Franz Peter Schubert เกิดเมื่อวันที่ 31 มกราคม พ.ศ. 2340 ในย่านชานเมืองเวียนนา ความสามารถทางดนตรีของเขาปรากฏขึ้นค่อนข้างเร็ว เขาได้รับบทเรียนดนตรีครั้งแรกที่บ้าน เขาได้รับการสอนให้เล่นไวโอลินโดยพ่อของเขา และเปียโนโดยพี่ชายของเขา
ตอนอายุหกขวบ Franz Peter เข้าเรียนที่โรงเรียนเขต Lichtental นักแต่งเพลงในอนาคตมีเสียงที่ไพเราะอย่างน่าอัศจรรย์ ด้วยเหตุนี้เมื่ออายุ 11 ขวบเขาจึงได้รับการยอมรับว่าเป็น "เด็กร้องเพลง" ในโบสถ์ในเมืองหลวง
ชูเบิร์ตศึกษาฟรีกับ A. Salieri จนถึงปี พ.ศ. 2359 เขาเรียนรู้พื้นฐานขององค์ประกอบและจุดแตกต่าง
พรสวรรค์ของนักแต่งเพลงปรากฏตัวในวัยรุ่นแล้ว ศึกษาชีวประวัติของ Franz Schubert , คุณควรรู้ว่าในช่วงระหว่าง พ.ศ. 2353 ถึง พ.ศ. 2356 เขาแต่งเพลงหลายเพลง ชิ้นส่วนเปียโน ซิมโฟนีและโอเปร่า
ผู้ใหญ่ปี
เส้นทางสู่งานศิลปะเริ่มต้นด้วยความคุ้นเคยของชูเบิร์ตกับบาริโทน I.M. หมอก. เขาแสดงหลายเพลงโดยนักแต่งเพลงมือใหม่ และพวกเขาก็ได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว ความสำเร็จครั้งแรกอย่างจริงจังสำหรับนักประพันธ์เพลงรุ่นเยาว์คือเพลงบัลลาด "The Forest King" ของเกอเธ่ซึ่งเขาจัดทำขึ้นเพื่อดนตรี
มกราคม พ.ศ. 2361 ได้รับการตีพิมพ์ผลงานเพลงแรกของนักดนตรี
ชีวประวัติสั้น ๆ ของนักแต่งเพลงมีเหตุการณ์มากมาย เขาได้พบและเป็นเพื่อนกับ A. Huttenbrenner, I. Mayrhofer, A. Milder-Hauptmann การเป็นแฟนตัวยงของผลงานของนักดนตรีพวกเขามักจะช่วยเขาด้วยเงิน
ในเดือนกรกฎาคม ค.ศ. 1818 ชูเบิร์ตเดินทางไปเซลิซ ประสบการณ์การสอนทำให้เขาได้งานเป็นครูสอนดนตรีให้กับ Count I. Esterhazy ในช่วงครึ่งหลังของเดือนพฤศจิกายนนักดนตรีกลับมาที่เวียนนา
คุณสมบัติของความคิดสร้างสรรค์
ทำความคุ้นเคยกับชีวประวัติสั้น ๆ ของ Schubert , คุณควรรู้ว่าเขาเป็นที่รู้จักในฐานะนักแต่งเพลงเป็นหลัก คอลเลคชันเพลงตามโองการของ W. Muller มีความสำคัญอย่างยิ่งในวรรณคดีแกนนำ
เพลงจากคอลเลกชั่นล่าสุดของนักแต่งเพลง "Swan Song" โด่งดังไปทั่วโลก การวิเคราะห์งานของชูเบิร์ตแสดงให้เห็นว่าเขาเป็นนักดนตรีที่กล้าหาญและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว เขาไม่ได้เดินตามทางที่เบโธเฟนส่องแสง แต่เลือกเส้นทางของเขาเอง สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในกลุ่ม Trout Quintet สำหรับเปียโน เช่นเดียวกับใน B-minor Unfinished Symphony
ชูเบิร์ตทิ้งงานเขียนของโบสถ์ไว้มากมาย ในจำนวนนี้ Mass No. 6 ใน E-flat major ได้รับความนิยมมากที่สุด
ความเจ็บป่วยและความตาย
2366 ถูกทำเครื่องหมายโดยการเลือกตั้งชูเบิร์ตในฐานะสมาชิกกิตติมศักดิ์ของสหภาพดนตรีในลินซ์และสติเรีย ประวัติโดยย่อของนักดนตรีระบุว่าเขาสมัครตำแหน่งศาล fitse-kapellmeister แต่เจ. ไวเกิลเข้าใจ
คอนเสิร์ตสาธารณะครั้งเดียวของชูเบิร์ตเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 26 มีนาคม พ.ศ. 2371 ประสบความสำเร็จอย่างมากและทำให้เขาเสียค่าธรรมเนียมเล็กน้อย ผลงานสำหรับเปียโนฟอร์เต้และเพลงของผู้แต่งได้รับการตีพิมพ์
ชูเบิร์ตเสียชีวิตด้วยไข้ไทฟอยด์ในเดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2371 เขาอายุน้อยกว่า 32 ปี ในช่วงชีวิตอันแสนสั้นของเขา นักดนตรีสามารถทำสิ่งที่สำคัญที่สุดได้ – ตระหนักถึงของขวัญที่น่าตื่นตาตื่นใจของคุณ
ตารางตามลำดับเวลา
ตัวเลือกชีวประวัติอื่นๆ
- เป็นเวลานานหลังจากการเสียชีวิตของนักดนตรีไม่มีใครสามารถรวบรวมต้นฉบับทั้งหมดของเขาได้ บางคนได้สูญหายไปตลอดกาล
- ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจประการหนึ่งคืองานเขียนส่วนใหญ่ของเขาเริ่มเผยแพร่เมื่อปลายศตวรรษที่ 20 เท่านั้น ในแง่ของจำนวนผลงานที่สร้างขึ้น ชูเบิร์ตมักถูกนำมาเปรียบเทียบกับ
ชูเบิร์ต: เพลงสองรอบที่แต่งโดยผู้แต่งในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต ( “มิลเลอร์สุดสวย”ในปี พ.ศ. 2366 "เส้นทางฤดูหนาว"- ในปี ค.ศ. 1827) ถือเป็นหนึ่งในสุดยอดผลงานของเขา ทั้งสองมีพื้นฐานมาจากคำพูดของกวีโรแมนติกชาวเยอรมัน Wilhelm Müller "Winter Way" เป็นความต่อเนื่องของ "The Beautiful Miller's Woman" เหมือนเดิม
ทั่วไปคือ:
· เรื่องของความเหงา การไม่สมหวังของคนธรรมดาเพื่อความสุข
· เกี่ยวข้องกับชุดรูปแบบนี้ แรงจูงใจของการหลงทาง ลักษณะของศิลปะโรแมนติก ในทั้งสองรอบ ภาพของนักฝันเร่ร่อนเร่ร่อนปรากฏขึ้น
ตัวละครของตัวละครมีเหมือนกันหลายอย่าง - ขี้อาย, ความประหม่า, ความอ่อนแอทางอารมณ์เล็กน้อย ทั้งคู่เป็น "คู่สมรสคนเดียว" ดังนั้นการล่มสลายของความรักจึงถูกมองว่าเป็นการล่มสลายของชีวิต
ทั้งสองวัฏจักรมีลักษณะทางเดียวในธรรมชาติ เพลงทั้งหมดเป็นสำนวน หนึ่งฮีโร่;
· ในทั้งสองวัฏจักร ภาพของธรรมชาติถูกเปิดเผยในหลาย ๆ ด้าน
· ในรอบแรกมีโครงเรื่องที่ชัดเจน แม้ว่าจะไม่มีการสาธิตการกระทำโดยตรง แต่ก็สามารถตัดสินได้โดยง่ายจากปฏิกิริยาของตัวเอก ประเด็นสำคัญที่เกี่ยวข้องกับการพัฒนาความขัดแย้ง (นิทรรศการ โครงเรื่อง จุดสำคัญ บทสรุป บทส่งท้าย) มีความโดดเด่นอย่างชัดเจน ไม่มีพล็อตเรื่องใน "Winter Journey" ละครรักเปิดฉาก ก่อนเพลงแรก ความขัดแย้งทางจิตใจ ไม่เกิดขึ้นในการพัฒนาและ มีอยู่ตั้งแต่แรกเริ่ม. ยิ่งใกล้ถึงจุดสิ้นสุดของวัฏจักรมากเท่าไหร่ ก็ยิ่งเห็นความชัดเจนที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ของข้อไขความที่น่าเศร้า
· วัฏจักรของ "The Beautiful Miller's Woman" แบ่งออกเป็นสองส่วนอย่างชัดเจน ในรายละเอียดมากขึ้นก่อน อารมณ์ที่สนุกสนานครอบงำ เพลงในที่นี้เล่าถึงการปลุกความรัก ความหวังอันสดใส ในช่วงครึ่งหลังอารมณ์เศร้าโศกทวีความรุนแรงขึ้นความตึงเครียดอย่างมากปรากฏขึ้น (เริ่มจากเพลงที่ 14 - "Hunter" - ละครเรื่องนี้ชัดเจน) ความสุขระยะสั้นของมิลเลอร์สิ้นสุดลง อย่างไรก็ตาม ความเศร้าโศกของ "ผู้หญิงสวยของมิลเลอร์" นั้นยังห่างไกลจากโศกนาฏกรรมที่รุนแรง บทส่งท้ายของวัฏจักรตอกย้ำสถานะของความโศกเศร้าที่สงบสุข ใน The Winter Journey ละครเรื่องนี้เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วและมีสำเนียงที่น่าเศร้าปรากฏขึ้น เพลงที่โศกเศร้ามีชัยเหนืออย่างชัดเจน และยิ่งงานใกล้จบเท่าไหร่ สีสันทางอารมณ์ก็ยิ่งสิ้นหวังมากขึ้นเท่านั้น ความรู้สึกของความเหงาและความปรารถนาจะเติมเต็มจิตสำนึกทั้งหมดของฮีโร่ จบในเพลงสุดท้ายและ "The Organ Grinder";
การตีความภาพธรรมชาติที่แตกต่างกัน ใน The Winter Journey ธรรมชาติไม่เห็นด้วยกับมนุษย์อีกต่อไป เธอไม่สนใจความทุกข์ของเขา ใน The Beautiful Miller's Woman ชีวิตของชายหนุ่มไม่อาจแยกจากชีวิตของชายหนุ่มได้ อันเป็นการแสดงให้เห็นถึงความสามัคคีของมนุษย์และธรรมชาติ (การตีความภาพธรรมชาติเช่นนี้เป็นเรื่องปกติของกวีพื้นบ้าน)
