เรียงความ ในสาขาวิชาวิชาการ “วัฒนธรรมวิทยา”
ในหัวข้อ: "ความโรแมนติกในดนตรี"
วางแผน
1. บทนำ.
2. ลักษณะเฉพาะของยุคโรแมนติกทางดนตรี
3. ภูมิศาสตร์ของดนตรีโรแมนติก
5. สรุป.
6. รายการข้อมูลอ้างอิง
1. บทนำ.
ยวนใจเป็นขบวนการทางศิลปะใหม่แห่งศตวรรษที่ 19 มันมาแทนที่ลัทธิคลาสสิกและสัญญาณของมันเริ่มปรากฏให้เห็นเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 แหล่งกำเนิดของลัทธิจินตนิยมคือเยอรมนี แต่แพร่หลายอย่างรวดเร็วและแทรกซึมไปยังประเทศอื่นๆ ในยุโรป เช่นเดียวกับรัสเซียและอเมริกา คำว่า "ยวนใจ" ปรากฏครั้งแรกในวรรณคดีด้วยผลงานของนักเขียนชาวเยอรมัน Novalis (1772 - 1801) ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับดนตรีโดย E.T. เอ. ฮอฟฟ์มันน์ (1776 - 1882) ยวนใจพัฒนาในการต่อสู้และในเวลาเดียวกันก็มีปฏิสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับรุ่นก่อน - ลัทธิคลาสสิกและลัทธิอ่อนไหว มันเกิดขึ้นในส่วนลึกของขบวนการวรรณกรรมเหล่านี้ นักเขียนคลาสสิกเชื่อมั่นว่าเฉพาะผู้ที่เข้าใจอย่างชัดเจนซึ่งสามารถควบคุมความสนใจของตนได้ - ผลประโยชน์และแรงบันดาลใจส่วนตัวเท่านั้นที่สามารถปฏิบัติหน้าที่พลเมืองของตนได้ แต่พวกเขาเชื่อว่านี่เป็นเพียงคน "ผู้สูงศักดิ์" เพียงไม่กี่คนเท่านั้น ซึ่งส่วนใหญ่เป็นขุนนาง พวกเขาต้องพร้อมที่จะเสียสละรับใช้บ้านเกิดอย่างไม่เห็นแก่ตัว หน้าที่พลเมืองในความเห็นของพวกเขา ประการแรกประกอบด้วยเกียรติยศและคุณธรรมอันสูงส่ง
พวกโรแมนติกพยายามทำให้ทุกสิ่งรอบตัวโรแมนติก รวมถึงปรากฏการณ์ของชีวิตทั้งหมด พวกเขานำหลักการบางอย่างจากยุคก่อนของลัทธิคลาสสิกมาใช้ แต่แก่นแท้ของลัทธิจินตนิยมคือการประท้วงต่อต้านหลักการของการตรัสรู้ความผิดหวังในตัวพวกเขา ตัวแทนของลัทธิจินตนิยมไม่สามารถยอมรับลัทธิแห่งเหตุผล เหตุผลนิยม ตรรกะ และการปฏิบัติได้จริง สำหรับพวกเขา จิตวิญญาณและความเป็นปัจเจกบุคคล ความรู้สึกของเขาเป็นสิ่งสำคัญ
ความคิดริเริ่มของแนวโรแมนติกก็อยู่ที่ความจริงที่ว่าพวกเขาไม่ได้พยายามแบ่งงานศิลปะออกเป็นประเภทและประเภทอย่างชัดเจน พวกเขาประทับใจกับแนวคิดเรื่องการสังเคราะห์ศิลปะและพวกเขาก็นำไปปฏิบัติได้สำเร็จ ยวนใจเป็นหนึ่งในยุควัฒนธรรมที่น่าสนใจและมีผลมากที่สุด
2. ลักษณะเฉพาะของยุคโรแมนติกในดนตรี
ยวนใจครอบงำในวัฒนธรรมดนตรีมานานกว่าร้อยปี (พ.ศ. 2343 - 2453) ในงานศิลปะนี้เขากลายเป็นตับยาวในขณะที่ในวรรณคดีและภาพวาดเขาทำได้เพียงห้าสิบปีเท่านั้น สิ่งนี้ไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นอุบัติเหตุ ในการทำความเข้าใจเรื่องโรแมนติก ดนตรีถือเป็นศิลปะทางจิตวิญญาณที่สุดและมีอิสระมากที่สุด ลักษณะสำคัญที่สุดอย่างหนึ่งของดนตรีในยุคโรแมนติกคือการสังเคราะห์เข้ากับงานศิลปะรูปแบบอื่นๆ ยิ่งไปกว่านั้น Romantics ยังไม่สนับสนุนการแบ่งประเภทที่เข้มงวดและชัดเจน
หมวดหมู่ความงามก็ผสมกันเช่นกัน โศกนาฏกรรมอยู่ร่วมกับเรื่องตลกได้อย่างง่ายดาย สิ่งที่น่าเกลียดกับความสวยงาม โลกีย์กับความประเสริฐ ความแตกต่างดังกล่าวไม่ได้ดูไม่น่าเชื่อหรือผิดธรรมชาติ อุปกรณ์ทางศิลปะที่สำคัญที่สุด - การประชดที่โรแมนติก - ทำให้สามารถเชื่อมต่อสิ่งที่เข้ากันไม่ได้ ต้องขอบคุณเธอที่ทำให้ภาพพิเศษของโลกปรากฏขึ้นซึ่งมีอยู่ในแนวโรแมนติก
แม้จะมีแนวโน้มที่จะผสมแนวเพลง แต่หลายแนวก็มีสิทธิ์ที่จะดำรงอยู่อย่างอิสระและสามารถพัฒนาได้อย่างมีนัยสำคัญในช่วงเวลานี้ แนวเพลงเฉพาะก็เกิดขึ้นเช่นกัน ก่อนอื่นนี่คือประเภทของบทกวีดนตรีโรแมนติกและเพลงบัลลาด (ตัวแทนที่ฉลาดที่สุดคือ F. Schubert); เพลง; เพชรประดับเปียโน
ควรกล่าวถึงเป็นพิเศษเกี่ยวกับเปียโนจิ๋ว มีวัตถุประสงค์เพื่อถ่ายทอดภาพที่ประทับใจผู้เขียนหรืออารมณ์ของเขา เปียโนจิ๋วอาจมีข้อกำหนดประเภท: วอลทซ์ เพลง เพลงที่ไม่มีคำพูด มาซูร์กา เพลงกลางคืน นักประพันธ์เพลงมักหันไปหาโปรแกรมเพลงและรวมผลงานของพวกเขาเข้าด้วยกันเป็นวงจร
ลักษณะของยุคโรแมนติกคือวงจรเปียโนที่มีชื่อเสียงของ R. Schumann "Carnival" ซึ่งสะท้อนให้เห็นถึงธรรมชาติที่เป็นอิสระของสุนทรียภาพแห่งแนวโรแมนติก "Carnival" มีตัวเลขยี่สิบเอ็ดตัว สิ่งเหล่านี้เป็นภาพร่างที่เข้ามาแทนที่กัน ซึ่งแตกต่างกันไปตามอารมณ์ รูปภาพ การถ่ายภาพบุคคล แต่หลายภาพก็รวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยโครงเรื่องเดียว ผู้แต่งวาดภาพวันหยุดในจินตนาการซึ่งเชิญแขกที่สวมหน้ากากมาให้ ในหมู่พวกเขามีตัวละครในงานรื่นเริงตามปกติ - Pierrot ที่ขี้อาย, Harlequin ตัวซุกซน, Columbine และ Pantalone บ่นกัน (ทั้งหมดนี้ถ่ายทอดได้อย่างยอดเยี่ยมด้วยวิธีการทางดนตรี)
“คาร์นิวัล” เต็มไปด้วยแนวคิดดั้งเดิมมาก นักแต่งเพลงเองเรียกวัฏจักรของเขาว่า "ฉากจิ๋วใน 4 โน้ต" เนื่องจากมีการสร้างทำนองทั้งหมดขึ้นมา ผู้แต่งจดบันทึกสี่ตัวในลำดับและการผสมผสานต่างๆ กัน และผลที่ตามมาก็คือ พวกเขาสร้างรูปแบบที่คล้ายคลึงกันของธีมที่เป็นรากฐานของงานแต่ละชิ้น
จากมุมมองของการเรียบเรียง Carnival แสดงให้เห็นถึงทักษะการเรียบเรียงในระดับสูงสุด เพลงทั้งหมดในรอบนี้โดดเด่นด้วยการตกแต่งที่สมบูรณ์แบบ ความแวววาว และความสามารถพิเศษ โดยทั่วไป วงจรทั้งหมดเป็นตัวอย่างของการผสมผสานและความซื่อสัตย์ที่กลมกลืนกัน
หากเราพูดถึงโปรแกรมดนตรีโดยละเอียด เราสามารถเน้นคุณลักษณะดังกล่าวได้ เช่น ความเชื่อมโยงกับแนวเพลงอื่นๆ เช่น วรรณกรรม ภาพวาด รูปแบบของเรียงความจะขึ้นอยู่กับโครงเรื่อง ในเรื่องนี้บทกวีไพเราะคอนเสิร์ตแบบเคลื่อนไหวเดียวและโซนาต้าเกิดขึ้น ซิมโฟนีหลายการเคลื่อนไหว ดังนั้นในยุคแห่งความโรแมนติก ทั้งดนตรีแชมเบอร์ดนตรีและดนตรีแชมเบอร์จึงพัฒนาขึ้น
โอเปร่าก็มีความพิเศษในช่วงเวลานี้ เธอเริ่มมุ่งไปสู่การประสานเสียงประสานเสียง มีการเชื่อมโยงที่ใกล้ชิดและสมเหตุสมผลระหว่างข้อความและดนตรี การแสดงบนเวทีมีความสำคัญเท่าเทียมกันกับพวกเขา
โรแมนติกมีธีมที่ชื่นชอบ โครงเรื่องส่วนใหญ่มีธีมของความเหงาและความรักเพราะที่ศูนย์กลางของสุนทรียภาพแห่งแนวโรแมนติกคือคนที่ภาคภูมิใจและโดดเดี่ยวซึ่งมีจิตวิญญาณอันแรงกล้าโหมกระหน่ำ ฮีโร่โรแมนติกมักจะต่อต้านสังคมต่อคนทั้งโลกมาโดยตลอด ดังนั้นจึงค่อนข้างสมเหตุสมผลที่ในช่วงเวลาแห่งความโรแมนติกผู้เขียนหันไปใช้ธีมที่ใกล้เคียงกับภาพของฮีโร่เช่นนี้: ธีมแห่งความตาย, ธีมของถนนและการพเนจร, ธีมของธรรมชาติ ในงานโรแมนติก มีการใช้พื้นที่จำนวนมากเพื่อองค์ประกอบของแฟนตาซีที่บุกรุกโลกแห่งวัตถุที่น่าเบื่อ
นักแต่งเพลงที่ทำงานในยุคโรแมนติกก็มีภาษาดนตรีเป็นของตัวเอง พวกเขาให้ความสนใจอย่างมากกับทำนองโดยเน้นความหมายของคำและการแสดงออกทางศิลปะ (คำพูดสุดท้ายยังใช้กับดนตรีประกอบด้วย)
ความสามัคคีได้รับการเปลี่ยนแปลงและเสริมสมรรถนะอย่างเห็นได้ชัด ถ่ายทอดผ่านความสามัคคี ความหลงใหล ความอ่อนล้า ความแตกต่างของอารมณ์ ความตึงเครียด และการเริ่มต้นอันมหัศจรรย์ของผลงาน ดังนั้นทำนอง เนื้อสัมผัส และความกลมกลืนจึงมีความสำคัญเท่าเทียมกัน
ดังนั้นลักษณะสำคัญของดนตรีในยุคโรแมนติกจึงเรียกได้ว่าเป็นการสังเคราะห์ศิลปะและแนวเพลง การแสดงออกพิเศษและความสัมพันธ์อันใกล้ชิดระหว่างท่วงทำนอง ดนตรีประกอบ และความกลมกลืน ตัดกัน; มหัศจรรย์; เพิ่มอารมณ์และการแสดงออก
3. ภูมิศาสตร์ของดนตรีโรแมนติก
