเสียง 4 หรือ 5 เสียงและช่วงเสียงที่กว้าง (เนื่องจากการมีส่วนร่วมของเสียงต่ำที่เข้ามาแทนที่เสียงสูง) ทำให้เกิดกระแสดนตรีอย่างต่อเนื่อง โดยที่เสียงหนึ่ง "ซ้อน" กับอีกเสียงหนึ่ง นี่คือจุดสุดยอดของการร้องเพลงประสานเสียงแบบโพลิโฟนีเชิงเส้น

ในพิธีมิสซาในโบสถ์ มวลชนจะกลายเป็นศูนย์กลางและได้รับสถานะของแนวดนตรีอิสระ ในงานของ Guillaume Dufay (ค.ศ. 1400–1474) มวลสี่เสียงได้เปลี่ยนจากตัวเลขที่แตกต่างกันไปเป็นผลงานศิลปะ เมื่อการรวมกลุ่มของส่วนต่างๆ ของบริการและความสามัคคีของน้ำเสียงทำให้เกิดความสมบูรณ์ทางดนตรีที่พิเศษ เพื่อเป็นการยกย่องโมเท็ตฆราวาส ผู้แต่ง "สาน" ท่วงทำนองพื้นบ้านให้เป็นเสียงของมวลชน โดยเน้นย้ำด้วยความโล่งใจ โดยมักจะอาศัยโครงสร้างคอร์ด ผู้เชี่ยวชาญด้านเทคนิคโพลีโฟนิกคือ Jan Ockeghem (1428–1495) ซึ่งมีผู้ติดตามจำนวนมาก เขาได้พัฒนาเทคนิคในการเลียนแบบ (การทำซ้ำ) ของทำนองในเสียงต่างๆ (การกลับด้าน การบีบอัด การซ้อนทับ ฯลฯ) สลับระหว่างเสียงเต็มของคณะนักร้องประสานเสียงและกลุ่มได้อย่างมีประสิทธิภาพ เขาประสบความสำเร็จในความลื่นไหลของโครงสร้างดนตรีอย่างต่อเนื่อง ดนตรีไม่ได้สูญเสียลักษณะทางศาสนา แต่การร้องประสานเสียงก็สูญเสียบทบาทในฐานะรากฐานของพฤกษ์เพราะว่า ท่วงทำนองของเขาสามารถขยับจากเสียงหนึ่งไปอีกเสียงหนึ่งและร้องได้ทั้งจากด้านล่างและด้านบน บ่อยครั้งแทนที่จะเป็นการร้องประสานเสียง หน้าที่ของเพลงหลัก (cantus Firmus) ดำเนินการโดยทำนองที่แต่งโดยผู้แต่งหรือเพลงที่มีชื่อเสียง ในกรณีนี้ มิสซาได้รับชื่อพิเศษหรือไม่มีเลย (Okegem - พิธีมิสซาไม่มีชื่อเรื่อง, เจ.เดเปรส – ลาซาล-ฟา-เร).

ปรมาจารย์ด้านอักษรศาสตร์เฟลมิชที่โดดเด่น ได้แก่ ไฮน์ริช ไอแซค (ประมาณ ค.ศ. 1450–1517) และจาค็อบ โอเบรชต์ (ประมาณ ค.ศ. 1430–1505) แต่ Josquin Despres ประสบความสำเร็จในบทบาทพิเศษในการผสมผสานหลักการทำนองเพลงของคริสตจักรและฆราวาสพื้นบ้านเข้าด้วยกันในการร้องเพลงประสานเสียง เขาเขียนเพลงมวลชนทางจิตวิญญาณ มาดริกัลฆราวาส และชานสัน ดนตรีของเขาได้รับการยอมรับจากคนรุ่นเดียวกันว่าเป็นอุดมคติของ "ศิลปะที่สมบูรณ์แบบ" ของคริสตจักรเนื่องจากเขาไม่ได้ทำให้เทคนิคโพลีโฟนิกซับซ้อน แต่สร้าง "สไตล์การรู้แจ้ง" ที่เข้มงวดของการเขียนโพลีโฟนิก ข้อเท็จจริงนี้มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาดนตรีในคริสตจักรเพราะ ความสำคัญอิสระของดนตรีไม่ได้รับการต้อนรับจากบาทหลวงในโบสถ์ ซึ่งมอบหมายหน้าที่ของ "จิตใจอันน่าตื่นเต้นด้วยการร้องเพลง เพื่อที่พวกเขาจะได้เข้าใจความหมายของบทสวดเหล่านี้ได้ดีขึ้น" (Melanchthon)

เทคนิคโพลีโฟนิกในรูปแบบการเขียนที่ตรงกันข้าม "เข้มงวด" มาถึงจุดสูงสุดในผลงานของ O. Lasso และ G. Palestrina Lasso ผสมผสานเทคนิคการเรียนรู้แบบโพลีโฟนิกของคริสตจักรเข้ากับจินตภาพทางโลก การแสดงละครพิเศษและอารมณ์ความรู้สึก งานรื่นเริงและไหวพริบ (องค์ประกอบ เอคโค่สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงสองคน) เขาผสมผสานหลักการเสียงโพลีโฟนิกและเสียงฮาร์มอนิก นำเสนอโครมาติสม์ที่แสดงออก เครื่องประดับอันไพเราะ และบทละคร (คล้ายกับโอเปร่า) ในงานฆราวาสและศักดิ์สิทธิ์ Palestrina ซึ่งทำงานในโบสถ์ที่ใหญ่ที่สุดในโรมและเข้าร่วมในการปฏิรูปของสภาเทรนต์ได้รับการยอมรับว่าเป็น "ผู้ช่วยให้รอดของดนตรีในคริสตจักร" ในยุคของ "ความไม่พอใจ" ของความเป็นมืออาชีพทางโลก ผู้เขียนมวลชน, โมเตต, ผู้ยิ่งใหญ่, เพลงสวด, มาดริกัล (ฆราวาสและศักดิ์สิทธิ์) จำนวนมากเขากลายเป็นตัวอย่างของรูปแบบการเขียนที่ขัดแย้งกันอย่างเคร่งครัดเมื่อคณะนักร้องประสานเสียงมีความต่อเนื่องและการสลับกันอย่างต่อเนื่องของเสียงที่แตกต่างกันและการถ่ายโอนความคิดริเริ่มอันไพเราะจาก เสียงต่อเสียงมีความสำคัญทางศิลปะ การ "ทอ" เสียงที่มีทักษะนี้ไม่ได้ปิดบังคำศัพท์และเน้นอย่างมีประสิทธิภาพโดยการเริ่มแนวทำนองใหม่หรือการเปลี่ยนแปลงแนวเสียง ผลงานดนตรีของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคนอื่น ๆ มีความสำคัญทางศิลปะ: G. Allegri ชาวอิตาลี, T. Tallis ชาวอังกฤษและคนอื่น ๆ

ดนตรีบรรเลงในยุคเรอเนซองส์

ในศตวรรษที่ 15-16 ดนตรีบรรเลงเริ่มปรากฏเป็นประเพณีที่เป็นอิสระและแพร่กระจายอย่างรวดเร็วในชีวิตประจำวัน ร้านเสริมสวย ศาล และโบสถ์ พิณกำลังได้รับความนิยมมากขึ้นในชีวิตประจำวัน นอกเหนือจากผลงานทางจิตวิญญาณแล้ว คอลเลกชันเพลงที่ตีพิมพ์ชุดแรกยังนำเสนอเครื่องดนตรีสำหรับลูต (แท็บพิตสามรายการรวบรวมโดย O. Perucci ในปี 1507–1509) อย่างไรก็ตาม เนื้อหาของเพลงบรรเลงส่วนใหญ่มีต้นกำเนิดจากเสียงร้อง - เหล่านี้คือการเรียบเรียงของโมเท็ต ชานสัน ท่วงทำนองพื้นบ้าน และการร้องประสานเสียง ในการเล่นออร์แกน ลูต และคลาเวียร์ยุคแรก หลักการของการใช้ทำนองเพลงเดียวได้ถูกสร้างขึ้น (เช่น งานออร์แกนและคลาเวียร์โดยนักแต่งเพลงชาวสเปน F. Antonio Cabezon (1510–1566)) แต่คริสตจักรอนุญาตให้มีเสียงดนตรีออกคำสั่งว่า “ให้พวกบิชอประงับการเล่นออร์แกนเพื่อจะได้ได้ยินคำที่ขับร้อง และเพื่อให้ดวงวิญญาณของผู้ฟังหันไปสรรเสริญพระเจ้าด้วยความศักดิ์สิทธิ์ ไม่ใช่ด้วยท่วงทำนองที่ชวนสงสัยและน่าสนใจ” (มติสภาโทเลโด, 1566)

มาดริกัล.

ปรากฏในศตวรรษที่ 14 แนวเพลงมาดริกัลแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงเวกเตอร์ทางโลกใหม่ของการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรี ดนตรีผสมผสานกับผลงานของกวียุคเรอเนซองส์โดยอิงจากต้นกำเนิดเพลงพื้นบ้าน Madrigals เป็นบทกวีซึ่งส่วนใหญ่เป็นเนื้อหาความรักซึ่งมีจุดประสงค์เพื่อการร้องเพลงในภาษาพื้นเมืองเขียนโดย F. Petrarch, G. Boccaccio, P. Bembo, T. Tasso, L. Ariosto และคนอื่น ๆ ความปรารถนาในความราคะทำให้แนวเพลงนี้โดดเด่นซึ่ง ได้รับความนิยมไม่เพียงแต่ในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในฝรั่งเศส เยอรมนี อังกฤษด้วย มันรวมหลักการโฮโมโฟนิก-ฮาร์โมนิกใหม่ของภาษาดนตรี เนื่องจากความเป็นไปได้ใหม่ๆ ของทำนองได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้น ความสามารถในการ "แสดง" น้ำตาของมนุษย์ การร้องเรียน การถอนหายใจหรือลมพัด การไหลของน้ำ เสียงนกร้อง การค้นหาความต่อเนื่องทางประวัติศาสตร์ด้วยเนื้อเพลงของคณะนักร้องประสานเสียงและคณะ ดนตรีมาดริกัลได้รับการพัฒนาจนถึงต้นศตวรรษที่ 17 และเรียนรู้หลักการของพฤกษ์ที่พัฒนาในประเภทฆราวาส: motet, kachce, frotolla ในศตวรรษที่ 16 เสียงของแต่ละบุคคลในมาดริกัลเริ่มถูกแทนที่ด้วยเครื่องดนตรีซึ่งมีส่วนทำให้เกิดโครงสร้างดนตรีแบบโฮโมโฟนิก - ฮาร์โมนิก - ความเป็นอันดับหนึ่งของทำนองพร้อมดนตรีประกอบ ในเวลาเดียวกันการแสดงละครพร้อมดนตรีก็ปรากฏขึ้น - หนังตลกมาดริกัล (O. Vecchi, G. Torelli ฯลฯ ) ใกล้กับละครตลก dell'arte ซึ่งเป็นเรื่องปกติเช่นเดียวกับในโอเปร่ายุคแรกลักษณะทางดนตรีของตัวละครปรากฏขึ้น : ความสนุกสนาน ความโกรธ ความโศกเศร้า ความอิจฉาริษยา การหลอกลวง ฯลฯ ปรมาจารย์ด้านมาดริกัลที่ได้รับการยอมรับคือ Carlo Gesualdo di Venosa ชาวอิตาลี (ราวๆ ปี 1560–1615) ผู้ซึ่งประสบความสำเร็จในการถ่ายทอดทำนองอันไพเราะเป็นพิเศษ โดยถูกพัดพาไปด้วยเสียงสูงต่ำใหม่ๆ ที่ไม่ได้มีพื้นฐานมาจากเสียงไดโทนิก แต่อยู่ในช่วงสี นอกจากนี้ยังมีประเภทของเพลงชานสันที่ใกล้เคียงกับเพลงมาดริกัลซึ่งแพร่หลายในฝรั่งเศส ฉากชีวิตในเมือง ภาพร่างของธรรมชาติ ( เสียงนกร้อง, เสียงกรีดร้องของปารีส, ผู้หญิงคุยกันขณะซักผ้า) นำเสนอในบทเพลงอันโด่งดังของ Clément Janequin (ประมาณปี 1475 - ประมาณปี 1560) - ผู้นำของโบสถ์ในบอร์กโดซ์ อองเช่ร์ ปารีส และนักร้องของ Royal Chapel เขาไปเยือนอิตาลีตั้งแต่ยังเยาว์วัย ร่วมกับเจ้านายของเขาในช่วง “สงครามอิตาลี” (ค.ศ. 1505–1515) ซึ่งมีส่วนทำให้ประเพณีชนชั้นสูงทางโลกของอิตาลีแพร่กระจายไปยังฝรั่งเศส และการเกิดขึ้นของวัฒนธรรมดนตรีในราชสำนักที่นี่ แนวเพลงมาดริกัลแพร่หลายไปยังอังกฤษ ซึ่งผลงานของ John Dowland มีความโดดเด่น

ฟลอเรนติน คาเมราต้า. ละครต่อเพลง

(“ละครผ่านดนตรี”)

แนวความคิดเกี่ยวกับยุคเรอเนซองส์เข้าครอบงำจิตใจของนักดนตรีช้ากว่างานศิลปะแขนงอื่นๆ โลกดนตรี "แตกแยก" ด้วยแนวคิดว่าหลักการกรีกโบราณควรรวมอยู่ในดนตรีแห่งศตวรรษที่ 16 อย่างไร นักวิทยาศาสตร์หลายคนชื่นชมพหุนามของชาวดัตช์ของ J. Depres และคัดค้านนวัตกรรมของนักดนตรีคนอื่นๆ ในแวดวงศาลของอิตาลีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 สมาคมอิสระของนักวิทยาศาสตร์ กวี และนักดนตรี (สถาบันการศึกษา) เกิดขึ้นที่ซึ่งมีการประกาศอุดมการณ์ใหม่ โดยปฏิเสธศิลปะของคริสตจักรและมุ่งเน้นไปที่สมัยโบราณ นักแต่งเพลง นักลูเตนนิสต์ และนักคณิตศาสตร์ วินเชนโซ กาลิเลอี (ค.ศ. 1520–1591) เป็นแรงบันดาลใจให้กับศิลปินและนักวิทยาศาสตร์ที่ก่อตั้ง Florentine Camerata ซึ่งเป็นชุมชนชนชั้นสูงที่มีความคิดเหมือนกัน รวมถึงกวี นักดนตรี และศิลปิน กำลังดำเนินการ บทสนทนาเกี่ยวกับดนตรีโบราณและสมัยใหม่(ค.ศ. 1581) เขาคัดค้านการใช้พหุเสียงด้วยรูปแบบการเขียนแบบโฮโมโฟนิก โดยประกาศว่าใน "ศิลปะที่สมบูรณ์แบบ" ของคริสตจักร ไม่มีสิ่งใดที่มาจากงานคลาสสิกโบราณ และเรียกเนเธอร์แลนด์ว่า "คนป่าเถื่อนในยุคกลาง" สำหรับสมาชิกของ Camerata ประสบการณ์ของมนุษย์ถือเป็นศูนย์กลาง ซึ่งพวกเขามองว่าเป็น "ความแปลกใหม่เชิงสร้างสรรค์" (การประดิษฐ์) คอลเลกชันของมาดริกัลและอาเรียที่เป็นเสียงเดียวกัน Giulio Caccini (1550–1618) เรียกว่า เพลงใหม่(1601) นักแต่งเพลงมีชื่อเสียงในฐานะผู้ประดิษฐ์สไตล์โมโนโฟนิก "ที่แสดงออก" และการร้องเพลงแบบบรรยายซึ่งมีเสียงหวือหวาทางอารมณ์ การแยกครั้งสุดท้ายของดนตรีประเภทคริสตจักร (โพลีโฟนิก) และฆราวาส (โฮโมโฟนิก) ได้รับการประกาศโดยเขาในรูปแบบของลัทธิความเชื่อที่สร้างสรรค์ใหม่ของนักดนตรี: เพื่อแต่งเพลง "ตามดุลยพินิจของเขาเอง" และอนุญาตให้ "ยกเว้นกฎทั้งหมด ” ซึ่งตั้งขึ้นโดยศีลของคริสตจักร

ความเจริญรุ่งเรืองของวัฒนธรรมศาลแสดงออกมาในรูปแบบดนตรีและการแสดงละคร เมื่อหยิบยกความคิดที่จะรื้อฟื้นโศกนาฏกรรมของชาวกรีกโบราณ ชนชั้นสูงไม่ได้พึ่งพาละครของ Sophocles หรือ Euripides แต่มุ่งไปที่ภาพที่แตกต่าง ไปสู่การตีความตามหลักปรัชญาของแผนการในตำนาน ชาวฟลอเรนซ์สามารถสร้างสิ่งที่น่าจะมาจากศตวรรษที่ 18 ได้ อธิบายลักษณะของโอเปร่า ในการแสดงละครครั้งแรก - "ละครผ่านดนตรี" ( ดาฟเน่, ยูริไดซ์ J. Peri) ทำนองเริ่มมีอิทธิพล (aria) การสังเคราะห์ดนตรีด้วยคำพูดในรูปแบบการร้องเพลงแบบท่อง - ประณามก็เกิดขึ้น โลกแห่งการอภิบาล คนแปลกหน้าต่อโศกนาฏกรรมและความขัดแย้งทางจิตวิญญาณที่แสดงออกในละครเพลงของชาวฟลอเรนซ์ ได้รับการเสริมด้วยอัจฉริยะด้านความคิดสร้างสรรค์ของ Claudio Monteverdi เขาหยิบยกแนวคิดเรื่อง "วิธีการใหม่" ในงานศิลปะ "สไตล์ที่ตื่นเต้นและเข้มแข็ง" งานของเขาไม่ทันสมัย ​​แต่ในมาดริกัลและอาเรียสเขาสามารถรวบรวมทั้งภาพของธรรมชาติและสภาพจิตใจของฮีโร่ได้อย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการผลิตที่เขาเรียกว่า "นิทานเกี่ยวกับดนตรี": Orpheus ( ออร์ฟัส), เซเนกา และ ออตตาเวีย ( พิธีราชาภิเษกของ Poppea) คำร้องเรียนของ Ariadne ( เอเรียดเน่). Opera มีต้นกำเนิดมาจากงานของ Monteverdi เป็นครั้งแรกที่ประสบความสำเร็จในการสังเคราะห์ดนตรี ถ้อยคำ และการแสดงบนเวทีในรูปแบบโอเปร่าที่มีลักษณะเฉพาะ ได้แก่ อาเรีย บทบรรยาย การร้องคู่ การร้องประสานเสียง ริทอร์เนลโลแบบบรรเลง โอเปร่าเป็นสุดยอดดนตรีที่ยิ่งใหญ่ของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี

ดนตรียุคบาโรก (คริสต์ศตวรรษที่ 17 – ต้นคริสต์ศตวรรษที่ 18)

