ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 16 การพัฒนาทางประวัติศาสตร์ของอิตาลีมีลักษณะเฉพาะด้วยความก้าวหน้าและชัยชนะของปฏิกิริยาศักดินาคาทอลิก เศรษฐกิจที่อ่อนแอ แตกแยกออกเป็นรัฐอิสระที่แยกจากกัน อิตาลีไม่สามารถต้านทานการโจมตีของประเทศที่มีอำนาจมากกว่า - ฝรั่งเศสและสเปน การต่อสู้ที่ยาวนานของรัฐเหล่านี้เพื่อครอบงำในอิตาลีจบลงด้วยชัยชนะของสเปน โดยมีสนธิสัญญาสันติภาพในกาโต กัมเบรซี (1559) ตั้งแต่นั้นมา ชะตากรรมของอิตาลีก็เชื่อมโยงกับสเปนอย่างใกล้ชิด ยกเว้นเวนิส เจนัว พีดมอนต์ และรัฐของสมเด็จพระสันตะปาปา อิตาลีเป็นเวลาเกือบสองศตวรรษอันที่จริงแล้วเป็นจังหวัดของสเปน สเปนมีส่วนเกี่ยวข้องกับอิตาลีในสงครามทำลายล้าง ซึ่งมักเกิดขึ้นในอาณาเขตของรัฐอิตาลี มีส่วนทำให้เกิดการแพร่กระจายและเสริมความแข็งแกร่งของปฏิกิริยาศักดินาในอิตาลีทั้งในด้านเศรษฐกิจและในชีวิตทางวัฒนธรรม
ตำแหน่งที่โดดเด่นในชีวิตทางสังคมของ Italchi ถูกครอบครองโดยขุนนางและนักบวชคาทอลิกที่สูงที่สุด ในสภาวะที่เศรษฐกิจตกต่ำอย่างหนักของประเทศ มีเพียงขุนนางฝ่ายฆราวาสขนาดใหญ่และศักดินาของคริสตจักรเท่านั้นที่ยังคงมีความมั่งคั่งทางวัตถุอย่างมีนัยสำคัญ ชาวอิตาลี - ชาวนาและชาวเมือง - อยู่ในสถานการณ์ที่ยากลำบากอย่างยิ่ง ถูกถึงวาระสู่ความยากจนและแม้กระทั่งการสูญพันธุ์ การประท้วงต่อต้านระบบศักดินาและการกดขี่จากต่างประเทศพบการแสดงออกในการจลาจลที่เป็นที่นิยมมากมายที่เกิดขึ้นตลอดศตวรรษที่ 17 และบางครั้งก็ถือว่ามีสัดส่วนที่น่าเกรงขามเช่นการจลาจลของ Masaniello ในเนเปิลส์
ลักษณะทั่วไปของวัฒนธรรมและศิลปะของอิตาลีในศตวรรษที่ 17 เกิดจากคุณลักษณะทั้งหมดของการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ อยู่ในอิตาลีที่ศิลปะของบาโรกเกิดขึ้นและได้รับการพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุด อย่างไรก็ตาม ทิศทางนี้ไม่ใช่ทิศทางเดียวในศิลปะอิตาลีในศตวรรษที่ 17 นอกเหนือจากนี้และควบคู่ไปกับการเคลื่อนไหวที่เหมือนจริงกำลังพัฒนาซึ่งเกี่ยวข้องกับอุดมการณ์ของชนชั้นประชาธิปไตยของสังคมอิตาลีและได้รับการพัฒนาอย่างมีนัยสำคัญในศูนย์ศิลปะหลายแห่งในอิตาลี
ศิลปะอิตาลีแห่งศตวรรษที่ 17
ศูนย์พัฒนาศิลปะบาโรกใหม่ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XVI-XVII คือกรุงโรม "โรมันบาโรก" เป็นรูปแบบศิลปะที่ทรงพลังที่สุดในศิลปะของอิตาลีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16-17 ถือกำเนิดขึ้นในด้านสถาปัตยกรรมเป็นหลักและเกี่ยวข้องกับนิกายโรมันคาทอลิกกับวาติกัน สถาปัตยกรรมของเมืองนี้ในศตวรรษที่ XVII ดูเหมือนว่าจะอยู่ในทุกสิ่งที่ตรงกันข้ามกับความคลาสสิคของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและในขณะเดียวกันก็เชื่อมโยงกับมันอย่างแน่นหนา ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Michelangelo ดังที่ได้กล่าวมาแล้วเป็นผู้บุกเบิกของเขา
ปรมาจารย์แบบบาโรกแตกแยกตามประเพณีทางศิลปะมากมายของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาด้วยปริมาณที่สมดุลและกลมกลืนกัน สถาปนิกสไตล์บาโรกรวมอยู่ในกลุ่มสถาปัตยกรรมแบบองค์รวม ไม่เพียงแต่เฉพาะอาคารและสี่เหลี่ยมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงถนนด้วย จุดเริ่มต้นและจุดสิ้นสุดของถนนถูกทำเครื่องหมายด้วยสำเนียงสถาปัตยกรรม (สี่เหลี่ยม) หรือประติมากรรม (อนุสาวรีย์) ตัวแทนของสถาปัตยกรรมบาโรกยุคแรก สถาปนิก Domenico Fontana (1543-1607) เป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์การวางผังเมืองใช้ระบบถนนสามลำแสงที่แผ่ออกมาจาก Piazza del Popolo ("จัตุรัสประชาชน") ซึ่งทำให้มั่นใจได้ว่า การเชื่อมต่อของทางเข้าหลักไปยังเมืองกับตระการตาหลักของกรุงโรม เสาโอเบลิสก์และน้ำพุที่วางไว้ตรงจุดที่หายไปของถนนที่มีรังสีเอกซ์และที่ปลายเสาสร้างเอฟเฟกต์ที่เกือบจะเหมือนละครของมุมมองที่ถอยห่างออกไป หลักการ Fontana มีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับการวางผังเมืองในยุโรปที่ตามมาทั้งหมด (จำระบบสามคานเช่นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก)
รูปปั้นที่เป็นหลักการในการจัดระเบียบจัตุรัสนั้นถูกแทนที่ด้วยเสาโอเบลิสก์ที่มีความทะเยอทะยานขึ้นด้านบน และบ่อยครั้งที่น้ำพุประดับประดาอย่างหรูหรา ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของน้ำพุสไตล์บาโรกคือน้ำพุของ Bernini: "Triton" (1643) ใน Piazza Barberini และน้ำพุ "Four Rivers" (1648-1651) ใน Piazza Navona
ในเวลาเดียวกัน ในยุคบาโรกตอนต้น พระราชวัง วิลล่า และโบสถ์รูปแบบใหม่ไม่ได้ถูกสร้างขึ้นมากนัก เนื่องจากองค์ประกอบการตกแต่งได้รับการเสริมความแข็งแกร่ง: การตกแต่งภายในของวังยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหลายแห่งกลายเป็นห้องที่เขียวชอุ่ม พอร์ทัลมีความซับซ้อนมากขึ้น ปรมาจารย์แบบบาโรกเริ่มให้ความสนใจอย่างมากกับลานภายในสวนของพระราชวัง สถาปัตยกรรมของวิลล่าที่มีสวนและสวนสาธารณะที่อุดมสมบูรณ์มีระดับพิเศษ ตามกฎแล้ว หลักการเดียวกันของการก่อสร้างตามแนวแกนได้รับการพัฒนาที่นี่เช่นเดียวกับในการวางผังเมือง: ถนนทางเข้ากลาง ห้องโถงใหญ่ของวิลล่า และตรอกหลักของสวนสาธารณะที่อีกด้านหนึ่งของส่วนหน้าจะวิ่งไปตามแกนเดียวกัน ถ้ำ ราวบันได ประติมากรรม น้ำพุตกแต่งสวนอย่างหรูหรา และเอฟเฟกต์การตกแต่งยังได้รับการปรับปรุงเพิ่มเติมโดยตำแหน่งของทั้งมวลในเฉลียงบนภูมิประเทศที่สูงชัน
ลอเรนโซ่ เบอร์นีนี่. น้ำพุแห่งแม่น้ำทั้งสี่ใน Piazza Navona โรม
การตกแต่งทางสถาปัตยกรรมจะยิ่งงดงามยิ่งขึ้นในยุคบาโรกที่โตเต็มที่ตั้งแต่ช่วงที่สามของศตวรรษที่ 17 ไม่เพียงแค่ส่วนหน้าหลักเท่านั้นที่ได้รับการตกแต่ง แต่ยังรวมถึงผนังจากด้านข้างของสวนด้วย จากห้องโถงหลักคุณสามารถตรงไปที่สวนซึ่งเป็นสวนสาธารณะที่สวยงามตระการตา จากด้านข้างของอาคารหลัก ปีกด้านข้างของอาคารขยายและสร้างลานด้านหน้า - ที่เรียกว่าศาลผู้บริจาค (French cour d "honneur, lit. - ศาลแห่งเกียรติยศ)
ในสถาปัตยกรรมลัทธิของบาโรกที่เติบโตเต็มที่ การแสดงออกของพลาสติกและไดนามิกได้รับการปรับปรุง ช่องเปิดและการแตกจำนวนมากของแท่งไม้ cornices หน้าจั่วในแสงที่คมชัดและความคมชัดของเงาสร้างความงดงามที่ไม่ธรรมดาของซุ้ม ระนาบตรงจะถูกแทนที่ด้วยระนาบเว้า การสลับระนาบนูนและระนาบเว้ายังช่วยเพิ่มเอฟเฟกต์พลาสติกอีกด้วย การตกแต่งภายในของโบสถ์แบบบาโรกเป็นสถานที่ประกอบพิธีกรรมการแสดงละครอันวิจิตรงดงามของพิธีการคาทอลิกเป็นการสังเคราะห์วิจิตรศิลป์ทุกประเภท (และด้วยการถือกำเนิดของออร์แกนและดนตรี) วัสดุที่แตกต่างกัน (หินอ่อนสี, หินและไม้แกะสลัก, ปูนปั้น, ปิดทอง), การวาดภาพด้วยเอฟเฟกต์ลวงตา - ทั้งหมดนี้เมื่อรวมกับปริมาณที่แปลกประหลาดทำให้เกิดความรู้สึกที่ไม่จริงขยายพื้นที่ของวัดให้ไม่มีที่สิ้นสุด ความอิ่มตัวของการตกแต่ง ความซับซ้อนของการเล่นเครื่องบิน การบุกรุกของวงรีและสี่เหลี่ยมแทนที่จะเป็นวงกลมและสี่เหลี่ยม ซึ่งเป็นที่รักของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ก็เพียงพอแล้วที่จะเปรียบเทียบโบสถ์ Il Gesu (1575) โดย Giacomo della Porta (ค. 1540-1602) กับโบสถ์ Sant Ivo (1642-1660) โดย Francesco Borromini (1599-1667): นี่คือส่วนที่ยื่นออกมาเป็นรูปสามเหลี่ยมที่แหลมคมของ ผนัง, โดม, รูปดาวในแผน, สร้างความประทับใจที่แตกต่างกันอย่างไม่สิ้นสุด, กีดกันรูปแบบของความเป็นกลาง; หรือกับโบสถ์ซานคาร์โล alle cuatro Fontane (1634-1667) ของเขาเอง
ฟรานเชสโก้ บอร์โรมินี โบสถ์ Sant Ivo alla Sanienza โรม
ฟรานเชสโก้ โบโรมินี่. โดมของโบสถ์ซานคาร์โล alle cuatro Fontane ในกรุงโรม
ประติมากรรมมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับสถาปัตยกรรม ตกแต่งด้านหน้าและภายในของโบสถ์ วิลล่า วังกลางเมือง สวนและสวนสาธารณะ แท่นบูชา หลุมศพ น้ำพุ ในสไตล์บาโรก เป็นไปไม่ได้ที่จะแยกงานของสถาปนิกและประติมากรออกจากกัน ศิลปินที่รวมเอาความสามารถทั้งสองเข้าไว้ด้วยกันคือ Giovanni Lorenzo Bernini(1598-1680). ในฐานะสถาปนิกของศาลและประติมากรของพระสันตะปาปาแห่งโรมัน เบอร์นีนีปฏิบัติตามคำสั่งและดูแลงานสถาปัตยกรรม งานประติมากรรมและการตกแต่งหลักทั้งหมดที่ดำเนินการตกแต่งเมืองหลวง ส่วนใหญ่ต้องขอบคุณคริสตจักรที่สร้างขึ้นตามโครงการของเขา เมืองหลวงของคาทอลิกจึงมีลักษณะแบบบาโรก (Church of Sant'Andrea al Quirinale, 1658-1678) ในวังวาติกัน Bernini ได้ออกแบบ "บันไดหลวง" (Scala regia) ซึ่งเชื่อมโยงวังของสมเด็จพระสันตะปาปากับมหาวิหาร เขาเป็นเจ้าของการสร้างสรรค์แบบบาโรกทั่วไปมากที่สุด - หลังคา (ciborium) ในมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ (1657-1666) ที่ประดับประดาด้วยวัสดุตกแต่งที่หลากหลายจินตนาการทางศิลปะที่ไม่มีใครขัดขวางตลอดจนรูปปั้นนูนนูนต่ำนูนสูงของโบสถ์ แต่การสร้างหลักของ Bernini คือแนวเสาอันโอ่อ่าของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์และการออกแบบจัตุรัสขนาดยักษ์ใกล้กับมหาวิหารแห่งนี้ (1656-1667) ความลึกของพื้นที่ - 280 ม. ตรงกลางมีเสาโอเบลิสก์ น้ำพุที่ด้านข้างเน้นแกนตามขวางและสี่เหลี่ยมจัตุรัสนั้นถูกสร้างขึ้นโดยแนวเสาอันทรงพลังของเสาสี่แถวของ Tuscan ซึ่งสูงสิบเก้าเมตรก่อตัวเป็นวงกลมเปิดที่เข้มงวด "เหมือนแขนเปิด" ตามที่ Bernini กล่าว .
แนวเสาเหมือนพวงหรีดสวมมงกุฎให้มหาวิหารซึ่งได้รับการสัมผัสด้วยมือของสถาปนิกผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตั้งแต่ Bramante ถึง Raphael, Michelangelo, Baldassare Peruzzi (1481-1536), Antonio da Sangalla the Younger (1483-1546) . คนสุดท้ายในการตกแต่งระเบียงหลักคือลูกศิษย์ของ Bramante Carlo Maderna (1556-1629)
ลอเรนโซ่ เบอร์นีนี่. โคโลเนดของจัตุรัสหน้ามหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ โรม
Bernini เป็นประติมากรที่มีชื่อเสียงไม่น้อย เช่นเดียวกับปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขาหันไปหาวิชาทั้งแบบโบราณและแบบคริสเตียน แต่ภาพลักษณ์ของ "เดวิด" (1623) ของเขาฟังดูแตกต่างจาก Donatello, Verrocchio หรือ Michelangelo "เดวิด" ของเบอร์นีนีคือ "กลุ่มกบฏ" ซึ่งเป็นกบฏ เขาไม่มีความชัดเจนและความเรียบง่ายของภาพ Quattrocento ซึ่งเป็นความกลมกลืนแบบคลาสสิกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง ริมฝีปากบางของเขาถูกบีบอย่างดื้อรั้น ดวงตาเล็กแคบลงอย่างโกรธเคือง ร่างนั้นมีพลังอย่างมาก ร่างกายเกือบจะหมุนรอบแกนของมัน
เบอร์นีนีได้สร้างแท่นบูชาประติมากรรมขึ้นมากมายสำหรับโบสถ์โรมัน หลุมศพสำหรับคนมีชื่อเสียงในสมัยของเขา น้ำพุของจัตุรัสหลักของกรุงโรม (น้ำพุที่กล่าวถึงแล้วใน Piazza Barberini, Piazza Navona ฯลฯ) และในงานทั้งหมดเหล่านี้ การเชื่อมต่อแบบอินทรีย์ของพวกเขากับ สภาพแวดล้อมทางสถาปัตยกรรมเป็นที่ประจักษ์ Bernini เป็นศิลปินทั่วไปที่ได้รับมอบหมายจากคริสตจักรคาทอลิก ดังนั้นในหนึ่งร้อยแท่นบูชา สร้างขึ้นด้วยการตกแต่งที่สดใสเหมือนกับงานประติมากรรมอื่น ๆ ภาษาของความเป็นพลาสติกแบบบาโรก (การถ่ายโอนลวงตาของพื้นผิวของวัตถุ ความรักในการผสมผสานวัสดุต่าง ๆ ไม่เพียงเท่านั้น ในพื้นผิว แต่และในสี การแสดงละครของการกระทำ "จิตรกร" ทั่วไปของประติมากรรม) แนวคิดทางศาสนาบางอย่างมักแสดงออกอย่างชัดเจน ("ความปีติยินดีของ St. Teresa of Avila" ในโบสถ์ Santa Maria della Vittoria ใน โรม).
Bernini เป็นผู้สร้างภาพเหมือนบาโรกซึ่งมีการเปิดเผยคุณลักษณะทั้งหมดของบาโรกอย่างเต็มที่: ภาพนี้ใช้ในพิธีการละครตกแต่ง แต่ความงดงามทั่วไปของภาพไม่ได้บดบังรูปลักษณ์ที่แท้จริงของนางแบบในนั้น (ภาพเหมือน) ของ Duke d "Ests, Louis XIV)
ในภาพวาดของอิตาลีในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XVI-XVII สามารถแยกแยะทิศทางศิลปะหลักสองประการ: หนึ่งเกี่ยวข้องกับงานของพี่น้อง Carracci และได้รับชื่อ "Bologna academyism" อีกคนหนึ่ง - ด้วยศิลปะของศิลปินที่ใหญ่ที่สุดคนหนึ่งของอิตาลีในศตวรรษที่ 17 คาราวัจโจ.
Annibale และ Agostino Carracci และลูกพี่ลูกน้องของพวกเขา Lodovico ก่อตั้งขึ้นในปี 1585 ใน Bologna the Academy ของบรรดาผู้ที่เข้าสู่เส้นทางที่แท้จริง (Accademia degli incamminati) ซึ่งศิลปินได้ศึกษาตามโปรแกรมเฉพาะ ดังนั้นชื่อ - "วิชาการโบโลญญา" (หรือ "โรงเรียนโบโลญญา") หลักการของ Bologna Academy ซึ่งเป็นต้นแบบของสถาบันการศึกษาในยุโรปทั้งหมดในอนาคตสามารถสืบย้อนไปถึงผลงานของพี่น้องที่มีความสามารถมากที่สุด - แอนนิบาเล่ คาร์รัคชี (1560-1609).
