เครื่องดนตรีในยุคแห่งการตรัสรู้ วัฒนธรรมดนตรีของรัสเซียในช่วงตรัสรู้ เนื้อเพลงเสียงในครัวเรือน

"อิทธิพลของความคิดของการตรัสรู้" - ขบวนการตรัสรู้ สงครามปฏิวัติอเมริกา. "ยุคทอง" ของขุนนางรัสเซีย รัฐรัสเซีย. แคทเธอรีนมหาราช "ว่าด้วยสัญญาทางสังคมหรือหลักการของกฎหมายการเมือง". การจลาจลของ Pugachev ฌอง-ฌาค รุสโซ. ขบวนการตรัสรู้อเมริกัน. นโยบายของ "สมบูรณาญาสิทธิราชย์" ในรัสเซีย

"ตรัสรู้" - ตรัสรู้-. การตรัสรู้ของเยอรมัน ชาร์ลส์ มอนเตสกิเยอ. เกิดที่เจนีวาในตระกูลช่างซ่อมนาฬิกา ดนตรี. โจนาธาน สวิฟต์ (1667-1745) ความคิดของนักสารานุกรม ตั้งชื่อผู้รู้แจ้งชาวฝรั่งเศส ความหมายของคำขวัญของการตรัสรู้คืออะไร? คุณค่าของกิจกรรมของผู้รู้แจ้ง อังกฤษเป็นแหล่งกำเนิดของการตรัสรู้ สารานุกรม

"สงครามอิสรภาพและการศึกษาของสหรัฐอเมริกา" - จอร์จ วอชิงตัน เนื้อหาเพิ่มเติมในหัวข้อในรูปแบบของการนำเสนอในชั้นประถมศึกษาปีที่ 7 ในหลักสูตร "ประวัติศาสตร์ใหม่" สงครามประกาศอิสรภาพและการก่อตัวของสหรัฐอเมริกา ที่พำนักของประธานาธิบดีแห่งสหรัฐอเมริกาคือทำเนียบขาว การยอมจำนนของทหารอังกฤษที่ยอร์กทาวน์ พิธีเข้าสู่นิวยอร์กของวอชิงตัน การลงนามปฏิญญาเอกราชของสหมณฑล

"วัฒนธรรมแห่งการตรัสรู้" - กิจกรรมที่น่าสมเพชของเกอเธ่ไม่เห็นด้วยกับการปรองดองกับความเป็นจริง 4. สารานุกรม ศูนย์กลางของอุดมการณ์และปรัชญาของการตรัสรู้คือฝรั่งเศส อังกฤษ และเยอรมนี ผู้รู้แจ้งเห็นการขจัดปัญหาสังคมทั้งหมดในการเผยแพร่ความรู้ นักสารานุกรมเชื่อว่า "ความคิด" ส่งผลต่อความก้าวหน้าทางสังคมที่แท้จริง

"การตรัสรู้ ความคลาสสิค ความซาบซึ้ง" - เฮนรี ฟีลดิง ความรู้สึก. เบโธเฟน. ข้อจำกัดของจิตใจ การศึกษา. ดีเดโรต์. การเพิ่มขึ้นของศิลปะดนตรี ภาพเหมือนของโลปุกินา. ที.เจ.สมอลเล็ตต์. เจ-เจ รุสโซ. นิโคลัส บอยโล. โจนาธาน สวิฟต์. ฝรั่งเศส. มันดูเหมือนอะไร. การตรัสรู้, คลาสสิก, ความซาบซึ้ง. นักวิจารณ์ แก่นแท้ของความคลาสสิค คาร์โล กอซซี่. ความคลาสสิค

"ศตวรรษที่สิบแปดของยุโรป" - เป้าหมายหลักคือการครอบงำในทะเลบอลติก โครงสร้างการเมืองภายใน D. Cantemir Aram Oleg. สงครามและการปฏิวัติในศตวรรษที่ 19 แทบไม่ได้เปลี่ยนแปลงโครงร่างของประเทศต่างๆ ในยุโรป สังคม. นโยบายต่างประเทศ. ยุโรปในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 - 18

มีการนำเสนอทั้งหมด 25 เรื่องในหัวข้อ

ดนตรีบาโรกเป็นช่วงเวลาในการพัฒนาดนตรีวิชาการของยุโรป ประมาณระหว่างปี ค.ศ. 1600 ถึง 1750 ดนตรีบาโรกปรากฏขึ้นในช่วงปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและนำหน้าดนตรีคลาสสิก นักประพันธ์เพลงบาร็อคทำงานในแนวดนตรีต่างๆ โอเปร่าซึ่งปรากฏขึ้นในช่วงปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้กลายเป็นหนึ่งในรูปแบบดนตรีบาโรกหลัก สามารถระลึกถึงผลงานของปรมาจารย์ประเภทเช่น Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi และอื่น ๆ แนวเพลง oratorio ถึงจุดสูงสุดในผลงานของ J. S. Bach และ Handel; โอเปร่าและออราทอริโอมักใช้รูปแบบดนตรีที่คล้ายคลึงกัน ตัวอย่างเช่น aria da capo ที่ใช้กันอย่างแพร่หลาย รูปแบบของดนตรีศักดิ์สิทธิ์ เช่น พิธีมิสซาและโมเท็ตเริ่มได้รับความนิยมน้อยลง แต่รูปแบบคันทาทาได้รับความสนใจจากนักประพันธ์เพลงโปรเตสแตนต์หลายคน รวมทั้งโยฮันน์ บาค รูปแบบขององค์ประกอบอัจฉริยะเช่น toccatas และ fugues พัฒนาขึ้น

โซนาต้าและห้องสวีทบรรเลงบรรเลงทั้งสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวและสำหรับออร์เคสตราแชมเบอร์ ประเภทคอนแชร์โต้ปรากฏในทั้งสองรูปแบบ: สำหรับเครื่องดนตรีชิ้นเดียวที่มีวงออเคสตรา และประเภทคอนแชร์โตกรอสโซ ซึ่งเครื่องดนตรีเดี่ยวกลุ่มเล็กๆ จะตัดกับทั้งมวล ความสง่าผ่าเผยของราชสำนักหลายแห่งยังเสริมด้วยผลงานในรูปแบบของทาบทามฝรั่งเศสด้วยส่วนที่เร็วและช้าที่ตัดกัน

คีย์บอร์ดมักถูกเขียนขึ้นโดยนักประพันธ์เพลงเพื่อความบันเทิงของตนเองหรือเป็นสื่อการสอน ผลงานดังกล่าวเป็นการเรียบเรียงของ J. S. Bach ซึ่งเป็นผลงานชิ้นเอกทางปัญญาที่ได้รับการยอมรับในระดับสากลในยุคบาโรก: The Well-Tempered Clavier, Goldberg Variations และ The Art of Fugue

17. ดนตรีแห่งการตรัสรู้ (สัจนิยม, แนวโรแมนติก, อิมเพรสชั่นนิสม์)

ในช่วงยุคแห่งการตรัสรู้ งานศิลปะทางดนตรีเพิ่มขึ้นอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน หลังจากการปฏิรูปโดย K.V. Gluck (1714–1787) โอเปร่ากลายเป็นศิลปะสังเคราะห์ที่ผสมผสานดนตรี การร้องเพลง และการแสดงละครที่ซับซ้อนเข้าไว้ด้วยกันในการแสดงเดียว F.J. Haydn (1732-1809) ยกระดับดนตรีบรรเลงไปสู่ศิลปะคลาสสิกระดับสูงสุด จุดสุดยอดของวัฒนธรรมดนตรีแห่งการตรัสรู้คือผลงานของ J.S. Bach (1685–1750) และ W.A. Mozart (1756–1791) อุดมคติแห่งความกระจ่างสว่างไสวโดยเฉพาะอย่างยิ่งในโอเปร่าของโมสาร์ทเรื่อง The Magic Flute (1791) ซึ่งโดดเด่นด้วยลัทธิแห่งเหตุผลแสงและความคิดของมนุษย์ในฐานะมงกุฎแห่งจักรวาล โอเปร่าแห่งการปฏิรูปโอเปร่าศตวรรษที่ 18 ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ส่วนใหญ่เป็นการเคลื่อนไหวทางวรรณกรรม บรรพบุรุษของมันคือนักเขียนและนักปรัชญาชาวฝรั่งเศส เจ.เจ. รุสโซ

18. ความหลากหลายของประเภทยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (บาร็อค คลาสสิค)

ในการพัฒนาความคลาสสิคนั้นมีการกล่าวถึงสองขั้นตอนทางประวัติศาสตร์ ความคลาสสิคของศตวรรษที่ 17 เติบโตขึ้นจากศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาพร้อมกับบาโรกส่วนหนึ่งในการต่อสู้ส่วนหนึ่งในการโต้ตอบกับมันและในช่วงเวลานี้ได้รับการพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในฝรั่งเศส ลัทธิคลาสสิคนิยมตอนปลายที่เกี่ยวข้องกับการตรัสรู้ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 ถึงต้นศตวรรษที่ 19 มีความเกี่ยวข้องกับโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาเป็นหลัก

ความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนระหว่างความคลาสสิกกับบาโรกทำให้เกิดการอภิปรายกันในตอนต้นของศตวรรษที่ 20: นักดนตรีหลายคนซึ่งโดยหลักแล้วในเยอรมนีถือว่าบาโรกเป็นเพลงสไตล์ยุโรปหนึ่งเดียวระหว่างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและการตรัสรู้ - จนถึงช่วงกลางของ ศตวรรษที่ 18 ก่อน J. S. Bach และ G. F. Handel รวมอยู่ด้วย ในฝรั่งเศส แหล่งกำเนิดของลัทธิคลาสสิคนิยม นักดนตรีบางคน ตรงกันข้าม มีแนวโน้มที่จะตีความแนวคิดนี้ในวงกว้างเกินไป โดยพิจารณาว่าสไตล์บาโรกเป็นหนึ่งในการแสดงออกถึงความคลาสสิกโดยเฉพาะ

การกำหนดช่วงเวลาของยุคนั้นซับซ้อนโดยข้อเท็จจริงที่ว่าในวัฒนธรรมประจำชาติที่แตกต่างกันรูปแบบดนตรีเริ่มแพร่หลายในเวลาที่ต่างกัน เถียงไม่ได้ว่าในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 คลาสสิกนิยมมีชัยเกือบทุกที่ ทิศทางนี้รวมถึงโดยเฉพาะโอเปร่าปฏิรูปของ K.V. Gluck โรงเรียนเวียนนาและมันไฮม์ตอนต้น ความสำเร็จสูงสุดของดนตรีคลาสสิกเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา - กับผลงานของ J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart และ L. van Beethoven

ความคลาสสิคเป็นกระแสศิลปะที่พัฒนาขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17: ความสนใจในวัฒนธรรมโบราณที่เกิดขึ้นเร็วเท่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งก่อให้เกิดการเลียนแบบแบบจำลองโบราณในงานศิลปะประเภทต่างๆ ในฝรั่งเศสผู้สมบูรณาญาสิทธิราชย์กลายเป็น สุนทรียศาสตร์เชิงบรรทัดฐานตามบทกวีของอริสโตเติลและเสริมด้วยข้อกำหนดพิเศษที่เข้มงวดจำนวนหนึ่ง

สุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิคมีพื้นฐานมาจากความเชื่อในความมีเหตุผลและความกลมกลืนของระเบียบโลก ซึ่งแสดงออกถึงความใส่ใจต่อความสมดุลของส่วนต่าง ๆ ของงาน การตกแต่งรายละเอียดอย่างระมัดระวัง และการพัฒนาหลักการหลักของรูปแบบดนตรี ในช่วงเวลานี้เองที่รูปแบบโซนาตาได้ก่อตัวขึ้นในที่สุด โดยอาศัยการพัฒนาและการต่อต้านของสองธีมที่ตัดกัน ได้มีการกำหนดองค์ประกอบคลาสสิกของส่วนต่างๆ ของโซนาตาจากซิมโฟนี

มหาวิทยาลัยรัฐดัด

ภาควิชาประวัติศาสตร์สมัยใหม่และร่วมสมัย

บทคัดย่อในหัวข้อ

ดนตรีแห่งการตรัสรู้ฝรั่งเศส

เสร็จสมบูรณ์โดย: นักศึกษาชั้นปีที่ 3

1 กลุ่ม IPF

Efimova Marina

บทนำ

การตรัสรู้ - การเคลื่อนไหวทางปัญญาและจิตวิญญาณของ XVII ตอนปลาย - ต้นศตวรรษที่ XIX ในยุโรปและอเมริกาเหนือ มันเป็นความต่อเนื่องตามธรรมชาติของมนุษยนิยมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและเหตุผลนิยมของการเริ่มต้นของยุคใหม่ซึ่งวางรากฐานของโลกทัศน์การตรัสรู้: การปฏิเสธโลกทัศน์ทางศาสนาและการอุทธรณ์ต่อเหตุผลเป็นเกณฑ์เดียวสำหรับการทำความเข้าใจมนุษย์และ สังคม.