ยวนใจครอบคลุมพื้นที่ค่อนข้างกว้าง: จากยุโรปและรัสเซียไปจนถึงอเมริกาและทุกแห่งที่มีการพัฒนาโดยเฉพาะ ในยุโรป ศิลปะดนตรีในช่วงเวลานี้ในบางประเทศมีทั้งวัฒนธรรมที่เหมือนกันและความแตกต่าง ตัวอย่างเช่น ดนตรีของออสเตรียและเยอรมนีพัฒนาไปในทิศทางเดียวกันโดยประมาณ แนวโรแมนติกทางดนตรีของประเทศเหล่านี้ได้รับอิทธิพลจาก Vienna School of Music ซึ่งแสดงให้เห็นถึงวรรณกรรมอย่างมีประสิทธิภาพ ภาษากลางก็นำพวกเขามารวมกันด้วย แนวโรแมนติกแบบเยอรมัน - ออสเตรียมีความโดดเด่นไม่เพียง แต่จากผลงานขั้นสูงในประเภทต่าง ๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการตรัสรู้ที่กระตือรือร้นอีกด้วย คุณลักษณะที่กำหนดของแนวโรแมนติกของเยอรมันและออสเตรียคือความไพเราะ
ยวนใจในโปแลนด์เป็นการผสมผสานระหว่างเสียงร้องและเครื่องมือซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีพื้นบ้านของโปแลนด์ ดังนั้นในน้ำเสียงของ F. Chopin เราจะได้ยินเสียงสะท้อนของแนวมหากาพย์ของดนตรีพื้นบ้านของโปแลนด์ - Polish Duma ได้ค่อนข้างชัดเจน แนวเพลงนี้ในช่วงที่อยู่ในช่วงพัฒนาเต็มที่นั้นมีลักษณะเฉพาะคือการขับร้องแบบมหากาพย์ที่ช้าๆ ซึ่งมักจะเป็นน้ำเสียงที่โศกเศร้า และตอนต่อมาที่เข้มข้นอย่างดราม่าสลับกับการกลับมาของทำนองของคอรัสช่วงแรก ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเป็น West Slavic Dumas ที่ทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับเพลงบัลลาดของโชแปงและผลงานที่คล้ายกัน ดังนั้นพื้นฐานของแนวโรแมนติกของโปแลนด์คือศิลปะพื้นบ้าน
ยวนใจของอิตาลีเป็นการออกดอกของศิลปะโอเปร่าอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน การบินขึ้นของเบลคันโต ดังนั้นโอเปร่าของอิตาลีจึงกลายเป็นผู้นำในทิศทางนี้ไปทั่วโลก ในฝรั่งเศสโอเปร่าก็ได้รับความหมายที่สำคัญประการหนึ่งเช่นกัน เครดิตจำนวนมากสำหรับเรื่องนี้เป็นของ G. Berlioz (1803 - 1869) ซึ่งเป็นผู้สร้างปรากฏการณ์ที่น่าสนใจเช่นโอเปร่าการ์ตูนซึ่งสะท้อนโดยตรงถึงลักษณะเฉพาะของชาติของประเทศนี้
ในรัสเซีย แนวโรแมนติกได้รับการพัฒนาภายใต้อิทธิพลของแนวคิดของ Decembrists การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่และสงครามนโปเลียนในปี 1812 นั่นคือมีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมทางสังคมระดับโลก หลักการของการเป็นพลเมืองและการรับใช้บ้านเกิดถูกถ่ายโอนไปยังศิลปะดนตรีซึ่งได้ยินแนวคิดเรื่องจิตสำนึกของชาติอย่างชัดเจน ดังนั้นดนตรีแนวโรแมนติกของทุกประเทศจึงรวมกันเป็นหนึ่งเดียวด้วยคุณสมบัติที่เหมือนกัน: ความปรารถนาในจิตวิญญาณอันสูงส่งความฝันในความงามและการสะท้อนของขอบเขตตระการตาของมนุษย์
4. นักแต่งเพลงและนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคโรแมนติก
ยวนใจทำให้วัฒนธรรมดนตรีมีนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมมากมาย: F. Liszt (1811 - 1886, ฮังการี), R. Schumann (1810 - 1856, เยอรมนี), F. Schubert (1797 - 1828, ออสเตรีย), K. Weber (1786 - 1826, เยอรมนี ), R. Wagner (1813 - 1883, เยอรมนี), J. Bizet (1838 - 1875, ฝรั่งเศส), N. Paganini (1782 - 1840, อิตาลี), E. Grieg (1843 - 1907, นอร์เวย์), G. Verdi ( พ.ศ. 2356 - พ.ศ. 2444 อิตาลี), F. Chopin (พ.ศ. 2353 - พ.ศ. 2392), L. van Beethoven (ขั้นตอนสุดท้ายของการสร้างสรรค์ เยอรมนี) ฯลฯ ให้เราอธิบายลักษณะงานของบางคนโดยย่อ
Franz Liszt เช่น W.A. โมสาร์ทเป็นเด็กอัจฉริยะและในช่วงแรกๆ ที่ทำให้ยุโรปพูดถึงตัวเอง โดยแสดงต่อหน้าสาธารณชนในฐานะนักเปียโน พรสวรรค์ของเขาในฐานะนักแต่งเพลงก็แสดงออกมาในช่วงต้นเช่นกัน ต่อจากนั้น F. Liszt ได้รวมกิจกรรมการท่องเที่ยวและการแต่งเพลงเข้าด้วยกัน นอกจากนี้เขายังถอดเสียงดนตรีไพเราะสำหรับเปียโนด้วย และเขาถือได้ว่าเป็นนักการศึกษาที่ยอดเยี่ยมอย่างถูกต้อง
ผลงานต้นฉบับของ F. Liszt มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความสามารถและความลึกซึ้ง การแสดงออก และความบ้าคลั่ง นี่คือผลงานวัฏจักรที่มีชื่อเสียงของเขา: "Years of Wanderings", "Etudes of Transcendental Performance", "Grand Etudes after Paganini's Caprices", "Hungarian Rhapsodies" F. Liszt มีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการเผยแพร่และการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของฮังการี
Franz Schubert ถือเป็นนักแต่งเพลงคนแรกของยุคโรแมนติกที่ได้รับการจัดอันดับให้เป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ ดนตรีของเขาบริสุทธิ์ สนุกสนาน บทกวี และในขณะเดียวกันก็เศร้า เย็นชา สิ้นหวัง ตามปกติสำหรับแนวโรแมนติก ดนตรีของ F. Schubert มีความแตกต่างกัน แต่ก็ทำให้ทึ่งกับความอิสระและความสะดวกสะบายของท่วงทำนองที่สวยงาม
F. Schubert เขียนเพลงจำนวนมากซึ่งเป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริง นี่เป็นเรื่องจริงโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับงานที่เขียนถึงบทกวีของ V.I. เกอเธ่ (“The Forest King”, “Gretchen at the Spinning Wheel”) และอื่นๆ อีกมากมาย
นักแต่งเพลงยังทำงานในประเภทอื่น ๆ เช่นโอเปร่า, แชมเบอร์ร้องและงานบรรเลง ก่อนอื่นเลยชื่อของ F. Schubert มีความเกี่ยวข้องกับเพลงของเขาและวัฏจักรต่างๆ: "The Beautiful Miller's Wife", "Winter Reise", "Swan Song"
Georges Bizet นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสเข้าสู่ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลกในฐานะผู้เขียนโอเปร่า Carmen ที่ไม่มีใครเทียบได้ เมื่ออายุได้สิบขวบเขาก็กลายเป็นนักเรียนที่ Paris Conservatory ในช่วงเริ่มต้นอาชีพสร้างสรรค์ของเขา นักแต่งเพลงหนุ่มได้ลองตัวเองในแนวต่างๆ แต่โอเปร่ากลายเป็นความหลงใหลที่แท้จริงของเขา นอกจากคาร์เมนแล้ว เขายังเขียนโอเปร่าเช่น The Pearl Fishers, The Beauty of Perth และ Jamile เพลงที่เขาแต่งสำหรับละครของ A. Daudet ที่มีชื่อเดียวกันว่า "The Arlesian" ก็โดดเด่นเช่นกัน J. Bizet ถือเป็นนักแต่งเพลงที่โดดเด่นของฝรั่งเศสอย่างถูกต้อง
Edvard Grieg เป็นนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดของนอร์เวย์ ซึ่งเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์ของประเทศนี้ ดนตรีของเขาเป็นปรากฏการณ์ที่โดดเด่นและสร้างสรรค์ ซึ่งแสดงให้เห็นถึงความเป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัวของความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงคนนี้ ผลงานของ E. Grieg รวมถึง "เปียโนคอนแชร์โต้", ความรัก, "เนื้อเพลง", "Second Violin Sonata" และแน่นอน "Peer Gynt" - ดนตรีสำหรับการเล่นของ G. Ibsen - ได้กลายเป็นทรัพย์สินของ เฉพาะนอร์เวย์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีโลกด้วย
ตัวตนหนึ่งของแนวโรแมนติกคือ Niccolo Paganini นักไวโอลินและนักแต่งเพลงชาวอิตาลี คำจำกัดความที่ถูกต้องที่สุดของงานศิลปะของเขาคือความสดใส ความฉลาด ความบ้าคลั่ง และการกบฏ เขาเขียนผลงานที่เก่งกาจและหลงใหลซึ่งยังคงอยู่ในละครของนักไวโอลินชื่อดังในปัจจุบัน เรากำลังพูดถึงไวโอลินคอนแชร์โตตัวแรกและตัวที่สอง "24 Capricci", "Venice Carnival" และ "Perpetual Motion" นอกจากนี้ N. Paganini ยังเป็นนักแสดงด้นสดที่ยอดเยี่ยมและได้จัดเตรียมและดัดแปลงชิ้นส่วนของโอเปร่าสำหรับไวโอลินเดี่ยว เขาเป็นแรงบันดาลใจให้กับบุคคลในยุคโรแมนติกมากมาย
