ผลงานการละคร. ละครเป็นรูปแบบศิลปะ หมายถึงศิลปะของเขา เงื่อนไขบางประการของโรงละครโบราณ

ไม่มีใครรู้แน่ชัดว่าศิลปะการละครปรากฏขึ้นเมื่อใด มีความเกี่ยวข้องและเป็นตัวบ่งชี้ถึงวัฒนธรรมชั้นสูงเกือบตลอดเวลา มีค่าแค่ไหน ทำไมวันนี้ไม่เสียความนิยม ?

โรงละครมีชื่อเสียงด้านบรรยากาศในเทพนิยายอันเป็นเอกลักษณ์ นี่เป็นศิลปะที่ซับซ้อนเพราะเป็นงานส่วนรวม สำหรับการผลิตละคร จำเป็นต้องมีปฏิสัมพันธ์ที่กลมกลืนกันของรายละเอียดมากมาย นี่คือฉาก การแสดง และตัวบทเอง

ศิลปะการแสดงละครมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวอย่างแท้จริง แม้กระทั่งในยุคสมัยใหม่ของเรา เต็มไปด้วยความบันเทิงที่หลากหลาย อะไรคือความแตกต่างที่สำคัญจากนันทนาการทางวัฒนธรรมประเภทอื่น? โรงละครไม่ได้แยกนักแสดงออกจากผู้ชม นี่คือศิลปะที่มีชีวิตอย่างแน่นอน ผู้ชมและนักแสดงระหว่างการแสดงเกือบเป็นหนึ่งเดียวกัน นี่คือเสน่ห์พิเศษของโรงละคร

ผู้ชมเห็นด้วยตาตนเองว่านักแสดงคุ้นเคยกับบทบาทนี้อย่างไร ผู้คนอาจกล่าวได้ว่ามีโอกาสพิเศษที่จะได้เห็นกระบวนการสร้าง นักแสดงก็เหมือนกับศิลปินที่แท้จริง สร้างภาพลักษณ์ที่จำเป็น และทั้งหมดนี้อยู่ที่นี่และตอนนี้ ต่อหน้าผู้ชมที่ชื่นชม

โรงละครไม่เหมือนกับศิลปะรูปแบบอื่น ๆ ส่วนใหญ่ โรงละครไม่ได้ทำให้บุคคลภายนอกหลุดพ้นจากผู้ชม ในการผลิตใดๆ ไม่เพียงแต่การแสดงของนักแสดงเท่านั้นที่มีความสำคัญ แต่ยังรวมถึงปฏิกิริยาของผู้ชมด้วย การแสดงละครทำให้คนทั่วไปรู้สึกว่าเป็นส่วนหนึ่งของตัวเองเช่นกัน เป็นการยากที่จะจินตนาการถึงการผลิตโดยไม่ชื่นชมเสียงปรบมือหรืออยู่ต่อหน้าความเงียบที่ไม่แยแส

นักคิดในสมัยโบราณบางคนคิดไปไกลกว่านั้นอีกในการคิดเกี่ยวกับการรวมกันของผู้ชมและนักแสดง ก่อนหน้านี้มีความคิดที่ว่าคนที่มาแสดงโดยเห็นการแสดงอารมณ์อันทรงพลังบนเวทีโดยเห็นการแสดงอารมณ์ที่เข้มข้นทั้งหมดบนเวที นั่นคือผู้ดูระบุตัวนักแสดงและรู้สึกถึงการปลดปล่อยความรู้สึกอดกลั้นทั้งหมดของพวกเขา สมัยที่เชื่อว่าศิลปะการละครไม่เพียงแต่ให้ความสวยงามเท่านั้น แต่ยังเป็นยาสำหรับจิตวิญญาณอีกด้วย และแม้กระทั่งตอนนี้ คุณสามารถหาความจริงได้มากมายในทฤษฎีนี้

ถ้าเราพูดถึงโรงละคร เกือบทุกคนจะจินตนาการถึงการผลิตตามปกติ อย่างไรก็ตาม ศิลปะนี้มีหลากหลายประเภท ก่อนอื่นนี่คือโอเปร่า มันคืออะไร? โอเปร่าเป็นการแสดงที่แปลกและไม่เหมือนใคร ซึ่งนักแสดงจะแสดงอารมณ์ผ่านการร้องเพลงมากกว่าคำพูด นอกจากนี้ แนวดนตรีนี้ไม่สามารถดำรงอยู่ได้หากปราศจากดนตรีที่แยบยล โอเปร่าซึ่งแตกต่างจากการแสดงละครทั่วไปคือบทกวีมากกว่า มันไม่ได้ส่งผลกระทบต่อระดับเหตุผลและตรรกะของจิตสำนึกของมนุษย์ แต่โดยตรงกับอารมณ์และสัญชาตญาณ ศิลปะการละครประเภทนี้ไม่ควรรับรู้ด้วยการคิด แต่ด้วยความรู้สึก บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมทุกคนถึงไม่ชอบประเภทโอเปร่า มีทั้งฝ่ายตรงข้ามและแฟนเพลงชื่นชม

มีศิลปะการละครประเภทใดบ้าง? แน่นอนว่าบัลเล่ต์ไม่สามารถละเลยได้ที่นี่ มีเอกลักษณ์เป็นทวีคูณ ในที่นี้ ทุกความรู้สึกไม่ได้แสดงออกผ่านดนตรีเท่านั้นแต่ยังแสดงออกผ่านการเต้นรำด้วย นี่คือความมหัศจรรย์และความดึงดูดใจของบัลเล่ต์ที่ไม่เหมือนใคร ผลงานที่ยอดเยี่ยมสามารถแสดงออกได้ผ่านการเต้น อย่างไรก็ตาม เมื่อเข้าร่วมบัลเล่ต์ ผู้ชมจะต้องมีสมาธิและมีส่วนร่วมอย่างมาก ผู้ชมจะต้องเปิดกว้างอย่างมากเพื่อให้สามารถ "อ่าน" ข้อความที่อยู่ในแต่ละการเคลื่อนไหวได้

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าศิลปะของโรงละครจะเพลิดเพลินไปกับความรักอันยิ่งใหญ่ของผู้คนแม้ไม่นาน นี่เป็นวันหยุดทางวัฒนธรรมอย่างแท้จริงในการแสดงออกสูงสุด ซึ่งไม่เพียงแต่เติมผู้ชมด้วยอารมณ์ใหม่ แต่ยังให้บริการเพื่อการศึกษา ความบันเทิง และแม้กระทั่งเพื่อการศึกษา

คำถามที่ 1

ละครเป็นรูปแบบศิลปะ ความจำเพาะของความคิดสร้างสรรค์ในการแสดงละคร

ละครเป็นรูปแบบศิลปะ

ศิลปะการละครไม่เหมือนศิลปะอื่น ๆ เป็นศิลปะที่มีชีวิต มันเกิดขึ้นเฉพาะในเวลาที่พบกับผู้ชม มันขึ้นอยู่กับการติดต่อทางอารมณ์และจิตวิญญาณที่ขาดไม่ได้ระหว่างเวทีกับผู้ชม ไม่มีการสัมผัสดังกล่าวซึ่งหมายความว่าไม่มีปรากฏการณ์ที่อาศัยอยู่ตามกฎความงามของตัวเอง

โรงละครเป็นงานศิลปะแบบทวีคูณ ผู้ชมรับรู้การผลิตละครเวทีไม่ใช่คนเดียว แต่โดยรวมแล้ว "รู้สึกถึงข้อศอกของเพื่อนบ้าน" ซึ่งในระดับสูงช่วยเพิ่มความประทับใจการแพร่กระจายทางศิลปะของสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที ในขณะเดียวกัน ความประทับใจไม่ได้มาจากนักแสดงคนเดียว แต่มาจากกลุ่มนักแสดง ทั้งบนเวทีและในหอประชุม สองข้างทางของทางลาด พวกเขาอยู่ รู้สึก และกระทำ - ไม่แยกตัวบุคคล แต่เป็นผู้คน สังคมของผู้คน เกี่ยวพันกันชั่วขณะหนึ่งโดยความสนใจร่วมกัน จุดประสงค์ การกระทำร่วมกัน .

โดยมากแล้ว นี่คือสิ่งที่กำหนดบทบาททางสังคมและการศึกษาอันยิ่งใหญ่ของโรงละครได้อย่างแม่นยำ ศิลปะซึ่งสร้างขึ้นและรับรู้ร่วมกันกลายเป็นโรงเรียนในความหมายที่แท้จริงของคำ “โรงละคร” การ์เซีย ลอร์กา กวีชาวสเปนผู้โด่งดังเขียน “เป็นโรงเรียนแห่งน้ำตาและเสียงหัวเราะ ซึ่งเป็นเวทีเสรีที่ผู้คนสามารถประณามศีลธรรมที่ล้าสมัยหรือผิดๆ และอธิบายโดยใช้ตัวอย่างที่มีชีวิต กฎนิรันดร์ของหัวใจมนุษย์และมนุษย์ ความรู้สึก."

คนคนหนึ่งหันไปที่โรงละครเพื่อสะท้อนความรู้สึกผิดชอบชั่วดีของเขาวิญญาณของเขา - เขารู้จักตัวเองในโรงละครเวลาและชีวิตของเขา โรงละครเปิดต่อหน้าเขา โอกาสอันน่าทึ่งสำหรับความรู้ด้วยตนเองทางจิตวิญญาณและศีลธรรม

^ ความจำเพาะของความคิดสร้างสรรค์ในการแสดงละคร

ศิลปะแต่ละชิ้นที่มีอิทธิพลพิเศษสามารถและต้องมีส่วนร่วมในระบบการศึกษาด้านสุนทรียศาสตร์ทั่วไป

โรงละครไม่เหมือนศิลปะรูปแบบอื่นใด มี "ความสามารถ" ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เขาซึมซับความสามารถของวรรณคดีเพื่อสร้างชีวิตขึ้นใหม่ด้วยคำในลักษณะที่ปรากฏภายนอกและภายในของมัน แต่คำนี้ไม่ใช่การเล่าเรื่อง แต่ให้เสียงที่มีชีวิตชีวา มีผลโดยตรง ในเวลาเดียวกัน ไม่เหมือนวรรณกรรม โรงละครสร้างความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ ไม่ใช่ในใจของผู้อ่าน แต่เป็นภาพแห่งชีวิต (การแสดง) ที่มีอยู่อย่างเป็นกลางซึ่งอยู่ในอวกาศ และในแง่นี้โรงละครก็ใกล้กับภาพวาด แต่การแสดงละครมีการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่อง พัฒนาได้ทันเวลา และใกล้เคียงกับดนตรี การดำดิ่งสู่โลกแห่งประสบการณ์ของผู้ชมนั้นคล้ายกับสภาวะที่ผู้ฟังได้รับประสบการณ์ทางดนตรี หมกมุ่นอยู่กับโลกส่วนตัวของการรับรู้ถึงเสียงแบบอัตนัย

แน่นอนว่าโรงละครไม่สามารถทดแทนศิลปะรูปแบบอื่นได้ ลักษณะเฉพาะของโรงละครคือมี "คุณสมบัติ" ของวรรณคดี ภาพวาด และดนตรี ผ่านภาพลักษณ์ของนักแสดงที่มีชีวิต วัสดุของมนุษย์โดยตรงสำหรับงานศิลปะรูปแบบอื่นเป็นเพียงจุดเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์ สำหรับโรงละคร "ธรรมชาติ" ไม่เพียงทำหน้าที่เป็นวัตถุเท่านั้น แต่ยังได้รับการเก็บรักษาไว้ด้วยความมีชีวิตชีวาทันที ดังที่นักปรัชญา G. G. Shpet ตั้งข้อสังเกตว่า “นักแสดงสร้างจากตัวเขาเองในความหมายสองประการ: 1) เช่นเดียวกับศิลปินคนอื่นๆ จากจินตนาการเชิงสร้างสรรค์ของเขา และ 2) โดยเฉพาะอย่างยิ่งการมีเนื้อหาที่ใช้สร้างภาพศิลปะในตัวของมันเอง

ศิลปะของโรงละครมีความสามารถที่น่าทึ่งในการผสานเข้ากับชีวิต การแสดงบนเวทีแม้ว่าจะจัดขึ้นที่อีกฟากหนึ่งของทางลาด แต่ในช่วงเวลาที่มีความตึงเครียดสูงจะทำให้เส้นแบ่งระหว่างศิลปะกับชีวิตไม่ชัดเจน และผู้ชมจะรับรู้ได้ว่าเป็นเรื่องจริง พลังที่น่าดึงดูดใจของโรงละครอยู่ที่ความจริงที่ว่า "ชีวิตบนเวที" ยืนยันตัวเองอย่างอิสระในจินตนาการของผู้ชม