Carracci ศึกษาและศึกษาธรรมชาติอย่างรอบคอบ เขาเชื่อว่าธรรมชาตินั้นไม่สมบูรณ์และจำเป็นต้องได้รับการเปลี่ยนแปลง สูงส่ง เพื่อให้มันกลายเป็นเรื่องที่คู่ควรแก่การพรรณนาตามบรรทัดฐานแบบคลาสสิก ดังนั้นสิ่งที่เป็นนามธรรมที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ วาทศิลป์ของภาพลักษณ์ของ Carracci สิ่งที่น่าสมเพชแทนที่จะเป็นความกล้าหาญและความงามที่แท้จริง ศิลปะแห่งการารัคชีกลายเป็นศิลปะที่ทันท่วงทีซึ่งสอดคล้องกับเจตนารมณ์ของอุดมการณ์ที่เป็นทางการ และได้รับการยอมรับและเผยแพร่อย่างรวดเร็ว
แอนนิบาเล่ คาร์รัคชี. วีนัสและอิเหนา เวียนนา พิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches
พี่น้อง Carracci เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพและการตกแต่งที่ยิ่งใหญ่ ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของพวกเขาคือภาพวาดของแกลเลอรีใน Palazzo Farnese ในกรุงโรม ในเรื่อง "Metamorphoses" ของ Ovid (1597-1604) ตามแบบฉบับของภาพวาดแบบบาโรก นอกจากนี้ แอนนิบาเล การ์รัคชียังเป็นผู้สร้างภูมิทัศน์ที่เรียกว่าวีรสตรี ซึ่งเป็นภูมิทัศน์ในอุดมคติและสมมติขึ้น เพราะธรรมชาติเช่นเดียวกับมนุษย์ (ตามคำกล่าวของชาวโบโลเนส) นั้นไม่สมบูรณ์ หยาบคาย และต้องการการปรับแต่งเพื่อที่จะแสดงในงานศิลปะ นี่คือภูมิทัศน์ที่ปรับใช้โดยใช้ม่านในเชิงลึก โดยมีมวลหมู่ต้นไม้ที่สมดุลและซากปรักหักพังที่แทบจะขาดไม่ได้ โดยมีคนร่างเล็กๆ ทำหน้าที่เป็นพนักงานเพื่อเน้นย้ำถึงความยิ่งใหญ่ของธรรมชาติเท่านั้น สีของโบโลเนสก็เป็นไปตามเงื่อนไขเช่นกัน: เงามืด, สีท้องถิ่นที่จัดเรียงไว้อย่างชัดเจนตามแบบแผน, แสงส่องผ่านปริมาตร ความคิดของ Carracci ได้รับการพัฒนาโดยนักเรียนของเขาหลายคน (Guido Reni, Domenichino และคนอื่นๆ) ซึ่งงานนี้มีหลักการทางวิชาการที่เกือบจะเป็นที่ยอมรับและแพร่หลายไปทั่วยุโรป
มีเกลันเจโล เมริซี(1573-1610) ชื่อเล่นว่าคาราวัจโจ (หลังจากสถานที่เกิดของเขา) เป็นศิลปินที่ให้ชื่อของเขากับเทรนด์ศิลปะสมจริงที่ทรงพลังซึ่งมีพรมแดนติดกับลัทธินิยมนิยม - คาราวัจโจซึ่งดึงดูดผู้ติดตามไปทั่วยุโรปตะวันตก แหล่งเดียวที่คาราวัจโจเห็นว่าควรค่าแก่การวาดธีมของศิลปะคือความเป็นจริงโดยรอบ หลักการที่เป็นจริงของการคาราวัจโจทำให้เขาเป็นทายาทของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแม้ว่าเขาจะล้มล้างประเพณีคลาสสิกก็ตาม วิธีการของคาราวัจโจนั้นตรงกันข้ามกับวิชาการและศิลปินเองก็กบฏต่อเขาอย่างดื้อรั้นโดยยืนยันหลักการของเขาเอง ดังนั้นการอุทธรณ์ (ไม่ใช่โดยไม่มีความท้าทายต่อบรรทัดฐานที่ยอมรับ) ต่อตัวละครที่ผิดปกติเช่นการพนัน, คนขี้โกง, หมอดูและนักผจญภัยประเภทต่าง ๆ ด้วยภาพที่คาราวัจโจวางรากฐานสำหรับการวาดภาพในชีวิตประจำวันของจิตวิญญาณที่สมจริงอย่างล้ำลึกรวม การสังเกตประเภทเนเธอร์แลนด์ด้วยความชัดเจนและรูปแบบการสกัดของโรงเรียนอิตาลี ("Lute Player", ประมาณ 1595; "Players", 1594-1595)
แต่ประเด็นหลักสำหรับอาจารย์คือหัวข้อทางศาสนา (รูปแท่นบูชา) ซึ่งการาวัจโจพยายามรวบรวมความกล้าหาญที่สร้างสรรค์อย่างแท้จริงให้เหมือนมีชีวิต ใน "The Evangelist Matthew with an Angel" (1599-1602) อัครสาวกดูเหมือนชาวนาเขามีมือที่หยาบกร้านคุ้นเคยกับการทำงานหนักใบหน้าเหี่ยวย่นของเขาตึงเครียดจากอาชีพที่ผิดปกติ - การอ่าน
คาราวัจโจ. การเรียกของอัครสาวกแมทธิว โบสถ์ซานลุยจิเดยฟรานเซในโรม
คาราวัจโจมีรูปแบบพลาสติกที่แข็งแรง เขาใช้สีในระนาบกว้างขนาดใหญ่ โดยดึงเอาส่วนที่สำคัญที่สุดขององค์ประกอบออกจากความมืดด้วยแสง Chiaroscuro ที่คมชัดนี้ ความเปรียบต่างของจุดสี ภาพระยะใกล้ องค์ประกอบแบบไดนามิกสร้างบรรยากาศของความตึงเครียดภายใน ละคร ความตื่นเต้น และความจริงใจอย่างยิ่ง คาราวัจโจแต่งตัวให้ฮีโร่ของเขาด้วยเสื้อผ้าที่ทันสมัย วางไว้ในสภาพแวดล้อมที่เรียบง่ายที่ผู้ชมคุ้นเคย ซึ่งทำให้เกิดการโน้มน้าวใจที่ดียิ่งขึ้นไปอีก ผลงานของคาราวัจโจบางครั้งถึงพลังของการแสดงออกที่สมจริง แต่น่าเสียดายที่บางครั้งถึงความเป็นธรรมชาติที่ลูกค้าปฏิเสธพวกเขาไม่เห็นความนับถือและอุดมคติที่เหมาะสมในภาพ (ไม่ใช่เพื่ออะไรที่นักวิจัยบางคนใช้คำว่า "ความสมจริงที่โหดร้าย" เกี่ยวกับคาราวัจโจ) ดังนั้นด้วยรูปแท่นบูชา "อัสสัมชัญของพระมารดาแห่งพระเจ้า" ลูกค้าปฏิเสธโดยอ้างว่าอาจารย์ไม่ได้บรรยายถึงความยิ่งใหญ่ของอัสสัมชัญของมารีย์ แต่เป็นความตายในความอัปลักษณ์ทั้งหมด
ความชื่นชอบในรายละเอียดที่เป็นธรรมชาติ ความถูกต้องของสถานการณ์ไม่ได้บดบังสิ่งสำคัญในงานของคาราวัจโจ สิ่งที่ดีที่สุดคือการแสดงออกทางอารมณ์ ดราม่าสุดซึ้ง และประเสริฐ ("The Entombment", 1602) ความยิ่งใหญ่ ความยิ่งใหญ่ขององค์ประกอบ รูปแบบประติมากรรม ความชัดเจนของการวาดภาพแบบคลาสสิกเป็นลักษณะเฉพาะของความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นผู้ใหญ่ของอาจารย์ ในเวลาเดียวกัน การไล่ระดับของแสงและเงาจะนุ่มนวลขึ้น ความแตกต่างของสีจะบางลง พื้นที่จะโปร่งสบาย (ข้อสันนิษฐานของ Mary, 1606) ที่กล่าวถึงแล้ว
ศิลปะของคาราวัจโจให้กำเนิดทั้งผู้ติดตามที่แท้จริงของวิธีการทางศิลปะของเขา และผู้ลอกเลียนแบบผิวเผินที่เรียนรู้เทคนิคภายนอกเท่านั้น ในบรรดาผู้ติดตามที่จริงจังที่สุดของเขาในอิตาลี ได้แก่ Crespi, Gentileschi, "tenebrists" ชาวเวนิสทั้งหมด; ในฮอลแลนด์ - Terbruggen และโดยทั่วไปแล้วสิ่งที่เรียกว่า "โรงเรียน Utrecht of kavaradzhists" ทั้งหมด แร็มบรันต์ในสเปนได้สัมผัสอิทธิพลของคาราวัจโจ
ตั้งแต่ยุคแรกสุด สไตล์บาโรกของอิตาลีได้ถูกสร้างขึ้นโดยอาศัยหลักการร่วมกับระบบวิชาการของโบโลเนสเป็นส่วนใหญ่ อุดมคติและความน่าสมเพชนั้นใกล้ชิดกับวงอย่างเป็นทางการของสังคมอิตาลีและคริสตจักรซึ่งเป็นลูกค้าหลักของงานศิลปะ แต่สไตล์นี้นำบางสิ่งมาจากการาวัจโจ: ความเป็นรูปธรรมของรูปแบบ พลังงานและละคร นวัตกรรมในการทำความเข้าใจการสร้างแบบจำลองแสงและเงา อันเป็นผลมาจากการผสมผสานระหว่างระบบศิลปะสองระบบที่แตกต่างกัน ศิลปะของอิตาลีบาโรกเกิดขึ้น: ภาพวาดที่ยิ่งใหญ่และตกแต่งของ Guercino (Francesco Barbieri, 1591 - 1666) กับรูปแบบที่เหมือนจริงและคาราวัจโจ chiaroscuro, Pietro da Cortona (Berrettini, ค.ศ. 1596-1669), ลูก้า จอร์ดาโน (1632-1705); ภาพวาดขาตั้งของ Caravaggio Bernardo Strozzi ที่ใกล้ที่สุด (1581-1644) นักสีที่ยอดเยี่ยม Domenico Fetti (1588 / 89-1623) ซึ่งได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก Rubens (เช่นเดียวกับ Strozzi) ต่อมาในช่วงกลางศตวรรษ ผลงานของซัลวาเตอร์ โรซา (1615-1673) ที่แต่งแต้มด้วยสีสันก็เปล่งประกายเจิดจ้า
คาราวัจโจ. ตำแหน่งในโลงศพ วาติกัน, Pinacoteca
ในช่วงที่สามของศตวรรษที่ XVII การเปลี่ยนแปลงบางอย่างได้ระบุไว้ในศิลปะของอิตาลีบาโรก เอฟเฟกต์การตกแต่งเพิ่มขึ้นอย่างไม่สามารถควบคุมได้ องค์ประกอบและมุมมีความซับซ้อนมากขึ้น ดูเหมือนว่าตัวเลขกำลังเร่งรีบในการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วและเอาแน่เอานอนไม่ได้ การวาดภาพด้วยภาพลวงตาอันที่จริงแล้วทำลายกำแพง "ทำลาย" เพดานหรือโดมซึ่งขัดต่อกฎของศิลปะคลาสสิกมาโดยตลอด plafond ของโบสถ์โรมันแห่ง Sant'Ignazio "Apotheosis of St. Ignatius" ดำเนินการโดย Andrea del Pozzo (1642-1709) สถาปนิกจิตรกรนักทฤษฎีศิลปะซึ่งไม่ได้เรียกโดยไม่มีเหตุผลว่าหัวหน้าคณะเยซูอิต สไตล์" เป็นตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดของภาพวาดบนกระดานที่มี "การหลอกลวงตา" การแสดงออกถึงความหมาย ความลึกลับ และอารมณ์ร่าเริง (Rome, 1684)
ในตอนท้ายของศตวรรษ ในการแต่งเพลง ทั้งที่เป็นอนุสรณ์และการตกแต่ง และขาตั้ง ความเยือกเย็น วาทศิลป์ และความน่าสมเพชจอมปลอมกำลังได้รับชัยชนะมากขึ้น อย่างไรก็ตาม ศิลปินที่เก่งที่สุดยังคงสามารถเอาชนะคุณลักษณะเหล่านี้ของบาโรกตอนปลายได้ นั่นคือภูมิทัศน์ที่โรแมนติกของ Alessandro Magnasco (1667-1749) อนุสาวรีย์ (แท่นบูชา) และภาพวาดขาตั้ง (ภาพเหมือน) โดย Giuseppe Crespi (1665-1747) - ศิลปินที่ยืนอยู่ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษใหม่
ซัลวาเตอร์ โรซา.
ในศตวรรษที่ 17 อิตาลีไม่ได้เป็นประเทศที่ก้าวหน้าเหมือนในสมัยฟื้นฟูศิลปวิทยาอีกต่อไป ประเทศถูกแยกส่วนออกเป็นอาณาเขตเล็ก ๆ ที่ปกคลุมไปด้วยความขัดแย้งทางแพ่งอย่างต่อเนื่องและถูกครอบงำโดยต่างชาติ นอกเหนือจากศูนย์กลางเศรษฐกิจหลักอันเป็นผลมาจากการค้นพบทางภูมิศาสตร์ครั้งใหญ่แล้ว อิตาลีในศตวรรษที่ 17 กำลังผ่านวิกฤตครั้งใหญ่ อย่างไรก็ตาม ระดับ หนึ่งอาจกล่าวได้ว่า ระดับ ของชีวิตศิลปะ งานจิตวิญญาณที่เข้มข้นของชาติ น้ำเสียงของวัฒนธรรมไม่ได้ขึ้นอยู่กับระดับของการพัฒนาเศรษฐกิจและการเมืองเสมอไป บ่อยครั้ง ในทางที่อธิบายไม่ถูก ในสภาพที่โหดร้ายและไม่เหมาะสมที่สุด บนดินที่มีหิน และไม่เอื้ออำนวย ดอกไม้ที่สวยงามของวัฒนธรรมสูงและความสูงของศิลปะที่ผลิบาน สิ่งนี้เกิดขึ้นในอิตาลีเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 - ต้นศตวรรษที่ 17 เมื่อกรุงโรมอาศัยประเพณีวัฒนธรรมที่มีอายุหลายศตวรรษมีปฏิกิริยาตอบสนองเร็วกว่าประเทศในยุโรปอื่น ๆ 30-40 ปีต่อการเปลี่ยนแปลงในยุคประวัติศาสตร์ไปสู่ยุคใหม่ ปัญหาที่เกิดขึ้นในยุคใหม่กับวัฒนธรรมยุโรป ในช่วงเวลาสั้น ๆ อิตาลีฟื้นคืนอิทธิพลที่มีต่อชีวิตศิลปะของทวีปและนี่คือผลงานชิ้นแรกของสไตล์บาโรกใหม่ปรากฏขึ้น ที่นี่ตัวละครและจิตวิญญาณของเขาถูกสร้างขึ้น บาโรกในอิตาลีเป็นความต่อเนื่องทางตรรกะของความสำเร็จของศิลปะในสมัยก่อน เช่น งานปลายของไมเคิลแองเจโลหรือสถาปัตยกรรมอิตาลีในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 16 หลักการของศิลปะบาโรกเกิดขึ้นครั้งแรกในสถาปัตยกรรมของกรุงโรม ซึ่งเป็นศูนย์กลางของการพัฒนาความคิดทางสถาปัตยกรรมในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ และดึงดูดผู้เชี่ยวชาญจำนวนมากจากประเทศต่างๆ
ภาพลักษณ์ของโบสถ์ Il-Gesu กลับกลายเป็นว่ามีความเกี่ยวข้อง ใกล้เคียงกับจิตวิญญาณแห่งยุค และสะท้อนลักษณะใหม่ของโลกทัศน์ จนกลายเป็นต้นแบบของโบสถ์คาทอลิกหลายแห่งในอิตาลี รวมทั้งทั่วยุโรป
โบสถ์อิลเกซู
ตัวอย่างคือโบสถ์ในซานตา ซูซานนา ซึ่งสร้างขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษโดยสถาปนิก Karl Modern ด้านหน้าอาคารค่อนข้างกะทัดรัดกว่าใน Il Gesu ทุกรูปแบบและรายละเอียดรวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยจังหวะการขึ้นด้านบนทั่วไป ซึ่งไม่ถูกขัดจังหวะโดยบัวที่แยกชั้น ในทางตรงกันข้าม หน้าจั่วหลักดูเหมือนจะซ้ำเติมกันอย่างกระฉับกระเฉง จังหวะซึ่งเริ่มต้นที่ปลายเสาของชั้นแรกนั้นถูกหยิบขึ้นมาอย่างแข็งขันโดยจังหวะของเสาของชั้นสอง การผสมผสานของส่วนหน้าทั้งหมดเป็นจังหวะเดียวที่กระฉับกระเฉงได้รับการเน้นย้ำด้วยการทำซ้ำขององค์ประกอบของลำดับในมาตราส่วนต่างๆ เช่นเดียวกับก้นหอยสองอันซึ่งได้กลายเป็นรายละเอียดที่โดดเด่นของยุคนั้น ความสมบูรณ์ของซุ้มได้รับการปรับปรุงโดยความเป็นพลาสติกที่ใช้งานได้ของเมืองหลวงคอรินเทียนซึ่งเบ่งบานด้วยใบและดอกอะแคนทัสอันเขียวชอุ่ม ต้องขอบคุณคาร์ทัชและภาพนูนนูนนูนขนาดมหึมา เช่นเดียวกับรูปปั้นที่วางอยู่ในซอกของส่วนหน้า ทำให้ความเป็นพลาสติกของมันดีขึ้น
ซานตาซูซานนา
รายละเอียดทั้งหมดเหล่านี้ การโต้ตอบแบบไดนามิกที่ซับซ้อน ความตึงของพื้นผิว และความแตกต่างของ chiaroscuro ช่วยเพิ่มการแสดงออกในการตกแต่งของส่วนหน้า กำแพงกลายเป็นมวลสถาปัตยกรรมเดียวที่มีลักษณะเป็นพลาสติกและพลวัต และราวกับว่าอยู่ภายใต้กฎของการดำรงอยู่ของสารอินทรีย์ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เราอาศัยอยู่ในรายละเอียดดังกล่าวในการวิเคราะห์สถาปัตยกรรมของอนุสาวรีย์สถาปัตยกรรมบาโรกเหล่านี้ พวกเขาตกผลึกในคุณสมบัติทั้งหมดแล้วรายละเอียดที่จะพัฒนาในสถาปัตยกรรมยุโรปของศตวรรษที่ 17 แสดงออกในระดับมากหรือน้อยในโรงเรียนระดับชาติต่างๆ อนุสาวรีย์สำคัญของยุคนี้ ด้านหนึ่ง สรุปผลของการพัฒนาครั้งก่อน และอีกด้าน การเปิดจุดเริ่มต้นของเวทีหลังยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาใหม่ คือ โบสถ์อิลเกซู สร้างขึ้นตามแบบ ของ Vignola ในปี ค.ศ. 1568 ส่วนที่สว่างที่สุดของโบสถ์ - ซุ้มแล้วเสร็จ 10 ปีต่อมาตามโครงการของสถาปนิก Giacom della Porta (รูปที่ 1) แผนผังมหาวิหารของโบสถ์ได้รับการแก้ไขบ้างตามความจำเป็นและข้อกำหนดของการนมัสการคาทอลิก โถงกลางที่มีพื้นที่กึ่งโดมครอบงำ และส่วนแท่นบูชาที่เน้นเสียงล้อมรอบด้วยโบสถ์เล็ก ๆ ที่ด้านข้างเป็นกรอบทางเดินด้านข้าง การแบ่งพื้นที่ภายในดังกล่าวไม่ได้สะท้อนให้เห็นในลักษณะใด ๆ ที่ด้านนอกของวัดในการจัดอาคารด้านหน้าซึ่งเน้นการออกแบบและตกแต่งสถาปัตยกรรมทั้งหมด อาคารทั้งสองชั้นรวมกันเป็นก้นหอยขนาดใหญ่ ซึ่งเป็นหนึ่งในองค์ประกอบที่ชื่นชอบของสถาปัตยกรรมบาโรก ลำดับที่ด้านหน้าอาคารไม่ได้สะท้อนถึงข้อต่อภายในของการตกแต่งภายใน แต่เขาเพียงแค่จัดระเบียบผนังเป็นจังหวะ - เขาอิ่มตัวด้วยจังหวะและพลังงานภายใน พลังงานอิ่มตัวที่ถูกจำกัดนี้ยังส่งผ่านหน้าจั่วรูปครึ่งวงกลมเหนือประตูส่วนกลาง ซึ่งคล้ายกับโครงร่างโค้งมน พร้อมสำหรับการยิง สำหรับการยืดผม และกรอบครึ่งวงกลมที่ล้อมรอบด้วยหน้าต่าง
เราจะเห็นลักษณะความเป็นพลาสติก, กิจกรรม, พลวัตของซุ้มที่ตรวจสอบโดยเราในวัดในรุ่นที่เด่นชัดยิ่งขึ้นในงานอื่น ๆ ของสถาปัตยกรรมวัดบาโรกของอิตาลีในศตวรรษที่ 17 เช่นในโบสถ์ Sant'Ignazio ที่สร้างขึ้น ในกลางศตวรรษที่ 17 โดยสถาปนิก Allegradi ในโบสถ์ Sant'Agnese แห่งกลางศตวรรษและ Church of Santa Maria ใน Compitelli สถาปนิก Carlo Rainaldi และ Borromini โดยเฉพาะอย่างยิ่งฉันอยากจะสังเกตกิจกรรมเชิงพื้นที่ของสถาปัตยกรรมบาโรกและการเชื่อมโยงกับพื้นที่โดยรอบของจัตุรัส ถนน เมือง
ซานตามาเรียใน Compitelli
นอกจากความชัดเจนของความเป็นพลาสติกของส่วนหน้าแล้ว บันไดยังมีบทบาทสำคัญในการสื่อสารของอาคารกับสิ่งแวดล้อม เช่น บันไดของอาคารด้านตะวันออกของโบสถ์ Santa Maria Maggiore ซึ่งสร้างขึ้นในปี 1673 โดย สถาปนิก Carlo Rainaldi ที่เรากล่าวถึงแล้ว บันไดที่มีชื่อเสียงนี้ ซึ่งสูงเป็นสามชั้นขึ้นไปถึงผนังของวัด ดูเหมือนจะต่อจากหิ้งรูปครึ่งวงกลมของแหกคอกด้านทิศตะวันออกไปด้านนอก โดยเชื่อมอาคารกับพื้นที่โดยรอบ
Santa Maria Maggiore
