เครื่องมือลมเป็นเครื่องดนตรีประเภทที่เก่าแก่ที่สุดที่มาถึงยุคกลางตั้งแต่สมัยโบราณ อย่างไรก็ตาม ในกระบวนการของการพัฒนาและการก่อตัวของอารยธรรมตะวันตกยุคกลาง ขอบเขตของเครื่องมือลมได้ขยายอย่างมาก: บางส่วน เช่น oliphant เป็นของราชสำนักของขุนนางผู้สูงศักดิ์ อื่นๆ - ขลุ่ย - ใช้ทั้งในพื้นบ้าน สิ่งแวดล้อมและในหมู่นักดนตรีมืออาชีพและอื่น ๆ เช่นทรัมเป็ตกลายเป็นเครื่องดนตรีทางการทหารโดยเฉพาะ

ตัวแทนที่เก่าแก่ที่สุดของเครื่องดนตรีประเภทใช้ลมในฝรั่งเศสน่าจะเป็น fretel (fretel) หรือ "Pan's flute" เครื่อง​มือ​ที่​คล้ายคลึง​กัน​สามารถ​เห็น​ได้​ใน​เครื่อง​จิ๋ว​จาก​สำเนา​ต้น​ศตวรรษ​ที่ 11. ในหอสมุดแห่งชาติปารีส (รูปที่ 1) นี่คือขลุ่ยหลายลำกล้อง ซึ่งประกอบด้วยชุดท่อ (กก กก หรือไม้) ที่มีความยาวต่างกัน โดยปลายด้านหนึ่งเปิดและอีกด้านหนึ่งปิด Fretel มักถูกกล่าวถึงพร้อมกับขลุ่ยประเภทอื่น ๆ ในนวนิยายของศตวรรษที่ XI-XII อย่างไรก็ตามในศตวรรษที่สิบสี่แล้ว เฟรเทลพูดได้เฉพาะเครื่องดนตรีที่เล่นในวันหยุดของหมู่บ้านเท่านั้น มันจึงกลายเป็นเครื่องดนตรีของคนทั่วไป

ขลุ่ย (ฟลุต) ตรงกันข้าม กำลังประสบกับ "การเพิ่มขึ้น": จากเครื่องดนตรีพื้นบ้านทั่วไปไปจนถึงเครื่องดนตรีในคอร์ท ขลุ่ยที่เก่าแก่ที่สุดพบในดินแดนของฝรั่งเศสในชั้นวัฒนธรรม Gallo-Roman (ศตวรรษที่ I-II) ส่วนใหญ่เป็นกระดูก จนถึงศตวรรษที่ 13 ขลุ่ยมักจะเป็นสองเท่าเช่นเดียวกับในขนาดเล็กจากต้นฉบับศตวรรษที่ 10 จากหอสมุดแห่งชาติปารีส (รูปที่ 3) และท่อสามารถมีความยาวเท่ากันหรือต่างกันก็ได้ จำนวนรูบนลำกล้องของขลุ่ยอาจแตกต่างกันไป (จากสี่ถึงหก, เจ็ด) ขลุ่ยมักเล่นโดยนักดนตรี นักเล่นปาหี่ และบ่อยครั้งการเล่นของพวกเขานำหน้าขบวนแห่เคร่งขรึมหรือบุคคลระดับสูงบางคน

นักดนตรียังเป่าขลุ่ยคู่กับแตรที่มีความยาวต่างกัน ขลุ่ยดังกล่าวแสดงบนบทความสั้นจากต้นฉบับศตวรรษที่ 13 (รูปที่ 2). ในภาพขนาดย่อ คุณจะเห็นวงออเคสตราสามคน วงหนึ่งเล่นไวโอลิน ที่สองบนขลุ่ยที่คล้ายกันคล้ายกับคลาริเน็ตสมัยใหม่ ครั้งที่สามฟาดแทมบูรีนทรงสี่เหลี่ยมซึ่งทำด้วยหนังหุ้มกรอบ ตัวละครที่สี่เทไวน์ให้นักดนตรีทำให้สดชื่น วงออร์เคสตราที่คล้ายกันของขลุ่ย กลอง และไวโอลิน มีอยู่ในหมู่บ้านของฝรั่งเศสจนถึงต้นศตวรรษที่ 19

ในศตวรรษที่สิบห้า ขลุ่ยที่ทำจากหนังต้มเริ่มปรากฏขึ้น ยิ่งไปกว่านั้น ตัวขลุ่ยนั้นอาจเป็นได้ทั้งแบบกลมและแบบแปดเหลี่ยมในภาคตัดขวาง และไม่เพียงแต่แบบตรงเท่านั้น แต่ยังเป็นลอนอีกด้วย เครื่องมือที่คล้ายกันได้รับการเก็บรักษาไว้ในคอลเล็กชั่นส่วนตัวของนายโฟ (รูปที่ 4) ความยาว 60 ซม. ที่จุดที่กว้างที่สุด เส้นผ่านศูนย์กลาง 35 มม. ลำตัวเป็นหนังต้มสีดำ หัวตกแต่งทาสี ขลุ่ยดังกล่าวทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับการสร้างท่อเซอร์แพน ขลุ่ย Serpan ถูกนำมาใช้ทั้งในพิธีศักดิ์สิทธิ์ในโบสถ์และในงานเฉลิมฉลองทางโลก ขลุ่ยขวางและแฟลกจีโอเล็ต ถูกกล่าวถึงครั้งแรกในตำราของศตวรรษที่ 14

เครื่องดนตรีประเภทลมอีกประเภทหนึ่งคือปี่ นอกจากนี้ยังมีหลายประเภทในยุคกลางของฝรั่งเศส นี่คือเชฟเรตต์ - เครื่องมือลมประกอบด้วยถุงหนังแพะ ท่อลม และ duda นักดนตรีที่เล่นเครื่องดนตรีนี้ (รูปที่ 6) ปรากฎอยู่ในต้นฉบับของศตวรรษที่ 14 "The Romance of the Rose" จากหอสมุดแห่งชาติปารีส บางแหล่งแยกเชฟเร่ต์และปี่ปี่ ในขณะที่คนอื่นเรียกเชฟเร่ต์ว่า "ปี่น้อย" เครื่องมือนี้ซึ่งมีลักษณะที่ชวนให้นึกถึงเชฟเร่ต์มากในศตวรรษที่ 19 พบกันในหมู่บ้านของจังหวัดเบอร์กันดีและลีมูซินของฝรั่งเศส

ปี่สก็อตอีกประเภทหนึ่งคือ horo หรือ horum (choro) ตามคำอธิบายที่พบในต้นฉบับจากวัดเซนต์. Vlasia (ศตวรรษที่ IX) เป็นเครื่องลมที่มีท่อสำหรับจ่ายอากาศและแตรและท่อทั้งสองอยู่ในระนาบเดียวกัน (เป็นความต่อเนื่องของกันและกัน) ตรงกลางของโหระพามีช่องเก็บอากาศ ทำจากหนังแต่งตัว และมีรูปร่างเป็นทรงกลมสมบูรณ์แบบ เนื่องจากผิวของ "ถุง" เริ่มสั่นเมื่อนักดนตรีเป่าเข้าไปในโฮโร เสียงจึงค่อนข้างสั่นและแหลม (รูปที่ 6)

ปี่สก็อต (coniemuese) ชื่อภาษาฝรั่งเศสสำหรับเครื่องดนตรีนี้มาจากภาษาละติน corniculans (มีเขา) และพบได้ในต้นฉบับตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 เท่านั้น ทั้งรูปลักษณ์และการใช้งานในยุคกลางของฝรั่งเศสไม่แตกต่างจากปี่สก็อตดั้งเดิมที่เรารู้จัก ดังที่เห็นได้จากภาพต้นฉบับจากศตวรรษที่ 14 (รูปที่ 9)

เขาและเขา (corne) เครื่องมือลมทั้งหมดเหล่านี้ รวมถึงเขาโอลิฟานท์ที่ยิ่งใหญ่ แตกต่างกันเล็กน้อยในด้านการออกแบบและการใช้งาน พวกเขาทำจากไม้ หนังต้ม งาช้าง เขาและโลหะ พวกเขามักจะสวมใส่บนเข็มขัด ช่วงของเสียงแตรไม่กว้าง แต่เป็นนักล่าแห่งศตวรรษที่สิบสี่ มีการเล่นท่วงทำนองง่าย ๆ ที่ประกอบด้วยสัญญาณบางอย่าง อย่างที่เราได้กล่าวไปแล้วนั้นถูกสวมเป็นครั้งแรกที่เอว จากนั้นจนถึงศตวรรษที่ 16 บนสลิงพาดไหล่ มักจะพบจี้ที่คล้ายกันในภาพ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในหนังสือเกี่ยวกับการล่าสัตว์ของ Gaston Phoebe (รูปที่ 8) เขาล่าสัตว์ของขุนนางผู้สูงศักดิ์เป็นสิ่งที่ล้ำค่า ดังนั้นซิกฟรีดใน "เพลงของ Nibelungs" จึงนำเขาทองคำแห่งฝีมือดีติดตัวไปกับเขาเพื่อตามล่า

แยกจากกัน ควรพูดเกี่ยวกับสิ่งมีชีวิต - เขาขนาดใหญ่ที่มีวงแหวนโลหะที่ทำขึ้นโดยเฉพาะเพื่อให้สามารถแขวนโอลีฟานท์ไว้ทางด้านขวาของเจ้าของได้ พวกเขาทำช้างเผือกจากงาช้าง ใช้ในการล่าสัตว์และในระหว่างการปฏิบัติการทางทหารเพื่อส่งสัญญาณการเข้าใกล้ของศัตรู ลักษณะเด่นของโอลีฟานท์คือมันสามารถเป็นของนายทหารผู้มีอำนาจเท่านั้นซึ่งมีผู้อยู่ใต้บังคับบัญชาเป็นขุนนาง ลักษณะกิตติมศักดิ์ของเครื่องดนตรีนี้ได้รับการยืนยันโดยประติมากรรมของศตวรรษที่ 12 จากโบสถ์ในวัดใน Vaselles ที่ซึ่งทูตสวรรค์ถูกวาดด้วยสีโอลีฟานที่ด้านข้าง ประกาศการประสูติของพระผู้ช่วยให้รอด (รูปที่ 13)

เขาล่าสัตว์นั้นแตกต่างจากที่ใช้โดยนักดนตรี หลังใช้เครื่องมือที่มีการออกแบบที่ล้ำหน้ากว่า บนเมืองหลวงของเสาจากโบสถ์เดียวกันใน Vaselles มีการแสดงดนตรี (รูปที่ 12) กำลังเล่นแตรซึ่งไม่เพียง แต่ทำรูตามท่อ แต่ยังรวมถึงระฆังด้วยซึ่งทำให้สามารถ ปรับเสียงให้มีความดังมากขึ้นหรือน้อยลง

ท่อถูกแสดงโดยท่อจริง (trompe) และท่อโค้งยาวมากกว่าหนึ่งเมตร Elderberry ทำมาจากไม้ หนังต้ม แต่ส่วนใหญ่มักจะทำมาจากทองเหลือง ดังที่เห็นได้ในฉบับย่อจากต้นฉบับของศตวรรษที่ 13 (รูปที่ 9) เสียงของพวกเขาคมและดังมาก และเนื่องจากได้ยินมาแต่ไกล ผู้อาวุโสจึงถูกใช้ในกองทัพเพื่อปลุกตอนเช้า พวกเขาส่งสัญญาณให้ย้ายค่าย แล่นเรือ พวกเขายังประกาศการมาถึงของราชวงศ์ ดังนั้นในปี 1414 การเข้าสู่ปารีสของ Charles VI จึงถูกประกาศด้วยเสียงของผู้เฒ่า เนื่องจากความดังพิเศษของเสียงในยุคกลาง เชื่อกันว่าเมื่อเล่นเอลเดอร์เบอร์รี่ ทูตสวรรค์จะประกาศการเริ่มต้นของวันแห่งการพิพากษา

ทรัมเป็ตเป็นเครื่องดนตรีทางการทหารเท่านั้น เธอทำหน้าที่สร้างขวัญกำลังใจในกองทัพ รวบรวมกำลังพล ท่อมีขนาดเล็กกว่าเอลเดอร์เบอร์รี่และเป็นท่อโลหะ (ตรงหรืองอหลายครั้ง) โดยมีเบ้าเสียบที่ปลายท่อ คำนี้ปรากฏขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 15 แต่เครื่องมือประเภทนี้ (ท่อตรง) ถูกใช้ในกองทัพตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบสี่ รูปร่างของท่อเปลี่ยนไป (ร่างกายโค้งงอ) และตัวท่อนั้นจำเป็นต้องตกแต่งด้วยธงที่มีเสื้อคลุมแขน (รูปที่ 7)

ท่อชนิดพิเศษ - พญานาค (พญานาค) - ทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับเครื่องมือลมที่ทันสมัยมากมาย ในคอลเลกชันของนายโฟมีเคียว (รูปที่ 10) ทำจากหนังต้มสูง 0.8 ม. และยาวรวม 2.5 ม. นักดนตรีถือเครื่องดนตรีด้วยมือทั้งสองข้างในขณะที่มือซ้ายถือ ส่วนโค้ง (A) และนิ้วของมือขวาข้ามรูที่ทำขึ้นที่ส่วนบนของเคียว เสียงเซอร์แพนนั้นทรงพลัง เครื่องมือลมนี้ถูกใช้ทั้งในวงดนตรีทางการทหารและในพิธีในโบสถ์

อวัยวะ (orgue) ค่อนข้างแตกต่างในตระกูลเครื่องลม เครื่องมือแป้นเหยียบแป้นคีย์บอร์ดนี้ซึ่งมีชุดท่อหลายสิบท่อ (รีจิสเตอร์) ที่ติดตั้งเสียงโดยเครื่องเป่าลมที่เป่าลม ปัจจุบันสัมพันธ์กับอวัยวะที่อยู่กับที่ขนาดใหญ่เท่านั้น - โบสถ์และคอนเสิร์ต (รูปที่ 14) อย่างไรก็ตามในยุคกลางบางทีเครื่องดนตรีชนิดนี้อีกชนิดหนึ่งคือออร์แกนมือ (orgue de main) เป็นที่แพร่หลายมากขึ้น มันขึ้นอยู่กับ "ขลุ่ยของแพน" ซึ่งได้รับเสียงโดยใช้ลมอัดซึ่งเข้าสู่ท่อจากถังที่มีช่องเปิดปิดโดยวาล์ว อย่างไรก็ตามในสมัยโบราณในเอเชียกรีกโบราณและโรมรู้จักอวัยวะขนาดใหญ่ที่มีการควบคุมด้วยไฮดรอลิก ทางทิศตะวันตก เครื่องดนตรีเหล่านี้ปรากฏเฉพาะในศตวรรษที่ 8 และแม้กระทั่งเป็นของขวัญที่มอบให้กับกษัตริย์ตะวันตกจากจักรพรรดิแห่งไบแซนไทน์ (Constantine V Copronymus ส่งอวัยวะดังกล่าวเป็นของขวัญให้ Pepin the Short และ Konstantin Curopolat ถึง Charlemagne และ Louis the ดี).

ภาพอวัยวะของมือปรากฏในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 10 เท่านั้น นักดนตรีใช้มือขวาคัดแยกกุญแจ และมือซ้ายกดเครื่องสูบลมเพื่อสูบลม เครื่องดนตรีนี้มักจะอยู่ที่หน้าอกหรือท้องของนักดนตรี ในอวัยวะแบบ manual มักจะมีท่อแปดท่อและแปดปุ่มตามลำดับ ในช่วงศตวรรษที่ 13-14 อวัยวะของมือแทบไม่เปลี่ยนแปลง แต่จำนวนท่ออาจแตกต่างกันไป เฉพาะในศตวรรษที่ 15 เท่านั้นที่มีท่อแถวที่สองและคีย์บอร์ดคู่ (สี่รีจิสเตอร์) ปรากฏขึ้นในอวัยวะที่ควบคุมด้วยมือ ท่อเคยเป็นโลหะ ออร์แกนด้วยมือของงานเยอรมันในศตวรรษที่ 15 มีอยู่ในมิวนิก Pinotek (รูปที่ 15)

อวัยวะของมือเริ่มแพร่หลายในหมู่นักดนตรีที่เดินทางซึ่งสามารถร้องเพลงไปพร้อมกับเครื่องดนตรีได้ พวกเขาฟังในจัตุรัสกลางเมือง ในวันหยุดของหมู่บ้าน แต่ไม่เคยอยู่ในโบสถ์

อวัยวะต่างๆ ที่เล็กกว่าในโบสถ์ แต่มีมากกว่าแบบใช้มือ ในคราวเดียวถูกวางไว้ในปราสาท (เช่น ที่ศาลของ Charles V เป็นต้น) หรือสามารถติดตั้งบนชานชาลาริมถนนในระหว่างพิธีการอันเคร่งขรึม ดังนั้นอวัยวะที่คล้ายกันหลายอย่างจึงดังขึ้นในปารีสเมื่ออิซาเบลลาแห่งบาวาเรียเข้ามาในเมืองอย่างเคร่งขรึม

กลอง

บางทีอาจไม่มีอารยธรรมใดที่ไม่ได้ประดิษฐ์เครื่องดนตรีที่คล้ายกับกลอง ผิวหนังที่แห้งเหยียดอยู่บนหม้อหรือท่อนซุงที่มีโพรง - นั่นคือกลองแล้ว อย่างไรก็ตาม ถึงแม้ว่ากลองจะรู้จักกันมาตั้งแต่อียิปต์โบราณ แต่ก็มีการใช้กลองเพียงเล็กน้อยในยุคกลางตอนต้น ตั้งแต่สมัยสงครามครูเสดเท่านั้นที่มีการกล่าวถึงกลอง (กลอง) เป็นประจำ และเริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 ภายใต้ชื่อนี้มีเครื่องดนตรีหลากหลายรูปแบบ: ยาว ดับเบิล แทมบูรีน ฯลฯ ภายในสิ้นศตวรรษที่ 12 เครื่องดนตรีชิ้นนี้ซึ่งส่งเสียงในสนามรบและในห้องจัดเลี้ยงได้ดึงดูดความสนใจของนักดนตรีไปแล้ว ในขณะเดียวกันก็แพร่หลายมากจนในศตวรรษที่ 13 Trouvers ที่อ้างว่ารักษาประเพณีโบราณในงานศิลปะของพวกเขา บ่นเกี่ยวกับ "อำนาจเหนือ" ของกลองและแทมบูรีน ซึ่งกำลังเข้ามาแทนที่เครื่องดนตรีที่ "มีเกียรติกว่า"

กลองและกลองไม่เพียงแต่มาพร้อมกับการร้องเพลง การแสดงของคณะเท่านั้น แต่ยังถูกหยิบขึ้นมาโดยนักเต้น นักแสดง นักเล่นปาหี่ ผู้หญิงรำรำพร้อมกับรำรำรำรำรำรำรำรำรำยงำนรำรำ ในเวลาเดียวกัน กลอง (กลอง บอสเควย์) ถือด้วยมือข้างหนึ่ง และอีกมือหนึ่ง ตีเป็นจังหวะฟรี บางครั้งนักเป่าขลุ่ยเล่นขลุ่ยพร้อมกับกลองหรือกลองซึ่งพวกเขารัดที่ไหล่ซ้ายด้วยสายรัด นักดนตรีบรรเลงขลุ่ยพร้อมกับร้องเพลงพร้อมกับจังหวะกลองที่เขาทำขึ้นด้วยศีรษะของเขาดังที่เห็นได้จากงานประติมากรรมของศตวรรษที่ 13 จากด้านหน้าของ House of Musicians ใน Reims (รูปที่ 17)

ตามรูปปั้นของ House of Musicians, Saracen หรือกลองคู่ก็รู้จักเช่นกัน (รูปที่ 18) ในยุคของสงครามครูเสด พวกเขาพบการกระจายในกองทัพ เนื่องจากติดตั้งได้ง่ายบนอานม้าทั้งสองข้าง

เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันอีกประเภทหนึ่งที่พบได้ทั่วไปในยุคกลางในฝรั่งเศสคือ timbre (tymbre, cembel) - สองซีกโลกและต่อมา - แผ่นโลหะที่ทำจากทองแดงและโลหะผสมอื่น ๆ ที่ใช้ในการตีจังหวะและการเต้นรำประกอบเป็นจังหวะ ในต้นฉบับลิโมจส์ของศตวรรษที่ 12 จากหอสมุดแห่งชาติปารีส นักเต้นแสดงด้วยเครื่องดนตรีนี้ (รูปที่ 14) ภายในศตวรรษที่ 15 หมายถึงชิ้นส่วนของประติมากรรมจากแท่นบูชาจากโบสถ์วัดใน O ซึ่งใช้เสียงต่ำในวงออเคสตรา (รูปที่ 19)

Timbre ควรมีฉาบ (ฉิ่ง) ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่เป็นวงแหวนที่มีท่อทองแดงบัดกรีอยู่ ที่ปลายเสียงระฆังดังขึ้นเมื่อเขย่า ภาพของเครื่องดนตรีนี้เป็นที่รู้จักจากต้นฉบับของศตวรรษที่ 13 จาก Abbey of Saint Blaise (รูปที่ 20) ฉาบเป็นเรื่องธรรมดาในฝรั่งเศสในช่วงยุคกลางตอนต้นและถูกใช้ทั้งในชีวิตฆราวาสและในโบสถ์ - พวกเขาได้รับเครื่องหมายเพื่อเริ่มการสักการะ

ระฆัง (chochettes) ยังเป็นเครื่องเคาะจังหวะในยุคกลางอีกด้วย พวกเขาแพร่หลายมากระฆังดังขึ้นในคอนเสิร์ตพวกเขาเย็บเป็นเสื้อผ้าแขวนจากเพดานในบ้าน - ไม่ต้องพูดถึงการใช้ระฆังในโบสถ์ ... การเต้นรำมาพร้อมกับระฆังและมีตัวอย่างนี้ - ภาพบนจิ๋วย้อนไปถึงต้นศตวรรษที่ 10! ในชาตร์ เซนส์ ปารีส บนประตูทางเข้ามหาวิหาร คุณจะพบภาพนูนต่ำนูนต่ำที่ผู้หญิงคนหนึ่งตีระฆังห้อยเป็นสัญลักษณ์ทางดนตรีในตระกูลศิลปศาสตร์ กษัตริย์ดาวิดทรงเล่นระฆัง ดังที่เห็นได้จากคัมภีร์ไบเบิลฉบับย่อของศตวรรษที่ 13 เขาเล่นโดยใช้ค้อนช่วย (รูปที่ 21) จำนวนของระฆังอาจแตกต่างกันไป - โดยปกติตั้งแต่ห้าถึงสิบหรือมากกว่า

ระฆังตุรกี - เครื่องดนตรีทางการทหาร - เกิดในยุคกลางเช่นกัน (บางคนเรียกว่าฉิ่งระฆังของตุรกี)

ในศตวรรษที่สิบสอง แฟชั่นสำหรับระฆังหรือกระดิ่งที่เย็บติดเสื้อผ้าเริ่มแพร่หลาย พวกเขาถูกใช้โดยทั้งผู้หญิงและผู้ชาย ยิ่งกว่านั้นหลังไม่ได้เลิกกับแฟชั่นนี้มาเป็นเวลานานจนกระทั่งศตวรรษที่สิบสี่ จากนั้นก็เป็นธรรมเนียมในการตกแต่งเสื้อผ้าด้วยโซ่ทองหนา ๆ และผู้ชายก็มักจะห้อยระฆังจากพวกเขา แฟชั่นนี้เป็นสัญญาณของการเป็นของขุนนางศักดินาสูง (รูปที่ 8 และ 22) - ขุนนางผู้น้อยและชนชั้นนายทุนถูกห้ามไม่ให้สวมระฆัง แต่แล้วในศตวรรษที่สิบห้า ระฆังยังคงอยู่บนเสื้อผ้าของตัวตลกเท่านั้น วงออร์เคสตราของเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันนี้ยังคงดำเนินต่อไปจนถึงทุกวันนี้ และเขาก็ไม่ได้เปลี่ยนแปลงอะไรมากตั้งแต่นั้นมา

สายธนู

ในบรรดาเครื่องสายที่โค้งคำนับในยุคกลางทั้งหมด วิโอลา (vièle) เป็นเครื่องสายที่มีเกียรติและยากที่สุดในการแสดง ตามคำอธิบายของนักบวชโดมินิกันเจอโรมแห่งโมราเวียในศตวรรษที่สิบสาม ไวโอลินมีห้าสาย แต่ภาพย่อก่อนหน้านี้แสดงเครื่องดนตรีทั้งแบบสามและสี่สาย (รูปที่ 12 และ 23, 23a) ในเวลาเดียวกัน เชือกจะถูกดึงทั้งบน "ม้า" และบนดาดฟ้าโดยตรง พิจารณาจากคำอธิบาย วิโอลาฟังดูไม่ดัง แต่ไพเราะมาก

ประติมากรรมจากด้านหน้าของ House of Musicians น่าสนใจ แสดงให้เห็นนักดนตรีขนาดเท่าตัวจริง (รูปที่ 24) กำลังเล่นวิโอลาสามสาย เนื่องจากสายถูกยืดในระนาบเดียวกัน ธนูที่ดึงเสียงออกจากสายหนึ่งจึงสามารถสัมผัสอีกเส้นได้ "ทันสมัย" สำหรับกลางศตวรรษที่ 13 สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ รูปร่างธนู

ภายในกลางศตวรรษที่สิบสี่ ในฝรั่งเศส รูปทรงของวิโอลาเข้าใกล้กีตาร์สมัยใหม่ ซึ่งอาจช่วยให้เล่นด้วยธนูได้ง่ายขึ้น (รูปที่ 25)

ในศตวรรษที่สิบห้า วิโอลาขนาดใหญ่ปรากฏขึ้น - วิโอลาเดอกัมบ้า พวกเขาเล่นเครื่องดนตรีระหว่างเข่า ในช่วงปลายศตวรรษที่สิบห้า วิโอลาเดอกัมบ้าจะกลายเป็นสายเจ็ดสาย ต่อมา วิโอลา เดอ กัมบา จะถูกแทนที่ด้วยเชลโล วิโอลาทุกประเภทแพร่หลายมากในยุคกลางของฝรั่งเศส โดยเล่นวิโอล่าทั้งในงานเฉลิมฉลองและในยามเย็น

ไวโอลินแตกต่างจากไม้ค้ำยันด้วยการร้อยสายบนซาวด์บอร์ดเป็นสองเท่า ไม่ว่าจะมีกี่สายในเครื่องดนตรียุคกลางนี้ (บนวงกลมที่เก่าที่สุดมีสามสาย) พวกมันจะติดอยู่กับ "ม้า" เสมอ นอกจากนี้ ซาวด์บอร์ดเองก็มีสองรูตามสาย รูเหล่านี้ทะลุผ่านและใช้มือซ้ายผ่านนิ้วมือซึ่งสลับกันกดสตริงไปที่เด็คแล้วปล่อย นักแสดงมักจะถือคันธนูในมือขวาของเขา หนึ่งในการพรรณนาที่เก่าแก่ที่สุดของ kroot พบได้ในต้นฉบับของศตวรรษที่ 11 จากวัด Limoges ของ St. การต่อสู้ (รูปที่ 26) อย่างไรก็ตาม ต้องเน้นว่า กรูท ส่วนใหญ่เป็นเครื่องดนตรีอังกฤษและแซกซอน จำนวนสตริงบนวงกลมเพิ่มขึ้นตามเวลา และถึงแม้จะถือว่าเป็นบรรพบุรุษของเครื่องสายแบบโค้งคำนับ แต่ครุตไม่เคยหยั่งรากในฝรั่งเศส พบมากขึ้นหลังศตวรรษที่ 11 ruber หรือ gigue พบได้ที่นี่

เห็นได้ชัดว่า Gigue (gigue, หัวเราะคิกคัก) ถูกคิดค้นโดยชาวเยอรมันซึ่งมีลักษณะคล้ายกับการละเมิด แต่ไม่มีการสกัดกั้นบนดาดฟ้า จิ๊กเป็นเครื่องดนตรีโปรดของนักร้อง ความสามารถในการแสดงของเครื่องมือนี้ต่ำกว่าวิโอลาอย่างมาก แต่ก็ต้องใช้ทักษะในการทำงานน้อยลงด้วย พิจารณาจากภาพ นักดนตรีเล่นจิ๊ก (รูปที่ 27) ราวกับไวโอลิน วางยุคสมัยไว้บนบ่า ซึ่งสามารถเห็นได้ในบทความสั้นจากต้นฉบับ "The Book of the Wonders of the World" ซึ่งสืบเนื่องมาจาก ต้นศตวรรษที่ 15

Ruber (rubère) - เครื่องสายโค้งคำนับชวนให้นึกถึงภาษาอาหรับ มีรูปร่างคล้ายกับพิณ รูเบอร์มีสายเพียงเส้นเดียวที่ขึงอยู่บน "สันเขา" (รูปที่ 29) เนื่องจากเป็นภาพขนาดย่อในต้นฉบับจากวัดเซนต์ แบลส (ศตวรรษที่ IX) ตามคำกล่าวของเจอโรม โมราฟสกี ในศตวรรษที่สิบสอง - สิบสาม รูเบิร์ตเป็นเครื่องดนตรีสองสายอยู่แล้ว ใช้ในการเล่นทั้งมวล และเป็นผู้นำในส่วนเสียงเบสที่ "ต่ำ" เสมอ Zhig ตามลำดับ - "บน" ดังนั้น ปรากฎว่า monocorde (monocorde) - เครื่องสายแบบโค้งซึ่งทำหน้าที่เป็นต้นกำเนิดของดับเบิลเบสในระดับหนึ่ง - ก็เป็น ruber ชนิดหนึ่งเช่นกันเนื่องจากมันถูกใช้ในวงดนตรีเป็นเครื่องมือที่กำหนด เสียงเบส บางครั้งมันเป็นไปได้ที่จะเล่นโมโนคอร์ดโดยไม่ใช้ธนู ดังที่เห็นได้จากรูปปั้นจากด้านหน้าโบสถ์ในวาเซลเลส (รูปที่ 28)

แม้จะมีการใช้อย่างแพร่หลายและมีหลายพันธุ์ แต่รูเบอร์ก็ไม่ถือว่าเป็นเครื่องมือเท่ากับวิโอลา ทรงกลมของเขา - ค่อนข้างเป็นถนนวันหยุดพื้นบ้าน อย่างไรก็ตาม ยังไม่ชัดเจนว่าเสียงของ ruber จริงๆ แล้วเป็นอย่างไร เนื่องจากนักวิจัยบางคน (Jerome Moravsky) พูดถึงอ็อกเทฟเสียงต่ำ ในขณะที่คนอื่นๆ (Aymeric de Peyrac) อ้างว่าเสียงของ ruber นั้นคมและ "ดัง" คล้ายกับ "เสียงกรี๊ดของผู้หญิง" อย่างไรก็ตามบางทีเรากำลังพูดถึงเครื่องมือในช่วงเวลาต่างๆเช่นศตวรรษที่สิบสี่หรือสิบหก ...

สายดึง

อาจเป็นไปได้ว่าการโต้แย้งว่าเครื่องดนตรีชนิดใดในสมัยโบราณควรได้รับการยอมรับว่าไม่เกี่ยวข้อง เนื่องจากเครื่องสาย พิณ ได้กลายเป็นสัญลักษณ์ของดนตรี ซึ่งเราจะเริ่มเรื่องราวของเครื่องสายที่ดึงออกมา

พิณโบราณเป็นเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายที่มีสายยาวสามถึงเจ็ดสายในแนวตั้งระหว่างเสาสองเสาที่ติดตั้งบนแผ่นเสียงไม้ เครื่องสายของพิณนั้นใช้นิ้วหรือเล่นโดยใช้เครื่องสะท้อนเสียงสะท้อน บนภาพย่อจากต้นฉบับของศตวรรษที่ X-XI (รูปที่ 30) ซึ่งจัดเก็บไว้ในหอสมุดแห่งชาติปารีส คุณสามารถเห็นพิณสิบสองสาย รวบรวมเป็นกลุ่มละสามสายและยืดออกไปในระดับความสูงที่แตกต่างกัน (รูปที่ 30ก.) พิณดังกล่าวมักจะมีที่จับแกะสลักสวยงามทั้งสองด้าน ซึ่งเป็นไปได้ที่จะคาดเข็มขัดซึ่งทำให้นักดนตรีเล่นได้ง่ายขึ้น

พิณสับสนในยุคกลางกับซิตาร์ (cithare) ซึ่งปรากฏในกรีกโบราณเช่นกัน เดิมทีเป็นเครื่องดนตรีประเภทหกสาย ตามคำกล่าวของเจอโรมแห่งโมราเวีย ซิตาร์ในยุคกลางนั้นมีรูปร่างเป็นสามเหลี่ยม (แม่นยำกว่านั้น คือมีรูปร่างของตัวอักษร "เดลต้า" ของอักษรกรีก) และจำนวนสตริงบนนั้นแตกต่างกันไปตั้งแต่สิบสองถึงยี่สิบสี่ ซิตาร์ประเภทนี้ (ศตวรรษที่ 9) ปรากฎในต้นฉบับจากวัดเซนต์. วลาเซีย (รูปที่ 31) อย่างไรก็ตาม รูปร่างของเครื่องดนตรีอาจแตกต่างกันไป ภาพของซิตาร์ที่โค้งมนอย่างไม่เป็นระเบียบพร้อมที่จับเป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าจะเปิดเผยเกม (รูปที่ 32) อย่างไรก็ตาม ข้อแตกต่างที่สำคัญระหว่างซิตาร์และสดุดี (ดูด้านล่าง) และเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายแบบดึงสายอื่นๆ ก็คือ การดึงสายบนเฟรมอย่างง่าย ๆ ไม่ใช่บน "ภาชนะที่มีเสียง" บางชนิด

guiterne ยุคกลาง (guiterne) ยังนำต้นกำเนิดมาจาก sitar รูปร่างของเครื่องดนตรีเหล่านี้ก็หลากหลายเช่นกัน แต่มักจะมีลักษณะคล้ายแมนโดลินหรือกีตาร์ (พิณ) การกล่าวถึงเครื่องดนตรีดังกล่าวเริ่มพบได้ตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 และเล่นได้ทั้งผู้หญิงและผู้ชาย gitern มาพร้อมกับการร้องเพลงของนักแสดงแต่พวกเขาเล่นด้วยความช่วยเหลือของ resonator-plectrum หรือไม่ก็ได้ ในต้นฉบับ "The Romance of Troy" โดย Benoit de Saint-Maur (ศตวรรษที่สิบสาม) นักดนตรีร้องเพลงเล่น giter โดยไม่มี plectrum (รูปที่ 34) . ในอีกกรณีหนึ่ง ในนวนิยายเรื่อง "Tristan and Isolde" (กลางศตวรรษที่ 13) มีภาพย่อที่แสดงให้เห็นนักดนตรีประกอบการเต้นรำของสหายของเขาด้วยการเล่น Hytern (รูปที่ 33) สายบน Hytern เหยียดตรง (ไม่มีเมีย) แต่มีรู (ดอกกุหลาบ) บนลำตัว แท่งกระดูกทำหน้าที่เป็นสื่อกลางซึ่งถือด้วยนิ้วโป้งและนิ้วชี้ซึ่งเห็นได้ชัดเจนในรูปปั้นนักดนตรีจากโบสถ์ใน O (รูปที่ 35)

Gitern ซึ่งตัดสินจากภาพที่มีอยู่อาจเป็นเครื่องดนตรีทั้งมวล ฝาโลงศพจากคอลเล็กชั่นของพิพิธภัณฑ์ Cluny (ศตวรรษที่ XIV) เป็นที่รู้จักกันซึ่งประติมากรแกะสลักฉากประเภทที่มีเสน่ห์บนงาช้าง: ชายหนุ่มสองคนกำลังเล่นอยู่ในสวนทำให้หูพอใจ คนหนึ่งมีพิณในมือ อีกคนหนึ่งมีไฮเทิร์น (รูปที่ 36)

บางครั้ง guitern เช่นเดียวกับ sitar ก่อนหน้านี้ถูกเรียกว่า บริษัท (rote) ในยุคกลางของฝรั่งเศสมีสิบเจ็ดสาย บริษัทนี้เล่นโดย Richard the Lionheart ในกรงขัง

ในศตวรรษที่สิบสี่ มีการกล่าวถึงเครื่องดนตรีอื่นที่คล้ายกับ githeron - lute (luth) ภายในศตวรรษที่ 15 ในที่สุดรูปร่างของมันก็เป็นรูปเป็นร่างแล้ว: ตัวนูนมากเกือบครึ่งวงกลมพร้อมรูกลมบนไวโอลิน "คอ" ไม่นาน "หัว" อยู่ที่มุมฉาก (รูปที่ 36) เครื่องดนตรีกลุ่มเดียวกันคือ แมนโดลิน แมนโดรา ซึ่งมีอยู่ในศตวรรษที่ 15 รูปแบบที่หลากหลายที่สุด

พิณ (พิณ) ยังสามารถอวดถึงความเก่าแก่ของแหล่งกำเนิด - ภาพของมันมีอยู่แล้วในอียิปต์โบราณ ในหมู่ชาวกรีก พิณเป็นเพียงรูปแบบของซิตาร์ ในบรรดาเซลติกส์ มันถูกเรียกว่าซัมบัก รูปร่างของพิณไม่เปลี่ยนแปลง: เป็นเครื่องมือที่ใช้ร้อยสายที่มีความยาวต่างกันบนเฟรมในรูปแบบของมุมเปิดไม่มากก็น้อย พิณโบราณมีสายสิบสามสายซึ่งปรับเป็นไดอะโทนิก พวกเขาเล่นพิณไม่ว่าจะยืนหรือนั่งด้วยมือทั้งสองข้างและเสริมความแข็งแกร่งให้กับเครื่องดนตรีโดยให้ขาตั้งแนวตั้งอยู่ที่หน้าอกของนักแสดง ในศตวรรษที่ XII พิณขนาดเล็กที่มีจำนวนสายต่างกันก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน พิณที่มีลักษณะเฉพาะถูกนำเสนอบนประติมากรรมจากด้านหน้าของ House of Musicians ใน Reims (รูปที่ 37) นักเล่นปาหี่ในการแสดงของพวกเขาใช้พวกเขาเท่านั้นและสามารถสร้างพิณทั้งชุดได้ ชาวไอริชและชาวเบรอตงถือเป็นนักเล่นพิณที่ดีที่สุด ในศตวรรษที่สิบหก พิณเกือบจะหายไปในฝรั่งเศสและปรากฏขึ้นที่นี่ในอีกหลายร้อยปีต่อมาในรูปแบบที่ทันสมัย

ควรกล่าวถึงเป็นพิเศษเกี่ยวกับเครื่องดนตรียุคกลางสองชิ้นที่ดึงออกมา เหล่านี้คือแท่นบูชาและกาลักน้ำ

สดุดีโบราณเป็นเครื่องสายรูปสามเหลี่ยมที่คล้ายกับพิณของเรา ในยุคกลางรูปแบบของเครื่องดนตรีเปลี่ยนไป - psalterions สี่เหลี่ยมก็แสดงอยู่ในเพชรประดับ ผู้เล่นถือมันไว้บนตักของเขาและเล่นเครื่องดนตรี 21 สายด้วยนิ้วหรือปิ๊กทรัม (ช่วงของเครื่องดนตรีคือสามอ็อกเทฟ) ผู้ประดิษฐ์บทเพลงสรรเสริญคือกษัตริย์เดวิด ซึ่งตามตำนานเล่าว่าใช้จงอยปากของนกเป็นกระบอกเสียง ภาพย่อจากต้นฉบับของเจอราร์ดแห่งแลนด์สเบิร์กในห้องสมุดสตราสบูร์กแสดงให้เห็นกษัตริย์ในพระคัมภีร์ที่กำลังเล่นกับลูกหลานของเขา (รูปที่ 38)

ในวรรณคดีฝรั่งเศสยุคกลางเริ่มมีการกล่าวถึงเพลงสดุดีตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 12 รูปร่างของเครื่องดนตรีอาจแตกต่างกันมาก (รูปที่ 39 และ 40) พวกเขาเล่นไม่เพียง แต่นักดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้หญิง - สตรีผู้สูงศักดิ์ และบริวารของพวกเขา โดยศตวรรษที่สิบสี่ ฮาร์ปซิคอร์ดค่อยๆ ออกจากเวที หลีกทางให้ฮาร์ปซิคอร์ด แต่ฮาร์ปซิคอร์ดไม่สามารถบรรลุเสียงสีที่เป็นลักษณะเฉพาะของพิณสองสายได้

ในระดับหนึ่ง เครื่องดนตรียุคกลางอีกชนิดหนึ่งซึ่งแทบจะหายไปแล้วในศตวรรษที่ 15 ก็คล้ายกับการฉาบปูน นี่คือ siphonia (chifonie) - พิณล้อรัสเซียรุ่นตะวันตก อย่างไรก็ตามนอกเหนือจากล้อที่มีแปรงไม้ซึ่งเมื่อหมุนที่จับแล้วสัมผัสสามสายตรงกาลักน้ำยังติดตั้งกุญแจที่ควบคุมเสียงด้วย กาลักน้ำมีเจ็ดปุ่มและตั้งอยู่ ที่ปลายด้านตรงข้ามกับที่ล้อหมุน โดยปกติคนสองคนจะเล่นกาลักน้ำเสียงของเครื่องดนตรีนั้นกลมกลืนและเงียบตามแหล่งที่มา การวาดภาพจากรูปปั้นบนเมืองหลวงของหนึ่งในคอลัมน์ใน Boshville (ศตวรรษที่ XII) แสดงให้เห็นถึงวิธีการเล่นที่คล้ายคลึงกัน (รูปที่ 41) กาลักน้ำที่แพร่หลายมากที่สุดคือในศตวรรษที่ XI-XII ในศตวรรษที่สิบห้า กาลักน้ำขนาดเล็กที่เล่นโดยนักดนตรีคนหนึ่งเป็นที่นิยม ในต้นฉบับ “The Romance of Gerard de Nevers and the Beautiful Ariane” จากหอสมุดแห่งชาติปารีส มีภาพย่อของตัวเอกที่ปลอมตัวเป็นนักดนตรี โดยมีเครื่องดนตรีที่คล้ายกันอยู่ด้านข้างของเขา (รูปที่ 42)

ต้นกำเนิดของ F. m. ย้อนกลับไปที่นิทานพื้นบ้านของชนเผ่าเซลติก กัลลิก และแฟรงก์ ที่อาศัยอยู่ในสมัยโบราณในดินแดนของฝรั่งเศสในปัจจุบัน ศิลปะเพลง Nar. และวัฒนธรรม Gallo-Roman ได้กลายเป็นรากฐานสำหรับการพัฒนา F. m. Ancient lit. และพรรณนา วัสดุบ่งบอกว่าดนตรีการเต้นรำถูกกำหนดให้เป็นสิ่งมีชีวิต บทบาทในชีวิตของผู้คน ดนตรีเป็นองค์ประกอบที่สำคัญของชีวิตครอบครัว ศาสนา. พิธีกรรม ข้อมูลที่เชื่อถือได้เกี่ยวกับ Nar. เพลงนี้เป็นของศตวรรษที่ 15 (บันทึกการรอดชีวิตครั้งแรกของเธอย้อนหลังไปถึงเวลานี้)

ในผลงานของชาวฝรั่งเศส คติชนวิทยาถือว่ามีมากมาย ประเภทพื้นบ้าน เพลง: เนื้อเพลง, ความรัก, เพลงร้องเรียน (บ่น), เต้นรำ (rondes), เสียดสี, เพลงของช่างฝีมือ (chansons de metiers), ปฏิทินเป็นต้น คริสต์มาส (ประสานเสียง); แรงงาน ประวัติศาสตร์ การทหาร ฯลฯ นิทานพื้นบ้านยังรวมถึงเพลงที่เกี่ยวข้องกับความเชื่อของ Gallic และ Celtic - "เพลงเกี่ยวกับการกระทำ" (chansons de geste) ศิษยาภิบาล (อุดมคติของชีวิตในชนบท) ครอบครองสถานที่พิเศษท่ามกลางโคลงสั้น ๆ ธีมของความรักที่ไม่สมหวังและการพรากจากกันมีอิทธิพลเหนือเรื่องราวความรัก หลายเพลงมีไว้สำหรับเด็ก ๆ - เพลงกล่อมเด็กเกม แรงงาน (เพลงของคนเกี่ยวข้าว คนไถนา คนปลูกองุ่น ฯลฯ) เพลงของทหารและทหารเกณฑ์มีหลากหลาย กลุ่มพิเศษประกอบด้วยเพลงบัลลาดเกี่ยวกับสงครามครูเสด เพลงที่เผยให้เห็นความโหดร้ายของขุนนางศักดินา กษัตริย์ และข้าราชบริพาร เพลงเกี่ยวกับการลุกฮือของชาวนา (นักวิจัยเรียกกลุ่มเพลงนี้ว่า "มหากาพย์แห่งประวัติศาสตร์ของฝรั่งเศส")

สำหรับชาวฝรั่งเศส นาร์ เพลงมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยท่วงทำนองที่สง่างามและยืดหยุ่น ความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดระหว่างดนตรีกับคำ ในรูปแบบที่ชัดเจนและมักจะเป็นคู่ โหมดเด่นเป็นธรรมชาติหลักและรอง ขนาด 2 และ 3 ส่วนเป็นเรื่องปกติ มิเตอร์ทั่วไปคือ 6/8 บ่อยครั้งที่พยางค์ซ้ำในคอรัสที่ไม่มีความหมาย: tin-ton-tena, ra-ta-plan, ron-ron เป็นต้น นาร์ เพลงมีความเกี่ยวข้องกับการเต้นรำ การเต้นรำนาร์ที่เก่าแก่ที่สุด ได้แก่ ระบำกลม ระบำหมู่และรำคู่ จิ๊ก, บอร์เร, ริโกดอน, ฟาแรนเดล, บรานเล่, ปาสเปียร์

หนึ่งในสิ่งมีชีวิต ชั้นภาษาฝรั่งเศส ดนตรี วัฒนธรรมคือคริสตจักร ดนตรีซึ่งแพร่หลายไปพร้อมกับคริสต์ศาสนา เริ่มตั้งแต่ ค.ศ. 4 ไปโบสถ์ ดนตรีได้รับอิทธิพลจากคนในท้องถิ่นมากขึ้นเรื่อยๆ อิทธิพล. คริสตจักรถูกบังคับให้ใช้สื่อเพลงพื้นบ้านในการบูชาเพื่อปรับตัว ข้อความถึง nar ที่มีอยู่ ท่วงทำนอง ในคาทอลิก คริสตจักร เพลงสวดยังเจาะเพลง (ในกอล Illarius of Poitiers มีชื่อเสียงในหมู่ผู้แต่ง) ที่. รูปแบบของพิธีกรรมในท้องถิ่นเกิดขึ้นและบทสวดของพวกเขาก็ถูกสร้างขึ้น ศุลกากร (เพลง Gallican) ศูนย์กลางของดนตรีลัทธิ Gallican มีความเข้มข้นใน Lugdun, Narbo, Massilia ในช่วงหลาย ศตวรรษ พวกเขาต่อต้านนโยบายที่สิ้นเปลืองทั้งหมดของคริสตจักรโรมัน ซึ่งต่อต้านการนมัสการในท้องถิ่น เพื่อความสม่ำเสมอของคริสตจักร บริการ ในการต่อสู้ครั้งนี้ โรมได้รับการสนับสนุนจากกษัตริย์แฟรงค์

ในศตวรรษที่ 8-9 รูปแบบของพิธีสวดของชาวคริสต์ในสมัยกัลลิกันถูกแทนที่ด้วยพิธีสวดแบบเกรกอเรียน ซึ่งในที่สุดก็ได้รับการอนุมัติในศตวรรษที่ 11 การแพร่กระจายของบทสวดเกรกอเรียนในรัชสมัยของราชวงศ์การอแล็งเฌียง (751-987) เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของอารามเบเนดิกตินเป็นหลัก คาทอลิก วัดของJumiège (บนแม่น้ำแซน ใกล้ Rouen), Saint-Martial (ใน Limoges), Saint-Denis (ใกล้ปารีส), Cluny (ใน Burgundy) และใน Poitiers, Arles, Tours, Chartres และเมืองอื่น ๆ เป็นศูนย์กลางการโฆษณาชวนเชื่อของคริสตจักร ดนตรีเป็นศูนย์กลางของศ. ดนตรีทางจิตวิญญาณและทางโลกบางส่วน วัฒนธรรม. ที่วัดหลายแห่งมีการสวดมนต์ โรงเรียน (เมตร) ซึ่งพวกเขาสอนกฎการร้องเพลงเกรกอเรียนเล่นดนตรี เครื่องมือ ที่นี่ได้มีการพัฒนาหลักการของสัญกรณ์ (ด้วยการถือกำเนิดของสัญกรณ์ที่ไม่มีความหมายในช่วงกลางศตวรรษที่ 9 นักเรียนเข้าใจพื้นฐานของสัญกรณ์นี้ ดู Nevmas) ความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงได้ก่อตัวขึ้น

ในศตวรรษที่ 9 เกี่ยวกับการล่มสลายของอาณาจักรชาร์ลมาญและการเสื่อมของตำแหน่งสันตะปาปาในโบสถ์ แนวโน้มที่เป็นประชาธิปไตยมากขึ้นโดยพื้นฐานแล้ว "ต่อต้านเกรกอเรียน" ปรากฏในดนตรีรูปแบบใหม่พัฒนาโดยเฉพาะลำดับ (ในฝรั่งเศสเรียกอีกอย่างว่าร้อยแก้ว) การสร้างรูปแบบนี้เกิดจากพระภิกษุสงฆ์แห่งอารามเซนต์กาลเลิน (ในสวิตเซอร์แลนด์) นอตเกอร์ซึ่งระบุไว้ในคำนำของ "หนังสือเพลงสวด" ว่าเขาได้รับข้อมูลเกี่ยวกับลำดับจากพระสงฆ์จากวัดของ จูมิเอจ. ต่อจากนั้นผู้เขียนร้อยแก้ว Adam จาก Abbey of Saint-Victor (ศตวรรษที่ 12) และ P. Corbeil (ต้นศตวรรษที่ 13 ผู้สร้าง Donkey's Prose) ที่มีชื่อเสียงโด่งดังเป็นพิเศษในฝรั่งเศส

นอกเหนือจากลำดับแล้ว tropes ก็แพร่หลายเช่นกัน ในขั้นต้นส่วนแทรกเหล่านี้ที่อยู่ตรงกลางของบทสวดเกรกอเรียนไม่ได้แตกต่างจากมันในธรรมชาติของดนตรีซึ่งเสริมด้วยหลัก สวดมนต์ ในอนาคตโดยการ tropization ให้กับคริสตจักร เพลงฆราวาสแทรกซึมดนตรี ในช่วงเวลาเดียวกัน (เริ่มในศตวรรษที่ 10) ละครเกี่ยวกับพิธีกรรมได้ก่อตัวขึ้นในส่วนลึกของบริการอันศักดิ์สิทธิ์เอง (ในลิโมจส์ ตูร์ และเมืองอื่นๆ) ซึ่งถือกำเนิดจากเขตร้อนที่มีการโต้ตอบโดยมี "คำถาม" และ "คำตอบ" สลับกัน สองกลุ่ม antiphonal ของคณะนักร้องประสานเสียง ค่อยๆทำพิธี ละครเคลื่อนห่างจากลัทธิมากขึ้นเรื่อย ๆ (พร้อมกับภาพจากพระวรสารมีตัวละครที่เหมือนจริงรวมอยู่ด้วย)

สุดท้ายในหนึ่งเดียว บทสวดเกรกอเรียนเริ่มเจาะองค์ประกอบของโพลีโฟนีซึ่งเป็นที่รู้จักในภาษานาร์ อ้างสิทธิ์ตั้งแต่สมัยโบราณ ตัวอย่างแรกของการเขียน polyphony - organum ย้อนหลังไปถึงศตวรรษที่ 9 (พบได้อย่างแม่นยำในดินแดนของฝรั่งเศส) เป็นของรายการที่ได้รับในการทำงานของพระจาก Saint-Aman (Flanders) Gukbald ในบทความของเขา (ปลายศตวรรษที่ 9 - ต้นศตวรรษที่ 10) เขาได้สรุปหลักการของออร์แกน ในศ. เพลงถูกสร้างขึ้นเป็นรูปหลายเหลี่ยม สไตล์ที่แตกต่างจาก ดนตรี การปฏิบัติ ปรากฏการณ์เช่นการแสดงละครของคริสตจักร พิธีกรรม การนำลำดับ การบูชา การถือกำเนิดของพิธีกรรม ละคร sprouts of polyphony ในบทสวดเกรกอเรียนเป็นพยานถึงอิทธิพลของนาร์ รสนิยม การแนะนำของคาทอลิก คริสตจักร คดีความ

พร้อมกับลัทธิดนตรีฆราวาสที่พัฒนาขึ้นซึ่งฟังในนาร์ ชีวิต ที่ราชสำนักของราชาแฟรงค์ ในปราสาทของขุนนางศักดินา สายการบินของนาร์ ดนตรี ประเพณีของยุคกลางคือ Ch. ร. นักดนตรีพเนจร - นักเล่นปาหี่ซึ่งเป็นที่นิยมมากในหมู่ประชาชน พวกเขาร้องเพลงที่มีคุณธรรมอารมณ์ขันเสียดสี เพลงเต้นรำไปกับ decomp. เครื่องมือ รวมทั้ง กลอง กลอง ขลุ่ย เครื่องดนตรีที่ดึงออกมา เช่น พิณ (ส่วนนี้มีส่วนในการพัฒนาดนตรีอินสตราแกรม) นักเล่นปาหี่แสดงในวันหยุดในหมู่บ้าน ที่ศาลศักดินา และแม้แต่ในอาราม (พวกเขาเข้าร่วมในพิธีกรรมบางอย่าง การแสดงละครที่อุทิศให้กับวันหยุดของโบสถ์ เรียกว่าแคโรล) พวกเขาถูกข่มเหงโดยชาวคาทอลิก คริสตจักรในฐานะตัวแทนของวัฒนธรรมทางโลกที่เป็นปรปักษ์ ในศตวรรษที่ 12-13 ในหมู่นักเล่นปาหี่มีการแบ่งชั้นทางสังคม บางคนตั้งรกรากอยู่ในปราสาทของอัศวิน ตกอยู่ภายใต้การพึ่งพาอัศวินศักดินาโดยสิ้นเชิง บางคนตั้งรกรากอยู่ในเมือง ดังนั้นนักเล่นปาหี่ที่สูญเสียอิสระในการสร้างสรรค์จึงกลายเป็นนักดนตรีในปราสาทและภูเขาที่มีอัศวิน นักดนตรี อย่างไรก็ตาม กระบวนการนี้ในขณะเดียวกันก็มีส่วนช่วยให้มีการบุกเข้าไปในปราสาทและเมืองนาร์ ความคิดสร้างสรรค์ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของดนตรีและบทกวีของอัศวินและคนเมือง คดีความ ในยุคปลายยุคกลางที่เกี่ยวข้องกับการเพิ่มขึ้นโดยทั่วไปของฝรั่งเศส วัฒนธรรมเริ่มพัฒนาอย่างรวดเร็วและดนตรี เรียกร้อง. ในปราสาทศักดินาที่มีเตียงสองชั้น ดนตรีเจริญรุ่งเรือง muz.-poetich ฆราวาส ชุดของนักท่องเทียวและนักท่องเทียว (ศตวรรษที่ 11-14) เพื่อคอน ค. ทางตอนใต้ ส่วนของประเทศในโพรวองซ์ซึ่งเมื่อถึงเวลานั้นก็มีระดับเศรษฐกิจที่สูงขึ้น และระดับวัฒนธรรม (ในภาคใต้ ก่อนภูมิภาคอื่นๆ ของฝรั่งเศสและยุโรปโดยทั่วไปมีจุดเปลี่ยนในศีลธรรมของอัศวินจากความป่าเถื่อนที่หยาบคายไปสู่พฤติกรรมในราชสำนัก) มีชุดของนักร้องที่ไม่ใช่แค่วัฒนธรรมของอัศวิน แต่เป็นกวีนิพนธ์แบบฆราวาสแบบใหม่ซึ่งยังซึมซับและประเพณีเพลงพื้นบ้าน ที่มีชื่อเสียงในหมู่นักร้องคือ Marcabru, Guillaume IX - Duke of Aquitaine, Bernart de Ventadorne, Jaufre Rudel (ปลายศตวรรษที่ 11-12), Bertrand de Born, Giraut de Borneil, Giraut Riquiere (ปลายศตวรรษที่ 12-13)

ในชั้นที่ 2 ค. ทั้งหมดใน ภูมิภาคของประเทศทิศทางที่คล้ายกันเกิดขึ้น - การเรียกร้องของคณะซึ่งเดิมเป็นอัศวินและต่อมามีการติดต่อกับสองชั้นมากขึ้นเรื่อย ๆ ความคิดสร้างสรรค์ ในบรรดา Trouvers พร้อมด้วยกษัตริย์ บรรดาขุนนางชั้นสูง - Richard the Lionheart, Thibaut of Champagne (King of Navarre) ผู้แทนของระบอบประชาธิปไตยได้รับชื่อเสียงในภายหลัง ชั้นของสังคม - Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Moniot และคนอื่น ๆ

ใน Op. คณะนักร้องประสานเสียงยกย่องความกล้าหาญและขุนนางของนักรบ ร้องเพลงรักให้กับ "นางงาม" ธีมอัศวินมีชัยในงานของพวกเขา ประเภทเช่น ทุ่งหญ้าเลี้ยงสัตว์, อัลส์ (เพลงรุ่งอรุณ), เซอร์เวนท์, มหากาพย์ เพลงเต้นรำ สแตมพิดส์ ศิลปะของพวกเขามีส่วนช่วยในการพัฒนาเพลงหลาย ๆ แบบ ประเภทและรูปแบบ - บัลลาด, virele, le, rondo; มันคาดหวังศิลปะบางอย่าง แนวโน้มยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ในการเชื่อมต่อกับการเติบโตของเมือง (Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse, ฯลฯ ) ใน Con. ศตวรรษที่ 12-13 ภูเขาพัฒนาแล้ว ดนตรี ศิลปะผู้สร้างซึ่งเป็นกวีนักร้องจากภูเขา ที่ดิน (ช่างฝีมือ ชาวเมืองธรรมดา และชนชั้นนายทุน) พวกเขานำลักษณะเฉพาะของตนเองมาใช้กับชุดนักเล่นและนักเล่นละคร โดยย้ายออกจากบทกวีดนตรีที่กล้าหาญของเขา ภาพที่เชี่ยวชาญรูปแบบพื้นบ้านในชีวิตประจำวันสร้างลักษณะเฉพาะประเภทของตัวเอง เจ้าแห่งขุนเขาที่ใหญ่ที่สุด ดนตรี วัฒนธรรมของศตวรรษที่ 13 เป็นกวีและนักแต่งเพลง อดัม เดอ ลา อัลเล ผู้แต่งเพลง โมเท็ต และบทละครเกี่ยวกับโรบินและแมเรียน (ค.ศ. 1283) ซึ่งเป็นที่นิยมในเวลานั้น เต็มไปด้วยภูเขา เพลงเต้นรำ (ความคิดในการสร้างการแสดงละครฆราวาสที่เต็มไปด้วยดนตรีนั้นผิดปกติอยู่แล้ว) เขาตีความหัวเดียวแบบดั้งเดิมในรูปแบบใหม่ ดนตรี-กวี ประเภทของนักร้องโดยใช้โพลีโฟนี (ในผลงานของเขามี rondo 3 ประตู)

เสริมสร้างเศรษฐกิจ และความสำคัญทางวัฒนธรรมของเมือง การสร้างมหาวิทยาลัย (รวมถึงมหาวิทยาลัยปารีสในต้นศตวรรษที่ 13) ที่ดนตรีได้รับความสนใจอย่างมาก (เป็นวิชาบังคับวิชาหนึ่ง เป็นส่วนหนึ่งของ quadrivium) มีส่วนสนับสนุน ของบทบาทของดนตรีในฐานะศิลปะวา ในศตวรรษที่ 12 หนึ่งในศูนย์กลางของดนตรี ปารีสกลายเป็นวัฒนธรรมและเหนือสิ่งอื่นใด โรงเรียนสอนร้องเพลงของมหาวิหารนอเทรอดาม (โรงเรียนปารีสที่เรียกว่า) ซึ่งรวมเอาผู้เชี่ยวชาญที่ใหญ่ที่สุด - นักร้องนักแต่งเพลงนักวิทยาศาสตร์ ความเจริญรุ่งเรืองในศตวรรษที่ 12-13 เกี่ยวข้องกับโรงเรียนแห่งนี้ ลัทธิโพลิโฟนี (ดู Ars antiqua) การเกิดขึ้นของมนต์ใหม่ ประเภทการค้นพบในด้านดนตรี ทฤษฎี

ช. ศูนย์กลางของโพลีโฟนีซึ่งมีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 9 เป็นอาราม - ในชาตร์ (โรงเรียนสอนร้องเพลงฝรั่งเศสเหนือที่ใหญ่ที่สุดก่อตั้งขึ้นที่นี่), Saint-Martial ใน Limoges และอื่น ๆ ต้นฉบับของอารามเหล่านี้สร้างขั้นตอนของประวัติศาสตร์ . พัฒนาการของอวัยวะ (ดู Diaphonia, Treble) บุคคลสำคัญในโรงเรียนของมหาวิหารนอเทรอดาม - ผู้แยกทาง Leonin (ศตวรรษที่ 12) และ Perotin (ปลายศตวรรษที่ 12 - 1 ใน 3 ของศตวรรษที่ 13) ได้สร้างตัวอย่างสูงของรูปหลายเหลี่ยม คริสตจักร ดนตรี. เลโอนินมี 2 ประตู melismatic ออร์แกนซึ่งเป็นครั้งแรกที่เขาใช้การบันทึกเสียงเป็นจังหวะ (เขากำหนดจังหวะที่ชัดเจนของเสียงบนที่เคลื่อนไหว - เสียงแหลม) Perotin พัฒนาความสำเร็จของรุ่นก่อนของเขา: เขาไม่เพียงเขียน 2- แต่ยังเขียน 3-, 4-เป้าหมาย Prod. และ Perotin ซับซ้อนและเสริมกำลังของโพลีโฟนีตามจังหวะ (เขาเปรียบเทียบเสียงที่ต่ำกว่า - เทเนอร์กับกลุ่มของการจัดจังหวะ (ตามหลักการของวิธีการ) โดดเด่นด้วยการเคลื่อนไหวที่เร็วขึ้นของเสียงบน) รูปแบบใหม่ที่พัฒนาโดยตัวแทนของโรงเรียนวิหาร Notre Dame ปฏิเสธหลักการสวดมนต์เกรกอเรียน ในการผลิต นักแต่งเพลงเหล่านี้ บทสวดเกรกอเรียนเองก็ได้รับการเปลี่ยนแปลง: บทสวดที่ยืดหยุ่นและปราศจากจังหวะก่อนหน้านี้ได้รับความสม่ำเสมอมากขึ้น ความราบรื่น (จึงเป็นชื่อของบทสวดแคนทัสพลานัส) ซึ่งกำหนดโดยกลุ่มหลายฝ่าย คลังสินค้า. ภาวะแทรกซ้อนรูปหลายเหลี่ยม เนื้อเยื่อและจังหวะของมัน โครงสร้างจำเป็นต้องมีการกำหนดระยะเวลาที่ถูกต้อง (ตัวแทนของโรงเรียนในปารีสจากหลักคำสอนของโหมดมาถึงหลักคำสอนของมาตราส่วน) การปรับปรุงในสัญกรณ์ ในศตวรรษที่ 13 เริ่มมีการใช้สัญกรณ์ประจำเดือน (ในหมู่นักทฤษฎีที่จัดการกับปัญหานี้ - J. Garlandia)

Polyphony นำรูปแบบใหม่ของคริสตจักรและดนตรีฆราวาสมาสู่ชีวิตรวมถึง ความประพฤติและโมเท็ต ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 12-13 ความประพฤติปรากฏขึ้น - บทสวดที่แต่งอย่างอิสระในภาษาละติน ข้อความ (ของเนื้อหาทั้งทางจิตวิญญาณและทางโลก) ประเภทของ trope เขาเต็มไปด้วยนายกรัฐมนตรี ในช่วงเทศกาลคริสตจักร บริการ นี่เป็นประเภทการนำส่ง: ในตอนแรกความประพฤติถูกรวมอยู่ในพิธีสวดหลังจากนั้นพวกเขาก็กลายเป็นฆราวาสอย่างหมดจดได้รับแม้กระทั่งความหมายแฝงในชีวิตประจำวัน ในบรรดาผู้แต่ง - Perotin ขึ้นอยู่กับตัวนำในคอน ค. ในฝรั่งเศสมีการสร้างประเภท polygoal ที่สำคัญที่สุด ดนตรี-โมเท็ต. ตัวอย่างแรกๆ ยังเป็นของปรมาจารย์ของ Paris School (Perotin, Franco of Cologne, Pierre de la Croix) Motet อนุญาตให้มีเสรีภาพในการรวม li-turgich และเพลงฆราวาส ข้อความ (แต่ละเสียงมักจะมีข้อความของตัวเอง และมักจะใช้อายุเป็นภาษาละติน เสียงบนในภาษาฝรั่งเศสและภาษาท้องถิ่น) จากการรวมตัวของคริสตจักร และท่วงทำนองเพลงก็ถือกำเนิดขึ้นในศตวรรษที่ 13 มุขตลก ความเชื่อมโยงของโพลีโฟนีกับรูปแบบในชีวิตประจำวันทำให้เกิดงานศิลปะที่ยอดเยี่ยม ผล.

