จิตรกรรมเฟลมิช ภายหลังต้นศตวรรษที่ 17 การต่อสู้อันดุเดือดและยาวนานของชาวดัตช์เพื่อเสรีภาพทางการเมืองและศาสนาสิ้นสุดลงด้วยการแตกสลายของประเทศของตนออกเป็นสองส่วน โดยส่วนแรกทางตอนเหนือกลายเป็นสาธารณรัฐโปรเตสแตนต์ และอีกส่วนทางตอนใต้ยังคงเป็นคาทอลิกและอยู่ใน อำนาจของกษัตริย์สเปน ภาพวาดของชาวดัตช์ก็แบ่งออกเป็นสองสาขา ซึ่งใช้ทิศทางที่แตกต่างกันอย่างมีนัยสำคัญในการพัฒนา ภายใต้ชื่อโรงเรียน F. นักประวัติศาสตร์ศิลปะใหม่ล่าสุดเข้าใจสาขาที่สองของสาขาเหล่านี้ โดยจำแนกศิลปิน Brabant และ Flemish ในยุคก่อน เช่นเดียวกับจิตรกรร่วมสมัยของภาคเหนือ ให้เป็นโรงเรียนดัตช์ทั่วไปแห่งหนึ่ง (ดู) จังหวัดทางตอนใต้ของเนเธอร์แลนด์ไม่ได้รับเอกราชอย่างสมบูรณ์ แต่หายใจได้อย่างอิสระมากขึ้นหลังจากที่พวกเขาได้รับการยกระดับเป็นภูมิภาคอิสระในปี 1598 ภายใต้การควบคุมของลูกสาวของฟิลิปที่ 2 อินฟานตา อิซาเบลลา และสามีของเธอ พระคาร์ดินัล อินฟันตา อัลเบรชต์ เหตุการณ์นี้ส่งผลให้สภาพความเป็นอยู่ของภูมิภาคที่อดกลั้นมานานมีการปรับปรุงอย่างมีนัยสำคัญ ผู้ปกครองและสามีของเธอดูแลพวกเขาให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้เกี่ยวกับความสงบของประเทศ ความเป็นอยู่ที่ดีขึ้น ความเจริญรุ่งเรืองของการค้า อุตสาหกรรม และศิลปะในประเทศ โดยการอุปถัมภ์ซึ่งพวกเขาได้รับสิทธิที่เถียงไม่ได้ สู่ความทรงจำอันกตัญญูของลูกหลาน พวกเขาพบว่ากระแสความเป็นอิตาลีครอบงำในการวาดภาพท้องถิ่น ตัวแทนยังคงสนใจราฟาเอล ไมเคิลแองเจโล และชาวอิตาลีที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ อาจารย์ไปศึกษาพวกเขาในบ้านเกิดของพวกเขา แต่เมื่อเลียนแบบพวกเขาแล้วก็สามารถซึมซับเฉพาะเทคนิคภายนอกของงานของพวกเขาได้ในระดับหนึ่งโดยไม่สามารถเจาะจิตวิญญาณของมันได้ การผสมผสานที่เย็นชาและการเลียนแบบภาพอิตาลีที่น่าอึดอัดใจด้วยการผสมผสานของสัจนิยมแบบเฟลมิชที่หยาบโดยไม่สมัครใจทำให้จิตรกรส่วนใหญ่ของโรงเรียนฝรั่งเศสโดดเด่นในยุคที่แยกตัวจากชาวดัตช์ ดูเหมือนจะไม่มีความหวังที่จะเปลี่ยนมันไปสู่สิ่งที่ดีกว่า ดั้งเดิมกว่านี้ และหรูหรากว่านี้ ยิ่งไปกว่านั้น แม้แต่ลักษณะประจำชาติเหล่านั้นที่ยังคงมีอยู่ในนั้นก็ยังขู่ว่าจะถูกลบทิ้งอย่างไร้ร่องรอย แต่ทันใดนั้นอัจฉริยะคนหนึ่งก็ปรากฏตัวขึ้นซึ่งได้หายใจชีวิตใหม่ให้กับงานศิลปะที่อิดโรยของแฟลนเดอร์สและกลายเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนวาดภาพดั้งเดิมที่ยอดเยี่ยมซึ่งเจริญรุ่งเรืองมาทั้งศตวรรษ อัจฉริยะคนนี้คือ P. P. Rubens (1577-1640) และเช่นเดียวกับเพื่อนร่วมชาติส่วนใหญ่เขาไปเยือนอิตาลีและศึกษาศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ แต่เขารวมสิ่งที่เขายืมมาจากพวกเขาเข้ากับสิ่งที่เขารับรู้โดยตรงในธรรมชาติซึ่งเขาถูกล่อลวงมากที่สุดด้วยรูปแบบที่ทรงพลังเต็มไปด้วยสุขภาพอาการ ของความบริบูรณ์ของชีวิต, ความมีชีวิตชีวาของสี, การเล่นที่ร่าเริงของแสงแดดและด้วยเหตุนี้จึงสร้างสไตล์ดั้งเดิมสำหรับตัวเขาเองโดยโดดเด่นด้วยอิสระในการจัดองค์ประกอบเทคนิคที่กว้างขวางและสีสันที่สดใสอย่างกระฉับกระเฉงตื้นตันไปด้วยความร่าเริงและในเวลาเดียวกันก็เป็นระดับชาติอย่างสมบูรณ์ ในรูปแบบนี้รูเบนส์ซึ่งมีจินตนาการไม่สิ้นสุดวาดภาพทางศาสนาตำนานและเชิงเปรียบเทียบได้สำเร็จไม่แพ้กันรวมถึงภาพบุคคลประเภทและทิวทัศน์ ในไม่ช้าผู้ปรับปรุงภาพวาด F. ก็กลายเป็นผู้มีชื่อเสียงในประเทศของเขาเองและชื่อเสียงของเขาก็แพร่กระจายไปยังประเทศอื่น ๆ นักเรียนจำนวนมากรวมตัวกันรอบตัวเขาในแอนต์เวิร์ป ซึ่งนักเรียนที่โดดเด่นที่สุดคือ A. Van Dyck (1599-1631) ซึ่งในตอนแรกเกือบจะเลียนแบบเขาอย่างทารุณ แต่จากนั้นก็พัฒนารูปแบบที่พิเศษและยับยั้งชั่งใจมากขึ้น: แทนที่จะเป็นรูปแบบที่แข็งแกร่งที่ Rubens ชื่นชอบ ของธรรมชาติ การแสดงออกถึงความหลงใหลอย่างแรงกล้า และเนื่องจากสีที่หรูหรามากเกินไป เขาจึงเริ่มมองหารูปแบบที่น่าดึงดูดมากขึ้น เพื่อถ่ายทอดตำแหน่งที่สงบมากขึ้น เพื่อแสดงความรู้สึกทางอารมณ์ที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น และยึดติดกับการใช้โทนสีที่อ่อนโยนและสงบมากขึ้น พรสวรรค์ของเขาแสดงให้เห็นชัดเจนที่สุดในการถ่ายภาพบุคคล นักเรียนคนอื่น ๆ ของ Rubens, Abraham Van Diepenbeck (1596-1675), Erasmus Quellin (1607-78), Theodor Van Thulden (1606-1676?), Cornelis Schut (1597-1655), Victor Wolfwut (1612-65), Jan Van Hucke (1611-51), Frans Luyx (1604 - ต่อมา 1652) และคนอื่น ๆ ประสบความสำเร็จไม่มากก็น้อยตามรอยพี่เลี้ยงของพวกเขาโดยเลียนแบบความกล้าหาญในการจัดองค์ประกอบการวาดภาพที่อิสระของเขาพู่กันที่กว้างสีที่ร้อนแรงความหลงใหลในการตกแต่งอันเขียวชอุ่ม . หลายคนเป็นผู้ร่วมงานของเขาด้วยความช่วยเหลือซึ่งเขาสามารถแสดงผลงานจำนวนมหาศาลซึ่งปัจจุบันกระจัดกระจายอยู่ในพิพิธภัณฑ์เกือบทั่วโลก อิทธิพลของ Rubens สะท้อนให้เห็นอย่างมากในงานศิลปะไม่เพียง แต่ในนักเรียนของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปิน F. ร่วมสมัยส่วนใหญ่และยิ่งไปกว่านั้นในการวาดภาพทุกประเภท ในบรรดาผู้ติดตามของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่นั้น Jacob Jordanes (ค.ศ. 1593-1678) ครอบครองสถานที่ที่โดดเด่นที่สุดซึ่งมีความโดดเด่นเป็นพิเศษจากความจงรักภักดีของการออกแบบของเขาและความรอบคอบในการประหารชีวิตของเขา รูปร่างของเขานั้นดูแข็งแรงกว่าและเนื้อมากกว่าของรูเบนส์ด้วยซ้ำ เขามีความคิดสร้างสรรค์น้อยกว่าในการจัดองค์ประกอบ มีสีเข้มกว่า แม้ว่าจะโดดเด่นในเรื่องความสม่ำเสมอของแสงก็ตาม ภาพวาดของ Jordanes เกี่ยวกับธีมทางศาสนาและตำนานไม่ประสบความสำเร็จเท่ากับภาพวาดประเภทของเขาที่มีบุคคลขนาดเท่าคนจริง ซึ่งมักจะมีความน่าสนใจอย่างมากสำหรับการแสดงออกถึงความพึงพอใจในชีวิตและอารมณ์ขันที่เป็นธรรมชาติ ถ้าอย่างนั้นเราควรพูดถึงจิตรกรประวัติศาสตร์และนักวาดภาพเหมือน Gaspard De Crayer (1582-1669), Abraham Janssens (1572-1632), Gerard Seghers (1591-1651), Theodor Rombouts (1597-1637), Antonis Sallaerts (1585 - ต่อมา 1647) , Justus Suttermans (1597-1681), Frans Frarken the Younger (1581-1642) และ Cornelis De Vos (1585-1651) เกี่ยวกับจิตรกรเกี่ยวกับสัตว์และธรรมชาติที่ไม่มีชีวิต Frans Snyders (1579-1657) และ Pauvel De Vos (ประมาณ 1590 -1678) เกี่ยวกับจิตรกรภูมิทัศน์ Jan Wildens (1586-1653) และ Lucas Van Youden (1595-1672) และจิตรกรประเภท David Teniers พ่อ (1582-1649) และลูกชาย (1610-90) โดยทั่วไปแล้ว Rubens ให้แรงผลักดันอย่างมากต่อการวาดภาพของ F. กระตุ้นความเคารพในสังคมท้องถิ่นและในดินแดนต่างประเทศและทำให้เกิดการแข่งขันระหว่างตัวแทนซึ่งหยุดเลียนแบบชาวอิตาลีแล้วค้นพบรอบตัวพวกเขาในประเภทพื้นบ้านและใน ธรรมชาติพื้นเมืองของพวกเขาวัสดุขอบคุณสำหรับความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ ความสูงของภาพวาด F. ได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากความเป็นอยู่ที่ดีของประเทศอันเป็นผลมาจากการจัดการที่สมเหตุสมผลและอุตสาหกรรมและการค้าที่พัฒนาขึ้นในประเทศ ศูนย์กลางทางศิลปะหลักคือเมืองแอนต์เวิร์ป แต่ในเมืองอื่น ๆ ของเบลเยียมในปัจจุบันในเมเชลน์ เกนต์ บรูจส์ ลุตติช มีกลุ่มจิตรกรที่เป็นมิตรจำนวนมากซึ่งสนองความต้องการอย่างกว้างขวางสำหรับไอคอนของโบสถ์ สำหรับภาพวาดสำหรับพระราชวังอันสูงส่งและบ้านของ คนร่ำรวยสำหรับการถ่ายภาพบุคคลสาธารณะและพลเมืองที่ร่ำรวย จิตรกรรมทุกแขนงได้รับการปลูกฝังอย่างขยันขันแข็งและหลากหลาย แต่ยังคงจิตวิญญาณของชาติอยู่เสมอ ด้วยความมุ่งมั่นอย่างต่อเนื่องเพื่อความสมจริงและการแสดงที่มีสีสัน เพิ่งมีการกล่าวถึงจิตรกรประวัติศาสตร์และภาพบุคคลที่สำคัญที่สุดที่เกี่ยวข้องกับรูเบนส์ รายชื่อของพวกเขาจะต้องเสริมด้วยชื่อของปรมาจารย์ที่มีความสามารถมากที่สุดในรุ่นที่ติดตามพวกเขาเช่น Jan Cossiers (1600-71), Simon De Vos (1603-76), Peter Van Lint (1609-90), Jan Buckhorst ชื่อเล่นว่า "ลองแจน" (1605 -68), Theodor Buijermans (1620-78), Jacob Van Ost (1600-71), Bertholet Flemale (1614-75) และอีกบางส่วน ศิลปินประเภท F. อื่นๆ สามารถแบ่งออกเป็นสองประเภท: บางคนอุทิศแปรงให้กับการทำซ้ำประเภทและชีวิตพื้นบ้านทั่วไป ส่วนคนอื่นๆ ดึงหัวข้อจากชีวิตของสังคมที่มีอภิสิทธิ์ ทั้งสองวาดภาพเขียนขนาดเล็กโดยทั่วไป คล้ายคลึงในแง่นี้ เช่นเดียวกับความละเอียดอ่อนของการประหารชีวิต ศิลปินแนวเพลงของฮอลแลนด์ ในหมวดหมู่แรก นอกเหนือจากครอบครัว Teniers ซึ่งมีสมาชิก David Teniers the Younger มีชื่อเสียงระดับโลกแล้วยังเป็นของ Adrian Brouwer (ประมาณปี 1606-38) เพื่อนของเขา Joost Van Krasbeek (ประมาณปี 1606 - ประมาณปี 55) Gillis Van Tilborch (1625? - 78?), David Reicart (1612-61) และคนอื่นๆ อีกมากมาย เป็นต้น ในบรรดาศิลปินประเภทที่สองหรือที่เรียกว่า "จิตรกรประเภทซาลอน" Hieronymus Janssens (1624-93), Gonzales Coques (1618-84), Carel-Emmanuel Bizet (1633-82) และ Nicholas ฟาน เอคมีความโดดเด่นเป็นพิเศษ (1617-79) ในแง่ของการวาดภาพการต่อสู้ โรงเรียนของ F. ผลิตศิลปินที่ยอดเยี่ยม: Sebasgian Vranx (1573-1647), Peter Snyers (1592-1667), Cornelis De Wall (1592-1662), Peter Meulener (1602-54) และในที่สุด นักประวัติศาสตร์ผู้โด่งดังของแคมเปญ Louis XIV Adam-Frans Van der Meulen (1632-93) ย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 16 ก่อนที่จะแบ่งการวาดภาพของชาวเนเธอร์แลนด์ออกเป็นสองสาขา ได้แก่ Flemings L. Hassel, G. Bles, P. Bril, R. Saverey และ L. Van Valkenborgh พร้อมด้วยบางส่วน ศิลปินชาวดัตช์บางคนปลูกฝังภูมิทัศน์เป็นสาขาศิลปะอิสระ แต่ในโรงเรียน F. มีการพัฒนาอย่างยอดเยี่ยมและเต็มรูปแบบในศตวรรษหน้าเท่านั้น แรงผลักดันที่มีอิทธิพลของเขาไปสู่ความสมบูรณ์แบบคือคนเดียวกันกับรูเบนส์และจิตรกร ซึ่งแตกต่างจากเขาอย่างมากในมุมมองของธรรมชาติและพื้นผิว Jan Brugel ชื่อเล่น Velvet (1568-1625) พวกเขาตามมาด้วยจิตรกรภูมิทัศน์จำนวนหนึ่งซึ่งปฏิบัติตามทิศทางของปรมาจารย์เหล่านี้ตามความโน้มเอียงของพวกเขา เจ. วิลเดนส์ และแอล. ฟาน จูเดน ผู้ซึ่งถูกกล่าวถึงข้างต้น เช่นเดียวกับโลโดไวค์ ฟาน วาดเดอร์ († 1655), จาค็อบ ดาร์ตัวส์ (1615-65?), ยาน ซิเบเรชต์ส (1627-1703?), คอลิส ไกส์มันส์ (1618- (ค.ศ. 1727) แจน แบปติสต์ น้องชายของเขา (ค.ศ. 1654-1716) และคนอื่นๆ แสดงให้เห็นไม่มากก็น้อยถึงความปรารถนาของพวกเขาต่อลักษณะการตกแต่งที่กว้างขวางของ Rubens ในขณะที่ David Winkbons (1578-1629), Abraham Govaerts (1589-1620) , Adrian Stalbemt (1580-1662), Alexander Keirinx (1600-46?), Anthony Myrow (ทาสในปี 1625-46), Peter Geysels ฯลฯ ชอบที่จะทำซ้ำธรรมชาติด้วยความแม่นยำและความละเอียดถี่ถ้วนของ Brugelian ร่ำรวยเช่นเดียวกับชาวดัตช์ อย่างไรก็ตาม นอกจากนี้ยังอาจรวมถึงจิตรกรทางทะเลที่มีความสามารถหลายคนเช่น Adam Willaerts (1577 - ต่อมาปี 1665), Andreas Ertelvelt (1590-1652), Gaspar Van Eyck (1613-73) และ Bonaventure Peters (1614-52) แต่ การวาดภาพทิวทัศน์ทางสถาปัตยกรรมเป็นความพิเศษของศิลปินที่มีทักษะหลายคนในโรงเรียนนี้ สิ่งที่สำคัญที่สุดคือ Peter Neffs the Elder (1578 - ต่อมาปี 1656) เช่นเดียวกับ Anthony Goering († 1668) และ Willem Van Ehrenberg (1637-57 ? ) ทาสีด้านในของโบสถ์และพระราชวัง Denis Van Alsloot (1550-1625?) วาดภาพทิวทัศน์ของจตุรัสในเมือง และ Willem Van Nijlandt (1584-1635) และ Anthony Goubou (1616-98) เป็นตัวแทนของซากปรักหักพังของอาคารโบราณ ชัยชนะของโรมัน ซุ้มประตู ฯลฯ ฯลฯ ในที่สุดกลุ่มนักระบายสีที่เก่งกาจทั้งหมดก็มีความซับซ้อนในการสร้างวัตถุที่มีลักษณะไม่มีชีวิต - เกมที่ถูกฆ่า ปลา สิ่งมีชีวิตทั้งหมด ผัก ดอกไม้ และผลไม้ Jan Veit (1609-61) แข่งขันกับ Snyders ที่มีชื่อเสียงในการวาดภาพผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่แสดงถ้วยรางวัลการล่าสัตว์และอุปกรณ์ในครัว - ภาพวาดที่สมัยนั้นใช้ในการตกแต่งห้องรับประทานอาหารอันหรูหรา Adrian Van Utrecht (1599-1652) และ Jan Van ทำงานในลักษณะเดียวกัน way Es (1596-1666), Peter De Ring, Cornelis Magyu (1613-89) และอื่นๆ อีกมากมาย เพื่อน. ปรมาจารย์ F. คนสำคัญคนแรกในการวาดภาพดอกไม้และผลไม้คือ Brugel the Velvet; ตามมาด้วยนักเรียนของเขา Daniel Seghers (1590-1661) ซึ่งเหนือกว่าเขาทั้งในด้านรสชาติของการจัดองค์ประกอบและความสดและความเป็นธรรมชาติของสี ความสำเร็จของศิลปินทั้งสองคนนี้และชาวดัตช์ที่เชี่ยวชาญด้านเดียวกันซึ่งมาตั้งรกรากที่เมืองแอนต์เวิร์ป J.-D. De Gema ทำให้เกิดการปรากฏตัวของผู้ลอกเลียนแบบหลายคนในโรงเรียน F. ซึ่งผู้ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Ambrosius ลูกชายของ Brugel (1617-75), Jan Philip Van Thielen (1618-67), Jan Van Kessel (1626 - 79) , กัสปาร์ด ปีเตอร์ แวร์บรูกเกน (1635-81), นิโคลัส ฟาน วีเรนดาล (1640-91) และเอเลียส ฟาน เดน บรุก (ราวๆ 1653-1711) รัฐที่เจริญรุ่งเรืองของสเปนเนเธอร์แลนด์อยู่ได้ไม่นาน หลังจากยุคแห่งความสุขของศตวรรษที่ 17 พวกเขาร่วมกับมหานครของพวกเขารอดพ้นจากความผันผวนของการเสื่อมถอยอย่างรวดเร็ว ดังนั้นเมื่อในปี 1714 สันติภาพราสตัดท์ได้เสริมกำลังพวกเขาตามหลังออสเตรีย พวกเขาเป็นตัวแทนของจังหวัดที่เหนื่อยล้าจากสงครามครั้งก่อน ด้วยการค้าขายที่ถูกสังหาร กับเมืองที่ยากจน และอยู่เฉยๆ เอกลักษณ์ประจำชาติในหมู่ประชากร สถานการณ์ที่น่าเศร้าของประเทศอดไม่ได้ที่จะสะท้อนให้เห็นในงานศิลปะ F. จิตรกรแห่งศตวรรษที่ 18 พวกเขาขยับออกห่างจากทิศทางของรุ่นก่อนอันรุ่งโรจน์มากขึ้นเรื่อยๆ โดยเจาะลึกถึงความรักใคร่และความเสแสร้งโดยหวังว่าจะสร้างความประทับใจไม่ใช่ด้วยศักดิ์ศรีภายในของผลงาน แต่ด้วยเทคนิคที่พัฒนาขึ้นเท่านั้น จิตรกรประวัติศาสตร์ Gaspard Van Opstal (1654-1717), Robert Van Oudenaarde (1663-1743), Honorius Janssens (1664-1736), Hendrik Govaerts (1669-1720) และคนอื่นๆ แต่งภาพเขียนเชิงเปรียบเทียบและตำนานทางศาสนาที่เย็นชาและโอ่อ่าและเป็นครั้งคราวเท่านั้นเมื่อ การสร้างภาพบุคคล เช่น Jan Van Orley (1665-1735) และ Balthasar Beshey (1708-76) ทำให้พวกเขานึกถึงประเพณีของโรงเรียน F. ในอดีตได้ในระดับหนึ่ง Peter Verhagen คนเดียว (พ.ศ. 2271-2354) แสดงให้เห็นว่าตัวเองเป็นจิตรกรประวัติศาสตร์ซึ่งมีความรู้สึกจริงใจเป็นผู้ชื่นชม Rubens อย่างกระตือรือร้นเข้าหาเขาในลักษณะการประหารชีวิตที่กว้างขวางและด้วยสีสันที่สดใส ความเมื่อยล้ายังเกิดขึ้นในสาขาอื่น ๆ ของการวาดภาพ; ทั้งหมดมีการเลียนแบบปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคก่อนหรือผู้ทรงคุณวุฒิของโรงเรียนต่างประเทศที่เฉื่อยชาและเป็นทาส ในบรรดาศิลปินประเภท F. ที่ไม่สำคัญทั้งหมดในยุคนี้ Balthasar Van den Bosche (1681-1715) ซึ่งแสดงภาพฉากครอบครัวทั่วไปมีความโดดเด่นในฐานะศิลปินในขอบเขตดั้งเดิม ในบรรดาจิตรกรการต่อสู้จำนวนมากบางคนเช่น Karel Van Falens (1683-1733), Jan-Peter และ Jan-Frans Van Bredaly (1654-1745, 1686-1750) เลียนแบบ Wouwerman และคนอื่น ๆ เช่น Karel Breidel (1678-1744) พยายามเป็นเหมือน Van der Meulen จิตรกรภูมิทัศน์ใช้ลวดลายสำหรับภาพวาดของตน โดยเฉพาะอย่างยิ่งจากธรรมชาติของอิตาลี และไม่สนใจมากนักเกี่ยวกับการนำเสนอความเป็นจริงอย่างซื่อสัตย์เหมือนกับความเรียบเนียนของเส้นและการตกแต่งและการกระจายรายละเอียดที่สวยงาม ที่มีชื่อเสียงที่สุดในบรรดาศิลปินเหล่านี้คือพี่น้อง Van Bloemen ประเทศฝรั่งเศสชื่อเล่น Oridzonte ในอิตาลี (1662-1748) และ Peter ชื่อเล่น Standard (1657-1720) เดินเตร่อย่างต่อเนื่องเข้าไปในพื้นที่ของศิษยาภิบาลอาร์คาเดียนตามรอยเท้าของ Poussin . ความพยายามที่จะกลับคืนสู่ภูมิทัศน์บ้านเกิดของเขา และประสบความสำเร็จในตอนนั้น เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 เท่านั้น Balthasar Ommegank (1755-1826) ไม่ได้ปราศจากความรู้สึกเฉียบแหลมของธรรมชาติ เขาวาดภาพทุ่งนา สวนผลไม้ และเนินเขาของเบลเยียมอย่างพิถีพิถันและงดงาม พร้อมด้วยฝูงแกะและแพะเล็มหญ้าอยู่ท่ามกลางพวกเขา เมื่อประเทศเปลี่ยนผ่านไปสู่การปกครองของฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2335 อิทธิพลของฝรั่งเศสซึ่งเคยแทรกซึมเข้ามาในงานศิลปะมาก่อนได้ลบลักษณะสุดท้ายของสัญชาติออกไป ลัทธิคลาสสิกหลอกของแอล. เดวิดก่อตั้งขึ้นในภาพวาดประวัติศาสตร์ โดยเปล่าประโยชน์ Willem Gerreins (1743-1827) ผู้อำนวยการ Antwerp Academy ปกป้องด้วยคำพูดและปฏิบัติตามหลักการพื้นฐานของโรงเรียน Rubensian: คนอื่น ๆ ทั้งหมดรีบวิ่งตามรอยเท้าของผู้เขียนคำสาบานของ Horatii อย่างควบคุมไม่ได้ ผู้ติดตามเทรนด์ Davidian ที่โดดเด่นที่สุดคือ Mathieu Van Bre (1773-1839) และ François Navez (1787-1869) อย่างไรก็ตาม อย่างหลังควรได้รับเครดิตสำหรับข้อเท็จจริงที่ว่าในฐานะผู้อำนวยการของ Academy Academy บรัสเซลส์ เขาไม่ได้กำหนดความคิดเห็นของเขาต่อนักเรียนของเขา แต่อนุญาตให้พวกเขาได้รับคำแนะนำจากรสนิยมของตนเอง และด้วยเหตุนี้จึงมีส่วนช่วยในการพัฒนาผู้มีความโดดเด่นมากมาย ศิลปินที่มีทิศทางแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง จิตรกรประเภทและภูมิทัศน์ในเวลานี้ยังคงเลียนแบบปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสโบราณเป็นประจำและยิ่งกว่านั้นคือชาวต่างชาติที่ทันสมัย สิ่งนี้ดำเนินต่อไปหลังจากที่เบลเยียมรวมเป็นรัฐเดียวกับฮอลแลนด์ในปี พ.ศ. 2358 จนกระทั่งการปฏิวัติในปี พ.ศ. 2373 ได้เปลี่ยนให้กลายเป็นอาณาจักรพิเศษ เหตุการณ์นี้ซึ่งกระตุ้นความรักชาติของชาวเบลเยียม ส่งผลให้ภาพวาดของพวกเขากลายเป็นตำนานแห่งยุครุ่งเรืองของโรงเรียน F. กุสตาฟ วาปเปอร์ส (ค.ศ. 1803-1874) เป็นผู้นำการรัฐประหารครั้งนี้ ศิลปินรุ่นเยาว์ทั้งกลุ่มเดินไปตามเส้นทางใหม่ที่เขาเปิดโดยได้รับแรงบันดาลใจจากวิชาประวัติศาสตร์รัสเซียและพยายามสร้างมันขึ้นมาใหม่ในรูปแบบของรูเบนส์ แต่ส่วนใหญ่ตกอยู่ในละครที่พูดเกินจริง อารมณ์ความรู้สึก และการแสดงสีสันที่เกินจริง แรงกระตุ้นต่อชาตินี้ ในตอนแรกไม่มีการควบคุม หลังจากผ่านไปสิบปีก็เข้าสู่ขอบเขตที่สมเหตุสมผลมากขึ้น โดยพื้นฐานแล้ว มันเป็นเสียงสะท้อนของความโรแมนติกที่แพร่กระจายในฝรั่งเศสในขณะนั้น และในการพัฒนาต่อไป ภาพวาดของเบลเยียมก็ดำเนินไปคู่ขนานและเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับภาษาฝรั่งเศส ร่วมกับอย่างหลัง มันรอดพ้นจากช่วงเวลาของแนวโรแมนติกและธรรมชาตินิยม และจนถึงทุกวันนี้สะท้อนให้เห็นถึงแนวโน้มที่ครอบงำอยู่ในนั้น แต่ยังคงรักษารอยประทับดั้งเดิมไว้บ้าง ในบรรดาจิตรกรประวัติศาสตร์ที่ติดตาม Wappers สิ่งที่น่าทึ่งที่สุดคือ: Nicaise De Keyser (เกิดปี 1813), Antoine Wirtz (1806-65), Louis Galle (1810-87) และ Edouard De Bief (1819-82), Michel Verla ( พ.ศ. 2367-33) และเฟอร์ดินันด์ เพาเวลส์ (เกิด พ.ศ. 2373) ในแง่ของแนวเพลง ศิลปินชาวเบลเยียมคนล่าสุดมีชื่อเสียงที่สมควรได้รับ: Jean-Baptiste Madou (1796-1877), Henri Leys (1815-1869), Florent Willems (เกิดในปี 1823), Constantin Meunier (เกิดในปี 1831) , Louis Brillouin (เกิด พ.ศ. 2360) และ Alfred Stevens (เกิด พ.ศ. 2371); ในแนวนอน - Theodore Fourmoy (1814-71), Alfred De Kniff (1819-1885), Francois Lamoriniere (เกิดในปี 1828) และคนอื่น ๆ ; ในภาพวาดสัตว์ - Eugene Verboukhoven (1799-1881), Louis Robb (1807-87), Charles Tehaggeni (1815-94) และ Joseph Stevens (1819-92); สำหรับการวาดภาพวัตถุในธรรมชาติที่ไม่มีชีวิต - Jean-Baptiste Roby (เกิดในปี พ.ศ. 2364) วรรณกรรม.เค. ฟาน มานเดอร์, “Het schilderboek” (Alkmaar, 1604); Kramm, "De levens en werken der hollandsche en vlaamsche kunstschilders" (อัมสเตอร์ดัม, 1856-63); Crowe et Cavalcaselle, "Les anciens peintres flamands" (แปลจากภาษาอังกฤษ ฉบับที่ 2 บรัสเซลส์ พ.ศ. 2405-63); Waagen, "Manuel de l"histoire de la peinture" (แปลจากภาษาอังกฤษ, 3 เล่ม, บรัสเซลส์, 1863); A. Michiels, "Histoire de la peinture flamande" (11 vols., P., 1865-78 ); เอ็ม. รูส, "Geschichte der Malerschule Antverpens" (มิวนิค, 1881); van den Branden, "Geschidenes der antwerpsche schilderschool" (Antwerp, 1878-83); Woltmann und Woermann, "Geschichte der Malerei" (3 เล่ม, Lpts. , 1888); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois" (หน้า 1876); Riegel, "Beiträge zur niderländische Kunstgeschichte" (2 เล่ม: Berlin, 1882) และ A. Wauters, "La peinture flamande" (หนึ่งในเล่มของ "Bibliothèque de l"enseignement des Beaux Arts", P., 1883) เอ.เอ็น.อี.