การเปลี่ยนแปลงทางจิตวิทยาดังกล่าวเกิดขึ้นเนื่องจากโรงละครไม่เพียงแต่มีคุณสมบัติของความเป็นจริงเท่านั้น แต่ในตัวเองคือความเป็นจริงที่สร้างขึ้นด้วยศิลปะ ความเป็นจริงทางละครที่สร้างความประทับใจให้กับความเป็นจริงมีกฎหมายพิเศษของตัวเอง ความจริงของโรงละครไม่สามารถวัดได้ด้วยเกณฑ์ความสมเหตุสมผลของชีวิต ภาระทางจิตวิทยาที่ฮีโร่ของละครรับกับตัวเองไม่สามารถทนต่อบุคคลในชีวิตได้เพราะในโรงละครมีการอัดแน่นของเหตุการณ์ทั้งหมด พระเอกของละครเรื่องนี้มักจะประสบกับชีวิตภายในของเขาด้วยความกระตือรือร้นและความคิดที่เข้มข้น และทั้งหมดนี้ถูกยึดครองโดยผู้ชม “ เหลือเชื่อ” ตามบรรทัดฐานของความเป็นจริงเชิงวัตถุไม่ใช่สัญญาณของศิลปะที่ไม่น่าเชื่อถือเลย ในโรงละคร "ความจริง" และ "ความเท็จ" มีเกณฑ์ที่แตกต่างกันและถูกกำหนดโดยกฎแห่งการคิดเชิงเปรียบเทียบ “ศิลปะมีประสบการณ์ในฐานะความเป็นจริงโดยความสมบูรณ์ของ "กลไก" ทางจิตของเรา แต่ในขณะเดียวกันก็ประเมินคุณภาพเฉพาะว่าเป็นเกมที่มนุษย์สร้างขึ้น "ไม่ใช่ของจริง" ตามที่เด็ก ๆ พูด ภาพลวงตาเป็นสองเท่าของความเป็นจริง ”

ผู้เข้าชมโรงละครจะกลายเป็นผู้ชมละครเมื่อเขารับรู้ถึงแง่มุมสองประการของการแสดงบนเวที ไม่เพียงแต่เห็นการกระทำที่เป็นรูปธรรมที่สำคัญต่อหน้าเขาเท่านั้น แต่ยังเข้าใจความหมายภายในของการกระทำนี้ด้วย สิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีรู้สึกทั้งเป็นทั้งความจริงของชีวิตและเป็นนันทนาการโดยนัย. ในเวลาเดียวกัน สิ่งสำคัญคือต้องสังเกตว่าผู้ชมเริ่มมีชีวิตอยู่ในโลกของโรงละครโดยไม่สูญเสียความรู้สึกที่แท้จริง ความสัมพันธ์ระหว่างความเป็นจริงและละครค่อนข้างซับซ้อน มีสามขั้นตอนในกระบวนการนี้:

1. ความเป็นจริงของความเป็นจริงที่แสดงให้เห็นอย่างเป็นกลางซึ่งเปลี่ยนโดยจินตนาการของนักเขียนบทละครให้เป็นงานละคร

2. งานละครที่รวบรวมโดยโรงละคร (ผู้กำกับ, นักแสดง) ในชีวิตบนเวที - การแสดง

3. การแสดงบนเวทีที่ผู้ชมรับรู้และกลายเป็นส่วนหนึ่งของประสบการณ์ของพวกเขา ผสานเข้ากับชีวิตของผู้ชมและกลับสู่ความเป็นจริงอีกครั้ง

แต่ "การกลับมา" นั้นไม่เหมือนกับแหล่งที่มาดั้งเดิม ตอนนี้มันได้รับการเสริมแต่งทางจิตวิญญาณและสุนทรียภาพ “งานศิลปะสร้างมาเพื่ออยู่อาศัย - อยู่ได้แทบตามตัวอักษร

คำนี้ก็คือ เข้ามาเหมือนเหตุการณ์ในชีวิตจริง

ในประสบการณ์ทางจิตวิญญาณของแต่ละคนและมวลมนุษยชาติ

การผสมผสานระหว่างจินตนาการที่กระฉับกระเฉงสองประเภท - ของนักแสดงและของผู้ชม - ก่อให้เกิดสิ่งที่เรียกว่า "ความมหัศจรรย์ของโรงละคร" ข้อดีของศิลปะการแสดงละครอยู่ที่ความจริงที่ว่ามันรวบรวมจินตภาพให้กลายเป็นการแสดงสดบนเวทีด้วยความชัดเจนและเป็นรูปธรรม ในศิลปะอื่น ๆ โลกจินตภาพอาจปรากฏในจินตนาการของมนุษย์ เช่น ในวรรณกรรมและดนตรี หรือวาดภาพด้วยหินหรือบนผ้าใบ เช่น ในประติมากรรมหรือภาพวาด ในโรงละคร ผู้ชมเห็นจินตภาพ "ทุกการแสดงมีองค์ประกอบทางกายภาพและวัตถุประสงค์ที่มีให้สำหรับผู้ดูทุกคน"

ศิลปะการแสดงบนเวทีโดยธรรมชาติไม่ถือว่าไม่นิ่งเฉย แต่เป็นความกระตือรือร้นอย่างแข็งขันสำหรับผู้ชม เพราะในงานศิลปะอื่น ๆ ไม่มีการพึ่งพากระบวนการสร้างสรรค์ในการรับรู้เช่นเดียวกับในโรงละคร ที่ G.D. Gachev ผู้ชม "เหมือนท้องฟ้าเหมือน Argus พันตา<...>จุดประกายการกระทำบนเวที<...>สำหรับโลกของเวทีนั้นปรากฏขึ้น แต่ในขอบเขตเดียวกันคืองานของผู้ชม

กฎพื้นฐานของโรงละคร - การสมรู้ร่วมคิดภายในของผู้ชมในเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวที - เกี่ยวข้องกับความตื่นเต้นของจินตนาการ ความเป็นอิสระ ความคิดสร้างสรรค์ภายในของผู้ชมแต่ละคน ความหลงใหลในการกระทำนี้ทำให้ผู้ชมแตกต่างจากผู้สังเกตการณ์ที่ไม่แยแส ซึ่งพบได้ในห้องโถงของโรงละครด้วย ผู้ชมไม่เหมือนนักแสดงซึ่งเป็นศิลปินที่กระตือรือร้นเป็นศิลปินที่ครุ่นคิด

จินตนาการที่กระฉับกระเฉงของผู้ชมไม่ใช่สมบัติทางจิตวิญญาณพิเศษของคนรักศิลปะที่เลือกเลย แน่นอนว่ารสนิยมทางศิลปะที่พัฒนาแล้วนั้นมีความสำคัญอย่างยิ่ง แต่นี่เป็นเรื่องของการพัฒนาหลักการทางอารมณ์ที่มีอยู่ในตัวทุกคน “รสนิยมทางศิลปะเปิดทางให้ผู้อ่าน ผู้ฟัง ผู้ดูจากรูปแบบภายนอกสู่ภายใน และจากรูปแบบสู่เนื้อหาของงาน เพื่อให้เส้นทางนี้ผ่านไปได้สำเร็จ การมีส่วนร่วมของจินตนาการและความทรงจำ พลังทางอารมณ์และทางปัญญาของจิตใจ เจตจำนงและความสนใจ และสุดท้ายคือ ศรัทธาและความรัก นั่นคือ ความซับซ้อนทางจิตใจที่สมบูรณ์แบบเดียวกันของพลังทางจิตวิญญาณที่ดำเนินการ การกระทำที่สร้างสรรค์เป็นสิ่งจำเป็น

จิตสำนึกของความเป็นจริงทางศิลปะในกระบวนการรับรู้นั้นยิ่งลึกซึ้ง ยิ่งผู้ดูหมกมุ่นอยู่กับขอบเขตของประสบการณ์มากเท่าใด ศิลปะหลายชั้นก็จะยิ่งเข้าสู่จิตวิญญาณมนุษย์มากขึ้นเท่านั้น อยู่ที่จุดเชื่อมต่อของสองทรงกลม - ประสบการณ์ที่ไม่ได้สติและการรับรู้อย่างมีสติของศิลปะที่มีจินตนาการอยู่ มันมีอยู่ในจิตใจมนุษย์ในขั้นต้น โดยธรรมชาติ ทุกคนเข้าถึงได้ และสามารถพัฒนาอย่างมีนัยสำคัญในระหว่างการสั่งสมประสบการณ์ด้านสุนทรียะ

การรับรู้เกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์คือความคิดสร้างสรรค์ของผู้ดู และสามารถบรรลุถึงความเข้มข้นสูง ยิ่งธรรมชาติของผู้ชมมีความสมบูรณ์มากเท่าใด สุนทรียภาพด้านสุนทรียศาสตร์ของเขาก็ยิ่งพัฒนามากขึ้นเท่านั้น ประสบการณ์ทางศิลปะของเขาจะสมบูรณ์ยิ่งขึ้น จินตนาการของเขาก็จะยิ่งกระฉับกระเฉงมากขึ้นเท่านั้น

สุนทรียศาสตร์แห่งการรับรู้มุ่งสู่ผู้ชมในอุดมคติเป็นส่วนใหญ่ ในความเป็นจริง กระบวนการให้ความรู้แก่วัฒนธรรมการละครอย่างมีสติอาจทำให้ผู้ชมได้รับความรู้เกี่ยวกับศิลปะและฝึกฝนทักษะการรับรู้บางอย่าง ผู้ชมที่มีการศึกษาอาจ:

รู้จักโรงละครด้วยกฎหมายของตัวเอง

รู้จักโรงละครในกระบวนการที่ทันสมัย

รู้จักโรงละครในด้านการพัฒนาทางประวัติศาสตร์

ในเวลาเดียวกัน เราควรตระหนักว่าความรู้ที่พับเก็บในหัวของผู้ชมด้วยกลไกไม่ได้รับประกันการรับรู้ที่เต็มเปี่ยม กระบวนการสร้างวัฒนธรรมผู้ชมในระดับหนึ่งมีคุณสมบัติของ "กล่องดำ" ซึ่งช่วงเวลาเชิงปริมาณไม่ได้รวมกันเป็นเส้นตรงในปรากฏการณ์เชิงคุณภาพบางอย่างเสมอไป

โรงละครเป็นศิลปะที่น่าทึ่ง หากเพียงเพราะในช่วงศตวรรษที่ผ่านมาเขาถูกทำนายไว้หลายครั้งว่าใกล้จะถึงแก่กรรม เขาถูกคุกคามโดย Great Silent ซึ่งพบคำพูด - ดูเหมือนว่าโรงภาพยนตร์เสียงจะพาผู้ชมทั้งหมดออกจากโรงละคร จากนั้นภัยคุกคามก็มาจากโทรทัศน์ เมื่อภาพมาถึงบ้านโดยตรง ภายหลังการแพร่กระจายของวิดีโอและอินเทอร์เน็ตอย่างทรงพลังก็เริ่มหวาดกลัว

อย่างไรก็ตาม หากเรามุ่งเน้นไปที่แนวโน้มทั่วไปในการดำรงอยู่ของศิลปะการละครในโลก ก็ไม่น่าแปลกใจที่ข้อเท็จจริงที่ว่าในตอนต้นของศตวรรษที่ 21 โรงละครไม่เพียงแต่คงไว้ซึ่งตัวมันเองเท่านั้น แต่ยังเริ่มเน้นอย่างชัดเจนถึงสิ่งที่ไม่ใช่ ลักษณะของมวลชนและในแง่หนึ่ง "ความเหนือกว่า" ของงานศิลปะของมัน แต่ในแง่เดียวกัน เราสามารถพูดถึงชนชั้นสูงของวิจิตรศิลป์หรือดนตรีคลาสสิกได้ หากเราเปรียบเทียบผู้ชมหลายล้านคนที่นักแสดงยอดนิยมมารวมตัวกันที่เรือนกระจกจำนวนจำกัด