โมเท็ตถูกใช้อย่างกว้างขวางในผลงานของตัวแทนของอาร์ โนวา ซึ่งเป็นขบวนการที่ก้าวหน้าซึ่งเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 14 ในดนตรีเชิงปรัชญา ในฆราวาสยุคแรกนี้ ดนตรี ในงานศิลปะ ปฏิสัมพันธ์ของดนตรี "ทุกวัน" และ "วิชาการ" มีความสำคัญอย่างยิ่ง (นั่นคือ เพลงและโมเท็ต) ในศตวรรษที่ 14 เพลงได้รับตำแหน่งผู้นำท่ามกลางรำพึง ประเภท นักประพันธ์เพลงหลักทุกคนพูดกับเธอ ในขณะเดียวกันเธอก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อโมเท็ต ในตอนเริ่มต้น. ค. วัฏจักรของเพลงโดย Jeannot de Lecurel ปรากฏขึ้น - คอลเลกชันแรกของเพลงโดยผู้แต่งคนเดียวในฝรั่งเศส นักอุดมการณ์ของ ars nova เป็นกวีมนุษยนิยม นักแต่งเพลง นักทฤษฎีดนตรีและนักคณิตศาสตร์ Philippe de Vitry (เขาให้เครดิตกับบทความ "Ars nova" ซึ่งตั้งชื่อให้กับการเคลื่อนไหว) ซึ่งยืนยันหลักการของ "ศิลปะใหม่" . นวัตกรรมของ Philippe de Vitry ในด้านทฤษฎีนั้นเชื่อมโยงกับหลักคำสอนเรื่องพยัญชนะและความไม่ลงรอยกัน (เขาประกาศว่าสามและหกเป็นพยัญชนะ) เขายังแนะนำรูปแบบการแต่งเพลงใหม่ให้กับรำพึงของเขา cit. การสร้างภาพสามมิติ โมเท็ต โมเต็ตประเภทนี้ได้รวมไว้ในผลงานของนักประพันธ์และกวีผู้ยิ่งใหญ่ที่สุด ars nova Guillaume de Machaux ในการผลิตของเขา ราวกับศิลปะผสมผสาน ความสำเร็จของดนตรีและบทกวีของอัศวิน คดีกับหัวเดียวของเขา เพลงและเป้าหมายมากมาย ภูเขา ดนตรี วัฒนธรรม. เขาเป็นเจ้าของเพลงของผู้คน โกดัง (วาง), virele, rondo, บัลลาด (ครั้งแรกที่เขาพัฒนาประเภทของเพลงบัลลาดหลายหัว) ในโมเต็ต Machaux ใช้รำพึง (สม่ำเสมอกว่ารุ่นก่อน) เครื่องดนตรี (อาจเป็นเสียงที่ต่ำกว่าเป็นเครื่องมือ) เขาเป็นผู้เขียนภาษาฝรั่งเศสคนแรก มวลโพลีโฟนิก คลังสินค้า (1364) โดยทั่วไปแล้ว ภาษาฝรั่งเศส อาสโนวา แปลว่า ระดับที่เกี่ยวข้องกับรูปแบบของยุคกลาง polyphony (งานที่ซับซ้อนหลายเสียงโดยผู้เชี่ยวชาญของทิศทางนี้ - เป็นปรากฏการณ์ทั่วไปของยุคกลางที่โตเต็มที่)

ในศตวรรษที่ 15 เนื่องจากประวัติศาสตร์ เหตุผล (ในช่วงสงครามร้อยปี ขุนนางศักดินาเข้าครอบงำตำแหน่งอีกครั้ง ศาลศักดินาขนาดใหญ่กลายเป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรม ประเพณีของยุคกลางของนักวิชาการได้รับการฟื้นฟูด้วยความเข้มแข็งขึ้นใหม่) ใน F. m. ไม่มีปรากฏการณ์ที่โดดเด่นเป็นพิเศษใด ๆ สังเกต ตำแหน่งผู้นำด้านดนตรี วัฒนธรรมฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 15 ครอบครองโดยตัวแทนของโรงเรียนฝรั่งเศส-เฟลมิช (ดัตช์) ทางโรงเรียนดัทช์ซึ่งได้มีการพัฒนาเป็นเชิงสร้างสรรค์ ทิศทางของการรายงานข่าวในวงกว้างโดยพิจารณาจากแนวโน้มทั่วไปในภาษาฝรั่งเศส อังกฤษ อิตาลี ดนตรีมีอิทธิพลอย่างมากต่อยุโรป ดนตรี วัฒนธรรม รวมทั้ง และภาษาฝรั่งเศส นักประพันธ์เพลงที่ใหญ่ที่สุดของเนเธอร์แลนด์ทำงานในฝรั่งเศสเป็นเวลาสองศตวรรษ โพลีโฟนิก โรงเรียน: ใน ser. ค. - J. Benchois, G. Dufay ที่ชั้น 2 ค. - I. Okegem, J. Obrecht, ใน con. 15 - ขอ ศตวรรษที่ 16 - Josquin Despres ชั้น 2 ศตวรรษที่ 16 - อ. ลาสโซ่.

Benchois และ Dufay พิสูจน์ตัวเองในด้านที่เรียกว่า Burgundy chanson (ก่อตั้งที่ศาลของ Burgundian dukes ใน Dijon) Dufay หนึ่งในผู้ก่อตั้งเนเธอร์แลนด์ โรงเรียนพร้อมกับเป้าหมายมากมาย เพลงและงานฆราวาสอื่น ๆ (โดยเฉพาะโมเท็ตแบบต่างๆ) ได้สร้างผลิตภัณฑ์ทางจิตวิญญาณ ที่น่าสนใจมากคือฝูงของเขาซึ่ง Nar ใช้เป็น cantus firmus หรือเพลงสากล (เช่น เพลงรัก "เธอหน้าซีด" ในมวล 4 เป้าหมายที่สร้างขึ้นประมาณ 1450)

Okeghem ผู้คุมขังที่เก่งกาจไม่เพียง แต่เป็นนักดนตรี (เป็นเวลาหลายปีที่เขาเป็นอนุศาสนาจารย์และหัวหน้าวงดนตรีที่ 1 ของราชสำนักฝรั่งเศส) แต่ยังเป็นนักคณิตศาสตร์และปราชญ์อีกด้วย เชี่ยวชาญเทคนิคการเลียนแบบและศีล ตัวอักษร ใช้ในฝูงของเขา เช่นเดียวกับชานสันเบอร์กันดี สไตล์ที่ประณีตและชาญฉลาด อารมณ์ที่สดใส และความไพเราะของดนตรีด้วยความโล่งใจของทำนอง (ท่วงทำนองพื้นบ้านมีการใช้กันอย่างแพร่หลายใน cantus firmus และเสียงอื่น ๆ ของ polyphonic op.) ความชัดเจนของความสามัคคี ความชัดเจนของจังหวะมีความโดดเด่นด้วยการผลิต Obrekhta - ฝูง (รวมถึงการล้อเลียนที่เรียกว่า), motet เช่นเดียวกับ chanson, instr เล่น.

Josquin Despres (บางครั้งเขาเป็นนักดนตรีในราชสำนักของ Louis XII) โดยอาศัยความสำเร็จของ Obrecht และผู้เชี่ยวชาญคนอื่น ๆ ของเนเธอร์แลนด์ โรงเรียนมุ่งมั่นในคุณภาพการทำงานของเขา กระโดดเน้นความสวยงาม ความหมายของการเรียกร้อง ในฐานะที่เป็นนักพูดโพลีโฟนิกที่โดดเด่น เขาในขณะเดียวกันก็มีส่วนทำให้เกิด "ความกระจ่างที่กลมกลืนกัน" ของสไตล์ (ในผลงานของเขาที่อิ่มตัวด้วยเทคนิคโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนที่สุด Josquin Despres ได้รับอิสรภาพทางเทคนิคดังกล่าว เมื่อทักษะนั้นล่องหนอยู่แล้วและอยู่ภายใต้การเปิดเผยของงานศิลปะอย่างสมบูรณ์ ความตั้งใจ ในการผลิตของพวกเขา (มวลชน, โมเท็ต, เพลงฆราวาส, บทละครโพลีโฟนิกของตัวละครที่เป็นภาพ) ซึ่งแต่ละเรื่องมีความเป็นรายบุคคลอย่างสดใส Josquin Despres สะท้อนให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้นและเป็นความจริงมากกว่ารุ่นก่อนของเขา โลกของมนุษย์ เพลงของเขาเป็นภาษาฝรั่งเศส ตำราที่เตรียมโดยชาวฝรั่งเศส โพลีโฟนิก เพลงศตวรรษที่ 16 ประเภทนี้แสดงอย่างกว้างขวางในผลงานของ niderl ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด นักโพลีโฟนิสต์แห่งศตวรรษที่ 16 Lasso เป็นผู้เชี่ยวชาญของโพลิโฟนีที่เข้มงวด รูปหลายเหลี่ยมของเขา ภาษาฝรั่งเศส เพลง ("เกี่ยวกับสามีเก่า", "ในตลาดใน Arras" ฯลฯ ) มีไหวพริบ, ฉุนเฉียว, เป็นธรรมชาติ; พวกมันมีลักษณะเฉพาะโดยปกติคือ niderl ประเภทบรรยายฉากในชีวิตประจำวัน นิสัยดี อารมณ์ขัน หยาบคาย สไตล์ของเขาเป็นการก้าวไปข้างหน้าบนเส้นทางแห่งความสามัคคี ชัดเจน เขาใช้เทคนิคการเขียนพ้องเสียงอยู่แล้ว สิ่งนี้ใช้กับการผลิตทางโลกเป็นหลัก (เพลง, วิลาเนลล่า, มาดริกาล) ในงานจิตวิญญาณ (โมเท็ต, มวล, สดุดี) โพลีโฟนีโปร่งใสมีชัยในบางส่วนหลักการของรูปแบบความทรงจำถูกร่างไว้ Lasso มีผลอย่างมากต่อ F. m. โดยทั่วไปแล้ว niderl โรงเรียน ศตวรรษที่ 15-16 กลายเป็นแหล่งอาหารที่สำคัญแห่งหนึ่งของฝรั่งเศส ศ. ดนตรี เรียกร้อง.

ในคอน ค. ในฝรั่งเศสวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้ก่อตั้งขึ้น (นักวิทยาศาสตร์บางคนเห็นคุณลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในศิลปะอาร์สโนวา โดยพิจารณาว่าศตวรรษที่ 14 เป็นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฝรั่งเศสตอนต้น อย่างไรก็ตาม การตีพิมพ์ผลงานดนตรีฆราวาสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 14-15 ที่ปรากฏในปี 1950 เป็นพยานถึงความเข้าใจผิดของ ตำแหน่งดังกล่าว ) การฟื้นฟูจัดทำโดยนักประวัติศาสตร์จำนวนหนึ่ง กระบวนการ เกี่ยวกับการพัฒนาของฝรั่งเศส วัฒนธรรมได้รับผลกระทบอย่างเป็นประโยชน์จากปัจจัยต่างๆ เช่น การเกิดขึ้นของชนชั้นนายทุน (ศตวรรษที่ 15) การต่อสู้เพื่อการรวมชาติของฝรั่งเศส (สิ้นสุดในปลายศตวรรษที่ 15) และการสร้างรัฐที่รวมศูนย์ การทหาร การเดินทางไปอิตาลี - ประเทศที่มีประเพณีวัฒนธรรมที่สูงขึ้นสิ่งมีชีวิต การเติบโตที่ซ่อนอยู่อย่างต่อเนื่องของเตียงสองชั้นก็มีความสำคัญเช่นกัน ความคิดสร้างสรรค์และกิจกรรมของนักแต่งเพลงของโรงเรียน Franco-Flemish

การสำแดงที่สำคัญที่สุดของวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือมนุษยนิยม บุคคลที่มีตัวตนภายในของเขามาก่อน โลก. ในศตวรรษที่ 16 บทบาทของดนตรีในสังคมเพิ่มขึ้น ชีวิต. ฟรานซ์ กษัตริย์สร้างโบสถ์ขนาดใหญ่ที่ศาลของพวกเขา งานเฉลิมฉลอง (เช่น เทศกาลอันงดงามซึ่งจัดในปี ค.ศ. 1518 โดยพระเจ้าฟรานซิสที่ 1 ในลานบาสตีย์เพื่อเป็นเกียรติแก่เอกอัครราชทูตของกษัตริย์อังกฤษ) ในศตวรรษที่ 16 กษัตริย์. ลานบ้าน (ในที่สุดก็ถูกย้ายไปที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) กลายเป็น Ch. เตาถ่าน ชีวิตรอบซึ่งศาสตราจารย์ เรียกร้อง. เสริมสร้างบทบาทของ adv. โบสถ์ (ดูปารีส) ในปี ค.ศ. 1581 พระเจ้าเฮนรีที่ 3 ได้อนุมัติตำแหน่ง "หัวหน้าผู้มุ่งหมายแห่งดนตรี" ที่ศาล "เรือนจำ" คนแรก - ชาวอิตาลี นักไวโอลิน Balthazarini de Belgioso (Balthazar de Beaujoieux) โพสต์ ในพระราชวังเบอร์กันดีขนาดเล็กในปารีส แต่งโดยเขาร่วมกัน กับกวี Lachenet และนักดนตรี J. de Beaulieu และ J. Salmon " Comedy Ballet of the Queen" - ประสบการณ์ครั้งแรกในการผสมผสานดนตรีและการเต้นรำเข้ากับเวที การกระทำซึ่งเปิดแนวใหม่ - adv. บัลเล่ต์ ศูนย์รวมดนตรีที่สำคัญ ฟ้องพร้อมกับพระมหากษัตริย์ ลานบ้านและโบสถ์ก็เป็นชนชั้นสูงเช่นกัน ร้านเสริมสวย (เช่นในปารีสร้านเสริมสวยของ Countess de Retz ซึ่งนักดนตรีที่เก่งที่สุดในยุคนั้นแสดง) เวิร์คช็อปรำพึง สมาคมช่างฝีมือ

ความมั่งคั่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่เกี่ยวข้องกับการก่อตัวของฝรั่งเศส แนท วัฒนธรรมตกอยู่ตรงกลาง ศตวรรษที่ 16 การสำแดงที่โดดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือรูปหลายเหลี่ยมทางโลก เพลงเป็นชานสันซึ่งกลายเป็นแนวเพลงของศาสตราจารย์โดยไม่สูญเสียการติดต่อกับชีวิตประจำวัน คดีความ โพลีโฟนิก สไตล์ได้รับในภาษาฝรั่งเศส เพลงการตีความใหม่ (เทียบกับเพลงของอาจารย์ของโรงเรียนดัตช์) สอดคล้องกับบทกวีอื่น ๆ แนวความคิดของชาวฝรั่งเศส มนุษยนิยม - สู่ความคิดของ Rabelais, K. Maro, P. Ronsard โดยปกติแล้ว ชานสันคือเพลงที่มีข้อความเกี่ยวกับโลกและท่วงทำนองพื้นบ้านในชีวิตประจำวัน เรื่องราวของเธอจะแสดงออกมา กองทุนเกี่ยวข้องกับประชาธิปไตยในชีวิตประจำวัน ชีวิต.

นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสดีเด่น ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือ K. Zhaneken ซึ่งเป็นเจ้าของ polygoals มากกว่า 200 เป้าหมาย เพลง. ด้วย Zhanequin เพลงจะกลายเป็นองค์ประกอบที่มีรายละเอียดอย่างสมจริง พล็อตเรื่อง (เป็นเพลงแฟนตาซี) เหล่านี้คือ "การล่า", "การต่อสู้", "เบิร์ดซอง", "การพูดคุยของผู้หญิง", "สตรีทตะโกนแห่งปารีส" และอื่นๆ เอฟ ราเบเลส์. Janequin ยังเขียนเพลงศักดิ์สิทธิ์ (ฝูง, โมเท็ต) อย่างไรก็ตาม เขายังแนะนำลักษณะของฆราวาสในประเภทลัทธิ ความเห็น ในบรรดาผู้แต่งคนอื่น ๆ chanson - comp. G. Kotle, K. Sermizi.

Chanson ได้รับชื่อเสียงไม่เพียง แต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังอยู่นอกเหนือขอบเขตอีกด้วย ต้องขอบคุณโน้ตดนตรีอย่างน้อยก็ช่วยเสริมความแข็งแกร่งของท่วงทำนอง ความเชื่อมโยงระหว่างยุโรป ประเทศ. ในปี ค.ศ. 1528 ที่กรุงปารีส P. Attenyan ได้ร่วมกัน กับพี่โอเต็นก่อตั้งเพลง สำนักพิมพ์ (มีอยู่จนถึง 1557); ในชั้น 2 ศตวรรษที่ 16 บริษัทของ R. Ballard และ A. Le Roy ได้รับความสำคัญอย่างมาก (ก่อตั้งขึ้นในกรุงปารีสในปี ค.ศ. 1551 ต่อมานำโดยลูกชายและหลานชายของ Ballard; บริษัท ครองตำแหน่งผู้นำในการเผยแพร่เพลงจนถึงกลางศตวรรษที่ 18) จากคอนแล้ว 20s ศตวรรษที่ 16 Attenyan เริ่มเผยแพร่คอลเลกชั่นเพลง ชิ้นส่วนสำหรับกีตาร์ และพิมพ์ตารางสำหรับกีตาร์ ออร์แกน และเครื่องดนตรีอื่นๆ ในภายหลัง

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทบาทของ instr. ดนตรี. ในเสียงเพลง วิโอลา ลูท กีตาร์ ไวโอลิน (ในฐานะเครื่องดนตรีพื้นบ้าน) มีการใช้กันอย่างแพร่หลายในชีวิตประจำวัน เครื่องมือ แนวเพลงแทรกซึมทั้งดนตรีประจำวัน (การเรียบเรียงและการเรียบเรียงของการเต้นรำและเพลง) และดนตรีระดับมืออาชีพบางส่วนในคริสตจักร การเต้นรำของใช้ในครัวเรือน เพลงมีไว้สำหรับพิณหรือเครื่องดนตรีขนาดเล็ก วงดนตรี, โพลีโฟนิก แยง. ดำเนินการบนอวัยวะ ลูทเต้น. ละครโดดเด่นท่ามกลางละครที่โดดเด่นในศตวรรษที่ 16 โพลีโฟนิก แยง. จังหวะ ความเป็นพลาสติก, ความชัดเจนของท่วงทำนอง, โกดังเสียงเดียวกัน, ความโปร่งใสของพื้นผิว ลักษณะเป็นการรวมกันของสองคนหรือมากกว่า ลีลาการเต้น. ตรงกันข้ามกับวัฏจักรแปลก ๆ ที่กลายเป็นพื้นฐานของการเต้นรำในอนาคต ห้องสวีท เช่น ธ.ค. branly (ในคอลเลกชันที่ตีพิมพ์โดย Attenyan มีการเต้นรำ 2, 3 รอบ)

เป็นอิสระมากขึ้น org ยังได้รับความสำคัญ ดนตรี. การเกิดขึ้นของ โรงเรียนในฝรั่งเศส (ปลายศตวรรษที่ 16) มีความเกี่ยวข้องกับงานของนักเล่นออร์แกน J. Titluz

บันทึก. ปรากฏการณ์ภาษาฝรั่งเศส วัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือ Academy of Poetry and Music ก่อตั้งขึ้นในปี ค.ศ. 1570 โดยนักดนตรี กวี ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของความคิดสร้างสรรค์ เครือจักรภพฝรั่งเศส กวีมนุษยนิยม "กลุ่มดาวลูกไก่" โดย J. A. de Baif ร่วม กับเพื่อนร่วมงานของเขา (มีอยู่จนถึง ค.ศ. 1584) สมาชิกของสถาบันการศึกษาพยายามที่จะรื้อฟื้นบทกวีและท่วงทำนองโบราณ เมตริกปกป้องหลักการของการเชื่อมต่อระหว่างดนตรีและบทกวีที่แยกออกไม่ได้ พวกเขาได้ตัดสินใจ มีส่วนร่วมในวิวัฒนาการของละครเพลงบางเรื่อง แบบฟอร์ม แต่การทดลองของพวกเขาในการปรับจังหวะให้เข้ากับท่วงทำนองของหน่วยเมตริก โครงสร้างของกลอนนำไปสู่การสร้างรำพึงนามธรรม แยง. ใน "ข้อวัด" ของ Baif รอนซาร์ด (บทของ "กลุ่มดาวลูกไก่") ดนตรีเขียนโดย C. Le Jeune, J. Maudui และคนอื่น ๆ

วิธี. เลเยอร์ในเพลง วัฒนธรรมฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 เป็นเพลงของ Huguenots - ฝรั่งเศส ผู้แทนของการปฏิรูป (เหล่านี้เป็นหัวหน้าขุนนางผู้พยายามรักษาระเบียบศักดินาและลดการแทรกแซงในกิจการของตนโดยกษัตริย์ อำนาจ เช่นเดียวกับชนชั้นนายทุนส่วนหนึ่งซึ่งปกป้องเสรีภาพในเมืองโบราณของพวกเขา) เคเซอร์ ศตวรรษที่ 16 เพลง Huguenot เกิดขึ้น: ท่วงทำนองของครัวเรือนยอดนิยมและเตียงสองชั้น เพลงที่ปรับให้เข้ากับการแปลเป็นภาษาฝรั่งเศส แลง ตำราพิธีกรรม ต่อมาอีกหน่อย ศาสนา การต่อสู้ในฝรั่งเศสทำให้เกิดเพลงสดุดี Huguenot ด้วยการถ่ายโอนทำนองเพลงไปสู่เสียงบนและการปฏิเสธโพลีโฟนิก ความซับซ้อน คีตกวี Huguenot ที่ใหญ่ที่สุดที่แต่งเพลงสดุดีคือ K. Goudimel, Le Jeune การเป็นปรมาจารย์แห่งการประสานเสียง Gudimel เล่นเป็นคนใจร้าย บทบาทในการจัดทำโฮโมโฟนิกฮาร์โมนิก โกดัง to-ry เริ่มมีชัยใน F. m. ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ข้อพิพาทระหว่างโปรเตสแตนต์และคาทอลิกก่อให้เกิดความขัดแย้ง เพลง. อันเป็นผลมาจากการใช้มวลชนประชาธิปไตยอย่างแพร่หลาย ประเภทเพลงในสมัยศาสนา สงครามเติบโตแนท รักชาติ ภาษาฝรั่งเศส เพลงซึ่งเป็นการสำแดงของชาติ เอกลักษณ์ของฝรั่งเศส

ศตวรรษที่ 17-18 โดดเด่นด้วยความโดดเด่นของดนตรีฆราวาสเหนือจิตวิญญาณ ในศตวรรษที่ 17 ในช่วงที่มีการก่อตั้งระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ในฝรั่งเศส ราชสำนักมีความสำคัญอย่างยิ่ง ศิลปะซึ่งกำหนดทิศทางของการพัฒนาประเภทที่สำคัญที่สุดของ F. ม. ในเวลานั้น - โอเปร่าและบัลเล่ต์เป็นวัสดุสังเคราะห์ ประดับประดาการแสดงอันตระการตาภายใต้แนวคิดเชิดชูสถาบันกษัตริย์

ปีแห่งรัชกาลของหลุยส์ที่สิบสี่มีความสง่างามเป็นพิเศษของศาล ชีวิต ความปรารถนาของศาล และขุนนางศักดินาสำหรับความหรูหราและความบันเทิงที่ซับซ้อน ในการนี้ ได้มอบหมายบทบาทสำคัญให้กับ adv. บัลเล่ต์, การแสดง to-rogo ได้รับในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์, อาร์เซนอล, t-re "Palais-Cardinal" (เปิดในปี 1641 ตั้งแต่ปี 1642 - "Palais-Royal") อาร์ทั้งหมด ศตวรรษที่ 17 ที่ศาลทวีความรุนแรงมากขึ้นอิตาลี แนวโน้ม ปลูกอิตาลี. โรงภาพยนตร์. ประเพณีได้รับการส่งเสริมโดยพระคาร์ดินัลมาซารินซึ่งเชิญนักแต่งเพลงและนักร้องจากโรม เวนิส และโบโลญญาไปที่ปารีส ชาวอิตาเลียนแนะนำชาวฝรั่งเศส ขุนนางประเภทใหม่ - โอเปร่า (มีโพสต์ที่ราชสำนัก ละครหลายเรื่อง - "คนบ้าในจินตนาการ" Sakrati, 1645; "Orpheus and Eurydice" L. Rossi, 1647, ฯลฯ ) ทำความคุ้นเคยกับภาษาอิตาลี โอเปร่าทำหน้าที่เป็นแรงจูงใจในการสร้างชาติของตัวเอง โอเปร่า การทดลองแรกในพื้นที่นี้เป็นของนักดนตรี E. Jacquet de la Guerre ("Triumph of Love", 1654), comp. R. Kamber และกวี P. Perrin ("ศิษยาภิบาล", 1659) ในปี ค.ศ. 1661 "สถาบันพระมหากษัตริย์แห่งการเต้นรำ" นำโดยนักออกแบบท่าเต้นพี. ในปี ค.ศ. 1669 Camber และ Perrin ได้รับสิทธิบัตรสำหรับองค์กรของโรงละครโอเปร่าถาวรซึ่งเปิดในปี 1671 ภายใต้ชื่อ "King. Academy of Music" (ดู "Grand Opera") กับโอเปร่า "Pomona" ตั้งแต่ปี 1672 โรงละครนำโดย J.B. Lully ซึ่งถูกผูกขาดในการแสดงโอเปร่าในฝรั่งเศส

ฝรั่งเศสที่ใหญ่ที่สุด นักแต่งเพลงผู้ก่อตั้งชาติ โรงเรียนอุปรากร Lully ที่จุดเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์ วิธีที่เขาเขียนเพลงบัลเล่ต์สำหรับศาล งานเฉลิมฉลอง เขาสร้างคอเมดี้-บัลเลต์ขึ้นมาจำนวนหนึ่ง ("การแต่งงานโดยไม่สมัครใจ", 1664; "Love the Healer", 1665; "Monsieur de Poursonyac", 1669; "The Tradesman in the Nobility", 1672; สร้างขึ้นพร้อมกับ J. B. Molière) ที่ซึ่งโอเปร่าบัลเลต์ถือกำเนิดขึ้น Lully เป็นบรรพบุรุษของประเภทของโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ (ประเภทของวีรสตรี - โศกนาฏกรรม) เนื้อเพลงของเขา โศกนาฏกรรม ("Cadmus and Hermione", 1673; "Alceste", 1674; "Theseus", 1675; "Atis", 1676; "Perseus", 1682, etc.) ที่มีความกล้าหาญสูง ความหลงใหลอย่างแรงกล้า ความขัดแย้งระหว่างความรู้สึกและหนี้สิน ในเรื่องและ DOS โวหาร หลักการนี้ใกล้เคียงกับโศกนาฏกรรมคลาสสิกของ P. Corneille และ J. Racine

ในศตวรรษที่ 17 ลัทธิเหตุผลนิยมมีอิทธิพลอย่างมาก สุนทรียศาสตร์ของความคลาสสิกซึ่งหยิบยกความต้องการของรสนิยม ความสมดุลของความงามและความจริง ความชัดเจนของความตั้งใจ ความกลมกลืนขององค์ประกอบ คลาสสิกซึ่งพัฒนาไปพร้อม ๆ กัน ด้วยสไตล์บาร็อคที่ได้รับในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 แสดงออกอย่างสมบูรณ์ และ Lully กลายเป็นตัวแทนที่เฉียบแหลมที่สุดในด้านดนตรี ในเวลาเดียวกัน ผลงานของนักแต่งเพลงคนนี้มีลักษณะของศิลปะบาโรก ดังที่เห็นได้จากเอฟเฟกต์อันน่าทึ่งมากมาย (การเต้นรำ ขบวนแห่ การเปลี่ยนแปลงลึกลับ ฯลฯ)

การมีส่วนร่วมของ Lully ในการปลูกฝัง ดนตรี. พวกเขาสร้างประเภทของภาษาฝรั่งเศส โอเปร่าทาบทาม (คำนี้ก่อตั้งขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศส) มากมาย เต้นรำจากผลงานของเขา รูปแบบขนาดใหญ่ (minuet, gavotte, sarabande ฯลฯ ) มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของ orc ที่ตามมา ห้องสวีท ความคิดสร้างสรรค์ Lully - เวทีสำคัญในการวิวัฒนาการของดนตรีจากโพลีโฟนิกแบบเก่า ฟอร์มโซนาต้า-ซิมโฟนี ประเภทของศตวรรษที่ 18

ในคอน ชั้น 17 - ชั้น 1 ศตวรรษที่ 18 M. A. Charpentier เขียนให้กับ t-ra (โอเปร่า Medea, 1693 และอื่น ๆ เขายังเป็นผู้แต่ง cantata ภาษาฝรั่งเศสเรื่องแรก - Orpheus Descending in Hell, 1688), A. Campra (โอเปร่าบัลเล่ต์ " Gallant Europe", 1697; "งานเฉลิมฉลองของชาวเวนิส", 1710; บทเพลงโศกนาฏกรรม "Tacred", 1702, ฯลฯ ), MR Delaland (การผันตำแหน่ง "Palace of Flora", 1689; "Melisert", 1698; "Country Marriage ", 1700 ฯลฯ ), AK Detush (โศกนาฏกรรมบทกวี "Amadis the Greek", 1699; "Omphala", 1701; "Telemachus and Calypso", 1714; โอเปร่าบัลเล่ต์ "Carnival and Madness", 1704 และอื่น ๆ ) ในบรรดาผู้สืบทอดของ Lully ความธรรมดาของการถือกำเนิดนั้นสังเกตเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษ โรงภาพยนตร์. สไตล์. ในการผลิต คีตกวีเหล่านี้ที่ยังคงสร้างบทกวี โศกนาฏกรรม, บัลเลต์ตกแต่ง, อภิบาล - งดงามมาถึงเบื้องหน้า ด้านของประเภทนี้ไปสู่ความเสียหายของละคร รากฐานของโอเปร่า วีรกรรมของมัน เนื้อหา. สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษคือการเริ่มต้นของการกระจายการลงทุน (ดู Divertissement, 3) ลีริค. โศกนาฏกรรมทำให้เกิดแนวใหม่ - โอเปร่าบัลเล่ต์

ในศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศสได้รับการพัฒนาอย่างเสื่อมโทรม คำแนะนำ โรงเรียน - กีตาร์ (D. Gautier ซึ่งมีอิทธิพลต่อรูปแบบฮาร์ปซิคอร์ดของ J. A. Anglebert, J. Sh. de Chambonnière), harpsichord (Chambonniere, L. Couperin), viol (ผู้เล่นแกมโบ้ M. Marin ซึ่งเป็นครั้งแรกในฝรั่งเศสแนะนำ ดับเบิ้ลเบสเข้าสู่วงโอเปร่าออร์เคสตราแทนดับเบิลเบสวิโอลา) ฝรั่งเศสได้รับความสำคัญมากที่สุด โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ด ลักษณะของฮาร์ปซิคอร์ดในยุคแรกเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นโดยตรง อิทธิพลของศิลปะพิณ ในการผลิต Chambonièreถูกกำหนดให้เป็นลักษณะเฉพาะของชาวฝรั่งเศส นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ด ลักษณะการแต่งทำนอง (ดู การประดับประดา) การประดับประดาอย่างมากมายให้ผลผลิต สำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ความซับซ้อนบางอย่าง และความเชื่อมโยงที่มากขึ้น "ความไพเราะ" "ความยาว" กับเสียงกระตุกของเครื่องดนตรีนี้ ในคำแนะนำ ดนตรีถูกใช้อย่างแพร่หลายตั้งแต่ช่วงต้นศตวรรษที่ 16 การรวมกันของการเต้นรำคู่ (pavan, galliard ฯลฯ ) ซึ่งนำไปสู่ศตวรรษที่ 17 เพื่อสร้างห้องชุด การเต้นรำพื้นบ้านแบบเก่า (courante, branle) ได้เข้าร่วมด้วยการเต้นรำจากภูมิภาคต่างๆ ของฝรั่งเศสโดยมีลักษณะเฉพาะที่เด่นชัดของท้องถิ่น (paspier, burre, rigaudon) ซึ่งร่วมกับ minuet และ gavotte ได้สร้างพื้นฐานที่มั่นคงสำหรับชาวฝรั่งเศส คำแนะนำ ห้องสวีท

ในยุค 20-30 ศตวรรษที่ 18 ชุดฮาร์ปซิคอร์ดมาถึงจุดสูงสุด โดดเด่นด้วยความคมชัดของภาพ ความละเอียดอ่อน และความสง่างามของสไตล์ ท่ามกลางชาวฝรั่งเศส นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดมีบทบาทโดดเด่นเป็นตัวแทนของครอบครัวชาวฝรั่งเศสที่กว้างขวาง นักดนตรี F. Couperin ("ยอดเยี่ยม") ซึ่งมีผลงานเป็นจุดสุดยอดของฝรั่งเศส ดนตรี การอ้างสิทธิ์ของยุคคลาสสิก ในห้องชุดแรกของเขา เขาทำตามแบบฉบับที่รุ่นก่อนกำหนด ต่อมาก็เอาชนะบรรทัดฐานของการเต้นรำแบบเก่า ห้องสวีท Couperin สร้างวงจรฟรีตามหลักการของความคล้ายคลึงและความคมชัดของชิ้นส่วน เชี่ยวชาญด้านภาพย่อส่วน เขามีความโดดเด่นในด้านการรวมเนื้อหาที่หลากหลายภายในประเภทนี้ ซึ่งบุกเบิกโดยชาวฝรั่งเศส นักฮาร์ปซิคอร์ด ดนตรีของ Couperin มีลักษณะท่วงทำนองที่ไม่รู้จักเหนื่อย ความเฉลียวฉลาด สัญชาตญาณของเขา บทละครมีการแสดงออก บทละครส่วนใหญ่มีชื่อรายการ ("Reapers", "Reeds", "Cuckoo", "Florentine", "Flirty" เป็นต้น) ด้วยจิตใจที่ดี ภาพผู้หญิงที่สง่างามนั้นประทับอยู่ในนั้นด้วยภาพร่างประเภทบทกวีที่ละเอียดอ่อน นอกเหนือจาก Cooper แล้ว J.F. Dandrieu ยังได้มีส่วนร่วมอย่างมากในการพัฒนาชุดฮาร์ปซิคอร์ดที่มีลักษณะเฉพาะของโปรแกรม และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง J.F. Rameau ผู้ซึ่งเล่นฮาร์ปซิคอร์ดในเรื่องของเขา มักจะก้าวข้ามขอบเขตของความสนิทสนม พยายามเขียนให้มีการตกแต่งมากขึ้นโดยใช้การพัฒนาแบบไดนามิกของประเภทโซนาตา วิธี. ก้าวสำคัญในการก่อตัวของฝรั่งเศส ส. โรงเรียนซึ่งพัฒนาอย่างใกล้ชิดกับชาวอิตาลีเป็นงานของ J. M. Leclerc ("รุ่นพี่") ผู้สร้างตัวอย่างที่ชัดเจนของ Skr โซนาตาและคอนแชร์โตของศตวรรษที่ 18 และ C. de Mondonville ผู้ซึ่งแนะนำ Skr เป็นครั้งแรก เป็นส่วนหนึ่งของฮาร์โมนิกธรรมชาติและใน "ชิ้นส่วนสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดในรูปแบบของโซนาตาพร้อมไวโอลินคลอ" (ค.ศ. 1734) เขาได้พัฒนาส่วนผูกมัด (ดู Obligato, 1) ส่วนหนึ่งของฮาร์ปซิคอร์ด

ใน F. ม. ศตวรรษที่ 18 ที่แรกเป็นของโรงละครดนตรี ประเภท ในช่วง 30-60 ปี ตำแหน่งผู้นำใน adv. โอเปร่า - "ราชาแห่งสถาบันดนตรี" ถูกครอบครองโดย Rameau ในผลงานประเภทบทกวี โศกนาฏกรรมมาถึงจุดสูงสุด การพัฒนา. เขาสร้างผลงานโอเปร่าที่โดดเด่นจำนวนหนึ่ง - เนื้อเพลง โศกนาฏกรรม Hippolytus and Arisia (1733), Castor and Pollux (1737, 2nd edition 1754), Dardanus (1739, 2nd edition 1744), Zoroaster (1749, 2nd edition . 1756), โอเปร่าบัลเล่ต์ "Gallant India" (1735), เป็นต้น นักดนตรีที่ใหญ่ที่สุดของศตวรรษที่ 18 Rameau ได้ปรับปรุงการแสดงออกทางดนตรี ประเภทโอเปร่า บทสวดของเขา สไตล์ได้รับการเสริมแต่งด้วยฮาร์โมนิกที่ไพเราะ สำนวนและภาษาอิตาลีที่แปลแบบออร์แกนิก เกิดขึ้นรูปแบบ เนื้อหาที่หลากหลายมากขึ้นได้มาจากเขาโดยการทาบทาม 2 ส่วนของประเภทนักขับกล่อม เขายังเปลี่ยนเป็นทาบทาม 3 ส่วน ซึ่งใกล้เคียงกับภาษาอิตาลี โอเปร่าซิมโฟนี ในโอเปร่าจำนวนหนึ่ง Rameau คาดว่าจะมีชัยชนะมากมายในด้านดนตรีในภายหลัง ละครปูทางสู่การปฏิรูปโอเปร่าของ K.V. Gluck แต่เนื่องจากสภาพทางประวัติศาสตร์ เขาไม่สามารถปฏิรูปเนื้อเพลงที่ล้าสมัยโดยพื้นฐานได้ โศกนาฏกรรมเพื่อเอาชนะมันอย่างกล้าหาญ สุนทรียศาสตร์ ข้อดีของ Rameau ในด้านดนตรีนั้นยิ่งใหญ่ ทฤษฎี เพลงเด่น. นักทฤษฎีเขาพัฒนาวิทยาศาสตร์ที่กลมกลืนกัน ระบบบทบัญญัติจำนวนหนึ่งซึ่งทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับหลักคำสอนเรื่องความสามัคคี ("Treatise on Harmony", 1722; "The Origin of Harmony", 1750 เป็นต้น) วีรชน-ตำนาน. โอเปร่าโดย Lully, Rameau และผู้แต่งคนอื่นๆ ถึงตรงกลาง ศตวรรษที่ 18 หยุดสอดคล้องกับสุนทรียศาสตร์ คำขอของชนชั้นนายทุน ผู้ชม. การแสดงที่เสียดสีอย่างรุนแรงในการปฐมนิเทศ (ศูนย์การค้ายุติธรรมในปารีสเป็นที่รู้จักกันอย่างแพร่หลายตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17) การเยาะเย้ยประเพณีของชนชั้น "ที่สูงขึ้น" ของสังคมรวมถึงการล้อเลียนศาลเป็นที่นิยม โอเปร่า ผู้เขียนคนแรกของคอเมดี้ดังกล่าว โอเปร่าเป็นนักเขียนบทละคร A. R. Lesage และ C. S. Favard ผู้คัดเลือกดนตรีสำหรับการแสดงอย่างเชี่ยวชาญ ซึ่งประกอบด้วยเพลงคู่ - "voix de ville" (จากคำว่า - "เสียงของเมือง" ดู Vaudeville) และภูเขายอดนิยมอื่น ๆ คติชนวิทยา ในลำไส้ของแฟร์ t-ra ชาวฝรั่งเศสคนใหม่ได้ครบกำหนดแล้ว ประเภทโอเปร่า - นักแสดงตลกโอเปร่า การเสริมความแข็งแกร่งให้กับตำแหน่งของนักแสดงตลกโอเปร่าได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการมาถึงปารีสในปี ค.ศ. 1752 ของชาวอิตาลี คณะละครโอเปร่าซึ่งจัดแสดงผลงานของบรรดาผู้ชื่นชอบโอเปร่า "ผู้รับใช้ - นายหญิง" Pergolesi และการโต้เถียงในประเด็นของศิลปะโอเปร่าซึ่งปะทุขึ้นระหว่างผู้สนับสนุน (กลุ่มชนชั้นนายทุน - ประชาธิปไตย) และฝ่ายตรงข้าม (ตัวแทนของชนชั้นสูง) ชาวอิตาลี อุปรากรควาย - สิ่งที่เรียกว่า "สงครามควาย".

ในทางการเมืองที่ร้อนแรง บรรยากาศของกรุงปารีส การโต้เถียงนี้ได้กลายเป็นรุนแรงโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ได้รับชุมชนขนาดใหญ่ เสียงก้อง. ตัวเลขชาวฝรั่งเศสมีส่วนร่วมอย่างแข็งขัน ตรัสรู้ซึ่งสนับสนุนประชาธิปไตย ศิลปะของ "ผู้คลั่งไคล้" - D. Diderot, J. J. Rousseau, F. M. Grimm และคนอื่น ๆ โต้เถียงเฉียบแหลมของพวกเขา แผ่นพับและวิทยาศาสตร์ บทความ (รูสโซ - บทความเกี่ยวกับดนตรีใน "สารานุกรมหรือพจนานุกรมอธิบายวิทยาศาสตร์ศิลปะและงานฝีมือ"; "พจนานุกรมดนตรี", 1768; "จดหมายเกี่ยวกับดนตรีฝรั่งเศส ... ", 1753; Grimm - "จดหมายเกี่ยวกับ Omphale", 1752; "ศาสดาน้อยจากBömisch-Brod", 1758; Diderot - "การสนทนาเกี่ยวกับ "ลูกชายเลว", 1757, ฯลฯ ) ถูกต่อต้านอนุสัญญาของชาวฝรั่งเศส โฆษณา ที-รา สโลแกนที่ประกาศโดยพวกเขาว่า "การเลียนแบบธรรมชาติ" มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของชาวฝรั่งเศส รูปแบบโอเปร่าของศตวรรษที่ 18 ผลงานเหล่านี้ยังมีสุนทรียภาพอันล้ำค่าอีกด้วย และดนตรี-ทฤษฎี ลักษณะทั่วไป

ในกิจกรรมของพวกเขา นักสารานุกรมไม่ได้ถูกจำกัดอยู่แค่จุดไฟเท่านั้น การโต้เถียง มีบทบาทสำคัญในการอนุมัติดนตรีรูปแบบใหม่ การแสดงนี้เล่นโดยศิษยาภิบาลของ Rousseau "The Village Sorcerer" (1752) ซึ่งเป็นชาวฝรั่งเศสคนแรก การ์ตูน โอเปร่า ตั้งแต่เวลานั้นนักแสดงตลกโอเปร่าเริ่มเฟื่องฟูและกลายเป็นแนวเพลงชั้นนำของ F. m. (มีการแสดงในโรงละคร Comic Opera ดู "นักแสดงตลกโอเปร่า") ในบรรดาผู้เขียนคนแรกของฝรั่งเศส การ์ตูน โอเปร่า - E. Dunya, F. A. Philidor ภาษาอิตาลี นักแต่งเพลง Dunya ซึ่งทำงานในปารีสตั้งแต่ปี ค.ศ. 1757 ได้สร้างผลงานในประเภทนี้มากกว่า 20 ชิ้น ("นักล่าสองคนและสาวใช้นม", 1763; "Reapers", 1768, ฯลฯ )

การ์ตูน โอเปร่าของ Philidor ส่วนใหญ่เป็นโอเปร่าในชีวิตประจำวัน หลายเรื่องมีภาพวาดที่มีสีสัน (The Blacksmith, 1761; The Woodcutter, 1763; Tom Jones, 1765 เป็นต้น) การพัฒนาและขยายขอบเขตของโครงเรื่อง (รวมธีมที่ประโลมโลกและวีรกรรมอย่างค่อยเป็นค่อยไป) นักแสดงตลกโอเปร่าดำเนินไปอย่างอิสระ โดยไม่ได้รับอิทธิพลจากเนื้อเพลง โศกนาฏกรรม. หล่อเลี้ยงและซับซ้อนด้วยแรงบันดาลใจของเธอ ภาษา แต่ยังคงเป็นประชาธิปไตย คดีความ ในปี ค.ศ. 1760 การ์ตูน โอเปร่าเข้าใกล้ "เรื่องตลกที่จริงจัง" ตามที่ Diderot คิด ตัวแทนที่เป็นลักษณะเฉพาะของแนวโน้มนี้คือ P. A. Monsigny ซึ่งงานใกล้เคียงกับความรู้สึกนึกคิดของเวลานั้น ("Deserter", 1769; "Felix หรือ Foundling", 1777 เป็นต้น) การผลิตของเขา เป็นพยานต่อการตรัสรู้มนุษยนิยมของการ์ตูน โอเปร่า เกี่ยวกับกระแสสังคม ตามแบบฉบับของยุคก่อนปฏิวัติ ทศวรรษ. ศิลปะเชิงเปรียบเทียบ ทรงกลมของการ์ตูน โอเปร่าถูกผลักออกจากกันอย่างมีนัยสำคัญโดย A. E. M. Gretry ผู้แนะนำคุณสมบัติของเนื้อเพลงเข้าไป กวีนิพนธ์และก่อนโรแมนติก สี ("Lucille", 1769; "Richard the Lionheart", 1784; "Raoul Bluebeard", 1789 เป็นต้น) ความคิดภาษาฝรั่งเศส ตรัสรู้เล่นสิ่งมีชีวิต บทบาทในการเตรียมการปฏิรูปโอเปร่าของ Gluck เริ่มการปฏิรูปของเขาในปี 1760 ในกรุงเวียนนา ("Orpheus and Eurydice", 1762; "Alceste", 1767) เขาสร้างเสร็จในปารีส การแสดงละครในปารีสของโอเปร่า Iphigenia ใน Aulis (1774), Armida (1777), Iphigenia in Tauris (1779) ซึ่งรวบรวมแนวคิดเรื่องความกล้าหาญและความกล้าหาญที่เสนอโดยกลุ่มขั้นสูงของก่อนปฏิวัติ ฝรั่งเศสเป็นต้นเหตุของการต่อสู้แย่งชิงทิศทางอย่างดุเดือดใน F. m. กับ Gluck ก็สมัครพรรคพวกของฝรั่งเศสโบราณเช่นกัน โอเปร่า (รู้จักเฉพาะโอเปร่าของ Lully, Rameau) และแฟน ๆ ของอิตาลี โอเปร่าในฝูงเพลงบริสุทธิ์ ฝ่ายมีชัยเหนือละคร ลักษณะโอเปร่าของกลัค (เขาได้รับการสนับสนุนจากบุคคลที่มีศิลปะก้าวหน้า) เป็นชนชั้นสูง วงการผู้สนับสนุนลัทธินอกรีตแบบเก่า สุนทรียศาสตร์ของโอเปร่า (J. F. Marmontel, J. F. La Harpe เป็นต้น) ต่อต้านงานโอเปร่าของอิตาลี คอมพ์ น. พิคชินนี. การต่อสู้ระหว่าง "พวกคลั่งไคล้" กับ "พวกปิคชินนิสม์" (คนก่อนชนะ) สะท้อนให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงทางอุดมการณ์อย่างลึกซึ้งที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 18

เกี่ยวเนื่องกับอิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของชนชั้นนายทุนในศตวรรษที่ 18. สังคมดนตรีรูปแบบใหม่กำลังเกิดขึ้น ชีวิต. คอนเสิร์ตค่อยๆ ขยายออกไปนอกห้องโถงของพระราชวังและขุนนาง ร้านเสริมสวย ในปี ค.ศ. 1725 A. Philidor (Danikan) ได้จัด "Spiritual Concerts" ขึ้นที่ปารีสและในปี ค.ศ. 1770 F. J. Gossec ได้ก่อตั้งสมาคม "Amateur Concerts" ตอนเย็นทางวิชาการมีลักษณะปิดมากขึ้น สังคม "Friends of Apollo" (ก่อตั้งขึ้นในปี 1741) ซึ่งมืออาชีพและขุนนางมือสมัครเล่นเล่นดนตรี คอนเสิร์ตประจำปีจัดขึ้นโดย "King's Academy of Music" ภาษาฝรั่งเศสที่ดี การปฏิวัติได้นำการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่มาสู่วงการดนตรีทุกแขนง คดี-va, to-roe ภายใต้อิทธิพลของความคิดสร้างสรรค์ของการปฏิวัติ มวลชนได้มาซึ่งประชาธิปัตย์. อักขระ. ดนตรีกลายเป็นส่วนสำคัญของทุกวิถีทาง เหตุการณ์ปฏิวัติ เวลา - ทหาร ชัยชนะ นักปฏิวัติ งานเฉลิมฉลอง งานรื่นเริงพิธีไว้ทุกข์ (บาสตีย์ล้มลงกับเสียงเพลงผู้คนแต่งเพลงเกี่ยวกับการโค่นล้มสถาบันกษัตริย์เกี่ยวกับรัฐธรรมนูญที่นำมาใช้งานศพของวีรบุรุษกลายเป็นขบวนแห่พร้อมกับวิญญาณวงออเคสตรา ฯลฯ )

หน้าที่ทางสังคมใหม่ของรำพึง art-va (มันกลายเป็นวิธีการศึกษาของพลเมืองอย่างแข็งขันเป็นพลังทางสังคมที่ให้บริการผลประโยชน์ของรัฐ) มีส่วนทำให้เกิดการจัดตั้งประเภทมวลชน - เพลง, เพลงสวด, การเดินขบวน ฯลฯ ในภาษาฝรั่งเศสครั้งแรก นักปฏิวัติ เพลงที่ใช้เพลงของเพลงยอดนิยมที่มีอยู่แล้วในหมู่คน: ตัวอย่างเช่นเพลงของฝรั่งเศส sans-culottes "Za ira" - นี่คือการท่วงทำนองใหม่ของท่วงทำนองของ "National Carillon" Bekur เพลงที่สรุปน้ำเสียงที่มีลักษณะเฉพาะของนาร์ก็ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายเช่นกัน เพลง - "Carmagnola" และอื่น ๆ สูง ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของการปฏิวัติ เพลงของฝรั่งเศสคือเพลง Marseillaise ซึ่งแต่งโดย C.J. Rouget de Lisle (พ.ศ. 2335; จากปี พ.ศ. 2338 โดยเป็นเพลงชาติของฝรั่งเศส) ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในดนตรีที่กล้าหาญ ภาพดึงดูดผู้ชมจำนวนมากทำให้ศิลปะแห่งการปฏิวัติมีชีวิตชีวา ความคลาสสิค แนวความคิดในการต่อสู้กับเผด็จการเสรีภาพของมนุษย์ซึ่งหล่อเลี้ยงรำพึง คดีความสนับสนุนการค้นหาเพลงใหม่ กองทุน สำหรับกระทะ และคำแนะนำ ดนตรี (โดยผู้แต่งต่างกัน) น้ำเสียงเชิงโวหาร ทำนองที่โดดเด่นด้วย "รูปทรงขนาดใหญ่" (มักจะมีน้ำเสียงประโคม) จังหวะไล่ การเดินขบวน ความหยาบกร้านของโมดัลฮาร์โมนิกกลายเป็นแบบอย่าง คลังสินค้า. นักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในเวลานั้น - Gossec, E. Megul, JF Lesueur, L. Cherubini หันไปเขียนเพลง, เพลงสวด, เดินขบวน ("เพลงของ 14 กรกฎาคม", นักร้องประสานเสียง "Awake, people!", "Mournful March" สำหรับ วงดุริยางค์วิญญาณและผลงานอื่น ๆ โดย Gossek, "Song of the March", "Song of Victory" โดย Megul, "Song of the Triumphs of the French Republic", "Hymn of the 9 Thermidor" โดย Lesueur; "Hymn to the Brotherhood" , "เพลงสิบสิงหาคม" โดย Cherubini) คีตกวีเหล่านี้เป็นท่วงทำนองที่โดดเด่นที่สุด ผู้นำของฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง การปฏิวัติ พวกเขาเป็นผู้นำการจัดระเบียบของมวลชนที่ยิ่งใหญ่ การเฉลิมฉลอง (พวกเขาดำเนินการประสานเสียง, วงออเคสตราในจตุรัสของปารีส) หนึ่งในผู้สร้างเพลง รูปแบบของการปฏิวัติคือ Gossec ซึ่งงานวางรากฐานสำหรับแนวเพลงใหม่รวมถึง ปฏิวัติรักชาติ เพลงมวลชน วีรบุรุษ การเดินขบวนงานศพ, ความปั่นป่วน โอเปร่าของการปฏิวัติ เขายังเป็นผู้ก่อตั้งฝรั่งเศส ซิมโฟนี (ซิมโฟนีที่ 1, 1754) ขึ้นอยู่กับความสำเร็จของฝรั่งเศส โอเปร่า (ส่วนใหญ่คือ Rameau) Gossec ปรับปรุงและขยายองค์ประกอบของซิมโฟนี วงออเคสตรา (นำคลาริเน็ตและแตรเข้าสู่สกอร์) สังคม บรรยากาศแห่งยุคนั้นมีความหมาย อิทธิพลต่อดนตรี ทีอาร์ ปฏิวัติ. อุดมการณ์มีส่วนทำให้เกิดแนวใหม่ - apotheosis, ความปั่นป่วน การแสดงโดยใช้คณะนักร้องประสานเสียงขนาดใหญ่ มวลชน (Gosseck - apotheosis "The Gift of Freedom", 1792; โอเปร่า "The Triumph of the Republic หรือ Camp at the Grand Pre", 1793; Gretry - ความปั่นป่วน โอเปร่า "The Republican Chosen One หรืองานฉลองคุณธรรม", "Tyrant Dionysius" ทั้ง 1794 เป็นต้น)

ในช่วงหลายปีของการปฏิวัติ "โอเปร่าแห่งความรอด" (เริ่มเป็นรูปเป็นร่างก่อนการปฏิวัติ) ได้รับการพัฒนาเป็นพิเศษ โดยยกประเด็นของการต่อสู้กับเผด็จการ เปิดโปงพระสงฆ์ เชิดชูความจงรักภักดีและการอุทิศตน แนวฮีโร่แนวใหม่นี้ผสมผสานความเป็นฮีโร่ที่เหนือชั้นและความสมจริงในชีวิตประจำวัน ซึ่งเป็นคุณสมบัติของการ์ตูน โอเปร่าและวีรสตรี โศกนาฏกรรมของ Gluck ตัวอย่างที่ชัดเจนของ "โอเปร่าแห่งความรอด" ถูกสร้างขึ้นโดย Cherubini ("Lodoiska", 1791; "Eliza", 1794; "Water Carrier", 1800), Breton ("The Horrors of the Monastery", 1790), Lesueur (" ถ้ำ", 1793) คีตกวีแห่งยุคฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ การปฏิวัติมีส่วนสำคัญอย่างมากต่อการพัฒนาประเภทโอเปร่า: สิ่งเหล่านี้ได้ทำให้การแสดงออกของโอเปร่าสมบูรณ์ยิ่งขึ้น หมายถึง (Cherubini ใช้หลักการของประโลมโลกในจุดสุดยอด) เทคนิคการกำหนดลักษณะ (การก่อตัวของ leitmotivism โดย Gretry, Lesueur, Cherubini, Megul; ดู Leitmotiv) ให้การตีความรูปแบบโอเปร่าบางรูปแบบใหม่ โอเปร่าของ Gretry จำนวนหนึ่ง ("Richard the Lionheart", "Raoul Bluebeard") และ Cherubini (รวมถึง "Medea", 1797) ซึ่งผู้เขียนพยายามที่จะแสดงด้านใน ประสบการณ์ของมนุษย์มีความโรแมนติก แนวโน้ม ผลงานเหล่านี้ปูทางสู่โอเปร่าโรแมนติกในศตวรรษที่ 19

ในยุค 80 ศตวรรษที่ 18 คลี่ออก กิจกรรมของ G. B. Viotti - ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของยุควีรบุรุษ ความคลาสสิคใน Skr เรียกร้อง-ve ซึ่งมีอิทธิพลต่อการก่อตัวของฝรั่งเศส ส. โรงเรียนสมัยศตวรรษที่ 19 ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาของการปฏิวัติ มันได้รับจิตวิญญาณทางการทหาร เนื่องจากมีความสำคัญเป็นพิเศษ ดนตรี (ฟังในช่วงเทศกาล งานเฉลิมฉลอง พิธีการ ขบวนแห่ศพ) วงออร์เคสตราแห่งชาติจัดขึ้น ยาม (1789 ผู้ก่อตั้ง B. Sarret) ปฏิวัติ. ระบบดนตรียังได้รับการเปลี่ยนแปลง การศึกษา. เมตริกถูกยกเลิก ในปี ค.ศ. 1792 Muses ได้เปิดขึ้น โรงเรียนแห่งชาติ ยามสำหรับการฝึกทหาร นักดนตรี บนพื้นฐานของโรงเรียนนี้และในหลวง โรงเรียนสอนขับร้องและบรรยาย (ก่อตั้งโดยเลขาธิการแห่งรัฐ พ.ศ. 2327) ในปี พ.ศ. 2336 น. ดนตรี in-t (ตั้งแต่ 1795 - Paris Conservatory) บุญที่ยิ่งใหญ่ในองค์กรของเรือนกระจกเป็นของ Sarret ในหมู่ผู้ตรวจสอบและครูคนแรก - Gossec, Gretry, Cherubini, Lesuer, Megul

ในช่วงระยะเวลาของเผด็จการนโปเลียน (1799-1814) และการฟื้นฟู (1814-15, 1815-30) การเสื่อมถอยทางอุดมการณ์ของ F. m. Semiramide" Katel, 1802, ฯลฯ ) ปีเหล่านี้ยังไม่ได้ให้ (ยกเว้นบางกรณี) หมายถึง องค์ประกอบ กับฉากหลังอันเขียวชอุ่ม วีรกรรมจอมปลอม แยง. โอเปร่า "Ossian หรือ Bards" โดย Lesueur (โพสต์ 1804), "Joseph" โดย Megul (1807) โดดเด่น

G. Spontini เป็นตัวแทนตามแบบฉบับของโอเปร่าสไตล์ภายนอกที่ตระการตา ซึ่งผลงานที่สะท้อนความต้องการและรสนิยมของยุคนั้นได้อย่างเต็มที่ที่สุด ในโอเปร่าของเขา ("The Vestal Virgin", 1805; "Fernand Cortes หรือการพิชิตเม็กซิโก", 1809, ฯลฯ ) เขายังคงเป็นวีรบุรุษ ประเพณีที่มาจากกลัค มิวส์. บทละครของสิ่งมีชีวิตที่สร้างขึ้น "Vestals" อิทธิพลต่อการก่อตัวของประเภทแกรนด์โอเปร่า

เมื่อสิ้นสุดยุคฟื้นฟูในยุคเริ่มต้นของสังคม หลังจากการพุ่งสูงขึ้นที่นำไปสู่การปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1830 การฟื้นฟูก็สังเกตเห็นได้ในด้านวัฒนธรรมด้วย ในการต่อสู้กับอาเคด คดีของจักรวรรดินโปเลียนเกิดขึ้นโดยชาวฝรั่งเศส โรแมนติก โอเปร่าสู่สวรรค์ในยุค 20-30 ครอบครองตำแหน่งที่โดดเด่น โรแมนติก. แนวโน้มแสดงออกในความปรารถนาสำหรับความอิ่มตัวเชิงอุดมการณ์บทกวี ความฉับไวของการแสดงออก การทำให้เป็นประชาธิปไตย และสีสันของรำพึง ภาษา. ประเภทโอเปร่า นักแสดงตลกโอเปร่าซึ่งแพร่หลายที่สุดในช่วงหลายปีที่ผ่านมาก็กลายเป็นเรื่องโรแมนติกเช่นกัน ถึงนักแสดงตลกที่ดีที่สุด โอเปร่าของทิศทางนี้เป็นผลงาน A. Boildieu ซึ่งประสบความสำเร็จสูงสุดคือโอเปร่า The White Lady (1825) ที่มีปรมาจารย์อันงดงาม ฉากประจำวันและโรแมนติก จินตนาการ ความโรแมนติกของการ์ตูนเพิ่มเติม โอเปร่าทำให้เนื้อเพลงของเธอเพิ่มขึ้น จุดเริ่มต้นการใช้ nar ที่กว้างขึ้น ท่วงทำนองและเสริมสไตล์ของเธอ การ์ตูนแนวใหม่ โอเปร่าที่ฉุนเฉียว พล็อตการกระทำที่พัฒนาอย่างรวดเร็วดนตรี ภาษาที่อิ่มตัวด้วยน้ำเสียงของเพลงและการเต้นรำในชีวิตประจำวัน ถูกสร้างขึ้นโดย F. Ober ("Fra Diavolo", 1830; "The Bronze Horse", 1835; "Black Domino", 1837 เป็นต้น) ในประเภทตลก นักแต่งเพลงคนอื่นยังทำงานในโอเปร่า - F. Herold ("Tsampa หรือ the Marble Bride", 1831), F. Halevi ("Lighting", 1835), A. Adam ("บุรุษไปรษณีย์จาก Longjumeau", 1836) ซึ่งต่อมา ได้รับการอนุมัติยังโรแมนติก ทิศทางในบัลเล่ต์ ("Giselle หรือ Willis", 1841; "Corsair", 1856)

ในปีเดียวกันนั้น ประเภทของแกรนด์โอเปร่าเกี่ยวกับประวัติศาสตร์และความรักชาติได้ก่อตัวขึ้น และกล้าหาญ เรื่องราว ในปี ค.ศ. 1828 มีการโพสต์ โอเปร่า "Mute from Portici" ("Fenella") โดย Aubert เนื้อเรื่องที่สอดคล้องกับสังคม อารมณ์ในช่วงก่อนการปฏิวัติเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2373 นี่เป็นโอเปร่าขนาดใหญ่เรื่องแรกที่คนธรรมดาแสดงแทนวีรบุรุษในสมัยโบราณ ตัวเพลงเองก็มีความแตกต่างจากความเคร่งขรึมของวีรสตรียุคเก่า ประเภท "ใบ้จากปอร์ติจิ" กระตุ้นการพัฒนาต่อไปของวีรบุรุษพื้นบ้าน และโรแมนติก โอเปร่า ใน Grand Opera มีนักละครบางคนรับรู้แล้ว เทคนิคที่ใช้โดย G. Rossini ในโอเปร่า "William Tell" (1829) เขียนโดยเขาสำหรับปารีส การทำงานในฝรั่งเศส Rossini ดึงเอาวัฒนธรรมของเธอมามากมาย ในขณะเดียวกันก็มีผลกระทบต่องานของชาวฝรั่งเศส นักดนตรีโดยเฉพาะ J. Meyerbeer

ในภาษาฝรั่งเศส แกรนด์โอเปร่าแห่งทศวรรษที่ 1830 และ 1840 ที่สร้างขึ้นโดยยุคแห่งแนวโรแมนติกที่กล้าหาญ สิ่งที่น่าสมเพช ความอิ่มเอมใจ ประกอบกับการแสดงบนเวทีมากมาย เอฟเฟกต์, เอฟเฟกต์การตกแต่งภายนอก ในเรื่องนี้งานของ Meyerbeer ซึ่งเป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของประวัติศาสตร์และความโรแมนติกที่ยิ่งใหญ่นั้นเป็นสิ่งบ่งชี้โดยเฉพาะ โอเปร่า เป็นเวลาหลายปีที่เกี่ยวข้องกับฝรั่งเศส วัฒนธรรม. สำหรับการผลิตของเขา โดยทั่วไปจะเขียนอย่างระมัดระวัง ลักษณะนูนของตัวละคร ลักษณะการเขียนที่ติดหู เพลงที่ชัดเจน การแสดงละคร (แยกแยะจุดสุดยอดทั่วไปและช่วงเวลาสำคัญในการพัฒนาแอ็คชั่น) ด้วยการผสมผสานอันโด่งดังของดนตรี สไตล์ (ภาษาดนตรีของเขาถูกสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของวัฒนธรรมประจำชาติต่างๆ) Meyerbeer สร้างโอเปร่าที่จับภาพการกระทำด้วยละครที่เข้มข้นโรงละครที่ตระการตา ความฉูดฉาด ลักษณะตลอดประวัติศาสตร์ของ F. m. สัมพันธ์คือโรงละคร และดนตรี art-va แสดงออกในผลงานของ Meyerbeer ซึ่งได้รับอิทธิพลมาจากความโรแมนติก ละครโดยเฉพาะ วี. ฮิวโก้. (หมายความว่าบทบาทในการสร้างรูปแบบโอเปร่าของ Meyerbeer เป็นของนักเขียนบทละครที่ยิ่งใหญ่ในสมัยนั้น E. Scribe ซึ่งกลายเป็นนักเขียนบทถาวรของเขา) โอเปร่าปารีสของ Meyerbeer - "Robert the Devil" (1830) ซึ่งโครงสร้างของ ชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ได้ก่อตัวขึ้น โอเปร่า งานที่ดีที่สุดของเขา "Huguenots" (1835) ซึ่งกลายเป็นตัวอย่างที่ฉลาดที่สุดของฝรั่งเศส โรแมนติก โอเปร่า The Prophet (1849) และ The African Woman (1864) ซึ่งมีสัญญาณของความเสื่อมโทรมของประเภทนี้อยู่แล้ว - สำหรับข้อดีทั้งหมดของพวกเขาพวกเขาเป็นพยานถึงความไม่สอดคล้องกันของงานสร้างสรรค์ วิธีการของเมเยอร์เบียร์และประเภทของแกรนด์โอเปร่าที่มีผลกระทบภายนอกต่อความเสียหายของความเป็นจริง โอเปร่าที่ยิ่งใหญ่เกี่ยวข้องกับงานของชาวฝรั่งเศสหลายคน นักแต่งเพลงรวมถึง Halevi ("Zhidovka", 1835; "ราชินีแห่งไซปรัส", 1841; "Karl VI", 1843)

ภาษาฝรั่งเศสก้าวหน้า ดนตรี แนวโรแมนติกพบการแสดงออกที่โดดเด่นและสมบูรณ์ที่สุดในผลงานของ G. Berlioz หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19 Berlioz เป็นผู้สร้างซอฟต์แวร์ที่โรแมนติก ซิมโฟนี - "Fantastic Symphony" (1830) ซึ่งกลายเป็นแถลงการณ์สำหรับชาวฝรั่งเศส ดนตรี แนวโรแมนติก "แฮโรลด์ในอิตาลี" (1834) ลักษณะเฉพาะของซิมโฟนี ความคิดสร้างสรรค์ของ Berlioz เกิดจากการหักเหของแสงในดนตรีของเขา ภาพของ Virgil, W. Shakespeare, J. Byron, J. W. Goethe, การบรรจบกันของ Symph ประเภทกับโรงละคร ปัญหาของการแสดงละครได้รับการแก้ไขในแต่ละผลงานของเขา เป็นรายบุคคล: dram ซิมโฟนี "โรมิโอและจูเลียต" (1839) คล้ายกับ oratorio (เนื่องจากการแนะนำของศิลปินเดี่ยวและคณะนักร้องประสานเสียง) และมีองค์ประกอบของการแสดงโอเปร่า ดราม่า ตำนาน "The Condemnation of Faust" (สำหรับศิลปินเดี่ยว คณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา ค.ศ. 1846) เป็นโอเปร่า-ออราโทริโอ-ซิมโฟนีที่ซับซ้อน ประเภท. ในระดับหนึ่ง หลักการของ monothematism ที่ใช้กันอย่างแพร่หลายโดย Berlioz ในซิมโฟนีซึ่งในกรณีนี้มาจากลักษณะเฉพาะของเพลงในโอเปร่านั้นเชื่อมโยงกันในระดับหนึ่ง ด้วยการแสดงซิมโฟนีแบบเป็นโปรแกรมของเขา Berlioz ได้สรุปหนึ่งในเส้นทางที่สำคัญที่สุดสำหรับการพัฒนาของยุโรป อาการ เพลง (ดูโปรแกรมเพลง). ในเพลงของเขาพร้อมกับเนื้อร้องที่สนิทสนมน่าอัศจรรย์ และภาพประเภทต่าง ๆ เป็นตัวเป็นตนอย่างต่อเนื่องในการปฏิวัติพลเรือน หัวข้อ; เขาฟื้นประเพณีของมวลชนและประชาธิปไตย การเรียกร้องของฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ การปฏิวัติ (Requiem, 1837; Funeral-Triumph Symphony, 1840) Berlioz เป็นผู้ริเริ่มที่ยิ่งใหญ่ Berlioz ได้สร้างแนทรูปแบบใหม่ ท่วงทำนอง (ท่วงทำนองของเขาโดดเด่นด้วยความโน้มเอียงไปสู่โหมดเก่าซึ่งเป็นจังหวะแปลก ๆ ซึ่งได้รับผลกระทบจากอิทธิพลของลักษณะเฉพาะของคำพูดภาษาฝรั่งเศส ท่วงทำนองบางส่วนของเขาคล้ายกับสุนทรพจน์ที่ยกระดับ) เขาได้สร้างนวัตกรรมที่ยอดเยี่ยมในด้านดนตรี รูปแบบทำให้เกิดการปฏิวัติในด้านเครื่องมือวัด (มีบทบาทสำคัญในการสร้างภาพที่เล่นโดยองค์ประกอบวงดุริยางค์ซึ่งองค์ประกอบอื่น ๆ ของภาษาดนตรีเป็นผู้ใต้บังคับบัญชา - จังหวะความสามัคคีรูปแบบพื้นผิว) ตำแหน่งที่ค่อนข้างพิเศษในภาษาฝรั่งเศส ดนตรี t-re ครอบครองโอเปร่าของ Berlioz: โอเปร่าของเขา "Benvenuto Cellini" (1837) ยังคงเป็นประเพณีของการ์ตูน โอเปร่า dilogy "Trojans" (1859) - วีรกรรมของ Gluck ทาสีด้วยโทนสีโรแมนติก

วาทยกรที่ใหญ่ที่สุดและดนตรีที่โดดเด่น นักวิจารณ์ Berlioz พร้อมด้วย Wagner เป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนใหม่เขียนผลงานที่โดดเด่นจำนวนหนึ่งรวมถึง อุทิศให้กับ L. Beethoven, Gluck ประเด็นของการทำศิลปะ (ในหมู่พวกเขา - บทความ "The Conductor of the Orchestra", 1856) และ orchestration ("The Great Treatise on Instrumentation, 1844)

งานของ Berlioz บดบังกิจกรรมของชาวฝรั่งเศสจำนวนหนึ่ง นักแต่งเพลง ser. ศตวรรษที่ 19 ทำงานในวงการซิมโฟนี ประเภท. อย่างไรก็ตาม บางส่วนรวมถึง เอฟ เดวิด ตัดสินใจแล้ว ผลงานเพลง เรียกร้องในฝรั่งเศส ผู้เขียนซิมโฟนีเดียว The Desert (1844), คริสโตเฟอร์โคลัมบัส (2390) และงานอื่น ๆ เขาได้วางรากฐานของลัทธิตะวันออกใน F. m.