สถาปัตยกรรมแบบบาโรกที่มีรายละเอียดเป็นรูปครึ่งวงกลม โค้ง และยืดหยุ่นได้นั้นชื่นชอบ ใกล้เคียงกับการแปลจังหวะออกไปด้านนอกอย่างแข็งขัน เช่น ในโบสถ์ Santa Maria della Pace สถาปนิก Pietro de Cortona กลางศตวรรษที่ 17 ที่ชั้นล่างของ ซุ้มโค้งเข้าด้านนอกด้วยส่วนโค้งยืดหยุ่น พื้นที่ของถนน ท่าเทียบเรือได้รูปทรงครึ่งวงกลมในแง่ของรูปร่าง
ซานตา มาเรีย เดอ ลา ปาเช
ส่วนโค้งที่มีพลังนี้ซ้ำแล้วซ้ำอีกทั้งในหน้าต่างบานใหญ่ตรงกลางของชั้นสองและในจั่วรูปครึ่งวงกลมที่จารึกไว้ในหน้าจั่วรูปสามเหลี่ยมยอดอาคาร บันไดที่มีชื่อเสียงอีกแห่งในสถาปัตยกรรมบาโรกคือบันไดหลวงหรือที่เรียกว่า "Rock of the Reggia" ที่สร้างโดยลอเรนโซ เบอร์นีนีในปี 1663-1666 โดยเชื่อมระหว่างอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เปตราและพระราชวังวาติกัน ในอาคารหลังนี้ Bernini ใช้กลอุบายของมุมมองเพื่อเล่นสถาปัตยกรรมบาโรกที่มีลักษณะเฉพาะทั้งหมด เมื่อคุณเคลื่อนออกจากชานชาลาด้านล่าง บันไดจะแคบลง และเสาที่วางอยู่บนขั้นบันไดจะเข้าใกล้กันและลดความสูงลง ขั้นบันไดเองได้รับความสูงต่างกัน ทั้งหมดนี้สร้างเอฟเฟกต์พิเศษ บันไดดูเหมือนสูงกว่าที่เป็นจริงมาก
มันสร้างความประทับใจให้กับขนาดมหึมาและความยาวมากซึ่งทำให้การจากไปของสมเด็จพระสันตะปาปาการปรากฏตัวของเขาในมหาวิหารในระหว่างการรับใช้โดยเฉพาะอย่างยิ่งงดงามโดยเฉพาะอย่างยิ่ง
สร้างขึ้นในรูปแบบการแสดงออกสุดขั้ว หลักการบาโรกถูกรวบรวมไว้ในผลงานของสถาปนิก ฟรานเชสโก บอร์โรมินี ในงานของอาจารย์ท่านนี้ การแสดงออกของรูปแบบมีความแข็งแกร่งสูงสุด และความเป็นพลาสติกของผนังได้มาจากกิจกรรมประติมากรรมเกือบ ภาพประกอบที่ยอดเยี่ยมของคำเหล่านี้อาจเป็นส่วนหน้าของโบสถ์ San Carlo alle Cuatro Fontane ในกรุงโรมซึ่งสร้างขึ้นในปี 1634-1667 วัดนี้ตั้งอยู่ที่มุมถนนสองสายที่บรรจบกับจัตุรัสน้ำพุสี่แห่ง และในเวลาเดียวกัน Borromini ไม่ได้นำส่วนหน้าหลักของโบสถ์ไปที่จัตุรัส แต่จะเลี้ยวเข้าสู่ถนนแคบสายหนึ่ง
ซานคาร์โลอัลเล Cuatro Fontane
เทคนิคนี้สร้างมุมมองที่น่าสนใจมากให้กับโบสถ์ในแนวทแยงมุมจากด้านข้าง ด้วยการเล่น Chiaroscuro ที่ได้รับการปรับปรุง นอกจากนี้การจัดซุ้มดังกล่าวที่สัมพันธ์กับพื้นที่ภายในของอาคารทำให้ผู้ชมสับสนอย่างสมบูรณ์ ภายนอกไม่ได้พูดอะไรเกี่ยวกับการตกแต่งภายในมันมีอยู่ของมันเองโดยไม่คำนึงถึงการจัดพื้นที่ภายใน นี่คือการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในสถาปัตยกรรมของศตวรรษที่ 17 ตรงกันข้ามกับสถาปัตยกรรมของยุคเรเนสซองส์ ซึ่งการออกแบบอาคารมักจะอ่านได้ชัดเจนและชัดเจนเสมอ คำสั่งนี้ยุติบทบาทเชิงสร้างสรรค์ในสถาปัตยกรรมบาโรก กลายเป็นเพียงรายละเอียดการตกแต่งที่แสดงถึงลักษณะทางสถาปัตยกรรมของอาคาร เห็นได้อย่างชัดเจนในตัวอย่างด้านหน้าของโบสถ์ซานคาร์โลอัลเลกัวโตรฟอนตาเน ซึ่งคำสั่งสูญเสียตรรกะของสถาปัตยกรรม และในชั้นแรกและชั้นสองของอาคาร เราเห็นเสาทรงกลม แทนที่จะเป็นเสาแบบดั้งเดิมในชั้นสอง ที่ด้านหน้าอาคารนี้ เรามองไม่เห็นผนังเลย เต็มไปด้วยของประดับตกแต่งต่างๆ ผนังละลายราวกับว่าทุกสิ่งกำลังเล่นด้วยคลื่นซึ่งตอนนี้ยื่นออกมาในแนวเสากลมแล้วโค้งราวกับว่าลึกเข้าไปข้างในด้วยหน้าต่างช่องสี่เหลี่ยมครึ่งวงกลมสี่เหลี่ยม บัวที่งอเข้าด้านในแล้วออกไปด้านนอก ดิวิชั่นยังไม่แล้วเสร็จ บัวของชั้นสองถูกฉีกตรงกลางซึ่งวางคาร์ทูชวงรีซึ่งได้รับการสนับสนุนจากเทวดาบินสองคน พลวัตที่ซับซ้อนของด้านหน้าอาคารและความเป็นพลาสติกที่รุนแรงของภายนอกโบสถ์ของ Borromini ยังคงดำเนินต่อไปภายในโบสถ์ของเขา ตัวอย่างเช่น ในโบสถ์ Sant'Ivo 1642-1660 ในแผนผังเป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าซึ่งมีช่องของรูปทรงต่างๆสลับกันระหว่างหิ้งสามเหลี่ยมของผนัง ดูเหมือนว่าการตกแต่งภายในนั้นไร้ตรรกะภายใน มันไม่สมมาตร หุนหันพลันแล่น และพุ่งขึ้นไปข้างบน โดยที่มันถูกสวมมงกุฎด้วยโดมรูปดาวที่ซับซ้อน
โดมของโบสถ์สไตล์บาโรกมักมีสถาปัตยกรรมและการตกแต่งที่ซับซ้อน โดยผสมผสานรูปทรงและขนาดต่างๆ เข้าด้วยกัน การตกแต่งประติมากรรม ซึ่งช่วยเพิ่มความประทับใจในการเคลื่อนไหวและการขึ้นลงของรูปแบบ การสังเคราะห์ศิลปะดังกล่าว ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของบาโรก โดยที่สถาปัตยกรรม ประติมากรรม และภาพวาดมีจุดมุ่งหมายเดียวในการแสดงออกของงาน เราจะเห็นผลงานที่ดีที่สุดของสถาปัตยกรรมบาโรก อนุสาวรีย์ที่โดดเด่นของสถาปัตยกรรมฆราวาส - วัง, วังของขุนนาง, ที่อยู่อาศัยในเมืองและชนบท, วิลล่าถูกสร้างขึ้นในอิตาลีโดยสถาปนิกสไตล์บาโรก
บางทีตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของโครงสร้างดังกล่าวอาจเป็น Palazzo Barberini ในกรุงโรมในปี 1625-1663 ในการก่อสร้างซึ่งสถาปนิกที่ดีที่สุดของอิตาลีแห่งศตวรรษที่ 17 Carlo Moderno, Lorenzo Bernini, Francesco Borromini, Pietro de Cortona เข้ามามีส่วนร่วม เค้าโครงภายนอกและภายในของวังเป็นแบบบาโรกเชิงพื้นที่ จากด้านข้างของถนน ปีกที่ยื่นออกไปจะสร้างลานหลักด้านหน้าอาคารหลักของพาลาซโซ ซึ่งได้รับการออกแบบในสถาปัตยกรรมบาโรกแบบดั้งเดิมที่มีการควบคุมอย่างดีที่สุด ภายในเนื่องจากการก่อสร้างพื้นที่ enfilade มันค่อยๆเปิดขึ้นต่อหน้าผู้ชมเช่นฉากเคร่งขรึมในการแสดงละคร บาร็อค สืบทอดจากยุคก่อน ๆ ประเภทของบ้านพักตากอากาศซึ่งเป็นที่อยู่อาศัยของขุนนางซึ่งกลายเป็น วงดนตรีสไตล์บาโรกที่มีสวนบนเนินเขาเชื่อมต่อกันด้วยบันไดและทางลาด พลวัตของบาโรกที่ชื่นชอบยังแสดงออกในการใช้พื้นผิวน้ำที่ไหลอยู่บ่อยครั้งในชุดต่างๆ เช่น น้ำตก อ่างเก็บน้ำ ถ้ำ น้ำพุ ผสมผสานกับรูปแบบสถาปัตยกรรมขนาดเล็กที่มีประติมากรรม ด้วยความเขียวขจีตามธรรมชาติและถูกตัดออก ตัวอย่างเช่น นี่คือ Villa Aldobrandini ใน Foscatti สถาปนิก Giacoma dela Porta และ Carlo Moderno
วิลล่าบอร์เกเซ
Villa Pamphili สร้างขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 โดยสถาปนิก Alegardi และ Villa Borghese ซึ่งสถาปนิก Vasanzio Frimi สร้างขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 ลักษณะสถาปัตยกรรมแบบบาโรกทั้งมวลดังกล่าวได้รับการพิสูจน์แล้วว่าได้รับความนิยมและจำเป็นอย่างมากในศตวรรษที่ 17 เมื่อเมืองในยุคกลางเริ่มมีการสร้างใหม่ เมื่อมีโครงการสำหรับการพัฒนาขื้นใหม่ส่วนต่างๆ ของพื้นที่ในเมืองเกิดขึ้น ตัวอย่างเช่น ตามแผนของโดเมนิโก ฟอนตาโน ทางเข้าหลักของกรุงโรมจากทางเหนือเชื่อมต่อกับกลุ่มคนที่สำคัญที่สุดของเมือง จาก Piazza del Popollo ถนนตรงสามสายแยกออกเป็นแนวรัศมี และพื้นที่ของจัตุรัสถูกรวมเข้าด้วยกันด้วยโบสถ์ทรงโดมที่เหมือนกันสองแห่งของสถาปนิก Rainaldi ซึ่งจัดวางอย่างสมมาตรที่มุมห้อง ตลอดจนเสาโอเบลิสก์และน้ำพุ ปรากฏตัวครั้งแรกในอิตาลี ระบบการวางผังเมืองแบบสามคานที่มีรายละเอียดจะได้รับความนิยมในยุโรปในศตวรรษที่ 17 และ 18 เราสามารถเห็นศูนย์รวมของมันแม้ในการวางแผนของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่จัตุรัสเซนต์ปีเตอร์ในกรุงโรมซึ่งออกแบบโดยลอเรนโซ เบอร์นีนีในปี ค.ศ. 1657-1663 ได้รับการยอมรับว่าเป็นวงดนตรีทางสถาปัตยกรรมที่ดีที่สุดของอิตาลีในศตวรรษที่ 17
จัตุรัสเซนต์ เปตรา
ในโครงการนี้ สถาปนิกแก้ไขปัญหาหลายอย่างพร้อมกัน ประการแรกนี่คือการสร้างแนวทางเคร่งขรึมสู่อาสนวิหาร - วิหารหลักของโลกคาทอลิกตลอดจนการออกแบบพื้นที่ด้านหน้าซึ่งมีไว้สำหรับพิธีทางศาสนาและงานเฉลิมฉลอง ประการที่สอง นี่คือความสำเร็จของความประทับใจในความเป็นเอกภาพของอาสนวิหาร ซึ่งเป็นอาคารที่สร้างขึ้นมาเป็นเวลากว่าสองศตวรรษโดยสถาปนิกที่แตกต่างกันในสไตล์ที่แตกต่างกัน และเบอร์นีนีก็รับมือกับงานทั้งสองได้อย่างยอดเยี่ยม จากด้านหน้าอาคารที่สร้างขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 17 โดยสถาปนิก Carlo Moderna หอศิลป์สองแห่งออกไปแล้วเปลี่ยนเป็นแนวเสาซึ่งตาม Bernini "ล้อมรอบจัตุรัสราวกับว่ามีอาวุธที่เปิดอยู่" แนวเสากลายเป็นเหมือนความต่อเนื่องของอาคารสมัยใหม่ซึ่งพัฒนาแรงจูงใจ เสาโอเบลิสก์ตั้งอยู่ใจกลางจัตุรัสขนาดใหญ่ และน้ำพุที่ด้านใดด้านหนึ่งของเสาจะยึดแกนตามขวาง เมื่อเคลื่อนผ่านจัตุรัส ผู้ชมจะรับรู้ว่ามหาวิหารเป็นชุดของมุมมองและมุมที่เปลี่ยนแปลงไปในการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนและการพัฒนาของความประทับใจ ด้านหน้าอาคารตั้งตระหง่านต่อหน้าผู้ชมในขณะที่เข้าใกล้เขาโดยตรง เมื่อเขาพบว่าตัวเองอยู่หน้าจตุรัสสี่เหลี่ยมคางหมูที่ด้านหน้าส่วนหน้าของมหาวิหาร ดังนั้น ความโอ่อ่าตระการตาของอาสนวิหารจึงถูกจัดเตรียมโดยพลวัตของการเคลื่อนไหวที่เพิ่มขึ้นทีละน้อยเมื่อเคลื่อนผ่านจัตุรัส
สถาปัตยกรรมบาโรกตอนปลายในอิตาลีไม่ได้ให้อนุสาวรีย์ที่คล้ายคลึงกันซึ่งเทียบเท่ากับผลงานของบาโรกยุคแรกและที่โตเต็มที่ในแง่ของคุณภาพทางศิลปะและความสูงของรูปแบบ สถาปนิกในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 ได้ใช้วิธีการต่างๆ ของสถาปัตยกรรมแบบบาโรกในหลาย ๆ ด้าน ซึ่งมักใช้รูปแบบที่เกินจริง การบรรทุกมากเกินไป ความเป็นพลาสติกและจังหวะที่ซับซ้อนเกินไป ตัวอย่างที่ดีที่สุดของสถาปัตยกรรมบาโรกช่วงปลายคือผลงานของสถาปนิกกวารีโน กวารินี ซึ่งทำงานส่วนใหญ่อยู่ในภาคเหนือของอิตาลี โบสถ์ซานลอเรนโซในตูรินซึ่งมีการอวดอ้างและซ้ำซากจำเจของรูปแบบ เป็นหนึ่งในผลงานที่ธรรมดาที่สุดของเขา
Sant Lorenzo ในตูริน
สถาปัตยกรรมบาโรกในอิตาลีสร้างผลงานที่น่าทึ่งซึ่งส่งผลกระทบอย่างใหญ่หลวงต่อวัฒนธรรมยุโรปทั้งหมดในศตวรรษที่ 17
ในทัศนศิลป์เช่นเดียวกับสถาปัตยกรรมของอิตาลีในศตวรรษที่ 17 สไตล์บาโรกมีความโดดเด่น มันเกิดขึ้นจากปฏิกิริยาต่อต้าน "มารยาท" รูปแบบที่ลึกซึ้งและซับซ้อนซึ่งถูกต่อต้านโดยประการแรกด้วยความเรียบง่ายที่ยิ่งใหญ่ของภาพที่ดึงมาจากการสร้างสรรค์ของปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูงและเนื่องจาก ศึกษาธรรมชาติอย่างอิสระ การมองดูมรดกคลาสสิกอย่างระมัดระวัง ซึ่งมักจะยืมองค์ประกอบแต่ละอย่างมาจากมรดกนั้น ทิศทางใหม่มุ่งมั่นที่จะแสดงออกถึงรูปแบบที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ในพลวัตที่ปั่นป่วน เทคนิคการถ่ายภาพแบบใหม่ยังสอดคล้องกับการค้นหางานศิลปะครั้งใหม่ด้วย: ความสงบและความชัดเจนขององค์ประกอบถูกแทนที่ด้วยความอิสระและโดยบังเอิญ ตัวเลขถูกย้ายจากตำแหน่งตรงกลางและสร้างขึ้นเป็นกลุ่มตามเส้นทแยงมุมเป็นหลัก การก่อสร้างนี้มีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับบาร็อค ช่วยเพิ่มความประทับใจในการเคลื่อนไหวและก่อให้เกิดการย้ายพื้นที่ใหม่ แทนที่จะแบ่งออกเป็นชั้นต่าง ๆ ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา งานศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยากลับถูกปกคลุมไปด้วยการเหลือบมองเพียงแวบเดียว สร้างความประทับใจให้กับชิ้นส่วนแบบสุ่มของจำนวนมหาศาล ความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับอวกาศนี้เป็นความสำเร็จอันมีค่าที่สุดของศิลปะบาโรก ซึ่งมีบทบาทสำคัญในการพัฒนางานศิลปะที่สมจริง ความปรารถนาในการแสดงออกและไดนามิกของรูปแบบก่อให้เกิดคุณลักษณะอื่นที่ไม่ธรรมดาของบาโรก - การใช้ความเปรียบต่างทุกประเภท: ความแตกต่างของภาพ, การเคลื่อนไหว, ความแตกต่างของแผนแสงและเงา, ความเปรียบต่างของสี ทั้งหมดนี้เสริมด้วยความอยากการตกแต่งที่เด่นชัด ในเวลาเดียวกัน พื้นผิวของภาพก็เปลี่ยนไปเช่นกัน โดยเปลี่ยนจากการตีความแบบฟอร์มแบบเส้นตรงเป็นพลาสติกไปสู่การมองเห็นที่งดงามที่กว้างกว่าที่เคย
คุณลักษณะเด่นของรูปแบบใหม่ได้รับคุณลักษณะที่ชัดเจนมากขึ้นเรื่อยๆ เมื่อเวลาผ่านไป สิ่งนี้แสดงให้เห็นถึงการแบ่งแยกศิลปะอิตาลีของศตวรรษที่ 17 ออกเป็นสามขั้นตอนที่ไม่เท่ากัน: "ต้น", "ผู้ใหญ่" หรือ "สูง" และ "ปลาย" บาโรกซึ่งการปกครองยาวนานกว่าช่วงอื่นมาก คุณลักษณะเหล่านี้ รวมทั้งขีดจำกัดตามลำดับเวลาจะระบุไว้ในภายหลัง
ศิลปะบาโรกของอิตาลีส่วนใหญ่ทำหน้าที่หลักและก่อตั้งขึ้นหลังจากสภาคริสตจักรคาทอลิกเทรนต์ ราชสำนัก และขุนนางจำนวนมาก งานที่ตั้งขึ้นต่อหน้าศิลปินนั้นมีอุดมการณ์มากพอๆ กับการตกแต่ง การตกแต่งของโบสถ์รวมถึงพระราชวังของขุนนางภาพวาดโดมอนุสาวรีย์ผนังในเทคนิคปูนเปียกกำลังพัฒนาอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน ภาพวาดประเภทนี้กลายเป็นผลงานพิเศษของศิลปินชาวอิตาลีที่ทำงานทั้งในบ้านเกิดและในเยอรมนี สเปน ฝรั่งเศส และอังกฤษ พวกเขายังคงรักษาลำดับความสำคัญที่ปฏิเสธไม่ได้ในด้านความคิดสร้างสรรค์จนถึงสิ้นศตวรรษที่ 18 แก่นของภาพเขียนของโบสถ์เป็นฉากที่งดงามของการเชิดชูศาสนา หลักคำสอนหรือธรรมิกชน และการกระทำของพวกเขา บนผืนผ้าใบของพระราชวัง แผนการเชิงเปรียบเทียบและตำนานครอบงำ ทำหน้าที่เป็นการเชิดชูตระกูลอธิปไตยและตัวแทนของพวกเขา
ภาพวาดแท่นบูชาขนาดใหญ่ยังคงเป็นเรื่องธรรมดามาก ในนั้นร่วมกับรูปเคารพอันศักดิ์สิทธิ์ของพระคริสต์และมาดอนน่าที่เคร่งขรึม รูปภาพที่มีผลกระทบมากที่สุดต่อผู้ชมเป็นเรื่องธรรมดาโดยเฉพาะอย่างยิ่ง เหล่านี้เป็นฉากของการประหารชีวิตและการทรมานของนักบุญตลอดจนสภาพแห่งความปีติยินดี
ภาพวาดขาตั้งแบบฆราวาสส่วนใหญ่เต็มใจใช้ธีมจากพระคัมภีร์ ตำนานและสมัยโบราณ เนื่องจากประเภทอิสระ ภูมิทัศน์ ประเภทการต่อสู้ และสิ่งมีชีวิตยังคงพัฒนา
บทที่ "ศิลปะของอิตาลี". ส่วน "ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 17" ประวัติศาสตร์ศิลปะทั่วไป. เล่มที่ 4 ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 17-18 ผู้เขียน: V.E. Bykov (สถาปัตยกรรม), V.N. Grashchenkov (วิจิตรศิลป์); ภายใต้กองบรรณาธิการทั่วไปของ Yu.D. Kolpinsky และ E.I. Rotenberg (มอสโก, Art State Publishing House, 1963)
ชัยชนะของปฏิกิริยาศักดินาคาทอลิก ความวุ่นวายทางเศรษฐกิจและการเมืองที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 อิตาลียุติการพัฒนาวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา การโจมตีของนิกายโรมันคาทอลิกที่เข้มแข็งในการพิชิตยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถูกทำเครื่องหมายโดยการกดขี่ข่มเหงที่รุนแรงที่สุดของผู้คนในแวดวงวิทยาศาสตร์ขั้นสูงซึ่งเป็นความพยายามที่จะทำให้งานศิลปะรองลงมาสู่อำนาจของคริสตจักรคาทอลิก การสอบสวนดำเนินการอย่างไร้ความปราณีกับทุกคนที่ต่อต้านหลักคำสอนของศาสนาโดยตรงหรือโดยอ้อม ต่อต้านตำแหน่งสันตะปาปาและพระสงฆ์ คนคลั่งไคล้ใน Cassocks ส่ง Giordano Bruno ไปที่เสาหลักและไล่ตามกาลิเลโอ สภาเมืองเทรนต์ (ค.ศ. 1545-1563) ออกกฤษฎีกาพิเศษที่ควบคุมการวาดภาพและดนตรีทางศาสนา โดยมุ่งเป้าไปที่การขจัดจิตวิญญาณทางโลกในงานศิลปะ คณะนิกายเยซูอิตก่อตั้งขึ้นในปี ค.ศ. 1540 แทรกแซงเรื่องศิลปะอย่างแข็งขัน โดยให้ศิลปะเป็นบริการโฆษณาชวนเชื่อทางศาสนา