ในโรงละครสังเคราะห์แห่งยุคปัจจุบัน ความสัมพันธ์แบบดั้งเดิมของหลักการที่โดดเด่น - ความจริงและนิยาย - ปรากฏในรูปแบบของความสามัคคีที่ไม่ละลายน้ำ การสังเคราะห์นี้เกิดขึ้นทั้งในรูปแบบของประสบการณ์ (การรับรู้ถึงความจริงของชีวิต) และในฐานะที่เป็นความสุขทางสุนทรียะ (การรับรู้ของกวีนิพนธ์ละคร) จากนั้นผู้ชมจะไม่เพียง แต่เป็นผู้มีส่วนร่วมทางจิตวิทยาในการกระทำนั่นคือบุคคลที่ "ดูดซับ" ชะตากรรมของฮีโร่และเสริมสร้างตัวเองทางวิญญาณ แต่ยังเป็นผู้สร้างที่ดำเนินการสร้างสรรค์ในจินตนาการของเขาพร้อมกับสิ่งที่เกิดขึ้น บนเวที. ช่วงเวลาสุดท้ายนี้มีความสำคัญอย่างยิ่ง และในการศึกษาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของผู้ชมนั้น ถือเป็นจุดศูนย์กลาง

แน่นอนว่าผู้ชมแต่ละคนสามารถมีความคิดของตนเองเกี่ยวกับการแสดงในอุดมคติได้ แต่ในทุกกรณีมันขึ้นอยู่กับ "โปรแกรม" ของข้อกำหนดสำหรับงานศิลปะ “ความรู้” ประเภทนี้เป็นการสันนิษฐานถึงวุฒิภาวะของวัฒนธรรมผู้ฟัง

วัฒนธรรมของผู้ชมส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับธรรมชาติของศิลปะที่เสนอให้กับผู้ชม ยิ่งงานที่กำหนดไว้ต่อหน้าเขายากขึ้น - สุนทรียะ, จริยธรรม, ปรัชญา, ความคิดที่ตึงเครียดมากขึ้น, ประสบการณ์ที่คมชัดยิ่งขึ้น, การแสดงออกของรสนิยมของผู้ชมก็จะยิ่งละเอียดขึ้น สำหรับสิ่งที่เราเรียกว่าวัฒนธรรมของผู้อ่าน ผู้ฟัง ผู้ดู เกี่ยวข้องโดยตรงกับการพัฒนาบุคลิกภาพของบุคคล ขึ้นอยู่กับการเติบโตฝ่ายวิญญาณของเขา และส่งผลต่อการเติบโตทางจิตวิญญาณของเขาต่อไป

ความสำคัญของงานที่โรงละครแสดงต่อผู้ชมในแง่จิตวิทยาคือความจริงที่ว่าภาพทางศิลปะที่ได้รับจากความซับซ้อนและความไม่สอดคล้องกันทั้งหมดนั้นถูกมองว่าเป็นตัวละครที่แท้จริงและมีอยู่จริงในตอนแรกจากนั้น เมื่อพวกเขาคุ้นเคยกับภาพและไตร่ตรอง การกระทำ เปิดเผย (ราวกับว่าเป็นอิสระ) แก่นแท้ภายในของมัน ความหมายทั่วไปของมัน

ในแง่ของสุนทรียศาสตร์ ความซับซ้อนของงานอยู่ในความจริงที่ว่าผู้ชมรับรู้ภาพบนเวทีไม่เพียงแต่ตามเกณฑ์ของความจริง แต่ยังรู้วิธี (เรียนรู้) ในการถอดรหัสความหมายเชิงเปรียบเทียบเชิงกวี

ดังนั้นความเฉพาะเจาะจงของศิลปะการละครคือบุคคลที่มีชีวิต ในฐานะวีรบุรุษที่ประสบโดยตรงและในฐานะศิลปินและศิลปินที่สร้างโดยตรง และกฎที่สำคัญที่สุดของโรงละครคือผลกระทบโดยตรงต่อผู้ชม

"เอฟเฟกต์โรงละคร" ความชัดเจนของมันไม่ได้ถูกกำหนดโดยศักดิ์ศรีของงานศิลปะเท่านั้น แต่ยังกำหนดโดยศักดิ์ศรีวัฒนธรรมความงามของหอประชุมด้วย ผู้ชมที่เป็นผู้ร่วมสร้างการแสดงส่วนใหญ่มักจะเขียนและพูดถึงโดยผู้ประกอบละครเอง (ผู้กำกับและนักแสดง): “ไม่มีการแสดงละครหากไม่มีการมีส่วนร่วมของสาธารณชนและละครมีโอกาสประสบความสำเร็จเท่านั้น หากผู้ชมเอง "แพ้" เกมนั่นคือ ... ยอมรับกฎและเล่นบทบาทของบุคคลที่เห็นอกเห็นใจหรือถอนตัว

อย่างไรก็ตาม การตื่นตัวของศิลปินในผู้ชมจะเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อผู้ชมสามารถรับรู้ถึงเนื้อหาที่มีอยู่ในการแสดงได้อย่างเต็มที่ หากเขาสามารถขยายขอบเขตความงามของเขาและเรียนรู้ที่จะเห็นสิ่งใหม่ๆ ในงานศิลปะ หากยังคงเป็นความจริง สไตล์ศิลปะที่เขาชื่นชอบ เขาไม่ได้กลายเป็นคนหูหนวกและทิศทางที่สร้างสรรค์อื่น ๆ หากเขาสามารถเห็นการอ่านงานคลาสสิกใหม่และสามารถแยกความคิดของผู้กำกับออกจากการดำเนินการโดยนักแสดง ... มี มีอีกหลายอย่างเช่น "ถ้า" ดังนั้นเพื่อให้ผู้ชมมีส่วนร่วมในความคิดสร้างสรรค์เพื่อให้ศิลปินตื่นขึ้นมาในตัวเขาในขั้นตอนปัจจุบันของการพัฒนาโรงละครของเราจำเป็นต้องมีการเพิ่มขึ้นในวัฒนธรรมศิลปะของผู้ชมโดยทั่วไป

ส่งงานที่ดีของคุณในฐานความรู้เป็นเรื่องง่าย ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง

นักศึกษา นักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงานจะขอบคุณอย่างยิ่ง

โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru/

โรงภาพยนตร์อย่างไรดูศิลปะ,และของเขาชนพื้นเมืองความแตกต่างจากคนอื่นสายพันธุ์ศิลปะ

ห้องศิลปะโรงละคร

เช่นเดียวกับรูปแบบศิลปะอื่นๆ (ดนตรี ภาพวาด วรรณกรรม) โรงละครมีลักษณะพิเศษเฉพาะของตัวเอง ศิลปะนี้เป็นศิลปะสังเคราะห์: งานละคร (การแสดง) ประกอบด้วยเนื้อหาบทละคร ผลงานของผู้กำกับ นักแสดง ศิลปิน และนักแต่งเพลง ดนตรีมีบทบาทสำคัญในโอเปร่าและบัลเล่ต์

โรงละครเป็นงานศิลปะส่วนรวม การแสดงเป็นผลจากกิจกรรมของผู้คนมากมาย ไม่เพียงแต่ผู้ที่ปรากฏตัวบนเวทีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ที่เย็บเครื่องแต่งกาย ทำอุปกรณ์ประกอบฉาก จุดไฟ พบปะผู้ชมด้วย ไม่น่าแปลกใจที่มีคำจำกัดความของ "คนงานในโรงแสดงละคร": การแสดงเป็นทั้งความคิดสร้างสรรค์และการผลิต

โรงละครเสนอวิธีการทำความเข้าใจโลกรอบตัวและด้วยวิธีการทางศิลปะของตัวเอง การแสดงเป็นทั้งการกระทำพิเศษที่เกิดขึ้นในพื้นที่ของเวทีและการคิดเชิงเปรียบเทียบพิเศษซึ่งแตกต่างจากการพูดดนตรี

2. งานละครที่รวบรวมโดยโรงละคร (ผู้กำกับ, นักแสดง) เข้าสู่ชีวิตบนเวที - การแสดง

จินตนาการที่กระฉับกระเฉงของผู้ชมไม่ใช่สมบัติทางจิตวิญญาณพิเศษของผู้รักศิลปะที่เลือกเลย แน่นอนว่ารสนิยมทางศิลปะที่พัฒนาแล้วนั้นมีความสำคัญอย่างยิ่ง แต่นี่เป็นเรื่องของการพัฒนาหลักการทางอารมณ์ที่มีอยู่ในตัวทุกคน

วัฒนธรรมของผู้ชมส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับธรรมชาติของศิลปะที่เสนอให้กับผู้ชม ยิ่งงานที่กำหนดไว้ต่อหน้าเขายากขึ้น - สุนทรียะ, จริยธรรม, ปรัชญา, ยิ่งความคิดเข้มข้นขึ้น, ประสบการณ์ที่คมชัดยิ่งขึ้น, การแสดงออกของรสนิยมของผู้ชมก็จะยิ่งละเอียดขึ้น สำหรับสิ่งที่เราเรียกว่าวัฒนธรรมของผู้อ่าน ผู้ฟัง ผู้ดู เกี่ยวข้องโดยตรงกับการพัฒนาบุคลิกภาพของบุคคล ขึ้นอยู่กับการเติบโตฝ่ายวิญญาณของเขา และส่งผลต่อการเติบโตทางจิตวิญญาณของเขาต่อไป

"เอฟเฟกต์โรงละคร" ความชัดเจนของมันไม่ได้ถูกกำหนดโดยศักดิ์ศรีของงานศิลปะเท่านั้น แต่ยังกำหนดโดยศักดิ์ศรีวัฒนธรรมความงามของหอประชุมด้วย อย่างไรก็ตาม การตื่นตัวของศิลปินในผู้ชมจะเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อผู้ชมสามารถรับรู้ถึงเนื้อหาที่มีอยู่ในการแสดงได้อย่างเต็มที่ หากเขาสามารถขยายขอบเขตความงามของเขาและเรียนรู้ที่จะเห็นสิ่งใหม่ๆ ในงานศิลปะ หากยังคงเป็นความจริง สไตล์ศิลปะที่เขาชื่นชอบ เขาไม่ได้กลายเป็นคนหูหนวกและทิศทางที่สร้างสรรค์อื่น ๆ หากเขาสามารถเห็นการอ่านงานคลาสสิกใหม่และสามารถแยกความคิดของผู้กำกับออกจากการดำเนินการโดยนักแสดง ... มี มีอีกหลายอย่างเช่น "ถ้า" ดังนั้นเพื่อให้ผู้ชมมีส่วนร่วมในความคิดสร้างสรรค์เพื่อให้ศิลปินตื่นขึ้นมาในตัวเขาในขั้นตอนปัจจุบันของการพัฒนาโรงละครของเราจำเป็นต้องมีการเพิ่มขึ้นในวัฒนธรรมศิลปะของผู้ชมโดยทั่วไป

การแสดงละครจะขึ้นอยู่กับข้อความ เช่น บทละครสำหรับการแสดงละคร แม้แต่ในขั้นตอนการผลิตที่ไม่มีคำดังกล่าว ข้อความก็ยังจำเป็น โดยเฉพาะบัลเลต์และบางครั้งละครใบ้ก็มีบท - บท กระบวนการทำงานเกี่ยวกับการแสดงประกอบด้วยการถ่ายโอนข้อความที่น่าทึ่งไปยังเวที - นี่คือ "การแปล" จากภาษาหนึ่งไปยังอีกภาษาหนึ่ง เป็นผลให้คำวรรณกรรมกลายเป็นคำบนเวที

สิ่งแรกที่ผู้ชมเห็นหลังจากเปิดม่าน (หรือเปิดขึ้น) คือพื้นที่เวทีที่มีการจัดวางฉาก บ่งบอกถึงสถานที่ดำเนินการ เวลาประวัติศาสตร์ สะท้อนถึงรสชาติของชาติ ด้วยความช่วยเหลือของโครงสร้างเชิงพื้นที่ แม้แต่อารมณ์ของตัวละครก็สามารถถ่ายทอดได้ (เช่น ในตอนแห่งความทุกข์ทรมานของฮีโร่ ดื่มด่ำกับฉากในความมืดหรือกระชับฉากหลังด้วยสีดำ) ในระหว่างการดำเนินการ ด้วยเทคนิคพิเศษ ทิวทัศน์จะเปลี่ยนไป: กลางวันกลายเป็นกลางคืน ฤดูหนาวเป็นฤดูร้อน ถนนเข้าไปในห้อง เทคนิคนี้มีวิวัฒนาการไปพร้อมกับความคิดทางวิทยาศาสตร์ของมนุษยชาติ กลไกการยก โล่ และฟัก ซึ่งในสมัยโบราณดำเนินการด้วยตนเอง ได้รับการยกขึ้นและลดระดับด้วยระบบอิเล็กทรอนิกส์ เทียนและตะเกียงแก๊สถูกแทนที่ด้วยตะเกียงไฟฟ้า มักใช้เลเซอร์