ในยุค 30-40 ศตวรรษที่ 19 ปารีสกลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของดนตรีสากล วัฒนธรรมที่ดึงดูดนักดนตรีจากต่างประเทศ ความคิดสร้างสรรค์ถูกเปิดเผยที่นี่การเปียโนของ F. Chopin และ F. Liszt เติบโตขึ้นศิลปะของนักร้อง P. Viardo-Garcia, M. Malibran เจริญรุ่งเรือง N. Paganini และนักแสดงที่โดดเด่นอื่น ๆ ได้จัดคอนเสิร์ต

ตั้งแต่แรก ศตวรรษที่ 19 ยุโรป ชื่อเสียงได้รับภาษาฝรั่งเศส ไวโอลินที่เรียกว่า โรงเรียนปารีส - P. Rode, P. M. Baio, R. Kreutzer; กาแล็กซี่ของนักร้องที่เกี่ยวข้องกับความโรแมนติกมาถึงเบื้องหน้า โอเปร่าในหมู่พวกเขา - นักร้อง L. Damoro-Chinti, D. Arto, นักร้อง A. Nurri, J. L. Dupre ท่วงทำนองระดับเฟิร์สคลาสจำนวนหนึ่งปรากฏขึ้น ทีม ในปี พ.ศ. 2371 F. Habenek ก่อตั้งในปารีส "The Society of Concerts of the Paris Conservatory" ซิมโฟนี ซึ่งการแสดงคอนเสิร์ตมีบทบาทสำคัญในการส่งเสริมงานของเบโธเฟนในฝรั่งเศส (ในปี พ.ศ. 2371-2574 มีการจัดรอบในปารีสซึ่งรวมถึงซิมโฟนีทั้งหมดของเบโธเฟน) เช่นเดียวกับ Berlioz (การแสดงซิมโฟนีมหัศจรรย์ โรมิโอและจูเลียตเป็นครั้งแรกในคอนเสิร์ตของ สังคม ", "แฮโรลด์ในอิตาลี") Berlioz นำกิจกรรมของวาทยกรใหญ่ เขาจึงจัดซิมโฟนี คอนเสิร์ต - เทศกาล (ต่อมาเขาเป็นวาทยกรของ Grand Parisian Philharmonic Society ซึ่งสร้างขึ้นจากความคิดริเริ่มของเขา 1850-51) วิธี. คณะนักร้องประสานเสียงก็พัฒนาขึ้นเช่นกัน การแสดงซึ่งค่อย ๆ ย้ายจากคริสตจักรหนึ่งไปอีกคริสตจักรหนึ่ง ห้องโถง คนรักคณะนักร้องประสานเสียงจำนวนมาก การร้องเพลงถูกรวมเป็นหนึ่งโดย Orpheon Society สำหรับดนตรี ชีวิตของฝรั่งเศสในช่วงหลายปีของจักรวรรดิที่สอง (1852-70) มีลักษณะเฉพาะด้วยความหลงใหลในร้านกาแฟคอนเสิร์ตโรงละคร revue คดี chansonnier. ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา t-ry ของประเภทแสงที่มีการแสดงเพลงและเรื่องตลก ทุกที่มันฟังดูสนุกสนานน่าขบขัน ดนตรี. อย่างไรก็ตาม ประสบการณ์ที่ได้รับจากการ์ตูน อุปรากรในการแสดงชีวิตประจำวัน ในการสร้างภาพจริง มีส่วนทำให้เกิดโรงละครใหม่ ประเภท - โอเปร่าและโอเปร่าบทกวี

ละครโอเปร่าของชาวปารีสเป็นผลงานของจักรวรรดิที่สอง มันเติบโตจากการแสดง - บทวิจารณ์ (บทวิจารณ์) ที่สร้างขึ้นในหัวข้อของวันนี้ ละครมีความโดดเด่นด้วยความอิ่มตัวของความทันสมัยเป็นหลัก เนื้อหาและเพลงปัจจุบัน น้ำเสียงสูงต่ำ มันขึ้นอยู่กับบทกวีและการเต้นรำที่เผ็ดร้อน ความหลากหลายสลับกับบทสนทนาสนทนา ในบรรดาผู้สร้างละครโอเปร่าชาวปารีส ได้แก่ J. Offenbach, P. Herve โอเปร่าของปรมาจารย์ที่ใหญ่ที่สุดในประเภทนี้ Offenbach หลากหลายในเนื้อเรื่อง ("Orpheus in Hell", 1858; "Genevieve of Brabant", 1859; "Beautiful Helena", 2407; "Bluebeard" และ "Paris Life", 2409; Pericola", 2411, ฯลฯ ) อยู่ใต้บังคับบัญชาของ Ch. ธีม - ภาพลักษณ์ของความทันสมัย ออฟเฟนบาคขยายศิลปะเชิงอุดมคติ ช่วงประเภท; ละครของเขาได้รับความเฉพาะเจาะจงอย่างฉับพลันซึ่งเป็นการวางแนวทางสังคม (ในงานจำนวนหนึ่งคุณธรรมของสังคมชนชั้นนายทุน - ชนชั้นนายทุนถูกเยาะเย้ย) ดนตรีในละครของออฟเฟนบาคกลายเป็นบทละครที่สำคัญที่สุด ปัจจัย.

ต่อจากนั้น (ในยุค 70 ภายใต้เงื่อนไขของสาธารณรัฐที่สาม) ละครเวทีสูญเสียการเสียดสี การล้อเลียน และความเฉพาะเจาะจง และเรื่องประวัติศาสตร์-ทุกวันและเชิงโคลงสั้น-โรแมนติกก็กลายเป็นเรื่องเด่น โครงเรื่องในดนตรีเนื้อเพลงมาถึงข้างหน้า จุดเริ่มต้น ("Madame Favard", 2421 และ "The Daughter of the Tambour Major", 2422, Offenbach; "Mademoiselle Nitouche" Herve, 2432 เป็นต้น); มันแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในละครของ C. Lecoq ("ลูกสาวของ Madame Ango", 1872; "Girofle-Giroflya", 1874), R. Plunket ("Corneville Bells", 1877) โรงอุปรากรหลายแห่งเปิดให้แสดงโอเปร่าในปารีส t-ditch - "Buff-Parisien" (1855 ผู้ก่อตั้ง - Offenbach), "Foli Dramatic" (1862), "Foli Bergère" (1872; ภายหลัง - ห้องโถงดนตรี) ฯลฯ

ภายในปี 50 ศตวรรษที่ 19 ในฝรั่งเศส เรียกร้อง-ve ขยายความสมจริง แนวโน้ม ในโอเปร่าสิ่งนี้แสดงออกถึงความปรารถนาในแผนการธรรมดาเพื่อภาพลักษณ์ที่ไม่พิเศษและโรแมนติก ฮีโร่แต่คนธรรมดาที่มีประสบการณ์ใกล้ชิด ในคอน 50s - 60s แนวเพลงกำลังเกิดขึ้น โอเปร่า ตัวอย่างที่ดีที่สุดมีลักษณะเป็นจิตวิทยาเชิงลึก การเปิดเผยภายในอย่างละเอียดอ่อน ของโลกมนุษย์ ภาพที่แท้จริงของสถานการณ์ ขัดกับเบื้องหลังของการกระทำที่พัฒนาขึ้น อย่างไรก็ตาม เนื้อเพลง โอเปร่าขาดความกว้างของศิลปะเชิงอุดมคติ ลักษณะทั่วไป มักจะจุดไฟ พื้นฐานของโอเปร่าคือผลงาน คลาสสิกระดับโลก แต่เน้นในพวกเขาเป็นหลัก เนื้อเพลง ละคร โครงเรื่องถูกตีความในชีวิตประจำวัน ปัญหาทางอุดมการณ์แคบลง เนื้อหาเชิงปรัชญาของประเด็น แหล่งที่มาเดิม ลีริค. โอเปร่ามีความโดดเด่นด้วยบทกวี ร่างฉาก ภาพ, ดนตรีที่เข้าใจได้ง่าย, ความน่าดึงดูดใจ, ความไพเราะของท่วงทำนอง, การทำให้ท่วงทำนองเป็นประชาธิปไตย ภาษาซึ่งเข้าถึงเนื้อเพลงในชีวิตประจำวัน (ใช้กันอย่างแพร่หลายคือนิทานพื้นบ้านเมืองประเภทต่าง ๆ ในชีวิตประจำวันรวมถึงความรักและวอลทซ์)

ลีริค. โอเปร่าได้รับองค์ประกอบที่สมบูรณ์และสมบูรณ์แบบที่สุดในงานของ Ch. Gounod โอเปร่าเฟาสท์ (1859 ฉบับที่ 2 พ.ศ. 2412) ซึ่งเป็นจุดกำเนิดของแนวเพลงใหม่ทำหน้าที่เป็นคลาสสิก ตัวอย่าง. Gounod สร้างเนื้อเพลงที่สดใสอีก 2 บท โอเปร่า - "Mireil" (2406 ฉบับที่ 2 2407) และ "โรมิโอและจูเลียต" (2408 ฉบับที่ 2 2431) ในบรรดานักประพันธ์เพลงที่เขียนในประเภทนี้ เนื้อเพลงมีความโดดเด่นในด้านต้นฉบับ พรสวรรค์ความสง่างามของดนตรี สไตล์ J. Massenet ผู้แต่งโอเปร่ายอดนิยม "Manon" (1884), "Werther" (1886) บทกวีดังกล่าวเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง โอเปร่าเช่น "Mignon" (1866) และ "Hamlet" (1868) โดย Thomas, "Pearl Diggers" (1863), "Beauty of Perth" (1866) และ "Jamile" (1871) โดย Bizet, "Lakme" โดย Delibes (1883). ตั้งชื่อโอเปร่าโดย J. Bizet และ L. Delibes ในเรื่องที่แปลกใหม่ วิชา "Oriental" และ "Samson and Delilah" โดย Saint-Saens (1876) เป็นวิชาภาษาฝรั่งเศสที่ดีที่สุด เนื้อเพลงโอเรียนเต็ล เนื้อเพลงมากมาย โอเปร่าถูกจัดแสดงที่ Lyric Theatre (ก่อตั้งขึ้นในปี 1851)

ในยุค 70 ศตวรรษที่ 19 เหมือนจริง. แนวโน้มยังปรากฏในประเภทของบัลเล่ต์ Delibes เป็นผู้ริเริ่มในพื้นที่นี้ การแสดงบัลเลต์ Coppelia หรือ Girl with Enamel Eyes (1870), Sylvia หรือ Nymph of Diana (1876) ได้เสริมความแข็งแกร่งให้กับละคร เริ่มต้นในการเต้นรำ ขยายขอบเขตของโคลงสั้น ๆ จิตวิทยา การแสดงออกของประเพณี รูปแบบบัลเล่ต์ที่ใช้ผ่านการพัฒนาของดนตรี.-xopeografich. การกระทำถึงการประสานเสียงของดนตรีบัลเล่ต์ ช่องว่างนั้นเหมือนจริง หลักการโคลงสั้น ๆ โอเปร่าเกี่ยวข้องกับงานของ Bizet การสร้างสรรค์ที่ดีที่สุดของเขา - ดนตรีสำหรับละคร "The Arlesian" ของ A. Daudet (1872) และโอเปร่า "Carmen" (1874) โดดเด่นด้วยความสมจริง การเปิดเผยละครของผู้คนจากผู้คน, พลังของการพรรณนาความขัดแย้งในชีวิต, ความจริงของกิเลสตัณหาของมนุษย์, ไดนามิกของภาพ, ละคร การแสดงออกของดนตรี การพักผ่อนหย่อนใจที่สดใสของแนท สีไพเราะ ความร่ำรวยความคิดริเริ่มของรำพึง ภาษา การผสมผสานของความเข้มข้น การพัฒนาจากประเพณี แบบฟอร์มภาษาฝรั่งเศส การ์ตูน โอเปร่า ("การ์เมน" เขียนอย่างเป็นทางการในประเภทนี้) "คาร์เมน" - จุดสุดยอดของความสมจริงในภาษาฝรั่งเศส โอเปร่า หนึ่งในผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ศิลปะโอเปร่าโลก ในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 19 สิ่งมีชีวิต. ที่อยู่ในเพลง ชีวิตของฝรั่งเศสถูกครอบครองโดยงานของ R. Wagner ซึ่งมีความหมาย อิทธิพลต่อภาษาฝรั่งเศสจำนวนหนึ่ง นักแต่งเพลง เกิดการโต้เถียงกันอย่างดุเดือดระหว่างชาววากเนเรียนกับคู่ต่อสู้ของพวกเขา ปารีสกลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของลัทธิวากเนอร์ มีการตีพิมพ์พิเศษที่นี่ด้วยซ้ำ นิตยสาร "Revue Wagnerrienne" (2428-31) ซึ่งนักเขียน นักดนตรี นักปรัชญา และศิลปินชื่อดังได้ร่วมมือกัน อิทธิพลของดนตรี ละครของ Wagner สะท้อนให้เห็นในโอเปร่า Fervaal d'Andy (1895), Chabrier's Gwendoline (1886) อิทธิพลของ Wagner ยังส่งผลต่อประเภทเครื่องมือ (การค้นหาในด้านความสามัคคีการประสานเสียง) - ผลงานบางชิ้นของ A. Duparc, E. Chausson เป็นต้น อย่างไรก็ตาม ในช่วงทศวรรษ 1990 มีการต่อต้านการครอบงำของแนวคิดวากเนเรียมีความปรารถนาที่จะมีลักษณะประจำชาติมากขึ้นสำหรับความจริงของชีวิตในดนตรี ในเรื่องนี้ ในละครฝรั่งเศส พวกเขาพบว่ามีการนำกระแสนิยมไปปฏิบัติ คล้ายกับอิตาลี Verismo ในระดับนัยสำคัญที่เกี่ยวข้องกับขบวนการวรรณกรรมที่นำโดย E. Zola พวกเขาเป็นตัวเป็นตนอย่างเต็มตาในผลงานของ A. Bruno ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของลัทธิธรรมชาตินิยมในศิลปะโอเปร่าของฝรั่งเศส ในโอเปร่าของเขา (ส่วนใหญ่ของ พวกเขา - ในแผนการและส่วนหนึ่งในบทของ Zola ) ครั้งแรกที่เขานำชาวนาสมัยใหม่มาที่เวทีคนงาน - "The Siege of the Mill" (1893), "Messidor" (2440), "Hurricane" (1901)อย่างไรก็ตาม เพื่อบั่นทอนความสมจริงในผลงานของบรูโน่ ความขัดแย้งในชีวิตจริงมักถูกรวมเข้ากับสัญลักษณ์ลึกลับ มุ่งสู่ทิศทางที่เป็นธรรมชาติ ผลงานของ G. Charpentier ผู้เขียนโอเปร่า Louise (1900) ซึ่งได้รับความนิยมโดยเฉพาะในหมู่ผู้ชมที่เป็นประชาธิปไตยได้รวบรวมผลงานของ G. Charpentier ซึ่งจับภาพคนธรรมดารูปภาพชีวิตประจำวันในปารีส .

ในชั้นที่ 2 ศตวรรษที่ 19 ประเพณีเพลงที่แสดงโดยผลงานของชานซอนเนียร์กลายเป็นที่แพร่หลาย ต่อจากนั้น V.I. Lenin พูดด้วยความเห็นใจอย่างมากเกี่ยวกับการอ้างสิทธิ์ของพวกเขา V.I. เลนินชอบความนิยมในยุค 90 โดยเฉพาะ นักร้อง chansonnier G. Montegus - ลูกชายของคอมมูนาร์ด แยง. chansonniers มักโดดเด่นด้วยการประชาสัมพันธ์ที่สดใส หลายเพลงมีส่วนทำให้เกิดจิตสำนึกในชั้นเรียนของคนงาน ในหมู่พวกเขาคือ "Internationale" - การตอบสนองที่ชัดเจนต่อวีรบุรุษ เหตุการณ์ของ Paris Commune (คำนี้เขียนโดยนักแต่งเพลงป๊อป E. Pottier ในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2414 เพลง - โดยคนงานนักแต่งเพลงสมัครเล่น P. Degeyter ในปี 2431 ดำเนินการครั้งแรกในปี 2431 ในวันหยุดทำงานในลีล) ซึ่งกลายเป็น เพลงของการปฏิวัติ ชนชั้นกรรมาชีพ

Paris Commune เป็นจุดเปลี่ยนที่สำคัญในสังคมการเมือง และวิถีชีวิตวัฒนธรรมของฝรั่งเศส การเมืองของชุมชนในศิลปะ โดยยึดตามสโลแกนของเธอว่า "ศิลปะเพื่อมวลชน" คอนเสิร์ตยิ่งใหญ่จัดขึ้นเพื่อประชาชน การแสดงมวลชนในพระราชวังตุยเลอรี เขตต่างๆ ของกรุงปารีส เสียงเพลงดังขึ้นบนท้องถนน จัตุรัส ออกแบบโดย Paris Commune of Arts เหตุการณ์กว้างใหญ่ในเชิงอุดมคติ ให้โอกาสคนทำงานเข้าชมโรงละคร คอนเสิร์ต และพิพิธภัณฑ์ บุคคลสำคัญในการปฏิวัติ ปารีสเป็นนักแต่งเพลงและนักประพันธ์เพลงพื้นบ้าน R. Salvador-Daniel ผู้ซึ่งต่อสู้บนเครื่องกีดขวางเป็นหัวหน้าเรือนกระจกในสมัยของ Paris Commune (เขาถูกจับโดยแวร์ซายและถูกยิง) แนวคิดของ Paris Commune พบได้โดยตรง สะท้อนให้เห็นในเพลงที่สร้างขึ้นโดยกวีและนักแต่งเพลงที่ทำงาน พวกเขายังมีส่วนทำให้ศาสตราจารย์เป็นประชาธิปไตย เหมือนจริง. คดีความ หลังจากเหตุการณ์ในปี พ.ศ. 2413-14 ในฝรั่งเศส การเคลื่อนไหวเพื่อการก่อตั้งประเพณีของชาติในดนตรีก็ขยายตัว มีการเปลี่ยนแปลงในสนาม instr. ดนตรี-ศิลปะชั้นสูง. คีตกวีชาวฝรั่งเศสในวงซิมโฟนี, Chamber-instr. ประเภท "การต่ออายุ" นี้เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของ S. Frank และ C. Saint-Saens เป็นหลัก

ฝรั่งเศสที่ใหญ่ที่สุด นักแต่งเพลงและนักออร์แกน Frank ในผลงานของเขาผสมผสานคลาสสิก ความชัดเจนของสไตล์กับความโรแมนติกที่สดใส ภาพ เขาให้ความสนใจอย่างมากกับปัญหาของศิลปะ สามัคคี วงจรตามหลักการของการตัดขวางใจความ: สหภาพที่สมบูรณ์และค่อนข้างเป็นอิสระ บางส่วนของวัฏจักรที่มีหัวข้อทั่วไป (ประเพณีมาจากซิมโฟนีที่ 5 ของเบโธเฟน) ถึงตัวอย่างภาษาฝรั่งเศสชั้นสูง ซิมโฟนีเป็นของงานดังกล่าว Franca เป็นซิมโฟนีใน d-moll (1888), ซิมโฟนี บทกวี The Damned Hunter (1882), Genies (สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา, 1884), Psyche (สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา, 1888), Symphonic Variations (สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา, 1885) หลักการของวัฏจักรลักษณะของซิมโฟนี งานของแฟรงค์ก็มีอยู่ในห้องของเขาเช่นกัน เรียงความ เขาเป็นผู้เขียนออร์แกน fp. งาน, oratorios, โรแมนติก, เพลงศักดิ์สิทธิ์ แนวความคิดแบบคลาสสิกในผลงานของแฟรงค์ (การดึงดูดรูปแบบคลาสสิกที่เข้มงวด การใช้โพลีโฟนีอย่างแพร่หลาย) ได้เตรียมนีโอคลาสซิซิสซึ่มบางส่วนในดนตรีของศตวรรษที่ 20 ในเวลาเดียวกัน การค้นพบของเขาในด้านความสามัคคีก็คาดหวังให้เกิดความประทับใจ วิธีการเขียน แฟรงค์เป็นครูที่โดดเด่นเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียน (ในหมู่นักเรียนของเขาคือ V. d "Andy, A. Duparc, E. Chausson) งานของเขามีผลดีต่อ R. m. ปลาย 19 - ต้น 20 ศตวรรษ .

ความคิดสร้างสรรค์. บุคลิกลักษณะเฉพาะของ Saint-Saens ผู้เขียนมากมาย แยง. ประเภทต่าง ๆ ที่แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในเครื่องมือโดยเฉพาะอย่างยิ่งคอนเสิร์ตอัจฉริยะดนตรี - ซิมโฟนีกับออร์แกน (ซิมโฟนีที่ 3, 2429), ซิมโฟนี บทกวี "Dance of Death" (1874), "Introduction and Rondo Capriccioso" และคอนแชร์โตครั้งที่ 3 สำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา (1863, 1880), คอนเสิร์ตที่ 2, 4, 5 สำหรับเปียโน กับวงออเคสตรา (1868, 1875, 1896) คอนแชร์โต้ที่ 2 สำหรับเชลโลและวงออเคสตรา (1902) และอื่นๆ แนวดนตรีแนวคลาสสิกสามารถติดตามได้ในดนตรีแนวโรแมนติกของเขา ความคิดสร้างสรรค์ Saint-Saens โดดเด่นด้วยความเที่ยงตรง ประเพณี (หลักการสร้างสรรค์ของเขาถูกสร้างขึ้นในระดับมากภายใต้อิทธิพลของนักฮาร์ปซิคอร์ด, Berlioz, โอเปร่าที่ยิ่งใหญ่และบทกวี) ใน Op. เขาใช้น้ำเสียงและแนวเพลงพื้นบ้านการเต้นรำอย่างกว้างขวาง จังหวะ (แสดงความสนใจในดนตรีพื้นบ้านของประเทศอื่นด้วย: "Algiers Suite" สำหรับวงออเคสตรา, 1880; Fantasy for Piano with Orchestra "Africa", 1891; "Persian Melodies" สำหรับเสียงกับเปียโน, 1870 เป็นต้น) . ระดับชาติ ความแน่นอนและประชาธิปไตยของรำพึง Saint-Saens ยังปกป้องคดีในฐานะนักดนตรี นักวิจารณ์ กิจกรรมที่หลากหลายของเขาในฐานะนักแต่งเพลง นักเปียโนอัจฉริยะในคอนเสิร์ต นักออร์แกน ผู้ควบคุมวง ดนตรี การวิจารณ์มีจุดมุ่งหมายเพื่อส่งเสริม F. m. นี่เป็นหลักฐานจากการตีพิมพ์เกี่ยวกับความคิดริเริ่มและภายใต้กองบรรณาธิการของ แซงต์-แซง จัดเต็ม คอล ความเห็น ราโม (2438-2461 ยังไม่แล้วเสร็จ)

ผลงานที่สำคัญต่อชาวฝรั่งเศส ดนตรี วัฒนธรรมม้า 19 - ขอ ศตวรรษที่ 20 คอมพ์ E. Lalo (ปรมาจารย์ด้านดนตรีบรรเลงและวงดนตรีแชมเบอร์, ผู้แต่ง "Spanish Symphony" ยอดนิยมสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา, 2418 ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของนักดนตรีชาวฝรั่งเศสที่หลงใหลในนิทานพื้นบ้านสเปน), E. Chabrier (ศิลปินที่แสดง พรสวรรค์แห่งไหวพริบ บทกวีที่ล้ำลึก และความเฉลียวฉลาดเชิงสร้างสรรค์ ซึ่งต่อต้านการบัญญัติให้เป็นนักบุญ ในบรรดาผลงาน ได้แก่ ละครตลกระดับชาติเรื่อง The King โดยไม่ได้ตั้งใจ, 1887, ชิ้นส่วนเปียโน), A. Duparc (ผู้เขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ที่คาดว่าจะมีผลงาน ของประเภทนี้โดย G Fauré, C. Debussy), Chausson (ผู้แต่งบทเพลงที่ละเอียดอ่อน, ผู้สร้างงานไพเราะที่จริงใจ, รวมถึง "บทกวี" สำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา, 2439 เช่นเดียวกับความรัก)

ในกาแลคซีแห่งนี้ d "Andy โดดเด่น นักเรียนที่อุทิศตนของ Frank เขาได้พัฒนาประเพณีในการทำงานของเขา d" ดนตรีของ Andy โดดเด่นด้วยการประสานเสียง ความสร้างสรรค์ ความกลมกลืน ความโปร่งใสของการประสาน ขนาดขององค์ประกอบ เขาชื่นชมและโฆษณาชวนเชื่อในแนวคิดของ Wagner เขาปฏิบัติตามหลักการทางดนตรีของเขา ละคร, leitmotivism. ในการผลิตจำนวนมาก d "แอนดี้พบศูนย์รวมของคติชนวิทยาชาวฝรั่งเศส - "ซิมโฟนีในรูปแบบของเพลงของนักปีนเขาชาวฝรั่งเศส" สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา (1886), "แฟนตาซีในรูปแบบของเพลงพื้นบ้านฝรั่งเศส" สำหรับโอโบและวงออเคสตรา (1888) ซิมโฟนีสวีท "วันฤดูร้อนบนภูเขา" (1905) กิจกรรมของ d" Andy มีส่วนทำให้เกิดความสนใจในเตียงสองชั้น เพลงฝรั่งเศส (เขารวบรวมและประมวลผลเพลงพื้นบ้าน, ออกเพลงหลายชุด) เช่นเดียวกับ contrapuntal ศิลปะของปรมาจารย์ผู้เฒ่า เพื่อการฟื้นคืนชีพของดนตรียุคแรก (การสำแดงแนวโน้มนีโอคลาสสิก) ข้อดีของ d "Andy นั้นยอดเยี่ยมเช่นกันในการศึกษาดนตรีที่เพิ่มขึ้นในฝรั่งเศส

เพิ่มขึ้นในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 19 สนใจ instr. ดนตรีทำให้เกิดการฟื้นคืนชีพของคอนซี ชีวิต. ซิมโฟนีชั้นหนึ่งปรากฏขึ้น และเครื่องดนตรีแชมเบอร์ ทีม ในปี พ.ศ. 2404 บนพื้นฐานของ ผบ. J. Padlu "Society of Young Artists of the Conservatory" เกิดขึ้น "คอนเสิร์ตของประชาชนในดนตรีคลาสสิก" (มีอยู่จนถึงปี 1884 ต่ออายุโดย Padlu ในปี 1886-87; จากปี 1920 ผู้กำกับ Rene-Baton ฟื้นขึ้นมาในฐานะ "Padlu Concert Association") ในปี 1873 ตามความคิดริเริ่มของผู้จัดพิมพ์ J. Hartman การประชุม สมาคม "คอนเสิร์ตแห่งชาติ" นำโดย ผบ. E. คอลัมน์ (ตั้งแต่ปี 1874 - "Chatelet Concerts" ต่อมา - "Column Concerts") ในคอนเสิร์ตของสังคมนี้ F. m. ได้แสดงอย่างกว้างขวางโดยเฉพาะการผลิต แบร์ลิออซ, แฟรงค์. ในปี พ.ศ. 2416 ในความคิดริเริ่มของผบ. S. Lamoureux หลัก "The Society of Sacred Harmony" ("Sociéty de I "Harmonie sacré") ในคอนเสิร์ตซึ่งเป็นครั้งแรกในฝรั่งเศสที่มีการแสดงผลงานของ J. S. Bach, G. F. Handel (ในปี 1881 มันถูกเปลี่ยนเป็น "เกี่ยวกับ - ใหม่" คอนเสิร์ต" ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2440 หลังจากรวมตัวกับโอเปร่าคอนเสิร์ตนำโดย C. Chevillard - ใน Lamoureux Concertos) บทบาทพิเศษในการส่งเสริม F. m. ในความคิดริเริ่มของ Saint-Saens และ R. Bussin โดยมีส่วนร่วม ของเอส. แฟรงค์ซึ่งเกิดขึ้นจากการตอบสนองต่อความรักชาติที่เพิ่มขึ้นทั่วประเทศบทบาทของการขับร้องประสานเสียงเพิ่มขึ้น , Padlou) ถูกสร้างขึ้น: Concordia Society (1879) ซึ่งละครถูกครอบงำโดยผลงานของ Bach และ Handel, the Saint -Gervaise Singers Association (1892 ผู้ก่อตั้ง Ch. Bord) ผู้แสดงดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Bakhovsky (1904), Gendelevsky (1908) ob-va

ได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก ภาษาฝรั่งเศส นักแสดงชั้น 2 19 - ขอ ศตวรรษที่ 20 รวม นักร้อง S. Galli-Marieux, นักร้อง J. L. Lassalle, V. Morel, J. M. Reshke, J. F. Delmas, นักเปียโน A. F. Marmontel, L. Diemer, นักออร์แกน Ch. M. Widor, Frank, L. Viern, G. Pierne, A. Gilman และ อื่นๆ ตลอดศตวรรษที่ 19 ฝรั่งเศสพัฒนาอย่างรวดเร็ว ความคิดวิจัยทางดนตรี มากมาย ทฤษฎีและการสอน ผลงานถูกสร้างขึ้นโดยชาวเช็กที่อาศัยอยู่ในปารีส นักแต่งเพลงและนักทฤษฎี A. Reich; The Historical Dictionary of Musicians (vols. 1-2, 1810-11) and the Musical Encyclopedia (vols. 1-8, 1834-36, notเสร็จ) จัดพิมพ์โดย AE Shoron ผู้เขียนงานเกี่ยวกับทฤษฎีดนตรี (เขาเชื่อมโยง ทฤษฎีกับสุนทรียศาสตร์ทั่วไปและดนตรี); เกี่ยวกับ ฟรังโก ฟลาม คริสตจักร ดนตรีและกลางศตวรรษ ดนตรี E. A. Kusmaker เขียนถึงนักทฤษฎีซึ่งผลงานของเขาได้ปูทางสำหรับการศึกษาดนตรีในยุคกลาง ได้รวบรวม เพลงที่เตรียมและตีพิมพ์ของโอเปร่าและบัลเล่ต์ที่ถูกลืมเขียนงานเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของเครื่องมือวัด (1883) โดย J. B. T. Vekerlen; ผลงานที่ดีในการศึกษาของนาร์ ดนตรีได้รับการแนะนำโดย L.A. Burgot-Ducudray ซึ่งตีพิมพ์เป็นจำนวนมาก ของสะสมพื้นบ้าน ท่วงทำนอง; งานทุนในด้านพจนานุกรมศัพท์และประวัติศาสตร์ดนตรีรวมถึง "ชีวประวัติทั่วไปของนักดนตรีและพจนานุกรมดนตรีบรรณานุกรม" (ฉบับที่ 1-8, 1837-44, เพิ่มเติม ed. 1860-65) เป็นของ F. J. Fetis; บอร์ดได้รวบรวมกวีนิพนธ์เพลงศักดิ์สิทธิ์โบราณ กวีนิพนธ์ดนตรีออร์แกนแห่งศตวรรษที่ 16-18 จัดพิมพ์โดย Gilman and A. Pirro (เล่ม 1-10, 1898-1914)

ในศตวรรษที่ 19 ดนตรี Paris Conservatoire ยังคงฝึกอบรมบุคลากร (Cherubini, Aubert, Salvador-Daniel, Thomas และ T. F. C. Dubois เป็นผู้อำนวยการจนถึงศตวรรษที่ 20 ต่อจาก Sarret) มีมิวส์ใหม่ๆด้วย อุ๊ย สถาบันต่าง ๆ ซึ่งโรงเรียน Niedermeier ซึ่งฝึกฝนวงดนตรีและออร์แกน โดดเด่น (เปิดในปี ค.ศ. 1853 บนพื้นฐานของสถาบันดนตรีคริสตจักรที่ได้รับการจัดระเบียบใหม่ซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2360 โดยโชรอน) และ Schola Cantorum (ก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2437 ด้วยความคิดริเริ่มของ d'Andy, Borda, Gilman การเปิดอย่างเป็นทางการเกิดขึ้นในปี 2439 ผู้อำนวยการในปี 2443-2474 คือ d "Andy) ซึ่งกลายเป็นศูนย์กลางของการศึกษาและการโฆษณาชวนเชื่อ (คอนเสิร์ตสิ่งพิมพ์ของโรงเรียน) ของฆราวาสและคริสตจักรเก่า ดนตรี ผลงานภาษาฝรั่งเศส คีตกวีแห่งศตวรรษที่ 17-18 เช่นเดียวกับแฟรงค์ ในคอน 80s - 90s ศตวรรษที่ 19 ในฝรั่งเศสมีแนวโน้มใหม่เกิดขึ้นซึ่งแพร่หลายในศตวรรษที่ 20 - อิมเพรสชั่นนิสม์ (เกิดขึ้นในยุค 70 ในภาพวาดฝรั่งเศสจากนั้นก็แสดงออกในดนตรี ฯลฯ ) มิวส์. อิมเพรสชั่นนิสม์ฟื้นคืนชีพบางแนท ศิลปะ ประเพณี - ​​ความปรารถนาที่จะเป็นรูปธรรม, โปรแกรม, ความสง่างามของสไตล์, พื้นผิวที่โปร่งใส สิ่งสำคัญในดนตรีของอิมเพรสชันนิสต์คือการถ่ายทอดอารมณ์ที่เปลี่ยนแปลง ความประทับใจชั่วขณะ และสภาพจิตใจที่ละเอียดอ่อน จึงเป็นแรงดึงดูดของกวี ภูมิทัศน์เช่นเดียวกับจินตนาการที่ละเอียดอ่อน

อิมเพรสชั่นนิสม์พบการแสดงออกอย่างเต็มที่ในเพลงของ C. Debussy แสดงออกในผลงานของ M. Ravel, P. Duke, J. J. E. Roger-Ducas และคนอื่น ๆ Debussy สรุปความสำเร็จของรุ่นก่อนของเขาขยายการแสดงออกของเขา และช่างสี ความเป็นไปได้ของดนตรี เขาสร้างการผลิต ศิลปะชั้นสูง ค่าที่โดดเด่นด้วยความแปรปรวนของภาพเสียงที่ไร้ขอบเขต ท่วงทำนองที่ยืดหยุ่นและเปราะบางของเขาดูเหมือนจะถักทอจาก จังหวะ. รูปวาดยังเปลี่ยนแปลงไม่เสถียร ในความกลมกลืนสำหรับผู้แต่งก่อนอื่น coloristic เป็นสิ่งสำคัญ ผล (เสรีภาพกิริยา, การใช้ความเท่าเทียมกันที่ชัดเจน, สตริงของความสามัคคีที่มีสีสันที่ไม่ได้รับการแก้ไข). ความซับซ้อนของฮาร์มอนิก หมายถึงนำไปสู่องค์ประกอบหลายโทนในเพลงของเขา ในออร์ค จานสีถูกครอบงำด้วยสีน้ำบริสุทธิ์ Debussy ได้สร้างนักเปียโนคนใหม่ด้วย สไตล์ ค้นหาความแตกต่างของเสียงเปียโนนับไม่ถ้วน

อิมเพรสชั่นนิสม์ยังแนะนำนวัตกรรมในด้านดนตรี ประเภท ในงานของ Debussy, Symph. วัฏจักรหลีกทางให้ซิมฟ์ สเก็ตช์; ใน fp เพลงถูกครอบงำโดยโปรแกรมย่อส่วน ตัวอย่างที่ชัดเจนของภาพวาดเสียงอิมเพรสชันนิสม์คือ "Prelude to the Afternoon of a Faun" (1894), orc. อันมีค่า "Nocturnes" (1899), 3 ซิมโฟนี ร่าง "ทะเล" (1905) สำหรับวงออเคสตรา เปียโนจำนวนหนึ่ง แยง.

Debussy เป็นผู้สร้างโอเปร่าอิมเพรสชั่นนิสต์ "Pelléas et Mélisande" (1902) ของเขาคือความเป็นหนึ่งเดียว ตัวอย่างของโอเปร่าประเภทนี้ (สำหรับดนตรีอิมเพรสชั่นนิสม์โดยทั่วไป ไม่ใช่เรื่องปกติที่จะหันไปใช้แนวละคร) นอกจากนี้ยังแสดงให้เห็นถึงความชอบของผู้เขียนสำหรับภาพสัญลักษณ์ ด้วยความลึกของการแสดงออกทางจิตวิทยา การถ่ายโอนที่ละเอียดอ่อนโดยใช้ดนตรีที่มีความแตกต่างหลากหลายในอารมณ์ของตัวละคร โอเปร่าทนทุกข์ทรมานจากการแสดงละครที่หยุดนิ่ง ผลงานที่เป็นนวัตกรรมของ Debussy มีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาดนตรีโลกทั้งหมดในศตวรรษที่ 20 ในภายหลัง

ศิลปินเอกแห่งศตวรรษที่ 20 Ravel ยังได้รับอิทธิพลจากสุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ ในงานของเขาต่างเกี่ยวพันกัน สุนทรียศาสตร์และโวหาร แนวโน้ม - คลาสสิก, อิมเพรสชั่นนิสต์โรแมนติก (ในงานต่อมา - นีโอคลาสสิกด้วย) ดนตรีที่ไพเราะและเจ้าอารมณ์ของ Ravel นั้นโดดเด่นด้วยความรู้สึกของสัดส่วน การยับยั้งชั่งใจในการแสดงออก เสรีภาพในการถ่ายทอดดนตรีที่มากขึ้น ความคิดผสมผสานกับความคลาสสิกอย่างลงตัว แบบฟอร์ม (ชอบรูปแบบโซนาต้า) ด้วยจังหวะอันน่าทึ่ง ความหลากหลายและความสมบูรณ์ของเพลงของ Ravel นั้นขึ้นอยู่กับมิเตอร์ที่เข้มงวด เขาเชี่ยวชาญด้านเครื่องมือวัดที่ยอดเยี่ยม สีในขณะที่ยังคงความแน่นอนของเสียงต่ำ ลักษณะเฉพาะของงานของเขาคือความสนใจในนิทานพื้นบ้าน (ฝรั่งเศส สเปน ฯลฯ) และชีวิตประจำวัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งการเต้นรำ ประเภท ยอดเขาแห่งหนึ่งของฝรั่งเศส ซิมโฟนีคือ "Bolero" (1928) ของเขา) ผีอื่น ๆ มีคุณค่าอย่างไม่ต้องสงสัย ความเห็น - "สเปนแรปโซดี" (1907) ออกแบบท่าเต้น บทกวี "Waltz" (2463) ตัวอย่างที่สดใสถูกสร้างขึ้นโดย Ravel ในโอเปร่า (The Spanish Hour, 1907 ต้นแบบของโอเปร่านี้คือ The Marriage ของ Mussorgsky; โอเปร่าบัลเล่ต์ The Child and the Magic, 1925) และประเภทบัลเล่ต์ (รวมถึง Daphnis and Chloe, 1912) ใน พื้นที่ของ fp ดนตรี (2 คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและออเคสตรา, 1935, ชิ้นเปียโน, รอบ) การใช้เทคนิคของ polytonality, polyrhythm, linearity, องค์ประกอบของดนตรีแจ๊สในการทำงานของเขา Ravel ได้ปูทางสำหรับโวหารใหม่ แนวโน้มของดนตรีในศตวรรษที่ 20 พร้อมกับแนวโน้มอิมเพรสชั่นนิสม์ใน F. m. ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ประเพณีของแซงต์-แซนและฟรองก์ยังคงพัฒนาต่อไป G. Fore ทำหน้าที่เป็นผู้ดูแลประเพณีเหล่านี้ Debussy ซึ่งเป็นครูของ Ravel ซึ่งเป็นครูร่วมสมัยที่มีอายุมากกว่า เขายังห่างไกลจากแนวโน้มใหม่ๆ ในงานของเขา ด้วยเมโลดี้ที่ยอดเยี่ยม เพื่ออะไร Fauré ได้สร้างดนตรีที่แต่งเติมด้วยเนื้อร้องที่จริงใจ เช่น เสียงร้องในบทกวีของเขา (เพลงโรมานซ์กับบทเพลงของ P. Verlaine และเพลงอื่นๆ) เปียโน (เพลงบัลลาดสำหรับเปียโนกับวงออเคสตรา 2424; น็อคเทิร์นและโหมโรงจำนวนหนึ่ง) Chamber-instr. (โซนาตาที่ 2 สำหรับไวโอลินกับเปียโน, โซนาต้า 2 ตัวสำหรับเชลโลพร้อมเปียโน, เครื่องสาย, เปียโนทรีโอ 2 ตัว, ควินเท็ตเปียโน 2 ตัว) นอกจากนี้เขายังเป็นเจ้าของโอเปร่า "Penelope" (1913) ซึ่งต่อมาได้รับการชื่นชมอย่างสูงจาก A. Honegger ครูที่ใหญ่ที่สุด Fore เลี้ยงดูมามากมาย นักแต่งเพลงในหมู่นักเรียนของเขา - J. J. E. Roger-Ducas, C. Keklen, F. Schmitt, L. Ober

รูปแบบการเขียนอิมเพรสชั่นนิสม์มีลักษณะเฉพาะของ Duke ตัวอย่างเช่นสิ่งนี้แสดงออกในความฉลาดของออร์แกน และออร์ค ภาษาของโอเปร่าของเขา "Ariana and Bluebeard" (1907) อย่างไรก็ตาม Dukas ผู้ชื่นชมพรสวรรค์ของ Debussy ไม่ใช่ผู้สนับสนุนสุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสต์ การผลิตของเขา โดดเด่นด้วยความชัดเจนขององค์ประกอบ ความชัดเจนของรูปแบบ ความคลาสสิค ความสมดุลทางดนตรี การพัฒนา (symphonic scherzo "Sorcerer's Apprentice", 1897) คะแนนของปรมาจารย์ด้านการประสานเสียงนี้มีสีสันมากมาย พบ (บทกวีออกแบบท่าเต้นสำหรับวงออเคสตรา "Peri", 1912) วิธี. ความสนใจเป็นสิ่งสำคัญของเขา มรดก. Duke ยังเป็นครูที่มีชื่อเสียงอีกด้วย

Debussy, Ravel, Duke และคนอื่นๆ ภาษาฝรั่งเศส คีตกวีแสดงความสนใจในภาษารัสเซีย ดนตรีศึกษางานของ M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin และคนอื่น ๆ ติดตามในเพลง ชีวิตของฝรั่งเศสออกจากคอนเสิร์ตของรัสเซีย ดนตรีระหว่างงานนิทรรศการระดับโลกในปารีส (1889; Rimsky-Korsakov และ A. K. Glazunov เข้าร่วมเป็นวาทยกรในคอนเสิร์ต), Itorich รัสเซีย คอนเสิร์ตที่จัดโดย S. P. Diaghilev (1907 ดำเนินการโดย Rimsky-Korsakov, Glazunov, S. V. Rachmaninov และคนอื่น ๆ ) และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง "Russian Seasons" (จัดขึ้นตั้งแต่ปี 1908 ตามความคิดริเริ่มของ Diaghilev) ในการแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์เพื่อ - ryh เข้าร่วม รัสเซียที่ใหญ่ที่สุด ศิลปิน - F.I. Chaliapin, A. P. Pavlova, V. F. Nizhinsky และคนอื่น ๆ "Russian Seasons" ไม่เพียง แต่แนะนำภาษาฝรั่งเศสเป็นภาษารัสเซียเท่านั้น เพลง แต่นำผลิตภัณฑ์จำนวนหนึ่งมาสู่ชีวิตรวมถึง IF Stravinsky - "The Firebird" (1910), "Petrushka" (1911), "The Rite of Spring" (1913) เช่นเดียวกับ "The Wedding" (1923), "Apollo Musaget" (1928) ซึ่งมาจาก สไตล์ที่งดงามราวภาพวาดในจิตวิญญาณแห่งโลกแห่งศิลปะ เขามาสู่บัลเลต์ตามการประสานกันของดนตรีและการเต้นรำ ตามคำสั่งของ Diaghilev จำนวน Op. E. Satie, J. Orica, F. Poulenc, D. Millau และคนอื่นๆ

กระบวนการสร้างนักประพันธ์เพลงหลายคนไม่ใช่เรื่องง่าย เส้นทางสู่-rykh ครอบคลุมช่วงเวลาที่ยากลำบากในอดีตของการต่อต้าน ชั้น 19 - ชั้น 1 ศตวรรษที่ 20 A. Roussel เป็นหมายเลขของพวกเขา หลังจากจ่ายส่วยให้กับความหลงใหลในดนตรีของแว็กเนอร์แล้วแฟรงค์ก็ได้รับอิทธิพลจากอิมเพรสชั่นนิสม์ (โอเปร่าบัลเล่ต์ "Padmavati", 2461; บัลเล่ต์ละครใบ้ "งานฉลองแมงมุม", 2456) เขาหันไปหานีโอคลาสซิซิสซึ่ม (บัลเล่ต์ "แบคคัสและ Ariadne", 1931; ซิมโฟนีที่ 3 และ 4, 2473 และ 2477 เป็นต้น) กิจกรรมของนักแต่งเพลงและรำพึงอยู่ในช่วงเวลาเดียวกัน นักทฤษฎี Keklen - หนึ่งในครูที่ใหญ่ที่สุด (ในหมู่นักเรียนของเขา - F. Poulenc, A. Coge) นักแต่งเพลงและนักเปียโน Roger-Ducas ผู้ซึ่งอยู่ติดกับ Romantic ตอนปลาย ปัจจุบันในดนตรีดนตรี, นักแต่งเพลงและนักออร์แกน Vidor, นักแต่งเพลงและนักเปียโน D. ถึง Severak, นักแต่งเพลง A. Manyar, L. Aubert, G. Roparz และอื่น ๆ

สงครามโลกครั้งที่ 1 ปี 1914-18 ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงขั้นพื้นฐานในมุมมองของผู้คนเกี่ยวกับชีวิต ในรสนิยม และทัศนคติต่อศิลปะ ในบรรดาบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมรุ่นเยาว์ มีการประท้วงต่อต้านชนชั้นนายทุน คุณธรรม, ลัทธิฟิลิสเตีย ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ความสนใจเป็นพิเศษถูกดึงดูดโดยกลุ่มต่อต้านชนชั้นนายทุนที่ดื้อรั้น ตำแหน่งการปฏิเสธของรำพึงทั้งหมด เจ้าหน้าที่คอมพิวเตอร์ สติ. ร่วมกับกวี นักเขียนบท ศิลปิน และนักวิจารณ์ J. Cocteau เขาเป็นผู้นำการเคลื่อนไหวของหนุ่มฝรั่งเศส นักดนตรีที่พูดถึงสุนทรียศาสตร์ของวิถีชีวิตเมืองสำหรับศิลปะของ "วันนี้" นั่นคือความทันสมัย เมืองที่มีเสียงรถ หอแสดงดนตรี แจ๊ส Sati มีอิทธิพลต่อนักประพันธ์เพลงรุ่นเยาว์มากกว่าในฐานะผู้ให้คำปรึกษาทางจิตวิญญาณและไม่ใช่กับงานของเขาซึ่งสำหรับความคิดริเริ่มทั้งหมด (ในงานของเขาเสียงผิดปกติเกิดขึ้นสร้างเสียงไซเรนในรถยนต์เสียงร้องของเครื่องพิมพ์ดีดจากนั้นก็ชัดเจนและบางครั้งท่วงทำนองที่รุนแรง มีการกล่าวถึงเทคนิคของโพลีโฟนีของ Dobach รวมกับองค์ประกอบพิลึก) ไม่ได้เกินขอบเขตของเวลา เรื่องอื้อฉาวในที่สาธารณะเกิดขึ้นพร้อมกับการแสดงบัลเลต์ "Parade" ของ Satie (นักเขียนบทภาพยนตร์ Cocteau ศิลปิน P. Picasso, 1917) ซึ่งเกิดจากดนตรีที่ผิดปกติซึ่งรวบรวมจิตวิญญาณของห้องแสดงดนตรี การสร้างเสียงข้างถนน และการแสดงละครด้วยตัวมันเอง (การบรรจบกัน) การออกแบบท่าเต้นกับเวที ความเยื้องศูนย์ และหลักการทรงลูกบาศก์แห่งอนาคตของการออกแบบเวที) เยาวชนของนักแต่งเพลงทักทายบัลเล่ต์อย่างกระตือรือร้น ภายใต้การอุปถัมภ์ของ Sati และ Cocteau ความคิดสร้างสรรค์ก็เกิดขึ้น เครือจักรภพของคีตกวีที่รู้จักกันในประวัติศาสตร์ภายใต้ชื่อ "Six" (ชื่อนี้มอบให้กับกลุ่มโดยนักวิจารณ์ A. Collet ในบทความ "Five Russians and Six Frenchmen" ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1920) "หก" ซึ่งรวมถึงความคิดสร้างสรรค์ที่แตกต่างกันมาก นักแต่งเพลงที่มีแรงบันดาลใจ - D. Milhaud, A. Honegger, F. Poulenc, J. Auric, L. Durey, J. Taifer - ไม่ใช่โรงเรียนที่รวมกันเป็นหนึ่งเดียวตามสไตล์ไม่ยึดติดกับอุดมการณ์และสุนทรียภาพร่วมกัน มุมมอง ผู้เข้าร่วมได้รับความรักจากชาวฝรั่งเศสเป็นน้ำหนึ่งใจเดียวกัน วัฒนธรรม ความมุ่งมั่น แนท ประเพณี (การยืนยันภาษาฝรั่งเศสที่แท้จริงในดนตรี) ความปรารถนาในความแปลกใหม่และความเรียบง่ายในขณะเดียวกันความหลงใหลใน Stravinsky และ Amer แจ๊ส หลังจากจ่ายส่วยให้ Urbanism ("Pacific-231" และ "Rugby" สำหรับวงออเคสตราของ Honegger, 1923, 1928; วงจรเสียง "เครื่องจักรการเกษตร" Millau, 1919, ฯลฯ ) สมาชิกของกลุ่มนี้แต่ละคนยังคงมีบุคลิกที่สดใส ; ภารกิจที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของพวกเขามักจะไปในทิศทางตรงกันข้าม "หก" ในฐานะเครือจักรภพไม่นานอยู่ตรงกลาง 20s มันเลิกกัน (ความสัมพันธ์ที่ดีของผู้เข้าร่วมได้รับการเก็บรักษาไว้เป็นเวลาหลายปี) หลังจากเลิกกับ Six Sati ได้ก่อตั้งกลุ่มนักประพันธ์เพลงรุ่นใหม่ที่เรียกว่า โรงเรียน Arkey ซึ่งเหมือน "Six" ไม่มีความคิดสร้างสรรค์ ความสามัคคี ประกอบด้วย A. Coge, R. Desormière, M. Jacob, A. Cliquet-Pleyel ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ F. m. อยู่ตรงกลาง ศตวรรษที่ 20 คือ Honegger และ Milhaud ผู้แต่งละครใหญ่. พรสวรรค์ชั้นนำแห่งหนึ่งที่ทันสมัย ปรมาจารย์ Honegger ได้รวบรวมอุดมคติทางจริยธรรมอันสูงส่งไว้ในงานของเขา ดังนั้นจึงเป็นที่สนใจของสมัยโบราณ พระคัมภีร์ไบเบิล ยุคกลาง เรื่องอันเป็นที่มาของค่านิยมทางศีลธรรมสากล ในความพยายามที่จะสรุปภาพ เขามาบรรจบกันของประเภทโอเปร่าและโอราโตริโอ สังเคราะห์ งานโอเปร่าและออราทอริโอ อยู่ในความสำเร็จสูงสุดของนักแต่งเพลง: โอเปร่า oratorio "King David" (1921, 3rd edition 1924), "Judith" (1925), ละคร Oratorio "Joan of Arc at the Stake" (1935) เป็นผลงานที่สำคัญที่สุดของเขา ตัวอย่างที่ชัดเจนของซิมโฟนีคือซิมโฟนีของเขา - "Liturgical" ที่ 3 (1946), "Symphony of Three D" ที่ 5 (1950) Honegger หักเหในงานของเขา แนวโน้มต่าง ๆ ของศิลปะสมัยใหม่ รวมทั้ง neoclassicist, expressionist ยังคงเป็นศิลปินดั้งเดิมที่สดใส

ความหลากหลายเป็นตัวกำหนดลักษณะของงานของ Milhaud ซึ่งครอบคลุมเนื้อหาเกือบทั้งหมด หลากหลายแนวเรื่องและแม้กระทั่งรูปแบบ ในบรรดาละครโอเปร่าทั้ง 16 เรื่องของเขามีผลงานอยู่ ในหัวข้อโบราณและในพระคัมภีร์ โดดเด่นด้วยความรุนแรงของสี มหากาพย์ ("Eumenides", 1922; "Medea", 1938; "David", 1953) ที่นี่ Op. ในรูปแบบโบราณที่ทันสมัยอย่างอิสระ ("The Misfortunes of Orpheus", 2467) เช่นเดียวกับในจิตวิญญาณของละครแนว ("Poor Sailor", 1926) และในที่สุดก็โรแมนติกตามประเพณี การแสดงราวกับโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ แต่อิงจากความทันสมัย หมายถึงดนตรี สำนวน (อันมีค่า "คริสโตเฟอร์โคลัมบัส", "แม็กซิมิเลียน", "โบลิวาร์", 2471, 2473, 2486) นอกจากนี้เขายังเป็นเจ้าของโอเปร่าย่อส่วน (การหักเหล้อเลียนของเนื้อเรื่องในตำนาน) - "The Abduction of Europe", "Abandoned Ariadne", "The Liberation of Theseus" (1927)

Milhaud เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านเครื่องดนตรีแชมเบอร์ ดนตรี (ส่วนใหญ่เป็นเครื่องสายสี่) คณะนักร้องประสานเสียง การบรรยาย (ทั้งไพเราะและไพเราะและในจิตวิญญาณของ Sprechgesang ของ Schoenberg) ในห้องแนะนำ ประเภทการเชื่อมต่อกับฝรั่งเศสนั้นชัดเจนเป็นพิเศษ ดนตรี คลาสสิก ในเวลาเดียวกัน Milhaud ยังเป็นผู้สนับสนุน polytonality อย่างสม่ำเสมอซึ่งเกิดขึ้นในตัวเขาอันเป็นผลมาจากการผสมผสานท่วงทำนองหลายโทน เส้นแนวโน้มที่จะโพลีโฟนิก วิธีการพัฒนา (องค์ประกอบของพหุโทนยังพบได้ใน Honegger แต่พื้นฐานของพวกมันต่างกัน - เป็นผลมาจากการซ้อนทับแบบฮาร์มอนิก)

ผลงานที่สำคัญของศิลปะโอเปร่าและกระทะแชมเบอร์ ประเภทของ Poulenc - นักแต่งเพลงที่ไพเราะ เพื่ออะไร เพลงของเขาเป็นภาษาฝรั่งเศสล้วนๆ ผ่อนปรน. ในสามโอเปร่า - ตัวตลก "Breast of Tyresias" (1944) โศกนาฏกรรม "Dialogues of the Carmelites" (1956) บทกวี - จิตวิทยา โมโนโอเปร่า "เสียงของมนุษย์" (1958) เน้นคุณลักษณะที่ดีที่สุดของงานของ Poulenc ในช่วงหลายปีของการยึดครองฟาสซิสต์ ศิลปินหัวก้าวหน้าคนนี้ได้สร้างความรักชาติขึ้นมา cantata "ใบหน้ามนุษย์" (เนื้อเพลงโดย P. Eluard, 1943) เมโลดิช. ความมั่งคั่งชอบเรื่องตลกประชดประชันเพลงของ Orik บุคลิกลักษณะของนักแต่งเพลงได้แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในช่วงทศวรรษที่ 1920 (ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่สมาชิกทั้งหมดของ "Six" Cocteau ได้มอบแผ่นพับ "Rooster and Harlequin" ให้กับเขา) ศิลปินแนวมนุษยนิยม เขารวบรวมผลงานเรื่องโศกนาฏกรรมแห่งสงครามปี ("Four Songs of Suffering France" เป็นเนื้อร้องโดย L. Aragon, J. Superville, P. Eluard, 1947; วัฏจักร 6 บทสู่เนื้อร้องโดย Eluard , 2491). หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของเขา - บัลเล่ต์ "เฟดรา" (1950)

ในยุค 30 ศตวรรษที่ 20 ในการทำงานของชาวฝรั่งเศสบางส่วน นักแต่งเพลงเน้นย้ำแนวโน้มสมัยใหม่ ในเวลาเดียวกันหลายๆ นักดนตรีปกป้องความสมจริง อาร์ต-อิน ใกล้เคียงกับระบอบประชาธิปไตย นาร์ ด้านหน้า. ต่อการเคลื่อนไหวของนาร์ต่อต้านฟาสซิสต์ ข้างหน้ามีอดีตสมาชิกของ "หก" และรำพึงอื่น ๆ ตัวเลข ด้วยดนตรีของพวกเขาพวกเขาตอบสนองต่อปัญหาเร่งด่วนในยุคของเรา (oratorios "Voices of the World", 1931, "Dances of the Dead", 1938, Honegger; ประสานเสียงกับข้อความของกวีปฏิวัติ cantata "On the World" สำหรับ คณะนักร้องประสานเสียง เป็นต้น คณะนักร้องประสานเสียง Milhaud "เพลงของนักสู้เพื่ออิสรภาพ" และ "บนปีกของนกพิราบ" สำหรับคณะนักร้องประสานเสียง Durey เพลงมวลชนจำนวนหนึ่ง ได้แก่ "Sing, girls" โดย Orik; เพลง "Freedom to Telman" สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตราของ Keklen, 1934 เป็นต้น) นาร์ก็มีความสนใจอย่างมากเช่นกัน ดนตรี ("Suite Provence" สำหรับวง Millau Orchestra, 1936; การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านโดย Honegger, คณะนักร้องประสานเสียงของ Poulenc) จนถึงผู้กล้า อดีต ("Joan of Arc ที่เสา" โดย Honegger ฯลฯ ) นักแต่งเพลง Honegger, Auric, Milhaud, Roussel, Kequelin, J. Iber, D. Lazarus มีส่วนร่วมในการสร้างเพลงสำหรับบทละครปฏิวัติโดย R. Rolland "กรกฎาคม 14" ( พ.ศ. 2479)

ในปี ค.ศ. 1935 สหพันธ์ดนตรีของประชาชนได้ก่อตั้งขึ้น Roussel, Keklen (ต่อมาเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งสังคม "France-USSR") Durey, Milhaud, Honegger, A. Prunier, A. Radiguet, นักเขียน L. Aragon, L. Moussinac และคนอื่น ๆ

นอกเหนือจากผู้นำของ "Six" โรงเรียน Arkey แล้วยังมีอีกหลายคนที่มีส่วนช่วยในการพัฒนา F. m. นักแต่งเพลงรวมถึง เจ. ไฮเบอร์, ซี. เดลเวนคอร์ต, อี. บอนด์วิลล์, เจ. วีเนอร์, เจ มิก็อท

ในปี 1935 ความคิดสร้างสรรค์ใหม่เกิดขึ้น สมาคม - "Young France" (แถลงการณ์เผยแพร่ในปี 2479) นักแต่งเพลง O. Messiaen, A. Jolivet, Daniel-Lesur, I. Baudrier ซึ่งเป็นสมาชิกของกลุ่มนี้ เห็นงานของพวกเขาในการสร้างดนตรี "สด" ที่เต็มไปด้วยมนุษยนิยมในการฟื้นคืนชีพของชาติ ประเพณี พวกเขามีความสนใจเป็นพิเศษในโลกแห่งจิตวิญญาณของมนุษย์ พวกเขาพยายามที่จะ "ปลุกดนตรีในคน" และ "แสดงออกถึงตัวตนในดนตรี" โดยถือว่าตัวเองเป็นผู้บุกเบิกลัทธิมนุษยนิยมใหม่

ในบรรดาปรมาจารย์ด้านดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด วัฒนธรรมแห่งศตวรรษที่ 20 เป็นของนักแต่งเพลงและนักเล่นออร์แกน Messiaen - หนึ่งในปรากฏการณ์ความขัดแย้งที่สว่างที่สุดและในเวลาเดียวกันในดนตรีดนตรีบ่อยครั้งที่ความคิดของนักแต่งเพลงของเขาหักเหผ่านปริซึมของศาสนา การเป็นตัวแทน Messian มีลักษณะเฉพาะโดยดึงดูดภาพในอุดมคติที่พิศวง งานของเขาเต็มไปด้วยเทววิทยาและความลึกลับ แนวคิด (ชุด "การประสูติของพระเจ้า" สำหรับออร์แกน 2478; วงจรเปียโน "ยี่สิบวิวของพระเยซูทารก", 2487; oratorio "การเปลี่ยนแปลงของพระเจ้าของเรา", 2512 เป็นต้น) ดนตรีของเมสเซียนมีพื้นฐานมาจากโครงสร้างกิริยาที่ซับซ้อน โครงสร้างคอร์ดโซเนอร์ จังหวะ แบบแผนซึ่งมีการสลายตัว ประเภทของ polyrhythm และ polymetry ในการใช้ seriality เขาให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับนอกยุโรป วัฒนธรรม (อาหรับ อินเดีย ญี่ปุ่น โพลินีเซียน) พิสูจน์ความคิดสร้างสรรค์ของคุณ การค้นหาในทางทฤษฎี Messiaen แนะนำแนวความคิดใหม่ ดนตรี เงื่อนไข (เช่น polymodality) เขาเป็นครูที่มีความสามารถ เขาได้รวมการศึกษาคลาสสิก ดนตรีของประเทศในเอเชีย และนักประพันธ์เพลงของศตวรรษที่ 20 ในหลักสูตรของเขา (โดยเฉพาะ Stravinsky, A. Schoenberg) พยายามที่จะปลูกฝังนักเรียนของเขา (ในหมู่พวกเขา - P. Boulez, S. Nig ผู้ศึกษาทฤษฎีองค์ประกอบกับ E. Leibovitz ด้วย) ที่สนใจในการค้นหา ระหว่างการยึดครองฟาสซิสต์ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 2 ค.ศ. 1939-45 รำพึง ชีวิตชาวฝรั่งเศสเป็นอัมพาต นักดนตรีขั้นสูงต่อสู้กับศัตรูด้วยความคิดสร้างสรรค์: เพลงของกองกำลังต่อต้านถูกสร้างขึ้นและเกิดการผลิตขึ้น (รวมถึง Poulenc, Orik, Honegger) สะท้อนให้เห็นถึงความน่าสะพรึงกลัวของสงคราม แรงบันดาลใจในการปลดปล่อย ความกล้าหาญ จิตวิญญาณของผู้ไม่ยอมแพ้

หลังจากสิ้นสุดสงคราม การฟื้นคืนชีพของมิวส์ก็เริ่มต้นขึ้น วัฒนธรรม. โรงละครกลับมาผลิตโอเปร่าและบัลเลต์โดยชาวฝรั่งเศส ผู้เขียนร่วมกัน เสียงเพลงของปิตุภูมิดังขึ้นในห้องโถง นักแต่งเพลงซึ่งถูกห้ามในช่วงหลายปีของอาชีพ ในช่วงหลังสงคราม ความคิดสร้างสรรค์ยังคงดำเนินต่อไป กิจกรรมของนักประพันธ์เพลงที่มางานศิลปะในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ผลงานของ J. Francais, A. Dutilleux, J. L. Martinet และ M. Landowski เจริญรุ่งเรือง

จากคอน ยุค 40 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในยุค 50 dodecaphonic, serial (ดู dodecaphony, seriality) ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ aleatorica และขบวนการเปรี้ยวจี๊ดอื่น ๆ กลายเป็นที่แพร่หลาย ตัวแทนที่โดดเด่นของฝรั่งเศส ดนตรี เปรี้ยวจี๊ดเป็นนักแต่งเพลงและผู้ควบคุมวง Boulez ผู้พัฒนาหลักการของ A. Webern ใช้วิธีการจัดองค์ประกอบเช่น pointillism และ seriality อย่างกว้างขวาง Boulez ย่อมาจาก Total Seriality นอกจากนี้ เขายังใช้ sonoristics (ดู Sonorism) ซึ่งมีองค์ประกอบอยู่ใน Op. "ค้อนไร้ปรมาจารย์" สำหรับเสียงพร้อมอินสตราแกรม ทั้งมวล (1954, 2nd ed. 2500) ในปีพ.ศ. 2497 เขาจัดคอนเสิร์ตเพลงใหม่ "Domaine musice" ซึ่งกลายเป็นศูนย์กลางของฝรั่งเศส เปรี้ยวจี๊ด (ตั้งแต่ปี 1967 พวกเขานำโดยนักแต่งเพลงและผู้ควบคุมวง J. Ami ในปี 1974 พวกเขาหยุด) ตั้งแต่ปี 1975 (ในปี 1966-75 เขาทำงานในบริเตนใหญ่ สหรัฐอเมริกา) Boulez ดำรงตำแหน่งหัวหน้าสถาบันวิจัยและการประสานงานด้านดนตรีและเสียงซึ่งสร้างขึ้นจากความคิดริเริ่มของเขา ปัญหา (IRCAM)

นักแต่งเพลงบางคนมาใช้หลักการของ aleatorics - Ami, A. Bukureshliev, P. Mefano, J. K. Elua การค้นหากำลังดำเนินการในด้านอิเล็กทรอนิกส์และสิ่งที่เรียกว่า เพลงเฉพาะ - P. Schaeffer, I. Henri, F. Bayle, F. B. Mash, B. Parmegiani และอื่น ๆ ด้วยเหตุนี้ Schaeffer ได้สร้างกลุ่มรำพึงขึ้นในปี 1948 การวิจัย (GRM - Groupe de recherches ละครเพลง) ภายใต้ Franz วิทยุและโทรทัศน์ซึ่งประกอบการดนตรี-อะคูสติก ปัญหา. นักแต่งเพลงชาวกรีกใช้ระบบการจัดองค์ประกอบ "สุ่ม" พิเศษ (ขึ้นอยู่กับการคำนวณทางคณิตศาสตร์ ทฤษฎีความน่าจะเป็น และแม้แต่การกระทำของคอมพิวเตอร์อิเล็กทรอนิกส์) ที่มา เจ. เซนาคิส. ในเวลาเดียวกัน นักประพันธ์เพลงจำนวนหนึ่งเห็นชอบที่จะปรับปรุงดนตรีใหม่อย่างสมเหตุสมผล โดยพยายามผสมผสานวิธีการทางดนตรีใหม่ล่าสุด การแสดงออกกับแนท ประเพณี สู่ชาติ มั่นใจในความทันสมัย เพลงเรียก Nig ผู้เขียน oratorio "The Unknown Executed" (1949), ซิมโฟนี บทกวี "To the Captive Poet" (อุทิศให้กับ Nazim Hikmet, 1950), 2 คอนแชร์โตสำหรับเปียโน กับวงออเคสตรา (1954, 1971) คอมพ์ C. Baif, J. Bondon, R. Butry, J. Gillou, J. Cosma, M. Michalovichi, C. Pascal, และอื่นๆ ทำโดยตัวแทนของศิลปะการแสดงดนตรี: วาทยกร - P. Monteux, P. Pare, A. Kluytens, S. Bruck, I. Markevich, P. Drevo, J. Martinon, L. Forestier, J. Pretre, P. Boulez , เอส. โบโด; นักเปียโน - A. Cortot, M. Long, E. Riesler, R. Casadesus, Yves Nat, S. Francois, J. B. Pommier; นักไวโอลิน - J. Thibault, Z. Francescatti, J. Neveu; นักเล่นเชลโล - M. Marechal, P. Fournier, P. Tortellier; นักออร์แกน - Ch. Tournemire, M. Dupre, O. Messiaen, J. Alain; นักร้อง - E. Blanc, R. Crespin, J. Giraudeau, M. Gerard, D. Duval; chansonnier - A. Bruant, E. Piaf, S. Gainsbourg, J. Brassens, Ch. Aznavour, M. Mathieu, M. Chevalier, J. Dassin และอื่น ๆ ประวัติดนตรีความทันสมัยรวมถึงคำถามของ ทฤษฎีดนตรีที่อุทิศให้กับคนมากมาย งานฝรั่งเศส. นักดนตรี รวมทั้ง J. Combarieux, A. Lavignac, J. Tierso, L. de La Laurencie, P. Landormi, R. Rolland, A. Prunière, E. Viyermoz, R. Dumesnil, N. Dufourc, B. Gavoti, R. M. Hoffmann, A . โกเลีย, เอฟ. เลซิอูรา.