ฝรั่งเศสกลายเป็นศูนย์กลางของขบวนการตรัสรู้ในศตวรรษที่ 18 ในระยะแรกของการตรัสรู้ของฝรั่งเศส บุคคลสำคัญ ได้แก่ มงเตสกิเยอ (1689 - 1755) และวอลแตร์ (1694 - 1778) ในงานของ Montesquieu หลักนิติธรรมของ Locke ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติม วอลแตร์มีมุมมองทางการเมืองที่แตกต่างกัน เขาเป็นอุดมการณ์ของสมบูรณาญาสิทธิราชย์ที่รู้แจ้งและพยายามที่จะปลูกฝังความคิดของการตรัสรู้ในพระมหากษัตริย์ของยุโรป เขาโดดเด่นด้วยกิจกรรมต่อต้านนักบวชที่แสดงออกอย่างชัดเจน ต่อต้านความคลั่งศาสนาและความหน้าซื่อใจคด ลัทธิคัมภีร์ของคริสตจักร และความเป็นอันดับหนึ่งของคริสตจักรเหนือรัฐและสังคม Diderot (1713 - 1784) และสารานุกรมมีบทบาทสำคัญในขั้นตอนที่สองของการตรัสรู้ของฝรั่งเศส สารานุกรมหรือพจนานุกรมอธิบายวิทยาศาสตร์ ศิลปหัตถกรรม 1751-1780 เป็นสารานุกรมทางวิทยาศาสตร์ฉบับแรก ซึ่งสรุปแนวคิดพื้นฐานในด้านวิทยาศาสตร์กายภาพและคณิตศาสตร์ วิทยาศาสตร์ธรรมชาติ เศรษฐศาสตร์ การเมือง วิศวกรรม และศิลปะ ในกรณีส่วนใหญ่ บทความมีความละเอียดถี่ถ้วนและสะท้อนถึงความรู้ล่าสุด

ช่วงที่สามยกร่างของเจ.-เจ. รุสโซ (1712 - 1778) เขากลายเป็นที่นิยมมากที่สุดในแนวความคิดของการตรัสรู้ รุสโซเสนอแนวทางของตนเองเกี่ยวกับโครงสร้างทางการเมืองของสังคม ความคิดของรุสโซพบการพัฒนาเพิ่มเติมในทฤษฎีและการปฏิบัติของนักอุดมการณ์แห่งการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่

การตรัสรู้มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะและวัฒนธรรมของยุโรปทั้งหมด โดยเฉพาะอย่างยิ่งดนตรีของฝรั่งเศสซึ่งเป็นศูนย์กลางของการตรัสรู้

จุดประสงค์ของบทคัดย่อนี้คือภาพรวมทั่วไปของดนตรีฝรั่งเศสในขณะนั้น

ศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 เป็นหนึ่งในช่วงเวลาที่สำคัญและยอดเยี่ยมในประวัติศาสตร์ดนตรีฝรั่งเศส ช่วงเวลาทั้งหมดในการพัฒนาศิลปะดนตรีที่เกี่ยวข้องกับ "ระบอบเก่า" กำลังจางหายไปในอดีต ยุคสุดท้ายของหลุยส์ยุคคลาสสิกและโรโคโคสิ้นสุดลงแล้ว ยุคแห่งการตรัสรู้เริ่มต้นขึ้น สไตล์ ด้านหนึ่ง แบ่งเขต; ในทางกลับกัน พวกมันถูกแบ่งชั้น ผสานเข้าด้วยกัน ก่อตัวเป็นลูกผสมแปลก ๆ ที่ยากต่อการวิเคราะห์ รูปลักษณ์ภายนอกและโครงสร้างโดยนัยของดนตรีฝรั่งเศสนั้นเปลี่ยนแปลงได้และหลากหลาย แต่แนวโน้มชั้นนำซึ่งวิ่งไปในทิศทางของการปฏิวัติที่ใกล้เข้ามานั้นเกิดขึ้นด้วยความชัดเจนอย่างไม่ลดละ

ในตอนท้ายของ XVII - ต้นศตวรรษที่สิบแปด ศาลและกลายเป็นลูกค้าหลักในการเขียนการแสดงดนตรี (ปรากฏการผูกขาด) และด้วยเหตุนี้หน้าที่หลักของดนตรีฝรั่งเศสแห่งการตรัสรู้คือเพื่อตอบสนองความต้องการของศาลฝรั่งเศส - การเต้นรำและการแสดงต่างๆ

อุปรากรฝรั่งเศสเป็นลูกสมุนของความคลาสสิค การเกิดของเธอเป็นเหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมประจำชาติของประเทศซึ่งจนถึงช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 แทบไม่เคยรู้จักศิลปะโอเปร่าอื่น ๆ เลยยกเว้นนำเข้าจากอิตาลี อย่างไรก็ตาม ดินของวัฒนธรรมศิลปะฝรั่งเศสนั้นไม่ใช่สิ่งแปลกปลอมและเป็นหมันสำหรับเธอ โอเปร่ามีพื้นฐานมาจากข้อกำหนดเบื้องต้นเกี่ยวกับแนวเพลงแห่งชาติและค่อนข้างกลมกลืนกับการได้มา 2 .

Jean Baptiste Lully (1632 - 1687) นักแต่งเพลง นักไวโอลิน นักเต้น วาทยกร และครูชาวอิตาลี ถือได้ว่าเป็นบิดาของโอเปร่าฝรั่งเศส ที่ปรึกษาและเลขาของกษัตริย์ ราชวงศ์ และมกุฎราชกุมารแห่งฝรั่งเศส เจตนารมณ์ดนตรีของพระบาทสมเด็จพระเจ้าอยู่หัว

เมื่อวันที่ 3 มีนาคม ค.ศ. 1671 การแสดงรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าฝรั่งเศสเรื่องแรก Pomona ซึ่งเขียนโดย Pierre Perrin และ Robert Cambert เกิดขึ้นที่ปารีส มันไม่ใช่โอเปร่า แต่เป็นงานอภิบาล แต่มันเป็นความสำเร็จที่ยอดเยี่ยมกับผู้ชมโดยยืนหยัดที่ Opera Academy ซึ่ง Perrin ได้รับสิทธิพิเศษ 15 ปีการแสดง 146 ครั้ง อย่างไรก็ตามเรื่องนี้ Perrin ล้มละลายและถูกส่งตัวเข้าคุก ลัลลีใกล้ชิดกับพระราชา สัมผัสได้ถึงอารมณ์ของสาธารณชนอย่างละเอียดถี่ถ้วน และที่สำคัญกว่านั้นคือพระราชา เขาละทิ้ง Molière ในปี ค.ศ. 1672 เขาได้แลกสิทธิพิเศษจาก Perrin และหลังจากได้รับสิทธิบัตรพิเศษจำนวนหนึ่งจากกษัตริย์ เขาก็สามารถควบคุมเวทีโอเปร่าของฝรั่งเศสได้อย่างสมบูรณ์

"โศกนาฏกรรมแห่งดนตรี" ครั้งแรกคือโศกนาฏกรรม "Cadmus and Hermione" ที่เขียนถึงข้อของ Philip Kino พล็อตถูกเลือกโดยกษัตริย์ รอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 27 เมษายน 1673] ที่ Palais Royal หลังจากการตายของ Molière มอบให้ Lully คุณสมบัติหลักของโอเปร่าของเขาคือความชัดเจนของท่วงทำนองพิเศษ: เมื่อแต่งเพลง Lully ไปดูการแสดงของนักแสดงโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่ เขาเขียนบทบรรยายอันน่าทึ่งของพวกเขาลงในบันทึกย่อแล้วทำซ้ำในบทประพันธ์ของเขา เขาเลือกนักดนตรีและนักแสดงของเขาเอง เขาให้การศึกษาแก่พวกเขา เขาซ้อมโอเปร่าของตัวเองและดำเนินการด้วยไวโอลินในมือของเขา โดยรวมแล้วเขาแต่งและแสดง "โศกนาฏกรรมทางดนตรี" 13 รายการในโรงละคร: Cadmus and Hermione (1673), Alceste (1674), เธเซอุส (1675), Atys (1676), Isis (1677) , Psyche (1678, เวอร์ชันโอเปร่า บัลเลต์ตลก 1671), Bellerophon (1679), Proserpina (1680), Perseus (1682), Phaeton (1683), Amadis (1684) ), "Roland" (1685) และ "Armida" (1687) โอเปร่า Achilles และ Polyxena (1687) สร้างเสร็จโดย Pascal Colas 3 หลังจาก Lully เสียชีวิต

สามอันดับแรกของศตวรรษที่ 18 เป็นเรื่องยากมากสำหรับนาฏศิลป์ เรียกได้ว่าเป็นยุคที่ไร้กาลเวลา ความสับสนด้านสุนทรียภาพ การกระจายอำนาจของโอเปร่า ทั้งในแง่ของการจัดการโรงอุปรากรและศิลปะ บุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์ขนาดใหญ่ในทางปฏิบัติไม่ปรากฏ 4 . ในบรรดานักประพันธ์เพลงหลายคนที่แสดงในโรงละครโอเปร่า Andre Campra (1660 - 1744) มีความสำคัญที่สุด หลังจาก Lully เขาเป็นนักแต่งเพลงเพียงคนเดียวที่สามารถแทนที่เขาได้ อย่างน้อยก็ในระดับหนึ่ง มีเพียงการปรากฏตัวของ Rameau เท่านั้นที่ผลักดันงานของ Campra ให้เป็นฉากหลัง Pasticcio Campra ประสบความสำเร็จอย่างมาก (กล่าวคือโอเปร่าที่ตัดตอนมาจากโอเปร่าโดยนักประพันธ์เพลงหลายคนที่ประสบความสำเร็จมากที่สุด) - "Fragments de Lulli", "Telemaque ou les fragments des modernes" จากผลงานดั้งเดิมของ Campra "La sérénade vénétienne ou le jaloux trompé" มีความโดดเด่น Campra เขียน 28 ผลงานสำหรับเวที; เขายังแต่งคันทาทาและโมเท็ต 5

ในช่วงเวลาของหลุยส์ที่ 15 กองกำลังที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิงและตรงกันข้ามกับโอเปร่าฝรั่งเศส: ความเฉื่อยของวีรบุรุษที่สร้างขึ้นโดยคลาสสิกของศตวรรษที่ 17; อิทธิพลของความสง่างามอย่างวิจิตรบรรจง บางเฉียบ และบ่อยครั้ง โรโคโคที่งดงาม ความคลาสสิคของนักเขียนบทละครและโรงเรียนของเขาคือโวลแตร์และโต้เถียงเชิงโต้เถียงใหม่ ในที่สุด แนวคิดด้านสุนทรียศาสตร์ของสารานุกรม (D'Alembert, Diderot และอื่น ๆ ) สิ่งที่เรียกว่า "สไตล์แวร์ซาย" ก่อตั้งขึ้นในโรงละครของเมืองหลวงโดยคงไว้ซึ่งโครงเรื่องและรูปแบบของความคลาสสิค แต่สลายไปในรูปแบบเครื่องแต่งกายที่ยอดเยี่ยมและโดดเด่นด้วยการแสดงละครที่หรูหราเป็นพิเศษ: ทิวทัศน์อุปกรณ์ประกอบฉากเครื่องแต่งกายและการตกแต่งทางสถาปัตยกรรม ของหอประชุม ปัจจัยสำคัญในการสร้าง "สไตล์แวร์ซาย" ที่มีความเป็นเจ้าโลกของบัลเล่ต์คือการก่อตัวและการปรับปรุงในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ของโรงเรียนศิลปะการออกแบบท่าเต้นแห่งใหม่ของฝรั่งเศส - โรงเรียนที่เติบโตเป็นวัฒนธรรมที่มีอิทธิพลอย่างมากและ พลังทางศิลปะและมีอิทธิพลอย่างมากต่อโรงอุปรากร 6

นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสอีกคนหนึ่งที่มีอิทธิพลอย่างมากต่อดนตรีแห่งการตรัสรู้ของฝรั่งเศสคือ Jean Philippe Rameau ประเภทของโอเปร่าของ Rameau เป็นภาษาฝรั่งเศส ไม่ใช่ภาษาอิตาลี: การพัฒนาดนตรีไม่หยุดชะงัก การเปลี่ยนจากจำนวนเสียงที่ร้องเสร็จแล้วไปเป็นการบรรยายจะราบรื่น ในโอเปร่าของ Rameau ความเก่งกาจของแกนนำไม่ได้อยู่ตรงกลางเวที พวกเขามีบทบรรเลงของวงออเคสตราจำนวนมาก และโดยทั่วไปแล้ว ฝ่ายออร์เคสตรามักจะให้ความสนใจเป็นอย่างมาก นักร้องประสานเสียงและฉากบัลเล่ต์ที่ขยายออกไปก็มีความสำคัญเช่นกัน เมื่อเทียบกับโอเปร่าคลาสสิกรุ่นหลัง Rameau มีเสียงร้องน้อยกว่าและมีวงออเคสตราและคณะนักร้องประสานเสียงในปริมาณที่เท่ากัน ท่วงทำนองของ Rameau ติดตามข้อความเสมอ สื่อความหมายได้แม่นยำกว่าเพลงอิตาเลียน แม้ว่าเขาจะเป็นเมโลดี้ที่ยอดเยี่ยม แต่แนวเสียงในโอเปร่าของเขาโดยหลักการแล้วใกล้เคียงกับการท่องมากกว่า cantilena สื่อความหมายหลักไม่ใช่ท่วงทำนอง แต่เป็นการใช้ความสามัคคีที่เข้มข้นและแสดงออก - นี่คือความคิดริเริ่มของสไตล์โอเปร่าของ Rameau นักแต่งเพลงใช้ความสามารถของออร์เคสตราร่วมสมัยของ Paris Opera ในคะแนนของเขา: เครื่องสาย, เครื่องเป่าลมไม้, เขาและเครื่องเพอร์คัชชัน และเขาให้ความสนใจเป็นพิเศษกับลมไม้ ซึ่งเสียงทุ้มที่สร้างกลิ่นอายของวงออเคสตราดั้งเดิมในโอเปร่าของ Rameau การเขียนประสานเสียงจะแตกต่างกันไปตามสถานการณ์บนเวที คณะนักร้องประสานเสียงมักจะมีความดราม่าและมักจะเหมือนการเต้น สำหรับการเต้นรำและฉากบัลเล่ต์ที่ไม่มีที่สิ้นสุดของเขา การผสมผสานระหว่างความงามแบบพลาสติกกับการแสดงอารมณ์เป็นเรื่องปกติ มันเป็นชิ้นส่วนออกแบบท่าเต้นของโอเปร่าของ Rameau ที่ทำให้ผู้ฟังหลงใหลในทันที โลกโดยนัยของนักแต่งเพลงคนนี้มีความอุดมสมบูรณ์มาก และสภาวะทางอารมณ์ใดๆ ที่ให้ไว้ในบทจะสะท้อนอยู่ในเพลง ดังนั้น ความอ่อนล้าที่เร่าร้อนจึงถูกจับภาพไว้ได้ ตัวอย่างเช่น ในผลงานเพลงกลาเวียร์ Timide (La timide) และ The Conversation of the Muses (L "Entretien des Muses) เช่นเดียวกับในฉากอภิบาลมากมายจากโอเปร่าและบัลเลต์โอเปร่าของเขา 7