เมื่อพูดถึงดนตรีของนักแต่งเพลงชาวโปแลนด์ที่โดดเด่น Fryderyk Chopin (1810 - 1849) ก่อนอื่นเลย ควรบอกว่านี่คือ "จิตวิญญาณของชาวโปแลนด์" ซึ่งพบการแสดงออกที่หลากหลายในงานศิลปะของโชแปง เพลงของเขาประกอบด้วยหน้าแห่งความยิ่งใหญ่อันยิ่งใหญ่และการก้าวขึ้นอย่างกล้าหาญ ในตอนที่น่าเศร้าของดนตรีของโชแปง คุณสามารถได้ยินความเศร้าโศกของหัวใจที่กล้าหาญ ศิลปะของโชแปงเป็นศิลปะพื้นบ้านอันล้ำลึกของศิลปินผู้รักชาติ ศิลปินแนวมนุษยนิยม ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากอุดมคติที่ก้าวหน้าในยุคที่เขาต้องดำเนินชีวิตและสร้างสรรค์
อาชีพของโชแปงในฐานะนักแต่งเพลงเริ่มต้นด้วยการเต้นรำในชีวิตประจำวันของโปแลนด์ (มาซูร์กา, โปโลเนส, เพลงวอลทซ์) เขายังหันไปหากลางคืน “Ballad in G minor”, “Scherzo in B minor” และ “Etude in C minor” ของเขากลายเป็นการปฏิวัติวงการเพลงเปียโน etudes และ preludes ของ F. Chopin (ร่วมกับ etudes ของ F. Liszt) เป็นจุดสุดยอดของเทคนิคเปียโนแห่งยุคโรแมนติก
ยวนใจหยั่งรากได้ดีมากในดินรัสเซีย โลกทัศน์ใหม่พบการตอบสนองในจิตใจและจิตวิญญาณของกลุ่มปัญญาชน แนวคิดของเขาในการต่อต้านความชั่วร้ายที่กลืนกินทั้งโลกกลายเป็นสิ่งที่ใกล้เคียงกับศิลปะและวรรณกรรมรัสเซียมาก
หนึ่งในอาการของยวนใจคือร้อยแก้วโรแมนติกของรัสเซีย เมื่อเกิดขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 มันก็กลายเป็นปรากฏการณ์ที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว นำเสนอด้วยชื่อของนักเขียนชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักเขียนระดับสองด้วย ผลงานบางชิ้นของผู้เขียนเหล่านี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความหลงใหลในจินตนาการ บรรยากาศที่แปลกตาและเหนือจริง พล็อตเรื่องที่มีมนต์ขลัง และตัวละครที่แปลกประหลาด ในงานเหล่านี้เราสามารถสัมผัสได้ถึงร่องรอยของ Hoffmann แต่หักเหไปตามความเป็นจริงของรัสเซีย เช่นเดียวกับในเยอรมนี ดนตรีรัสเซียในยุคนี้มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับวรรณกรรม ดังตัวอย่างผลงานของ V.F. Odoevsky (1804 - 1869) ซึ่งประสบความสำเร็จในทั้งสองด้าน
โดยทั่วไปแล้ว ยุคโรแมนติกก่อให้เกิดกาแล็กซี่ของนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่น นี่คือ P. I. Tchaikovsky (1840 - 1893), A. A. Alyabyev (1787 - 1851), A. P. Borodin (2376 - 2430), M. I. Glinka (2347 - 2400), A. S. Dargomyzhsky (2356 - 2412), M.P. Mussorgsky (1839 - 1881), M. A. Balakirev (1837 - 1910), N. A. Rimsky-Korsakov (1844 - 1908), A. N. Scriabin (1872 - 1915), Ts.A. กุย (1835 - 1915), S.V. รัคมานินอฟ (2416 - 2486) แน่นอนว่าผู้แต่งส่วนใหญ่เป็นเพียงแนวโรแมนติกเท่านั้น พวกเขามีส่วนช่วยอย่างมากในการพัฒนาความสมจริงในวัฒนธรรมรัสเซีย แต่งานบางช่วงของพวกเขาตกอยู่บนเวทีของแนวโรแมนติก
ตัวแทนของแนวคิดดนตรีของรัสเซียคือ M.I. กลินกา. การปรากฏตัวของเขาในวัฒนธรรมดนตรีรัสเซียบังคับให้ต้องใช้เส้นทางที่แตกต่างออกไป ในงานของเขาเขาสามารถผสมผสานประเพณีประจำชาติของยุโรปและรัสเซียได้ ช่วงเวลาโรแมนติกในการสร้างสรรค์ของ M.I Glinka เป็นเพลงโรแมนติกที่สวยงามซึ่งเต็มไปด้วยความกลมกลืน บทร้อง และความหลงใหล สมบูรณ์แบบทั้งในรูปแบบและเนื้อหา
นอกจากกิจกรรมของนักแต่งเพลงแล้ว สมาคมสร้างสรรค์ยังมีบทบาทอย่างมากในช่วงเวลานี้ โดยทั่วไปแล้ว นี่เป็นช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่และสำคัญสำหรับรัสเซีย รวมถึงในชีวิตทางดนตรีด้วย มีการพัฒนาทางวิทยาศาสตร์และวรรณกรรมซึ่งนำศิลปะรัสเซียมาด้วย ตัวแทนที่ดีที่สุดของศิลปะกำลังเริ่มตระหนักถึงพลังทางสังคมที่ยิ่งใหญ่ของศิลปะ ดังนั้นแนวโน้มของยุคสมัยยังจับดนตรีอิทธิพลของวรรณกรรมเพิ่มขึ้นและเป็นผลให้ปฏิสัมพันธ์ของพวกเขา ขอบเขตของความสัมพันธ์กับศิลปะรูปแบบอื่นกำลังขยายออกไป ชุมชนดนตรีต่าง ๆ กำลังเกิดขึ้น: วงกลมของ Dargomyzhsky, วงกลมของ Rubinstein, วงกลมของ Belyaev และในที่สุดชุมชนดนตรีของ Balakirev เรียกว่า "Mighty Handful"
สำนวน "The Mighty Handful" ได้รับการบัญญัติโดยนักวิจารณ์ V.V. สตาซอฟ (1824 - 1906) การแสดงออกแบบออกซีโมโรนิกนี้ได้รับความนิยมในเวลาต่อมา และมีการใช้ซ้ำทั้งในบริบทที่ให้ความเคารพและน่าขัน โดยหมายถึงนักดนตรีที่รวมตัวกันเป็นกลุ่ม M.A. บาลาคิเรวา.
ก่อนอื่นพวกเขาพยายามรื้อฟื้นความสนใจในศิลปะพื้นบ้านของรัสเซีย พวกเขาให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับความคิดริเริ่มทางดนตรีระดับชาติ พวกเขาเชื่ออย่างถูกต้องว่าจะเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อผู้แต่งหันไปหาต้นกำเนิดเพลงพื้นบ้าน ใครก็ตามที่ได้รับการเลี้ยงดูมาเฉพาะเรื่องการแต่งเพลงของซาลอนแม้แต่เพลงที่ดีที่สุดก็ไม่สามารถสร้างสรรค์สิ่งที่คุ้มค่าได้ จนถึงขณะนี้สมาชิกของวง Balakirev เชื่อว่าดนตรีมืออาชีพซึ่งมีข้อยกเว้นที่หายาก (หมายถึง M.I. Glinka, 1804 - 1857) ยังห่างไกลจากศิลปะพื้นบ้าน ในความเข้าใจของ "kuchkists" นักแต่งเพลงจำเป็นต้องเติมจิตวิญญาณของดนตรีพื้นบ้านให้กับตัวเอง ดังนั้นลัทธิโรแมนติกของรัสเซียจึงเป็นศิลปะประจำชาติของรัสเซีย
5. สรุป.
มุมมองใหม่ของโลกที่โรแมนติกในศิลปะยุโรปในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18 - 19 ในแนวโรแมนติก โลกในชีวิตประจำวันอยู่ติดกับโลกมหัศจรรย์ที่ซึ่งพระเอกดราม่าวิ่งหนีโดยหวังว่าจะหลีกหนีจากชีวิตประจำวัน พวกโรแมนติกเชื่อว่าศิลปะเป็นหนึ่งเดียว บทกวีและดนตรีมีความใกล้ชิดเป็นพิเศษ ดนตรีสามารถ "เล่าขาน" ความคิดของกวี วาดภาพฮีโร่ในวรรณกรรมได้ และกวีนิพนธ์มักจะสร้างความประหลาดใจให้กับละครเพลงของมัน กระแสของงานศิลปะใหม่ยังสะท้อนให้เห็นในผลงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกผู้ยิ่งใหญ่
แนวโรแมนติกทางดนตรีมีฮีโร่ของตัวเอง ธีมของตัวเอง หลักการด้านสุนทรียศาสตร์และภาษาทางศิลปะของตัวเอง เป้าหมายของเขาคือรูปแบบอิสระ ไม่ถูกจำกัดด้วยประเภทหรือขอบเขตประเภท แนวโรแมนติกทางดนตรีดำรงอยู่มาเป็นเวลานานและนำมาซึ่งผลอันอุดมสมบูรณ์
อย่างไรก็ตาม ช่วงเวลาแห่งวิกฤตของเขาได้มาถึงแล้ว สิ่งนี้เกิดขึ้นในช่วงเวลาที่การเข้าใกล้ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีแนวโน้มแปลกประหลาดเริ่มทำลายอุดมคติของแนวโรแมนติก และถึงแม้ว่าในที่สุดมันจะถูกแทนที่ด้วยสมัยใหม่ แต่แนวโรแมนติกก็ไม่ได้จมลงในชั่วนิรันดร์ และประเพณีของมันยังคงดำรงอยู่ในศิลปะของศตวรรษใหม่และแม้แต่ในยุคปัจจุบันของเรา
6. รายการข้อมูลอ้างอิง
1. เบลูโซวา เอส.เอส. ยวนใจ - อ.: รอสแมน, 2547. - 115 น.
2. กาลาตสกายา VS. นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน Robert Schumann/W.S. กาลาตสกายา. - อ.: ความรู้, 2499. - 33 น.
3. กอร์ดีวา อี.เอ็ม. พวงอันยิ่งใหญ่/E.M. กอร์ดีวา. - ม.: ดนตรี. - 270 วิ
4. โซโลฟต์ซอฟ เอ.เอ. ฟรีเดอริก โชแปง. ชีวิตและศิลปะ - สำนักพิมพ์เพลงแห่งรัฐ/เอ.เอ. โซลอฟต์ซอฟ - มอสโก, 2503 - 504 น.