มิวส์. ศูนย์กลางของประเทศยังคงเป็นปารีส แม้ว่าจะอยู่ในหลายๆ ด้านก็ตาม เมืองของฝรั่งเศส (โดยเฉพาะในช่วงกลางทศวรรษที่ 60) ได้สร้างโรงละครโอเปร่าซิมโฟนี วงออเคสตรา, ดนตรี อุ๊ย สถาบันต่างๆ ที่ทำงานในปารีส (1980): Grand Opera, Paris Opera Studio (ก่อตั้งขึ้นในปี 1973 บนพื้นฐานของ Opera Comic ซึ่งสูญเสียความสำคัญไป), โรงละครแห่งชาติ (ก่อตั้งขึ้นในปี 1954, การแสดงจะจัดขึ้นในสถานที่แสดงละครต่างๆ รวมทั้งใน "โรงละคร Champs-Elysées", "โรงละครแห่ง Sarah Bernhardt"); ท่ามกลางสัญลักษณ์ ออเคสตรามีความโดดเด่นด้วย Parisian Orchestra (ก่อตั้งขึ้นในปี 1967), Nat. ฟรานซ์ ออเคสตรา. วิทยุและโทรทัศน์ การแสดงมากมาย แชมเบอร์ออร์เคสตราและตระการตา, รวม. ระหว่างประเทศ กลุ่มนักดนตรีที่ IRCAM (ก่อตั้งขึ้นในปี 1976) ในปีพ.ศ. 2518 Palais des Congrès ได้เปิดดำเนินการในปารีส โดยมีการแสดงซิมโฟนี คอนเสิร์ตในปีเดียวกันที่ Lyon - conc. ฮอลล์ "ผู้ชม M. Ravel"

ท่ามกลางความพิเศษ ดนตรี อุ๊ย สถาบัน - Paris Conservatory, Schola Cantorum, Ecole Normal (ก่อตั้งในปี 1919 โดย A. Cortot และ A. Manzho) ในปารีส, Amer เรือนกระจกในฟองเตนโบล (ก่อตั้งขึ้นในปี 2461 โดยนักไวโอลิน F. Casadesus) เพลงที่สำคัญที่สุด น.-ผม. ศูนย์คือสถาบันดนตรีที่มหาวิทยาลัยปารีส หนังสือ เอกสาร ที่เก็บถาวรในแนท b-ke (แผนกดนตรีก่อตั้งขึ้นในปี 2478), B-ke และพิพิธภัณฑ์ Muses เครื่องมือที่เรือนกระจก ในปารีสมีมิวส์ที่ใหญ่ที่สุด สมาคมและสถาบันของฝรั่งเศส รวมทั้ง ระดับชาติ ดนตรี คณะกรรมการดนตรี สหพันธ์ Gramophone Academy ตั้งชื่อตาม ช. โคร. ปารีสเป็นที่ตั้งของสภาดนตรีนานาชาติของยูเนสโก ในปี 2520 ชาติ สหภาพนักประพันธ์.

ในฝรั่งเศสจะจัดขึ้น: นานาชาติ. การแข่งขันของนักเปียโนและนักไวโอลิน M. Long - J. Thibaut (จัดในปี 1943 เป็นระดับชาติตั้งแต่ปี 1946 - ระดับนานาชาติ), การแข่งขันกีตาร์ (1959, ตั้งแต่ปี 1961 - ระดับนานาชาติ, ตั้งแต่ปี 1964 - การแข่งขันกีตาร์ระดับนานาชาติของวิทยุและโทรทัศน์ของฝรั่งเศส), Intern การแข่งขันร้องเพลงในตูลูส (ตั้งแต่ พ.ศ. 2497) นักศึกษาฝึกงาน การแข่งขันสำหรับวาทยกรรุ่นเยาว์ในเบอซ็องซง (ตั้งแต่ปี 1951) นักศึกษาฝึกงาน การแข่งขันพิณในปารีสมากมายเช่นกัน เทศกาลรวมทั้ง เทศกาลฤดูใบไม้ร่วงในปารีส คลาสสิก เพลง Paris Music Festival แห่งศตวรรษที่ 20 (ก่อตั้งเมื่อปี พ.ศ. 2495) เทศกาลแห่งสมัยใหม่ เพลงใน Royan "สัปดาห์ดนตรีแห่งออร์ลีนส์" เพลงเผยแพร่ในฝรั่งเศส นิตยสาร รวมทั้ง "La Revue musicologie" (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2370 สิ่งพิมพ์ถูกขัดจังหวะซ้ำแล้วซ้ำอีกนิตยสารรวมเข้ากับนิตยสารอื่น ๆ ) "Revue de musicologie" (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2465 ความต่อเนื่องของนิตยสาร "Bulletin de la Société Française de musicologie" ซึ่งตีพิมพ์ตั้งแต่ 2460), " Journal music français" (1951-66), "Diapason" (ตั้งแต่ 1956), "Le Courrier music de France" (ตั้งแต่ปี 2506), "Harmonie" (ตั้งแต่ปี 2507), "Musique en jeu" (ตั้งแต่ปี 2513) ). มีการตีพิมพ์สารานุกรมจำนวนหนึ่งในกรุงปารีส สิ่งพิมพ์ทุ่มเท เพลง รวมทั้ง "Encyclopédie de la musique et dictionnaire du conservatoire..." (partie I (v. 1-5), partie II (v. 1-2), 1913-26), "Larousse de la musique" (v. 1-) 2, 2500), "Dictionnaire des musiciens français" (1961), "Dictionnaire de la musique. Les hommes et leurs oeuvres" (v. 1-2, 1970); "Dictionnaire de la musique. Science de la musique. รูปแบบ เทคนิค เครื่องมือ" (v. 1-2, 1976); Tynot F., Carles Ph., "Le jazz" (1977).

วรรณกรรม: Ivanov-Boretsky M.V. , วัสดุและเอกสารเกี่ยวกับประวัติดนตรี, เล่ม 2, M. , 1934; Alschwang A. , อิมเพรสชั่นนิสม์ดนตรีฝรั่งเศส (Debussy and Ravel), M. , 1935; ดนตรีฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 (ส. อาร์ต) บทนำ ศิลปะ. และเอ็ด M. S. Druskina, M. , 1938; Livanova T. H. , ประวัติดนตรียุโรปตะวันตกจนถึง 1789, M. - L. , 1940; Gruber R. , ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรี, เล่ม 1, ตอนที่ 1-2, M. - L. , 1941; Schneerson G. , ดนตรีของฝรั่งเศส, M. , 1958; เพลงฝรั่งเศสของเขาในศตวรรษที่ XX, M. , 1964, 1970; Alekseev A.D. ดนตรีเปียโนฝรั่งเศสในช่วงปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX, M. , 1961; Khokhlovkina A. โอเปร่ายุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 บทความ, M. , 1962; สุนทรียภาพทางดนตรีของยุคกลางของยุโรปตะวันตกและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา, comp., entry. ศิลปะ. V. P. Shestakova, M. , 1966; เพลงของการปฏิวัติฝรั่งเศสของศตวรรษที่สิบแปดเบโธเฟน, M. , 1967; Nestiev I. , ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ, M. , 1967; Konen V. , โรงละครและซิมโฟนี, M. , 1968, 1975; ประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป ประวัติศาสตร์ ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20, M. , 1969; Druskin M. , เกี่ยวกับดนตรียุโรปตะวันตกของศตวรรษที่ XX, M. , 1973; สุนทรียศาสตร์ทางดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19, comp. ข้อความแนะนำ ศิลปะ. และอินโทร บทความโดย E. P. Bronfin, M. , 1974; Auric J. ดนตรีฝรั่งเศสรอดตาย จดหมายจากปารีส "CM", 1975, No 9; Krasovskaya V. โรงละครบัลเลต์ยุโรปตะวันตก เรียงความประวัติศาสตร์ จากต้นกำเนิดจนถึงกลางศตวรรษที่ XVIII, L. , 1979.

O.A. Vinogradova

ที่มาของดนตรีฝรั่งเศส

ต้นกำเนิดของดนตรีฝรั่งเศสมีมาตั้งแต่ยุคกลางตอนต้น: ในศตวรรษที่ 8-9 มีเพลงเต้นรำและเพลงประเภทต่างๆ เช่น แรงงาน ปฏิทิน มหากาพย์ และอื่นๆ
เมื่อปลายศตวรรษที่ 8 ได้ก่อตั้ง บทสวดเกรกอเรียน
ใน ในศตวรรษที่ 11-12 ศิลปะดนตรีและกวีผู้กล้าหาญของคณะนักร้องประสานเสียงมีความเจริญรุ่งเรืองทางตอนใต้ของฝรั่งเศส
ใน ในศตวรรษที่ 12-13 เหล่าอัศวินและชาวเมืองทางเหนือของฝรั่งเศส กลุ่มทหาร ได้สานต่อประเพณีของคณะนักร้องประสานเสียง ในหมู่พวกเขา ที่รู้จักกันดีที่สุดคือ Adam de la Halle (เสียชีวิต 1286)

อดัม เดอ ลา อัล "เกมของโรบินและแมเรียน"

ในศตวรรษที่ 14 ขบวนการ New Art ปรากฏในดนตรีฝรั่งเศส หัวหน้าขบวนการนี้คือ Philippe de Vitry (1291-1361) - นักทฤษฎีและนักแต่งเพลงผู้ประพันธ์ฆราวาสหลายคน โมเท็ตอย่างไรก็ตามในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 ในช่วงเวลาของ Charles 9 ธรรมชาติของดนตรีของฝรั่งเศสเปลี่ยนไป ยุคของบัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้นเมื่อดนตรีมาพร้อมกับการเต้นรำ ในยุคนี้เครื่องดนตรีที่ใช้กันอย่างแพร่หลาย ได้แก่ ขลุ่ย ฮาร์ปซิคอร์ด เชลโล ไวโอลิน และครั้งนี้เรียกได้ว่าเป็นช่วงเวลาแห่งการกำเนิดของดนตรีบรรเลงอย่างแท้จริง

.

Philippe de Vitry "ลอร์ดแห่งขุนนาง" (โมเต็ต)

ศตวรรษที่ 17 เป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาดนตรีฝรั่งเศส นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 11/28/1632, Florence - 3/22/1687, Paris) สร้างโอเปร่าของเขา Jean Baptiste เป็นนักเต้น นักไวโอลิน วาทยกร และนักออกแบบท่าเต้นที่ยอดเยี่ยมที่มีต้นกำเนิดในอิตาลี ซึ่งถือเป็นผู้สร้างโอเปร่าแห่งชาติของฝรั่งเศสที่ได้รับการยอมรับ ในหมู่พวกเขามีโอเปร่าเช่น: "Theseus" (1675), "Isis" (1677), "Psyche" (1678), "Perseus" (1682), "Phaeton" (1683), "Roland" (1685) และ " Armida" (1686) และอื่น ๆ ในโอเปร่าของเขาที่เรียกว่า "tragédie mise en musique" ("โศกนาฏกรรมทางดนตรี") Jean-Baptiste Lully พยายามปรับปรุงเอฟเฟกต์ที่น่าทึ่งด้วยดนตรีด้วยความเชี่ยวชาญในการแสดงละครบัลเล่ต์ที่น่าทึ่ง โอเปร่าของเขาอยู่บนเวทีประมาณ 100 ปี ในเวลาเดียวกันนักร้องโอเปร่าเริ่มแสดงโดยไม่มีหน้ากากเป็นครั้งแรกและผู้หญิงก็เริ่มเต้นรำในบัลเล่ต์บนเวทีสาธารณะ
Rameau Jean Philippe (1683-1764) - นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรีชาวฝรั่งเศส การใช้ความสำเร็จของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสและอิตาลี เขาปรับเปลี่ยนรูปแบบของโอเปร่าคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญ เตรียมการปฏิรูปโอเปร่าโดย Christoph Willibaldi Gluck เขาเขียนโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ Hippolytus and Arisia (1733), Castor and Pollux (1737), โอเปร่าบัลเล่ต์ Gallant India (1735), ฮาร์ปซิคอร์ดและอื่น ๆ งานเชิงทฤษฎีของเขาเป็นขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาหลักคำสอนเรื่องความสามัคคี.
Francois Couperin (1668-1733) - นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส, ฮาร์ปซิคอร์ด, นักออร์แกน จากราชวงศ์ที่เทียบได้กับราชวงศ์บาคของเยอรมัน เนื่องจากมีนักดนตรีหลายชั่วอายุคนในครอบครัวของเขา Couperin ได้รับฉายาว่า "the Couperin ผู้ยิ่งใหญ่" ส่วนหนึ่งเป็นเพราะอารมณ์ขันของเขา ส่วนหนึ่งเป็นเพราะบุคลิกของเขา ผลงานของเขาเป็นจุดสุดยอดของศิลปะฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส ดนตรีของคูเปอริงโดดเด่นด้วยความสร้างสรรค์ที่ไพเราะ ความสง่างาม และความสมบูรณ์แบบของรายละเอียด

1. Jean-Baptiste Lully sonata ใน A-minor ส่วนที่ 4 ของ "Gig"

2. Jean Philippe Rameau "Chicken" - เล่นโดย Arkady Kazaryan

3. Francois Couperin "นาฬิกาปลุก" - เล่นโดย Ayana Sambuyeva

ในศตวรรษที่ 18 - ปลายศตวรรษที่ 19 ดนตรีกลายเป็นอาวุธที่แท้จริงในการต่อสู้เพื่อความเชื่อและความปรารถนา กาแล็กซี่ของนักประพันธ์เพลงชื่อดังปรากฏขึ้นทั้งหมด: Maurice Ravel (Maurice Ravel), Jean-Philippe Rameau (Jean-Philippe Rameau), Claude Joseph Rouget de Lisle (Claude Joseph Rouget de Lisle), (1760-1836) วิศวกรทหารชาวฝรั่งเศส, กวีและ นักแต่งเพลง. เขาเขียนบทสวด เพลง โรมานซ์ ในปี ค.ศ. 1792 เขาได้แต่งเพลง "La Marseillaise" ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นเพลงชาติของฝรั่งเศส

เพลงชาติฝรั่งเศส.

Glück Christoph Willibald (1714-1787) เป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส - เยอรมันที่มีชื่อเสียง กิจกรรมที่โด่งดังที่สุดของเขาเกี่ยวข้องกับฉากโอเปร่าในกรุงปารีส ซึ่งเขาเขียนผลงานที่ดีที่สุดของเขาด้วยคำพูดภาษาฝรั่งเศส ดังนั้นชาวฝรั่งเศสจึงถือว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส โอเปร่ามากมายของเขา: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" และอื่น ๆ มอบให้ในมิลาน, ตูริน, เวนิส, เครโมนา หลังจากได้รับคำเชิญไปลอนดอน Gluck ได้เขียนโอเปร่าสองเรื่องสำหรับโรงละคร Hay-Market: "La Caduta de Giganti" (1746) และ "Artamene" และ Opera potpourri (pasticcio) "Pyram"

ทำนองจากโอเปร่า "Orpheus and Eurydice"

ในศตวรรษที่ 19 - นักแต่งเพลง Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel และคนอื่น ๆ

ในศตวรรษที่ 20 นักแสดงมืออาชีพตัวจริงปรากฏตัวขึ้น พวกเขาคือผู้สร้างเพลงฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียง สร้างทิศทางของเพลงแชนซันเนียร์ฝรั่งเศสทั้งหมด วันนี้ชื่อของพวกเขาโดดเด่นกว่าเวลาและแฟชั่น เหล่านี้คือ Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis พวกเขาทั้งหมดเป็นที่รู้จักจากเพลงไพเราะซึ่งไม่เพียงชนะใจผู้ชมในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเทศอื่น ๆ ด้วย หลายคนได้รับการคุ้มครองโดยนักแสดงคนอื่น

วัสดุจากไซต์ถูกใช้เพื่อเตรียมหน้านี้:
http://ru.wikipedia.org/wiki, http://www.tlemb.ru/articles/french_music;
http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc1p/14802
http://www.fonstola.ru/download/84060/1600x900/
เนื้อหาจากหนังสือ "Musician's Companion" Editor - คอมไพเลอร์ A. L. Ostrovsky; สำนักพิมพ์ "MUSIC" Leningrad 1969, p.340

การเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีเป็นหนึ่งในสิ่งที่เจ๋งที่สุดที่คุณเคยทำ ไม่ว่าคุณจะเพิ่งเลิกเรียนและตัดสินใจว่าจะเล่นเป็นวงดนตรี หรือตัดสินใจที่จะเรียนรู้วิธีเล่นดนตรีตั้งแต่ตอนนี้ที่เด็กๆ โตขึ้น ความสนุกและคุ้มค่าและเป็นสิ่งที่ต้องทำ หากคุณไม่รู้ว่าตัวเองต้องการเล่นอะไร แสดงว่าคุณอยู่ในสภาพที่ดี นั่นหมายความว่าทุกอย่างเป็นไปได้สำหรับคุณ! ดูขั้นตอนที่ 1 สำหรับเคล็ดลับที่เป็นประโยชน์ในการเลือกเครื่องมือที่เหมาะสม

ขั้นตอน

เลือกจากความหลากหลาย

เริ่มด้วยเปียโนเปียโนเป็นเครื่องมือเริ่มต้นทั่วไปเพราะเห็นเพลงได้ง่าย ดนตรี เปียโน และคีย์บอร์ดที่เหมือนกันในหลายๆ วัฒนธรรมและสไตล์ เป็นตัวเลือกที่ดี หากคุณต้องการเรียนรู้เครื่องดนตรีไม่ว่าอายุของคุณจะเป็นอย่างไร ตัวเลือกเปียโนที่คุณสามารถเพิ่มลงในละครของคุณในภายหลังอาจรวมถึง:

• ออร์แกน
• หีบเพลง
• เครื่องสังเคราะห์เสียง
• ฮาร์ปซิคอร์ด
• ฮาร์โมเนียม

โยกตัวไปกับกีตาร์ตั้งแต่คลาสสิกไปจนถึงเมทัล การเรียนรู้การเล่นกีตาร์เปิดประตูสู่สไตล์ดนตรีใหม่ๆ กีตาร์มีผลกระทบต่อวัฒนธรรมป๊อปมากกว่าเครื่องดนตรีอื่นๆ และได้กลายเป็นตัวเลือกยอดนิยมสำหรับผู้เริ่มต้นทั่วโลก เลือกกีตาร์โปร่งเพื่อพกพา หรือลองเล่นกีตาร์ไฟฟ้าเพื่อเริ่มเล่นตลกกับเพื่อนบ้านและเล่นสำนวนชวนปวดหัว เมื่อคุณเชี่ยวชาญพื้นฐานการเล่นกีตาร์แล้ว คุณสามารถเพิ่มเครื่องดนตรีอื่นๆ จากบริษัทหกสายได้:

• เบสกีตาร์
• แมนโดลิน
• แบนโจ
• ขิม

พิจารณาการใช้เครื่องมือแบบคลาสสิกอาชีพทางดนตรีที่เป็นไปได้มากที่สุดอย่างหนึ่งคือการเล่นเครื่องสายคลาสสิกในวงออเคสตรา เครื่องสาย หรือวงดนตรีอื่นๆ เครื่องดนตรีประเภทแชมเบอร์ออร์เคสตราอาจดึงดูดใจคุณหากคุณสนใจดนตรีคลาสสิก แม้ว่าพวกเขาจะมีชื่อเสียงที่อนุรักษ์นิยม แต่ก็ยังใช้กันอย่างแพร่หลายในดนตรีพื้นบ้านและแนวอื่น ๆ ทั่วโลก สตริงคลาสสิกรวมถึง:

• ไวโอลิน. โดยทั่วไปถือได้ว่าเป็นเครื่องดนตรี "ชั้นนำ" ในโลกของเครื่องสาย มีช่วงกว้าง จับถนัดมือ และสามารถแสดงออกได้อย่างยอดเยี่ยมจนไม่มีเครื่องมืออื่นใดเทียบได้
• อัลโต ค่อนข้างใหญ่กว่าไวโอลิน ลึกและนุ่มกว่าไวโอลิน หากคุณมีแขนที่ยาวกว่าและมือที่ใหญ่กว่า คุณอาจเล่นวิโอลาแทนไวโอลินได้
• เชลโล เชลโลมีขนาดใหญ่กว่าไวโอลินและวิโอลามาก และคุณควรเล่นเครื่องดนตรีระหว่างเข่า มีน้ำเสียงที่หนักแน่นและทุ้มลึกคล้ายกับเสียงผู้ชาย แม้ว่ามันจะไม่สามารถไปถึงความสูงของไวโอลินได้ แต่ก็เป็นเครื่องดนตรีที่ไพเราะมาก
• ดับเบิ้ลเบส. เป็นสมาชิกที่เสียงต่ำที่สุดในตระกูลไวโอลิน ในวงออเคสตราคลาสสิกหรือแชมเบอร์ ส่วนใหญ่มักจะเล่นด้วยธนู และบางครั้งก็ใช้นิ้วเพื่อเอฟเฟกต์ ดนตรีแจ๊สหรือโฟล์ค (ซึ่งคุณมักจะพบดับเบิลเบส) ส่วนใหญ่จะเล่นโดยใช้นิ้วชี้และบางครั้งก็ใช้คันธนูเพื่อเอฟเฟกต์

มารู้จักเครื่องทองเหลืองกันเถอะเครื่องมือในตระกูลทองเหลืองทั้งแบบเรียบง่ายและซับซ้อนนั้นเป็นท่อโลหะยาวที่มีวาล์วและกุญแจที่เปลี่ยนระดับเสียง ในการเล่น คุณต้องส่งเสียงพึมพำที่ปากของคุณภายในหลอดเป่าโลหะเพื่อสร้างเสียง ใช้ในวงดนตรีสดและออเคสตราทุกประเภท แจ๊สคอมโบ ออเคสตรา และใช้เป็นส่วนประกอบในดนตรีจังหวะและบลูส์และโซลสไตล์โอลด์สคูล เครื่องดนตรีทองเหลือง ได้แก่ :

• ท่อ
• ทรอมโบน
• ฮอร์นฝรั่งเศส
• บาริโทน
• โสภณ

อย่าลืมเครื่องเป่าลมไม้เช่นเดียวกับเครื่องทองเหลือง เป่าลมไม้โดยการเป่าเข้าไป ไม่เหมือนเครื่องทองเหลือง ลมไม้มีกกที่สั่นเมื่อคุณเป่า พวกเขาสร้างโทนสีที่สวยงามมากมาย เหล่านี้เป็นเครื่องดนตรีอเนกประสงค์สำหรับดนตรีแจ๊สหรือคลาสสิก เครื่องเป่าลมไม้ ได้แก่ :

• ขลุ่ย พิคโคโล หรือไฟฟ์
• แซกโซโฟน
• คลาริเน็ต
• โอโบ
• บาสซูน
• ฮาร์โมนิก

สร้างจังหวะด้วยการเล่นเครื่องเพอร์คัชชันการรักษาจังหวะในวงดนตรีส่วนใหญ่เป็นงานสำหรับมือกลอง ในบางกลุ่มสิ่งเหล่านี้เป็นกลองชุด ในวงออเคสตราอื่นๆ พวกมันจะแสดงด้วยเครื่องดนตรีหลากหลายประเภทที่เล่นด้วยค้อน มือหรือไม้ เครื่องเพอร์คัชชัน ได้แก่

• กลองชุด
• ไวบราโฟน ระนาด และระนาด
• ระฆัง
• ระฆังและฉาบ
• คองโกและบองโก
• กลองกลอง

พิจารณาเครื่องดนตรีใหม่ผู้คนกำลังทำดนตรีด้วยเครื่องดนตรีมากกว่าที่เคยเป็นมา คุณอาจเคยเห็นผู้ชายที่มุมถนนเล่นจังหวะนั้นบนถังสีขนาด 20 ลิตรและฝาหม้อ กลอง? อาจจะ. เครื่องเพอร์คัชชัน แน่นอน พิจารณาเกม:

• ไอแพด. ถ้าคุณมี คุณรู้อยู่แล้วว่ามีเครื่องดนตรีที่น่าทึ่งบางประเภทที่ท้าทายการจำแนกประเภท คลิกที่หน้าจอและเสียงจะออกมาจากแอ่งน้ำสีน้ำเงินบนพื้นหลังสีเขียว เปลี่ยนแอพแล้วตอนนี้คุณกำลังเล่นซินธิไซเซอร์ยุค 80 แบบวินเทจราคา 50,000 ดอลลาร์ตอนนี้เป็น 99 เซ็นต์และให้เสียงที่ดีกว่า
• คุณมีแผ่นเสียงสองสามแผ่นหรือไม่? การเป็นดีเจที่ยอดเยี่ยมต้องใช้ทักษะและการฝึกฝนอย่างมาก และใครก็ตามที่บอกคุณว่าไม่ใช่ดนตรีถือว่าผิด

ตรวจสอบรายชื่อนี้อย่างที่คุณเห็น มีเครื่องดนตรีมากกว่าที่คุณจะใช้เป็นจังหวะได้ รายการที่ยากในการจัดหมวดหมู่มีดังต่อไปนี้:

• Erhu (ไวโอลินจีนสองสาย)
• Guqin (เครื่องสายจีน)
• สิตาร์
• ขิม
• โคโตะ (พิณญี่ปุ่น)
• ปี่
• อูคูเลเล่
• Cor Anglais
• ขลุ่ยแพน / ขลุ่ย
• ขมิ้น
• บล็อกขลุ่ย
• นกหวีด
• ดุดก้า
• เมลโลโฟน (แตรรุ่นเดินทาง)
• อัลธอร์น
• ปิ๊กโคโล่ทรัมเป็ต
• ฟลูเกลฮอร์น

การเลือกเครื่องมือที่เหมาะสม

1. ทดลองกับเครื่องมือต่างๆ มากมายก่อนเลือกหยิบทรัมเป็ต กีตาร์ หรือทรอมโบนขึ้นมาแล้วเล่นโน้ตสองสามตัว มันยังไม่ใช่เพลง แต่มันจะทำให้คุณได้รู้ว่ามันสนุกและคุ้มค่าที่จะใช้เวลากับมันหรือไม่

   ดูตัวเลือกของคุณหากคุณกำลังเริ่มต้นในวงดนตรีระดับไฮสคูล ให้ตรวจสอบและดูว่าวงดนตรีมีเครื่องดนตรีใดบ้าง วงดนตรีส่วนใหญ่ในโรงเรียนมีคลาริเน็ต ฟลุต แซกโซโฟน ทูบา บาริโทน ทรอมโบน ทรัมเป็ต และเครื่องเพอร์คัชชันเริ่มต้น และคุณสามารถเตรียมเครื่องดนตรีอื่นๆ เช่น โอโบ บาสซูน และฟลูเกลฮอร์นได้

   • คุณสามารถเริ่มตัดสินใจเกี่ยวกับการเลือกเครื่องมือจากเครื่องมือที่มีอยู่ได้ คุณยังสามารถถามผู้จัดการว่าพวกเขาขาดเครื่องมืออะไร - เขาจะขอบคุณมากถ้าคุณสามารถกรอกข้อมูลในที่ว่างได้

2. เปิดตัวเลือกของคุณไว้คุณสามารถเล่นบาริโทน - แซกโซโฟนได้ แต่กลุ่มนี้มีผู้เล่นบาริโทนสามคนแล้ว คุณอาจต้องเล่นคลาริเน็ตก่อน จากนั้นค่อยเล่นอัลโตแซกโซโฟน จากนั้นค่อยเล่นบาริโทนเมื่อมีโอกาส

   พิจารณาขนาดของคุณหากคุณกำลังเริ่มเรียนมัธยมปลายและคุณเตี้ยกว่านักเรียนทั่วไป ทูบาหรือทรอมโบนไม่ใช่ อาจจะเป็นเครื่องมือที่เหมาะสมสำหรับคุณ คุณสามารถลองทรัมเป็ตหรือคอร์เนตแทน

   • หากคุณอายุน้อยกว่าหรือฟันยังหลุดอยู่ คุณอาจพบว่ามันยากที่จะเล่นเครื่องดนตรีทองเหลืองเพราะฟันของคุณไม่แข็งแรงมาก
   • หากคุณมีมือหรือนิ้วเล็กๆ บาสซูนอาจไม่สะดวกสบายสำหรับคุณ แม้ว่าจะมี บาสซูนสำหรับมือใหม่ที่มีกุญแจสำหรับมือเล็กๆ

   ค้นหาเครื่องมือที่เหมาะสม

   1. เล่นในสิ่งที่คุณชอบเมื่อคุณฟังวิทยุ, Spotify หรือเพลงโปรดของเพื่อน สัญชาตญาณอะไรที่ทำให้คุณมีชีวิต?

      • คุณตีกลองด้วยนิ้วของคุณพร้อมกับสายเบสหรือคุณชอบเล่นโซโลกีตาร์ที่คลั่งไคล้หรือไม่? บางทีคุณควรพิจารณาเครื่องสาย
      • คุณเขย่าอากาศอย่างต่อเนื่องโดยการทุบนิ้วของคุณบนโต๊ะหรือไม่? สิ่งเหล่านี้ล้วนเป็นเบาะแสที่ดีว่า "เครื่องมือตามธรรมชาติ" ของคุณคืออะไร ซึ่งรวมถึงการตีด้วยไม้ มือ หรือทั้งสองอย่าง!

   2. คิดเกี่ยวกับสิ่งที่จะเป็นประโยชน์สำหรับสถานการณ์ของคุณคุณอาจจะชอบตีกลองโดยธรรมชาติ แต่พ่อแม่ของคุณบอกว่า "ไม่มีทาง มันดังเกินไป!" มีความคิดสร้างสรรค์ - เสนอกลองดิจิตอลที่คุณได้ยินผ่านหูฟังเท่านั้น หรือคิดใหม่ถึงความต้องการของคุณแล้วเริ่มด้วยสิ่งที่นุ่มนวลเช่นกลองชุดของ Kong เล่นกลองในวงดนตรีของโรงเรียน แต่ฝึกซ้อมที่บ้านด้วยเสื่อยาง

   3. เพียงแค่เลือกอย่างใดอย่างหนึ่งแม้ว่าคุณจะวิเคราะห์ได้ดีว่าควรเล่นอะไร แต่ก็มีอีกสิ่งหนึ่งที่ให้ลองซึ่งมีประโยชน์มากมาย หลับตา (หลังจากอ่านข้อความนี้) และจดเครื่องมือ 5 อย่างแรกที่นึกขึ้นได้ ตอนนี้ดูสิ่งที่คุณเขียน

      • หนึ่งในตัวเลือกเหล่านี้คือเครื่องดนตรีของคุณ อันแรกอยู่ในบรรทัดแรก: อาจเป็นเครื่องดนตรีที่คุณต้องการเล่นจริงๆ หรืออาจเป็นแค่เครื่องดนตรีที่คุณเชื่อมโยงกับการเรียนดนตรี
      • ในแต่ละตัวเลือกที่ประสบความสำเร็จ คุณจะต้องใส่ใจกับสิ่งที่คุณต้องการมากขึ้น จากตัวเลือกที่ห้า คุณจะพบคำตอบ เป็นที่ชัดเจนว่าเครื่องมือทั้งหมดที่คุณชอบ แต่อะไรคือตัวเลือกที่ดีที่สุด? ทุกอย่างขึ้นอยู่กับว่าคุณเป็นใครและจะเรียนรู้อย่างไร
   • หากเครื่องดนตรีที่คุณต้องการเล่นมีราคาแพง ให้ลองเช่าหรือยืมมันซักพัก
   • เป็นความคิดที่ดีที่จะเลือกเครื่องดนตรีที่จะช่วยให้คุณได้สำรวจดนตรีทุกประเภท เครื่องดนตรีเช่นขลุ่ยหรือกีตาร์มีความเป็นไปได้มากมาย นอกจากนี้ การเลือกแซ็กโซโฟนหรือทรัมเป็ตจะช่วยให้คุณสำรวจเครื่องดนตรีอื่นๆ ได้อย่างง่ายดาย ตัวอย่างเช่น นักเป่าแซ็กโซโฟนจะเลือกเครื่องดนตรีกกอื่นๆ เช่น คลาริเน็ต ได้ง่ายขึ้น ในขณะที่นักเป่าแตรจะเรียนรู้ฮอร์นฝรั่งเศสหรือเครื่องดนตรีทองเหลืองอื่นๆ ได้ง่ายกว่ามาก
   • พิจารณาบุคลิกภาพของคุณ เปรียบเทียบตัวเองกับนักแสดง คุณต้องเป็นตัวละครหลักหรือไม่? เลือกเครื่องดนตรีที่เล่นท่วงทำนองและมักเล่นเดี่ยว เช่น ฟลุต ทรัมเป็ต คลาริเน็ต ไวโอลิน ฝ่ายสนับสนุน? หากคุณอยู่ในองค์ประกอบ ทำงานร่วมกันเป็นกลุ่มเพื่อสร้างเสียงที่ไพเราะ เครื่องดนตรีเบส เช่น ทูบา บาริโทน บาริโทนแซกโซโฟน หรือสตริงเบสอาจสมบูรณ์แบบ
   • ก่อนเริ่มต้น เรียนรู้ให้มากที่สุดเกี่ยวกับเครื่องดนตรีที่คุณเลือกเพื่อให้แน่ใจว่าคุณต้องการเรียนรู้มัน
   • พิจารณาทรัพยากรในพื้นที่ของคุณ ติดต่อกับครูในท้องถิ่นและพยายามหาวิธีซื้อเครื่องดนตรี
   • หากคุณไม่แน่ใจว่าต้องการเล่นเครื่องดนตรีที่คุณเลือกจริงๆ หรือไม่ ให้เช่ามัน และถ้าคุณชอบ คุณก็ซื้อมันได้ หากไม่เป็นเช่นนั้น คุณสามารถเลือกเครื่องมืออื่นได้
   • เลือกเครื่องดนตรีหายาก หลายคนรู้วิธีเล่นเปียโน กีตาร์ และกลอง ดังนั้นหากต้องการเล่นให้โดดเด่น คุณต้องเล่นให้ดีที่สุด แต่ถ้าคุณเลือกเครื่องดนตรีที่แปลกและแปลก แม้ว่าคุณจะเล่นไม่ดี คุณอาจหางานสอนหรือคอนเสิร์ตได้
   • โปรดทราบว่าโรงเรียนหลายแห่งถือว่า "กลอง" เป็นเครื่องดนตรีชนิดหนึ่ง หมายความว่าพวกเขาไม่ได้ปรับเฉพาะบ่วงหรือกลองชุดเท่านั้น ดังนั้น คุณจะต้องเรียนรู้และเล่นเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันทั้งหมด นี้เป็นสิ่งที่ดี ยิ่งคุณรู้มากเท่าไหร่ คุณจะยิ่งรู้สึกดีขึ้นเท่านั้น

   คำเตือน

   • อย่าคิดเกี่ยวกับแบบแผนทางเพศ นักเล่นทูบาและมือกลองที่น่าทึ่งบางคนเป็นผู้หญิง แต่นักเป่าฟลุตและนักเป่าปี่ที่เก่งที่สุดอาจเป็นผู้ชายได้
   • อย่าเลือกเครื่องดนตรีเพียงเพราะมันดัง นักเป่าแตรในวงออเคสตราหรือนักเล่นเบสในวงดนตรีร็อกก็มีประโยชน์พอๆ กับศิลปินเดี่ยว ไม่ว่าในกรณีใด เครื่องดนตรีเกือบทั้งหมดมีเนื้อหาสำหรับโซโล ดังนั้นโอกาสที่จะติดอยู่กับแนวเสียงเบสที่น่าเบื่อตลอดไปในเครื่องดนตรีของคุณจึงต่ำ
   • อย่าคิดว่าเครื่องดนตรีบางอย่าง "ถูกจำกัด" ในแง่ของสิ่งที่คุณสามารถเล่นได้ เครื่องดนตรีอะไรก็ได้มีความเป็นไปได้ที่ไม่มีที่สิ้นสุดอย่างแท้จริง คุณไม่สามารถหยุดพัฒนาและเล่นเพลงที่ยอดเยี่ยมได้
   • อย่าให้คนอื่นบอกคุณว่าเครื่องมือใดที่ "เจ๋ง" หรือ "ทันสมัย" การเล่นเครื่องดนตรีไม่ได้หมายความว่าคุณสามารถพูดได้อย่างเดียวว่าคุณทำได้

เพลงฝรั่งเศสที่เราได้ยินนั้นมีรากฐานที่ลึกซึ้ง ปรากฏจากศิลปะพื้นบ้านของชาวนาและชาวเมือง บทกวีทางศาสนาและอัศวิน จากประเภทการเต้นรำ การก่อตัวของดนตรีขึ้นอยู่กับยุคสมัย ความเชื่อของเซลติกและต่อมาตามประเพณีระดับภูมิภาคของจังหวัดในฝรั่งเศสและประชาชนใกล้เคียง ก่อให้เกิดท่วงทำนองและแนวเพลงพิเศษที่มีอยู่ในเสียงดนตรีของฝรั่งเศส

ดนตรีของชาวเคลต์

ชาวกอลซึ่งเป็นชาวเซลติกที่ใหญ่ที่สุด สูญเสียภาษาไปโดยการพูดภาษาละติน แต่ได้รับประเพณีทางดนตรี การเต้นรำ มหากาพย์และเครื่องดนตรีของเซลติก: ขลุ่ย ปี่ ปี่ ไวโอลิน พิณ มีการขับร้องดนตรีแบบ Gallic และเชื่อมโยงกับบทกวีอย่างแยกไม่ออก เสียงของจิตวิญญาณและการแสดงออกของอารมณ์ถูกถ่ายทอดโดยกวีพเนจร พวกเขารู้จักเพลงมากมาย เป็นเจ้าของเสียงและรู้ว่าต้องเล่นอย่างไร และใช้ดนตรีในพิธีกรรมลึกลับด้วย ในนิทานพื้นบ้านฝรั่งเศสรู้จักงานดนตรี 2 เวอร์ชั่น: บัลลาดและเนื้อเพลง - กวีนิพนธ์พื้นบ้านพร้อมคอรัสที่แทนที่ดนตรี เพลงทั้งหมดเขียนเป็นภาษาฝรั่งเศสแม้ว่าชาวฝรั่งเศสจะพูดภาษาถิ่นของตนเองก็ตาม ภาษาของฝรั่งเศสตอนกลางถือเป็นภาษาที่เคร่งขรึมและเป็นบทกวี

เพลงมหากาพย์

เพลงบัลลาดได้รับการยกย่องอย่างสูงในหมู่ประชาชน ตำนานชาวเยอรมันนำพรสวรรค์จากผู้คนมาเป็นพื้นฐานสำหรับเพลงในตำนานของพวกเขา ประเภทมหากาพย์ดำเนินการโดยนักเล่นปาหี่ - นักร้องลูกทุ่งซึ่งในฐานะนักประวัติศาสตร์ได้ดำเนินเหตุการณ์ในเพลง ต่อมา ประสบการณ์ทางดนตรีของเขาได้ส่งต่อไปยังนักร้องนักท่องเทียวในยุคกลาง ทั้งนักร้อง นักดนตรี นักร้องประสานเสียง ในบรรดาเพลงในตำนานกลุ่มสำคัญคือเพลง - การร้องเรียนเพื่อตอบสนองต่อเหตุการณ์ที่น่าเศร้าหรือไม่ยุติธรรม เรื่องราวทางศาสนาหรือฆราวาสมักจะเป็นเรื่องน่าเศร้า โดยมีกุญแจสำคัญรองลงมา การร้องเรียนอาจเป็นเรื่องโรแมนติกหรือผจญภัย ซึ่งโครงเรื่องหลักกลายเป็นเรื่องราวความรักที่มีจุดจบอันน่าสลดใจหรือฉากแห่งความหลงใหล ซึ่งบางครั้งก็เต็มไปด้วยความโหดร้าย การร้องเรียนเรื่องเพลงแพร่กระจายลึกเข้าไปในหมู่บ้านและค่อยๆ กลายเป็นตัวการ์ตูนและเสียดสี ท่วงทำนองของการร้องทุกข์อาจเป็นเพลงสวดของโบสถ์หรือร้องเพลงในหมู่บ้าน - เรื่องยาวและหยุดชั่วคราว ตัวอย่างคลาสสิกของบทบรรยายคือ "Song of Reno" ซึ่งมีจังหวะใน C major ท่วงทำนองนั้นสงบและเคลื่อนไหว

สามารถฟังเพลงบัลลาดที่มีลวดลายเซลติกได้ในผลงานของ Nolwen Leroy นักร้องลูกทุ่งจาก Brittany อัลบั้มแรก "Breton" (2010) ฟื้นเพลงพื้นบ้าน เพลงบัลลาดคลาสสิกของร็อคโฟล์คยังได้ยิน - "ตรียาน" เรื่องราวของกะลาสีธรรมดาและแฟนสาวของเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นมุกแห่งนิทานพื้นบ้าน กลุ่มนี้ก่อตั้งโดยนักดนตรีสามคนชื่อ Jean ในปี 1970 นอกจากนี้ยังมีการรายงานโดยใช้ชื่อกลุ่ม ซึ่งแปลมาจากภาษาเบรอตงว่า “three Jeans” เพลงบัลลาด "ในเรือนจำแห่งน็องต์" อีกเพลงหนึ่งเกี่ยวกับนักโทษที่หลบหนีด้วยความช่วยเหลือของลูกสาวของผู้คุมเป็นที่นิยมและเป็นที่รู้จักทั่วประเทศฝรั่งเศส

เนื้อเพลงรัก

ในทุกรูปแบบของดนตรีพื้นบ้านเรื่องราวความรักเกิดขึ้น ในมหากาพย์นี้เป็นเรื่องราวเกี่ยวกับความรักที่มีฉากหลังเป็นเหตุการณ์ทางทหารหรือในชีวิตประจำวัน ในเพลงการ์ตูน นี่เป็นบทสนทนาที่น่าขัน โดยที่คู่สนทนาคนหนึ่งหัวเราะเยาะอีกฝ่าย ไม่มีหัวใจและคำอธิบายที่เป็นอันหนึ่งอันเดียวกันของความรัก เพลงเด็กร้องเพลงเกี่ยวกับงานแต่งงานของนก เพลงภาษาฝรั่งเศสที่ไพเราะในความหมายคลาสสิกคือเพลงอภิบาลที่โผล่ออกมาจากแนวเพลงในชนบทและย้ายไปอยู่ในบทเพลงของคณะนักร้องประสานเสียง ฮีโร่ของเธอเป็นคนเลี้ยงแกะและขุนนาง นักร้องในที่สาธารณะยังระบุเวลาและสถานที่ของการกระทำ โดยปกติแล้วจะเป็นธรรมชาติ ไร่องุ่นหรือสวน เพลงลูกทุ่งเกี่ยวกับความรักในระดับภูมิภาคแตกต่างกัน เพลงเบรอตงที่ละเอียดอ่อนมาก ท่วงทำนองที่จริงจังและตื่นเต้นพูดถึงความรู้สึกที่ประเสริฐ เพลงอัลไพน์บริสุทธิ์ ลื่นไหล เต็มไปด้วยอากาศบนภูเขา ในภาคกลางของฝรั่งเศส - "เพลงธรรมดา" ในสไตล์โรแมนติก โปรวองซ์และทางตอนใต้ของประเทศแต่งเพลงเซเรเนดซึ่งเป็นศูนย์กลางของคู่รักและหญิงสาวเปรียบได้กับดอกไม้หรือดวงดาว การร้องเพลงควบคู่ไปกับการเล่นกลองหรือไปป์ฝรั่งเศส กวีของ Troubadour แต่งเพลงของพวกเขาในภาษา Provence และร้องเพลงด้วยความรักและการกระทำที่กล้าหาญ ในคอลเล็กชั่นเพลงพื้นบ้านของศตวรรษที่สิบห้า รวมเพลงตลกและเสียดสีมากมาย ในเนื้อเพลงรักไม่มีความหรูหราของเพลงฮิตของอิตาลีและสเปน แต่มีลักษณะเฉพาะของการประชด

ความรู้สึกของเพลงพื้นบ้านมีบทบาทชี้ขาด และความรักในแนวเพลงนี้ก็แพร่กระจายไปยังผู้สร้างชานสันและยังคงอาศัยอยู่ในฝรั่งเศส

เสียดสีดนตรี

จิตวิญญาณของ Gallic แสดงออกในเรื่องตลกและในเพลง เต็มไปด้วยชีวิตและการเยาะเย้ย เป็นคุณลักษณะเฉพาะของเพลงฝรั่งเศส นิทานพื้นบ้านเมืองซึ่งใกล้เคียงกับศิลปะพื้นบ้านมากเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 จากนั้นชาวปารีส chansonniers ซึ่งอาศัยอยู่ใกล้ Pont Neuf ร้องเพลงเกี่ยวกับปัญหาในปัจจุบัน แต่ที่นี่พวกเขาแลกเปลี่ยนข้อความของพวกเขา การตอบสนองต่อเหตุการณ์ทางสังคมต่าง ๆ ด้วยข้อเสียดสีกลายเป็นแฟชั่น เพลงลูกทุ่งที่คมชัดกำหนดการพัฒนาของคาบาเร่ต์

เพลงแดนซ์

ดนตรีแนวคลาสสิคยังได้แรงบันดาลใจจากผลงานของชาวนาอีกด้วย ท่วงทำนองพื้นบ้านสะท้อนอยู่ในผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศส - Berlioz, Saint-Saens, Bizet, Lully และอื่น ๆ อีกมากมาย การเต้นรำโบราณ - farandole, gavotte, rigodon, minuet และ bourre มีความเกี่ยวข้องกับดนตรีอย่างใกล้ชิดและการเคลื่อนไหวและจังหวะของพวกเขาขึ้นอยู่กับเพลง

• Farandoleปรากฏในยุคกลางตอนต้นทางตอนใต้ของฝรั่งเศสจากเพลงคริสต์มาส การเต้นรำมาพร้อมกับเสียงแทมบูรีนและขลุ่ยที่อ่อนโยน การเต้นรำของนกกระเรียนตามที่เรียกในภายหลังนั้นถูกเต้นรำในวันหยุดและงานเฉลิมฉลอง Farandole ฟังในชุด "Arlesian" ของ Bizet หลังจาก "March of the Three Kings"
• Gavotte- การเต้นรำแบบเก่าของชาวเทือกเขาแอลป์ - gavotes และใน Brittany เดิมทีเป็นการเต้นรำแบบวงกลมในวัฒนธรรมเซลติก มันดำเนินการอย่างรวดเร็วตามหลักการของ "ก้าว - วางเท้าของคุณ" ไปที่ปี่ นอกจากนี้ เนื่องจากรูปแบบจังหวะของมัน มันจึงกลายเป็นซาลอนแดนซ์และกลายเป็นต้นแบบของมินิเอ็ท เป็นไปได้ที่จะได้ยิน gavotte ในการตีความที่แท้จริงในโอเปร่า Manon Lescaut
• ริกาดอน- การเต้นรำที่ร่าเริงของชาวนาโปรวองซ์กับดนตรีของไวโอลินการร้องเพลงและการตีไม้ที่ได้รับความนิยมในยุคบาโรก ขุนนางตกหลุมรักเขาเพราะความเบาและอารมณ์ของเขา
• Burre- การเต้นรำพื้นบ้านที่มีพลังด้วยการกระโดดที่เกิดขึ้นในภาคกลางของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 15 ในศตวรรษที่ 17 และ 18 การเต้นรำอันสง่างามของข้าราชบริพารเกิดขึ้นจากสภาพแวดล้อมพื้นบ้านของจังหวัดปัวตู มินูเอตมีลักษณะการเดินช้าๆ ด้วยก้าวเล็กๆ โค้งคำนับและโค้งคำนับ เพลงของ minuet แต่งขึ้นโดยฮาร์ปซิคอร์ดด้วยความเร็วที่เร็วกว่าการเคลื่อนไหวของนักเต้น

มีการแต่งเพลงและเพลงที่หลากหลาย - พื้นบ้าน, แรงงาน, วันหยุด, เพลงกล่อมเด็ก, เพลงนับ

การแสดงออกที่ทันสมัยในอัลบั้ม "Breton" ของ Leroy ได้รับการนับทำนองเพลงพื้นบ้าน "Mare from Michaud" (La Jument de Michao) ต้นกำเนิดทางดนตรีของเธอคือการเต้นรำแบบกลม เพลงโฟล์กที่รวมอยู่ในอัลบั้มเบรอตงแต่งขึ้นสำหรับวันหยุดเฟสต์นอซและเพื่อระลึกถึงการเต้นรำพื้นบ้านและประเพณีเพลงของบริตตานี

เพลงฝรั่งเศสซึมซับคุณลักษณะทั้งหมดของวัฒนธรรมดนตรีพื้นบ้าน มันโดดเด่นด้วยความจริงใจและความสมจริงไม่มีองค์ประกอบเหนือธรรมชาติและปาฏิหาริย์อยู่ในนั้น และในสมัยของเราในฝรั่งเศสและในโลก นักร้องเพลงป๊อปชาวฝรั่งเศส ผู้สืบทอดประเพณีพื้นบ้านที่ดีที่สุด ได้รับความนิยมอย่างมาก

เครื่องดนตรีถูกออกแบบมาเพื่อผลิตเสียงต่างๆ หากนักดนตรีเล่นได้ดีเสียงเหล่านี้สามารถเรียกได้ว่าเป็นเพลงหากไม่ใช่เสียงขรม มีเครื่องมือมากมายที่การเรียนรู้พวกมันเหมือนกับเกมที่น่าตื่นเต้นที่แย่กว่า Nancy Drew! ในการฝึกฝนดนตรีสมัยใหม่ เครื่องดนตรีแบ่งออกเป็นคลาสและตระกูลต่างๆ ตามแหล่งที่มาของเสียง วัสดุในการผลิต วิธีการผลิตเสียง และคุณสมบัติอื่นๆ

เครื่องดนตรีลม (aerophones): กลุ่มเครื่องดนตรีที่มีแหล่งกำเนิดเสียงคือการสั่นสะเทือนของคอลัมน์อากาศในถัง (หลอด) โดยจำแนกตามเกณฑ์หลายประการ (ตามวัสดุ การออกแบบ วิธีการผลิตเสียง ฯลฯ) ในวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตรา กลุ่มเครื่องดนตรีลมแบ่งออกเป็นไม้ (ฟลุต โอโบ คลาริเน็ต บาสซูน) และทองเหลือง (ทรัมเป็ต แตร ทรอมโบน ทูบา)

1. ขลุ่ย - เครื่องดนตรีประเภทเครื่องเป่าลมไม้ ขลุ่ยขวางแบบสมัยใหม่ (พร้อมวาล์ว) ถูกคิดค้นโดยอาจารย์ชาวเยอรมัน ที. เบม ในปี พ.ศ. 2375 และมีหลากหลายรูปแบบ: ขลุ่ยขนาดเล็ก (หรือพิคโคโล) อัลโตและเบสฟลุต

2. โอโบ - เครื่องดนตรีกก ลมไม้ รู้จักกันมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 พันธุ์: โอโบขนาดเล็ก, โอโบ d "ความรัก, เขาอังกฤษ, แฮ็คเคลโฟน

3. คลาริเน็ต - เครื่องดนตรีไม้กก ออกแบบตั้งแต่แรกเริ่ม ศตวรรษที่ 18 ในทางปฏิบัติสมัยใหม่ คลาริเน็ตโซปราโน ปิคโคโลคลาริเน็ต (ปิคโคโลอิตาลี) อัลโต (เรียกว่าเบสฮอร์น) เบสคลาริเน็ตมักใช้

4. Bassoon - เครื่องดนตรีประเภทเครื่องเป่าลมไม้ (ส่วนใหญ่เป็นวงดนตรี) เกิดขึ้นที่ชั้น 1 ศตวรรษที่ 16 วาไรตี้เบสคือคอนทราบาสซูน

5. ทรัมเป็ต - เครื่องดนตรีเป่าทองเหลืองที่รู้จักกันมาตั้งแต่สมัยโบราณ ท่อวาวล์ชนิดทันสมัยได้รับการพัฒนาเพื่อรองรับ ศตวรรษที่ 19

6. ฮอร์น - เครื่องดนตรีประเภทลม ปรากฏขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 อันเป็นผลมาจากการปรับปรุงเขาล่าสัตว์ แตรชนิดทันสมัยพร้อมวาล์วถูกสร้างขึ้นในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19

7. ทรอมโบน - เครื่องดนตรีทองเหลืองลม (ส่วนใหญ่เป็นวงออเคสตรา) ซึ่งระดับเสียงถูกควบคุมโดยอุปกรณ์พิเศษ - หลังเวที (เรียกว่าทรอมโบนเลื่อนหรือซูกทรอมโบน) มีวาล์วทรอมโบนด้วย

8. ทูบาเป็นเครื่องดนตรีทองเหลืองที่เสียงต่ำที่สุด ออกแบบในปี 1835 ในประเทศเยอรมนี

เมทัลโลโฟนเป็นเครื่องดนตรีชนิดหนึ่งซึ่งมีองค์ประกอบหลักคือแป้นเพลทซึ่งใช้ค้อนทุบ

1. เครื่องดนตรีที่เปล่งเสียงได้เอง (ระฆัง ฆ้อง ไวบราโฟน ฯลฯ) ซึ่งเป็นแหล่งกำเนิดเสียงที่เป็นโลหะที่ยืดหยุ่นได้ สกัดเสียงด้วยค้อน แท่ง กลองพิเศษ (ลิ้น)

2. เครื่องมือเช่นระนาดซึ่งแตกต่างจากแผ่นโลหะที่ทำจากโลหะ

เครื่องดนตรีประเภทเครื่องสาย (คอร์โดโฟน): ตามวิธีการผลิตเสียง จะแบ่งออกเป็นเครื่องดนตรีประเภทโค้งคำนับ (เช่น ไวโอลิน เชลโล กิดแซก คีมันชา) ที่ดึงออกมา (พิณ พิณ กีตาร์ บาลาไลกา) เพอร์คัชชัน (ฉาบ) เพอร์คัชชัน คีย์บอร์ด (เปียโน) ที่ดึงออกมา - คีย์บอร์ด (ฮาร์ปซิคอร์ด)

1. ไวโอลิน - เครื่องดนตรีประเภทโค้งคำนับ 4 สาย สูงสุดในการลงทะเบียนในตระกูลไวโอลินซึ่งเป็นพื้นฐานของวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตราคลาสสิกและวงเครื่องสาย

2. เชลโล - เครื่องดนตรีของตระกูลไวโอลินของเบส-เทเนอร์รีจิสเตอร์ ปรากฏในศตวรรษที่ 15-16 ตัวอย่างคลาสสิกถูกสร้างขึ้นโดยผู้เชี่ยวชาญชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 17-18: A. และ N. Amati, J. Guarneri, A. Stradivari

3. Gidzhak - เครื่องดนตรีโค้งคำนับ (ทาจิกิสถาน, อุซเบก, เติร์กเมนิสถาน, อุยกูร์)

4. Kemancha (kamancha) - เครื่องดนตรีโค้งคำนับ 3-4 สาย เผยแพร่ในอาเซอร์ไบจาน อาร์เมเนีย จอร์เจีย ดาเกสถาน เช่นเดียวกับประเทศในตะวันออกกลางและตะวันออกใกล้

5. พิณ (จาก German Harfe) - เครื่องดนตรีที่ดึงหลายสาย ภาพแรก - ในสหัสวรรษที่สามก่อนคริสต์ศักราช ในรูปแบบที่ง่ายที่สุด พบได้ในแทบทุกคน พิณเหยียบสมัยใหม่ถูกประดิษฐ์ขึ้นในปี 1801 โดย S. Erard ในฝรั่งเศส

6. Gusli - เครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายรัสเซีย Pterygoid gusli ("เปล่งออกมา") มีสตริง 4-14 หรือมากกว่า, รูปหมวก - 11-36, สี่เหลี่ยม (รูปโต๊ะ) - 55-66 สาย

7. กีตาร์ (กีตาร์สเปนจากภาษากรีก cithara) - เครื่องสายแบบลูท เป็นที่รู้จักในสเปนตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 และในศตวรรษที่ 17 และ 18 ได้แพร่หลายไปยังประเทศต่างๆ ในยุโรปและอเมริกา รวมทั้งในฐานะเครื่องดนตรีพื้นบ้าน ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 กีตาร์ 6 สายได้กลายเป็นสิ่งที่พบเห็นได้ทั่วไป กีตาร์ 7 สายเริ่มแพร่หลายในรัสเซียเป็นหลัก พันธุ์รวมถึงอูคูเลเล่ที่เรียกว่า; ในเพลงป๊อปสมัยใหม่ กีตาร์ไฟฟ้าถูกนำมาใช้

8. บาลาไลก้า - เครื่องดนตรี 3 สายแบบพื้นบ้านรัสเซีย รู้ตั้งแต่แรก ศตวรรษที่ 18 ดีขึ้นในทศวรรษที่ 1880 (ภายใต้การดูแลของ V.V. Andreev) V.V. Ivanov และ F.S. Paserbsky ผู้ออกแบบตระกูล balalaikas ต่อมา - S.I. Nalimov

9. ฉาบ (ฉิ่งโปแลนด์) - เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันแบบหลายสายที่มีต้นกำเนิดในสมัยโบราณ พวกเขาเป็นส่วนหนึ่งของวงออเคสตราพื้นบ้านของฮังการี โปแลนด์ โรมาเนีย เบลารุส ยูเครน มอลโดวา ฯลฯ

10. เปียโน (อิตาลี fortepiano จากมือขวา - ดังและเปียโน - เงียบ) - ชื่อทั่วไปของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดที่มีการกระทำของค้อน (เปียโน, เปียโน) Pianoforte ถูกประดิษฐ์ขึ้นในตอนเริ่มต้น ศตวรรษที่ 18 ลักษณะของเปียโนสมัยใหม่ - กับสิ่งที่เรียกว่า การซ้อมสองครั้ง - หมายถึงยุค 1820 ความมั่งคั่งของการแสดงเปียโน - ศตวรรษที่ 19-20

11. Harpsichord (French clavecin) - เครื่องดนตรีที่ดึงคีย์บอร์ดแบบเครื่องสายซึ่งเป็นบรรพบุรุษของเปียโน รู้จักกันมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 มีฮาร์ปซิคอร์ดที่มีรูปร่าง หลายประเภท และหลายพันธุ์ รวมทั้งเจมบาโล เวอร์จินเนล สปิเน็ท คลาวิซิเทอเรียม

เครื่องดนตรีคีย์บอร์ด: กลุ่มเครื่องดนตรีที่รวมกันเป็นหนึ่งโดยคุณสมบัติทั่วไป - การมีอยู่ของกลไกคีย์บอร์ดและคีย์บอร์ด พวกเขาแบ่งออกเป็นคลาสและประเภทต่าง ๆ เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดรวมกับหมวดหมู่อื่นๆ

1. เครื่องสาย (เครื่องเคาะและคีย์บอร์ดแบบดึง): เปียโน เซเลสตา ฮาร์ปซิคอร์ด และรูปแบบต่างๆ

2. ลม (คีย์บอร์ดลมและกก): ออร์แกนและพันธุ์ของมัน, ฮาร์โมเนียม, หีบเพลงปุ่ม, หีบเพลง, เมโลดี้

3. ระบบเครื่องกลไฟฟ้า: เปียโนไฟฟ้า, คลาวิเน็ต

4. อิเล็กทรอนิกส์: เปียโนไฟฟ้า

Pianoforte (อิตาลี fortepiano จากมือขวา - ดังและเปียโน - เงียบ) - ชื่อทั่วไปของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดที่มีการกระทำของค้อน (เปียโน, เปียโน) มันถูกประดิษฐ์ขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 18 ลักษณะของเปียโนสมัยใหม่ - กับสิ่งที่เรียกว่า การซ้อมสองครั้ง - หมายถึงยุค 1820 ความมั่งคั่งของการแสดงเปียโน - ศตวรรษที่ 19-20

เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชัน : กลุ่มเครื่องดนตรีที่ผสมผสานกันตามวิธีการผลิตเสียง-กระทบ แหล่งกำเนิดเสียงคือตัวของแข็ง เมมเบรน สตริง มีเครื่องดนตรีที่มีระดับเสียงที่แน่นอน (กลอง, กลอง, ระนาด, ระนาด) และระดับเสียงไม่แน่นอน (กลอง, แทมบูรีน, แคสทาเนต)

1. Timpani (timpani) (จากภาษากรีก polytaurea) - เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันที่มีรูปร่างเป็นหม้อขนาดใหญ่ที่มีเมมเบรนซึ่งมักจับคู่ (nagara ฯลฯ ) แพร่หลายตั้งแต่สมัยโบราณ

2. ระฆัง - เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันแบบออร์เคสตราที่ให้เสียงตัวเอง: ชุดแผ่นเสียงโลหะ

3. ระนาด (จากไซโล... และโทรศัพท์กรีก - เสียง, เสียง) - เครื่องดนตรีประเภทตีเสียงด้วยตัวเอง ประกอบด้วยท่อนไม้หลายท่อนหลายท่อน

4. เครื่องดนตรีประเภทกลอง - เพอร์คัชชัน เมมเบรน พบได้หลากหลายในหลายชนชาติ

5. แทมบูรีน - เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชัน บางครั้งก็มีจี้โลหะ