งานของนักแต่งเพลงส่วนใหญ่เขียนขึ้นในรูปแบบโบราณซึ่งตอนนี้ไม่มีอยู่จริง แต่สิ่งนี้ไม่ส่งผลต่อความซาบซึ้งในมรดกของเขา Rameau สามารถวางไว้ข้าง G. Purcell และสำหรับโคตรของเขา เขาเป็นรองแค่ Bach และ Handel แปด

มรดกของ Rameau ประกอบด้วยหนังสือหลายสิบเล่มและบทความเกี่ยวกับทฤษฎีดนตรีและอะคูสติกจำนวนหนึ่ง ชิ้น clavier สี่เล่ม (หนึ่งในนั้น - Concert Pieces - สำหรับ clavier และขลุ่ยกับ viola da gamba); โมเท็ตหลายอันและคันทาเดี่ยว; การประพันธ์เพลงบนเวที 29 แบบ - โอเปร่า โอเปร่าบัลเลต์ และศิษยาภิบาล

Rameau อธิบายการใช้คอร์ดร่วมสมัยแก่เขาด้วยความช่วยเหลือของระบบที่กลมกลืนกันซึ่งเกิดจากลักษณะทางกายภาพของเสียง และในแง่นี้ไปไกลกว่านักอะคูสติกที่มีชื่อเสียงอย่าง J. Sauveur จริงอยู่ ทฤษฎีของ Rameau ที่ให้ความกระจ่างแก่นแท้ของความสอดคล้อง ทำให้เกิดความไม่ลงรอยกันที่ไม่ได้เกิดจากองค์ประกอบของชุดโอเวอร์โทน รวมทั้งความเป็นไปได้ที่จะลดเสียงที่ปรับอารมณ์ทั้งหมดให้เหลือเพียงคู่เดียว

วันนี้ไม่ใช่การวิจัยเชิงทฤษฎีของ Rameau แต่ดนตรีของเขามีความสำคัญมากกว่า นักแต่งเพลงทำงานในเวลาเดียวกันกับ J. S. Bach, G. F. Handel, D. Scarlatti และรอดชีวิตจากพวกเขาทั้งหมด แต่งานของ Rameau แตกต่างจากดนตรีของผู้ร่วมสมัยที่ยิ่งใหญ่ของเขา วันนี้ผลงานของเขามีชื่อเสียงมากที่สุด แต่งานหลักของนักแต่งเพลงคือโอเปร่า เขามีโอกาสได้ทำงานในประเภทการแสดงบนเวทีแล้วเมื่ออายุ 50 และใน 12 ปีได้สร้างผลงานชิ้นเอกหลักของเขา - โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ อย่าง Hippolytus and Arisia (1733), Castor and Pollux (1737) และ Dardanus (สองรุ่น - 1739 และ 1744) ; โอเปร่าบัลเล่ต์ "Gallant India" (1735) และ "Feasts of Hebe" (1739); ตลกโคลงสั้น ๆ "Plathea" (1745) Rameau แต่งโอเปร่าจนถึงอายุ 80 และในแต่ละเรื่องมีชิ้นส่วนที่ยืนยันถึงชื่อเสียงของเขาในฐานะนักเขียนบทละครเพลงผู้ยิ่งใหญ่ 9 .

แนวความคิดของนักสารานุกรมก็มีบทบาทสำคัญในการเตรียมการปฏิรูป K.V. Gluck ซึ่งนำไปสู่การสร้างรูปแบบโอเปร่าใหม่ที่รวบรวมอุดมคติทางสุนทรียะของอสังหาริมทรัพย์ที่สามในช่วงก่อนการปฏิวัติฝรั่งเศส การแสดงโอเปร่า Iphigenia ของ Gluck ใน Aulis (1774), Armida (1777) และ Iphigenia ใน Tauris (1779) ในปารีสทำให้การต่อสู้ของทิศทางเข้มข้นขึ้น ผู้ติดตามอุปรากรฝรั่งเศสสมัยก่อน ตลอดจนผู้สนับสนุนอุปรากรอิตาลี ซึ่งต่อต้านกลัค ต่อต้านเขาด้วยงานดั้งเดิมของเอ็น. พิกซินนี การต่อสู้ระหว่าง "พวกคลั่งไคล้" และ "พวกปิคชินนิสต์" (กลัคได้รับชัยชนะ) สะท้อนให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงทางอุดมการณ์ที่ลึกซึ้งที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18

ในโอเปร่าของ Lully และ Rameau มีการทาบทามแบบพิเศษซึ่งต่อมาเรียกว่าภาษาฝรั่งเศส นี่เป็นงานออเคสตราขนาดใหญ่และมีสีสัน ประกอบด้วยสามส่วน ส่วนสุดโต่งนั้นช้า เคร่งขรึม มีทางเดินสั้นๆ มากมายและการปรุงแต่งอันวิจิตรอื่นๆ ของธีมหลัก สำหรับตรงกลางของชิ้นงาน ตามกฎแล้ว จังหวะที่รวดเร็วถูกเลือก (เห็นได้ชัดว่าผู้เขียนเชี่ยวชาญเทคนิคทั้งหมดของโพลีโฟนีอย่างยอดเยี่ยม) การทาบทามดังกล่าวไม่ใช่ตัวเลขที่ผ่านไปแล้ว ซึ่งผู้มาที่หลังก็นั่งลงเสียงดัง แต่เป็นงานที่จริงจังที่ทำให้ผู้ฟังลงมือปฏิบัติและเผยให้เห็นถึงความเป็นไปได้มากมายของเสียงของวงออเคสตรา จากโอเปร่า ในไม่ช้าทาบทามฝรั่งเศสก็เข้าสู่แชมเบอร์มิวสิคและต่อมามักใช้ในผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวเยอรมัน G. F. Handel และ J. S. Bach ในสาขาดนตรีบรรเลงในฝรั่งเศส ความสำเร็จหลักเกี่ยวข้องกับกลาเวียร์ เพลงคีย์บอร์ดแสดงโดยสองประเภท หนึ่งในนั้นคือชิ้นงานขนาดเล็ก เรียบง่าย สง่างาม และประณีต รายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ มีความสำคัญ พยายามถ่ายทอดภาพทิวทัศน์หรือฉากพร้อมเสียง นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสได้สร้างเมโลดี้พิเศษขึ้นมา เต็มไปด้วยการประดับประดาอย่างวิจิตร - เมลิสมา (จากภาษากรีก "เมโล" - "เพลง", "เมโลดี้") ซึ่งเป็น "ลูกไม้" ของเสียงสั้น ๆ ที่สามารถเพิ่มเป็นท่วงทำนองเล็กๆ ได้ เมลิสมามีหลายพันธุ์ พวกเขาถูกกำหนดในข้อความดนตรีด้วยสัญลักษณ์พิเศษ เนื่องจากเสียงของฮาร์ปซิคอร์ดไม่ยืดออก มักมีความจำเป็นในการสร้างเมลิสมาเพื่อสร้างท่วงทำนองหรือวลีที่ฟังดูต่อเนื่อง ดนตรีกลาเวียร์ฝรั่งเศสอีกประเภทหนึ่งคือห้องสวีท (จากชุดภาษาฝรั่งเศส - "แถว", "ลำดับ") งานดังกล่าวประกอบด้วยหลายส่วน - ชิ้นเต้นรำที่ตัดกันในตัวละคร พวกเขาเดินตามกัน การเต้นรำหลักสี่ชุดเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับแต่ละชุด: allemande, courante, sarabande และ gigue ชุดนี้สามารถเรียกได้ว่าเป็นประเภทสากลเนื่องจากมีการเต้นรำจากวัฒนธรรมประจำชาติที่แตกต่างกัน Allemande (จากภาษาฝรั่งเศส allemande - "เยอรมัน") เช่นจากภาษาเยอรมัน chimes (จากภาษาฝรั่งเศส courante - "วิ่ง") - อิตาลีบ้านเกิดของ sarabande (สเปน zarabanda) - สเปน, จิ๊ก (อังกฤษ, จิ๊ก) - อังกฤษ. การเต้นรำแต่ละครั้งมีลักษณะ ขนาด จังหวะ จังหวะของตัวเอง นอกเหนือจากการเต้นรำเหล่านี้ทีละน้อยแล้วตัวเลขอื่น ๆ ก็เริ่มรวมอยู่ในชุด - minuet, gavotte และอื่น ๆ ประเภทของชุดพบศูนย์รวมที่เป็นผู้ใหญ่ในผลงานของ Handel และ Bach 10 .

การปฏิวัติฝรั่งเศสยังมีอิทธิพลอย่างมากต่อดนตรีอีกด้วย ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ละครตลกเริ่มแพร่หลาย (แม้ว่าละครตลกเรื่องแรกจะปรากฏเร็วเท่าปลายศตวรรษที่ 17 11) ซึ่งส่วนใหญ่เป็นการแสดงเดี่ยวที่มีพื้นฐานมาจากดนตรีพื้นบ้าน ประเภทนี้เป็นที่นิยมมากในหมู่ผู้คน - แรงจูงใจและคำพูดของโคลงกลอนนั้นจำได้ง่าย โอเปร่าการ์ตูนยังได้รับความนิยมในศตวรรษที่ 19 แต่แนวเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดก็คือเพลงอย่างไม่ต้องสงสัย ฟังก์ชั่นทางสังคมใหม่ของดนตรีที่เกิดจากสถานการณ์การปฏิวัติทำให้เกิดแนวเพลงมากมายรวมถึงการเดินขบวนและเพลง (เพลงของ Gossek เมื่อวันที่ 14 กรกฎาคม) การแต่งเพลงสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตราหลายวง (Lesueur, Megül) สร้างเพลงรักชาติ ในช่วงปีแห่งการปฏิวัติ (1789 - 1794) มีเพลงใหม่มากกว่า 1,500 เพลงปรากฏขึ้น ดนตรีบางส่วนยืมมาจากละครตลก เพลงพื้นบ้านของศตวรรษที่ 16-17 4 เพลงที่ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ: "Saera" (1789), "The Camping Song" (1794), "Carmagnola" (1792) - ชื่ออาจมาจากชื่อเมือง Carmagnola ของอิตาลีที่ซึ่งคนจนที่ทำงานจนกลายเป็น ประชากรส่วนใหญ่ เพลงปฏิวัติ "La Marseillaise"; ตอนนี้เป็นเพลงชาติ แต่งและแต่งเพลงโดย Rouge de Lisle ในสตราสบูร์กหลังจากการประกาศสงครามในเดือนเมษายน พ.ศ. 2335 ภายใต้อิทธิพลของอุดมการณ์ปฏิวัติแนวใหม่เกิดขึ้น - การแสดงโฆษณาชวนเชื่อโดยใช้กลุ่มนักร้องประสานเสียงขนาดใหญ่ ("The Republican Chosen One, or the Feast of Reason" Gretry, 1794; “ The Triumph of the Republic หรือ Camp at the Grand Pre, Gossek, 1793) รวมถึง “โอเปร่าช่วยเหลือ” ที่วาดด้วยความโรแมนติกของการต่อสู้เพื่อการปฏิวัติต่อต้านการปกครองแบบกดขี่ (“ Lodoiska”, 1791 และ “ผู้ให้บริการน้ำ”, 1800, Cherubini; “ The Cave” โดย Lesueur, 1793) 12. การเปลี่ยนแปลงเชิงปฏิวัติยังส่งผลต่อระบบการศึกษาด้านดนตรีอีกด้วย โรงเรียนคริสตจักร (metrisas) ถูกยกเลิกและในปี ค.ศ. 1793 ในกรุงปารีสบนพื้นฐานของโรงเรียนดนตรีที่ควบรวมกิจการของ National Guard และ Royal School of Singing and Recitation สถาบันดนตรีแห่งชาติได้ถูกสร้างขึ้น (ตั้งแต่ พ.ศ. 2338 - Conservatory of Music and บทสวด). ปารีสกลายเป็นศูนย์กลางการศึกษาด้านดนตรีที่สำคัญที่สุด

บทสรุป

เพลงฝรั่งเศสแห่งการตรัสรู้มีวิวัฒนาการไปตามยุคสมัยนั้นเอง ดังนั้น ละครตลกฝรั่งเศสจากงานแสดงตลกกับดนตรีจึงกลายเป็นประเภทดนตรีและการแสดงละครที่มีความสำคัญอย่างอิสระ ซึ่งแสดงโดยบุคคลสำคัญทางศิลปะที่มีบุคลิกต่างกัน หลากหลายแนวเพลง และผลงานที่น่าสนใจและมีอิทธิพลจำนวนมาก

ดนตรีเคยพัฒนาพร้อมกันในหลายทิศทาง - เป็นทางการและพื้นบ้าน Absolutism เป็นทั้งตัวเร่งปฏิกิริยาและยับยั้งการพัฒนาทางการ - นั่นคือโอเปร่าบัลเล่ต์โดยทั่วไปการแสดงละคร - ดนตรีในด้านหนึ่งมีคำสั่งของรัฐในการเขียนและการแสดงดนตรีในทางกลับกันการผูกขาดของรัฐ เกือบจะขัดขวางการพัฒนานักประพันธ์เพลงและเทรนด์ใหม่ๆ

ในทางกลับกัน ดนตรีพื้นบ้านได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางจากการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ในเพลงสวด การเดินขบวน และเพลง ซึ่งการประพันธ์เพลงส่วนใหญ่ตอนนี้แทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะสร้างขึ้นในขณะนี้ แต่ยังไม่สูญเสียคุณค่าทางวัฒนธรรมเพราะ นี้.