เมื่อต้นศตวรรษที่ 17 ขุนนางและคริสตจักรในอิตาลีรวมตำแหน่งทางการเมืองและอุดมการณ์เข้าด้วยกัน สถานการณ์ในประเทศยังคงยากลำบาก การกดขี่ของราชาธิปไตยสเปนซึ่งยึดครองอาณาจักรเนเปิลส์และลอมบาร์เดียกำลังทวีความรุนแรงยิ่งขึ้นและดินแดนของอิตาลีเช่นเคยยังคงเป็นฉากของสงครามและการโจรกรรมอย่างต่อเนื่องโดยเฉพาะในภาคเหนือซึ่งผลประโยชน์ของชาวสเปน และออสเตรีย Habsburgs และฝรั่งเศสปะทะกัน (ตามหลักฐานเช่นโดยการจับกุมและกระสอบ Mantua โดยกองทหารของจักรวรรดิในปี ค.ศ. 1630) อันที่จริงอิตาลีที่แตกแยกกำลังสูญเสียเอกราชของประเทศ นับตั้งแต่หยุดมีบทบาทอย่างแข็งขันในชีวิตทางการเมืองและเศรษฐกิจของยุโรป ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้สัมบูรณ์ของอาณาเขตย่อยได้รับลักษณะของปฏิกิริยาที่รุนแรง
ความโกรธที่ได้รับความนิยมต่อผู้กดขี่ปะทุขึ้นในการจลาจลที่เกิดขึ้นเอง แม้แต่ปลายศตวรรษที่ 16 นักคิดและนักวิทยาศาสตร์ที่โดดเด่น Tommaso Campanella กลายเป็นหัวหน้ากลุ่มต่อต้านชาวสเปนในคาลาเบรีย เนื่องจากการทรยศหักหลังการจลาจลจึงถูกป้องกันและตัวเองกัมปาเนลลาเองหลังจากถูกทรมานอย่างสาหัสถูกตัดสินให้จำคุกตลอดชีวิต ในบทความที่มีชื่อเสียง City of the Sun ซึ่งเขียนในคุก เขาได้อธิบายแนวคิดเกี่ยวกับลัทธิคอมมิวนิสต์ในอุดมคติ ซึ่งสะท้อนถึงความฝันของผู้ถูกกดขี่เพื่อชีวิตที่มีความสุข ในปี ค.ศ. 1647 เกิดการจลาจลขึ้นในเนเปิลส์และในปี ค.ศ. 1674 ที่ซิซิลี การจลาจลในเนเปิลส์ที่น่าเกรงขามเป็นพิเศษ นำโดยชาวประมง Masaniello อย่างไรก็ตาม ลักษณะที่กระจัดกระจายของการจลาจลปฏิวัติทำให้พวกเขาล้มเหลวและพ่ายแพ้
สภาพของผู้คนแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงกับความฟุ่มเฟือยอันล้นเหลือของชนชั้นสูงทางบกและการเงิน และนักบวชระดับสูง เทศกาลอันเขียวชอุ่ม งานคาร์นิวัล การก่อสร้างและการตกแต่งพระราชวัง วิลล่า และโบสถ์ต่างๆ มาถึงศตวรรษที่ 17 ขอบเขตที่ไม่เคยมีมาก่อน ทั้งชีวิตและวัฒนธรรมของอิตาลีในศตวรรษที่ 17 ทอจากความแตกต่างที่คมชัดและความขัดแย้งที่ไม่สามารถประนีประนอมซึ่งสะท้อนให้เห็นในความขัดแย้งของวิทยาศาสตร์ก้าวหน้าในการปะทะกันของวัฒนธรรมฆราวาสและปฏิกิริยาคาทอลิกในการต่อสู้ระหว่างแนวโน้มการตกแต่งตามอัตภาพและความเป็นจริงในงานศิลปะ ความสนใจในสมัยโบราณที่เพิ่งปะทุขึ้นใหม่อยู่ร่วมกับการเทศนาเกี่ยวกับแนวคิดทางศาสนา การคิดแบบใช้เหตุผลอย่างมีสติสัมปชัญญะผสมผสานกับความอยากที่ไร้เหตุผลและลึกลับ ควบคู่ไปกับความสำเร็จในด้านวิทยาศาสตร์ โหราศาสตร์ การเล่นแร่แปรธาตุและเวทมนตร์
พระสันตะปาปาซึ่งหยุดอ้างบทบาทของผู้นำทางการเมืองในกิจการยุโรปและกลายเป็นอธิปไตยอธิปไตยพระองค์แรกของอิตาลี ทรงใช้แนวโน้มสู่การรวมชาติของประเทศและการรวมศูนย์อำนาจเพื่อเสริมสร้างอำนาจครอบงำทางอุดมการณ์ของ คริสตจักรและขุนนาง สมเด็จพระสันตะปาปาโรมกลายเป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมคาทอลิกแบบศักดินาของอิตาลีไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวัฒนธรรมคาทอลิกศักดินายุโรปด้วย ศิลปะบาโรกเกิดขึ้นและเจริญรุ่งเรืองที่นี่
งานหลักของศิลปินบาโรกคือการล้อมรอบผู้มีอำนาจทางโลกและฝ่ายสงฆ์ด้วยรัศมีแห่งความยิ่งใหญ่และความเหนือกว่าของวรรณะและเพื่อส่งเสริมความคิดของนิกายโรมันคาทอลิกที่เข้มแข็ง ดังนั้นความต้องการแบบบาโรกที่มีลักษณะเฉพาะสำหรับความอิ่มเอมใจที่ยิ่งใหญ่ ขอบเขตการตกแต่งขนาดใหญ่ สิ่งที่น่าสมเพชที่เกินจริง และการทำให้เป็นอุดมคติโดยเจตนาในการตีความภาพ ในศิลปะบาโรก มีความขัดแย้งอย่างชัดเจนระหว่างเนื้อหาทางสังคม ซึ่งออกแบบมาเพื่อรับใช้ชนชั้นสูงที่ปกครองสังคม และความจำเป็นในการมีอิทธิพลต่อมวลชนในวงกว้าง ระหว่างความธรรมดาของภาพกับรูปแบบที่เย้ายวนอย่างเด่นชัด เพื่อที่จะเพิ่มความชัดเจนของภาพ ปรมาจารย์แบบบาโรกจึงใช้การกล่าวเกินจริง การอติพจน์ และเอฟเฟกต์ที่เป็นธรรมชาติทุกประเภท
อุดมคติที่กลมกลืนกันของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถูกแทนที่ในศตวรรษที่ 17 ความพยายามที่จะเปิดเผยภาพผ่านความขัดแย้งอันน่าทึ่ง โดยทำให้จิตใจลึกซึ้งยิ่งขึ้น สิ่งนี้นำไปสู่การขยายขอบเขตเฉพาะเรื่องในงานศิลปะ สู่การใช้วิธีการใหม่ในการแสดงออกเชิงเปรียบเทียบในการวาดภาพ ประติมากรรม และสถาปัตยกรรม แต่การพิชิตศิลปะแบบบาโรกได้สำเร็จด้วยต้นทุนของการละทิ้งความสมบูรณ์และความสมบูรณ์ของมุมมองโลกทัศน์ของผู้คนในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยเสียค่าใช้จ่ายในการละทิ้งเนื้อหาเกี่ยวกับภาพที่เห็นอกเห็นใจ
เอกราชที่มีอยู่ในศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของศิลปะแต่ละประเภท ความสัมพันธ์ที่เท่าเทียมกันระหว่างกันเอง กำลังถูกทำลาย อยู่ภายใต้สถาปัตยกรรม ประติมากรรม และภาพวาดที่ผสานรวมเป็นหนึ่งเดียวในการตกแต่งทั่วไป การวาดภาพพยายามสร้างภาพลวงตาเพื่อขยายพื้นที่ภายใน การตกแต่งประติมากรรมที่เติบโตจากสถาปัตยกรรมกลายเป็นทิวทัศน์ที่งดงาม ตัวสถาปัตยกรรมเองกลายเป็นพลาสติกสูง สูญเสียสถาปัตยกรรมที่เข้มงวด หรือการสร้างพื้นที่ภายในและภายนอกแบบไดนามิก ได้รับคุณลักษณะของความงดงาม
ในการสังเคราะห์ศิลปะแบบบาโรก ไม่เพียงแต่จะเกิดการผสมผสานของศิลปะแต่ละประเภทเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการรวมเอาคอมเพล็กซ์ศิลปะทั้งหมดเข้ากับพื้นที่โดยรอบด้วย รูปปั้นประติมากรรมราวกับว่ายังมีชีวิตอยู่ยื่นออกมาจากซอกแขวนจากชายคาและหน้าจั่ว พื้นที่ภายในของอาคารยังคงดำเนินต่อไปด้วยความช่วยเหลือของ plafonds ที่ตีความอย่างลวงตา กองกำลังภายในที่มีอยู่ในปริมาณสถาปัตยกรรมเช่นเดิม หาทางออกในแนวเสา บันได ระเบียง และโครงตาข่ายที่อยู่ติดกับอาคาร ในประติมากรรมตกแต่ง น้ำพุ และน้ำตก ในโอกาสที่หลีกหนีจากตรอกซอกซอย ธรรมชาติที่เปลี่ยนแปลงโดยฝีมือของนักตกแต่งสวนแห่งนี้ ได้กลายเป็นส่วนสำคัญของวงดนตรีสไตล์บาโรก
การดิ้นรนของศิลปะเพื่อขอบเขตกว้างและการเปลี่ยนแปลงทางศิลปะโดยทั่วไปของความเป็นจริงโดยรอบ ซึ่งจำกัดอยู่เพียงการแก้ไขงานตกแต่งภายนอก สอดคล้องกับโลกทัศน์ทางวิทยาศาสตร์ขั้นสูงของยุคนั้นในระดับหนึ่ง แนวความคิดของจิออร์ดาโน บรูโน เกี่ยวกับจักรวาล ความเป็นเอกภาพและความไม่มีที่สิ้นสุดของจักรวาลได้เปิดโลกทัศน์ใหม่สำหรับความรู้ของมนุษย์ ก่อให้เกิดปัญหานิรันดร์ของโลกและมนุษย์ในรูปแบบใหม่ ในทางกลับกัน กาลิเลโอได้สานต่อประเพณีของวิทยาศาสตร์เชิงประจักษ์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา จากการศึกษาปรากฏการณ์ส่วนบุคคลไปจนถึงความรู้เกี่ยวกับกฎทั่วไปของฟิสิกส์และดาราศาสตร์
สไตล์บาร็อคมีความคล้ายคลึงในวรรณคดีและดนตรีอิตาลี ปรากฏการณ์ทั่วๆ ไปของยุคนั้นคือเนื้อร้องที่โอ่อ่าโอ่อ่าของมาริน่าและทิศทางทั้งหมดในกวีนิพนธ์ที่เขาสร้างขึ้นเองซึ่งเรียกว่า "ลัทธิมาริน" ความโน้มถ่วงของวัฒนธรรมศิลปะแห่งศตวรรษที่ 17 การผสมผสานของศิลปะประเภทต่าง ๆ เข้าด้วยกันได้รับการตอบรับในยุครุ่งเรืองอันรุ่งโรจน์ของโอเปร่าอิตาลีและการเกิดขึ้นของแนวดนตรีใหม่ - cantata และ oratorio ในอุปรากรโรมันแห่งทศวรรษ 1630 นั่นคือ ยุคบาโรกที่โตเต็มที่ การแสดงเพื่อการตกแต่งได้รับความสำคัญอย่างยิ่งยวด โดยสนับสนุนทั้งการร้องเพลงและดนตรีบรรเลง พวกเขายังพยายามแสดงโอเปร่าทางศาสนาอย่างหมดจด เต็มไปด้วยสิ่งน่าสมเพชและปาฏิหาริย์ที่น่ายินดี เมื่อการกระทำนั้นครอบคลุมทั้งโลกและท้องฟ้า เหมือนกับที่ทำในภาพวาด อย่างไรก็ตาม เช่นเดียวกับวรรณกรรมที่ Marinism เผชิญกับการต่อต้านแบบคลาสสิกและถูกเย้ยหยันโดยกวีเสียดสีชั้นนำ ในไม่ช้าโอเปร่าก็ก้าวไปไกลกว่าวัฒนธรรมของศาลโดยแสดงรสนิยมที่เป็นประชาธิปไตยมากขึ้น สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในการแทรกซึมของลวดลายเพลงพื้นบ้านในโอเปร่าและความบันเทิงที่ร่าเริงของเนื้อเรื่องในจิตวิญญาณของคอเมดีเดล "อาร์เต (เรื่องตลกของหน้ากาก)
ดังนั้นแม้ว่าบาโรกจะเป็นเทรนด์ที่โดดเด่นในอิตาลีในศตวรรษที่ 17 แต่ก็ไม่ได้ครอบคลุมถึงปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมและศิลปะในยุคนี้ทั้งหมด ศิลปะที่เหมือนจริงของการาวัจโจ ซึ่งเผยให้เห็นภาพวาดของศตวรรษที่ 17 ทำหน้าที่เป็นความแตกต่างโดยตรงกับสุนทรียศาสตร์ทั้งหมดของบาโรก แม้ว่าสภาพสังคมจะไม่เอื้ออำนวยต่อการพัฒนาความสมจริง แต่แนวโน้มของการวาดภาพเหมือนแนวสมจริงทำให้ตัวเองรู้สึกได้ตลอดศตวรรษที่ 17
ตลอดงานวิจิตรศิลป์อิตาลีในศตวรรษที่ 17 มีเพียงสองปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ที่มีความสำคัญในทวีปยุโรปเท่านั้น - คาราวัจโจและเบอร์นีนี ในหลายลักษณะศิลปะอิตาลีของศตวรรษที่ 17 มีรอยประทับเฉพาะของความเสื่อมโทรมของชีวิตสาธารณะ และเป็นสิ่งสำคัญมากที่อิตาลีซึ่งเร็วกว่าประเทศอื่น ๆ ที่มีโปรแกรมใหม่ในการวาดภาพที่เหมือนจริงกลายเป็นสิ่งที่ไม่สามารถป้องกันได้ในการใช้งานที่สอดคล้องกัน สถาปัตยกรรมอิตาลีมีความสำคัญทางประวัติศาสตร์ซึ่งโดดเด่นกว่าภาพวาดอย่างหาที่เปรียบมิได้ ซึ่งควบคู่ไปกับฝรั่งเศสซึ่งครองตำแหน่งผู้นำในสถาปัตยกรรมยุโรปในศตวรรษที่ 17
มหาวิทยาลัยภูมิภาคแห่งรัฐมอสโก
เรียงความประวัติศาสตร์ศิลปะ
ศิลปะอิตาลีแห่งศตวรรษที่ 17
ดำเนินการ:
นักเรียนจดหมาย
33 กลุ่มคณะวิจิตรศิลป์และ HP
มินาโคว่า เอฟเจเนีย ยูริเยฟน่า
ตรวจสอบแล้ว:
มอสโก 2009
อิตาลีในศตวรรษที่ 17
· สถาปัตยกรรม. สไตล์บาร็อคในสถาปัตยกรรม
· สถาปัตยกรรม. บาร็อคตอนต้น
· สถาปัตยกรรม. สูงหรือเป็นผู้ใหญ่บาร็อค
· สถาปัตยกรรม. สถาปัตยกรรมบาโรกนอกกรุงโรม
· ศิลปะ. ลักษณะทั่วไป.
· ศิลปะ. บาร็อคตอนต้น
· ศิลปะ. การไหลที่สมจริง
· ศิลปะ. ศิลปินรุ่นที่สองของโรงเรียนโบโลญญา
· ศิลปะ. สูงหรือเป็นผู้ใหญ่บาร็อค
· ศิลปะ. ปลายบาร็อค
ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 16 การพัฒนาทางประวัติศาสตร์ของอิตาลีมีลักษณะเฉพาะด้วยความก้าวหน้าและชัยชนะของปฏิกิริยาศักดินาคาทอลิก เศรษฐกิจที่อ่อนแอ แตกแยกออกเป็นรัฐอิสระที่แยกจากกัน อิตาลีไม่สามารถต้านทานการโจมตีของประเทศที่มีอำนาจมากกว่า - ฝรั่งเศสและสเปน การต่อสู้ที่ยาวนานของรัฐเหล่านี้เพื่อครอบงำในอิตาลีจบลงด้วยชัยชนะของสเปน โดยมีสนธิสัญญาสันติภาพในกาโต กัมเบรซี (1559) ตั้งแต่นั้นมา ชะตากรรมของอิตาลีก็เชื่อมโยงกับสเปนอย่างใกล้ชิด ยกเว้นเวนิส เจนัว พีดมอนต์ และรัฐของสมเด็จพระสันตะปาปา อิตาลีเป็นเวลาเกือบสองศตวรรษอันที่จริงแล้วเป็นจังหวัดของสเปน สเปนมีส่วนเกี่ยวข้องกับอิตาลีในสงครามทำลายล้าง ซึ่งมักเกิดขึ้นในดินแดนของรัฐอิตาลี มีส่วนทำให้เกิดการแพร่กระจายและเสริมความแข็งแกร่งของปฏิกิริยาศักดินาในอิตาลี ทั้งในด้านเศรษฐกิจและในชีวิตทางวัฒนธรรม
ตำแหน่งที่โดดเด่นในชีวิตสาธารณะของอิตาลีถูกครอบครองโดยขุนนางและนักบวชคาทอลิกระดับสูง ในสภาวะที่เศรษฐกิจตกต่ำอย่างหนักของประเทศ มีเพียงขุนนางฝ่ายฆราวาสขนาดใหญ่และศักดินาของคริสตจักรเท่านั้นที่ยังคงมีความมั่งคั่งทางวัตถุอย่างมีนัยสำคัญ ชาวอิตาลี - ชาวนาและชาวเมือง - อยู่ในสถานการณ์ที่ยากลำบากอย่างยิ่ง ถูกถึงวาระสู่ความยากจนและแม้กระทั่งการสูญพันธุ์ การประท้วงต่อต้านระบบศักดินาและการกดขี่จากต่างประเทศพบการแสดงออกในการจลาจลที่เป็นที่นิยมมากมายที่เกิดขึ้นตลอดศตวรรษที่ 17 และบางครั้งก็ถือว่ามีสัดส่วนที่น่าเกรงขามเช่นการจลาจลของ Masaniello ในเนเปิลส์
ลักษณะทั่วไปของวัฒนธรรมและศิลปะของอิตาลีในศตวรรษที่ 17 เกิดจากคุณลักษณะทั้งหมดของการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ อยู่ในอิตาลีที่ศิลปะของบาโรกเกิดขึ้นและได้รับการพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุด อย่างไรก็ตาม ทิศทางนี้ไม่ใช่ทิศทางเดียวในศิลปะอิตาลีในศตวรรษที่ 17 นอกเหนือจากนี้และควบคู่ไปกับการเคลื่อนไหวที่เหมือนจริงกำลังพัฒนาซึ่งเกี่ยวข้องกับอุดมการณ์ของชนชั้นประชาธิปไตยของสังคมอิตาลีและได้รับการพัฒนาอย่างมีนัยสำคัญในศูนย์ศิลปะหลายแห่งในอิตาลี
สถาปัตยกรรมที่ยิ่งใหญ่ของอิตาลีในศตวรรษที่ 17 ตอบสนองความต้องการของคริสตจักรคาทอลิกและชนชั้นสูงทางโลกเกือบทั้งหมด ในช่วงเวลานี้ ส่วนใหญ่สร้างอาคารโบสถ์ พระราชวัง และวิลล่า
สถานการณ์ทางเศรษฐกิจที่ยากลำบากในอิตาลีทำให้ไม่สามารถสร้างโครงสร้างขนาดใหญ่ได้ ในเวลาเดียวกัน คริสตจักรและขุนนางสูงสุดจำเป็นต้องเสริมสร้างศักดิ์ศรีและอิทธิพลของพวกเขา ดังนั้น - ความปรารถนาในการแก้ปัญหาทางสถาปัตยกรรมที่ไม่ธรรมดา, ฟุ่มเฟือย, พิธีการและคมชัด, ความปรารถนาในการตกแต่งที่เพิ่มขึ้นและความดังของรูปแบบ
การก่อสร้างโอ่อ่า แม้ว่าโครงสร้างจะไม่ใหญ่นักก็มีส่วนทำให้เกิดภาพลวงตาของความเป็นอยู่ที่ดีทางสังคมและการเมืองของรัฐ
บาโรกเข้าถึงความตึงเครียดและการแสดงออกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในอาคารทางศาสนาและโบสถ์ รูปแบบสถาปัตยกรรมของมันสอดคล้องกับหลักการทางศาสนาและพิธีกรรมของนิกายโรมันคาทอลิกที่เข้มแข็ง ด้วยการสร้างโบสถ์จำนวนมาก คริสตจักรคาทอลิกพยายามเสริมสร้างและเสริมสร้างศักดิ์ศรีและอิทธิพลในประเทศ
สไตล์บาโรกที่พัฒนาขึ้นในสถาปัตยกรรมของยุคนั้นมีลักษณะเฉพาะ ในแง่หนึ่ง โดยความปรารถนาในความยิ่งใหญ่ และในทางกลับกัน ด้วยความโดดเด่นของจุดเริ่มต้นการตกแต่งและภาพเหนือการแปรสัณฐาน
เช่นเดียวกับงานศิลปะ อนุสาวรีย์สถาปัตยกรรมบาโรก (โดยเฉพาะอาคารโบสถ์) ได้รับการออกแบบมาเพื่อเพิ่มผลกระทบทางอารมณ์ต่อผู้ชม หลักการที่มีเหตุผลซึ่งสนับสนุนศิลปะและสถาปัตยกรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้หลีกทางให้กับหลักการที่ไม่ลงตัว สถิตย์ สงบ - ต่อพลวัตและความตึงเครียด
บาร็อคเป็นรูปแบบของความแตกต่างและการกระจายองค์ประกอบองค์ประกอบที่ไม่สม่ำเสมอ สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษคือรูปแบบโค้งโค้งขนาดใหญ่และฉ่ำ โครงสร้างแบบบาโรกมีลักษณะเฉพาะด้านหน้าอาคาร ในหลายกรณีจะเห็นอาคารจากด้านหนึ่ง - จากด้านข้างของส่วนหน้าหลัก ซึ่งมักจะบดบังปริมาตรของโครงสร้าง
บาโรกให้ความสนใจอย่างมากกับสถาปัตยกรรมตระการตา ทั้งในเมืองและสวนสาธารณะ แต่ตระการตาของเวลานี้ตั้งอยู่บนหลักการอื่นนอกเหนือจากวงดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา วงดนตรีสไตล์บาโรกในอิตาลีสร้างขึ้นจากหลักการตกแต่ง มีลักษณะแยกอิสระเปรียบเทียบจากระบบทั่วไปของการวางผังเมือง ตัวอย่างคือกลุ่มที่ใหญ่ที่สุดของกรุงโรม - จัตุรัสหน้ามหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์.