แม้แต่ในสมัยโบราณ มีการสร้างเวทีและหอประชุมสองประเภท: เวทีบ็อกซ์และเวทีอัฒจันทร์ เวทีกล่องมีไว้สำหรับชั้นและแผงลอย และผู้ชมจะล้อมรอบเวทีอัฒจันทร์จากสามด้าน ปัจจุบันมีการใช้ทั้งสองประเภทในโลก เทคโนโลยีสมัยใหม่ทำให้สามารถเปลี่ยนพื้นที่การแสดงละครได้ - เพื่อจัดเวทีกลางหอประชุม ให้ผู้ชมนั่งบนเวที และเล่นการแสดงในห้องโถง อาคารโรงละครมีความสำคัญอย่างยิ่ง โรงละครมักจะสร้างขึ้นในจตุรัสกลางของเมือง สถาปนิกต้องการให้อาคารมีความสวยงามเพื่อดึงดูดความสนใจ เมื่อมาที่โรงละครผู้ชมละทิ้งชีวิตประจำวันราวกับอยู่เหนือความเป็นจริง ดังนั้นจึงไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บันไดที่ประดับด้วยกระจกมักจะนำไปสู่ห้องโถง

ดนตรีช่วยเพิ่มผลกระทบทางอารมณ์ของการแสดงละคร บางครั้งก็ฟังดูไม่เฉพาะระหว่างการดำเนินการ แต่ยังรวมถึงในช่วงพักครึ่ง - เพื่อรักษาผลประโยชน์ของสาธารณชน บุคคลหลักในละครคือนักแสดง ผู้ชมเห็นคนตรงหน้าเขากลายเป็นภาพศิลปะอย่างลึกลับ - งานศิลปะชนิดหนึ่ง แน่นอนว่างานศิลปะไม่ใช่ตัวนักแสดง แต่เป็นหน้าที่ของเขา เธอคือผู้สร้างนักแสดง ซึ่งสร้างขึ้นด้วยเสียง เส้นประสาท และบางสิ่งที่มองไม่เห็น - วิญญาณ จิตวิญญาณ เพื่อให้การกระทำบนเวทีเป็นที่รับรู้โดยรวม จำเป็นต้องจัดระเบียบอย่างรอบคอบและสม่ำเสมอ หน้าที่เหล่านี้ในโรงละครสมัยใหม่ดำเนินการโดยผู้กำกับ แน่นอนว่ามากขึ้นอยู่กับพรสวรรค์ของนักแสดงในการแสดง แต่ถึงกระนั้นพวกเขาก็อยู่ภายใต้เจตจำนงของผู้นำ - ผู้กำกับ ผู้คนมาที่โรงละครเหมือนเมื่อหลายศตวรรษก่อน จากเวที เสียงเพลงจะได้ยิน เปลี่ยนแปลงโดยพลังและความรู้สึกของนักแสดง ศิลปินดำเนินการเสวนาของตนเอง - และไม่ใช่แค่วาจาเท่านั้น นี่คือการสนทนาของท่าทาง ท่าทาง รูปลักษณ์ และการแสดงออกทางสีหน้า จินตนาการของมัณฑนากรด้วยความช่วยเหลือของโครงสร้างสีแสงโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมบนไซต์ทำให้พื้นที่ของเวที "พูด" และทุกอย่างรวมกันอยู่ในกรอบที่เข้มงวดของความตั้งใจของผู้กำกับ ซึ่งทำให้องค์ประกอบที่แตกต่างกันมีความสมบูรณ์และสมบูรณ์

ผู้ชมอย่างมีสติ (และบางครั้งโดยไม่รู้ตัวราวกับว่าขัดกับความประสงค์ของเขา) ประเมินการแสดงและการกำกับการปฏิบัติตามแนวทางการแก้ปัญหาพื้นที่การแสดงละครด้วยแผนทั่วไป แต่สิ่งสำคัญคือเขาผู้ชมเข้าร่วมงานศิลปะซึ่งแตกต่างจากคนอื่น ๆ ที่สร้างขึ้นที่นี่และตอนนี้ เข้าใจความหมายของการแสดง เข้าใจความหมายของชีวิต

เจตนาออกแบบท่าเต้นผลงาน(ฉากหรือห้องชุด)

Suite (จาก French Suite - "row", "sequence") เป็นรูปแบบดนตรีที่เป็นวัฏจักรซึ่งประกอบด้วยส่วนที่ตัดกันอย่างอิสระหลายส่วนรวมกันด้วยแนวคิดทั่วไป

เป็นวัฏจักรที่มีหลายส่วน ซึ่งประกอบด้วยชิ้นส่วนที่เป็นอิสระและตัดกัน รวมกันเป็นหนึ่งโดยแนวคิดทางศิลปะทั่วไป บางครั้งแทนที่จะใช้ชื่อ "suite" นักแต่งเพลงก็ใช้ชื่ออื่นเช่นกัน - "partita"

ห้องสวีทแตกต่างจากโซนาตาและซิมโฟนีด้วยความเป็นอิสระอย่างมากของชิ้นส่วน ไม่ใช่ความเข้มงวดเช่นนี้ ความสม่ำเสมอของความสัมพันธ์ คำว่า "ห้องชุด" ถูกนำมาใช้ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 โดยนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศส ห้องชุดของศตวรรษที่ 17-18 เป็นห้องเต้นรำ ห้องเต้นรำที่ไม่ใช่วงดนตรีปรากฏขึ้นในศตวรรษที่ 19 (ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "Scheherazade" โดย N. A. Rimsky-Korsakov "Pictures at an Exhibition" โดย M. P. Mussorgsky)

ในประเทศเยอรมนีเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 มีการสร้างลำดับชิ้นส่วนที่แน่นอน:

ชุดนี้โดดเด่นด้วยการแสดงภาพ สัมพันธ์ใกล้ชิดกับเพลงและการเต้นรำ บ่อยครั้ง ห้องสวีทประกอบด้วยดนตรีที่เขียนขึ้นสำหรับบัลเลต์ โอเปร่า และการแสดงละคร นอกจากนี้ยังมีห้องสวีทพิเศษสองประเภท - เสียงร้องและร้องประสานเสียง

ผู้เบิกทางของห้องชุดถือได้ว่าเป็นการผสมผสานระหว่างการเต้นรำร่วมกันในช่วงท้ายของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ช้า สำคัญ (เช่น pavane) และมีชีวิตชีวามากขึ้น (เช่น galliard) ต่อมาวัฏจักรนี้กลายเป็นสี่ส่วน นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน Johann Jakob Froberger (1616-1667) ได้สร้างแบบจำลองของชุดเต้นรำบรรเลง: allemande ในจังหวะปานกลางและเครื่องวัดสองส่วน - เสียงระฆังที่วิจิตรบรรจง - กิ๊ก - sarabande ที่วัดได้

ในอดีต ชุดแรกเป็นชุดเต้นรำแบบเก่า ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับเครื่องดนตรีชิ้นเดียวหรือวงออเคสตรา ในขั้นต้น มันมีการเต้นรำสองแบบ: ปาเวนโอฬารและเรือเร็ว พวกเขาเล่นกัน - นี่คือตัวอย่างแรกของชุดเครื่องมือเก่าที่เกิดขึ้นซึ่งแพร่หลายมากที่สุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่สิบแปด ในรูปแบบคลาสสิก มันเป็นที่ยอมรับในผลงานของนักแต่งเพลงชาวออสเตรีย I. Ya. Froberger มีพื้นฐานมาจากการเต้นรำที่หลากหลายสี่แบบ: allemande, courante, sarabande, jig คีตกวีเริ่มใส่การเต้นรำอื่นๆ เข้าไปในห้องชุดทีละน้อย และทางเลือกของพวกเขาก็แตกต่างกันออกไปอย่างอิสระ สิ่งเหล่านี้อาจเป็น: minuet, passacaglia, polonaise, chaconne, rigaudon ฯลฯ บางครั้งมีการแนะนำชิ้นส่วนที่ไม่ใช่การเต้นรำเข้าไปในห้องสวีท - arias, preludes, overtures, toccatas ดังนั้นจำนวนห้องทั้งหมดในห้องสวีทจึงไม่ถูกควบคุม ที่สำคัญกว่านั้นคือวิธีการรวมชิ้นส่วนแต่ละชิ้นเข้าด้วยกันเป็นวงจรเดียว ตัวอย่างเช่น ความเปรียบต่างของจังหวะ เมตร และจังหวะ

ห้องสวีทเป็นประเภทที่พัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของโอเปร่าและบัลเล่ต์ มีการเต้นรำและส่วนเพลงใหม่ในจิตวิญญาณของเพลง ห้องชุดเกิดขึ้นซึ่งประกอบด้วยชิ้นส่วนของดนตรีและการแสดงละคร องค์ประกอบที่สำคัญของห้องชุดคือการทาบทามภาษาฝรั่งเศส - ส่วนเกริ่นนำซึ่งประกอบด้วยจุดเริ่มต้นที่เคร่งขรึมและบทสรุปอย่างรวดเร็ว ในบางกรณี คำว่า "ทาบทาม" แทนที่คำว่า "ห้องชุด" ในชื่อผลงาน คำพ้องความหมายอื่น ๆ คือคำว่า "order" ("order") โดย F. Couperin และ "partita" โดย J.S. Bach

จุดสุดยอดที่แท้จริงของการพัฒนาแนวเพลงนั้นมาถึงงานของ J. S. Bach นักแต่งเพลงเติมเสียงเพลงจากห้องชุดจำนวนมากของเขา (คลาเวียร์ ไวโอลิน เชลโล ออร์เคสตรา) ด้วยความรู้สึกที่เจาะลึก ทำให้ผลงานเหล่านี้มีความหลากหลายและลึกซึ้งในอารมณ์ จัดระเบียบให้เป็นส่วนที่กลมกลืนกันจนทำให้เขาคิดทบทวนแนวเพลงใหม่ เปิดขึ้นใหม่ ความเป็นไปได้ในการแสดงออกในรูปแบบการเต้นรำที่เรียบง่าย , เช่นเดียวกับในพื้นฐานของวงจรสวีท (“ Chaconne” จาก partita ใน D minor)

ในช่วงกลางทศวรรษ 1700 ห้องชุดถูกรวมเข้ากับโซนาตา และคำนี้หยุดใช้แล้ว แม้ว่าโครงสร้างของห้องสวีทจะยังคงอยู่ในประเภทต่างๆ เช่น เซเรเนด การกระจายความบันเทิง และอื่นๆ การกำหนด "ห้องชุด" เริ่มปรากฏขึ้นอีกครั้งในปลายศตวรรษที่ 19 ซึ่งมักจะหมายถึงการรวบรวมชิ้นส่วนเครื่องดนตรีจากโอเปร่า (ชุดจาก Carmen G. Bizet) จากบัลเล่ต์ (ห้องชุดจาก Nutcracker โดย P.I. Tchaikovsky) ตั้งแต่ดนตรีไปจนถึงละครเวที (ชุด Peer Gynt จากเพลงของ E. Grieg ไปจนถึงละครของ Ibsen) นักแต่งเพลงบางคนแต่งชุดโปรแกรมอิสระ - ตัวอย่างเช่น Scheherazade N.A. Rimsky-Korsakov ตามนิทานตะวันออก

นักแต่งเพลงของศตวรรษที่ 19-20 รักษาคุณสมบัติหลักของประเภท - การสร้างเป็นวงกลมความแตกต่างของส่วนต่าง ๆ ฯลฯ ให้การตีความที่เป็นรูปเป็นร่างที่แตกต่างกัน ความสามารถในการเต้นไม่ใช่คุณสมบัติที่จำเป็นอีกต่อไป ชุดโปรแกรมใช้วัสดุดนตรีที่หลากหลาย โดยมักกำหนดเนื้อหาโดยโปรแกรม ในเวลาเดียวกัน เพลงเต้นรำไม่ได้ถูกขับออกจากห้องสวีท ในทางกลับกัน มีการแนะนำการเต้นรำสมัยใหม่ เช่น "Puppet Cake Walk" ในชุด "Children's Corner" ของ C. Debussy ห้องสวีทประกอบด้วยดนตรีสำหรับการแสดงละคร (Peer Gynt โดย E. Grieg), บัลเล่ต์ (The Nutcracker และ Sleeping Beauty โดย P. I. Tchaikovsky, Romeo and Juliet โดย S. S. Prokofiev), โอเปร่า ( The Tale of Tsar Saltan" โดย N. A. Rimsky-Korsakov ). ในช่วงกลางของศตวรรษที่ XX ห้องสวีทยังประกอบด้วยเพลงประกอบภาพยนตร์ (“Hamlet” โดย D. D. Shostakovich)

ในห้องสวีทเสียงร้องไพเราะพร้อมกับดนตรีจะได้ยินคำนี้ด้วย ( Winter Bonfire ของ Prokofiev) บางครั้งนักแต่งเพลงเรียกวงจรเสียงบางชุดเสียงร้อง (Six Poems โดย M. Tsvetaeva โดย Shostakovich)

รายการใช้แล้วแหล่งที่มา

1. Gachev G. D. เนื้อหาของรูปแบบศิลปะ อีพอส เนื้อเพลง โรงภาพยนตร์. ม., 2551

2. กาญจน์. M.S. Aesthetics as a philosophical science. University of Lectures. St. Petersburg, 2007.