ต้นศตวรรษที่ 17 - เวลาที่คุณลักษณะของสไตล์บาโรกเปิดเผยออกมาในงานศิลปะ ในรูปแบบทางโลก ดนตรีมีความใกล้ชิดกับวรรณกรรมมากขึ้น และสูญเสียการติดต่อกับคณิตศาสตร์ไป ศิลปะแห่งดนตรีไม่ได้รับการพิจารณาในระบบควอเทรียมอีกต่อไป แต่กำลังเข้าใกล้วาทศาสตร์มากขึ้น และเมื่อรวมกับไวยากรณ์และตรรกะแล้ว ก็รวมอยู่ในไตรเวียมด้วย การพัฒนาแนวเพลงบรรเลงแยกดนตรีออกจากบทกวีและการเต้นรำ มีการตีพิมพ์บทความสามเล่มโดย Michael Praetorius นักออร์แกนและนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน (1571–1621) ซินตักมา มิวสิคัม(ค.ศ. 1615–1619) ซึ่งตรวจสอบรูปแบบของดนตรีศักดิ์สิทธิ์และฆราวาส เครื่องดนตรี (บทเพลง) และคำศัพท์ทางดนตรีที่กำหนดแก่นแท้ของแนวเพลงที่มีลักษณะเฉพาะในยุคนั้น (โมเตต มาดริกัล) และดนตรีบรรเลง (คอนเสิร์ต โหมโรง แฟนตาซี ความทรงจำ , toccata, โซนาต้า , ซิมโฟนี), การเต้นรำยอดนิยม (allemande, chime, galliard, volta) ฯลฯ

ลักษณะเฉพาะของภาษาดนตรีแห่งศตวรรษที่ 17 แสดงออกด้วยการผสมผสานระหว่างเทคนิค สไตล์ รูปภาพ ผสมผสานระหว่าง "เก่า" และ "ใหม่" เทคนิคโพลีโฟนิกมีอิทธิพลเหนือกว่า แต่เทคนิคการบรรยาย-การประกาศประณาม และการใช้เนื้อสัมผัส-แฟนตาซีกำลังอัดแน่นไปด้วย นักดนตรีอาศัยรูปแบบต่างๆ ผสมผสานการรับใช้ในโบสถ์กับการรับใช้เจ้านาย โดยเปรียบเทียบไว้ในองค์ประกอบเดียว ได้แก่ เพลงอาเรียพร้อมบทสวดแบบเกรกอเรียน เพลงมาดริกัลพร้อมโมเตต์แห่งจิตวิญญาณ และคอนแชร์โต ความสามารถในการสร้างความสนุกสนาน สร้างความพึงพอใจให้กับบุคคล และในขณะเดียวกันก็ถวายเกียรติแด่พระเจ้าซึ่งอยู่เหนือชีวิตประจำวัน เป็นหน้าที่ของนักดนตรีในยุคนี้ สิ่งที่ต้องประเมินคือทักษะของผู้แต่ง ฝีมือระดับมืออาชีพของ “สิ่งของ” ทางดนตรี (การเรียบเรียง) ซึ่งไม่ได้หายไปในการแสดงชั่วขณะ (ด้นสด) แต่เก็บรักษาไว้เป็นลายลักษณ์อักษรในต้นฉบับเพลงและสิ่งพิมพ์ (การพิมพ์เพลง - จาก ปลายศตวรรษที่ 15) ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 16 ในอิตาลีคำว่า "นักแต่งเพลง" ปรากฏขึ้น

คุณสมบัติของบาโรกในอิตาลี

ในอิตาลี แนวดนตรีฆราวาสแนวใหม่กำลังก่อตัวและแข็งแกร่งขึ้น Opera ซึ่งมีต้นกำเนิดในร้านเสริมสวยของชนชั้นสูง กำลังทำให้เป็นประชาธิปไตยและแพร่กระจายไปทั่วเมืองต่างๆ ในอิตาลีและที่อื่นๆ ในศตวรรษที่ 17 โอเปร่าซีเรียประเภทหนึ่ง (“โอเปร่าที่จริงจัง”) ได้รับการพัฒนาโดยอิงจากวิชาที่เป็นตำนานและวีรบุรุษทางประวัติศาสตร์ โรงเรียนโอเปร่า Venetian (M.A. Chesti, F. Cavalli) และ Neapolitan (A. Scarlatti) ได้รับชื่อเสียง นอกเหนือจากดนตรีร้องและละครแล้ว แนวเพลงใหม่ๆ กำลังเกิดขึ้น: คอนเสิร์ตแบบวงดนตรี-เครื่องดนตรี, โซโล - โซนาต้า, วงจรเสียงร้อง-เครื่องดนตรีขนาดใหญ่ - ออราโตริโอ, ออร์แกนขนาดเล็กและเพลงคลาเวียร์ - แฟนตาซี, ทอกกาตา, โหมโรง; รูปแบบโพลีโฟนิกใหม่ถือกำเนิดขึ้น (ในเทคนิคของความแตกต่างอิสระ) - ricercar ความทรงจำ; การตั้งค่าให้กับจังหวะและท่วงทำนองในชีวิตประจำวัน - การเต้นรำในห้องสวีท, เพลงในอาเรีย, แคนโซน, เซเรเนด ความพิสดารแสดงออกด้วยความหลงใหลในความแตกต่าง (ไดนามิก พื้นผิว เครื่องดนตรี) และความน่าสมเพชที่เป็นรูปเป็นร่าง การแสดงออก ความกล้าหาญ และความน่าสมเพช การเปรียบเทียบระหว่างตัวตลกและความประเสริฐ หลักการพื้นฐานของการคิดทางดนตรีเริ่มเปลี่ยนไป - จากโพลีโฟนิกเป็นโฮโมโฟนิก - ฮาร์โมนิกเมื่อสิ่งสำคัญกลายเป็นแรงโน้มถ่วงของคอร์ดที่ไม่เสถียรไปจนถึงคอร์ดที่เสถียร มีการเปลี่ยนแปลงจากระบบโหมดยุคกลาง (กิริยา) ไปเป็นระบบใหม่ - เมเจอร์ไมเนอร์) ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 เสียงโมดัลนั้นแตกต่างจากเสียงสมัยใหม่ การเลือกช่วงเวลา สเกล และคอร์ดบางอย่างเพิ่งเกิดขึ้น แต่การแสดงออกทางศิลปะไม่เพียงแต่ความสอดคล้องกันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความไม่ลงรอยกันด้วย (สามวินาที) อีกด้วย

คุณลักษณะของบาร็อคแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในผลงานของนักแต่งเพลงและนักออร์แกนชาวอิตาลี โรงเรียนโพลีโฟนิกแห่งเวนิสได้เสนอชื่อ Andrea และ Giovanni Gabrieli ซึ่งเปรียบเทียบเสียงร้องและเสียงเครื่องดนตรี และแนะนำเนื้อสัมผัสของคอร์ด G. Gabrieli (1557–1612/13) เริ่มใช้คำแนะนำแบบไดนามิก แนะนำการทำซ้ำเฉพาะเรื่องและจังหวะ และสร้างผลงานดนตรีที่ใกล้เคียงกับคอนเสิร์ตแนวฆราวาสแนวใหม่ที่กำลังเกิดขึ้น

ลักษณะของบาโรกในยุโรปเหนือ

ดนตรีทางตอนเหนือของยุโรปเผยให้เห็นถึงลักษณะโวหารที่เหมือนกัน แต่แตกต่างกันบ้าง ประเพณีดนตรีฆราวาสซึ่งพัฒนาอย่างรวดเร็วในอิตาลีเมื่อเริ่มต้นศตวรรษที่ 17 มีการพัฒนาช้ากว่าที่นี่ และเนื่องจากขบวนการโปรเตสแตนต์ ยังคงถูกจำกัดโดยโครงสร้างของคริสตจักรมาเป็นเวลานาน โรงเรียนโพลีโฟนิกของชาวดัตช์ถูกลืมไปแล้ว แต่หลักการของโรงเรียนได้ถูกนำมาใช้กับดินแดนออสโตร-เยอรมันในดนตรีของคริสตจักรโปรเตสแตนต์ งานจิตวิญญาณเต็มไปด้วยสไตล์โอเปร่าที่มาจากอิตาลีและตรรกะของการพัฒนาโทนเสียงและฮาร์โมนิก สิ่งบ่งชี้คือผลงานของไฮน์ริช ชุตซ์ (1585–1672) ผู้ซึ่งชอบคอนเสิร์ตทางจิตวิญญาณและการกล่าวสุนทรพจน์มากกว่าพิธีมิสซาในโบสถ์ โมเท็ต และความงดงาม ( ศักดิ์สิทธิ์ ซิมโฟนี, ความหลงใหล ตามแมทธิวและอื่น ๆ.). ในฐานะนักดนตรีประจำศาลและบาทหลวงประจำโบสถ์ในศาลของผู้มีสิทธิเลือกตั้งชาวเยอรมันและลานหลุมศพ เขามีส่วนในการก่อตั้งพิธีสวดโปรเตสแตนต์ จากการผสมผสานระหว่างโรงละครและมาดริกัลของชาวอิตาลีกับจุดแตกต่างของชาวดัตช์ การถวายเกียรติแด่พระเจ้าทางดนตรีของเขาเต็มไปด้วยความมีชีวิตชีวาโดยไม่สูญเสียพรหมจรรย์อันประเสริฐ ด้วยเหตุนี้ ดนตรีของคริสตจักรในยุโรปเหนือจึงเต็มไปด้วยลักษณะทางโลก ความต่อเนื่องระหว่าง Schutz และปรมาจารย์ด้านความคิดสร้างสรรค์ในการร้องเพลงประสานเสียงแห่งศตวรรษที่ 18 นั้นชัดเจน – J. S. Bach และ G. F. Handel ซึ่งแนวเพลงของ oratorio และ cantata กลายเป็นศูนย์กลาง ในฐานะผู้ร่วมสมัย คีตกวีเหล่านี้ได้พัฒนาจินตภาพทางดนตรีของวัฒนธรรมโปรเตสแตนต์ แม้ว่าชีวประวัติเชิงสร้างสรรค์ของพวกเขาจะเกิดขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 แต่รูปแบบงานเขียนของพวกเขาก็มีความเกี่ยวข้องกับยุคอดีตซึ่งกำหนดโดยลักษณะของบาโรก ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่คนรุ่นราวคราวเดียวกันให้ความสำคัญกับผลงานที่ไม่ใช่ของบาคผู้ยิ่งใหญ่มากกว่า แต่เป็นของลูกชายของเขา Philip Emmanuel Bach นักฉิ่งที่เก่งกาจประสบความสำเร็จอย่างมาก เขาแต่งเพลงโซนาตาที่ทันสมัย ​​ซึ่งสไตล์ดนตรีใหม่ของความคลาสสิกถือเป็นปัจจัยชี้ขาด ขนาดของความคิดสร้างสรรค์และทักษะของ J. S. Bach ได้รับการชื่นชมเฉพาะในศตวรรษที่ 19 เมื่อ F. Mendelssohn-Bartholdy จัดการแสดงต่อสาธารณะ ความหลงใหลของนักบุญแมทธิว(เบอร์ลิน, 1829). ความเชี่ยวชาญของ Bach ทำให้ทุกคนตกใจ: "ไม่ใช่ "สตรีม" [ภาษาเยอรมัน "der Bach" เป็นนามสกุลของผู้แต่ง] แต่ "ทะเล" ควรเรียกเขาว่า!" - นี่คือวิธีที่ L. Beethoven ประเมินความยิ่งใหญ่ของดนตรีของ Bach ในเชิงเปรียบเทียบ

ผลงานของ J. S. Bach คือจุดสุดยอดของการเขียนโพลีโฟนิกฟรีซึ่งมีพื้นฐานมาจากความทรงจำ (ตามตัวอักษร "การวิ่ง") เมื่อเสียงเข้ามาสลับกับธีมสั้น ๆ แต่แสดงออกเหมือนกันโดยทำซ้ำ (เลียนแบบ) ในการลงทะเบียนที่แตกต่างกันและใน โทนสีที่แตกต่างกัน เสียง (สองสามหรือสี่) พัฒนาไปพร้อม ๆ กัน เพื่อพิสูจน์ความเท่าเทียมกัน บาคก้าวไปสู่จุดสูงสุดด้วยการผสมผสาน "โครงสร้าง" ของดนตรีอย่างมีเหตุผลตามกฎของความแตกต่างและการแสดงออกทางศิลปะของภาพ การพัฒนาฮาร์โมนิกและโทนเสียง และการค้นพบเสียงร้อง โครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของผลงานของเขา - การร้องประสานเสียง (cantatas, oratorios, มวลชน, magnificata ซึ่งครอบครองส่วนที่ใหญ่ที่สุดของมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของเขา) และเครื่องดนตรี (toccatas, fugues, โหมโรง, การเรียบเรียงอวัยวะของการร้องประสานเสียง, สิ่งประดิษฐ์, จินตนาการ ฯลฯ ) เป็นอย่างมาก น่าทึ่งเต็มไปด้วยความน่าสมเพชเชิงปราศรัย ความพยายามสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงมุ่งเป้าไปที่การปฏิรูปการนมัสการแบบคริสเตียนในโบสถ์โปรเตสแตนต์ เขาเป็นนิกายลูเธอรันและการร้องเพลงประสานเสียงของโปรเตสแตนต์กลายเป็นพื้นฐานของงานของเขา ในช่วงสุดท้ายของชีวิตเขาดำรงตำแหน่งต้นเสียงที่น่าอับอายที่โบสถ์โธมัสในเมืองไลพ์ซิกโดยเป็นผู้กำกับคณะนักร้องประสานเสียงของเด็กชาย ในที่สุดเขาก็บรรลุตำแหน่งที่ต้องการเป็น "นักแต่งเพลงของโบสถ์ในราชสำนัก" ซึ่งได้รับมอบหมายจากผู้มีสิทธิเลือกตั้งออกุสตุสที่ 3 บาคเขียนผลงานทางโลกหลายชิ้นโดยสร้างดนตรีให้กับคริสตจักรเป็นหลัก โดยทำหน้าที่เป็นนักแต่งเพลงในราชสำนักให้กับดุ๊กในไวมาร์และเคตเทินในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เขาสร้างผลงานชิ้นเอกของชุดคีย์บอร์ดที่มีพื้นฐานมาจากการเต้นรำแบบโบราณ (ชุดภาษาอังกฤษและฝรั่งเศส) วงออเคสตราคอนแชร์โตกรอสโซ (6 คอนเสิร์ตบรันเดนบูร์ก) ดนตรีบรรเลงเดี่ยวและวงดนตรี - โซนาตา คอนแชร์โต รูปแบบต่างๆ ท่อนโพลีโฟนิก (สำหรับออร์แกน เชลโล ไวโอลิน วิโอลา ฟลุต ฯลฯ)

ภาษาดนตรีของนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน George Frideric Handel ผสมผสานคุณลักษณะของบาโรกเข้ากับความคลาสสิกในยุคแรก ด้วยความหลงใหลในการเขียนละครโอเปร่าของอิตาลี เขาจึงเข้ามามีส่วนร่วมกับอังกฤษ แต่ประชาชนชาวอังกฤษไม่รู้จักโอเปร่าของเขา จากนั้นผู้แต่งก็สามารถ "ประยุกต์" การแสดงละครและความบันเทิงใน oratorios ได้ ( พระเมสสิยาห์, ยูดาส แมคคาบี, แซมสัน). เขาเขียนงานจิตวิญญาณเหล่านี้ไม่ใช่สำหรับคริสตจักร แต่สำหรับคอนเสิร์ตฮอลล์ (แสดงในโรงละครโอเปร่า) ดังนั้นดนตรีที่มีเรื่องราวในพระคัมภีร์และวีรบุรุษจึงได้รับสถานะทางโลกโดยระบายสีภาพคริสตจักรด้วยประสบการณ์ส่วนบุคคลที่น่าทึ่งและกล้าหาญและการตีความเจตนาทางจิตวิญญาณอย่างกล้าหาญ

ดนตรีคลาสสิกในศตวรรษที่ 17-18

ในศตวรรษที่ 17-18 ศูนย์กลางของความเป็นมืออาชีพทางดนตรีได้ย้ายจากโบสถ์ไปยังพระราชวังของกษัตริย์และขุนนางและในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 – ไปยังสถาบันสาธารณะในเมือง: โรงละครโอเปร่า (ครั้งแรก - ในเวนิสในปี 1637) คอนเสิร์ตฮอลล์ (ครั้งแรก - ในลอนดอนในปี 1690) และสถานที่กลางแจ้ง ร้านเสริมสวยของชนชั้นสูง สมาคมดนตรี สถาบันการศึกษา (สถาบันการศึกษา เรือนกระจก โรงเรียน) วัฒนธรรมยุโรปตะวันตกมีส่วนร่วมใน "การสนทนา" อย่างแข็งขันกับวัฒนธรรมของกรีกโบราณซึ่งเริ่มขึ้นในยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี แนวคิดทางปรัชญาและศิลปะเกิดขึ้น โดยได้รับแรงผลักดันจากการกลับคืนสู่อุดมคติทางสุนทรีย์แห่งยุคโบราณ แต่ด้วยการเน้นไปที่ความสามารถของจิตใจมนุษย์ในการสร้างความกลมกลืนและความงาม สุนทรียภาพทางดนตรีรูปแบบใหม่กำลังก่อตัวขึ้นโดยอ้างอิงถึงสมัยโบราณ ซึ่งถือเป็นต้นแบบของศิลปะทั้งมวล แก่นแท้ของสิ่งเหล่านี้คือการบ่งชี้ถึงความงามที่ไม่ได้อยู่ในพระเจ้า แต่ในธรรมชาติ ในมนุษย์ และการประพันธ์และงานฝีมือทางศิลปะในปัจจุบันยังต้องได้รับการประเมิน ภาษาดนตรีแห่งยุคกำลังก่อตัว - คลาสสิคสะท้อนภาษาวรรณกรรมและสถาปัตยกรรม สถานที่พิเศษในประวัติศาสตร์ดนตรีถูกครอบครองโดย "คลาสสิกเวียนนา" (J. Haydn, W. Mozart, L. Beethoven) ซึ่งกลายเป็นขบวนการดนตรีอิสระ