พจนานุกรมสารานุกรม F.A. บร็อคเฮาส์ และ ไอ.เอ. เอฟรอน. - S.-Pb.: บร็อคเฮาส์-เอฟรอน. 1890-1907 .
ดูว่า "ภาพวาดเฟลมิช" ในพจนานุกรมอื่น ๆ คืออะไร:
หลังจากนั้น ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 การต่อสู้อันดุเดือดและยืดเยื้อของชาวดัตช์เพื่อเสรีภาพทางการเมืองและศาสนาสิ้นสุดลงด้วยการแตกแยกประเทศออกเป็นสองส่วน โดยส่วนหนึ่งซึ่งอยู่ทางตอนเหนือได้กลายมาเป็นสาธารณรัฐโปรเตสแตนต์.. . พจนานุกรมสารานุกรม F.A. บร็อคเฮาส์ และ ไอ.เอ. เอโฟรน
วัฒนธรรมของเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษที่ 15 เป็นแบบทางศาสนา แต่ความรู้สึกทางศาสนาได้รับความเป็นมนุษย์และความเป็นปัจเจกบุคคลมากขึ้นเมื่อเทียบกับยุคกลาง รูปเคารพศักดิ์สิทธิ์ในปัจจุบันเรียกว่าผู้นมัสการไม่เพียงแต่เพื่อบูชาเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงความเข้าใจและความเห็นอกเห็นใจด้วย วิชาศิลปะที่พบบ่อยที่สุดกลายเป็นวิชาที่เกี่ยวข้องกับชีวิตทางโลกของพระคริสต์ พระมารดาของพระเจ้า และนักบุญ พร้อมด้วยความกังวล ความสุข และความทุกข์ทรมานที่ทุกคนรู้จักและเข้าใจดี ศาสนายังคงเป็นสถานที่หลัก ผู้คนจำนวนมากดำเนินชีวิตตามกฎหมายของคริสตจักร บทประพันธ์แท่นบูชาที่เขียนขึ้นสำหรับคริสตจักรคาทอลิกเป็นเรื่องธรรมดามากเพราะลูกค้าคือคริสตจักรคาทอลิกซึ่งครองตำแหน่งที่โดดเด่นในสังคม แม้ว่าจะถึงยุคของการปฏิรูปก็ตามมา ซึ่งแบ่งเนเธอร์แลนด์ออกเป็นสองค่ายที่ทำสงครามกัน คือ คาทอลิกและโปรเตสแตนต์ ความศรัทธายังคงอยู่ อันดับที่ 1 ซึ่งมีการเปลี่ยนแปลงอย่างมีนัยสำคัญในช่วงการตรัสรู้เท่านั้น
ในบรรดาชาวเมืองชาวดัตช์มีคนงานศิลปะมากมาย จิตรกร ประติมากรรม ช่างแกะสลัก อัญมณี ผู้ผลิตกระจกสี เป็นส่วนหนึ่งของการประชุมเชิงปฏิบัติการต่างๆ พร้อมด้วยช่างตีเหล็ก ช่างทอ ช่างปั้น ช่างย้อม ช่างเป่าแก้ว และเภสัชกร อย่างไรก็ตามในสมัยนั้นชื่อ "ปรมาจารย์" ถือเป็นตำแหน่งที่มีเกียรติมากและศิลปินก็สวมมันอย่างมีศักดิ์ศรีไม่น้อยไปกว่าตัวแทนของอาชีพอื่น ๆ ที่ธรรมดากว่า (ในความเห็นของคนสมัยใหม่) ศิลปะใหม่ๆ มีต้นกำเนิดในประเทศเนเธอร์แลนด์เมื่อปลายศตวรรษที่ 14 นี่คือยุคของศิลปินเร่ร่อนที่กำลังมองหาครูและลูกค้าในต่างแดน ปรมาจารย์ชาวดัตช์มักสนใจฝรั่งเศสเป็นหลัก ซึ่งยังคงรักษาความสัมพันธ์ทางวัฒนธรรมและการเมืองกับปิตุภูมิมายาวนาน เป็นเวลานานแล้วที่ศิลปินชาวดัตช์ยังคงเป็นเพียงนักเรียนที่ขยันขันแข็งของพี่น้องชาวฝรั่งเศสเท่านั้น ศูนย์กลางกิจกรรมหลักของปรมาจารย์ชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 14 คือราชสำนักของปารีส - ในช่วงรัชสมัยของ Charles V the Wise (1364-1380) แต่เมื่อถึงช่วงเปลี่ยนศตวรรษศูนย์กลางก็กลายเป็นศาลของพี่ชายสองคนของสิ่งนี้ กษัตริย์: Jean แห่งฝรั่งเศส, Duke of Berry ใน Bourges และ Philip the Brave, Duke of Burgundy ใน Dijon ที่ศาลที่ Jan van Eyck ทำงานมาเป็นเวลานาน
ศิลปินในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชาวดัตช์ไม่ได้พยายามทำความเข้าใจกฎการดำรงอยู่ทั่วไปอย่างมีเหตุผลพวกเขาอยู่ห่างไกลจากความสนใจทางวิทยาศาสตร์และทางทฤษฎีและความหลงใหลในวัฒนธรรมโบราณ แต่พวกเขาประสบความสำเร็จในการถ่ายโอนความลึกของอวกาศ บรรยากาศที่เต็มไปด้วยแสง คุณสมบัติที่ละเอียดอ่อนที่สุดของโครงสร้างและพื้นผิวของวัตถุ เติมเต็มทุกรายละเอียดด้วยจิตวิญญาณแห่งบทกวีที่ลึกซึ้ง ตามประเพณีแบบโกธิก พวกเขาแสดงความสนใจเป็นพิเศษในรูปลักษณ์ภายนอกของบุคคลในโครงสร้างของโลกฝ่ายวิญญาณของเขา พัฒนาการที่ก้าวหน้าของศิลปะดัตช์ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 และ 16 เกี่ยวข้องกับการดึงดูดโลกแห่งความเป็นจริงและชีวิตพื้นบ้าน การพัฒนาภาพบุคคล องค์ประกอบของประเภทในชีวิตประจำวัน ภูมิทัศน์ หุ่นนิ่ง พร้อมความสนใจในนิทานพื้นบ้านและภาพพื้นบ้านที่เพิ่มขึ้น ช่วยให้เกิดการเปลี่ยนแปลงโดยตรงจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไปสู่หลักการทางศิลปะ ของศตวรรษที่ 17
มันอยู่ในศตวรรษที่สิบสี่และสิบห้า จึงเป็นที่มาและพัฒนาการของรูปแท่นบูชา
ในขั้นต้น คำว่าแท่นบูชาถูกใช้โดยชาวกรีกและโรมันเพื่อหมายถึงแผ่นจารึกสองแผ่นที่เคลือบด้วยขี้ผึ้งแล้วนำมาต่อกันซึ่งทำหน้าที่เป็นสมุดบันทึก พวกมันเป็นไม้ กระดูก หรือโลหะ ด้านในของพับมีไว้สำหรับเขียนด้านนอกสามารถตกแต่งด้วยลวดลายต่างๆ แท่นบูชาเรียกอีกอย่างว่าแท่นบูชาซึ่งเป็นสถานที่ศักดิ์สิทธิ์สำหรับการสังเวยและสวดมนต์ต่อเทพเจ้าในที่โล่ง ในศตวรรษที่ 13 ในช่วงรุ่งเรืองของศิลปะกอธิคส่วนตะวันออกทั้งหมดของวัดซึ่งคั่นด้วยแท่นบูชาก็ถูกเรียกว่าแท่นบูชาและในโบสถ์ออร์โธดอกซ์จากศตวรรษที่ 15 - สัญลักษณ์ แท่นบูชาที่มีประตูเคลื่อนย้ายได้เป็นศูนย์กลางทางอุดมการณ์ของการตกแต่งภายในวัด ซึ่งเป็นนวัตกรรมใหม่ในศิลปะกอทิก การเรียบเรียงแท่นบูชาส่วนใหญ่มักทาสีตามฉากในพระคัมภีร์ ในขณะที่ภาพไอคอนที่มีใบหน้าของนักบุญก็ปรากฏบนภาพสัญลักษณ์ มีองค์ประกอบแท่นบูชาเช่น diptychs, triptychs และ polyptychs Diptych มี 2 ชิ้น Triptych มี 3 ชิ้น และ Polyptych มี 5 ชิ้นขึ้นไปที่เชื่อมต่อกันด้วยธีมและการออกแบบองค์ประกอบร่วมกัน
Robert Campin เป็นจิตรกรชาวดัตช์หรือที่รู้จักกันในชื่อ Master of Flemal และ Master of the Merode Altarpiece ตามเอกสารที่ยังมีชีวิตอยู่ Campin จิตรกรจาก Tournai เป็นอาจารย์ของ Rogier van der Weyden ผู้โด่งดัง ผลงานที่โด่งดังที่สุดที่ยังมีชีวิตอยู่ของคัมเปนคือชิ้นส่วนแท่นบูชาสี่ชิ้น ซึ่งปัจจุบันตั้งอยู่ที่สถาบันศิลปะสตาเดลในแฟรงก์เฟิร์ต อัม ไมน์ โดยทั่วไปเชื่อกันว่าสามคนนี้มาจากอารามเฟลมัล ซึ่งเป็นชื่อที่ผู้เขียนได้รับสมญานามว่า เฟลมาลล์มาสเตอร์ อันมีค่าซึ่งเคยเป็นของเคาน์เตสเมโรดและตั้งอยู่ในตองเกอร์ลูในเบลเยียม ทำให้เกิดชื่อเล่นอีกชื่อหนึ่งของศิลปิน - ปรมาจารย์แห่งแท่นบูชาแห่งเมโรด ปัจจุบันแท่นบูชานี้อยู่ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิตัน (นิวยอร์ก) พู่กันของกัมแปงยังรวมถึง “การประสูติของพระเยซู” จากพิพิธภัณฑ์ในเมืองดีฌง แผงสองแผงที่เรียกว่า Verle Altarpiece ซึ่งจัดเก็บไว้ในปราโด และภาพวาดอีกประมาณ 20 ภาพ บางส่วนเป็นเพียงเศษเสี้ยวของผลงานขนาดใหญ่หรือสำเนาร่วมสมัยของภาพขนาดยาว ผลงานที่หายไปของอาจารย์
ผลงานแท่นบูชาเมโรดเป็นผลงานที่มีความสำคัญเป็นพิเศษต่อการพัฒนาความสมจริงในการวาดภาพของชาวดัตช์ และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ในการสร้างรูปแบบการวาดภาพเหมือนของชาวดัตช์
ในภาพอันมีค่านี้ ที่อยู่อาศัยในเมืองร่วมสมัยของศิลปินปรากฏต่อหน้าต่อตาผู้ชมด้วยความแท้จริงทั้งหมด องค์ประกอบส่วนกลางซึ่งมีฉากการประกาศ แสดงถึงห้องนั่งเล่นหลักของบ้าน ที่ปีกซ้าย คุณจะเห็นลานภายในที่ล้อมรอบด้วยกำแพงหินพร้อมบันไดระเบียง และประตูทางเข้าแง้มไว้ซึ่งนำไปสู่บ้าน ปีกขวามีห้องที่สองซึ่งเป็นที่ตั้งของโรงช่างไม้ของเจ้าของ สิ่งนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงเส้นทางที่อาจารย์จากเฟลมัลเลือก โดยเปลี่ยนความประทับใจในชีวิตจริงให้เป็นภาพศิลปะ งานนี้กลายเป็นเป้าหมายหลักของการสร้างสรรค์โดยรู้ตัวหรือโดยสัญชาตญาณ อาจารย์จากเฟลมัลถือว่าเป้าหมายหลักของเขาคือการพรรณนาถึงฉากการประกาศและการพรรณนาถึงร่างของลูกค้าผู้เคร่งครัดที่บูชาพระแม่มารี แต่ในท้ายที่สุด หลักการชีวิตที่เป็นรูปธรรมที่มีอยู่ในภาพนั้นก็มีน้ำหนักเกิน ทำให้มาจนถึงทุกวันนี้ด้วยภาพความสดชื่นอันบริสุทธิ์ของภาพแห่งความเป็นจริงของมนุษย์ ซึ่งครั้งหนึ่งเคยเป็นสำหรับผู้คนในบางประเทศ ยุคสมัยหนึ่ง และสถานะทางสังคมที่แน่นอน กิจวัตรประจำวันของการดำรงอยู่ที่แท้จริงของพวกเขา ปรมาจารย์จากเฟลมัลดำเนินงานนี้โดยคำนึงถึงความสนใจและจิตวิทยาของเพื่อนร่วมชาติและเพื่อนร่วมชาติซึ่งเขาเองก็แบ่งปัน ดูเหมือนจะให้ความสนใจหลักกับสภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวันของผู้คนทำให้บุคคลเป็นส่วนหนึ่งของโลกแห่งวัตถุและทำให้เขาเกือบจะอยู่ในระดับเดียวกันกับของใช้ในครัวเรือนที่มาพร้อมกับชีวิตของเขาศิลปินสามารถอธิบายลักษณะไม่เพียง แต่ภายนอกเท่านั้น แต่ รูปร่างหน้าตาทางจิตวิทยาของฮีโร่ของเขาด้วย
วิธีการนี้ พร้อมด้วยการแก้ไขปรากฏการณ์เฉพาะของความเป็นจริง คือการตีความโครงเรื่องทางศาสนาแบบพิเศษ ในการเรียบเรียงเนื้อหาเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนาที่เหมือนกัน พระอาจารย์จากเฟลมาลได้แนะนำรายละเอียดดังกล่าวและรวบรวมเนื้อหาที่เป็นสัญลักษณ์ซึ่งทำให้จินตนาการของผู้ชมหลุดไปจากการตีความตำนานดั้งเดิมที่คริสตจักรอนุมัติ และชี้แนะให้เขารับรู้ถึงความเป็นจริงของการมีชีวิต ในภาพเขียนบางภาพ ศิลปินได้ทำซ้ำเรื่องราวที่ยืมมาจากวรรณกรรมที่ไม่มีหลักฐานทางศาสนา ซึ่งให้การตีความแผนการที่แหวกแนว ซึ่งพบได้ทั่วไปในสังคมประชาธิปไตยของสังคมดัตช์ สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในแท่นบูชาแห่งเมโรด การละทิ้งแนวปฏิบัติที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปคือการนำร่างของโจเซฟเข้าสู่ฉากการประกาศ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ศิลปินให้ความสนใจกับตัวละครนี้มากที่นี่ ในช่วงชีวิตของปรมาจารย์แห่งเฟลมัล ลัทธิของโจเซฟเติบโตขึ้นอย่างมาก โดยทำหน้าที่เชิดชูศีลธรรมของครอบครัว ในวีรบุรุษแห่งตำนานพระกิตติคุณคนนี้เน้นย้ำถึงความเป็นบ้านการเป็นเจ้าของโลกของเขาถูกมองว่าเป็นช่างฝีมือในอาชีพบางอย่างและเป็นสามีที่เป็นแบบอย่างของการเลิกบุหรี่ ภาพลักษณ์ของช่างไม้ที่เรียบง่ายเกิดขึ้น เต็มไปด้วยความอ่อนน้อมถ่อมตนและความบริสุทธิ์ทางศีลธรรม ซึ่งสอดคล้องกับอุดมคติของชาวเมืองในยุคนั้นอย่างสมบูรณ์ ในแท่นบูชาแห่งเมโรด โจเซฟคือผู้ที่ศิลปินสร้างให้เป็นผู้ควบคุมความหมายที่ซ่อนอยู่ของภาพ
ทั้งตัวผู้คนเองและผลงานของพวกเขาซึ่งรวมอยู่ในวัตถุที่อยู่รอบตัวพวกเขาทำหน้าที่เป็นผู้ขนส่งหลักการอันศักดิ์สิทธิ์ การนับถือพระเจ้าที่แสดงออกโดยศิลปินเป็นศัตรูต่อศาสนาของคริสตจักรอย่างเป็นทางการและวางบนเส้นทางสู่การปฏิเสธ โดยคาดหวังองค์ประกอบบางอย่างของคำสอนทางศาสนาใหม่ที่เผยแพร่ในช่วงต้นศตวรรษที่ 16 - ลัทธิคาลวินพร้อมการยอมรับความศักดิ์สิทธิ์ของทุกอาชีพ ในชีวิต. ไม่ใช่เรื่องยากที่จะสังเกตเห็นว่าภาพวาดของอาจารย์จากเฟลมัลนั้นเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของ "ชีวิตประจำวันที่ชอบธรรม" ซึ่งใกล้เคียงกับอุดมคติของหลักคำสอน "devotio moderna" ที่กล่าวถึงข้างต้น
เบื้องหลังทั้งหมดนี้ทำให้เกิดภาพลักษณ์ของชายคนใหม่ - ชาวเมืองชาวเมืองที่มีการแต่งหน้าทางจิตวิญญาณดั้งเดิมโดยสมบูรณ์แสดงรสนิยมและความต้องการอย่างชัดเจน ในการอธิบายลักษณะของชายผู้นี้นั้นไม่เพียงพอสำหรับศิลปินที่เขาทำให้รูปลักษณ์ของฮีโร่ของเขาแสดงออกถึงความเป็นปัจเจกบุคคลในระดับที่สูงกว่าที่นักย่อส่วนรุ่นก่อน ๆ ทำ เขาดึงดูดสภาพแวดล้อมทางวัตถุที่มาพร้อมกับมนุษย์ให้มีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในเรื่องนี้ วีรบุรุษของปรมาจารย์จากเฟลมัลคงเข้าใจได้ยากหากไม่มีโต๊ะ เก้าอี้สตูลและม้านั่งกระแทกจากแผ่นไม้โอ๊ค ประตูที่มีขายึดและแหวนโลหะ หม้อทองแดงและเหยือกดินเผา หน้าต่างพร้อมบานประตูหน้าต่างไม้ กันสาดขนาดใหญ่เหนือเตาผิง ลักษณะที่สำคัญของตัวละครคือมองเห็นถนนในบ้านเกิดของพวกเขาผ่านหน้าต่างห้องต่างๆ และหญ้ากระจุกและดอกไม้ที่ไร้เดียงสาและไร้เดียงสาเติบโตที่ธรณีประตูของบ้าน ทั้งหมดนี้เหมือนกับว่าอนุภาคแห่งจิตวิญญาณของบุคคลที่อาศัยอยู่ในบ้านที่ปรากฎนั้นถูกรวบรวมไว้ ผู้คนและสิ่งของต่างใช้ชีวิตร่วมกันและดูเหมือนจะถูกสร้างขึ้นจากวัสดุชนิดเดียวกัน เจ้าของห้องมีความเรียบง่ายและ “เข้ากันอย่างลงตัว” เช่นเดียวกับสิ่งของที่เป็นของพวกเขา เหล่านี้เป็นชายและหญิงที่น่าเกลียด นุ่งห่มผ้าเนื้อดี ล้มพับอย่างหนัก พวกเขามีสีหน้าสงบ จริงจัง และมีสมาธิ เหล่านี้คือลูกค้า สามีและภรรยา ที่คุกเข่าอยู่หน้าประตูห้องประกาศบนแท่นบูชาแห่งเมโรด พวกเขาออกจากโกดัง เคาน์เตอร์ และโรงปฏิบัติงาน และเดินทางมาอย่างยุ่งวุ่นวายจากถนนเหล่านั้นและจากบ้านเหล่านั้นซึ่งมองเห็นได้หลังประตูที่เปิดอยู่ของลานบ้านเพื่อชำระหนี้ความกตัญญู โลกภายในของพวกเขาสมบูรณ์และสงบ ความคิดของพวกเขามุ่งเน้นไปที่กิจวัตรประจำวัน คำอธิษฐานของพวกเขาเฉพาะเจาะจงและมีสติ ภาพวาดนี้เชิดชูชีวิตประจำวันของมนุษย์และแรงงานของมนุษย์ ซึ่งตามการตีความของอาจารย์จากเฟลมัลนั้น รายล้อมไปด้วยรัศมีแห่งความดีและความบริสุทธิ์ทางศีลธรรม
เป็นลักษณะเฉพาะที่ศิลปินพิจารณาว่าเป็นไปได้ที่จะแสดงคุณลักษณะที่คล้ายกันของลักษณะนิสัยของมนุษย์แม้กระทั่งกับตัวละครในตำนานทางศาสนาซึ่งรูปลักษณ์ภายนอกนั้นถูกกำหนดโดยอนุสัญญาดั้งเดิมในระดับสูงสุด ปรมาจารย์จากเฟลมัลเป็นผู้แต่ง "เบอร์เกอร์มาดอนน่า" ประเภทนั้นซึ่งยังคงอยู่ในภาพวาดของชาวดัตช์มาเป็นเวลานาน มาดอนน่าของเขาอาศัยอยู่ในห้องธรรมดาของบ้านเบอร์เกอร์ ล้อมรอบด้วยบรรยากาศอบอุ่นและอบอุ่นเหมือนบ้าน เธอนั่งบนม้านั่งไม้โอ๊คใกล้เตาผิงหรือโต๊ะไม้ เธอถูกรายล้อมไปด้วยของใช้ในครัวเรือนทุกประเภทที่เน้นความเรียบง่ายและความเป็นมนุษย์ในรูปลักษณ์ของเธอ ใบหน้าของเธอสงบและชัดเจน ดวงตาของเธอลดลงแล้วมองไปที่หนังสือหรือทารกที่นอนอยู่บนตักของเธอ ในภาพนี้ความเชื่อมโยงกับพื้นที่ของความคิดเกี่ยวกับจิตวิญญาณไม่ได้เน้นมากนักเหมือนกับธรรมชาติของมนุษย์ เขาเต็มไปด้วยความศรัทธาที่เข้มข้นและชัดเจนสอดคล้องกับความรู้สึกและจิตวิทยาของคนทั่วไปในสมัยนั้น (มาดอนน่าจากฉากการประกาศแท่นบูชาเมโรด, มาดอนน่าในห้อง, มาดอนน่าข้างเตาผิง) ตัวอย่างเหล่านี้แสดงให้เห็นว่าอาจารย์จากเฟลมาลล์ปฏิเสธที่จะถ่ายทอดแนวคิดทางศาสนาด้วยวิธีการทางศิลปะอย่างเด็ดเดี่ยว ซึ่งจำเป็นต้องลบภาพลักษณ์ของผู้เคร่งศาสนาออกจากขอบเขตของชีวิตจริง ในงานของเขา ไม่ใช่มนุษย์ที่ถูกขนส่งจากโลกสู่โลกแห่งจินตนาการ แต่เป็นตัวละครทางศาสนาที่สืบเชื้อสายมาสู่โลกและกระโจนเข้าสู่ท่ามกลางชีวิตประจำวันของมนุษย์ร่วมสมัยในเอกลักษณ์ที่แท้จริงทั้งหมด การปรากฏตัวของบุคลิกภาพของมนุษย์ภายใต้แปรงของศิลปินได้รับความซื่อสัตย์ สัญญาณของการแยกทางจิตวิญญาณของเขาอ่อนแอลง สิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากความสอดคล้องของสถานะทางจิตวิทยาของวีรบุรุษในภาพวาดพล็อตกับสภาพแวดล้อมทางวัตถุที่อยู่รอบตัวพวกเขารวมถึงการไม่มีความไม่ลงรอยกันระหว่างการแสดงออกทางสีหน้าของตัวละครแต่ละตัวและลักษณะของท่าทางของพวกเขา
ในหลายกรณี พระอาจารย์จากเฟลมัลจัดการพับเสื้อผ้าของวีรบุรุษตามรูปแบบดั้งเดิม แต่ภายใต้พู่กันของเขา รอยขาดของผ้ากลับกลายเป็นการตกแต่งอย่างหมดจด พวกเขาไม่ได้ถูกกำหนดความหมายใด ๆ ที่เกี่ยวข้องกับลักษณะทางอารมณ์ของเจ้าของเสื้อผ้าเช่นรอยพับของเสื้อผ้าของแมรี่ การจัดเรียงรอยพับของร่างของนักบุญ เสื้อคลุมกว้างของยาโคบขึ้นอยู่กับรูปร่างของร่างกายมนุษย์ที่ซ่อนอยู่ข้างใต้และเหนือสิ่งอื่นใดคือตำแหน่งมือซ้ายซึ่งขอบของผ้าหนาถูกโยนทับ ทั้งตัวบุคคลและเสื้อผ้าที่เขาสวมใส่ตามปกติมีน้ำหนักวัสดุที่จับต้องได้ชัดเจน สิ่งนี้ไม่เพียงให้บริการโดยการสร้างแบบจำลองของแบบฟอร์มพลาสติกที่พัฒนาโดยใช้เทคนิคที่สมจริงอย่างแท้จริง แต่ยังรวมถึงความสัมพันธ์ที่ได้รับการแก้ไขใหม่ระหว่างร่างมนุษย์และพื้นที่ที่จัดสรรไว้ในภาพซึ่งกำหนดโดยตำแหน่งในช่องทางสถาปัตยกรรม โดยการวางรูปปั้นไว้ในซอกที่มีความลึกที่มองเห็นได้ชัดเจน แม้ว่าจะสร้างไม่ถูกต้อง แต่ก็มีความลึก แต่ศิลปินก็สามารถทำให้ร่างมนุษย์เป็นอิสระจากรูปแบบทางสถาปัตยกรรมได้ มันถูกแยกออกจากช่องทางสายตา ความลึกของส่วนหลังถูกเน้นย้ำโดย chiaroscuro; ด้านที่ส่องสว่างของร่างโดดเด่นอย่างโล่งอกเมื่อเทียบกับพื้นหลังของผนังด้านข้างที่มีเงาของช่อง ในขณะที่เงาตกลงมาจากผนังเบา ด้วยเทคนิคทั้งหมดนี้ บุคคลที่ปรากฎในภาพจึงดูพอเพียง มีเนื้อหาและเป็นองค์รวม ในลักษณะที่ปรากฏของเขาปราศจากความเกี่ยวข้องกับประเภทการเก็งกำไร