· ใน "The Beautiful Miller's Woman" ตัวละครอื่น ๆ จะถูกร่างโดยอ้อมพร้อมกับตัวละครหลัก ใน The Winter Journey จนถึงเพลงสุดท้าย ไม่มีนักแสดงตัวจริงนอกจากฮีโร่ เขาเหงามากและนี่คือหนึ่งในความคิดหลักของงาน ความคิดเรื่องความเหงาที่น่าเศร้าของบุคคลในโลกที่เป็นศัตรูกับเขาคือปัญหาสำคัญของศิลปะโรแมนติกทั้งหมด
· “Winter Way” มีโครงสร้างเพลงที่ซับซ้อนกว่ามากเมื่อเทียบกับเพลงในรอบแรก ครึ่งหนึ่งของเพลง "Beautiful Miller's Woman" เขียนขึ้นในรูปแบบคู่ (1,7,8,9,13,14,16,20) ส่วนใหญ่เผยให้เห็นอารมณ์เดียวโดยไม่มีความแตกต่างภายใน ในทางตรงกันข้าม "Winter Way" ทุกเพลง ยกเว้น "The Organ Grinder" มีความเปรียบต่างภายใน
Schuman: นอกจากเพลงเปียโนแล้ว เนื้อเพลงของเสียงร้องยังเป็นความสำเร็จสูงสุดของ Schumann เธอเหมาะอย่างยิ่งกับธรรมชาติที่สร้างสรรค์ของเขาเนื่องจาก Schumann ไม่เพียง แต่มีพรสวรรค์ด้านดนตรีเท่านั้น แต่ยังมีความสามารถด้านกวีอีกด้วย
Schumann รู้ดีถึงงานของกวีร่วมสมัย แต่กวีคนโปรดของนักแต่งเพลงคือไฮเนอ ซึ่งเขาแต่งกลอนถึง 44 เพลง โดยไม่ให้ความสนใจนักประพันธ์คนอื่นมากนัก ในบทกวีที่ร่ำรวยที่สุดของ Heine Schumann นักแต่งเพลงพบว่ามีมากมายในธีมที่ทำให้เขากังวลเสมอ - ความรัก; แต่ไม่เพียงแค่นั้น
การประพันธ์เพลงแชมเบอร์แชมเบอร์-โวคอลส่วนใหญ่ของ Schumann มีอายุย้อนไปถึงปี 1840 ("ปีแห่งเพลง") อย่างไรก็ตาม ความคิดสร้างสรรค์ในการร้องก็ถูกเติมเต็มในอนาคต
คุณสมบัติหลักของเพลงแกนนำของ Schumann:
· อัตวิสัยที่มากขึ้น, จิตวิทยา, เนื้อเพลงหลากหลายเฉด (จนถึงการประชดประชันและความสงสัยที่มืดมนซึ่งชูเบิร์ตไม่มี);
· เพิ่มความสนใจไปที่ข้อความและการสร้างเงื่อนไขสูงสุดสำหรับการเปิดเผยภาพกวี ความปรารถนาที่จะ "ถ่ายทอดความคิดของบทกวีแทบทุกคำ"เน้นทุกรายละเอียดทางจิตวิทยา ทุกจังหวะ ไม่ใช่แค่อารมณ์ทั่วไป
ในการแสดงออกทางดนตรี สิ่งนี้แสดงออกในการเสริมความแข็งแกร่งขององค์ประกอบการประกาศ
เพลงและคำที่ตรงกันทุกประการ เพลงของ Schumann ต่อคำพูดของกวีคนหนึ่งมักจะแตกต่างจากเพลงของเขาที่เกี่ยวข้องกับแหล่งอื่นเสมอ สำหรับผู้แต่ง ธรรมชาติของข้อความเอง ความซับซ้อนทางจิตวิทยา หลายมิติ และซับเท็กซ์ที่มีอยู่ในนั้น ซึ่งบางครั้งกลายเป็นว่ามีความสำคัญสำหรับเขามากกว่าคำพูดเอง มีความสำคัญมาก
บทบาทที่ยิ่งใหญ่ของส่วนเปียโน (เป็นเปียโนที่มักจะเผยให้เห็นความหวือหวาทางจิตวิทยาในบทกวี)
วงจรเสียง "รักของกวี"
งานหลักของ Schumann ที่เกี่ยวข้องกับกวีนิพนธ์ของ Heine คือวัฏจักร "ความรักของกวี" ใน Heine แนวคิดโรแมนติกทั่วไปที่สุดของ "ภาพลวงตาที่หายไป" "ความบาดหมางระหว่างความฝันกับความเป็นจริง" ถูกนำเสนอในรูปแบบของรายการไดอารี่ กวีบรรยายถึงตอนหนึ่งในชีวิตของเขาเองว่า "Lyrical Intermezzo" จากบทกวี 65 บทของไฮเนอ ชูมันน์เลือก 16 บท (รวมบทกวีแรกและบทสุดท้าย) ที่ใกล้เคียงที่สุดสำหรับตัวเขาเองและจำเป็นที่สุดสำหรับการสร้างแนวละครที่ชัดเจน ในชื่อเรื่องของวัฏจักรของเขา นักแต่งเพลงได้ตั้งชื่อตัวละครหลักในผลงานของเขาโดยตรง - กวี
เมื่อเทียบกับวัฏจักรของชูเบิร์ต ชูมันน์ได้เสริมหลักการทางจิตวิทยา โดยเน้นความสนใจทั้งหมดไปที่ "ความทุกข์ของหัวใจที่บาดเจ็บ" เหตุการณ์ การประชุม พื้นหลังของละคร จะถูกลบออก การเน้นที่การสารภาพทางวิญญาณทำให้เกิด "การตัดขาดจากโลกภายนอก" อย่างสมบูรณ์ในเพลง
แม้ว่า "ความรักของกวี" จะแยกออกไม่ได้จากภาพของธรรมชาติที่บานสะพรั่งในฤดูใบไม้ผลิ แต่ที่นี่ไม่เหมือนกับ "ผู้หญิงสวยของมิลเลอร์" ไม่มีการพรรณนา ตัวอย่างเช่น "นกไนติงเกล" ซึ่งมักพบในตำราของไฮเนอ จะไม่สะท้อนอยู่ในเพลง ความสนใจทั้งหมดมุ่งเน้นไปที่น้ำเสียงของข้อความซึ่งส่งผลให้เกิดการครอบงำของการเริ่มต้นที่เปิดเผย
ในด้านของเนื้อร้อง ความเป็นเอกเทศของชูเบิร์ต ซึ่งเป็นแก่นเรื่องหลักของงานของเขา ได้แสดงออกก่อนหน้านี้และเต็มที่ที่สุด เมื่ออายุได้ 17 ปี เขาก็กลายเป็นนักประดิษฐ์ที่โดดเด่นที่นี่ ในขณะที่งานบรรเลงยุคแรกๆ ไม่ได้มีความโดดเด่นในเรื่องความแปลกใหม่ที่สดใสเป็นพิเศษ
เพลงของชูเบิร์ตเป็นกุญแจสำคัญในการทำความเข้าใจงานทั้งหมดของเขา เพราะ นักแต่งเพลงใช้สิ่งที่เขาได้รับในการทำงานกับเพลงในแนวดนตรีอย่างกล้าหาญ ในเกือบทุกเพลงของเขา ชูเบิร์ตอาศัยภาพและวิธีการแสดงออกที่ยืมมาจากเนื้อร้อง หากใครสามารถพูดเกี่ยวกับ Bach ที่เขาคิดในหมวดความทรงจำ Beethoven ก็คิดใน sonatas แล้ว Schubert ก็คิด « ร้องเพลง".
ชูเบิร์ตมักใช้เพลงของเขาเป็นสื่อสำหรับผลงานบรรเลง แต่การใช้เพลงเป็นสื่อนั้นยังห่างไกลจากทุกสิ่ง เพลงไม่ได้เป็นเพียงวัสดุ เพลงเป็นหลัก -นี่คือสิ่งที่ทำให้ชูเบิร์ตแตกต่างจากรุ่นก่อน ท่วงทำนองเพลงที่ไหลลื่นอย่างกว้างขวางในซิมโฟนีและโซนาตาของชูเบิร์ตคือลมหายใจและอากาศของทัศนคติใหม่ นักแต่งเพลงได้เน้นย้ำถึงสิ่งที่ไม่ใช่สิ่งสำคัญในศิลปะคลาสสิกผ่านเพลง ซึ่งเป็นบุคคลที่อยู่ในแง่มุมของประสบการณ์ส่วนตัวในทันที อุดมคติคลาสสิกของมนุษยชาติถูกเปลี่ยนเป็นความคิดที่โรแมนติกของบุคคลที่มีชีวิตอยู่ "ตามที่เป็นอยู่"
ส่วนประกอบทั้งหมดของเพลงชูเบิร์ต - ท่วงทำนอง ความกลมกลืน การบรรเลงเปียโน การสร้าง - เป็นนวัตกรรมอย่างแท้จริง คุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของเพลงชูเบิร์ตคือเสน่ห์อันไพเราะอันยิ่งใหญ่ ชูเบิร์ตมีพรสวรรค์ที่ไพเราะเป็นพิเศษ: ท่วงทำนองของเขานั้นง่ายต่อการร้องและให้เสียงที่ยอดเยี่ยมเสมอ พวกเขาโดดเด่นด้วยความไพเราะและความต่อเนื่องของการไหล: พวกเขาแฉราวกับว่า "ในลมหายใจเดียว" บ่อยครั้งที่พวกเขาเปิดเผยพื้นฐานฮาร์มอนิกอย่างชัดเจน (ใช้การเคลื่อนไหวตามเสียงของคอร์ด) ในเรื่องนี้ ท่วงทำนองเพลงของชูเบิร์ตเผยให้เห็นความคล้ายคลึงกันกับทำนองเพลงพื้นบ้านของเยอรมันและออสเตรีย เช่นเดียวกับทำนองของนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา อย่างไรก็ตาม หากใน Beethoven ตัวอย่างเช่น การเคลื่อนไหวตามเสียงประสานนั้นสัมพันธ์กับการประโคมด้วยภาพลักษณ์ของวีรบุรุษ ดังนั้นใน Schubert มันจะเป็นโคลงสั้น ๆ ในธรรมชาติและเกี่ยวข้องกับบทสวดภายในพยางค์ "roulade" (ในเวลาเดียวกัน เวลา บทสวดของชูเบิร์ตมักจะถูกจำกัดให้เหลือสองเสียงต่อพยางค์ ) การออกเสียงสูงต่ำของบทสวดมักจะผสมผสานกับการพูดเชิงประณาม
เพลงของชูเบิร์ตเป็นแนวเพลงที่มีหลากหลายแง่มุม สำหรับแต่ละเพลง เขาพบวิธีแก้ปัญหาที่แปลกใหม่สำหรับการบรรเลงเปียโน ดังนั้นในเพลง "Gretchen at the Spinning Wheel" เพลงประกอบจะเลียนแบบเสียงหึ่งของแกนหมุน ในเพลง "Trout" ท่อนอาร์เพจจิที่สั้น ๆ คล้ายกับคลื่นแสงใน "เซเรเนด" - เสียงกีตาร์ อย่างไรก็ตาม หน้าที่ของอุปกรณ์เสริมไม่ได้จำกัดอยู่แค่การแสดงภาพเท่านั้น เปียโนสร้างพื้นหลังทางอารมณ์ที่เหมาะสมสำหรับท่วงทำนองเสียงร้องเสมอ ตัวอย่างเช่น ในเพลงบัลลาด "The Forest King" ส่วนเปียโนที่มีจังหวะแฝดสามของ Ostinato ทำหน้าที่หลายอย่าง:
- แสดงถึงภูมิหลังทางจิตวิทยาทั่วไปของการกระทำ - ภาพของความวิตกกังวลที่มีไข้
- แสดงให้เห็นถึงจังหวะของ "ก้าวกระโดด";
- รับรองความสมบูรณ์ของรูปแบบดนตรีทั้งหมดเนื่องจากได้รับการเก็บรักษาไว้ตั้งแต่ต้นจนจบ
รูปแบบของเพลงของชูเบิร์ตมีหลากหลาย ตั้งแต่โคลงธรรมดาจนถึงท่อน ซึ่งเป็นเพลงใหม่ในสมัยนั้น รูปแบบเพลงผ่านทำให้ความคิดทางดนตรีไหลเวียนได้อย่างอิสระ โดยมีรายละเอียดตามข้อความ ชูเบิร์ตเขียนเพลงมากกว่า 100 เพลงในรูปแบบผ่าน (เพลงบัลลาด) รวมถึง "Wanderer", "Premonition of a Warrior" จากคอลเลกชัน "Swan Song", "Last Hope" จาก "Winter Journey" เป็นต้น จุดสุดยอดของแนวเพลงบัลลาด - "ราชาแห่งป่า"สร้างขึ้นในช่วงแรกของความคิดสร้างสรรค์ ไม่นานหลังจาก Gretchen ที่ Spinning Wheel
"ราชาแห่งป่า"
เพลงบัลลาด "The Forest King" ของเกอเธ่เป็นฉากดราม่าที่มีข้อความโต้ตอบ การประพันธ์ดนตรีขึ้นอยู่กับรูปแบบการละเว้น บทละเว้นคือคำอุทานแสดงความสิ้นหวังของเด็ก และตอนต่างๆ เป็นคำอุทธรณ์ของราชาแห่งป่าสำหรับเขา ข้อความจากผู้เขียนเป็นบทนำและบทสรุปของเพลงบัลลาด เสียงท่วงทำนองสั้นๆ อันน่าตื่นเต้นของเด็กๆ ตรงกันข้ามกับวลีอันไพเราะของราชาแห่งป่า
อุทานของเด็กดำเนินการสามครั้งด้วยการเพิ่มขึ้นของ tessitura ของเสียงและการเพิ่มขึ้นของวรรณยุกต์ (g-moll, a-moll, h-moll) อันเป็นผลมาจากละครที่เพิ่มขึ้น วลีของ Forest King มีเสียงเป็นหลัก (ตอนที่ฉัน - ใน B-dur, 2 - ด้วยความเด่นของ C-dur) การแสดงครั้งที่สามของบทและการละเว้นถูกกำหนดโดย Sh. ในเพลงเดียว บท สิ่งนี้ยังบรรลุผลของการทำให้เป็นละคร (คอนทราสต์มาบรรจบกัน) เป็นครั้งสุดท้ายที่เสียงอุทานของเด็กดังขึ้นอย่างตึงเครียด
ในการสร้างความสามัคคีของรูปแบบการตัดขวาง ควบคู่ไปกับจังหวะคงที่ การจัดโทนเสียงที่ชัดเจนด้วยศูนย์วรรณยุกต์ g-moll บทบาทของส่วนเปียโนที่มีจังหวะ ostinato triplet นั้นยอดเยี่ยมเป็นพิเศษ นี่คือรูปแบบจังหวะของ perpetuum mobile เนื่องจากการเคลื่อนไหวของแฝดสามหยุดเป็นครั้งแรกก่อนการท่อง 3 เสียงสุดท้ายจากจุดสิ้นสุด
เพลงบัลลาด "The Forest King" รวมอยู่ในคอลเลคชันเพลง 16 เพลงแรกของชูเบิร์ตสำหรับคำพูดของเกอเธ่ซึ่งเพื่อนของผู้แต่งส่งถึงกวี เข้ามาที่นี่ด้วย "เกรตเชนที่วงล้อหมุน"โดดเด่นด้วยวุฒิภาวะเชิงสร้างสรรค์อย่างแท้จริง (1814)
"เกรตเชนที่วงล้อหมุน"
ในเฟาสต์ของเกอเธ่ เพลงของเกร็ตเชนเป็นตอนเล็กๆ ที่ไม่ได้อ้างว่าเป็นการพรรณนาถึงตัวละครนี้อย่างสมบูรณ์ ในทางกลับกัน Schubert ลงทุนในคุณลักษณะที่กว้างขวางและละเอียดถี่ถ้วน ภาพหลักของงานคือความโศกเศร้าที่ซ่อนเร้น แต่ซ่อนเร้น ความทรงจำ และความฝันแห่งความสุขที่ไม่อาจเข้าใจได้ ความคงอยู่ ความลุ่มหลงของความคิดหลักทำให้เกิดการซ้ำซ้อนของช่วงเริ่มต้น มันได้มาซึ่งความหมายของการละเว้น จับความไร้เดียงสาที่สัมผัสได้ ความไร้เดียงสาของรูปลักษณ์ของ Gretchen ความโศกเศร้าของ Gretchen นั้นห่างไกลจากความสิ้นหวัง ดังนั้นจึงมีร่องรอยของการตรัสรู้ในดนตรี (การเบี่ยงเบนจาก d-moll หลักไปยัง C-dur) ส่วนของเพลงที่สลับกับการละเว้น (มี 3 ส่วน) มีลักษณะของพัฒนาการ: พวกเขาถูกทำเครื่องหมายด้วยการพัฒนาท่วงทำนองที่กระตือรือร้นการเปลี่ยนแปลงของความไพเราะและจังหวะการเปลี่ยนสีโทนเสียงส่วนใหญ่ และถ่ายทอดความรู้สึกนึกคิด
ไคลแม็กซ์สร้างขึ้นจากการยืนยันภาพลักษณ์ของความทรงจำ (“...การจับมือกัน จูบของเขา”)
เช่นเดียวกับในเพลงบัลลาด "The Forest King" บทบาทของการบรรเลงประกอบมีความสำคัญมากที่นี่ ทำให้เกิดพื้นหลังของเพลง มันผสานทั้งลักษณะของการกระตุ้นภายในและภาพของวงล้อหมุนอย่างเป็นธรรมชาติ ธีมของส่วนเสียงร้องตามโดยตรงจากการแนะนำเปียโน
ในการค้นหาแผนการสำหรับเพลงของเขา ชูเบิร์ตหันไปหาบทกวีของกวีหลายคน (ประมาณ 100 คน) ซึ่งแตกต่างกันอย่างมากในด้านความสามารถ - จากอัจฉริยะเช่นเกอเธ่, ชิลเลอร์, ไฮเนอ ไปจนถึงกวีสมัครเล่นจากวงในของเขา (ฟรานซ์ โชเบอร์, เมเยอร์โฮเฟอร์ ). สิ่งที่เหนียวแน่นที่สุดคือความผูกพันกับเกอเธ่ในข้อความที่ชูเบิร์ตเขียนประมาณ 70 เพลง ตั้งแต่อายุยังน้อย นักแต่งเพลงก็หลงใหลในบทกวีของชิลเลอร์ด้วย (มากกว่า 50 คน) ต่อมาชูเบิร์ต "ค้นพบ" กวีโรแมนติกสำหรับตัวเอง - Relshtab ("Serenade"), Schlegel, Wilhelm Müllerและ Heine
เปียโนแฟนตาซี "ผู้พเนจร" กลุ่มเปียโน A-dur (บางครั้งเรียกว่า "ปลาเทราท์" เนื่องจากส่วน IV ที่นี่นำเสนอรูปแบบต่างๆ ในธีมของเพลงในชื่อเดียวกัน), quartet d-moll (ในส่วนที่ II ซึ่งเป็นทำนองเพลง ของเพลง "Death and the Maiden" ถูกนำมาใช้)
หนึ่งในรูปแบบที่มีรูปร่างคล้ายรอนโดซึ่งพัฒนาขึ้นเนื่องจากการรวมคำละเว้นในรูปแบบผ่านซ้ำ ๆ มันถูกใช้ในเพลงที่มีเนื้อหาเป็นรูปเป็นร่างที่ซับซ้อน โดยมีการแสดงเหตุการณ์ในข้อความด้วยวาจา
สองรอบเพลงที่แต่งโดยผู้แต่งในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต ( “มิลเลอร์สุดสวย”ในปี พ.ศ. 2366 , ทางฤดูหนาว "-ในปี ค.ศ. 1827) ถือเป็นหนึ่งในสุดยอดผลงานของเขา ทั้งสองมีพื้นฐานมาจากคำพูดของกวีโรแมนติกชาวเยอรมัน Wilhelm Müller
มิลเลอร์ที่ยอดเยี่ยมเพลงแรกเป็นเพลงที่ร่าเริงและไร้กังวลในวัยเยาว์ เต็มไปด้วยความหวังในฤดูใบไม้ผลิและความเข้มแข็งที่ยังเหลืออยู่ ครั้งที่ 1 "บนถนน"(“The Miller นำชีวิตที่เคลื่อนไหว”) เป็นหนึ่งในเพลงที่โด่งดังที่สุดของชูเบิร์ต ซึ่งเป็นเพลงสวดที่แท้จริงสำหรับการเร่ร่อน ความสุขที่ไม่เคยมีมาก่อน ความคาดหมายของการผจญภัยเป็นตัวเป็นตน ใน #2, "ที่ไหน?". ความรู้สึกแสงสีอื่นๆ ถูกบันทึกใน #7 "ความอดทน": ท่วงทำนองที่ฉับไวไร้ลมหายใจพร้อมการก้าวกระโดดครั้งใหญ่ นำมาซึ่งความมั่นใจในความรักนิรันดร์ ที่ ลำดับที่ 14 “ฮันเตอร์”, จุดเปลี่ยนเกิดขึ้น: ในจังหวะของการแข่งขัน, การเปลี่ยนที่ไพเราะ, ชวนให้นึกถึงเสียงเขาล่าสัตว์, ความวิตกกังวลแฝงอยู่ เต็มไปด้วยความสิ้นหวัง #15 "ความริษยาและความภาคภูมิใจ"; พายุแห่งความรู้สึก ความสับสนทางวิญญาณของฮีโร่สะท้อนอยู่ในเสียงพึมพำของกระแสน้ำ ภาพของกระแสน้ำปรากฏขึ้นอีกครั้งใน ลำดับที่ 19 "The Miller and the Stream". นี่คือฉากบทสนทนาที่ท่วงทำนองอันแสนเศร้าของฮีโร่ถูกต่อต้านโดยเวอร์ชันหลัก นั่นคือการปลอบใจของสตรีม ในตอนท้ายในการเผชิญหน้าระหว่างผู้เยาว์และผู้เยาว์ได้รับการยืนยันโดยคาดว่าจะถึงบทสรุปสุดท้ายของวงจร - ลำดับที่ 20 เพลงกล่อมสายน้ำ. เป็นซุ้มประตูที่มีหมายเลข 1: หากมีวีรบุรุษเต็มไปด้วยความหวังอันสนุกสนาน ออกเดินทางตามกระแสน้ำ บัดนี้เมื่อผ่านมรรคอันโศกเศร้าไปแล้ว เขาก็พบความสงบสุขที่ก้นลำธาร การร้องเพลงสั้นๆ ซ้ำๆ อย่างไม่รู้จบสร้างอารมณ์ของความปลดเปลื้อง การละลายในธรรมชาติ การลืมความเศร้าทั้งหมดไปชั่วนิรันดร์
