จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วยการพัฒนาอย่างรวดเร็วของอุตสาหกรรมบันเทิงทางดนตรี มีบทบาทสำคัญในการพัฒนากิจกรรมคอนเสิร์ต สมาคมฟิลฮาร์โมนิกแห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, สมาคมมอสโกฟิลฮาร์โมนิก, สมาคมดนตรีรัสเซีย, วงดนตรีรัสเซีย และองค์กรดนตรีคอนเสิร์ต "House of Song" ซึ่งมีอยู่จนถึงปี 1918 เวทีดนตรีในช่วงนี้ส่วนใหญ่อยู่ในมือของเอกชน
อุตสาหกรรมการบันทึกเสียงกำลังพัฒนาอย่างรวดเร็วเป็นพิเศษ โรงงานแผ่นเสียงแห่งแรกในรัสเซียเปิดทำการที่เมืองริกาในปี พ.ศ. 2445 และในปี พ.ศ. 2450 การผลิตบันทึกได้จัดขึ้นโดยบริษัท Pathé ซึ่งนำเข้าเมทริกซ์จากต่างประเทศ (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2465 - "โรงงานตั้งชื่อตามวันครบรอบ 5 ปีของเดือนตุลาคม") ตั้งแต่ปี 1910 โรงงาน Metropol-Record ที่สถานี Aprelevka ใกล้กรุงมอสโกเริ่มผลิตแผ่นเสียง ในปีพ.ศ. 2454 โรงงานของห้างหุ้นส่วน Sirena-Record ได้เปิดดำเนินการ ซึ่งพิมพ์ได้ 2.5 ล้านแผ่นในหนึ่งปี
State Duma นำกฎหมาย "ว่าด้วยลิขสิทธิ์" ซึ่งคำนึงถึงผลประโยชน์ของบริษัทบันทึกเสียงเป็นครั้งแรก ก่อตั้งหน่วยงานเพื่อสิทธิทางดนตรีของนักเขียนชาวรัสเซีย (AMPRA) การผลิตรวมต่อปีในรัสเซียอยู่ที่ 18 ล้านรายการ และมีบริษัทประมาณ 20 แห่งที่ดำเนินธุรกิจในตลาด โรงงาน Aprelevsky เพิ่มกำลังการผลิตเป็น 300,000 บันทึกต่อปี “Syndicate of United Factories” ถูกสร้างขึ้นเพื่อต่อต้านผู้ผลิตรายใหญ่จากต่างประเทศ อย่างไรก็ตาม หลังจากสงครามโลกครั้งที่ 1 ปะทุขึ้นในรัสเซีย จำนวนก็ลดลง
ในปี 1915 โรงงาน "Writing Cupid in Moscow" ได้เปิดดำเนินการ ก่อนการปฏิวัติ มีโรงงาน 6 แห่งในรัสเซียที่ผลิตแผ่นเสียงได้ 20 ล้านแผ่นต่อปี นอกจากนี้ยังมีการผลิต 5-6 ล้านโดยใช้เมทริกซ์นำเข้า โรงงานส่วนใหญ่ก่อตั้งขึ้นในเมืองหลวงส่วนตัวของรัสเซีย - "หุ้นส่วนของ Rebikov and Co?" และคนอื่น ๆ.
อย่างไรก็ตาม ในขณะเดียวกัน ตลาดก็ต้องเผชิญกับปรากฏการณ์เชิงลบครั้งแรกในอุตสาหกรรมเพลง ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของธุรกิจการแสดงสมัยใหม่เช่นกัน บันทึกละเมิดลิขสิทธิ์ชุดแรกปรากฏขึ้นซึ่งผลิตโดย บริษัท Neographon และสาขาเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กของ บริษัท Melodifon ในอเมริกา ผู้ประกอบการ D. Finkelstein ก้าวไปไกลที่สุด - หุ้นส่วน Orthenon ของเขาผลิตบันทึกละเมิดลิขสิทธิ์โดยเฉพาะ
ปรากฏการณ์ที่คล้ายกันนี้เกิดขึ้นในสำนักพิมพ์เพลง ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 การเผยแพร่เพลงในรัสเซียมีการพัฒนาในระดับสูงโดยไม่ด้อยกว่าในแง่ของเทคโนโลยีการพิมพ์ไปจนถึงสิ่งพิมพ์ดนตรีต่างประเทศ สำนักพิมพ์เพลงของรัสเซีย เช่น Jurgenson's ได้รับการยอมรับทั่วโลก
ในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 มีร้านขายเพลงมากมาย - บริษัท ที่อยู่รอบนอก (Yaroslavl, Rostov-on-Don, Yekaterinburg, Saratov และเมืองอื่น ๆ ) มีส่วนร่วมในกิจกรรมการเผยแพร่เพลง สำนักพิมพ์เพลงและร้านขายเพลงในรัสเซียตีพิมพ์แคตตาล็อกแผ่นเพลงที่พวกเขาตีพิมพ์ซึ่งเป็นแหล่งข้อมูลอันมีค่าสำหรับการศึกษารสนิยมทางดนตรีในยุคนั้นจนถึงทุกวันนี้