3. Sosnova M.L. ศิลปะของนักแสดง M. วิชาการอเวนิว; ทริกสตา, 2007..

4. Shpet G. G. Theatre as an art//Questions of Philosophy, 1989, ฉบับที่ 11

โฮสต์บน Allbest.ru

เอกสารที่คล้ายกัน

โรงละครในฐานะศิลปะและปรากฏการณ์ทางสังคมและจิตวิทยา กลไกการเสวนาทางศิลปะในโรงละคร จิตวิทยาในระบบของ K.S. สตานิสลาฟสกี้ "โรงละครเงื่อนไข" อา. เมเยอร์โฮลด์ โรงละครที่ยิ่งใหญ่สำหรับผู้ชม B. Brecht A. Artaud และ "โรงละครแห่งความโหดร้าย"

วิทยานิพนธ์, เพิ่ม 02/16/2011

ศึกษาคุณลักษณะของแหล่งกำเนิดและการก่อตัวของโรงละครรัสเซีย ตัวตลกเป็นตัวแทนคนแรกของโรงละครมืออาชีพ การเกิดขึ้นของละครโรงเรียนและการแสดงของโรงเรียน-โบสถ์ โรงละครแห่งยุคอารมณ์อ่อนไหว กลุ่มละครสมัยใหม่

การนำเสนอเพิ่มเมื่อ 11/20/2013

ที่มาของโรงละครรัสเซีย หลักฐานแรกของตัวตลก การก่อตัวของศิลปะตัวตลกดั้งเดิมของรัสเซีย โรงละครแห่งยุคอารมณ์อ่อนไหว การแบ่งโรงละครออกเป็นสองคณะ โรงละครรัสเซียในยุคหลังโซเวียต ประวัติโรงละครมาลี

การนำเสนอเพิ่ม 12/09/2012

ละครพื้นบ้านรัสเซียและศิลปะการแสดงพื้นบ้าน ประเภทของละครพื้นบ้าน ตัวตลกในฐานะผู้ก่อตั้งศิลปะพื้นบ้านรัสเซีย โรงละคร "นักแสดงสด" เกมคริสต์มาสและงานรื่นเริง แนวโน้มสมัยใหม่ในขบวนการคติชนวิทยาในรัสเซีย

ภาคเรียนที่เพิ่ม 04/16/2012

ตัวตลกในฐานะนักแสดงพเนจรชาวรัสเซียคนแรก โรงละครประชาชน ละครหุ่น-ฉากการประสูติ ละครโรงเรียน "การฟื้นคืนชีพของคนตาย" คุณสมบัติของละครเพลงของโรงละครยูเครน กิจกรรมของโรงละครป้อมปราการในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18

การนำเสนอ, เพิ่ม 11/03/2013

โรงละครแห่งแรกในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ศิลปะการละคร และภาพวัฒนธรรมและการศึกษาของเมือง บทบาทของโรงละครในการพัฒนามุมมองทางวัฒนธรรมของประชากร การพัฒนาความสัมพันธ์ทางวิทยาศาสตร์และวัฒนธรรมระหว่างรัสเซียและประเทศอื่นๆ เพลงโอเปร่าไพเราะ.

บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 04/13/2012

บทบาทของละครและละครในชีวิตของ S.A. Yuriev อิทธิพลของเขาที่มีต่อศิลปะการละครของรัสเซียเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 เหตุการณ์สำคัญที่สำคัญของชีวประวัติ ประสบการณ์โรงละคร ผลงานละครที่ประสบความสำเร็จโดย Lope de Vega งานเชิงทฤษฎีของ S.A. Yuriev เกี่ยวกับโรงละคร

บทคัดย่อ, เพิ่ม 01/08/2017

คำอธิบายของคำศัพท์กราฟฟิตี ตัวอย่างการใช้กราฟฟิตีเพื่อเป็นการก่อกวนในที่สาธารณะ บนผนังพิพิธภัณฑ์ และอาคารสาธารณะ การสมัครเป็นการประท้วง ศิลปะกราฟฟิตี้เป็นรูปแบบการแสดงตัวตนสูงสุด เทศกาลกราฟฟิตี้

การนำเสนอ, เพิ่ม 02/12/2010

ลักษณะของการพัฒนาศิลปะการละครตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 เมื่อรูปแบบการจัดพื้นที่การแสดงละครที่รู้จักกันในชื่อ "กล่องฉาก" ก่อตั้งขึ้นในอิตาลี ศิลปะเปรี้ยวจี๊ดของต้นศตวรรษที่ 20 และการเปลี่ยนแปลงในโรงละคร การมีส่วนร่วมของผู้ชม

บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 07/24/2016

ปรากฏการณ์ที่ผสมผสานศิลปะและเทคโนโลยีเข้าด้วยกัน การเกิดขึ้นและการพัฒนาของการออกแบบอุตสาหกรรม การออกแบบยุโรป และปัญหาในการสอนรากฐาน เชื่อมช่องว่างระหว่างเจตนาและการดำเนินการ ต้นกำเนิดของการออกแบบอเมริกัน

โรงละครในฐานะศิลปะ

โรงละครเป็นงานศิลปะส่วนรวม การแสดงเป็นผลจากกิจกรรมของผู้คนมากมาย ไม่เพียงแต่ผู้ที่ปรากฏตัวบนเวทีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ที่เย็บเครื่องแต่งกาย ทำอุปกรณ์ประกอบฉาก จุดไฟ พบปะผู้ชมด้วย ไม่น่าแปลกใจที่มีคำจำกัดความของคำว่า "คนงานในโรงหนัง" การแสดงเป็นทั้งความคิดสร้างสรรค์และการผลิต

การแสดงละครจะขึ้นอยู่กับข้อความ เช่น บทละครสำหรับการแสดงละคร แม้แต่ในขั้นตอนการผลิตที่ไม่มีคำดังกล่าว ข้อความก็ยังจำเป็น โดยเฉพาะบัลเลต์และบางครั้งละครใบ้ก็มีบท - บท กระบวนการทำงานเกี่ยวกับการแสดงประกอบด้วยการถ่ายโอนข้อความที่น่าทึ่งไปยังเวที - นี่คือ "การแปล" ชนิดหนึ่ง จากภาษาหนึ่งไปอีกภาษาหนึ่ง เป็นผลให้คำวรรณกรรมกลายเป็นคำบนเวที

ดนตรีช่วยเพิ่มผลกระทบทางอารมณ์ของการแสดงละคร บางครั้งก็ฟังดูไม่เฉพาะระหว่างการดำเนินการ แต่ยังรวมถึงในช่วงพักครึ่ง - เพื่อรักษาผลประโยชน์ของสาธารณชน บุคคลหลักในละครคือนักแสดง ผู้ชมเห็นคนตรงหน้าเขากลายเป็นภาพศิลปะอย่างลึกลับ - งานศิลปะชนิดหนึ่ง แน่นอนว่างานศิลปะไม่ใช่ตัวนักแสดง แต่เป็นหน้าที่ของเขา เธอคือผู้สร้างนักแสดง ซึ่งสร้างขึ้นด้วยเสียง เส้นประสาท และบางสิ่งที่มองไม่เห็น - วิญญาณ จิตวิญญาณ เพื่อให้การกระทำบนเวทีเป็นที่รับรู้โดยรวม จำเป็นต้องจัดระเบียบอย่างรอบคอบและสม่ำเสมอ หน้าที่เหล่านี้ในโรงละครสมัยใหม่ดำเนินการโดยผู้กำกับ แน่นอนว่ามากขึ้นอยู่กับพรสวรรค์ของนักแสดงในการแสดง แต่ถึงกระนั้นพวกเขาก็อยู่ภายใต้เจตจำนงของผู้นำ - ผู้กำกับ ผู้คนมาที่โรงละครเหมือนเมื่อหลายศตวรรษก่อน จากเวที เสียงเพลงจะได้ยิน เปลี่ยนแปลงโดยพลังและความรู้สึกของนักแสดง ศิลปินดำเนินการเสวนาของตนเอง - และไม่ใช่แค่วาจาเท่านั้น นี่คือการสนทนาของท่าทาง ท่าทาง รูปลักษณ์ และการแสดงออกทางสีหน้า จินตนาการของมัณฑนากรด้วยความช่วยเหลือของสี แสง โครงสร้างสถาปัตยกรรมบนไซต์ทำให้พื้นที่เวที "พูด" . และทุกอย่างรวมกันอยู่ในกรอบที่เข้มงวดของความตั้งใจของผู้กำกับ ซึ่งทำให้องค์ประกอบที่แตกต่างกันมีความสมบูรณ์และสมบูรณ์

ประเภทของโรงละคร

การแสดงละครครั้งแรกประกอบด้วยคำพูดและการร้องเพลง การเต้นรำ และการเคลื่อนไหว ดนตรีและท่าทางช่วยเสริมความหมายของคำ การเต้นรำบางครั้งกลายเป็นอิสระ ";แต่มาตรการ";. การกระทำดังกล่าวโดดเด่นด้วยการประสานกัน (จากภาษากรีก "; syncretismos"; - "; การเชื่อมต่อ";) เช่นระดับของการหลอมรวมของส่วนประกอบต่างๆ (ดนตรีและคำในตอนแรก) ที่ผู้ชมไม่สามารถแยกออกได้ จิตใจของเขาและประเมินแต่ละรูปแบบแยกกัน ผู้คนค่อยๆ เรียนรู้ที่จะแยกแยะระหว่างองค์ประกอบของการแสดง และเมื่อเวลาผ่านไป ประเภทของโรงละครที่เรารู้จักก็พัฒนาขึ้นจากสิ่งเหล่านี้ Syncretism ถูกแทนที่ด้วยการสังเคราะห์ - การผสมผสานโดยเจตนาของรูปแบบต่างๆ

ประเภทที่พบมากที่สุดและเป็นที่นิยม - ละคร t โรงภาพยนตร์ วิธีหลักในการแสดงออกคือคำว่า (ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่โรงละครแห่งนี้บางครั้งเรียกว่าภาษาพูด) ความหมายของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวทีตัวละครของตัวละครจะถูกเปิดเผยด้วยความช่วยเหลือของคำที่รวมกันเป็นข้อความ (อาจเป็นเรื่องธรรมดาหรือบทกวี) ศิลปะการแสดงละครอีกประเภทหนึ่งคือโอเปร่า (ดูบทความ "ดนตรีของอิตาลี" ในส่วน "ดนตรี"); สิ่งสำคัญในโอเปร่าคือดนตรี อย่างไรก็ตาม ต้องนำเสนอคะแนน (โน้ตดนตรี) ที่เล่นบนเวที: เนื้อหาของงานจะถูกเปิดเผยอย่างเต็มที่เฉพาะในพื้นที่บนเวทีเท่านั้น การแสดงดังกล่าวต้องใช้ทักษะพิเศษจากนักแสดง พวกเขาไม่เพียงต้องร้องเพลงได้เท่านั้น แต่ยังมีทักษะการแสดงอีกด้วย ด้วยความช่วยเหลือของเสียงนักแสดงและนักร้องสามารถแสดงความรู้สึกที่ซับซ้อนที่สุดได้ ผลกระทบของการแสดงดนตรี - ด้วยนักร้องที่แข็งแกร่ง วงออร์เคสตราที่ดี ทิศทางแบบมืออาชีพ - สามารถทรงพลัง แม้กระทั่งทำให้มึนเมา มันปราบผู้ดูพาเขาเข้าสู่โลกแห่งเสียงอันศักดิ์สิทธิ์