แนวเสาและผนังประดับตกแต่งที่ปิดพื้นที่ด้านหน้าทางเข้าอาสนวิหารปิดบังอาคารหลังอาคารที่ไม่เป็นระเบียบและสุ่มอยู่ด้านหลัง ไม่มีการเชื่อมต่อระหว่างจัตุรัสกับเครือข่ายที่ซับซ้อนของเลนและบ้านสุ่มที่อยู่ติดกัน อาคารที่แยกจากกันซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของชุดสไตล์บาโรกสูญเสียความเป็นอิสระและยอมจำนนต่อการออกแบบองค์ประกอบทั่วไปอย่างสมบูรณ์
บาโรกวางปัญหาการสังเคราะห์งานศิลปะในรูปแบบใหม่ ประติมากรรมและภาพวาด ซึ่งมีบทบาทสำคัญในอาคารในสมัยนั้น ประสานเข้าด้วยกันและมักถูกบดบังหรือบิดเบือนรูปแบบทางสถาปัตยกรรมอย่างลวงตา มีส่วนทำให้เกิดความประทับใจในความสมบูรณ์ ความงดงาม และความงดงามที่อนุเสาวรีย์สไตล์บาโรกสร้างขึ้นอย่างสม่ำเสมอ
สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งสำหรับการก่อตัวของรูปแบบใหม่คือผลงานของ Michelangelo ในงานของเขา เขาได้พัฒนารูปแบบและเทคนิคต่างๆ มากมายซึ่งต่อมาใช้ในสถาปัตยกรรมบาโรก สถาปนิก Vignola ยังสามารถอธิบายได้ว่าเป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกยุคบาโรกในทันที ในผลงานของเขาเราสามารถสังเกตสัญญาณเริ่มต้นของสไตล์นี้ได้หลายอย่าง
รูปแบบใหม่ - สไตล์บาร็อคในสถาปัตยกรรมอิตาลี - แทนที่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในยุค 80 ของศตวรรษที่ 16 และพัฒนาตลอดศตวรรษที่ 17 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18
ตามอัตภาพ ภายในสถาปัตยกรรมของเวลานี้ สามขั้นตอนสามารถแยกแยะได้: บาโรกต้น - จาก 1580 ถึงปลายทศวรรษ 1620, สูงหรือโตเต็มที่, บาโรก - จนถึงปลายศตวรรษที่ 17 และต่อมา - ครึ่งแรกของ ศตวรรษที่ 18.
สถาปนิก Giacomo della Porta และ Domenico Fontana ถือเป็นปรมาจารย์สไตล์บาโรกคนแรก พวกเขาอยู่ในรุ่นต่อไปที่เกี่ยวข้องกับ Vignola, Alessi, Ammanati, Vasari และสิ้นสุดกิจกรรมเมื่อต้นศตวรรษที่ 17 ในเวลาเดียวกันดังที่ได้กล่าวไว้ก่อนหน้านี้ประเพณีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายยังคงมีอยู่ในผลงานของอาจารย์เหล่านี้
จาโคโม เดลลา ปอร์ตา Giacomo della Porta (1541-1608) เป็นลูกศิษย์ของ Vignola การก่อสร้างที่เก่าแก่ที่สุด - โบสถ์ Site Katarina ใน Funari (1564) - เป็นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในสไตล์ของมัน อย่างไรก็ตาม ด้านหน้าของโบสถ์เดลเกซู ซึ่งสถาปนิกท่านนี้สร้างเสร็จหลังจากวิกโญลาเสียชีวิต (ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1573) มีความบาโรกมากกว่าโครงการเดิมของอาจารย์มาก ด้านหน้าของโบสถ์หลังนี้มีลักษณะแบ่งออกเป็นสองชั้นและก้นหอยด้านข้าง แผนการก่อสร้างเป็นแบบอย่างสำหรับโบสถ์คาทอลิกหลายแห่งในอิตาลีและประเทศอื่นๆ Giacomo della Porta เสร็จสมบูรณ์หลังจากการเสียชีวิตของ Michelangelo การก่อสร้างโดมขนาดใหญ่ของมหาวิหาร St. ปีเตอร์. อาจารย์ท่านนี้ยังเป็นผู้เขียนวิลลาชื่อดัง Aldobrandini ในเมือง Frascati ใกล้กรุงโรม (ค.ศ. 1598-1603) ตามปกติแล้ว อาคารหลักของวิลล่าจะตั้งอยู่ด้านข้างของภูเขา ทางลาดปัดเศษสองด้านนำไปสู่ทางเข้าหลัก ฝั่งตรงข้ามอาคารติดกับสวน ที่เชิงเขามีถ้ำรูปครึ่งวงกลมที่มีซุ้มโค้ง ด้านบนมีน้ำตกที่ล้อมรอบด้วยบันได ตัวอาคารเป็นรูปทรงแท่งปริซึมที่เรียบง่าย มีหน้าจั่วฉีกขาดขนาดใหญ่
ในองค์ประกอบของวิลล่าในโครงสร้างสวนสาธารณะที่ประกอบขึ้นและในธรรมชาติของรายละเอียดพลาสติกความปรารถนาในความงามโดยเจตนาการปรับแต่งของสถาปัตยกรรมจึงเป็นลักษณะของบาร็อคในอิตาลีอย่างชัดเจน
ในช่วงเวลาที่อยู่ระหว่างการพิจารณา ระบบของอุทยานในอิตาลีกำลังเป็นรูปเป็นร่างในที่สุด มีลักษณะเป็นแกนเดียวของสวนสาธารณะ ซึ่งตั้งอยู่บนทางลาดของภูเขาที่มีความลาดชันและเฉลียงมากมาย อาคารหลักตั้งอยู่บนแกนเดียวกัน ตัวอย่างทั่วไปของคอมเพล็กซ์ดังกล่าวคือ Villa Aldobrandini
โดเมนิโก ฟอนทานา. สถาปนิกที่สำคัญอีกคนหนึ่งของยุคบาโรกยุคแรกคือ Domenico Fontana (1543-1607) ซึ่งเป็นหนึ่งในผู้สืบทอดชาวโรมันของ Michelangelo และ Vignola งานที่สำคัญที่สุดของเขาคือพระราชวังลาเตรันในกรุงโรม พระราชวังในรูปแบบที่ฟอนทานามอบให้นั้นเป็นจตุรัสเกือบปกติที่มีลานสี่เหลี่ยมล้อมรอบอยู่ภายใน โซลูชันส่วนหน้าของพระราชวังมีพื้นฐานมาจากสถาปัตยกรรมของ Palazzo Farnese - Antonio Sangallo the Younger อย่างสมบูรณ์ โดยทั่วไปแล้ว การก่อสร้างพระราชวังของอิตาลีในศตวรรษที่ 17 นั้นขึ้นอยู่กับการพัฒนาเพิ่มเติมของประเภทองค์ประกอบของวัง - วังซึ่งได้รับการพัฒนาโดยสถาปัตยกรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
ร่วมกับพี่ชายของเขา Giovanni Fontana, Domenico สร้างขึ้นในกรุงโรมในปี ค.ศ. 1585-1590 น้ำพุ Aqua Paolo (ไม่มีห้องใต้หลังคาซึ่งภายหลังสร้างโดย Carlo Maderna) สถาปัตยกรรมมีพื้นฐานมาจากการปรับปรุงซุ้มประตูชัยแบบโบราณ
คาร์โล มาเดอร์นา. นักเรียนและหลานชายของ Domenico Fontana - Carlo Maderna (1556-1629) ได้เสริมความแข็งแกร่งให้กับรูปแบบใหม่ งานของเขาเป็นช่วงเปลี่ยนผ่านไปสู่ยุคบาโรกที่พัฒนาแล้ว
งานแรกเริ่มของมาแดร์โนคือส่วนหน้าของมหาวิหารซูซานนาในกรุงโรมในยุคแรก (ค.ศ. 1601) สร้างขึ้นบนพื้นฐานของรูปแบบด้านหน้าของโบสถ์ Gesù ซุ้มของโบสถ์ Susanna แบ่งออกเป็นคำสั่งอย่างชัดเจน ตกแต่งด้วยรูปปั้นในช่องและของประดับตกแต่งมากมาย
ในปี ค.ศ. 1604 มาเดอร์นาได้รับแต่งตั้งให้เป็นหัวหน้าสถาปนิกของมหาวิหารเซนต์ ปีเตอร์. ตามคำสั่งของสมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 5 มาแดร์นาได้ร่างโครงการขยายอาสนวิหารโดยเพิ่มส่วนด้านหน้าและทางเข้า พระสงฆ์ยืนกรานที่จะขยายการข้ามภาษากรีกเป็นรูปแบบละตินซึ่งสอดคล้องกับประเพณีของสถาปัตยกรรมคริสตจักร นอกจากนี้ ขนาดของมหาวิหารมีเกลันเจโลยังไม่ครอบคลุมสถานที่ซึ่งเป็นที่ตั้งของมหาวิหารโบราณ ซึ่งไม่เป็นที่ยอมรับจากมุมมองของรัฐมนตรีของโบสถ์
เป็นผลให้เมื่อสร้างส่วนหน้าของโบสถ์ใหม่ Maderna ได้เปลี่ยนแผนเดิมของ Michelangelo โดยสิ้นเชิง ฝ่ายหลังให้กำเนิดอาสนวิหารยืนอยู่ตรงกลางจัตุรัสขนาดใหญ่ ซึ่งจะทำให้ใครคนหนึ่งเดินไปรอบ ๆ อาคารและมองเห็นได้จากทุกทิศทุกทาง มาเดอร์นาด้วยส่วนขยายของเขาปิดด้านข้างของมหาวิหารจากผู้ชม: ความกว้างของส่วนหน้าเกินความกว้างของส่วนตามยาวของวัด การยืดตัวของอาคารนำไปสู่ความจริงที่ว่าโดมของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เพตราถูกมองเห็นได้อย่างสมบูรณ์ในระยะทางที่ไกลมากเท่านั้นขณะที่เขาเข้าใกล้อาคารเขาก็ค่อยๆหายไปหลังกำแพงด้านหน้า
ช่วงที่สองของสถาปัตยกรรมบาโรก - ช่วงเวลาของวุฒิภาวะและความเจริญรุ่งเรืองของรูปแบบ - เกี่ยวข้องกับงานของอาจารย์ใหญ่: L. Bernini, F. Borromini, C. Rainaldi - ในกรุงโรม, B. Longhena - ในเวนิส, F. Ricchini - ในมิลาน, Guarino Guarini - ในตูริน
ลอเรนโซ่ เบอร์นีนี่. บุคคลสำคัญของบาโรกที่โตเต็มที่คือลอเรนโซ เบอร์นีนี (1598-1680) เขาไม่เพียงแต่เป็นสถาปนิกเท่านั้น แต่ยังเป็นประติมากรที่ใหญ่ที่สุดของศตวรรษที่ 17 ในอิตาลีอีกด้วย
ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1629 เบอร์นีนีภายหลังการสวรรคตของมาแดร์นา การก่อสร้างมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กยังคงดำเนินต่อไป ปีเตอร์. ในปี ค.ศ. 1633 เขาได้สร้างหลังคาสีบรอนซ์ขนาดใหญ่ในอาสนวิหารเหนือโดมหลัก โดยมีเสาหลักสี่ต้นที่บิดเป็นเกลียวค้ำยัน ตามประเพณี หลังคานี้ถือเป็นงานชิ้นแรกของบาโรกที่โตเต็มที่ตามอัตภาพ การตกแต่งภายในของมหาวิหารของ Bernini ได้รับการเสนอแนะให้เขาโดยโครงการของ Michelangelo การตกแต่งนี้เป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของการตกแต่งภายในของโบสถ์แบบบาโรก
งานสถาปัตยกรรมที่ใหญ่ที่สุดของ Bernini คือการออกแบบจัตุรัสหน้ามหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์ (1655-1667) สถาปนิกได้สร้างสี่เหลี่ยมจตุรัสสองอัน - รูปวงรีขนาดใหญ่ล้อมรอบด้วยเสาและสี่เหลี่ยมจัตุรัสรูปสี่เหลี่ยมคางหมูที่อยู่ติดกับมันโดยตรงล้อมรอบด้วยด้านหน้าหลักของมหาวิหาร มีการติดตั้งเสาโอเบลิสก์และน้ำพุสองแห่งที่ตั้งอยู่อย่างสมมาตรภายในสี่เหลี่ยมวงรี
Bernini ยังคงพัฒนาแนวคิดของ Maderna: แนวเสาทำให้ไม่สามารถเข้าใกล้มหาวิหารจากด้านข้างได้ ผู้ชมสามารถเข้าถึงได้เฉพาะส่วนหน้าหลักเท่านั้น
สถาปัตยกรรมอันงดงามตระหง่านของ Piazza Bernini เป็นฉากหลังที่คู่ควรสำหรับพิธีการสภาคองเกรสของขุนนางสำหรับพิธีการซึ่งจัดขึ้นในมหาวิหาร ในศตวรรษที่ 17 และ 18 การประชุมครั้งนี้เป็นภาพที่งดงามและเคร่งขรึม จตุรัสของมหาวิหารเซนต์ เปตราเป็นวงดนตรีอิตาเลียน-บาโรกที่ใหญ่ที่สุด
ในวาติกัน Bernini ได้สร้าง Royal Staircase ด้านหน้า - "Scala Reggia" ("Rock of the Site") ซึ่งเขาใช้เทคนิคการเสริมความแข็งแกร่งให้กับการลดมุมมอง เนื่องจากการเดินขบวนแคบลงและการลดเสาลงทีละน้อยทำให้เกิดความประทับใจในความลึกที่มากขึ้นของห้องและการเพิ่มขนาดของบันไดเอง
ผลงานที่โดดเด่นที่สุดของ Bernini คือโบสถ์เล็ก ๆ ของ San Andrea ใน Quirinale (1678) ซุ้มหลักซึ่งมีรูปแบบของพอร์ทัลที่มีเสาและหน้าจั่วสามเหลี่ยม พอร์ทัลนี้ติดอยู่กับปริมาตรหลักของอาคารตามที่เคยเป็นมาซึ่งเป็นรูปวงรีในแผนผัง
งานหลักของ Bernini ในด้านสถาปัตยกรรมโยธาคือ Palazzo Odescalchi ในกรุงโรม (1665) ซึ่งตัดสินใจตามโครงการยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตามปกติ ตามปกติแล้ว ศูนย์กลางการจัดองค์ประกอบของอาคารคือลานภายในที่ล้อมรอบด้วยอาเขตที่ชั้นหนึ่ง การกระจายหน้าต่างที่ด้านหน้าอาคารและการตกแต่งยังคล้ายกับวังสมัยศตวรรษที่ 16 เฉพาะส่วนตรงกลางของส่วนหน้าอาคารหลักเท่านั้นที่ได้รับการออกแบบในลักษณะใหม่: ชั้นบนทั้งสองชั้นถูกปกคลุมด้วยเสาขนาดใหญ่ในรูปแบบของเสา Corinthian ส่วนชั้นแรกที่สัมพันธ์กับคำสั่งนี้มีบทบาทเป็นฐาน การสลายตัวของผนังซุ้มดังกล่าวในภายหลังในสถาปัตยกรรมแบบคลาสสิกจะแพร่หลาย
เบอร์นีนียังดำเนินการก่อสร้างปาลาซโซบาร์เบรินีซึ่งเริ่มโดยมาแดร์นาต่อไป โครงสร้างนี้ไม่มีลานปิด ซึ่งพบได้ทั่วไปในพระราชวังของอิตาลี อาคารหลักล้อมรอบทั้งสองด้านโดยสิ่งก่อสร้างที่ยื่นออกมาข้างหน้า ส่วนกลางของส่วนหน้าอาคารหลักถูกมองว่าเป็นแอ็ปเปิ้ลซ้อนทับบนพื้นผิวของผนังเพื่อวัตถุประสงค์ในการตกแต่ง ริสาลิทกลางมีหน้าต่างทรงโค้งที่กว้างและสูงมาก โดยมีครึ่งเสาวางอยู่ระหว่างหน้าต่างเหล่านี้ บนชั้นแรกมีชานลึก ทั้งหมดนี้ทำให้ส่วนตรงกลางของส่วนหน้าแตกต่างจากส่วนด้านข้างที่ใหญ่ขึ้นอย่างเห็นได้ชัด ซึ่งตกแต่งตามประเพณีของสถาปัตยกรรมสมัยศตวรรษที่ 16 เทคนิคที่คล้ายกันนี้แพร่หลายมากในสถาปัตยกรรมบาโรกของอิตาลี
สิ่งที่น่าสนใจคือบันไดวงรีของ Palazzo Barberini ที่มีทางเดินแบบเกลียวซึ่งรองรับด้วยเสาทัสคานีคู่
ฟรานเชสก้า บอร์รอมช์. งานของ Francesco Borromini (1599-1667) พนักงานของ Bernini มีความสำคัญไม่น้อยไปกว่างานของอิตาลีและต่อมาศัตรูและศัตรูของเขา ผลงานของ Borromini มีลักษณะโอ่อ่าและ "ไดนามิก" โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Borromini นำสไตล์บาร็อคมาสู่ระดับสูงสุด
งานหลักของ Borromini ในด้านสถาปัตยกรรมของวัดคือโบสถ์ซานคาร์โล "ที่น้ำพุทั้งสี่" (1638-1667) ด้านหน้าอาคารถูกมองว่าเป็นองค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมที่เป็นอิสระ เป็นอิสระจากตัวอาคาร มีลักษณะโค้งมนเป็นคลื่น ภายในส่วนหน้าอาคารนี้ เราสามารถมองเห็นคลังแสงของรูปแบบบาโรกทั้งหมด - cornices ที่ฉีกขาด, cartouches วงรีและรายละเอียดการตกแต่งอื่น ๆ ตัวโบสถ์เองมีรูปร่างที่ซับซ้อนในแผนผัง คล้ายกับระฆังสองใบที่วางซ้อนกันกับฐาน เพดานเป็นโดมวงรี เช่นเดียวกับอาคารอื่นๆ ในยุคนั้น องค์ประกอบของโบสถ์ขึ้นอยู่กับความแตกต่างของปริมาณสถาปัตยกรรมภายนอกและภายใน บนความคาดไม่ถึงของผลกระทบที่เกิดขึ้นเมื่อเข้าไปในอาคาร
ผลงานที่สำคัญที่สุดชิ้นหนึ่งของสถาปนิกคือโบสถ์โรมันแห่งซานอีโว ซึ่งรวมอยู่ในอาคารซาเปียนเซีย (มหาวิทยาลัย 1642-1660) ควรสังเกตโครงร่างที่ซับซ้อนของแผนของคริสตจักรและความคลาดเคลื่อนอย่างสมบูรณ์ระหว่างเปลือกนอกและเปลือกในของโดม จากภายนอก สัมผัสได้ถึงกลองสูงและโดมแบนที่ครอบกลองนี้ เมื่อเข้าไปข้างใน คุณจะมั่นใจว่าส่วนที่ห้าของฝาครอบโดมอยู่ที่ฐานของดรัมโดยตรง
Borromini ออกแบบ Villa Falconieri ใน Frascati นอกจากนี้ เขายังได้สร้าง Palazzo Spada ขึ้นใหม่และทำงานต่อหน้า Bernini ใน Palazzo Barberini (ดูด้านบน)
คาร์โล เรนัลดี. Carlo Rainaldi (1611-1691) เป็นหนึ่งในผู้สร้างความรุ่งเรืองของยุคบาโรก ผลงานที่สำคัญที่สุดของ Rainaldi คือโบสถ์ของ San Agnese และ Site Maria ใน Campitelli
โบสถ์ซานอักเนเซ (เริ่มในปี 1651) ตั้งอยู่บนแกนของจตุรัสนาโวนา ซึ่งยังคงรักษาโครงร่างของคณะละครสัตว์โบราณแห่งโดมิเชียนที่เคยตั้งไว้ที่นี่ จัตุรัสตกแต่งด้วยน้ำพุสไตล์บาโรกของ Bernini ตามแบบฉบับของเวลานี้ คริสตจักรมีแผนศูนย์กลางและเสร็จสิ้นด้วยโดมขนาดใหญ่ ซุ้มโค้งเว้าล้อมรอบด้วยหอระฆังทั้งสองด้าน ไม่เหมือนกับโบสถ์โรมันส่วนใหญ่ในสมัยนั้น โดมไม่ได้ซ่อนอยู่ที่ระนาบด้านหน้า แต่ทำหน้าที่เป็นศูนย์กลางการจัดองค์ประกอบหลักของจัตุรัสทั้งหมด
โบสถ์ Site Maria ใน Campitelli สร้างขึ้นในภายหลังในปี 1665-1675 ซุ้มสองชั้น ออกแบบตามระบบของโบสถ์เดลเกซู และการออกแบบภายในเป็นตัวอย่างทั่วไปของสถาปัตยกรรมบาโรกที่เติบโตเต็มที่