6. Castanetvas (สเปน: castanetas) - เครื่องดนตรีประเภทเคาะ; แผ่นไม้ (หรือพลาสติก) ในรูปแบบของเปลือกหอยจับจ้องอยู่ที่นิ้ว

เครื่องดนตรีไฟฟ้า: เครื่องดนตรีที่สร้างเสียงโดยการสร้าง ขยาย และแปลงสัญญาณไฟฟ้า (โดยใช้อุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์) พวกเขามีเสียงต่ำสามารถเลียนแบบเครื่องดนตรีต่างๆได้ เครื่องดนตรีไฟฟ้า ได้แก่ แดมิน เอมิริตัน กีต้าร์ไฟฟ้า ออร์แกนไฟฟ้า เป็นต้น

1. แดมิน - เครื่องดนตรีไฟฟ้าในประเทศเครื่องแรก ออกแบบโดย แอล.เอส. แธร์มิน ระยะพิทช์ในแดมินนั้นแตกต่างกันไปตามระยะห่างของมือขวาของนักแสดงถึงเสาอากาศอันใดอันหนึ่ง ระดับเสียง - จากระยะห่างของมือซ้ายไปยังเสาอากาศอีกอันหนึ่ง

2. Emiriton - เครื่องดนตรีไฟฟ้าที่มีคีย์บอร์ดแบบเปียโน ออกแบบในสหภาพโซเวียตโดยนักประดิษฐ์ A. A. Ivanov, A. V. Rimsky-Korsakov, V. A. Kreutser และ V. P. Dzerzhkovich (รุ่นที่ 1 ในปี 1935)

3. กีต้าร์ไฟฟ้า - กีต้าร์ที่ทำจากไม้ โดยมีปิ๊กอัพไฟฟ้าที่เปลี่ยนการสั่นของสายโลหะเป็นแรงสั่นสะเทือนของกระแสไฟฟ้า ปิ๊กอัพแม่เหล็กตัวแรกถูกสร้างขึ้นโดยวิศวกรของ Gibson Lloyd Loer ในปี 1924 ที่พบมากที่สุดคือกีตาร์ไฟฟ้าหกสาย

วัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสเริ่มก่อตัวขึ้นบนชั้นเพลงพื้นบ้านที่เข้มข้น แม้ว่าบันทึกเพลงที่เชื่อถือได้ที่เก่าแก่ที่สุดที่รอดชีวิตมาได้จนถึงทุกวันนี้มีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 แต่วัสดุทางวรรณกรรมและศิลปะระบุว่าตั้งแต่สมัยจักรวรรดิโรมัน ดนตรีและการร้องเพลงได้ครอบครองสถานที่สำคัญในชีวิตประจำวันของผู้คน

ดนตรีของคริสตจักรมาถึงดินแดนฝรั่งเศสพร้อมกับศาสนาคริสต์ แต่เดิมเป็นภาษาละติน ค่อยๆ เปลี่ยนไปตามอิทธิพลของดนตรีพื้นบ้าน คริสตจักรใช้วัสดุในการบูชาที่ชาวบ้านเข้าใจ ระหว่างศตวรรษที่ 5 ถึง 9 พิธีสวดแบบพิเศษที่พัฒนาขึ้นในกอล - พิธีกรรมของชาวกัลลิกันที่มีการร้องเพลงของชาวกัลลิกัน ในบรรดาผู้แต่งเพลงสวดของโบสถ์ Hilary of Poitiers มีชื่อเสียง พิธีกรรมของชาวกัลลิกันเป็นที่รู้จักจากแหล่งประวัติศาสตร์ ซึ่งบ่งชี้ว่าพิธีกรรมนี้แตกต่างอย่างมากจากพิธีกรรมของชาวโรมัน มันไม่รอดเพราะกษัตริย์ฝรั่งเศสยกเลิกมันโดยพยายามที่จะได้รับตำแหน่งจักรพรรดิจากโรมและคริสตจักรโรมันพยายามที่จะบรรลุการรวมกันของบริการของคริสตจักร

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 9-12 “เพลงเกี่ยวกับการกระทำ” (chansons de geste) ได้รับการเก็บรักษาไว้

ดนตรีพื้นบ้าน

ในผลงานของนักดนตรีพื้นบ้านชาวฝรั่งเศสมีการพิจารณาเพลงพื้นบ้านหลายประเภท: โคลงสั้น ๆ, ความรัก, เพลงร้องเรียน (บ่น), เต้นรำ (rondes), เสียดสี, เพลงของช่างฝีมือ (chansons de metiers), ปฏิทินเช่นคริสต์มาส (ประสานเสียง); แรงงาน ประวัติศาสตร์ การทหาร ฯลฯ นิทานพื้นบ้านยังรวมถึงเพลงที่เกี่ยวข้องกับความเชื่อของชาวกัลลิกและเซลติก ในบรรดาประเภทโคลงสั้น ๆ สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยศิษยาภิบาล (การทำให้เป็นอุดมคติของชีวิตในชนบท) รูปแบบของความรักที่ไม่สมหวังและการพรากจากกันมีอิทธิพลเหนือผลงานของเนื้อหาความรัก มีหลายเพลงที่อุทิศให้กับเด็ก ๆ - เพลงกล่อมเด็ก, เกม, นับเพลง (fr. comptines). แรงงาน (เพลงของคนเกี่ยวข้าว คนไถนา คนปลูกองุ่น ฯลฯ) เพลงของทหารและทหารเกณฑ์มีหลากหลาย กลุ่มพิเศษประกอบด้วยเพลงบัลลาดเกี่ยวกับสงครามครูเสด เพลงที่เผยให้เห็นความโหดร้ายของขุนนางศักดินา กษัตริย์ และข้าราชบริพาร เพลงเกี่ยวกับการลุกฮือของชาวนา (นักวิจัยเรียกกลุ่มเพลงนี้ว่า "มหากาพย์แห่งประวัติศาสตร์ของฝรั่งเศส")

วัยกลางคน

เพลงคริสตจักร

ในช่วงยุคกลาง พัฒนาการของดนตรีในโบสถ์ได้รับการบันทึกไว้อย่างดีที่สุด รูปแบบของพิธีกรรมคริสเตียนในยุคแรก ๆ ของ Gallican ถูกแทนที่ด้วยพิธีสวดแบบเกรกอเรียน การแพร่กระจายของบทสวดเกรกอเรียนในรัชสมัยของราชวงศ์การอแล็งเฌียง (751-987) เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของอารามเบเนดิกตินเป็นหลัก วัดคาทอลิกแห่งJumièges (บนแม่น้ำแซน เช่นเดียวกับในปัวตีเย, อาร์ลส์, ตูร์, ชาตร์ และเมืองอื่นๆ) ได้กลายเป็นศูนย์กลางของดนตรีในโบสถ์ เซลล์ของวัฒนธรรมดนตรีทางจิตวิญญาณและฆราวาสแบบมืออาชีพ เพื่อสอนให้นักเรียนร้องเพลงที่วัดหลายแห่ง จึงมีการสร้างโรงเรียนสอนร้องเพลงพิเศษ (วัด) พวกเขาสอนไม่เพียง แต่การร้องเพลงเกรกอเรียนเท่านั้น แต่ยังสอนการเล่นเครื่องดนตรีความสามารถในการอ่านดนตรี ในกลางคริสต์ศตวรรษที่ 9 สัญกรณ์ที่ไม่บังคับปรากฏขึ้นซึ่งการพัฒนาทีละน้อยซึ่งหลังจากผ่านไปหลายศตวรรษนำไปสู่การก่อตัวของโน้ตดนตรีสมัยใหม่

ในศตวรรษที่ 9 บทสวดเกรกอเรียนเต็มไปด้วยลำดับซึ่งในฝรั่งเศสเรียกอีกอย่างว่า ร้อยแก้ว. การสร้างแบบฟอร์มนี้เกิดจากพระ Notker จากอาราม St. Gallen (สวิตเซอร์แลนด์สมัยใหม่) อย่างไรก็ตาม Notker ระบุในคำนำของ "Book of Hymns" ว่าเขาได้รับข้อมูลเกี่ยวกับลำดับจากพระภิกษุจาก Jumièges Abbey ต่อจากนั้นผู้เขียนร้อยแก้วอดัมจาก Abbey of Saint-Victor (ศตวรรษที่ 12) และผู้สร้าง "Donkey Prose" ที่มีชื่อเสียง Pierre Corbeil (ต้นศตวรรษที่ 13) กลายเป็นที่รู้จักโดยเฉพาะในฝรั่งเศส นวัตกรรมอีกประการหนึ่งคือ tropes - แทรกกลางบทสวดเกรกอเรียน ท่วงทำนองของฆราวาสเริ่มแทรกซึมดนตรีของคริสตจักรผ่านพวกเขา

ตั้งแต่วันที่ 10 ค. ในลิโมจส์, ตูร์และเมืองอื่น ๆ ในส่วนลึกของการบริการอันศักดิ์สิทธิ์เองละครเกี่ยวกับพิธีกรรมปรากฏขึ้นซึ่งเกิดจากบทสนทนาที่มี "คำถาม" และ "คำตอบ" ทางเลือกของกลุ่มนักร้องประสานเสียงสองกลุ่ม ละครเกี่ยวกับพิธีกรรมค่อยๆ เคลื่อนห่างจากลัทธิมากขึ้นเรื่อยๆ (พร้อมกับภาพจากพระวรสาร มีตัวละครที่เหมือนจริงรวมอยู่ด้วย)

ตั้งแต่สมัยโบราณ เพลงพื้นบ้านมีลักษณะเป็นพหุเสียง ขณะที่บทสวดเกรกอเรียนเป็นเพลงโมโนโฟนิก ในศตวรรษที่ 9 องค์ประกอบของโพลีโฟนีก็เริ่มแทรกซึมเข้าไปในดนตรีของคริสตจักร ในคู่มือศตวรรษที่ 9 เกี่ยวกับออร์แกนโพลีโฟนีถูกเขียนขึ้น พระ Gukbald แห่ง Saint-Aman ใกล้ Tournai ใน Flanders ถือเป็นผู้เขียนที่เก่าแก่ที่สุด รูปแบบโพลีโฟนิกที่พัฒนาขึ้นในดนตรีของคริสตจักรนั้นแตกต่างจากการฝึกฝนดนตรีพื้นบ้าน

เพลงฆราวาส

ดนตรีฆราวาสได้รับการพัฒนาควบคู่ไปกับดนตรีลัทธิซึ่งฟังในชีวิตพื้นบ้านที่ศาลของกษัตริย์แฟรงก์ในปราสาทของขุนนางศักดินา ผู้ให้บริการของประเพณีดนตรีพื้นบ้านของยุคกลางส่วนใหญ่เป็นนักดนตรีท่องเที่ยว - นักเล่นปาหี่ซึ่งเป็นที่นิยมมากในหมู่ประชาชน พวกเขาร้องเพลงที่มีคุณธรรม, ตลกขบขัน, เสียดสี, เต้นรำไปกับเครื่องดนตรีต่าง ๆ รวมถึงแทมบูรีน, กลอง, ขลุ่ย, เครื่องดนตรีที่ดึงเหมือนลูท (สิ่งนี้มีส่วนในการพัฒนาดนตรีบรรเลง) นักเล่นปาหี่แสดงในวันหยุดในหมู่บ้านที่ศาลศักดินาและแม้แต่ในอาราม (พวกเขาเข้าร่วมในพิธีกรรมบางอย่างขบวนการแสดงที่อุทิศให้กับวันหยุดของโบสถ์เรียกว่า แคโรล). พวกเขาถูกคริสตจักรข่มเหงในฐานะตัวแทนของวัฒนธรรมทางโลกที่เป็นปรปักษ์กับมัน ในศตวรรษที่ 12-13 ในหมู่นักเล่นปาหี่มีการแบ่งชั้นทางสังคม บางคนตั้งรกรากอยู่ในปราสาทของอัศวิน ตกอยู่ภายใต้การพึ่งพาอัศวินศักดินาโดยสิ้นเชิง คนอื่นๆ อยู่ในเมือง ดังนั้นนักเล่นปาหี่ที่สูญเสียอิสระในการสร้างสรรค์จึงกลายเป็นนักดนตรีในปราสาทของอัศวินและนักดนตรีในเมือง อย่างไรก็ตาม กระบวนการนี้ในขณะเดียวกันก็มีส่วนช่วยในการแทรกซึมของศิลปะพื้นบ้านเข้าไปในปราสาทและเมืองต่างๆ ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของศิลปะดนตรีและกวีนิพนธ์ของอัศวินและคนเมือง

ในยุคของยุคกลางตอนปลาย ในการเชื่อมต่อกับวัฒนธรรมฝรั่งเศสที่เพิ่มขึ้นโดยทั่วไป ศิลปะของดนตรีเริ่มพัฒนาอย่างเข้มข้น ในปราสาทศักดินา บนพื้นฐานของดนตรีพื้นบ้าน ศิลปะทางโลกดนตรีและกวีนิพนธ์ของนักปราชญ์และนักเล่นละครมีความเจริญรุ่งเรือง (ศตวรรษที่ 11-14) ที่มีชื่อเสียงในหมู่คณะนักร้อง ได้แก่ Markabrun, Guillaume IX - Duke of Aquitaine, Bernard de Ventadorne, Geoffre Rudel (ปลายศตวรรษที่ 11-12), Bertrand de Born, Giraut de Borneil, Giraut Riquier (ปลายศตวรรษที่ 12-13) ในชั้นที่ 2 ค. ในพื้นที่ภาคเหนือของประเทศมีแนวโน้มที่คล้ายกันเกิดขึ้น - ศิลปะของคณะซึ่งในตอนแรกเป็นอัศวินและจากนั้นมาบรรจบกับศิลปะพื้นบ้านมากขึ้นเรื่อย ๆ ในบรรดา Trouvers พร้อมด้วยราชาผู้ดี - Richard the Lionheart, Thibault of Champagne (King of Navarre) ตัวแทนของชนชั้นประชาธิปไตยของสังคม - Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Mony และคนอื่น ๆ - ต่อมาก็กลายเป็นที่รู้จัก

ในการเชื่อมต่อกับการเติบโตของเมืองต่างๆ เช่น Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse เป็นต้น ศิลปะดนตรีในเมืองได้พัฒนาขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 12-13 โดยผู้สร้างคือกวี-นักร้องจากนิคมอุตสาหกรรมในเมือง (ช่างฝีมือ พลเมืองธรรมดา และ นอกจากนี้ ชนชั้นนายทุน) . พวกเขาแนะนำลักษณะเฉพาะของตนเองในศิลปะของนักร้องและนักเล่นละคร โดยหันเหจากภาพทางดนตรีและบทกวีที่กล้าหาญอย่างสูงส่ง การเรียนรู้ธีมพื้นบ้านและชีวิตประจำวัน สร้างสไตล์ที่มีลักษณะเฉพาะ แนวเพลงของพวกเขาเอง ต้นแบบที่โดดเด่นที่สุดของวัฒนธรรมดนตรีในเมืองแห่งศตวรรษที่ 13 คือกวีและนักแต่งเพลง Adam de la Halle ผู้แต่งเพลง motets และนอกจากนี้บทละครที่เคยโด่งดังเรื่อง "The Game of Robin and Marion" (c. 1283), อิ่มตัวด้วยเพลงเมือง, การเต้นรำ ( ความคิดในการสร้างการแสดงละครฆราวาสที่เต็มไปด้วยดนตรีนั้นผิดปกติอยู่แล้ว). เขาตีความแนวดนตรีและบทกวีที่เป็นเอกฉันท์แบบดั้งเดิมของคณะนักร้องประสานเสียงในรูปแบบใหม่โดยใช้เสียงประสาน

โรงเรียนนอเทรอดาม

มากกว่า: โรงเรียนนอเทรอดาม

การเสริมสร้างความสำคัญทางเศรษฐกิจและวัฒนธรรมของเมือง การก่อตั้งมหาวิทยาลัย (รวมถึงมหาวิทยาลัยปารีสเมื่อต้นศตวรรษที่ 13) โดยที่ดนตรีเป็นวิชาบังคับอย่างหนึ่ง (ส่วนหนึ่งของ quadrivium) มีส่วนสนับสนุนการเสริมบทบาท ของดนตรีเป็นศิลปะ ในศตวรรษที่ 12 ปารีสได้กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของวัฒนธรรมดนตรี และเหนือสิ่งอื่นใดที่โรงเรียนสอนร้องเพลงของมหาวิหารนอเทรอดาม ซึ่งรวบรวมปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด - นักร้อง-นักแต่งเพลง นักวิทยาศาสตร์ ความเจริญรุ่งเรืองในศตวรรษที่ 12-13 เกี่ยวข้องกับโรงเรียนแห่งนี้ ลัทธิโพลิโฟนี, การเกิดขึ้นของแนวดนตรีใหม่, การค้นพบในด้านทฤษฎีดนตรี

ในงานของคีตกวีของโรงเรียนนอเทรอดาม บทสวดเกรกอเรียนได้รับการเปลี่ยนแปลง: บทสวดแบบยืดหยุ่นก่อนหน้านี้ไม่มีจังหวะและมีความสม่ำเสมอมากขึ้น (ด้วยเหตุนี้จึงเป็นชื่อของบทสวดดังกล่าว แคนทัส พลานัส). ความซับซ้อนของผ้าโพลีโฟนิกและโครงสร้างจังหวะจำเป็นต้องมีการกำหนดระยะเวลาที่แน่นอนและการปรับปรุงสัญกรณ์ ด้วยเหตุนี้ ตัวแทนของโรงเรียนในปารีสจึงค่อยๆ เข้ามาแทนที่หลักคำสอนของโหมดด้วยสัญกรณ์สำหรับผู้ชาย นักดนตรีชื่อ John de Garlandia มีส่วนสำคัญในทิศทางนี้

Polyphony นำแนวเพลงใหม่ๆ ของคริสตจักรและดนตรีฆราวาส มาสู่ชีวิต รวมทั้งความประพฤติและม็อต เดิมทีความประพฤตินั้นปฏิบัติกันเป็นส่วนใหญ่ในช่วงการนมัสการในโบสถ์ แต่ในขณะเดียวกันก็กลายเป็นประเภทฆราวาสอย่างหมดจดในเวลาต่อมา ในบรรดาผู้เขียนพฤติกรรมคือ Perotin

ขึ้นอยู่กับตัวนำเมื่อปลายศตวรรษที่ 12 ในฝรั่งเศสประเภทที่สำคัญที่สุดของเพลงโพลีโฟนิกคือ motet ตัวอย่างแรกๆ ยังเป็นของปรมาจารย์ของโรงเรียนในปารีส (Perotin, Franco of Cologne, Pierre de la Croix) Motet อนุญาตให้มีอิสระในการรวมท่วงทำนองและข้อความเกี่ยวกับพิธีกรรมและฆราวาส ซึ่งเป็นการผสมผสานที่นำไปสู่การเกิดในศตวรรษที่ 13 ล้อเล่น motet ประเภท motet ได้รับการปรับปรุงที่สำคัญในศตวรรษที่ 14 ภายใต้เงื่อนไขของทิศทาง อาส โนวาซึ่งนักอุดมการณ์คือ Philippe de Vitry

ในงานศิลปะของ ars nova ความสำคัญอย่างยิ่งต่อปฏิสัมพันธ์ของดนตรี "ในชีวิตประจำวัน" และ "วิทยาศาสตร์" (นั่นคือ เพลงและโมเต็ต) Philippe de Vitry ได้สร้างโมเต็ตรูปแบบใหม่ - โมเต็ตแบบไอโซ-ริธมิก นวัตกรรมของ Philippe de Vitry ยังส่งผลต่อหลักคำสอนเรื่องความสอดคล้องและไม่สอดคล้องกัน (เขาประกาศพยัญชนะสามและหก)

แนวความคิดของอาร์สโนวาและโดยเฉพาะอย่างยิ่ง โมเต็ต isorhythmic ยังคงพัฒนาต่อไปในผลงานของ Guillaume de Machaux ซึ่งผสมผสานความสำเร็จทางศิลปะของศิลปะดนตรีและบทกวีของอัศวินเข้ากับเพลงเอกฉันท์และวัฒนธรรมดนตรีโพลีโฟนิกในเมือง เขาเป็นเจ้าของเพลงที่มีโกดังพื้นบ้าน (เลย์), virele, rondo เขายังพัฒนาแนวเพลงโพลีโฟนิกเป็นครั้งแรก ใน motet Machaux ใช้เครื่องดนตรีอย่างสม่ำเสมอมากกว่ารุ่นก่อนของเขา Macheud ยังถือเป็นผู้เขียน French polyphonic Mass ครั้งแรก (1366)

เรเนซองส์

อ่านเพิ่มเติม: French Renaissance

ในศตวรรษที่ 15 ในช่วงสงครามร้อยปี ตำแหน่งผู้นำในวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 15 ครอบครองโดยตัวแทนของโรงเรียนฝรั่งเศส-เฟลมิช (ดัตช์) คีตกวีที่โดดเด่นที่สุดของโรงเรียนโพลีโฟนิกชาวดัตช์ทำงานเป็นเวลาสองศตวรรษในฝรั่งเศส: ตรงกลาง ค. - J. Benchois, G. Dufay ที่ชั้น 2 ค. - J. Okegem, J. Obrecht, ใน con. 15 - ขอ ศตวรรษที่ 16 - Josquin Despres ชั้น 2 ศตวรรษที่ 16 - ออร์ลันโด ดิ ลาสโซ

ปลายศตวรรษที่ 15 ในฝรั่งเศสวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้ก่อตั้งขึ้น การพัฒนาวัฒนธรรมฝรั่งเศสได้รับผลกระทบจากปัจจัยต่างๆ เช่น การเกิดขึ้นของชนชั้นนายทุน (ศตวรรษที่ 15) การต่อสู้เพื่อการรวมชาติของฝรั่งเศส (ซึ่งแล้วเสร็จในปลายศตวรรษที่ 15) และการสร้างรัฐที่รวมศูนย์ การพัฒนาศิลปะพื้นบ้านอย่างต่อเนื่องและกิจกรรมของคีตกวีของโรงเรียนฝรั่งเศส-เฟลมิชก็มีความสำคัญเช่นกัน

บทบาทของดนตรีในชีวิตสังคมกำลังเติบโตขึ้น กษัตริย์ฝรั่งเศสสร้างโบสถ์ขนาดใหญ่ที่ศาล จัดเทศกาลดนตรี ราชสำนักกลายเป็นศูนย์กลางของศิลปะระดับมืออาชีพ บทบาทของโบสถ์ในศาลมีความเข้มแข็ง ในปี ค.ศ. 1581 พระเจ้าเฮนรีที่ 3 ได้อนุมัติตำแหน่ง "หัวหน้าผู้ควบคุมดนตรี" ที่ศาล คนแรกที่ดำรงตำแหน่งนี้คือนักไวโอลินชาวอิตาลีชื่อ Baltazarini de Belgioso นอกจากราชสำนักและโบสถ์แล้ว ร้านเสริมสวยของชนชั้นสูงยังเป็นศูนย์กลางที่สำคัญของศิลปะดนตรีอีกด้วย

ความมั่งคั่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่เกี่ยวข้องกับการก่อตัวของวัฒนธรรมประจำชาติของฝรั่งเศสตกอยู่ในช่วงกลางศตวรรษที่ 16 ในเวลานี้เพลงโพลีโฟนิกแบบฆราวาส - ชานสัน - กลายเป็นแนวศิลปะระดับมืออาชีพที่โดดเด่น สไตล์โพลีโฟนิกของเธอได้รับการตีความใหม่ ซึ่งสอดคล้องกับแนวคิดของนักมานุษยวิทยาชาวฝรั่งเศส - Rabelais, Clement Marot, Pierre de Ronsard นักเขียนเพลงชานสันชั้นนำในยุคนี้ถือเป็น Clement Janequin ผู้เขียนเพลงโพลีโฟนิกมากกว่า 200 เพลง Chansons มีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในต่างประเทศด้วย ส่วนใหญ่เกิดจากโน้ตดนตรีและความสัมพันธ์ที่แน่นแฟ้นระหว่างประเทศในยุโรป

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทบาทของดนตรีบรรเลงเพิ่มขึ้น วิโอลา ลูท กีตาร์ ไวโอลิน (เป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน) ถูกนำมาใช้อย่างแพร่หลายในชีวิตดนตรี แนวเพลงบรรเลงแทรกซึมทั้งดนตรีประจำวันและดนตรีระดับมืออาชีพ บางส่วนเป็นเพลงคริสตจักร การเต้นรำแบบ Lute โดดเด่นในหมู่เพลงที่โดดเด่นในศตวรรษที่ 16 โพลีโฟนิกทำงานโดยปั้นเป็นจังหวะ, องค์ประกอบคล้ายคลึงกัน, ความโปร่งใสของพื้นผิว ลักษณะเฉพาะคือการผสมผสานระหว่างการเต้นรำตั้งแต่สองท่าขึ้นไปตามหลักการของความแตกต่างของจังหวะเป็นวัฏจักรที่แปลกประหลาดซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของชุดเต้นรำในอนาคต เพลงออร์แกนยังได้รับความสำคัญที่เป็นอิสระมากขึ้น การเกิดขึ้นของโรงเรียนออร์แกนในฝรั่งเศส (ปลายศตวรรษที่ 16) เกี่ยวข้องกับงานของนักออร์แกน J. Titluz

ในปี ค.ศ. 1570 Jean-Antoine de Baif ได้ก่อตั้ง Academy of Poetry and Music สมาชิกของสถาบันการศึกษาแห่งนี้พยายามที่จะรื้อฟื้นระบบการวัดเชิงกวี-ดนตรีในสมัยโบราณ และปกป้องหลักการของความเชื่อมโยงระหว่างดนตรีและกวีนิพนธ์อย่างแยกไม่ออก

ชั้นสำคัญในวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 เป็นเพลงของพวกฮิวเกนอต เพลงของ Huguenot ใช้ท่วงทำนองของเพลงพื้นบ้านและเพลงพื้นบ้านยอดนิยม โดยนำมาดัดแปลงเป็นบทสวดภาษาฝรั่งเศสที่แปล ต่อมาไม่นาน การต่อสู้ทางศาสนาในฝรั่งเศสก่อให้เกิดบทเพลงสรรเสริญของ Huguenot ด้วยลักษณะเฉพาะของทำนองที่ถ่ายทอดท่วงทำนองไปสู่เสียงระดับสูง และการปฏิเสธความซับซ้อนของโพลีโฟนิก นักประพันธ์เพลง Huguenot ที่ใหญ่ที่สุดที่แต่งเพลงสดุดีคือ Claude Goudimel, Claude Lejeune

การศึกษา

อ่านเพิ่มเติม: ยุคแห่งการตรัสรู้

ศตวรรษที่ 17

อิทธิพลอย่างมากต่อดนตรีฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 เกิดขึ้นจากสุนทรียศาสตร์แบบคลาสสิกซึ่งนำเสนอความต้องการด้านรสนิยม ความสมดุลของความงามและความจริง ความชัดเจนของความตั้งใจ ความกลมกลืนขององค์ประกอบ คลาสสิกซึ่งพัฒนาไปพร้อมกับสไตล์บาร็อคได้รับในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 การแสดงออกที่สมบูรณ์

ในเวลานี้ ดนตรีฆราวาสในฝรั่งเศสมีชัยเหนือจิตวิญญาณ ด้วยการก่อตั้งระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ศิลปะในราชสำนักจึงมีความสำคัญอย่างยิ่ง ซึ่งกำหนดทิศทางของการพัฒนาแนวเพลงที่สำคัญที่สุดของดนตรีฝรั่งเศสในยุคนั้น - โอเปร่าและบัลเล่ต์ ปีแห่งรัชกาลของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 นั้นมีความสง่างามอย่างไม่ธรรมดาของชีวิตในราชสำนัก ความปรารถนาของชนชั้นสูงในเรื่องความหรูหราและความบันเทิงอันซับซ้อน ในเรื่องนี้ได้รับมอบหมายให้มีบทบาทอย่างมากในบัลเล่ต์ของศาล ในศตวรรษที่ 17 แนวโน้มของอิตาลีทวีความรุนแรงขึ้นในศาล ซึ่งพระคาร์ดินัลมาซารินอำนวยความสะดวกเป็นพิเศษ ความคุ้นเคยกับอุปรากรอิตาลีเป็นแรงผลักดันให้เกิดการสร้างอุปรากรแห่งชาติของตนเอง ประสบการณ์ครั้งแรกในพื้นที่นี้เป็นของเอลิซาเบธ แจ็กเกต์ เดอ ลา เกอร์เร (Triumph of Love, 1654)

ในปี ค.ศ. 1671 โรงอุปรากรชื่อ Royal Academy of Music เปิดขึ้นในปารีส หัวหน้าโรงละครแห่งนี้คือ J.B. Lully ซึ่งปัจจุบันถือเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนโอเปร่าแห่งชาติ Lully สร้างคอเมดี้บัลเลต์จำนวนหนึ่งซึ่งกลายเป็นบรรพบุรุษของประเภทของโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ และต่อมา - โอเปร่าบัลเล่ต์ การมีส่วนร่วมของ Lully ในด้านดนตรีบรรเลงมีความสำคัญ เขาสร้างประเภทของโอเปร่าฝรั่งเศส (คำนี้ก่อตั้งขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศส) การเต้นรำจำนวนมากจากผลงานขนาดใหญ่ของเขา (minuet, gavotte, sarabande, ฯลฯ ) มีอิทธิพลต่อการพัฒนาชุดวงดนตรีต่อไป

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 คีตกวีเช่น N. A. Charpentier, A. Kampra, M. R. Delaland, A. K. Detouche เขียนให้โรงละคร ด้วยผู้สืบทอดของ Lully ธรรมเนียมปฏิบัติของรูปแบบการแสดงละครในศาลจึงเข้มข้นขึ้น ในโศกนาฏกรรมที่เป็นโคลงสั้น ๆ ด้านบัลเลต์ตกแต่งและแนวอภิบาลที่งดงามมาถึงเบื้องหน้าและจุดเริ่มต้นที่น่าทึ่งก็อ่อนแอลงมากขึ้นเรื่อย ๆ โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ทำให้เกิดโอเปร่าบัลเลต์

ในศตวรรษที่ 17 โรงเรียนสอนดนตรีต่าง ๆ ที่พัฒนาขึ้นในฝรั่งเศส - พิณ (D. Gautier ผู้มีอิทธิพลรูปแบบฮาร์ปซิคอร์ดของ J. A. Anglebert, J. Ch. de Chambonnière), ฮาร์ปซิคอร์ด (Chambonniere, L. Couperin), ไวโอลิน (M. ในฝรั่งเศสเขา แนะนำดับเบิลเบสในวงออเคสตราโอเปร่าแทนวิโอลาดับเบิลเบส) โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสได้รับความสำคัญสูงสุด รูปแบบของฮาร์ปซิคอร์ดในยุคแรกได้รับการพัฒนาภายใต้อิทธิพลโดยตรงของพิณพิณ ในงานของ Chambonnière ได้สะท้อนถึงลักษณะการแต่งทำนองเพลงซึ่งเป็นลักษณะของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ของประดับตกแต่งมากมายทำให้งานของฮาร์ปซิคอร์ดมีความซับซ้อน เช่นเดียวกับความเชื่อมโยงกัน "ความไพเราะ" "ความยาว" และเสียงกระตุกของเครื่องดนตรีนี้ ในดนตรีบรรเลง ดนตรีที่ใช้ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 มีการใช้กันอย่างแพร่หลาย การรวมกันของการเต้นรำคู่ (pavane, galliard ฯลฯ ) ซึ่งนำไปสู่ศตวรรษที่ 17 ในการสร้างชุดเครื่องมือ

ศตวรรษที่ 18

ในศตวรรษที่ 18 ด้วยอิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของชนชั้นนายทุน รูปแบบใหม่ของดนตรีและชีวิตทางสังคมกำลังก่อตัวขึ้น คอนเสิร์ตค่อยๆ ขยายออกไปนอกห้องโถงของพระราชวังและร้านเสริมสวยของชนชั้นสูง ในปี ค.ศ. 1725 A. Philidor (Danikan) ได้จัด "Spiritual Concerts" ขึ้นที่ปารีสและในปี ค.ศ. 1770 Francois Gossec ได้ก่อตั้งสมาคม "Amateur Concerts" ตอนเย็นของสมาคมวิชาการ Friends of Apollo (ก่อตั้งขึ้นในปี ค.ศ. 1741) มีลักษณะที่ใกล้ชิดกว่าและ Royal Academy of Music ได้จัดคอนเสิร์ตประจำปี

ในยุค 20-30 ของศตวรรษที่ 18 ชุดฮาร์ปซิคอร์ดถึงจุดสุดยอด ในบรรดานักเปียโนชาวฝรั่งเศส บทบาทนำเป็นของ F. Couperin ผู้เขียนวงจรอิสระตามหลักการของความเหมือนและความแตกต่างของชิ้นส่วน J.F. Dandre ได้สร้างผลงานที่ดีในการพัฒนาชุดฮาร์ปซิคอร์ดที่มีลักษณะเฉพาะของโปรแกรมร่วมกับ Couperin และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง J.F. Rameau

ในปี ค.ศ. 1733 การแสดงโอเปร่า Hippolyte et Arisia ของ Rameau ที่ประสบความสำเร็จได้ครองตำแหน่งผู้นำของนักแต่งเพลงคนนี้ในโรงละครโอเปร่า Royal Academy of Music ในงานของ Rameau ประเภทของโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ มาถึงจุดสูงสุด สไตล์การเปล่งเสียงพูดของเขาเต็มไปด้วยการแสดงอารมณ์ที่ไพเราะ การทาบทามสองส่วนของเขามีความโดดเด่นด้วยความหลากหลายอย่างมาก แต่ในขณะเดียวกัน การทาบทามสามส่วนใกล้กับโอเปร่า "sinfonia" ของอิตาลีก็ถูกนำเสนอในงานของเขาด้วย ในโอเปร่าจำนวนหนึ่ง Rameau คาดหวังความสำเร็จมากมายในภายหลังในด้านละครเพลง ปูทางสำหรับการปฏิรูปโอเปร่าของ K. V. Gluck Rameau เป็นเจ้าของระบบวิทยาศาสตร์ ซึ่งมีบทบัญญัติจำนวนหนึ่งซึ่งทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับหลักคำสอนเรื่องความสามัคคีสมัยใหม่ ("Treatise on Harmony", 1722; "The Origin of Harmony", 1750 เป็นต้น)

กลางศตวรรษที่ 18 โอเปร่าในตำนานอย่าง Lully, Rameau และนักเขียนคนอื่น ๆ ไม่สามารถตอบสนองความต้องการด้านสุนทรียะของผู้ชมที่เป็นชนชั้นกลางได้อีกต่อไป ในความนิยม พวกเขาด้อยกว่าการแสดงเสียดสีที่รุนแรงซึ่งรู้จักกันมาตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17 การแสดงเหล่านี้มุ่งเป้าไปที่การเยาะเย้ยศีลธรรมของชนชั้น "สูง" ของสังคมและล้อเลียนโอเปร่าของศาล ผู้เขียนโอเปร่าการ์ตูนเรื่องแรกคือนักเขียนบทละคร A. R. Lesage และ C. S. Favara ในส่วนลึกของโรงละครยุติธรรม โอเปร่าฝรั่งเศสแนวใหม่ได้เติบโตขึ้น - นักแสดงโอเปร่า ตำแหน่งของมันถูกเสริมความแข็งแกร่งโดยการมาถึงปารีสในปี ค.ศ. 1752 ของคณะอุปรากรชาวอิตาลีซึ่งแสดงโอเปร่าหนังหลายเรื่องรวมถึง The Servant-Mistress ของ Pergolesi และการโต้เถียงกันเกี่ยวกับศิลปะโอเปร่าที่ปะทุขึ้นระหว่างผู้สนับสนุน (กลุ่มชนชั้นนายทุน - ประชาธิปไตย) และ ฝ่ายตรงข้าม (ตัวแทนของขุนนาง) ของหนังโอเปร่าอิตาลี - สิ่งที่เรียกว่า "สงครามของตัวตลก".

ในบรรยากาศตึงเครียดของกรุงปารีส การโต้เถียงนี้ทำให้เกิดความเร่งด่วนเป็นพิเศษและได้รับการโวยวายจากสาธารณชนเป็นจำนวนมาก ร่างของการตรัสรู้ของฝรั่งเศสมีส่วนอย่างแข็งขันโดยสนับสนุนศิลปะประชาธิปไตยของ "ผู้คลั่งไคล้" และงานอภิบาล "The Village Sorcerer" ของรุสโซ (1752) เป็นพื้นฐานของละครตลกฝรั่งเศสเรื่องแรก สโลแกนที่ประกาศโดยพวกเขาว่า "การเลียนแบบธรรมชาติ" มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของรูปแบบโอเปร่าฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ผลงานของนักสารานุกรมยังมีเนื้อหาทั่วไปเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และดนตรีและทฤษฎีที่มีคุณค่า

ยุคหลังการปฏิวัติ

หนึ่งในสิ่งพิมพ์ครั้งแรกของ "La Marseillaise" เพลงชาติของฝรั่งเศส 1792

การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในด้านศิลปะดนตรีทุกแขนง ดนตรีกลายเป็นส่วนสำคัญของเหตุการณ์ทั้งหมดในยุคปฏิวัติ โดยได้รับหน้าที่ทางสังคม ซึ่งมีส่วนในการสร้างแนวเพลงมวลชน - เพลง เพลงสวด การเดินขบวน และอื่นๆ โรงละครยังได้รับอิทธิพลจากการปฏิวัติฝรั่งเศส - ประเภทเช่น apotheosis การแสดงโฆษณาชวนเชื่อโดยใช้กลุ่มนักร้องประสานเสียงขนาดใหญ่เกิดขึ้น ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาของการปฏิวัติ "โอเปร่าแห่งความรอด" ได้รับการพัฒนาเป็นพิเศษโดยยกประเด็นของการต่อสู้กับเผด็จการเผยให้เห็นนักบวชเชิดชูความจงรักภักดีและการอุทิศตน ดนตรีทองเหลืองได้รับความสำคัญอย่างมากและได้ก่อตั้ง National Guard Band

ระบบการศึกษาดนตรีก็มีการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงเช่นกัน เมตริกถูกยกเลิก แต่ในปี พ.ศ. 2335 โรงเรียนดนตรีของ National Guard ได้เปิดสอนนักดนตรีทางทหารและในปี พ.ศ. 2336 สถาบันดนตรีแห่งชาติ (ตั้งแต่ พ.ศ. 2338 Paris Conservatory)

ช่วงเวลาของเผด็จการนโปเลียน (1799-1814) และการฟื้นฟู (1814-15, 1815-30) ไม่ได้นำความสำเร็จที่สดใสมาสู่ดนตรีฝรั่งเศส เมื่อสิ้นสุดระยะเวลาการฟื้นฟู ก็มีการฟื้นฟูในด้านวัฒนธรรม ในการต่อสู้กับศิลปะวิชาการของจักรวรรดินโปเลียน โอเปร่าโรแมนติกของฝรั่งเศสได้ก่อตัวขึ้น ซึ่งในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 1930 ได้ครองตำแหน่งที่โดดเด่น (F. Aubert) ในปีเดียวกันนั้น ประเภทของโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ในหัวข้อประวัติศาสตร์ ความรักชาติ และความกล้าหาญได้ก่อตัวขึ้น แนวโรแมนติกทางดนตรีของฝรั่งเศสพบการแสดงออกที่สดใสที่สุดในผลงานของ G. Berlioz ผู้สร้างซิมโฟนีโรแมนติกแบบเป็นโปรแกรม Berlioz พร้อมด้วย Wagner ถือเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนใหม่แห่งการดำเนินการ

ในช่วงหลายปีของจักรวรรดิที่สอง (ค.ศ. 1852-70) วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสมีลักษณะเฉพาะด้วยความหลงใหลในคาเฟ่คอนเสิร์ต การแสดงละคร และศิลปะของชานซอนเนียร์ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา โรงภาพยนตร์ประเภทแสงจำนวนมากได้เกิดขึ้น ซึ่งมีการแสดงเพลงและละคร โอเปร่าฝรั่งเศสกำลังพัฒนา ในบรรดาผู้สร้างคือ J. Offenbach, F. Herve จากยุค 1870 ภายใต้เงื่อนไขของสาธารณรัฐที่สาม ละครได้สูญเสียการเสียดสี การล้อเลียน ความเฉพาะเจาะจง ประวัติศาสตร์ เรื่องราวในชีวิตประจำวันและบทกวีโรแมนติกกลายเป็นเรื่องเด่น และเนื้อเพลงก็เข้ามาอยู่เบื้องหน้าในดนตรี

โอเปร่าและบัลเล่ต์ในครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มีแนวโน้มที่เป็นจริงเพิ่มขึ้น ในละคร แนวโน้มนี้แสดงออกถึงความปรารถนาในโครงเรื่องในชีวิตประจำวัน เพื่อการพรรณนาถึงคนธรรมดาที่มีประสบการณ์ใกล้ชิด ผู้สร้างบทกวีที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Ch. Gounod ผู้แต่งโอเปร่าเช่น Faust (1859, 2nd edition 1869), Mireil and Romeo and Juliet J. Massenet และ J. Bizet ก็หันมาใช้แนวเพลงโอเปร่าด้วยในโอเปร่า Carmen ของเขาหลักการที่สมจริงนั้นชัดเจนยิ่งขึ้น

มอริซ ราเวล 2455

ในช่วงปลายยุค 80 - 90 ของศตวรรษที่ 19 เทรนด์ใหม่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสซึ่งเริ่มแพร่หลายเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 - อิมเพรสชั่นนิสม์ อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีฟื้นประเพณีของชาติบางอย่าง - ความปรารถนาที่จะเป็นรูปธรรม, โปรแกรม, ความซับซ้อนของสไตล์, ความโปร่งใสของพื้นผิว อิมเพรสชั่นนิสม์พบการแสดงออกอย่างเต็มที่ในเพลงของ C. Debussy ส่งผลต่องานของ M. Ravel, P. Duke และคนอื่น ๆ อิมเพรสชั่นนิสม์ยังแนะนำนวัตกรรมในด้านแนวดนตรีอีกด้วย ในงานของ Debussy วัฏจักรไพเราะทำให้เกิดการสเก็ตช์ไพเราะ เพลงเปียโนถูกครอบงำโดยโปรแกรมย่อส่วน Maurice Ravel ยังได้รับอิทธิพลจากสุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ ในงานของเขา แนวโน้มด้านสุนทรียศาสตร์และโวหารต่างๆ เกี่ยวพันกัน - โรแมนติก อิมเพรสชันนิสม์ และในผลงานต่อมาของเขา - แนวโน้มนีโอคลาสสิก

ควบคู่ไปกับแนวอิมเพรสชั่นนิสม์ในดนตรีฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ประเพณีของแซงต์-ซองส์ยังคงพัฒนาต่อไป เช่นเดียวกับ Franck ซึ่งผลงานของเขาโดดเด่นด้วยการผสมผสานความชัดเจนของสไตล์คลาสสิกเข้ากับจินตภาพโรแมนติกที่สดใส

นักแต่งเพลงของ "French Six"

หลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ศิลปะฝรั่งเศสมักจะปฏิเสธอิทธิพลของเยอรมัน แสวงหาความแปลกใหม่ และในขณะเดียวกันก็เพื่อความเรียบง่าย ในเวลานี้ภายใต้อิทธิพลของนักแต่งเพลง Eric Satie และนักวิจารณ์ Jean Cocteau ได้มีการก่อตั้งสมาคมสร้างสรรค์ขึ้นซึ่งเรียกว่า "French Six" ซึ่งสมาชิกต่อต้านไม่เพียง แต่ Wagnerianism แต่ยังรวมถึง "ความคลุมเครือ" ของอิมเพรสชั่นนิสม์ อย่างไรก็ตาม ตามที่ผู้เขียน ฟรานซิส ปูล็องก์ กลุ่มนี้ “ไม่มีเป้าหมายอื่นใดนอกจากความเป็นมิตรอย่างแท้จริง และไม่ใช่สมาคมในอุดมคติเลย” และตั้งแต่ปี ค.ศ. 1920 สมาชิกของกลุ่มนี้ (ในบรรดาผู้มีชื่อเสียงมากที่สุด เช่น อาเธอร์ โฮเน็กเกอร์ และดาริอุส มิลฮาด) มี พัฒนาไปคนละแบบ

ในปีพ. ศ. 2478 สมาคมนักประพันธ์เพลงแห่งใหม่ได้เกิดขึ้นในฝรั่งเศส - "Young France" ซึ่งรวมถึงนักแต่งเพลงเช่น O. Messiaen, A. Jolivet ผู้ซึ่งเช่น "Six" ได้นำการคืนชีพของประเพณีของชาติ และแนวความคิดเห็นอกเห็นใจในระดับแนวหน้า โดยการปฏิเสธความเป็นวิชาการและนีโอคลาสซิซิสซึ่ม พวกเขามุ่งเน้นความพยายามในการปรับปรุงวิธีการแสดงออกทางดนตรี สิ่งที่มีอิทธิพลมากที่สุดคือการค้นหาของ Messiaen ในด้านโครงสร้างที่เป็นกิริยาช่วยและจังหวะ ซึ่งถูกรวบรวมไว้ในงานดนตรีของเขาและในบทความทางดนตรี

หลังสงครามโลกครั้งที่สอง กระแสดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดได้แผ่ขยายออกไปในดนตรีฝรั่งเศส ตัวแทนที่โดดเด่นของแนวหน้าดนตรีชาวฝรั่งเศสคือนักแต่งเพลงและวาทยกร Pierre Boulez ผู้พัฒนาหลักการของ A. Webern ใช้วิธีการแต่งเพลงเช่น pointillism และ seriality อย่างกว้างขวาง นักแต่งเพลงจากแหล่งกำเนิดกรีก J. Xenakis ใช้ระบบการจัดองค์ประกอบ "สุ่ม" พิเศษ

ฝรั่งเศสมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ - ที่นี่เพลงที่เป็นรูปธรรมปรากฏขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1940 คอมพิวเตอร์ที่มีการป้อนข้อมูลแบบกราฟิก - UPI ได้รับการพัฒนาภายใต้การนำของ Xenakis และในปี 1970 ทิศทางของดนตรีสเปกตรัม เกิดที่ฝรั่งเศส ตั้งแต่ปี 1977 IRCAM ซึ่งเป็นสถาบันวิจัยที่ก่อตั้งโดย Pierre Boulez ได้กลายเป็นศูนย์กลางของดนตรีทดลอง

การดำรงอยู่ของเครื่องดนตรีในสมัยโบราณได้รับการบอกเล่าครั้งแรกโดยนักโบราณคดี ซึ่งพบไพพ์ ทวีตเตอร์ และสิ่งของอื่นๆ สำหรับเล่นดนตรีในการขุดค้นเกือบทั้งหมด ในเวลาเดียวกัน การค้นพบที่คล้ายคลึงกันนี้ถูกค้นพบในพื้นที่เหล่านั้นซึ่งนักโบราณคดีสามารถค้นพบสถานที่ของคนดึกดำบรรพ์ได้

นักโบราณคดีเชื่อว่าเครื่องดนตรีบางชนิดที่พบในยุค Upper Paleolithic - กล่าวอีกนัยหนึ่งคือเครื่องดนตรีเหล่านี้ปรากฏ 22-25,000 ปีก่อนยุคของเรา

นอกจากนี้คนโบราณไม่เพียง แต่สามารถสร้างเครื่องดนตรีได้เท่านั้น แต่ยังสามารถทำดนตรีสำหรับพวกเขาด้วยการเขียนโน้ตบนแผ่นดินเหนียว โน้ตดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดจนถึงปัจจุบันเขียนขึ้นในศตวรรษที่ 18 ก่อนคริสต์ศักราช นักโบราณคดีพบมันในเมือง Nippur ของ Sumerian ซึ่งพวกเขาขุดค้นซึ่งครั้งหนึ่งเคยตั้งอยู่ในอาณาเขตของอิรักสมัยใหม่ นักวิทยาศาสตร์จากมหาวิทยาลัยแคลิฟอร์เนียซึ่งถอดรหัสโน้ตเพลงในปี 1974 อ้างว่ามีเนื้อเพลงและเพลงของเพลงรักของอัสซีเรียสำหรับเครื่องสาย

เครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุด

ในปี 2009 นักโบราณคดีค้นพบในถ้ำแห่งหนึ่งที่ตั้งอยู่ทางตะวันตกเฉียงใต้ของเยอรมนี ซากของเครื่องดนตรีที่มีลักษณะคล้ายกับเครื่องดนตรีสมัยใหม่อย่างมาก จากการวิเคราะห์และการศึกษาพบว่าอายุขลุ่ยโบราณมีอายุมากกว่า 35,000 ปี ห้ารูกลมที่สมบูรณ์แบบถูกสร้างขึ้นในร่างกายของขลุ่ยซึ่งควรจะปิดด้วยนิ้วเมื่อเล่นและที่ปลายมีบาดแผลรูปตัววีลึกสองอัน

ความยาวของเครื่องดนตรีคือ 21.8 เซนติเมตร และความหนาเพียง 8 มิลลิเมตรเท่านั้น

วัสดุที่ใช้ทำขลุ่ยไม่ใช่ไม้ แต่มาจากปีกนก เครื่องมือนี้เก่าแก่ที่สุด แต่ไม่ใช่เครื่องแรกในประวัติศาสตร์ของการค้นพบทางโบราณคดี - ท่อกระดูก, เขาสัตว์กลวง, ท่อที่ทำจากเปลือกหอย, หินและเขย่าแล้วมีเสียงไม้เช่นเดียวกับกลองที่ทำจากหนังสัตว์ การขุดค้น

มีตำนานมากมายเกี่ยวกับที่มาของดนตรี ชาวกรีกโบราณเชื่อว่าเทพเจ้าที่ยิ่งใหญ่แห่งโอลิมปัสมอบให้พวกเขา แต่นักวิทยาศาสตร์สมัยใหม่ได้ทำการศึกษาทางชาติพันธุ์วิทยาและโบราณคดีเป็นจำนวนมาก จากการศึกษาเหล่านี้พบว่าเพลงแรกเกิดในสังคมดึกดำบรรพ์และใช้เป็นเพลงกล่อมเด็ก

เครื่องมือลมเป็นเครื่องดนตรีประเภทที่เก่าแก่ที่สุดที่มาถึงยุคกลางตั้งแต่สมัยโบราณ อย่างไรก็ตาม ในกระบวนการของการพัฒนาและการก่อตัวของอารยธรรมตะวันตกยุคกลาง ขอบเขตของเครื่องมือลมได้ขยายอย่างมาก: บางส่วน เช่น oliphant เป็นของราชสำนักของขุนนางผู้สูงศักดิ์ อื่นๆ - ขลุ่ย - ใช้ทั้งในพื้นบ้าน สิ่งแวดล้อมและในหมู่นักดนตรีมืออาชีพและอื่น ๆ เช่นทรัมเป็ตกลายเป็นเครื่องดนตรีทางการทหารโดยเฉพาะ

ตัวแทนที่เก่าแก่ที่สุดของเครื่องดนตรีประเภทใช้ลมในฝรั่งเศสน่าจะเป็น fretel (fretel) หรือ "Pan's flute" เครื่อง​มือ​ที่​คล้ายคลึง​กัน​สามารถ​เห็น​ได้​ใน​เครื่อง​จิ๋ว​จาก​สำเนา​ต้น​ศตวรรษ​ที่ 11. ในหอสมุดแห่งชาติปารีส (รูปที่ 1) นี่คือขลุ่ยหลายลำกล้อง ซึ่งประกอบด้วยชุดท่อ (กก กก หรือไม้) ที่มีความยาวต่างกัน โดยปลายด้านหนึ่งเปิดและอีกด้านหนึ่งปิด Fretel มักถูกกล่าวถึงพร้อมกับขลุ่ยประเภทอื่น ๆ ในนวนิยายของศตวรรษที่ XI-XII อย่างไรก็ตามในศตวรรษที่สิบสี่แล้ว เฟรเทลพูดได้เฉพาะเครื่องดนตรีที่เล่นในวันหยุดของหมู่บ้านเท่านั้น มันจึงกลายเป็นเครื่องดนตรีของคนทั่วไป

ขลุ่ย (ฟลุต) ตรงกันข้าม กำลังประสบกับ "การเพิ่มขึ้น": จากเครื่องดนตรีพื้นบ้านทั่วไปไปจนถึงเครื่องดนตรีในคอร์ท ขลุ่ยที่เก่าแก่ที่สุดพบในดินแดนของฝรั่งเศสในชั้นวัฒนธรรม Gallo-Roman (ศตวรรษที่ I-II) ส่วนใหญ่เป็นกระดูก จนถึงศตวรรษที่ 13 ขลุ่ยมักจะเป็นสองเท่าเช่นเดียวกับในขนาดเล็กจากต้นฉบับศตวรรษที่ 10 จากหอสมุดแห่งชาติปารีส (รูปที่ 3) และท่อสามารถมีความยาวเท่ากันหรือต่างกันก็ได้ จำนวนรูบนลำกล้องของขลุ่ยอาจแตกต่างกันไป (จากสี่ถึงหก, เจ็ด) ขลุ่ยมักเล่นโดยนักดนตรี นักเล่นปาหี่ และบ่อยครั้งการเล่นของพวกเขานำหน้าขบวนแห่เคร่งขรึมหรือบุคคลระดับสูงบางคน

นักดนตรียังเป่าขลุ่ยคู่กับแตรที่มีความยาวต่างกัน ขลุ่ยดังกล่าวแสดงบนบทความสั้นจากต้นฉบับศตวรรษที่ 13 (รูปที่ 2). ในภาพขนาดย่อ คุณจะเห็นวงออเคสตราสามคน วงหนึ่งเล่นไวโอลิน ที่สองบนขลุ่ยที่คล้ายกันคล้ายกับคลาริเน็ตสมัยใหม่ ครั้งที่สามฟาดแทมบูรีนทรงสี่เหลี่ยมซึ่งทำด้วยหนังหุ้มกรอบ ตัวละครที่สี่เทไวน์ให้นักดนตรีทำให้สดชื่น วงออร์เคสตราที่คล้ายกันของขลุ่ย กลอง และไวโอลิน มีอยู่ในหมู่บ้านของฝรั่งเศสจนถึงต้นศตวรรษที่ 19

ในศตวรรษที่สิบห้า ขลุ่ยที่ทำจากหนังต้มเริ่มปรากฏขึ้น ยิ่งไปกว่านั้น ตัวขลุ่ยนั้นอาจเป็นได้ทั้งแบบกลมและแบบแปดเหลี่ยมในภาคตัดขวาง และไม่เพียงแต่แบบตรงเท่านั้น แต่ยังเป็นลอนอีกด้วย เครื่องมือที่คล้ายกันได้รับการเก็บรักษาไว้ในคอลเล็กชั่นส่วนตัวของนายโฟ (รูปที่ 4) ความยาว 60 ซม. ที่จุดที่กว้างที่สุด เส้นผ่านศูนย์กลาง 35 มม. ลำตัวเป็นหนังต้มสีดำ หัวตกแต่งทาสี ขลุ่ยดังกล่าวทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับการสร้างท่อเซอร์แพน ขลุ่ย Serpan ถูกนำมาใช้ทั้งในพิธีศักดิ์สิทธิ์ในโบสถ์และในงานเฉลิมฉลองทางโลก ขลุ่ยขวางและแฟลกจีโอเล็ต ถูกกล่าวถึงครั้งแรกในตำราของศตวรรษที่ 14

เครื่องดนตรีประเภทลมอีกประเภทหนึ่งคือปี่ นอกจากนี้ยังมีหลายประเภทในยุคกลางของฝรั่งเศส นี่คือเชฟเรตต์ - เครื่องมือลมประกอบด้วยถุงหนังแพะ ท่อลม และ duda นักดนตรีที่เล่นเครื่องดนตรีนี้ (รูปที่ 6) ปรากฎอยู่ในต้นฉบับของศตวรรษที่ 14 "The Romance of the Rose" จากหอสมุดแห่งชาติปารีส บางแหล่งแยกเชฟเร่ต์และปี่ปี่ ในขณะที่คนอื่นเรียกเชฟเร่ต์ว่า "ปี่น้อย" เครื่องมือนี้ซึ่งมีลักษณะที่ชวนให้นึกถึงเชฟเร่ต์มากในศตวรรษที่ 19 พบกันในหมู่บ้านของจังหวัดเบอร์กันดีและลีมูซินของฝรั่งเศส

ปี่สก็อตอีกประเภทหนึ่งคือ horo หรือ horum (choro) ตามคำอธิบายที่พบในต้นฉบับจากวัดเซนต์. Vlasia (ศตวรรษที่ IX) เป็นเครื่องลมที่มีท่อสำหรับจ่ายอากาศและแตรและท่อทั้งสองอยู่ในระนาบเดียวกัน (เป็นความต่อเนื่องของกันและกัน) ตรงกลางของโหระพามีช่องเก็บอากาศ ทำจากหนังแต่งตัว และมีรูปร่างเป็นทรงกลมสมบูรณ์แบบ เนื่องจากผิวของ "ถุง" เริ่มสั่นเมื่อนักดนตรีเป่าเข้าไปในโฮโร เสียงจึงค่อนข้างสั่นและแหลม (รูปที่ 6)

ปี่สก็อต (coniemuese) ชื่อภาษาฝรั่งเศสสำหรับเครื่องดนตรีนี้มาจากภาษาละติน corniculans (มีเขา) และพบได้ในต้นฉบับตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 เท่านั้น ทั้งรูปลักษณ์และการใช้งานในยุคกลางของฝรั่งเศสไม่แตกต่างจากปี่สก็อตดั้งเดิมที่เรารู้จัก ดังที่เห็นได้จากภาพต้นฉบับจากศตวรรษที่ 14 (รูปที่ 9)

เขาและเขา (corne) เครื่องมือลมทั้งหมดเหล่านี้ รวมถึงเขาโอลิฟานท์ที่ยิ่งใหญ่ แตกต่างกันเล็กน้อยในด้านการออกแบบและการใช้งาน พวกเขาทำจากไม้ หนังต้ม งาช้าง เขาและโลหะ พวกเขามักจะสวมใส่บนเข็มขัด ช่วงของเสียงแตรไม่กว้าง แต่เป็นนักล่าแห่งศตวรรษที่สิบสี่ มีการเล่นท่วงทำนองง่าย ๆ ที่ประกอบด้วยสัญญาณบางอย่าง อย่างที่เราได้กล่าวไปแล้วนั้นถูกสวมเป็นครั้งแรกที่เอว จากนั้นจนถึงศตวรรษที่ 16 บนสลิงพาดไหล่ มักจะพบจี้ที่คล้ายกันในภาพ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในหนังสือเกี่ยวกับการล่าสัตว์ของ Gaston Phoebe (รูปที่ 8) เขาล่าสัตว์ของขุนนางผู้สูงศักดิ์เป็นสิ่งที่ล้ำค่า ดังนั้นซิกฟรีดใน "เพลงของ Nibelungs" จึงนำเขาทองคำแห่งฝีมือดีติดตัวไปกับเขาเพื่อตามล่า

แยกจากกัน ควรพูดเกี่ยวกับสิ่งมีชีวิต - เขาขนาดใหญ่ที่มีวงแหวนโลหะที่ทำขึ้นโดยเฉพาะเพื่อให้สามารถแขวนโอลีฟานท์ไว้ทางด้านขวาของเจ้าของได้ พวกเขาทำช้างเผือกจากงาช้าง ใช้ในการล่าสัตว์และในระหว่างการปฏิบัติการทางทหารเพื่อส่งสัญญาณการเข้าใกล้ของศัตรู ลักษณะเด่นของโอลีฟานท์คือมันสามารถเป็นของนายทหารผู้มีอำนาจเท่านั้นซึ่งมีผู้อยู่ใต้บังคับบัญชาเป็นขุนนาง ลักษณะกิตติมศักดิ์ของเครื่องดนตรีนี้ได้รับการยืนยันโดยประติมากรรมของศตวรรษที่ 12 จากโบสถ์ในวัดใน Vaselles ที่ซึ่งทูตสวรรค์ถูกวาดด้วยสีโอลีฟานที่ด้านข้าง ประกาศการประสูติของพระผู้ช่วยให้รอด (รูปที่ 13)

เขาล่าสัตว์นั้นแตกต่างจากที่ใช้โดยนักดนตรี หลังใช้เครื่องมือที่มีการออกแบบที่ล้ำหน้ากว่า บนเมืองหลวงของเสาจากโบสถ์เดียวกันใน Vaselles มีการแสดงดนตรี (รูปที่ 12) กำลังเล่นแตรซึ่งไม่เพียง แต่ทำรูตามท่อ แต่ยังรวมถึงระฆังด้วยซึ่งทำให้สามารถ ปรับเสียงให้มีความดังมากขึ้นหรือน้อยลง

ท่อถูกแสดงโดยท่อจริง (trompe) และท่อโค้งยาวมากกว่าหนึ่งเมตร Elderberry ทำมาจากไม้ หนังต้ม แต่ส่วนใหญ่มักจะทำมาจากทองเหลือง ดังที่เห็นได้ในฉบับย่อจากต้นฉบับของศตวรรษที่ 13 (รูปที่ 9) เสียงของพวกเขาคมและดังมาก และเนื่องจากได้ยินมาแต่ไกล ผู้อาวุโสจึงถูกใช้ในกองทัพเพื่อปลุกตอนเช้า พวกเขาส่งสัญญาณให้ย้ายค่าย แล่นเรือ พวกเขายังประกาศการมาถึงของราชวงศ์ ดังนั้นในปี 1414 การเข้าสู่ปารีสของ Charles VI จึงถูกประกาศด้วยเสียงของผู้เฒ่า เนื่องจากความดังพิเศษของเสียงในยุคกลาง เชื่อกันว่าเมื่อเล่นเอลเดอร์เบอร์รี่ ทูตสวรรค์จะประกาศการเริ่มต้นของวันแห่งการพิพากษา

ทรัมเป็ตเป็นเครื่องดนตรีทางการทหารเท่านั้น เธอทำหน้าที่สร้างขวัญกำลังใจในกองทัพ รวบรวมกำลังพล ท่อมีขนาดเล็กกว่าเอลเดอร์เบอร์รี่และเป็นท่อโลหะ (ตรงหรืองอหลายครั้ง) โดยมีเบ้าเสียบที่ปลายท่อ คำนี้ปรากฏขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 15 แต่เครื่องมือประเภทนี้ (ท่อตรง) ถูกใช้ในกองทัพตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบสี่ รูปร่างของท่อเปลี่ยนไป (ร่างกายโค้งงอ) และตัวท่อนั้นจำเป็นต้องตกแต่งด้วยธงที่มีเสื้อคลุมแขน (รูปที่ 7)

ท่อชนิดพิเศษ - พญานาค (พญานาค) - ทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับเครื่องมือลมที่ทันสมัยมากมาย ในคอลเลกชันของนายโฟมีเคียว (รูปที่ 10) ทำจากหนังต้มสูง 0.8 ม. และยาวรวม 2.5 ม. นักดนตรีถือเครื่องดนตรีด้วยมือทั้งสองข้างในขณะที่มือซ้ายถือ ส่วนโค้ง (A) และนิ้วของมือขวาข้ามรูที่ทำขึ้นที่ส่วนบนของเคียว เสียงเซอร์แพนนั้นทรงพลัง เครื่องมือลมนี้ถูกใช้ทั้งในวงดนตรีทางการทหารและในพิธีในโบสถ์

อวัยวะ (orgue) ค่อนข้างแตกต่างในตระกูลเครื่องลม เครื่องมือแป้นเหยียบแป้นคีย์บอร์ดนี้ซึ่งมีชุดท่อหลายสิบท่อ (รีจิสเตอร์) ที่ติดตั้งเสียงโดยเครื่องเป่าลมที่เป่าลม ปัจจุบันสัมพันธ์กับอวัยวะที่อยู่กับที่ขนาดใหญ่เท่านั้น - โบสถ์และคอนเสิร์ต (รูปที่ 14) อย่างไรก็ตามในยุคกลางบางทีเครื่องดนตรีชนิดนี้อีกชนิดหนึ่งคือออร์แกนมือ (orgue de main) เป็นที่แพร่หลายมากขึ้น มันขึ้นอยู่กับ "ขลุ่ยของแพน" ซึ่งได้รับเสียงโดยใช้ลมอัดซึ่งเข้าสู่ท่อจากถังที่มีช่องเปิดปิดโดยวาล์ว อย่างไรก็ตามในสมัยโบราณในเอเชียกรีกโบราณและโรมรู้จักอวัยวะขนาดใหญ่ที่มีการควบคุมด้วยไฮดรอลิก ทางทิศตะวันตก เครื่องดนตรีเหล่านี้ปรากฏเฉพาะในศตวรรษที่ 8 และแม้กระทั่งเป็นของขวัญที่มอบให้กับกษัตริย์ตะวันตกจากจักรพรรดิแห่งไบแซนไทน์ (Constantine V Copronymus ส่งอวัยวะดังกล่าวเป็นของขวัญให้ Pepin the Short และ Konstantin Curopolat ถึง Charlemagne และ Louis the ดี).

ภาพอวัยวะของมือปรากฏในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 10 เท่านั้น นักดนตรีใช้มือขวาคัดแยกกุญแจ และมือซ้ายกดเครื่องสูบลมเพื่อสูบลม เครื่องดนตรีนี้มักจะอยู่ที่หน้าอกหรือท้องของนักดนตรี ในอวัยวะแบบ manual มักจะมีท่อแปดท่อและแปดปุ่มตามลำดับ ในช่วงศตวรรษที่ 13-14 อวัยวะของมือแทบไม่เปลี่ยนแปลง แต่จำนวนท่ออาจแตกต่างกันไป เฉพาะในศตวรรษที่ 15 เท่านั้นที่มีท่อแถวที่สองและคีย์บอร์ดคู่ (สี่รีจิสเตอร์) ปรากฏขึ้นในอวัยวะที่ควบคุมด้วยมือ ท่อเคยเป็นโลหะ ออร์แกนด้วยมือของงานเยอรมันในศตวรรษที่ 15 มีอยู่ในมิวนิก Pinotek (รูปที่ 15)

อวัยวะของมือเริ่มแพร่หลายในหมู่นักดนตรีที่เดินทางซึ่งสามารถร้องเพลงไปพร้อมกับเครื่องดนตรีได้ พวกเขาฟังในจัตุรัสกลางเมือง ในวันหยุดของหมู่บ้าน แต่ไม่เคยอยู่ในโบสถ์

อวัยวะต่างๆ ที่เล็กกว่าในโบสถ์ แต่มีมากกว่าแบบใช้มือ ในคราวเดียวถูกวางไว้ในปราสาท (เช่น ที่ศาลของ Charles V เป็นต้น) หรือสามารถติดตั้งบนชานชาลาริมถนนในระหว่างพิธีการอันเคร่งขรึม ดังนั้นอวัยวะที่คล้ายกันหลายอย่างจึงดังขึ้นในปารีสเมื่ออิซาเบลลาแห่งบาวาเรียเข้ามาในเมืองอย่างเคร่งขรึม

กลอง

บางทีอาจไม่มีอารยธรรมใดที่ไม่ได้ประดิษฐ์เครื่องดนตรีที่คล้ายกับกลอง ผิวหนังที่แห้งเหยียดอยู่บนหม้อหรือท่อนซุงที่มีโพรง - นั่นคือกลองแล้ว อย่างไรก็ตาม ถึงแม้ว่ากลองจะรู้จักกันมาตั้งแต่อียิปต์โบราณ แต่ก็มีการใช้กลองเพียงเล็กน้อยในยุคกลางตอนต้น ตั้งแต่สมัยสงครามครูเสดเท่านั้นที่มีการกล่าวถึงกลอง (กลอง) เป็นประจำ และเริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 ภายใต้ชื่อนี้มีเครื่องดนตรีหลากหลายรูปแบบ: ยาว ดับเบิล แทมบูรีน ฯลฯ ภายในสิ้นศตวรรษที่ 12 เครื่องดนตรีชิ้นนี้ซึ่งส่งเสียงในสนามรบและในห้องจัดเลี้ยงได้ดึงดูดความสนใจของนักดนตรีไปแล้ว ในขณะเดียวกันก็แพร่หลายมากจนในศตวรรษที่ 13 Trouvers ที่อ้างว่ารักษาประเพณีโบราณในงานศิลปะของพวกเขา บ่นเกี่ยวกับ "อำนาจเหนือ" ของกลองและแทมบูรีน ซึ่งกำลังเข้ามาแทนที่เครื่องดนตรีที่ "มีเกียรติกว่า"

กลองและกลองไม่เพียงแต่มาพร้อมกับการร้องเพลง การแสดงของคณะเท่านั้น แต่ยังถูกหยิบขึ้นมาโดยนักเต้น นักแสดง นักเล่นปาหี่ ผู้หญิงรำรำพร้อมกับรำรำรำรำรำรำรำรำรำยงำนรำรำ ในเวลาเดียวกัน กลอง (กลอง บอสเควย์) ถือด้วยมือข้างหนึ่ง และอีกมือหนึ่ง ตีเป็นจังหวะฟรี บางครั้งนักเป่าขลุ่ยเล่นขลุ่ยพร้อมกับกลองหรือกลองซึ่งพวกเขารัดที่ไหล่ซ้ายด้วยสายรัด นักดนตรีบรรเลงขลุ่ยพร้อมกับร้องเพลงพร้อมกับจังหวะกลองที่เขาทำขึ้นด้วยศีรษะของเขาดังที่เห็นได้จากงานประติมากรรมของศตวรรษที่ 13 จากด้านหน้าของ House of Musicians ใน Reims (รูปที่ 17)

ตามรูปปั้นของ House of Musicians, Saracen หรือกลองคู่ก็รู้จักเช่นกัน (รูปที่ 18) ในยุคของสงครามครูเสด พวกเขาพบการกระจายในกองทัพ เนื่องจากติดตั้งได้ง่ายบนอานม้าทั้งสองข้าง

เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันอีกประเภทหนึ่งที่พบได้ทั่วไปในยุคกลางในฝรั่งเศสคือ timbre (tymbre, cembel) - สองซีกโลกและต่อมา - แผ่นโลหะที่ทำจากทองแดงและโลหะผสมอื่น ๆ ที่ใช้ในการตีจังหวะและการเต้นรำประกอบเป็นจังหวะ ในต้นฉบับลิโมจส์ของศตวรรษที่ 12 จากหอสมุดแห่งชาติปารีส นักเต้นแสดงด้วยเครื่องดนตรีนี้ (รูปที่ 14) ภายในศตวรรษที่ 15 หมายถึงชิ้นส่วนของประติมากรรมจากแท่นบูชาจากโบสถ์วัดใน O ซึ่งใช้เสียงต่ำในวงออเคสตรา (รูปที่ 19)

Timbre ควรมีฉาบ (ฉิ่ง) ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่เป็นวงแหวนที่มีท่อทองแดงบัดกรีอยู่ ที่ปลายเสียงระฆังดังขึ้นเมื่อเขย่า ภาพของเครื่องดนตรีนี้เป็นที่รู้จักจากต้นฉบับของศตวรรษที่ 13 จาก Abbey of Saint Blaise (รูปที่ 20) ฉาบเป็นเรื่องธรรมดาในฝรั่งเศสในช่วงยุคกลางตอนต้นและถูกใช้ทั้งในชีวิตฆราวาสและในโบสถ์ - พวกเขาได้รับเครื่องหมายเพื่อเริ่มการสักการะ

ระฆัง (chochettes) ยังเป็นเครื่องเคาะจังหวะในยุคกลางอีกด้วย พวกเขาแพร่หลายมากระฆังดังขึ้นในคอนเสิร์ตพวกเขาเย็บเป็นเสื้อผ้าแขวนจากเพดานในบ้าน - ไม่ต้องพูดถึงการใช้ระฆังในโบสถ์ ... การเต้นรำมาพร้อมกับระฆังและมีตัวอย่างนี้ - ภาพบนจิ๋วย้อนไปถึงต้นศตวรรษที่ 10! ในชาตร์ เซนส์ ปารีส บนประตูทางเข้ามหาวิหาร คุณจะพบภาพนูนต่ำนูนต่ำที่ผู้หญิงคนหนึ่งตีระฆังห้อยเป็นสัญลักษณ์ทางดนตรีในตระกูลศิลปศาสตร์ กษัตริย์ดาวิดทรงเล่นระฆัง ดังที่เห็นได้จากคัมภีร์ไบเบิลฉบับย่อของศตวรรษที่ 13 เขาเล่นโดยใช้ค้อนช่วย (รูปที่ 21) จำนวนของระฆังอาจแตกต่างกันไป - โดยปกติตั้งแต่ห้าถึงสิบหรือมากกว่า

ระฆังตุรกี - เครื่องดนตรีทางการทหาร - เกิดในยุคกลางเช่นกัน (บางคนเรียกว่าฉิ่งระฆังของตุรกี)

ในศตวรรษที่สิบสอง แฟชั่นสำหรับระฆังหรือกระดิ่งที่เย็บติดเสื้อผ้าเริ่มแพร่หลาย พวกเขาถูกใช้โดยทั้งผู้หญิงและผู้ชาย ยิ่งกว่านั้นหลังไม่ได้เลิกกับแฟชั่นนี้มาเป็นเวลานานจนกระทั่งศตวรรษที่สิบสี่ จากนั้นก็เป็นธรรมเนียมในการตกแต่งเสื้อผ้าด้วยโซ่ทองหนา ๆ และผู้ชายก็มักจะห้อยระฆังจากพวกเขา แฟชั่นนี้เป็นสัญญาณของการเป็นของขุนนางศักดินาสูง (รูปที่ 8 และ 22) - ขุนนางผู้น้อยและชนชั้นนายทุนถูกห้ามไม่ให้สวมระฆัง แต่แล้วในศตวรรษที่สิบห้า ระฆังยังคงอยู่บนเสื้อผ้าของตัวตลกเท่านั้น วงออร์เคสตราของเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันนี้ยังคงดำเนินต่อไปจนถึงทุกวันนี้ และเขาก็ไม่ได้เปลี่ยนแปลงอะไรมากตั้งแต่นั้นมา

สายธนู

ในบรรดาเครื่องสายที่โค้งคำนับในยุคกลางทั้งหมด วิโอลา (vièle) เป็นเครื่องสายที่มีเกียรติและยากที่สุดในการแสดง ตามคำอธิบายของนักบวชโดมินิกันเจอโรมแห่งโมราเวียในศตวรรษที่สิบสาม ไวโอลินมีห้าสาย แต่ภาพย่อก่อนหน้านี้แสดงเครื่องดนตรีทั้งแบบสามและสี่สาย (รูปที่ 12 และ 23, 23a) ในเวลาเดียวกัน เชือกจะถูกดึงทั้งบน "ม้า" และบนดาดฟ้าโดยตรง พิจารณาจากคำอธิบาย วิโอลาฟังดูไม่ดัง แต่ไพเราะมาก

ประติมากรรมจากด้านหน้าของ House of Musicians น่าสนใจ แสดงให้เห็นนักดนตรีขนาดเท่าตัวจริง (รูปที่ 24) กำลังเล่นวิโอลาสามสาย เนื่องจากสายถูกยืดในระนาบเดียวกัน ธนูที่ดึงเสียงออกจากสายหนึ่งจึงสามารถสัมผัสอีกเส้นได้ "ทันสมัย" สำหรับกลางศตวรรษที่ 13 สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ รูปร่างธนู

ภายในกลางศตวรรษที่สิบสี่ ในฝรั่งเศส รูปทรงของวิโอลาเข้าใกล้กีตาร์สมัยใหม่ ซึ่งอาจช่วยให้เล่นด้วยธนูได้ง่ายขึ้น (รูปที่ 25)

ในศตวรรษที่สิบห้า วิโอลาขนาดใหญ่ปรากฏขึ้น - วิโอลาเดอกัมบ้า พวกเขาเล่นเครื่องดนตรีระหว่างเข่า ในช่วงปลายศตวรรษที่สิบห้า วิโอลาเดอกัมบ้าจะกลายเป็นสายเจ็ดสาย ต่อมา วิโอลา เดอ กัมบา จะถูกแทนที่ด้วยเชลโล วิโอลาทุกประเภทแพร่หลายมากในยุคกลางของฝรั่งเศส โดยเล่นวิโอล่าทั้งในงานเฉลิมฉลองและในยามเย็น

ไวโอลินแตกต่างจากไม้ค้ำยันด้วยการร้อยสายบนซาวด์บอร์ดเป็นสองเท่า ไม่ว่าจะมีกี่สายในเครื่องดนตรียุคกลางนี้ (บนวงกลมที่เก่าที่สุดมีสามสาย) พวกมันจะติดอยู่กับ "ม้า" เสมอ นอกจากนี้ ซาวด์บอร์ดเองก็มีสองรูตามสาย รูเหล่านี้ทะลุผ่านและใช้มือซ้ายผ่านนิ้วมือซึ่งสลับกันกดสตริงไปที่เด็คแล้วปล่อย นักแสดงมักจะถือคันธนูในมือขวาของเขา หนึ่งในการพรรณนาที่เก่าแก่ที่สุดของ kroot พบได้ในต้นฉบับของศตวรรษที่ 11 จากวัด Limoges ของ St. การต่อสู้ (รูปที่ 26) อย่างไรก็ตาม ต้องเน้นว่า กรูท ส่วนใหญ่เป็นเครื่องดนตรีอังกฤษและแซกซอน จำนวนสตริงบนวงกลมเพิ่มขึ้นตามเวลา และถึงแม้จะถือว่าเป็นบรรพบุรุษของเครื่องสายแบบโค้งคำนับ แต่ครุตไม่เคยหยั่งรากในฝรั่งเศส พบมากขึ้นหลังศตวรรษที่ 11 ruber หรือ gigue พบได้ที่นี่

เห็นได้ชัดว่า Gigue (gigue, หัวเราะคิกคัก) ถูกคิดค้นโดยชาวเยอรมันซึ่งมีลักษณะคล้ายกับการละเมิด แต่ไม่มีการสกัดกั้นบนดาดฟ้า จิ๊กเป็นเครื่องดนตรีโปรดของนักร้อง ความสามารถในการแสดงของเครื่องมือนี้ต่ำกว่าวิโอลาอย่างมาก แต่ก็ต้องใช้ทักษะในการทำงานน้อยลงด้วย พิจารณาจากภาพ นักดนตรีเล่นจิ๊ก (รูปที่ 27) ราวกับไวโอลิน วางยุคสมัยไว้บนบ่า ซึ่งสามารถเห็นได้ในบทความสั้นจากต้นฉบับ "The Book of the Wonders of the World" ซึ่งสืบเนื่องมาจาก ต้นศตวรรษที่ 15

Ruber (rubère) - เครื่องสายโค้งคำนับชวนให้นึกถึงภาษาอาหรับ มีรูปร่างคล้ายกับพิณ รูเบอร์มีสายเพียงเส้นเดียวที่ขึงอยู่บน "สันเขา" (รูปที่ 29) เนื่องจากเป็นภาพขนาดย่อในต้นฉบับจากวัดเซนต์ แบลส (ศตวรรษที่ IX) ตามคำกล่าวของเจอโรม โมราฟสกี ในศตวรรษที่สิบสอง - สิบสาม รูเบิร์ตเป็นเครื่องดนตรีสองสายอยู่แล้ว ใช้ในการเล่นทั้งมวล และเป็นผู้นำในส่วนเสียงเบสที่ "ต่ำ" เสมอ Zhig ตามลำดับ - "บน" ดังนั้น ปรากฎว่า monocorde (monocorde) - เครื่องสายแบบโค้งซึ่งทำหน้าที่เป็นต้นกำเนิดของดับเบิลเบสในระดับหนึ่ง - ก็เป็น ruber ชนิดหนึ่งเช่นกันเนื่องจากมันถูกใช้ในวงดนตรีเป็นเครื่องมือที่กำหนด เสียงเบส บางครั้งมันเป็นไปได้ที่จะเล่นโมโนคอร์ดโดยไม่ใช้ธนู ดังที่เห็นได้จากรูปปั้นจากด้านหน้าโบสถ์ในวาเซลเลส (รูปที่ 28)

แม้จะมีการใช้อย่างแพร่หลายและมีหลายพันธุ์ แต่รูเบอร์ก็ไม่ถือว่าเป็นเครื่องมือเท่ากับวิโอลา ทรงกลมของเขา - ค่อนข้างเป็นถนนวันหยุดพื้นบ้าน อย่างไรก็ตาม ยังไม่ชัดเจนว่าเสียงของ ruber จริงๆ แล้วเป็นอย่างไร เนื่องจากนักวิจัยบางคน (Jerome Moravsky) พูดถึงอ็อกเทฟเสียงต่ำ ในขณะที่คนอื่นๆ (Aymeric de Peyrac) อ้างว่าเสียงของ ruber นั้นคมและ "ดัง" คล้ายกับ "เสียงกรี๊ดของผู้หญิง" อย่างไรก็ตามบางทีเรากำลังพูดถึงเครื่องมือในช่วงเวลาต่างๆเช่นศตวรรษที่สิบสี่หรือสิบหก ...

สายดึง

อาจเป็นไปได้ว่าการโต้แย้งว่าเครื่องดนตรีชนิดใดในสมัยโบราณควรได้รับการยอมรับว่าไม่เกี่ยวข้อง เนื่องจากเครื่องสาย พิณ ได้กลายเป็นสัญลักษณ์ของดนตรี ซึ่งเราจะเริ่มเรื่องราวของเครื่องสายที่ดึงออกมา

พิณโบราณเป็นเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายที่มีสายยาวสามถึงเจ็ดสายในแนวตั้งระหว่างเสาสองเสาที่ติดตั้งบนแผ่นเสียงไม้ เครื่องสายของพิณนั้นใช้นิ้วหรือเล่นโดยใช้เครื่องสะท้อนเสียงสะท้อน บนภาพย่อจากต้นฉบับของศตวรรษที่ X-XI (รูปที่ 30) ซึ่งจัดเก็บไว้ในหอสมุดแห่งชาติปารีส คุณสามารถเห็นพิณสิบสองสาย รวบรวมเป็นกลุ่มละสามสายและยืดออกไปในระดับความสูงที่แตกต่างกัน (รูปที่ 30ก.) พิณดังกล่าวมักจะมีที่จับแกะสลักสวยงามทั้งสองด้าน ซึ่งเป็นไปได้ที่จะคาดเข็มขัดซึ่งทำให้นักดนตรีเล่นได้ง่ายขึ้น

พิณสับสนในยุคกลางกับซิตาร์ (cithare) ซึ่งปรากฏในกรีกโบราณเช่นกัน เดิมทีเป็นเครื่องดนตรีประเภทหกสาย ตามคำกล่าวของเจอโรมแห่งโมราเวีย ซิตาร์ในยุคกลางนั้นมีรูปร่างเป็นสามเหลี่ยม (แม่นยำกว่านั้น คือมีรูปร่างของตัวอักษร "เดลต้า" ของอักษรกรีก) และจำนวนสตริงบนนั้นแตกต่างกันไปตั้งแต่สิบสองถึงยี่สิบสี่ ซิตาร์ประเภทนี้ (ศตวรรษที่ 9) ปรากฎในต้นฉบับจากวัดเซนต์. วลาเซีย (รูปที่ 31) อย่างไรก็ตาม รูปร่างของเครื่องดนตรีอาจแตกต่างกันไป ภาพของซิตาร์ที่โค้งมนอย่างไม่เป็นระเบียบพร้อมที่จับเป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าจะเปิดเผยเกม (รูปที่ 32) อย่างไรก็ตาม ข้อแตกต่างที่สำคัญระหว่างซิตาร์และสดุดี (ดูด้านล่าง) และเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายแบบดึงสายอื่นๆ ก็คือ การดึงสายบนเฟรมอย่างง่าย ๆ ไม่ใช่บน "ภาชนะที่มีเสียง" บางชนิด

guiterne ยุคกลาง (guiterne) ยังนำต้นกำเนิดมาจาก sitar รูปร่างของเครื่องดนตรีเหล่านี้ก็หลากหลายเช่นกัน แต่มักจะมีลักษณะคล้ายแมนโดลินหรือกีตาร์ (พิณ) การกล่าวถึงเครื่องดนตรีดังกล่าวเริ่มพบได้ตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 และเล่นได้ทั้งผู้หญิงและผู้ชาย gitern มาพร้อมกับการร้องเพลงของนักแสดงแต่พวกเขาเล่นด้วยความช่วยเหลือของ resonator-plectrum หรือไม่ก็ได้ ในต้นฉบับ "The Romance of Troy" โดย Benoit de Saint-Maur (ศตวรรษที่สิบสาม) นักดนตรีร้องเพลงเล่น giter โดยไม่มี plectrum (รูปที่ 34) . ในอีกกรณีหนึ่ง ในนวนิยายเรื่อง "Tristan and Isolde" (กลางศตวรรษที่ 13) มีภาพย่อที่แสดงให้เห็นนักดนตรีประกอบการเต้นรำของสหายของเขาด้วยการเล่น Hytern (รูปที่ 33) สายบน Hytern เหยียดตรง (ไม่มีเมีย) แต่มีรู (ดอกกุหลาบ) บนลำตัว แท่งกระดูกทำหน้าที่เป็นสื่อกลางซึ่งถือด้วยนิ้วโป้งและนิ้วชี้ซึ่งเห็นได้ชัดเจนในรูปปั้นนักดนตรีจากโบสถ์ใน O (รูปที่ 35)

Gitern ซึ่งตัดสินจากภาพที่มีอยู่อาจเป็นเครื่องดนตรีทั้งมวล ฝาโลงศพจากคอลเล็กชั่นของพิพิธภัณฑ์ Cluny (ศตวรรษที่ XIV) เป็นที่รู้จักกันซึ่งประติมากรแกะสลักฉากประเภทที่มีเสน่ห์บนงาช้าง: ชายหนุ่มสองคนกำลังเล่นอยู่ในสวนทำให้หูพอใจ คนหนึ่งมีพิณในมือ อีกคนหนึ่งมีไฮเทิร์น (รูปที่ 36)

บางครั้ง guitern เช่นเดียวกับ sitar ก่อนหน้านี้ถูกเรียกว่า บริษัท (rote) ในยุคกลางของฝรั่งเศสมีสิบเจ็ดสาย บริษัทนี้เล่นโดย Richard the Lionheart ในกรงขัง

ในศตวรรษที่สิบสี่ มีการกล่าวถึงเครื่องดนตรีอื่นที่คล้ายกับ githeron - lute (luth) ภายในศตวรรษที่ 15 ในที่สุดรูปร่างของมันก็เป็นรูปเป็นร่างแล้ว: ตัวนูนมากเกือบครึ่งวงกลมพร้อมรูกลมบนไวโอลิน "คอ" ไม่นาน "หัว" อยู่ที่มุมฉาก (รูปที่ 36) เครื่องดนตรีกลุ่มเดียวกันคือ แมนโดลิน แมนโดรา ซึ่งมีอยู่ในศตวรรษที่ 15 รูปแบบที่หลากหลายที่สุด

พิณ (พิณ) ยังสามารถอวดถึงความเก่าแก่ของแหล่งกำเนิด - ภาพของมันมีอยู่แล้วในอียิปต์โบราณ ในหมู่ชาวกรีก พิณเป็นเพียงรูปแบบของซิตาร์ ในบรรดาเซลติกส์ มันถูกเรียกว่าซัมบัก รูปร่างของพิณไม่เปลี่ยนแปลง: เป็นเครื่องมือที่ใช้ร้อยสายที่มีความยาวต่างกันบนเฟรมในรูปแบบของมุมเปิดไม่มากก็น้อย พิณโบราณมีสายสิบสามสายซึ่งปรับเป็นไดอะโทนิก พวกเขาเล่นพิณไม่ว่าจะยืนหรือนั่งด้วยมือทั้งสองข้างและเสริมความแข็งแกร่งให้กับเครื่องดนตรีโดยให้ขาตั้งแนวตั้งอยู่ที่หน้าอกของนักแสดง ในศตวรรษที่ XII พิณขนาดเล็กที่มีจำนวนสายต่างกันก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน พิณที่มีลักษณะเฉพาะถูกนำเสนอบนประติมากรรมจากด้านหน้าของ House of Musicians ใน Reims (รูปที่ 37) นักเล่นปาหี่ในการแสดงของพวกเขาใช้พวกเขาเท่านั้นและสามารถสร้างพิณทั้งชุดได้ ชาวไอริชและชาวเบรอตงถือเป็นนักเล่นพิณที่ดีที่สุด ในศตวรรษที่สิบหก พิณเกือบจะหายไปในฝรั่งเศสและปรากฏขึ้นที่นี่ในอีกหลายร้อยปีต่อมาในรูปแบบที่ทันสมัย

ควรกล่าวถึงเป็นพิเศษเกี่ยวกับเครื่องดนตรียุคกลางสองชิ้นที่ดึงออกมา เหล่านี้คือแท่นบูชาและกาลักน้ำ

สดุดีโบราณเป็นเครื่องสายรูปสามเหลี่ยมที่คล้ายกับพิณของเรา ในยุคกลางรูปแบบของเครื่องดนตรีเปลี่ยนไป - psalterions สี่เหลี่ยมก็แสดงอยู่ในเพชรประดับ ผู้เล่นถือมันไว้บนตักของเขาและเล่นเครื่องดนตรี 21 สายด้วยนิ้วหรือปิ๊กทรัม (ช่วงของเครื่องดนตรีคือสามอ็อกเทฟ) ผู้ประดิษฐ์บทเพลงสรรเสริญคือกษัตริย์เดวิด ซึ่งตามตำนานเล่าว่าใช้จงอยปากของนกเป็นกระบอกเสียง ภาพย่อจากต้นฉบับของเจอราร์ดแห่งแลนด์สเบิร์กในห้องสมุดสตราสบูร์กแสดงให้เห็นกษัตริย์ในพระคัมภีร์ที่กำลังเล่นกับลูกหลานของเขา (รูปที่ 38)

ในวรรณคดีฝรั่งเศสยุคกลางเริ่มมีการกล่าวถึงเพลงสดุดีตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 12 รูปร่างของเครื่องดนตรีอาจแตกต่างกันมาก (รูปที่ 39 และ 40) พวกเขาเล่นไม่เพียง แต่นักดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้หญิง - สตรีผู้สูงศักดิ์ และบริวารของพวกเขา โดยศตวรรษที่สิบสี่ ฮาร์ปซิคอร์ดค่อยๆ ออกจากเวที หลีกทางให้ฮาร์ปซิคอร์ด แต่ฮาร์ปซิคอร์ดไม่สามารถบรรลุเสียงสีที่เป็นลักษณะเฉพาะของพิณสองสายได้

ในระดับหนึ่ง เครื่องดนตรียุคกลางอีกชนิดหนึ่งซึ่งแทบจะหายไปแล้วในศตวรรษที่ 15 ก็คล้ายกับการฉาบปูน นี่คือ siphonia (chifonie) - พิณล้อรัสเซียรุ่นตะวันตก อย่างไรก็ตามนอกเหนือจากล้อที่มีแปรงไม้ซึ่งเมื่อหมุนที่จับแล้วสัมผัสสามสายตรงกาลักน้ำยังติดตั้งกุญแจที่ควบคุมเสียงด้วย กาลักน้ำมีเจ็ดปุ่มและตั้งอยู่ ที่ปลายด้านตรงข้ามกับที่ล้อหมุน โดยปกติคนสองคนจะเล่นกาลักน้ำเสียงของเครื่องดนตรีนั้นกลมกลืนและเงียบตามแหล่งที่มา การวาดภาพจากรูปปั้นบนเมืองหลวงของหนึ่งในคอลัมน์ใน Boshville (ศตวรรษที่ XII) แสดงให้เห็นถึงวิธีการเล่นที่คล้ายคลึงกัน (รูปที่ 41) กาลักน้ำที่แพร่หลายมากที่สุดคือในศตวรรษที่ XI-XII ในศตวรรษที่สิบห้า กาลักน้ำขนาดเล็กที่เล่นโดยนักดนตรีคนหนึ่งเป็นที่นิยม ในต้นฉบับ “The Romance of Gerard de Nevers and the Beautiful Ariane” จากหอสมุดแห่งชาติปารีส มีภาพย่อของตัวเอกที่ปลอมตัวเป็นนักดนตรี โดยมีเครื่องดนตรีที่คล้ายกันอยู่ด้านข้างของเขา (รูปที่ 42)

ที่มาของดนตรีฝรั่งเศส

ต้นกำเนิดของดนตรีฝรั่งเศสมีมาตั้งแต่ยุคกลางตอนต้น: ในศตวรรษที่ 8-9 มีเพลงเต้นรำและเพลงประเภทต่างๆ เช่น แรงงาน ปฏิทิน มหากาพย์ และอื่นๆ
เมื่อปลายศตวรรษที่ 8 ได้ก่อตั้ง บทสวดเกรกอเรียน
ใน ในศตวรรษที่ 11-12 ศิลปะดนตรีและกวีผู้กล้าหาญของคณะนักร้องประสานเสียงมีความเจริญรุ่งเรืองทางตอนใต้ของฝรั่งเศส
ใน ในศตวรรษที่ 12-13 เหล่าอัศวินและชาวเมืองทางเหนือของฝรั่งเศส กลุ่มทหาร ได้สานต่อประเพณีของคณะนักร้องประสานเสียง ในหมู่พวกเขา ที่รู้จักกันดีที่สุดคือ Adam de la Halle (เสียชีวิต 1286)

อดัม เดอ ลา อัล "เกมของโรบินและแมเรียน"

ในศตวรรษที่ 14 ขบวนการ New Art ปรากฏในดนตรีฝรั่งเศส หัวหน้าขบวนการนี้คือ Philippe de Vitry (1291-1361) - นักทฤษฎีและนักแต่งเพลงผู้ประพันธ์ฆราวาสหลายคน โมเท็ตอย่างไรก็ตามในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 ในช่วงเวลาของ Charles 9 ธรรมชาติของดนตรีของฝรั่งเศสเปลี่ยนไป ยุคของบัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้นเมื่อดนตรีมาพร้อมกับการเต้นรำ ในยุคนี้เครื่องดนตรีที่ใช้กันอย่างแพร่หลาย ได้แก่ ขลุ่ย ฮาร์ปซิคอร์ด เชลโล ไวโอลิน และครั้งนี้เรียกได้ว่าเป็นช่วงเวลาแห่งการกำเนิดของดนตรีบรรเลงอย่างแท้จริง

.

Philippe de Vitry "ลอร์ดแห่งขุนนาง" (โมเต็ต)

ศตวรรษที่ 17 เป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาดนตรีฝรั่งเศส นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 11/28/1632, Florence - 3/22/1687, Paris) สร้างโอเปร่าของเขา Jean Baptiste เป็นนักเต้น นักไวโอลิน วาทยกร และนักออกแบบท่าเต้นที่ยอดเยี่ยมที่มีต้นกำเนิดในอิตาลี ซึ่งถือเป็นผู้สร้างโอเปร่าแห่งชาติของฝรั่งเศสที่ได้รับการยอมรับ ในหมู่พวกเขามีโอเปร่าเช่น: "Theseus" (1675), "Isis" (1677), "Psyche" (1678), "Perseus" (1682), "Phaeton" (1683), "Roland" (1685) และ " Armida" (1686) และอื่น ๆ ในโอเปร่าของเขาที่เรียกว่า "tragédie mise en musique" ("โศกนาฏกรรมทางดนตรี") Jean-Baptiste Lully พยายามปรับปรุงเอฟเฟกต์ที่น่าทึ่งด้วยดนตรีด้วยความเชี่ยวชาญในการแสดงละครบัลเล่ต์ที่น่าทึ่ง โอเปร่าของเขาอยู่บนเวทีประมาณ 100 ปี ในเวลาเดียวกันนักร้องโอเปร่าเริ่มแสดงโดยไม่มีหน้ากากเป็นครั้งแรกและผู้หญิงก็เริ่มเต้นรำในบัลเล่ต์บนเวทีสาธารณะ
Rameau Jean Philippe (1683-1764) - นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรีชาวฝรั่งเศส การใช้ความสำเร็จของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสและอิตาลี เขาปรับเปลี่ยนรูปแบบของโอเปร่าคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญ เตรียมการปฏิรูปโอเปร่าโดย Christoph Willibaldi Gluck เขาเขียนโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ Hippolytus and Arisia (1733), Castor and Pollux (1737), โอเปร่าบัลเล่ต์ Gallant India (1735), ฮาร์ปซิคอร์ดและอื่น ๆ งานเชิงทฤษฎีของเขาเป็นขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาหลักคำสอนเรื่องความสามัคคี.
Francois Couperin (1668-1733) - นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส, ฮาร์ปซิคอร์ด, นักออร์แกน จากราชวงศ์ที่เทียบได้กับราชวงศ์บาคของเยอรมัน เนื่องจากมีนักดนตรีหลายชั่วอายุคนในครอบครัวของเขา Couperin ได้รับฉายาว่า "the Couperin ผู้ยิ่งใหญ่" ส่วนหนึ่งเป็นเพราะอารมณ์ขันของเขา ส่วนหนึ่งเป็นเพราะบุคลิกของเขา ผลงานของเขาเป็นจุดสุดยอดของศิลปะฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส ดนตรีของคูเปอริงโดดเด่นด้วยความสร้างสรรค์ที่ไพเราะ ความสง่างาม และความสมบูรณ์แบบของรายละเอียด

1. Jean-Baptiste Lully sonata ใน A-minor ส่วนที่ 4 ของ "Gig"

2. Jean Philippe Rameau "Chicken" - เล่นโดย Arkady Kazaryan

3. Francois Couperin "นาฬิกาปลุก" - เล่นโดย Ayana Sambuyeva

ในศตวรรษที่ 18 - ปลายศตวรรษที่ 19 ดนตรีกลายเป็นอาวุธที่แท้จริงในการต่อสู้เพื่อความเชื่อและความปรารถนา กาแล็กซี่ของนักประพันธ์เพลงชื่อดังปรากฏขึ้นทั้งหมด: Maurice Ravel (Maurice Ravel), Jean-Philippe Rameau (Jean-Philippe Rameau), Claude Joseph Rouget de Lisle (Claude Joseph Rouget de Lisle), (1760-1836) วิศวกรทหารชาวฝรั่งเศส, กวีและ นักแต่งเพลง. เขาเขียนบทสวด เพลง โรมานซ์ ในปี ค.ศ. 1792 เขาได้แต่งเพลง "La Marseillaise" ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นเพลงชาติของฝรั่งเศส

เพลงชาติฝรั่งเศส.

Glück Christoph Willibald (1714-1787) เป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส - เยอรมันที่มีชื่อเสียง กิจกรรมที่โด่งดังที่สุดของเขาเกี่ยวข้องกับฉากโอเปร่าในกรุงปารีส ซึ่งเขาเขียนผลงานที่ดีที่สุดของเขาด้วยคำพูดภาษาฝรั่งเศส ดังนั้นชาวฝรั่งเศสจึงถือว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส โอเปร่ามากมายของเขา: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" และอื่น ๆ มอบให้ในมิลาน, ตูริน, เวนิส, เครโมนา หลังจากได้รับคำเชิญไปลอนดอน Gluck ได้เขียนโอเปร่าสองเรื่องสำหรับโรงละคร Hay-Market: "La Caduta de Giganti" (1746) และ "Artamene" และ Opera potpourri (pasticcio) "Pyram"

ทำนองจากโอเปร่า "Orpheus and Eurydice"

ในศตวรรษที่ 19 - นักแต่งเพลง Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel และคนอื่น ๆ

ในศตวรรษที่ 20 นักแสดงมืออาชีพตัวจริงปรากฏตัวขึ้น พวกเขาคือผู้สร้างเพลงฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียง สร้างทิศทางของเพลงแชนซันเนียร์ฝรั่งเศสทั้งหมด วันนี้ชื่อของพวกเขาโดดเด่นกว่าเวลาและแฟชั่น เหล่านี้คือ Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis พวกเขาทั้งหมดเป็นที่รู้จักจากเพลงไพเราะซึ่งไม่เพียงชนะใจผู้ชมในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเทศอื่น ๆ ด้วย หลายคนได้รับการคุ้มครองโดยนักแสดงคนอื่น

วัสดุจากไซต์ถูกใช้เพื่อเตรียมหน้านี้:
http://ru.wikipedia.org/wiki, http://www.tlemb.ru/articles/french_music;
http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc1p/14802
http://www.fonstola.ru/download/84060/1600x900/
เนื้อหาจากหนังสือ "Musician's Companion" Editor - คอมไพเลอร์ A. L. Ostrovsky; สำนักพิมพ์ "MUSIC" Leningrad 1969, p.340

เพลงฝรั่งเศส- หนึ่งในวัฒนธรรมดนตรียุโรปที่น่าสนใจและมีอิทธิพลมากที่สุดซึ่งดึงต้นกำเนิดมาจากนิทานพื้นบ้านของชนเผ่าเซลติกและดั้งเดิมที่อาศัยอยู่ในสมัยโบราณในดินแดนของฝรั่งเศสในปัจจุบัน ด้วยการก่อตัวของฝรั่งเศสในยุคกลาง ประเพณีดนตรีพื้นบ้านของหลายภูมิภาคของประเทศได้รวมเข้ากับดนตรีฝรั่งเศส วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสพัฒนาขึ้น และมีปฏิสัมพันธ์กับวัฒนธรรมดนตรีของประเทศอื่นๆ ในยุโรป โดยเฉพาะอิตาลีและเยอรมัน ตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 วงการดนตรีฝรั่งเศสได้รับการเสริมคุณค่าด้วยประเพณีดนตรีของชาวแอฟริกัน เธอไม่อยู่ห่างจากวัฒนธรรมดนตรีของโลก ซึมซับกระแสดนตรีใหม่ๆ และมอบรสชาติแบบฝรั่งเศสที่พิเศษให้กับดนตรีแจ๊ส ร็อค ฮิปฮอป และดนตรีอิเล็กทรอนิกส์

ประวัติศาสตร์

ต้นกำเนิด

วัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสเริ่มก่อตัวขึ้นบนชั้นเพลงพื้นบ้านที่เข้มข้น แม้ว่าบันทึกเพลงที่เชื่อถือได้ที่เก่าแก่ที่สุดที่รอดชีวิตมาได้จนถึงทุกวันนี้มีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 แต่วัสดุทางวรรณกรรมและศิลปะระบุว่าตั้งแต่สมัยจักรวรรดิโรมัน ดนตรีและการร้องเพลงได้ครอบครองสถานที่สำคัญในชีวิตประจำวันของผู้คน

ดนตรีของคริสตจักรมาถึงดินแดนฝรั่งเศสพร้อมกับศาสนาคริสต์ แต่เดิมเป็นภาษาละติน ค่อยๆ เปลี่ยนไปตามอิทธิพลของดนตรีพื้นบ้าน คริสตจักรใช้วัสดุในการบูชาที่ชาวบ้านเข้าใจ ระหว่างศตวรรษที่ 5 ถึง 9 พิธีสวดแบบพิเศษที่พัฒนาขึ้นในกอล - พิธีกรรมของชาวกัลลิกันที่มีการร้องเพลงของชาวกัลลิกัน ในบรรดาผู้แต่งเพลงสวดของโบสถ์ Hilary of Poitiers มีชื่อเสียง พิธีกรรมของชาวกัลลิกันเป็นที่รู้จักจากแหล่งประวัติศาสตร์ ซึ่งบ่งชี้ว่าพิธีกรรมนี้แตกต่างอย่างมากจากพิธีกรรมของชาวโรมัน มันไม่รอดเพราะกษัตริย์ฝรั่งเศสยกเลิกมันโดยพยายามที่จะได้รับตำแหน่งจักรพรรดิจากโรมและคริสตจักรโรมันพยายามที่จะบรรลุการรวมกันของบริการของคริสตจักร

Polyphony นำแนวเพลงใหม่ๆ ของคริสตจักรและดนตรีฆราวาส มาสู่ชีวิต รวมทั้งความประพฤติและม็อต เดิมทีความประพฤติปฏิบัติเป็นหลักในช่วงการนมัสการในคริสตจักร แต่ภายหลังกลายเป็นประเภทที่เกี่ยวกับฆราวาสอย่างหมดจด ในบรรดาผู้เขียนพฤติกรรมคือ Perotin

ขึ้นอยู่กับตัวนำเมื่อปลายศตวรรษที่ 12 ในฝรั่งเศสประเภทที่สำคัญที่สุดของเพลงโพลีโฟนิกคือ motet ตัวอย่างแรกๆ ยังเป็นของปรมาจารย์ของโรงเรียนในปารีส (Perotin, Franco of Cologne, Pierre de la Croix) Motet อนุญาตให้มีอิสระในการรวมท่วงทำนองและข้อความเกี่ยวกับพิธีกรรมและฆราวาส ซึ่งเป็นการผสมผสานที่นำไปสู่การเกิดในศตวรรษที่ 13 ล้อเล่น motet ประเภท motet ได้รับการปรับปรุงที่สำคัญในศตวรรษที่ 14 ภายใต้เงื่อนไขของทิศทาง อาส โนวาซึ่งนักอุดมการณ์คือ Philippe de Vitry

ในงานศิลปะของ ars nova ความสำคัญอย่างยิ่งต่อปฏิสัมพันธ์ของดนตรี "ในชีวิตประจำวัน" และ "วิทยาศาสตร์" (นั่นคือ เพลงและโมเต็ต) Philippe de Vitry ได้สร้างโมเต็ตรูปแบบใหม่ - โมเต็ตแบบไอโซ-ริธมิก นวัตกรรมของ Philippe de Vitry ยังส่งผลต่อหลักคำสอนเรื่องความสอดคล้องและไม่สอดคล้องกัน (เขาประกาศพยัญชนะสามและหก)

แนวความคิดของอาร์สโนวาและโดยเฉพาะอย่างยิ่ง โมเต็ต isorhythmic ยังคงพัฒนาต่อไปในผลงานของ Guillaume de Machaux ซึ่งผสมผสานความสำเร็จทางศิลปะของศิลปะดนตรีและบทกวีของอัศวินเข้ากับเพลงเอกฉันท์และวัฒนธรรมดนตรีโพลีโฟนิกในเมือง เขาเป็นเจ้าของเพลงที่มีโกดังพื้นบ้าน (เลย์), virele, rondo เขายังพัฒนาแนวเพลงโพลีโฟนิกเป็นครั้งแรก ใน motet Machaux ใช้เครื่องดนตรีอย่างสม่ำเสมอมากกว่ารุ่นก่อนของเขา Macheud ยังถือเป็นผู้เขียน French polyphonic Mass ครั้งแรก (1366)

เรเนซองส์

ปลายศตวรรษที่ 15 ในฝรั่งเศสวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้ก่อตั้งขึ้น การพัฒนาวัฒนธรรมฝรั่งเศสได้รับผลกระทบจากปัจจัยต่างๆ เช่น การเกิดขึ้นของชนชั้นนายทุน (ศตวรรษที่ 15) การต่อสู้เพื่อการรวมชาติของฝรั่งเศส (ซึ่งแล้วเสร็จในปลายศตวรรษที่ 15) และการสร้างรัฐที่รวมศูนย์ การพัฒนาศิลปะพื้นบ้านอย่างต่อเนื่องและกิจกรรมของคีตกวีของโรงเรียนฝรั่งเศส-เฟลมิชก็มีความสำคัญเช่นกัน

บทบาทของดนตรีในชีวิตสังคมกำลังเติบโตขึ้น กษัตริย์ฝรั่งเศสสร้างโบสถ์ขนาดใหญ่ที่ศาล จัดเทศกาลดนตรี ราชสำนักกลายเป็นศูนย์กลางของศิลปะระดับมืออาชีพ บทบาทของโบสถ์ในศาลมีความเข้มแข็ง ในพระเจ้าเฮนรีที่ 3 เขาอนุมัติตำแหน่ง "หัวหน้าผู้ควบคุมดนตรี" ที่ศาล คนแรกที่ดำรงตำแหน่งนี้คือนักไวโอลินชาวอิตาลีชื่อ Baltazarini de Belgioso นอกจากราชสำนักและโบสถ์แล้ว ร้านเสริมสวยของชนชั้นสูงยังเป็นศูนย์กลางที่สำคัญของศิลปะดนตรีอีกด้วย

ความมั่งคั่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่เกี่ยวข้องกับการก่อตัวของวัฒนธรรมประจำชาติของฝรั่งเศสตกอยู่ในช่วงกลางศตวรรษที่ 16 ในเวลานี้ เพลงสากลแบบโพลีโฟนิก - ชานสัน - กลายเป็นแนวศิลปะที่โดดเด่นของศิลปะระดับมืออาชีพ สไตล์โพลีโฟนิกของเธอได้รับการตีความใหม่ ซึ่งสอดคล้องกับแนวคิดของนักมานุษยวิทยาชาวฝรั่งเศส - Rabelais, Clement Marot, Pierre de Ronsard นักเขียนเพลงชานสันชั้นนำในยุคนี้ถือเป็น Clement Janequin ผู้เขียนเพลงโพลีโฟนิกมากกว่า 200 เพลง Chansons ได้รับชื่อเสียงไม่เพียง แต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงต่างประเทศด้วยสาเหตุหลักมาจากโน้ตดนตรีและการกระชับความสัมพันธ์ระหว่างประเทศในยุโรป

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทบาทของดนตรีบรรเลงเพิ่มขึ้น วิโอลา ลูท กีตาร์ ไวโอลิน (เป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน) ถูกนำมาใช้อย่างแพร่หลายในชีวิตดนตรี แนวเพลงบรรเลงแทรกซึมทั้งดนตรีประจำวันและดนตรีระดับมืออาชีพ บางส่วนเป็นเพลงคริสตจักร การเต้นรำแบบ Lute โดดเด่นในหมู่เพลงที่โดดเด่นในศตวรรษที่ 16 โพลีโฟนิกทำงานโดยปั้นเป็นจังหวะ, องค์ประกอบคล้ายคลึงกัน, ความโปร่งใสของพื้นผิว ลักษณะเฉพาะคือการผสมผสานระหว่างการเต้นรำตั้งแต่สองท่าขึ้นไปตามหลักการของความแตกต่างของจังหวะเป็นวัฏจักรที่แปลกประหลาดซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของชุดเต้นรำในอนาคต เพลงออร์แกนยังได้รับความสำคัญที่เป็นอิสระมากขึ้น การเกิดขึ้นของโรงเรียนออร์แกนในฝรั่งเศส (ปลายศตวรรษที่ 16) เกี่ยวข้องกับงานของนักออร์แกน J. Titluz

การศึกษา

ศตวรรษที่ 17

อิทธิพลอย่างมากต่อดนตรีฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 เกิดขึ้นจากสุนทรียศาสตร์แบบคลาสสิกซึ่งนำเสนอความต้องการด้านรสนิยม ความสมดุลของความงามและความจริง ความชัดเจนของความตั้งใจ ความกลมกลืนขององค์ประกอบ คลาสสิกซึ่งพัฒนาไปพร้อมกับสไตล์บาร็อคได้รับในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 การแสดงออกที่สมบูรณ์

ในเวลานี้ ดนตรีฆราวาสในฝรั่งเศสมีชัยเหนือจิตวิญญาณ ด้วยการก่อตั้งระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ศิลปะในราชสำนักจึงมีความสำคัญอย่างยิ่ง ซึ่งกำหนดทิศทางของการพัฒนาแนวเพลงที่สำคัญที่สุดของดนตรีฝรั่งเศสในยุคนั้น - โอเปร่าและบัลเล่ต์ ปีแห่งรัชกาลของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 นั้นมีความสง่างามอย่างไม่ธรรมดาของชีวิตในราชสำนัก ความปรารถนาของชนชั้นสูงในเรื่องความหรูหราและความบันเทิงอันซับซ้อน ในเรื่องนี้ได้รับมอบหมายให้มีบทบาทอย่างมากในบัลเล่ต์ของศาล ในศตวรรษที่ 17 แนวโน้มของอิตาลีทวีความรุนแรงขึ้นในศาล ซึ่งพระคาร์ดินัลมาซารินอำนวยความสะดวกเป็นพิเศษ ความคุ้นเคยกับโอเปร่าอิตาลีเป็นแรงจูงใจในการสร้างโอเปร่าประจำชาติของตัวเอง ประสบการณ์ครั้งแรกในพื้นที่นี้เป็นของ Elisabeth Jacquet de la Guerre ("Triumph of Love")

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 คีตกวีเช่น N. A. Charpentier, A. Kampra, M. R. Delaland, A. K. Detouche เขียนให้โรงละคร ด้วยผู้สืบทอดของ Lully ธรรมเนียมปฏิบัติของรูปแบบการแสดงละครในศาลจึงเข้มข้นขึ้น ในโศกนาฏกรรมที่เป็นโคลงสั้น ๆ ด้านบัลเลต์ตกแต่งและแนวอภิบาลที่งดงามมาถึงเบื้องหน้าและจุดเริ่มต้นที่น่าทึ่งก็อ่อนแอลงมากขึ้นเรื่อย ๆ โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ทำให้เกิดโอเปร่าบัลเลต์

ในศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศส โรงเรียนเครื่องดนตรีต่างๆ พัฒนาขึ้น - กีตาร์ (D. Gauthier ผู้มีอิทธิพลต่อรูปแบบฮาร์ปซิคอร์ดของ J.-A. d "Anglebert, J. Ch. de Chambonnière), ฮาร์ปซิคอร์ด (Chambonniere, L. Couperin), ไวโอลิน (M. Marin ผู้ซึ่งเป็นครั้งแรกในฝรั่งเศสได้นำดับเบิลเบสแทนไวโอลินดับเบิลเบสในวงโอเปร่าออร์เคสตรา) โรงเรียนสอนเปียโนของฝรั่งเศสได้รับความสำคัญมากที่สุด สไตล์ ฮาร์ปซิคอร์ดยุคแรกถูกสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลโดยตรงของลูทอาร์ต ลักษณะการตกแต่งท่วงทำนองซึ่งเป็นลักษณะของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสนั้นสะท้อนให้เห็นในผลงานของ Chambonnière การประดับตกแต่งอย่างมากมายทำให้งานสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดมีความซับซ้อนมากขึ้น เช่นเดียวกับความเชื่อมโยงที่มากขึ้น "ความไพเราะ" "ความยาว" ของเสียงกระตุกของเครื่องดนตรีนี้ . ในดนตรีบรรเลงมีการใช้การเต้นรำแบบคู่ (pavane, galliard ฯลฯ ) ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 อย่างกว้างขวางซึ่งนำไปสู่ศตวรรษที่ 17 ในการสร้างชุดเครื่องมือ

ศตวรรษที่ 18

ในศตวรรษที่ 18 ด้วยอิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของชนชั้นนายทุน รูปแบบใหม่ของดนตรีและชีวิตทางสังคมกำลังก่อตัวขึ้น คอนเสิร์ตค่อยๆ ขยายออกไปนอกห้องโถงของพระราชวังและร้านเสริมสวยของชนชั้นสูง ใน A. Philidor (Danikan) เขาจัด "Spiritual Concerts" ในปารีสที่ Francois Gossec เขาก่อตั้งสมาคม "Amateur Concerts" ตอนเย็นของสังคมวิชาการ "Friends of Apollo" (ก่อตั้งขึ้นใน) มีลักษณะใกล้ชิดมากขึ้นการจัดคอนเสิร์ตประจำปีจัดโดย "Royal Academy of Music"

ในยุค 20-30 ของศตวรรษที่ 18 ชุดฮาร์ปซิคอร์ดถึงจุดสุดยอด ในบรรดานักเปียโนชาวฝรั่งเศส บทบาทนำเป็นของ F. Couperin ผู้เขียนวงจรอิสระตามหลักการของความเหมือนและความแตกต่างของชิ้นส่วน J.F. Dandre ได้สร้างผลงานที่ดีในการพัฒนาชุดฮาร์ปซิคอร์ดที่มีลักษณะเฉพาะของโปรแกรมร่วมกับ Couperin และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง J.F. Rameau

ระบบการศึกษาดนตรีก็มีการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงเช่นกัน เมตริกถูกยกเลิก แต่ในโรงเรียนดนตรีของ National Guard ได้เปิดสอนนักดนตรีทหารและใน - สถาบันดนตรีแห่งชาติ (กับ - Paris Conservatory)

ช่วงเวลาของเผด็จการนโปเลียน (1799-1814) และการฟื้นฟู (1814-15, 1815-30) ไม่ได้นำความสำเร็จที่สดใสมาสู่ดนตรีฝรั่งเศส เมื่อสิ้นสุดระยะเวลาการฟื้นฟู ก็มีการฟื้นฟูในด้านวัฒนธรรม ในการต่อสู้กับศิลปะวิชาการของจักรวรรดินโปเลียน โอเปร่าโรแมนติกของฝรั่งเศสได้ก่อตัวขึ้น ซึ่งในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 1930 ได้ครองตำแหน่งที่โดดเด่น (F. Aubert) ในปีเดียวกันนั้น ประเภทของโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ในหัวข้อประวัติศาสตร์ ความรักชาติ และความกล้าหาญได้ก่อตัวขึ้น แนวโรแมนติกทางดนตรีของฝรั่งเศสพบการแสดงออกที่สดใสที่สุดในผลงานของ G. Berlioz ผู้สร้างซิมโฟนีโรแมนติกแบบเป็นโปรแกรม Berlioz พร้อมด้วย Wagner ถือเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนใหม่แห่งการดำเนินการ

เหตุการณ์สำคัญในชีวิตของสังคมฝรั่งเศสในยุค 1870 คือ Paris Commune ในปี 1870-1871 ช่วงเวลานี้ก่อให้เกิดเพลงประกอบการมากมาย หนึ่งในนั้น - " The Internationale" (เพลงของ Pierre Degeyter ต่อคำพูดของ Eugene Pottier) กลายเป็นเพลงชาติของพรรคคอมมิวนิสต์ และในปี 1944 - เพลงชาติของสหภาพโซเวียต

ศตวรรษที่ 20

ในช่วงปลายยุค 80 - 90 ของศตวรรษที่ 19 เทรนด์ใหม่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสซึ่งเริ่มแพร่หลายเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 - อิมเพรสชั่นนิสม์ อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีฟื้นประเพณีของชาติบางอย่าง - ความปรารถนาที่จะเป็นรูปธรรม, โปรแกรม, ความซับซ้อนของสไตล์, ความโปร่งใสของพื้นผิว อิมเพรสชั่นนิสม์พบการแสดงออกอย่างเต็มที่ในเพลงของ C. Debussy ส่งผลต่องานของ M. Ravel, P. Duke และคนอื่น ๆ อิมเพรสชั่นนิสม์ยังแนะนำนวัตกรรมในด้านแนวดนตรีอีกด้วย ในงานของ Debussy วัฏจักรไพเราะทำให้เกิดการสเก็ตช์ไพเราะ เพลงเปียโนถูกครอบงำโดยโปรแกรมย่อส่วน Maurice Ravel ยังได้รับอิทธิพลจากสุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ ในงานของเขา แนวโน้มด้านสุนทรียศาสตร์และโวหารต่างๆ เกี่ยวพันกัน - โรแมนติก อิมเพรสชันนิสม์ และในผลงานต่อมาของเขา - แนวโน้มนีโอคลาสสิก

ควบคู่ไปกับแนวอิมเพรสชั่นนิสม์ในดนตรีฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ประเพณีของแซงต์-ซองส์ยังคงพัฒนาต่อไป เช่นเดียวกับ Franck ซึ่งผลงานของเขาโดดเด่นด้วยการผสมผสานความชัดเจนของสไตล์คลาสสิกเข้ากับจินตภาพโรแมนติกที่สดใส

ฝรั่งเศสมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ - ที่นี่เพลงที่เป็นรูปธรรมปรากฏขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1940 คอมพิวเตอร์ที่มีการป้อนข้อมูลแบบกราฟิก - UPI ได้รับการพัฒนาภายใต้การนำของ Xenakis และในปี 1970 ทิศทางของดนตรีสเปกตรัม เกิดที่ฝรั่งเศส ตั้งแต่ปี 1977 IRCAM ซึ่งเป็นสถาบันวิจัยที่ก่อตั้งโดย Pierre Boulez ได้กลายเป็นศูนย์กลางของดนตรีทดลอง

ความทันสมัย

ดนตรีวิชาการ

ศูนย์กลางทางดนตรีของฝรั่งเศสยังคงเป็นเมืองหลวง - ปารีส โรงละครโอเปร่าแห่งปารีสทำงานในปารีส (แสดงที่ Opera Garnier และ Opera Bastille) คอนเสิร์ตและการแสดงโอเปร่ามีให้ที่โรงละคร Champs-Elysées ในบรรดาวงดนตรีชั้นนำ ได้แก่ วงดุริยางค์แห่งชาติของฝรั่งเศส, วงดุริยางค์ฟิลฮาร์โมนิก ของ Radio France, Orchestra of Paris, Orchestra of the Column และอื่นๆ

ในบรรดาสถาบันการศึกษาดนตรีเฉพาะทาง ได้แก่ Paris Conservatory, Scola Cantorum, Ecole Normal - ในปารีส ศูนย์วิจัยดนตรีที่สำคัญที่สุดคือสถาบันดนตรีที่มหาวิทยาลัยปารีส หนังสือ เอกสารเก็บถาวรถูกเก็บไว้ในหอสมุดแห่งชาติ (แผนกดนตรีถูกสร้างขึ้นใน) ห้องสมุด และพิพิธภัณฑ์เครื่องดนตรีที่เรือนกระจก

ในวัฒนธรรมสมัยใหม่ ดนตรีฝรั่งเศสที่ได้รับความนิยมเรียกว่า chanson ซึ่งยังคงรักษาจังหวะเฉพาะของภาษาฝรั่งเศสไว้ ซึ่งแตกต่างจากเพลงที่เขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของดนตรีภาษาอังกฤษ ในบรรดานักแสดงที่สดใสของชานสัน ได้แก่ Georges Brassens, Edith Piaf, Joe Dassin, Jacques Brel, Charles Aznavour, Leo Ferret, Jean Ferrat, Georges Moustaki, Mireille Mathieu, Patricia Kaas และคนอื่น ๆ นักแสดงชานซองชาวฝรั่งเศสมักเรียกว่าแชนซอนเนียร์ ในทศวรรษที่ 1960 ทิศทางของ yé-yé และ yéyé เป็นเพลงยอดนิยมที่หลากหลายของชานสัน ซึ่งแสดงโดยนักแสดงหญิงเป็นหลัก ได้แก่ France Gall, Sylvie Vartan, Brigitte Bardot, Francoise Hardy, Dalida, Michel Torre

ฝรั่งเศสเป็นเจ้าภาพการประกวดเพลงยูโรวิชันสามครั้ง - ในและหลายปี นักดนตรีชาวฝรั่งเศสห้าคนชนะการประกวดเพลงยูโรวิชัน - Andre Clavier (), Jacqueline Boyer (), Isabelle Aubret (), Frida Boccara () และ Marie Miriam () หลังจากนั้นสถานที่ที่สองคือความสำเร็จสูงสุดของฝรั่งเศสในรอบหลายปี

แจ๊ส

ปรากฏการณ์เฉพาะอย่างหนึ่งคือบ้านในฝรั่งเศส ซึ่งมีเอฟเฟกต์เฟสเซอร์มากมายและการลดความถี่ ซึ่งมีอยู่ใน Eurodisco ในปี 1970 ผู้ก่อตั้งทิศทางนี้คือ Daft Punk, Cassius และ Etienne de Crécy ในยุค 2000 เฮาส์ DJ David Guetta กลายเป็นหนึ่งในนักดนตรีชาวฝรั่งเศสที่ได้รับค่าตอบแทนสูงสุด

ร็อคและฮิปฮอป

ดนตรีร็อคในฝรั่งเศสมีมาตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1950 ต้องขอบคุณศิลปินอย่าง Johnny Hallyday, Richard Anthony, Dick Rivers และ Claude François ที่แสดงดนตรีร็อกแอนด์โรลในแบบเอลวิส เพรสลีย์ ในปี 1970 โปรเกรสซีฟร็อคได้รับการพัฒนาอย่างดีในฝรั่งเศส ในบรรดาบรรพบุรุษของร็อคฝรั่งเศสในทศวรรษที่ 1960 และ 70 เป็นวงร็อคโปรเกรสซีฟ Art Zoyd, Gong, Magma ซึ่งคล้ายกับเสียงของร็อคเยอรมัน ทศวรรษ 1970 ยังเห็นฉากร็อคเซลติกที่เฟื่องฟู โดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาคตะวันตกเฉียงเหนือของประเทศที่ Alan Stivell, Malicorne, Tri Yann และคนอื่นๆ มาจาก กลุ่มหลักของยุค 80 ได้แก่ โพสต์พังก์ Noir Désir, โลหะเลอร์ Shakin "Street and Mystery Blue" ในปี 1990 ขบวนการโลหะสีดำใต้ดินได้ก่อตัวขึ้นในฝรั่งเศส Les Légions Noires กลุ่มที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในทศวรรษที่ผ่านมา ได้แก่ Anorexia Nervosa และการแสดงแร็พคอร์ Pleymo

Pleymo ยังเกี่ยวข้องกับฉากฮิปฮอปของฝรั่งเศส สไตล์ "ถนน" นี้ได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่คนที่ไม่ใช่ชนพื้นเมือง ผู้อพยพชาวอาหรับและแอฟริกัน นักแสดงจากครอบครัวผู้อพยพบางคนได้รับชื่อเสียงมากมาย เช่น K. Maro, Diam's, MC Solaar, Stromae, Sexion d'Assaut

ฝรั่งเศสเป็นเจ้าภาพจัดเทศกาลดนตรีร็อค เช่น Eurockéennes (ตั้งแต่ปี 1989), La Route du Rock (ตั้งแต่ปี 1991), Vieilles Charrues Festival (ตั้งแต่ปี 1992), Rock en Seine (ตั้งแต่ปี 2003), Main Square Festival (ตั้งแต่ปี 2004), Les Massiliades (ตั้งแต่ 2551).

แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับเพลง "Music of France"

วรรณกรรม

• โอ.เอ. วิโนกราโดวา.// สารานุกรมดนตรี, ม., 2516-2525
• T.F. Gnativ. วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่สิบเก้าและยี่สิบ / หนังสือเรียนสำหรับมหาวิทยาลัยดนตรี - K.: Musical Ukraine, 1993. - 10.92 น.
• ดนตรีฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 (ส. อาร์ต) บทนำ ศิลปะ. และเอ็ด M. S. Druskina, M., 1938
• Schneerson G. ดนตรีของฝรั่งเศส M. , 1958
• อีดิธ เวเบอร์, Histoire de la musique française de 1500 ถึง 1650, ขอแสดงความนับถือ sur l'histoire, 1999 (ISBN 978-2-7181-9301-4)
• มาร์คโรบิน, Ilétait une fois la chanson française, Paris, Fayard/Chorus, 2004, (ISBN 2-213-61910-7).
• ฟรองซัวส์ ปอร์ซิเล, La belle epoque de la musique française ค.ศ. 1871-1940, Paris, Fayard, 1999, (Chemins de la musique) (ISBN 978-2-213-60322-3)
• เดเมียน เออร์ฮาร์ด Les ความสัมพันธ์ franco-allemandes et la musique à program, Lyon, Symétrie, 2009 (คอลเลกชัน Perpetuum mobile) (ISBN 978-2-914373-43-2)
• Collectif (ผู้เขียน) Un Siècle de chansons françaises ค.ศ. 1979-1989(Partition de musique), Csdem, 2009 (ISBN 979-0-231-31373-4)
• เฮนรี่ บล็อก: 2010.
• ปารีส เอ. Le nouveau dictionnaire des ตีความ ปารีส: R. Laffont, 2015. IX, 1364 p. ไอ 9782221145760
• Dictionnaire des Musiciens: les Interpretes : Encyclopaedia universalis France, 2016. ISBN 9782852295582.

ลิงค์

• (fr.)