การบรรลุเป้าหมายเดียวกันนี้เกิดจากความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับเส้นสายที่ทำให้พระอาจารย์แตกต่างจากเฟลมาล ซึ่งในงานของเขาได้สูญเสียลักษณะเฉพาะของการตกแต่งที่เป็นนามธรรมในอดีต และปฏิบัติตามกฎธรรมชาติที่แท้จริงของการสร้างรูปทรงพลาสติก ใบหน้าของเซนต์. แม้ว่ายาโคบจะขาดพลังทางอารมณ์ของลักษณะการแสดงออกของโมเสสผู้เผยพระวจนะของ Sluter แต่เขาก็ยังเปิดเผยลักษณะของภารกิจใหม่ด้วย การปรากฏตัวของนักบุญผู้สูงอายุนั้นเป็นรายบุคคลเพียงพอ แต่ไม่มีคุณสมบัติลวงตาที่เป็นธรรมชาติ แต่เป็นองค์ประกอบของรูปแบบทั่วไป
เมื่อมองไปที่แท่นบูชา Merode เป็นครั้งแรก มีความรู้สึกว่าเราอยู่ในโลกอวกาศของภาพ ซึ่งมีคุณสมบัติพื้นฐานทั้งหมดของความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน - ความลึกไม่จำกัด ความมั่นคง ความสมบูรณ์ และความสมบูรณ์ ศิลปินแนวโกธิกสากล แม้จะอยู่ในผลงานที่กล้าหาญที่สุด แต่ก็ไม่ได้พยายามเพื่อให้ได้องค์ประกอบที่สมเหตุสมผลเช่นนี้ ดังนั้นความเป็นจริงที่พวกเขาแสดงให้เห็นจึงไม่น่าเชื่อถือ ผลงานของพวกเขามีอะไรบางอย่างในเทพนิยาย: ที่นี่ขนาดและตำแหน่งสัมพัทธ์ของวัตถุสามารถเปลี่ยนแปลงได้ตามอำเภอใจและความเป็นจริงและนิยายก็ถูกรวมเข้าไว้ด้วยกันอย่างกลมกลืน แตกต่างจากศิลปินเหล่านี้ ปรมาจารย์แห่งเฟลมัลกล้าที่จะพรรณนาถึงความจริงและความจริงเท่านั้นในผลงานของเขา นี่ไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับเขา ดูเหมือนว่าในงานของเขา วัตถุซึ่งได้รับการปฏิบัติด้วยความสนใจมากเกินไปต่อการถ่ายโอนมุมมอง จะอัดแน่นอยู่ในพื้นที่ที่ถูกครอบครอง อย่างไรก็ตาม ศิลปินที่มีความพากเพียรอย่างน่าทึ่งเขียนรายละเอียดที่เล็กที่สุดของตน โดยมุ่งมั่นเพื่อความเฉพาะเจาะจงสูงสุด วัตถุแต่ละชิ้นมีรูปร่าง ขนาด สี วัสดุ พื้นผิว ระดับความยืดหยุ่น และความสามารถในการสะท้อนแสงที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง ศิลปินยังถ่ายทอดความแตกต่างระหว่างแสงซึ่งทำให้เกิดเงาที่นุ่มนวลกับแสงที่พุ่งตรงจากหน้าต่างทรงกลมทั้งสอง ส่งผลให้เกิดเงาสองเงา ซึ่งปรากฏอย่างคมชัดในแผงตรงกลางด้านบนของภาพอันมีค่า และการสะท้อนสองครั้งบนภาชนะทองแดง และเชิงเทียน
ปรมาจารย์จากเฟลมัลสามารถถ่ายทอดเหตุการณ์ลึกลับจากสภาพแวดล้อมที่เป็นสัญลักษณ์ไปสู่สภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวันได้โดยไม่ดูซ้ำซากและไร้สาระ โดยใช้วิธีที่เรียกว่า "สัญลักษณ์ที่ซ่อนอยู่" สาระสำคัญอยู่ที่ความจริงที่ว่าเกือบทุกรายละเอียดของภาพสามารถมีความหมายเชิงสัญลักษณ์ได้ ตัวอย่างเช่น ดอกไม้ทางปีกซ้ายและแผงกลางของอันมีค่ามีความเกี่ยวข้องกับพระแม่มารี: กุหลาบบ่งบอกถึงความรักของเธอ สีม่วงบ่งบอกถึงความอ่อนน้อมถ่อมตนของเธอ และดอกลิลลี่บ่งบอกถึงความบริสุทธิ์ทางเพศ หม้อและผ้าเช็ดตัวขัดเงาไม่ได้เป็นเพียงของใช้ในครัวเรือน แต่เป็นสัญลักษณ์ที่ชวนให้นึกถึงความจริงที่ว่าพระแม่มารีเป็น "ภาชนะที่บริสุทธิ์ที่สุด" และ "แหล่งน้ำดำรงชีวิต"
ผู้อุปถัมภ์ของศิลปินจะต้องตระหนักดีถึงความหมายของสัญลักษณ์ที่สร้างขึ้นเหล่านี้ อันมีค่าเต็มไปด้วยความสมบูรณ์ของสัญลักษณ์ในยุคกลาง แต่กลับกลายเป็นว่ามีการถักทออย่างใกล้ชิดกับโลกแห่งชีวิตประจำวันซึ่งบางครั้งมันก็ยากสำหรับเราที่จะตัดสินว่ารายละเอียดนี้หรือนั้นจำเป็นต้องมีการตีความเชิงสัญลักษณ์หรือไม่ บางทีสัญลักษณ์ที่น่าสนใจที่สุดในประเภทนี้ก็คือเทียนที่ตั้งอยู่ใกล้กับแจกันดอกลิลลี่ มันเพิ่งดับลงแล้ว ดังที่เห็นได้จากไส้ตะเกียงเรืองแสงและควันที่ม้วนงอ แต่เหตุใดจึงสว่างในเวลากลางวันแสกๆ และเหตุใดเปลวไฟจึงดับลง? บางทีแสงของอนุภาคแห่งโลกแห่งวัตถุนี้ไม่สามารถต้านทานความเปล่งประกายอันศักดิ์สิทธิ์จากการปรากฏของผู้ทรงอำนาจได้? หรืออาจเป็นเปลวเทียนที่แสดงถึงแสงอันศักดิ์สิทธิ์ ซึ่งดับลงเพื่อแสดงให้เห็นว่าพระเจ้าได้ทรงบังเกิดเป็นมนุษย์ และในพระคริสต์ “พระวาทะได้บังเกิดเป็นเนื้อหนัง”? สิ่งลึกลับอีกอย่างคือวัตถุสองชิ้นที่ดูเหมือนกล่องเล็ก ๆ ชิ้นหนึ่งอยู่บนโต๊ะทำงานของโจเซฟ และอีกชิ้นอยู่ที่บัวนอกหน้าต่างที่เปิดอยู่ เชื่อกันว่าสิ่งเหล่านี้เป็นกับดักหนูและมีจุดมุ่งหมายเพื่อถ่ายทอดข้อความทางเทววิทยาบางอย่าง ตามที่นักบุญออกัสตินกล่าวไว้ พระเจ้าต้องปรากฏบนโลกในร่างมนุษย์เพื่อหลอกลวงซาตาน: “ไม้กางเขนของพระคริสต์เป็นกับดักหนูสำหรับซาตาน”
เทียนดับและกับดักหนูเป็นสัญลักษณ์ที่ไม่ธรรมดา พวกเขาได้รับการแนะนำให้รู้จักกับวิจิตรศิลป์โดยปรมาจารย์แห่งเฟลมอล เป็นไปได้ว่าเขาเป็นผู้ชายที่มีความรู้ความสามารถเป็นพิเศษ หรือสื่อสารกับนักเทววิทยาและนักวิทยาศาสตร์คนอื่นๆ ซึ่งเขาได้เรียนรู้ข้อมูลเกี่ยวกับสัญลักษณ์ของสิ่งของในชีวิตประจำวัน เขาไม่เพียงแต่สานต่อประเพณีเชิงสัญลักษณ์ของศิลปะยุคกลางภายใต้กรอบของการเคลื่อนไหวที่สมจริงแบบใหม่ แต่ยังขยายและเพิ่มคุณค่าด้วยความคิดสร้างสรรค์ของเขา
เป็นเรื่องน่าสนใจที่รู้ว่าเหตุใดเขาจึงติดตามเป้าหมายสองประการที่ตรงกันข้ามอย่างสิ้นเชิงในงานของเขาไปพร้อม ๆ กัน - ความสมจริงและสัญลักษณ์? เห็นได้ชัดว่าสำหรับเขาแล้วพวกเขาพึ่งพาซึ่งกันและกันและไม่เกิดความขัดแย้ง ศิลปินเชื่อว่าเมื่อวาดภาพความเป็นจริงในชีวิตประจำวันจำเป็นต้อง "สร้างจิตวิญญาณ" ให้มากที่สุด ทัศนคติที่ให้ความเคารพอย่างลึกซึ้งต่อโลกวัตถุซึ่งเป็นภาพสะท้อนของความจริงอันศักดิ์สิทธิ์ทำให้เราเข้าใจได้ง่ายขึ้นว่าทำไมอาจารย์จึงให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับรายละเอียดที่เล็กที่สุดและแทบไม่เด่นชัดของอันมีค่าเช่นเดียวกับตัวละครหลัก ทุกสิ่งที่นี่ อย่างน้อยก็ในรูปแบบที่ซ่อนอยู่ ถือเป็นสัญลักษณ์ จึงสมควรได้รับการศึกษาอย่างรอบคอบที่สุด สัญลักษณ์ที่ซ่อนอยู่ในผลงานของปรมาจารย์เฟลมัลและผู้ติดตามของเขาไม่ได้เป็นเพียงอุปกรณ์ภายนอกที่ซ้อนทับบนพื้นฐานความสมจริงแบบใหม่ แต่ยังเป็นส่วนสำคัญของกระบวนการสร้างสรรค์ทั้งหมด ผู้ร่วมสมัยชาวอิตาลีของพวกเขารู้สึกเช่นนี้เพราะพวกเขาชื่นชมทั้งความสมจริงอันน่าทึ่งและ "ความศรัทธา" ของปรมาจารย์ชาวเฟลมิช
ผลงานของคัมเปนมีความเก่าแก่มากกว่าผลงานของยาน ฟาน เอคร่วมสมัยรุ่นน้องของเขา แต่ผลงานเหล่านี้มีความโดดเด่นด้วยประชาธิปไตยและความเรียบง่ายในการตีความหัวข้อทางศาสนาในชีวิตประจำวันในบางครั้ง Robert Campin มีอิทธิพลอย่างมากต่อจิตรกรชาวดัตช์รุ่นต่อๆ ไป รวมถึง Rogier van der Weyden ลูกศิษย์ของเขาด้วย Kampen ยังเป็นหนึ่งในจิตรกรภาพเหมือนคนแรกในการวาดภาพชาวยุโรป
แท่นบูชาเกนต์
เกนท์ ซึ่งเป็นเมืองหลวงเก่าของแฟลนเดอร์ส ยังคงรักษาความทรงจำเกี่ยวกับความรุ่งโรจน์และอำนาจในอดีต อนุสรณ์สถานทางวัฒนธรรมที่โดดเด่นหลายแห่งถูกสร้างขึ้นในเกนต์ แต่เป็นเวลานานที่ผู้คนได้รับความสนใจจากผลงานชิ้นเอกของจิตรกรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของประเทศเนเธอร์แลนด์ Jan van Eyck - ผลงานแท่นบูชาเกนต์ กว่าห้าร้อยปีที่แล้วในปี 1432 พับนี้ถูกนำมาที่โบสถ์เซนต์ จอห์น (ปัจจุบันคืออาสนวิหารเซนต์บาโว) และติดตั้งในโบสถ์ของ Jos Feid Jos Feid หนึ่งในผู้อยู่อาศัยที่ร่ำรวยที่สุดของ Ghent และต่อมาเป็นเจ้าเมือง ได้สั่งสร้างแท่นบูชาสำหรับโบสถ์ประจำครอบครัวของเขา
นักประวัติศาสตร์ศิลป์ใช้ความพยายามอย่างมากในการพยายามคิดว่าพี่ชายสองคนคนไหน - Jan หรือ Hubert van Eyck - มีบทบาทสำคัญในการสร้างแท่นบูชา คำจารึกภาษาละตินระบุว่า Hubert เป็นคนเริ่ม และ Jan van Eyck เป็นคนทำสำเร็จ อย่างไรก็ตามความแตกต่างในลายมือที่งดงามของพี่น้องยังไม่ได้รับการยอมรับและนักวิทยาศาสตร์บางคนถึงกับปฏิเสธการมีอยู่ของ Hubert van Eyck ความสามัคคีและความสมบูรณ์ทางศิลปะของแท่นบูชาทำให้ไม่ต้องสงสัยเลยว่านี่เป็นผลงานของนักเขียนคนหนึ่งซึ่งก็คือ Jan van Eyck เท่านั้น อย่างไรก็ตาม อนุสาวรีย์ใกล้กับมหาวิหารแสดงภาพศิลปินทั้งสองคน รูปปั้นทองสัมฤทธิ์สองตัวที่ปกคลุมไปด้วยคราบสีเขียวมองดูความพลุกพล่านโดยรอบอย่างเงียบๆ
ฉากแท่นบูชาเกนต์เป็นโพลีพติชขนาดใหญ่ที่ประกอบด้วยสิบสองส่วน มีความสูงประมาณ 3.5 เมตร กว้างเมื่อกางออกประมาณ 5 เมตร ในประวัติศาสตร์ศิลปะ ผลงานแท่นบูชาเกนต์เป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว เป็นปรากฏการณ์ที่น่าทึ่งของอัจฉริยภาพเชิงสร้างสรรค์ ไม่มีคำจำกัดความเดียวในรูปแบบบริสุทธิ์ที่สามารถใช้ได้กับฉากแท่นบูชาเกนต์ ยาน ฟาน เอคสามารถมองเห็นความเจริญรุ่งเรืองของยุคสมัยที่ชวนให้นึกถึงฟลอเรนซ์ในสมัยของลอเรนโซผู้ยิ่งใหญ่ ตามที่ผู้เขียนกล่าวไว้ แท่นบูชาให้ภาพที่ครอบคลุมเกี่ยวกับแนวคิดเกี่ยวกับโลก พระเจ้า และมนุษย์ อย่างไรก็ตาม ลัทธิสากลนิยมในยุคกลางสูญเสียคุณลักษณะเชิงสัญลักษณ์และเต็มไปด้วยเนื้อหาที่เป็นรูปธรรมและเป็นรูปธรรม ภาพวาดที่ด้านนอกของประตูด้านข้างซึ่งมองเห็นได้ในวันธรรมดาที่ไม่ใช่วันหยุดซึ่งเป็นตอนที่แท่นบูชาถูกปิดอยู่นั้นดูน่าทึ่งเป็นพิเศษในเรื่องความมีชีวิตชีวา นี่คือตัวเลขของผู้บริจาค - คนจริง ผู้ร่วมสมัยของศิลปิน ตัวเลขเหล่านี้เป็นตัวอย่างแรกของงานศิลปะภาพเหมือนในผลงานของ Jan van Eyck ท่าทางที่ยับยั้งชั่งใจและแสดงความเคารพและประสานมืออธิษฐานจะทำให้ร่างของบุคคลมีความแข็งตึง แต่สิ่งนี้ไม่ได้ขัดขวางศิลปินจากการบรรลุความจริงในชีวิตที่น่าทึ่งและความสมบูรณ์ของภาพ
ในแถวล่างของภาพวาดจากวัฏจักรประจำวันเป็นภาพของ Jodocus Veidt - ชายผู้น่านับถือและใจเย็น กระเป๋าเงินขนาดใหญ่แขวนอยู่บนเข็มขัดซึ่งบ่งบอกถึงความมั่งคั่งของเจ้าของ ใบหน้าของวีดท์มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ศิลปินถ่ายทอดทุกริ้วรอย ทุกเส้นเลือดบนแก้ม ผมบาง ผมสั้น เส้นเลือดบวมที่ขมับ หน้าผากเหี่ยวย่น มีหูด คางอ้วน แม้แต่รูปร่างของหูแต่ละคนก็ไม่มีใครสังเกตเห็น ดวงตาที่บวมเล็กของ Veidt ดูไม่น่าเชื่อและค้นหา สิ่งเหล่านี้สะท้อนถึงประสบการณ์ชีวิตมากมาย รูปร่างภรรยาของลูกค้าก็แสดงออกไม่แพ้กัน ใบหน้าเรียวยาวพร้อมริมฝีปากเม้มแสดงถึงความเย็นชาและความเคร่งครัด
Jodocus Veidt และภรรยาของเขาเป็นชาวเบอร์เกอร์ชาวดัตช์ทั่วไป โดยผสมผสานความกตัญญูเข้ากับการปฏิบัติจริงที่รอบคอบ ภายใต้หน้ากากแห่งความเข้มงวดและความกตัญญูที่พวกเขาสวมใส่ มีทัศนคติที่สุขุมต่อชีวิตและอุปนิสัยที่กระตือรือร้นเหมือนธุรกิจซ่อนอยู่ การแสดงของพวกเขาอยู่ในกลุ่มเบอร์เกอร์แสดงออกมาอย่างชัดเจนจนภาพบุคคลเหล่านี้นำรสชาติอันเป็นเอกลักษณ์ของยุคนั้นมาสู่แท่นบูชา ร่างของผู้บริจาคดูเหมือนจะเชื่อมโยงโลกแห่งความเป็นจริงที่ผู้ชมยืนอยู่หน้าภาพวาดและโลกที่ปรากฎอยู่บนแท่นบูชา ศิลปินเพียงแต่ค่อยๆ ถ่ายทอดเราจากทรงกลมโลกสู่ทรงกลมสวรรค์ และค่อยๆ พัฒนาการเล่าเรื่องของเขา ผู้บริจาคคุกเข่าเผชิญหน้ากับร่างของนักบุญจอห์น คนเหล่านี้ไม่ใช่นักบุญ แต่เป็นรูปของพวกเขาซึ่งแกะสลักโดยผู้คนจากหิน
ฉากการประกาศเป็นฉากหลักในส่วนด้านนอกของแท่นบูชา และประกาศการประสูติของพระคริสต์และการมาถึงของศาสนาคริสต์ ตัวละครทั้งหมดที่ปรากฎบนประตูด้านนอกเป็นผู้ใต้บังคับบัญชาของเธอ: ผู้เผยพระวจนะและพี่น้องที่ทำนายการปรากฏของพระเมสสิยาห์ทั้งยอห์น: ผู้ให้บัพติศมาพระคริสต์อีกคนหนึ่งที่บรรยายชีวิตทางโลกของเขา; ผู้บริจาคสวดภาวนาด้วยความนอบน้อมและด้วยความเคารพ (ภาพของผู้สั่งแท่นบูชา) แก่นแท้ของสิ่งที่กำลังทำอยู่นั้นมีลางสังหรณ์ที่เป็นความลับของเหตุการณ์ อย่างไรก็ตาม ฉากการประกาศเกิดขึ้นในห้องจริงของบ้านชาวเมือง ที่ซึ่งสิ่งต่างๆ ต้องขอบคุณกำแพงและหน้าต่างที่เปิดโล่ง ทำให้มีสีสันและความหนักเบา และในขณะเดียวกันก็แพร่กระจายความหมายออกไปสู่ภายนอก โลกมีส่วนร่วมในสิ่งที่เกิดขึ้น และโลกนี้ค่อนข้างเป็นรูปธรรม - นอกหน้าต่างคุณสามารถมองเห็นบ้านเรือนของเมืองเฟลมิชทั่วไป ตัวละครที่ประตูด้านนอกของแท่นบูชาไร้ซึ่งสีสันอันมีชีวิตชีวา แมรี่และเทวทูตกาเบรียลถูกวาดเกือบเป็นเอกรงค์
ศิลปินให้สีสันแก่ฉากในชีวิตจริงเท่านั้น บุคคลและวัตถุที่เกี่ยวข้องกับโลกบาป ฉากการประกาศซึ่งแบ่งตามเฟรมออกเป็นสี่ส่วน แต่ก็ถือเป็นภาพเดียว ความสามัคคีขององค์ประกอบเกิดจากการสร้างมุมมองที่ถูกต้องของการตกแต่งภายในซึ่งเกิดเหตุการณ์ขึ้น ยาน ฟาน เอคแซงหน้าโรเบิร์ต กัมปินอย่างมากในเรื่องความชัดเจนของการวาดภาพอวกาศของเขา แทนที่จะเป็นกองวัตถุและรูปปั้นที่เราสังเกตเห็นในฉากที่คล้ายกันโดย Campin (“The Altar of Merode”) ภาพวาดของ Jan van Eyck ดึงดูดใจด้วยความเป็นระเบียบเรียบร้อยของพื้นที่และความรู้สึกกลมกลืนในการกระจายรายละเอียด ศิลปินไม่กลัวที่จะพรรณนาถึงพื้นที่ว่างซึ่งเต็มไปด้วยแสงและอากาศ และร่างต่างๆ ก็สูญเสียความอึดอัดใจอันครุ่นคิด ได้รับการเคลื่อนไหวและท่าทางที่เป็นธรรมชาติ ดูเหมือนว่าถ้ายาน ฟาน เอคทาสีเฉพาะประตูด้านนอก เขาก็คงได้ทำปาฏิหาริย์ไปแล้ว แต่นี่เป็นเพียงโหมโรงเท่านั้น หลังจากปาฏิหาริย์ทุกวันปาฏิหาริย์แห่งเทศกาลก็มาถึง - ประตูแท่นบูชาเปิดออก ทุกสิ่งทุกอย่างทุกวัน ทั้งเสียงอึกทึกครึกโครมและฝูงชนของนักท่องเที่ยว ค่อยๆ หายไปก่อนปาฏิหาริย์ของแจน ฟาน เอค ก่อนหน้าต่างที่เปิดเข้าสู่เกนต์แห่งยุคทอง แท่นบูชาที่เปิดอยู่สว่างไสวราวกับหีบศพที่เต็มไปด้วยอัญมณีที่ส่องสว่างจากแสงอาทิตย์ สีสันที่สดใสในทุกความหลากหลายแสดงถึงการยืนยันถึงคุณค่าของการเป็นอย่างสนุกสนาน ดวงอาทิตย์ซึ่งแฟลนเดอร์สไม่เคยรู้จัก หลั่งไหลลงมาจากแท่นบูชา Van Eyck สร้างสรรค์สิ่งที่ธรรมชาติกีดกันบ้านเกิดของเขา แม้แต่อิตาลีก็ไม่เคยเห็นสีสันที่เดือดพล่านขนาดนี้ ทุกสี ทุกเฉดสีพบว่ามีความเข้มข้นสูงสุดที่นี่
ตรงกลางแถวบนสุดมีร่างใหญ่ของผู้สร้าง - ผู้มีอำนาจทุกอย่าง - เทพเจ้าแห่งกองทัพสวมเสื้อคลุมสีแดงลุกเป็นไฟ ภาพของพระแม่มารีที่ถือพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์อยู่ในมือนั้นสวยงามมาก พระมารดาแห่งการอ่านเป็นปรากฏการณ์ที่โดดเด่นในการวาดภาพ ร่างของยอห์นผู้ให้บัพติศมาทำให้องค์ประกอบของกลุ่มกลางของชั้นบนสมบูรณ์ ส่วนกลางของแท่นบูชาล้อมรอบด้วยกลุ่มเทวดาทางด้านขวา และเทวดาร้องเพลงเล่นเครื่องดนตรีทางด้านซ้าย ดูเหมือนว่าแท่นบูชาจะเต็มไปด้วยเสียงดนตรี คุณสามารถได้ยินเสียงของทูตสวรรค์แต่ละองค์ มองเห็นได้ชัดเจนในดวงตาและการเคลื่อนไหวของริมฝีปากของพวกเขา
เช่นเดียวกับคนแปลกหน้า บรรพบุรุษอาดัมและเอวาเข้ามาในคอกที่เปล่งประกายด้วยช่อดอกจากสวรรค์ เปลือยเปล่า น่าเกลียด และไม่เด็กอีกต่อไป แบกภาระแห่งคำสาปอันศักดิ์สิทธิ์ ดูเหมือนเป็นเรื่องรองในลำดับชั้นของค่านิยม การพรรณนาถึงผู้คนที่อยู่ใกล้กับตัวละครที่สูงที่สุดในเทพนิยายคริสเตียนถือเป็นปรากฏการณ์ที่กล้าหาญและคาดไม่ถึงในเวลานั้น
หัวใจของแท่นบูชาคือภาพวาดตรงกลางด้านล่าง หลังจากนั้นทั้งพับก็ถูกตั้งชื่อว่า "Adoration of the Lamb" ไม่มีอะไรน่าเศร้าในฉากดั้งเดิม ตรงกลางแท่นบูชาสีม่วงมีลูกแกะสีขาวซึ่งมีเลือดไหลออกมาจากหน้าอกลงในถ้วยทองคำซึ่งเป็นตัวตนของพระคริสต์และการเสียสละของพระองค์ในนามของความรอดของมนุษยชาติ คำจารึก: Ecce agnus dei qvi tollit peccata mindi (ดูลูกแกะของพระเจ้าผู้ทรงแบกรับบาปของโลก) ด้านล่างเป็นแหล่งที่มาของน้ำดำรงชีวิตซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความเชื่อของคริสเตียนพร้อมจารึก: Hic est fons aqve vite procedens de sede dei et agni (นี่คือแหล่งที่มาของน้ำแห่งชีวิตที่มาจากบัลลังก์ของพระเจ้าและลูกแกะ) (คัมภีร์ของศาสนาคริสต์, 22, I)
เทวดาคุกเข่าล้อมรอบแท่นบูชา ซึ่งมีนักบุญ ชายและหญิงที่ชอบธรรมเข้ามาจากทุกทิศทุกทาง ทางด้านขวาคืออัครสาวกที่นำโดยเปาโลและบารนาบัส ทางด้านขวามือคือรัฐมนตรีของโบสถ์ ได้แก่ พระสันตปาปา พระสังฆราช เจ้าอาวาส พระคาร์ดินัลเจ็ดองค์ และนักบุญต่างๆ หนึ่งในกลุ่มหลังคือเซนต์. สตีเฟนพร้อมก้อนหินที่เขาถูกทุบตีตามตำนานและนักบุญ Livin เป็นผู้อุปถัมภ์เมือง Ghent ด้วยลิ้นของเขาถูกฉีกออก