แนวคิดเรื่องการตรัสรู้ทำให้เกิดแนวคิดใหม่เกี่ยวกับคุณสมบัติของดนตรี - ความสามารถในการเลียนแบบเสียงของธรรมชาติและธรรมชาติของคำพูดของมนุษย์และอารมณ์ของผู้คน ความสามารถของดนตรีในการแสดงลักษณะเสียงของชนชาติต่างๆ และบุคลิกลักษณะเฉพาะที่สร้างสรรค์ถูกเน้นไว้: “สไตล์ของนักดนตรีแตกต่างกันไปมากเท่ากับสไตล์ของกวีที่แตกต่างกัน” สิ่งนี้นำไปสู่ความจริงที่ว่าไม่ใช่แค่นักเลงดนตรีช่างฝีมือเท่านั้น แต่ "อัจฉริยะทางดนตรี" จะสามารถ "ค้นหาเส้นทางของตัวเอง" ในงานศิลปะได้ (H. Schubart, บทความ แนวคิดเพื่อสุนทรียภาพของศิลปะดนตรี, 1784) ดนตรีถือเป็นรูปแบบศิลปะอิสระซึ่งแตกต่างจากคำพูดและบทกวี - "ศิลปะแห่งเสียง" (ม. ชบานนท์ เกี่ยวกับดนตรีในความหมายที่ถูกต้องของคำและสัมพันธ์กับคำพูด ภาษา กวีนิพนธ์ และละคร, 1785); กฎหมายและวัตถุประสงค์เป็นที่เข้าใจแล้ว นักดนตรีต้องเผชิญกับภารกิจในการใกล้ชิดกับผู้คนมากขึ้น: เพื่อที่จะ "ฟื้นฟูความมหัศจรรย์ของคนโบราณ" พวกเขาจะต้อง "ปลุกเร้าความหลงใหลในจิตวิญญาณ" ทำให้เกิด "ผลกระทบ" บางอย่างในตัวผู้ฟังและสัมผัสประสบการณ์ด้วยตนเอง (A. Kircher. บทความ มูซูร์เจีย ยูนิเวอร์แซลลิส, 1650) ภายใต้อิทธิพลของวาทศาสตร์ทฤษฎีของผลกระทบทางดนตรีเกิดขึ้น - การพิจารณา "ตัวเลข" บางอย่างซึ่ง "ควรแบ่งออกตามวัตถุประสงค์และการประยุกต์ใช้เช่นเดียวกับคำพูดที่แท้จริง" (I.N. Forkel ประวัติทั่วไปของดนตรี, 1788) สภาวะทางจิต (ความสูงส่ง ความรัก ความอิจฉาริษยา ความสิ้นหวัง ความทุกข์ทรมาน ฯลฯ) ได้รับการจำแนก และองค์ประกอบของดนตรี (จังหวะ จังหวะ เสียง โหมด คุณลักษณะของช่วงเวลา ฯลฯ) ที่สามารถแสดงผลกระทบอย่างใดอย่างหนึ่งได้ (จิตที่เปลี่ยนแปลงได้ รัฐ) ได้รับการพิจารณา. . สิ่งนี้ใช้ได้กับทั้งการสร้างสรรค์และการแสดงดนตรี เนื่องจากมันสมบูรณ์แบบเมื่อ “เอฟเฟกต์หนึ่งเข้ามาแทนที่อีกเอฟเฟกต์หนึ่ง ความหลงใหลลุกโชนและบรรเทาลงตามลำดับอย่างต่อเนื่อง” (C. P. E. Bach สัมผัสประสบการณ์ศิลปะการเล่นคีย์บอร์ดอย่างแท้จริง, 1753–1762) การแต่งเพลง (การเขียนแท็บและโน้ต) แตกต่างจากการแสดงในลักษณะเดียวกับการเขียนและการพูด (การประกาศ) แตกต่างกัน ทฤษฎีดนตรีเกิดขึ้น แยกออกจากการฝึกดนตรี ความเชื่อในพลังแห่งจิตใจ การเข้าใจกฎแห่งธรรมชาติ นำไปสู่การอธิบายกฎแห่งดนตรีอย่างมีเหตุผล บนพื้นฐานความเข้าใจใหม่เรื่องความกลมกลืนอันเป็นพื้นฐานของการคิดแบบมีโทนเสียง “ดนตรีเป็นวิทยาศาสตร์ที่ต้องมีกฎเกณฑ์ที่แน่นอน ” (บทความโดย J.F. Rameau ทฤษฎีดนตรีระบบใหม่, 1726; พิสูจน์หลักการแห่งความสามัคคี, 1750 เป็นต้น)

ลัทธิคลาสสิกปฏิเสธสไตล์โพลีโฟนิกและวัฒนธรรมการร้องประสานเสียงที่เกี่ยวข้อง (“คลาสสิกโบราณ”) ความคิดสร้างสรรค์และสไตล์การบรรเลงเกิดขึ้น: ไวโอลินเดี่ยว, เปียโน, ออร์แกน, วงดนตรี, วงออเคสตรา, คอนเสิร์ต ฯลฯ รูปแบบทางโลกที่เกี่ยวข้องกับโอเปร่าและโครงสร้างโฮโมโฟนิก - ฮาร์โมนิกของชัยชนะทางดนตรีบรรเลง ระบบแบบคริสตจักรที่ไม่แยแสซึ่งยึดถือหลักจริยธรรม (ลักษณะคงที่ทั่วไป) และไม่มีผลกระทบใดๆ ถูกยกเลิกและแทนที่ด้วยระบบใหม่ - แบบหลัก-รอง และการถ่ายโอนทำนองไปยังเสียงบนหมายถึงความโดดเด่น การแสดงออกเป็นรูปเป็นร่างและใจความของธีมเครื่องดนตรีเริ่มเกิดขึ้นอันเป็นผลมาจากการผสมผสานน้ำเสียงอันไพเราะเข้ากับคำ ภาพ และตัวละครของตัวละครในโอเปร่า มาดริกัล อาเรีย เพลงสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดและลูต ทำนองเริ่มกำหนดความคิดแบบโฮโมโฟนิก-ฮาร์โมนิก แต่ไม่ใช่ด้วยตัวเอง ความเป็นมืออาชีพทางดนตรีได้ฝึกฝนประสบการณ์ของพหุโฟนีในโบสถ์ และพัฒนาความรู้สึกของ "พื้นที่เสียงที่ขยาย" - ในคอมเพล็กซ์ฮาร์มอนิก (คอร์ดแนวตั้ง) ที่ซับซ้อนและชั้นพื้นผิวต่างๆ ทำนอง (ธีม) เริ่มอาศัยความกลมกลืนประเภทนี้เป็นรากฐาน

โครงสร้างโฮโมโฟนิก - ฮาร์โมนิกถูกสร้างขึ้นไม่เร็วกว่ากลางศตวรรษที่ 17 ในกระบวนการเปลี่ยนจากดนตรีรูปแบบเก่าไปสู่รูปแบบใหม่ การฝึกฝนการแสดงดนตรีโดยใช้เบสทั่วไปมีความสำคัญอย่างยิ่ง เมื่องานไม่ได้ถูกสร้างขึ้นล่วงหน้า (ไม่ได้บันทึกการเรียบเรียง) แต่เป็น กลอนสดโดยเน้นไปที่เสียงเบสที่บันทึกไว้หนึ่งเสียงซึ่งมีลายเซ็นตัวเลข เสียงที่เหลือจะถูกเล่น "เหมือนเดิม" ตามคำแนะนำเหล่านี้ การปฏิบัตินี้ซึ่งพบเห็นได้ทั่วไปในการเล่นออร์แกนและคลาเวียร์ มีส่วนทำให้เกิดความคิดแบบฮาร์โมนิก (คอร์ด) ใหม่ เทคนิคโพลีโฟนิกที่รู้จักกันดี (ซับวอยซ์ การทำซ้ำ การเลียนแบบธีม) ปัจจุบันไม่ได้ขึ้นอยู่กับเสียงร้องประสานเสียง แต่ขึ้นอยู่กับ "แกนเสียง" "บีบอัด" ณ จุดหนึ่งบนความประสานเสียงของคอร์ด ดังนั้นโครงสร้างโฮโมโฟนิก - ฮาร์โมนิกจึงไม่ใช่ชัยชนะของโมโนโฟนีมากนัก แต่เป็นการผสมผสานของโทนเสียงหลายชั้นที่อยู่ใต้เสียงเดียวและเผยให้เห็นความสามัคคีที่ซ่อนอยู่ในนั้น ความกลมกลืนเริ่มเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นระบบของการคิดแบบกิริยาใหม่ โดยอิงจากความรู้สึกทางจิตวิทยาของโทนเสียงและคอร์ดที่ "มั่นคง" (ตึงเครียด) และ "ไม่เสถียร" (สงบเงียบ) การเปลี่ยนโทนเสียงในงานหนึ่งทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของการพัฒนาทางดนตรีและทำให้มั่นใจได้ถึงการเล่นที่มีผลกระทบ การเปลี่ยนจาก "สภาวะจิตใจ" หนึ่งไปสู่อีกสภาวะหนึ่ง ความแตกต่างและ "ความมีชีวิตชีวา" ของเสียงที่เกิดขึ้นจากการเปลี่ยนน้ำเสียงไพเราะ จังหวะ จังหวะ พื้นผิว ได้รับการเสริมด้วยความแตกต่างของโหมด - ถ่ายโอนเสียงทั้งหมดเป็นทรงกลมโทนใหม่ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การสร้างระบบดนตรีที่มีอารมณ์ "สอดคล้อง" ด้วยเซมิโทน กลายเป็นความสำเร็จตามธรรมชาติของศตวรรษที่ 18 สเกลเมเจอร์และไมเนอร์ที่เกิดจากแต่ละเซมิโทนทั้ง 12 ท่อนนั้นมีความเท่าเทียมกัน และทำให้สามารถถ่ายโอนทำนองจากคีย์หนึ่งไปยังอีกคีย์หนึ่งได้โดยไม่มีการบิดเบือน อารมณ์เป็นพื้นฐานของระบบเสียงของยุโรปตะวันตกโดยเป็นหนึ่งในระบบเสียง (ช่วง) (สเกล) ที่หลากหลาย วงจรของ 24 โหมโรงและความทรงจำที่สร้างโดย J.S. Bach เคลเวียร์อารมณ์ดี(ตอนที่ 1 – 1722, ตอนที่ 2 – 1744) – ศูนย์รวมทางศิลปะที่ยอดเยี่ยมของแนวคิดทางดนตรีทั่วไปของยุคใหม่

โอเปร่าอิตาเลียนในยุโรป

แหล่งที่มาของประเพณีดนตรีฆราวาสในศตวรรษที่ 17-18 อิตาลียังคงอยู่ โอเปร่าอิตาลีแพร่กระจายไปทั่วยุโรป (แม้แต่ในรัสเซีย) นักดนตรีชาวอิตาลีได้รับเชิญไปราชสำนักของกษัตริย์สเปน ฝรั่งเศส และออสเตรีย และถูกพาไปเป็นคนรับใช้ในวังของขุนนางผู้สูงศักดิ์ ตัวอย่างเช่น นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชื่อดังผู้แข่งขันในโรมกับฮันเดล โดเมนิโก สการ์ลัตติ ผู้แต่งโซนาตาคีย์บอร์ดชุดแรก เคยรับราชการที่ศาลในลิสบอนในฐานะครูของสมเด็จพระราชินีมาเรีย บาร์บาราแห่งโปรตุเกส นักแต่งเพลงและนักเล่นเชลโล Luigi Boccherini (1743 –1805) รับราชการในมาดริด และตำแหน่งนักแต่งเพลง Antonio Salieri (1750–1825) ดำรงตำแหน่งวาทยากรของบริษัทโอเปร่าเวียนนาและนักดนตรีในสนาม ศาลยุโรปที่ร่ำรวยพยายามสร้างความบันเทิงทางดนตรีของตนเอง ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 นักดนตรีชาวเยอรมันเชี่ยวชาญการแสดงโอเปร่าในฮัมบูร์ก (G.F. Telemann, R. Kaiser) Opera buffe ซึ่งปรากฏในอิตาลีสร้างจากเรื่องราวในชีวิตประจำวัน พื้นบ้าน และตลก ( แม่บ้าน-นายหญิง GB Pergolesi, 1733, เชคคิน่า N. Piccini, 1760) แพร่กระจายไปยังฝรั่งเศส (โอเปร่าการ์ตูน) ไปยังอังกฤษ (โอเปร่าบัลลาด) ไปยังเวียนนา (singspiel)

การปฏิรูปละครโอเปร่าซึ่งมุ่งเป้าไปที่การเสริมสร้างประสบการณ์อันน่าทึ่งผ่านวิธีการทางดนตรี ดำเนินการโดยนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน คริสตอฟ วิลลิบาลด์ กลุค เขาแสดงความคิดเห็นในคำนำของโอเปร่าที่จัดแสดงในกรุงเวียนนา ( ออร์ฟัสและยูริไดซ์, 1762, อัลเชสเต, 1767): “ดนตรีควรส่งเสริมการแสดงออกของความรู้สึกและให้ความสนใจอย่างมากต่อสถานการณ์ที่สวยงาม” แนวคิดเชิงปฏิวัติของ Gluck ซึ่งมุ่งเป้าไปที่ "แหกกฎ" ของโอเปร่าอิตาเลียนและฝรั่งเศสที่มีการตกแต่งและดนตรี มีอิทธิพลเชิงบวกต่อการพัฒนาแนวเพลงนี้ต่อไป แม้ว่าพวกเขาจะก่อให้เกิดการต่อสู้ที่ดุเดือดระหว่าง "Gluckists และ Piccinists"

ฝรั่งเศสกำลังสร้างสไตล์โอเปร่าของตัวเองตามอิตาลี คุณสมบัติของศิลปะคลาสสิกในยุคแรกแสดงออกมาได้ดีที่สุดในงานของ Jean Baptiste Lully นักดนตรีในราชสำนักชาวฝรั่งเศส ด้วยความสามารถทางศิลปะและดนตรี Lully ดึงดูดความสนใจของ Louis XIV เริ่มเป็นผู้นำวงออเคสตราของศาลและได้รับตำแหน่ง "ผู้แต่งดนตรีบรรเลงในศาล" และ "ปรมาจารย์ด้านดนตรีของราชวงศ์" นักดนตรีแต่งบัลเลต์และเพลงที่หลากหลายสำหรับการเฉลิมฉลองในศาล อาเรียสำหรับบทละครของ J.B. Molière และตัวเขาเองได้เต้นรำและแสดงในโปรดักชั่นด้วย ในฐานะหัวหน้า Royal Academy of Music เขาได้รับสิทธิ์ผูกขาดในการแสดงโอเปร่าในฝรั่งเศส เขาสร้างโศกนาฏกรรมทางดนตรีโดยถ่ายทอดลักษณะการเรียบเรียงของโศกนาฏกรรมของ P. Corneille และ J. Racine ไปสู่โอเปร่า ความรักต่อวิชาในตำนานและตัวละครที่กล้าหาญพร้อมความรู้สึกประเสริฐเผยให้เห็นอย่างชัดเจนถึงคุณลักษณะคลาสสิกในตัวเธอ: งานอภิบาลและไอดีลตรงกันข้ามกับความน่าสมเพชและความกล้าหาญ ในละครที่มีการเปรียบเทียบส่วนที่ตัดกันและหลักการของ "สมมาตรทางดนตรี" มีชัย - บทนำ (การทาบทาม) และบทสรุป น้ำเสียงที่ยกระดับอย่างชัดเจนของท่อนร้องและคณะนักร้องประสานเสียงต่าง ๆ (ตั้งแต่พื้นบ้านไปจนถึงการตกแต่งและงดงาม) มีชัย; รวมเครื่องดนตรีหลายชิ้นที่แสดงโดยวงออเคสตรา มันเป็นชัยชนะของความบันเทิงทางสังคมและสไตล์โฮโมโฟนิก - ฮาร์โมนิก ในปี 1750 “สงครามแห่ง Buffons” นำโดย J.-J. เกิดขึ้นในฝรั่งเศสเพื่อต่อต้านการแสดงโอเปร่าของชนชั้นสูงในราชสำนักของ Lully และ Rameau ผู้ติดตามที่ใกล้ชิดที่สุดของเขา Rousseau และ D. Diderot เป็นกลุ่มสาวกของนักโอเปร่าการ์ตูนชาวอิตาลี ซึ่งมีลักษณะทางประชาธิปไตยได้รับการต้อนรับก่อนการปฏิวัติ

ดนตรีบรรเลงในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18

ตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของลัทธิคลาสสิกแบบฝรั่งเศสคือ Francois Couperin และ Jean Philippe Rameau ผลงานคีย์บอร์ดของ Couperin, Rameau, L.-C. Daquin ทำหน้าที่เป็นตัวอย่างของสไตล์ที่กล้าหาญซึ่งคล้ายกับ Rococo ในการวาดภาพเนื่องจากมีพื้นฐานมาจากบทละครขนาดเล็กของภาพบุคคลภาพและลักษณะการเต้นรำ ( ยมฑูต, ซุบซิบคูเปริน แทมบูรีนราโม นกกาเหว่า Daken) โดดเด่นด้วยเครื่องประดับและของประดับตกแต่งอันไพเราะจำนวนมาก (melismas) ละครที่เป็นที่ชื่นชอบของแวดวงชนชั้นสูง (เพลงสำหรับลูตโดยเดนิส โกติเยร์ นักลูเตนชาวฝรั่งเศส และโดว์แลนด์ นักลูเตนชาวอังกฤษ, โซนาตาฮาร์ปซิคอร์ดของ Scarlatti, F.E. Bach, โอเปร่าและบัลเล่ต์มากมายที่มีพื้นฐานมาจากความหลากหลาย กล้าหาญอินเดีย Rameau และคนอื่นๆ) ปลูกฝังภาพที่เร้าอารมณ์ตระการตา อ่อนโยน สง่างาม และขี้เล่น เพื่อให้ได้ความบันเทิงทางดนตรีจำเป็นต้องมีการแสดงลักษณะพิเศษ: ความซับซ้อนและความสง่างามเกิดขึ้นได้จากการหยุดแสดงออกการเล่นเครื่องประดับด้วย "ความทะเยอทะยาน" (ความปรารถนาแบบฝรั่งเศส) "การแขวนคอ" (การระงับ) - ทุกสิ่งที่ทำให้ดนตรีเข้าใกล้การหายใจมากขึ้น เพิ่มการแสดงออกที่เปิดเผย ( บทความของ Couperin ศิลปะการเล่นฮาร์ปซิคอร์ด, 1716).