รายชื่อวรรณกรรมที่ใช้แล้ว

1. 
   K. K. Rosenshild ดนตรีในฝรั่งเศสช่วงศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 18 - M.: "Music", 1979
2. 
   พจนานุกรมสารานุกรมของ Brockhaus และ Efron (1890-1907)
3. 
   สารานุกรมแห่งสหภาพโซเวียตผู้ยิ่งใหญ่

แหล่งข้อมูลทางอินเทอร์เน็ต:

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 ยุคแห่งการตรัสรู้ได้เริ่มต้นขึ้น ซึ่งครอบคลุมทั้งศตวรรษที่ 18 ต่อมา ลักษณะสำคัญของเวลานี้คือความคิดอิสระและเหตุผลนิยม มีวัฒนธรรมแห่งการตรัสรู้ซึ่งทำให้โลก

ปรัชญา

วัฒนธรรมทั้งหมดของการตรัสรู้มีพื้นฐานมาจากแนวคิดทางปรัชญาใหม่ที่คิดค้นขึ้นโดยนักคิดในสมัยนั้น ผู้เชี่ยวชาญด้านความคิด ได้แก่ John Locke, Voltaire, Montesquieu, Rousseau, Goethe, Kant และคนอื่นๆ พวกเขาเป็นผู้กำหนดรูปร่างทางจิตวิญญาณของศตวรรษที่ 18 (ซึ่งเรียกอีกอย่างว่า Age of Reason)

นักปราชญ์แห่งการตรัสรู้เชื่อในแนวคิดหลักหลายประการ หนึ่งในนั้นคือทุกคนมีความเท่าเทียมกันโดยธรรมชาติ แต่ละคนมีความสนใจและความต้องการของตนเอง เพื่อพบกับพวกเขา จำเป็นต้องสร้างหอพักที่สะดวกสบายสำหรับทุกคน บุคลิกภาพไม่ได้เกิดขึ้นเองโดยลำพัง - มันถูกสร้างขึ้นเมื่อเวลาผ่านไปเนื่องจากความจริงที่ว่าผู้คนมีความแข็งแกร่งทางร่างกายและจิตใจตลอดจนความฉลาด ความเสมอภาคต้องอยู่ในความเสมอภาคของกฎหมายก่อน

วัฒนธรรมแห่งการตรัสรู้เป็นวัฒนธรรมแห่งความรู้ที่ทุกคนเข้าถึงได้ นักคิดชั้นนำเชื่อว่าการแพร่ขยายการศึกษาเท่านั้นที่จะยุติความวุ่นวายในสังคมได้ นี่คือเหตุผลนิยม - การรับรู้เหตุผลเป็นพื้นฐานของพฤติกรรมและความรู้ของมนุษย์

ในช่วงยุคแห่งการตรัสรู้ การอภิปรายเกี่ยวกับศาสนายังคงดำเนินต่อไป ความแตกแยกของสังคมจากคริสตจักรเฉื่อยและอนุรักษ์นิยม (ส่วนใหญ่เป็นคาทอลิก) กำลังเติบโตขึ้น ในบรรดาผู้ศรัทธาที่มีการศึกษา ความคิดของพระเจ้าได้แพร่กระจายออกไปในฐานะช่างกลแบบสัมบูรณ์ ผู้ซึ่งนำระเบียบมาสู่โลกที่มีอยู่เดิม ต้องขอบคุณการค้นพบทางวิทยาศาสตร์มากมาย มุมมองได้แพร่ขยายออกไปว่ามนุษยชาติสามารถเปิดเผยความลับทั้งหมดของจักรวาลได้ และปริศนาและปาฏิหาริย์ก็เป็นเรื่องของอดีต

ทิศทางศิลปะ

นอกจากปรัชญาแล้ว ยังมีวัฒนธรรมทางศิลปะของการตรัสรู้อีกด้วย ในเวลานี้ ศิลปะของโลกเก่ารวมสองส่วนหลัก ประการแรกคือความคลาสสิค เขาเป็นตัวเป็นตนในวรรณคดี ดนตรี ศิลปกรรม ทิศทางนี้หมายถึงการปฏิบัติตามหลักการโรมันและกรีกโบราณ ศิลปะดังกล่าวโดดเด่นด้วยความสมมาตร ความมีเหตุมีผล ความเด็ดเดี่ยว และการปฏิบัติตามรูปแบบอย่างเคร่งครัด

ภายในกรอบของแนวโรแมนติก วัฒนธรรมศิลปะของการตรัสรู้ตอบสนองต่อคำขออื่นๆ: อารมณ์ จินตนาการ และการแสดงด้นสดอย่างสร้างสรรค์ของศิลปิน มันมักจะเกิดขึ้นที่งานเดียว แนวทางที่ตรงกันข้ามทั้งสองนี้ถูกรวมเข้าด้วยกัน ตัวอย่างเช่น แบบฟอร์มอาจสอดคล้องกับความคลาสสิคและเนื้อหา - แนวโรแมนติก

รูปแบบการทดลองก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน ความซาบซึ้งกลายเป็นปรากฏการณ์ที่สำคัญ ไม่มีรูปแบบโวหารของตัวเอง แต่ด้วยความช่วยเหลือของความคิดนั้นเกี่ยวกับความเมตตาและความบริสุทธิ์ของมนุษย์ซึ่งมอบให้กับผู้คนโดยธรรมชาติได้สะท้อนออกมา วัฒนธรรมศิลปะรัสเซียในยุคแห่งการตรัสรู้เช่นเดียวกับยุโรปมีผลงานที่สดใสซึ่งเป็นแนวโน้มของอารมณ์อ่อนไหว นั่นคือเรื่องราวของ Nikolai Karamzin "Poor Liza"

ลัทธิแห่งธรรมชาติ

มันคือพวกอารมณ์อ่อนไหวที่สร้างลัทธิของลักษณะเฉพาะของการตรัสรู้ นักคิดแห่งศตวรรษที่ 18 มองหาตัวอย่างของสิ่งสวยงามและดีที่มนุษยชาติควรแสวงหา ศูนย์รวมของโลกที่ดีกว่ากลายเป็นสวนสาธารณะและสวนที่ปรากฏอย่างแข็งขันในเวลานั้นในยุโรป พวกเขาถูกสร้างขึ้นเพื่อเป็นสภาพแวดล้อมที่สมบูรณ์แบบสำหรับคนที่สมบูรณ์แบบ องค์ประกอบของพวกเขารวมถึงหอศิลป์, ห้องสมุด, พิพิธภัณฑ์, วัด, โรงละคร

ผู้รู้แจ้งเชื่อว่า "มนุษย์ปุถุชน" คนใหม่ควรกลับคืนสู่สภาพธรรมชาติ นั่นคือธรรมชาติ ตามแนวคิดนี้ วัฒนธรรมศิลปะของรัสเซียในช่วงการตรัสรู้ (หรือมากกว่าสถาปัตยกรรม) ได้นำเสนอ Peterhof ให้กับผู้ร่วมสมัย สถาปนิกชื่อดัง Leblon, Zemtsov, Usov, Quarenghi ทำงานในการก่อสร้าง ด้วยความพยายามของพวกเขา วงดนตรีที่มีเอกลักษณ์จึงปรากฏขึ้นบนชายฝั่งอ่าวฟินแลนด์ ซึ่งรวมถึงสวนสาธารณะที่มีเอกลักษณ์ พระราชวังและน้ำพุอันงดงาม

จิตรกรรม

ในการวาดภาพ วัฒนธรรมศิลปะของยุโรปตรัสรู้ได้พัฒนาไปในทิศทางของลัทธิฆราวาสนิยมมากขึ้น การเริ่มต้นทางศาสนากำลังสูญเสียพื้นที่แม้ในประเทศเหล่านั้นซึ่งก่อนหน้านี้รู้สึกมั่นใจมาก: ออสเตรีย, อิตาลี, เยอรมนี การวาดภาพทิวทัศน์ถูกแทนที่ด้วยภูมิทัศน์ทางอารมณ์ และภาพเหมือนที่สนิทสนมเข้ามาแทนที่ภาพเหมือนในพิธี

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 วัฒนธรรมฝรั่งเศสแห่งการตรัสรู้ทำให้เกิดสไตล์โรโคโค ศิลปะดังกล่าวสร้างขึ้นจากความไม่สมดุล มีการเยาะเย้ย ขี้เล่น และเสแสร้ง ตัวละครที่ชื่นชอบของศิลปินในทิศทางนี้คือ Bacchantes นางไม้ Venus Diana และตัวเลขอื่น ๆ ของเทพนิยายโบราณและแผนการหลักคือความรัก

ตัวอย่างที่โดดเด่นของ French Rococo คือผลงานของ Francois Boucher ซึ่งถูกเรียกว่า "ศิลปินคนแรกของกษัตริย์" เขาวาดฉากละคร ภาพประกอบสำหรับหนังสือ รูปภาพสำหรับบ้านเรือนและพระราชวังอันมั่งคั่ง ผืนผ้าใบที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ: "ห้องน้ำของดาวศุกร์", "ชัยชนะของดาวศุกร์" ฯลฯ

ในทางตรงกันข้าม อองตวน วัตโต กลับหันมาใช้ชีวิตสมัยใหม่มากขึ้น ภายใต้อิทธิพลของเขา Thomas Gainsborough จิตรกรภาพเหมือนชาวอังกฤษที่ยิ่งใหญ่ที่สุดได้พัฒนาขึ้น ภาพของเขาโดดเด่นด้วยจิตวิญญาณความประณีตทางจิตวิญญาณและบทกวี

จิตรกรชาวอิตาลีคนสำคัญของศตวรรษที่ 18 คือ Giovanni Tiepolo ผู้เชี่ยวชาญด้านการแกะสลักและจิตรกรรมฝาผนังนี้ได้รับการยกย่องจากนักประวัติศาสตร์ศิลป์ว่าเป็นตัวแทนที่ยิ่งใหญ่คนสุดท้ายของโรงเรียนเวนิส ในเมืองหลวงของสาธารณรัฐการค้าที่มีชื่อเสียง veduta ก็เกิดขึ้น - ภูมิทัศน์เมืองทุกวัน ผู้สร้างที่มีชื่อเสียงที่สุดในประเภทนี้ ได้แก่ Francesco Guardi และ Antonio Canaletto บุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมเหล่านี้ได้ทิ้งภาพวาดที่น่าประทับใจไว้มากมาย

โรงภาพยนตร์

ศตวรรษที่ 18 เป็นยุคทองของโรงละคร ในช่วงยุคแห่งการตรัสรู้ รูปแบบศิลปะนี้ถึงจุดสุดยอดของความนิยมและความแพร่หลาย ในอังกฤษ ริชาร์ด เชอริแดน นักเขียนบทละครที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ A Trip to Scarborough, The School for Scandal และ Rivals เยาะเย้ยการผิดศีลธรรมของชนชั้นนายทุน

วัฒนธรรมการละครของยุโรปในช่วงการตรัสรู้ได้พัฒนาอย่างรวดเร็วที่สุดในเวนิส โดยที่โรงละคร 7 แห่งทำงานพร้อมกัน งานรื่นเริงประจำปีตามประเพณีของเมืองดึงดูดแขกจากทั่วทุกมุมโลก ในเมืองเวนิส ผู้แต่ง "โรงเตี๊ยม" ชื่อดังอย่าง Carlo Goldoni ทำงาน นักเขียนบทละครคนนี้ ซึ่งเขียนผลงานทั้งหมด 267 ชิ้น ได้รับความเคารพและชื่นชมจากวอลแตร์

หนังตลกที่โด่งดังที่สุดในศตวรรษที่ 18 คือ The Marriage of Figaro ซึ่งเขียนโดย Beaumarchais ผู้ยิ่งใหญ่ชาวฝรั่งเศส ในละครเรื่องนี้ พวกเขาพบรูปแบบหนึ่งของอารมณ์ของสังคมที่มีทัศนคติเชิงลบต่อระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ของบูร์บง ไม่กี่ปีหลังจากการตีพิมพ์และการผลิตเรื่องตลกครั้งแรก การปฏิวัติเกิดขึ้นในฝรั่งเศสที่ล้มล้างระบอบการปกครองแบบเก่า

วัฒนธรรมยุโรปในช่วงการตรัสรู้ไม่เป็นเนื้อเดียวกัน ในบางประเทศลักษณะประจำชาติของพวกเขาเกิดขึ้นในงานศิลปะ ตัวอย่างเช่น นักเขียนบทละครชาวเยอรมัน (ชิลเลอร์ เกอเธ่ เลสซิง) เขียนผลงานที่โดดเด่นที่สุดของพวกเขาในรูปแบบของโศกนาฏกรรม ในเวลาเดียวกัน โรงละครแห่งการตรัสรู้ปรากฏในเยอรมนีช้ากว่าในฝรั่งเศสหรืออังกฤษหลายสิบปี

Johann Goethe ไม่เพียง แต่เป็นกวีและนักเขียนบทละครที่โดดเด่นเท่านั้น ไม่ใช่เพื่ออะไรที่เขาถูกเรียกว่า "อัจฉริยะสากล" - นักเลงและนักทฤษฎีศิลปะ นักวิทยาศาสตร์ นักประพันธ์ และผู้เชี่ยวชาญในสาขาอื่น ๆ อีกมากมาย งานหลักของเขาคือโศกนาฏกรรมเฟาสต์และบทละครเอ็กมอนต์ อีกบุคคลหนึ่งที่โดดเด่นของการตรัสรู้ของเยอรมัน ไม่เพียงแต่เขียน "การหลอกลวงและความรัก" และ "โจร" เท่านั้น แต่ยังทิ้งงานทางวิทยาศาสตร์และประวัติศาสตร์ไว้เบื้องหลังอีกด้วย

นิยาย

ประเภทวรรณกรรมหลักของศตวรรษที่ 18 คือนวนิยาย ต้องขอบคุณหนังสือเล่มใหม่ที่ชัยชนะของวัฒนธรรมชนชั้นนายทุนเริ่มต้นขึ้น แทนที่อุดมการณ์เก่าศักดินาในอดีต ผลงานของนักเขียนศิลปะไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักสังคมวิทยานักปรัชญาและนักเศรษฐศาสตร์อีกด้วย

นวนิยายเรื่องนี้เติบโตขึ้นจากวารสารศาสตร์เพื่อการศึกษา นักคิดแห่งศตวรรษที่ 18 ได้ค้นพบรูปแบบใหม่ในการแสดงความคิดทางสังคมและปรัชญาของตน Jonathan Swift ผู้เขียน Gulliver's Travels ได้ลงทุนในผลงานของเขาโดยพาดพิงถึงความชั่วร้ายของสังคมร่วมสมัย เขายังเขียนเรื่อง "The Tale of the Butterfly" ในจุลสารเล่มนี้ สวิฟท์เยาะเย้ยคำสั่งและความขัดแย้งของคริสตจักรในขณะนั้น