สามขั้นตอนหลักของแนวโรแมนติกทางดนตรียุโรปของศตวรรษที่ 19 - ช่วงต้นวัยผู้ใหญ่และช่วงปลาย - สอดคล้องกับขั้นตอนของการพัฒนาดนตรีโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมัน แต่ต้องระบุและชี้แจงช่วงเวลานี้ให้สอดคล้องกับเหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในศิลปะดนตรีของแต่ละประเทศ
ยุคแรกของแนวโรแมนติกทางดนตรีเยอรมัน-ออสเตรียเกิดขึ้นตั้งแต่ปี 1910 ถึง 1920 ซึ่งประจวบกับจุดสูงสุดของการต่อสู้กับการปกครองของนโปเลียนและการโจมตีทางการเมืองที่มืดมนในเวลาต่อมา จุดเริ่มต้นของเวทีนี้โดดเด่นด้วยปรากฏการณ์ทางดนตรีเช่นโอเปร่า "Ondine" โดย Hoffmann (1913), "Silvana" (1810), "Abu Hasan" (1811) และชิ้นส่วนเปียโนของโปรแกรม "Invitation to the Dance" (1815 ) โดย Weber เพลงต้นฉบับอย่างแท้จริงเพลงแรกของชูเบิร์ต - "Margarita at the Spinning Wheel" (1814) และ "The Forest King" (1815) ในยุค 20 ความมั่งคั่งของแนวโรแมนติกในยุคแรกเริ่มต้นขึ้นเมื่ออัจฉริยะของชูเบิร์ตที่จางหายไปในยุคแรกเปิดตัวอย่างเต็มกำลังเมื่อ The Magic Shooter, Euryata และ Oberon ปรากฏตัว - สามโอเปร่าที่สมบูรณ์แบบที่สุดของ Beber ในปีที่การเสียชีวิต (พ.ศ. 2363) "ผู้ทรงคุณวุฒิ" ใหม่กำลังปรากฏบนขอบฟ้าทางดนตรี - Mendelssohn-Bartholdy ผู้แสดงคอนเสิร์ตที่ยอดเยี่ยม - A Midsummer Night's Dream
เวทีกลางตกอยู่ในช่วงทศวรรษที่ 30-40 เป็นหลัก ขอบเขตกำหนดโดยการปฏิวัติเดือนกรกฎาคมในฝรั่งเศส ซึ่งส่งผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อแวดวงที่ก้าวหน้าของออสเตรียและโดยเฉพาะอย่างยิ่งเยอรมนี และการปฏิวัติในปี 1848-1949 ซึ่งกวาดล้างอย่างทรงพลังผ่าน ดินแดนเยอรมัน-ออสเตรีย ในช่วงเวลานี้ ความคิดสร้างสรรค์ของ Mendelssohn (เสียชีวิตในปี 1147) และ Schumann เจริญรุ่งเรืองในเยอรมนี ซึ่งกิจกรรมการประพันธ์เพลงข้ามเส้นที่ระบุเพียงสองสามปีเท่านั้น ประเพณีของเวเบอร์ถูกขับไล่โดย Marschner ในโอเปร่าของเขา (โอเปร่าที่ดีที่สุดของเขา Taps Geilschg เขียนในปี 1833); ในช่วงเวลานี้ Wagner เปลี่ยนจากนักแต่งเพลงมือใหม่มาเป็นผู้สร้างผลงานที่โดดเด่นเช่น Tannhäuser (1815) และ Lohengrin (1848); อย่างไรก็ตามความสำเร็จเชิงสร้างสรรค์ที่สำคัญของ Wagner ยังอยู่ข้างหน้า ในออสเตรีย ในเวลานี้ มีแนวเพลงที่จริงจังอยู่บ้าง แต่ผู้สร้างเพลงเต้นรำในชีวิตประจำวัน Joseph Lainer และ Johann Strauss the Father กำลังได้รับชื่อเสียง
ยุคหลังการปฏิวัติของลัทธิโรแมนติกซึ่งกินเวลาหลายทศวรรษ (ตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 50 ถึงประมาณกลางทศวรรษที่ 90) มีความสัมพันธ์กับสถานการณ์ทางสังคมและการเมืองที่ตึงเครียด (การแข่งขันระหว่างออสเตรียและปรัสเซียในการรวมดินแดนเยอรมันเข้าด้วยกัน การเกิดขึ้น ของเยอรมนีที่เป็นเอกภาพภายใต้การปกครองของปรัสเซียที่มีกำลังทหารและการแยกตัวทางการเมืองขั้นสุดท้ายของออสเตรีย) ในเวลานี้ปัญหาของศิลปะดนตรีเยอรมันที่เป็นหนึ่งเดียวนั้นรุนแรงความขัดแย้งระหว่างกลุ่มสร้างสรรค์ต่างๆ และนักแต่งเพลงแต่ละคนได้รับการเปิดเผยอย่างชัดเจนยิ่งขึ้น และการดิ้นรนเพื่อกำหนดทิศทางก็เกิดขึ้น ซึ่งบางครั้งก็สะท้อนให้เห็นในการโต้เถียงอย่างเผ็ดร้อนบนหน้าสื่อ ความพยายามที่จะรวมพลังทางดนตรีที่ก้าวหน้าของประเทศเข้าด้วยกันนั้นดำเนินการโดย Liszt ซึ่งย้ายไปอยู่ที่ประเทศเยอรมนี แต่หลักการสร้างสรรค์ของเขาที่เกี่ยวข้องกับแนวคิดเกี่ยวกับนวัตกรรมที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงโดยใช้ซอฟต์แวร์นั้นไม่ได้รับการแบ่งปันโดยนักดนตรีชาวเยอรมันทุกคน ตำแหน่งพิเศษถูกครอบครองโดยวากเนอร์ผู้ซึ่งสมบูรณาญาสิทธิราชย์บทบาทของละครเพลงในฐานะ "ศิลปะแห่งอนาคต" ในเวลาเดียวกัน Brahms ผู้ซึ่งจัดการงานของเขาเพื่อพิสูจน์ความสำคัญที่ยั่งยืนของประเพณีดนตรีคลาสสิกหลาย ๆ ประการเมื่อผสมผสานกับโลกทัศน์โรแมนติกแบบใหม่ กลายเป็นหัวหน้าของขบวนการต่อต้านลิซท์และต่อต้านวากเนอร์ในกรุงเวียนนา ปี พ.ศ. 2419 มีความสำคัญในเรื่องนี้: รอบปฐมทัศน์ของ "Ring of the Nibelung" ของ Wagner เกิดขึ้นที่ Bayreuth และเวียนนาได้ทำความคุ้นเคยกับซิมโฟนีครั้งแรกของ Brahms ซึ่งเปิดช่วงเวลาแห่งการออกดอกสูงสุดในผลงานของเขา
ความซับซ้อนของสถานการณ์ทางดนตรีและประวัติศาสตร์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการมีอยู่ของทิศทางต่าง ๆ กับต้นกำเนิดของพวกเขา เวียนนา ตัวอย่างเช่นในกรุงเวียนนา ศิลปินที่มีความคล้ายคลึงกันกับงานของ Bruckner และ Wolf รวมตัวกันด้วยทัศนคติที่กระตือรือร้นต่อ Wagner แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ยอมรับหลักการของละครเพลงของเขา
ในกรุงเวียนนา ลูกชายของโยฮันน์ สเตราส์ ซึ่งเป็นผู้นำทางดนตรีแห่งศตวรรษได้สร้างสรรค์ผลงานขึ้นมา” (วากเนอร์) เพลงวอลทซ์ที่ยอดเยี่ยมของเขาและบทละครในเวลาต่อมาทำให้เวียนนาเป็นศูนย์กลางแห่งดนตรีเพื่อความบันเทิงที่ใหญ่ที่สุด
ทศวรรษหลังการปฏิวัติยังคงมีปรากฏการณ์ที่โดดเด่นบางประการของแนวโรแมนติกทางดนตรี แต่สัญญาณของวิกฤตภายในของขบวนการนี้กำลังทำให้ตัวเองรู้สึกแล้ว ดังนั้นความโรแมนติกใน Brahms จึงถูกสังเคราะห์ขึ้นด้วยหลักการของความคลาสสิก และ Hugo Wolf ก็ค่อยๆ ตระหนักว่าตัวเองเป็นนักแต่งเพลงที่ต่อต้านความโรแมนติก กล่าวโดยสรุป หลักการโรแมนติกสูญเสียความสำคัญแต่เพียงผู้เดียว บางครั้งอาจรวมกับเทรนด์คลาสสิกใหม่หรือที่ได้รับการฟื้นฟู
อย่างไรก็ตาม แม้หลังจากช่วงกลางทศวรรษที่ 80 เมื่อแนวโรแมนติกเริ่มล้าสมัยอย่างชัดเจน ความคิดสร้างสรรค์โรแมนติกที่สดใสของแต่ละบุคคลยังคงปรากฏอยู่ในออสเตรียและเยอรมนี: ผลงานเปียโนชิ้นสุดท้ายของ Brahms และซิมโฟนีตอนปลายของ Bruckner ถูกปกคลุมไปด้วยแนวโรแมนติก นักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 - Mahler ชาวออสเตรียและ Richard Strauss ชาวเยอรมัน - บางครั้งก็แสดงตนว่าเป็นโรแมนติกทั่วไปในผลงานของยุค 80 และ 90 โดยทั่วไปแล้ว นักแต่งเพลงเหล่านี้กลายเป็นตัวเชื่อมโยงระหว่างศตวรรษที่ 19 "โรแมนติก" และ "ต่อต้านโรแมนติก" ศตวรรษที่ 20)
"ความใกล้ชิดของวัฒนธรรมดนตรีของออสเตรียและเยอรมนีเนื่องจากประเพณีทางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ไม่ได้แยกความแตกต่างระดับชาติบางอย่างโดยธรรมชาติ ในเยอรมนีที่กระจัดกระจาย แต่เป็นเอกภาพในระดับชาติและในเอกภาพทางการเมือง แต่เป็นจักรวรรดิออสเตรียข้ามชาติ (“ งานเย็บปะติดปะต่อกัน”) ระบอบกษัตริย์”) แหล่งที่มาที่หล่อเลี้ยงความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและงานที่นักดนตรีเผชิญบางครั้งก็แตกต่างกัน ดังนั้นในเยอรมนีที่ล้าหลัง การเอาชนะความซบเซาของฟิลิสเตียและลัทธิจังหวัดแคบ ๆ จึงเป็นงานเร่งด่วนอย่างยิ่งซึ่งในทางกลับกันจำเป็นต้องมีกิจกรรมการศึกษาในรูปแบบต่างๆ นักแต่งเพลงชาวเยอรมันที่โดดเด่นซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของตัวแทนศิลปะชั้นนำไม่สามารถจำกัดตัวเองอยู่เพียงการแต่งเพลงเท่านั้น แต่ยังต้องกลายเป็นบุคคลสำคัญทางดนตรีและสังคมด้วย และแท้จริงแล้ว คีตกวีโรแมนติกชาวเยอรมันได้แสดงวัฒนธรรมและการศึกษาอย่างกระตือรือร้น งานและมีส่วนทำให้ระดับวัฒนธรรมดนตรีทั้งหมดในประเทศบ้านเกิดของพวกเขาเพิ่มขึ้น: เวเบอร์ - เหมือนนักร้องโอเปร่าและนักวิจารณ์เพลง Mendelssohn - ในฐานะวาทยากรคอนเสิร์ตและอาจารย์ใหญ่ผู้ก่อตั้งเรือนกระจกแห่งแรกในเยอรมนี Schumann - ในฐานะนักวิจารณ์เพลงที่มีนวัตกรรมและเป็นผู้สร้างนิตยสารเพลงรูปแบบใหม่ ต่อมา กิจกรรมทางดนตรีและสังคมของวากเนอร์ซึ่งหาได้ยากในความสามารถรอบด้าน เปิดตัวในฐานะผู้ควบคุมละครและซิมโฟนี นักวิจารณ์ ผู้เชี่ยวชาญด้านความงาม นักปฏิรูปโอเปร่า และผู้สร้างสรรค์โรงละครแห่งใหม่ในไบรอยท์