Rainaldi ยังเป็นเจ้าของส่วนหน้าของโบสถ์โรมัน Santa Maria Maggiore (1673)
ในศตวรรษที่ 17 สถาปัตยกรรมโรมันได้รับการเสริมแต่งด้วยวิลล่าใหม่หลายแห่งที่ตั้งอยู่ใกล้เมือง นอกจาก Villa Doria Pamphili ซึ่งสร้างโดยสถาปนิก Algardi และ Grimaldi (ค.ศ. 1620) ยังมีการสร้าง Villa Mandragone และ Villa Torlonia ซึ่งตั้งอยู่ในเมือง Frascati และ Villa d "Este ใน Tivoli ที่ดินอันโอ่อ่าเหล่านี้ เป็นสระว่ายน้ำที่สวยงาม แถวของต้นไซเปรส ไม้พุ่มที่เขียวชอุ่มตลอดปี ระเบียงที่ประดับประดาด้วยลูกกรง อุโมงค์ ประติมากรรมมากมาย... ความประณีตและความงดงามของการตกแต่งที่ประดับประดามักจะถูกรวมเข้ากับองค์ประกอบของสัตว์ป่าที่นำมาใช้ในภูมิทัศน์ที่ประดิษฐ์ขึ้นโดยธรรมชาติ
บาโรกนอกกรุงโรมได้นำสถาปนิกรายใหญ่จำนวนหนึ่งมาใช้ Bartolomeo Bianco ทำงานในเจนัวในศตวรรษที่ 17 งานหลักของเขาคือการสร้างมหาวิทยาลัยเจนัว (ตั้งแต่ปี 1623) ที่มีลานภายในที่สวยงามล้อมรอบด้วยร้านค้าสองชั้นและบันไดที่สวยงามที่อยู่ติดกัน เนื่องจากเจนัวตั้งอยู่บนเนินเขาเช่นเดียวกับอัฒจันทร์ที่ทอดตัวลงสู่ทะเลและอาคารบางหลังถูกสร้างขึ้นบนแปลงที่มีความลาดชันขนาดใหญ่ อาคารหลังนี้จึงถูกครอบงำด้วยการจัดวางอาคารและสนามหญ้าในระดับต่างๆ ในอาคารของมหาวิทยาลัย ห้องโถงด้านหน้า ลานกลาง และในที่สุด บันไดที่นำไปสู่สวน ซึ่งอยู่ด้านหลังอาร์เคดสองชั้นแบบ openwork ถูกร้อยเรียงตามลำดับจากน้อยไปมากบนแกนแนวนอนหนึ่งแกน
สถาปนิก Baltassere Longena (1598-1682) ทำงานในเวนิส งานหลักของเขาคืองานที่ใหญ่ที่สุด ร่วมกับมหาวิหารเซนต์. มาร์ค โบสถ์เวนิส Santa Maria delle Salute (1631-1682); อยู่บนลูกศรระหว่างคลอง Giudecca และคลองแกรนด์ โบสถ์นี้มีโดมสองโดม ด้านหลังพระอุโบสถทรงแปดด้านที่มียอดโดม มีเล่มที่สองบรรจุแท่นบูชา มันยังกอปรด้วยโดม แต่มีขนาดเล็กกว่าแล้ว ทางเข้าวัดตกแต่งเป็นรูปประตูชัย กลองของโดมหลักเชื่อมต่อกับผนังหลักของโบสถ์ด้วยรูปก้นหอย 16 แฉกพร้อมประติมากรรมติดตั้งอยู่ พวกเขาเสริมเงาของอาคารให้มีลักษณะพิเศษ แม้จะมีความงดงามของการตกแต่ง แต่รูปลักษณ์ภายนอกของโบสถ์แสดงให้เห็นถึงการกระจายตัวของสถาปัตยกรรมและความแห้งแล้งของรายละเอียด ภายในโบสถ์ที่ปูด้วยหินอ่อนสีเทาอ่อนนั้นกว้างขวาง แต่ดูเย็นชาและเป็นทางการ
บน Grand Canal of Venice มีทั้งวังที่สำคัญที่สุดที่สร้างโดย Longena - Palazzo Pesaro (ค. 1650) และ Palazzo Rezzonico (1680) ในแง่ของโครงสร้างของอาคารส่วนหลังมีความคล้ายคลึงกับพระราชวังเวนิสในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในหลาย ๆ ด้านโดยเฉพาะอย่างยิ่งกับ Palazzo Corner Sanso Vino แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็แตกต่างจากความอิ่มตัวและรูปแบบการตกแต่งที่ไม่มีใครเทียบ
สถาปนิกกวารีโน กวารินี (1624-1683) ซึ่งเป็นพระภิกษุแห่งคณะเธียทีน ทำงานในตูริน Guarino Guarini - "สถาปนิกสไตล์บาโรกที่สุดในบรรดาสถาปนิกสไตล์บาโรก" - สามารถเปรียบเทียบได้ในอารมณ์เชิงสร้างสรรค์ของเขากับ Francesco Borromini ในงานของเขา เขามักจะใช้เพื่อการตกแต่ง นอกเหนือจากรูปแบบปกติ ลวดลายของสถาปัตยกรรมมัวร์และโกธิกที่นำกลับมาใช้ใหม่ เขาสร้างอาคารหลายหลังในตูริน รวมทั้ง Palazzo Carignano (1680) ที่โอ่อ่าตระการตา แต่ได้รับการออกแบบตกแต่งอย่างหมดจด การตัดสินใจของอาคารหลักของวังเป็นเรื่องปกติ ในปริมาตรรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าหลักตามที่เป็นอยู่ส่วนกลางจะถูกแทรกด้วยบันไดด้านหน้าที่ประดิษฐ์ขึ้นอย่างประณีต กำแพงที่ผูกไว้และเดินขบวนมีรูปร่างโค้งมนอยู่ในแผนผัง ทั้งหมดนี้สะท้อนให้เห็นในด้านหน้าอาคารตามลำดับ หากส่วนด้านข้างยังคงมีโครงร่างเป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า ศูนย์กลางจะเป็นระนาบที่โค้งงอไปในทิศทางตรงกันข้ามกับช่องตรงกลาง โดยจะมีการแทรกลวดลายที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงในรูปแบบของการปะติด - ระเบียงสองชั้นที่มีรูปร่างโค้งเช่นกัน โครงหน้าต่างที่ด้านหน้ามีโครงกระดูกอ่อนหัก เสามีลวดลายกราฟิกขนาดเล็ก
ในบรรดาโบสถ์ที่สร้างโดย Guarini ควรเน้นที่โบสถ์ Madonna della Consolata ที่มีทางเดินกลางวงรีซึ่งมีแท่นบูชาหกเหลี่ยมอยู่ด้านหลัง โบสถ์ที่สร้างโดย Gvarini นั้นดูแปลกและซับซ้อนในรูปแบบที่มากกว่าอาคารบ้านเรือนของเขา
ในทัศนศิลป์เช่นเดียวกับสถาปัตยกรรมของอิตาลีในศตวรรษที่ 17 สไตล์บาโรกมีความโดดเด่น มันเกิดขึ้นจากปฏิกิริยาต่อต้าน "มารยาท" รูปแบบที่ลึกซึ้งและซับซ้อนซึ่งถูกต่อต้านโดยประการแรกด้วยความเรียบง่ายที่ยิ่งใหญ่ของภาพที่ดึงมาจากการสร้างสรรค์ของปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูงและเนื่องจาก ศึกษาธรรมชาติอย่างอิสระ การมองดูมรดกคลาสสิกอย่างระมัดระวัง ซึ่งมักจะยืมองค์ประกอบแต่ละอย่างมาจากมรดกนั้น ทิศทางใหม่มุ่งมั่นที่จะแสดงออกถึงรูปแบบที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ในพลวัตที่ปั่นป่วน เทคนิคการถ่ายภาพแบบใหม่ยังสอดคล้องกับการค้นหางานศิลปะครั้งใหม่ด้วย: ความสงบและความชัดเจนขององค์ประกอบถูกแทนที่ด้วยความอิสระและโดยบังเอิญ ตัวเลขถูกย้ายจากตำแหน่งตรงกลางและสร้างขึ้นเป็นกลุ่มตามเส้นทแยงมุมเป็นหลัก การก่อสร้างนี้มีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับบาร็อค ช่วยเพิ่มความประทับใจในการเคลื่อนไหวและก่อให้เกิดการย้ายพื้นที่ใหม่ แทนที่จะแบ่งออกเป็นชั้นต่าง ๆ ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา งานศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยากลับถูกปกคลุมไปด้วยการเหลือบมองเพียงแวบเดียว สร้างความประทับใจให้กับชิ้นส่วนแบบสุ่มของจำนวนมหาศาล ความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับอวกาศนี้เป็นความสำเร็จอันมีค่าที่สุดของศิลปะบาโรก ซึ่งมีบทบาทสำคัญในการพัฒนางานศิลปะที่สมจริง ความปรารถนาในการแสดงออกและไดนามิกของรูปแบบก่อให้เกิดคุณลักษณะอื่นที่ไม่ธรรมดาของบาโรก - การใช้ความเปรียบต่างทุกประเภท: ความแตกต่างของภาพ, การเคลื่อนไหว, ความแตกต่างของแผนแสงและเงา, ความเปรียบต่างของสี ทั้งหมดนี้เสริมด้วยความอยากการตกแต่งที่เด่นชัด ในเวลาเดียวกัน พื้นผิวของภาพก็เปลี่ยนไปเช่นกัน โดยเปลี่ยนจากการตีความแบบฟอร์มแบบเส้นตรงเป็นพลาสติกไปสู่การมองเห็นที่งดงามที่กว้างกว่าที่เคย
คุณลักษณะเด่นของรูปแบบใหม่ได้รับคุณลักษณะที่ชัดเจนมากขึ้นเรื่อยๆ เมื่อเวลาผ่านไป สิ่งนี้แสดงให้เห็นถึงการแบ่งแยกศิลปะอิตาลีของศตวรรษที่ 17 ออกเป็นสามขั้นตอนที่ไม่เท่ากัน: "ต้น", "ผู้ใหญ่" หรือ "สูง" และ "ปลาย" บาโรกซึ่งการปกครองยาวนานกว่าช่วงอื่นมาก คุณลักษณะเหล่านี้ รวมทั้งขีดจำกัดตามลำดับเวลาจะระบุไว้ในภายหลัง
ศิลปะบาโรกของอิตาลีส่วนใหญ่ทำหน้าที่หลักและก่อตั้งขึ้นหลังจากสภาคริสตจักรคาทอลิกเทรนต์ ราชสำนัก และขุนนางจำนวนมาก งานที่ตั้งขึ้นต่อหน้าศิลปินนั้นมีอุดมการณ์มากพอๆ กับการตกแต่ง การตกแต่งของโบสถ์รวมถึงพระราชวังของขุนนางภาพวาดโดมอนุสาวรีย์ผนังในเทคนิคปูนเปียกกำลังพัฒนาอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน ภาพวาดประเภทนี้กลายเป็นผลงานพิเศษของศิลปินชาวอิตาลีที่ทำงานทั้งในบ้านเกิดและในเยอรมนี สเปน ฝรั่งเศส และอังกฤษ พวกเขายังคงรักษาลำดับความสำคัญที่ปฏิเสธไม่ได้ในด้านความคิดสร้างสรรค์จนถึงสิ้นศตวรรษที่ 18 แก่นของภาพเขียนของโบสถ์เป็นฉากที่งดงามของการเชิดชูศาสนา หลักคำสอนหรือธรรมิกชน และการกระทำของพวกเขา บนผืนผ้าใบของพระราชวัง แผนการเชิงเปรียบเทียบและตำนานครอบงำ ทำหน้าที่เป็นการเชิดชูตระกูลอธิปไตยและตัวแทนของพวกเขา
ภาพวาดแท่นบูชาขนาดใหญ่ยังคงเป็นเรื่องธรรมดามาก ในนั้นร่วมกับรูปเคารพอันศักดิ์สิทธิ์ของพระคริสต์และมาดอนน่าที่เคร่งขรึม รูปภาพที่มีผลกระทบมากที่สุดต่อผู้ชมเป็นเรื่องธรรมดาโดยเฉพาะอย่างยิ่ง เหล่านี้เป็นฉากของการประหารชีวิตและการทรมานของนักบุญตลอดจนสภาพแห่งความปีติยินดี
ภาพวาดขาตั้งแบบฆราวาสส่วนใหญ่เต็มใจใช้ธีมจากพระคัมภีร์ ตำนานและสมัยโบราณ เนื่องจากประเภทอิสระ ภูมิทัศน์ ประเภทการต่อสู้ และสิ่งมีชีวิตยังคงพัฒนา
ใกล้จะถึงศตวรรษที่ 16 และ 17 แนวโน้มสองประการเกิดขึ้นจากปฏิกิริยาต่อต้านกิริยาท่าทาง ซึ่งภาพวาดอิตาลีที่ตามมาทั้งหมดพัฒนาขึ้น: วิชาการโบโลเนสและคาราวัจโจ
โรงเรียนบาลานซ์ พี่น้องคาราชชี่. วิชาการโบโลญญาก่อตัวเป็นระบบศิลปะที่เชื่อมโยงกันในช่วงกลางทศวรรษที่ 1580 ศิลปินชาวโบโลเนสสามคน - Ludovico Carracci (1555-1609) และลูกพี่ลูกน้องของเขา Agostino (1557-1602) และ Annibale (1560-1609) ซึ่งครองตำแหน่งแรกในหมู่พี่น้อง - กำลังพัฒนารากฐานของรูปแบบใหม่ตามหลัก ศึกษา มรดก คลาสสิก แห่ง ศตวรรษ ที่ 16 . อิทธิพลของโรงเรียน Venetian ผลงานของ Correggio และศิลปะโรมันในยุคต่อมาของศตวรรษที่ 16 ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างเด็ดขาดจากมารยาทไปสู่ความเรียบง่าย และในขณะเดียวกันความยิ่งใหญ่ของภาพก็เปลี่ยนไป
ผลงานชิ้นแรกของพี่น้อง Carracci เกี่ยวกับภาพวาดพระราชวังโบโลญญา (Palazzo Fava, Palazzo Magnani) ยังไม่ทำให้เราแยกแยะลักษณะโวหารได้อย่างชัดเจน แต่ภาพวาดขาตั้งโดย Annibale Carracci ซึ่งการระลึกถึงโรงเรียน Parma นั้นแข็งแกร่งในตอนแรกชี้ให้เห็นถึงความเป็นตัวตนทางศิลปะที่สดใส ในปี ค.ศ. 1587 และ ค.ศ. 1588 เขาได้สร้างแท่นบูชาสองชิ้นซึ่งเป็นผลงานชิ้นแรกของรูปแบบใหม่เช่นเดิมคือ The Ascension of the Madonna และ The Madonna with St. แมทธิว” (ทั้งในแกลลอรี่เดรสเดน) หากในตอนแรกยังคงมีกิริยาท่าทางมากมายในการเคลื่อนไหวของร่างและในการแสดงออกดังนั้น "มาดอนน่ากับเซนต์. แมทธิว" โดดเด่นด้วยความงดงามอันเงียบสงบของภาพที่บ่งบอกถึงจุดเริ่มต้นของเวทีใหม่ในการวาดภาพอิตาลี
ในยุค 1580 พี่น้อง Carracci ได้เปิด Academy ในเมือง Bologna ซึ่งพวกเขาเรียกว่า Accademia dei Incominati (Academy on a New Path) แทนที่จะเป็นการฝึกอบรมศิลปินในอนาคตซึ่งจัดให้มีการได้มาซึ่งทักษะที่จำเป็นระหว่างงานเสริมในการประชุมเชิงปฏิบัติการของจิตรกร Carracci พูดถึงการสอนอย่างเป็นระบบของวิชาที่จำเป็นในการฝึกฝนของศิลปิน พร้อมกับการสอนการวาดภาพและการวาดภาพ กายวิภาคศาสตร์ มุมมอง ตลอดจนสาขาวิชาต่างๆ เช่น ประวัติศาสตร์ ตำนาน และวรรณคดีที่สถาบันการศึกษาดังกล่าว วิธีการใหม่ถูกกำหนดให้มีบทบาทสำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป และ Bologna Academy เป็นแบบอย่างสำหรับสถาบันการศึกษาที่ตามมาทั้งหมดที่เปิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 17
ในปี ค.ศ. 1595 พระคาร์ดินัลฟาร์เนซีเชิญพระคาร์ดินัลฟาร์เนเซไปยังกรุงโรมซึ่งได้รับชื่อเสียงมากมายซึ่งได้รับชื่อเสียงอย่างมากแล้วซึ่งได้รับเชิญไปยังกรุงโรม มีเพียงแอนนิบาลเท่านั้นที่ตอบรับคำเชิญ ทิ้งโบโลญญาไปตลอดกาล ในกรุงโรมการติดต่ออย่างใกล้ชิดกับประเพณีของโรงเรียนในท้องถิ่นและอิทธิพลของสมัยโบราณได้เปิดเฟสใหม่ในศิลปะของอาจารย์ หลังจากภาพวาดที่ค่อนข้างไม่สำคัญของหนึ่งในห้องโถงของ Palazzo Farnese ("Camerino" กลางปี ค.ศ. 1590) อันนิบาเล การ์รัคชีได้สร้างเพดานห้องแสดงผลงานอันโด่งดังที่นั่น ซึ่งก็เหมือนกับมงกุฎของผลงานของเขาและเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับ ภาพวาดตกแต่งส่วนใหญ่ของศตวรรษที่ 17 พื้นที่แกลเลอรี่ (ประมาณ 20 × 6 ม.) ปกคลุมด้วยห้องนิรภัยแบบท่อต่ำ Annibale แบ่งออกเป็นส่วนต่างๆ ที่เป็นอิสระ โครงสร้างเชิงประกอบของพลาฟอนด์ชวนให้นึกถึงภาพวาดของโบสถ์น้อยซิสทีนโดยไมเคิลแองเจโล ซึ่งนอกจากการจัดวางเครื่องบินแล้ว ยังยืมธรรมชาติอันลวงตาของการตีความประติมากรรม ร่างมนุษย์ที่มีชีวิต และภาพวาดอีกด้วย หัวข้อทั่วไปคือเรื่องราวความรักของเหล่าทวยเทพแห่งโอลิมปัส ตรงกลางเพดานมี "ขบวนชัยชนะของแบคคัสและอาเรียดเน" ที่พลุกพล่านและมีเสียงดัง ด้านข้างมีองค์ประกอบในตำนานอีกสององค์ประกอบ และด้านล่างเป็นแถบที่ผ่าโดยชายเสื้อลายหินอ่อนและชาวแอตแลนติส ซึ่งอยู่ตรงเท้าของชายหนุ่มที่ยังมีชีวิตอยู่ ตัวเลขเหล่านี้ถูกล้อมรอบด้วยเหรียญกลม เลียนแบบเหรียญทองแดง มีฉากโบราณ หรือโดยองค์ประกอบการเล่าเรื่องที่เป็นรูปภาพล้วนๆ ตรงหัวมุม ราวระเบียงนี้ดูเหมือนจะถูกฉีกออกเป็นชิ้นๆ จากรูปราวบันได ซึ่งด้านบนเป็นสีคิวปิดที่วาดบนพื้นหลังของท้องฟ้า รายละเอียดนี้มีความสำคัญในช่วงแรกๆ ที่ยังคงขี้อายในการทำลายพื้นที่จริง ซึ่งเป็นเทคนิคที่ต่อมาได้กลายเป็นลักษณะเฉพาะของโล่แบบบาโรก พลังของหุ่นพลาสติก ความหลากหลายของรูปแบบการตกแต่ง และความสมบูรณ์ของสีสันสร้างชุดของความงดงามที่ไม่ธรรมดา
ภาพวาดขาตั้งที่สร้างขึ้นโดย Annibale Carracci ในยุคโรมันแห่งความคิดสร้างสรรค์นั้นเน้นไปที่หัวข้อทางศาสนาเป็นหลัก ความสมบูรณ์แบบของรูปแบบเย็นทำให้มีที่ว่างเล็กน้อยสำหรับความรู้สึกในตัวมัน การคร่ำครวญของพระคริสต์ (1599, เนเปิลส์, หอศิลป์แห่งชาติ) ซึ่งทั้งสองสูงเท่ากันนั้นเป็นข้อยกเว้น ในลักษณะของการวาดภาพภาพวาดส่วนใหญ่ ความปรารถนาในการระบุตัวเลขแบบพลาสติกเชิงเส้นที่ชัดเจนมีชัยเหนือกว่า Myrrh-Bearing Women at the Tomb of Christ (ราว ค.ศ. 1605 เฮอร์มิเทจ) เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่มีลักษณะเฉพาะมากที่สุดของผลงานของศิลปินประเภทนี้