การพัฒนาวัฒนธรรมในช่วงการตรัสรู้สามารถสืบย้อนไปถึงการเกิดขึ้นของวรรณกรรมประเภทใหม่ ในเวลานี้นวนิยาย epistolary (นวนิยายในตัวอักษร) เกิดขึ้น ตัวอย่างเช่น งานซาบซึ้งของโยฮัน เกอเธ่เรื่อง The Suffings of Young Werther ซึ่งตัวละครหลักฆ่าตัวตาย เช่นเดียวกับจดหมายเปอร์เซียของมงเตสกิเยอ นวนิยายสารคดีปรากฏในประเภทของการเขียนการเดินทางหรือคำอธิบายการเดินทาง (การเดินทางในฝรั่งเศสและอิตาลีโดย Tobias Smollett)

ในวรรณคดีวัฒนธรรมของการตรัสรู้ในรัสเซียเป็นไปตามศีลคลาสสิก ในศตวรรษที่ 18 กวี Alexander Sumarokov, Vasily Trediakovsky, Antioch Kantemir ทำงาน ต้นกล้าแรกของอารมณ์อ่อนไหวปรากฏขึ้น (ที่กล่าวถึงแล้ว Karamzin กับ "Poor Lisa" และ "Natalya, the Boyar's Daughter") วัฒนธรรมแห่งการตรัสรู้ในรัสเซียได้สร้างข้อกำหนดเบื้องต้นทั้งหมดสำหรับวรรณคดีรัสเซีย นำโดยพุชกิน เลอร์มอนตอฟ และโกกอล เพื่อความอยู่รอดในยุคทองของมันในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ใหม่

ดนตรี

มันเป็นช่วงยุคแห่งการตรัสรู้ที่ภาษาดนตรีสมัยใหม่พัฒนาขึ้น Johann Bach ถือเป็นผู้ก่อตั้ง นักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่คนนี้เขียนผลงานทุกประเภท (ยกเว้นโอเปร่า) บาคยังถือเป็นปรมาจารย์ด้านพหุโฟนีที่ไม่มีใครเทียบได้ในปัจจุบัน นักแต่งเพลงชาวเยอรมันอีกคนหนึ่งชื่อ Georg Handel เขียนโอเปร่ามากกว่า 40 เรื่อง รวมทั้งโซนาตาและห้องสวีทจำนวนมาก เขาเช่นเดียวกับบาคได้รับแรงบันดาลใจจากเรื่องในพระคัมภีร์ (ชื่อผลงานเป็นเรื่องปกติ: "อิสราเอลในอียิปต์", "เซาโล", "เมสสิยาห์")

ปรากฏการณ์ทางดนตรีที่สำคัญอีกประการหนึ่งในสมัยนั้นคือโรงเรียนเวียนนา ผลงานของตัวแทนยังคงดำเนินการโดยวงออเคสตราทางวิชาการในปัจจุบัน ต้องขอบคุณการที่คนสมัยใหม่สามารถสัมผัสมรดกตกทอดจากวัฒนธรรมแห่งการตรัสรู้ได้ ศตวรรษที่ 18 มีความเกี่ยวข้องกับชื่ออัจฉริยะเช่น Wolfgang Mozart, Joseph Haydn, Ludwig van Beethoven คีตกวีชาวเวียนนาเหล่านี้เป็นผู้คิดทบทวนรูปแบบและแนวดนตรีแบบเก่า

ไฮเดนถือเป็นบิดาของซิมโฟนีคลาสสิก (เขาเขียนมากกว่าหนึ่งร้อยเรื่อง) ผลงานเหล่านี้หลายชิ้นมีพื้นฐานมาจากการเต้นรำและเพลงพื้นบ้าน จุดสุดยอดของงานของ Haydn คือวัฏจักรของลอนดอนซิมโฟนีที่เขียนโดยเขาระหว่างการเดินทางไปอังกฤษ วัฒนธรรมแห่งการตรัสรู้และยุคอื่น ๆ ของประวัติศาสตร์มนุษย์แทบไม่ได้ผลิตศิลปินที่อุดมสมบูรณ์เช่นนี้ นอกจากการแสดงซิมโฟนีแล้ว Haydn ยังให้เครดิตกับ 83 quartets, 13 mass, 20 operas และ 52 clavier sonatas

Mozart ไม่เพียงแต่เขียนเพลงเท่านั้น เขาเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและไวโอลินอย่างไม่มีใครเทียบได้ เขาเชี่ยวชาญเครื่องดนตรีเหล่านี้ตั้งแต่อายุยังน้อย โอเปร่าและคอนเสิร์ตของเขาโดดเด่นด้วยอารมณ์ที่หลากหลาย (ตั้งแต่เนื้อเพลงไปจนถึงความสนุกสนาน) งานหลักของโมสาร์ทถือเป็นสามซิมโฟนีของเขาซึ่งเขียนในปีเดียวกัน 1788 (หมายเลข 39, 40, 41)

เบโธเฟนคลาสสิกที่ยอดเยี่ยมอีกคนหนึ่งชื่นชอบแผนการที่กล้าหาญซึ่งสะท้อนให้เห็นในทาบทาม Egmont, Coriolanus และโอเปร่า Fidelio ในฐานะนักแสดง เขาทำให้คนรุ่นเดียวกันประหลาดใจด้วยการเล่นเปียโน เบโธเฟนเขียนโซนาตา 32 ตัวสำหรับเครื่องดนตรีนี้ นักแต่งเพลงสร้างผลงานส่วนใหญ่ของเขาในกรุงเวียนนา นอกจากนี้ เขายังเป็นเจ้าของโซนาต้าสำหรับไวโอลินและเปียโน 10 ตัว (ที่โด่งดังที่สุดคือโซนาตา "Kreutzer")

เบโธเฟนสูญเสียการได้ยินอย่างรุนแรงจากเขา นักแต่งเพลงฆ่าตัวตายและเขียน Moonlight Sonata ในตำนานของเขาด้วยความสิ้นหวัง อย่างไรก็ตามแม้ความเจ็บป่วยที่ร้ายแรงก็ไม่ได้ทำลายความตั้งใจของศิลปิน เอาชนะความไม่แยแสของตัวเอง Beethoven เขียนงานไพเราะอีกมากมาย

ตรัสรู้ภาษาอังกฤษ

อังกฤษเป็นแหล่งกำเนิดของการตรัสรู้ของชาวยุโรป ในประเทศนี้ ย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 17 ก่อนอื่น การปฏิวัติของชนชั้นนายทุนได้เกิดขึ้น ซึ่งเป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาทางวัฒนธรรม อังกฤษได้กลายเป็นตัวอย่างที่ชัดเจนของความก้าวหน้าทางสังคม นักปรัชญา John Locke เป็นหนึ่งในนักทฤษฎีกลุ่มแรกและกลุ่มหลักของแนวคิดเสรีนิยม ภายใต้อิทธิพลของงานเขียนของเขา เอกสารทางการเมืองที่สำคัญที่สุดของการตรัสรู้ถูกเขียนขึ้น - ปฏิญญาอิสรภาพของอเมริกา Locke เชื่อว่าความรู้ของมนุษย์ถูกกำหนดโดยการรับรู้ทางประสาทสัมผัสและประสบการณ์ ซึ่งหักล้างปรัชญาเดส์การตที่ได้รับความนิยมก่อนหน้านี้

นักคิดชาวอังกฤษคนสำคัญอีกคนหนึ่งของศตวรรษที่ 18 คือ David Hume นักปรัชญา นักเศรษฐศาสตร์ นักประวัติศาสตร์ นักการทูต และนักประชาสัมพันธ์ ได้ปรับปรุงศาสตร์แห่งศีลธรรม อดัม สมิธร่วมสมัยของเขากลายเป็นผู้ก่อตั้งทฤษฎีเศรษฐศาสตร์สมัยใหม่ วัฒนธรรมของการตรัสรู้ กล่าวโดยย่อ นำหน้าแนวคิดและแนวคิดสมัยใหม่มากมาย งานของสมิธก็แค่นั้น เขาเป็นคนแรกที่ถือเอาความสำคัญของตลาดกับความสำคัญของรัฐ

นักคิดของฝรั่งเศส

นักปรัชญาชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ทำงานตรงข้ามกับระบบสังคมและการเมืองที่มีอยู่ในขณะนั้น Rousseau, Diderot, Montesquieu - พวกเขาทั้งหมดประท้วงต่อต้านคำสั่งในประเทศ การวิพากษ์วิจารณ์อาจมีหลายรูปแบบ: ต่ำช้า การทำให้เป็นอุดมคติของอดีต (ยกย่องประเพณีรีพับลิกันในสมัยโบราณ) เป็นต้น

"สารานุกรม" จำนวน 35 เล่มกลายเป็นปรากฏการณ์พิเศษของวัฒนธรรมแห่งการตรัสรู้ มันถูกสร้างขึ้นจากนักคิดหลักของ Age of Reason Julien La Mettie, Claude Helvetius และปัญญาชนที่โดดเด่นคนอื่น ๆ ของศตวรรษที่ 18 มีส่วนทำให้หนังสือแต่ละเล่ม

มงเตสกิเยอวิพากษ์วิจารณ์ความเด็ดขาดและความเผด็จการของเจ้าหน้าที่อย่างรุนแรง วันนี้เขาได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้ก่อตั้งเสรีนิยมชนชั้นนายทุน วอลแตร์กลายเป็นตัวอย่างของความเฉลียวฉลาดและความสามารถที่โดดเด่น เขาเป็นนักเขียนบทกวีเหน็บแนมนวนิยายเชิงปรัชญาบทความทางการเมือง นักคิดเข้าคุกสองครั้ง หลายครั้งที่เขาต้องซ่อนตัวขณะหนี วอลแตร์เป็นผู้สร้างสรรค์แฟชั่นเพื่อการคิดอย่างอิสระและความสงสัย

ตรัสรู้เยอรมัน

วัฒนธรรมเยอรมันในศตวรรษที่ 18 มีอยู่ในเงื่อนไขของการกระจายตัวทางการเมืองของประเทศ จิตใจขั้นสูงสนับสนุนการปฏิเสธร่องรอยศักดินาและความสามัคคีของชาติ ต่างจากนักปรัชญาชาวฝรั่งเศส นักคิดชาวเยอรมันระมัดระวังเกี่ยวกับประเด็นที่เกี่ยวข้องกับคริสตจักร

เช่นเดียวกับวัฒนธรรมรัสเซียแห่งการตรัสรู้ วัฒนธรรมปรัสเซียถูกสร้างขึ้นด้วยการมีส่วนร่วมโดยตรงของพระมหากษัตริย์เผด็จการ (ในรัสเซียคือ Catherine II ในปรัสเซีย - Frederick the Great) ประมุขแห่งรัฐสนับสนุนอุดมการณ์ขั้นสูงในสมัยของเขาอย่างยิ่งแม้ว่าเขาจะไม่ยอมละทิ้งอำนาจอันไร้ขอบเขต ระบบนี้เรียกว่า "สมบูรณาญาสิทธิราชย์ที่รู้แจ้ง"

ผู้รู้แจ้งหลักของเยอรมนีในศตวรรษที่ 18 คือ Immanuel Kant ในปี ค.ศ. 1781 เขาได้ตีพิมพ์งานพื้นฐาน Critique of Pure Reason ปราชญ์พัฒนาทฤษฎีความรู้ใหม่ศึกษาความเป็นไปได้ของสติปัญญาของมนุษย์ เขาเป็นคนที่ยืนยันวิธีการต่อสู้และรูปแบบทางกฎหมายของการเปลี่ยนแปลงระบบสังคมและรัฐโดยไม่รวมถึงความรุนแรงขั้นต้น กันต์มีส่วนสำคัญในการสร้างสรรค์ทฤษฎีหลักนิติธรรม

บทความนี้สามารถใช้เป็นเนื้อหาเพิ่มเติมสำหรับการเรียนดนตรีในเกรด 7-8 มีเนื้อหาสำหรับการศึกษาเชิงลึกเกี่ยวกับวัฒนธรรมดนตรีของศตวรรษที่ 17-18 ในดนตรีของยุคนั้น ภาษาหนึ่งถูกสร้างขึ้น ซึ่งต่อมา "จะพูด" ทั่วทั้งยุโรป

ดาวน์โหลด:

ดูตัวอย่าง:

“ดนตรีแห่งการตรัสรู้”

ขบวนการตรัสรู้มีผลกระทบอย่างมากต่อชีวิตดนตรี ในเพลงของศตวรรษที่ 17 - 18 ภาษาดนตรีนั้นกำลังก่อตัวขึ้นซึ่งทั้งยุโรปจะ "พูด" ในภายหลัง คนแรกคือ Johann Sebastian Bach (1685-1750) และ Georg Friedrich Handel (1685-1759) บาคเป็นนักแต่งเพลงและนักออร์แกนที่ยอดเยี่ยม เขาทำงานในแนวดนตรีทุกประเภทยกเว้นโอเปร่า เขานำศิลปะโพลีโฟนิกที่เกิดขึ้นในยุโรปในยุคกลางมาสู่ความสมบูรณ์แบบ ความลึกของความคิดของ Bach ความรู้สึกของเขาถูกเปิดเผยอย่างเต็มที่ในงานออร์แกนคำสารภาพของวิญญาณ ในบรรดาหกชั่วอายุคนของ Bachs เกือบทั้งหมดเป็นนักเล่นออร์แกน นักเป่าแตร นักเป่าฟลุต นักไวโอลิน นักเล่นวงดนตรี และนักขับร้อง เส้นทางชีวิตของนักประพันธ์เพลงที่เก่งกาจคือการต่อสู้ดิ้นรนเพื่อสิทธิในการสร้างสรรค์ Handel เช่นเดียวกับ Bach ใช้หัวข้อในพระคัมภีร์สำหรับผลงานของเขา