เส้นทางฤดูหนาวสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2370 นั่นคือ 4 ปีหลังจาก The Beautiful Miller's Woman รอบที่สองของเพลงของชูเบิร์ตกลายเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของเนื้อร้องของโลก ข้อเท็จจริงที่ว่า The Winter Road สร้างเสร็จเพียงหนึ่งปีก่อนที่นักแต่งเพลงจะเสียชีวิต ทำให้เราสามารถพิจารณาได้ว่าสิ่งนี้เป็นผลมาจากงานของ Schubert ในประเภทเพลง (แม้ว่ากิจกรรมของเขาในด้านเพลงจะดำเนินต่อไปจนถึงปีสุดท้ายของชีวิตของเขา)
แนวคิดหลักของ "Winter Way" ถูกเน้นอย่างชัดเจนในเพลงแรกของวงจร แม้แต่ในวลีแรก: “ฉันมาที่นี่ในฐานะคนแปลกหน้า ออกจากดินแดนอย่างคนแปลกหน้า”เพลงนี้ - อันดับ 1 "หลับฝันดี"- ทำหน้าที่แนะนำโดยอธิบายให้ผู้ฟังทราบถึงสถานการณ์ของสิ่งที่เกิดขึ้น ดราม่าของพระเอกได้เกิดขึ้นแล้ว ชะตากรรมของเขาถูกกำหนดไว้ตั้งแต่แรกเริ่ม เขาไม่เห็นคนรักนอกใจของเขาอีกต่อไปและพูดถึงเธอในความคิดหรือความทรงจำเท่านั้น ความสนใจของนักแต่งเพลงมุ่งเน้นไปที่การอธิบายลักษณะความขัดแย้งทางจิตวิทยาที่ค่อยๆ เพิ่มขึ้น ซึ่งแตกต่างจาก "สาวสวยของมิลเลอร์" ที่มีมาตั้งแต่เริ่มแรก
ความคิดใหม่นี้ แน่นอน ต้องมีการเปิดเผยที่ต่างออกไป แตกต่างออกไป ละคร. ใน "การเดินทางในฤดูหนาว" ไม่ได้เน้นที่จุดเริ่มต้น จุดสุดยอด จุดเปลี่ยนที่แยกระหว่างการกระทำ "จากน้อยไปมาก" กับ "จากมากไปน้อย" เช่นเดียวกับในรอบแรก แต่กลับมีการกระทำจากมากไปน้อยอย่างต่อเนื่องซึ่งนำไปสู่ผลลัพธ์ที่น่าเศร้าอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ในเพลงสุดท้าย - "The Organ Grinder" บทสรุปของชูเบิร์ต (ตามหลังกวี) นั้นไร้ซึ่งแสงสว่าง นั่นคือเหตุผลที่เพลงแห่งธรรมชาติที่โศกเศร้ามีอิทธิพลเหนือกว่า เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าผู้แต่งเองเรียกวัฏจักรนี้ว่า "เพลงสยอง"
เนื่องจากความขัดแย้งในละครหลักของวัฏจักรคือการต่อต้านความเป็นจริงที่เยือกเย็นและความฝันอันสดใส เพลงหลายเพลงจึงถูกแต่งแต้มด้วยโทนสีอบอุ่น (เช่น "Linden", "Remembrance", "Spring Dream") จริงอยู่ในขณะเดียวกันผู้แต่งเน้นถึงธรรมชาติที่ลวงตา "ความหลอกลวง" ของภาพที่สว่างไสวมากมาย พวกเขาทั้งหมดอยู่นอกความเป็นจริง พวกเขาเป็นเพียงความฝัน ฝันกลางวัน (นั่นคือตัวตนทั่วไปของอุดมคติโรแมนติก) ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ภาพดังกล่าวจะปรากฏขึ้นตามกฎในสภาพของพื้นผิวที่เปราะบางโปร่งใสไดนามิกที่เงียบและมักจะเผยให้เห็นความคล้ายคลึงกันกับประเภทเพลงกล่อมเด็ก
นักแต่งเพลงเผชิญหน้ากับภาพที่แตกต่างอย่างสุดซึ้งด้วยความฉุนเฉียวอย่างที่สุด ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดคือ "ความฝันฤดูใบไม้ผลิ" เพลงเริ่มต้นด้วยการนำเสนอภาพของฤดูใบไม้ผลิที่บานสะพรั่งของธรรมชาติและความรักความสุข การเคลื่อนไหวที่เหมือนวอลทซ์ในทะเบียนสูง A-dur พื้นผิวที่โปร่งใสเสียงที่เงียบ - ทั้งหมดนี้ทำให้เพลงมีความเบามากชวนฝันและในเวลาเดียวกันก็มีตัวละครที่น่ากลัว รอยร้าวในส่วนเปียโนเป็นเหมือนเสียงนก ทันใดนั้น การพัฒนาของภาพนี้ถูกขัดจังหวะ ทำให้เกิดภาพใหม่ ซึ่งเต็มไปด้วยความเจ็บปวดทางวิญญาณและความสิ้นหวังอย่างลึกซึ้ง มันบ่งบอกถึงการตื่นขึ้นอย่างกะทันหันของฮีโร่และการกลับมาสู่ความเป็นจริงของเขา Major ไม่เห็นด้วยกับการใช้งานที่ไม่เร่งรีบ - จังหวะที่เร่งขึ้น, เพลงที่ราบรื่น - บทบรรยายสั้น ๆ, arpeggios ที่โปร่งใส - คอร์ดที่คมชัดแห้งและ "เคาะ" ความตึงเครียดที่รุนแรงก่อตัวขึ้นตามลำดับไปสู่จุดสูงสุด ff.
"Winter Way" เป็นความต่อเนื่องของ "The Beautiful Miller's Woman" เหมือนเดิม ทั่วไปคือ:
- แก่นของความเหงาการไม่สมหวังของคนธรรมดาเพื่อความสุข
- ลวดลายพเนจรที่เกี่ยวข้องกับชุดรูปแบบนี้ ลักษณะของศิลปะโรแมนติก ในทั้งสองรอบ ภาพของนักฝันเร่ร่อนเร่ร่อนปรากฏขึ้น
- เหมือนกันมากในตัวละครของตัวละคร - ความขี้ขลาด, ความประหม่า, ความอ่อนแอทางอารมณ์เล็กน้อย ทั้งคู่เป็น "คู่สมรสคนเดียว" ดังนั้นการล่มสลายของความรักจึงถูกมองว่าเป็นการล่มสลายของชีวิต
- วัฏจักรทั้งสองมีลักษณะทางเดียว เพลงทั้งหมดเป็นสำนวน หนึ่งฮีโร่;
- ในทั้งสองวัฏจักร ภาพของธรรมชาติถูกเปิดเผยออกมาในหลายๆ ด้าน
- รอบแรกมีโครงเรื่องชัดเจน แม้ว่าจะไม่มีการสาธิตการกระทำโดยตรง แต่ก็สามารถตัดสินได้โดยง่ายจากปฏิกิริยาของตัวเอก ประเด็นสำคัญที่เกี่ยวข้องกับการพัฒนาความขัดแย้ง (นิทรรศการ โครงเรื่อง จุดสำคัญ บทสรุป บทส่งท้าย) มีความโดดเด่นอย่างชัดเจน ไม่มีพล็อตเรื่องใน "Winter Journey" ละครรักเปิดฉาก ก่อนเพลงแรก ความขัดแย้งทางจิตใจ ไม่เกิดขึ้นในการพัฒนาและ มีอยู่เบื้องต้นยิ่งใกล้ถึงจุดสิ้นสุดของวัฏจักรมากเท่าไหร่ ก็ยิ่งเห็นความชัดเจนที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ของข้อไขความที่น่าเศร้า
- วัฏจักรของ The Beautiful Miller's Woman แบ่งออกเป็นสองส่วนอย่างชัดเจน ในรายละเอียดมากขึ้นก่อน อารมณ์ที่สนุกสนานครอบงำ เพลงในที่นี้เล่าถึงการปลุกความรัก ความหวังอันสดใส ในช่วงครึ่งหลังอารมณ์เศร้าโศกทวีความรุนแรงขึ้นความตึงเครียดอย่างมากปรากฏขึ้น (เริ่มจากเพลงที่ 14 - "Hunter" - ละครเรื่องนี้ชัดเจน) ความสุขระยะสั้นของมิลเลอร์สิ้นสุดลง อย่างไรก็ตาม ความเศร้าโศกของ "ผู้หญิงสวยของมิลเลอร์" นั้นยังห่างไกลจากโศกนาฏกรรมที่รุนแรง บทส่งท้ายของวัฏจักรตอกย้ำสถานะของความโศกเศร้าที่สงบสุข ใน The Winter Journey ละครเรื่องนี้เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วและมีสำเนียงที่น่าเศร้าปรากฏขึ้น เพลงที่โศกเศร้ามีชัยเหนืออย่างชัดเจน และยิ่งงานใกล้จบเท่าไหร่ สีสันทางอารมณ์ก็ยิ่งสิ้นหวังมากขึ้นเท่านั้น ความรู้สึกของความเหงาและความปรารถนาจะเติมเต็มจิตสำนึกทั้งหมดของฮีโร่ จบในเพลงสุดท้ายและ "The Organ Grinder";
- การตีความภาพธรรมชาติที่แตกต่างกัน ใน The Winter Journey ธรรมชาติไม่เห็นด้วยกับมนุษย์อีกต่อไป เธอไม่สนใจความทุกข์ของเขา ใน The Beautiful Miller's Woman ชีวิตของชายหนุ่มไม่อาจแยกจากชีวิตของชายหนุ่มได้ อันเป็นการแสดงให้เห็นถึงความสามัคคีของมนุษย์และธรรมชาติ (การตีความภาพธรรมชาติเช่นนี้เป็นเรื่องปกติของกวีพื้นบ้าน) นอกจากนี้กระแสน้ำยังเป็นตัวกำหนดความฝันของคู่ชีวิตซึ่งความโรแมนติกกำลังมองหาอย่างเข้มข้นท่ามกลางความเฉยเมยรอบตัวเขา