ในศตวรรษที่สิบหก บนพื้นฐานของศาลและการเต้นรำพื้นบ้านเริ่มก่อตัว บัลเล่ต์ โรงภาพยนตร์. คำว่า "บัลเล่ต์"; มาจากภาษาละติน ballare - "เต้นรำ"; ในบัลเล่ต์ เหตุการณ์และความสัมพันธ์ของตัวละครได้รับการบอกเล่าจากการเคลื่อนไหวและการเต้นรำที่ศิลปินแสดงกับดนตรีที่แต่งขึ้นจากบทเพลง ในตอนท้ายของศตวรรษที่ XX การแสดงที่ไร้พล็อตที่สร้างขึ้นเพื่องานดนตรีไพเราะเริ่มแพร่หลาย นักออกแบบท่าเต้นแสดงการแสดงดังกล่าว ";โคเรีย"; แปลจากภาษากรีกโบราณแปลว่า "เต้นรำ"; และ ";กราฟ"; - ";การเขียน";. ดังนั้นนักออกแบบท่าเต้น "เขียนการแสดง"; ด้วยความช่วยเหลือของการเต้นรำ เขาสร้างองค์ประกอบพลาสติกตามดนตรีและโครงเรื่อง

ในการแสดงบัลเล่ต์ตามกฎแล้วศิลปินเดี่ยวถูกครอบครองเช่นเดียวกับผู้ทรงคุณวุฒิ - นี่คือวิธีที่นักเต้นบัลเลต์คณะหลักที่เต้นในบรรทัดแรกใกล้กับผู้ชมถูกเรียกในโรงละครรัสเซีย คณะบัลเล่ต์เรียกว่าผู้เข้าร่วมในฉากมวลชน เรื่องราว โอเปร่า กินเวลากว่าศตวรรษครึ่งเล็กน้อย ในทางวิทยาศาสตร์ ละครมีสองมุมมอง นักวิทยาศาสตร์บางคนคิดว่ามันเป็นศิลปะการแสดงละครประเภทอิสระ ส่วนอื่น ๆ เป็นประเภท (สามารถพูดได้เหมือนกันเกี่ยวกับละครเพลง)

การแสดงครั้งแรกซึ่งส่วนใหญ่เป็นเนื้อหาการ์ตูนปรากฏขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ณ โรงละครปารีเซียง ";บัฟ Parisien";. ละครโอเปร่ามักจะเป็นเรื่องตลกบทสนทนาสลับกับการร้องเพลงและการเต้นรำ บางครั้งตัวเลขทางดนตรีไม่เกี่ยวข้องกับเนื้อเรื่อง แต่เป็นการสลับฉาก (ดูบทความ "; Jacques Offenbach, Johann Strauss และเพลงเบาของวินาที ครึ่งศตวรรษที่ 19"; ในส่วน " ;Music";)

ในปลายศตวรรษที่ 19 สหรัฐอเมริกา ดนตรี. นี่เป็นงานละครเวที (ทั้งเรื่องตลกและดราม่าในเนื้อเรื่อง) ซึ่งใช้รูปแบบของป๊อปอาร์ต โรงละคร บัลเลต์และโอเปร่า และการเต้นประจำวัน ในละครเพลงสามารถแทรกชิ้นส่วนดนตรีในละครเพลง - ไม่เคย พวกเขาจะ "ละลาย"; ในการดำเนินการ ดนตรีเป็นศิลปะสำหรับทุกคน โครงเรื่องมักจะเรียบง่ายและท่วงทำนองมักกลายเป็นเพลงฮิต ประวัติของละครเพลงเริ่มขึ้นในปี พ.ศ. 2409 จากนั้นมีการแสดงละครเพลงเรื่อง "The Black Rogue" ในนิวยอร์ก (ในอีกคำแปล "; จอมวายร้าย";) ความสำเร็จนั้นล้นหลามและคาดไม่ถึง อย่างไรก็ตาม ละครเพลงได้เข้ามาแทนที่ศิลปะการละครประเภทอื่นๆ ในยุค 20 เท่านั้น ศตวรรษที่ XX การแสดงที่คล้ายคลึงกันเริ่มปรากฏขึ้นเป็นครั้งแรกในสหรัฐอเมริกา และหลังสงครามโลกครั้งที่สอง - บนเวทีของอังกฤษ ออสเตรีย ฝรั่งเศส ละครเพลงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดถูกถ่ายทำ (";คาบาเร่ต์";, ";The Umbrellas of Cherbourg";, ";Sound of Music";)

การแสดงละครประเภทที่เก่าแก่ที่สุด - ละครใบ้ (จากภาษากรีก "; pantbmimos"; - "; ทุกสิ่งที่ทำซ้ำโดยการเลียนแบบ";) ศิลปะนี้มีต้นกำเนิดในสมัยโบราณ ละครใบ้สมัยใหม่ - การแสดงที่ไม่มีคำพูด: เหล่านี้เป็นตัวเลขสั้น ๆ หรือการแสดงบนเวทีที่มีรายละเอียดพร้อมโครงเรื่อง ในศตวรรษที่ 19 ศิลปะการแสดงโขนได้รับการยกย่องจากตัวตลกชาวอังกฤษ โจเซฟ กริมัลดี (พ.ศ. 2321-2480) และปิเอโรต์ชาวฝรั่งเศส - ฌอง แกสปาร์ด เดบูโร (พ.ศ. 2339-2489) ประเพณียังคงดำเนินต่อไปโดย Étienne Decroux (1898-1985) และ Jean Louis Barraud (19 10-1994) Decroux ก่อตั้งโรงเรียนที่เรียกว่าละครใบ้บริสุทธิ์ - เพื่อทำบนเวที "เฉพาะสิ่งที่ศิลปะอื่นไม่สามารถทำได้"; ผู้สนับสนุนแนวคิดดังกล่าวเชื่อว่าท่าทางจะเป็นความจริงและสดใสกว่าคำพูด ประเพณีของ Barro และ Decroux ยังคงดำเนินต่อไปโดย Marcel Marceau ละครใบ้ชื่อดังชาวฝรั่งเศส (เกิดปี 1923) ในมอสโก Heinrich Mackevicius ได้จัดโรงละคร Plastic Drama ซึ่งมีการแสดงที่ซับซ้อนและลึกซึ้งในธีมที่เป็นตำนานและในพระคัมภีร์

ในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ XIX ทั่วยุโรป แต่ส่วนใหญ่ในฝรั่งเศสเริ่มถูกสร้างขึ้น โรงละครคาบาเร่ต์ ซึ่งผสมผสานรูปแบบการแสดงละครเวทีการร้องเพลงในร้านอาหาร ที่มีชื่อเสียงและเป็นที่นิยมมากที่สุดคือ "Black Cat"; ในปารีส "The Eleven Executioners"; ในมิวนิก ";ไปนรก"; ในเบอร์ลิน ";กระจกโค้ง"; ในปีเตอร์สเบิร์ก

ผู้คนในวงการศิลปะมารวมตัวกันในบริเวณร้านกาแฟ ทำให้เกิดบรรยากาศที่พิเศษ พื้นที่สำหรับการเป็นตัวแทนดังกล่าวอาจเป็นสิ่งที่ผิดปกติมากที่สุด แต่ส่วนใหญ่แล้วห้องใต้ดินมักถูกเลือก - เป็นสิ่งที่ธรรมดา แต่ในขณะเดียวกันก็ลึกลับต้องห้ามอยู่ใต้ดิน ด้วยการแสดงคาบาเร่ต์ (ฉากสั้น การล้อเลียน หรือเพลง) ทั้งต่อสาธารณะและสำหรับนักแสดง ประสบการณ์พิเศษก็เชื่อมโยงถึงความรู้สึกอิสระที่ไร้ขอบเขต ความรู้สึกของความลึกลับมักจะได้รับการปรับปรุงโดยข้อเท็จจริงที่ว่าการแสดงดังกล่าวได้รับช่วงดึกบางครั้งในตอนกลางคืน จนถึงทุกวันนี้ในเมืองต่าง ๆ ของโลกมีการแสดงคาบาเร่ต์ที่แท้จริง

การแสดงละครประเภทพิเศษ - หุ่นโชว์. ในยุโรปปรากฏอยู่ในยุคโบราณ การแสดงในบ้านเล่นในสมัยกรีกโบราณและโรม ตั้งแต่นั้นมาโรงละครก็เปลี่ยนไป แต่สิ่งสำคัญยังคงอยู่ - มีเพียงหุ่นเชิดเท่านั้นที่เข้าร่วมในการแสดงดังกล่าว อย่างไรก็ตาม ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ตุ๊กตามักจะ "แบ่งปัน"; ฉากกับนักแสดง

แต่ละประเทศมีฮีโร่หุ่นเชิดของตัวเอง คล้ายคลึงกัน แต่ในบางแง่ก็แตกต่างกัน แต่พวกเขาทั้งหมดมีสิ่งหนึ่งที่เหมือนกัน: บนเวทีพวกเขาล้อเล่น เล่นแผลง ๆ เยาะเย้ยข้อบกพร่องของผู้คน ตุ๊กตาต่างกันทั้งใน "รูปลักษณ์" และในอุปกรณ์ หุ่นกระบอกที่พบบ่อยที่สุดคือหุ่นที่ควบคุมด้วยด้าย หุ่นกระบอก และหุ่นกระบอกอ้อย การแสดงละครหุ่นต้องใช้อุปกรณ์พิเศษและเวทีพิเศษ ตอนแรกมันเป็นแค่กล่องที่มีรูจากด้านล่าง (หรือบน) ในยุคกลางมีการแสดงที่จัตุรัส - จากนั้นม่านถูกดึงระหว่างเสาสองต้นซึ่งด้านหลังนักเชิดหุ่นซ่อน ในศตวรรษที่ 19 การแสดงเริ่มเล่นในห้องที่สร้างขึ้นเป็นพิเศษ

โรงละครหุ่นกระบอกรูปแบบพิเศษคือโรงละครหุ่นกระบอกไม้ ฉากพิเศษถูกเขียนขึ้นสำหรับโรงละครหุ่นกระบอก ประวัติศาสตร์ของโรงละครหุ่นกระบอกโลกรู้จักชื่อที่มีชื่อเสียงมากมาย การแสดงของ S.V. Obraztsov ประสบความสำเร็จอย่างมาก Revaz Levanovich Gabriadze (เกิดปี 1936) นักเชิดหุ่นและนักเขียนบทละครชาวจอร์เจีย เสนอวิธีแก้ปัญหาใหม่ในจินตนาการของเขา

ที่มาของโรงละคร

โรงละครเป็นศิลปะที่ "หายไป" และยากจะอธิบาย การแสดงทิ้งร่องรอยไว้ในความทรงจำของผู้ชมและร่องรอยวัสดุน้อยมาก นั่นคือเหตุผลที่วิทยาศาสตร์ของโรงละคร - วิทยาศาสตร์การละคร - เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ในเวลาเดียวกัน สองทฤษฎีที่มาของโรงละครก็ปรากฏขึ้น ตามข้อแรก ศิลปะแห่งเซียนา (ทั้งตะวันตกและตะวันออก) พัฒนามาจากพิธีกรรมและพิธีกรรมทางเวทมนตร์ มีเกมในการกระทำดังกล่าวอยู่เสมอผู้เข้าร่วมมักใช้หน้ากากและเครื่องแต่งกายพิเศษ ผู้ชาย ";เล่น"; (รูปตัวอย่างเทพ) เพื่อที่จะมีอิทธิพลต่อโลกรอบตัว - ผู้คน, ธรรมชาติ, เทพเจ้า เมื่อเวลาผ่านไป พิธีกรรมบางอย่างกลายเป็นเกมทางโลก และเริ่มให้บริการเพื่อความบันเทิง ต่อมาผู้เข้าร่วมในเกมดังกล่าวแยกออกจากผู้ชม

อีกทฤษฎีหนึ่งเชื่อมโยงที่มาของโรงละครยุโรปกับการเติบโตของความประหม่าของแต่ละบุคคล บุคคลจำเป็นต้องแสดงออกผ่านงานศิลปะที่งดงามซึ่งมีผลกระทบทางอารมณ์อันทรงพลัง

";เล่นอย่างผู้ใหญ่ดีกว่าเท่านั้น";

ความคิดที่ว่าควรจะสร้างโรงละครพิเศษสำหรับเด็กใน ALA ปรากฏมานานแล้ว หนึ่งใน "เด็ก" คนแรก; โปรดักชั่นกลายเป็นผลงานของมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ ในปี 1908 K. S. Stanislavsky ได้แสดงละครเรื่อง "The Blue Bird" ซึ่งเป็นเทพนิยายของ Maurice Maeterlinck นักเขียนบทละครชาวเบลเยียมและตั้งแต่นั้นมาการแสดงที่โด่งดังก็ไม่ทิ้งโรงละครศิลปะ Gorky Moscow Art Theatre การผลิตนี้กำหนดเส้นทางของการพัฒนาศิลปะการแสดงสำหรับเด็ก - โรงละครดังกล่าวจะต้องเข้าใจได้สำหรับเด็ก แต่ไม่เคยเป็นแบบดั้งเดิม ไม่ใช่แบบมิติเดียว