ในออสเตรีย ด้วยการรวมศูนย์ทางการเมืองและวัฒนธรรม (อำนาจกองทหารของเวียนนาในฐานะศูนย์กลางทางการเมืองและวัฒนธรรม) พร้อมด้วยภาพลวงตาของปิตาธิปไตย ความเจริญรุ่งเรืองในจินตนาการ และด้วยการครอบงำที่แท้จริงของปฏิกิริยาที่โหดร้ายที่สุด กิจกรรมทางสังคมในวงกว้างจึงเป็นไปไม่ได้1 ในเรื่องนี้ไม่มีใครสามารถดึงดูดความสนใจไปที่ความขัดแย้งระหว่างความน่าสมเพชของพลเมืองในงานของเบโธเฟนกับการบังคับสังคมเฉยเมยของนักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ เราจะพูดอะไรเกี่ยวกับชูเบิร์ตซึ่งก่อตั้งขึ้นในฐานะศิลปินในช่วงหลังการประชุมแห่งเวียนนาปี 1814-1815! วงกลมชูเบิร์ตที่มีชื่อเสียงเป็นรูปแบบเดียวที่เป็นไปได้ในการผสมผสานตัวแทนขั้นสูงของกลุ่มปัญญาชนทางศิลปะ แต่วงกลมดังกล่าวไม่สามารถสะท้อนต่อสาธารณะอย่างแท้จริงในกรุงเวียนนาของ Metternich กล่าวอีกนัยหนึ่ง ในออสเตรีย นักแต่งเพลงรายใหญ่ที่สุดคือผู้สร้างผลงานดนตรีเกือบทั้งหมด พวกเขาไม่สามารถแสดงออกในด้านดนตรีและกิจกรรมทางสังคมได้ สิ่งนี้ใช้ได้กับ Schubert และกับ Bruckner และกับลูกชายของ Johann Strauss และกับคนอื่นๆ บางคน
อย่างไรก็ตามในวัฒนธรรมออสเตรียก็คุ้มค่าที่จะสังเกตปัจจัยลักษณะดังกล่าวที่มีอิทธิพลเชิงบวกต่อศิลปะดนตรีโดยให้รสชาติ "เวียนนา" ของชาวออสเตรียโดยเฉพาะในเวลาเดียวกัน องค์ประกอบของวัฒนธรรมเยอรมัน, ฮังการี, อิตาลีและสลาฟซึ่งมีความเข้มข้นในกรุงเวียนนาด้วยการผสมผสานที่แปลกประหลาดทำให้เกิดดินดนตรีอันอุดมสมบูรณ์ซึ่งความคิดสร้างสรรค์ในแนวประชาธิปไตยของชูเบิร์ต, โยฮันน์สเตราส์และนักแต่งเพลงอื่น ๆ อีกมากมายเติบโตขึ้น การผสมผสานระหว่างลักษณะประจำชาติของเยอรมันกับฮังการีและสลาฟในเวลาต่อมากลายเป็นลักษณะเฉพาะของบราห์มส์ซึ่งย้ายไปเวียนนา
เฉพาะวัฒนธรรมดนตรีของออสเตรียคือการเผยแพร่ดนตรีเพื่อความบันเทิงหลากหลายรูปแบบอย่างกว้างขวาง - เซเรเนด, คาสเซชั่น, ความหลากหลายซึ่งครอบครองสถานที่สำคัญในผลงานของ Haydn และ Mozart คลาสสิกของเวียนนา ในยุคแห่งความโรแมนติก ความสำคัญของชีวิตประจำวัน ดนตรีเพื่อความบันเทิงไม่เพียงยังคงอยู่ แต่ยังแข็งแกร่งยิ่งขึ้นอีกด้วย ตัวอย่างเช่น เป็นการยากที่จะจินตนาการถึงภาพลักษณ์ที่สร้างสรรค์ของ Schubert โดยปราศจากกระแสเพลงพื้นบ้านในชีวิตประจำวันที่แทรกซึมอยู่ในดนตรีของเขา และย้อนกลับไปในงานปาร์ตี้เวียนนา ปิกนิก เที่ยวพักผ่อนในสวนสาธารณะ และทำดนตรีแนวสตรีทแบบสบายๆ แต่ในสมัยของชูเบิร์ตก็เริ่มสังเกตเห็นการแบ่งชั้นภายในดนตรีมืออาชีพของเวียนนา และถ้าชูเบิร์ตยังคงผสมผสานซิมโฟนีและโซนาตากับเพลงวอลทซ์และแลนเดอร์สในงานของเขา ซึ่งปรากฏเป็นร้อยๆ1 เช่นเดียวกับการเดินขบวน สิ่งแวดล้อมเชิงนิเวศ และโพโลเนส แล้วล่ะก็ Lainer และ Strauss the Father ซึ่งเป็นรุ่นราวคราวเดียวกันของเขาก็สร้างดนตรีเต้นรำเป็นพื้นฐานของกิจกรรมของพวกเขา ต่อมา "การแบ่งขั้ว" นี้พบการแสดงออกในความสัมพันธ์ของผลงานของเพื่อนร่วมงานสองคน ได้แก่ ดนตรีคลาสสิกของการเต้นรำและโอเปร่า Johann Strauss the Son (1825–1899) และนักซิมโฟนิสต์ Bruckner (1824–1896)
เมื่อเปรียบเทียบดนตรีออสเตรียและเยอรมันในศตวรรษที่ 19 คำถามเกี่ยวกับละครเพลงก็เกิดขึ้นอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ในเยอรมนียุคโรแมนติก โอเปร่าที่เริ่มต้นด้วยฮอฟฟ์มันน์มีความสำคัญอย่างยิ่งในฐานะประเภทที่สามารถแสดงปัญหาของวัฒนธรรมของชาติในปัจจุบันได้อย่างเต็มที่ที่สุด และไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ละครเพลง Wagnerad เป็นความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ของโรงละครเยอรมัน ในออสเตรีย ความพยายามซ้ำแล้วซ้ำเล่าของชูเบิร์ตในการบรรลุความสำเร็จในสาขาการแสดงละครไม่ได้สวมมงกุฎด้วยความสำเร็จ" ไม่ว่าใครจะประเมินศักยภาพเชิงสร้างสรรค์ของชูเบิร์ตเองก็ตาม ในสาขาดนตรีละครใคร ๆ ก็อดไม่ได้ที่จะยอมรับว่าสถานการณ์ในเวียนนาของ Metternich ไม่ได้สร้างแรงจูงใจสำหรับความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าอย่างจริงจังไม่ได้มีส่วนช่วยในการสร้างผลงานละคร "สไตล์ที่ยิ่งใหญ่" แต่เป็นการแสดงพื้นบ้านที่มีลักษณะตลกขบขัน เจริญรุ่งเรือง - ร้องเพลงโดย Ferdinand Raimund พร้อมดนตรีโดย Wenzel Müller และ Joseph Drexler และต่อมา - เพลงประจำบ้านของ I. Theatre ซึ่งรวมเอาประเพณีของเพลงฝรั่งเศส N. Nestroy (1801 - 1862) ด้วยเหตุนี้จึงไม่เป็นเช่นนั้น ละครเพลง แต่เป็นละครเพลงของเวียนนาที่เกิดขึ้นในยุค 70 ซึ่งเป็นตัวกำหนดความสำเร็จของละครเพลงออสเตรียในระดับทั่วยุโรป
แม้จะมีความแตกต่างเหล่านี้และความแตกต่างอื่น ๆ ในการพัฒนาดนตรีออสเตรียและเยอรมัน แต่ลักษณะทั่วไปในศิลปะโรแมนติกของทั้งสองประเทศนั้นชัดเจนกว่ามาก อะไรคือคุณสมบัติเฉพาะที่ทำให้งานของ Schubert, Weber และผู้สืบทอดที่ใกล้เคียงที่สุด - Mendelssohn และ Schumann - แตกต่างจากดนตรีโรแมนติกของประเทศในยุโรปอื่น ๆ
เนื้อเพลงที่ใกล้ชิดและเต็มไปด้วยอารมณ์ซึ่งเต็มไปด้วยความฝัน เป็นเรื่องปกติของ Schubert, Weber, Mendelssohn และ Schumann ดนตรีของพวกเขาโดดเด่นด้วยท่วงทำนองอันไพเราะซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากเสียงร้องล้วนๆ ซึ่งมักจะเกี่ยวข้องกับแนวคิดของคำว่า "โกหก" ในภาษาเยอรมัน สไตล์นี้เป็นลักษณะเฉพาะของเพลงและธีมเครื่องดนตรีอันไพเราะของ Schubert, บทเพลงโอเปร่าของ Weber, "Songs without Words" ของ Mendelssohn และภาพ "Ebsebievsky" ของ Schumann อย่างไรก็ตาม ท่วงทำนองที่มีอยู่ในสไตล์นี้แตกต่างไปจากบทเพลงโอเปร่า Cantilenas ของอิตาลีโดยเฉพาะ รวมถึงลักษณะที่เปลี่ยนอารมณ์และแสดงอารมณ์ของแนวโรแมนติกแบบฝรั่งเศส (Berlioz, Menerbere)
เมื่อเปรียบเทียบกับลัทธิโรแมนติกแบบฝรั่งเศสที่ก้าวหน้าซึ่งโดดเด่นด้วยความอิ่มเอิบและประสิทธิผลเต็มไปด้วยความน่าสมเพชทางแพ่งที่กล้าหาญและปฏิวัติลัทธิโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมันโดยทั่วไปแล้วดูเป็นการไตร่ตรองมากกว่าหมกมุ่นในตัวเองและมีโคลงสั้น ๆ ที่เป็นอัตวิสัย แต่จุดแข็งหลักของมันคือการเปิดเผยโลกภายในของมนุษย์ในจิตวิทยาเชิงลึกนั้น ซึ่งได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในดนตรีออสเตรียและเยอรมัน ซึ่งกำหนดผลกระทบทางศิลปะที่ไม่อาจต้านทานได้จากผลงานดนตรีหลายชิ้น นี้. อย่างไรก็ตาม ไม่ได้ยกเว้นการแสดงความกล้าหาญและความรักชาติที่สดใสของบุคคลในงานโรแมนติกในออสเตรียและเยอรมนี นั่นคือซิมโฟนีมหากาพย์มหากาพย์อันยิ่งใหญ่ใน C major ของ Schubert และเพลงบางเพลงของเขา (“ To the driver Kronos”, “ Group from Hell” และอื่น ๆ ), วงจรการร้องประสานเสียง“ Lyre and Sword” โดย Weber (อิงจากบทกวีของ กวีผู้รักชาติ T. Kerner “Symphonic Etudes” "Schumann เพลงของเขา "Two Grenadiers" ในที่สุดหน้าฮีโร่แต่ละคนในงานเช่น "Scottish Symphony" ของ Mendelssohn (apotheosis ในตอนจบ), "Carnival" ของ Schumann (ตอนจบที่สามของเขา ซิมโฟนี (การเคลื่อนไหวครั้งแรก) แต่ความกล้าหาญของแผนเบโธเฟนไททันส์ของการต่อสู้ได้รับการฟื้นฟูบนพื้นฐานใหม่ในภายหลัง - ในละครเพลงมหากาพย์ที่กล้าหาญของวากเนอร์ในระยะแรกของแนวโรแมนติกเยอรมัน - ออสเตรียที่กระตือรือร้นและมีประสิทธิภาพ หลักการนี้มักแสดงออกในภาพที่น่าสมเพช ตื่นเต้น กบฏ แต่ไม่ไตร่ตรอง เช่นเดียวกับในเบโธเฟนที่มีจุดมุ่งหมายและได้รับชัยชนะ ” การทาบทาม, การทาบทาม “Run Blaz” ของ Mendelssohn
รูปภาพของธรรมชาติครอบครองสถานที่สำคัญอย่างยิ่งในผลงานของนักประพันธ์โรแมนติกชาวออสเตรียและเยอรมัน บทบาทของ "ความเห็นอกเห็นใจ" ของภาพของธรรมชาตินั้นยิ่งใหญ่เป็นพิเศษในวงจรเสียงของชูเบิร์ต และในวงจร "ความรักของกวี" ของชูมันน์ ภูมิทัศน์ทางดนตรีได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางในผลงานไพเราะของ Mendelssohn; เขามีความเกี่ยวข้องกับองค์ประกอบของทะเลเป็นหลัก ("Scottish Symphony", ทาบทาม "Hebrides-", "Sea Silence and Happy Voyage") แต่ลักษณะเฉพาะของภาพทิวทัศน์ของชาวเยอรมันก็คือ "ความโรแมนติกของป่าไม้" ซึ่งรวบรวมไว้อย่างมีบทกวีในการแนะนำการทาบทามของเวเบอร์เรื่อง "The Magic Marksman" และ "Oberon" ในเพลง "Nocturne" จากเพลงของ Mendelssohn ไปจนถึงภาพยนตร์ตลกของเช็คสเปียร์เรื่อง "A ความฝันคืนกลางฤดูร้อน” จากที่นี่ หัวข้อต่างๆ ขยายไปถึงซิมโฟนีของ Bruckner เช่น ซิมโฟนีที่สี่ (“โรแมนติก”) และที่เจ็ด ไปจนถึงภูมิทัศน์ซิมโฟนี “The Rustle of the Forest” ใน tetralogy ของ Wagner ไปจนถึงภาพป่าในซิมโฟนีแรกของ Mahler