- ใน "The Beautiful Miller's Woman" ตัวละครอื่น ๆ จะถูกร่างโดยอ้อมพร้อมกับตัวละครหลัก ใน The Winter Journey จนถึงเพลงสุดท้าย ไม่มีนักแสดงตัวจริงนอกจากฮีโร่ เขาเหงามากและนี่คือหนึ่งในความคิดหลักของงาน ความคิดเรื่องความเหงาที่น่าเศร้าของบุคคลในโลกที่เป็นศัตรูกับเขาคือปัญหาสำคัญของศิลปะโรแมนติกทั้งหมด สำหรับเธอแล้ว ความโรแมนติกทั้งหมดถูก "ดึงดูด" และชูเบิร์ตเป็นศิลปินคนแรกที่เปิดเผยธีมนี้ในดนตรีได้อย่างยอดเยี่ยม
- "Winter Way" มีโครงสร้างเพลงที่ซับซ้อนกว่ามาก เมื่อเทียบกับเพลงในรอบแรก ครึ่งหนึ่งของเพลง "Beautiful Miller's Woman" เขียนขึ้นในรูปแบบคู่ (1,7,8,9,13,14,16,20) ส่วนใหญ่เผยให้เห็นอารมณ์เดียวโดยไม่มีความแตกต่างภายใน ในทางตรงกันข้าม "Winter Way" ทุกเพลง ยกเว้น "The Organ Grinder" มีความเปรียบต่างภายใน
งานร้องของ Robert Schumann "ความรักของกวี"
นอกจากเพลงเปียโนแล้ว เนื้อเพลงของเสียงร้องยังเป็นความสำเร็จสูงสุดของ Schumann เธอเหมาะอย่างยิ่งกับธรรมชาติที่สร้างสรรค์ของเขาเนื่องจาก Schumann ไม่เพียง แต่มีพรสวรรค์ด้านดนตรีเท่านั้น แต่ยังมีความสามารถด้านกวีอีกด้วย เขาโดดเด่นด้วยมุมมองทางวรรณกรรมที่ยอดเยี่ยม ความอ่อนไหวอย่างมากต่อถ้อยคำในบทกวี ตลอดจนประสบการณ์ของเขาในฐานะนักเขียน
Schumann รู้จักงานของกวีร่วมสมัยเป็นอย่างดี - I. Eichendorff (“Circle of Songs” op. 39), A. Chamisso (“Love and Life of a Woman”), R. Burns, F. Rückert, J. Byron, G. X. Andersen และอื่น ๆ แต่กวีคนโปรดของนักแต่งเพลงคือ Heine ซึ่งเขาสร้างบทเพลง 44 เพลงโดยไม่สนใจผู้แต่งคนอื่นมากนัก ("Circle of Songs" op. 24, "The Poet's Love", เพลง "Lotus" จากวงจร "Myrtle "- ผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงของเนื้อเพลง) ในบทกวีที่ร่ำรวยที่สุดของ Heine Schumann นักแต่งเพลงพบว่ามีมากมายในธีมที่ทำให้เขากังวลเสมอ - ความรัก; แต่ไม่เพียงแค่นั้น
ในเพลงแกนนำของเขา Schumann เป็น Schubertian สืบสานประเพณีของไอดอลทางดนตรีของเขา ในเวลาเดียวกัน งานของเขาโดดเด่นด้วยคุณสมบัติใหม่มากมาย เมื่อเทียบกับเพลงของชูเบิร์ต
คุณสมบัติหลักของเพลงแกนนำของ Schumann:
- อัตวิสัยที่มากขึ้น, จิตวิทยา, เนื้อเพลงหลากหลายเฉด (จนถึงความประชดประชันและความสงสัยที่มืดมนซึ่งชูเบิร์ตไม่มี);
- การตั้งค่าที่ชัดเจนสำหรับล่าสุด บทกวีโรแมนติก
- เพิ่มความสนใจไปที่ข้อความและการสร้างเงื่อนไขสูงสุดสำหรับการเปิดเผยภาพกวี ความปรารถนาที่จะ "ถ่ายทอดความคิดของบทกวีแทบทุกคำ" , เน้นทุกรายละเอียดทางจิตวิทยา ทุกจังหวะ ไม่ใช่แค่อารมณ์ทั่วไป
- ในการแสดงออกทางดนตรี สิ่งนี้แสดงออกในการเสริมสร้างความเข้มแข็งขององค์ประกอบการประกาศ
- บทบาทที่ยิ่งใหญ่ของส่วนเปียโน (เป็นเปียโนที่มักจะเปิดเผยคำบรรยายทางจิตวิทยาในบทกวี)
งานหลักของ Schumann ที่เกี่ยวข้องกับกวีนิพนธ์ของ Heine คือวัฏจักร “ความรักของกวี”. ใน Heine แนวคิดโรแมนติกทั่วไปที่สุดของ "ภาพลวงตาที่หายไป" "ความบาดหมางระหว่างความฝันกับความเป็นจริง" ถูกนำเสนอในรูปแบบของรายการไดอารี่ กวีบรรยายถึงตอนหนึ่งในชีวิตของเขาเองว่า "Lyrical Intermezzo" จากบทกวี 65 บทของไฮเนอ ชูมันน์เลือก 16 บท (รวมบทกวีแรกและบทสุดท้าย) ที่ใกล้เคียงที่สุดสำหรับตัวเขาเองและจำเป็นที่สุดสำหรับการสร้างแนวละครที่ชัดเจน ในชื่อเรื่องของวัฏจักรของเขา นักแต่งเพลงได้ตั้งชื่อตัวละครหลักในผลงานของเขาโดยตรง - กวี
เมื่อเทียบกับวัฏจักรของชูเบิร์ต ชูมันน์ได้เสริมหลักการทางจิตวิทยา โดยเน้นความสนใจทั้งหมดไปที่ "ความทุกข์ของหัวใจที่บาดเจ็บ" เหตุการณ์ การประชุม พื้นหลังของละคร จะถูกลบออก การเน้นที่การสารภาพทางวิญญาณทำให้เกิด "การตัดขาดจากโลกภายนอก" อย่างสมบูรณ์ในเพลง
แม้ว่า "ความรักของกวี" จะแยกออกไม่ได้จากภาพของธรรมชาติที่บานสะพรั่งในฤดูใบไม้ผลิ แต่ที่นี่ไม่เหมือนกับ "ผู้หญิงสวยของมิลเลอร์" ไม่มีการพรรณนา ตัวอย่างเช่น "นกไนติงเกล" ซึ่งมักพบในตำราของไฮเนอ จะไม่สะท้อนอยู่ในเพลง
ความสนใจทั้งหมดมุ่งเน้นไปที่น้ำเสียงของข้อความซึ่งส่งผลให้เกิดการครอบงำของการเริ่มต้นที่เปิดเผย
№№ 1-3 พวกเขาวาดฤดูใบไม้ผลิแห่งความรักสั้น ๆ ที่เบ่งบานในจิตวิญญาณของกวีใน "วันพฤษภาคมที่ยอดเยี่ยม" ในข้อความกวีนิพนธ์ ภาพของธรรมชาติในฤดูใบไม้ผลิมีอิทธิพลเหนือในดนตรี - น้ำเสียงที่ไพเราะด้วยความเรียบง่ายและความไร้ศิลปะที่เกี่ยวข้องกับต้นกำเนิดพื้นบ้าน ยังไม่มีความคมชัด: อารมณ์อารมณ์ไม่ได้ไปไกลกว่าเนื้อเพลงเบา ๆ คีย์หลักที่คมชัดครอง
รอบเปิดเพลง "เมย์" ( "ในแสงแดดอันอบอุ่นของเดือนพฤษภาคม" ) เต็มไปด้วยสัมผัสพิเศษที่สั่นไหว (ในจิตวิญญาณของละคร "In the Evening" จาก "Fantastic Pieces") บทกวีทุกเฉดสีสะท้อนอยู่ในเพลงของเธอ - ความอ่อนล้าที่คลุมเครือ การตั้งคำถามอย่างกังวลใจ แรงกระตุ้นจากบทเพลง เช่นเดียวกับในเพลงส่วนใหญ่ ที่ถูกพัดพาโดยลมปราณของธรรมชาติ ความไพเราะและเนื้อสัมผัสที่โปร่งใส ซึ่งยึดตามรูปแบบที่ไพเราะและฮาร์โมนิก อารมณ์หลักของเพลงเน้นไปที่การละเว้นของเปียโน ซึ่งเริ่มต้นด้วยการหน่วงเวลาที่แสดงออกมา ทำให้เกิดความไม่ลงรอยกัน b.7 (ซึ่งเกิดท่วงทำนองเสียงร้องขึ้นด้วย) อารมณ์ไม่แน่นอน ความอ่อนล้า– ขีดเส้นใต้ด้วยความผันแปรของ fret-tonal (fis – A – D) ซึ่งเป็นตัวแปรหลักที่ยังไม่ได้แก้ไข น้ำเสียงที่แขวนอยู่บนน้ำเสียงเกริ่นนำดูเหมือนเป็นคำถามที่ค้างคา ทำนองเพลงที่มีจังหวะเบา ๆ และตอนจบที่นุ่มนวลในจังหวะที่อ่อนแอนั้นราบรื่น แบบคัพเล็ต
№ 2 “พวงหรีดดอกไม้หอม” - Andante โคลงสั้น ๆ ขนาดเล็ก - "การแช่" ครั้งแรกในโลกภายในของตัวเอง ใกล้เคียงกับตัวอย่างพื้นบ้านมากขึ้น การนำเสนอง่ายกว่า ดนตรีประกอบประกอบด้วยคอร์ดประสานเสียงที่เข้มงวดเกือบ ในส่วนของเสียงร้อง (ช่วงที่ จำกัด ด้วยช่วงที่หกเล็ก ๆ ) - การผสมผสานระหว่างความไพเราะที่ราบรื่นและการท่องที่เข้มข้น (การทำซ้ำของเสียง) แบบฟอร์มเป็นการบรรเลงสองส่วนขนาดเล็ก ไม่มีส่วนใด รวมทั้งการบรรเลง ท่วงทำนองเสียงจะจบลงอย่างมั่นคง ด้วยสิ่งนี้ เช่นเดียวกับ D fis-moll ที่ยังไม่ได้แก้ไขที่อยู่ตรงกลาง เพลงที่สองคล้ายกับคำถามที่ประทับใจของ "พฤษภาคม"
№ 3 "และดอกกุหลาบและดอกลิลลี่" - การแสดงความเบิกบานใจอย่างแท้จริง ความปิติยินดีเป็นพายุ ไม่ถูกบดบังด้วยความโศกเศร้าหรือประชดประชัน ท่วงทำนองของเสียงและเสียงคลอในกระแสน้ำที่ต่อเนื่องไม่มีการควบคุม ราวกับเป็นแรงกระตุ้นเพียงครั้งเดียวของการสารภาพรัก ดนตรียังคงไว้ซึ่งความสุภาพเรียบร้อยและไร้ศิลปะของเพลงแรก: การทำซ้ำหลายครั้งของท่วงทำนองที่ไร้เดียงสาที่ง่ายที่สุด, การประสานกันที่พอประมาณ (I - III - S - VII6), จังหวะการเต้นของ Ostinato, การเต้นรำแบบกลมไม่รู้จบ, ส่วนเปียโนเบาที่ไม่มีเบสทุ้มลึก