ในรัสเซีย โรงละครเด็กเริ่มปรากฏหลังเดือนตุลาคม พ.ศ. 2460 ในปีพ. ศ. 2461 โรงละครเด็กแห่งแรกของสภามอสโกได้เปิดขึ้นในมอสโก N. I. Sats กลายเป็นผู้จัดงานและผู้กำกับ ศิลปินที่ยอดเยี่ยม V. A. Favorsky และ I. S. Efimov ออกแบบการแสดง นักออกแบบท่าเต้นชื่อดัง K. Ya. Goleizovsky ทำงานที่นี่ Natalya Ilyinichna Sats (1903-1993) อุทิศชีวิตสร้างสรรค์ทั้งหมดของเธอให้กับโรงละครสำหรับเด็ก ในปี พ.ศ. 2464-2480 เธอเป็นผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของโรงละครเด็กมอสโก (ปัจจุบันคือโรงละครเด็กกลาง) ผลิตผลงานล่าสุดของเธอคือโรงละครดนตรีสำหรับเด็กมอสโก (ตั้งชื่อตาม N.I. Sats) ในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2465 โรงละครผู้ชมอายุน้อยในเลนินกราดได้รับผู้ชมกลุ่มแรก หนึ่งในผู้ก่อตั้งและผู้นำถาวรคือผู้อำนวยการ Alexander Alexandrovich Bryaniev (1883-1961) เขาเชื่อว่าในโรงละครจำเป็นต้องรวมศิลปินที่สามารถคิดเหมือนครูและครูที่สามารถรับรู้ชีวิตเป็นศิลปินได้

ผู้กำกับที่โดดเด่นเช่น G. A. Tovstonogov และ M. O. Knebel ทำงานในโรงภาพยนตร์สำหรับเด็กเช่นเดียวกับ I. V. Ilyinsky, N. K. Cherkasov, O. N. Chirkov บางครั้งการแสดงก็กลายเป็นกิจกรรมในชีวิตสาธารณะเช่นการผลิตละครเรื่อง "My friend, Kolka"; (ผู้กำกับ A.V. Efros) วันนี้โรงละครเด็กในประเทศที่เก่าแก่ที่สุด (โรงละครเยาวชนรัสเซียและโรงละครสำหรับผู้ชมรุ่นเยาว์ในมอสโก) นำโดย A. V. Borodin และ G. Ya. Yanovskaya - ผู้กำกับที่มีความคิดที่น่าสนใจและเป็นต้นฉบับ

ในโรงภาพยนตร์แห่งแรกมีการแสดงละครเป็นส่วนใหญ่ นักเขียนบทละครปรากฏขึ้นทีละน้อยโดยเฉพาะสำหรับเด็ก นักเขียน Alexandra Yakovlevna Brushtein (1884-1968) - ผู้เขียนบทละครยอดนิยม "To be Continue"; (1933) และสีน้ำเงินและสีชมพู; (1936). ผลงานของ Yevgeny Lvovich Schwartz (1896-1958) กลายเป็นงานคลาสสิกในละครของโรงละครเด็ก ละครในเทพนิยายของเขาคือ "The Snow Queen"; (1938), "สองต้นเมเปิล"; (1953), "ราชาที่เปลือยเปล่า"; (1934), "เงา"; (1940) และอื่น ๆ - เข้าฉายในโรงภาพยนตร์มาหลายทศวรรษแล้ว บทละครของชวาร์ตษ์ผสมผสานจินตนาการและความจริงเข้าด้วยกันในการแสดงตัวละคร Viktor Sergeevich Rozov (เกิดในปี 2456) พูดด้วยพรสวรรค์เกี่ยวกับโลกภายในของวัยรุ่น เล่น "เพื่อนของเธอ"; (1949), "หน้าแห่งชีวิต"; (1953), ";สวัสดีตอนบ่าย"; (1954), ";แสวงหาความสุข"; (1957) กำหนดละครของโรงละครเด็กในยุค 50 และ 60 บางส่วนไม่ได้ออกจากสีน้ำตาลแดงในวันนี้

ผู้กำกับสมัยใหม่หันไปทำงานที่แตกต่างกันมาก นิทานเล่นสำหรับเด็กที่อายุน้อยที่สุดเล่นบทละครที่อุทิศให้กับชีวิตของเยาวชนสำหรับวัยรุ่น มีอยู่ในโปสเตอร์ละครและคลาสสิกทั้งในและต่างประเทศ ดังนั้นในละครของโรงละครมอสโกสำหรับผู้ชมรุ่นเยาว์ ละครเรื่อง "Pinocchio in the Land of Fools" จึงอยู่ร่วมกันอย่างสงบสุข (การแสดงละครเทพนิยายโดย A. N. Tolstoy) การแสดงแดกดันตามบทกวีของ S. Ya. Marshak "; Goodbye, America"; และ ";พายุฝนฟ้าคะนอง"; ตามบทละครของ A. N. Ostrovsky โรงละครสำหรับเด็กและเยาวชนได้ถูกสร้างขึ้นในหลายประเทศทั่วโลก ในปี พ.ศ. 2508 สมาคมระหว่างประเทศได้ก่อตั้งขึ้นในกรุงปารีสซึ่งช่วยในการพัฒนา มีการจัดเทศกาลละครเด็กนานาชาติ

เซอร์เกย์ วลาดิมิโรวิช ออบพา3ตซอบ

คนที่น่าทึ่งของอาชีพที่ไม่เหมือนใคร เชิดหุ่น นักเขียน นักเขียนบทละคร - ทั้งหมดนี้คือ Sergei Vladimirovich Obraztsov (1901 - 1992) ชื่อของเขาเป็นที่นิยมทั้งในประเทศและต่างประเทศของเรา ความคิดสร้างสรรค์และชีวิตของศิลปินสะท้อนให้เห็นอย่างกว้างขวางในหนังสือและบทความ การแสดงของเขามีชีวิตอยู่ในวันนี้ในโรงละครซึ่งมีชื่อ Obraztsov อย่างถูกต้อง

การแสดงที่ยอดเยี่ยมเช่น ";ตามคำสั่งของหอก"; (1936), "ตะเกียงวิเศษของอะลาดิน"; (1940), "The Divine Comedy"; (1961), ";คอนเสิร์ตวิสามัญ"; (1968),";ดอนฮวน82"; และอื่น ๆ ทำหน้าที่เป็นเครื่องตกแต่งละครของโรงละครหุ่นกระบอกกลางมาจนถึงทุกวันนี้ Obraztsov นักเล่าเรื่องที่ยอดเยี่ยม ศิลปินที่มีไหวพริบและช่างสังเกต ทิ้งมรดกทางวรรณกรรมที่น่าสนใจไว้ในหนังสือของเขา "; นักแสดงกับตุ๊กตา";, "; อาชีพของฉัน";, "; ถ่ายทอดศิลปะ";, "; คณะรัฐมนตรีของความอยากรู้ "; และอื่น ๆ.

วัยเด็กของ Obraztsov ผ่านไปในครอบครัวมอสโกที่ชาญฉลาด: พ่อของเขาเป็นวิศวกรการเดินทาง, นักวิทยาศาสตร์, ต่อมาเป็นนักวิชาการ, แม่ของเขาเป็นครู, ครูสอนภาษารัสเซีย ความสามารถในการวาด ระบายสี และวาด ศึกษากับศิลปิน Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930) และ Vladimir Andreevich Favorsky (1886-1964) เรียนร้องเพลง เรียนการแสดงใน Musical Theatre ภายใต้การดูแลของ V. I. Nemirovich Danchenko การแสดงขนาดเล็ก บทบาทเฉพาะที่มอสโกอาร์ตเธียเตอร์, การสื่อสารกับ K. S. Stanislavsky, การสังเกตนิสัยของสัตว์, นก, ปลา - ทั้งหมดนี้เข้าสู่กระปุกออมสินที่สร้างสรรค์ อพาร์ตเมนต์ของอาจารย์ที่มีชื่อเสียงเต็มไปด้วยชั้นวางจากตู้ปลาที่มีปลาหลากหลายชนิด ในห้องนั้นเต็มไปด้วยเสียงอึกทึกของนกประหลาด

ทุกอย่างเริ่มต้นในวัยเด็กด้วยของขวัญจากแม่ - ตุ๊กตา Bibabo ตัวเล็กซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของตุ๊กตารุ่นต่าง ๆ ทั้งชุดซึ่งเรียกว่าตุ๊กตาถุงมือ พวกเขาสวมมือเหมือนถุงมือและรู้จักกันมาตั้งแต่สมัยที่คอเมดี้เกี่ยวกับ Petrushka มีตุ๊กตาที่คล้ายกันในจีน อินเดีย และกรีกโบราณและมีชื่อเรียก

ดนตรีกลายเป็นคู่หูที่สม่ำเสมอของการแสดงของ Obraztsov หน้าจอแบบพกพาพร้อมกระเป๋าด้านใน, นักดนตรี - และตอนนี้โรงละครของนักแสดงคนหนึ่งพร้อมแล้ว! ความโน้มเอียงของศิลปินช่วย Obraztsov ในการสร้างภาพหุ่นกระบอก อาจเป็นที่ปรึกษาตำแหน่งในการแสดงละครโรแมนติกโดย A. S. Dargomyzhsky ดื่มความเศร้าโศกขวดใหญ่หรือนิโกรและหญิงชราในเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ "; เรานั่งกับคุณริมแม่น้ำที่หลับใหล" ; หรือหุ่นลิงตลก แสดงความรัก "; นาที"; เลียนแบบ A. N. Vertinsky

Obraztsov พยายามเรียนรู้อย่างต่อเนื่อง ความล้มเหลวหรือการคำนวณผิดกลายเป็นสาเหตุของการค้นพบและการค้นหาใหม่ๆ ความรู้กว้างในอาชีพของเขาเสริมด้วยความคุ้นเคยกับการแสดงหุ่นกระบอกระหว่างทัวร์ต่างประเทศ ดังนั้นในอังกฤษ Obraztsov ได้พบกับตุ๊กตา Punch ในเยอรมนี - กับ Hans Wurst ในเชโกสโลวะเกีย - กับ Kasparek ฯลฯ เป็นลักษณะเฉพาะที่ชื่นชมศิลปะของเพื่อนร่วมงานอย่างมากเขาต้องการที่จะคงไว้ซึ่งความคิดริเริ่มของเขา ขอบเขตและความหลากหลายของละครส่วนตัวไม่สามารถนำไปสู่การสร้างโรงละครได้ การแสดงใหม่ๆ เกิดขึ้นทีละน้อย นำผู้ชมเข้าสู่เทพนิยายหรือในบรรยากาศของคอนเสิร์ตป๊อป ในการเล่น "; คอนเสิร์ตที่ผิดปกติ"; นักแสดงกลุ่มใหญ่เข้าร่วม - นักเรียนของ Obraztsov ที่นี่ "นักร้องประสานเสียงยิปซี" ฟังมีการแสดงละครคู่มีนักร้องตลก (ตุ๊กตาถูกเปล่งออกมาโดยนักแสดง Zinovy Efimovich Gerdt, 1916-1998) การแสดงนี้ผ่านมาแล้วนับครั้งไม่ถ้วน มีคนชมในหลายประเทศ คณะนักร้องประสานเสียงวงออเคสตราการตกแต่งนำโรงละครหุ่นกระบอกให้ใกล้ชิดกับการแสดงมากขึ้น แต่ความเฉพาะเจาะจงของโรงละครหุ่นกระบอกยังคงอยู่ ชายร่างเล็กที่ตลกขบขันทำให้เกิดเสียงหัวเราะและความเห็นอกเห็นใจจากผู้ชมทุกวัย ในตอนท้ายของการแสดง นักเชิดหุ่นออกมาจากด้านหลังจอภาพยนตร์ และผู้กำกับหลัก Sergei Obraztsov วิญญาณของโรงละครก็ปรากฏตัวขึ้น

ดู ศิลปะ(ดนตรี จิตรกรรม วรรณกรรม) โรงภาพยนตร์มีคุณสมบัติพิเศษของตัวเอง มัน ศิลปะ... จิตรกรรม. ในยุคปัจจุบัน โรงภาพยนตร์เทคนิคการโต้ตอบและวิธีการที่แตกต่างกัน สายพันธุ์ศิลปะ. คุณสามารถเป็นนวัตกรรม...