ด้านซ้ายเป็นกลุ่มตัวละครจากพันธสัญญาเดิมและคนต่างศาสนาที่ได้รับการอภัยจากคริสตจักร ผู้เผยพระวจนะที่มีหนังสืออยู่ในมือ นักปรัชญา ปราชญ์ - ทุกคนที่ทำนายการประสูติของพระคริสต์ตามคำสอนของคริสตจักร กวีโบราณ Virgil และ Dante ก็อยู่ที่นี่ด้วย ด้านหลังซ้ายเป็นขบวนแห่ผู้พลีชีพศักดิ์สิทธิ์และสตรีศักดิ์สิทธิ์ (ขวา) พร้อมกิ่งตาล สัญลักษณ์แห่งการพลีชีพ หัวหน้าขบวนทางด้านขวาคือนักบุญแอกเนส บาร์บารา โดโรเธีย และเออร์ซูลา
เมืองที่อยู่บนขอบฟ้าคือกรุงเยรูซาเล็มแห่งสวรรค์ อย่างไรก็ตาม อาคารหลายแห่งมีลักษณะคล้ายกับอาคารจริง: มหาวิหารโคโลญ, เซนต์. มาร์ตินในมาสทริชต์ หอสังเกตการณ์ในบรูจส์ และอื่นๆ ที่ประตูด้านข้างติดกับฉาก “การบูชาลูกแกะ” ทางด้านขวาคือฤาษีและผู้แสวงบุญ - ผู้เฒ่าในชุดยาวพร้อมไม้เท้าอยู่ในมือ ฤาษีนำโดยนักบุญ แอนโทนี่และเซนต์ พอล. ด้านหลังพวกเขาในส่วนลึกมองเห็น Mary Magdalene และ Mary of Egypt ได้ ในบรรดาผู้แสวงบุญ รูปร่างอันทรงพลังของนักบุญโดดเด่น คริสโตเฟอร์. ถัดจากเขาบางทีเซนต์ ไอโอโดคัสมีเปลือกหอยอยู่บนหมวก
ตำนานพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์กลายเป็นเรื่องลึกลับพื้นบ้านที่เล่นในวันหยุดบนดินเฟลมิช แต่แฟลนเดอร์สไม่มีอยู่จริงที่นี่ - ประเทศที่ต่ำและมีหมอกหนา ภาพแสดงแสงเที่ยงวันสีเขียวมรกต โบสถ์และหอคอยของเมืองเฟลมิชถูกย้ายไปยังดินแดนที่สัญญาไว้นี้ ทั่วโลกแห่กันไปที่ประเทศของฟาน เอค โดยมาพร้อมกับเสื้อผ้าหรูหราแปลกตา ความแวววาวของเครื่องประดับ แสงแดดทางตอนใต้ และสีสันที่สดใสอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน
จำนวนพันธุ์พืชที่นำเสนอมีความหลากหลายผิดปกติ ศิลปินมีการศึกษาสารานุกรมอย่างแท้จริงมีความรู้เกี่ยวกับวัตถุและปรากฏการณ์ที่หลากหลาย จากอาสนวิหารสไตล์โกธิกไปจนถึงดอกไม้เล็กๆ ที่สูญหายไปในทะเลของพืชพรรณ
ประตูทั้งห้าบานถูกครอบครองโดยภาพของการกระทำเดียวที่ขยายออกไปในอวกาศและด้วยเหตุนี้ในเวลา เราไม่เพียงแต่เห็นผู้นมัสการที่แท่นบูชาเท่านั้น แต่ยังเห็นขบวนแห่ที่หนาแน่นทั้งบนหลังม้าและเดินเท้า รวมตัวกันไปยังสถานที่สักการะด้วย ศิลปินวาดภาพฝูงชนในช่วงเวลาและประเทศที่แตกต่างกัน แต่ไม่ได้ละลายฝูงชนและไม่ทำให้บุคลิกภาพของมนุษย์ดูแย่ลง
ชีวประวัติของฉากแท่นบูชาเกนต์นั้นน่าทึ่งมาก ในช่วงที่ดำรงอยู่มานานกว่าห้าร้อยปี แท่นบูชาได้รับการบูรณะซ้ำแล้วซ้ำเล่าและถูกส่งมาจากเกนต์มากกว่าหนึ่งครั้ง ดังนั้นในศตวรรษที่ 16 จึงได้รับการบูรณะโดย Jan van Scorel จิตรกรชื่อดังชาว Utrecht
นับตั้งแต่สร้างเสร็จในปี 1432 แท่นบูชาก็ถูกวางไว้ในโบสถ์เซนต์ John the Baptist ต่อมาได้เปลี่ยนชื่อเป็น Cathedral of St. บาโวนาในเกนต์ โบสถ์นี้ตั้งอยู่ในโบสถ์ประจำครอบครัวของ Jodocus Veidt ซึ่งแต่เดิมตั้งอยู่ในห้องใต้ดินและมีเพดานต่ำมาก โบสถ์เซนต์ John the Evangelist ซึ่งขณะนี้แท่นบูชาแสดงอยู่ ตั้งอยู่เหนือห้องใต้ดิน
ในศตวรรษที่ 16 แท่นบูชาเกนต์ถูกซ่อนไว้จากความคลั่งไคล้อันป่าเถื่อนของกลุ่มผู้นับถือรูปเคารพ แผงด้านนอกที่แสดงภาพอาดัมและเอวาถูกถอดออกในปี พ.ศ. 2324 ตามคำสั่งของจักรพรรดิโจเซฟที่ 2 ผู้ซึ่งรู้สึกเขินอายกับภาพเปลือยของร่างเหล่านั้น พวกเขาถูกแทนที่ด้วยสำเนาของศิลปิน Michael Coxey ในศตวรรษที่ 16 ซึ่งแต่งกายให้บรรพบุรุษด้วยผ้ากันเปื้อนหนัง ในปี ค.ศ. 1794 ชาวฝรั่งเศสซึ่งยึดครองเบลเยียมได้นำภาพวาดใจกลางสี่ภาพไปยังปารีส ส่วนที่เหลือของแท่นบูชาซึ่งซ่อนอยู่ในศาลากลางยังคงอยู่ในเกนต์ หลังจากการล่มสลายของจักรวรรดินโปเลียน ภาพวาดที่ส่งออกก็กลับไปยังบ้านเกิดและกลับมารวมกันอีกครั้งในปี พ.ศ. 2359 แต่เกือบจะในเวลาเดียวกันก็มีการขายประตูด้านข้างซึ่งส่งต่อจากคอลเลกชั่นหนึ่งไปอีกคอลเลกชั่นหนึ่งเป็นเวลานานและในที่สุดในปี พ.ศ. 2364 ก็จบลงที่เบอร์ลิน หลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ภายใต้สนธิสัญญาแวร์ซาย ประตูทั้งหมดของแท่นบูชาเกนต์ก็ถูกส่งกลับไปยังเกนต์
ในคืนวันที่ 11 เมษายน พ.ศ. 2477 ณ โบสถ์นักบุญ เกิดการโจรกรรมบาโวน่า พวกโจรยึดกรอบภาพผู้พิพากษาที่ยุติธรรมออกไป จนถึงทุกวันนี้ยังไม่มีการค้นพบภาพวาดที่หายไป และตอนนี้ได้ถูกแทนที่ด้วยสำเนาที่ดีแล้ว
เมื่อสงครามโลกครั้งที่สองเริ่มต้นขึ้น ชาวเบลเยียมได้ส่งแท่นบูชาสำหรับจัดเก็บไปยังฝรั่งเศสตอนใต้ ซึ่งเป็นจุดที่พวกนาซีขนส่งแท่นบูชาไปยังเยอรมนี ในปี 1945 แท่นบูชาถูกค้นพบในออสเตรียในเหมืองเกลือใกล้เมืองซาลซ์บูร์ก และถูกส่งไปยังเกนต์อีกครั้ง
เพื่อดำเนินงานบูรณะที่ซับซ้อนซึ่งจำเป็นตามสภาพของแท่นบูชา ในปี พ.ศ. 2493-2494 ได้มีการจัดตั้งคณะกรรมการพิเศษของผู้เชี่ยวชาญจากนักบูรณะและนักประวัติศาสตร์ศิลป์รายใหญ่ที่สุด ภายใต้การดำเนินงานวิจัยและบูรณะที่ซับซ้อนของผู้นำ: องค์ประกอบของ ศึกษาสีโดยใช้การวิเคราะห์จุลเคมี อัลตราไวโอเลต รังสีเอกซ์อินฟราเรด โดยระบุการเปลี่ยนแปลงของผู้เขียนและชั้นของสีของผู้อื่น จากนั้น งานเขียนในช่วงท้ายๆ ก็ถูกนำออกจากหลายส่วนของแท่นบูชา ชั้นสีก็แข็งแรงขึ้น พื้นที่ที่ปนเปื้อนถูกเคลียร์ หลังจากนั้นแท่นบูชาก็ส่องแสงสีทั้งหมดอีกครั้ง
ความสำคัญทางศิลปะอันยิ่งใหญ่ของฉากแท่นบูชาเกนต์และคุณค่าทางจิตวิญญาณเป็นที่เข้าใจของคนรุ่นราวคราวเดียวกันของฟาน เอคและรุ่นต่อๆ ไป
Jan van Eyck พร้อมด้วย Robert Campin เป็นผู้ก่อตั้งศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งถือเป็นการปฏิเสธความคิดของนักพรตในยุคกลาง การที่ศิลปินหันมาสู่ความเป็นจริง การค้นพบคุณค่าที่แท้จริงและความงามในธรรมชาติและมนุษย์
ผลงานของ Jan van Eyck มีความโดดเด่นด้วยความอิ่มตัวของสี ความรอบคอบ รายละเอียดที่เกือบจะเหมือนเครื่องประดับ และการจัดระเบียบองค์ประกอบทั้งหมดอย่างมั่นใจ ประเพณียังเชื่อมโยงชื่อของจิตรกรกับการปรับปรุงเทคนิคการวาดภาพสีน้ำมัน - การใช้สีบาง ๆ โปร่งใสซ้ำ ๆ ซึ่งทำให้ได้ความเข้มของแต่ละสีมากขึ้น
ยาน ฟาน เอคเอาชนะขนบธรรมเนียมประเพณีของศิลปะยุคกลาง โดยอาศัยการปฏิบัติตามความเป็นจริงและมุ่งมั่นที่จะสร้างชีวิตใหม่ตามวัตถุประสงค์ ศิลปินให้ความสำคัญเป็นพิเศษกับการวาดภาพบุคคลและพยายามถ่ายทอดรูปลักษณ์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวละครแต่ละตัวในภาพวาดของเขา เขาศึกษาโครงสร้างของโลกวัตถุประสงค์อย่างรอบคอบ โดยจับลักษณะของวัตถุแต่ละชิ้น ภูมิทัศน์ หรือสภาพแวดล้อมภายใน
แท่นบูชาโดยเฮียโรนีมัส บอช
มันเป็นช่วงปลายศตวรรษที่ 15 เวลาที่มีปัญหากำลังมา ผู้ปกครองคนใหม่ของเนเธอร์แลนด์ Charles the Bold และ Maximilian I ใช้ไฟและดาบเพื่อบังคับประชากรของตนให้เชื่อฟังบัลลังก์ หมู่บ้านกบฏถูกเผาจนราบ ตะแลงแกงและวงล้อปรากฏขึ้นทุกหนทุกแห่ง ซึ่งมีกลุ่มกบฏแยกเป็นสี่ส่วน และการสืบสวนไม่ได้หลับใหล - ในเปลวไฟพวกเขาเผาคนนอกรีตที่ยังมีชีวิตอยู่ซึ่งอย่างน้อยก็กล้าที่ไม่เห็นด้วยกับคริสตจักรที่มีอำนาจ การประหารชีวิตและการทรมานอาชญากรและคนนอกรีตในที่สาธารณะเกิดขึ้นที่จัตุรัสตลาดของเมืองต่างๆ ในเนเธอร์แลนด์ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ผู้คนเริ่มพูดถึงวันสิ้นโลก นักเทววิทยาเชิงวิชาการถึงกับระบุวันที่แน่นอนของการพิพากษาครั้งสุดท้ายคือปี 1505 ในเมืองฟลอเรนซ์ ประชาชนถูกปลุกเร้าด้วยคำเทศนาอันบ้าคลั่งของซาโวนาโรลา ซึ่งคาดเดาถึงการแก้แค้นบาปของมนุษย์ที่กำลังจะเกิดขึ้น และทางตอนเหนือของยุโรป นักเทศน์นอกรีตเรียกร้องให้กลับไปสู่ต้นกำเนิดของศาสนาคริสต์ มิฉะนั้น พวกเขารับรองฝูงแกะของพวกเขา ผู้คนจะเผชิญกับความทรมานอันน่าสยดสยองในนรก
ความรู้สึกเหล่านี้สะท้อนออกมาในงานศิลปะอย่างช่วยไม่ได้ ดังนั้น Durer ผู้ยิ่งใหญ่จึงสร้างชุดภาพแกะสลักเกี่ยวกับ Apocalypse และ Botticelli วาดภาพ Dante โดยวาดภาพโลกแห่งนรกอันบ้าคลั่ง
ทั่วทั้งยุโรปกำลังอ่านเรื่อง “Divine Comedy” ของดันเต้ และ “The Revelation of St. John" (Apocalypse) รวมถึงหนังสือ "The Vision of Tundgal" ซึ่งปรากฏในศตวรรษที่ 12 ซึ่งถูกกล่าวหาว่าเขียนโดยกษัตริย์ Tundgal ชาวไอริชเกี่ยวกับการเดินทางมรณกรรมของเขาผ่านยมโลก ในปี 1484 หนังสือเล่มนี้ได้รับการตีพิมพ์ใน 's-Hertogenbosch แน่นอนว่าเธอมาที่บ้านของบอช เขาอ่านและอ่านบทประพันธ์ยุคกลางที่มืดมนนี้ซ้ำแล้วค่อย ๆ เห็นภาพนรกภาพของผู้อยู่อาศัยในยมโลกที่ขับไล่ตัวละครในชีวิตประจำวันออกไปจากจิตสำนึกเพื่อนร่วมชาติที่โง่เขลาและโกงของเขา ดังนั้น บอชจึงเริ่มพูดถึงหัวข้อเรื่องนรกหลังจากอ่านหนังสือเล่มนี้เท่านั้น
ดังนั้นตามที่นักเขียนในยุคกลางอ้างว่านรกถูกแบ่งออกเป็นหลายส่วนโดยแต่ละส่วนพวกเขาจะถูกลงโทษสำหรับบาปบางอย่าง ส่วนหนึ่งของนรกเหล่านี้ถูกแยกออกจากกันด้วยแม่น้ำน้ำแข็งหรือกำแพงไฟ และเชื่อมต่อกันด้วยสะพานบางๆ นี่คือวิธีที่ดันเต้จินตนาการถึงนรก สำหรับผู้ที่อาศัยอยู่ในนรก แนวคิดของบอชเกี่ยวกับพวกเขามาจากภาพบนจิตรกรรมฝาผนังเก่าๆ ของโบสถ์ในเมือง และจากหน้ากากของปีศาจและมนุษย์หมาป่า ซึ่งชาวเมืองบ้านเกิดของเขาสวมใส่ในช่วงวันหยุดและขบวนแห่งานรื่นเริง
บ๊อชเป็นนักปรัชญาตัวจริง เขาสะท้อนชีวิตมนุษย์และความหมายของมันอย่างเจ็บปวด อะไรจะเป็นจุดจบของการดำรงอยู่ของคนบนโลก คนโง่เขลา มีบาป ต่ำต้อย ไม่สามารถต้านทานความอ่อนแอของเขาได้? นรกเท่านั้น! และหากก่อนหน้านี้บนผืนผ้าใบของเขาภาพของโลกใต้พิภพถูกแยกออกจากภาพการดำรงอยู่ของโลกอย่างเคร่งครัดและทำหน้าที่เป็นเครื่องเตือนใจถึงการลงโทษบาปอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ตอนนี้นรกสำหรับ Bosch ก็กลายเป็นเพียงส่วนหนึ่งของประวัติศาสตร์ของมนุษย์
และเขาเขียนว่า "A Wagon of Hay" ซึ่งเป็นแท่นบูชาอันโด่งดังของเขา เช่นเดียวกับแท่นบูชาในยุคกลางส่วนใหญ่ "Hay Wagon" ประกอบด้วยสองส่วน ในวันธรรมดา ประตูแท่นบูชาจะถูกปิด และผู้คนมองเห็นได้แต่เพียงภาพพจน์ที่ประตูด้านนอก ชายผู้เหนื่อยล้าคนหนึ่งเดินไปตามถนนด้วยความลำบากยากลำบาก เนินเขาเปลือยเปล่าแทบไม่มีพืชพรรณเลยศิลปินวาดภาพต้นไม้เพียงสองต้นเท่านั้น แต่ใต้ต้นหนึ่งคนโง่เล่นปี่และใต้อีกต้นหนึ่งโจรเยาะเย้ยเหยื่อของเขา และกองกระดูกสีขาวอยู่เบื้องหน้า ตะแลงแกง และวงล้อ ใช่ บอชบรรยายภาพทิวทัศน์ที่น่าเศร้า แต่ไม่มีอะไรสนุกในโลกรอบตัวเขา ในช่วงวันหยุดประตูแท่นบูชาจะเปิดออกในระหว่างพิธีพิธีและนักบวชเห็นภาพที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง: ทางด้านซ้าย Bosch วาดภาพสวรรค์, สวนอีเดน, สวนที่พระเจ้าทรงตั้งถิ่นฐานคนแรกที่อาดัมและเอวา เรื่องราวทั้งหมดของฤดูใบไม้ร่วงปรากฏอยู่ในภาพนี้ และตอนนี้เอวาหันไปสู่ชีวิตบนโลกที่ซึ่งผู้คนเร่งรีบทนทุกข์และทำบาปในใจกลางของอันมีค่า ตรงกลางมีเกวียนขนหญ้าแห้งขนาดใหญ่ซึ่งชีวิตมนุษย์เดินไปมา ทุกคนในเนเธอร์แลนด์ยุคกลางทุกคนรู้จักคำพูดที่ว่า “โลกเปรียบเสมือนเกวียนใส่หญ้าแห้ง และทุกคนพยายามคว้าหญ้าแห้งให้ได้มากที่สุด” ศิลปินพรรณนาถึงพระภิกษุอ้วนที่น่าขยะแขยงและขุนนางที่เปล่งประกายและคนตลกและคนโกงและคนหัวดื้อที่โง่เขลา - ทุกคนถูกดึงดูดให้เข้าสู่การแสวงหาความมั่งคั่งทางวัตถุอย่างบ้าคลั่งทุกคนกำลังวิ่งหนีโดยไม่สงสัยว่าพวกเขากำลังวิ่งไปสู่สิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ความตาย.
ภาพนี้เป็นภาพสะท้อนถึงความบ้าคลั่งที่ครอบงำโลกโดยเฉพาะบาปแห่งความตระหนี่ ทุกอย่างเริ่มต้นด้วยบาปดั้งเดิม (สวรรค์บนดินทางด้านซ้าย) และจบลงด้วยการลงโทษ (นรกทางด้านขวา)
ส่วนกลางแสดงถึงขบวนแห่ที่ไม่ธรรมดา องค์ประกอบทั้งหมดถูกสร้างขึ้นรอบ ๆ รถเข็นหญ้าแห้งขนาดใหญ่ ซึ่งลากไปทางขวา (ไปทางนรก) โดยกลุ่มสัตว์ประหลาด (สัญลักษณ์แห่งบาป?) ตามด้วยขบวนคอร์เทจที่นำโดยพลังที่อยู่บนหลังม้า และฝูงชนก็โหมกระหน่ำไปรอบๆ ทั้งนักบวชและแม่ชี และทุกคนก็พยายามเก็บหญ้าแห้งไม่ว่าจะด้วยวิธีใดก็ตาม ในขณะเดียวกัน จากด้านบน บางสิ่งเช่นคอนเสิร์ตรักกำลังเกิดขึ้นต่อหน้านางฟ้า ปีศาจที่มีจมูกแตรอันชั่วร้าย และสิ่งมีชีวิตที่ชั่วร้ายอื่น ๆ อีกมากมาย
แต่บ๊อชตระหนักว่าโลกไม่ได้คลุมเครือ มันซับซ้อนและมีหลายแง่มุม ผู้ต่ำต้อยและคนบาปอยู่ติดกับผู้สูงและบริสุทธิ์ และในภาพของเขามีภูมิทัศน์ที่สวยงามปรากฏขึ้นโดยมีพื้นหลังที่การทะเลาะกันของคนตัวเล็กและไร้วิญญาณดูเหมือนจะเป็นปรากฏการณ์ชั่วคราวและชั่วคราวในขณะที่ธรรมชาติที่สวยงามและสมบูรณ์แบบนั้นเป็นนิรันดร์ นอกจากนี้เขายังวาดภาพแม่กำลังซักผ้าลูกของเธอ และไฟที่ใช้ปรุงอาหาร และผู้หญิงสองคน คนหนึ่งตั้งครรภ์ และทั้งสองคนถูกแช่แข็ง กำลังฟังชีวิตใหม่
และที่ปีกขวาของอันมีค่า Bosch วาดภาพนรกว่าเป็นเมือง ที่นี่ ภายใต้ท้องฟ้าสีดำและสีแดง ปราศจากพรจากพระเจ้า งานกำลังดำเนินไปอย่างเต็มกำลัง นรกกำลังทรุดตัวลงเพื่อรอคอยวิญญาณบาปกลุ่มใหม่ ปีศาจของ Bosch ร่าเริงและกระตือรือร้น พวกเขามีลักษณะคล้ายกับปีศาจในชุดตัวละครในการแสดงบนท้องถนนซึ่งลากคนบาปเข้าสู่ "นรก" ทำให้ผู้ชมสนุกสนานด้วยการกระโดดแสยะยิ้ม ในภาพ พวกมารคือคนงานที่เป็นแบบอย่าง จริงอยู่ แม้ว่าหอคอยบางแห่งจะถูกสร้างขึ้นด้วยความขยันหมั่นเพียรเช่นนั้น แต่หอคอยบางแห่งก็สามารถถูกไฟไหม้ได้
บอชตีความถ้อยคำในพระคัมภีร์เกี่ยวกับไฟนรกด้วยวิธีของเขาเอง ศิลปินนำเสนอมันเป็นเหมือนไฟ อาคารที่ไหม้เกรียมจากหน้าต่างและประตูที่มีไฟลุกไหม้กลายเป็นสัญลักษณ์ของความคิดบาปของมนุษย์ในภาพวาดของอาจารย์โดยถูกเผาไหม้จากภายในสู่พื้น
ในงานนี้ บ๊อชสรุปประวัติศาสตร์ทั้งหมดของมนุษยชาติอย่างมีปรัชญา ตั้งแต่การสร้างอาดัมและเอวา ตั้งแต่เอเดนและความสุขจากสวรรค์ไปจนถึงการแก้แค้นต่อบาปในอาณาจักรปีศาจอันน่าสะพรึงกลัว แนวคิดนี้ – ทั้งเชิงปรัชญาและศีลธรรม – เป็นรากฐานของแท่นบูชาและภาพวาดอื่นๆ ของเขา (“การพิพากษาครั้งสุดท้าย”, “น้ำท่วม”) เขาวาดภาพองค์ประกอบหลายร่างและบางครั้งในการพรรณนาถึงนรกผู้อยู่อาศัยของมันดูไม่เหมือนผู้สร้างมหาวิหารอันงดงามดังเช่นในอันมีค่า "A Wain of Hay" แต่ก็เหมือนกับหญิงชราแม่มดที่ชั่วร้ายกำลังเตรียมส่วนผสมที่น่าขยะแขยงด้วย ความกระตือรือร้นของแม่บ้านในขณะที่พวกเขาทำหน้าที่เป็นเครื่องมือในการทรมานของใช้ในครัวเรือนทั่วไป - มีด, ช้อน, กระทะทอด, ทัพพี, หม้อ ต้องขอบคุณภาพวาดเหล่านี้ที่การรับรู้ของ Bosch ในฐานะนักร้องแห่งนรกฝันร้ายและการทรมานพัฒนาขึ้น
บอชในฐานะคนในยุคของเขา เชื่อมั่นว่าความชั่วและความดีไม่มีสิ่งใดสิ่งหนึ่งเกิดขึ้น และความชั่วร้ายสามารถเอาชนะได้ก็ต่อเมื่อฟื้นฟูความสัมพันธ์กับความดีเท่านั้น และความดีก็คือพระเจ้า นั่นคือสาเหตุที่ผู้ชอบธรรมแห่งบอชซึ่งรายล้อมไปด้วยอสูรแห่งนรก มักจะอ่านพระคัมภีร์อันศักดิ์สิทธิ์หรือแม้แต่พูดคุยกับพระเจ้า ในที่สุดพวกเขาก็พบความเข้มแข็งในตัวเอง และด้วยความช่วยเหลือจากพระเจ้า สามารถเอาชนะความชั่วร้ายได้
ภาพวาดของบ๊อชเป็นบทความที่ยิ่งใหญ่เกี่ยวกับความดีและความชั่วอย่างแท้จริง ศิลปินแสดงมุมมองเกี่ยวกับสาเหตุของความชั่วร้ายที่ครอบงำโลกผ่านการวาดภาพและพูดคุยเกี่ยวกับวิธีต่อสู้กับความชั่วร้าย ไม่มีอะไรแบบนี้ในงานศิลปะมาก่อนบ๊อช
ศตวรรษที่ 16 ใหม่เริ่มต้นขึ้น แต่การสิ้นสุดของโลกตามสัญญาไม่เคยมาถึง ความกังวลทางโลกเข้ามาแทนที่ความทรมานในเรื่องความรอดของจิตวิญญาณ ความสัมพันธ์ทางการค้าและวัฒนธรรมระหว่างเมืองต่างๆ เติบโตและเข้มแข็งขึ้น ภาพวาดของศิลปินชาวอิตาลีมาที่เนเธอร์แลนด์และพี่น้องชาวดัตช์ของพวกเขาได้ทำความคุ้นเคยกับความสำเร็จของเพื่อนร่วมงานชาวอิตาลีและรับรู้ถึงอุดมคติของราฟาเอลและมิเกลันเจโล ทุกสิ่งรอบตัวเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วและหลีกเลี่ยงไม่ได้ แต่ไม่ใช่สำหรับบ๊อช เขายังคงอาศัยอยู่ใน 's-Hertogenbosch บนที่ดินอันเป็นที่รักของเขา ครุ่นคิดเกี่ยวกับชีวิตและเขียนเฉพาะเมื่อเขาต้องการหยิบพู่กันของเขาเท่านั้น ขณะเดียวกันชื่อของเขาก็โด่งดัง ในปี ค.ศ. 1504 ดยุคแห่งเบอร์กันดี ฟิลิปเดอะแฟร์ เองได้สั่งให้เขาสร้างแท่นบูชาที่มีรูปของการพิพากษาครั้งสุดท้าย และในปี ค.ศ. 1516 อุปราชแห่งเนเธอร์แลนด์ มาร์กาเร็ต ได้รับ "สิ่งล่อใจของนักบุญ" แอนโทนี่” งานแกะสลักจากผลงานของเขาประสบความสำเร็จอย่างมาก
ในบรรดาผลงานล่าสุดของศิลปิน ผลงานที่โดดเด่นที่สุดคือ "The Prodigal Son" และ "The Garden of Earthly Delights"