จากหมายเลข 4 - “ผมสบตาคุณ” - ธีมหลักของวงจร - "ความทุกข์ของหัวใจ" เริ่มพัฒนา วิญญาณเต็มไปด้วยความรัก แต่จิตสำนึกถูกวางยาพิษด้วยความรู้สึกเปราะบางและความสุขที่ไม่ยั่งยืน ดนตรีประกอบขึ้นด้วยความรู้สึกจริงจังและประเสริฐ โดยคงไว้ซึ่งจิตวิญญาณแห่งความสง่างาม ทำนองเดียวกัน ไดอะโทนิกบริสุทธิ์ การบรรยายที่ไพเราะ ความรุนแรงของแนวดิ่งของคอร์ดที่สื่อถึงความจริงจังอย่างลึกซึ้ง จุดสุดยอดทางดนตรีเน้นคำที่สำคัญที่สุดของบทกวี ในเวลาเดียวกัน Schumann ในลักษณะ Heinean ล้วนๆ ดูเหมือนว่าจะ "สลับ" ดนตรีและข้อความ: การเปลี่ยนแปลงและการกักขังที่กลมกลืนกันปรากฏขึ้นบนคำว่า "ฉันรักคุณ" ในขณะที่วลี "และฉันร้องไห้อย่างขมขื่นขมขื่น" ใช้สีอ่อน
การนำเสนอแบบโต้ตอบที่ใช้ในบทพูดคนเดียวแบบโคลงสั้น ๆ นี้จะได้รับการพัฒนาในฉบับที่ 13 - "ในความฝัน ฉันร้องไห้อย่างขมขื่น"
№ 5 "ในดอกลิลลี่สีขาวเหมือนหิมะ" - เพลงรองแรกของรอบ ความรู้สึกหลักในมันคือความอ่อนโยนลึก ดนตรีเต็มไปด้วยความตื่นเต้นทางอารมณ์ ท่วงทำนองเพลงที่มีเสน่ห์นั้นเรียบง่ายอย่างน่าประหลาดใจ มันทอจากน้ำเสียงที่นุ่มนวลเป็นขั้นตอนไม่กว้างไปกว่าสามส่วน (ช่วงถูกจำกัดด้วยช่วงที่หกเล็กน้อย) เปียโนคลอไปด้วยเสียงเพลง เสียงไพเราะตอนบนของเขาถูกมองว่าเป็น "เพลงดอกไม้" ซึ่งสะท้อนบทพูดคนเดียวของฮีโร่ แบบฟอร์มเป็นระยะ ในเปียโน postlude การแสดงออกจะเข้มข้นขึ้นอย่างรวดเร็ว: เส้นไพเราะกลายเป็นสี ความกลมกลืนจะไม่เสถียร
№ 6 "เหนือแม่น้ำไรน์อันสว่างไสว" - โดดเด่นด้วยความเคร่งขรึมที่เคร่งครัดและการปรากฏตัวของมหากาพย์ที่มีลักษณะเฉพาะของเยอรมัน ในบทกวีของ Heine ภาพอันตระการตาของแม่น้ำไรน์อันยิ่งใหญ่และโคโลญโบราณเกิดขึ้น ใบหน้าที่สวยงามของมาดอนน่าแห่งมหาวิหารโคโลญ กวีเห็นคุณลักษณะของผู้เป็นที่รักของเขา จิตวิญญาณของเขามุ่งขึ้นสู่แหล่ง "นิรันดร์" ของความงามทางจิตวิญญาณ ความอ่อนไหวของ Schumann ต่อแหล่งบทกวีนั้นน่าทึ่ง เพลงนี้มีสไตล์ในสไตล์เก่า ชวนให้นึกถึงการเรียบเรียงเพลงของ Bach ประเภทนี้ไม่เพียงแต่จะได้รสชาติของสมัยโบราณเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความเข้มงวด ความสมดุลและความหลงใหล ธีมเสียงร้องนั้นเรียบง่ายและน่าเศร้าอย่างสง่าผ่าเผย ในดอกยางที่ราบรื่นไม่เร่งรีบของเธอ - ความไม่ยืดหยุ่นและความแข็งแกร่งของจิตใจ ส่วนของเปียโนนั้นแปลกมาก โดยผสมผสานจังหวะจุดและการเคลื่อนไหวช้าของเบส passacal (เป็นจังหวะที่ใกล้เคียงกับ Bach เป็นพิเศษ)
ความสำคัญของเพลงนี้เตรียมเพลงต่อไป - บทคนเดียว "ฉันไม่ได้โกรธ" (ลำดับที่ 7) ซึ่งเป็นจุดเปลี่ยนในการพัฒนาวัฏจักร ความขมขื่นและความเศร้าโศกของเขาดูเหมือนจะแทรกซึมเข้าไปในเพลงที่เหลือ อารมณ์หลักของข้อความกวีคือการระงับความทุกข์ทรมานความสิ้นหวังอย่างดื้อรั้นซึ่งถูกยับยั้งด้วยความพยายามอย่างใหญ่หลวง ทั้งเพลงเต็มไปด้วยจังหวะ ostinato ของการบรรเลง - การเคลื่อนไหวของคอร์ดอย่างต่อเนื่องในแปดขึ้นอยู่กับการเคลื่อนไหวของเบสที่วัดได้ ในภาพของการปลดออกอย่างกล้าหาญและความทุกข์ที่ถูกจำกัด เช่นเดียวกับรายละเอียดบางอย่างของพื้นผิวและความกลมกลืน (ลำดับไดอะโทนิก) มีความใกล้ชิดกับบาค ประการแรกคือความสามัคคีที่สร้างความรู้สึกของโศกนาฏกรรม มันมีพื้นฐานมาจากความไม่ลงรอยกันอย่างต่อเนื่อง คีย์ของ C-dur ที่คาดไม่ถึงมากในบทพูดคนเดียวที่ดราม่า ซึ่งรวมเอาฮาร์โมนีเล็กๆ มากมาย (ส่วนใหญ่เป็น 7 คอร์ด) และการเบี่ยงเบนเป็นคีย์ย่อย ท่วงทำนองที่ละเอียดและยืดหยุ่นของบทพูดคนเดียวมีลักษณะเฉพาะด้วยการผสมผสานระหว่างความไพเราะกับการประกาศ วลีแรกของเธอที่มีควอร์ตจากน้อยไปมากฟังดูสงบและกล้าหาญ แต่จากนั้นการย้ายไปยัง bVI ที่ขยายออกไปซึ่งเป็นวินาทีจากมากไปน้อยเผยให้เห็นความเศร้าโศก เมื่อเราเคลื่อนไปสู่จุดไคลแม็กซ์ (ในการบรรเลงของรูปแบบบางส่วน 3x) การเคลื่อนไหวที่ไพเราะจะต่อเนื่องมากขึ้นเรื่อยๆ ดูเหมือนว่าในคลื่นของลำดับจากน้อยไปมาก (ส่วนตรงกลางและโดยเฉพาะอย่างยิ่งการบรรเลง) ความเศร้าโศกพร้อมที่จะพังทลายแล้ว แต่ซ้ำแล้วซ้ำอีกเหมือนการสะกดคำที่เน้นย้ำอย่างต่อเนื่องและ จำกัด คำสำคัญของข้อความนั้นซ้ำแล้วซ้ำอีก
“ ฉันไม่โกรธ” แบ่งวงจรออกเป็นสองส่วน: ครั้งแรกกวีเต็มไปด้วยความหวังในครั้งที่สองเขาเชื่อว่าความรักนำมาซึ่งความขมขื่นของความผิดหวังเท่านั้น การเปลี่ยนแปลงนี้ส่งผลต่อองค์ประกอบทางดนตรีทั้งหมด และเหนือสิ่งอื่นใดในเพลงประเภทเดียวกัน หากเพลงแรกพัฒนาภาพลักษณ์ที่เป็นหนึ่งเดียวจากนั้นเริ่มจากเพลงที่ 8 "การแตก" ทางอารมณ์ในตอนท้ายของงาน (ในการบรรเลงหรือบ่อยครั้งมากขึ้นในโค้ด) จะกลายเป็นลักษณะเฉพาะโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดเจนในเพลงเบา ดังนั้นในเพลงที่ 8 (“โอ้ ถ้าดอกไม้เดาได้”) ซึ่งมีลักษณะของการบ่นที่อ่อนโยน คำพูดสุดท้ายที่พูดถึงความอกหักของกวี จึงมีการเปลี่ยนเนื้อสัมผัสที่เฉียบคมและคาดไม่ถึง (เทคนิคเดียวกันนี้ใช้ในสามเพลงสุดท้าย) เปียโน postlude ที่เต็มไปด้วยความตื่นเต้นเร้าใจ ถือเป็นเสียงสะท้อนทางอารมณ์ของสิ่งที่พูด อย่างไรก็ตาม บทนำและบทสรุปของเปียโนมีบทบาทสำคัญอย่างยิ่งในพรมปูพื้นที่สองของวัฏจักร บางครั้งพวกเขาทำให้เพลงมีเฉดสีที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงโดยเผยให้เห็นความหวือหวาทางจิตวิทยา
ยิ่งใกล้ถึงจุดสิ้นสุดของวงจร ยิ่งเพิ่มความเปรียบต่างระหว่างเพลงใกล้เคียงมากขึ้น - 8 และ 9, 10 และ 11 โดยเฉพาะอย่างยิ่ง 12 และ 13 สีเข้มจะหนาขึ้นเช่นกันเมื่อเปลี่ยนจากปุ่มแบบแหลมเป็นปุ่มแบน
№ 9 – "ไวโอลินมีเสน่ห์ด้วยท่วงทำนอง" ข้อความของ Heine อธิบายภาพลูกแต่งงาน เดาได้แค่ความทุกข์ของกวีในความรัก เนื้อหาดนตรีหลักเน้นในส่วนของเปียโน นี่คือเพลงวอลทซ์ที่มีแนวท่วงทำนองที่เป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ ในท่วงทำนองที่หมุนวนอย่างต่อเนื่อง รู้สึกถึงการฟื้นฟูและความเศร้าโศก
ซึ้งและจริงใจมากพร้อมดนตรีประกอบที่โปร่งใส เพลงที่ 10 - “ฉันได้ยินเสียงเพลงไหม” - ถูกมองว่าเป็นความทรงจำที่น่าตื่นเต้นของความฝันที่ไม่สำเร็จ เพลงนี้เป็นเพลงที่เกี่ยวกับ "เพลงที่คนรักร้อง" ซึ่งบอกไว้ในบทกวีของไฮเนอ ความตื่นเต้นของโพสต์ลูดเปียโนเป็นการตอบสนองต่อประสบการณ์นั้น การระเบิดของความเศร้าโศก
ค่อนข้างแตกต่าง - หมายเลข 11 “เขารักเธอหมดใจ” บทกวี "ในโกดังพื้นบ้าน" ยังคงไว้ซึ่งน้ำเสียงเยาะเย้ยถากถาง Heine เล่าเรื่องราวความรักที่ซับซ้อนอีกครั้งในลักษณะที่จงใจให้ง่ายขึ้น ประโยคสุดท้ายที่พูดถึง "อกหัก" กลับเป็นเรื่องจริงจัง Schumann พบวิธีแก้ปัญหาที่แม่นยำมากสำหรับเพลง ภาษาดนตรีของเธอโดดเด่นด้วยความเรียบง่ายโดยเจตนา: ท่วงทำนองที่ไม่ซับซ้อน "ห้าว" พร้อมเสียงที่เปล่งออกมาชัดเจน ความกลมกลืนที่พอประมาณ (T-D) จังหวะที่เคอะเขินเล็กน้อยพร้อมการเน้นเสียงในจังหวะที่อ่อนแอ การบรรเลงโดยประมาทในลักษณะของการเต้น อย่างไรก็ตาม บทสรุปเน้นโดยการปรับจังหวะอย่างกะทันหัน ทำให้จังหวะช้าลง ความกลมกลืนที่คมชัด และแนวท่วงทำนองที่นุ่มนวล แล้วอีกครั้ง - จังหวะและการแสดงเปียโนที่ไม่แยแสอย่างไม่แยแส สิ่งนี้สร้างอารมณ์พื้นฐานของ "เรื่องสนุก" ที่หวือหวาขม