รูปแบบห้องสวีทซึ่งเข้ามาในยุโรปในศตวรรษที่ 16 เริ่มแพร่หลาย จากมุสลิมตะวันออก (อะนาล็อกคือนูบาในหมู่ชาวอาหรับและเปอร์เซียตั้งแต่ศตวรรษที่ 9) ชุดนี้มีพื้นฐานมาจากการสลับคีย์เดียว (โหมด) ของท่อนเต้นรำ หลากหลายในจังหวะ จังหวะ และตัวละคร ตั้งแต่นั้นมา พิณที่ยืมมาจากชาวอาหรับก็ได้รับความนิยม โดยมีการแสดงละครที่เป็นพื้นฐานของชุดนี้พร้อมกับการเต้นรำที่ตัดกันเป็นคู่ ในห้องสวีทสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดและเวอร์จิ้นที่หลากหลาย การเต้นรำกลายเป็นผลงานที่มีลักษณะเป็นรูปเป็นร่าง (W. Bird, G. Purcell, L. Marchand ฯลฯ) ภายใต้อิทธิพลของโอเปร่า ความหมายอันไพเราะของดนตรีบรรเลงจะเข้มข้นขึ้น และบทบาทของรูปแบบเครื่องดนตรีต่างๆ เพิ่มขึ้น ซึ่งเป็นรูปแบบที่ธีมที่แสดงออกอย่างไพเราะครอบงำ และเปลี่ยนไปเมื่อมีการปรากฏตัวซ้ำๆ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ในการพัฒนาธีมเดียว การเปลี่ยนแปลงโทนเสียงจะมีความสำคัญ การเปรียบเทียบธีมที่ตัดกันและการเคลื่อนไหวทางโทนเสียงเป็นหลักการสำคัญในการสร้างโซนาตา ซิมโฟนี และคอนเสิร์ตคลาสสิก ดังนั้น "การประกาศ" ของคีย์หลัก (ต้นฉบับ) ที่ใช้เขียนโซนาตาหรือซิมโฟนีจึงมีความสำคัญเป็นพิเศษ

ยุคของออร์แกนและพิตจางหายไปในเบื้องหลัง ทิ้งร่องรอยที่เห็นได้ชัดเจนไว้ในการก่อตัวของวัฒนธรรมเครื่องดนตรีใหม่ แต่ความคิดสร้างสรรค์ของอวัยวะกำลังได้รับการพัฒนาอันทรงพลังใหม่ (J. Sweelinck - ในอัมสเตอร์ดัม, I. J. Froberg - ในเวียนนา, A. Reincken - ในฮัมบูร์ก, G. Böhm - ใน Luneburg, I. Pachelbel ใน Erfurt, D. Buxtehude - ในLübeck ) . ดนตรีโพลีโฟนี "Scholarly" เข้ามาใกล้ชิดกับนักบวชมากขึ้น เสริมด้วยท่วงทำนองพื้นบ้านที่มีพื้นฐานจากเพลงและการเต้นรำของเยอรมัน ฝรั่งเศส อังกฤษ โปแลนด์ เพลงประจำครัวเรือนถูกสร้างขึ้นสำหรับการเล่นดนตรีในออร์แกนที่บ้าน ความสนใจหลักของนักดนตรีมุ่งเน้นไปที่ดนตรีซิมโฟนิกและคีย์บอร์ด พวกเขาตระหนักได้ดีที่สุดถึงหลักการโฮโมโฟนิก-ฮาร์โมนิกของภาษาดนตรี ร่วมกับเสียงบันทึกเชิงพื้นที่ขนาดใหญ่ และการเปลี่ยนโทนเสียง-กิริยา พิณถูกชาวยุโรปขับกลับ เครื่องดนตรีนี้ไม่สนองความต้องการด้านสุนทรียศาสตร์ใหม่ - เธอสามารถคงอยู่ในคีย์เดียวได้เป็นเวลานาน ระยะของพิตยังไม่เพียงพอ - ฮาร์โมนีของคอร์ดที่ซับซ้อนนั้นให้เสียงได้ยาก และการจัดเรียงเสียงที่กว้างก็เป็นไปไม่ได้ เครื่องดนตรีประเภทคลาเวียร์เข้ามาแทนที่ลูต แต่จำเป็นต้องได้รับการปรับปรุงด้านเทคนิคด้วย ก้าวสำคัญคือการประดิษฐ์เมื่อต้นศตวรรษที่ 18 เปียโนค้อน (แกรนด์เปียโนและเปียโนอัพไรท์) เมื่อกดปุ่มซึ่งไม่เพียงแต่สามารถเปรียบเทียบเสียงดัง (ฟอร์เต้) และเงียบ (เปียโน) ได้อย่างมีประสิทธิภาพ แต่ยังรวมถึงการขึ้นลงแบบไดนามิกอีกด้วย ปรมาจารย์จากอิตาลี เยอรมนี และฝรั่งเศสได้ปรับปรุงเครื่องดนตรีนี้ตลอดศตวรรษที่ 18 และจุดเริ่มต้นของอันถัดไป เปียโนซึ่งกลายเป็นสัญลักษณ์ของวัฒนธรรมยุโรปสมัยใหม่ ได้เข้ามาแทนที่ทั้งลูตและคลาเวียร์อื่นๆ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 โรงเรียนนักเปียโนแห่งแรกปรากฏในเวียนนาและลอนดอน (W. Mozart, L. Beethoven, J. Hummel, K. Czerny, M. Clementi, J. Field)

ดนตรีคลาสสิกเวียนนา (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18)

ดนตรีสำหรับออเคสตร้าฟังในโบสถ์ ปราสาทและพระราชวังของครอบครัว โรงละครโอเปร่า สวนและสวนสาธารณะ "บนน้ำ" การสวมหน้ากาก ขบวนแห่ ( เพลงสำหรับดอกไม้ไฟฮันเดลแสดงโดยนักดนตรี 56 คนในกรีนพาร์คในลอนดอนในปี 1749) เครื่องดนตรีมีความหลากหลายและมักไม่ได้ถูกกำหนดโดยผู้แต่ง ความเจริญรุ่งเรืองของสายธนูเป็นการเตรียมการกำเนิดของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา ("ไวโอลินของกษัตริย์ 24 ตัว" ที่ราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ในปารีส "โบสถ์หลวงชาร์ลส์ที่ 2" ในลอนดอน ฯลฯ) วงออเคสตราอาจมีเครื่องดนตรีประเภทลมเพียงชิ้นเดียวเท่านั้น ( เซเรเนดใหญ่ B major ของ Mozart สำหรับลมและดับเบิ้ลเบส หรือเล่นกับบาสซูนระหว่างเดิน) ในวงออเคสตร้าโอเปร่าและโบสถ์ มีการใช้สายโค้ง "ร้องเพลง" เป็นหลัก โดยอาจรวมออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ดด้วย และเครื่องเป่าลมไม้ (ฟลุต โอโบ บาสซูน) หรือทองแดง (แตร, เขาสัตว์) เช่นเดียวกับเครื่องเคาะจังหวะ (กลอง – ยืมมาจากพวกเติร์กออตโตมัน) ด้วยการปรับปรุงการออกแบบแตร คลาริเน็ต บาสซูน ทรอมโบน ในที่สุดเบโธเฟนก็ได้ก่อตั้งวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตราคลาสสิกขนาดใหญ่ขึ้นมา

คุณสมบัติของศิลปะคลาสสิกตอนปลายแสดงออกมาได้ดีที่สุดในงานของคลาสสิกเวียนนา ในดินแดนออสโตร-ปรัสเซียน การเปลี่ยนแปลงเกิดขึ้นจากสุนทรียภาพแห่งการเลียนแบบไปสู่สุนทรียภาพแห่งดนตรีอันบริสุทธิ์ ในบาวาเรีย โบสถ์ Mannheim Orchestra (นำโดย J. Stamitz) มีความโดดเด่น ลักษณะการเล่นของนักดนตรีของโรงเรียนมันน์ไฮม์มีลักษณะของความรู้สึกอ่อนไหว - การเพิ่มขึ้นและลดความดังที่แสดงออกอย่างชัดเจนการตกแต่งประดับประดา - "ถอนหายใจ" ซิมโฟนีที่พวกเขาแสดงแม้ว่าจะมีบางอย่างที่เหมือนกันกับการเปิดเพลง - "ซิมโฟนี" ในโอเปร่าของอิตาลี แต่กลายเป็นผลงานอิสระซึ่งประกอบด้วย 4 ส่วนที่แตกต่างกัน: เร็ว (Allegro) - ช้า (Andante) - เต้นรำ (minuet) - เร็ว ( ตอนจบ) ส่วนเดียวกันนี้เป็นพื้นฐานของวงจรซิมโฟนิกของ Haydn และผู้ติดตามของเขา ในศตวรรษที่ 18 เวียนนากลายเป็นศูนย์ดนตรีที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป ผลงานของนักแต่งเพลงชาวเวียนนา (Haydn, Mozart, Beethoven) มีความโดดเด่นด้วยเหตุผลนิยมในการสร้างรูปแบบ, ธีมที่เจียระไนและแสดงออก, สัดส่วนขององค์ประกอบของโครงสร้างดนตรี, รวมกับความไพเราะที่ไพเราะ, ความคิดสร้างสรรค์และความน่าสมเพชละคร ซิมโฟนี โซนาตา ทริโอ ควอร์เตต ควินเท็ต คอนเสิร์ตของเวียนนาคลาสสิกเป็นตัวอย่างของดนตรีล้วนๆ ไม่เกี่ยวข้องกับถ้อยคำ ละคร หรือโปรแกรมที่เป็นรูปเป็นร่าง หลักการของศิลปะคลาสสิกแสดงออกมาผ่านวิธีการทางดนตรีล้วนๆ โดยปฏิบัติตามกฎของแนวเพลงและเปิดเผยตรรกะของแผนและความสมบูรณ์ของรูปแบบ สไตล์คลาสสิกของเวียนนา ความชัดเจนโดยธรรมชาติในการสร้างงานทั้งหมดและแต่ละส่วน ความหมายและความสมบูรณ์ของแต่ละธีม ภาพของแต่ละแรงจูงใจ ความสมบูรณ์ของจานสีเครื่องดนตรี เช่นเดียวกับสถาปัตยกรรมแห่งยุคคลาสสิก สัดส่วนทางดนตรีและความสมมาตรเผยให้เห็นในรูปแบบซ้ำๆ กันหรือหลากหลายของธีม ใน caesuras ที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน ในจังหวะ - หยุดคล้ายกับการโค้งคำนับลึกในการเต้นรำ ในชุดของความแตกต่าง การเปรียบเทียบธีมและ แรงจูงใจในระยะทาง (การปรับเปลี่ยน) จากน้ำเสียงที่คุ้นเคยและกลับมาหาพวกเขา ฯลฯ หลักการเหล่านี้จำเป็นอย่างเคร่งครัดสำหรับโซนาต้าและซิมโฟนีส่วนแรกและสุดท้าย , สร้างขึ้นตามกฎของ sonata allegro เช่นเดียวกับรูปแบบอื่น ๆ ที่นักคลาสสิกชื่นชอบ: รูปแบบต่าง ๆ , rondos, minuets, scherzos, adagios

โจเซฟ ไฮเดิน นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย ได้รับการยกย่องให้เป็น "บิดาแห่งซิมโฟนี" เขาไม่เพียงแต่เขียนดนตรีบรรเลงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโอเปร่า เพลง และ oratorios อีกด้วย เขาสร้างสรรค์ซิมโฟนีสนุกสนานมีอารมณ์ขันและท่วงทำนองพื้นบ้านมากกว่าร้อยเพลง การแสดงซิมโฟนีในพระราชวังของเวียนนา ปารีส และลอนดอนสูญเสียความสวยงามของพระราชวังไป แต่กลับเต็มไปด้วยภาพบทกวีของชีวิตชาวบ้านและธรรมชาติ สิ่งที่สำคัญที่สุดคือความสามารถในการเต้นของธีมใหม่ (minuet, gavotte) ซึ่งช่วยเสริมความแข็งแกร่งให้กับรูปแบบและแยกธีมและรูปแบบต่างๆ อย่างชัดเจน วงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตราคลาสสิก (เล็ก) ก่อตั้งขึ้น: กลุ่มเครื่องสาย (ไวโอลินที่หนึ่งและสอง วิโอลา เชลโลและดับเบิลเบส) กลองทิมปานีและเครื่องดนตรีคู่ (ฟลุต คลาริเน็ต โอโบ บาสซูน แตร ทรัมเป็ต) วงจรสี่ตอนได้รับการกำหนดขึ้นโดยมีความแตกต่างอย่างมากระหว่างท่อนร้องท่อนแรกเร็วและท่อนที่สองช้า ท่าเต้นท่อนที่สามและตอนจบที่เต็มไปด้วยพายุ ไฮเดินสร้างสรรค์ซิมโฟนีของเขาให้มีเอกลักษณ์เป็นรูปเป็นร่าง ผู้ฟัง แต่ไม่ใช่ผู้แต่ง คิดชื่อให้พวกเขา:

ลา (№ 45), การไว้ทุกข์ (№ 49), ทหาร (№ 100), พร้อมลูกคอทิมปานี (№ 103), ปราชญ์ (№ 22), ฮาเลลูยา! (№ 30), การล่าสัตว์(ฉบับที่ 73) เป็นต้น

อัจฉริยะทางดนตรีของ Wolfang Amadeus Mozart ปรากฏตัวตั้งแต่อายุ 4 ขวบ โอเปร่าอิตาลีที่ทันสมัยทำให้โมสาร์ทรุ่นเยาว์หลงใหลเขาอุทิศส่วนหนึ่งของความสามารถของเขาให้กับมันและสร้างคอเมดีที่สดใสจากมัน การแต่งงานของฟิกาโร) ดราม่า ( ดอนฮวน) นิยายปรัชญา ( ขลุ่ยวิเศษ) ละครเพลง. การแสดงออกทางดนตรีของตัวละครโอเปร่าเป็นตัวกำหนดสไตล์ของผู้แต่งและมีอิทธิพลต่อการสร้างท่วงทำนองดนตรีที่แสดงออกในเชิงละคร (เพลงเปิดที่นุ่มนวลและอ่อนโยนของ Symphony No. 40 จี-โมล; ซิมโฟนีหมายเลข 41 อันสง่างาม ซีเมเจอร์,ดาวพฤหัสบดีและอื่น ๆ.). เขายังคงไม่สามารถบรรลุได้ในความไพเราะของความไพเราะในความสามารถในการสร้างคานที่ไพเราะเข้าใจพัฒนาการทางดนตรีในฐานะ "การไหล" ตามธรรมชาติของธีมหนึ่งไปสู่อีกธีมหนึ่ง ความสามารถของเขาในการผสมผสานเครื่องดนตรีต่างๆ เพื่อเผยให้เห็นความสมบูรณ์ของฮาร์โมนิคแนวดิ่ง และการถ่ายทอดสีฮาร์โมนิกของท่วงทำนองผ่านดนตรีออร์เคสตรานั้นน่าทึ่งมาก ในดนตรีของโมสาร์ท เสียงทั้งหมด แม้แต่เสียงประสาน และ "เสียงร้อง" ที่เป็นเครื่องดนตรีทั้งหมดได้รับการทำนอง การเคลื่อนไหวช้าๆ ในวงจรไดเวอร์ติเมนโต ซิมโฟนิก และโซนาตาของเขาน่าประทับใจเป็นพิเศษ พวกเขามีความอ่อนโยนที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ที่แสดงออกมาในดนตรี ความสดใสและความโล่งใจของธีม สัดส่วนของโครงสร้างดนตรีทั้งขนาดเล็ก (ดูเอต ทริโอ ควอร์เตต ควินเท็ต เซเรเนด เพลงกลางคืน) และวงใหญ่ (ซิมโฟนี คอนเสิร์ต โซนาต้า) โมสาร์ทผสมผสานกับจินตนาการที่ไม่สิ้นสุดในการพัฒนาตัวแปรของธีมเดียว (ใน rondos, รูปแบบต่างๆ, minuets, adagios, Marches) เขาค่อยๆ ย้ายออกจากอารมณ์อันเงียบสงบของผลงานในยุคแรก ๆ ของเขา (เพลงบรรเลงออเคสตรา การแสดงดนตรี) ไปสู่อารมณ์ที่แสดงออกอย่างลึกซึ้ง - โคลงสั้น ๆ และละครบางครั้งก็น่าเศร้า ( โซนาต้า แฟนตาเซีย ซี ไมเนอร์, บังสุกุล). โมซาร์ทเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งศิลปะการแสดงการเล่นเปียโนและเป็นผู้ก่อตั้งคอนแชร์โตคลาสสิกสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวและวงออเคสตรา

ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน กลายเป็น "ศิลปินอิสระ" คนแรกในบรรดานักแต่งเพลง งานของเขายุติยุคของลัทธิคลาสสิกโดยเปิดยุคของลัทธิโรแมนติก แต่ผู้แต่งก็มีความเฉพาะตัวมากเกินไปและสไตล์ของเขาแทบจะไม่เป็นไปตามบรรทัดฐานของลัทธิคลาสสิก เบโธเฟนคิดในวงกว้างและเป็นสากลเมื่อเปรียบเทียบกับทัศนคติแบบ hedonistic-divertisant ของงานคลาสสิก ความประณีตและการประดับประดาหายไปในดนตรีของเขามันไม่เป็นที่พอใจหูและถูกมองว่า "ไม่ราบรื่น" คล้ายกับรูปลักษณ์ของนักแต่งเพลงที่เดินโดยไม่สวมวิกโดยมี "แผงคอสิงโต" และหน้าตาบูดบึ้ง บทเพลงที่สง่างามในการเคลื่อนไหวครั้งที่ 3 ของซิมโฟนีของเขาถูกแทนที่ด้วยเชอร์โซ โดยทั่วไป งานของเบโธเฟนสอดคล้องกับโครงสร้างความคิดของนักประพันธ์คลาสสิกและมีความเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับผู้แต่งชาวเยอรมันคนก่อนๆ (ฮันเดล, เอฟ.อี. บาค, กลุค, เฮย์ดน์, โมซาร์ท) และนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส (เอ. เกรทรี, แอล. เชรูบินี, จี. วิออตติ) วีรชนของเบโธเฟน (โอเปร่า ฟิเดลิโอ, การทาบทามไพเราะ เอ็กมอนต์, โคริโอลานัส,ซิมโฟนีหมายเลข 3) กำเนิดโดยการปฏิวัติฝรั่งเศส ในฐานะนักดนตรีในชีวิตและในงานของเขา เขาซึมซับอุดมคติของ "ปฏิญญาสิทธิและเสรีภาพของพลเมือง" การเรียกร้องความเสมอภาค เสรีภาพ และภราดรภาพของทุกชนชาติได้รับการรวบรวมอย่างยอดเยี่ยมในการเคลื่อนไหวครั้งที่ 4 ของซิมโฟนีหมายเลข 9 ซึ่งมีผู้ได้ยินท่อนบทกวีของชิลเลอร์ เพื่อความสุข. ธีมหลักของรอบชิงชนะเลิศในวันนี้คือเพลงชาติของสหภาพยุโรป เจตจำนงของเบโธเฟนผู้ดูหมิ่นความรุนแรงและการปกครองแบบเผด็จการได้แสดงออกมาทุกแห่ง เขาได้พิสูจน์ให้เห็นถึงการกบฏต่อโชคชะตา ต่อต้านความหูหนวกที่ครอบงำเขา และความเป็นอิสระจากชนชั้นสูงและอำนาจ ความจำเพาะของสไตล์ของเขาแสดงออกมาในการพังทลายของหลักการคลาสสิกของการพัฒนาดนตรีโดยละเมิดสัดส่วนและความสมมาตร เขามีอิสระที่จะ "หยุด" เวลาที่ไหลอย่างสงบด้วยคอร์ดเสียงดังอันแหลมคมซ้ำ ๆ อย่างต่อเนื่อง (เช่นในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของ Symphony หมายเลข 3) รูปแบบดนตรีของการเรียบเรียงของเขามีอิสระมากขึ้นและพลังทางอารมณ์ก็สดใสขึ้น: จากน้ำเสียงโคลงสั้น ๆ (เปียโนโซนาต้าหมายเลข 14 จันทรคติ,ซิมโฟนีหมายเลข 6 อภิบาล) ถึงผู้กบฏ (โซนาต้าสำหรับเปียโน ความหลงใหล, ครูทเซอร์ โซนาต้าสำหรับไวโอลิน) น่าสงสาร (โซนาต้าหมายเลข 8 น่าสงสาร, Symphonies หมายเลข 3, หมายเลข 5) สู่โศกนาฏกรรม (การเดินขบวนศพในการเคลื่อนไหวครั้งที่สองของ Sonata หมายเลข 12 และ Symphony หมายเลข 3)