แท่นบูชาขนาดใหญ่ "Garden of Earthly Joys" อาจเป็นหนึ่งในผลงานที่น่าอัศจรรย์และลึกลับที่สุดในการวาดภาพโลกซึ่งอาจารย์สะท้อนถึงความบาปของมนุษย์
ภาพวาดสามภาพพรรณนาถึงสวนอีเดน สวรรค์บนดินและนรกที่ลวงตา ซึ่งบอกเล่าเรื่องราวต้นกำเนิดของความบาปและผลที่ตามมา ที่ประตูด้านนอกศิลปินวาดภาพทรงกลมบางอันซึ่งภายในเป็นรูปจานแบนคือนภาของโลก รังสีของดวงอาทิตย์ทะลุผ่านเมฆดำ ส่องสว่างภูเขา อ่างเก็บน้ำ และพืชพรรณของโลก แต่ที่นี่ยังไม่มีสัตว์หรือมนุษย์ - นี่คือดินแดนแห่งการสร้างวันที่สาม และที่ประตูด้านใน Bosch นำเสนอวิสัยทัศน์เกี่ยวกับชีวิตบนโลก และตามปกติประตูด้านซ้ายแสดงให้เห็นสวนแห่งเอเดน ตามความประสงค์ของพู่กัน Bosch อาศัยอยู่ในสวนเอเดนพร้อมกับสัตว์ทุกชนิดที่รู้จักในสมัยของเขา มียีราฟและช้าง เป็ดและซาลาแมนเดอร์ หมีทางเหนือ และนกไอบิสของอียิปต์ และทั้งหมดนี้อาศัยอยู่โดยมีฉากหลังเป็นสวนสาธารณะแปลกตาซึ่งมีต้นปาล์ม ส้ม รวมถึงต้นไม้และพุ่มไม้อื่นๆ เติบโต ดูเหมือนว่าความสามัคคีที่สมบูรณ์จะกระจายไปในโลกนี้ แต่ความชั่วร้ายไม่ได้หลับใหลและตอนนี้แมวกำลังจับหนูที่รัดคออยู่ในฟันของมัน ในเบื้องหลังนักล่ากำลังทรมานกวางที่ถูกฆ่าและนกฮูกที่ร้ายกาจก็เข้ามาตั้งรกรากอยู่ใน น้ำพุแห่งชีวิต บอชไม่ได้แสดงฉากการล่มสลาย แต่ดูเหมือนเขาจะบอกว่าความชั่วร้ายเกิดขึ้นพร้อมกับรูปลักษณ์ของชีวิต บอชที่อยู่ทางปีกซ้ายของอันมีค่านั้นไม่ได้พูดถึงการล่มสลาย แต่พูดถึงการสร้างเอวาซึ่งแยกจากประเพณี นั่นเป็นสาเหตุที่ดูเหมือนว่าความชั่วร้ายเข้ามาในโลกตั้งแต่วินาทีนั้นและไม่ใช่เลยเมื่อมารล่อลวงผู้คนกลุ่มแรกด้วยผลไม้จากต้นไม้แห่งความรู้ เมื่ออีฟปรากฏตัวในสวรรค์ การเปลี่ยนแปลงที่เป็นลางไม่ดีก็เกิดขึ้น แมวรัดคอหนู สิงโตกระโจนเข้าหากวางตัวเมีย - เป็นครั้งแรกที่สัตว์ที่ไร้เดียงสาแสดงอาการกระหายเลือด นกฮูกปรากฏตัวขึ้นที่ใจกลางน้ำพุแห่งชีวิต และบนขอบฟ้ามีเงาของอาคารแปลกประหลาดชวนให้นึกถึงโครงสร้างที่แปลกประหลาดจากส่วนกลางของอันมีค่า
ส่วนกลางของแท่นบูชาแสดงให้เห็นว่าความชั่วร้ายที่เพิ่งเกิดขึ้นในสวนเอเดนนั้นเจริญรุ่งเรืองอย่างงดงามบนโลก ในบรรดาพืชมหัศจรรย์ที่ไม่เคยมีมาก่อน ครึ่งกลไก ครึ่งสัตว์ คนเปลือยหลายร้อยคน ไม่มีใบหน้าเฉพาะเจาะจง เข้าสู่ความสัมพันธ์เหนือจริงบางประเภทกับสัตว์และกันและกัน ซ่อนตัวอยู่ในเปลือกกลวงของผลไม้ขนาดยักษ์ ทำตัวบ้าคลั่ง โพสท่า และในทุกความเคลื่อนไหวของชีวิตที่คึกคักนี้ ก็มีบาป ตัณหา และความชั่วร้ายอยู่ บ๊อชไม่ได้เปลี่ยนความเข้าใจเกี่ยวกับธรรมชาติของมนุษย์และแก่นแท้ของการดำรงอยู่ของมนุษย์ แต่ไม่เหมือนกับผลงานอื่นๆ ก่อนหน้านี้ ไม่มีภาพร่างในชีวิตประจำวันที่นี่ ไม่มีอะไรที่คล้ายกับฉากประเภทของภาพวาดก่อนหน้านี้ของเขา - เป็นเพียงปรัชญาที่บริสุทธิ์ ความเข้าใจเชิงนามธรรมของชีวิตและ ความตาย. ในฐานะผู้กำกับที่เก่งกาจของบ๊อช ได้สร้างโลกขึ้นมา ควบคุมกลุ่มคน สัตว์ เครื่องจักรกล และสิ่งมีชีวิตอินทรีย์จำนวนมหาศาล โดยจัดระเบียบพวกมันให้เป็นระบบที่เข้มงวด ทุกสิ่งที่นี่เชื่อมโยงกันและเป็นธรรมชาติ รูปร่างที่แปลกประหลาดของหินที่ปีกด้านซ้ายและตรงกลางยังคงดำเนินต่อไปด้วยรูปทรงของโครงสร้างที่ถูกไฟไหม้ในพื้นหลังของยมโลก น้ำพุแห่งชีวิตในสวรรค์แตกต่างกับ "ต้นไม้แห่งความรู้" ที่เน่าเปื่อยในนรก
ภาพอันมีค่าชิ้นนี้ถือเป็นผลงานลึกลับและซับซ้อนที่สุดของ Bosch ในด้านสัญลักษณ์อย่างไม่ต้องสงสัย ซึ่งก่อให้เกิดการตีความสมมติฐานที่หลากหลายเกี่ยวกับศาสนาและรสนิยมทางเพศของศิลปิน บ่อยครั้งที่รูปภาพนี้ถูกตีความว่าเป็นการตัดสินตัณหาเชิงเปรียบเทียบ บอชวาดภาพสวรรค์จอมปลอม ซึ่งเต็มไปด้วยสัญลักษณ์ของตัณหา โดยส่วนใหญ่มาจากสัญลักษณ์แบบดั้งเดิม แต่ส่วนหนึ่งมาจากการเล่นแร่แปรธาตุ ซึ่งเป็นหลักคำสอนเท็จที่ขัดขวางเส้นทางสู่ความรอดของบุคคล เช่นเดียวกับบาปทางกามารมณ์
แท่นบูชานี้สร้างความตื่นตาตื่นใจด้วยฉากและตัวละครจำนวนนับไม่ถ้วน และการสะสมสัญลักษณ์ที่น่าทึ่ง ซึ่งเบื้องหลังทำให้เกิดความหมายที่ซ่อนอยู่ ซึ่งมักจะอ่านไม่ออก งานนี้อาจไม่ได้มีไว้สำหรับบุคคลทั่วไปที่มาโบสถ์ แต่สำหรับชาวเมืองและข้าราชบริพารที่ได้รับการศึกษาซึ่งให้ความสำคัญกับการเรียนรู้และการเปรียบเทียบที่ซับซ้อนซึ่งมีเนื้อหาที่มีคุณธรรม
แล้วบ๊อชเองล่ะ? Hieronymus Bosch เป็นนักเขียนนิยายวิทยาศาสตร์ที่มืดมนซึ่งได้รับการประกาศโดยนักเหนือจริงแห่งศตวรรษที่ 20 ในฐานะบรรพบุรุษของพวกเขา พ่อและครูทางจิตวิญญาณ ผู้สร้างภูมิทัศน์ที่ละเอียดอ่อนและไพเราะ ผู้เชี่ยวชาญเชิงลึกเกี่ยวกับธรรมชาติของมนุษย์ นักเสียดสี นักเขียนศีลธรรม นักปรัชญาและนักจิตวิทยา นักสู้ เพื่อความบริสุทธิ์ของศาสนาและการวิพากษ์วิจารณ์ข้าราชการในโบสถ์อย่างดุเดือดซึ่งหลายคนคิดว่าเป็นคนนอกรีต - ศิลปินที่เก่งกาจอย่างแท้จริงคนนี้สามารถเข้าใจได้ในช่วงชีวิตของเขาเพื่อให้ได้รับความเคารพจากคนรุ่นราวคราวเดียวกันและนำหน้าเวลาของเขาไปไกล
ในช่วงปลายศตวรรษที่ 14 พ่อค้าขนสัตว์และเจ้าของบ้าน Jan Van Aken ซึ่งเป็นปู่ทวดของศิลปิน ได้ตั้งรกรากอยู่ใน 's-Hertogenbosch เมืองเล็กๆ ในเนเธอร์แลนด์ เขาชอบเมืองนี้ สิ่งต่างๆ กำลังไปได้ดี และลูกหลานของเขาไม่เคยคิดจะออกไปไหนเลยเพื่อค้นหาชีวิตที่ดีขึ้น พวกเขากลายเป็นพ่อค้า ช่างฝีมือ ศิลปิน สร้างและตกแต่ง 's-Hertogenbosch มีศิลปินหลายคนในตระกูล Aken - ปู่ของเจอโรมพ่อลุงสองคนและน้องชายสองคน (ปู่ Jan Van Aken ให้เครดิตกับการประพันธ์ภาพวาดที่รอดมาจนถึงทุกวันนี้ในโบสถ์ Hertogenbosch แห่งเซนต์จอห์น)
ไม่ทราบวันเกิดที่แน่นอนของ Bosch เชื่อกันว่าเขาเกิดประมาณปี 1450 ครอบครัวอาศัยอยู่ในความเจริญรุ่งเรือง - พ่อซึ่งเป็นศิลปินมีคำสั่งมากมายและแม่ซึ่งเป็นลูกสาวของช่างตัดเสื้อในท้องถิ่นอาจได้รับสินสอดที่ดี ต่อมา ลูกชายของพวกเขา เฮียโรนีมัส ฟาน เอเคน ซึ่งเป็นผู้รักชาติผู้ยิ่งใหญ่ในบ้านเกิดของเขา เริ่มเรียกตัวเองว่า เฮียโรนีมัส บอช โดยใช้ชื่อย่อของ 's-Hertogenbosch เป็นนามแฝง เขาเซ็นสัญญากับตัวเองว่า "Jheronimus Bosch" แม้ว่าชื่อจริงของเขาคือ Jeroen (เวอร์ชันภาษาละตินที่ถูกต้องคือ Hieronymus) Van Aken นั่นคือจาก Aachen ซึ่งเห็นได้ชัดว่าบรรพบุรุษของเขามาจาก
นามแฝง "Bosch" มาจากชื่อเมือง 's-Hertogenbosch (แปลว่า "Duke's Forest") เมืองเล็กๆ ของชาวดัตช์ที่ตั้งอยู่ไม่ไกลจากชายแดนเบลเยียม และในขณะนั้นเป็นหนึ่งในสี่ศูนย์กลางที่ใหญ่ที่สุดของ ดัชชีแห่งบราบันต์ ซึ่งครอบครองโดยดยุคแห่งเบอร์กันดี เจอโรมอาศัยอยู่ที่นั่นมาตลอดชีวิต Hieronymus Bosch อาศัยอยู่ในยุคที่มีปัญหาในช่วงก่อนการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ การปกครองอย่างไม่มีการแบ่งแยกของคริสตจักรคาทอลิกในประเทศเนเธอร์แลนด์และชีวิตก่อนหน้านี้ทั้งหมดได้สิ้นสุดลงแล้ว มีลางสังหรณ์ถึงความไม่สงบทางศาสนาและความวุ่นวายที่เกี่ยวข้องในอากาศ ในขณะเดียวกันทุกอย่างก็ดูดี การค้าและงานฝีมือเจริญรุ่งเรือง จิตรกรในงานของพวกเขายกย่องประเทศที่ร่ำรวยและภาคภูมิใจซึ่งทุกมุมกลายเป็นสวรรค์บนดินด้วยการทำงานหนัก
ดังนั้น ในเมืองเล็กๆ ทางตอนใต้ของเนเธอร์แลนด์ ศิลปินคนหนึ่งปรากฏตัวขึ้น ซึ่งเติมเต็มภาพวาดของเขาด้วยนิมิตแห่งนรก ความน่าสะพรึงกลัวทั้งหมดนี้ถูกเขียนออกมาอย่างมีสีสันและละเอียดถี่ถ้วน ราวกับว่าผู้เขียนได้มองเข้าไปในยมโลกมากกว่าหนึ่งครั้ง
's-Hertogenbosch เป็นเมืองการค้าที่เจริญรุ่งเรืองในศตวรรษที่ 15 แต่ก็โดดเด่นจากศูนย์กลางทางศิลปะที่ยิ่งใหญ่ ทางใต้ของเมืองนี้เป็นเมืองที่ร่ำรวยที่สุดของแฟลนเดอร์สและบราบันต์ - เกนต์, บรูจส์, บรัสเซลส์ ซึ่งเมื่อต้นศตวรรษที่ 15 ได้มีการก่อตั้งโรงเรียนการวาดภาพที่ยิ่งใหญ่แห่ง "ยุคทอง" ของชาวดัตช์ ดยุคเบอร์กันดีผู้มีอำนาจ ซึ่งรวมจังหวัดของเนเธอร์แลนด์ไว้ภายใต้การปกครองของพวกเขา ได้อุปถัมภ์ชีวิตทางเศรษฐกิจและวัฒนธรรมของเมืองต่างๆ ที่ Jan Van Eyck และ Master of Flémalle ทำงานอยู่ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 ในเมืองทางตอนเหนือของ 's-Hertogenbosch Delft, Harlem, Leiden, Utrecht ปรมาจารย์ที่สดใสทำงานและในหมู่พวกเขา Rogier Van der Weyden และ Hugo Van der Goes ผู้เก่งกาจซึ่งเป็นแนวคิดใหม่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกี่ยวกับ โลกและสถานที่ของมนุษย์ในโลกนั้นเป็นรูปเป็นร่าง มนุษย์ซึ่งเป็นนักปรัชญาแห่งยุคปัจจุบันโต้แย้งกันว่าเป็นมงกุฎแห่งการสร้างสรรค์ซึ่งเป็นศูนย์กลางของจักรวาล แนวคิดเหล่านี้ได้รับการรวบรวมอย่างยอดเยี่ยมในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในผลงานของศิลปินชาวอิตาลีซึ่งเป็นผู้ร่วมสมัยที่ยิ่งใหญ่ของ Bosch Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci อย่างไรก็ตาม จังหวัด 's-Hertogenbosch ไม่ได้เหมือนกับเมืองฟลอเรนซ์ซึ่งเป็นเมืองหลวงที่เป็นอิสระและเจริญรุ่งเรืองของทัสคานี และจนกระทั่งบางครั้งก็ไม่ได้รับผลกระทบจากการแตกแยกครั้งใหญ่ในประเพณีและรากฐานในยุคกลางที่เป็นที่ยอมรับทั้งหมด ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง Bosch ซึมซับแนวคิดใหม่ ๆ นักประวัติศาสตร์ศิลปะแนะนำให้เขาศึกษาที่เดลฟต์หรือฮาร์เล็ม
ชีวิตของ Bosch มาถึงจุดเปลี่ยนในการพัฒนาของประเทศเนเธอร์แลนด์ เมื่ออุตสาหกรรมและงานฝีมือเติบโตอย่างรวดเร็ว วิทยาศาสตร์และการศึกษาจึงมีความสำคัญมากขึ้นเรื่อยๆ และในขณะเดียวกัน เช่นเดียวกับที่เกิดขึ้นบ่อยครั้ง ผู้คน แม้แต่ผู้ที่มีการศึกษามากที่สุดก็ยังแสวงหา ที่หลบภัยและการสนับสนุนความเชื่อโชคลางยุคกลางอันมืดมน โหราศาสตร์ การเล่นแร่แปรธาตุ และเวทมนตร์ และบ๊อชซึ่งเป็นพยานถึงกระบวนการสำคัญในการเปลี่ยนแปลงจากยุคกลางอันมืดมนไปสู่ยุคเรอเนซองส์ที่สดใสได้สะท้อนให้เห็นความไม่สอดคล้องกันของเวลาในการทำงานของเขาอย่างยอดเยี่ยม
ในปี 1478 Bosch แต่งงานกับ Aleid Van Merwerme ซึ่งเป็นครอบครัวที่อยู่ในกลุ่มขุนนางระดับสูงของเมือง คู่รัก Bosch อาศัยอยู่ในที่ดินเล็กๆ ของ Aleid ใกล้กับ 's-Hertogenbosch บ๊อชแตกต่างจากศิลปินหลายๆ คนตรงที่มีความมั่นคงทางการเงิน (ความจริงที่ว่าเขาห่างไกลจากความจนนั้นเห็นได้จากภาษีจำนวนมากที่เขาจ่าย บันทึกของมันถูกเก็บไว้ในเอกสารสำคัญ) และทำได้เพียงทำตามที่เขาต้องการเท่านั้น เขาไม่ได้ขึ้นอยู่กับคำสั่งซื้อและสถานที่ตั้งของลูกค้า และให้อิสระในการเลือกหัวข้อและสไตล์ของภาพวาดของเขา
เขาคือใคร Hieronymus Bosch ซึ่งบางทีอาจเป็นศิลปินที่ลึกลับที่สุดในศิลปะโลก? เป็นคนนอกรีตหรือผู้ศรัทธาที่ทนทุกข์ แต่มีความคิดที่น่าขัน เยาะเย้ยความอ่อนแอของมนุษย์อย่างเหยียดหยาม? ผู้ลึกลับหรือนักมนุษยนิยม คนเกลียดชังหรือคนร่าเริง ผู้ชื่นชมอดีตหรือผู้ทำนายที่ชาญฉลาด? หรืออาจเป็นเพียงคนประหลาดโดดเดี่ยวที่แสดงผลงานจินตนาการอันบ้าคลั่งของเขาบนผืนผ้าใบ? นอกจากนี้ยังมีมุมมองดังกล่าว: บ๊อชเสพยาและภาพวาดของเขาเป็นผลมาจากความมึนงงยาเสพติด
ไม่ค่อยมีใครรู้เกี่ยวกับชีวิตของเขาจนเป็นไปไม่ได้เลยที่จะสร้างความคิดเกี่ยวกับบุคลิกภาพของศิลปิน และมีเพียงภาพวาดของเขาเท่านั้นที่สามารถบอกได้ว่าผู้แต่งเป็นคนแบบไหน
ประการแรกมีสิ่งที่น่าสนใจและความรู้เชิงลึกของศิลปิน หัวข้อของภาพวาดของเขาแสดงโดยมีฉากหลังเป็นอาคารที่มีสถาปัตยกรรมทั้งร่วมสมัยและโบราณ ภูมิทัศน์ของเขาประกอบด้วยพืชและสัตว์ที่รู้จักกันในขณะนั้น สัตว์ต่างๆ ในป่าทางตอนเหนืออาศัยอยู่ท่ามกลางพืชเขตร้อน ช้างและยีราฟกินหญ้าในทุ่งนาของเนเธอร์แลนด์ ในภาพวาดแท่นบูชาแห่งหนึ่ง เขาจำลองลำดับการก่อสร้างหอคอยตามกฎทั้งหมดของศิลปะวิศวกรรมในเวลานั้น และในอีกที่หนึ่งเขาบรรยายถึงความสำเร็จของเทคโนโลยีแห่งศตวรรษที่ 15: น้ำและกังหันลม เตาถลุง ,โรงตีเหล็ก,สะพาน,เกวียน,เรือ. ในภาพวาดที่แสดงถึงนรก ศิลปินแสดงอาวุธ เครื่องครัว และเครื่องดนตรี และภาพหลังถูกวาดอย่างแม่นยำและมีรายละเอียดจนภาพวาดเหล่านี้สามารถใช้เป็นภาพประกอบสำหรับตำราเรียนเกี่ยวกับประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรีได้
บ๊อชตระหนักดีถึงความสำเร็จของวิทยาศาสตร์ร่วมสมัย แพทย์ นักโหราศาสตร์ นักเล่นแร่แปรธาตุ และนักคณิตศาสตร์ มักเป็นวีรบุรุษในภาพวาดของเขา แนวคิดของศิลปินเกี่ยวกับชีวิตหลังความตาย เกี่ยวกับโลกใต้พิภพมีพื้นฐานมาจากความรู้เชิงลึกเกี่ยวกับบทความทางเทววิทยาและชีวิตของนักบุญ แต่สิ่งที่น่าทึ่งที่สุดคือบอชมีแนวคิดเกี่ยวกับคำสอนของนิกายนอกรีตที่เป็นความลับ เกี่ยวกับแนวคิดของนักวิทยาศาสตร์ชาวยิวในยุคกลาง ซึ่งหนังสือของเขาในเวลานั้นยังไม่ได้แปลเป็นภาษายุโรปใดๆ เลย! นอกจากนี้ นิทานพื้นบ้าน โลกแห่งเทพนิยายและตำนานของชนชาติของเขายังสะท้อนให้เห็นในภาพวาดของเขาด้วย ไม่ต้องสงสัยเลยว่า Bosch เป็นคนในยุคปัจจุบันอย่างแท้จริง เป็นมนุษย์ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขารู้สึกตื่นเต้นและสนใจทุกสิ่งที่เกิดขึ้นในโลก งานของ Bosch ตามอัตภาพประกอบด้วยสี่ระดับ - ตามตัวอักษร, โครงเรื่อง; เชิงเปรียบเทียบเชิงเปรียบเทียบ (แสดงในลักษณะคล้ายคลึงกันระหว่างเหตุการณ์ในพันธสัญญาเดิมและพันธสัญญาใหม่); สัญลักษณ์ (โดยใช้สัญลักษณ์ของแนวคิดในยุคกลาง คติชนวิทยา) และความลับ ซึ่งเกี่ยวข้องกับเหตุการณ์ในชีวิตของเขาหรือกับคำสอนนอกรีตต่างๆ ดังที่นักวิจัยบางคนเชื่อ บ๊อชใช้สัญลักษณ์และสัญลักษณ์ต่างๆ ในการแต่งเพลงซิมโฟนีที่มีภาพอันยิ่งใหญ่ โดยจะได้ยินเสียงเพลงพื้นบ้าน คอร์ดอันสง่างามของทรงกลมท้องฟ้า และเสียงคำรามอันบ้าคลั่งของเครื่องจักรนรก
สัญลักษณ์ของ Bosch มีความหลากหลายมากจนเป็นไปไม่ได้ที่จะหากุญแจสำคัญร่วมกันในภาพวาดของเขา สัญลักษณ์เปลี่ยนวัตถุประสงค์ขึ้นอยู่กับบริบท และอาจมาจากแหล่งที่มาที่หลากหลาย ซึ่งบางครั้งก็ห่างไกลจากกัน ตั้งแต่บทความลึกลับไปจนถึงเวทมนตร์ในทางปฏิบัติ จากนิทานพื้นบ้านไปจนถึงการแสดงพิธีกรรม
แหล่งที่มาที่ลึกลับที่สุดแห่งหนึ่งคือการเล่นแร่แปรธาตุ ซึ่งเป็นกิจกรรมที่มุ่งเปลี่ยนโลหะพื้นฐานให้กลายเป็นทองคำและเงิน และยิ่งไปกว่านั้นคือการสร้างชีวิตในห้องแล็บซึ่งมีขอบเขตชัดเจนว่าเป็นลัทธินอกรีต ในบ๊อช การเล่นแร่แปรธาตุมีคุณสมบัติเชิงลบและปีศาจ และคุณลักษณะของมันมักจะถูกระบุด้วยสัญลักษณ์แห่งตัณหา: การร่วมเพศมักแสดงอยู่ในขวดแก้วหรือในน้ำ - ซึ่งเป็นคำใบ้ของสารประกอบเล่นแร่แปรธาตุ การเปลี่ยนสีบางครั้งคล้ายกับขั้นตอนแรกของการเปลี่ยนแปลงของสสาร หอคอยหยัก ต้นไม้กลวง ไฟเป็นทั้งสัญลักษณ์ของนรกและความตาย และบ่งบอกถึงไฟของนักเล่นแร่แปรธาตุ เรือที่ปิดสนิทหรือเตาหลอมก็เป็นสัญลักษณ์ของมนต์ดำและปีศาจเช่นกัน ในบรรดาบาปทั้งหมด ตัณหาอาจเป็นสัญลักษณ์ที่สำคัญที่สุด เริ่มจากเชอร์รี่และผลไม้ที่ "ยั่วยวน" อื่นๆ เช่น องุ่น ทับทิม สตรอเบอร์รี่ แอปเปิ้ล เป็นเรื่องง่ายที่จะจดจำสัญลักษณ์ทางเพศ: ผู้ชายล้วนเป็นวัตถุปลายแหลม: เขา, ลูกศร, ปี่สก็อต มักบ่งบอกถึงบาปที่ผิดธรรมชาติ เพศหญิง - ทุกสิ่งที่ดูดซับ: วงกลม, ฟอง, เปลือกหอย, เหยือก (ยังหมายถึงปีศาจที่กระโดดออกมาจากมันในช่วงวันสะบาโต), พระจันทร์เสี้ยว (ยังบ่งบอกถึงศาสนาอิสลามและดังนั้นจึงเป็นบาป)
นอกจากนี้ยังมีสัตว์ที่ "ไม่สะอาด" มากมายซึ่งมาจากพระคัมภีร์และสัญลักษณ์ในยุคกลาง: อูฐ, กระต่าย, หมู, ม้า, นกกระสาและอื่น ๆ อีกมากมาย; อดไม่ได้ที่จะพูดถึงงูถึงแม้ว่ามันจะไม่ปรากฏใน Bosch บ่อยนักก็ตาม นกฮูกเป็นผู้ส่งสารของปีศาจและในขณะเดียวกันก็ถือเป็นความบาปหรือสัญลักษณ์แห่งปัญญา คางคกซึ่งในการเล่นแร่แปรธาตุหมายถึงกำมะถันเป็นสัญลักษณ์ของปีศาจและความตายเช่นเดียวกับทุกสิ่งที่แห้ง - ต้นไม้โครงกระดูกสัตว์