คำอธิบายเชิงทฤษฎีสำหรับหัวข้อหัวข้อที่ 1 "ดนตรีในรูปแบบศิลปะความคุ้นเคยกับเครื่องดนตรี"

เอกสาร

หัวข้อที่ 1 "ดนตรี อย่างไรดูศิลปะ. ทำความคุ้นเคยกับเครื่องดนตรี "ดนตรีเป็นหนึ่งใน สายพันธุ์ศิลปะสะท้อนภาพศิลปะ ... แสดงเนื้อหาอย่างมั่นใจ อย่างไรวรรณคดี, กวีนิพนธ์, โรงภาพยนตร์และโรงภาพยนตร์ เธอไม่สามารถ...

ละครเป็นระบบแนวคิดและสิ่งต่าง ๆ 46 ชั่วโมงการศึกษา

สรุป

ประสิทธิภาพ. ละครและ โรงภาพยนตร์. ละคร อย่างไรดู โรงภาพยนตร์ โรงภาพยนตร์. เล็ก โรงภาพยนตร์และมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ อย่างไร โรงภาพยนตร์. โรงภาพยนตร์อย่างไรศิลปะการตีความ...

ละครเป็นระบบแนวคิดและสิ่งต่าง ๆ 46 ชั่วโมงการศึกษา (1)

สรุป

ประสิทธิภาพ. ละครและ โรงภาพยนตร์. ละคร อย่างไรดูข้อความ. บทสนทนาที่น่าทึ่ง คำใน โรงภาพยนตร์. องค์ประกอบทางวาจา ... รัสเซีย โรงภาพยนตร์. เล็ก โรงภาพยนตร์และมอสโกอาร์ตเธียเตอร์ อย่างไรผู้รักษาประเพณีเก่า สถานะของความคลาสสิกในยุคปัจจุบัน โรงภาพยนตร์. โรงภาพยนตร์อย่างไรศิลปะการตีความ...

การประชุมทางวิทยาศาสตร์และการปฏิบัติ "หลักการของความร่วมมือระหว่างผู้ก่อตั้งและโรงละคร" ภายในกรอบของโครงการ "การประชุม All-Russian " "ชีวิตของเวทีและโลกแห่งสัญญา" สังคมการละครระบุในเงื่อนไขของการเป็นหุ้นส่วนทางสังคม 15-16 ธันวาคม

โปรแกรม

... ; ปกป้องผลประโยชน์ของนักแสดง โรงภาพยนตร์ที่ผู้อื่นใช้ผลงานสร้างสรรค์ ประเภทศิลปะ, สื่อมวลชน ... คือ จัดให้มีเงื่อนไขในการพัฒนา โรงภาพยนตร์อย่างไรใจดีศิลปะและสถาบันทางสังคม การเพิ่มพูนชีวิตการละคร...

หน้า 1

ศิลปะการแสดงละครเป็นศิลปะที่ซับซ้อน มีประสิทธิภาพมากที่สุดและเก่าแก่ที่สุดศิลปะหนึ่ง นอกจากนี้ยังเป็นสารสังเคราะห์ที่ต่างกัน ศิลปะการละครประกอบด้วยสถาปัตยกรรม ภาพวาดและประติมากรรม (ทิวทัศน์) และดนตรี (ฟังดูไม่เพียงแต่ในละครเพลง แต่ยังรวมถึงการแสดงละครด้วย) และการออกแบบท่าเต้น (อีกครั้ง ไม่เพียงแต่ในบัลเล่ต์ แต่ยังรวมถึงในละครด้วย) ) และวรรณกรรม (ข้อความที่ใช้สร้างการแสดงละคร) และศิลปะการแสดง ฯลฯ ในบรรดาสิ่งที่กล่าวมาทั้งหมด ศิลปะการแสดงเป็นปัจจัยหลักที่กำหนดให้กับโรงละคร ผู้กำกับโซเวียตชื่อดัง A. Tairov เขียนว่า “... มีช่วงเวลายาวนานในประวัติศาสตร์ของโรงละครเมื่อไม่มีละคร เมื่อมันไม่มีฉาก แต่ไม่มีฉากเดียวที่โรงละครขาด นักแสดง." การขนส่งศพผู้ตายไปยังเมืองอื่นเป็นการขนส่งหลักของผู้ตาย

นักแสดงในโรงละครเป็นศิลปินหลักที่สร้างสิ่งที่เรียกว่าภาพลักษณ์บนเวที เพื่อให้แม่นยำยิ่งขึ้น นักแสดงในโรงละครก็เป็นผู้สร้างศิลปินและวัสดุแห่งความคิดสร้างสรรค์และผลลัพธ์ - ภาพลักษณ์ในเวลาเดียวกัน ศิลปะของนักแสดงช่วยให้เราเห็นด้วยตาของเราเอง ไม่เพียงแต่ภาพในการแสดงออกขั้นสุดท้าย แต่ยังรวมถึงกระบวนการสร้างและการก่อตัวของมันด้วย นักแสดงสร้างภาพลักษณ์จากตัวเองและในขณะเดียวกันก็สร้างภาพต่อหน้าผู้ชมต่อหน้าต่อตา นี่อาจเป็นความเฉพาะเจาะจงหลักของเวที ภาพลักษณ์ของละคร และนี่คือที่มาของความเพลิดเพลินทางศิลปะที่พิเศษและไม่เหมือนใครที่มอบให้กับผู้ชม ผู้ชมในโรงละครมีส่วนร่วมโดยตรงกับความอัศจรรย์แห่งการสร้างสรรค์มากกว่าที่อื่นใดในงานศิลปะ

ศิลปะการละครไม่เหมือนศิลปะอื่น ๆ เป็นศิลปะที่มีชีวิต มันเกิดขึ้นเฉพาะในเวลาที่พบกับผู้ชม มันขึ้นอยู่กับการติดต่อทางอารมณ์และจิตวิญญาณที่ขาดไม่ได้ระหว่างเวทีกับผู้ชม หากไม่มีการติดต่อนี้ แสดงว่าไม่มีปรากฏการณ์ใดๆ ที่เป็นไปตามกฎความงามของมันเอง

เป็นการทรมานที่ยิ่งใหญ่สำหรับนักแสดงที่ต้องแสดงหน้าห้องโถงที่ว่างเปล่าโดยไม่มีผู้ชมแม้แต่คนเดียว สถานะดังกล่าวเท่ากับอยู่ในพื้นที่ที่ปิดจากโลกทั้งใบ ในช่วงเวลาของการแสดง วิญญาณของนักแสดงจะมุ่งตรงไปยังผู้ชม เช่นเดียวกับที่วิญญาณของผู้ชมมุ่งตรงไปยังนักแสดง ศิลปะของโรงละครมีชีวิต หายใจ ตื่นเต้น และดึงดูดผู้ชมในช่วงเวลาแห่งความสุขเหล่านั้น เมื่อผ่านสายไฟที่มองไม่เห็นของการส่งสัญญาณไฟฟ้าแรงสูง มีการแลกเปลี่ยนพลังทางจิตวิญญาณสองอย่างอย่างแข็งขัน ซึ่งปรารถนาซึ่งกันและกัน - จากนักแสดงสู่ผู้ชม จากผู้ชมสู่นักแสดง

อ่านหนังสือ ยืนอยู่หน้าภาพวาด คนอ่าน คนดูไม่เห็นคนเขียน คนวาด และเฉพาะในโรงละครเท่านั้นที่คนจะสบตากับศิลปินที่สร้างสรรค์พบเขาในขณะที่สร้าง เขาคาดเดาการเกิดขึ้นและการเคลื่อนไหวของหัวใจของเขา อาศัยอยู่กับเขาด้วยความผันผวนทั้งหมดของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวที

ผู้อ่านเพียงลำพังกับหนังสืออันล้ำค่าสามารถสัมผัสช่วงเวลาที่น่าตื่นเต้นและมีความสุขได้ และโรงละครไม่ได้ทิ้งผู้ชมไว้ตามลำพัง ทุกอย่างในโรงละครขึ้นอยู่กับปฏิสัมพันธ์ทางอารมณ์ระหว่างผู้ที่สร้างสรรค์ผลงานศิลปะบนเวทีในเย็นวันนั้นกับผู้ที่สร้างสรรค์ผลงานขึ้นมา

ผู้ชมมาที่การแสดงละครไม่ใช่ในฐานะผู้สังเกตการณ์ภายนอก เขาไม่สามารถแสดงทัศนคติต่อสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีได้ การระเบิดของเสียงปรบมืออนุมัติ, เสียงหัวเราะร่าเริง, ตึงเครียด, เงียบไม่รบกวน, ถอนหายใจด้วยความโล่งอก, ความขุ่นเคืองเงียบ - การสมรู้ร่วมคิดของผู้ชมในกระบวนการแสดงบนเวทีปรากฏในความหลากหลายที่ร่ำรวยที่สุด บรรยากาศรื่นเริงเกิดขึ้นในโรงละครเมื่อการสมรู้ร่วมคิดเช่นการเอาใจใส่ดังกล่าวมีความเข้มข้นสูงสุด

นี่คือความหมายของศิลปะที่มีชีวิต ศิลปะที่ได้ยินการเต้นของหัวใจมนุษย์ การเคลื่อนไหวที่ละเอียดอ่อนที่สุดของจิตวิญญาณและจิตใจถูกจับไว้อย่างละเอียดอ่อน ซึ่งโลกทั้งใบของความรู้สึกและความคิดของมนุษย์ ความหวัง ความฝัน ความปรารถนาถูกปิดล้อมไว้

แน่นอนว่าเมื่อเราคิดและพูดถึงนักแสดง เราเข้าใจดีว่าโรงละครมีความสำคัญเพียงใดไม่ใช่แค่นักแสดง แต่เป็นการรวมตัวของนักแสดง ความสามัคคี ปฏิสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์ของนักแสดง “โรงละครที่แท้จริง” ชเลียพินเขียน “ไม่ใช่แค่ความคิดสร้างสรรค์ของแต่ละคนเท่านั้น แต่ยังเป็นการกระทำร่วมกันที่ต้องใช้ความกลมกลืนอย่างสมบูรณ์ของทุกส่วน”

โรงละครเป็นงานศิลปะแบบทวีคูณ ผู้ชมรับรู้การผลิตละครเวทีไม่ใช่คนเดียว แต่โดยรวมแล้ว "รู้สึกถึงข้อศอกของเพื่อนบ้าน" ซึ่งในระดับสูงช่วยเพิ่มความประทับใจการแพร่กระจายทางศิลปะของสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที ในขณะเดียวกัน ความประทับใจไม่ได้มาจากนักแสดงคนเดียว แต่มาจากกลุ่มนักแสดง ทั้งบนเวทีและในหอประชุม ทั้งสองฝั่งของทางลาด พวกเขาอาศัย รู้สึก และกระทำ - ไม่ใช่ปัจเจกบุคคล แต่เป็นผู้คน สังคมของผู้คนที่เชื่อมโยงถึงกันชั่วขณะหนึ่งด้วยความสนใจ จุดประสงค์ การกระทำร่วมกัน

ข้อมูลอื่น ๆ:

สไตล์รัสเซีย
มันคืออะไรสไตล์รัสเซียจริงๆ? สามารถยกระดับความสูงของการออกแบบอิตาลี? และวิธีการทำให้การตกแต่งภายในของรัสเซียมีสไตล์เพื่อไม่ให้ดูเหมือนภาพประกอบจากเทพนิยายของเด็ก ๆ ? กระท่อมที่รุนแรงของทางเหนือและคฤหาสน์มอสโกที่สง่างาม ...

เจดีย์หินสิบสามชั้น
นำมาจากประเทศญี่ปุ่น เธอมีอายุประมาณ 200 ปี เจดีย์เป็นศูนย์กลางการจัดสวนญี่ปุ่นซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของวัดในศาสนาพุทธ เลข "สิบสาม" สำคัญมาก คือจำนวนพระพุทธสรีระที่เข้าพุทธศาสนาญี่ปุ่นจากประเทศจีน...

วิทยาศาสตร์และวัฒนธรรมด้านอื่นๆ
ความรู้ทางวิทยาศาสตร์ของโลกแตกต่างอย่างมากจากรูปแบบความรู้ที่สวยงาม แม้ว่าวิทยาศาสตร์และศิลปะจะเป็นภาพสะท้อนของความเป็นจริง แต่ในวิทยาศาสตร์ การสะท้อนนี้เกิดขึ้นในรูปแบบของแนวคิดและหมวดหมู่ และในศิลปะ - ในรูปแบบของ ...