ความปรารถนาโรแมนติกในอุดมคติในดนตรีเยอรมัน-ออสเตรียพบการแสดงออกที่เฉพาะเจาะจง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในหัวข้อการพเนจร การค้นหาความสุขในดินแดนอื่นที่ไม่รู้จัก สิ่งนี้ปรากฏชัดเจนที่สุดในผลงานของชูเบิร์ต (“The Wanderer,” “The Beautiful Miller’s Wife,” “Winter Reise”) และต่อมาใน Wagner ในรูปของ Flying Dutchman, Wotan the Traveller และ Siegfried ผู้พเนจร ประเพณีในยุค 80 นี้นำไปสู่วัฏจักรของ Mahler เรื่อง "Songs of the Wandering Apprentice"
สถานที่ขนาดใหญ่ที่มอบให้กับภาพที่น่าอัศจรรย์ยังเป็นลักษณะประจำชาติของแนวโรแมนติกเยอรมัน - ออสเตรีย (มีผลกระทบโดยตรงต่อ Berlioz โรแมนติกของฝรั่งเศส) ประการแรก นี่คือจินตนาการแห่งความชั่วร้าย Demonism ซึ่งพบรูปลักษณ์ที่ชัดเจนที่สุดใน "Siena ในหุบเขาหมาป่า" จากโอเปร่าเรื่อง "The Magic Shooter" ของ Weber ใน "The Vampire" โดย Marschner บทเพลง "Walpurgis Night" ” โดย Mendelssohn และผลงานอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง ประการที่สองจินตนาการนั้นเบาบทกวีที่ละเอียดอ่อนผสมผสานกับภาพที่สวยงามและเต็มไปด้วยความกระตือรือร้นของธรรมชาติ: ฉากในโอเปร่า "Oberon" โดย Weber การทาบทาม "A Midsummer Night's Dream" โดย Mendelssohn จากนั้นภาพของ Lohengrin ของ Wagner - ผู้ส่งสารแห่งจอก สถานที่กลางที่นี่เป็นของรูปภาพ Schumann จำนวนมากที่ซึ่งจินตนาการรวบรวมจุดเริ่มต้นที่ยอดเยี่ยมและแปลกประหลาดโดยไม่ต้องเน้นที่ปัญหาแห่งความชั่วร้ายและความดีมากนัก
ในสาขาภาษาดนตรี ยวนใจออสเตรียและเยอรมันประกอบด้วยยุคทั้งหมด ซึ่งมีความสำคัญอย่างยิ่งจากมุมมองของวิวัฒนาการทั่วไปของวิธีการแสดงออกทางศิลปะ โดยไม่ต้องคำนึงถึงสไตล์อันเป็นเอกลักษณ์ของนักประพันธ์เพลงหลักแต่ละคน เราจะสังเกตคุณสมบัติและแนวโน้มทั่วไปส่วนใหญ่
หลักการ "ความสามารถในการร้องเพลง" ที่ใช้กันอย่างแพร่หลายซึ่งเป็นแนวโน้มทั่วไปในผลงานของนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติกยังขยายไปถึงดนตรีบรรเลงด้วย ช่วยให้เกิดความเป็นเอกเทศของทำนองเพลงได้มากขึ้นผ่านการผสมผสานระหว่างเพลงจริงและการเปลี่ยนเสียงประกาศ การร้องเพลงของมูลนิธิ โครมาไนเซชัน ฯลฯ ภาษาฮาร์โมนิกได้รับการเสริมสมรรถนะ: สูตรฮาร์โมนิคทั่วไปของเพลงคลาสสิกจะถูกแทนที่ด้วยความสามัคคีที่ยืดหยุ่นและหลากหลายมากขึ้น บทบาท ของการลอกเลียนแบบและขั้นตอนด้านข้างของโหมดเพิ่มขึ้น ด้านที่มีสีสันของมันกลายเป็นสิ่งสำคัญในความสามัคคี การแทรกซึมระหว่างวิชาเอกและวิชารองที่เพิ่มขึ้นอย่างค่อยเป็นค่อยไปก็เป็นลักษณะเฉพาะเช่นกัน ดังนั้น โดยพื้นฐานแล้วจาก Schubert จึงเป็นประเพณีของการเปรียบเทียบผู้เยาว์รายใหญ่ที่มีชื่อเดียวกัน (โดยปกติแล้วจะเป็นผู้รองรอง) เนื่องจากสิ่งนี้กลายเป็นเทคนิคที่ชื่นชอบในงานของเขา ขอบเขตของการประยุกต์ใช้ฮาร์มอนิกเมเจอร์กำลังขยายออกไป (ลักษณะเฉพาะของส่วนย่อยรองในจังหวะของงานหลัก) ในการเชื่อมโยงกับการเน้นไปที่ตัวบุคคลและการระบุรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ของภาพ ยังมีความสำเร็จในด้านการจัดเรียบเรียงอีกด้วย (ความสำคัญของการใช้สีโทนเสียงเฉพาะ บทบาทที่เพิ่มขึ้นของเครื่องดนตรีโซโล ความใส่ใจในการแสดงสัมผัสใหม่ๆ ของสาย ฯลฯ) แต่โดยพื้นฐานแล้ววงออเคสตราไม่ได้เปลี่ยนองค์ประกอบคลาสสิก
ชาวเยอรมันและออสเตรียเป็นผู้ก่อตั้งโครงการโรแมนติกในระดับที่สูงกว่า (แบร์ลิออซสามารถพึ่งพาความสำเร็จของพวกเขาใน "Symphony Fantastique" ของเขาได้) และถึงแม้ว่าการเขียนโปรแกรมจะเป็นเช่นนั้น แต่ก็ดูเหมือนจะไม่ใช่ลักษณะของชูเบิร์ตโรแมนติกชาวออสเตรีย ความอิ่มตัวของส่วนเปียโนในเพลงของเขาด้วยช่วงเวลาที่เป็นรูปเป็นร่าง การมีอยู่ขององค์ประกอบของการเขียนโปรแกรมที่ซ่อนอยู่ในละครของผลงานเครื่องดนตรีหลักของเขาถูกกำหนดไว้ การมีส่วนร่วมที่สำคัญของผู้แต่งในการพัฒนาหลักการทางโปรแกรมทางดนตรี ในบรรดาโรแมนติกของชาวเยอรมัน มีความปรารถนาที่เน้นย้ำในการเขียนโปรแกรมทั้งในเพลงเปียโน (คำเชิญไปเต้นรำ, Concertstückของ Weber, วงจรชุดของ Schumann, เพลงของ Mendelssohn ที่ไม่มีคำพูด) และในดนตรีไพเราะ (การทาบทามโอเปร่าของ Weber, การทาบทามคอนเสิร์ต, การทาบทามของ Mendelssohn , การทาบทาม Manfred ของ Schumann)
บทบาทของโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมันในการสร้างหลักการเรียบเรียงใหม่นั้นยอดเยี่ยมมาก วงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิกของดนตรีคลาสสิกถูกแทนที่ด้วยเครื่องดนตรีขนาดเล็ก การหมุนเวียนของย่อส่วนซึ่งพัฒนาขึ้นอย่างชัดเจนในขอบเขตของเนื้อเพลงร้องโดยชูเบิร์ตถูกถ่ายโอนไปยังดนตรีบรรเลง (ชูมันน์) การเรียบเรียงเพลงเดียวขนาดใหญ่ก็ปรากฏขึ้น โดยผสมผสานหลักการของโซนาต้าและวัฏจักร (เปียโนแฟนตาซีของชูเบิร์ตในซีเมเจอร์, Concertstückของเวเบอร์, การเคลื่อนไหวครั้งแรกของแฟนตาซีของชูมันน์ในซีเมเจอร์) ในทางกลับกัน วงจรโซนาตา-ซิมโฟนีก็มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในหมู่โรแมนติก และ "โซนาตาโรแมนติก" และ "ซิมโฟนีโรแมนติก" ประเภทต่างๆ ก็ได้เกิดขึ้น แต่ถึงกระนั้น ความสำเร็จหลักก็คือคุณภาพใหม่ของการคิดทางดนตรี ซึ่งกำหนดการสร้างสรรค์ผลงานย่อส่วนที่เต็มไปด้วยเนื้อหาและพลังแห่งการแสดงออก ซึ่งความเข้มข้นพิเศษของการแสดงออกทางดนตรีที่ทำให้เพลงที่แยกจากกันหรือท่อนเปียโนเพียงส่วนเดียวเป็นจุดสนใจของ ความคิดและประสบการณ์ที่ลึกซึ้ง
ผู้นำแนวโรแมนติกของออสเตรียและเยอรมันที่กำลังพัฒนาอย่างรวดเร็วในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 คือบุคคลที่ไม่เพียงแต่มีพรสวรรค์อันชาญฉลาดเท่านั้น แต่ยังก้าวหน้าในมุมมองและแรงบันดาลใจของพวกเขาด้วย สิ่งนี้กำหนดความสำคัญที่ยั่งยืนของผลงานดนตรีของพวกเขา ความสำคัญของมันในฐานะ "คลาสสิกใหม่" ซึ่งชัดเจนในช่วงปลายศตวรรษ เมื่อดนตรีคลาสสิกของประเทศที่ใช้ภาษาเยอรมันเป็นตัวแทน ไม่เพียงแต่โดยนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่เท่านั้น ของศตวรรษที่ 18 และเบโธเฟน แต่ยังรวมถึงโรแมนติกอันยิ่งใหญ่ด้วย - ชูเบิร์ต , ชูมันน์, เวเบอร์, Mendelssohn ตัวแทนที่น่าทึ่งของแนวโรแมนติกทางดนตรีเหล่านี้แสดงความเคารพต่อรุ่นก่อนอย่างลึกซึ้งและพัฒนาความสำเร็จมากมายในเวลาเดียวกันเพื่อเปิดโลกใหม่ของภาพดนตรีและรูปแบบการเรียบเรียงที่สอดคล้องกับพวกเขา น้ำเสียงส่วนตัวที่มีอยู่ในงานของพวกเขาสอดคล้องกับอารมณ์และความคิดของมวลชนประชาธิปไตย พวกเขาสร้างลักษณะเฉพาะของการแสดงออกในดนตรีซึ่ง B.V. Asafiev อธิบายไว้อย่างเหมาะสมว่าเป็น "คำพูดที่มีชีวิตและเข้ากับคนง่ายจากใจสู่ใจ" และทำให้ Schubert และ Schumann มีความคล้ายคลึงกับ Chopin, Grieg, Tchaikovsky และ Verdi เกี่ยวกับคุณค่าทางมนุษยนิยมของทิศทางดนตรีโรแมนติก Asafiev เขียนว่า: "จิตสำนึกส่วนบุคคลไม่ได้แสดงออกมาในความโดดเดี่ยวและภาคภูมิใจ แต่เป็นการสะท้อนทางศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์ของทุกสิ่งที่ผู้คนอาศัยอยู่ด้วยและนั่นทำให้พวกเขาตื่นเต้นอยู่เสมอและหลีกเลี่ยงไม่ได้ ในความเรียบง่ายเช่นนี้ ความคิดและการไตร่ตรองที่สวยงามเสมอเกี่ยวกับเสียงชีวิต - ความเข้มข้นของสิ่งที่ดีที่สุดที่มีอยู่ในตัวบุคคล”
ในยุคของยวนใจ ดนตรีเข้ามามีบทบาทสำคัญยิ่งในระบบศิลปะ สิ่งนี้อธิบายได้จากความเฉพาะเจาะจงซึ่งช่วยให้คุณสะท้อนประสบการณ์ทางอารมณ์ได้อย่างเต็มที่โดยใช้คลังแสงวิธีแสดงออกทั้งหมด
ยวนใจในดนตรีปรากฏในศตวรรษที่สิบเก้าในผลงานของ F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. เวเบอร์, จี. รอสซินี. หลังจากนั้นไม่นานสไตล์นี้ก็สะท้อนให้เห็นในผลงานของ F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ
ยวนใจมีต้นกำเนิดในยุโรปในช่วงต้นศตวรรษที่สิบเก้า มันกลายเป็นการต่อต้านลัทธิคลาสสิก ยวนใจทำให้ผู้ฟังเจาะลึกโลกแห่งตำนานเพลงและนิทาน หลักการสำคัญของทิศทางนี้คือการต่อต้าน (ความฝันและชีวิตประจำวัน โลกในอุดมคติและชีวิตประจำวัน) สร้างขึ้นจากจินตนาการที่สร้างสรรค์ของนักแต่งเพลง สไตล์นี้ได้รับความนิยมในหมู่คนที่มีความคิดสร้างสรรค์จนถึงวัยสี่สิบของศตวรรษที่ 19