№ 12 – “เจอกันที่สวนแต่เช้า” - ราวกับหวนคืนสู่จุดเริ่มต้นของวัฏจักรสู่ความสดชื่นของอารมณ์ "เช้า" ของเพลงแรก เช่นเดียวกับเธอ เธอทุ่มเทให้กับการไตร่ตรองถึงความงามอันเป็นนิรันดร์ของธรรมชาติ ตัวละครเบาสง่างามประเสริฐ รูปแบบไพเราะนั้นเข้มงวดและบริสุทธิ์สีที่กลมกลืนกันนั้นนุ่มนวลอย่างน่าประหลาดใจและอ่อนโยนอย่างมีเสน่ห์และเสียงประกอบนั้น "ไหล" ท่อนหลังของเปียโนที่สงบและเต็มไปด้วยอารมณ์ของเพลงนี้จะดังขึ้นอีกครั้งเมื่อสิ้นสุดรอบ เป็นการตอกย้ำภาพลักษณ์ของความฝันอันแสนโรแมนติก
เปรียบเทียบเพลงนี้กับเพลงถัดไป ลำดับที่ 13 - "ในความฝันฉันร้องไห้อย่างขมขื่น" , สร้างคอนทราสต์ที่คมชัดที่สุดในองค์ประกอบทั้งหมด นี่คือจุดไคลแม็กซ์ของวัฏจักร (หลังจาก "ฉันไม่โกรธ") ซึ่งเป็นหนึ่งในเพลงที่น่าเศร้าที่สุดของแมนน์ โศกนาฏกรรมอันน่าตื่นตะลึงของบทพูดคนเดียวนี้มีความชัดเจนอย่างยิ่งโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเทียบกับท่อนหลังของเพลงก่อนหน้า ถ้อยแถลงที่นี่เด่นชัดกว่าคำว่า "ฉันไม่โกรธ" ทั้งเพลงเป็นการบรรยาย โดยวลีที่โศกเศร้าของเสียงนั้นสลับกับคอร์ดเปียโนที่หูหนวกอย่างกะทันหันในระดับเสียงต่ำ การพัฒนาท่วงทำนองที่มีการซ้ำซ้อนของเสียงเดียวจะดำเนินการราวกับว่าใช้ความพยายามการเคลื่อนไหวลงล่างมีอิทธิพลเหนือการขึ้นนั้นยาก จากนี้ แยกฟังดูมีความรู้สึกที่อัศจรรย์อย่างยิ่งของการแยกส่วนอันน่าสลดใจ ความเหงา อารมณ์ที่น่าเศร้าถูกเน้นโดยโทนสี - es-moll - ที่มืดที่สุดของผู้เยาว์ซึ่งนอกจากนี้ยังใช้การเปลี่ยนแปลงที่ลดลง
ในเพลง “เรื่องเก่าที่ถูกลืม”ภาพโรแมนติกของ "ป่าเยอรมัน" ที่มีเขาล่าสัตว์เอลฟ์เติบโตขึ้น แนวเพลงบัลลาดที่น่าอัศจรรย์เบา ๆ คล้าย scherzo นี้ทำให้อีกเรื่องหนึ่ง - เศร้าหมองแดกดัน เปิดเผยในเพลงสุดท้าย - “คุณมันปีศาจ เพลงชั่วร้าย”. และอีกครั้ง - ความอ่อนไหวที่น่าอัศจรรย์ของ Schumann ต่อข้อความบทกวี: Heine หันไปใช้อติพจน์โดยเจตนา, ความมีสติสัมปชัญญะที่ยอดเยี่ยมในการเปรียบเทียบดังนั้นจึงรู้สึกถึงการควบคุมตนเองที่ดีในดนตรี นี่คือการเดินขบวนที่มืดมนด้วยจังหวะการไล่ล่า ท่วงทำนองที่ไพเราะอย่างมั่นใจ และจังหวะที่ชัดเจน เฉพาะตอนท้ายของเพลงเมื่อปรากฎว่าความรักของกวีถูกฝังไว้หน้ากากแดกดันก็ลดลง: ใน Adagio ตัวน้อยใช้เทคนิค "การเปลี่ยนแปลงทางอารมณ์" - ดนตรีใช้ตัวละครที่ลึกล้ำ ความเศร้าโศก. แล้วก็เปลี่ยนอีก คราวนี้ไปในทิศทางตรงกันข้าม เปียโนพัฒนาดนตรีด้วยความรู้แจ้งและไตร่ตรองอย่างรอบคอบ ภาพเอฟพี ท่อนเพลงที่ 12 เป็นภาพแห่งธรรมชาติที่ปลอบโยนและความฝันอันแสนโรแมนติก
วัฏจักรของ Heine จบลงด้วยความสงสัยอย่างรวดเร็วด้วยการอำลา "เพลงชั่วร้าย" เช่นเดียวกับข้อ 11 ละครหัวใจถูกซ่อนไว้ภายใต้การประชดประชัน กวีเปลี่ยนทุกอย่างให้กลายเป็นเรื่องตลกโดยตั้งใจทำให้ความซับซ้อนง่ายขึ้น: เขาจะปฏิเสธทั้งความรักและความทุกข์ ความสุขุมที่ยอดเยี่ยมในการเปรียบเทียบที่ Heine อนุญาตให้ Schumann อิ่มเอมกับเพลงด้วยการควบคุมตนเองที่ยอดเยี่ยม เพลงของการเดินขบวนที่มืดมนถูกทำเครื่องหมายด้วยจังหวะการไล่ล่า ท่วงทำนองที่ไพเราะและมั่นใจ (ในตอนแรก เฉพาะตามขั้นตอนหลักของโหมด) แสดงความสัมพันธ์แบบ T-D อย่างชัดเจนพร้อมข้อความที่ขีดเส้นใต้ของยาชูกำลังและจังหวะที่ชัดเจน
อย่างไรก็ตาม ในตอนจบของเพลง เมื่อปรากฏว่าความรักของกวีถูกฝังไว้ หน้ากากที่น่าขันก็ถูกทิ้ง ใน Adagio ที่เล็กแต่ลึกล้ำ ซึ่งเป็นวลีที่จริงใจและซึ้งตรึงใจจากเพลงแรกของรอบ จู่ ๆ ก็ปรากฏขึ้นรับลักษณะของความเศร้าโศกลึก (เทคนิคของ "การเปลี่ยนแปลงทางอารมณ์") แล้วก็มี "ทางเลี้ยว" อีกครั้ง คราวนี้เป็นไปในทิศทางตรงกันข้ามอย่างสิ้นเชิง ด้วยความรู้แจ้งและครุ่นคิด เปียโนพัฒนาภาพดนตรีของเปียโนหลังเพลงที่ 12 - ภาพของธรรมชาติที่ปลอบโยนและความฝันอันแสนโรแมนติก มันถูกมองว่าเป็นคำต่อท้ายคำจากผู้เขียน หากไฮเนอทำวัฏจักรเสร็จดังเช่นที่เคยเป็นด้วยคำพูดของ Florestan ดังนั้น Schumann - ในนามของ Euzebius ความรักซึ่งอยู่เหนือความอาฆาตพยาบาทในสมัยนั้น เป็นอมตะและเป็นนิรันดร์ สวยงามแม้ต้องทนทุกข์ทรมาน
เพลงเปียโนโดย Robert Schumann "คาร์นิวัล"
Schumann อุทิศเวลา 10 ปีแรกของการแต่งเพลงให้กับดนตรีเปียโน - อายุน้อยที่กระตือรือร้นของเขาเต็มไปด้วยความกระตือรือร้นและความหวังที่สร้างสรรค์ (30s) ในพื้นที่นี้ โลกส่วนตัวของ Schumann ได้เปิดออกและผลงานที่โดดเด่นที่สุดในสไตล์ของเขาก็ปรากฏขึ้น เหล่านี้คือ Carnival, Symphonic Etudes, Kreisleriana, Fantasia C-dur, Davidsbündler Dances, Novelettes, Fantastic Pieces, ฉากเด็ก, Night Pieces เป็นต้น เป็นเรื่องน่าทึ่งที่ผลงานชิ้นเอกเหล่านี้ปรากฏขึ้นอย่างแท้จริง 3-4 ปีหลังจากที่ Schumann เริ่มแต่ง - ในปี 1834-35 นักเขียนชีวประวัติของนักแต่งเพลงเรียกปีเหล่านี้ว่า "ช่วงเวลาแห่งการต่อสู้เพื่อคลารา" เมื่อเขาปกป้องความรักของเขา ไม่น่าแปลกใจเลยที่งานเปียโนของ Schumann หลายชิ้นจะเปิดเผยประสบการณ์ส่วนตัวของเขาและเป็นอัตชีวประวัติในธรรมชาติ (เช่นเดียวกับงานโรแมนติกอื่นๆ) ตัวอย่างเช่น นักแต่งเพลงได้อุทิศ First Piano Sonata ให้กับ Clara Wieck ในนามของ Florestan และ Eusebius
"Carnival" เขียนในรูปแบบวัฏจักรซึ่งรวมหลักการของชุดโปรแกรมและรูปแบบอิสระ ห้องสวีทนี้แสดงให้เห็นความแตกต่างของชิ้นงานที่หลากหลาย มัน:
- มาสก์คาร์นิวัล - ตัวละครดั้งเดิมของเดลอาร์ทตลกอิตาลี;
- ภาพเหมือนดนตรีของdavidsbündlers;
- ภาพวาดของใช้ในครัวเรือน - "เดิน", "การประชุม", "การรับรู้";
- การเต้นรำที่เสริมภาพลักษณ์โดยรวมของงานรื่นเริง ("Noble Waltz", "German Waltz") และ "ฉากมวลชน" สองฉากที่ล้อมรอบวัฏจักรรอบขอบ ("บทนำ" และ "March of the Davidsbündlers") สุดท้าย
ให้เราเพิ่มว่าในวัฏจักรนี้ แมนน์แมนจะแสดงรูปแบบของการผันแปรราวกับว่าถอยหลัง: ขั้นแรกเขาสร้างรูปแบบต่างๆ และจากนั้นก็แนะนำให้เรารู้จักกับลวดลายดั้งเดิมเท่านั้น ยิ่งไปกว่านั้น ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะ เขาไม่ยืนกรานในภาระหน้าที่ในการฟังพวกเขา ("สฟิงซ์" ที่กำหนดไว้ในย่อ)
ในเวลาเดียวกัน “คาร์นิวัลถูกทำเครื่องหมายด้วยความสามัคคีภายในที่แข็งแกร่งมากซึ่งมีพื้นฐานมาจากการเปลี่ยนแปลงของบรรทัดฐานหนึ่งเรื่อง - เถ้า. มีอยู่ในละครแทบทุกเรื่อง ยกเว้น "ปากานินี" "หยุด" และตอนจบ ในช่วงครึ่งแรกของวัฏจักร (หมายเลข 2–9) ตัวแปร A-Es-C-H จะครอบงำด้วยหมายเลข 10 As-C-H