แอนนิบาเล การ์รัคชีมักหันไปใช้แนวภูมิทัศน์ กลายเป็นบรรพบุรุษของภูมิทัศน์ที่เรียกว่า "คลาสสิก" ซึ่งแพร่หลายในอนาคต แก่นแท้ของสิ่งหลังนั้นอยู่ในความจริงที่ว่าตัวแทนของมันซึ่งบางครั้งใช้แรงจูงใจที่สังเกตได้อย่างละเอียดถี่ถ้วนของธรรมชาติพยายามอย่างยิ่งที่จะ "ทำให้สูงส่ง" ในรูปแบบของมัน ภูมิทัศน์ถูกสร้างขึ้นในสตูดิโอของศิลปินโดยใช้รูปแบบที่ซับซ้อน ซึ่งความสมดุลของมวล เส้นชั้นความสูงที่เรียบลื่น และการใช้กลุ่มต้นไม้หรือซากปรักหักพังเป็นฉากมีบทบาทสำคัญที่สุด "ทิวทัศน์พร้อมความรักของพวกโหราจารย์" โดย Annibale Carracci ใน Doria Gallery ในกรุงโรมสามารถเรียกได้ว่าเป็นหนึ่งในตัวอย่างประเภทนี้ที่ตกแต่งอย่างมีสไตล์เป็นครั้งแรก
คาราวัจน์. ไม่กี่ปีต่อมา หลังจากการก่อตัวของวิชาการโบโลญญา การเคลื่อนไหวทางศิลปะอีกรูปแบบหนึ่งซึ่งตรงกันข้ามกับกิริยามารยาทก็ถูกหยิบยกขึ้นมา โดดเด่นด้วยการค้นหาความสมจริงอย่างเด่นชัดในภาพและมีลักษณะที่เป็นประชาธิปไตยเป็นส่วนใหญ่ แนวโน้มนี้ ซึ่งมีความสำคัญอย่างยิ่งในประวัติศาสตร์ทั่วไปของการพัฒนาความสมจริง มักใช้แทนด้วยคำว่า "การคาราวัจโจม" ซึ่งมาจากชื่อหัวของมันคือ Michelangelo Merisi da Caravaggio (1574-1610) คาราวัจโจเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในชื่อบ้านเกิดของเขา ได้พัฒนาเป็นจิตรกรภายใต้อิทธิพลของศิลปะทางตอนเหนือของอิตาลี ในวัยหนุ่ม เขาจบลงที่กรุงโรม ซึ่งเขาดึงดูดความสนใจด้วยภาพวาดหลายแนว ภาพครึ่งร่างของเด็กหญิงและเด็กชาย ชาวยิปซี และคนขี้โกง ได้รับการประดับประดาด้วยวัตถุที่ไม่ทราบมาจนถึงบัดนี้ รายละเอียดขององค์ประกอบแสดงในลักษณะเดียวกัน: กระเช้าดอกไม้และผลไม้, เครื่องดนตรี ภาพวาด The Lute Player (1594-1595, Hermitage) ซึ่งเป็นผลงานที่ดีที่สุดของแวดวงนี้ให้แนวคิดเกี่ยวกับประเภทของงานดังกล่าว เป็นลักษณะเฉพาะของคาราวัจโจยุคแรกและลักษณะการลงสีแบบเส้นตรงที่ชัดเจน
ภาพที่เรียบง่าย ปราศจากอุดมคติใด ๆ แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากภาพอันสูงส่งของ Carracci มอบให้โดย Caravaggio ใน Bacchus (1596-1597, Florence, Uffizi)
ในช่วงปลายทศวรรษ 1590 คาราวัจโจได้รับค่าคอมมิชชั่นหลักชุดแรกเพื่อสร้างภาพเขียนสามภาพสำหรับโบสถ์ซานลุยจิเดยฟรานเซซีในกรุงโรม ในภาพวาดแท่นบูชา“ The Apostle Matthew the Writing ซึ่งเทวดานำทาง” (1597-1598 ภาพวาดหายไปในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง) คาราวัจโจละทิ้งอุดมคติของอัครสาวก รูปร่างของมนุษย์จากประชาชน ภาพนี้ทำให้เกิดการประณามลูกค้าอย่างรุนแรงซึ่งเรียกร้องให้เปลี่ยนภาพวาดด้วยตัวเลือกอื่นที่ยอมรับได้มากกว่าสำหรับพวกเขา ในการเรียบเรียงลำดับเดียวกันซึ่งเป็นตัวแทนของ "การเรียกของอัครสาวกแมทธิว" (1598-1599) คาราวัจโจได้ยกตัวอย่างแรกของภาพวาดที่เรียกว่า "ห้องใต้ดิน" โทนสีเข้มมีชัยในภาพนี้ ตรงกันข้ามกับรายละเอียดที่สว่างจ้า โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่สำคัญสำหรับการจัดองค์ประกอบ: หัว โครงร่างของตัวเลข ท่าทางมือ เทคนิคนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการวาดภาพยุโรปในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 17
ปีแรกของศตวรรษที่ 17 (1601-1603) ย้อนกลับไปถึงหนึ่งในผลงานชิ้นเอกที่โด่งดังที่สุดของภาพวาดของคาราวัจโจ - "The Entombment" (โรม, Vatican Pinacoteca) สร้างขึ้นในแนวทแยงมุม องค์ประกอบนี้โดดเด่นด้วยความชัดเจนและความมีชีวิตชีวาของภาพ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ร่างของสาวกที่พิงพยุงขาของพระคริสต์ผู้ล่วงลับนั้นถ่ายทอดด้วยความสมจริงสุดขีด ความสมจริงแบบเดียวกันซึ่งไม่อนุญาตให้มีอุดมคติใด ๆ ทำให้ "อัสสัมชัญของแมรี่" (1605-1606, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ดำเนินการในอีกไม่กี่ปีต่อมา เหนือร่างนอนของมาดอนน่า สาวกของพระคริสต์ยืนอยู่ด้วยความโศกเศร้าเล็กน้อยซึ่งสัมผัสได้ถึงความผุกร่อนเล็กน้อย ประเภทและลักษณะประจำวันของภาพวาดซึ่งศิลปินได้แยกตัวออกจากการถ่ายทอดธีมแบบดั้งเดิมทำให้เกิดการวิพากษ์วิจารณ์จากคริสตจักรอีกครั้ง
อารมณ์ที่ดื้อรั้นของคาราวัจโจทำให้เขาปะทะกับสิ่งแวดล้อมตลอดเวลา มันเกิดขึ้นที่ระหว่างการทะเลาะวิวาทเขาฆ่าคู่ต่อสู้ของเขาในเกมบอลและถูกบังคับให้หนีจากโรม ในชีวประวัติของอาจารย์เปิดเวทีใหม่โดยเปลี่ยนสถานที่อย่างต่อเนื่อง หลังจากพักอยู่ในเนเปิลส์สั้น ๆ เขาพบว่าตัวเองอยู่บนเกาะมอลตาซึ่งเขาประสบความสำเร็จอย่างมากในการรับใช้ปรมาจารย์แห่งมอลตาได้รับการเลื่อนตำแหน่งเป็นขุนนาง แต่ไม่นานหลังจากการทะเลาะวิวาทครั้งใหม่ เขาจบลงในคุก จากนั้นเขาก็ปรากฏตัวอีกครั้งในเนเปิลส์ หลังจากที่เขาได้รับอนุญาตให้กลับไปโรม แต่เนื่องจากความผิดพลาดของเจ้าหน้าที่ เข้าใจผิดว่าเขาเป็นคนอื่น เขาถูกลิดรอนทรัพย์สินของเขา ตกลงบนชายฝั่งที่รกร้างว่างเปล่า และเสียชีวิตด้วยไข้
ในช่วงสุดท้ายของความคิดสร้างสรรค์ อาจารย์ได้สร้างผลงานที่ยอดเยี่ยมหลายชิ้น ภาพที่โดดเด่นที่สุดคือภาพ "ภาพเหมือนของปรมาจารย์แห่งมอลตา Alof de Wignacour" (1608) ซึ่งโดดเด่นด้วยพลังแห่งความสมจริงเช่นเดียวกับ "ความรักของคนเลี้ยงแกะ" (1609, Messina) โดดเด่นในเรื่องความเรียบง่ายของเรื่องราวและความเป็นมนุษย์ที่ลึกซึ้ง
ผลงานของอาจารย์ที่โดดเด่นด้วยความแปลกใหม่ของการสะท้อนชีวิตและเทคนิคการวาดภาพที่แปลกใหม่ มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินหลายคนทั้งชาวอิตาลีและชาวต่างชาติที่ทำงานในกรุงโรม ดังนั้นจึงเป็นแรงกระตุ้นที่สำคัญที่สุดสำหรับการพัฒนาความสมจริงในการวาดภาพแบบยุโรปในศตวรรษที่ 17 ในบรรดาชาวอิตาลี Orazio Dsentileschi (1565 ก่อน 1647) เป็นผู้ติดตามที่โดดเด่นที่สุดของ Caravaggio
โดเมนิชิโน สำหรับนักเรียนที่ใกล้เคียงที่สุดและผู้สืบทอดศิลปะของ Carracci ในหมู่พวกเขา Domenichino มีความโดดเด่นเป็นพิเศษ Domenico Zampieri หรือชื่อเล่นว่า Domenichino (1582-1641) เป็นที่รู้จักในฐานะตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของภาพวาดปูนเปียกเล่าเรื่องที่ยิ่งใหญ่ในศตวรรษที่ 17 เขาผสมผสานความยิ่งใหญ่ของอุดมคติ แต่คงรูปแบบธรรมชาติไว้ด้วยความจริงจังในการถ่ายทอดเนื้อหา ลักษณะเหล่านี้แสดงให้เห็นอย่างเต็มที่ที่สุดในภาพวาดของโบสถ์โรมันแห่ง Sant'Andrea della Valle (1624-1628) ที่ส่วนท้ายของแหกคอก ท่ามกลางปูนปั้น สีขาวและสีทองประดับ Domenichino บรรยายฉากการเล่าเรื่องพระกิตติคุณจาก ชีวิตของอัครสาวกแอนดรูว์และเปโตรและบนใบเรือของโดม - ผู้ประกาศข่าวประเสริฐสี่คนรายล้อมไปด้วยเทวดา ในบรรดาภาพวาดบนขาตั้งของอาจารย์ ภาพที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ The Last Communion of St. Jerome (1614, โรม, วาติกัน) ความคลาสสิกของรูปแบบ ส่วนหนึ่งเกิดจากความหลงใหลในราฟาเอล ถูกรวมเข้ากับการตีความใบหน้าด้วยความรู้สึกทางศาสนาที่ลึกซึ้ง งานของ Domenichino มักถูกทำเครื่องหมายด้วยลักษณะโคลงสั้น ๆ ของภาพ สิ่งบ่งชี้ในเรื่องนี้คือ "หญิงสาวกับยูนิคอร์น" ในยุคแรกของเขา ซึ่งเขียนไว้เหนือประตูหน้าของแกลเลอรี Palazzo Farnese และโดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพวาด ตามอัตภาพเรียกว่า "Diana's Hunt" (ค.ศ. 1620, โรม, Borghese Gallery) ภาพนี้แสดงให้เห็นถึงการแข่งขันของสหายของไดอาน่าในการยิงธนูและตอนของการปรากฏตัวของ Actaeon ในหมู่พวกเขา ความเป็นธรรมชาติของการแสดงละครได้รับการปรับปรุงโดยความสดของการตีความภาพ
ฟรานเชสก้า อัลบานี. Francesco Albani (1578-1660) ส่วนใหญ่เป็นจิตรกรขาตั้งและน่าสนใจสำหรับการแนะนำผ้าใบรูปแบบใหม่ - ภาพวาดขนาดเล็กที่เรียกว่า "ตู้" ออกแบบมาเพื่อตกแต่งห้องที่มีปริมาณ จำกัด ในพวกเขา Albani พรรณนาถึงภูมิทัศน์ที่งดงามโดยปกติซึ่งตัวเลขของคิวปิดสนุกสนานและการเต้นรำ
กัวโด เรนี่. Guido Reni (1575-1642) ซึ่งปรากฏตัวหลังจาก Carracci เป็นหัวหน้าโรงเรียน Bolognese ในช่วงแรก ๆ ของงานของเขาได้รับอิทธิพลจากศิลปะของการาวัจโจ มันแสดงออกโดยปราศจากการทำให้เป็นอุดมคติของภาพและความคมชัดของ chiaroscuro (“The Crucifixion of the Apostle Peter”, ca. 1605, Rome, Vatican) อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้า Reni ก็พัฒนาสไตล์ของตัวเอง ซึ่งเป็นการแสดงออกถึงแนวโน้มที่โดดเด่นที่สุดในศิลปะของอิตาลีในศตวรรษที่ 17 ทิศทางที่เรียกว่า "คลาสสิก" ของบาโรกยุคแรกนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยการยับยั้งภาษาศิลปะตลอดจนความเข้มงวดของรูปแบบในอุดมคติ สไตล์ของ Guido Reni ถูกเปิดเผยเป็นครั้งแรกใน "Aurora" อันโด่งดัง (1613-1614, Palazzo Rospigliosi) ซึ่งทาสีด้วยเทคนิคปูนเปียกบนเพดานของ Roman Palazzo Rospigliosi กับพื้นหลังของท้องฟ้าสีเหลืองทองที่ล้อมรอบด้วยการเต้นรำของพระหรรษทานอพอลโลรีบวิ่งบนรถม้า ออโรร่าที่โบยบินอยู่ข้างหน้าเขา โปรยดอกไม้บนพื้นโลกและทะเลตะกั่วซึ่งรังสีของดวงอาทิตย์ยังไม่ได้สัมผัส การตีความรูปแบบเชิงเส้นตรงของพลาสติก องค์ประกอบที่สมดุลซึ่งสร้างขึ้นเหมือนภาพวาดขาตั้ง เช่นเดียวกับการขัดกันของสีที่ต่างกันแต่ไม่มีเสียง ทำให้ปูนเปียกนี้บ่งบอกถึงระยะเริ่มต้นของการพัฒนาภาพวาดตกแต่งสไตล์บาโรกได้อย่างดีเยี่ยม ลักษณะเดียวกัน แต่ด้วยท่าทางที่ประดิษฐ์ขึ้นก็ปรากฏให้เห็นในภาพวาดขาตั้งต่อมา - Atalanta และ Hippomenes (c. 1625, Naples) Reni มักจะแนะนำคุณลักษณะของอารมณ์อ่อนไหวและความหวานในภาพวาดทางศาสนาของเขา ภาพเขียน Hermitage The Youth of the Madonna (ทศวรรษ 1610) ดึงดูดใจด้วยความใกล้ชิดของการถ่ายทอดของสาวสวยที่ยุ่งอยู่กับการเย็บผ้า ในงานอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง การสร้างภาพในอุดมคติไม่ได้กีดกันความเป็นธรรมชาติและความลึกของความรู้สึก ("คร่ำครวญ", Bologna, Pinacoteca, 1613-1614; "Madonna and Child", New York, คอลเล็กชั่นส่วนตัว, ปลายทศวรรษ 1620)
ทศวรรษที่สามของศตวรรษที่ 17 เปิดเวทีใหม่ของศิลปะบาโรก ครอบคลุมโดยแนวคิดของ "สูง หรือเป็นผู้ใหญ่ บาโรก" คุณสมบัติที่สำคัญของมันคือไดนามิกที่เพิ่มขึ้นและการแสดงออกของรูปแบบ ความงดงามของการส่งผ่านและการเพิ่มประสิทธิภาพของการตกแต่งที่ไม่ธรรมดา ในการวาดภาพ สีสันที่เข้มข้นจะรวมเข้ากับคุณลักษณะที่ทำเครื่องหมายไว้
จิโอวานนี่ ลานฟรังโก Giovanni Lanfranco (ค.ศ. 1580-1641) ปรมาจารย์ผู้ยืนยันการครอบงำของรูปแบบใหม่โดยอาศัยศิลปะที่ยิ่งใหญ่ของ Correggio เป็นหลักในปี ค.ศ. 1625 ได้สร้างภาพวาดโดม Sant'Andrea della Valle ซึ่งเป็นภาพวาด "พาราไดซ์" . การจัดเรียงตัวเลขนับไม่ถ้วนในวงกลมที่มีศูนย์กลาง - มาดอนน่า, นักบุญ, เทวดาเขานำสายตาของผู้ชมไปสู่พื้นที่ที่ไม่มีที่สิ้นสุดซึ่งอยู่ตรงกลางซึ่งเป็นร่างที่ส่องสว่างของพระคริสต์ ศิลปินคนนี้ยังมีลักษณะเฉพาะด้วยการรวมร่างของร่างต่างๆ ออกเป็นมวลชนกว้างๆ ทำให้เกิดกระแสแสงและเงาที่งดงามราวภาพวาด เทคนิคการวาดภาพแบบเดียวกันนี้ซ้ำแล้วซ้ำอีกในภาพวาดขาตั้งของ Lanfranco ซึ่งหนึ่งในสิ่งบ่งชี้มากที่สุดคือ "วิสัยทัศน์ของนักบุญมาร์กาเร็ตแห่งคอร์ตัน" (ฟลอเรนซ์, ปาลาซโซ ปิตตี) สภาพของความปีติยินดีและการสร้างกลุ่มตามแนวทแยงเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะบาโรกอย่างยิ่ง
กเวอร์ชิโน ภาพมายาของพื้นที่ที่ระเบิดเหนือศีรษะของผู้ชม ซึ่งพบได้ทั่วไปสำหรับขั้นตอนการพัฒนาของศิลปะบาโรกที่ยิ่งใหญ่ แสดงให้เห็นได้ชัดเจนยิ่งกว่าในผลงานของ Lanfranco โดย Francesco Barbieri ร่วมสมัยของเขาที่มีชื่อเล่นว่า Guercino (1591-1666) ในเพดานของ Palazzo Ludovisi ในกรุงโรม (1621-1623) เช่นเดียวกับในเพดานของ Guido Reni ที่กล่าวถึงข้างต้น ออโรราเป็นภาพ คราวนี้วิ่งในรถม้าผ่านท้องฟ้าที่มีเมฆมาก ด้านบนของผนังและต้นไซเปรสสูงตระหง่านที่วาดไว้ตามขอบขององค์ประกอบ เมื่อมองจากมุมมองหนึ่ง จะสร้างภาพลวงตาของการสานต่อสถาปัตยกรรมที่แท้จริงของห้อง Guercino ซึ่งมีความเชื่อมโยงระหว่างมารยาททางศิลปะของ Carracci และ Caravaggio ยืมมาจากตัวละครตัวแรกของร่างของเขาจากที่สอง - เทคนิคการวาดภาพ chiaroscuro ของเขา "The Burial of St. Petronilla" (1621, Rome, Capitol Gallery) เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่ชัดเจนของภาพวาดของ Guercino ยุคแรกๆ ซึ่งความเป็นธรรมชาติของภาพผสมผสานกับความกว้างและพลังงานของการแสดงภาพ ใน "การดำเนินการของเซนต์. Catherine" (1653, Hermitage) เช่นเดียวกับผลงานชิ้นอื่น ๆ ของอาจารย์ ความจริงของภาพถูกแทนที่ด้วยความสง่างามขององค์ประกอบ
โดเมนิโก เฟตตี. ในบรรดาศิลปินอื่นๆ ในยุคนี้ โดเมนิโก เฟตตี (1589-1624) ก็ควรได้รับการกล่าวถึงเช่นกัน องค์ประกอบของแนวเพลงที่สมจริงในชีวิตประจำวันอยู่ร่วมกับจานสีที่มีสีสันสดใส ซึ่งได้รับอิทธิพลจากศิลปะของรูเบนส์ ภาพวาดของเขา "Madonna" และ "Healing of Tobit" (ยุค 1620, Hermitage) โดดเด่นด้วยความดังและความนุ่มนวลของสีช่วยให้คุณได้แนวคิดเกี่ยวกับการแสวงหาสีสันของศิลปิน
ลอเรนโซ่ เบอร์นีนี่. บุคคลสำคัญของศิลปะไฮบาโรกคือลอเรนโซ เบอร์นีนี สถาปนิกและประติมากรผู้เก่งกาจ (ค.ศ. 1599-1680) ประติมากรรมของปรมาจารย์แสดงถึงการผสมผสานอันเป็นเอกลักษณ์ของคุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของสไตล์บาโรก โดยผสานรวมความคมชัดขั้นสูงสุดของภาพที่สมจริงเข้ากับมุมมองการตกแต่งที่กว้างใหญ่ไพศาล เพื่อเพิ่มความเชี่ยวชาญที่ไม่มีใครเทียบของเทคนิคการแปรรูปหินอ่อน, บรอนซ์, ดินเผา