ยวนใจในดนตรีสะท้อนให้เห็นถึงปัญหาของคนสมัยใหม่ความขัดแย้งกับโลกภายนอกและความเหงาของเขา ธีมเหล่านี้กลายเป็นศูนย์กลางในงานของผู้แต่ง การมีพรสวรรค์และแตกต่างจากผู้อื่น ทำให้คนเรารู้สึกเข้าใจผิดจากผู้อื่นอยู่ตลอดเวลา พรสวรรค์ของเขากลายเป็นสาเหตุของความเหงา นั่นคือเหตุผลที่วีรบุรุษคนโปรดของนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติกคือกวี นักดนตรี และศิลปิน (R. Schumann "The Love of a Poet"; Berlioz - คำบรรยาย "An Episode from the Life of an Artist" สำหรับ "Fantastic Symphony" เป็นต้น ).
การถ่ายทอดโลกแห่งประสบการณ์ภายในของบุคคล ความโรแมนติกในดนตรีมักจะมีกลิ่นอายของอัตชีวประวัติ ความจริงใจ และการแต่งเนื้อร้อง ธีมของความรักและความหลงใหลมีการใช้กันอย่างแพร่หลาย ตัวอย่างเช่น นักประพันธ์เพลงชื่อดัง R. Schumann ได้อุทิศผลงานเปียโนหลายชิ้นให้กับ Clara Wieck อันเป็นที่รักของเขา
ธีมของธรรมชาติยังพบได้ทั่วไปในผลงานแนวโรแมนติก บ่อยครั้งที่ผู้แต่งเปรียบเทียบสิ่งนี้กับสภาพจิตใจของบุคคลโดยแต่งแต้มด้วยเฉดสีของความไม่ลงรอยกัน
ธีมแฟนตาซีกลายเป็นการค้นพบที่แท้จริงของคู่รัก พวกเขาทำงานอย่างแข็งขันในการสร้างตัวละครในเทพนิยายและแฟนตาซี และถ่ายทอดภาพของพวกเขาผ่านองค์ประกอบทางดนตรีต่างๆ ("The Magic Flute" ของโมสาร์ท - ราชินีแห่งรัตติกาล)
บ่อยครั้งที่ความโรแมนติกในดนตรีก็หันไปหาศิลปะพื้นบ้านด้วย นักประพันธ์เพลงในงานของพวกเขาใช้องค์ประกอบพื้นบ้านที่หลากหลาย (จังหวะ น้ำเสียง โหมดโบราณ) ที่นำมาจากเพลงและเพลงบัลลาด สิ่งนี้ช่วยให้คุณเพิ่มคุณค่าให้กับเนื้อหาของชิ้นดนตรีได้อย่างมาก
การใช้รูปภาพและธีมใหม่ๆ จำเป็นต้องค้นหารูปแบบที่เหมาะสม ดังนั้น ในงานโรแมนติก น้ำเสียงคำพูด โหมดธรรมชาติ ความแตกต่างของโทนสีต่างๆ และท่อนโซโล (เสียง) จึงปรากฏขึ้น
ยวนใจในดนตรีเป็นความคิดของการสังเคราะห์ศิลปะ ตัวอย่างนี้คือผลงานเชิงโปรแกรมของ Schumann, Berlioz, Liszt และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ (ซิมโฟนี "Harold in Italy", บทกวี "Preludes", วงจร "Years of Wandering" ฯลฯ )
แนวโรแมนติกของรัสเซียสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนในผลงานของ M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tchaikovsky และคนอื่น ๆ
ในผลงานของเขา A. Dargomyzhsky ถ่ายทอดภาพทางจิตวิทยาที่หลากหลาย (“ นางเงือก”, ความรัก) ในโอเปร่า "Ivan Susanin" M. Glinka วาดภาพชีวิตของคนรัสเซียธรรมดา ผลงานของนักแต่งเพลงชื่อดัง "Mighty Handful" ถือเป็นจุดสุดยอดอย่างถูกต้อง พวกเขาใช้วิธีการแสดงออกและน้ำเสียงที่เป็นลักษณะเฉพาะซึ่งมีอยู่ในเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย ดนตรีในชีวิตประจำวัน และคำพูดที่เป็นภาษาพูด
ต่อจากนั้น A. Scriabin (โหมโรง "Dreams" บทกวี "To the Flame") และ S. Rachmaninov (ภาพการศึกษา, โอเปร่า "Aleko", Cantata "Spring") ก็หันมาใช้สไตล์นี้เช่นกัน
โลกทัศน์ที่โรแมนติกมีลักษณะเป็นความขัดแย้งที่รุนแรงระหว่างความเป็นจริงและความฝัน ความเป็นจริงนั้นต่ำต้อยและไร้จิตวิญญาณ มันเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของลัทธิปรัชญานิยม ลัทธิปรัชญานิยม และสมควรที่จะปฏิเสธเท่านั้น ความฝันคือสิ่งที่สวยงาม สมบูรณ์แบบ แต่ไม่สามารถบรรลุได้และไม่สามารถเข้าใจเหตุผลได้
ยวนใจเปรียบเทียบร้อยแก้วของชีวิตกับอาณาจักรที่สวยงามของวิญญาณ "ชีวิตของหัวใจ" ชาวโรแมนติกเชื่อว่าความรู้สึกเป็นชั้นลึกของจิตวิญญาณมากกว่าเหตุผล ตามคำกล่าวของวากเนอร์ “ศิลปินดึงดูดความรู้สึก ไม่ใช่ด้วยเหตุผล” และชูมันน์กล่าวว่า: "จิตใจหลงทาง ความรู้สึกไม่เคย" ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่รูปแบบศิลปะในอุดมคติได้รับการประกาศให้เป็นดนตรี ซึ่งเนื่องจากความเฉพาะเจาะจงของมัน จึงแสดงออกถึงการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณได้อย่างเต็มที่ที่สุด เป็นดนตรีในยุคโรแมนติกที่เป็นผู้นำในระบบศิลปะ
หากในวรรณคดีและภาพวาดขบวนการโรแมนติกโดยพื้นฐานแล้วจะเสร็จสิ้นการพัฒนาภายในกลางศตวรรษที่ 19 ชีวิตของดนตรีแนวโรแมนติกในยุโรปก็จะยาวนานกว่ามาก ลัทธิโรแมนติกทางดนตรีในฐานะการเคลื่อนไหวเกิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 และพัฒนาให้เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการเคลื่อนไหวต่างๆ ในวรรณคดี จิตรกรรม และละคร ระยะเริ่มแรกของดนตรีแนวโรแมนติกแสดงโดยผลงานของ F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, G. Rossini; ระยะต่อมา (พ.ศ. 2373-50) - ผลงานของ F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Verdi
ยุคปลายของลัทธิจินตนิยมขยายไปจนถึงปลายศตวรรษที่ 19
ปัญหาหลักของดนตรีโรแมนติกคือปัญหาบุคลิกภาพและในมุมมองใหม่ - ในความขัดแย้งกับโลกภายนอก พระเอกโรแมนติกมักจะเหงาเสมอ ธีมของความเหงาอาจเป็นธีมที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในงานศิลปะโรแมนติกทั้งหมด บ่อยครั้งที่ความคิดเกี่ยวกับบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์มีความเกี่ยวข้อง: คน ๆ หนึ่งจะเหงาเมื่อเขาเป็นคนพิเศษและมีพรสวรรค์ ศิลปิน กวี นักดนตรีเป็นวีรบุรุษคนโปรดในผลงานแนวโรแมนติก (“The Love of a Poet” โดย Schumann, “Symphony Fantastique” โดย Berlioz พร้อมคำบรรยาย “An Episode from the Life of an Artist”, บทกวีไพเราะของ Liszt “ ทัสโซ”)
ความสนใจอย่างลึกซึ้งในบุคลิกภาพของมนุษย์ที่มีอยู่ในดนตรีโรแมนติกนั้นแสดงออกมาด้วยความโดดเด่นของน้ำเสียงส่วนตัวในนั้น การเปิดเผยละครส่วนตัวมักจะได้รับสัมผัสของอัตชีวประวัติท่ามกลางความโรแมนติกซึ่งนำความจริงใจมาสู่ดนตรีเป็นพิเศษ ตัวอย่างเช่น ผลงานเปียโนหลายชิ้นของ Schumann เชื่อมโยงกับเรื่องราวความรักที่เขามีต่อ Clara Wieck วากเนอร์เน้นย้ำถึงลักษณะอัตชีวประวัติของโอเปร่าของเขาในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้
การใส่ใจต่อความรู้สึกนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงแนวเพลง - เนื้อเพลงซึ่งภาพแห่งความรักมีอิทธิพลเหนือได้รับตำแหน่งที่โดดเด่น
หัวข้อเรื่องธรรมชาติมักเกี่ยวพันกับหัวข้อ "คำสารภาพโคลงสั้น ๆ" สะท้อนกับสภาพจิตใจของบุคคล มันมักจะถูกระบายสีด้วยความรู้สึกไม่ลงรอยกัน การพัฒนาแนวเพลงและซิมโฟนิซึมของบทกวีมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับภาพของธรรมชาติ (หนึ่งในผลงานชิ้นแรกคือซิมโฟนี "ใหญ่" ของ Schubert ใน C major)
ธีมแฟนตาซีกลายเป็นการค้นพบที่แท้จริงของนักประพันธ์เพลงโรแมนติก นับเป็นครั้งแรกที่ดนตรีเรียนรู้ที่จะรวบรวมภาพที่น่าอัศจรรย์และน่าอัศจรรย์ผ่านวิธีการทางดนตรีล้วนๆ ในโอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 17 และ 18 ตัวละครที่ "แปลกประหลาด" (เช่น ราชินีแห่งราตรีจาก "The Magic Flute" ของโมสาร์ท) พูดด้วยภาษาดนตรีที่ "เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป" โดยโดดเด่นเพียงเล็กน้อยจากภูมิหลังของคนจริงๆ นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกเรียนรู้ที่จะถ่ายทอดโลกแฟนตาซีเป็นสิ่งที่เฉพาะเจาะจงโดยสิ้นเชิง (ด้วยความช่วยเหลือของสีออเคสตราและฮาร์โมนิกที่แปลกตา)
ความสนใจในศิลปะพื้นบ้านเป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีแนวโรแมนติก เช่นเดียวกับกวีโรแมนติกที่เสริมสร้างและปรับปรุงภาษาวรรณกรรมผ่านนิทานพื้นบ้าน นักดนตรีหันไปหานิทานพื้นบ้านของชาติอย่างกว้างขวาง - เพลงพื้นบ้าน เพลงบัลลาด มหากาพย์ ภายใต้อิทธิพลของคติชน เนื้อหาของดนตรียุโรปได้รับการเปลี่ยนแปลงอย่างมาก
สิ่งสำคัญที่สุดของสุนทรียภาพทางดนตรีแนวโรแมนติกคือแนวคิดเรื่องการสังเคราะห์ศิลปะซึ่งพบการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดในผลงานโอเปร่าของ Wagner และในรายการเพลงของ Berlioz, Schumann และ Liszt
เฮคเตอร์ แบร์ลิออซ. "มหัศจรรย์ซิมโฟนี" - 1. ความฝัน ความหลงใหล...