ความโรแมนติกในดนตรีแห่งศตวรรษที่ 19

ศตวรรษที่ 19 - ศตวรรษแห่งความรุ่งเรืองของวัฒนธรรมดนตรีของยุโรปตะวันตก รูปแบบใหม่ของการแสดงออกทางดนตรีกำลังเกิดขึ้น เผยให้เห็นถึงศักยภาพอันลึกซึ้งของผู้แต่งแต่ละคน แก่นแท้ของความโรแมนติกแสดงออกมาได้ดีที่สุดในดนตรี ผลงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกที่ถ่ายทอดความสมบูรณ์ของโลกแห่งประสบการณ์ทางอารมณ์ของมนุษย์และความรู้สึกส่วนตัวของเขา ก่อให้เกิดพื้นฐานของละครคอนเสิร์ตสมัยใหม่ ยวนใจไม่ได้เป็นเพียงเนื้อเพลง แต่ครอบงำความรู้สึกความหลงใหลองค์ประกอบทางจิตวิญญาณซึ่งเป็นที่รู้จักเฉพาะในมุมของจิตวิญญาณของตัวเองเท่านั้น ศิลปินที่แท้จริงระบุตัวตนเหล่านั้นด้วยความช่วยเหลือจากสัญชาตญาณอันยอดเยี่ยม ในศตวรรษที่ 19 ดนตรีไม่ได้ถูกเปิดเผยในสถิตศาสตร์ แต่ในไดนามิก ไม่ใช่ในแนวคิดที่เป็นนามธรรมและการสร้างเหตุผล แต่ในประสบการณ์ทางอารมณ์ของชีวิตมนุษย์ อารมณ์เหล่านี้ไม่ได้มีลักษณะเฉพาะเจาะจง ไม่ได้เป็นแบบทั่วไป แต่เป็นอารมณ์ความรู้สึกที่เกิดขึ้นในทุกช่วงเวลาของการเล่นดนตรี สำหรับโรแมนติก “การคิดด้วยเสียง” นั้นสูงกว่า “การคิดในแนวคิด” และ “ดนตรีเริ่มต้นเมื่อคำพูดสิ้นสุด” (G. Heine)

นักดนตรีเน้นย้ำถึงความเชื่อมโยงกับบ้านเกิดและได้รับแรงบันดาลใจจากวัฒนธรรมดนตรีพื้นบ้าน นี่คือวิธีการก่อตั้งโรงเรียนดนตรีระดับชาติโดยเผยให้เห็นสัญชาติของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกแต่ละคนและความคิดริเริ่มของสไตล์ของเขา: Carl Maria Weber อาศัยท่วงทำนองพื้นบ้านและเทพนิยายของเยอรมันสร้างโอเปร่าระดับชาติ ( นักกีฬาฟรี, 1821); มิคาอิล อิวาโนวิช กลินกา - รัสเซีย ( ชีวิตเพื่อซาร์, 1836); ผลงานเครื่องดนตรีและเสียงร้องของ Franz Schubert เต็มไปด้วยท่วงทำนองออสเตรียและการเต้นรำในชีวิตประจำวัน (Ländler, เพลงวอลทซ์) และในสาขาดนตรีร้อง เขาเช่นเดียวกับ Robert Schumann เป็นผู้สร้างแนวเพลงใหม่ของเพลงเยอรมัน Lied; ไม่เพียงแต่ mazurkas และ Polonaises สำหรับเปียโนเท่านั้น แต่ผลงานทั้งหมดของ Fryderyk Chopin ซึ่งตั้งรกรากอยู่ในปารีสยังเต็มไปด้วยน้ำเสียงของบ้านเกิดของเขา - โปแลนด์; Franz Liszt เป็นชาวฮังการีและเดินทางทั่วยุโรปอย่างต่อเนื่อง ฮังการี แรปโซดีส์สำหรับเปียโนและแปลจังหวะการเต้นรำแบบฮังการี คาเมลแคท; ผลงานของ Richard Wagner มีพื้นฐานมาจากตำนานและปรัชญาของชาวเยอรมัน Edvard Grieg ได้รับแรงบันดาลใจจากจินตภาพ การเต้นรำ และเพลงของชาวนอร์เวย์ Johannes Brahms ดึงเอาประเพณีของนักโพลีโฟนิสต์ชาวเยอรมันมาสร้างสรรค์ขึ้นมา บังสุกุลเยอรมัน; Bedrich Smetana และ Antonin Dvorak - ในภาษาสลาฟ melos, Isaac Albeniz - เป็นภาษาสเปน

จุดเปลี่ยนที่เกิดขึ้นในวัฒนธรรมยุโรปหลังการปฏิวัติฝรั่งเศสได้ก่อให้เกิดผู้บริโภคดนตรีระดับใหม่ นั่นคือ ชาวเมือง วัฒนธรรมของราชสำนักและขุนนางถูกผลักไสให้อยู่เบื้องหลัง สภาพแวดล้อมชั้นสูงของผู้ฟังถูกแทนที่ด้วยสภาพแวดล้อมจำนวนมากของชาวเมือง ผู้ผลิต นักธุรกิจ และปัญญาชนกลายเป็นผู้บริโภคผลงานดนตรี ตอนนี้รวมถึงนักประพันธ์เพลงที่มีความเชื่อมโยงอย่างสร้างสรรค์กับผู้ชมอยู่ในมือของผู้ประกอบการ ได้ยินเสียงดนตรีในคอนเสิร์ตสาธารณะ โรงละคร ร้านกาแฟ สถาบันการศึกษา และสมาคมดนตรี ประชาชนสนใจดนตรีเพื่อความบันเทิงมากขึ้นเรื่อยๆ และแนวเพลงมืออาชีพที่ "ง่ายกว่า" ในการรับรู้ - โอเปเรตต้า - ก็เจริญรุ่งเรือง (J. Offenbach - ในฝรั่งเศส), การเต้นรำแบบออเคสตราวอลทซ์ (I. Strauss - ในเวียนนา) นอกเหนือจากการอุปถัมภ์ศิลปะแล้ว นักแต่งเพลงยังได้รับวิถีชีวิตจากกิจกรรมการดำเนินรายการ เปียโน และการสอนของตนเองอีกด้วย กิจกรรมการสื่อสารมวลชนของผู้แต่งเองก็มีความสำคัญ ดังนั้น Berlioz และ Schumann จึงประกาศในบทความของพวกเขาว่าเป็น "สงคราม" เกี่ยวกับความหยาบคายความเหลื่อมล้ำและกิจวัตรประจำวันซึ่งเจริญรุ่งเรืองในบุคคลของ "คนโปรดของสาธารณะ" ที่ไม่มีความสามารถที่อยู่รอบตัวพวกเขา ชูมันน์สร้าง "New Musical Newspaper" โดยเผยแพร่ในนามของตัวละคร - สมาชิกของ "David Union" ซึ่งคาดว่าจะรวมเพื่อนที่มีใจเดียวกันของเขาเข้าด้วยกัน ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา นักแต่งเพลงไม่เพียงแต่สร้างสรรค์ดนตรีเท่านั้น แต่ยังแสดงความคิดเกี่ยวกับดนตรีและศิลปะด้วยการเขียน (หนังสือ ศิลปะและการปฏิวัติ, โอเปร่าและละครวากเนอร์)

ดนตรีกำลังเข้าใกล้คำว่าอีกครั้ง คำว่า "ยวนใจ" ที่เกิดขึ้นในแวดวงวรรณกรรม (แนะนำโดยโนวาลิส) สอดคล้องกับลักษณะเฉพาะของผลงานของนักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 19 อย่างสมบูรณ์ และต้นศตวรรษที่ 20 วรรณกรรมและดนตรี "คู่หมั้น" ซึ่งกันและกัน "ในการรวมศีลระลึก": "โลกเป็นเพียงมนต์เสน่ห์ / ในทุกสิ่งมีสายหลับ / ตื่นขึ้นมาด้วยคำวิเศษ - / ดนตรีจะได้ยิน" (เจ. ฟอน ไอเคนดอร์ฟฟ์). ความคิดเชิงปรัชญาของ Herder, Schelling, Schopenhauer ทำให้ดนตรีเข้าใกล้บทกวีมากขึ้นและแยกทั้งสองออกจากศิลปะประเภทอื่นเนื่องจากลักษณะชั่วคราวของสิ่งเหล่านี้: กระบวนการ, การเปลี่ยนแปลง, การเปลี่ยนแปลง, การเคลื่อนไหวอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย - พื้นฐานของดนตรีและความคิดสร้างสรรค์ทางวาจา สถานที่สำคัญในงานเขียนแนวโรแมนติกถูกครอบครองโดยความปรารถนาที่จะเชื่อมโยงดนตรีกับหัวข้อและรูปภาพบางอย่าง (วรรณกรรม บทกวี รูปภาพ): มาร์การิต้าที่วงล้อหมุน, ราชาแห่งป่าชูเบิร์ต; ทัสโซใบไม้; ความฝัน, รีบ, คาร์นิวัลชูมานน์) นักดนตรีชอบสร้าง "ละคร" ร้องขนาดเล็กตามข้อความของ G. Heine, W. Müller, L. Relshtab, F. G. Klopstock, I. V. Goethe, F. Schiller และคนอื่น ๆ: ราชาแห่งป่า, เซเรเนด, สองเท่า, วงจรเพลง ภรรยามิลเลอร์แสนสวย, 1823, การเดินทางในฤดูหนาว, 1827 ชูเบิร์ต; ความรักของกวีพ.ศ. 2383 ชูมันน์) แม้จะเกี่ยวข้องกับความคิดสร้างสรรค์ทางวรรณกรรม แต่โรแมนติกก็เผยให้เห็นด้านใหม่ของการแสดงออกทางดนตรีซึ่งแสดงออกในรูปแบบสูงสุด - เครื่องดนตรี (“ บริสุทธิ์”) ซึ่งไม่เกี่ยวข้องกับคำพูด ดังนั้น จินตภาพทางอารมณ์อันลึกซึ้งของบทโหมโรงและบทเพลงยามราตรีของโชแปงสำหรับเปียโนหรือโซนาตา อินเตอร์เมซโซ และคอนแชร์โตของบราห์มส์จึงไม่ลดลงหากไม่มีชื่อรายการในนั้น

ละครเพลงยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่องในอิตาลี และ "แฟชั่น" สำหรับการแสดงโอเปร่าของอิตาลียังคงมีอยู่ทุกหนทุกแห่ง ไอดอลโอเปร่า ได้แก่: ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษ Gioachino Antonio Rossini ในช่วงที่สอง - Giuseppe Verdi ในศิลปะแห่งโอเปร่าทิศทางที่ใกล้เคียงกับวรรณกรรมเกิดขึ้น - verism (P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini) อย่างไรก็ตามทางเหนือโอเปร่าปรากฏในรูปแบบใหม่ซึ่งแต่งแต้มด้วยมหากาพย์ระดับชาติเทพนิยาย และตำนาน โอเปร่าโรแมนติกประเภทหนึ่งกำลังถูกสร้างขึ้น ( เลิกทานอาหารอี.ที.ฮอฟฟ์แมน, 1813, นักกีฬาฟรีเวเบอร์, 1820, tetralogy แหวนแห่งนิเบลุงวากเนอร์, 1852–1874) - ตรงกันข้ามกับโอเปร่าของอิตาลีและฝรั่งเศสที่มีแผนการสมจริง โคลงสั้น ๆ การ์ตูนและประวัติศาสตร์ ( ช่างตัดผมของเซบียารอสซินี 2359; บรรทัดฐานวี. เบลลินี 2374; ฮิวเกนอตส์เจ. เมเยอร์เบียร์ 1835; โรมิโอและจูเลียตซี. กูน็อด, 1865; ยาเสน่ห์กรัม.โดนิเซตติ, 1832; ริโกเลตโต, 1851, ทราเวียต้า, 1853, ไอด้า, 1870, ฟอลสตัฟฟ์, พ.ศ. 2435 แวร์ดี; คาร์เมนเจ. บิเซต, 1875)

นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกรู้สึกขัดแย้งกับความเป็นจริงและพยายาม "ซ่อน" จากโลกที่เป็นศัตรูกับพวกเขาในนิยายหรือความฝันที่สวยงาม ดนตรีเริ่มบันทึกความผันผวนทางอารมณ์เล็กน้อย ความหลงใหลในอารมณ์ และอารมณ์ที่เปลี่ยนแปลง - ภาพสะท้อนของความกังวลที่แท้จริงและชะตากรรมชีวิตของนักดนตรี ซึ่งบางครั้งก็น่าเศร้า เครื่องดนตรีจิ๋วกลายมาใกล้กับผู้แต่ง มีการสร้างแนวเปียโนใหม่: ทันควัน, etude, น็อคเทิร์น, โหมโรง, วงจรของชิ้นส่วนของโปรแกรม, เพลงบัลลาดซึ่งได้รับการพัฒนาพิเศษในผลงานของนักเปียโนที่โดดเด่น (Schumann, Chopin, Liszt, Brahms)

ศตวรรษที่ 19 - ศตวรรษแห่งชัยชนะของเปียโน "วรรณกรรม" ไม่เพียงแต่การออกแบบเปียโนได้รับการปรับปรุงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเทคนิคในการเล่นด้วย ความสามารถในการสร้างคานร้องเพลงและแนวทำนองที่ไพเราะก็ถูกเปิดเผยอีกด้วย จังหวะของนักแต่งเพลงปลดปล่อยตัวเองจาก "พันธนาการ" ของนักเต้นรำแบบคลาสสิกและความสม่ำเสมอของการเต้นรำที่เข้มงวด การเรียบเรียงโรแมนติกเต็มไปด้วยความเรียบง่ายในการแสดงด้นสด เมื่อทำนองเป็นไปตามความแปรปรวนของการเคลื่อนไหวของความรู้สึก ตามที่ผู้เขียนตั้งใจและตามที่นักแสดงสามารถรู้สึกได้ บทบาทของความแตกต่างเล็กน้อยและบทบาทของการแสดงดนตรีกำลังเพิ่มขึ้น

ผลงานของนักประพันธ์เพลงในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ยังคงมีความเชื่อมโยงกับประเพณีของคลาสสิกเวียนนา แต่ฝ่าฝืนกฎของแนวคลาสสิก: ในฝรั่งเศส Hector Berlioz ได้สร้างอัตชีวประวัติ ซิมโฟนีที่ยอดเยี่ยมหรือตอนหนึ่งจากชีวิตของศิลปิน(พ.ศ. 2373) จำนวน 5 ส่วน ไม่เพียงแต่การเดินขบวน (ส่วนที่ 4) เท่านั้น แต่ยังรวมถึงเพลงวอลทซ์ด้วย (ส่วนที่ 2) ชูเบิร์ตเขียนซิมโฟนีสำหรับวงออเคสตราซึ่งที่โดดเด่นที่สุดคือซิมโฟนี "ไม่ใช่บรรทัดฐาน" ประกอบด้วย 2 ส่วน (ซิมโฟนีใน B minor ยังไม่เสร็จ, 1822) นักดนตรีไม่สนใจความงามของสัดส่วนทางดนตรีของวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิก แต่ในความสามารถด้านเสียงของวงออเคสตรา ความสามารถในการ "วาด" ภาพ ดังนั้น “ภาพ” ของวงออเคสตราของวิญญาณชั่วร้ายที่แห่กันไปร่วมงานเลี้ยงในตอนกลางคืนจึงน่าประทับใจ ซิมโฟนีมหัศจรรย์แบร์ลิออซ (ตอนที่ 5) โคเวน) โดยที่นักไวโอลินตีสายด้วยด้ามคันชักเพื่อสื่อถึง "กระดูกที่ส่งเสียงดัง" ราคะอยู่เบื้องหน้าในซิมโฟนีแห่งความโรแมนติก พวกเขาแทนที่สติปัญญาของซิมโฟนีคลาสสิกด้วยการทาบทามไพเราะและบทกวีซึ่งมีการเคลื่อนไหวเพียงครั้งเดียวและทุกอย่างอยู่ภายใต้โปรแกรมวรรณกรรม: บรรยากาศเทพนิยายที่มีมนต์ขลังของหนังตลกของ W. Shakespeare - ใน F. Mendelssohn-Bartholdy ความฝันในคืนฤดูร้อน(1826) ละครปรัชญาโดย J.V. Goethe - โดย Liszt in ทัสโซ.การร้องเรียนและชัยชนะ(1856) โศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์ - โดย P.I. Tchaikovsky โรมิโอและจูเลียต(พ.ศ. 2423) ในผลงานของโรแมนติกตอนปลาย (Liszt, Wagner) บทบาทของเพลงประกอบ (“ แรงจูงใจนำ”) ในฐานะลักษณะที่ทำซ้ำและเป็นที่รู้จักของภาพนั้นแข็งแกร่งขึ้น วงออเคสตราในละครโอเปร่าของวากเนอร์ได้รับความสำคัญเป็นพิเศษ ไม่เพียงแต่โดดเด่นด้วยสีสันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความหมายเพิ่มเติมที่ได้รับผ่านระบบเพลงประกอบที่พัฒนาโดยผู้แต่ง (บรรทัดฐานของอาณาจักรจอกในโอเปร่า โลเฮนกริน, 1848) บางครั้งโครงสร้างดนตรีของวงออเคสตราก็ "ทอ" จากพวกเขาและผู้ฟัง "ถอดรหัส" โดยรู้ตัวหรือโดยไม่รู้ตัวเช่นเดียวกับในฉากการประชุมของ Tristan กับ Isolde ( ทริสตันและไอโซลเดพ.ศ. 2408) โดยที่แรงจูงใจเข้ามาแทนที่: "กระหายการออกเดทความรัก", "ความหวัง", "ชัยชนะแห่งความรัก", "ความปีติยินดี", "ความสงสัย", "ความกังวลใจ" ฯลฯ ) เทคนิคที่สร้างขึ้นโดยวากเนอร์ในการรวมธีม - ท่วงทำนองที่ไม่สมบูรณ์ แต่มีขนาดเล็กและหลากหลายในความหมายของ "ส่วน" น้ำเสียง - ฮาร์โมนิก (ท่วงทำนอง - "เศษเล็กเศษน้อย") จะกลายเป็นผู้นำในความคิดเฉพาะเรื่องของผู้แต่งในช่วงต้นศตวรรษที่ 20

ดนตรีในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20

ในฝรั่งเศสคุณสมบัติโรแมนติกได้รับสีสันใหม่อิ่มตัวด้วยองค์ประกอบตกแต่ง "ลวดลาย" ที่แปลกใหม่ของอาณานิคมตะวันออก (S. Frank, C. Saint-Saens) ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 รูปแบบของดนตรีอิมเพรสชั่นนิสม์และสัญลักษณ์เกิดขึ้นที่นี่ ผู้สร้างคือนักแต่งเพลง Claude Achille Debussy ซึ่งทำงานให้กับวงออเคสตรา โหมโรงในช่วงบ่ายของ Faun (1894), กลางคืน(พ.ศ. 2442) ซึ่งแสดงหลังจากนิทรรศการครั้งแรกของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ ทำให้เขาได้รับชื่อเสียงในฐานะนักดนตรีอิมเพรสชั่นนิสต์ Debussy ยังคงซื่อสัตย์ต่อแนวคิดเชิงโปรแกรมของ Romantics ( ช่วงบ่ายของฟอน, หญิงสาวที่มีผมผ้าลินิน, ก้าวไปในหิมะ, ดอกไม้ไฟฯลฯ) แต่ไม่ได้มุ่งมั่นเพื่อความชัดเจนของภาพ แต่เพื่อการมองเห็น เขาเขียนผลงานบางชิ้นของเขา "จากชีวิต" "ในที่โล่ง" (ภาพร่างไพเราะ ทะเล, 1905) ดนตรีของเขาปราศจากความหลงใหลของมนุษย์ ความสำคัญเชิงสัญลักษณ์เพิ่มขึ้น (โอเปร่า เพเลียสและเมลิซานเด, 1902): เธอพึ่งตนเองได้ และ "สร้างขึ้นเพื่อสิ่งที่ไม่อาจอธิบายได้" "โผล่ออกมาจากเงามืดเพื่อกลับมาเป็นครั้งคราว" (Debussy) ด้วยการบรรลุเป้าหมายนี้ ผู้แต่งจึงสร้างภาษาดนตรีใหม่ ซึ่งนำไปสู่การทำลายบรรทัดฐานของลัทธิคลาสสิกและแนวโรแมนติก โดยธรรมชาติแล้ว Debussy ใกล้เคียงกับท่วงทำนองของฝรั่งเศส แต่อาศัยความงดงามของการใคร่ครวญของตะวันออกซึ่งเขาชื่นชอบ ความประทับใจจากการสื่อสารกับธรรมชาติ กับวรรณกรรมโบฮีเมียแห่งฝรั่งเศส จากการเล่นของวงออร์เคสตรา "gamelan" ของชวา ไปปารีสเพื่อจัดแสดงนิทรรศการโลกในปี พ.ศ. 2432 วงออเคสตราของ Debussy ตรงข้ามกับออเคสตราของเยอรมันจะมีจำนวนเครื่องดนตรีลดลง แต่เต็มไปด้วยการผสมผสานใหม่ ลวดลาย - สี, พื้นผิว - สี, สีประสาน - สีมีอิทธิพลเหนือเช่น "จุดเสียง" ที่เปลี่ยนได้ทำให้ความหมายที่แสดงออกของหลักการของเสียงดังก้องในดนตรี (การระบายสีเสียงหรือเสียงต่ำ, ความร้อน) โครงสร้างเสียงมีความโปร่งใสมากขึ้น (ชั้นของแต่ละเสียงสามารถได้ยินได้ชัดเจน) และเป็นอิสระจาก "แรงกดดัน" ของโครงสร้างฮาร์มอนิกและโทนเสียงเชิงบรรทัดฐาน (การสิ้นสุดของท่วงทำนอง - จังหวะ - หายไป) คุณสมบัติของอิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่งเป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวทางดนตรีชั้นนำของต้นศตวรรษที่ 20 พบการแสดงออกในผลงานของ M. Ravel, F. Poulenc, N. A. Rimsky-Korsakov, O. Respighi

วัฒนธรรมดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20

ดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 มีความโดดเด่นด้วยสไตล์และเทรนด์ที่หลากหลายเป็นพิเศษ แต่เวกเตอร์หลักของการพัฒนาคือการแยกจากสไตล์ก่อนหน้าและ "การสลายตัว" ของภาษาดนตรีไปเป็นโครงสร้างจุลภาคที่เป็นส่วนประกอบ การเปลี่ยนแปลงในด้านสังคมและวัฒนธรรมของยุโรปมีส่วนทำให้เกิดปรากฏการณ์ทางดนตรีใหม่ๆ ที่ไม่ใช่ของยุโรป และการบริโภคผลิตภัณฑ์เพลงในสื่อเสียงกำลังเปลี่ยนทัศนคติต่อดนตรี เริ่มเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นปรากฏการณ์ระดับโลก และฟังก์ชั่นผู้บริโภคและความบันเทิงก็แข็งแกร่งขึ้น บทบาทของวัฒนธรรมมวลชนและแนวดนตรียอดนิยมกำลังเพิ่มขึ้น โดยแยกออกจากวัฒนธรรมของชนชั้นสูง ดนตรีคลาสสิกของยุโรปตะวันตก และกิจกรรมการแต่งเพลงเชิงวิชาการระดับมืออาชีพ ในช่วงทศวรรษที่ 1950 และ 1960 วัฒนธรรมเยาวชนรูปแบบใหม่ถือกำเนิดขึ้น โดยวางตำแหน่งตัวเองว่าเป็น "วัฒนธรรมที่ต่อต้าน" ซึ่งดนตรีร็อคมีบทบาทนำ การเปลี่ยนแปลงในเทคโนโลยีดนตรีและแนวปฏิบัติด้านสุนทรียศาสตร์ถูกบีบอัดตามเวลาและการปรากฏตัวของทุกสิ่งใหม่ถูกมองว่าเป็นการปฏิเสธอย่างรุนแรงจากครั้งก่อน (ดนตรีทางเลือกของปลายศตวรรษที่ 20)

ดนตรีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20

ในฝรั่งเศส กระแสใหม่ๆ กำลังเกิดขึ้น โดยปฏิเสธอิมเพรสชันนิสม์ว่าเป็นสไตล์ที่ "เนือยๆ" เกินไป ไร้ชีวิตจริง ความเยื้องศูนย์ ความตลก และความอุกอาจกำลังเป็นที่นิยม ผู้ล้มล้างสไตล์ก่อนหน้านี้ Erik Satie ตกตะลึงกับความแปลกใหม่ของบทประพันธ์ของเขา (บัลเล่ต์ ขบวนพาเหรดสำหรับคณะของ S. Diaghilev, 2460 รูปลูกแพร์ 3 ชิ้นและ เอ็มบริโอแห้งสำหรับเปียโน) เขาแนะนำเสียงของเครื่องพิมพ์ดีด เสียงบี๊บ เสียงเคาะ เสียงฮัมของใบพัด และดนตรีแจ๊สในผลงานของเขา สุนทรียภาพของดนตรีปรากฏขึ้น โดยมีบทบาทเป็น “วอลเปเปอร์ดนตรี”—การตกแต่ง แรงบันดาลใจจากแนวคิดของ J. Cocteau (แถลงการณ์ ไก่ตัวผู้และตัวละครตลกพ.ศ. 2461) นักอุดมการณ์ของดนตรีแนวใหม่ที่ "ดีต่อสุขภาพและเต็มไปด้วยเสียงกรีดร้องของถนนและขบวนพาเหรด" นักแต่งเพลงรวมตัวกันในชุมชนต่างๆ ชุมชน "Six" ("French Six") มีความโดดเด่น ซึ่งรวมถึง Arthur Honegger ผู้สร้างผลงานชิ้นในเมืองสำหรับวงออเคสตราเพื่อเฉลิมฉลองพลังของหัวรถจักรใหม่ แปซิฟิก 231(1913) และบทประพันธ์นีโอคลาสสิกจำนวนหนึ่ง (oratorio-mystery โจนออฟอาร์คเป็นเดิมพัน, 2478); ผู้เขียนบัลเล่ต์ประหลาด ( วัวอยู่บนหลังคา, 1923) ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากนิทานพื้นบ้านของบราซิล Darius Milhaud; Francis Poulenc ผู้ชื่นชม Debussy และนักปฏิรูปโอเปร่า (โมโนโอเปร่า เสียงมนุษย์, 1958).

การแสดงออกในวัฒนธรรมดนตรีของประเทศเยอรมนี

ภาษาที่ไพเราะและประสานกันของคีตกวีชาวเยอรมันและชาวออสเตรียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 (Wagner, Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, R. Strauss, G. Wolf, M. Reger) มีความซับซ้อนมากขึ้น วงออเคสตรามีขนาดเพิ่มขึ้น และโน้ตดนตรีก็อิ่มตัวมากเกินไปตามคำแนะนำของผู้เขียนในสาขาความแตกต่าง . ความสนใจของนักดนตรีในประสบการณ์ภายในและภาพลักษณ์อันสูงส่งกำลังทวีความรุนแรงมากขึ้น (โอเปร่า ซาโลเม R. Strauss, 1905) โศกนาฏกรรมและพิสดาร (2 ซิมโฟนีใน c minor โดย Mahler, 1894) แนวโรแมนติกตอนปลายของเยอรมัน "เตรียมพื้นดิน" สำหรับรูปแบบใหม่ - การแสดงออก . บทบาทของบุคลิกภาพของศิลปินมีความเข้มแข็งขึ้น ประสบการณ์ส่วนบุคคลและวิสัยทัศน์เชิงทำนายของโลกมีความสำคัญมากขึ้น “ผู้แต่งค้นพบแก่นแท้ภายในของโลกและแสดงออกถึงภูมิปัญญาที่ลึกซึ้งที่สุดในภาษาที่จิตใจของเขาไม่เข้าใจ เหมือนคนนอนไม่หลับสรุปเกี่ยวกับสิ่งที่เธอไม่รู้ในสภาวะตื่น” (อ. โชเปนเฮาเออร์) แนวความคิดเกี่ยวกับโลกาภิวัตน์ทางดนตรีเริ่มได้รับการตระหนักรู้แล้ว: “ดนตรีสามารถส่งข้อความเชิงทำนายที่เผยให้เห็นรูปแบบชีวิตที่สูงขึ้นซึ่งมนุษยชาติกำลังเคลื่อนตัวไป” ด้วยเหตุนี้ เธอจึง “ดึงดูดผู้คนจากทุกเชื้อชาติและวัฒนธรรม” (A. Schoenberg, บทความ เกณฑ์การประเมินดนตรี).

บรรยากาศชีวิตทางวัฒนธรรมในประเทศเยอรมนีและออสเตรียเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เต็มไปด้วยลางสังหรณ์อันน่าเศร้าของสงครามโลกครั้งที่สองในอนาคต ที่นี่การทำลายความคิดวรรณยุกต์ของยุคก่อน ๆ อย่างมีสติซึ่งเป็นพื้นฐานของภาษาดนตรีของคลาสสิกและโรแมนติก

การปฏิเสธศูนย์วรรณยุกต์ (โทนิค) ที่เห็นได้ชัดเจนในพื้นที่หนึ่งของงานและการดึงดูดของโทนเสียงและความประสานกันอื่น ๆ นั้นถูกสร้างขึ้นโดยกระบวนการโครมาไนเซชันของซีรีย์เสียงการปลดปล่อยของทั้งสิบสองครึ่งเสียงของ ระดับอารมณ์ ยาชูกำลังเป็นการสนับสนุนทางดนตรีและจิตวิทยาที่มั่นคง (สุดท้าย) ความรู้สึกของการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องของเสียงที่ไม่เสถียรความตึงเครียดทางจิตวิทยาของการรอยาชูกำลังที่ไม่มีอยู่จริงทวีความรุนแรงมากขึ้น น้ำเสียงเกริ่นนำจะเข้มข้นขึ้น ซึ่งจะถ่ายโอนความไม่ต่อเนื่องอันหนึ่งไปยังอีกอันหนึ่ง - จากคีย์ใหม่ มีการสร้างความเท่าเทียมกันของยาชูกำลังที่เป็นไปได้ซึ่งไม่ต้องการสิ่งใดเลย เทคนิคนี้เป็นลักษณะเฉพาะของวากเนอร์และนักประพันธ์เพลงหลังโรแมนติก (R. Strauss, A. Bruckner) นำไปสู่การเกิดขึ้น สิบโทเดคาโฟนี(สว่าง - "สิบสองเสียง") - "ระบบสิบสองเสียงมีความสัมพันธ์กันเท่านั้น" ตามที่กำหนดโดยผู้ก่อตั้ง Arnold Schoenberg นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย นอกจากนี้เขายังรับผิดชอบในการสร้างสรรค์รูปแบบใหม่ของ "การร้องเพลงด้วยคำพูด" หรือ "การร้องเพลงด้วยการพูด" ("สปรัชเกซัง") โดยที่ไม่มีความสูงของโทนเสียงที่แน่นอน ผู้ติดตามวิธีโดเดคาโฟนิก (หรือ "เทคนิคซีรีส์") ได้ก่อตั้งโรงเรียนเวียนนาแห่งใหม่ (Schoenberg และนักเรียนของเขา Alban Berg (1885–1935) และ Anton Webern) เนื่องจากทั้ง 12 โทนเสียงอยู่ในมาตราส่วน ได้รับการประกาศว่าเท่าเทียมกัน วิธีการสร้างดนตรีแบบโดเดคาโฟนิกนั้นมีพื้นฐานมาจาก "หน่วยที่มีความหมาย" ใหม่ ซึ่งแต่ละโทนเสียงของแต่ละคนจะกลายเป็น โทนสีและการผสมผสานของโทนสีต่างๆ ( ชุด) แต่ไม่ใช่ท่วงทำนองไม่ใช่คอมเพล็กซ์ไพเราะ - ฮาร์โมนิกเริ่มทำหน้าที่ของ "ธีมดนตรี" การแสดงออกของธีมดังกล่าวทำได้โดยใช้เทคนิคที่จำกัดการใช้โทนเสียงและซีรีส์ซ้ำๆ ดนตรีเริ่มแสดงอารมณ์ของการสูญเสีย ความวิตกกังวล ความโกลาหล การกระจายตัวของจิตสำนึก - สัญญาณของการแสดงออก ความเชื่อของนักดนตรีแนวแสดงออกแสดงออกผ่านคำพูดของ Schoenberg: “ศิลปะคือเสียงร้องของผู้ที่ต่อสู้กับโชคชะตา” เทคนิคต่อเนื่องพบว่ามีรูปลักษณ์ทางศิลปะสูงในบทเพลงหลังสงครามของ Schoenberg ผู้รอดชีวิตจากวอร์ซอ(พ.ศ. 2490) คอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา ( ในความทรงจำของนางฟ้า, 1935) และโอเปร่าของ Berg ( วอซเซค, 1925) งานของ Webern เปิดเผยคุณลักษณะของ pointillism ทางดนตรีเมื่อ "ความสำคัญ" ในการพัฒนาทางดนตรีลดลงเหลือเพียงการเปลี่ยนแปลงของโทนเสียงเท่านั้น - ระยะเวลาเสียงต่ำและการระบายสีแบบไดนามิก ผลงานมีความโดดเด่นด้วยความกะทัดรัดที่ไม่เคยมีมาก่อน (ระยะเวลารวมของผลงานทั้ง 31 ชิ้นของ Webern คือเวลาเล่นสามชั่วโมง) และความอิ่มตัวของน้ำเสียงดนตรี (จุด) "ข้อมูล" ที่รุนแรง หลักการของเทคนิคการเขียนแบบอนุกรม (วิธีแบบสิบสองโทเดคาโฟนีแบบขยาย) จะครอบงำผลงานของนักประพันธ์เพลงหลายคน

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ปรากฏการณ์กำลังเกิดขึ้นในยุโรปซึ่งสร้างเงื่อนไขเบื้องต้นสำหรับลัทธิเปรี้ยวจี๊ด ผู้แต่งหันไปใช้เสียงดนตรี จังหวะ น้ำเสียงที่ไม่ธรรมดา (นิทานพื้นบ้าน แจ๊ส เครื่องดนตรีตะวันออกที่แปลกใหม่ เสียงรบกวน) ขยายขอบเขตของเนื้อหาดนตรีและเพิ่มคลังแสงของวิธีการที่ใช้ มีการสังเกตการอัปเดตพิเศษในพื้นที่ของจังหวะซึ่งจะรุนแรงขึ้น, ก้าวร้าวมากขึ้น, มีความหลากหลายมากขึ้นในตัวละครและอิ่มตัวด้วยองค์ประกอบของความแปลกใหม่และคร่ำครึ ความสนใจในแนวเต้นรำ พลาสติก เวที และออราทอริโอกำลังเพิ่มขึ้น ตำนาน เทพนิยาย และดนตรีพื้นบ้านที่แท้จริง (หรือมีสไตล์) กลายเป็นวัตถุดิบในการสร้างสรรค์ผลงานใหม่โดยใช้เทคนิคการเขียนสมัยใหม่ ทิศทางคติชนใหม่ (นีโอ - คติชนวิทยา) เป็นที่ต้องการของ Igor Stravinsky, Bela Bartok และ Carl Orff

สัญลักษณ์ที่มีลักษณะเฉพาะของเวลาคือนักแต่งเพลงหลายคน "ลอง" ตัวเองในรูปแบบต่างๆ โดยเลือกใช้เทคนิคอย่างใดอย่างหนึ่งในช่วงเวลาที่แตกต่างกันของงาน: จาก "คติชนรัสเซีย" (บัลเล่ต์ยุคแรก ฤดูใบไม้ผลิอันศักดิ์สิทธิ์, ไฟร์เบิร์ด, พาสลีย์จัดแสดงในปารีสในปี พ.ศ. 2453-2456) – ไปจนถึงโพลีสไตลิสต์ (บัลเล่ต์ ปุลซิเนลลา, 1920) และนีโอคลาสสิก ( ซิมโฟนีแห่งสดุดี, พ.ศ. 2491 และ บทสวดงานศพ, 1966) – นี่คือกลุ่มผลิตภัณฑ์ของ Igor Stravinsky บางครั้งสไตล์ที่แตกต่างกันจะรวมกันเป็นเรียงความเดียวในรูปแบบของวิธีการสร้างสรรค์แบบพิเศษ - โพลีสไตลิสต์ ต้นกำเนิดของมันคือนักแต่งเพลงชาวอเมริกัน Charles Ives ซึ่งในการเรียบเรียงเพลงเดียวได้รวมเพลงสดุดี เพลงแร็กไทม์ แจ๊ส เพลงรักชาติและเพลงทำงาน การเดินขบวนของทหาร และการประสานเสียงประสานเสียง เริ่มมีการใช้โพลีสไตลิสประเภทต่างๆ เช่น คำพูด การพาดพิง และภาพต่อกัน

แฟชั่นสำหรับดนตรีที่ไม่มีโทนเสียง (atonal) มีชัย แม้ว่าผู้แต่งบางคนจะไม่ได้ติดตามก็ตาม ในทางตรงกันข้าม บางคนได้ปกป้องความสำคัญทางศิลปะของรากฐานโทนเสียงของทำนองและแสดงความสนใจในลัทธิที่ไม่คลาสสิก ผลงานหลายชิ้นของนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน Paul Hindemith รวมถึงการสอนเรื่องการแต่งเพลงของเขา เน้นย้ำถึงความสำคัญของ (หากไม่ใช่รูปแบบ) อย่างน้อยที่สุดศูนย์กลางโทนเสียงในฐานะวิธีแสดงออกทางดนตรี ไม่สำคัญว่างานจะเขียนเป็นวิชาเอกหรือรอง มันถูกเรียกตามโทนเสียงหลักที่จบ (Symphony in B for winds, 1951; Cycle of Pieces for Piano) ลูดุส โตนาลิส, 1942) การพึ่งพาการคิดแบบ Major-Minor ยังเป็นลักษณะงานของ Honegger, Poulenc, นักแต่งเพลงชาวอิตาลี Alfredo Casella (1883–1947) เป็นต้น

ผลงานของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Olivier Messiaen (1908–1992) โดดเด่นด้วยความคิดริเริ่มด้านโวหาร นักแต่งเพลงสามารถจัดการนวัตกรรมด้านจังหวะและจังหวะที่เขาค้นพบซึ่งเป็นผลมาจากการศึกษาวัฒนธรรมอินเดีย ( ทูรังกาลิลา, 1948) ความคิดทางจิตวิญญาณชั้นสูงเกี่ยวกับธรรมชาติทางเทววิทยาและพระเจ้า เขา “พูด” กับผู้ชมคอนเสิร์ตฮอลล์เกี่ยวกับคุณค่านิรันดร์ในรูปแบบดนตรีที่เรียบง่าย ( พิธีสวดเล็กๆ 3 พิธีเพื่อถวายเป็นพุทธบูชา, 1941, ยี่สิบมุมมองของพระกุมารเยซู, 1944).

ดนตรีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20

วัฒนธรรมในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วยการปฏิเสธเทรนด์สไตล์ก่อนหน้านี้อย่างเห็นได้ชัด เทคนิคการเขียนสิบสองโทนยังคงทันสมัยและเป็นพื้นฐานที่สุดสำหรับนักประพันธ์เพลงต่อเนื่องส่วนใหญ่ในช่วงทศวรรษปี 1940 และ 1950 สิ่งสำคัญสำหรับทศวรรษ 1950 คือปฏิกิริยาต่อซีรีส์ เทคนิคที่แสดงไว้ในบทความโดยนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสและผู้ควบคุมวง Pierre Boulez เชินเบิร์กตายแล้ว!(1952) เช่นเดียวกับนักแต่งเพลงชาวอิตาลี L. Berio ที่วิพากษ์วิจารณ์การสร้างสรรค์ดนตรีโดยใช้ซีรีส์ เนื่องจากวิธีการนี้ "ไม่เกี่ยวข้องกับดนตรีจริง" มรดกทางดนตรีของนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20 มีปรากฏการณ์ที่ขัดแย้งกันมากมาย: นีโอโรแมนติกนิยมและโซโนริซึม, อนุกรมนิยมและอะเลเอทอริซึม, คอนสตรัคติวิสต์อิเล็กทรอนิกส์ และมินิมอลลิสม์ การเกิดขึ้นของลัทธินีโอโรแมนติกนิยม (วงเครื่องสายโดย V. Rome; ซิมโฟนีที่ 2 และคอนแชร์โตครั้งที่ 2 สำหรับเชลโลและวงออเคสตราโดย Krzysztof Penderecki, 1980, 1982; คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและวงออเคสตราโดย Zygmunt Krause, 1985) กลายเป็นการกลับมาอย่างมีสติของนักดนตรีบางคนที่ อุดมคติโรแมนติกในอดีต การปฏิเสธการทดลองทางดนตรีและคอนสตรัคติวิสต์ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีระดับมืออาชีพของศตวรรษที่ 20

การแตกแยกครั้งใหญ่ในประเพณีดนตรีของยุโรปตะวันตกเกิดขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 เมื่อการเคลื่อนไหวที่เรียกว่าเปรี้ยวจี๊ดก่อตัวขึ้นในยุโรปกลาง ผู้บุกเบิกของดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดถือได้ว่าเป็นการแสดงออกที่แตกต่างกันของการค้นหาภาษาดนตรีใหม่ซึ่งรวมเป็นหนึ่งเดียวโดยแนวคิดของการละทิ้งประเพณีก่อนหน้านี้ ในบ้านเกิดของลัทธิแห่งอนาคตในอิตาลี นักแต่งเพลงและจิตรกร Luigi Russolo แถลงการณ์แห่งอนาคตทางดนตรี(1913) เรียกว่า: “ส่งน้ำจากคลองโดยตรงไปยังห้องใต้ดินของพิพิธภัณฑ์และทำให้ท่วม! และปล่อยให้กระแสน้ำพัดพาผืนผ้าใบออกไป!”, “เราไม่สามารถยับยั้งความปรารถนาของเราที่จะสร้างความเป็นจริงใหม่ได้อีกต่อไป ยกเว้นไวโอลิน เปียโน ดับเบิลเบส และออร์แกนที่โศกเศร้า มาทำลายพวกเขากันเถอะ! รุสโซโลประกาศว่าเสียงธรรมชาติหรือเสียงเชิงกลเป็นอุดมคติของความเป็นจริงใหม่ (หนังสือ 2) ศิลปะแห่งเสียงรบกวน, พ.ศ. 2504): “เราจะข้ามเมืองใหญ่โดยลืมตาและหู แล้วเราจะเพลิดเพลินไปกับเสียงน้ำที่เดือดพล่าน อากาศ ก๊าซในท่อโลหะ เสียงรถไฟที่บดขยี้บนรางรถไฟ... เสียงผ้าม่านและธงที่กระพือปีก ในสายลม." แนวคิดนี้รวมอยู่ในผลงานของนักแต่งเพลงชาวอเมริกัน Edgard Varèse (ชาวฝรั่งเศสโดยกำเนิด) ซึ่งอยู่ในผลงานของปี ค.ศ. 1920 ( ปริพันธ์, ไฮเปอร์ปริซึม, ความหนาแน่น) นำเสียงและเสียงต่างๆ มารวมกัน โดยใช้เสียงโรงหล่อ เสียงโรงเลื่อยที่ทำงาน และเสียงต่างๆ เช่น เสียงไซเรน

วิธีการแต่งเพลงแบบใหม่เป็นการทดลองโดยธรรมชาติ เป้าหมายหลักของความคิดสร้างสรรค์คือการค้นหาวิธีการใหม่ในการแสดงออกโดยการ "เชี่ยวชาญ" แหล่งข้อมูลที่สามารถ "สร้าง" แนวคิดเกี่ยวกับ "ดนตรี" ได้: จุดเน้นของความสนใจของผู้แต่งไม่ใช่ช่วงเวลาหรือจังหวะ แต่เป็นเสียง เสียงต่ำ แอมพลิจูด ความถี่ ระยะเวลา รวมถึงสัญญาณรบกวนหยุดชั่วคราว พารามิเตอร์ของโครงสร้างดนตรีเหล่านี้ไม่มีความผูกพันทางชาติพันธุ์หรือระดับชาติ - "เสียงไม่มีความเป็นอเมริกันในธรรมชาติมากไปกว่าอียิปต์" (J. Cage) เนื่องจากเป็นที่ทราบกันดีว่าภาษาของดนตรีหมดลงอย่างสมบูรณ์ เราจึงสามารถ "เริ่มต้นจากจุดเริ่มต้นโดยไม่ต้องมองย้อนกลับไปที่ซากปรักหักพัง" (Stockhausen) การแต่งเพลงกลายเป็น "การสำรวจความเป็นไปได้ในการเชื่อมโยงเรื่องต่างๆ" (György Ligeti) การทดลองทางดนตรีไม่ได้เกี่ยวกับการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะ แต่เป็น "การกระทำที่ไม่สามารถคาดเดาผลลัพธ์ได้" (Cage)

ในแง่หนึ่ง มีการโต้แย้งว่าพื้นฐานของดนตรีคือการคิดแบบวาจา ดังนั้นจึงให้ความสำคัญกับเทคโนโลยีดนตรีเป็นอันดับแรก และ "ลำดับที่เป็นทางการ" ขยาย "ไปสู่ส่วนลึกของดนตรี ไปจนถึงระดับของโครงสร้างจุลภาค" (Boulez) วิธีการทำงานดนตรีที่มีเหตุผลแบบใหม่ดึงดูดผู้คนจำนวนมากที่เกี่ยวข้องกับการศึกษาทางคณิตศาสตร์และกายภาพเทคนิค (Boulez, Milton Babbitt, Pierre Schaeffer, Yanis Xenakis - ผู้ประดิษฐ์คอมพิวเตอร์ของเขาเองสำหรับการสร้างองค์ประกอบอิเล็กทรอนิกส์ด้วยโปรแกรมการแต่งเพลงตามสูตรทางคณิตศาสตร์และกฎหมายทางกายภาพ ). ในทางกลับกัน จอห์น เคจ นักแต่งเพลงชาวอเมริกันผู้หลงใหลในปรัชญาของพุทธศาสนาได้หยิบยกสุนทรียภาพของ "ความเงียบในดนตรี" (หนังสือ ความเงียบ, 1969) พิสูจน์ว่าดนตรีไม่ได้ถูกสร้างขึ้นบนกระดาษ แต่ "เกิดจากความว่างเปล่า จากความเงียบ" ว่า "แม้แต่ความเงียบก็ยังเป็นดนตรี" เขาแปลแนวคิดนี้เป็นบทประพันธ์เงียบที่มีชื่อเสียงของเขา โดยสั่งนักดนตรีให้ “เงียบเป็นเวลา 4 นาที 33 วินาที” ก่อนที่จะเริ่มเล่นเครื่องดนตรี ( ขนาด 4"33"", 1952) "ดนตรีเงียบ" นำไปสู่การสร้างแนวดนตรีใหม่ - โรงละครบรรเลง(ในผลงานของนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน Maurizio Kagel (เกิด พ.ศ. 2474), Stockhausen, นักแต่งเพลงชาวอิตาลี Luciano Berio, พ.ศ. 2468 เป็นต้น)

นักแต่งเพลงหลายคนหันไปหาผลงานของรุ่นก่อนคลาสสิกไม่เพียง แต่เป็นคำพูดทางดนตรีเท่านั้น แต่ยังเป็นการอ้างอิงทางดนตรีถึงผลงานของ Bach, Debussy, Berlioz, Beethoven, Mussorgsky, Stravinsky โดยใช้เทคนิค "การตัดต่อ" (ในผลงานของ คาเกล)

ความสนใจของนักประพันธ์เพลงพื้นบ้านกำลังได้รับคุณสมบัติใหม่ๆ พวกเขาไม่เพียงแต่ปรับปรุงดนตรีพื้นบ้านของตนเองเท่านั้น แต่ยังหันไปหาเอกสารดนตรีที่แท้จริงของวัฒนธรรมที่ไม่ใช่ยุโรปมากขึ้น - ดนตรีชาติพันธุ์และศาสนาของชนชาติต่างๆ การเข้าถึงอย่างกว้างขวางซึ่งได้รับจากความสำเร็จของชาติพันธุ์วรรณนาดนตรีสมัยใหม่ (โดยเฉพาะชาติพันธุ์วิทยาดนตรีอเมริกัน) และ การเดินทางของนักแต่งเพลงไปยังประเทศในแอฟริกาและเอเชียการศึกษา "บนพื้นฐาน" ของการฝึกฝนดนตรีแบบดั้งเดิม (ชาวอเมริกัน - Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley, Jean-Claude Elois ชาวฝรั่งเศส ฯลฯ ) ในงานของนักดนตรีบางคน เทคนิคการเขียนสมัยใหม่ถูกนำมาใช้อย่างประสบความสำเร็จในการแสดงความคิดเห็นทางการเมืองหรือความชอบทางปรัชญาและวัฒนธรรม (oratorio ตายซะอิเร. เพื่อรำลึกถึงเหยื่อของ Auschwitz, พ.ศ. 2510, Penderecki การเรียบเรียงเสียงร้องและอิเล็กทรอนิกส์ ไม่จำเป็นต้องค้าขายมาร์กซ์, พ.ศ. 2511 นักแต่งเพลงชาวอิตาลี Luigi Nono เกิด พ.ศ. 2467)

หนึ่งในบุคคลสำคัญของเปรี้ยวจี๊ดของยุโรปตะวันตกคือนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน Karlheinz Stockhausen ซึ่งในงานหนังสือและผลงานของเขาได้กำหนดบทบาทพิเศษของนักแต่งเพลง:“ ศิลปินสมัยใหม่คือเครื่องรับวิทยุซึ่งมีตัวตนของตัวเอง -ความตระหนักรู้อยู่ในขอบเขตของจิตสำนึกเหนือสำนึก” เขามุ่งมั่นที่จะแสดงแนวคิดเชิงปรัชญาเชิงลึกที่ได้รับแรงบันดาลใจจากความสนใจในลัทธิเวทย์มนต์ของอินเดียโดยใช้การใช้แนวหน้าสมัยใหม่ทุกประเภทอย่างกว้างขวาง ( มันตรา, 1970) ถึงโหราศาสตร์ ( ราศี, พ.ศ. 2518-2519) เป็นการตีความบทบาทเชิงสร้างสรรค์ของเขาอย่างลึกลับ เช่น ความสามารถในการรวบรวมเสียงของจักรวาลหรือตีความเรื่องราวในพระคัมภีร์ (โอเปร่า วันพฤหัสบดีจากแสงสว่าง, 1978–1980, วันเสาร์จากแสง, 1981–1983, วันจันทร์จากแสงสว่าง, 1985–1988).

ความสนใจในการแสดงดนตรีและคอนเสิร์ต เช่น "การแสดง" มีเพิ่มมากขึ้น: นักแสดง การแสดงละครใบ้ เครื่องแต่งกาย เอฟเฟกต์แสงและเสียงเข้ามาเกี่ยวข้อง เงื่อนไขในการแสดงดนตรีในคอนเสิร์ตกำลังเปลี่ยนแปลง เมื่อนักดนตรีสามารถหย่อนตัวเข้าไปในถ้ำเพื่อให้ได้เสียงสะท้อนแบบวงกลม และผู้ฟังสามารถนั่งบนเก้าอี้แขวนเหนือเหวได้ กำลังสร้างห้องแสดงคอนเสิร์ตพิเศษ (Beethoven Hall ในเมือง Bonn, 1970, La Geod hall โครงสร้างในย่านชานเมืองของปารีสในรูปแบบของลูกบอลเหล็กขัดเงากระจกเส้นผ่านศูนย์กลาง 36 ม.) เปิดสตูดิโออิเล็กทรอนิกส์พิเศษที่มีซินธิไซเซอร์ซึ่งกลายเป็นศูนย์กลางนานาชาติสำหรับการสอนดนตรีใหม่ (Center Georges Pompidou ในปารีส) การทดลองทางดนตรีได้รับการยอมรับว่าเป็นเป้าหมายหลักของการสร้างสรรค์ของผู้แต่ง ทศวรรษแห่งดนตรีทดลองนานาชาติครั้งแรกจัดขึ้น (ปารีส พ.ศ. 2501) มีการเปิดและจัดขึ้นหลักสูตรภาคฤดูร้อนระดับนานาชาติสำหรับดนตรีใหม่ในเมืองดาร์มสตัดท์ (ประเทศเยอรมนี) และโรงเรียนดนตรีภาคฤดูร้อนในเมืองดาร์ลิงตัน (บริเตนใหญ่) นักแต่งเพลงไม่เพียงแต่เชี่ยวชาญเทคนิคและวิธีการใหม่ ๆ ในการสร้างดนตรีเท่านั้น แต่ยังบรรยาย เขียนผลงานดนตรีทดลอง วิเคราะห์และแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับผลงานของตนเอง การสร้างดนตรีและการสร้างข้อความเกี่ยวกับเพลงนี้ (ผลงานของ Messiaen, สิ่งพิมพ์หลายเล่มของ Stockhausen, บทความของ Cage ฯลฯ ) เป็นคุณลักษณะเฉพาะของความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 20

กระแสดนตรีแนวหน้าทำให้เกิดดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ ในช่วงต้นทศวรรษ 1950 ความเชี่ยวชาญด้านเสียง เสียงรบกวน และการสร้างเครื่องมืออิเล็กทรอนิกส์ใหม่ๆ ได้เริ่มต้นขึ้น สตูดิโอเพลงอิเล็กทรอนิกส์กำลังถือกำเนิดขึ้น: ในเมืองโคโลญจน์ ที่ซึ่ง Stockhausen เขียน; ในปารีสทางวิทยุฝรั่งเศสซึ่งมีกลุ่มนักวิจัยทำงานอยู่ - Boulez, Messiaen, Pierre Henri, P. Schaeffer ผู้ก่อตั้งทิศทางอิเล็กทรอนิกส์ใหม่ เรียกว่าดนตรีคอนกรีตเป็นครั้งแรก Schaeffer ผู้เขียนสิ่งพิมพ์ สู่การศึกษาดนตรีที่เป็นรูปธรรม(1952) แต่งเพลงให้กับเทปแม่เหล็กในคอนเสิร์ต (Paris, 1948) สร้างโดย Schaeffer ร่วมกับ Henri ซิมโฟนีสำหรับหนึ่งคน(1951) แสดงให้เห็นถึงการแสดงออกทางศิลปะของดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ ขึ้นอยู่กับเอฟเฟกต์เสียงเชิงพื้นที่อิเล็กทรอนิกส์ บทกวีอิเล็กทรอนิกส์ Varese (1958) แสดงใน Phillips Pavilion ในงาน World's Fair โดยใช้ลำโพง 425 ตัว แต่ละช่อง 11 ช่อง การเรียบเรียงของ Cage กลายเป็นผลงานที่โดดเด่นในพื้นที่นี้ ( ครั้งที่ 2 มีนาคม จำนวน 12 วิทยุ, 1951) และสต็อกเฮาเซ่น ( เพลงสวด 1966–1967).