ในช่วงศตวรรษที่ 18 ในหลายประเทศ (อิตาลี, เยอรมนี, ออสเตรีย, ฝรั่งเศส, ฯลฯ ) มีกระบวนการของการก่อตัวของแนวเพลงใหม่และรูปแบบของดนตรีบรรเลงซึ่งในที่สุดก็เป็นรูปเป็นร่างและถึงจุดสูงสุดในสิ่งที่เรียกว่า " โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา".โรงเรียนคลาสสิกแห่งเวียนนาซึ่งซึมซับความสำเร็จขั้นสูงของวัฒนธรรมดนตรีประจำชาติอย่างเป็นธรรมชาติ เป็นปรากฏการณ์ระดับชาติที่ลึกซึ้ง ซึ่งมีรากฐานมาจากวัฒนธรรมประชาธิปไตยของชาวออสเตรีย ตัวแทนของทิศทางศิลปะนี้คือ J. Haydn, V.A. โมสาร์ท, แอล. ฟาน เบโธเฟน. แต่ละคนมีบุคลิกที่สดใส ดังนั้นสไตล์ของ Haydn จึงโดดเด่นด้วยโลกทัศน์ที่สดใส บทบาทนำของประเภทและองค์ประกอบในชีวิตประจำวัน สำหรับสไตล์ของโมสาร์ท การเริ่มต้นที่ไพเราะและไพเราะนั้นมีลักษณะเฉพาะมากกว่า สไตล์ของเบโธเฟนเป็นศูนย์รวมของวีรกรรมที่น่าสมเพชของการต่อสู้ อย่างไรก็ตาม พร้อมกับความแตกต่างที่กำหนดเอกลักษณ์ของความเป็นปัจเจกของนักประพันธ์เพลงแต่ละคน พวกเขารวมกันด้วยความสมจริง หลักการยืนยันชีวิต และประชาธิปไตย การคิดที่มุ่งเน้นในยุคแห่งการตรัสรู้ไปสู่เหตุผลนิยมและการวางนัยทั่วไปเชิงนามธรรม นำไปสู่การเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่ๆ: SYMPHONY, SONATA, CONCERT แนวเพลงเหล่านี้อยู่ในรูปของวงจรโซนาตา-ซิมโฟนี ซึ่งแกนหลักคือโซนาตาอัลเลโกร SONATA ALLEGRO เป็นโครงสร้างแบบสัดส่วนและสมมาตร ประกอบด้วยสามส่วนหลัก - นิทรรศการ การพัฒนา และการแสดงซ้ำ

โรงเรียนคลาสสิกเวียนนามีลักษณะศิลปะแบบคลาสสิกซึ่งมีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17ตามแนวคิดของความสม่ำเสมอ ความมีเหตุมีผลของระเบียบโลก ผู้เชี่ยวชาญของรูปแบบนี้พยายามหารูปแบบที่ชัดเจนและเข้มงวด รูปแบบที่กลมกลืนกัน และศูนย์รวมของอุดมคติทางศีลธรรมอันสูงส่ง พวกเขาถือว่างานศิลปะโบราณเป็นตัวอย่างสูงสุดของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่ไม่มีใครเทียบได้ ดังนั้นพวกเขาจึงพัฒนาโครงเรื่องและภาพโบราณ ลัทธิคลาสสิคนิยมต่อต้านบาโรกในหลาย ๆ ด้านด้วยความหลงใหล ความแปรปรวน ความไม่สอดคล้องกัน ยืนยันหลักการของตนในงานศิลปะประเภทต่าง ๆ รวมถึงดนตรีกิจกรรมของคีตกวีของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาจัดทำขึ้นโดยประสบการณ์ทางศิลปะของรุ่นก่อนและร่วมสมัยรวมถึงโอเปร่าและวัฒนธรรมของอิตาลีและฝรั่งเศสความสำเร็จของดนตรีเยอรมัน ชีวิตดนตรีของเวียนนามีบทบาทอย่างมากในการก่อตั้งโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาซึ่งเป็นศูนย์ดนตรีที่ใหญ่ที่สุดซึ่งเป็นนิทานพื้นบ้านทางดนตรีของ บริษัท ข้ามชาติออสเตรีย ศิลปะของคลาสสิกเวียนนามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการเพิ่มขึ้นของวัฒนธรรมออสโตร - เยอรมันโดยทั่วไปด้วยการตรัสรู้ซึ่งสะท้อนถึงอุดมคติที่มีมนุษยนิยมของนิคมที่สามในช่วงก่อนการปฏิวัติฝรั่งเศส ความคิดสร้างสรรค์ของคลาสสิกเวียนนามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับมุมมองของ G.E. เลสซิง, ไอ.จี. แฮร์เดอร์, ไอ.วี. Goethe, F. Schiller, I. Kant, G. Hegel, พร้อมบทบัญญัติบางประการของนักสารานุกรมชาวฝรั่งเศส

ศิลปะของตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนามีลักษณะเป็นสากลของการคิดทางศิลปะความสม่ำเสมอความชัดเจนของรูปแบบศิลปะ ความรู้สึกและสติปัญญา โศกนาฏกรรมและตลกขบขัน การคำนวณที่แม่นยำและความเป็นธรรมชาติ ความง่ายในการแสดงออก ถูกรวมเข้าไว้ในผลงานของพวกเขาดนตรีของนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาเป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาความคิดทางดนตรี ภาษาดนตรีของพวกเขาโดดเด่นด้วยระเบียบที่เข้มงวดผสมผสานกับความหลากหลายและความสมบูรณ์ภายใน อาจารย์ของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาแต่ละคนมีบุคลิกที่เป็นเอกลักษณ์ Haydn และ Beethoven ใกล้เคียงกับวงการดนตรีบรรเลงมากที่สุด Mozart ได้พิสูจน์ตัวเองอย่างเท่าเทียมกันทั้งในประเภทโอเปร่าและบรรเลง Haydn ให้ความสำคัญกับภาพแนวพื้นบ้าน อารมณ์ขัน เรื่องตลก เบโธเฟน - ต่อความกล้าหาญ โมสาร์ทในฐานะศิลปินสากล - ไปสู่ประสบการณ์ด้านโคลงสั้น ๆ หลากหลายเฉด ผลงานของนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนคลาสสิกแห่งเวียนนาซึ่งเป็นจุดสูงสุดของวัฒนธรรมศิลปะระดับโลก มีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาดนตรีต่อไป

รูปแบบดนตรีบรรเลงที่ซับซ้อนที่สุดคือ SYMPHONY (ภาษากรีก “consonance”) ได้รับการออกแบบให้แสดงโดยวงดุริยางค์ซิมโฟนี ความเป็นไปได้ของประเภทนี้นั้นยอดเยี่ยม: ช่วยให้คุณแสดงความคิดทางปรัชญาและศีลธรรมด้วยวิธีการทางดนตรีเพื่อพูดคุยเกี่ยวกับความรู้สึกและประสบการณ์ ประเภทนี้ก่อตั้งขึ้นในกลางศตวรรษที่ 18 ในการทำงานของตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา ผู้แต่งได้พัฒนาวงจรโซนาตา-ซิมโฟนีในสี่ส่วน ซึ่งแตกต่างกันในธรรมชาติของดนตรี จังหวะ และวิธีการพัฒนาธีม การเคลื่อนไหวครั้งแรกที่สร้างขึ้นในรูปแบบโซนาตาและมักจะดำเนินการอย่างรวดเร็ว เต็มไปด้วยเนื้อหาที่น่าทึ่ง บางครั้งก็นำหน้าด้วยการแนะนำอย่างช้าๆ การเคลื่อนไหวครั้งที่สองนั้นช้าและครุ่นคิด มันเป็นจุดศูนย์กลางของโคลงสั้น ๆ ขององค์ประกอบ อันที่สามตรงกันข้ามกับอันที่สอง: การเคลื่อนไหว ดนตรีสดเป็นการเต้นหรือขี้เล่น จนถึงต้นศตวรรษที่ XIX นักแต่งเพลงใช้รูปแบบของ minuet (fr. menuet จากเมนู - "เล็กเล็ก") ซึ่งเป็นการเต้นรำในร้านเสริมสวยทั่วไปของศตวรรษที่ 18 ต่อมา minuet ถูกแทนที่ด้วย scherzo (จากภาษาอิตาลี scherzo - "joke") - นี่คือชื่อของงานร้องหรือบรรเลงเล็ก ๆ ที่มีจังหวะเร็วและสนุกสนานในเนื้อหา ประการที่สี่ มักจะเร็ว การเคลื่อนไหวเป็นตอนจบของซิมโฟนี สรุปผลการพัฒนาธีมและรูปภาพของงานหนึ่งในรูปแบบดนตรีที่ซับซ้อนและสมบูรณ์ที่สุด โซนาตา เริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 และได้รับรูปแบบสุดท้ายในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษในผลงานของคีตกวีของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา SONATA FORM เป็นหลักการของการนำเสนอสื่อดนตรี มันไม่เกี่ยวข้องกับการสลับกลไกของชิ้นส่วนและส่วนต่างๆ แต่เป็นการโต้ตอบของธีมและภาพศิลปะ หัวข้อ - หลักและรอง - ตรงข้ามกันหรือเสริมกัน การพัฒนาธีมต้องผ่านสามขั้นตอน - นิทรรศการ การพัฒนา และบทสรุป หัวข้อต่างๆ เกิดขึ้นในนิทรรศการ (จากภาษาละติน expositio - "การนำเสนอ, การแสดง") เสียงหลักในคีย์หลักซึ่งกำหนดชื่อของคีย์ขององค์ประกอบทั้งหมด ธีมรองมักจะนำเสนอด้วยโทนที่ต่างกัน - ความแตกต่างเกิดขึ้นระหว่างธีม ในการพัฒนา การพัฒนาธีมเพิ่มเติมจะเกิดขึ้น พวกเขาสามารถเข้ามาขัดแย้งกันที่คมชัด บางครั้งฝ่ายหนึ่งปราบปรามอีกฝ่ายหนึ่ง หรือในทางกลับกัน กลับเข้าไปในเงามืด ปล่อยให้ "คู่แข่ง" มีอิสระเต็มที่ในการกระทำ ทั้งสองรูปแบบสามารถปรากฏในแสงที่แตกต่างกัน ตัวอย่างเช่น พวกเขาจะดำเนินการโดยองค์ประกอบที่แตกต่างกันของเครื่องดนตรี หรือพวกเขาจะเปลี่ยนลักษณะอย่างมาก ในการบรรเลง (การบรรเลงภาษาฝรั่งเศสจากการแสดงซ้ำ - "ต่ออายุ, ทำซ้ำ") หัวข้อในแวบแรกจะกลับสู่สถานะเดิม อย่างไรก็ตาม ธีมรองฟังดูแล้วในคีย์หลัก ดังนั้นจึงเป็นหนึ่งเดียวกับคีย์หลัก บทสรุปเป็นผลจากเส้นทางที่ซับซ้อน ซึ่งรูปแบบต่างๆ ได้รับการเสริมแต่งด้วยประสบการณ์ของการแสดงออกและการพัฒนา ผลลัพธ์ของการพัฒนาบางครั้งได้รับการแก้ไขในส่วนเพิ่มเติม - รหัส (จาก coda ภาษาอิตาลี - "หาง") แต่เป็นทางเลือก แบบฟอร์มโซนาตามักจะใช้ในส่วนแรกของโซนาตาและซิมโฟนี และ (มีการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อย) ในส่วนที่สองและในตอนจบ

ประเภทหลักของดนตรีบรรเลงคือ SONATA (โซนาตาอิตาลี จากโซนาเระ - "เป็นเสียง") นี่เป็นงานที่มีหลายส่วน (โดยปกติคือสามหรือสี่ส่วน) ในงานของปรมาจารย์ของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาโซนาตาเช่นซิมโฟนีมาถึงจุดสูงสุด ต่างจากซิมโฟนี โซนาตามีไว้สำหรับเครื่องดนตรีหนึ่งชิ้น (โดยปกติคือเปียโน) หรือสำหรับสองชิ้น (หนึ่งในนั้นคือเปียโน) ส่วนแรกของผลงานประเภทนี้เขียนในรูปแบบโซนาตา นี่คือธีมดนตรีหลักของงาน การเคลื่อนไหวครั้งที่สอง ซึ่งมักจะสงบและช้า แตกต่างอย่างมากกับการเคลื่อนไหวแรก ที่สามคือรอบชิงชนะเลิศ ดำเนินการอย่างรวดเร็ว เขาสรุปและสุดท้ายกำหนดลักษณะทั่วไปของงาน

Joseph Haydn ถือเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา ความเจริญรุ่งเรืองของแนวเพลงเช่นซิมโฟนี (เขามีหนึ่งร้อยสี่คนไม่นับประเภทที่หายไป) วงเครื่องสาย (แปดสิบสาม) และเพลงกลาเวียร์โซนาตา (ห้าสิบสอง) เกี่ยวข้องกับงานของ Haydn . นักแต่งเพลงให้ความสนใจอย่างมากกับการแสดงคอนเสิร์ตสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ วงดนตรีแชมเบอร์และดนตรีศักดิ์สิทธิ์