สัญลักษณ์อื่นๆ ที่พบบ่อยได้แก่ บันได ซึ่งบ่งบอกถึงเส้นทางสู่ความรู้ด้านการเล่นแร่แปรธาตุหรือสัญลักษณ์ของการมีเพศสัมพันธ์ ช่องทางกลับหัวเป็นคุณลักษณะของการฉ้อโกงหรือภูมิปัญญาเท็จ กุญแจ (ความรู้ความเข้าใจหรืออวัยวะเพศ) มักมีรูปร่างไม่ให้เปิด ขาที่ถูกตัดออกมักเกี่ยวข้องกับการถูกทำร้ายร่างกายหรือการทรมาน และสำหรับ Bosch ก็มีความเกี่ยวข้องกับบาปและเวทมนตร์ด้วย สำหรับวิญญาณชั่วร้ายประเภทต่างๆ จินตนาการของบอชไม่มีขอบเขต ในภาพวาดของเขาลูซิเฟอร์สวมหน้ากากมากมาย: เหล่านี้เป็นปีศาจแบบดั้งเดิมที่มีเขาปีกและหางแมลงครึ่งมนุษย์ - ครึ่งสัตว์สิ่งมีชีวิตที่มีส่วนหนึ่งของร่างกายกลายเป็นวัตถุสัญลักษณ์เครื่องจักรมานุษยวิทยา พวกประหลาดที่ไม่มีลำตัวและมีขาขนาดใหญ่เพียงข้างเดียว ย้อนกลับไปในสมัยโบราณด้วยวิธีที่แปลกประหลาด ปีศาจมักถูกแสดงด้วยเครื่องดนตรี ซึ่งส่วนใหญ่เป็นเครื่องดนตรีประเภทลม ซึ่งบางครั้งก็กลายเป็นส่วนหนึ่งของกายวิภาคของพวกมัน โดยกลายเป็นขลุ่ยจมูกหรือทรัมเป็ตจมูก ในที่สุด กระจก ซึ่งเป็นคุณลักษณะที่ชั่วร้ายซึ่งสืบเนื่องมาจากพิธีกรรมเวทมนตร์ กลายเป็นเครื่องมือแห่งการล่อลวงในชีวิตและการเยาะเย้ยหลังความตาย
ในสมัยของ Bosch ศิลปินวาดภาพหัวข้อทางศาสนาเป็นหลัก แต่ในงานแรกสุดของเขา Bosch กบฏต่อกฎเกณฑ์ที่กำหนดไว้ - เขาสนใจผู้คนที่มีชีวิตมากกว่าผู้คนในยุคของเขา: นักมายากลเร่ร่อน ผู้รักษา ตัวตลก นักแสดง นักดนตรี และขอทาน เมื่อเดินทางผ่านเมืองต่างๆ ของยุโรป พวกเขาไม่เพียงแต่หลอกคนง่ายๆ ที่ใจง่ายเท่านั้น แต่ยังให้ความบันเทิงแก่ชาวเมืองและชาวนาที่มีเกียรติด้วย โดยเล่าให้พวกเขาฟังว่าเกิดอะไรขึ้นในโลกนี้ หากไม่มีพวกเขา คนพเนจรเหล่านี้กล้าหาญและมีไหวพริบไม่ใช่งานเดียวไม่มีงานรื่นเริงหรือวันหยุดของคริสตจักรแม้แต่งานเดียว และบ๊อชวาดภาพคนเหล่านี้ โดยรักษารสชาติของช่วงเวลาแห่งลูกหลานเอาไว้
ลองจินตนาการถึงเมืองเล็กๆ ในดัตช์ที่มีถนนแคบๆ โบสถ์ที่มียอดแหลม หลังคากระเบื้อง และศาลากลางที่หลีกเลี่ยงไม่ได้บนจัตุรัสตลาด แน่นอนว่าการมาถึงของนักมายากลเป็นเหตุการณ์สำคัญในชีวิตของชาวเมืองธรรมดาที่โดยทั่วไปไม่มีความบันเทิงพิเศษ - อาจเป็นเพียงงานรื่นเริงในโบสถ์หรือช่วงเย็นกับเพื่อน ๆ ในโรงเตี๊ยมที่ใกล้ที่สุด ฉากการแสดงของนักมายากลที่มาเยี่ยมเยียนมีชีวิตขึ้นมาด้วยภาพวาดของบ๊อช ที่นี่เขาคือศิลปินคนนี้กำลังวางวัตถุงานฝีมือของเขาไว้บนโต๊ะด้วยความยินดีอย่างยิ่งที่เขาหลอกคนซื่อสัตย์ เราเห็นว่าหญิงสาวผู้น่านับถือซึ่งหลงใหลในกลอุบายของนักมายากลโน้มตัวลงบนโต๊ะเพื่อดูว่าเขากำลังทำอะไรอยู่ และในเวลานี้ชายคนหนึ่งที่ยืนอยู่ข้างหลังเธอดึงกระเป๋าสตางค์ออกจากกระเป๋าของเธอ แน่นอนว่านักมายากลและหัวขโมยที่ฉลาดคือกลุ่มเดียวกัน และทั้งคู่ต่างก็มีความหน้าซื่อใจคดและความหน้าซื่อใจคดมากมายบนใบหน้า ดูเหมือนว่า Bosch กำลังเขียนฉากที่สมจริงอย่างยิ่ง แต่ทันใดนั้น เราก็เห็นกบคลานออกมาจากปากของผู้หญิงขี้สงสัยคนนั้น เป็นที่ทราบกันดีว่าในเทพนิยายยุคกลางกบเป็นสัญลักษณ์ของความไร้เดียงสาและความใจง่ายซึ่งมีพรมแดนติดกับความโง่เขลาโดยสิ้นเชิง
ในช่วงปีเดียวกันนั้น Bosch ได้สร้างผืนผ้าใบอันยิ่งใหญ่ "The Seven Deadly Sins" ตรงกลางภาพมีรูม่านตา - "God's Eye" มีคำจารึกเป็นภาษาละติน: "ระวังระวัง - พระเจ้าทรงเห็น" รอบๆ มีฉากที่แสดงถึงบาปของมนุษย์: ความตะกละ ความเกียจคร้าน ตัณหา ความไร้สาระ ความโกรธ ความอิจฉา และความตระหนี่ ศิลปินอุทิศฉากแยกให้กับบาปทั้ง 7 ประการ และผลลัพธ์ก็คือเรื่องราวชีวิตมนุษย์ ภาพนี้วาดบนกระดาน ใช้เป็นพื้นผิวโต๊ะก่อน ดังนั้นองค์ประกอบทรงกลมที่ไม่ธรรมดา ฉากบาปดูเหมือนตลกน่ารักในหัวข้อศีลธรรมของบุคคล ศิลปินมีแนวโน้มที่จะพูดตลกมากกว่าที่จะประณามและขุ่นเคือง บ๊อชยอมรับว่าความโง่เขลาและความชั่วร้ายเบ่งบานในชีวิตของเรา แต่นี่คือธรรมชาติของมนุษย์ และไม่สามารถทำอะไรได้ ผู้คนจากทุกชนชั้น ทุกระดับของสังคมปรากฏในภาพ - ขุนนาง ชาวนา พ่อค้า นักบวช ชาวเมือง ผู้พิพากษา ที่สี่ด้านขององค์ประกอบขนาดใหญ่นี้ Bosch พรรณนาถึง "ความตาย" "การพิพากษาครั้งสุดท้าย" "สวรรค์" และ "นรก" - สิ่งที่พวกเขาเชื่อในสมัยของเขาคือจุดจบชีวิตของทุกคน
ในปี 1494 บทกวีของ Sebastian Brant เรื่อง "The Ship of Fools" พร้อมภาพประกอบโดย Dürer ได้รับการตีพิมพ์ใน Basel “โลกจมอยู่ในกลางคืนและความมืดซึ่งพระเจ้าปฏิเสธ - คนโง่ต่างรุมเร้าไปตามถนน” แบรนต์เขียน
ไม่มีใครทราบแน่ชัดว่า Bosch อ่านผลงานร่วมสมัยอันยอดเยี่ยมของเขาหรือไม่ แต่ในภาพวาด "Ship of Fools" ของเขา เราเห็นตัวละครทั้งหมดในบทกวีของ Brant ได้แก่ คนเมาเหล้า คนเกียจคร้าน คนหลอกลวง คนตลก และภรรยาที่ไม่พอใจ เรือที่เต็มไปด้วยคนโง่ กำลังแล่นไปโดยไม่มีหางเสือและใบเรือ ผู้โดยสารดื่มด่ำกับความสุขทางกามารมณ์ ไม่มีใครรู้ว่าการเดินทางจะสิ้นสุดเมื่อใดและที่ไหน ชายฝั่งใดที่พวกเขาถูกกำหนดให้ขึ้นฝั่ง และพวกเขาไม่สนใจ - พวกเขาใช้ชีวิตอยู่กับปัจจุบัน ลืมอดีต และไม่คิดถึงอนาคต ที่นั่งที่ดีที่สุดคือพระภิกษุและแม่ชีที่ร้องเพลงลามกอนาจาร เสากระโดงกลายเป็นต้นไม้ที่มีมงกุฎอันเขียวชอุ่มซึ่งความตายยิ้มอย่างชั่วร้ายและเหนือสิ่งอื่นใดความบ้าคลั่งนี้โบกธงที่มีรูปดาวและพระจันทร์เสี้ยวสัญลักษณ์ของชาวมุสลิมบ่งบอกถึงการละทิ้งศรัทธาที่แท้จริงจากศาสนาคริสต์
ในปี 1516 เมื่อวันที่ 9 สิงหาคม ตามเอกสารสำคัญของ 's-Hertogenbosch "ศิลปินชื่อดัง" Hieronymus Bosch เสียชีวิต ชื่อของเขามีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในฮอลแลนด์เท่านั้น แต่ยังมีชื่อเสียงในประเทศอื่นๆ ในยุโรปด้วย กษัตริย์ฟิลิปที่ 2 แห่งสเปนทรงรวบรวมผลงานที่ดีที่สุดของพระองค์และยังทรงวาง "บาปทั้ง 7 ประการ" ไว้ในห้องนอนของพระองค์ในเอล เอสโคเรียล และวาง "A Wain of Hay" ไว้เหนือโต๊ะของพระองค์ “ผลงานชิ้นเอก” จำนวนมากปรากฏในตลาดศิลปะ ผู้ติดตาม นักลอกเลียนแบบ ผู้ลอกเลียนแบบและนักต้มตุ๋นจำนวนมากที่ปลอมแปลงผลงานของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ และในปี 1549 ที่เมืองแอนต์เวิร์ป ปีเตอร์ บรูเกลในวัยเยาว์ได้จัด "เวิร์คช็อปของเฮียโรนีมัส บอช" ซึ่งร่วมกับเพื่อนๆ ของเขา เขาได้ผลิตงานแกะสลักในสไตล์ของบ๊อช และจำหน่ายได้อย่างประสบความสำเร็จ อย่างไรก็ตามเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 ชีวิตของผู้คนเปลี่ยนไปอย่างรุนแรงจนภาษาสัญลักษณ์ของศิลปินไม่สามารถเข้าใจได้ ผู้จัดพิมพ์ที่พิมพ์งานแกะสลักจากผลงานของเขาถูกบังคับให้แสดงความคิดเห็นยาว ๆ ร่วมกับพวกเขาในขณะที่พูดถึงเฉพาะด้านศีลธรรมของงานของศิลปินเท่านั้น แท่นบูชาของบ๊อชหายไปจากโบสถ์ ย้ายไปยังกลุ่มนักสะสมชั้นสูงที่ชื่นชอบการถอดรหัสแท่นบูชาเหล่านั้น ในศตวรรษที่ 17 บ๊อชเกือบลืมไปแล้วเพราะผลงานทั้งหมดของเขาเต็มไปด้วยสัญลักษณ์
หลายปีผ่านไปและแน่นอนว่าในศตวรรษที่ 18 และศตวรรษที่ 19 อันสง่างาม Bosch กลับกลายเป็นว่าไม่จำเป็นเลยแม้แต่น้อย ยิ่งไปกว่านั้นยังเป็นมนุษย์ต่างดาวอีกด้วย Klim Samgin ฮีโร่ของ Gorky เมื่อดูภาพวาดของ Bosch ในเมืองมิวนิก Pinakothek เก่าก็ประหลาดใจ: “ เป็นเรื่องแปลกที่ภาพวาดที่น่ารำคาญนี้พบสถานที่ในพิพิธภัณฑ์ที่ดีที่สุดแห่งหนึ่งในเมืองหลวงของเยอรมัน Bosch นี้จัดการกับความเป็นจริงเหมือนเด็กที่มี ของเล่น - เขาหักมันแล้วจึงติดกาวเข้าด้วยกัน” ตามที่เขาต้องการ เรื่องไร้สาระ นี่เหมาะสำหรับ feuilleton ในหนังสือพิมพ์จังหวัด” ผลงานของศิลปินสะสมฝุ่นในห้องเก็บของของพิพิธภัณฑ์ และนักประวัติศาสตร์ศิลปะได้กล่าวถึงเพียงสั้นๆ ในงานของพวกเขาคือจิตรกรยุคกลางที่แปลกประหลาดผู้วาดภาพภาพลวงตาบางประเภท
แต่แล้วศตวรรษที่ 20 ก็มาถึง ด้วยสงครามอันน่าสยดสยองที่ทำให้ความเข้าใจของมนุษย์พลิกผัน ศตวรรษที่นำมาซึ่งความสยองขวัญของการฆ่าล้างเผ่าพันธุ์ ความบ้าคลั่งของเตาเผา Auschwitz ที่ทำงานอย่างต่อเนื่อง ฝันร้ายของเห็ดปรมาณู แล้วก็มีวันสิ้นโลกของอเมริกาเมื่อวันที่ 11 กันยายน พ.ศ. 2544 และมอสโก "Nord-Ost" ผลงานของเฮียโรนีมัส บอช ศิลปินแห่งยุคจุดเปลี่ยนที่น่าตกใจซึ่งเห็นว่าอารยธรรมที่มีมาหลายศตวรรษสิ้นสุดลงอย่างไร คริสตจักรซึ่งจนกระทั่งถึงตอนนั้นได้เริ่มแบ่งแยกว่าค่านิยมเก่าๆ ที่ถูกหักล้างและทิ้งไปในนามของค่านิยมใหม่และไม่รู้จักนั้นกลับกลายเป็นความทันสมัยและสดใหม่อย่างน่าทึ่งในยุคของเราอีกครั้ง และการไตร่ตรองอันเจ็บปวดและความหยั่งรู้อันน่าเศร้าของเขา ผลลัพธ์ของความคิดของเขาเกี่ยวกับปัญหาชั่วนิรันดร์ของความดีและความชั่ว ธรรมชาติของมนุษย์ เกี่ยวกับชีวิต ความตายและศรัทธา ซึ่งไม่ทอดทิ้งเราไม่ว่าจะเกิดอะไรขึ้น กลายเป็นคุณค่าอย่างเหลือเชื่อและจำเป็นอย่างแท้จริง นั่นเป็นเหตุผลที่เรากลับมาดูภาพวาดอันยอดเยี่ยมและไร้กาลเวลาของเขาครั้งแล้วครั้งเล่า
ผลงานของ Bosch ชวนให้นึกถึงผลงานของ Robert Campin ในเชิงสัญลักษณ์ แต่การเปรียบเทียบความสมจริงของ Campin และภาพหลอนของ Hieronymus Bosch นั้นไม่เหมาะสมโดยสิ้นเชิง มีสิ่งที่เรียกว่า "สัญลักษณ์ที่ซ่อนอยู่" ในผลงานของ Kampen สัญลักษณ์ของ Kampen ได้รับการยอมรับอย่างดีและเข้าใจได้ง่ายกว่าราวกับกำลังเชิดชูโลกแห่งวัตถุ สัญลักษณ์ของบ๊อชค่อนข้างเป็นการเยาะเย้ยโลกรอบตัวเรา ความชั่วร้ายของมัน และไม่ใช่การยกย่องเชิดชูโลกนี้ บ๊อชตีความเรื่องราวในพระคัมภีร์อย่างอิสระเกินไป
บทสรุป.
ศิลปินหลายคนในศตวรรษที่ 15 มีชื่อเสียงจากการยกย่องศาสนาและโลกแห่งวัตถุในผลงานของพวกเขา ส่วนใหญ่ใช้สัญลักษณ์สำหรับสิ่งนี้ ซึ่งเป็นความหมายที่ซ่อนอยู่ในการพรรณนาสิ่งของในชีวิตประจำวัน สัญลักษณ์ของ Kampen ค่อนข้างจะธรรมดา แต่ถึงกระนั้นก็ไม่สามารถเข้าใจได้เสมอไปว่าสัญลักษณ์ลับถูกซ่อนอยู่ในรูปของวัตถุหรือว่าวัตถุนั้นเป็นเพียงส่วนหนึ่งของการตกแต่งภายในหรือไม่
สัญลักษณ์ทางศาสนามีอยู่ในผลงานของ Jan van Eyck แต่มันก็จางหายไปในพื้นหลัง ในงานของเขา Jan van Eyck พรรณนาฉากเบื้องต้นจากพระคัมภีร์และความหมายและเนื้อเรื่องของฉากเหล่านี้ชัดเจนสำหรับทุกคน
บ๊อชเยาะเย้ยโลกรอบตัวเขา ใช้สัญลักษณ์ในแบบของเขาเอง และตีความเหตุการณ์โดยรอบและการกระทำของผู้คน แม้จะมีความสนใจอย่างมาก แต่ผลงานของเขาก็ถูกลืมไปในไม่ช้าและพบในคอลเลกชันส่วนตัวเป็นหลัก ความสนใจในเรื่องนี้ฟื้นขึ้นมาเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เท่านั้น
วัฒนธรรมดัตช์ถึงจุดสูงสุดในยุค 60 ศตวรรษที่สิบหก แต่ในช่วงเวลาเดียวกันนั้น มีเหตุการณ์เกิดขึ้นที่ทำให้เนเธอร์แลนด์เก่าหมดสิ้นไป รัชสมัยอันนองเลือดของอัลบาซึ่งทำให้ประเทศต้องสูญเสียชีวิตมนุษย์หลายพันคน นำไปสู่สงครามที่ทำลายล้างแฟลนเดอร์สและบราบันต์ ซึ่งเป็นภูมิภาควัฒนธรรมหลักของ ประเทศ. ชาวจังหวัดทางตอนเหนือซึ่งต่อต้านกษัตริย์สเปนในปี ค.ศ. 1568 ไม่ได้ลดแขนลงเลยจนกระทั่งได้รับชัยชนะในปี ค.ศ. 1579 เมื่อมีการประกาศสถาปนารัฐใหม่คือ United Provinces รวมถึงพื้นที่ทางตอนเหนือของประเทศซึ่งนำโดยฮอลแลนด์ เนเธอร์แลนด์ตอนใต้ยังคงอยู่ภายใต้การปกครองของสเปนมาเกือบศตวรรษ
เหตุผลที่สำคัญที่สุดสำหรับการตายของวัฒนธรรมนี้คือการปฏิรูปซึ่งแบ่งชาวดัตช์ออกเป็นคาทอลิกและโปรเตสแตนต์ตลอดไป ในช่วงเวลาที่พระนามของพระคริสต์ปรากฏบนริมฝีปากของทั้งสองฝ่ายที่ทำสงครามกัน งานวิจิตรศิลป์ก็เลิกเป็นคริสเตียน
ในพื้นที่คาทอลิก การวาดภาพเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนากลายเป็นธุรกิจที่อันตราย ทั้งการยึดมั่นในอุดมคติยุคกลางที่เต็มไปด้วยสีสันและไร้เดียงสา และประเพณีการตีความหัวข้อพระคัมภีร์อย่างเสรีที่มาจาก Bosch สามารถนำความสงสัยเรื่องบาปมาสู่ศิลปินได้เท่าเทียมกัน
ในจังหวัดทางภาคเหนือที่นิกายโปรเตสแตนต์ได้รับชัยชนะในช่วงปลายศตวรรษ ภาพวาดและประติมากรรมถูก "เนรเทศ" ออกจากโบสถ์ นักเทศน์โปรเตสแตนต์ประณามศิลปะของคริสตจักรอย่างฉุนเฉียวว่าเป็นการบูชารูปเคารพ คลื่นทำลายล้างของการยึดถือสัญลักษณ์ - 1566 และ 1581 – งานศิลปะที่ยอดเยี่ยมมากมายถูกทำลาย
ในยามรุ่งสางของยุคปัจจุบัน ความกลมกลืนในยุคกลางระหว่างโลกทางโลกและโลกสวรรค์ถูกรบกวน ในชีวิตของบุคคลในปลายศตวรรษที่ 16 ความรู้สึกรับผิดชอบต่อการกระทำของตนต่อหน้าพระเจ้าทำให้ปฏิบัติตามบรรทัดฐานของศีลธรรมสาธารณะ อุดมคติแห่งความศักดิ์สิทธิ์ถูกแทนที่ด้วยอุดมคติแห่งความซื่อสัตย์ของชาวเบอร์เกอร์ ศิลปินวาดภาพโลกที่ล้อมรอบพวกเขา โดยลืมเกี่ยวกับผู้สร้างโลกมากขึ้นเรื่อยๆ ความสมจริงเชิงสัญลักษณ์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือถูกแทนที่ด้วยความสมจริงทางโลกแบบใหม่
ปัจจุบัน แท่นบูชาของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ยืมตัวมาเพื่อการฟื้นฟู เนื่องจากผลงานจิตรกรรมชิ้นเอกดังกล่าวมีค่าควรแก่การอนุรักษ์มานานหลายศตวรรษ
ภาษาสเปนและโดยทั่วไปคือ Pyrenean ภาพวาดของศตวรรษที่ 15-16 รองจากภาษาอิตาลีและภาษาเฟลมิช แน่นอนว่า ในปัจจุบัน เป็นเรื่องทันสมัยที่จะพบลักษณะเฉพาะบางอย่างที่สามารถอธิบายได้ด้วยความโง่เขลา และส่งต่อเป็นการสำแดงจิตวิญญาณของชาติ ความเรียบพูดการตกแต่งเช่น ชอบการปิดทองทุกชนิดและรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ (ทำให้ฉันนึกถึงอะไร?)ในศตวรรษที่ 15 ชาวอิตาลีและชาวเฟลมมิ่ง และชาวฝรั่งเศสที่เข้าร่วมกับพวกเขาในนาม Jean Fouquet และศิลปินคนอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง ได้สำรวจห้วงอวกาศอย่างแข็งขัน ชาวอิตาลียังศึกษากายวิภาคศาสตร์ สัดส่วน และพยายามทำความเข้าใจว่าศีรษะแนบกับคออย่างไร และศิลปินชาวพิเรนีนก็อยู่ใกล้ๆ หากไม่ผิดทั้งหมด
หลุยส์ ดาลเมา, 1443-1445
ฟาน เอคถูกกล่าวถึงที่นี่เป็นชิ้นๆ แต่ให้ใส่ใจกับขนาดของศีรษะของผู้บริจาคที่อยู่ใกล้บัลลังก์และศีรษะของมาดอนน่ามากที่สุด จริงอยู่ ผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะคาตาลันจะพูดอย่างแน่นอนว่านี่เป็นมุมมองที่ตรงกันข้าม และเราเห็นหัวจากมุมมองของเด็ก
เจมี เฟอร์เรอร์ ที่ 2 การตรึงกางเขน. เสด็จขึ้นสู่สวรรค์ 1457
ทุกสิ่งที่นี่เป็นเพียงการ์ตูนล้อเลียน และสัดส่วนและโดยเฉพาะขาที่ยื่นออกมาจากก้อนเมฆ (ในวินาทีแรกดูเหมือนว่าจริงๆ แล้วมันคือเสา) อย่างไรก็ตามลักษณะที่ "ป่าเถื่อน" อีกประการหนึ่งคือความรักในการพรรณนาใบหน้าที่แปลกประหลาดซึ่งทำให้ภาพที่ไม่ค่อยมีทักษะมีความมีชีวิตชีวาและความสนใจ
และเมื่อพวกเขาพยายามสร้างสถาปัตยกรรม มันกลับกลายเป็นดังนี้:
เบอร์นาร์โด มาร์โตเรลล์, ค. 1440-1450.
และแม้แต่จิตรกรที่มีความสามารถมากที่สุดซึ่งทุกอย่างเรียบร้อยดีด้วยโครงสร้างเชิงพื้นที่ก็ไม่สามารถทำได้หากไม่มีการปิดทองมากมาย นี่คือ Jaime Huge หนึ่งในชาวคาตาลันที่ดีที่สุดแห่งศตวรรษที่ 15 IMHO:
การนมัสการของพวกโหราจารย์ แคลิฟอร์เนีย 1464-1465.
ปิดทองอย่างล้นเหลือรายละเอียดทั้งหมดได้รับการแก้ไขรีดและไม่มีใครสังเกตเห็นข้อบกพร่องที่ชัดเจนในการก่อสร้างสถาปัตยกรรม และเป็นการดีกว่าถ้าไม่มีสถาปัตยกรรมเลย
การวาดภาพเฟลมิชเป็นหนึ่งในโรงเรียนคลาสสิกในประวัติศาสตร์วิจิตรศิลป์ ใครที่สนใจการวาดภาพคลาสสิกเคยได้ยินวลีนี้ แต่อะไรอยู่เบื้องหลังชื่ออันสูงส่งเช่นนี้ คุณสามารถระบุคุณสมบัติหลายประการของสไตล์นี้และตั้งชื่อหลักโดยไม่ลังเลได้หรือไม่? เพื่อที่จะสำรวจห้องโถงของพิพิธภัณฑ์ขนาดใหญ่ได้อย่างมั่นใจยิ่งขึ้นและไม่ต้องอายในศตวรรษที่ 17 อันห่างไกลคุณจำเป็นต้องรู้จักโรงเรียนนี้
ประวัติความเป็นมาของโรงเรียนเฟลมิช
ศตวรรษที่ 17 เริ่มต้นด้วยความแตกแยกภายในเนเธอร์แลนด์ เนื่องจากการต่อสู้ทางศาสนาและการเมืองเพื่อเสรีภาพภายในของรัฐ สิ่งนี้นำไปสู่การแตกแยกในขอบเขตวัฒนธรรม ประเทศแบ่งออกเป็นสองส่วนคือภาคใต้และภาคเหนือซึ่งภาพวาดเริ่มพัฒนาไปในทิศทางที่ต่างกัน ชาวใต้ที่ยังคงนับถือศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิกภายใต้การปกครองของสเปนจะกลายมาเป็นตัวแทน โรงเรียนเฟลมิชในขณะที่ศิลปินภาคเหนือได้รับการยกย่องจากนักวิจารณ์ศิลปะว่า โรงเรียนภาษาดัตช์.
ตัวแทนของโรงเรียนจิตรกรรมเฟลมิชยังคงสานต่อประเพณีของเพื่อนร่วมงานชาวอิตาลีที่มีอายุมากกว่า - ศิลปินในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: ราฟาเอล สันติ, มิเกลันเจโล บูโอนาร์โรติผู้ให้ความสนใจอย่างมากต่อประเด็นทางศาสนาและตำนาน เมื่อเดินไปตามเส้นทางที่คุ้นเคย เสริมด้วยองค์ประกอบหยาบของความสมจริงแบบอนินทรีย์ ศิลปินชาวดัตช์ไม่สามารถสร้างสรรค์ผลงานศิลปะที่โดดเด่นได้ ความเมื่อยล้ายังคงดำเนินต่อไปจนกระทั่งเขาลุกขึ้นยืนที่ขาตั้ง ปีเตอร์ พอล รูเบนส์(1577-1640) อะไรที่น่าทึ่งมากที่ชาวดัตช์คนนี้สามารถนำมาสู่งานศิลปะได้?