หมายเหตุ

ดูเทมเพลตนี้ ประวัติศาสตร์ การเมือง สัญลักษณ์ เศรษฐกิจ ภูมิศาสตร์ วัฒนธรรม ศาสนา

การพึ่งพา รัฐที่ไม่รู้จักและรับรู้บางส่วน

ข้อความที่ตัดตอนมาเกี่ยวกับดนตรีของฝรั่งเศส

ข่าวทั้งหมดนี้ทำให้ฉันเวียนหัว... แต่ตามปกติแล้ว Veya ก็สงบอย่างน่าประหลาดใจ และสิ่งนี้ทำให้ฉันมีกำลังใจที่จะถามต่อไป
- และคุณเรียกใครว่าผู้ใหญ่ .. ถ้ามีแน่นอน
- แน่นอน! หญิงสาวหัวเราะอย่างจริงใจ - อยากเห็น?
ฉันเพียงแค่พยักหน้าเพราะคอของฉันถูกยึดด้วยความตกใจอย่างสมบูรณ์และของกำนัลการสนทนา "กระพือปีก" ของฉันหายไปที่ไหนสักแห่ง ... ฉันเข้าใจดีว่าตอนนี้ฉันจะได้เห็นสิ่งมีชีวิต "ดาว" ที่แท้จริง! .. และแม้ว่าข้อเท็จจริงที่ว่า เท่าที่ฉันจำได้ฉันรอสิ่งนี้มาตลอดชีวิตโดยมีสติตอนนี้ความกล้าหาญของฉันด้วยเหตุผลบางอย่างอย่างรวดเร็ว "ไปที่ส้นเท้า" ...
Veya โบกมือ - ภูมิประเทศเปลี่ยนไป แทนที่จะเป็นภูเขาสีทองและลำธาร เราพบว่าตัวเองอยู่ใน "เมือง" ที่มหัศจรรย์ เคลื่อนไหว และโปร่งใส (ไม่ว่าในกรณีใด ดูเหมือนเมือง) และตรงมาหาเราตาม "ถนน" สีเงินอันกว้างใหญ่ที่ส่องประกายระยิบระยับ ชายผู้น่าทึ่งกำลังเดินช้าๆ ... เขาเป็นชายชราตัวสูงหยิ่งผยอง ที่ไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นอย่างอื่นนอกจากสง่างาม บางครั้งถูกต้องและฉลาดมาก - และบริสุทธิ์เหมือนคริสตัล ความคิด (ซึ่งด้วยเหตุผลบางอย่างที่ฉันได้ยินชัดเจนมาก); และผมสีเงินยาวคลุมเขาด้วยเสื้อคลุมเป็นประกาย และดวงตาสีม่วงขนาดใหญ่ "Vaina" ที่ใจดีอย่างน่าประหลาดใจ ... และบนหน้าผากสูงของเขาส่องประกายแวววาวด้วยทองคำเป็น "ดาว" เพชร
“พักผ่อนกับคุณพ่อ” เวยาพูดเบา ๆ และใช้นิ้วแตะหน้าผากของเธอ
“และท่านผู้จากไป” ชายชราตอบอย่างเศร้าสร้อย
ความเมตตาและความเสน่หาไม่สิ้นสุดจากเขา และทันใดนั้นฉันก็ต้องการเหมือนเด็กน้อยที่จะฝังหัวของฉันคุกเข่าและซ่อนจากทุกสิ่งอย่างน้อยสองสามวินาทีหายใจเข้าในความสงบสุขลึก ๆ ที่เล็ดลอดออกมาจากเขาและอย่าคิดว่าฉันกลัว ..ที่ฉันไม่รู้ว่าบ้านฉันอยู่ที่ไหน...และไม่รู้เลย - ฉันอยู่ที่ไหน และสิ่งที่เกิดขึ้นกับฉันในตอนนี้...
– คุณเป็นใคร สิ่งมีชีวิต?.. – ฉันได้ยินเสียงที่อ่อนโยนของเขาในใจ
“ฉันเป็นมนุษย์” ฉันตอบ “ขอโทษที่รบกวนความสงบของคุณ ฉันชื่อสเวตลานา
ผู้เฒ่ามองมาที่ฉันอย่างอบอุ่นและตั้งใจด้วยดวงตาที่ฉลาดของเขา และด้วยเหตุผลบางอย่างได้รับการอนุมัติในพวกเขา
“เจ้าต้องการพบพระผู้มีปรีชาญาณ – เจ้าเห็นเขา” เวยากล่าวอย่างเงียบ ๆ - คุณต้องการที่จะถามอะไร?
- บอกฉันทีว่าความชั่วร้ายมีอยู่ในโลกมหัศจรรย์ของคุณหรือไม่? – ถึงแม้จะละอายกับคำถามของฉัน แต่ฉันก็ยังตัดสินใจถาม
- สิ่งที่คุณเรียกว่า "ความชั่วร้าย" มนุษย์ - สเวตลานา? ปราชญ์ถาม
- โกหก ฆาตกรรม ทรยศ ... ไม่มีคำพูดแบบนี้เหรอ ..
- มันนานมาแล้ว ... ไม่มีใครจำได้อีกต่อไป แค่ฉัน. แต่เรารู้ว่ามันคืออะไร สิ่งนี้ฝังอยู่ใน "ความทรงจำโบราณ" ของเราที่ไม่มีวันลืม คุณมาจากที่ที่ชั่วร้ายอาศัยอยู่หรือไม่?
ฉันพยักหน้าเศร้า ฉันรู้สึกเสียใจมากสำหรับโลกบ้านเกิดของฉันและสำหรับความจริงที่ว่าชีวิตบนโลกนั้นไม่สมบูรณ์อย่างมากจนทำให้ฉันถามคำถามเช่นนี้ ... แต่ในขณะเดียวกันฉันก็ต้องการให้ Evil ออกจากบ้านของเราตลอดไปเพราะว่า ฉันรักบ้านหลังนี้ด้วยสุดใจ และบ่อยครั้งมากที่ฝันว่าสักวันหนึ่งวันที่วิเศษจะมาถึงเมื่อ:
คนๆ หนึ่งจะยิ้มด้วยความปิติ โดยรู้ว่า ผู้คนนำพาความดีมาให้เขาได้เท่านั้น ...
เมื่อสาวเหงาไม่กลัวที่จะเดินผ่านถนนที่มืดมนที่สุดในตอนเย็น ไม่กลัวว่าใครจะขุ่นเคืองเธอ...
เมื่อเปิดใจได้ด้วยความยินดี โดยไม่ต้องกลัวว่าเพื่อนซี้จะทรยศคุณ...
เมื่อเป็นไปได้ที่จะทิ้งของที่มีราคาแพงมากไว้บนถนนโดยไม่ต้องกลัวว่าถ้าคุณหันหลังกลับ - และจะถูกขโมยทันที ...
และฉันจริงใจด้วยสุดใจเชื่อว่าโลกมหัศจรรย์มีอยู่จริงที่ไหนสักแห่งที่ไม่มีความชั่วร้ายและความกลัว แต่มีความสุขที่เรียบง่ายของชีวิตและความงาม ... นั่นคือเหตุผลที่ทำตามความฝันที่ไร้เดียงสาของฉัน ใช้โอกาสน้อยที่สุดในการเรียนรู้อย่างน้อยบางอย่างเกี่ยวกับวิธีการที่จะทำลายสิ่งเดียวกันนี้ ความเหนียวแน่นและทำลายล้างไม่ได้ ความชั่วร้ายทางโลกของเรา... และอีกสิ่งหนึ่ง - เพื่อจะได้ไม่ต้องละอายใจที่จะบอกใครที่ไหนสักแห่งที่ฉัน ฉันเป็นมนุษย์ . .
แน่นอนว่านี่เป็นความฝันในวัยเด็กที่ไร้เดียงสา ... แต่แล้วฉันก็ยังเป็นเด็กอยู่
– ฉันชื่อเอทิส สเวตลานา แมน ฉันอาศัยอยู่ที่นี่ตั้งแต่แรกพบ ฉันได้เห็นความชั่วร้าย... ความชั่วร้ายมากมาย...
– แล้วคุณกำจัดเขาได้อย่างไร ฮาติสผู้ฉลาด! มีคนช่วยคุณหรือไม่ .. - ฉันถามอย่างมีความหวัง - คุณช่วยเราได้ไหม .. ให้คำแนะนำอย่างน้อย?
– เราพบเหตุผลแล้ว… และฆ่ามัน แต่ความชั่วร้ายของคุณอยู่เหนือการควบคุมของเรา มันแตกต่าง...เหมือนกับคนอื่นและคุณ และความดีของคนอื่นอาจไม่ดีสำหรับคุณเสมอไป คุณต้องหาเหตุผลของคุณเอง และทำลายมัน - เขาวางมือบนหัวของฉันเบา ๆ และความสงบสุขก็ไหลเข้ามาหาฉัน ... - ลาก่อนมนุษย์ Svetlana ... คุณจะพบคำตอบสำหรับคำถามของคุณ พักผ่อนให้กับคุณ...
ฉันยืนครุ่นคิดอยู่ลึกๆ และไม่สนใจความจริงที่ว่าความเป็นจริงรอบๆ ตัวฉันได้เปลี่ยนไปนานแล้ว และแทนที่จะเป็นเมืองที่แปลกและโปร่งใส ตอนนี้เรา "ลอย" บน "น้ำ" สีม่วงทึบบน "น้ำ" สีม่วงที่แปลกตา อุปกรณ์ที่แบนและโปร่งใส ซึ่งไม่มีที่จับ ไม่มีพาย ไม่มีอะไรเลย ราวกับว่าเรากำลังยืนอยู่บนกระจกใสขนาดใหญ่บางและเคลื่อนที่ได้ แม้ว่าจะไม่รู้สึกถึงการเคลื่อนไหวหรือการขว้างเลยก็ตาม มันร่อนบนพื้นผิวได้อย่างราบรื่นและสงบอย่างน่าประหลาดใจจนคุณลืมไปว่ากำลังเคลื่อนไหวเลย ...
– มันคืออะไร?.. เราจะแล่นเรือไปถึงไหน? ฉันถามด้วยความแปลกใจ
“ไปรับเพื่อนตัวน้อยของคุณ” Veya ตอบอย่างใจเย็น
- แต่ยังไง!. เธอไม่สามารถ...
- จะสามารถ. เธอมีคริสตัลแบบเดียวกับของคุณ นั่นคือคำตอบ - เราจะพบเธอที่ "สะพาน" - และโดยไม่ได้อธิบายอะไรอีก ในไม่ช้าเธอก็หยุด "เรือ" แปลก ๆ ของเรา
ตอนนี้เราอยู่ที่เชิงของผนังสีดำที่ "ขัดมัน" อันเจิดจ้าราวกับกำแพงยามค่ำคืน ซึ่งแตกต่างอย่างมากจากทุกสิ่งที่สว่างไสวและเป็นประกายอยู่รอบๆ ทันใดนั้นกำแพงก็ "แยกออก" ราวกับว่ามีหมอกหนาทึบอยู่ในที่นั้นและใน "รังไหม" สีทองก็ปรากฏขึ้น ... สเตลล่า สดชื่นและมีสุขภาพดี ราวกับว่าเธอเพิ่งไปเดินเล่นสบาย ๆ... และแน่นอนว่าเธอพอใจอย่างมากกับสิ่งที่เกิดขึ้น... เมื่อเธอเห็นฉัน ใบหน้าสวยของเธอก็ยิ้มแย้มแจ่มใสอย่างมีความสุขและเป็นนิสัย เธอ พูดทันที:
– เธอมาด้วยเหรอ?!... โอ้ ดีแค่ไหน!!! และฉันกังวลมาก! .. กังวลมาก! .. ฉันคิดว่ามีบางอย่างเกิดขึ้นกับคุณ แต่คุณมาที่นี่ได้อย่างไร .. - ทารกจ้องมาที่ฉัน
“ฉันก็คิดเหมือนคุณ” ฉันยิ้ม
- และเมื่อฉันเห็นคุณถูกพาตัวไปฉันก็พยายามตามคุณทันที! แต่ฉันพยายามแล้วและไม่มีอะไรทำงาน ... จนกระทั่งเธอมา สเตลล่าชี้ไปที่เว่ยด้วยปากกาของเธอ “ฉันรู้สึกขอบคุณมากสำหรับเรื่องนี้ สาวน้อยเว่ย! - ตามนิสัยตลก ๆ ของเธอในการพูดกับคนสองคนพร้อมกัน เธอกล่าวขอบคุณอย่างอ่อนหวาน
- "ผู้หญิง" คนนี้อายุสองล้านปี... - ฉันกระซิบข้างหูเพื่อน
ดวงตาของสเตลล่าเบิกกว้างด้วยความประหลาดใจและเธอเองก็ยังคงยืนอยู่ในโรคบาดทะยักเงียบ ๆ ค่อยๆแยกแยะข่าวที่น่าทึ่ง ...
“ Ka-a-ak - สองล้าน? .. ทำไมเธอตัวเล็กจัง .. ” สเตลล่าถอนหายใจตะลึง
- ใช่เธอบอกว่าพวกเขาอาศัยอยู่เป็นเวลานาน ... บางทีสาระสำคัญของคุณอาจมาจากที่เดียวกัน? ฉันพูดติดตลก แต่เห็นได้ชัดว่าสเตลล่าไม่ชอบเรื่องตลกของฉันเลยเพราะเธอไม่พอใจทันที:
- เป็นไปได้ยังไง! .. ฉันก็เหมือนคุณ! ฉันไม่ได้เป็นสีม่วงเลย!
ฉันรู้สึกตลกและละอายใจเล็กน้อย - ทารกเป็นผู้รักชาติตัวจริง ...
ทันทีที่สเตลล่าปรากฏตัวที่นี่ ฉันรู้สึกมีความสุขและเข้มแข็งในทันที เห็นได้ชัดว่า "การเดินบนพื้น" ที่ปกติและบางครั้งก็อันตรายมีผลดีต่ออารมณ์ของฉัน และสิ่งนี้ก็แทนที่ทุกอย่างในทันที
สเตลล่ามองไปรอบๆ อย่างมีความสุข และเห็นได้ชัดว่าเธอกระตือรือร้นที่จะระดมยิง "ไกด์" ของเราด้วยคำถามนับพันข้อ แต่เด็กหญิงตัวเล็ก ๆ ยับยั้งตัวเองอย่างกล้าหาญ พยายามที่จะดูจริงจังและเป็นผู้ใหญ่มากกว่าที่เธอเป็น...
“บอกฉันที สาวน้อยของเวยา เราจะไปที่ไหนกันดี” สเตลล่าถามอย่างสุภาพมาก เห็นได้ชัดว่าเธอไม่เคย "ใส่" ในหัวของเธอกับความคิดที่ว่า Veya อาจ "แก่" ได้ ...
“ไม่ว่าเจ้าจะต้องการที่ใด ในเมื่อเจ้าอยู่ที่นี่” ดาราสาวตอบอย่างใจเย็น
เรามองไปรอบ ๆ - เราถูกดึงไปทุกทิศทางทันที .. มันน่าสนใจอย่างไม่น่าเชื่อและฉันต้องการเห็นทุกอย่าง แต่เราเข้าใจดีว่าเราไม่สามารถอยู่ที่นี่ตลอดไปได้ ดังนั้น เมื่อเห็นว่าสเตลล่าไม่อดทนกับความกระวนกระวายใจอย่างไร ฉันจึงแนะนำให้เธอเลือกว่าเราจะไปที่ไหน
- ได้โปรด เราขอดู "สัตว์" ที่คุณมีที่นี่ได้ไหม? – สำหรับฉันโดยไม่คาดคิด สเตลล่าถาม
แน่นอนฉันอยากเห็นอย่างอื่น แต่ไม่มีที่ไป - เธอเองแนะนำให้เธอเลือก ...
เราพบว่าตนเองอยู่ในความคล้ายคลึงของป่าที่สว่างไสวด้วยสีสัน มันวิเศษมาก! .. แต่ด้วยเหตุผลบางอย่างฉันก็คิดว่าฉันจะไม่ต้องการที่จะอยู่ในป่าเช่นนี้เป็นเวลานาน ... มันสวยและสว่างเกินไปอีกครั้งกดดันเล็กน้อยไม่เลย เช่นเดียวกับป่าดินที่เขียวขจีและสดชื่นของเรา
บางทีอาจเป็นความจริงที่ทุกคนควรอยู่ในที่ที่เขาต้องการอย่างแท้จริง และฉันก็นึกถึงทารก "ดารา" แสนหวานของเราทันที ... เธอคงคิดถึงบ้านและสภาพแวดล้อมที่คุ้นเคยและบ้านเกิดของเธอ! .. อย่างน้อยตอนนี้ฉันก็เข้าใจได้เล็กน้อยว่าเธอต้องเหงากับความไม่สมบูรณ์ของเราและบางครั้ง โลกอันตราย...
- ช่วยบอกฉันที เวยา ทำไมเอทิสถึงโทรหาเธอ ในที่สุดฉันก็ถามคำถามที่วนเวียนอยู่ในหัว
“โอ้ นั่นเป็นเพราะเมื่อนานมาแล้ว ครอบครัวของฉันอาสาที่จะช่วยเหลือสิ่งมีชีวิตอื่นๆ ที่ต้องการความช่วยเหลือจากเรา สิ่งนี้เกิดขึ้นกับเราบ่อยครั้ง และผู้จากไปไม่เคยกลับบ้าน... นี่เป็นสิทธิ์ในการเลือกโดยเสรี ดังนั้นพวกเขาจึงรู้ว่ากำลังทำอะไรอยู่ นั่นเป็นเหตุผลที่ Atis สงสารฉัน ...
ใครออกไปถ้าคุณไม่กลับมา? สเตลล่ารู้สึกประหลาดใจ
“มากมาย... บางครั้งเกินความจำเป็นด้วยซ้ำ” Veya กล่าวอย่างเศร้าสร้อย – ครั้งหนึ่ง “นักปราชญ์” ของเราถึงกับกลัวว่าเราจะเหลือ viilis ไม่เพียงพอที่จะอาศัยอยู่บนโลกของเรา...
“วิลลิสคืออะไร” สเตลล่าถาม
- นี่คือเรา. เช่นเดียวกับพวกคุณ เราเป็นคนเลวทราม และโลกของเราชื่อวิอิลิส เว่ย ได้ตอบกลับ
แล้วจู่ๆ ฉันก็นึกขึ้นได้ว่าด้วยเหตุผลบางอย่างเราไม่เคยคิดที่จะถามเรื่องนี้มาก่อนเลย!.. แต่นี่เป็นสิ่งแรกที่เราควรถามถึง!
เปลี่ยนไปหรือเคยเป็นแบบนี้? ฉันถามอีกครั้ง
“พวกมันเปลี่ยนไป แต่ข้างในเท่านั้น ถ้านั่นคือสิ่งที่คุณหมายถึง” Veya ตอบ
นกหลากสีขนาดใหญ่ที่สว่างไสวอย่างบ้าคลั่งบินอยู่บนหัวของเรา ... "ขนนก" สีส้มเป็นประกายบนหัวและปีกของมันยาวและนุ่มราวกับสวมเมฆหลากสี นกนั่งบนก้อนหินและจ้องมาทางเราอย่างจริงจัง ...
ทำไมเธอถึงมองมาที่เราอย่างใกล้ชิด? - สเตลล่าถามตัวสั่นและสำหรับฉันดูเหมือนว่าเธอจะมีคำถามอื่นในหัว - "วันนี้ "นกตัวนี้" ทานอาหารเย็นแล้วหรือยัง ...
นกกระโดดเข้ามาใกล้อย่างระมัดระวัง สเตลล่าส่งเสียงแหลมและกระโดดกลับ นกก้าวไปอีกขั้น... มันใหญ่กว่าสเตลล่าสามเท่า แต่ดูไม่ก้าวร้าว แต่ค่อนข้างอยากรู้อยากเห็น
“อะไรนะ เธอชอบฉันเหรอ” สเตลล่าขมวดคิ้ว ทำไมเธอไม่มาหาคุณ เธอต้องการอะไรจากฉัน
เป็นเรื่องตลกที่ได้เห็นว่าเด็กหญิงตัวเล็ก ๆ แทบจะไม่ยับยั้งตัวเองเพื่อไม่ให้กระสุนปืนออกไปจากที่นี่ เห็นได้ชัดว่านกที่สวยงามไม่ได้แสดงความเห็นอกเห็นใจในตัวเธอมากนัก ...
ทันใดนั้นนกก็กางปีกออกและมีรัศมีอันเจิดจ้าออกมาจากพวกมัน ค่อย ๆ ค่อย ๆ หมอกเริ่มหมุนวนเหนือปีก คล้ายกับที่ลอยอยู่เหนือ Veya เมื่อเราเห็นเธอเป็นครั้งแรก หมอกหมุนวนและหนาขึ้นเรื่อย ๆ กลายเป็นเหมือนม่านหนาทึบและจากม่านนี้ตาโตเกือบมนุษย์มองมาที่เรา ...
- โอ้เธอกลายเป็นใครซักคนหรือเปล่า .. - สเตลล่าร้องเสียงแหลม - ดู ดู!
มีบางอย่างให้ดูจริงๆ เนื่องจาก "นก" เริ่ม "ทำให้เสียโฉม" อย่างกะทันหัน กลายเป็นสัตว์เดรัจฉาน ด้วยตามนุษย์ หรือเป็นมนุษย์ด้วยร่างของสัตว์ ...
- มันคืออะไร? แฟนของฉันทำตาสีน้ำตาลโตด้วยความประหลาดใจ - เกิดอะไรขึ้นกับเธอ?
และ "นก" ก็หลุดออกจากปีกแล้วและมีสิ่งมีชีวิตที่ผิดปกติมากยืนอยู่ตรงหน้าเรา ดูเหมือนครึ่งนกครึ่งมนุษย์ด้วยจะงอยปากขนาดใหญ่และใบหน้ามนุษย์สามเหลี่ยมที่ยืดหยุ่นมากเหมือนเสือชีตาห์ร่างกายและสัตว์กินสัตว์อื่นเคลื่อนไหวอย่างดุเดือด ... เธอสวยมากและในเวลาเดียวกันมาก น่ากลัว.
นี่คือเมียร์ด – แนะนำให้รู้จักกับ Weya - หากต้องการ เขาจะแสดง "สิ่งมีชีวิต" ให้คุณดูตามที่คุณพูด
สิ่งมีชีวิตที่ชื่อ Miard เริ่มปรากฏปีกนางฟ้าอีกครั้ง และเขาโบกมือให้พวกเขาอย่างเชิญชวนมาที่เรา
– และทำไมเขาถึงเป็นเช่นนั้น? ยุ่งมากเหรอ "ดารา" เวยะ?
สเตลล่ามีใบหน้าที่ไม่พอใจอย่างมาก เพราะเธอกลัว "สัตว์ประหลาดที่สวยงาม" แปลก ๆ นี้อย่างชัดเจน แต่เห็นได้ชัดว่าเธอไม่กล้าที่จะยอมรับมัน ฉันคิดว่าเธออยากจะไปกับเขามากกว่าที่จะยอมรับว่าเธอแค่กลัว ... Veya อ่านความคิดของ Stella อย่างชัดเจนทำให้มั่นใจทันที:
เขาเป็นคนน่ารักและใจดี คุณจะชอบเขา ท้ายที่สุดคุณต้องการเห็นสิ่งมีชีวิตและเป็นผู้ที่รู้สิ่งนี้ดีที่สุด
Miard เดินเข้ามาอย่างระมัดระวัง ราวกับรู้สึกว่า Stella กลัวเขา... และคราวนี้ ด้วยเหตุผลบางอย่าง ฉันก็ไม่กลัวเลย ตรงกันข้าม เขาสนใจฉันอย่างมาก
เขาเข้ามาใกล้สเตลล่าซึ่งในขณะนั้นเกือบจะร้องเสียงแหลมอยู่ข้างในด้วยความสยดสยองและแตะแก้มเธอเบา ๆ ด้วยปีกอันอ่อนนุ่มของเขา ... หมอกสีม่วงหมุนวนเหนือหัวสีแดงของสเตลล่า
- โอ้ดูสิ - ฉันก็เหมือนกับ Weya! .. - สาวน้อยประหลาดใจอุทานอย่างกระตือรือร้น – แต่มันเกิดขึ้นได้อย่างไร .. โอ้ช่างสวยงามเหลือเกิน!.. – นี้หมายถึงพื้นที่ใหม่ที่มีสัตว์ที่น่าทึ่งอย่างยิ่งที่ปรากฏต่อหน้าต่อตาเรา
เรายืนอยู่บนฝั่งที่เป็นเนินของแม่น้ำกว้างใหญ่ที่ดูเหมือนกระจก ซึ่งน้ำนั้น "แข็ง" อย่างน่าประหลาด และดูเหมือนเดินง่าย - มันไม่เคลื่อนไหวเลย เหนือผิวน้ำ ราวกับควันที่โปร่งใสแผ่วเบา มีหมอกเป็นประกายระยิบระยับ
เมื่อฉันเดาในที่สุด "หมอกที่เราเห็นทุกที่ที่นี่ช่วยเพิ่มการกระทำของสิ่งมีชีวิตที่นี่: มันเปิดความสว่างของการมองเห็นสำหรับพวกเขาซึ่งทำหน้าที่เป็นวิธีการเคลื่อนย้ายมวลสารที่เชื่อถือได้โดยทั่วไปช่วยในทุกสิ่งไม่ อะไรก็ตามในขณะนั้นสิ่งมีชีวิตเหล่านี้ไม่ได้มีส่วนร่วม และฉันคิดว่ามันถูกใช้เพื่ออย่างอื่นมากกว่านั้นมากซึ่งเรายังไม่เข้าใจ ...
แม่น้ำคดเคี้ยวใน "งู" กว้างที่สวยงามและหายไปในระยะไกลอย่างราบรื่นระหว่างเนินเขาสีเขียวชอุ่ม และสัตว์อัศจรรย์ก็เดิน นอน และบินไปตามฝั่งทั้งสองของมัน... งดงามมากจนตัวแข็งทื่อ ตื่นตาตื่นใจกับภาพอันน่าทึ่งนี้...
สัตว์เหล่านี้มีความคล้ายคลึงกับมังกรของราชวงศ์ที่ไม่เคยมีมาก่อน สดใสและหยิ่งผยอง ราวกับว่าพวกเขารู้ว่าพวกมันสวยงามเพียงใด ... คอที่โค้งมนยาวของพวกมันเป็นประกายด้วยทองคำสีส้ม และมงกุฎที่มีหนามแหลมก็ฉายแสงบนหัวของพวกมันด้วยฟันสีแดง สัตว์ในราชสำนักเคลื่อนไหวอย่างช้า ๆ และสง่างาม โดยแต่ละการเคลื่อนไหวเปล่งประกายด้วยเกล็ดของพวกมัน ลำตัวสีน้ำเงินมุก ซึ่งลุกเป็นไฟอย่างแท้จริง ตกอยู่ใต้แสงตะวันสีน้ำเงินทอง
- ความสวยความงาม!!! สเตลล่าถอนหายใจอย่างมีความสุข - อันตรายมากไหม?
“พวกอันตรายไม่ได้อยู่ที่นี่ พวกเราไม่มีพวกมันมานานแล้ว ฉันจำไม่ได้ว่านานเท่าไหร่แล้ว... – คำตอบมีมา แล้วเราก็สังเกตว่า Veya ไม่ได้อยู่กับเรา แต่ Miard กำลังคุยกับเรา...
สเตลล่ามองไปรอบๆ อย่างหวาดกลัว ดูเหมือนไม่ค่อยสบายใจกับคนรู้จักใหม่ของเรา...
“แล้วนายไม่มีอันตรายอะไรเลยเหรอ?” ฉันรู้สึกประหลาดใจ.
“เฉพาะภายนอกเท่านั้น” ตอบกลับมา - ถ้าพวกมันโจมตี
- สิ่งนี้เกิดขึ้นด้วยหรือไม่?
“ครั้งสุดท้ายที่มันเป็นก่อนหน้าฉัน” Miard ตอบอย่างจริงจัง
เสียงของเขาฟังดูนุ่มนวลและลึกล้ำในสมองของเราราวกับกำมะหยี่และมันผิดปกติมากที่จะคิดว่าลูกครึ่งมนุษย์ที่แปลกประหลาดเช่นนี้สื่อสารกับเราด้วย "ภาษา" ของเราเอง ... แต่เราอาจจะคุ้นเคยกับคำพูดต่างๆ ปาฏิหาริย์เหนือธรรมชาติเพราะหลังจากผ่านไปหนึ่งนาทีพวกเขาก็สื่อสารกับเขาอย่างอิสระโดยลืมไปว่านี่ไม่ใช่บุคคล
- และอะไร - คุณไม่เคยมีปัญหาเลย! เด็กหญิงตัวเล็กส่ายหัวอย่างไม่เชื่อ “แต่มันไม่น่าสนใจสำหรับคุณที่จะอยู่ที่นี่! ..
มันพูดถึง "ความกระหายในการผจญภัย" ที่แท้จริงและไม่อาจระงับได้ และฉันก็เข้าใจมันอย่างถ่องแท้ แต่สำหรับ Miard ฉันคิดว่าคงอธิบายยากมาก...
- ทำไมไม่น่าสนใจ? - "ไกด์" ของเราประหลาดใจและทันใดนั้นก็ขัดจังหวะตัวเองเขาชี้ขึ้น – ดู – ซาวีย์!!!
เราเงยหน้าขึ้นมองและตกตะลึง.... บนท้องฟ้าสีชมพูอ่อน สิ่งมีชีวิตที่น่าทึ่งก็ทะยานอย่างราบรื่น!.. พวกมันโปร่งใสอย่างสมบูรณ์และมีสีสันอย่างเหลือเชื่อเหมือนกับทุกสิ่งบนโลกใบนี้ ดูเหมือนว่าดอกไม้ที่ส่องประกายระยิบระยับสวยงามจะโบยบินอยู่บนท้องฟ้า มีเพียงดอกเดียวเท่านั้นที่ใหญ่อย่างเหลือเชื่อ ... และแต่ละดอกก็มีใบหน้าที่สวยงามแปลกตาและน่าพิศวงแตกต่างกัน
- โอ้ โอ้ .... ดูสิ ... โอ้ช่างน่าประหลาดใจจริงๆ โอ้โอ้ ... - ด้วยเหตุผลบางอย่างสเตลล่าตกตะลึงอย่างสมบูรณ์พูดด้วยเสียงกระซิบ
ฉันไม่คิดว่าฉันเคยเห็นเธอตกใจขนาดนี้ แต่มีบางอย่างที่น่าประหลาดใจจริงๆ... ไม่เลย แม้แต่จินตนาการที่รุนแรงที่สุด ก็เป็นไปไม่ได้ที่จะจินตนาการถึงสิ่งมีชีวิตดังกล่าว!.. พวกมันโปร่งสบายจนดูเหมือนว่าร่างกายของพวกเขาถูกทอจากหมอกที่ส่องแสง... , พ่นฝุ่นสีทองระยิบระยับอยู่ข้างหลังเขา ... Miard "เป่านกหวีด" สิ่งแปลก ๆ และสิ่งมีชีวิตที่น่าอัศจรรย์ก็เริ่มลงมาอย่างราบรื่นสร้าง "ร่ม" ขนาดใหญ่เหนือเรากระพริบด้วยสีรุ้งที่บ้าคลั่งของพวกเขา ... มันเป็นเช่นนั้น สวยจนแทบหยุดหายใจ!
ซาเวียที่มีปีกสีชมพูมุกสีน้ำเงินมุกเป็นคนแรกที่มาถึงเราโดยพับกลีบปีกที่เปล่งประกายของเธอเป็น "ช่อดอกไม้" เธอเริ่มมองมาที่เราด้วยความอยากรู้อยากเห็นอย่างมาก แต่ไม่มีความกลัว .. . เป็นไปไม่ได้ที่จะมองดูความงามที่แปลกประหลาดของเธออย่างสงบซึ่งดึงดูดเหมือนแม่เหล็กและต้องการชื่นชมอย่างไม่มีที่สิ้นสุด ...
– อย่ามองนาน – Savii นั้นน่าหลงใหล คุณจะไม่อยากออกจากที่นี่ ความงามของพวกเขาเป็นอันตรายถ้าคุณไม่ต้องการที่จะสูญเสียตัวเอง” Miard กล่าวอย่างเงียบ ๆ
“แต่เจ้าบอกว่าที่นี่ไม่มีอันตรายอะไร?” จึงไม่จริง? สเตลล่ารู้สึกขุ่นเคืองทันที
“แต่นี่ไม่ใช่อันตรายที่จะกลัวหรือต่อสู้ ฉันคิดว่านั่นคือสิ่งที่คุณหมายถึงเมื่อคุณถาม - Miard อารมณ์เสีย
- มาเร็ว! ดูเหมือนเราจะมีความคิดที่แตกต่างกันในหลายเรื่อง เป็นเรื่องปกติใช่ไหม - "สง่า" สร้างความมั่นใจให้ลูกน้อยของเขา - ฉันขอคุยกับพวกเขาได้ไหม
- พูดถ้าคุณได้ยิน - Miard หันไปหาปาฏิหาริย์ซาเวียที่ลงมาหาเราและแสดงบางอย่าง
สิ่งมีชีวิตที่น่าอัศจรรย์ยิ้มและเข้ามาใกล้เรามากขึ้น ในขณะที่เพื่อนที่เหลือของเขา (หรือเธอ? ..) ยังคงทะยานขึ้นเหนือเราอย่างง่ายดาย เป็นประกายระยิบระยับในแสงแดดจ้า
“ฉันชื่อลิลิส…จิ้งจอก…คือ…” เสียงกระซิบที่น่าอัศจรรย์ มันนุ่มนวลมากและในขณะเดียวกันก็ก้องกังวานมาก (หากแนวคิดที่ตรงกันข้ามดังกล่าวสามารถรวมเป็นหนึ่งเดียวได้)
สวัสดีคุณลิลลี่คนสวย สเตลล่าทักทายสิ่งมีชีวิตนี้อย่างสนุกสนาน - ฉันชื่อสเตลล่า และนี่คือเธอ - สเวตลานา เราเป็นคน และคุณก็รู้ ซาเวีย คุณบินมาจากไหน Savya คืออะไร? - คำถามตกลงมาเหมือนลูกเห็บอีกครั้ง แต่ฉันไม่ได้พยายามจะหยุดเธอด้วยซ้ำเพราะมันไร้ประโยชน์โดยสิ้นเชิง ... สเตลล่าแค่ "อยากรู้ทุกอย่าง!" และยังคงเป็นอย่างนั้นเสมอมา
ลิลิสเข้ามาใกล้เธอมาก และเริ่มสำรวจสเตลล่าด้วยดวงตาที่โตมโหฬารและแปลกประหลาดของเธอ พวกมันเป็นสีแดงเข้มเจิดจ้า มีเกล็ดสีทองอยู่ข้างใน และเปล่งประกายราวกับอัญมณีล้ำค่า ใบหน้าของสิ่งมีชีวิตมหัศจรรย์นี้ดูบอบบางและเปราะบางอย่างน่าประหลาดใจ และมีรูปร่างเหมือนกลีบของดอกลิลลี่ดินของเรา เธอ “พูด” โดยไม่อ้าปาก ขณะเดียวกันก็ยิ้มให้เราด้วยริมฝีปากเล็กๆ กลมๆ ของเธอ... แต่บางที ผมของพวกเธอก็น่าทึ่งที่สุดแล้ว... มันยาวมากเกือบถึงขอบโปร่งใส ปีกไม่มีน้ำหนักอย่างแน่นอน และไม่มีสีถาวร พวกมันส่องแสงตลอดเวลาด้วยรุ้งที่ยอดเยี่ยมที่สุดที่แตกต่างและคาดไม่ถึงที่สุด ... ร่างโปร่งใสของ Savy นั้นไม่มีเพศ (เหมือนร่างของเด็กน้อยทางโลก) และจาก กลับกลายเป็น “กลีบ-ปีก” ซึ่งทำให้ดูราวกับดอกไม้หลากสีสันจริงๆ...
“เราบินมาจากภูเขาหรือ…” เสียงสะท้อนแปลกๆ ดังขึ้นอีกครั้ง
“บอกเราเร็วกว่านี้ได้ไหม” มิอาร์ด้าถามอย่างหมดความอดทน สเตลล่า - พวกเขาเป็นใคร?
- พวกเขาถูกพามาจากอีกโลกหนึ่งครั้งเดียว โลกของพวกเขากำลังจะตาย และเราต้องการช่วยพวกเขา ตอนแรกพวกเขาคิดว่าพวกเขาสามารถอยู่กับทุกคนได้ แต่พวกเขาทำไม่ได้ พวกเขาอาศัยอยู่บนภูเขาสูงมาก ไม่มีใครไปถึงที่นั่นได้ แต่ถ้าคุณสบตานานๆ เขาจะเอาไปด้วย... และคุณจะอยู่กับเขา
สเตลล่าตัวสั่นและขยับตัวเล็กน้อยจากลิลิสซึ่งยืนอยู่ข้างเธอ... - แล้วพวกเขาจะทำอย่างไรเมื่อพวกเขาพาคุณไป?
- ไม่มีอะไร. พวกเขาเพียงแค่อาศัยอยู่กับคนที่ถูกพรากไป อาจเป็นเพราะพวกเขามีโลกที่แตกต่างกันในโลกนี้ แต่ตอนนี้พวกเขาทำไปเพราะเป็นนิสัย แต่สำหรับเรา สิ่งเหล่านี้มีค่ามาก - พวกเขา "ทำความสะอาด" โลก ไม่มีใครเคยป่วยหลังจากที่พวกเขามา
– ดังนั้น คุณช่วยพวกเขา ไม่ใช่เพราะคุณรู้สึกเสียใจสำหรับพวกเขา แต่เพราะคุณต้องการพวกเขา?!.. จะใช้พวกเขาดีไหม? - ฉันกลัวว่า Miard จะขุ่นเคือง (อย่างที่พวกเขาพูด - อย่าเข้าไปในกระท่อมของคนอื่นด้วยรองเท้าบู๊ต ... ) และผลักสเตลล่าไปด้านข้างอย่างแรง แต่เธอไม่สนใจฉันเลยและตอนนี้ก็หันไปหาซาเวีย . – คุณชอบที่จะอยู่ที่นี่หรือไม่? คุณเศร้าสำหรับโลกของคุณหรือไม่?
- ไม่ ไม่ ... มันสวย - วิลโลว์ป่า ... - เสียงกระซิบเบา ๆ เหมือนเดิม - และแล้ว osho ...
จู่ๆ ลิลิสก็ยก "กลีบดอกไม้" อันแวววาวของเธอขึ้นหนึ่ง และลูบแก้มของสเตลล่าเบาๆ
“Baby-ka... Good-shay-ay... Stella-la-a...” และหมอกก็เปล่งประกายบนหัวของ Stella เป็นครั้งที่สอง แต่คราวนี้มันเป็นหลากสี...
ลิลิสกระพือปีกกลีบดอกไม้ที่โปร่งใสของเธออย่างราบรื่นและค่อยๆ สูงขึ้นจนเธอเข้าร่วมกับตัวเธอเอง Savii เริ่มกระสับกระส่ายและทันใดนั้นก็สว่างวาบมากพวกเขาก็หายตัวไป ...
- พวกเขาไปไหน? เด็กหญิงตัวน้อยประหลาดใจ
- พวกเขาจากไป ดูนี่สิ... – และ Miard ชี้ไปไกลแล้ว ไปทางภูเขา ลอยอย่างราบรื่นในท้องฟ้าสีชมพู สิ่งมีชีวิตมหัศจรรย์ที่ส่องแสงจากดวงอาทิตย์ พวกเขากลับบ้าน...
จู่ๆ เว่ยก็ปรากฏตัวขึ้น...
“ถึงเวลาของคุณแล้ว” เด็กหญิง “ดารา” กล่าวอย่างเศร้า “คุณไม่สามารถอยู่ที่นี่ได้นานขนาดนั้น มันเป็นเรื่องยาก.
“โอ้ แต่เรายังไม่ได้เห็นอะไรเลย! สเตลล่าอารมณ์เสีย – เรากลับมาที่นี่ได้ไหม Veya ที่รัก? ลาก่อน Miard ที่รัก! คุณสบายดี ฉันจะกลับมาหาคุณอย่างแน่นอน! - เช่นเคย พูดกับทุกคนพร้อมกัน สเตลล่ากล่าวลา
Veya โบกมือของเธอ และเราก็หมุนตัวอีกครั้งในวังวนที่เต็มไปด้วยประกายระยิบระยับ หลังจากช่วงเวลาสั้นๆ (หรืออาจดูเหมือนสั้นเท่านั้น) "โยน" เราไปที่ "พื้น" ทางจิตใจตามปกติของเรา...
- โอ้ช่างน่าสนใจจริงๆ .. - สเตลล่าส่งเสียงแหลมด้วยความยินดี
ดูเหมือนว่านางพร้อมที่จะแบกรับภาระที่หนักหน่วงที่สุด หากเพียงแต่จะกลับไปยังโลก Weiying อันมีสีสันที่เธอรักมากเพียงนั้นอีกครั้ง อยู่ดีๆ ก็นึกว่าเธอต้องชอบแน่ๆ เพราะมันคล้ายกับตัวเธอมาก ซึ่งเธอชอบที่จะสร้างให้ตัวเองที่นี่บน "พื้น" ...
ความกระตือรือร้นของฉันลดลงเล็กน้อยเพราะฉันได้เห็นโลกที่สวยงามนี้แล้วสำหรับตัวเองและตอนนี้ฉันต้องการอย่างอื่น! .. ฉันรู้สึกว่า "รสชาติที่ไม่รู้จัก" ที่เวียนหัวและฉันต้องการทำซ้ำจริงๆ ... ฉันแล้วฉัน รู้ว่า "ความหิวโหย" นี้จะเป็นพิษต่อชีวิตต่อไปของฉัน และฉันจะคิดถึงมันตลอดเวลา ดังนั้นในอนาคตอยากจะเป็นคนที่มีความสุขอยู่ต่อไป ฉันต้องหาวิธี "เปิด" ประตูสู่โลกอื่นด้วยตัวเอง ... แต่แล้วฉันก็ไม่ค่อยเข้าใจว่าการเปิดประตูนั้นไม่ง่ายนัก ... และฤดูหนาวอีกมากจะผ่านไปในขณะที่ฉันจะ "เดิน" อย่างอิสระทุกที่ที่ฉันต้องการและมีคนอื่นเปิดประตูนี้ให้ฉัน ... และอีกคนนี้จะเป็นสามีที่ยอดเยี่ยมของฉัน
“แล้วพวกเราจะทำอย่างไรต่อไป” สเตลล่าดึงฉันออกจากความฝัน
เธออารมณ์เสียและเศร้าที่เธอไม่สามารถเห็นได้อีก แต่ฉันดีใจมากที่เธอกลับมาเป็นตัวของตัวเองอีกครั้ง และตอนนี้ฉันแน่ใจจริงๆ ว่าตั้งแต่วันนั้นเป็นต้นไป เธอจะเลิกยุ่งวุ่นวายและพร้อมสำหรับ "การผจญภัย" ใหม่ ๆ อีกครั้ง
“ ขอโทษฉันด้วย แต่วันนี้ฉันอาจจะไม่ทำอะไรอีกแล้ว ... ” ฉันกล่าวขอโทษ แต่ก็ขอบคุณมากที่ช่วย
สเตลล่ายิ้มออกมา เธอชอบที่จะรู้สึกต้องการมาก ฉันจึงพยายามแสดงให้เธอเห็นว่าเธอมีความหมายกับฉันมากเพียงใด (ซึ่งจริง ๆ แล้ว)
- ตกลง. ไปที่อื่นกันเถอะ - เธอเห็นด้วยอย่างเต็มใจ
ฉันคิดว่าเธอเหมือนฉัน ขี้เหร่เล็กน้อย แต่เช่นเคย เธอพยายามไม่แสดงมันออกมา ฉันโบกมือให้เธอ... และพบว่าตัวเองอยู่ที่บ้านบนโซฟาตัวโปรดของฉัน ด้วยความประทับใจมากมายที่ตอนนี้ฉันต้องเข้าใจอย่างใจเย็นและช้าๆ โดยไม่รีบ "ย่อย"...

เมื่อฉันอายุได้สิบขวบ ฉันก็ผูกพันกับพ่อมาก
ข้าพเจ้ารักเขามาโดยตลอด แต่น่าเสียดายที่ในวัยเด็กของฉัน เขาเดินทางบ่อยและอยู่บ้านน้อยเกินไป แต่ละวันที่ใช้เวลาอยู่กับเขาในเวลานั้นเป็นวันหยุดสำหรับฉัน ซึ่งจากนั้นฉันก็จำได้เป็นเวลานาน และฉันรวบรวมคำพูดทั้งหมดที่พ่อพูดทีละคำ พยายามเก็บไว้ในจิตวิญญาณของฉัน ราวกับเป็นของขวัญล้ำค่า
ตั้งแต่อายุยังน้อย ฉันรู้สึกเสมอว่าต้องได้รับความสนใจจากพ่อ ฉันไม่รู้ว่ามันมาจากไหนหรือทำไม ไม่เคยมีใครขัดขวางไม่ให้ฉันเจอเขาหรือคุยกับเขา ตรงกันข้าม แม่พยายามไม่รบกวนเราเสมอถ้าแม่เห็นเราอยู่ด้วยกัน และพ่อก็มีความสุขเสมอที่ได้ใช้เวลาว่างจากงานอยู่กับฉัน เราไปเที่ยวป่ากับเขา ปลูกสตรอเบอร์รี่ในสวน ไปว่ายน้ำในแม่น้ำ หรือแค่พูดคุยใต้ต้นแอปเปิ้ลต้นโปรดของเรา ซึ่งเป็นสิ่งที่ฉันชอบทำมากที่สุด

เข้าป่าหาเห็ดดอกแรก...

ริมฝั่งแม่น้ำเนมูนัส (เนมาน)

พ่อเป็นนักสนทนาที่ยอดเยี่ยมและฉันพร้อมที่จะฟังเขาหลายชั่วโมงหากมีโอกาสเจอ ... อาจเป็นเพียงทัศนคติที่เข้มงวดของเขาต่อชีวิต การจัดตำแหน่งคุณค่าชีวิต นิสัยที่ไม่เคยเปลี่ยนแปลงของการไม่ได้รับอะไรเลย ทั้งหมดนี้สร้างความประทับใจให้ฉันด้วยว่าฉันสมควรได้รับมันเช่นกัน...
ฉันจำได้ดีว่าตอนเด็กๆ ฉันเคยห้อยคอเขาตอนที่เขากลับบ้านจากการเดินทางเพื่อทำธุรกิจ พูดซ้ำไม่รู้จบว่าฉันรักเขามากแค่ไหน และพ่อมองมาที่ฉันอย่างจริงจังและตอบ: "ถ้าคุณรักฉันคุณไม่จำเป็นต้องบอกฉัน แต่คุณต้องแสดง ... "
และมันก็เป็นคำพูดของเขาอย่างแม่นยำที่ยังคงเป็นกฎหมายที่ไม่ได้เขียนไว้ตลอดชีวิตของฉัน ... จริงฉันอาจไม่ประสบความสำเร็จในการ "แสดง" เสมอไป แต่ฉันพยายามอย่างตรงไปตรงมาเสมอ
โดยทั่วไปสำหรับทุกอย่างที่ฉันเป็นตอนนี้ฉันเป็นหนี้พ่อของฉันซึ่งทีละขั้นตอนแกะสลักอนาคตของฉัน "ฉัน" ไม่เคยให้สัมปทานใด ๆ แม้ว่าเขาจะรักฉันอย่างเสียสละและจริงใจก็ตาม ในช่วงปีที่ยากลำบากที่สุดในชีวิต พ่อเป็น "เกาะแห่งความสงบ" ที่ซึ่งฉันสามารถกลับมาได้ทุกเมื่อ โดยรู้ว่าพวกเขารอฉันอยู่ที่นั่นเสมอ
ด้วยตัวเขาเองมีชีวิตที่ยากลำบากและวุ่นวาย เขาต้องการแน่ใจว่าฉันจะสามารถยืนหยัดเพื่อตัวเองได้ในทุกสถานการณ์ที่ไม่เอื้ออำนวยต่อฉันและจะไม่พังทลายจากปัญหาใดๆ ในชีวิต
อันที่จริงฉันสามารถพูดได้อย่างเต็มหัวใจว่าฉันโชคดีมากกับพ่อแม่ของฉัน ถ้าพวกมันแตกต่างกันเล็กน้อย ใครจะรู้ว่าตอนนี้ฉันอยู่ที่ไหน และตอนนี้ฉันจะอยู่ที่ไหน ...
ฉันยังคิดว่าโชคชะตานำพาพ่อแม่ของฉันมารวมกันด้วยเหตุผล เพราะดูเหมือนเป็นไปไม่ได้เลยที่จะพบพวกเขา ...
พ่อของฉันเกิดที่ไซบีเรีย ในเมืองคูร์กัน ไซบีเรียไม่ใช่ถิ่นที่อยู่เดิมของครอบครัวพ่อของฉัน นี่คือการตัดสินใจของรัฐบาลโซเวียตที่ "ยุติธรรม" ในขณะนั้น และเช่นเคย มันไม่ได้อยู่ภายใต้การอภิปราย ...
ดังนั้น ปู่ย่าตายายที่แท้จริงของฉัน ในเช้าวันหนึ่งที่ดี ถูกพาตัวไปอย่างหยาบคาย ออกจากที่ดินของครอบครัวอันเป็นที่รักและสวยงามมาก ถูกตัดขาดจากชีวิตปกติของพวกเขา และขึ้นรถที่น่าขนลุก สกปรก และเย็นชาไปตามทิศทางที่น่ากลัว - ไซบีเรีย ...
ทุกสิ่งทุกอย่างที่ฉันจะพูดถึงต่อไป ฉันได้รวบรวมทีละเล็กทีละน้อยจากบันทึกความทรงจำและจดหมายของญาติของเราในฝรั่งเศส อังกฤษ รวมทั้งจากเรื่องราวและบันทึกความทรงจำของญาติและเพื่อนในรัสเซียและลิทัวเนีย
ด้วยความเสียใจอย่างใหญ่หลวง ฉันสามารถทำเช่นนี้ได้ก็ต่อเมื่อพ่อของฉันเสียชีวิต หลังจากเวลาผ่านไปหลายปี ...
Alexandra Obolenskaya น้องสาวของปู่ของพวกเขา (ต่อมาคือ Alexis Obolensky) ก็ถูกเนรเทศพร้อมกับพวกเขาเช่นเดียวกับ Vasily และ Anna Seryogin ที่ไปโดยสมัครใจซึ่งติดตามคุณปู่ด้วยตัวเลือกของตัวเองเนื่องจาก Vasily Nikandrovich เป็นทนายความของปู่ในทุกกิจการของเขาและ เพื่อนสนิทที่สุดคนหนึ่งของเขา

Alexandra (Alexis) Obolenskaya Vasily และ Anna Seryogin

อาจเป็นไปได้ว่าเราต้องเป็นเพื่อนแท้เพื่อที่จะพบจุดแข็งในตัวเองที่จะตัดสินใจเลือกและไปด้วยความเต็มใจว่าจะไปที่ไหนในขณะที่คนคนหนึ่งไปสู่ความตายของตัวเองเท่านั้น และน่าเสียดายที่ "ความตาย" นี้ถูกเรียกว่าไซบีเรีย ...
ฉันเสียใจและเจ็บปวดเสมอสำหรับพวกเรา ภูมิใจมาก แต่ถูกเหยียบย่ำโดยรองเท้าบู๊ทบอลเชวิค ไซบีเรียที่สวยงาม! ... และไม่มีคำพูดใดบอกได้ว่าความภาคภูมิ ความเจ็บปวด ชีวิต และน้ำตาที่น่าภาคภูมิใจนี้เพียงใด แต่เหนื่อยจนสุดขีด ดินแดนที่ถูกดูดกลืน ... เพราะครั้งหนึ่งเคยเป็นหัวใจของบ้านเกิดของบรรพบุรุษของเรา "นักปฏิวัติที่มีสายตายาว" ตัดสินใจที่จะลบล้างและทำลายดินแดนนี้โดยเลือกเพื่อจุดประสงค์ที่โหดร้ายหรือไม่... ท้ายที่สุดสำหรับหลาย ๆ คนแม้แต่ ผ่านไปหลายปี ไซบีเรียยังคงเป็นดินแดนที่ "ต้องสาป" ที่ซึ่งพ่อของใครบางคนเสียชีวิต พี่ชายของใครบางคน บางคนก็ลูกชาย ... หรือแม้แต่ครอบครัวของใครบางคน
คุณยายของฉัน ซึ่งฉันเคยรู้สึกผิดหวังอย่างแรงกล้า ตอนนั้นท้องกับพ่อของฉันและต้องอดทนกับเส้นทางที่ยากลำบากมาก แต่แน่นอนว่าไม่จำเป็นต้องรอความช่วยเหลือจากทุกที่ ... ดังนั้นเจ้าหญิงเอเลน่าสาวแทนที่จะเป็นเสียงกรอบแกรบของหนังสือในห้องสมุดของครอบครัวหรือเสียงเปียโนปกติเมื่อเธอเล่นงานโปรดของเธอ คราวนี้ฟังเพียงเสียงล้อเลื่อนอันน่าสะพรึงกลัวซึ่งนับชั่วโมงที่เหลืออยู่ในชีวิตของเธออย่างน่ากลัว เปราะบางและกลายเป็นฝันร้ายจริงๆ... เธอนั่งอยู่บนกระสอบที่หน้าต่างรถม้าสกปรกและ มองดูร่องรอยอันน่าสังเวชครั้งสุดท้ายของ "อารยธรรม" ที่คุ้นเคยและคุ้นเคยให้เธอก้าวไปไกลขึ้นเรื่อยๆ...
อเล็กซานดรา น้องสาวของคุณปู่ ด้วยความช่วยเหลือจากเพื่อนๆ พยายามหลบหนีจากจุดแวะพักแห่งหนึ่ง ตามข้อตกลงร่วมกัน เธอควรจะได้รับ (ถ้าเธอโชคดี) ไปฝรั่งเศส ซึ่งขณะนี้ทั้งครอบครัวของเธออาศัยอยู่ จริงอยู่ ไม่มีใครในปัจจุบันสามารถจินตนาการได้ว่าเธอจะทำสิ่งนี้ได้อย่างไร แต่เนื่องจากนี่เป็นเพียงความหวังเดียวของพวกเขา แม้ว่าจะเล็กน้อย แต่แน่นอนว่าเป็นความหวังสุดท้าย มันช่างหรูหราเหลือเกินที่จะปฏิเสธมันสำหรับสถานการณ์ที่สิ้นหวังอย่างสมบูรณ์ของพวกเขา ในขณะนั้นมิทรีสามีของอเล็กซานดราก็อยู่ในฝรั่งเศสด้วยความช่วยเหลือจากที่นั่นเพื่อช่วยครอบครัวของปู่ให้พ้นจากฝันร้ายที่ชีวิตได้โยนพวกเขาอย่างไร้ความปราณีด้วยความเลวทราม มือของคนถูกทารุณ ...
เมื่อมาถึง Kurgan พวกเขาถูกตั้งรกรากอยู่ในห้องใต้ดินที่เย็นยะเยือกโดยไม่ต้องอธิบายอะไรเลยและไม่ตอบคำถามใด ๆ สองวันต่อมา บางคนมาหาคุณปู่ และกล่าวว่าพวกเขาถูกกล่าวหาว่ามาเพื่อ "พา" เขาไปยัง "จุดหมายปลายทาง" อื่น ... พวกเขาพาเขาไปเหมือนอาชญากรไม่ยอมให้เขาเอาสิ่งของใด ๆ ติดตัวไปด้วยและไม่ยอมแพ้ เพื่ออธิบายว่าพวกเขาจะใช้เวลานานเท่าใดและที่ไหน ไม่มีใครเคยเห็นคุณปู่อีกเลย หลังจากนั้นไม่นาน ทหารที่ไม่รู้จักก็นำของใช้ส่วนตัวของคุณปู่ไปมอบให้คุณยายในกระสอบถ่านสกปรก ... โดยไม่อธิบายอะไรเลยและไม่ทิ้งความหวังที่จะได้เห็นเขามีชีวิตอยู่ ในเรื่องนี้ข้อมูลใด ๆ เกี่ยวกับชะตากรรมของปู่หยุดราวกับว่าเขาหายตัวไปจากพื้นโลกโดยไม่มีร่องรอยและหลักฐาน ...
หัวใจที่ทรมานและทรมานของเจ้าหญิงเอเลน่าผู้น่าสงสารไม่ต้องการที่จะยอมรับความสูญเสียที่เลวร้ายเช่นนี้ และเธอได้โจมตีเจ้าหน้าที่ท้องถิ่นอย่างแท้จริงด้วยการร้องขอให้ชี้แจงสถานการณ์ของการเสียชีวิตของนิโคไลอันเป็นที่รักของเธอ แต่เจ้าหน้าที่ "แดง" ตาบอดและหูหนวกตามคำขอร้องของหญิงสาวผู้โดดเดี่ยว อย่างที่พวกเขาเรียกเธอว่า - "จากขุนนาง" ผู้ซึ่งเป็นเพียงหนึ่งในหน่วย "หมายเลข" นิรนามจำนวนนับไม่ถ้วนสำหรับพวกเขา ซึ่งไม่ได้มีความหมายอะไรใน โลกที่เย็นชาและโหดร้ายของพวกเขา ... มันเป็นนรกที่แท้จริงซึ่งไม่มีทางกลับไปยังโลกที่คุ้นเคยและใจดีซึ่งบ้านของเธอ เพื่อนของเธอ และทุกอย่างที่เธอคุ้นเคยตั้งแต่อายุยังน้อยและที่เธอ รักมากและจริงใจ .. และไม่มีใครสามารถช่วยหรือให้ความหวังเพียงเล็กน้อยในการเอาชีวิตรอด
ชาวเซอริโอกินพยายามรักษาจิตใจให้ทั้งสาม และพยายามทุกวิถีทางเพื่อทำให้เจ้าหญิงเอเลน่าร่าเริงขึ้น แต่เธอก็เข้าไปลึกและลึกเข้าไปในอาการมึนงงเกือบสมบูรณ์ และบางครั้งนั่งอยู่ในสภาวะเยือกแข็งอย่างเฉยเมยเป็นเวลาหลายวัน แทบไม่มีปฏิกิริยาต่อ ความพยายามของเพื่อน ๆ ในการช่วยชีวิตจิตใจและจิตใจจากภาวะซึมเศร้าขั้นสุดท้าย มีเพียงสองสิ่งที่นำเธอกลับมาสู่โลกแห่งความเป็นจริงในช่วงเวลาสั้นๆ - ถ้ามีคนเริ่มพูดถึงลูกที่ยังไม่เกิดของเธอ หรือมีรายละเอียดใหม่แม้แต่น้อยเกี่ยวกับการเสียชีวิตของนิโคไลอันเป็นที่รักของเธอ เธออยากรู้อย่างยิ่ง (ในขณะที่เธอยังมีชีวิตอยู่) ว่าเกิดอะไรขึ้นจริง ๆ และสามีของเธออยู่ที่ไหน หรืออย่างน้อยก็ที่ศพของเขาถูกฝัง (หรือถูกทอดทิ้ง)
น่าเสียดายที่แทบไม่มีข้อมูลเกี่ยวกับชีวิตของสองคนนี้ที่กล้าหาญและสดใส Elena และ Nikolai de Rohan-Hesse-Obolensky แต่แม้กระทั่งสองสามบรรทัดจากจดหมายสองฉบับที่เหลือจาก Elena ถึง Alexandra ลูกสะใภ้ของเธอ ซึ่งรอดชีวิตมาได้ในจดหมายเหตุของครอบครัวของอเล็กซานดราในฝรั่งเศสแสดงให้เห็นว่าเจ้าหญิงรักสามีที่หายตัวไปของเธออย่างลึกซึ้งและอ่อนโยนเพียงใด มีกระดาษเขียนด้วยลายมือเพียงไม่กี่แผ่นเท่านั้นที่รอดชีวิต บางบรรทัดไม่สามารถทำออกมาได้เลย แต่ถึงกระนั้นสิ่งที่ได้รับก็กรีดร้องด้วยความเจ็บปวดอย่างสุดซึ้งเกี่ยวกับความโชคร้ายที่ยิ่งใหญ่ของมนุษย์ซึ่งแม้จะไม่เคยประสบมาก่อนก็ไม่ใช่เรื่องง่ายที่จะเข้าใจและเป็นไปไม่ได้ที่จะยอมรับ

12 เมษายน 2470 จากจดหมายจาก Princess Elena ถึง Alexandra (Alix) Obolenskaya:
“วันนี้ฉันเหนื่อยมาก เธอกลับจากสินยาชิกะหักไปหมดแล้ว เกวียนเต็มไปด้วยผู้คน น่าเสียดายที่จะขนวัวไปด้วย………………………….. เราหยุดอยู่ในป่า – มีกลิ่นของเห็ดและสตรอเบอร์รี่ที่อร่อยมาก… ยากที่จะเชื่อ ว่าคนโชคร้ายเหล่านี้ถูกฆ่าตายที่นั่น! Ellochka ผู้น่าสงสาร (หมายถึงแกรนด์ดัชเชส Elizaveta Feodorovna ซึ่งเป็นญาติของปู่ของฉันตามแนวเฮสส์) ถูกฆ่าตายที่นี่ใกล้ ๆ ในเหมือง Staroselimsk ที่น่ากลัวนี้ ... ช่างน่ากลัวจริงๆ! จิตวิญญาณของฉันไม่สามารถยอมรับสิ่งนี้ได้ จำได้ไหมว่าเราพูดว่า: "ปล่อยให้แผ่นดินโลกตกต่ำ"?.. พระเจ้าผู้ยิ่งใหญ่ ดินแดนดังกล่าวจะล่มสลายได้อย่างไร!..
โอ้ Alix ที่รักของฉัน Alix! คุณจะคุ้นเคยกับความสยองขวัญเช่นนี้ได้อย่างไร? ...................... ................................ อ้อนวอนจังเลย และทำให้ตัวเองอับอาย... ทุกอย่างจะไร้ประโยชน์โดยสิ้นเชิงถ้าเชก้าไม่ตกลงที่จะส่งคำขอไปยังอาลาปาเยฟสค์.................. ฉันจะไม่รู้ว่าจะหาเขาได้ที่ไหน และฉันจะไม่มีวันรู้ว่าพวกเขาทำอะไรกับเขา ผ่านไปไม่ถึงชั่วโมงโดยที่ฉันไม่ได้คิดถึงใบหน้าที่คุ้นเคยสำหรับฉัน ... ช่างน่าสยดสยองที่จินตนาการว่าเขานอนอยู่ในหลุมร้างหรือที่ก้นเหมือง! .. คุณจะทนฝันร้ายทุกวันได้อย่างไรโดยรู้ ที่แล้วฉันจะไม่มีวันได้เห็นเขา ?!.. เช่นเดียวกับที่ Vasilek ผู้น่าสงสารของฉัน (ชื่อที่พ่อของฉันตั้งให้เมื่อแรกเกิด) จะไม่มีวันได้เห็นเขา ... ความโหดร้ายอยู่ที่ไหน? และทำไมพวกเขาถึงเรียกตัวเองว่ามนุษย์?
Alix ที่รักของฉัน ฉันคิดถึงคุณแค่ไหน!.. ถ้าเพียงแต่ฉันรู้ดีว่าทุกอย่างถูกต้องกับคุณ และ Dmitry ที่รักในจิตวิญญาณของคุณ จะไม่ทิ้งคุณไว้ในช่วงเวลาที่ยากลำบากเหล่านี้........ ... ...................................... ถ้าฉันยังมีความหวังที่จะได้เจอที่รักของฉัน นิโคไล ดูเหมือนว่าฉันจะรับมันไว้หมดแล้ว ดูเหมือนว่าวิญญาณจะเคยชินกับการสูญเสียที่เลวร้ายนี้ แต่ก็ยังเจ็บปวดอยู่มาก ... ทุกสิ่งที่ไม่มีเขาแตกต่างและร้างเปล่า

18 พ.ค. 2470 ข้อความที่ตัดตอนมาจากจดหมายจาก Princess Elena ถึง Alexandra (Alix) Obolenskaya:
“หมอคนสวยคนเดิมมาอีกแล้ว ฉันไม่สามารถพิสูจน์ให้เขาเห็นว่าฉันไม่มีเรี่ยวแรงมากขึ้น เขาบอกว่าฉันต้องมีชีวิตอยู่เพื่อเห็นแก่ Vasilka ตัวน้อย ... งั้นเหรอ .. เขาจะเจออะไรในดินแดนอันเลวร้ายนี้ลูกที่น่าสงสารของฉัน? .................................... ไอกลับมาเป็นซ้ำ บางครั้งหายใจไม่ออก หมอมักจะทิ้งยาหยอดไว้บ้าง แต่ฉันรู้สึกละอายที่ไม่สามารถขอบคุณเขาได้ไม่ว่าด้วยวิธีใด .................................... บางครั้งฉันก็ฝันถึงห้องโปรดของเรา และเปียโนของฉัน... พระเจ้า ไกลแค่ไหน! และมันคือทั้งหมด? ...................................... และเชอร์รี่ในสวน และพี่เลี้ยงของเรา น่ารักและใจดี ทั้งหมดนี้อยู่ที่ไหนตอนนี้? ................................ (ออกไปนอกหน้าต่าง?) ไม่อยากมอง ถูกปกคลุมไปหมดแล้ว มีเขม่าและรองเท้าสกปรกเท่านั้นที่มองเห็นได้ … ฉันเกลียดความชื้น”

คุณยายผู้น่าสงสารของฉัน เนื่องจากความชื้นในห้องซึ่งไม่ได้รับความร้อนแม้ในฤดูร้อน ไม่นานก็ล้มป่วยด้วยวัณโรค และเห็นได้ชัดว่าเธออ่อนแรงลงจากแรงกระแทก ความอดอยากและความเจ็บป่วย เธอเสียชีวิตระหว่างการคลอดบุตร ไม่เคยเห็นลูกของเธอ และไม่พบ (อย่างน้อย!) หลุมศพของพ่อของเขา แท้จริงแล้วก่อนที่เธอจะเสียชีวิต เธอรับคำจากกลุ่ม Seryogins ว่าไม่ว่าจะยากสำหรับพวกเขาแค่ไหน พวกเขาก็จะพาทารกแรกเกิด (แน่นอนว่าเขารอดชีวิต) ไปยังฝรั่งเศส ไปหาน้องสาวของปู่ของเขา ซึ่งในช่วงเวลาที่เลวร้ายนั้นแน่นอนว่าเกือบจะ "ผิด" เนื่องจาก Seryogins โชคไม่ดีที่ไม่มีโอกาสทำสิ่งนี้จริง ... แต่อย่างไรก็ตามพวกเขาสัญญากับเธอว่าอย่างน้อยก็จะทำให้คนสุดท้ายผ่อนคลาย ช่วงเวลาของเธอที่พังทลายอย่างไร้ความปราณียังอายุน้อยมากและเพื่อให้จิตวิญญาณของเธอถูกทรมานด้วยความเจ็บปวดอย่างน้อยก็ด้วยความหวังเพียงเล็กน้อยจากโลกที่โหดร้ายนี้ ... และแม้จะรู้ว่าพวกเขาจะทำทุกอย่างเท่าที่ทำได้เพื่อรักษาพวกเขา คำพูดของเอเลน่า ชาวเซริโอกินยังคงไม่เชื่อในใจจริงๆ ว่าพวกเขาจะสามารถนำความคิดบ้าๆ ทั้งหมดนี้มาสู่ชีวิตได้ ...