Franz Joseph Haydn เกิดในหมู่บ้าน Rorau (ออสเตรีย) ในครอบครัวของนายรถ ตั้งแต่อายุแปดขวบเขาเริ่มร้องเพลงในโบสถ์เซนต์สตีเฟนในกรุงเวียนนา นักแต่งเพลงในอนาคตจะต้องหาเลี้ยงชีพด้วยการคัดลอกโน้ต เล่นออร์แกน กลาเวียร์ และไวโอลิน เมื่ออายุได้สิบเจ็ดปี Haydn สูญเสียเสียงและถูกไล่ออกจากโบสถ์ เพียงสี่ปีต่อมาเขาได้งานประจำ - เขาได้งานเป็นนักดนตรีร่วมกับ Nicola Porpora นักประพันธ์เพลงโอเปร่าชาวอิตาลีที่มีชื่อเสียง (1686-1768) เขาชื่นชมความสามารถทางดนตรีของ Haydn และเริ่มสอนเขาแต่งเพลง ในปี ค.ศ. 1761 Haydn เข้ารับราชการของเจ้าชายผู้ร่ำรวยชาวฮังการี Esterhazy และใช้เวลาเกือบสามสิบปีในราชสำนักในฐานะนักแต่งเพลงและหัวหน้าโบสถ์ ในปี ค.ศ. 1790 โบสถ์ถูกยุบ แต่ Haydn ยังคงได้รับเงินเดือนและตำแหน่งของหัวหน้าวงดนตรี สิ่งนี้ทำให้อาจารย์มีโอกาสได้ตั้งรกรากในเวียนนา ท่องเที่ยว และจัดคอนเสิร์ต ในยุค 90 Haydn อาศัยและทำงานอย่างมีประสิทธิผลในลอนดอนมาเป็นเวลานาน เขาได้รับชื่อเสียงในยุโรปผลงานของเขาได้รับการชื่นชมจากผู้ร่วมสมัยของเขา - นักแต่งเพลงกลายเป็นเจ้าขององศาและตำแหน่งกิตติมศักดิ์มากมาย Joseph Haydn มักถูกเรียกว่า "บิดา" ของซิมโฟนี ในงานของเขาที่ซิมโฟนีกลายเป็นแนวเพลงบรรเลงชั้นนำ ในซิมโฟนีของ Haydn การพัฒนาธีมหลักเป็นเรื่องที่น่าสนใจ การทำเมโลดี้ด้วยคีย์และรีจิสเตอร์ที่แตกต่างกัน ให้อารมณ์แบบนี้หรือแบบนั้น นักแต่งเพลงจึงค้นพบความเป็นไปได้ที่ซ่อนอยู่ เผยให้เห็นความขัดแย้งภายใน: ท่วงทำนองนั้นถูกเปลี่ยนหรือกลับสู่สภาพเดิม Haydn มีอารมณ์ขันที่ละเอียดอ่อน และลักษณะบุคลิกภาพนี้สะท้อนอยู่ในเพลงของเขา ในหลาย ๆ วงซิมโฟนี จังหวะของการเคลื่อนไหวครั้งที่สาม (นาที) มีความไตร่ตรองอย่างจงใจ ราวกับว่าผู้เขียนพยายามจะพรรณนาถึงความพยายามอันงุ่มง่ามของคนธรรมดาสามัญที่จะทำซ้ำการเคลื่อนไหวอันสง่างามของการเต้นที่กล้าหาญ ไหวพริบซิมโฟนีหมายเลข 94 (1791) ในช่วงกลางของส่วนที่สอง เมื่อดนตรีฟังดูสงบและเงียบ ทันใดนั้นก็ได้ยินเสียงกลองทิมปานี - เพื่อให้ผู้ฟัง "ไม่เบื่อ" ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่งานนี้ถูกเรียกว่า "ด้วยศึกกลองทิมปานีหรือเซอร์ไพรส์" Haydn มักใช้คำเลียนเสียงธรรมชาติ (นกร้อง หมีเดินเตร่ในป่า ฯลฯ) ในซิมโฟนีนักแต่งเพลงมักหันไปใช้ธีมพื้นบ้าน

ตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาและเหนือสิ่งอื่นใด Haydn ได้รับการยกย่องว่าเป็นองค์ประกอบที่มั่นคงของวงดุริยางค์ซิมโฟนี ก่อนหน้านี้ นักแต่งเพลงพอใจกับเครื่องดนตรีที่มีอยู่ในปัจจุบันเท่านั้น การปรากฏตัวขององค์ประกอบที่มั่นคงของวงออเคสตราเป็นสัญญาณที่ชัดเจนของความคลาสสิค เสียงของเครื่องดนตรีจึงถูกนำเข้าสู่ระบบที่เข้มงวดซึ่งเป็นไปตามกฎของเครื่องมือวัด กฎเหล่านี้ตั้งอยู่บนความรู้เกี่ยวกับความสามารถของเครื่องมือและถือว่าเสียงของแต่ละรายการไม่ใช่จุดจบในตัวเอง แต่เป็นวิธีการแสดงความคิดบางอย่าง การจัดองค์ประกอบที่มั่นคงให้เสียงที่เป็นเนื้อเดียวกันและเป็นเนื้อเดียวกันแก่วงออเคสตรา

นอกเหนือจากดนตรีบรรเลงแล้ว Haydn ยังให้ความสนใจกับโอเปร่าและองค์ประกอบทางจิตวิญญาณ (เขาสร้างมวลชนจำนวนมากภายใต้อิทธิพลของ Handel) หันไปใช้แนวเพลง oratorio (The Creation of the World, 1798; The Seasons, 1801)

จากช่วงเวลาที่ปรากฏ โอเปร่าไม่รู้ว่ามีการพัฒนาใด ๆ การปฏิรูปโอเปร่าในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ส่วนใหญ่เป็นการเคลื่อนไหวทางวรรณกรรม บรรพบุรุษของมันคือนักเขียนและนักปรัชญาชาวฝรั่งเศส J.J. รุสโซ. รุสโซยังศึกษาดนตรีและหากในทางปรัชญาเขาเรียกร้องให้กลับสู่ธรรมชาติแล้วในประเภทโอเปร่าเขาสนับสนุนการหวนคืนสู่ความเรียบง่ายแนวคิดของการปฏิรูปอยู่ในอากาศ ความเฟื่องฟูของละครตลกประเภทต่าง ๆ เป็นหนึ่งในอาการ อื่นๆ ได้แก่ Letters on Dance and Ballets โดยนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส J. Nover (ค.ศ. 1727–1810) ซึ่งพัฒนาแนวคิดเรื่องบัลเล่ต์ในฐานะละคร ไม่ใช่แค่การแสดง คนที่นำการปฏิรูปมาสู่ชีวิตคือ K.V. กลัค ​​(ค.ศ. 1714–1787) เช่นเดียวกับนักปฏิวัติหลายคน Gluck เริ่มต้นจากการเป็นนักอนุรักษนิยม เป็นเวลาหลายปีที่เขาแสดงโศกนาฏกรรมครั้งแล้วครั้งเล่าในรูปแบบเก่าและหันไปใช้ละครตลกแทนที่จะอยู่ภายใต้แรงกดดันของสถานการณ์ โรงอุปรากรในกรุงเวียนนาแบ่งออกเป็นสามสาขาหลัก สถานที่ชั้นนำถูกครอบครองโดยโอเปร่าอิตาลีอย่างจริงจัง (Italian opera seria) ซึ่งวีรบุรุษและเทพเจ้าคลาสสิกอาศัยและเสียชีวิตในบรรยากาศของโศกนาฏกรรมสูง ละครตลก (opera buffa) ที่เป็นทางการน้อยกว่านั้นสร้างจากเนื้อเรื่องของ Harlequin และ Columbine จากคอเมดีของอิตาลี (commedia dell "arte) ที่รายล้อมไปด้วยคนขี้ขลาดไร้ยางอาย ปรมาจารย์ที่เสื่อมโทรม และพวกอันธพาลและมิจฉาชีพทุกประเภท ร่วมกับชาวอิตาลีเหล่านี้ รูปแบบของโอเปร่าการ์ตูนเยอรมัน (singspiel) พัฒนาขึ้น) ซึ่งความสำเร็จอาจมาจากการใช้ภาษาเยอรมันพื้นเมืองของเขาซึ่งสามารถเข้าถึงได้โดยบุคคลทั่วไป ก่อนที่อาชีพโอเปร่าของ Mozart จะเริ่มต้นขึ้น Gluck สนับสนุนการหวนคืนสู่ความเรียบง่ายของโอเปร่าในศตวรรษที่ 17 ซึ่งแผนการไม่ได้ถูกปิดเสียงโดยเพลงเดี่ยวที่ยาวนานซึ่งทำให้การพัฒนาของการกระทำล่าช้าและทำหน้าที่เป็นนักร้องเพียงโอกาสเดียวที่จะแสดงพลังของเสียงของพวกเขา

ด้วยพลังแห่งพรสวรรค์ของเขา โมสาร์ทจึงรวมสามทิศทางนี้เข้าด้วยกัน ตอนเป็นวัยรุ่น เขาเขียนโอเปร่าแต่ละประเภท ในฐานะนักแต่งเพลงที่เป็นผู้ใหญ่ เขายังคงทำงานทั้งสามทิศทางต่อไป แม้ว่าประเพณีโอเปร่าซีเรียจะจางหายไปงานของ Mozart อยู่ในสถานที่พิเศษในโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา ในผลงานของเขา ความคลาสสิกและความชัดเจนของรูปแบบผสมผสานกับอารมณ์ที่ลึกซึ้ง ดนตรีของนักแต่งเพลงใกล้เคียงกับแนวโน้มเหล่านั้นในวัฒนธรรมในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ซึ่งกล่าวถึงความรู้สึกของมนุษย์ ("Storm and Drang" ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของอารมณ์อ่อนไหว) โมสาร์ทเป็นคนแรกที่แสดงให้เห็นถึงความไม่สอดคล้องของโลกภายในของแต่ละบุคคล

Wolfgang Amadeus Mozart เกิดที่เมือง Salzburg (ออสเตรีย) มีหูและความทรงจำทางดนตรีที่ยอดเยี่ยม เขาเรียนรู้ที่จะเล่นฮาร์ปซิคอร์ดตั้งแต่อายุยังน้อย และเมื่ออายุได้ห้าขวบเขาเขียนบทประพันธ์แรกของเขา ครูคนแรกของนักแต่งเพลงในอนาคตคือพ่อของเขา Leopold Mozart นักดนตรีในโบสถ์ของ Salzburg Archbishop Mozart ไม่เพียงแต่เป็นเจ้าของฮาร์ปซิคอร์ดเท่านั้น แต่ยังเป็นเจ้าของออร์แกนและไวโอลินด้วย เขามีชื่อเสียงในฐานะด้นสดที่ยอดเยี่ยม ตั้งแต่อายุหกขวบเขาไปเที่ยวยุโรป เมื่ออายุสิบเอ็ดปีเขาสร้างโอเปร่าเรื่องแรก Apollo และ Hyacinth และเมื่ออายุสิบสี่เขาได้แสดงที่โรงละครแห่งมิลานในรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า Mithridates ราชาแห่ง Pontus ในช่วงเวลาเดียวกัน เขาได้รับเลือกเป็นสมาชิกของ Philharmonic Academy ในเมืองโบโลญญา เช่นเดียวกับนักดนตรีหลายคนในยุคนั้น โมสาร์ทอยู่ในราชสำนัก (พ.ศ. 2312-2524) - เขาเป็นนักดนตรีและนักเล่นออร์แกนร่วมกับหัวหน้าบาทหลวงแห่งเมืองซาลซ์บูร์ก อย่างไรก็ตาม ลักษณะที่เป็นอิสระของอาจารย์ทำให้อาร์คบิชอปไม่พอใจอย่างมาก และโมสาร์ทเลือกที่จะออกจากราชการ จากนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นในอดีต เขากลายเป็นคนแรกที่เลือกชีวิตของศิลปินอิสระ ในปี ค.ศ. 1781 โมสาร์ทย้ายไปเวียนนาเขามีครอบครัว เขาได้รับเงินจากการประพันธ์เพลง เรียนเปียโน และการแสดงที่หายาก (ส่วนหลังทำหน้าที่เป็นแรงจูงใจในการสร้างคอนแชร์โตเปียโน) โมสาร์ทให้ความสนใจเป็นพิเศษกับโอเปร่า ผลงานของเขาเป็นทั้งยุคในการพัฒนาศิลปะดนตรีประเภทนี้ โอเปร่าดึงดูดนักแต่งเพลงด้วยโอกาสที่จะแสดงความสัมพันธ์ของผู้คน ความรู้สึก และแรงบันดาลใจของพวกเขา Mozart ไม่ได้พยายามสร้างรูปแบบโอเปร่าใหม่ - ดนตรีของเขาเป็นนวัตกรรมใหม่ ในงานที่โตเต็มที่นักแต่งเพลงละทิ้งความแตกต่างที่เข้มงวดระหว่างโอเปร่าที่จริงจังและตลก - การแสดงดนตรีและละครปรากฏขึ้นซึ่งองค์ประกอบเหล่านี้พันกัน เป็นผลให้ไม่มีตัวละครที่เป็นบวกและลบที่เป็นเอกลักษณ์ในโอเปร่าของ Mozart ตัวละครเหล่านี้มีชีวิตชีวาและมีหลายแง่มุมและไม่เชื่อมโยงกัน โมสาร์ทมักหันไปหาแหล่งวรรณกรรม ดังนั้นโอเปร่า The Marriage of Figaro (1786) จึงเขียนขึ้นจากบทละครของนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศส P.O. Beaumarchais Crazy Day หรือ The Marriage of Figaro ซึ่งถูกห้ามโดยเซ็นเซอร์ ธีมหลักของโอเปร่าคือความรัก ซึ่งสามารถพูดได้เกี่ยวกับผลงานทั้งหมดของโมสาร์ท อย่างไรก็ตาม ยังมีเนื้อหาย่อยทางสังคมในงานอีกด้วย: ฟิกาโรและซูซานนาอันเป็นที่รักของเขาฉลาดและกระฉับกระเฉง แต่มีต้นกำเนิดที่ต่ำต้อย แต่มีเพียงคนรับใช้ในบ้านของเคาท์อัลมาวีวา การต่อต้านเจ้านายของพวกเขา (ขุนนางโง่และโง่เขลา) กระตุ้นความเห็นอกเห็นใจของผู้เขียน - เห็นได้ชัดว่าเขาอยู่ข้างคู่รัก ในโอเปร่า "Don Giovanni" (1787) เรื่องราวในยุคกลางเกี่ยวกับผู้พิชิตใจผู้หญิงได้รับศูนย์รวมทางดนตรี มีพลัง เจ้าอารมณ์ เจ้าอารมณ์ เอาแต่ใจตนเอง และปราศจากมาตรฐานทางศีลธรรมทั้งหมด ฮีโร่ถูกต่อต้านโดยอำนาจที่สูงกว่าในตัวตนของผู้บังคับบัญชา ซึ่งแสดงถึงลำดับที่สมเหตุสมผล ลักษณะทั่วไปเชิงปรัชญามีอยู่ร่วมกันที่นี่ด้วยความรักและองค์ประกอบประเภท โศกนาฏกรรมและการ์ตูนสร้างความสามัคคีที่แยกกันไม่ออก คุณลักษณะของโอเปร่านี้เน้นย้ำโดยผู้เขียนเองทำให้งานของเขามีคำบรรยาย "Merry Drama" ดูเหมือนว่าความยุติธรรมจะชนะในรอบสุดท้าย - รอง (ดอนฮวน) ถูกลงโทษ แต่ดนตรีของโอเปร่านั้นละเอียดอ่อนและซับซ้อนกว่าความเข้าใจในงานนี้อย่างเรียบง่าย: มันกระตุ้นความเห็นอกเห็นใจของผู้ฟังที่มีต่อฮีโร่ที่ยังคงซื่อสัตย์ต่อตัวเองแม้ในขณะที่เผชิญกับความตาย คำอุปมาเชิงปรัชญาเรื่อง "The Magic Flute" (1791) ถูกเขียนขึ้นในประเภท singspiel แนวคิดหลักของงานคือความหลีกเลี่ยงไม่ได้ของชัยชนะของความดีเหนือความชั่ว การเรียกร้องให้มีความอดทน เพื่อความรัก เพื่อเข้าใจความหมายที่สูงขึ้น วีรบุรุษของโอเปร่าต้องเผชิญกับการทดลองอย่างจริงจัง (ความเงียบ ไฟ น้ำ) แต่พวกเขาเอาชนะพวกเขาอย่างมีศักดิ์ศรีและเข้าถึงดินแดนแห่งความงามและความสามัคคี