Robert Schumann - “ท่ามกลางแสงสว่าง...” “ฉันสบตากับสายตา..”
จากวงจรเสียง "รักนักกวี"
Robert Schumann Heinrich Heine "ท่ามกลางแสงอันอบอุ่นของเดือนพฤษภาคม"
Robert Schumann - Heinrich "ฉันสบตาคุณ"
โรเบิร์ต ชูมันน์. "บทละครที่ยอดเยี่ยม".
ชูมันน์ แฟนตาซีสตุคเคอ, op. 12 ตอนที่ 1: ไม่ 1 เดส อาเบนด์ และหมายเลข 2 เอาฟชวุง
แผ่น. บทกวีไพเราะ "ออร์ฟัส"
Frederic Chopin - โหมโรงหมายเลข 4 ใน E minor
เฟรเดริก โชแปง - Nocturne No. 20 ใน C - ชาร์ปไมเนอร์
ชูเบิร์ตเปิดทางให้กับแนวดนตรีใหม่ ๆ มากมาย - บทเพลงกะทันหัน ช่วงเวลาทางดนตรี วงจรเพลง ซิมโฟนีเนื้อเพลงและละคร แต่ไม่ว่าชูเบิร์ตจะเขียนแนวไหน - แบบดั้งเดิมหรือสร้างโดยเขา - ทุกที่ที่เขาปรากฏในฐานะนักแต่งเพลงแห่งยุคใหม่ยุคแห่งความโรแมนติก
ลักษณะเด่นหลายประการของสไตล์โรแมนติกใหม่ได้รับการพัฒนาในผลงานของชูมันน์ โชแปง ลิซท์ และคีตกวีชาวรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19
ฟรานซ์ ชูเบิร์ต. ซิมโฟนี ซีเมเจอร์
ฟรานซ์ ลิซท์. "ความฝันแห่งความรัก"
เวเบอร์. คณะนักร้องประสานเสียงนักล่าจากโอเปร่า "Free Shooter"
ฟรานซ์ ชูเบิร์ต. ทันควันหมายเลข 3
ข้อความเรียบเรียงจากเว็บไซต์ต่างๆ รวบรวมโดย:ไนน์เนล นิค
ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 การเคลื่อนไหวทางศิลปะเช่นแนวโรแมนติกปรากฏขึ้น ในยุคนี้ ผู้คนใฝ่ฝันถึงโลกในอุดมคติและ "หนี" ไปสู่โลกแห่งจินตนาการ สไตล์นี้พบว่ามีรูปแบบที่สดใสและเต็มไปด้วยจินตนาการที่สุดในดนตรี ในบรรดาตัวแทนของแนวโรแมนติกนักประพันธ์เพลงชื่อดังแห่งศตวรรษที่ 19 ได้แก่ Karl Weber
โรเบิร์ต ชูมันน์, ฟรานซ์ ชูเบิร์ต, ฟรานซ์ ลิซท์ และริชาร์ด วากเนอร์
ฟรานซ์ ลิซท์
อนาคตเกิดในครอบครัวนักเล่นเชลโล พ่อของเขาสอนดนตรีให้เขาตั้งแต่อายุยังน้อย เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงและเรียนรู้การเล่นออร์แกน เมื่อฟรานซ์อายุ 12 ขวบ ครอบครัวของเขาย้ายไปปารีสเพื่อให้เด็กชายได้เรียนดนตรี อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้รับการยอมรับให้เข้าเรียนในเรือนกระจก เนื่องจากเขาอายุ 14 ปี เขาจึงได้แต่งเพลง etudes ศิลปินในศตวรรษที่ 19 เช่น Berlioz และ Paganini มีอิทธิพลอย่างมากต่อเขา
ปากานินีกลายเป็นไอดอลที่แท้จริงของลิซท์ และเขาตัดสินใจฝึกฝนทักษะการเล่นเปียโนของตัวเอง กิจกรรมคอนเสิร์ตในปี พ.ศ. 2382-2390 มาพร้อมกับชัยชนะอันยอดเยี่ยม ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Ferenc ได้สร้างคอลเลกชันบทละครชื่อดัง "Years of Wanderings" นักเปียโนฝีมือดีและเป็นที่ชื่นชอบของสาธารณชนกลายเป็นตัวแทนที่แท้จริงของยุคนั้น
Franz Liszt แต่งเพลง เขียนหนังสือหลายเล่ม สอน และจัดชั้นเรียนแบบเปิด นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 19 จากทั่วยุโรปมาหาเขา เราสามารถพูดได้ว่าเขาเกี่ยวข้องกับดนตรีมาเกือบทั้งชีวิตนับตั้งแต่เขาสร้างมา 60 ปี จนถึงทุกวันนี้ ความสามารถและทักษะทางดนตรีของเขาเป็นแบบอย่างให้กับนักเปียโนยุคใหม่
ริชาร์ด วากเนอร์
อัจฉริยะสร้างดนตรีที่ไม่สามารถปล่อยให้ใครเฉยได้ เธอมีทั้งแฟนและคู่ต่อสู้ที่ดุร้าย วากเนอร์หลงใหลในโรงละครมาตั้งแต่เด็ก และเมื่ออายุ 15 ปี เขาตัดสินใจสร้างโศกนาฏกรรมด้วยดนตรี เมื่ออายุ 16 ปี เขานำผลงานของเขาไปที่ปารีส
เขาพยายามแสดงโอเปร่าอย่างไร้ประโยชน์เป็นเวลา 3 ปี แต่ไม่มีใครอยากจัดการกับนักดนตรีที่ไม่รู้จัก นักประพันธ์เพลงยอดนิยมในศตวรรษที่ 19 เช่น Franz Liszt และ Berlioz ซึ่งเขาพบในปารีส ไม่ได้นำโชคมาให้เขา เขายากจนและไม่มีใครอยากสนับสนุนแนวคิดทางดนตรีของเขา
หลังจากล้มเหลวในฝรั่งเศส นักแต่งเพลงจึงกลับไปที่เดรสเดนซึ่งเขาเริ่มทำงานเป็นผู้ควบคุมวงในโรงละครในศาล ในปี พ.ศ. 2391 เขาอพยพไปยังสวิตเซอร์แลนด์ โดยถูกประกาศว่าเป็นอาชญากรหลังจากเข้าร่วมในการจลาจล วากเนอร์ตระหนักถึงความไม่สมบูรณ์ของสังคมชนชั้นกลางและตำแหน่งที่ต้องพึ่งพาของศิลปิน
ในปี พ.ศ. 2402 เขาได้เชิดชูความรักในโอเปร่าเรื่อง Tristan และ Isolde ผลงาน "ปาร์ซิฟาล" นำเสนอวิสัยทัศน์ยูโทเปียเกี่ยวกับภราดรภาพสากล ความชั่วร้ายพ่ายแพ้ และความยุติธรรมและสติปัญญาก็มีชัย นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 19 ทุกคนได้รับอิทธิพลจากดนตรีของวากเนอร์และเรียนรู้จากผลงานของเขา
ในศตวรรษที่ 19 โรงเรียนการประพันธ์และการแสดงระดับชาติได้ก่อตั้งขึ้นในรัสเซีย ดนตรีรัสเซียมีสองช่วง: แนวโรแมนติกยุคแรกและคลาสสิก คนแรกรวมถึงนักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19 เช่น A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev
มิคาอิล กลินกา
มิคาอิล กลินกา ก่อตั้งโรงเรียนสอนแต่งเพลงในประเทศของเรา จิตวิญญาณของรัสเซียมีอยู่ในตัวเขาทั้งหมด โอเปร่าที่มีชื่อเสียงเช่น "Ruslan และ Lyudmila", "A Life for the Tsar" นั้นเต็มไปด้วยความรักชาติ กลินกาสรุปลักษณะเฉพาะของดนตรีพื้นบ้านและใช้ทำนองและจังหวะดนตรีพื้นบ้านโบราณ นักแต่งเพลงยังเป็นผู้ริเริ่มละครเพลงอีกด้วย งานของเขาคือการเจริญรุ่งเรืองของวัฒนธรรมของชาติ
นักแต่งเพลงชาวรัสเซียมอบผลงานอันยอดเยี่ยมมากมายให้กับโลกซึ่งยังคงดึงดูดใจผู้คนจนทุกวันนี้ ในบรรดานักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียที่เก่งกาจแห่งศตวรรษที่ 19 ชื่อเช่น M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky นั้นเป็นอมตะ
ดนตรีคลาสสิกสะท้อนโลกภายในของบุคคลได้อย่างเต็มตาและเย้ายวน เหตุผลนิยมที่เข้มงวดถูกแทนที่ด้วยความรักของศตวรรษที่ 19