ข้อความของงานวางโดยไม่มีรูปภาพและสูตร
เวอร์ชันเต็มของงานมีอยู่ในแท็บ "ไฟล์งาน" ในรูปแบบ PDF

วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศส อดีต ปัจจุบัน และอนาคต

บ่อยแค่ไหนที่เราคิดว่าดนตรีมีความสำคัญต่อเราแค่ไหน? มันทำหน้าที่เป็นวิธีที่ยอดเยี่ยมในการแสดงออกซึ่งเป็นวิธีถ่ายทอดความรู้สึกอารมณ์และความคิด ไม่น่าแปลกใจที่ดนตรีถูกเรียกว่าภาษาสากลแห่งการสื่อสาร เพลงอยู่ใกล้และเข้าใจได้สำหรับทุกคน ทุกประเทศในโลกของเราเข้าใจโน้ตทั้ง 7 อย่างที่ทุกคนรู้จักเป็นอย่างดี ภาษาดนตรีเป็นภาษาที่ง่ายและเข้าถึงได้มากที่สุด มันแทรกซึมเข้าไปในหัวใจและจิตวิญญาณ มันทำหน้าที่ในการรวมผู้คนและผู้คนที่แตกต่างกัน สร้างสะพานที่ยอดเยี่ยมจากใจสู่ใจ จากจิตวิญญาณสู่จิตวิญญาณ สะพานอันงดงามเหล่านี้บางครั้งกินเวลาหลายศตวรรษ จากประเทศหนึ่งไปอีกประเทศหนึ่ง จากทวีปหนึ่งข้ามมหาสมุทรไปยังอีกทวีปหนึ่ง ภาษาดนตรีสามารถทำงานได้อย่างมหัศจรรย์ เราแต่ละคนได้สัมผัสและสัมผัสถึงสิ่งที่ยากจะบรรยายหลังจากผลงานคลาสสิกอันยอดเยี่ยม เรากำลังสั่นคลอนจากโน้ตสูง เราถูกโยนลงไปในน้ำตาจากแรงจูงใจที่คุ้นเคย เรากำลังมองหาตัวเองในข้อความและในทำนองที่เราได้ยินเสียงที่คุ้นเคย มันไม่ได้เป็น? แล้วคุณมองดนตรีหลังจากนั้นอย่างไร? เมื่อเข้าใจบทบาทของดนตรีแล้ว คุณจะมองโลกที่ปราศจากมันได้อย่างไร? ลองนึกภาพชีวิตที่ปราศจากสิ่งนั้น หลังจากนั้น คุณอยากหัวเราะไม่หยุด หลังจากนั้น คุณอยากเต้นและอาจร้องไห้ ... น่าขนลุกใช่ไหม อะไรที่จะพาคุณไปได้ไกลกว่าความเป็นจริง? อะไรทำให้โลกภายในของคุณกลับหัวกลับหาง? งานอะไร เพลงอะไร คิดเกี่ยวกับมัน แต่วันนี้ฉันจะบอกคุณเกี่ยวกับดนตรีของฝรั่งเศส วันนี้คุณจะเห็นว่ามันวิเศษเหมือนที่ฝรั่งเศสนั่นเอง ฟังดูเรียบหรูและกวักมือเรียก กวักมือเรียก และกวักมือเรียก

ภาษาฝรั่งเศสมีดนตรีไพเราะไพเราะมาก คำและวลีที่ง่ายที่สุดดูเหมือนจะเต็มไปด้วยดนตรีและพร้อมที่จะเปลี่ยนเป็นเพลงได้ทุกเมื่อ ดนตรีฝรั่งเศสเป็นหนึ่งในวัฒนธรรมดนตรียุโรปที่น่าสนใจและมีอิทธิพลมากที่สุด เห็นได้ชัดว่าสะท้อนเสียงสะท้อนของวัฒนธรรมโบราณ นิทานพื้นบ้านของชนเผ่าเซลติกและชนเผ่าแฟรงก์ที่อาศัยอยู่ในสมัยโบราณในดินแดนของฝรั่งเศสในปัจจุบัน พวกเขาเป็นผู้ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานพื้นดินที่อุดมสมบูรณ์ซึ่งในเชิงเปรียบเทียบต้นไม้ที่สวยงามแข็งแรงและแตกแขนงของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสเติบโตขึ้น รากของเซลติกและแฟรงก์ถูกเปลี่ยนเป็นลำต้นที่แข็งแรงซึ่งก่อตัวขึ้นในยุคกลางและมีกิ่งก้านและกิ่งก้านจำนวนมากขึ้นในช่วงเวลาต่อมาเช่นในยุคของเรเนสซอง, คลาสสิก, อาร์ตนูโว ฯลฯ ประเพณีดนตรีของชนชาติต่างๆ มากมายในประเทศและรัฐอื่นๆ ในยุโรปเกี่ยวพันกันที่นี่ มีการสังเกตปฏิสัมพันธ์และการแทรกสอดที่ใกล้เคียงที่สุดระหว่างวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศส อิตาลี เยอรมนี และสเปน วัฒนธรรมเฟลมิชก็มีอิทธิพลเช่นกัน ควรจำไว้ว่าฝรั่งเศสเป็นประเทศที่เปิดกว้างสู่โลกตามที่ชาวฝรั่งเศสพูด จริงอยู่ ตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมาพวกเขาเข้าใจสโลแกนนี้ในลักษณะที่แปลกมาก ตัวอย่างเช่น โดยการดำเนินตามนโยบายอาณานิคมอย่างแข็งขัน อย่างไรก็ตาม ในแง่ของการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของตนเอง กระบวนการนี้มีผลในเชิงบวกที่เป็นรูปธรรม วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสได้รับการเสริมสร้างอย่างมาก โดยได้ซึมซับสิ่งที่ดีที่สุดจากวัฒนธรรมดนตรีของชาวแอฟริกาและเอเชีย แนวโน้มนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เมื่อฉากดนตรีของฝรั่งเศสเต็มไปด้วยประเพณีทางดนตรีของผู้อพยพจากแอฟริกา

เมื่อพูดถึงวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศส จะต้องไม่พลาดที่จะพูดถึงการสนับสนุนที่สำคัญในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของรัสเซีย มหาอำนาจทั้งสองเชื่อมโยงกันด้วยความสัมพันธ์อันแนบแน่นของประวัติศาสตร์อันยาวนานในเกือบทุกด้านของกิจกรรมของมนุษย์ เป็นเวลานานที่วัฒนธรรมรัสเซียได้รับการหล่อเลี้ยงโดยชาวฝรั่งเศสซึ่งถูกมองว่าเป็นมาตรฐานในสังคมของเราในสังคมของเราและเป็นวัตถุที่จะปฏิบัติตาม แต่แล้วเวลาก็มาถึง "ชำระหนี้" และบุคคลทางวัฒนธรรมของฝรั่งเศสก็มองหาเพื่อนร่วมงานชาวรัสเซียของพวกเขาซึ่งได้รับสิ่งที่ดีที่สุดก้าวหน้าและน่าสนใจจากพวกเขาทั้งหมด หลังการปฏิวัติในปี 1917 และสงครามกลางเมืองในรัสเซีย ผู้อพยพจำนวนมากพบที่พักพิงในฝรั่งเศส การมีส่วนร่วมของพวกเขาในวัฒนธรรมฝรั่งเศส รวมทั้งวัฒนธรรมดนตรี เป็นอย่างมาก เป็นการยากที่จะประเมินค่าสูงไป และยิ่งกว่านั้นที่จะไม่สังเกต

ดังนั้น เมื่อพูดถึงวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศส เรากำลังพูดถึงปรากฏการณ์ที่ไม่เหมือนใครในระดับโลก วัฒนธรรมนี้ซึมซับสิ่งที่ดีที่สุดจากคนเกือบทุกคน เปลี่ยนแปลง เปลี่ยนแปลง คิดใหม่ ทำให้เกิดแรงกระตุ้นและเสียงใหม่ๆ และท้ายที่สุด ก่อตัวเป็นสิ่งที่สวยงาม มีเอกลักษณ์ ไม่เหมือนใคร มีเสน่ห์และน่าหลงใหล เป็นสิ่งมีชีวิตที่ยังคงเติบโต เปลี่ยนแปลง เปลี่ยนแปลง วัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสไม่ได้อยู่ห่างไกลจากวัฒนธรรมดนตรีโลก เธอมอบรสชาติฝรั่งเศสแบบใหม่ที่พิเศษให้กับกระแสดนตรีสมัยใหม่ เช่น แจ๊ส ร็อค ฮิปฮอป และดนตรีอิเล็กทรอนิกส์

ขั้นตอนของการก่อตัวของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศส

วัยกลางคน.

วัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสเริ่มก่อตัวขึ้นบนชั้นเพลงพื้นบ้านที่เข้มข้น บันทึกที่เชื่อถือได้ที่เก่าแก่ที่สุดของเพลงที่รอดชีวิตมาจนถึงทุกวันนี้มีอายุย้อนไปถึงศตวรรษที่ 15 ดนตรีของคริสตจักรมาถึงดินแดนฝรั่งเศสพร้อมกับศาสนาคริสต์ แต่เดิมเป็นภาษาละติน ค่อยๆ เปลี่ยนไปตามอิทธิพลของดนตรีพื้นบ้าน เพื่อเสริมสร้างจุดยืนและอิทธิพลที่มีต่อชาวฝรั่งเศส คริสตจักรได้ใช้สื่อการบริการที่เข้าใจได้ ใกล้ตัว และเข้าถึงได้สำหรับผู้อยู่อาศัยในท้องถิ่น นี่คือสิ่งที่กล่าวไว้ในสารานุกรมอิเล็กทรอนิกส์ของวิกิพีเดีย: “ด้วยวิธีนี้เองที่ระหว่างศตวรรษที่ 5 ถึง 9 พิธีสวดแบบพิเศษที่พัฒนาขึ้นในกอล - พิธีกรรมของชาวกัลลิกันที่มีการร้องเพลงของชาวกัลลิกัน เป็นที่รู้จักจากแหล่งประวัติศาสตร์ซึ่งบ่งบอกว่ามีความแตกต่างจากโรมันอย่างมาก น่าเสียดายที่มันไม่รอดเพราะกษัตริย์ฝรั่งเศสยกเลิกมันโดยพยายามที่จะได้รับตำแหน่งจักรพรรดิจากโรมและคริสตจักรโรมันพยายามที่จะบรรลุการรวมกันของบริการคริสตจักร เป็นเวลาหลายศตวรรษที่คริสตจักรเป็นศูนย์กลางของการตรัสรู้ การศึกษา วัฒนธรรม รวมทั้งดนตรี อิทธิพลที่มีต่อการก่อตัวของวัฒนธรรมดนตรีนั้นมหาศาล และยังคงได้ยินเสียงสะท้อนในดนตรี พวกเขาเพียงแค่ต้องสามารถได้ยิน ในช่วงยุคกลาง การพัฒนาของ เพลงคริสตจักร . รูปแบบของพิธีกรรมคริสเตียนในยุคแรก ๆ ของ Gallican ถูกแทนที่ด้วยพิธีสวดแบบเกรกอเรียน การแพร่กระจายของบทสวดเกรกอเรียนในรัชสมัยของราชวงศ์การอแล็งเฌียงมีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของอารามเบเนดิกตินเป็นหลัก วัดคาทอลิกแห่งJumiègeกลายเป็นศูนย์กลางของดนตรีในโบสถ์ เซลล์ของวัฒนธรรมดนตรีทางจิตวิญญาณและทางโลกแบบมืออาชีพ เพื่อสอนให้นักเรียนร้องเพลงที่วัดหลายแห่ง จึงมีการสร้างโรงเรียนสอนร้องเพลงพิเศษ (วัด) พวกเขาสอนไม่เพียง แต่การร้องเพลงเกรกอเรียนเท่านั้น แต่ยังสอนการเล่นเครื่องดนตรีความสามารถในการอ่านดนตรี ในกลางคริสต์ศตวรรษที่ 9 สัญกรณ์ที่ไม่บังคับปรากฏขึ้นซึ่งการพัฒนาทีละน้อยซึ่งหลังจากผ่านไปหลายศตวรรษนำไปสู่การก่อตัวของโน้ตดนตรีสมัยใหม่ ในศตวรรษที่ 9 บทสวดเกรกอเรียนเต็มไปด้วยลำดับซึ่งในฝรั่งเศสเรียกอีกอย่างว่าร้อยแก้ว การสร้างแบบฟอร์มนี้เกิดจากพระ Notker จากอาราม St. Gallen (สวิตเซอร์แลนด์สมัยใหม่) อย่างไรก็ตาม Notker ระบุในคำนำของ "Book of Hymns" ว่าเขาได้รับข้อมูลเกี่ยวกับลำดับจากพระภิกษุจาก Jumièges Abbey ต่อจากนั้นผู้เขียนร้อยแก้วอดัมจาก Abbey of Saint-Victor (ศตวรรษที่ 12) และผู้สร้าง "Donkey Prose" ที่มีชื่อเสียง Pierre Corbeil (ต้นศตวรรษที่ 13) กลายเป็นที่รู้จักโดยเฉพาะในฝรั่งเศส

ผลงานของศิลปินพื้นบ้านฝรั่งเศสมีหลายประเภท เพลงพื้นบ้าน : โคลงสั้น ๆ, ความรัก, เพลงบ่น (บ่น), เต้นรำ (rondes), เสียดสี, เพลงของช่างฝีมือ (chansons de metiers), ปฏิทินเช่นคริสต์มาส (Noёl); แรงงาน ประวัติศาสตร์ การทหาร ฯลฯ ดังนั้นจึงเป็นเรื่องง่ายที่จะเห็นว่าสีสันที่เกี่ยวกับเนื้อหาและแนวเพลงของวัฒนธรรมดนตรีพื้นบ้านมีความสมบูรณ์มากกว่าของคริสตจักรหลายเท่า ในบรรดาประเภทโคลงสั้น ๆ ศิษยาภิบาลครอบครองสถานที่พิเศษ ชุดรูปแบบนี้ไม่เพียงสะท้อนให้เห็นในวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังสะท้อนถึงวรรณคดี ภาพวาด ละครเวทีอีกด้วย เป็นที่นิยมแม้กระทั่งในราชสำนัก พระสงฆ์ยังยกย่องชีวิตในชนบทในอุดมคติ วาดภาพที่งดงามตระการตา ห่างไกลจากของจริงอย่างบ้าคลั่ง ในดนตรีโฟล์กของฝรั่งเศส ฉันชอบท่อนหนึ่งเป็นพิเศษ ซึ่งไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง มีอยู่ในนิทานพื้นบ้านของประเทศใด ๆ สำหรับฉันดูเหมือนว่าเขาเป็นคนที่อ่อนหวานน่ารื่นรมย์และร่าเริงที่สุด มันให้ความรู้สึกอบอุ่น เกรงขาม ความห่วงใยของแม่ ความไร้เดียงสา ความปรารถนาที่จะเชื่อในปาฏิหาริย์และมีความสุขในทุกๆวัน ฉันกำลังพูดถึงเพลงพื้นบ้านของฝรั่งเศสที่อุทิศให้กับเด็ก ๆ - เพลงกล่อมเด็ก เกม การนับเพลง (fr. comptines) แรงงาน (เพลงของคนเกี่ยวข้าว คนไถนา คนปลูกองุ่น ฯลฯ) เพลงของทหารและทหารเกณฑ์มีหลากหลาย ดนตรีพื้นบ้านฝรั่งเศสอีกประเภทหนึ่งสอดคล้องกับประเพณีดนตรีของประเทศในยุโรปที่เข้าร่วมในสงครามครูเสด ในทุกประเทศที่เข้าร่วม เพลงและเพลงบัลลาดได้ถูกสร้างขึ้นซึ่งบอกเล่าเกี่ยวกับเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ การเอารัดเอาเปรียบ การต่อสู้ การพ่ายแพ้ อัศวิน วีรบุรุษ ศัตรู และผู้ทรยศ แน่นอนว่าชาวฝรั่งเศสไม่สามารถหลีกเลี่ยงแคมเปญ ไม่ใช่จากความคิดสร้างสรรค์ น่าเสียดายที่งานเหล่านี้ส่วนใหญ่ไม่รอดมาจนถึงทุกวันนี้ ต่างจากผลงานชิ้นเอกของดนตรีในโบสถ์ซึ่งได้รับการบันทึกไว้บ่อยที่สุด กล่าวคือ มีการจัดทำเป็นเอกสาร

อย่างไรก็ตาม ทั้งคริสตจักรและดนตรีพื้นบ้านไม่สามารถสนองความต้องการทางจิตวิญญาณของส่วนที่สามของสังคม ชนชั้นสูงที่ร่ำรวยที่สุดและมีอิทธิพลมากที่สุด มันอยู่ภายใต้อิทธิพลของเธอที่ เพลงฆราวาส . มันไม่ได้ฟังอยู่ใต้ซุ้มประตูของโบสถ์ ไม่ใช่ในงานแสดงสินค้าและจัตุรัสกลางเมือง แต่ในพระราชวัง ในปราสาทของขุนนางและขุนนางศักดินา ผู้ให้บริการของประเพณีดนตรีพื้นบ้านของยุคกลางส่วนใหญ่เป็นนักดนตรีท่องเที่ยว - นักเล่นปาหี่ซึ่งเป็นที่นิยมมากในหมู่ประชาชน พวกเขาร้องเพลงที่มีคุณธรรม, ตลกขบขัน, เสียดสี, เต้นรำไปกับเครื่องดนตรีต่าง ๆ รวมถึงแทมบูรีน, กลอง, ขลุ่ย, เครื่องดนตรีที่ดึงเหมือนลูท (สิ่งนี้มีส่วนในการพัฒนาดนตรีบรรเลง) นักเล่นปาหี่แสดงในช่วงวันหยุดในหมู่บ้าน ที่ศาลศักดินา และแม้แต่ในอาราม (พวกเขาเข้าร่วมในพิธีกรรมบางอย่าง การแสดงละครที่อุทิศให้กับวันหยุดของโบสถ์ เรียกว่าแคโรล) พวกเขาถูกคริสตจักรข่มเหงในฐานะตัวแทนของวัฒนธรรมทางโลกที่เป็นปรปักษ์กับมัน ในศตวรรษที่ 12-13 ในหมู่นักเล่นปาหี่มีการแบ่งชั้นทางสังคม บางคนตั้งรกรากอยู่ในปราสาทของอัศวิน ตกอยู่ภายใต้การพึ่งพาอัศวินศักดินาโดยสิ้นเชิง คนอื่นๆ อยู่ในเมือง ดังนั้นนักเล่นปาหี่ที่สูญเสียอิสระในการสร้างสรรค์จึงกลายเป็นนักดนตรีในปราสาทของอัศวินและนักดนตรีในเมือง อย่างไรก็ตาม กระบวนการนี้ในขณะเดียวกันก็มีส่วนช่วยในการแทรกซึมของศิลปะพื้นบ้านเข้าไปในปราสาทและเมืองต่างๆ ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของศิลปะดนตรีและกวีนิพนธ์ของอัศวินและคนเมือง ในยุคของยุคกลางตอนปลาย ในการเชื่อมต่อกับวัฒนธรรมฝรั่งเศสที่เพิ่มขึ้นโดยทั่วไป ศิลปะของดนตรีเริ่มพัฒนาอย่างเข้มข้น ในปราสาทศักดินา บนพื้นฐานของดนตรีพื้นบ้าน ศิลปะทางโลกดนตรีและกวีนิพนธ์ของนักปราชญ์และนักเล่นละครมีความเจริญรุ่งเรือง (ศตวรรษที่ 11-14) ที่มีชื่อเสียงในหมู่คณะนักร้อง ได้แก่ Markabrun, Guillaume IX, Duke of Aquitaine, Bernard de Ventadorne, Geoffre Rudel (ปลายศตวรรษที่ 11-12), Bertrand de Born, Giraut de Borneil, Giraut Riquier (ปลายศตวรรษที่ 12-13) ในชั้นที่ 2 ค. ในพื้นที่ภาคเหนือของประเทศมีแนวโน้มที่คล้ายกันเกิดขึ้น - ศิลปะของคณะซึ่งในตอนแรกกล้าหาญและต่อมาก็ใกล้ชิดกับศิลปะพื้นบ้านมากขึ้นเรื่อย ๆ ในบรรดา Trouvers พร้อมด้วยราชาผู้ดี - Richard the Lionheart, Thibault of Champagne (King of Navarre) ตัวแทนของชนชั้นประชาธิปไตยของสังคม - Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Mony และคนอื่น ๆ ก็ได้รับชื่อเสียง ในการเชื่อมต่อกับการเติบโตของเมืองต่าง ๆ เช่น Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse เป็นต้นศิลปะดนตรีในเมืองพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 12-13 ผู้สร้างซึ่งเป็นกวีนักร้องจากนิคมอุตสาหกรรมในเมือง (ช่างฝีมือประชาชนทั่วไปเช่น ชนชั้นนายทุนด้วย) พวกเขาแนะนำลักษณะเฉพาะของตนเองในศิลปะของนักร้องและนักเล่นละคร โดยหันเหจากภาพทางดนตรีและบทกวีที่กล้าหาญอย่างสูงส่ง การเรียนรู้ธีมพื้นบ้านและชีวิตประจำวัน สร้างสไตล์ที่มีลักษณะเฉพาะ แนวเพลงของพวกเขาเอง ต้นแบบที่โดดเด่นที่สุดของวัฒนธรรมดนตรีในเมืองแห่งศตวรรษที่ 13 คือกวีและนักแต่งเพลง Adam de la Halle ผู้แต่งเพลง motets รวมถึงบทละครที่ครั้งหนึ่งเคยโด่งดัง "The Game of Robin and Marion" (c. 1283) อิ่มตัวด้วยเพลงเต้นรำของเมือง (มันผิดปกติอยู่แล้วที่ความคิดในการสร้างการแสดงละครทางโลกที่ผสมผสานกับดนตรี) เขาตีความแนวดนตรีและบทกวีที่เป็นเอกฉันท์แบบดั้งเดิมของคณะนักร้องประสานเสียงในรูปแบบใหม่โดยใช้เสียงประสาน

ในช่วงเวลานี้มีการสังเกตการเติบโตและความแข็งแกร่งของเมืองต่าง ๆ เช่น Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นไม่เพียง แต่ในทางการเมืองและเศรษฐกิจ แต่ยังรวมถึงในขอบเขตทางวัฒนธรรมด้วย การสร้างมหาวิทยาลัยและโรงเรียนในนั้นมีส่วนช่วยในการพัฒนาวัฒนธรรม ดนตรี และการเสริมบทบาทของดนตรีในฐานะศิลปะ ดังนั้น ในมหาวิทยาลัยซอร์บอนน์แห่งปารีส ซึ่งสร้างขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 13 ดนตรีจึงเป็นหนึ่งในวิชาบังคับและสำคัญ แน่นอนว่าสิ่งนี้มีส่วนทำให้บทบาทของดนตรีเป็นศิลปะได้ดีขึ้น ในศตวรรษที่ 12 ปารีสได้กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของวัฒนธรรมดนตรี และเหนือสิ่งอื่นใดที่โรงเรียนสอนร้องเพลงของมหาวิหารนอเทรอดาม ซึ่งรวบรวมปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด - นักร้อง-นักแต่งเพลง นักวิทยาศาสตร์ ความเจริญรุ่งเรืองในศตวรรษที่ 12-13 เกี่ยวข้องกับโรงเรียนแห่งนี้ ลัทธิโพลิโฟนี, การเกิดขึ้นของแนวดนตรีใหม่, การค้นพบในด้านทฤษฎีดนตรี ในงานของคีตกวีของโรงเรียน Notre Dame บทสวดเกรกอเรียนได้รับการเปลี่ยนแปลง: บทสวดที่ยืดหยุ่นและปราศจากจังหวะก่อนหน้านี้ได้รับความสม่ำเสมอและความราบรื่นมากขึ้น (จึงเป็นชื่อของบทสวดแคนตัสพลานัส) ความซับซ้อนของผ้าโพลีโฟนิกและโครงสร้างจังหวะจำเป็นต้องมีการกำหนดระยะเวลาที่แน่นอนและการปรับปรุงสัญกรณ์ ด้วยเหตุนี้ ตัวแทนของโรงเรียนในปารีสจึงค่อยๆ เข้ามาแทนที่หลักคำสอนของโหมดด้วยสัญกรณ์สำหรับผู้ชาย นักดนตรีชื่อ John de Garlandia มีส่วนสำคัญในทิศทางนี้ Polyphony นำแนวเพลงใหม่ๆ ของคริสตจักรและดนตรีฆราวาส มาสู่ชีวิต รวมทั้งความประพฤติและม็อต เดิมทีการนำจะดำเนินการส่วนใหญ่ในช่วงงานเฉลิมฉลองของคริสตจักร แต่ต่อมาได้กลายเป็นประเภทที่ฆราวาสอย่างหมดจด ในบรรดาผู้เขียนพฤติกรรมคือ Perotin ขึ้นอยู่กับตัวนำเมื่อปลายศตวรรษที่ 12 ในฝรั่งเศสประเภทที่สำคัญที่สุดของเพลงโพลีโฟนิกคือ motet ตัวอย่างแรกๆ ยังเป็นของปรมาจารย์ของโรงเรียนในปารีส (Perotin, Franco of Cologne, Pierre de la Croix) โมเต็ตอนุญาตให้มีอิสระในการรวมเพลงและข้อความเกี่ยวกับพิธีกรรมและฆราวาส ซึ่งเป็นการผสมผสานที่นำไปสู่การเกิดในศตวรรษที่ 13 ล้อเล่น motet ประเภทของโมเท็ตได้รับการปรับปรุงที่สำคัญในศตวรรษที่ 14 ภายใต้เงื่อนไขของทิศทางของอาร์สโนวา ฟิลิปป์ เดอ วิทรี นักอุดมการณ์ที่มีอุดมการณ์ ในศิลปะแห่งอาร์สโนวา ปฏิสัมพันธ์ของดนตรี "ในชีวิตประจำวัน" และ "วิทยาศาสตร์" มีความสำคัญอย่างยิ่ง Philippe de Vitry ได้สร้าง motet ชนิดใหม่ - the isorhythmic motet นวัตกรรมของ Philippe de Vitry ยังส่งผลต่อหลักคำสอนเรื่องความสอดคล้องและไม่สอดคล้องกัน (เขาประกาศพยัญชนะสามและหก) แนวคิดของอาร์สโนวาและโดยเฉพาะอย่างยิ่ง โมเต็ต isorhythmic ยังคงพัฒนาต่อไปในผลงานของ Guillaume de Machaux ซึ่งผสมผสานความสำเร็จทางศิลปะของศิลปะดนตรีและบทกวีของอัศวินเข้ากับเพลงเอกฉันท์และวัฒนธรรมดนตรีโพลีโฟนิกในเมือง เขาเป็นเจ้าของเพลงที่มีโกดังพื้นบ้าน virele, rondo เขายังพัฒนาแนวเพลงโพลีโฟนิกเป็นครั้งแรก ใน motet Machaux ใช้เครื่องดนตรีอย่างสม่ำเสมอมากกว่ารุ่นก่อนของเขา Macheud ยังถือเป็นผู้เขียนภาษาฝรั่งเศสโพลีโฟนิกชุดแรกอีกด้วย

ในศตวรรษที่ 15 ในช่วงสงครามร้อยปี ตำแหน่งผู้นำในวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 15 ครอบครองโดยตัวแทนของโรงเรียนฝรั่งเศส-เฟลมิช (ดัตช์) นักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นที่สุดของโรงเรียนโพลีโฟนิกชาวดัตช์ทำงานเป็นเวลาสองศตวรรษในฝรั่งเศส: กลางศตวรรษที่ 15 - J. Benchois, G. Dufay ในครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 - J. Okegem, J. Obrecht เมื่อสิ้นสุดวันที่ 15 - ต้นศตวรรษที่ 16 - JoskenDepre ในครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 — ออร์ลันโด ดิ ลาสโซ

อย่างที่คุณเห็น วัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสในยุคกลางนั้นมีความหลากหลาย หลากหลาย และหลากหลาย มันพัฒนาบนพื้นฐานของดนตรีพื้นบ้านดั้งเดิมของชนเผ่าและประชาชนที่อาศัยอยู่ในดินแดนสมัยใหม่ของฝรั่งเศสจนถึงยุคกลาง เธอได้รับอิทธิพลอย่างมากจากศาสนาคริสต์และประเพณีของดนตรีลัทธิคริสเตียน แน่นอนว่าการติดต่อและการพบปะทางวัฒนธรรมมากมายกับประชาชนในประเทศเพื่อนบ้านไม่ได้ถูกมองข้าม วัฒนธรรมดนตรียุคกลางของฝรั่งเศสตั้งอยู่บนเสาหลักสามประการ: ดนตรีเกี่ยวกับศาสนา ดนตรีพื้นบ้าน และฆราวาส สิ่งเหล่านี้เป็นพื้นฐานของมัน ซึ่งเป็นพื้นฐานที่ทำให้วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสสามารถพัฒนา ปรับปรุง เสริมคุณค่าซึ่งกันและกันด้วยการผสมผสานทิศทางเหล่านี้

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ยุคกลางที่เคร่งศาสนาและมืดมนถูกแทนที่ด้วยยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอันงดงามและสดใส ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาปรากฏในอิตาลีและในไม่ช้าก็ได้รับความนิยมในยุโรป ชาวฝรั่งเศสไม่ได้ถูกทอดทิ้ง พวกเขาเป็นคนกลุ่มแรกๆ ที่ชื่นชม "การปฏิวัติทางวัฒนธรรม" นี้และเข้าร่วม ความงดงามโดยธรรมชาติ รสชาติที่ยอดเยี่ยม ไหวพริบทางศิลปะไม่ทำให้ชาวฝรั่งเศสผิดหวัง แต่ไม่เพียงแต่รสนิยมทางสุนทรียะเท่านั้นที่มีอิทธิพลต่อการเปลี่ยนแปลงของยุควัฒนธรรมในฝรั่งเศส ที่นี่จำเป็นต้องคำนึงถึงกระบวนการและปัจจัยทางประวัติศาสตร์ที่สำคัญที่สุดจำนวนหนึ่งซึ่งมีบทบาทสำคัญในการก่อตัวและการอนุมัติบรรทัดฐานและศีลของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ปัจจัยสำคัญประการหนึ่งในชุดเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์นี้คือการเกิดขึ้นของชนชั้นนายทุนโดยชอบธรรมและการเสริมสร้างบทบาทและตำแหน่งของตนในสังคมฝรั่งเศสอย่างมีนัยสำคัญ ปัจจัยต่อไปควรเรียกว่าการต่อสู้เพื่อการรวมชาติของฝรั่งเศสซึ่งสิ้นสุดในปลายศตวรรษที่ 15 และแน่นอน การสร้างรัฐรวมศูนย์เดียวที่ประกาศค่านิยมใหม่ในยุคใหม่ ดังนั้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 15 แล้ว ในฝรั่งเศส ในที่สุด วัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาก็ได้รับการอนุมัติ

ในช่วงเวลานี้บทบาทของดนตรีในชีวิตสังคมเพิ่มขึ้นอย่างมาก กษัตริย์ฝรั่งเศสสร้างโบสถ์ขนาดใหญ่ที่ศาล จัดเทศกาลดนตรี ราชสำนักกลายเป็นศูนย์กลางของศิลปะระดับมืออาชีพ บทบาทของโบสถ์ในศาลมีความเข้มแข็ง ในปี ค.ศ. 1581 พระเจ้าเฮนรีที่ 3 ได้อนุมัติตำแหน่ง "หัวหน้าผู้ควบคุมดนตรี" ที่ศาล คนแรกที่ดำรงตำแหน่งนี้คือนักไวโอลินชาวอิตาลีชื่อ Baltazarini de Belgioso นอกจากราชสำนักและโบสถ์แล้ว ร้านเสริมสวยของชนชั้นสูงยังเป็นศูนย์กลางที่สำคัญของศิลปะดนตรีอีกด้วย ความมั่งคั่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่เกี่ยวข้องกับการก่อตัวของวัฒนธรรมประจำชาติของฝรั่งเศสตกอยู่ในช่วงกลางศตวรรษที่ 16 ในเวลานี้ เพลงสากลแบบโพลีโฟนิก - ชานสัน - กลายเป็นแนวศิลปะที่โดดเด่นของศิลปะระดับมืออาชีพ สไตล์โพลีโฟนิกของเธอได้รับการตีความใหม่ ซึ่งสอดคล้องกับแนวคิดของนักมานุษยวิทยาชาวฝรั่งเศส - Rabelais, Clement Marot, Pierre de Ronsard Clement Zhanequin ผู้เขียนเพลงชานสันชั้นนำในยุคนี้ ซึ่งแต่งเพลงโพลีโฟนิกมากกว่า 200 เพลง Chansons ได้รับชื่อเสียงไม่เพียง แต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงต่างประเทศด้วยสาเหตุหลักมาจากโน้ตดนตรีและการกระชับความสัมพันธ์ระหว่างประเทศในยุโรป ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทบาทของดนตรีบรรเลงเพิ่มขึ้น วิโอลา ลูท กีตาร์ ไวโอลิน (เป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน) ถูกนำมาใช้อย่างแพร่หลายในชีวิตดนตรี แนวเพลงบรรเลงแทรกซึมทั้งดนตรีประจำวันและดนตรีระดับมืออาชีพ บางส่วนเป็นเพลงคริสตจักร การเต้นรำแบบ Lute โดดเด่นในหมู่เพลงที่โดดเด่นในศตวรรษที่ 16 โพลีโฟนิกทำงานโดยปั้นเป็นจังหวะ, องค์ประกอบคล้ายคลึงกัน, ความโปร่งใสของพื้นผิว ลักษณะเฉพาะคือการผสมผสานระหว่างการเต้นรำตั้งแต่สองท่าขึ้นไปตามหลักการของความแตกต่างของจังหวะเป็นวัฏจักรที่แปลกประหลาดซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของชุดเต้นรำในอนาคต เพลงออร์แกนยังได้รับความสำคัญที่เป็นอิสระมากขึ้น การเกิดขึ้นของโรงเรียนออร์แกนในฝรั่งเศส (ปลายศตวรรษที่ 16) เกี่ยวข้องกับงานของนักออร์แกน J. Titluz ในปี ค.ศ. 1570 Jean-Antoine de Baif ได้ก่อตั้ง Academy of Poetry and Music สมาชิกของสถาบันการศึกษาแห่งนี้พยายามที่จะรื้อฟื้นระบบการวัดเชิงกวี-ดนตรีในสมัยโบราณ และปกป้องหลักการของความเชื่อมโยงระหว่างดนตรีและกวีนิพนธ์อย่างแยกไม่ออก ชั้นสำคัญในวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 เป็นเพลงของพวกฮิวเกนอต เพลงของ Huguenot ใช้ท่วงทำนองของเพลงพื้นบ้านและเพลงพื้นบ้านยอดนิยม โดยนำมาดัดแปลงเป็นบทสวดภาษาฝรั่งเศสที่แปล ต่อมาไม่นาน การต่อสู้ทางศาสนาในฝรั่งเศสก่อให้เกิดบทเพลงสรรเสริญของ Huguenot ด้วยลักษณะเฉพาะของทำนองที่ถ่ายทอดท่วงทำนองไปสู่เสียงระดับสูง และการปฏิเสธความซับซ้อนของโพลีโฟนิก นักประพันธ์เพลง Huguenot ที่ใหญ่ที่สุดที่แต่งเพลงสดุดีคือ Claude Goudimel, Claude Lejeune

คลาสสิกและบาร็อค

ศตวรรษที่ 17 กลายเป็นก้าวสำคัญในการก่อตัวของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศส ในช่วงเวลานี้ ไม่เพียงแต่การเปลี่ยนแปลงในยุควัฒนธรรมเท่านั้น: ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถูกแทนที่ด้วยความคลาสสิกก่อน จากนั้นจึงเปลี่ยนสไตล์บาโรกที่หรูหรา แต่ยังเปลี่ยนลำดับความสำคัญด้วย ตอนนั้นเองที่ดนตรีฆราวาสได้เข้าครอบงำศาสนาในที่สุด และในอนาคตเธอเองคือผู้ที่สร้างวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศส กำหนดศีล แฟชั่น สไตล์ ทิศทางนำ แนวโน้มและแนวเพลง ปัจจัยทั้งสองนี้มีส่วนในการพัฒนาแนวเพลงที่สำคัญที่สุดในยุคนั้น - โอเปร่าและบัลเล่ต์ ปีแห่งรัชกาลของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 นั้นมีความสง่างามอย่างไม่ธรรมดาของชีวิตในราชสำนัก ความปรารถนาของชนชั้นสูงในเรื่องความหรูหราและความบันเทิงอันซับซ้อน ไม่น่าแปลกใจที่กษัตริย์องค์นี้ถูกเรียกว่า Sun King ทุกสิ่งทุกอย่างเต็มไปด้วยความรุ่งโรจน์ ความรุ่งโรจน์ และความงดงาม ศาลฝรั่งเศสฉายแววเหมือนโอลิมปัส ในเรื่องนี้ได้รับมอบหมายให้มีบทบาทอย่างมากในบัลเล่ต์ของศาล น่าแปลกที่พระคาร์ดินัลมาซารินแม้จะเล่นโดยอ้อมก็มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีในทุก ๆ ทางที่ทำได้เพื่อสนับสนุนการเสริมสร้างอิทธิพลของอิตาลีที่ศาล ความคุ้นเคยกับโอเปร่าอิตาลีเป็นแรงกระตุ้นอันทรงพลังสำหรับการสร้างโอเปร่าระดับชาติของเขาเองประสบการณ์ครั้งแรกในพื้นที่นี้เป็นของ Elisabeth Jacquet de la Guerre (Triumph of Love, 1654) ในปี ค.ศ. 1671 โรงอุปรากรชื่อ Royal Academy of Music เปิดขึ้นในปารีส นำโดย J.B. Lyuli บุคลิกที่โดดเด่นนี้ถือเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนโอเปร่าแห่งชาติ Lully สร้างคอเมดี้บัลเลต์จำนวนหนึ่งซึ่งกลายเป็นบรรพบุรุษของประเภทของโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ และต่อมาโอเปร่าบัลเลต์ Lully มีส่วนสำคัญในการพัฒนาดนตรีบรรเลง เขาสร้างประเภทของโอเปร่าฝรั่งเศส (คำนี้ก่อตั้งขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศส) การเต้นรำจำนวนมากจากผลงานขนาดใหญ่ของเขา (minuet, gavotte, sarabande, ฯลฯ ) มีอิทธิพลต่อการพัฒนาชุดวงดนตรีต่อไป ในตอนท้ายของวันที่ 17 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 คีตกวีชื่อดังเช่น N. A. Charpentier, A. Campra, M. R. Delalande, A. K. Detouche เขียนให้โรงละครฝรั่งเศส ด้วยผู้สืบทอดของ Lully ธรรมเนียมปฏิบัติของรูปแบบการแสดงละครในศาลจึงเข้มข้นขึ้น ในโศกนาฏกรรมที่เป็นโคลงสั้น ๆ ด้านบัลเลต์ตกแต่งและแนวอภิบาลที่งดงามมาถึงเบื้องหน้าและจุดเริ่มต้นที่น่าทึ่งก็อ่อนแอลงมากขึ้นเรื่อย ๆ โศกนาฏกรรมโคลงสั้นเปิดทางให้โอเปร่าบัลเลต์ ในศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศสโรงเรียนสอนดนตรีต่าง ๆ ได้พัฒนา - พิณ (D. Gautier ผู้มีอิทธิพลต่อรูปแบบฮาร์ปซิคอร์ดของ J.-A. d "Anglebert, J. Ch. de Chambonnière), harpsichord (Chambonniere, L. Couperin), viol (M. Marin ซึ่งเป็นครั้งแรกในฝรั่งเศสแนะนำดับเบิลเบสในวงออเคสตราโอเปร่าแทนวิโอลาดับเบิลเบส) โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสได้รับความสำคัญสูงสุด รูปแบบของฮาร์ปซิคอร์ดในยุคแรกได้รับการพัฒนาภายใต้อิทธิพลโดยตรงของพิณพิณ ในงานของ Chambonnière ได้สะท้อนถึงลักษณะการแต่งทำนองเพลงซึ่งเป็นลักษณะของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ของประดับตกแต่งมากมายทำให้งานของฮาร์ปซิคอร์ดมีความซับซ้อน เช่นเดียวกับความเชื่อมโยงกัน "ความไพเราะ" "ความยาว" และเสียงกระตุกของเครื่องดนตรีนี้ ในดนตรีบรรเลง ดนตรีที่ใช้ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 มีการใช้กันอย่างแพร่หลาย การรวมกันของการเต้นรำคู่ (pavane, galliard ฯลฯ ) ซึ่งนำไปสู่ศตวรรษที่ 17 ในการสร้างชุดเครื่องมือ

ศตวรรษที่ 18-19 ในประวัติศาสตร์ดนตรีฝรั่งเศส

ในศตวรรษที่ 18 ด้วยอิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของชนชั้นนายทุน รูปแบบใหม่ของดนตรีและชีวิตทางสังคมกำลังก่อตัวขึ้น คอนเสิร์ตค่อยๆ ขยายออกไปนอกห้องโถงของพระราชวังและร้านเสริมสวยของชนชั้นสูง ในปี ค.ศ. 1725 A. Philidor (Danikan) ได้จัด "Spiritual Concerts" ขึ้นที่ปารีสและในปี ค.ศ. 1770 Francois Gossec ได้ก่อตั้งสมาคม "Amateur Concerts" ตอนเย็นของสมาคมวิชาการ Friends of Apollo (ก่อตั้งขึ้นในปี ค.ศ. 1741) มีลักษณะที่ใกล้ชิดกว่าและ Royal Academy of Music ได้จัดคอนเสิร์ตประจำปี ในยุค 20-30 ของศตวรรษที่ 18 ชุดฮาร์ปซิคอร์ดถึงจุดสุดยอด ในบรรดานักเปียโนชาวฝรั่งเศส บทบาทนำเป็นของ F. Couperin ผู้เขียนวงจรอิสระตามหลักการของความเหมือนและความแตกต่างของชิ้นส่วน J.F. Dandre ได้สร้างผลงานที่ดีในการพัฒนาชุดฮาร์ปซิคอร์ดที่มีลักษณะเฉพาะของโปรแกรมร่วมกับ Couperin และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง J.F. Rameau ในปี ค.ศ. 1733 การแสดงโอเปร่า Hippolyte et Aricia ของ Rameau ที่ประสบความสำเร็จทำให้นักแต่งเพลงเป็นผู้นำในโรงละครโอเปร่า Royal Academy of Music ในงานของ Rameau ประเภทของโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ มาถึงจุดสูงสุด สไตล์การเปล่งเสียงพูดของเขาเต็มไปด้วยการแสดงอารมณ์ที่ไพเราะ การทาบทามสองส่วนของเขามีความโดดเด่นด้วยความหลากหลายอย่างมาก อย่างไรก็ตาม การทาบทามสามส่วนซึ่งใกล้เคียงกับโอเปร่าของอิตาลี "ซินโฟเนีย" ก็ถูกนำเสนอในงานของเขาด้วย ในโอเปร่าจำนวนหนึ่ง Rameau คาดหวังความสำเร็จมากมายในภายหลังในด้านละครเพลง ปูทางสำหรับการปฏิรูปโอเปร่าของ K. V. Gluck Rameau เป็นเจ้าของระบบวิทยาศาสตร์ ซึ่งมีบทบัญญัติจำนวนหนึ่งซึ่งทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับหลักคำสอนเรื่องความสามัคคีสมัยใหม่ ("Treatise on Harmony", 1722; "The Origin of Harmony", 1750 เป็นต้น) กลางศตวรรษที่ 18 โอเปร่าในตำนานอย่าง Lully, Rameau และนักเขียนคนอื่น ๆ ไม่สามารถตอบสนองความต้องการด้านสุนทรียะของผู้ชมที่เป็นชนชั้นกลางได้อีกต่อไป ในความนิยม พวกเขาด้อยกว่าการแสดงเสียดสีที่รุนแรงซึ่งรู้จักกันมาตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17 การแสดงเหล่านี้มุ่งเป้าไปที่การเยาะเย้ยศีลธรรมของชนชั้น "สูง" ของสังคมและล้อเลียนโอเปร่าของศาล ผู้เขียนโอเปร่าการ์ตูนเรื่องแรกคือนักเขียนบทละคร A. R. Lesage และ C. S. Favara โอเปร่าฝรั่งเศสประเภทใหม่ได้เติบโตเต็มที่ในโรงละครที่ยุติธรรม - นักแสดงโอเปร่า ตำแหน่งของมันถูกเสริมความแข็งแกร่งโดยการมาถึงปารีสในปี ค.ศ. 1752 ของคณะอุปรากรชาวอิตาลีซึ่งแสดงโอเปร่าหนังหลายเรื่องรวมถึง The Maid-Madame ของ Pergolesi และการโต้เถียงกันเกี่ยวกับศิลปะโอเปร่าที่ปะทุขึ้นระหว่างผู้สนับสนุน (กลุ่มชนชั้นนายทุน - ประชาธิปไตย) และ ฝ่ายตรงข้าม (ตัวแทนของขุนนาง) ของหนังโอเปร่าอิตาลีเช่น น. "สงครามของตัวตลก". ในบรรยากาศตึงเครียดของกรุงปารีส การโต้เถียงนี้ทำให้เกิดความเร่งด่วนเป็นพิเศษและได้รับการโวยวายจากสาธารณชนเป็นจำนวนมาก ร่างของการตรัสรู้ของฝรั่งเศสมีส่วนสำคัญสนับสนุนศิลปะประชาธิปไตยของ "บัฟโฟนีสต์" และงานอภิบาล "The Village Sorcerer" ของรุสโซเป็นพื้นฐานของละครตลกฝรั่งเศสเรื่องแรก สโลแกนที่ประกาศโดยพวกเขาว่า "การเลียนแบบธรรมชาติ" มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของรูปแบบโอเปร่าฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ผลงานของนักสารานุกรมยังมีเนื้อหาทั่วไปเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และดนตรีและทฤษฎีที่มีคุณค่า

ศตวรรษที่ 18 ซึ่งเริ่มต้นด้วยความเฟื่องฟูของวัฒนธรรมชนชั้นกลางและการก่อตัวของชีวิตสาธารณะในรูปแบบใหม่ทางดนตรี: คอนเสิร์ตสาธารณะ, วัฏจักรของคอนเสิร์ตและการแสดง, สมาคมดนตรีจบลงอย่างน่าเศร้า การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่ได้ปะทุขึ้น เธอทำการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในทุกด้านของชีวิตวัฒนธรรมฝรั่งเศสและแน่นอนในด้านศิลปะดนตรี . ดนตรีกลายเป็นส่วนสำคัญของเหตุการณ์ทั้งหมดในยุคปฏิวัติและได้รับหน้าที่ทางสังคม ยุคนั้นมีส่วนทำให้เกิดการก่อตัวและการก่อตั้งประเภทมวลชน: เพลง, เพลงสวด, การเดินขบวนและอื่น ๆ ภายใต้อิทธิพลของการปฏิวัติฝรั่งเศส ประเภทการแสดงละครเช่น apotheosis การแสดงโฆษณาชวนเชื่อที่มีการใช้คณะนักร้องประสานเสียงจำนวนมากได้เกิดขึ้น แยกจากกัน เราควรพูดถึง "โอเปร่าแห่งความรอด" ซึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในยุคที่น่าสลดใจและน่าสลดใจนั้น หัวข้อของการต่อสู้กับเผด็จการฟังดูสดใสเป็นพิเศษในพวกเขาความชั่วร้ายของพระสงฆ์ถูกเปิดเผยความจงรักภักดีความจงรักภักดีความรักชาติการเสียสละเพื่อประโยชน์ของประชาชนและบ้านเกิดเมืองนอนได้รับการยกย่อง ในการเชื่อมต่อกับการเติบโตของความรู้สึกรักชาติในสังคม ดนตรีทองเหลืองของทหารจึงมีความสำคัญอย่างยิ่ง และวงออเคสตราของดินแดนแห่งชาติได้ก่อตั้งขึ้น ระบบการศึกษาดนตรีได้รับการเปลี่ยนแปลงในการปฏิวัติเช่นกัน: ในปี ค.ศ. 1792 โรงเรียนดนตรี National Guard ได้เปิดสอนนักดนตรีทหารและในปี ค.ศ. 1793 สถาบันดนตรีแห่งชาติ (ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2338 Paris Conservatory)

ช่วงเวลาของเผด็จการนโปเลียน (1799-1814) และการฟื้นฟู (1814-15, 1815-30) ไม่ได้นำความสำเร็จที่สดใสมาสู่ดนตรีฝรั่งเศส การฟื้นฟูในด้านวัฒนธรรมบางส่วนได้สรุปไว้เฉพาะเมื่อสิ้นสุดระยะเวลาการฟื้นฟูเท่านั้น ในช่วงทศวรรษที่ 20-30 ของศตวรรษที่ 19 ละครโรแมนติกของฝรั่งเศสได้ก่อตัวขึ้น เช่นเดียวกับการแสดงโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ในหัวข้อประวัติศาสตร์ ความรักชาติ และความกล้าหาญ G. Berlioz ผู้สร้างการแสดงซิมโฟนีโรแมนติกแบบเป็นโปรแกรม ได้รับการยอมรับอย่างถูกต้องว่าเป็นหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของแนวโรแมนติกทางดนตรีของฝรั่งเศสทั่วโลก ในช่วงหลายปีของจักรวรรดิที่ 2 ในฝรั่งเศส กระแสนิยมทางโลกได้กลายเป็นความหลงใหลในร้านกาแฟ-คอนเสิร์ต การแสดงละคร และศิลปะของชานซอนเนียร์ ในช่วงเวลานี้ บทเพลง ละครตลก และละครเวทีได้รับความนิยมและมีมากมาย โอเปร่าฝรั่งเศสเฟื่องฟูอย่างแท้จริง เริ่มให้เสียงที่น่าสนใจเป็นพิเศษ ในรูปแบบใหม่ที่แปลกใหม่ ซึ่งเกี่ยวข้องโดยตรงกับชื่อของผู้สร้างและผู้สร้างแรงบันดาลใจทางจิตวิญญาณ J. Offenbach, F. Hervé เธอค่อยๆ สูญเสียการเสียดสี การล้อเลียน ความเฉพาะเจาะจง ด้วยความเบาและเบาของโอเปร่า ทำให้เรื่องราวทางประวัติศาสตร์ ในชีวิตประจำวัน และบทกวีโรแมนติกของพวกเขาเปลี่ยนไป สิ่งนี้สอดคล้องกับกระแสดนตรีทั่วไปในสมัยนั้นอย่างเต็มที่: ตัวละครที่เป็นโคลงสั้น ๆ อยู่ข้างหน้าในทรงกลมทางวัฒนธรรมเกือบทั้งหมด ในละคร แนวโน้มนี้แสดงออกถึงความปรารถนาในโครงเรื่องในชีวิตประจำวัน เพื่อการพรรณนาถึงคนธรรมดาที่มีประสบการณ์ใกล้ชิด ในบรรดานักเขียนโอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุดควรเรียกว่า Ch. Gounod, "Faust", "Mireil" และ "Romeo and Juliet", J. Massenet, J. Bizet "Carmen" แต่แฟชั่นนั้นผันผวนและมีลมแรง รวมถึงแฟชั่นทางดนตรี และในฝรั่งเศสมีมากกว่านั้นอีก แล้วในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มีแนวโน้มที่เป็นจริงเพิ่มขึ้น เหตุการณ์สำคัญในชีวิตทางสังคมและการเมืองของฝรั่งเศสคือ Paris Commune ในปี 1870-1871 มันยังสะท้อนให้เห็นในวัฒนธรรมดนตรี: มีการสร้างเพลงทำงานมากมายซึ่งหนึ่งในนั้น "The Internationale" (เพลงโดย Pierre Degeyter ต่อคำพูดของ Eugene Pottier) กลายเป็นเพลงชาติของพรรคคอมมิวนิสต์และในปี 1922-1944 - เพลงชาติของสหภาพโซเวียต

ศตวรรษที่ 20. เทรนด์ใหม่.

ในช่วงปลายยุค 80 และ 90 ของศตวรรษที่ 19 เทรนด์ใหม่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสซึ่งเริ่มแพร่หลายเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 - อิมเพรสชั่นนิสม์ อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีฟื้นประเพณีของชาติบางอย่าง - ความปรารถนาที่จะเป็นรูปธรรม, โปรแกรม, ความซับซ้อนของสไตล์, ความโปร่งใสของพื้นผิว อิมเพรสชั่นนิสม์พบการแสดงออกอย่างเต็มที่ในเพลงของ C. Debussy ส่งผลต่องานของ M. Ravel, P. Duke และคนอื่น ๆ อิมเพรสชั่นนิสม์ยังแนะนำนวัตกรรมในด้านแนวดนตรีอีกด้วย ในงานของ Debussy วัฏจักรไพเราะทำให้เกิดการสเก็ตช์ไพเราะ เพลงเปียโนถูกครอบงำโดยโปรแกรมย่อส่วน Maurice Ravel ยังได้รับอิทธิพลจากสุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ ในงานของเขา แนวโน้มด้านสุนทรียศาสตร์และโวหารต่างๆ เกี่ยวพันกัน - โรแมนติก อิมเพรสชั่นนิสม์ และในผลงานต่อมาของเขา - แนวโน้มนีโอคลาสสิก ควบคู่ไปกับแนวอิมเพรสชั่นนิสม์ในดนตรีฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ประเพณีของแซงต์-ซองส์ยังคงพัฒนาต่อไป เช่นเดียวกับ Franck ซึ่งผลงานของเขาโดดเด่นด้วยการผสมผสานความชัดเจนของสไตล์คลาสสิกเข้ากับจินตภาพโรแมนติกที่สดใส หลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ศิลปะฝรั่งเศสได้แสดงให้เห็นแนวโน้มที่จะปฏิเสธอิทธิพลของเยอรมัน แสวงหาความแปลกใหม่ และในขณะเดียวกันก็เพื่อความเรียบง่าย ในเวลานี้ภายใต้อิทธิพลของนักแต่งเพลง Eric Satie และนักวิจารณ์ Jean Cocteau ได้มีการก่อตั้งสมาคมสร้างสรรค์ขึ้นซึ่งเรียกว่า "French Six" ซึ่งสมาชิกต่อต้านไม่เพียง แต่ Wagnerianism แต่ยังรวมถึง "ความคลุมเครือ" ของอิมเพรสชั่นนิสม์ อย่างไรก็ตาม ตามที่ผู้เขียน ฟรานซิส ปูล็องก์ กลุ่มนี้ “ไม่มีเป้าหมายอื่นใดนอกจากความเป็นมิตรอย่างแท้จริง และไม่ใช่สมาคมในอุดมคติเลย” และตั้งแต่ปี ค.ศ. 1920 สมาชิกของกลุ่มนี้ (ในบรรดาผู้มีชื่อเสียงมากที่สุด เช่น อาเธอร์ โฮเน็กเกอร์ และดาริอุส มิลฮาด) มี พัฒนาไปคนละแบบ ในปีพ. ศ. 2478 สมาคมนักประพันธ์เพลงแห่งใหม่ได้เกิดขึ้นในฝรั่งเศส - "Young France" ซึ่งรวมถึงนักแต่งเพลงเช่น O. Messiaen, A. Jolivet ผู้ซึ่งเช่น "Six" ได้นำการคืนชีพของประเพณีของชาติ และแนวความคิดเห็นอกเห็นใจในระดับแนวหน้า โดยการปฏิเสธความเป็นวิชาการและนีโอคลาสซิซิสซึ่ม พวกเขามุ่งเน้นความพยายามในการปรับปรุงวิธีการแสดงออกทางดนตรี สิ่งที่มีอิทธิพลมากที่สุดคือการค้นหาของ Messiaen ในด้านโครงสร้างที่เป็นกิริยาช่วยและจังหวะ ซึ่งถูกรวบรวมไว้ในงานดนตรีของเขาและในบทความทางดนตรี หลังสงครามโลกครั้งที่สอง กระแสดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดได้แผ่ขยายออกไปในดนตรีฝรั่งเศส ตัวแทนที่โดดเด่นของแนวหน้าดนตรีชาวฝรั่งเศสคือนักแต่งเพลงและวาทยกร Pierre Boulez ผู้พัฒนาหลักการของ A. Webern ใช้วิธีการจัดองค์ประกอบเช่น pointillism และ seriality อย่างกว้างขวาง นักแต่งเพลงจากแหล่งกำเนิดกรีก J. Xenakis ใช้ระบบการจัดองค์ประกอบ "สุ่ม" พิเศษ ฝรั่งเศสมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ - ที่นี่เพลงเฉพาะปรากฏขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1940 ภายใต้การนำของ Xenakis คอมพิวเตอร์ที่มีการป้อนข้อมูลแบบกราฟิก - UPI ได้รับการพัฒนาและในปี 1970 ทิศทางของดนตรีสเปกตรัม เกิดที่ฝรั่งเศส ตั้งแต่ปี 1977 IRCAM ซึ่งเป็นสถาบันวิจัยที่ก่อตั้งโดย Pierre Boulez ได้กลายเป็นศูนย์กลางของดนตรีทดลอง สรุปแล้ว สังเกตได้ว่าเหตุการณ์สำคัญในศตวรรษที่ 20 ในวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศส ได้แก่ อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรี แนวดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดที่พัฒนาขึ้นหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ ชานสันฝรั่งเศส

ความทันสมัย มองไปสู่อนาคต

และทุกวันนี้ ฝรั่งเศสยังคงเป็นศูนย์กลางวัฒนธรรมดนตรีที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งของโลก ในฝรั่งเศสเอง ศูนย์กลางทางดนตรีหรือค่อนข้างจะเต้นเป็นจังหวะและหัวใจเต้นเป็นจังหวะคือปารีส นี่ไม่ใช่คำแถลงที่ไม่มีมูล แต่เป็นข้อเท็จจริงที่ได้รับการยืนยันจากการปรากฏตัวในเมืองหลวงของฝรั่งเศส: โรงอุปรากรแห่งปารีส, โรงละครโอเปร่า Garnier และ Opera Bastille, โรงละครจำนวนมาก, ห้องแสดงคอนเสิร์ต, สถานที่จัดงาน ในบรรดากลุ่มดนตรีชั้นนำควรตั้งชื่อวงดุริยางค์แห่งชาติของฝรั่งเศส, วงดนตรี Philharmonic Orchestra ของ Radio France, วงออร์เคสตราแห่งปารีส, คอลัมน์ Orchestra และอื่น ๆ สถาบันการศึกษาดนตรีของฝรั่งเศส (Paris Conservatory, Scola Cantorum, Ecole Normal เป็นต้น .) นี่คือความภาคภูมิใจและมรดกทางวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสที่ยกย่องไปทั่วโลก แง่มุมที่น่าสนใจอย่างยิ่งคือในฝรั่งเศสมีความสำคัญอย่างยิ่งต่องานทางวิทยาศาสตร์ในด้านดนตรี ที่นี่หลักการของการบริการของวิทยาศาสตร์เพื่อศิลปะสะท้อนให้เห็นอย่างเต็มที่ ศูนย์วิจัยดนตรีที่สำคัญที่สุดคือสถาบันดนตรีที่มหาวิทยาลัยปารีส หนังสือและเอกสารเก็บถาวรถูกเก็บไว้ในหอสมุดแห่งชาติ ซึ่งในปี 1935 แผนกดนตรีได้ถูกสร้างขึ้นเป็นพิเศษ เช่นเดียวกับในห้องสมุดและพิพิธภัณฑ์เครื่องดนตรีที่เรือนกระจก นักท่องเที่ยวหลายพันคนเดินทางมาฝรั่งเศสเพื่อชมงานดนตรีต่างๆ ที่จัดขึ้นเป็นประจำ ทั้งหมดถือเป็นเหตุการณ์สำคัญในชีวิตทางวัฒนธรรมดนตรีที่สดใส เป็นอิสระ และมีความสำคัญ เป็นการยากที่จะตัดสินใจว่าใครเป็นผู้ชนะการแข่งขันที่มีพรสวรรค์นี้ เราสามารถบอกได้เฉพาะงานที่มีชื่อเสียงและเป็นที่นิยมที่สุดในชีวิตทางวัฒนธรรมและดนตรีอันรุ่มรวยของฝรั่งเศส: การแข่งขันเปียโนและไวโอลินนานาชาติ M. Long และ J. Thibault, การแข่งขันกีตาร์, การแข่งขัน Besançon International Competition for Young Conductors, Toulouse International Vocal Competition, Paris International Harp Competition เป็นต้น เทศกาลมากมายไม่สามารถละเลยได้: เทศกาลฤดูใบไม้ร่วงในปารีส, เทศกาลดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 ในปารีส, การแข่งขันเปียโนใน Epinal, เทศกาลดนตรีคลาสสิกใน Rouen และอื่น ๆ , "Pearl Nights" - เทศกาลหีบเพลงในเมือง ทูเล่ การประกวดออร์แกน "Garne pri de Chartres. ในปี 1982 เมื่อวันที่ 21 มิถุนายน ชาวฝรั่งเศสได้จัดงาน "Celebration of Music" ขึ้นเป็นครั้งแรก ในวันนี้ ทุกคนสามารถร้องเพลง เล่นดนตรีตามท้องถนนในเมือง ที่นี่คุณสามารถพบกับนักแสดงและคนดังที่กำลังมาแรง ปัจจุบันวันหยุดนี้ได้กลายเป็นสากลและมีการเฉลิมฉลองใน 110 ประเทศทั่วโลก

วงการเพลงฝรั่งเศสรู้จักแนวเพลงยอดนิยมเกือบทั้งหมด ในขณะเดียวกันก็ก่อให้เกิดแนวเพลงระดับชาติที่เฉพาะเจาะจงขึ้นเป็นจำนวนมาก โดยเฉพาะเพลงชานสันของฝรั่งเศส . (ไม่เกี่ยวอะไรกับชานสันรัสเซีย!!!).ในวัฒนธรรมสมัยใหม่ ดนตรีฝรั่งเศสยอดนิยมเรียกว่า chanson ซึ่งยังคงรักษาจังหวะเฉพาะของภาษาฝรั่งเศสไว้ เพลงเหล่านี้มีความแตกต่างกันอย่างมากในด้านท่วงทำนอง เนื้อเพลง ความหมาย จิตวิญญาณ และเสียงจากเพลงที่แต่งขึ้นภายใต้อิทธิพลของดนตรีภาษาอังกฤษ สามารถจดจำได้จากโน้ตตัวแรกจากคอร์ดแรก หัวใจตอบสนองด้วยเสียงแรก และรอยยิ้มที่อบอุ่นและเรียบง่ายปรากฏขึ้นบนริมฝีปากโดยไม่สมัครใจ ความเรียบง่ายและความอบอุ่นที่แทรกซึมทุกท่วงทำนองของเพลงชานสันฝรั่งเศส อะไรก็ตามที่ร้องในเพลงเหล่านี้ พวกเขามีสิ่งสำคัญ - วิญญาณ นักแสดงที่โดดเด่นของชานสันฝรั่งเศส (ชานซอนเนียร์) เช่น Georges Brassens, Edith Piaf, Joe Dassin, Jacques Brel, Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kaas และคนอื่น ๆ ได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก ซีดีของพวกเขายังคงขายได้สำเร็จทั่วโลก ฟังเพลงทางวิทยุ และดาวน์โหลดทางอินเทอร์เน็ตได้อย่างง่ายดาย ฝรั่งเศสได้เป็นเจ้าภาพการประกวดเพลงยูโรวิชันสามครั้ง เหตุการณ์สำคัญในชีวิตดนตรีสมัยใหม่นี้เกิดขึ้นในปี 2502, 2504 และ 2521 นักแสดงชาวฝรั่งเศสห้าคนชนะการประกวดเพลงยูโรวิชัน - André Clavier (1958), Jacqueline Boyer (1960), Isabelle Aubret (1962), Frida Boccara (1969) และ Marie Miriam (1977) หลังจากนั้นความสำเร็จสูงสุดของฝรั่งเศสมาเป็นอันดับสองในปี 1990 และ พ.ศ. 2534 นักดนตรีชาวฝรั่งเศสมีส่วนสนับสนุนเป็นพิเศษในแนวเพลงอิเล็กทรอนิกส์แนวใหม่ที่ทันสมัย สำหรับฉัน ฌอง-มิเชล จาร์ยืนอยู่ในสถานที่แห่งเกียรติยศพิเศษ การแสดงเลเซอร์อันโอ่อ่าตระการตาและน่าจดจำของเขา ซึ่งทำให้นักแต่งเพลงและนักดนตรีโด่งดังไปทั่วโลก งานของเขาเป็นที่เข้าใจและเป็นที่นิยมในรัสเซียทั้งในหมู่คนหนุ่มสาวและในหมู่คนรักดนตรีของคนรุ่นเก่า

บทสรุป.

ดังนั้นเราจึงตระหนักว่าฝรั่งเศสมีบทบาทอย่างมากในประวัติศาสตร์ดนตรี และดนตรีก็มีบทบาทอย่างมากในประวัติศาสตร์ของฝรั่งเศส มันมีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของวัฒนธรรมดนตรีในประเทศอื่น ๆ ในยุคประวัติศาสตร์บางยุคถือเป็นมาตรฐานที่พวกเขายกตัวอย่างซึ่งพวกเขาเลียนแบบ เธอรู้วิธีที่จะซึมซับ ซึมซับกระแสดนตรี แนวเพลง กระแสและสไตล์ของชนชาติอื่น ๆ ได้อย่างสมบูรณ์แบบ ปรับตัว ประมวลผล คิดใหม่ ทำให้เกิดเสียงในรูปแบบใหม่ ในภาษาฝรั่งเศส ตัวอย่างที่โดดเด่นของการปะทะกันและปฏิสัมพันธ์ของวัฒนธรรมดนตรีในปัจจุบันถือได้ว่าเป็นปฏิสัมพันธ์ของวัฒนธรรมดนตรีอเมริกันและฝรั่งเศส จากจุดเริ่มต้นของการแทรกซึมของวัฒนธรรมมวลชนอเมริกันในทวีปยุโรป ชาวฝรั่งเศสพยายามรักษาความบริสุทธิ์ของวัฒนธรรมของตน รวมทั้งดนตรีด้วยสุดความสามารถ รวมทั้งดนตรี ต่อสู้เพื่อเอกลักษณ์ ความเฉพาะตัว ความคิดริเริ่ม และความเป็นอิสระ ความรัก ความชื่นชม ความชื่นชมยินดีของฝรั่งเศส ภาคภูมิใจและอนุรักษ์วัฒนธรรมดนตรีสมัยใหม่ไว้อย่างดี ควรสังเกตว่าด้วยนโยบายของรัฐที่ถูกต้องมากในด้านวัฒนธรรม ตำแหน่งของกระทรวงที่เกี่ยวข้อง บุคคลสำคัญในฝรั่งเศส พวกเขาสามารถทำอะไรได้มากมายในด้านการรักษา พัฒนา และเผยแพร่วัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศส เป็นผลให้ชาวฝรั่งเศสสามารถหลีกเลี่ยงทั้งการครอบงำของชาวอเมริกันที่ไม่มีการแบ่งแยกและการแยกตัวทางวัฒนธรรมของตนเอง โดยเฉพาะอย่างยิ่งสิ่งนี้ประสบความสำเร็จ เนื่องจากโควตาการแพร่ภาพ การจำกัดสถานีวิทยุสำหรับการเล่นเพลงภาษาอังกฤษ และข้อกำหนดพิเศษทุกประเภทสำหรับนักแสดงในประเทศ ในทางกลับกัน ความรักชาติของฝรั่งเศสมีบทบาทสำคัญ ความรักในทุกสิ่งที่ "ชนพื้นเมืองฝรั่งเศส" ความภาคภูมิใจและความเคารพในวัฒนธรรมของพวกเขา ซึ่งในความคิดของฉัน ได้รับการปลูกฝังในภาษาฝรั่งเศสตั้งแต่วัยเด็ก ในเรื่องนี้ เป็นการเหมาะสมกว่าที่จะพูดคุยเกี่ยวกับการแทรกซึมของวัฒนธรรมดนตรีร่วมกัน เพลงฝรั่งเศสได้เดินทางไปยังอเมริกา แม้ว่าจะมีเวอร์ชันปรับปรุง ("My Way" ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นจุดเด่นของ Frank Sinatra เขียนโดย Claude Francois และถูกเรียกว่า "Comme d" นิสัย ) หรือ "Et maintenant" โดย Gilbert Beco , ขับร้องโดย ซันนี่ กับ เฌอ, และอีกหลายเพลง - "What now my love") มีเพลงฝรั่งเศส - แปลจากภาษาอังกฤษ โด่งดังกว่าต้นฉบับมาก ตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดคือเพลงดังของโจ Dassin "Champs-Elysées" ("Les Champs-Elysées") ใครรู้จักต้นฉบับ - "ถนนวอเตอร์ลู"?

ฉันหวังว่าตอนนี้คุณเช่นเดียวกับฉันที่เชื่อมั่นว่าวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสนั้นสมบูรณ์ หลากหลาย มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว เลียนแบบไม่ได้ และมีอิทธิพล บางทีคุณอาจตกหลุมรักเธอหรืออย่างน้อยก็สนใจและพยายามเรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับเธอเช่นฉัน เป็นการเหมาะสมที่เราจะยกตัวอย่างทัศนคติที่ระมัดระวังของชาวฝรั่งเศสต่อวัฒนธรรมดนตรีของพวกเขา ทั้งในระดับรัฐและในระดับพลเมืองทั่วไป หลายประเทศควรนำประสบการณ์ความรักชาติทางวัฒนธรรมที่สมเหตุสมผลและมีค่าควรมาใช้ ดนตรีเป็นสิ่งมหัศจรรย์อย่างหนึ่งของโลก ดนตรีเป็นภาษาสากลของการสื่อสารระหว่างประเทศ เข้าถึงได้ ใกล้ชิด และเข้าใจได้ทั่วโลก ฝรั่งเศสมีส่วนสำคัญต่อการก่อตัว การพัฒนา และความเจริญรุ่งเรือง

วรรณกรรม:

https://ru.wikipedia.org/wiki/ ดนตรีของฝรั่งเศส

http://niderlandi.takustroenmir.ru

http://www.frmusique.ru/review.htm

https://dis.academic.ru/dic.nsf/ruwiki/1569665

A. Klenov "ที่ซึ่งดนตรีอาศัยอยู่" M. "Pedagogy" 1985

Medushevsky V.V. , Ochakovskaya O.O. พจนานุกรมสารานุกรมของนักดนตรีรุ่นเยาว์ M. "Pedagogy" 1985