อาจารย์ที่มีชื่อเสียง
พรสวรรค์ของรูเบนส์สามารถเติมชีวิตชีวาให้กับภาพวาดของชาวใต้ซึ่งไม่โดดเด่นมากนักเมื่ออยู่ต่อหน้าเขา ด้วยความคุ้นเคยอย่างใกล้ชิดกับมรดกของปรมาจารย์ชาวอิตาลี ศิลปินจึงสานต่อประเพณีการหันไปสนใจประเด็นทางศาสนา แต่แตกต่างจากเพื่อนร่วมงานของเขา Rubens สามารถผสมผสานคุณลักษณะของสไตล์ของเขาเองเข้ากับวิชาคลาสสิกได้อย่างกลมกลืนซึ่งมีแนวโน้มที่จะมีสีสันที่หลากหลายและการพรรณนาถึงธรรมชาติที่เต็มไปด้วยชีวิต
จากภาพวาดของศิลปินราวกับมาจากหน้าต่างที่เปิดอยู่ ดูเหมือนว่าแสงแดดจะส่องเข้ามา (“ The Last Judgement”, 1617) วิธีแก้ปัญหาที่ผิดปกติสำหรับการสร้างองค์ประกอบของตอนคลาสสิกจากพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์หรือตำนานนอกรีตดึงดูดความสนใจไปที่ความสามารถใหม่ในหมู่คนรุ่นเดียวกันของเขาและยังคงเป็นเช่นนั้น นวัตกรรมดังกล่าวดูสดใหม่เมื่อเปรียบเทียบกับภาพวาดที่มืดมนและเงียบงันของศิลปินร่วมสมัยชาวดัตช์ของเขา
แบบจำลองของศิลปินเฟลมิชก็กลายเป็นคุณลักษณะเฉพาะเช่นกัน ผู้หญิงผมสีขาวอ้วนท้วนซึ่งวาดด้วยความสนใจโดยไม่มีการตกแต่งที่ไม่เหมาะสม มักกลายเป็นวีรสตรีคนสำคัญของภาพวาดของรูเบนส์ ตัวอย่างสามารถพบได้ในภาพวาด "The Judgement of Paris" (1625) "ซูซานนาและผู้เฒ่า" (1608), “ดาวศุกร์อยู่หน้ากระจก”(1615) เป็นต้น
นอกจากนี้ รูเบนส์ยังมีส่วนร่วมอีกด้วย มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของประเภทแนวนอน. เขาเริ่มพัฒนาในการวาดภาพของศิลปินเฟลมิชไปจนถึงตัวแทนหลักของโรงเรียน แต่เป็นผลงานของรูเบนส์ที่กำหนดคุณสมบัติหลักของการวาดภาพทิวทัศน์ระดับชาติซึ่งสะท้อนถึงสีสันท้องถิ่นของเนเธอร์แลนด์
ผู้ติดตาม
รูเบนส์ซึ่งมีชื่อเสียงอย่างรวดเร็ว ในไม่ช้าก็พบว่าตัวเองถูกรายล้อมไปด้วยผู้ลอกเลียนแบบและนักเรียน อาจารย์สอนให้พวกเขาใช้ลักษณะพื้นบ้านของพื้นที่ สีสัน และเชิดชูความงามที่ไม่ธรรมดาของมนุษย์ สิ่งนี้ดึงดูดผู้ชมและศิลปิน ผู้ติดตามลองตัวเองในประเภทต่างๆ - จากภาพบุคคล ( กัสปาเร เดอ เคน, อับราฮัม แจนส์เซนส์) ไปจนถึงหุ่นนิ่ง (ฟรานส์ สไนเดอร์ส) และทิวทัศน์ (แจน วิลเดนส์) การทาสีบ้านของโรงเรียนเฟลมิชดำเนินการด้วยวิธีดั้งเดิม เอเดรียน โบรเวอร์และ เดวิด เทเนียร์ส จูเนียร์
นักเรียนที่ประสบความสำเร็จและโดดเด่นที่สุดคนหนึ่งของรูเบนส์คือ แอนโทนี่ ฟาน ไดค์(ค.ศ. 1599 - 1641) สไตล์ของผู้เขียนของเขาพัฒนาขึ้นเรื่อย ๆ ในตอนแรกด้อยกว่าการเลียนแบบที่ปรึกษาของเขาโดยสิ้นเชิง แต่เมื่อเวลาผ่านไปเขาก็ระมัดระวังในการวาดภาพมากขึ้น นักเรียนชอบเฉดสีที่อ่อนโยนและเงียบเชียบซึ่งต่างจากครู
ภาพวาดของ Van Dyck ทำให้ชัดเจนว่าเขาไม่มีความโน้มเอียงอย่างมากในการสร้างองค์ประกอบที่ซับซ้อน พื้นที่เชิงปริมาตรที่มีรูปทรงหนักๆ ซึ่งทำให้ภาพวาดของอาจารย์ของเขาโดดเด่น แกลเลอรีผลงานของศิลปินเต็มไปด้วยภาพบุคคลเดี่ยวหรือคู่ งานพิธีการหรืองานใกล้ชิด ซึ่งบ่งบอกถึงลำดับความสำคัญของประเภทของผู้แต่งที่แตกต่างจากรูเบนส์
บันทึก. นอกจากศิลปินจากเนเธอร์แลนด์แล้ว รายชื่อยังรวมถึงจิตรกรจากแฟลนเดอร์สด้วย
ศิลปะดัตช์ในศตวรรษที่ 15
การจัดแสดงศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาครั้งแรกในประเทศเนเธอร์แลนด์มีอายุย้อนกลับไปตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 15 ภาพวาดชิ้นแรกที่สามารถจำแนกได้ว่าเป็นอนุสรณ์สถานยุคเรอเนซองส์ยุคแรก ๆ นั้นถูกสร้างขึ้นโดยพี่น้อง Hubert และ Jan van Eyck ทั้งสองคน - ฮูเบิร์ต (เสียชีวิตในปี 1426) และแจน (ประมาณปี 1390-1441) - มีบทบาทสำคัญในการก่อตัวของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดัตช์ แทบไม่มีใครรู้เกี่ยวกับฮิวเบิร์ตเลย เห็นได้ชัดว่าแจนเป็นคนที่มีการศึกษาสูง เขาศึกษาเรขาคณิต เคมี การทำแผนที่ และทำงานทางการฑูตบางอย่างให้กับดยุคแห่งเบอร์กันดี ฟิลิปเดอะกู๊ด ซึ่งเขารับใช้ในการเดินทางไปโปรตุเกสด้วย ก้าวแรกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในเนเธอร์แลนด์สามารถตัดสินได้จากภาพวาดของสองพี่น้องซึ่งดำเนินการในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 15 และในบรรดาภาพวาดเหล่านั้น เช่น "Myrrh-Bearing Women at the Tomb" (อาจเป็นส่วนหนึ่งของ polyptych; Rotterdam , พิพิธภัณฑ์ Boijmans van Beyningen), “ มาดอนน่าในโบสถ์” (เบอร์ลิน), “นักบุญเจอโรม” (ดีทรอยต์, สถาบันศิลปะ)
พี่น้อง Van Eyck ครอบครองสถานที่พิเศษในงานศิลปะร่วมสมัย แต่พวกเขาไม่ได้อยู่คนเดียว ในเวลาเดียวกัน จิตรกรคนอื่นๆ ที่เกี่ยวข้องกับพวกเขาทั้งในด้านโวหารและมีปัญหาก็ทำงานร่วมกับพวกเขาด้วย ในหมู่พวกเขา สถานที่แรกนั้นเป็นของ Flemal Master อย่างไม่ต้องสงสัย มีการพยายามอันชาญฉลาดหลายครั้งเพื่อระบุชื่อและต้นกำเนิดที่แท้จริงของเขา เวอร์ชันที่น่าเชื่อถือที่สุดคือศิลปินคนนี้ได้รับชื่อ Robert Campin และชีวประวัติที่ได้รับการพัฒนาค่อนข้างดี ก่อนหน้านี้เรียกว่าเจ้าแห่งแท่นบูชา (หรือ "การประกาศ") ของเมโรด นอกจากนี้ยังมีมุมมองที่ไม่น่าเชื่อถือซึ่งถือว่าผลงานของเขามาจาก Rogier van der Weyden ในวัยหนุ่ม
เป็นที่ทราบกันดีเกี่ยวกับ Campin ว่าเขาเกิดในปี 1378 หรือ 1379 ในเมืองวาลองเซียนส์ได้รับตำแหน่งปรมาจารย์ในปี 1406 ในเมืองตูร์แนอาศัยอยู่ที่นั่นแสดงนอกเหนือจากการวาดภาพแล้วงานตกแต่งมากมายยังเป็นครูของจิตรกรหลายคน (รวมถึง Rogier van der Weyden ซึ่งจะกล่าวถึงด้านล่าง - จากปี 1426 และ Jacques Darais - จากปี 1427) และเสียชีวิตในปี 1444 งานศิลปะของกัมเปนยังคงรักษาลักษณะที่ปรากฏในชีวิตประจำวันตามแบบแผน "ลัทธิแพนเทวนิยม" ทั่วไป และด้วยเหตุนี้จึงกลายเป็นว่ามีความใกล้ชิดกับจิตรกรชาวดัตช์รุ่นต่อไปมาก ผลงานยุคแรกๆ ของ Rogier van der Weyden และ Jacques Darais นักเขียนที่ต้องพึ่งพา Campin เป็นอย่างมาก (เช่น "Adoration of the Magi" และ "The Meeting of Mary and Elizabeth", 1434–1435; Berlin) เผยให้เห็นอย่างชัดเจน ความสนใจในศิลปะของปรมาจารย์ผู้นี้ซึ่งไม่ต้องสงสัยเลยว่าแนวโน้มของเวลาจะปรากฏขึ้น
Rogier van der Weyden เกิดในปี 1399 หรือ 1400 ฝึกภายใต้ Campin (นั่นคือใน Tournai) ได้รับตำแหน่งปรมาจารย์ในปี 1432 และในปี 1435 ย้ายไปบรัสเซลส์ซึ่งเขาเป็นจิตรกรอย่างเป็นทางการของเมือง: ในปี 1449– ค.ศ. 1450 เขาเดินทางไปอิตาลีและเสียชีวิตในปี ค.ศ. 1464 ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชาวดัตช์บางคนศึกษาร่วมกับเขา (เช่น Memling) และเขามีชื่อเสียงอย่างกว้างขวางไม่เพียง แต่ในบ้านเกิดของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในอิตาลีด้วย (นักวิทยาศาสตร์และนักปรัชญาที่มีชื่อเสียง Nicholas of Cusa เรียกเขาว่าเป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Dürer กล่าวถึงผลงานของเขาในภายหลัง) ผลงานของ Rogier van der Weyden ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานในการหล่อเลี้ยงจิตรกรรุ่นต่อไปที่หลากหลาย พอจะกล่าวได้ว่าเวิร์กช็อปของเขาซึ่งเป็นเวิร์กช็อปที่จัดขึ้นอย่างกว้างขวางครั้งแรกในเนเธอร์แลนด์มีอิทธิพลอย่างมากต่อการแพร่กระจายสไตล์ของปรมาจารย์คนหนึ่งอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนในศตวรรษที่ 15 ในที่สุดก็ลดสไตล์นี้ลงเหลือเพียงผลรวมของเทคนิคลายฉลุและแม้แต่การเล่น บทบาทของเบรกในการทาสีในช่วงปลายศตวรรษ แต่ถึงกระนั้นศิลปะในช่วงกลางศตวรรษที่ 15 ก็ไม่สามารถลดทอนลงตามประเพณี Rohir ได้แม้ว่าจะมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดก็ตาม อีกเส้นทางหนึ่งเป็นตัวอย่างที่ชัดเจนโดยผลงานของ Dirik Bouts และ Albert Ouwater เช่นเดียวกับ Rogier ที่ค่อนข้างแปลกแยกจากการชื่นชมในพระเจ้าในชีวิต และภาพลักษณ์ของมนุษย์กำลังสูญเสียการติดต่อกับคำถามเกี่ยวกับจักรวาลมากขึ้นเรื่อยๆ - คำถามเชิงปรัชญา เทววิทยา และศิลปะ ทำให้ได้รับความเป็นรูปธรรมและความมั่นใจทางจิตวิทยามากขึ้นเรื่อยๆ แต่ Rogier van der Weyden ปรมาจารย์ด้านเสียงที่น่าทึ่งซึ่งเป็นศิลปินที่มุ่งมั่นเพื่อภาพลักษณ์ส่วนบุคคลและในเวลาเดียวกันก็สนใจในขอบเขตของคุณสมบัติทางจิตวิญญาณของมนุษย์เป็นหลัก ความสำเร็จของ Bouts และ Ouwater อยู่ที่การปรับปรุงความถูกต้องของภาพในชีวิตประจำวัน ในบรรดาปัญหาที่เป็นทางการพวกเขาสนใจในประเด็นที่เกี่ยวข้องกับการแก้ปัญหาที่ไม่แสดงออกมากเท่าปัญหาการมองเห็น (ไม่ใช่ความคมชัดของการวาดภาพและการแสดงออกของสี แต่เป็นการจัดระเบียบเชิงพื้นที่ของภาพและความเป็นธรรมชาติของสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศ) .
ภาพเหมือนของหญิงสาว ค.ศ. 1445 หอศิลป์ เบอร์ลิน
St Ivo, 1450, หอศิลป์แห่งชาติ, ลอนดอน
นักบุญลุควาดภาพพระแม่มารี ค.ศ. 1450 พิพิธภัณฑ์โกรนิงเกน บรูจส์
แต่ก่อนที่จะพิจารณาผลงานของจิตรกรทั้งสองคนนี้ ควรค่าแก่การคิดถึงปรากฏการณ์ในระดับที่เล็กลง ซึ่งแสดงให้เห็นว่าการค้นพบงานศิลปะในช่วงกลางศตวรรษนี้เป็นทั้งความต่อเนื่องของประเพณีของ Van Eyck-Campen และการจากไป พวกเขาก็มีเหตุผลอันลึกซึ้งในคุณสมบัติทั้งสองนี้ จิตรกรสายอนุรักษ์นิยมอย่าง Petrus Christus แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความหลีกเลี่ยงไม่ได้ทางประวัติศาสตร์ของการละทิ้งความเชื่อนี้ แม้แต่สำหรับศิลปินที่ไม่ชอบการค้นพบที่รุนแรงก็ตาม ตั้งแต่ปี 1444 คริสตุสกลายเป็นพลเมืองของบรูจส์ (เขาเสียชีวิตที่นั่นในปี 1472/1473) นั่นคือเขาได้เห็นผลงานที่ดีที่สุดของฟานเอคและได้รับอิทธิพลจากประเพณีของเขา โดยไม่ต้องอาศัยคำพังเพยอันแหลมคมของ Rogier van der Weyden คริสตุสประสบความสำเร็จในการสร้างลักษณะเฉพาะตัวที่เป็นรายบุคคลและแตกต่างมากกว่าที่ Van Eyck ทำ อย่างไรก็ตามภาพบุคคลของเขา (E. Grimston - 1446, ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ, พระภิกษุ Carthusian - 1446, นิวยอร์ก, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิตัน) ในเวลาเดียวกันบ่งบอกถึงการลดลงของภาพในงานของเขา ในงานศิลปะ ความอยากต่อสิ่งที่เป็นรูปธรรม ปัจเจกบุคคล และโดยเฉพาะอย่างยิ่งเริ่มชัดเจนมากขึ้นเรื่อยๆ บางทีแนวโน้มเหล่านี้อาจแสดงออกมาอย่างชัดเจนที่สุดในงานของ Bouts อายุน้อยกว่า Rogier van der Weyden (เกิดระหว่างปี 1400 ถึง 1410) เขาห่างไกลจากลักษณะที่น่าทึ่งและการวิเคราะห์ของปรมาจารย์ผู้นี้ แต่ศึกช่วงแรกๆ ส่วนใหญ่มาจาก Rogier แท่นบูชาที่มี "The Descent from the Cross" (กรานาดา, มหาวิหาร) และภาพวาดอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง เช่น "Entombment" (ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ) บ่งบอกถึงการศึกษาอย่างลึกซึ้งในผลงานของศิลปินคนนี้ แต่ความคิดริเริ่มนั้นเห็นได้ชัดอยู่แล้วที่นี่ - Bouts ทำให้ตัวละครของเขามีพื้นที่มากขึ้น เขาไม่สนใจสภาพแวดล้อมทางอารมณ์มากนักเหมือนในฉากแอ็กชัน กระบวนการของมัน ตัวละครของเขามีความกระตือรือร้นมากขึ้น เช่นเดียวกับการถ่ายภาพบุคคล ในภาพเหมือนที่ยอดเยี่ยมของชายคนหนึ่ง (ค.ศ. 1462; ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ) เงยหน้าขึ้นด้วยการสวดภาวนา - แม้ว่าจะไม่มีความสูงส่งก็ตาม - ดวงตา ปากที่พิเศษ และมือที่พับอย่างประณีตนั้นมีสีเฉพาะตัวที่ฟาน เอคไม่รู้ แม้ในรายละเอียดคุณก็สามารถสัมผัสได้ถึงความเป็นส่วนตัวนี้ การสะท้อนที่ค่อนข้างธรรมดา แต่แท้จริงอย่างไร้เดียงสานั้นอยู่ในผลงานทั้งหมดของอาจารย์ เห็นได้ชัดเจนที่สุดในองค์ประกอบภาพหลายร่างของเขา และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานที่โด่งดังที่สุดของเขา - แท่นบูชาของโบสถ์ Louvain แห่งเซนต์ปีเตอร์ (ระหว่างปี 1464 ถึง 1467) หากผู้ชมรับรู้ว่างานของ Van Eyck เป็นปาฏิหาริย์แห่งความคิดสร้างสรรค์และการสร้างสรรค์เสมอ ก่อนที่ผลงานของ Bouts จะมีความรู้สึกที่แตกต่างเกิดขึ้น งานเรียบเรียงของ Bouts พูดถึงเขาในฐานะผู้กำกับมากมาย คำนึงถึงความสำเร็จของวิธีการ "ผู้กำกับ" ดังกล่าว (นั่นคือวิธีการที่งานของศิลปินคือการจัดเรียงตัวละครที่มีลักษณะเฉพาะราวกับดึงจากธรรมชาติเพื่อจัดฉาก) ในศตวรรษต่อ ๆ มาเราควรใส่ใจกับสิ่งนี้ ปรากฏการณ์ในการทำงานของ Dirk Bouts
ขั้นต่อไปของศิลปะดัตช์ครอบคลุมช่วงสามหรือสี่ทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 15 ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่ยากลำบากอย่างยิ่งสำหรับชีวิตในประเทศและวัฒนธรรมของประเทศ ช่วงเวลานี้เริ่มต้นด้วยผลงานของ Jos van Wassenhove (หรือ Jos van Ghent ระหว่างปี 1435–1440 - หลังปี 1476) ศิลปินที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาภาพวาดใหม่ แต่ออกจากอิตาลีในปี 1472 เคยชินกับสภาพแวดล้อมที่นั่นและ มีส่วนร่วมในศิลปะอิตาลีอย่างเป็นธรรมชาติ แท่นบูชาของเขาที่มี "การตรึงกางเขน" (เกนต์, โบสถ์เซนต์บาโว) บ่งบอกถึงความปรารถนาในการเล่าเรื่อง แต่ในขณะเดียวกันก็เป็นความปรารถนาที่จะกีดกันเรื่องราวของความไม่พอใจอย่างเย็นชา เขาต้องการบรรลุผลอย่างหลังด้วยความช่วยเหลือจากความสง่างามและการตกแต่ง แท่นบูชาของพระองค์เป็นงานฆราวาสโดยธรรมชาติโดยใช้โทนสีอ่อนตามโทนสีรุ้งที่ประณีต
ช่วงเวลานี้ดำเนินต่อไปด้วยผลงานของปรมาจารย์ผู้มีพรสวรรค์อันโดดเด่น - Hugo van der Goes เขาเกิดประมาณปี 1435 เป็นอาจารย์ในเมืองเกนต์ในปี 1467 และเสียชีวิตในปี 1482 ผลงานแรกสุดของ Hus ได้แก่ ภาพพระแม่มารีและพระบุตรหลายภาพ โดดเด่นด้วยลักษณะโคลงสั้น ๆ ของภาพ (ฟิลาเดลเฟีย พิพิธภัณฑ์ศิลปะ และบรัสเซลส์ พิพิธภัณฑ์) และภาพวาด "St. Anne, Mary and Child and the Donor" (บรัสเซลส์ , พิพิธภัณฑ์). จากการพัฒนาข้อค้นพบของ Rogier van der Weyden ฮุสมองว่าการจัดองค์ประกอบภาพไม่ใช่วิธีการจัดระเบียบสิ่งที่แสดงให้เห็นอย่างกลมกลืนมากนัก แต่เป็นวิธีในการมุ่งเน้นและระบุเนื้อหาทางอารมณ์ของฉาก บุคคลนั้นน่าทึ่งสำหรับสามีเพียงเพราะความแข็งแกร่งของความรู้สึกส่วนตัวของเขาเท่านั้น ในขณะเดียวกัน กัสก็ถูกดึงดูดด้วยความรู้สึกโศกเศร้า อย่างไรก็ตาม รูปของนักบุญเจเนวีฟ (ด้านหลังบทคร่ำครวญ) บ่งชี้ว่า เพื่อค้นหาอารมณ์ที่เปลือยเปล่า อูโก ฟาน เดอร์ โกส์ เริ่มให้ความสนใจกับความสำคัญทางจริยธรรมของภาพนี้ ในแท่นบูชาของ Portinari Hus พยายามแสดงศรัทธาในความสามารถทางจิตวิญญาณของมนุษย์ แต่ศิลปะของเขาเริ่มวิตกกังวลและตึงเครียด เทคนิคทางศิลปะของ Hus มีความหลากหลาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเขาต้องการสร้างโลกแห่งจิตวิญญาณของบุคคลขึ้นมาใหม่ บางครั้ง พระองค์ทรงเปรียบเทียบความรู้สึกใกล้ชิดตามลำดับบางอย่างเช่นเดียวกับในการถ่ายทอดปฏิกิริยาของคนเลี้ยงแกะ บางครั้งเช่นเดียวกับในภาพของแมรี่ศิลปินได้สรุปลักษณะทั่วไปของประสบการณ์ตามที่ผู้ชมเติมเต็มความรู้สึกโดยรวม บางครั้ง - ในรูปของนางฟ้าตาแคบหรือมาร์การิต้า - เขาใช้เทคนิคการแต่งเพลงหรือจังหวะเพื่อถอดรหัสภาพ บางครั้งการแสดงออกทางจิตวิทยาที่เข้าใจยากก็กลายเป็นวิธีการแสดงลักษณะเฉพาะสำหรับเขา - นี่คือลักษณะที่ภาพสะท้อนของรอยยิ้มปรากฏบนใบหน้าที่แห้งและไม่มีสีของ Maria Baroncelli และการหยุดชั่วคราวมีบทบาทอย่างมาก - ในการตัดสินใจเชิงพื้นที่และในการดำเนินการ พวกเขาให้โอกาสในการพัฒนาจิตใจและเติมเต็มความรู้สึกที่ศิลปินระบุไว้ในภาพ ตัวละครในภาพลักษณ์ของ Hugo van der Goes ขึ้นอยู่กับบทบาทที่พวกเขาควรจะเล่นโดยรวมเสมอ คนเลี้ยงแกะคนที่สามเป็นธรรมชาติจริงๆ โจเซฟเป็นคนมีจิตใจสมบูรณ์ ทูตสวรรค์ทางด้านขวาของเขาแทบไม่มีจริง และภาพของมาร์กาเร็ตและแม็กดาเลนนั้นซับซ้อน สังเคราะห์ และสร้างขึ้นจากการไล่ระดับจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนอย่างยิ่ง
Hugo van der Goes ต้องการแสดงและรวบรวมความอ่อนโยนทางจิตวิญญาณของบุคคลและความอบอุ่นภายในของเขาไว้ในภาพของเขา แต่โดยพื้นฐานแล้ว ภาพวาดบุคคลล่าสุดของศิลปินบ่งบอกถึงวิกฤตที่เพิ่มขึ้นในงานของ Hus เนื่องจากโครงสร้างทางจิตวิญญาณของเขาไม่ได้ถูกสร้างขึ้นมากนักจากการรับรู้ถึงคุณสมบัติส่วนบุคคลของบุคคล แต่จากการสูญเสียความสามัคคีของมนุษย์และโลกอย่างน่าเศร้า ศิลปิน. ในงานชิ้นสุดท้าย - "The Death of Mary" (บรูจส์, พิพิธภัณฑ์) - วิกฤตครั้งนี้ส่งผลให้แรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ของศิลปินล่มสลาย ความสิ้นหวังของอัครสาวกนั้นสิ้นหวัง ท่าทางของพวกเขาไม่มีความหมาย พระคริสต์ที่ลอยอยู่ในความรุ่งโรจน์ด้วยความทุกข์ทรมานของเขาดูเหมือนจะพิสูจน์ความทุกข์ทรมานของพวกเขาและฝ่ามือที่ถูกแทงของเขาหันเข้าหาผู้ชมและร่างที่มีขนาดไม่ จำกัด ละเมิดโครงสร้างขนาดใหญ่และความรู้สึกของความเป็นจริง นอกจากนี้ยังเป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจขอบเขตความเป็นจริงของประสบการณ์ของอัครสาวก เพราะพวกเขาทุกคนมีความรู้สึกแบบเดียวกัน และก็ไม่ได้เป็นของพวกเขามากเท่ากับเป็นของศิลปิน แต่ผู้ถือยังคงมีความน่าเชื่อถือทั้งทางร่างกายและจิตใจ ภาพที่คล้ายกันจะได้รับการฟื้นฟูในภายหลัง เมื่อปลายศตวรรษที่ 15 ในวัฒนธรรมดัตช์ ประเพณีร้อยปีก็สิ้นสุดลง (ในบ๊อช) ซิกแซกแปลก ๆ เป็นพื้นฐานขององค์ประกอบของภาพวาดและจัดระเบียบ: อัครสาวกที่นั่งคนเดียวที่ไม่นิ่งเฉยมองดูผู้ชมเอียงจากซ้ายไปขวามารีย์กราบจากขวาไปซ้ายพระคริสต์ลอยจากซ้ายไปขวา . และซิกแซกแบบเดียวกันในโทนสี: ร่างของคนที่นั่งมีความเกี่ยวข้องกับแมรี่ในสีคนที่นอนอยู่บนผ้าสีฟ้าหม่นในชุดคลุมก็เป็นสีฟ้าเช่นกัน แต่เป็นสีน้ำเงินสุดขีดจากนั้น - ไม่มีตัวตน สีน้ำเงินที่ไม่มีสาระสำคัญของพระคริสต์ และรอบๆ ก็มีสีของเสื้อคลุมของอัครสาวก: เหลือง, เขียว, น้ำเงิน - เย็นอย่างไร้ขอบเขต, ชัดเจน, ผิดธรรมชาติ ความรู้สึกใน “อัสสัมชัญ” นั้นเปลือยเปล่า มันไม่เหลือที่ว่างสำหรับความหวังหรือมนุษยชาติ ในช่วงบั้นปลายชีวิต Hugo van der Goes เข้าไปในอาราม ปีสุดท้ายของเขาถูกบดบังด้วยความเจ็บป่วยทางจิต เห็นได้ชัดว่าในข้อเท็จจริงเกี่ยวกับชีวประวัติเหล่านี้เราสามารถเห็นภาพสะท้อนของความขัดแย้งอันน่าสลดใจที่กำหนดงานศิลปะของอาจารย์ได้ งานของ Hus เป็นที่รู้จักและชื่นชม และดึงดูดความสนใจแม้กระทั่งนอกประเทศเนเธอร์แลนด์ Jean Clouet the Elder (ปรมาจารย์แห่ง Moulins) ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากงานศิลปะของเขา Domenico Ghirlandaio รู้จักและศึกษาแท่นบูชา Portinari อย่างไรก็ตามผู้ร่วมสมัยของเขาไม่เข้าใจเขา ศิลปะของเนเธอร์แลนด์เอนเอียงไปทางเส้นทางอื่นอย่างต่อเนื่อง และร่องรอยที่โดดเดี่ยวของอิทธิพลของงานของ Hus เพียงเน้นย้ำถึงความเข้มแข็งและความแพร่หลายของแนวโน้มอื่นๆ เหล่านี้ พวกเขาปรากฏตัวอย่างเต็มที่และสม่ำเสมอที่สุดในผลงานของ Hans Memling