โมสาร์ทถือว่าดนตรีเป็นเพลงหลัก แม้ว่าเขาจะเรียกร้องอย่างมากจากเนื้อหาของบทก็ตาม ในละครของเขา บทบาทของวงออเคสตราเพิ่มขึ้นอย่างมาก มันอยู่ในส่วนวงดนตรีที่มักจะเปิดเผยทัศนคติของผู้เขียนต่อตัวละคร: ทั้งแรงจูงใจที่เยาะเย้ยแวบวาบหรือทำนองบทกวีที่สวยงามปรากฏขึ้น สำหรับผู้ฟังที่เอาใจใส่ รายละเอียดเหล่านี้มีมากกว่าข้อความ อาเรียสยังคงเป็นลักษณะเด่นของภาพเหมือนหลัก และความสัมพันธ์ของตัวละครได้อธิบายไว้ในกลุ่มแกนนำ นักแต่งเพลงสามารถถ่ายทอดลักษณะเฉพาะของตัวละครแต่ละตัวในตระการตาโมสาร์ทยังกลายเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งประเภทคอนเสิร์ตคลาสสิกอีกด้วย คอนเสิร์ตมีพื้นฐานมาจากการแข่งขันระหว่างศิลปินเดี่ยวและวงออเคสตรา และกระบวนการนี้อยู่ภายใต้ตรรกะที่เข้มงวดเสมอ นักแต่งเพลงเป็นเจ้าของคอนแชร์โต 27 รายการสำหรับเปียโนและออร์เคสตรา เจ็ดรายการสำหรับไวโอลินและออร์เคสตรา ในงานบางงาน ผู้ฟังประทับใจในความมีคุณธรรม งานรื่นเริง ในงานอื่นๆ ด้วยละครและอารมณ์ที่ขัดแย้งกัน ความสนใจของอาจารย์ไม่ได้จำกัดอยู่แค่โอเปร่าและดนตรีบรรเลง เขายังสร้างงานทางจิตวิญญาณ: มวลชน, cantatas, oratorios, requiems ดนตรีของบังสุกุล (1791) ซึ่งมีไว้สำหรับศิลปินเดี่ยว คณะนักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา เป็นเรื่องที่น่าเศร้าอย่างยิ่ง (โมสาร์ททำงานประพันธ์เพลงเมื่อเขาป่วยอยู่แล้ว อันที่จริง ก่อนที่เขาจะเสียชีวิต) บางส่วนขององค์ประกอบที่ชวนให้นึกถึงโอเปร่าอาเรียสและตระการตาทำให้เพลงมีอารมณ์และโพลีโฟนิก (ในขั้นต้น "พระเจ้ามีเมตตา!") เป็นตัวเป็นตนหลักการทางจิตวิญญาณความยุติธรรมสูงสุด ภาพหลักของบังสุกุลคือบุคคลที่ต้องทนทุกข์เมื่อเผชิญกับความยุติธรรมอันศักดิ์สิทธิ์จากสวรรค์ อาจารย์ไม่มีเวลาทำพิธีให้เสร็จ มันได้รับการสรุปตามแบบร่างของผู้แต่งโดย F.K. ลูกศิษย์ของเขา สุเมธ.

ในอดีต ผลงานของลุดวิก ฟาน เบโธเฟน (ค.ศ. 1770-1827) เป็นของโรงเรียนเวียนนาซึ่งมีอุดมการณ์ด้านสุนทรียภาพเกิดขึ้นในยุคปฏิวัติชนชั้นนายทุนฝรั่งเศส ในเรื่องนี้ ธีมฮีโร่เข้ามาทำงานของเขา “ ดนตรีควรแกะสลักไฟจากอกมนุษย์” - นี่คือคำพูดของนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน Ludwig van Beethoven ซึ่งผลงานเป็นของความสำเร็จสูงสุดของวัฒนธรรมดนตรีในทางดนตรี ผลงานของเขายังคงรักษาขนบธรรมเนียมของศิลปะคลาสสิกแบบเวียนนาไว้ได้ ในทางกลับกัน ได้ถ่ายทอดลักษณะเฉพาะของศิลปะโรแมนติกรูปแบบใหม่นี้ จากความคลาสสิกในผลงานของเบโธเฟน - ความประณีตของเนื้อหา การควบคุมรูปแบบดนตรีที่ยอดเยี่ยม ดึงดูดใจในแนวเพลงของซิมโฟนีและโซนาตา จากแนวโรแมนติก - การทดลองที่กล้าหาญในด้านของแนวเพลงเหล่านี้ ความสนใจในเสียงร้องและเปียโนย่อส่วน Ludwig van Beethoven เกิดที่เมืองบอนน์ (ประเทศเยอรมนี) ในครอบครัวนักดนตรีในราชสำนัก เขาเริ่มเรียนดนตรีตั้งแต่เด็กปฐมวัยภายใต้การแนะนำของพ่อ อย่างไรก็ตาม ที่ปรึกษาที่แท้จริงของเบโธเฟนคือนักแต่งเพลง วาทยกร และออร์แกน K.G. โบสถ์. เขาสอนนักดนตรีรุ่นเยาว์ถึงพื้นฐานของการแต่งเพลงสอนให้เขาเล่นเปียโนและออร์แกน ตั้งแต่อายุสิบเอ็ดปี Beethoven ทำหน้าที่เป็นผู้ช่วยออร์แกนในโบสถ์ จากนั้นเป็นออร์แกนในศาล หัวหน้าคอนเสิร์ตที่ Bonn Opera House เมื่ออายุได้สิบแปดปี เขาเข้าเรียนคณะปรัชญาที่มหาวิทยาลัยบอนน์ แต่ยังไม่สำเร็จการศึกษาจากหลักสูตรนี้และได้ศึกษาด้วยตนเองเป็นจำนวนมาก ในปี ค.ศ. 1792 เบโธเฟนย้ายไปเวียนนา เขาเรียนดนตรีจาก J. Haydn, I.G. Albrechtsberger, A. Salieri (นักดนตรีที่ใหญ่ที่สุดในยุคนั้น) Albrechtsberger แนะนำ Beethoven ให้รู้จักกับผลงานของ Handel และ Bach ดังนั้นผู้แต่งจึงมีความรู้อันยอดเยี่ยมในด้านรูปแบบดนตรี ความกลมกลืน และพหุเสียง ในไม่ช้าเบโธเฟนก็เริ่มจัดคอนเสิร์ต กลายเป็นที่นิยม เขาได้รับการยอมรับบนท้องถนนได้รับเชิญให้ไปงานเลี้ยงรับรองในบ้านของบุคคลระดับสูง เขาแต่งเพลงมากมาย: เขาเขียนเพลงโซนาตา, คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา, ซิมโฟนี

เป็นเวลานานไม่มีใครเดาได้ว่าเบโธเฟนป่วยหนัก - เขาเริ่มสูญเสียการได้ยิน ด้วยความเชื่อมั่นว่าโรคนี้รักษาไม่หาย นักแต่งเพลงจึงตัดสินใจตายและในปี 1802 เตรียมพินัยกรรมซึ่งเขาอธิบายเหตุผลในการตัดสินใจของเขา อย่างไรก็ตาม เบโธเฟนสามารถเอาชนะความสิ้นหวังและพบพลังในการเขียนเพลงต่อไป ทางออกจากวิกฤตคือซิมโฟนีที่สาม ("ฮีโร่") ในปี ค.ศ. 1803-1808 นักแต่งเพลงยังทำงานเกี่ยวกับการสร้างโซนาตา โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Ninth สำหรับไวโอลินและเปียโน (1803; อุทิศให้กับนักไวโอลินชาวปารีส Rudolf Kreutzer ดังนั้นจึงถูกเรียกว่า "Kreutzer") ที่ยี่สิบสาม ("Appassionata") สำหรับเปียโน ซิมโฟนีที่ห้าและหก (ทั้ง 1808) . ซิมโฟนีที่หก ("อภิบาล") มีคำบรรยายว่า "ความทรงจำแห่งชีวิตในชนบท" งานนี้แสดงให้เห็นสภาพต่าง ๆ ของจิตวิญญาณมนุษย์ซึ่งถูกลบออกจากประสบการณ์ภายในและการดิ้นรนชั่วคราว ซิมโฟนีถ่ายทอดความรู้สึกที่เกิดจากการสัมผัสกับโลกแห่งธรรมชาติและชีวิตในชนบท โครงสร้างของมันผิดปกติ - ห้าส่วนแทนที่จะเป็นสี่ส่วน ซิมโฟนีมีองค์ประกอบของการเปรียบเปรย สร้างคำเลียนเสียง (เสียงนกร้อง เสียงฟ้าร้อง ฯลฯ) การค้นพบของเบโธเฟนถูกใช้โดยนักประพันธ์เพลงโรแมนติกหลายคนในเวลาต่อมา จุดสุดยอดของงานไพเราะของเบโธเฟนคือซิมโฟนีที่เก้า กำเนิดขึ้นในปี ค.ศ. 1812 แต่นักแต่งเพลงได้สร้างสรรค์ผลงานนี้ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2365 ถึง พ.ศ. 2366 ซิมโฟนีมีความยิ่งใหญ่ในขนาด ตอนจบนั้นไม่ธรรมดาเป็นพิเศษ ซึ่งคล้ายกับท่อนเพลงขนาดใหญ่สำหรับคณะนักร้องประสานเสียง ศิลปินเดี่ยว และวงออเคสตรา ซึ่ง J.F. Schiller เขียนถึงเนื้อความของบทกวี "To Joy" รอบปฐมทัศน์ของซิมโฟนีเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2368 ที่โรงอุปรากรเวียนนา วงดุริยางค์ละครไม่เพียงพอที่จะดำเนินการตามแผนของผู้เขียนและต้องเชิญมือสมัครเล่น: ไวโอลินยี่สิบสี่ตัว วิโอลาสิบตัว เชลโลสิบสองและดับเบิลเบส สำหรับวงออร์เคสตราคลาสสิกของเวียนนา การจัดองค์ประกอบดังกล่าวมีประสิทธิภาพมากเป็นพิเศษ นอกจากนี้ แต่ละส่วนร้องประสาน (เบส เทเนอร์ อัลโต และโซปราโน) รวมนักร้องยี่สิบสี่คน ซึ่งเกินมาตรฐานปกติด้วย ในช่วงชีวิตของเบโธเฟน ซิมโฟนีที่เก้ายังคงเข้าใจยากสำหรับหลาย ๆ คน; เป็นที่ชื่นชมเฉพาะผู้ที่รู้จักนักแต่งเพลงอย่างใกล้ชิดนักเรียนและผู้ฟังของเขารู้แจ้งในดนตรี เมื่อเวลาผ่านไป วงออร์เคสตราที่ดีที่สุดในโลกก็เริ่มรวมซิมโฟนีไว้ในเพลงของพวกเขา และพบว่าชีวิตใหม่

ดังนั้น จุดสูงสุดในการพัฒนาดนตรีคลาสสิกคืองานของโจเซฟ ไฮเดน, โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท และลุดวิก ฟาน เบโธเฟน พวกเขาทำงานส่วนใหญ่ในกรุงเวียนนาและกำหนดทิศทางในวัฒนธรรมดนตรีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 - โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา สังเกตว่าความคลาสสิกในดนตรีนั้นไม่เหมือนกับความคลาสสิกในวรรณคดี ละครเวที หรือจิตรกรรมในหลายๆ ด้าน ในทางดนตรี เป็นไปไม่ได้ที่จะพึ่งพาประเพณีโบราณ เนื่องจากแทบจะไม่มีใครรู้จัก นอกจากนี้ เนื้อหาของการประพันธ์ดนตรีมักเกี่ยวข้องกับโลกแห่งความรู้สึกของมนุษย์ ซึ่งไม่สอดคล้องกับการควบคุมจิตใจอย่างเข้มงวด อย่างไรก็ตาม คีตกวีของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาได้สร้างระบบกฎเกณฑ์ที่กลมกลืนและสมเหตุสมผลสำหรับการสร้างผลงาน ด้วยระบบดังกล่าว ความรู้สึกที่ซับซ้อนที่สุดจึงถูกสวมใส่ในรูปแบบที่ชัดเจนและสมบูรณ์แบบ ความทุกข์และความปิติกลายเป็นเรื่องของการไตร่ตรองสำหรับผู้แต่งไม่ใช่ประสบการณ์ และถ้าในศิลปะประเภทอื่น ๆ กฎแห่งความคลาสสิคในตอนต้นของศตวรรษที่ XIX ดูเหมือนล้าสมัยสำหรับหลาย ๆ คนแล้วในดนตรี ระบบของแนวเพลง รูปแบบ และกฎแห่งความกลมกลืนที่พัฒนาโดยโรงเรียนเวียนนายังคงมีความสำคัญมาจนถึงทุกวันนี้