เสียงสะท้อน - ทิศทางที่ทำให้ความสามารถด้านเสียง (เนื้อเสียง) ของศิลปะดนตรีอยู่ในระดับแนวหน้า การแสดงออกของช่วงเวลา (การบรรเทาทำนองไพเราะ) จางหายไปในพื้นหลังทำให้เกิดสีสันและความอิ่มตัวของเสียง เสียงทั้งหมดอาจไม่มีระดับเสียง พื้นที่ของความแตกต่างทางดนตรีและวิธีการสร้างเสียงกำลังขยายตัวอย่างไม่น่าเชื่อ ตอนนี้ “เสียงดนตรีกลายเป็นประเภทที่สำคัญที่สุดในการแต่งเพลง” (Boulez) การทดลองใช้เสียงทำให้เกิดเสียงร่อนผิดปกติ การเล่นเครื่องสายที่สะพาน บนและหลังสะพาน ตีคอ ตัวเปียโน ร้องเพลงขณะหายใจออก กระซิบ ตะโกน ร้องเพลงโดยไม่สั่น เล่นด้วยธนูบนฉาบ หรือไวบราโฟน, เล่นปากเป่า, เสียงถาดเงิน, ถังส้วม ฯลฯ ( บรรยากาศลิเกติ 1961; การชนกันจี-เอ็ม. กูเรตสกี้ 2503; โซโนริสตามธรรมชาติเพนเดเรกกี, 1970) เปียโนที่เตรียมไว้ถูกนำไปใช้จริง โดยที่เคจได้ทำการทดลอง ( หนังสือดนตรีสำหรับเปียโนที่เตรียมไว้ 2 ตัว พ.ศ. 2487) เครื่องดนตรีเปลี่ยนเสียงในกระบวนการเตรียมพิเศษ - การหนีบสายด้วยกุญแจพิเศษการวางวัตถุต่าง ๆ ไว้บนสายหรือสอดระหว่างวัตถุต่าง ๆ (โลหะ, ยาง, ไม้) ฯลฯ

Aleatorics (ละติน: "dice", "lot") เป็นวิธีการที่ทำปฏิกิริยากับองค์ประกอบคงที่ โดยมีการควบคุมวิธีการและพารามิเตอร์ทั้งหมดสำหรับนักแสดง งานจะปรากฏเป็นช่วงเวลาหรือขั้นตอนหนึ่งของกระบวนการจัดองค์ประกอบภาพ ซึ่ง "วิธีการมีความสำคัญมากกว่าผลลัพธ์" (Carl Dahlhouse) ด้วยการมุ่งความสนใจไปที่งานดนตรี นักแสดงและผู้ฟังมีส่วนร่วมในการกระทำบางอย่าง มีส่วนร่วมและแบ่งปัน "ความรับผิดชอบ" ของผู้เขียนสำหรับงานชั่วขณะที่กำลังสร้างขึ้น การฝึกหัดออกเสียงนำไปสู่การสร้างโน้ตดนตรีที่ไม่สมบูรณ์ รูปแบบธรรมดา แผนผัง กราฟิก ข้อความสคริปต์ของรูปภาพ ไม่ได้รับการแก้ไขในการบันทึก "ข้อความ" บนมือถือของการเรียบเรียงดนตรีได้รับโอกาสในการสร้างเวอร์ชันการแสดงใหม่ดำเนินการจัดเรียงส่วนภายในใหม่ ฯลฯ (บูเลซเปียโนโซนาตา 3 – 1957, เวนิสเกมส์ Witold Lutosławski, 1962.) รูปแบบสุดโต่งของการสำแดงของการแสดงอารมณ์ทางเพศกำลังเกิดขึ้น

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 เทคนิคของมินิมัลลิสต์ (ในฝรั่งเศส - ดนตรี "ซ้อม") เกิดขึ้นบนพื้นฐานของการทำซ้ำโครงสร้างเฉพาะเรื่องที่ง่ายที่สุด แต่ในวิธีพิเศษยืมมาจากการสังเกต "การแทรกแซง" ทางเทคนิคในวิศวกรรมวิทยุ ของความคลาดเคลื่อนทางเสียง แนวคิดในการทำงานกับรูปแบบเฉพาะเรื่องที่ง่ายที่สุดถูกเสนอโดย Cage ( การบรรยายเรื่องไม่มีอะไรพ.ศ. 2502) แต่ผู้ก่อตั้งการทดลองใหม่คือ Steve Reich นักแต่งเพลงชาวอเมริกัน ในเรียงความ เพลงลูกตุ้ม(พ.ศ. 2511) “เครื่องดนตรี” หลักกลายเป็นไมโครโฟนแบบแขวน ดึงกลับและแกว่งเหมือนลูกตุ้มในพื้นที่ของระบบเสียง พื้นฐานของการพัฒนาในรูปแบบเรียบง่ายคือเสียงที่ไม่ซิงโครนัสของโมเดลเฉพาะเรื่องเดียวกันในการทำซ้ำที่แน่นอนหรือแก้ไขน้อยที่สุด สิ่งนี้จะสร้างเอฟเฟกต์ของเสียง "มาบรรจบกัน" พร้อมเพรียงกันและเสียง "แตกต่าง" ในเสียงชุดใหญ่ ( เฟสเปียโน, 1967) ในความหมายกว้างๆ มินิมัลลิสต์ในดนตรีเริ่มกำหนดเทคนิคในการสร้างผลงานโดยใช้วิธีการแสดงออกขั้นต่ำ - ร่างอันไพเราะหนึ่งหรือหลายตัวที่พัฒนาโดยใช้เอฟเฟกต์ทางจิตสรีรวิทยา: การทำซ้ำหลายครั้ง การซ้อนทับทางเทคนิค - อะคูสติก การสร้างไดนามิก ความแตกต่าง การเร่งความเร็วจังหวะ ฯลฯ ในอเมริกา สไตล์นี้เรียกอีกอย่างว่า "New York School of Hypnosis" ตัวแทนของคลื่นลูกแรกของความเรียบง่ายคือนักแต่งเพลงชาวอเมริกัน T. Riley, F. Glass, Morton Feldman และคนอื่น ๆ

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 ลัทธิเปรี้ยวจี๊ดหมดแรงไปและมีอิทธิพลต่อวัฒนธรรมดนตรีประเภทอื่น ๆ เช่นดนตรีแจ๊สร็อคเพลงภาพยนตร์ ผลลัพธ์นี้ถือได้ว่าเป็นความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับดนตรีที่พัฒนาโดยคนรุ่นเดียวกัน และทัศนคติใหม่ต่อวัสดุที่ใช้ทำดนตรี ซึ่งปัจจุบันได้รวมรูปแบบทางประวัติศาสตร์และภูมิศาสตร์ที่เป็นที่รู้จักทั้งหมด ตลอดจนเทคโนโลยีเครื่องดนตรีและเสียงที่หลากหลายที่สุด เช่นเดียวกับศิลปะดนตรีชั้นสูงของยุโรป ซึ่งเป็นปรากฏการณ์ของชนชั้นสูง เปรี้ยวจี๊ดจึงสูญหายไปในวัฒนธรรมในชีวิตประจำวัน ซึ่งมีชัยชนะมาจนถึงทุกวันนี้ รูปแบบดนตรีใหม่โดยธรรมชาติของการสร้างดนตรีด้วยความช่วยเหลือของโปรแกรมคอมพิวเตอร์และเทคโนโลยีเสียงสูงทำให้เกิดกิจกรรมดนตรีที่ไม่ใช่เชิงวิชาการรูปแบบใหม่ซึ่งนักดนตรีสมัครเล่นที่เชี่ยวชาญกฎของการสร้างงานดนตรีนอกกำแพงแบบดั้งเดิมสามารถเข้าถึงได้ สถาบันวิชาชีพดนตรี

ทมิฬา จานี-ซาเดห์, วาลิดา เคลเล

วรรณกรรม:

บูชาน อี. ดนตรีแห่งยุคโรโคโคและคลาสสิก. 1934
ดรูสกิน MS ดนตรีคีย์บอร์ดของสเปน อังกฤษ เนเธอร์แลนด์ ฝรั่งเศส อิตาลี เยอรมนี ในศตวรรษที่ 16-18. ล., 1960
สุนทรียศาสตร์ทางดนตรีของยุโรปตะวันตก ยุคกลางและเรอเนซองส์. ม., 1966
เพลงจาก Altertums. มูสิกเกชิชเตในบิลเดิร์น. บด. 2. ไลป์ซิก, 1968
ซัลมาน ดับเบิลยู. Haus-und Kammermusik/ Privates Musizieren im Gesellschaftlichen วันเดล ซวิสเชน 1600 และ 1900 มูสิกเกชิชเตในบิลเดิร์น. ดนตรี der Mittelalters und der Renaissance บด.4 ไลป์ซิก, 1969
ชเนียร์สัน จี. ดนตรีฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 20. ฉบับที่ 2 ม., 1970
Kholopova V.N. ประเด็นด้านจังหวะในผลงานของนักประพันธ์เพลงในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20. ม., 1971
Schwab H.W. คอนเซิร์ต. มูสิกเกชิชเตในบิลเดิร์น ดนตรีของนอยเซท. บด. 4. ไลป์ซิก, 1971
ดรูสกิน MS เกี่ยวกับดนตรียุโรปตะวันตกของศตวรรษที่ 20. ม., 1973
สุนทรียศาสตร์ทางดนตรีของฝรั่งเศส. ม., 1974
Kholopov Yu.N. บทความเกี่ยวกับความสามัคคีสมัยใหม่. ม., 1974
ดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20. วัสดุและเอกสาร ม., 1975
ดูบราฟสกายา ที.เอ็น. ดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศตวรรษที่ 16. ม., 1976
ซัลมาน ดับเบิลยู. Musikleben ใน 16. Jahrhundert. มูสิกเกชิชเตในบิลเดิร์น ดนตรี der Mittelalters und der Renaissance. ลีฟ. 9. ไลป์ซิก, 1976
ลิวาโนวา ที.เอ็น. ดนตรียุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 17-18 ท่ามกลางศิลปะ. ม., 1977
สุนทรียศาสตร์ทางดนตรีของยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 17-18. ม., 1977
ยาโรซินสกี้ เอส. Debussy อิมเพรสชั่นนิสต์และสัญลักษณ์. ม., 1978
โรเซนไชลด์ เค.เค. ดนตรีในฝรั่งเศสในคริสต์ศตวรรษที่ 17 และต้นคริสต์ศตวรรษที่ 18. ม., 1979
ดรูสกิน MS ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรีต่างประเทศ ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19. ม., 1980
Evdokimova Yu.K., Simakova N.A. ดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา. ม., 1982
. เล่มที่ 2 ม. 2525
สุนทรียศาสตร์ทางดนตรีของเยอรมนีในศตวรรษที่ 19. เล่มที่ 1, 2. ม., 2524, 2525
Evdokimova Yu.K. พหูพจน์ของยุคกลางของศตวรรษที่ X-XIV ประวัติความเป็นมาของพฤกษ์. ฉบับที่ 1. ม., 1983
ลิวาโนวา ที.เอ็น. ประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปตะวันตกจนถึงปี ค.ศ. 1789 ศตวรรษที่สิบแปด. เล่มที่ 1. ฉบับที่ 2. ม., 1983
ฟิเลนโก จี.ที. ดนตรีฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20. ล., 1983
ดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20. บทความ ส่วนที่ 2: พ.ศ. 2460-2488 หนังสือ 4 ม. 2527
โบโกยาฟเลนสกี้ เอส.เอ็น. ดนตรีอิตาลีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20. ม., 1986
Zhitomirsky D.V. , Leontyeva O.T. , Myalo K.G. ดนตรีตะวันตกแนวหน้าหลังสงครามโลกครั้งที่สองม., 1989
โคเน็น วี.ดี. ชั้นที่สาม. แนวเพลงใหม่ในดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20. อ., “ดนตรี”, 2537
Lobanova M.N. ดนตรีบาโรกของยุโรปตะวันตก. ม., 1994
บาร์โซวา ไอ.เอ. บทความเกี่ยวกับประวัติความเป็นมาของสัญกรณ์คะแนน (XVI - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18). ม., 1997
โคเน็น วี.ดี. เรียงความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ดนตรีต่างประเทศ. ม., 1997
วัฒนธรรมทางดนตรี: XIX-XX. ฉบับที่ 2 ม. 2545
Saponov M. A. นักดนตรี หนังสือเกี่ยวกับดนตรีของยุโรปยุคกลาง. ม., 2547
Fortunatov Yu.A. การบรรยายประวัติความเป็นมาของรูปแบบออเคสตรา. ม., 2547



YouTube สารานุกรม

1 / 3

, ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจเกี่ยวกับสเปนที่คุณไม่รู้

ú™ วิธีการเต้นแทงโก้ วัฒนธรรมของสเปน ธีมแทงโก้ โรงเรียน NOVA

, , กิจกรรม SFU: การประชุม "วัฒนธรรมและอารยธรรมของสเปนและละตินอเมริกา"

คำบรรยาย

สถาปัตยกรรม

สเปนเป็นประเทศที่สามในโลกในแง่ของจำนวนสถานที่ที่ได้รับการประกาศโดย UNESCO ให้เป็นมรดกโลก ตามหลังเพียงอิตาลีและจีนในการจัดอันดับนี้ ในเมืองต่างๆ ของสเปน พื้นที่ใกล้เคียงทางประวัติศาสตร์ทั้งหมดได้กลายเป็นมรดกโลก

การพัฒนาสถาปัตยกรรมเริ่มต้นด้วยการมาถึงของชาวโรมันบนคาบสมุทรไอบีเรีย ซึ่งทิ้งโครงสร้างที่น่าประทับใจที่สุดบางส่วนของสเปนแบบโรมันไว้เบื้องหลัง การรุกรานของพวกแวนดัล ไซอัน และวิซิกอธที่เกิดขึ้นหลังจากการล่มสลายของจักรวรรดิโรมัน นำไปสู่การลดลงอย่างมากในการใช้เทคโนโลยีที่ชาวโรมันนำมาใช้ และได้นำเทคโนโลยีการก่อสร้างที่เข้มงวดมากขึ้นจำนวนหนึ่งที่มีความสำคัญทางศาสนามาด้วย การปรากฏของชาวมุสลิมในปี 711 ถือเป็นตัวกำหนดการพัฒนาสถาปัตยกรรมมาเป็นเวลาหลายศตวรรษ และนำมาซึ่งความก้าวหน้าทางวัฒนธรรมที่สำคัญ รวมถึงในด้านสถาปัตยกรรมด้วย

ในเวลาเดียวกัน ในอาณาจักรคริสเตียน รูปแบบสถาปัตยกรรมดั้งเดิมค่อย ๆ เริ่มปรากฏและพัฒนา โดยไม่อยู่ภายใต้อิทธิพลของยุโรปในขั้นต้น แต่เมื่อเวลาผ่านไปได้เข้าร่วมกับการเคลื่อนไหวทางสถาปัตยกรรมที่สำคัญของยุโรป - โรมันและกอทิก ซึ่งเจริญรุ่งเรืองอย่างไม่ธรรมดาและทิ้งไว้เบื้องหลังมากมาย ตัวอย่างการก่อสร้างทางศาสนาและพลเรือนทั่วดินแดนสเปน ในเวลาเดียวกันตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 ถึงศตวรรษที่ 17 Mudejar ได้พัฒนารูปแบบสังเคราะห์บางอย่างซึ่งผสมผสานการออกแบบของยุโรปและศิลปะการตกแต่งแบบอาหรับ

จิตรกรรม

บทความหลัก: จิตรกรรมของสเปน

วรรณกรรม

ประวัติศาสตร์วรรณคดีสเปนมีสี่ยุคหลัก:

• ระยะเวลากำเนิด
• ยุครุ่งเรือง - ยุคของ Cervantes, Lope de Vega, Calderon, Alarcon;
• ช่วงเวลาแห่งความเสื่อมถอยและการเลียนแบบ
• ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่สัญญาว่าจะมีการต่ออายุและการออกดอกครั้งที่สองของวรรณคดีสเปน

ยุคกำเนิด (ศตวรรษที่ XII-XV)

งานวรรณกรรมสเปนที่เก่าแก่ที่สุดคือ "The Song of My Cid" ("El cantar de mío Cid") ซึ่งเชิดชูวีรบุรุษแห่งชาติผู้ยิ่งใหญ่ Rodrigo Díaz de Bivar ซึ่งเป็นที่รู้จักในประวัติศาสตร์ภายใต้ชื่อเล่นภาษาอาหรับ "Cid" บทกวีนี้โดยผู้เขียนที่ไม่รู้จักเขียนขึ้นไม่เกินปี 1200 ประเภททั่วไปของช่วงเวลานี้คือ ความรักทางประวัติศาสตร์ พงศาวดารทางประวัติศาสตร์ วรรณกรรมในศาล นวนิยายอัศวิน ความสัมพันธ์ทางการเมือง การทหาร ศาสนา และวรรณกรรมระหว่างสเปนและอิตาลีซึ่งทวีความรุนแรงขึ้นในช่วงครึ่งหลังของคริสต์ศตวรรษที่ 15 มีส่วนทำให้การแลกเปลี่ยนวัฒนธรรมระหว่างทั้งสองประเทศเพิ่มมากขึ้น ซึ่งผลงานของนักเขียนชาวสเปนเริ่มได้รับการแปลและตีพิมพ์ใน อิตาลี และอิตาลีในสเปน การปรากฏตัวของชาวบาเลนเซียสองคนในสำนักงานของสมเด็จพระสันตปาปา Calixtus III และ Alexander VI ได้กระชับความสัมพันธ์ระหว่างแคว้นคาสตีล อารากอน และคาตาโลเนียกับโรมให้แน่นแฟ้นยิ่งขึ้น

รุ่งเรือง (ศตวรรษที่ XVI-XVII)

ช่วงขาลง

ในศตวรรษที่ 20

ด้วยการสถาปนาเผด็จการของฟรังโก การถ่ายภาพยนตร์จึงตกอยู่ภายใต้แรงกดดันด้านการบริหารอย่างรุนแรง กลายเป็นข้อบังคับสำหรับภาพยนตร์ทั้งหมดที่แสดงในประเทศจะต้องมีการพากย์เป็นภาษา Castilian ในช่วงทศวรรษที่ 1940-1950 ผู้กำกับที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ได้แก่ Ignacio F. Iquino, Rafael Gil (Huella de luz, 1941), Juan de Orduña (Locura de amor, 1948), Arturo Roman, José Luis Saenz de Heredia (“Raza”, พ.ศ. 2485 (อิงจากบทของฟรังโกเอง) และเอ็ดการ์ นอยวิลล์ ภาพยนตร์เรื่อง “Fedra” (1956) กำกับโดย Manuel Mur Oti ก็มีความโดดเด่นเช่นกัน

ในทศวรรษที่ 1950 เทศกาลภาพยนตร์สำคัญสองเทศกาลเริ่มเกิดขึ้นในสเปน เมื่อวันที่ 21 กันยายน พ.ศ. 2496 เทศกาลภาพยนตร์ (El Festival de Cine) จัดขึ้นเป็นครั้งแรกในซานเซบาสเตียน ซึ่งไม่มีการหยุดชะงักมาเป็นเวลาหนึ่งปีนับตั้งแต่นั้นมา และในปี 1956 สัปดาห์ภาพยนตร์นานาชาติครั้งแรกก็จัดขึ้นที่เมืองบายาโดลิด (Semana Internacional de Cine - SEMINCI)

ในช่วงการปกครองของฟรังโก ผู้กำกับชาวสเปนจำนวนมากอพยพออกจากประเทศ และบางคนก็กลับมาในช่วงชีวิตของฟรังโก ตัวอย่างเช่น Luis Buñuel Moncho Armendariz อารมณ์ขันอันมืดมนของ Alex de la Iglesia และอารมณ์ขันที่หยาบคายของ Santiago Segura รวมถึงผลงานของ Alejandro Amenábar ในระดับที่โปรดิวเซอร์ José Antonio Félez ในปี 2004 " 5 ภาพยนตร์รวบรวม 50% ของรายได้ทั้งหมด และภาพยนตร์ 8-10 เรื่องคิดเป็น 80% ของรายได้ทั้งหมด” ในปี 1987 Goya Film Award ก่อตั้งขึ้นในประเทศสเปน ซึ่งเป็นการ "ถ่วง" ให้กับรางวัลออสการ์สำหรับภาพยนตร์สเปน