"คาร์นิวัล" ถูกล้อมรอบด้วยฉากการแสดงละครที่เคร่งขรึม (ค่อนข้างน่าขัน - ¾มีนาคม) ในเวลาเดียวกัน "March of the Davidsbündlers" ไม่เพียงแต่สร้างโทนเสียงเท่านั้น แต่ยังสร้างส่วนโค้งของบทเพลงบรรเลงด้วย "Preamble" ด้วย ประกอบด้วยตอนที่เลือกจาก "บทนำ" (Animato molto, Vivo และ stretta สุดท้าย) ในผลงานชิ้นสุดท้าย เหล่า Davidsbündlers จะได้รับการนำเสนอในรูปแบบของการเดินขบวนอันเคร่งขรึม และชาวฟิลิสเตียที่มี Grossvater สมัยเก่าก็นำเสนอด้วยความซุ่มซ่ามโดยเจตนา
ปัจจัยการรวมที่สำคัญก็คือการกลับมาของการเคลื่อนไหววอลทซ์เป็นระยะ (ประเภทวอลทซ์เป็นการละเว้น)
บางชิ้นไม่มีตอนจบที่เสถียร ("Eusebius", "Florestan", "Chopin", "Paganini", "Pause") บทประพันธ์ของ "Coquette" เป็นแบบสามแท่งซึ่งทำให้ชิ้นส่วน "Florestan" สมบูรณ์ แถบสามแถบเดียวกันไม่เพียงแต่ทำให้ "Coquette" สมบูรณ์ แต่ยังสร้างพื้นฐานของย่อส่วนถัดไปด้วย ("การสนทนา", "หมายเหตุ")
วงจรเสียงร้องของ Franz Schubert "Winter Journey"
ถึงโองการของ Wilhelm Müller แปลโดย Sergei Zayaitsky
แสดงโดย:
เอดูอาร์ด คิล (บาริโทน),
Semyon Skigin - (เปียโน)
ประวัติความเป็นมาของการสร้าง
ชูเบิร์ตสร้างวงจรเสียงที่สองขึ้นในปีสุดท้ายของชีวิต เต็มไปด้วยเหตุการณ์ที่น่าเศร้า นักแต่งเพลงสูญเสียความหวังในการเผยแพร่ผลงานของเขาในเยอรมนีและสวิตเซอร์แลนด์ ในเดือนมกราคม เขาได้เรียนรู้ว่าความพยายามอีกครั้งเพื่อให้ได้ตำแหน่งถาวรเพื่อที่จะมีรายได้ที่มั่นคงและสร้างรายได้อย่างอิสระนั้นไม่ประสบความสำเร็จ เขาเป็นที่ต้องการของอีกคนในตำแหน่งรอง kapellmeister แห่งโรงอุปรากรเวียนนา การตัดสินใจเข้าร่วมการแข่งขันในตำแหน่งรองผู้ว่าการรองแคปเพลลาแห่งโรงละครย่านชานเมืองเวียนนา "ที่ประตูคารินเทียน" อันทรงเกียรติน้อยกว่ามาก เขาไม่สามารถทำได้เช่นกัน - เพราะเพลงที่เขาแต่งกลับกลายเป็นเพลงเดียวกัน ยากสำหรับนักร้องที่เข้าร่วมการแข่งขันและชูเบิร์ตปฏิเสธ -ไม่ว่าจะเปลี่ยนหรือเพราะการแสดงละคร
การปลอบใจคือการระลึกถึงเบโธเฟนซึ่งในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2370 ได้คุ้นเคยกับเพลงชูเบิร์ตมากกว่าห้าสิบเพลง Anton Schindler ผู้เขียนชีวประวัติคนแรกของ Beethoven กล่าวถึงเรื่องนี้ว่า “ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งไม่เคยรู้จักเพลงของ Schubert มาก่อนเลยแม้แต่เพลงเดียว รู้สึกทึ่งกับจำนวนเพลงของพวกเขาและไม่อยากจะเชื่อว่า Schubert ได้สร้างเพลงมากกว่าห้าร้อยเพลงแล้ว เวลา ... ด้วยความกระตือรือร้นอย่างสนุกสนาน เขาพูดซ้ำ ๆ :“ อันที่จริงประกายไฟของพระเจ้าอยู่ในชูเบิร์ต!” อย่างไรก็ตามความสัมพันธ์ระหว่างทั้งสองโคตรไม่พัฒนา: หนึ่งเดือนต่อมาชูเบิร์ตยืนอยู่ที่หลุมฝังศพของเบโธเฟน
ตลอดเวลานี้ ตามบันทึกของเพื่อนคนหนึ่งของนักแต่งเพลง ชูเบิร์ต “ดูมืดมนและดูเหนื่อย เมื่อฉันถามว่าเป็นอะไรกับเขา เขาตอบเพียงว่า "อีกไม่นานเจ้าจะได้ยินและเข้าใจ" วันหนึ่งเขาบอกฉันว่า: “วันนี้มาหา Schober (เพื่อนสนิทที่สุดของ Schubert - A.K.) ฉันจะร้องเพลงที่น่ากลัวให้คุณฟัง พวกเขาเบื่อฉันมากกว่าเพลงอื่น ๆ " และเขาร้องเพลง "Winter Way" ทั้งหมดให้เราด้วยเสียงที่ไพเราะ จนถึงตอนท้าย เรางุนงงกับอารมณ์ที่มืดมิดของเพลงเหล่านี้ และ Schober บอกว่าเขาชอบเพลงเดียวคือ "Linden" ชูเบิร์ตคัดค้านสิ่งนี้เท่านั้น: "ฉันชอบเพลงเหล่านี้มากที่สุด"
เช่นเดียวกับผู้หญิงที่สวยงามของมิลเลอร์ The Winter Road ถูกเขียนถึงโองการของกวีโรแมนติกชื่อดังชาวเยอรมันชื่อ Wilhelm Müller (1794-1827) ลูกชายของช่างตัดเสื้อ เขาค้นพบพรสวรรค์ด้านบทกวีของเขาตั้งแต่อายุยังน้อยจนเมื่ออายุ 14 เขาได้รวบรวมบทกวีชุดแรก มุมมองที่รักอิสระของเขายังปรากฏเร็วเช่นกัน เมื่ออายุ 19 ปี เขาได้ขัดจังหวะการเรียนที่มหาวิทยาลัยเบอร์ลิน เขาอาสาที่จะเข้าร่วมในสงครามปลดปล่อยกับนโปเลียน Glory to Muller นำโดย "เพลงกรีก" ซึ่งเขาร้องเพลงการต่อสู้ของชาวกรีกเพื่อต่อต้านการกดขี่ของตุรกี บทกวีของมุลเลอร์ซึ่งมักเรียกว่าเพลงมีความโดดเด่นด้วยความไพเราะอันยิ่งใหญ่ กวีเองมักเป็นตัวแทนของพวกเขาด้วยดนตรีและ "เพลงดื่ม" ของเขาถูกร้องทั่วประเทศเยอรมนี มุลเลอร์มักจะรวมบทกวีเป็นวัฏจักรที่เชื่อมต่อกันด้วยภาพลักษณ์ของนางเอก (พนักงานเสิร์ฟคนสวย ผู้หญิงของโรงโม่ที่สวยงาม) บางพื้นที่ หรือธีมที่คนโรแมนติกชื่นชอบ ตัวเขาเองชอบเดินทาง เขาไปเยือนเวียนนา อิตาลี กรีซ ทุกฤดูร้อนเขาเดินป่าไปยังส่วนต่างๆ ของเยอรมนี โดยเลียนแบบเด็กฝึกงานที่หลงทางในยุคกลาง
แผนดั้งเดิมสำหรับ "Winter Way" มาจากกวี อาจเป็นช่วงต้นปี พ.ศ. 2358-2459 ในตอนท้ายของ 2365 วิลเฮล์ม Müller's Wandering Songs ถูกตีพิมพ์ในไลพ์ซิก เส้นทางฤดูหนาว 12 เพลง. บทกวีอีก 10 บทถูกตีพิมพ์ในหนังสือพิมพ์ Breslau เมื่อวันที่ 13 และ 14 มีนาคมของปีถัดไป และสุดท้ายในหนังสือเล่มที่สองของ “Poems from Papers Left by a Wandering Horn Player” ที่ตีพิมพ์ใน Dessau ในปี 1824 (เล่มแรกในปี 1821 รวมถึง “The Beautiful Miller's Girl”), “The Winter Road” ประกอบด้วยเพลง 24 เพลงที่จัดเรียงใน ลำดับที่ต่างไปจากเดิม ; สองตัวสุดท้ายที่เขียนกลายเป็น #15 และ #6
ชูเบิร์ตใช้เพลงทั้งหมดของวัฏจักร แต่ลำดับของพวกเขาแตกต่างกัน: 12 เพลงแรกนั้นเป็นไปตามการตีพิมพ์ครั้งแรกของบทกวีแม้ว่านักแต่งเพลงจะเขียนช้ากว่าการตีพิมพ์ครั้งล่าสุดมาก - พวกเขาถูกทำเครื่องหมายในต้นฉบับของชูเบิร์ตในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2370 หลังจากคุ้นเคยกับบทกวีฉบับสมบูรณ์แล้ว Schubert ยังคงทำงานเกี่ยวกับวัฏจักรต่อไปในเดือนตุลาคม เขายังคงสามารถดูส่วนที่ 1 ที่ตีพิมพ์เผยแพร่โดยสำนักพิมพ์เวียนนาในเดือนมกราคมของปีถัดไป การประกาศเปิดตัวเพลงกล่าวว่า: "กวีทุกคนสามารถขอให้ตัวเองมีความสุขในการที่นักแต่งเพลงของเขาเข้าใจเพื่อถ่ายทอดด้วยความรู้สึกอบอุ่นและจินตนาการที่กล้าหาญ ... " ชูเบิร์ตทำงานเพื่อพิสูจน์อักษรส่วนที่ 2 ใน วันสุดท้ายของชีวิตโดยใช้ ตามบันทึกของพี่ชายของเขา "ช่องว่างของสติสั้น" ระหว่างความเจ็บป่วยที่ร้ายแรง ส่วนที่ 2 ของ The Winter Road เผยแพร่หนึ่งเดือนหลังจากที่นักแต่งเพลงเสียชีวิต
แม้แต่ในช่วงชีวิตของชูเบิร์ต เพลงของ The Winter Road ก็ยังได้ยินในบ้านของคนรักดนตรี ซึ่งเพลงเหล่านั้นก็ได้รับความนิยมเช่นเดียวกับเพลงอื่นๆ ของเขา การแสดงต่อสาธารณะเกิดขึ้นเพียงครั้งเดียว ไม่กี่วันก่อนเผยแพร่ ในวันที่ 10 มกราคม พ.ศ. 2371 (เวียนนา สมาคมคนรักดนตรี เพลงที่ 1 "Sleep in Peace") เป็นสิ่งสำคัญที่นักแสดงไม่ใช่นักร้องมืออาชีพ แต่เป็นอาจารย์มหาวิทยาลัย