โต๊ะเครื่องแป้งของโลก, อันมีค่า, แผงกลาง,
นรก แผงด้านซ้ายของอันมีค่า "Earthly Vanities"
พ.ศ. 1485 พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ สตราสบูร์ก
Hans Memling เห็นได้ชัดว่าเกิดที่ Seligenstadt ใกล้แฟรงก์เฟิร์ตอัมไมน์ในปี 1433 (เสียชีวิตในปี 1494) ศิลปินได้รับการฝึกฝนที่ยอดเยี่ยมจาก Rogier และเมื่อย้ายไปที่ Bruges ก็ได้รับชื่อเสียงอย่างกว้างขวางที่นั่น ผลงานที่ค่อนข้างเร็วเผยให้เห็นทิศทางของภารกิจของเขา หลักการของแสงและความประเสริฐได้รับจากเขาซึ่งมีความหมายทางโลกและทางโลกมากขึ้นและทุกสิ่งทางโลก - ความอิ่มเอมในอุดมคติบางอย่าง ตัวอย่างคือแท่นบูชากับพระแม่มารี นักบุญ และผู้บริจาค (ลอนดอน หอศิลป์แห่งชาติ) Memling มุ่งมั่นที่จะรักษารูปลักษณ์ในชีวิตประจำวันของฮีโร่ที่แท้จริงของเขา และนำฮีโร่ในอุดมคติของเขาเข้ามาใกล้พวกเขามากขึ้น หลักการอันประเสริฐนี้ไม่ได้เป็นการแสดงออกถึงกองกำลังของโลกทั่วไปที่เข้าใจในเชิงศาสนาและกลายเป็นทรัพย์สินทางวิญญาณตามธรรมชาติของมนุษย์ หลักการทำงานของเมมลิงปรากฏชัดเจนยิ่งขึ้นในสิ่งที่เรียกว่า Floreins-Altar (1479; บรูจส์, พิพิธภัณฑ์เมมลิง) เวทีหลักและปีกขวาของนั้นเป็นสำเนาฟรีของส่วนที่เกี่ยวข้องของแท่นบูชาในมิวนิกของ Rogier เขาลดขนาดของแท่นบูชาลงอย่างเด็ดขาด ตัดส่วนบนและด้านข้างขององค์ประกอบของ Rogier ออก ลดจำนวนร่าง และในขณะเดียวกันก็นำฉากแอ็กชันเข้าใกล้ผู้ชมมากขึ้น เหตุการณ์นี้สูญเสียขอบเขตอันสง่างามไป ภาพของผู้เข้าร่วมสูญเสียความเป็นตัวแทนและได้รับคุณสมบัติส่วนตัวองค์ประกอบเป็นเฉดสีของความกลมกลืนที่นุ่มนวลและสีในขณะที่ยังคงรักษาความบริสุทธิ์และความโปร่งใสจะสูญเสียความดังที่เย็นชาและคมชัดของ Rogirov ไปโดยสิ้นเชิง ดูจะสั่นไหวด้วยเฉดสีสว่างใส ลักษณะพิเศษยิ่งกว่านั้นคือการประกาศ (ประมาณปี 1482; New York, Lehman collection) ซึ่งใช้แผนของ Rogier; ภาพลักษณ์ของแมรี่ได้รับการถ่ายทอดให้มีลักษณะเป็นอุดมคติอันนุ่มนวล นางฟ้ามีรูปแบบที่มีความหมาย และสิ่งของตกแต่งภายในทาสีด้วยความรักเหมือนของฟาน เอค ในเวลาเดียวกัน ลวดลายของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี เช่น มาลัย พุตติ ฯลฯ กำลังแทรกซึมเข้าไปในงานของเมมลิงมากขึ้นเรื่อยๆ และโครงสร้างการเรียบเรียงก็วัดผลและชัดเจนมากขึ้น (อันมีค่าที่มีคำว่า "Madonna and Child, Angel and Donor" เวียนนา) ศิลปินพยายามที่จะลบเส้นแบ่งระหว่างหลักการธรรมดาๆ ที่เป็นรูปธรรมและหลักธรรมที่กลมกลืนกัน
ศิลปะของเมมลิงดึงดูดความสนใจอย่างใกล้ชิดจากปรมาจารย์แห่งจังหวัดภาคเหนือ แต่พวกเขายังสนใจคุณสมบัติอื่น ๆ ด้วย - สิ่งที่เกี่ยวข้องกับอิทธิพลของ Huss จังหวัดทางตอนเหนือรวมทั้งฮอลแลนด์ยังตามหลังจังหวัดทางใต้ในยุคนั้นทั้งในด้านเศรษฐกิจและจิตวิญญาณ การวาดภาพดัตช์ในยุคแรกมักจะไม่ได้ไปไกลกว่ารูปแบบยุคกลางและระดับจังหวัดตอนปลาย และระดับของงานฝีมือไม่เคยเพิ่มขึ้นถึงศิลปะของศิลปินชาวเฟลมิช เฉพาะในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 15 เท่านั้นที่สถานการณ์เปลี่ยนไปด้วยศิลปะของ Hertgen tot sint Jans เขาอาศัยอยู่ในฮาร์เลมกับพระภิกษุโยฮันไนท์ (ซึ่งเขามีชื่อเล่นว่า Sint Jans แปลว่านักบุญยอห์น) และเสียชีวิตเมื่ออายุยังน้อย - อายุยี่สิบแปดปี (เกิดในไลเดน (?) ประมาณปี 1460/65 เสียชีวิตในฮาร์เลมในปี 1490- 1495 ). Hertgen สัมผัสได้ถึงความวิตกกังวลที่ทำให้ Hus กังวลอย่างคลุมเครือ แต่โดยไม่เพิ่มความเข้าใจอันน่าเศร้า เขาได้ค้นพบเสน่ห์อันอ่อนโยนของความรู้สึกเรียบง่ายของมนุษย์ เขาใกล้ชิดกับสามีโดยสนใจในโลกฝ่ายวิญญาณภายในของมนุษย์ ผลงานชิ้นสำคัญของ Goertgen คือแท่นบูชาที่วาดสำหรับ Harlem Johannites ปีกขวาซึ่งตอนนี้เลื่อยทั้งสองด้านก็รอดมาได้ ด้านในแสดงถึงภาพการไว้ทุกข์หลายร่างขนาดใหญ่ Gertgen บรรลุเป้าหมายทั้งสองอย่างตามเวลาที่ตั้งไว้ นั่นคือ การถ่ายทอดความอบอุ่น ความมีมนุษยธรรมของความรู้สึก และสร้างเรื่องราวที่น่าเชื่อถืออย่างยิ่ง ส่วนหลังจะสังเกตเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษที่ด้านนอกประตู ซึ่งเป็นภาพการเผาอัฐิของยอห์นผู้ให้บัพติศมาโดยจูเลียนผู้ละทิ้งความเชื่อ ผู้เข้าร่วมในฉากแอ็คชั่นมีลักษณะเกินจริง และฉากแอ็คชั่นแบ่งออกเป็นฉากอิสระหลายฉาก ซึ่งแต่ละฉากจะถูกนำเสนอด้วยการสังเกตที่ชัดเจน ระหว่างทาง ปรมาจารย์ได้สร้างภาพบุคคลกลุ่มแรกๆ ในศิลปะยุโรปในยุคปัจจุบัน ซึ่งสร้างขึ้นบนหลักการของการผสมผสานลักษณะภาพบุคคลอย่างเรียบง่าย โดยคาดว่าจะเป็นผลงานของศตวรรษที่ 16 “ครอบครัวของพระคริสต์” ของเขา (อัมสเตอร์ดัม Rijksmuseum) นำเสนอภายในโบสถ์ และได้รับการตีความว่าเป็นสภาพแวดล้อมเชิงพื้นที่ที่แท้จริง ช่วยให้เข้าใจงานของ Geertgen ได้มากมาย บุคคลเบื้องหน้ายังคงมีความสำคัญ ไม่แสดงความรู้สึกใดๆ รักษารูปลักษณ์ในชีวิตประจำวันอย่างมีศักดิ์ศรี ศิลปินสร้างสรรค์ภาพที่บางทีอาจจะมีลักษณะเป็นชาวเมืองมากที่สุดในงานศิลปะของเนเธอร์แลนด์ ในเวลาเดียวกัน เป็นสิ่งสำคัญที่ Gertgen เข้าใจถึงความอ่อนโยน ความหวาน และความไร้เดียงสาบางอย่างที่ไม่ใช่สัญญาณที่มีลักษณะภายนอก แต่เป็นคุณสมบัติบางอย่างของโลกฝ่ายวิญญาณของบุคคล และการผสมผสานความรู้สึกของชีวิตของชาวเมืองเข้ากับอารมณ์ความรู้สึกที่ลึกซึ้งนี้ถือเป็นคุณลักษณะที่สำคัญในงานของ Gertgen ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เขาไม่ได้ทำให้การเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณของฮีโร่ของเขามีบุคลิกที่ยอดเยี่ยมและเป็นสากล ราวกับว่าเขาจงใจป้องกันไม่ให้ฮีโร่ของเขากลายเป็นคนพิเศษ ด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงไม่ดูเป็นรายบุคคล พวกเขามีความอ่อนโยนและไม่มีความรู้สึกอื่นหรือความคิดที่ไม่เกี่ยวข้องประสบการณ์ที่ชัดเจนและบริสุทธิ์ทำให้พวกเขาห่างไกลจากชีวิตประจำวัน อย่างไรก็ตาม ผลลัพธ์ของอุดมคติของภาพนั้นไม่เคยดูเป็นนามธรรมหรือเป็นของเทียมเลย ลักษณะพิเศษเหล่านี้ยังทำให้หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของศิลปินอย่าง “คริสต์มาส” (ลอนดอน หอศิลป์แห่งชาติ) เป็นภาพวาดขนาดเล็กที่ปกปิดความรู้สึกตื่นเต้นและความประหลาดใจ
Gertgen เสียชีวิตตั้งแต่เนิ่นๆ แต่หลักการทางศิลปะของเขาไม่ได้คงอยู่ในความสับสน อย่างไรก็ตาม Master of the Brunswick diptych (“Saint Bavo”, Brunswick, Museum; “Christmas”, Amsterdam, Rijksmuseum) และปรมาจารย์นิรนามคนอื่น ๆ ที่อยู่ใกล้กับเขามากที่สุดซึ่งใกล้ชิดกับเขามากที่สุดไม่ได้พัฒนาหลักการของ Hertgen มากนัก ให้เป็นมาตรฐานอันแพร่หลาย บางทีสิ่งที่สำคัญที่สุดในหมู่พวกเขาก็คือปรมาจารย์แห่งราศีกันย์ระหว่างหญิงพรหมจารี (ตั้งชื่อตามภาพวาดของพิพิธภัณฑ์อัมสเตอร์ดัม Rijksmuseum ที่วาดภาพพระแม่มารีท่ามกลางหญิงพรหมจารีผู้ศักดิ์สิทธิ์) ซึ่งไม่ค่อยสนใจเหตุผลทางจิตวิทยาของอารมณ์มากนัก แต่อยู่ที่ความคมชัดของการแสดงออกใน ร่างเล็กค่อนข้างทุกวันและบางครั้งก็จงใจน่าเกลียด ( "Entombment", เซนต์หลุยส์, พิพิธภัณฑ์; "คร่ำครวญ", ลิเวอร์พูล; "การประกาศ", รอตเตอร์ดัม) แต่ยัง. งานของเขาเป็นหลักฐานที่แสดงถึงความอ่อนล้าของประเพณีเก่าแก่นับศตวรรษมากกว่าการแสดงออกถึงการพัฒนา
การลดลงอย่างรวดเร็วในระดับศิลปะยังเห็นได้ชัดเจนในศิลปะของจังหวัดทางใต้ซึ่งปรมาจารย์มีแนวโน้มที่จะถูกดำเนินการมากขึ้นโดยรายละเอียดที่ไม่มีนัยสำคัญในชีวิตประจำวัน สิ่งที่น่าสนใจมากกว่าคนอื่น ๆ คือปรมาจารย์ผู้เล่าเรื่องของตำนานเซนต์เออร์ซูลาซึ่งทำงานในบรูจส์ในช่วงทศวรรษที่ 80-90 ของศตวรรษที่ 15 (“ The Legend of St. Ursula”; Bruges, Convent of the Black Sisters) ผู้เขียนภาพบุคคลของคู่สมรส Baroncelli ที่ไม่รู้จักซึ่งไม่ไร้ความสามารถ (ฟลอเรนซ์, Uffizi) และยังเป็นปรมาจารย์แห่งตำนานแห่งเซนต์ลูเซียแห่งบรูจส์แบบดั้งเดิม (แท่นบูชาแห่งเซนต์ลูเซีย, 1480, บรูจส์, โบสถ์เซนต์ลูเซีย เจมส์, โพลีพติช, ทาลลินน์, พิพิธภัณฑ์) การก่อตัวของงานศิลปะเล็กๆ น้อยๆ ที่ว่างเปล่าในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับภารกิจของ Huss และ Hertgen อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ มนุษย์สูญเสียการสนับสนุนหลักของโลกทัศน์ของเขา - ศรัทธาในระเบียบที่กลมกลืนและเอื้ออำนวยของจักรวาล แต่หากผลที่ตามมาโดยทั่วไปของสิ่งนี้เป็นเพียงความยากจนของแนวคิดก่อนหน้านี้ เมื่อมองอย่างใกล้ชิดจะเผยให้เห็นลักษณะที่คุกคามและลึกลับในโลก เพื่อตอบคำถามที่ไม่ละลายน้ำในสมัยนั้น จึงมีการใช้สัญลักษณ์เปรียบเทียบยุคกลางตอนปลาย ปีศาจวิทยา และการทำนายอันมืดมนของพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ ในสภาวะของความขัดแย้งทางสังคมที่รุนแรงและความขัดแย้งที่รุนแรงที่เพิ่มมากขึ้น ศิลปะของ Bosch ก็เกิดขึ้น
Hieronymus van Aken ชื่อเล่น Bosch เกิดที่ 's-Hertogenbosch (เสียชีวิตที่นั่นในปี 1516) ซึ่งอยู่ห่างจากศูนย์กลางศิลปะหลักของเนเธอร์แลนด์ ผลงานในช่วงแรกของเขาไม่ได้ปราศจากร่องรอยของความดึกดำบรรพ์ แต่แล้วพวกเขาก็ผสมผสานความรู้สึกที่คมชัดและน่าตกใจของชีวิตในธรรมชาติเข้ากับความแปลกประหลาดที่เยือกเย็นในการพรรณนาของผู้คนอย่างแปลกประหลาด บ๊อชตอบสนองต่อกระแสศิลปะสมัยใหม่ - ด้วยความโหยหาของจริง ด้วยการทำให้ภาพลักษณ์ของบุคคลเป็นรูปธรรม จากนั้นจึงลดบทบาทและความสำคัญของศิลปะลง เขาใช้แนวโน้มนี้ถึงขีดจำกัด ในงานศิลปะเชิงเสียดสีของ Bosch หรือที่พูดได้ดีไปกว่านั้น มีภาพการประชดประชันของเผ่าพันธุ์มนุษย์ปรากฏขึ้น นี่คือ "ปฏิบัติการเพื่อขจัดหินแห่งความโง่เขลา" ของเขา (มาดริด, ปราโด) พระภิกษุเป็นผู้ดำเนินการ - และรอยยิ้มอันชั่วร้ายก็ปรากฏขึ้นที่พระสงฆ์ แต่ผู้ที่ทำเสร็จแล้วจะมองดูผู้ชมอย่างตั้งใจ และการจ้องมองนี้ทำให้เรามีส่วนร่วมในการกระทำ การเสียดสีในงานของ Bosch เพิ่มขึ้น เขาจินตนาการว่าผู้คนเป็นผู้โดยสารบนเรือของคนโง่ (ภาพวาดและภาพวาดอยู่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์) เขาหันไปหาอารมณ์ขันพื้นบ้าน - และภายใต้มือของเขามันใช้ร่มเงาที่มืดมนและขมขื่น
บ๊อชยืนยันถึงธรรมชาติของชีวิตที่มืดมน ไร้เหตุผล และเป็นรากฐาน เขาไม่เพียงแต่แสดงออกถึงโลกทัศน์ ความรู้สึกของชีวิตของเขาเท่านั้น แต่ยังให้การประเมินคุณธรรมและจริยธรรมอีกด้วย "กองหญ้า" เป็นหนึ่งในผลงานที่สำคัญที่สุดของบ๊อช ในแท่นบูชานี้ ความรู้สึกเปลือยเปล่าของความเป็นจริงหลอมรวมกับสัญลักษณ์เปรียบเทียบ กองหญ้าพาดพิงถึงสุภาษิตเฟลมิชเก่า: "โลกคือกองหญ้า: และทุกคนก็เอาสิ่งที่พวกเขาสามารถคว้ามาได้"; ผู้คนจูบกันต่อหน้าและเล่นดนตรีระหว่างนางฟ้ากับสิ่งมีชีวิตที่ชั่วร้าย สิ่งมีชีวิตมหัศจรรย์ดึงเกวียน และสมเด็จพระสันตะปาปา จักรพรรดิ และประชาชนทั่วไปก็ติดตามมันไปอย่างสนุกสนานและเชื่อฟัง บางคนวิ่งไปข้างหน้า วิ่งระหว่างล้อแล้วตาย ถูกทับทับ ทิวทัศน์ที่อยู่ไกลออกไปไม่ได้น่าอัศจรรย์หรือสวยงามนัก และเหนือสิ่งอื่นใด - บนเมฆ - มีพระคริสต์องค์เล็กยกมือขึ้น อย่างไรก็ตาม คงเป็นเรื่องผิดที่จะคิดว่า Bosch มุ่งไปทางวิธีการเปรียบเทียบเชิงเปรียบเทียบ ในทางตรงกันข้าม เขามุ่งมั่นที่จะให้แน่ใจว่าความคิดของเขารวมอยู่ในแก่นแท้ของการตัดสินใจทางศิลปะ เพื่อให้ปรากฏต่อหน้าผู้ชมไม่ใช่เป็นสุภาษิตหรือคำอุปมาที่เข้ารหัส แต่เป็นวิถีชีวิตทั่วไปที่ไม่มีเงื่อนไข ด้วยจินตนาการอันซับซ้อนที่ไม่คุ้นเคยในยุคกลาง บ๊อชวาดภาพของเขาด้วยสิ่งมีชีวิตที่ผสมผสานรูปสัตว์ต่างๆ หรือรูปสัตว์เข้ากับวัตถุจากโลกที่ไม่มีชีวิตอย่างแปลกประหลาด ทำให้พวกเขามีความสัมพันธ์ที่น่าทึ่งอย่างเห็นได้ชัด ท้องฟ้าเปลี่ยนเป็นสีแดง นกที่มีใบเรือบินไปในอากาศ สิ่งมีชีวิตขนาดมหึมาคลานไปทั่วพื้นโลก ปลาที่มีขาม้าอ้าปากออก และข้างๆ ก็มีหนู แบกเศษไม้ที่มีชีวิตซึ่งผู้คนฟักออกมาไว้บนหลัง กลุ่มของม้ากลายเป็นเหยือกขนาดยักษ์และมีหัวที่มีหางแอบย่องไปที่ไหนสักแห่งด้วยขาเปลือยเปล่า ทุกอย่างคลานและทุกสิ่งมีรูปแบบที่คมชัดและมีรอยขีดข่วน และทุกสิ่งเต็มไปด้วยพลังงาน: สิ่งมีชีวิตทุกชนิด - ตัวเล็ก, หลอกลวง, หวงแหน - ถูกกลืนหายไปในการเคลื่อนไหวที่โกรธแค้นและเร่งรีบ บ๊อชทำให้ฉากที่ชวนฝันเหล่านี้มีความโน้มน้าวใจมากที่สุด เขาละทิ้งภาพการกระทำที่เกิดขึ้นเบื้องหน้าและขยายออกไปทั่วโลก เขาถ่ายทอดน้ำเสียงที่น่าขนลุกในความเป็นสากลให้กับการแสดงมหกรรมอันอลังการหลายรูปแบบของเขา บางครั้งเขาก็ใส่สุภาษิตที่เป็นละครลงในภาพ แต่ไม่มีอารมณ์ขันหลงเหลืออยู่เลย และตรงกลางเขาวางรูปปั้นนักบุญแอนโธนีตัวเล็ก ๆ ที่ไม่มีที่พึ่ง ตัวอย่างเช่น แท่นบูชาที่มีข้อความ "The Temptation of Saint Anthony" อยู่ที่ประตูกลางของพิพิธภัณฑ์ลิสบอน แต่แล้วบอชก็แสดงความรู้สึกถึงความเป็นจริงที่เฉียบแหลมและเปลือยเปล่าอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน (โดยเฉพาะในฉากที่ประตูด้านนอกของแท่นบูชาดังกล่าว) ในงานของบ๊อชที่เติบโตเต็มที่ โลกนั้นไร้ขีดจำกัด แต่ความครอบคลุมของมันแตกต่างออกไป - รวดเร็วน้อยลง อากาศดูแจ่มใสและชื้นมากขึ้น นี่คือวิธีการเขียน “ยอห์น ออน ปัทมอส” ด้านหลังของภาพวาดนี้ ซึ่งมีฉากการพลีชีพของพระคริสต์เป็นวงกลม มีการนำเสนอทิวทัศน์ที่น่าทึ่ง: โปร่งใส สะอาด มีช่องแม่น้ำกว้าง ท้องฟ้าสูง และอื่น ๆ - โศกนาฏกรรมและรุนแรง (“การตรึงกางเขน”) แต่ยิ่งบ๊อชยังคงคิดถึงผู้คนมากขึ้นเรื่อยๆ เขาพยายามค้นหาการแสดงออกที่เหมาะสมในชีวิตของพวกเขา เขาหันไปใช้รูปแบบของแท่นบูชาขนาดใหญ่และสร้างปรากฏการณ์อันยิ่งใหญ่ที่แปลกประหลาดและน่าขนลุกของชีวิตคนบาป - "สวนแห่งความยินดี"
ผลงานล่าสุดของศิลปินผสมผสานจินตนาการและความเป็นจริงของผลงานก่อนหน้านี้ของเขาอย่างแปลกประหลาด แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็โดดเด่นด้วยความรู้สึกของการปรองดองที่น่าเศร้า สิ่งมีชีวิตชั่วร้ายจำนวนมากที่ก่อนหน้านี้มีชัยชนะแพร่กระจายไปทั่วบริเวณของภาพกระจัดกระจาย ตัวเล็กๆ มักซ่อนตัวอยู่ใต้ต้นไม้ ปรากฏตัวจากลำธารที่เงียบสงบ หรือวิ่งไปตามเนินเขารกร้างที่ปกคลุมด้วยหญ้า แต่พวกมันลดขนาดลงและสูญเสียกิจกรรมไป พวกมันไม่โจมตีมนุษย์อีกต่อไป และเขา (ยังคงเป็นนักบุญแอนโทนี่) นั่งอยู่ระหว่างพวกเขา - อ่านคิด (“นักบุญแอนโธนี”, ปราโด) บ๊อชไม่สนใจที่จะคิดถึงจุดยืนของคนๆ หนึ่งในโลก นักบุญแอนโธนีในผลงานก่อนหน้านี้ของเขาไม่มีที่พึ่ง น่าสงสาร แต่ไม่โดดเดี่ยว - อันที่จริง เขาขาดส่วนแบ่งของอิสรภาพที่จะทำให้เขารู้สึกเหงา ปัจจุบัน ภูมิทัศน์เกี่ยวข้องกับคนๆ เดียวโดยเฉพาะ และในงานของ Bosch หัวข้อเรื่องความเหงาของมนุษย์ในโลกก็เกิดขึ้น ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 15 จบลงด้วย Bosch งานของบ๊อชทำให้ขั้นตอนนี้สมบูรณ์ด้วยความเข้าใจอันบริสุทธิ์ จากนั้นก็มีการค้นหาอย่างเข้มข้นและความผิดหวังอันน่าสลดใจ
แต่กระแสที่เป็นตัวเป็นตนจากงานศิลปะของเขาไม่ใช่เพียงกระแสเดียว อาการไม่น้อยไปกว่านั้นคืออีกกระแสหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับผลงานของปรมาจารย์ที่มีขนาดเล็กกว่าอย่างล้นหลาม - เจอราร์ดเดวิด เขาเสียชีวิตช้า - ในปี 1523 (เกิดประมาณปี 1460) แต่เช่นเดียวกับบ๊อช เขาปิดศตวรรษที่ 15 ผลงานในยุคแรก ๆ ของเขา (“The Annunciation”; Detroit) มีความสมจริงแบบธรรมดา; ผลงานจากปลายสุดของทศวรรษที่ 1480 (ภาพวาดสองภาพเกี่ยวกับการพิจารณาคดีของ Cambyses; Bruges, พิพิธภัณฑ์) เผยให้เห็นความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับ Bouts; ดีกว่าคนอื่น ๆ คือการแต่งเพลงที่มีลักษณะโคลงสั้น ๆ พร้อมสภาพแวดล้อมภูมิทัศน์ที่ได้รับการพัฒนาและกระตือรือร้น (“ พักผ่อนบนเที่ยวบินสู่อียิปต์”; วอชิงตัน, หอศิลป์แห่งชาติ) แต่ความเป็นไปไม่ได้ที่ปรมาจารย์จะก้าวข้ามขอบเขตของศตวรรษนั้นมองเห็นได้ชัดเจนที่สุดในอันมีค่าของเขาที่มี "การบัพติศมาของพระคริสต์" (ต้นศตวรรษที่ 16; บรูจส์, พิพิธภัณฑ์) ความใกล้ชิดและลักษณะย่อส่วนของภาพเขียนดูเหมือนจะขัดแย้งโดยตรงกับภาพเขียนขนาดใหญ่ ความจริงในนิมิตของเขานั้นไร้ชีวิตชีวา เบื้องหลังความเข้มของสีนั้นไม่มีความตึงเครียดทางจิตวิญญาณหรือความรู้สึกถึงความล้ำค่าของจักรวาล รูปแบบการเคลือบของภาพวาดนั้นเย็นชา เป็นตัวของตัวเอง และไม่มีจุดประสงค์ทางอารมณ์
ศตวรรษที่ 15 ในเนเธอร์แลนด์เป็นช่วงเวลาแห่งศิลปะอันยิ่งใหญ่ พอถึงปลายศตวรรษมันก็หมดแรงไปเอง สภาพทางประวัติศาสตร์ใหม่และการเปลี่ยนแปลงของสังคมไปสู่อีกขั้นของการพัฒนาทำให้เกิดเวทีใหม่ในวิวัฒนาการของศิลปะ มีต้นกำเนิดตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 16 แต่ในประเทศเนเธอร์แลนด์ด้วยการผสมผสานหลักการทางโลกดั้งเดิมกับเกณฑ์ทางศาสนาในการประเมินปรากฏการณ์ชีวิตลักษณะเฉพาะของศิลปะของพวกเขาซึ่งมาจาก Van Eycks ด้วยความไม่สามารถที่จะรับรู้บุคคลในความยิ่งใหญ่แบบพอเพียงของเขานอกคำถาม ของการอยู่ร่วมกันทางจิตวิญญาณกับโลกหรือกับพระเจ้า - ในเนเธอร์แลนด์ มียุคใหม่เกิดขึ้นอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้หลังจากวิกฤติที่รุนแรงที่สุดและร้ายแรงที่สุดของโลกทัศน์ก่อนหน้านี้ทั้งหมดเท่านั้น หากในอิตาลียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงเป็นผลสืบเนื่องทางตรรกะของศิลปะของ Quattrocento แสดงว่าในเนเธอร์แลนด์ก็ไม่มีความเชื่อมโยงดังกล่าว การเปลี่ยนผ่านสู่ยุคใหม่กลายเป็นเรื่องเจ็บปวดอย่างยิ่งเนื่องจากส่วนใหญ่ทำให้เกิดการปฏิเสธงานศิลปะครั้งก่อน ในอิตาลี การเลิกประเพณีในยุคกลางเกิดขึ้นตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 14 และศิลปะของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลียังคงรักษาความสมบูรณ์ของการพัฒนาตลอดยุคเรอเนซองส์ ในเนเธอร์แลนด์สถานการณ์แตกต่างออกไป การใช้มรดกยุคกลางในศตวรรษที่ 15 ทำให้ยากต่อการประยุกต์ประเพณีที่เป็นที่ยอมรับในศตวรรษที่ 16 สำหรับจิตรกรชาวดัตช์ เส้นแบ่งระหว่างศตวรรษที่ 15 ถึง 16 ปรากฏว่าเกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงโลกทัศน์ครั้งใหญ่