ลูกชายของประติมากร ลอเรนโซ เบอร์นีนี เป็นของปรมาจารย์ที่ค้นพบภาษาศิลปะของพวกเขาตั้งแต่เนิ่นๆ และบรรลุวุฒิภาวะเกือบตั้งแต่ก้าวแรก ประมาณปี ค.ศ. 1620 เบอร์นีนีสร้างประติมากรรมหินอ่อนหลายชิ้นที่เป็นผลงานชิ้นเอกที่ไม่มีปัญหา รูปปั้น "เดวิด" ของเขามีอายุย้อนไปถึงปี 1623 (โรม, แกลเลอเรีย บอร์เกเซ) เธอโดดเด่นด้วยความเชี่ยวชาญพิเศษของเธอในการถ่ายทอดความตึงเครียดของพลังทางวิญญาณและทางกายภาพของฮีโร่ในพระคัมภีร์ที่สมจริงซึ่งปรากฎในขณะที่ขว้างก้อนหินด้วยสลิง อีกสองปีต่อมามีการแสดงกลุ่ม Apollo Pursuing Daphne (ยุค 1620, โรม, Galleria Borghese) รูปแบบการวิ่งที่งดงามราวภาพวาดและความสมบูรณ์แบบอันยอดเยี่ยมของการรักษาพื้นผิวนั้นเสริมด้วยการแสดงสีหน้าอันละเอียดอ่อนที่หาได้ยากของ Daphne ซึ่งยังไม่รู้สึกถึงการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นอย่างต่อเนื่อง (เปลี่ยนเธอให้กลายเป็นต้นลอเรล) และ Apollo ที่เข้าใจดีว่า เหยื่อที่เขาแซงได้จะสูญหายไปอย่างแก้ไขไม่ได้
วัยยี่สิบและสามสิบของศตวรรษที่ 17 - เวลาของสังฆราชแห่ง Urban VIII - เสริมความแข็งแกร่งให้กับตำแหน่งของ Bernini ในฐานะจิตรกรชั้นนำของกรุงโรม นอกเหนือจากงานสถาปัตยกรรมจำนวนมาก ในช่วงเวลาเดียวกัน เขายังสร้างงานประติมากรรม รูปคน และผลงานที่มีลักษณะการตกแต่งอย่างหมดจดอีกด้วย อย่างหลัง “น้ำพุไทรทัน” (1637) ซึ่งตั้งตระหง่านอยู่บนจตุรัสแห่งหนึ่งของกรุงโรมนั้นสมบูรณ์แบบที่สุด โครงร่างที่แปลกประหลาดของเปลือกหอยขนาดใหญ่ที่รองรับโดยปลาโลมาและไทรทันที่สูงตระหง่านอยู่เหนือมันสอดคล้องกับกระแสน้ำที่ตกลงมา
การตกแต่งที่เด่นชัดของผลงานของท่านอาจารย์ส่วนใหญ่สามารถเปรียบเทียบได้กับภาพเหมือนของคอนสแตนซ์ บูโอนาเรลลี (ฟลอเรนซ์ พิพิธภัณฑสถานแห่งชาติ) และพระคาร์ดินัล สคิปิโอเน บอร์เกเซ (โรม หอศิลป์บอร์เกเซ) ซึ่งเกี่ยวข้องกับขั้นตอนเดียวกันของกิจกรรมของเบอร์นีนี น่าทึ่งในแง่ของความสมจริง ความคมชัดของลักษณะย้อนหลังไปถึงปี 1630
การขึ้นครองบัลลังก์ของสมเด็จพระสันตะปาปาแห่ง Innocent X ในปี ค.ศ. 1640 ส่งผลให้มีการถอด Bernini ออกจากบทบาทผู้นำในการก่อสร้างและตกแต่งกรุงโรมชั่วคราว ในช่วงเวลาสั้นๆ ที่แยกเขาออกจากการยอมรับอย่างเป็นทางการที่กำลังจะเกิดขึ้น เบอร์นีนีได้แสดงผลงานที่ยอดเยี่ยมใหม่ๆ มากมาย โดยคำนึงถึงการไม่รับรู้ถึงความดีทางศิลปะของเขาชั่วคราว เขาจึงสร้างกลุ่มเชิงเปรียบเทียบ "The Truth Revealed by Time" ตัวเลขของเวลายังไม่บรรลุผล แต่ร่างหญิงเชิงเปรียบเทียบที่นั่งสร้างความประทับใจด้วยการแสดงออกอย่างสุดโต่งของรูปแบบที่สมจริง
วงดังอย่าง The Ecstasy of St. Teresa ซึ่งประดับประดาโบสถ์ Cornaro ของโบสถ์โรมัน Santa Maria della Vittoria (1645-1652) ทูตสวรรค์ที่มีลูกศรอยู่ในมือของเขาปรากฏขึ้นเหนือนักบุญและก้มตัวลงด้วยความปีติยินดี ความรู้สึกของเทเรซาแสดงออกด้วยความไม่ลดละของการถ่ายทอดที่สมจริง การตีความเครื่องแต่งกายที่กว้างและรูปร่างของนางฟ้ามีลักษณะการตกแต่ง สีขาวของกลุ่มหินอ่อนที่วางอยู่บนพื้นหลังของแสงสีทอง ผสานกับเฉดสีที่มีสีสันของหินอ่อนสีของสภาพแวดล้อมทางสถาปัตยกรรมเข้าเป็นชุดสีที่สง่างาม ธีมและการแสดงเป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์บาร็อคอิตาลี
ค.ศ. 1628-1647 นับย้อนไปถึงงานสร้างสรรค์ที่สำคัญที่สุดชิ้นหนึ่งของ Bernini ซึ่งเป็นหลุมฝังศพของสมเด็จพระสันตะปาปาเออร์บันที่ 8 ในมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์ในกรุงโรม ด้วยการแสดงออกอย่างสง่างามของแนวคิดและความเชี่ยวชาญของสารละลายพลาสติก อนุสาวรีย์นี้เป็นงานประติมากรรมหลุมฝังศพที่โดดเด่นที่สุด กับพื้นหลังของโพรงที่เรียงรายไปด้วยหินอ่อนสี แท่นสีขาวที่มีรูปปั้นทองสัมฤทธิ์ที่แสดงออกของสมเด็จพระสันตะปาปาลุกขึ้น พระหัตถ์ที่ยกขึ้นถวายพระพรสื่อถึงความยิ่งใหญ่ที่น่าเกรงขามแก่ร่าง ด้านล่างด้านข้างของโลงศพหินอ่อนสีเขียวมีรูปปั้นสีขาวแสดงถึงคุณธรรมของ Urban VIII - ความยุติธรรมและความเมตตาที่ชาญฉลาด หุ่นครึ่งตัวสีบรอนซ์ของโครงกระดูกมีปีกที่งอกออกมาจากด้านหลังโลงศพติดกับแท่นกระดานที่มีชื่อผู้ตายจารึกไว้
ช่วงเวลาแห่งการไม่รับรู้ชั่วคราวของ Bernini ถูกแทนที่ด้วย Innocent X ตัวเดียวกันโดยการยอมรับของเขาในฐานะหัวหน้าโรงเรียนโรมันอย่างเป็นทางการและเกือบจะมีความรุ่งโรจน์มากกว่าเดิม จากผลงานประติมากรรมในช่วงครึ่งหลังของกิจกรรมของเบอร์นีนี เราสามารถสังเกตแท่นพูดสำริดสำริดอันโอ่อ่าของมหาวิหารเซนต์ ปีเตอร์ในกรุงโรมร่างของจักรพรรดิคอนสแตนตินควบม้า (ibid.) และโดยเฉพาะอย่างยิ่งการสร้างภาพเหมือนรูปแบบใหม่ซึ่งเป็นภาพที่ดีที่สุดคือรูปปั้นครึ่งตัวของ Louis XIV ที่ทำจากหินอ่อนซึ่งถูกประหารชีวิตโดยอาจารย์ในระหว่างการเข้าพัก ในปี ค.ศ. 1665 (ตามคำเชิญของศาลฝรั่งเศส) ในกรุงปารีส ในขณะที่ยังคงความชัดเจนของลักษณะใบหน้า ความสนใจหลักในขณะนี้มุ่งเน้นไปที่การตกแต่งโดยรวม ซึ่งทำได้โดยการตีความที่งดงามของลอนผมที่พลิ้วไหวของวิกผมขนาดใหญ่ และราวกับถูกลมพัดผ้าม่านพลิ้วไหว
งานศิลปะของ Bernini เต็มไปด้วยความแสดงออกอันโดดเด่น ความเป็นเอกลักษณ์ของรูปแบบการมองเห็น และความสมบูรณ์แบบของทักษะทางเทคนิค งานศิลปะของ Bernini พบผู้ชื่นชมและผู้ลอกเลียนแบบนับไม่ถ้วนที่มีอิทธิพลต่อศิลปะพลาสติกของอิตาลีและประเทศอื่นๆ
ปิเอโตร ดา นอร์ตัน จิตรกรที่บ่งบอกถึงสไตล์ไฮบาโรกมากที่สุดคือ Pietro Berrettini da Norton (1596-1669) ครั้งแรกที่เขามาถึงเบื้องหน้าด้วยภาพวาดขาตั้งหลายร่างของเขา (“The Victory of Alexander the Great over Darius”, “ The Rape of the Sabine Women” - 1620s ทั้งสอง - พิพิธภัณฑ์ Capitoline กรุงโรม) ซึ่งเขาค้นพบ ความรู้เชิงลึกเกี่ยวกับวัฒนธรรมทางวัตถุของกรุงโรมโบราณซึ่งได้มาจากการศึกษาอนุสรณ์สถานในสมัยโบราณ แต่ความสำเร็จที่สำคัญของ Nortons อยู่ที่งานจิตรกรรมชิ้นเอกและการตกแต่ง ระหว่างปี ค.ศ. 1633 ถึง ค.ศ. 1639 เขาได้ประหารชีวิตบนโล่ขนาดใหญ่ในปาลาซโซ บาร์เบรินี (โรม) ซึ่งเป็นตัวอย่างที่โดดเด่นของภาพวาดตกแต่งสไตล์บาโรก โล่เชิดชูหัวหน้าบ้าน Barberini, Pope Urban VIII ในพื้นที่ที่ปกคลุมด้วยกรอบสี่เหลี่ยมหนักๆ ร่างของ Divine Wisdom ที่ล้อมรอบด้วยอักขระเชิงเปรียบเทียบจำนวนมากถูกพรรณนา ทางด้านซ้ายเหนือเธอ หญิงสาวร่างเพรียวพร้อมมงกุฎดวงดาวที่ยกมือขึ้น แสดงถึงความเป็นอมตะ โบยบินขึ้นไปบนสวรรค์ ยังคงสูงกว่า ตัวเลขที่ทรงพลังของ Muses ซึ่งทำหน้าที่เป็นเครื่องเตือนใจถึงกิจกรรมบทกวีของ Urban VIII มีพวงหรีดขนาดใหญ่อยู่ตรงกลางซึ่งมีผึ้งสามตัวของเสื้อคลุม Barberini บินอยู่ ที่ด้านข้างของกรอบ ในการปัดเศษของการเปลี่ยนผ่านไปยังผนัง มีการบรรยายภาพฉากในตำนาน โดยเล่าในรูปแบบเชิงเปรียบเทียบเกี่ยวกับกิจกรรมของสมเด็จพระสันตะปาปา ความสมบูรณ์ของลวดลายของภาพ ความหลากหลาย และความมีชีวิตชีวาของภาพสอดคล้องกับความเจิดจ้าของภาพทั้งหมด
การหลอมรวมแบบออร์แกนิก ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของรูปแบบอนุสาวรีย์นอร์โทนา ในระบบการตกแต่งเดียวขององค์ประกอบทางสถาปัตยกรรม การลงสี และการตกแต่งด้วยพลาสติก พบว่ามีการแสดงออกที่สมบูรณ์ที่สุดในภาพวาดของห้องโถงหลายแห่งของ Palazzo Pitti ในเมืองฟลอเรนซ์ (ค.ศ. 1640) ซึ่งกำหนดไว้ โดยชื่อเทพเจ้าแห่งโอลิมปัส คราวนี้การสรรเสริญของบ้านเมดิชิโดดเด่นด้วยองค์ประกอบที่หลากหลาย สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือเสาที่ประดับ "โถงแห่งดาวอังคาร" และพูดถึงคุณธรรมทางทหารของเจ้าของ Palazzo พลวัตที่มีอยู่ในภาพนี้ ความไม่สมมาตรของโครงสร้าง และความไร้เหตุผลขององค์ประกอบ ซึ่งแสดงออกด้วยความจริงที่ว่ารูปคิวปิดเบา ๆ รองรับเสื้อคลุมแขนหินขนาดใหญ่ของเมดิชิ ซึ่งเป็นการแสดงออกถึงสไตล์บาร็อคสุดขั้ว ซึ่งได้พัฒนาเต็มที่แล้ว
ในเวลาเดียวกัน แนวโน้มที่เป็นจริงพบการพัฒนาในผลงานของปรมาจารย์ชาวอิตาลีหลายคน ซึ่งส่วนใหญ่ทำงานนอกกรุงโรม
ซัลวาเตอร์ โรซา. ในบรรดาศิลปินดั้งเดิมที่สุดในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 คือ Salvator Rosa (1615-1673) ซึ่งไม่เพียง แต่เป็นจิตรกรเท่านั้น แต่ยังเป็นกวี หนังสือเล่มเล็ก และนักแสดงอีกด้วย ชาวเมืองเนเปิลส์ซึ่งได้รับอิทธิพลจากโรงเรียนการาวัจโจโดยเฉพาะอย่างยิ่งอย่างต่อเนื่อง Rosa อยู่ใกล้กับความเป็นจริงของภาพและในลักษณะของการวาดภาพด้วยเงามืด ผลงานของศิลปินคนนี้มีความหลากหลายมาก แต่สิ่งสำคัญที่สุดสำหรับประวัติศาสตร์ศิลปะคือฉากการต่อสู้และภูมิทัศน์มากมาย ในองค์ประกอบการต่อสู้อารมณ์อันรุนแรงของศิลปินแสดงออกอย่างเต็มกำลัง ประเภทการต่อสู้ที่ผู้ลอกเลียนแบบหยิบขึ้นมาจะแพร่หลายไปทั่วศิลปะยุโรป ภูมิทัศน์ของอาจารย์ซึ่งวาดภาพชายฝั่งทะเลที่เป็นหินเนื่องจากลวดลายของธรรมชาติที่ปรากฎพลวัตขององค์ประกอบความคมชัดของแสงและอารมณ์ของการแก้ปัญหาโดยรวมสามารถเรียกได้ว่าโรแมนติก ดังนั้นพวกเขาจึงสามารถเปรียบเทียบได้กับภูมิทัศน์คลาสสิกของโรงเรียน Carrachi และภูมิทัศน์ที่เหมือนจริงอย่างมากของโรงเรียนทางตอนเหนือ ในบรรดาภาพวาดร่างใหญ่ของ Rosa, Odysseus และ Nausicaa (1650s) และ Democrat Surprising at the Agility of Protagoras (ในเวลาเดียวกัน) ถูกเก็บไว้ในอาศรม พวกเขาทำหน้าที่เป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของรูปแบบการเล่าเรื่องและเทคนิคการถ่ายภาพของอาจารย์
ตั้งแต่อายุหกสิบเศษของศตวรรษที่ 17 ระยะสุดท้ายที่ยาวที่สุดในการพัฒนาศิลปะบาโรกในอิตาลีที่เรียกว่า "บาโรกตอนปลาย" ได้เริ่มขึ้น มีลักษณะเฉพาะที่เข้มงวดน้อยกว่าในการสร้างองค์ประกอบ ความเบาของร่างที่มากขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดเจนในรูปภาพผู้หญิง เพิ่มความละเอียดอ่อนของสี และในที่สุดก็เพิ่มการตกแต่งเพิ่มเติมอีก
จิโอวานนี บัตติสตา เกาลี Giovanni Battista Gauli (1639-1709) ซึ่งเป็นที่รู้จักทั้งในฐานะจิตรกรขาตั้งและในฐานะศิลปินที่สร้างภาพเฟรสโกจำนวนหนึ่งเป็นปัจจัยหลักของแนวโน้มใหม่ในการวาดภาพ งานศิลปะของเขามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับศิลปะของเบอร์นีนีตอนปลาย ผลงานที่ดีที่สุดของ Gauli ได้แก่ ภาพวาดสีอ่อนยุคแรกของเขาบนใบเรือของโบสถ์ Sant'Agnese ใน Piazza Navona ในกรุงโรม (ค.ศ. 1665) แทนที่จะเป็นผู้เผยแพร่ศาสนา ซึ่งเป็นสถาปัตยกรรมของโบสถ์ที่พบเห็นได้ทั่วไปในสถานที่เหล่านี้ เกาลีได้แสดงภาพเชิงเปรียบเทียบเกี่ยวกับคุณธรรมของคริสเตียน โดดเด่นด้วยความสว่างของรูปแบบ สิ่งที่น่าดึงดูดเป็นพิเศษคือภาพที่มีเด็กสาวสองคน คนหนึ่งวางพวงหรีดดอกไม้ไว้บนอีกคนหนึ่ง ภาพเขียนฝาผนัง โดม และหอยสังข์ของโบสถ์หลักของคณะเยซูอิตเพื่ออิล เกซูในกรุงโรม (ปีค.ศ. 1670 ถึงต้นปี ค.ศ. 1680) เป็นผลงานสไตล์ผู้ใหญ่ของเกาลี โล่นี้เรียกว่าการนมัสการพระนามของพระเยซู บ่งบอกถึงสไตล์บาโรกตอนปลายได้เป็นอย่างดี ท่ามกลางสถาปัตยกรรมที่เป็นลายลักษณ์อักษรซึ่งยังคงรักษารูปแบบที่แท้จริงของโบสถ์ มีพื้นที่สวรรค์ที่เข้าไปในส่วนลึกซึ่งเต็มไปด้วยตัวเลขนับไม่ถ้วน เช่น คลื่นที่ส่องแสงระยิบระยับจากความมืดไปจนถึงกลุ่มที่เบากว่า จิตรกรรมอีกประเภทหนึ่งโดยปรมาจารย์คือภาพเหมือนที่ไม่มีการตกแต่งและมีลักษณะทางจิตวิทยาที่ยอดเยี่ยมของคนรุ่นเดียวกัน (Pope Clement IX, Rome, Gallery of St. Luke; Portrait of Bernini, Rome, Corsini Gallery)
อันเดรีย ปอซโซ. การค้นหาธรรมชาติลวงตาของสิ่งก่อสร้างทางสถาปัตยกรรมได้มาถึงการพัฒนาสูงสุดในงานของ Andrea Pozzo (1642-1709) งานที่สำคัญที่สุดของเขา - ปูนเปียก plafond ของโบสถ์เซนต์อิกนาซิโอในกรุงโรมซึ่งมองข้ามจากทางเดินกลางซึ่งปรากฎบนชั้นของระเบียง, ทางเดิน, แนวเสาของผนังที่เป็นลูกคลื่นซึ่งเหนือสิ่งอื่นใด Ignatius Loyola โดดเด่นท่ามกลางตัวเลขมากมาย - สร้าง ภาพลวงตาของพื้นที่สถาปัตยกรรม เช่นเดียวกับเสาที่คล้ายกันอื่น ๆ ความกลมกลืนและความถูกต้องของการก่อสร้างจะถูกละเมิดทันทีที่ผู้ชมย้ายออกจากจุดที่ได้รับการออกแบบ
ชาวเนเปิลส์ลูก้าจอร์ดาโน (1632-1705) ยังเป็นของศิลปินตกแต่งที่มีชื่อเสียงที่สุด เขาเป็นปรมาจารย์ที่มีความสามารถและอุดมสมบูรณ์อย่างมาก อย่างไรก็ตาม เขายังปราศจากความแข็งแกร่งภายในและความคิดริเริ่ม และมักจะเลียนแบบศิลปินคนอื่นๆ ผลงานที่ดีที่สุดของเขาคือแผ่นป้ายของ Palazzo Riccardi แห่งฟลอเรนซ์ ซึ่งเป็นการเชิดชูครอบครัวเมดิชิ
ในด้านการวาดภาพขาตั้ง Carlo Maratta (1625-1713) ซึ่งเป็นของโรงเรียนโรมันในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 โดดเด่นกว่าผู้ร่วมสมัยของศิลปินที่มีชื่อ เขาเข้ามาแทนที่ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของบาร็อคตอนปลาย ภาพวาดแท่นบูชาของเขาโดดเด่นด้วยเส้นเรียบและความสงบอันสง่างามขององค์ประกอบ ในฐานะศิลปินที่เข้มแข็ง เขาพบว่าตัวเองอยู่ในแวดวงการถ่ายภาพบุคคล ในบรรดาผลงานของเขา ภาพเหมือนของสมเด็จพระสันตะปาปาเคลมองต์ที่ 9 (1669) ของเฮอร์มิเทจ มีลักษณะที่เฉียบคมและงดงามในการวาดภาพ Francesco Solimena (1657-1749) ซึ่งทำงานในเนเปิลส์ในภาพวาดในพระคัมภีร์ไบเบิลและเชิงเปรียบเทียบของเขา เล่าถึงเทคนิคของคาราวัจโจด้วยการใช้แสงและเงาที่ตัดกันอย่างคมชัด Giuseppe Maria Crespi ชาวโบโลเนสตอนปลาย (ค.ศ. 1664-1747) ซึ่งเป็นหนึ่งในศิลปินที่มีพรสวรรค์มากที่สุดในยุคนั้น มีอิทธิพลอย่างมากต่อภาพวาดของศตวรรษที่ 18 อาจารย์มีลักษณะการวางแนวที่เหมือนจริงอย่างเด่นชัด มันแสดงออกทั้งในองค์ประกอบทางศาสนาและชัดเจนยิ่งขึ้นในภาพวาดประจำวันของเขา (“Death of St. Joseph”, ca. 1712, Hermitage; “ Series of Sacraments”, 1710, Dresden Gallery)