การเปลี่ยนแปลงอันน่าทึ่งในศิลปะดนตรีเกิดขึ้นหลังการปฏิวัติในปี พ.ศ. 2460 ธุรกิจสิ่งพิมพ์ตกไปอยู่ในมือของรัฐ (กฤษฎีกาสภาผู้แทนราษฎรลงวันที่ 19 ธันวาคม พ.ศ. 2461) ในปี พ.ศ. 2464 สำนักพิมพ์เพลงและโรงพิมพ์เพลงได้รวมเข้าด้วยกันเป็นสำนักพิมพ์เพลงแห่งเดียว ซึ่งในปี พ.ศ. 2465 ได้กลายมาเป็นส่วนหนึ่งของ Gosizdat ในฐานะภาคส่วนเพลง ในปี พ.ศ. 2473 ภาคดนตรีได้รับการจัดระเบียบใหม่เป็น State Music Publishing House "Muzgiz" โดยมีสาขาในเลนินกราด ซึ่งกลายเป็นบริษัทเผยแพร่เพลงที่ใหญ่ที่สุด
ในช่วงปีเดียวกันนี้ สำนักพิมพ์เพลงอื่นๆ หลายแห่งได้ดำเนินการ โดยเฉพาะสหกรณ์ "Tritron" (1925-1935) พวกเขาตีพิมพ์แผ่นเพลงและหนังสือเกี่ยวกับดนตรี องค์กรสาธารณะและหน่วยงานต่างๆ จำนวนมากมีส่วนร่วมในการเผยแพร่โน้ตเพลงเป็นครั้งคราว: สมาคมนักเขียนและนักแต่งเพลงแห่งมอสโก (MOPIK, 1917-1930), คณะกรรมการ All-Union เพื่อการคุ้มครองลิขสิทธิ์
ในปีพ. ศ. 2482 กองทุนดนตรีล้าหลังได้ก่อตั้งขึ้นภายใต้สหภาพนักแต่งเพลงซึ่งมีหน้าที่ในการเผยแพร่ผลงานของนักแต่งเพลงชาวโซเวียต ในปี 1964 "Muzgiz" และ "นักแต่งเพลงชาวโซเวียต" ได้รวมเข้าด้วยกันเป็นสำนักพิมพ์ "Music" แห่งเดียว แต่ในปี 1967 พวกเขาก็แยกทางกันอีกครั้ง สำนักพิมพ์เหล่านี้จัดพิมพ์นิตยสาร "Soviet Music" และ "Musical Life"
อุตสาหกรรมแผ่นเสียงก็อยู่ในช่วงของการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่เช่นกัน อุตสาหกรรมนี้เป็นของกลาง และหนึ่งในบันทึกแผ่นเสียงแรกที่เผยแพร่ภายใต้การปกครองของสหภาพโซเวียตคือการบันทึกสุนทรพจน์ของ V.I. เลนิน "อุทธรณ์ต่อกองทัพแดง" ในปี พ.ศ. 2462-2463 แผนก "แผ่นเสียงโซเวียต" ของ Tsentropechat ผลิตแผ่นเสียงมากกว่า 500,000 แผ่น สิ่งเหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นการบันทึกคำพูด - การกล่าวสุนทรพจน์ของบุคคลสำคัญและบุคคลสาธารณะ
ในช่วงทศวรรษที่ 20 การผลิตกลับมาดำเนินการต่อในสถานประกอบการเก่าและในยุค 30 All-Union Recording House เริ่มทำงานในมอสโก ในปีพ.ศ. 2500 All-Union Recording Studio ได้ถูกก่อตั้งขึ้น ในปีพ. ศ. 2507 Melodiya ซึ่งเป็น บริษัท All-Union ได้ถูกสร้างขึ้นโดยรวบรวมโรงงานในประเทศบ้านและสตูดิโอบันทึกเสียงเข้าด้วยกันและกลายเป็นผู้ผูกขาดในการบันทึกเสียงเป็นเวลาหลายปี
กิจกรรมคอนเสิร์ตก็มีการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่เช่นกัน องค์กรและการจัดการของอุตสาหกรรมทั้งหมดตกไปอยู่ในมือของรัฐซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อการวางแนวอุดมการณ์ของความคิดสร้างสรรค์ของนักแสดง สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนโดยเฉพาะในสาขาป๊อปอาร์ต มีการสร้างสถาบันพิเศษของรัฐบาลเพื่อจัดกิจกรรมคอนเสิร์ตของศิลปินทุกประเภทรวมถึงป๊อป
ระบบนี้ภายใต้การอุปถัมภ์ของกระทรวงวัฒนธรรม ได้แก่ "คอนเสิร์ตของรัฐ", "โซยุซคอนเสิร์ต", "โรสคอนเสิร์ต", สมาคมฟิลฮาร์โมนิกของพรรครีพับลิกัน, ภูมิภาคและเมือง, สมาคมคอนเสิร์ตที่จัดการชีวิตคอนเสิร์ตที่ซับซ้อนทั้งหมดในประเทศของเรา วิสาหกิจเสรีถูกลงโทษตามกฎหมายว่าเป็นกิจกรรมที่ผิดกฎหมาย ในช่วงเวลานี้งานด้านดนตรี การศึกษา และวัฒนธรรมก็มารวมตัวกัน
คอนเสิร์ตไม่เพียงจัดขึ้นในห้องแสดงคอนเสิร์ตของเมืองใหญ่เท่านั้น แต่ยังจัดขึ้นในคลับเล็กๆ ศูนย์วัฒนธรรม ในเวิร์คช็อปของโรงงาน โรงงาน ฟาร์มของรัฐ ฟาร์มรวม ในมุมสีแดงและในฟาร์ม ในเวลาเดียวกันการจ่ายเงินให้กับศิลปินได้ดำเนินการตามอัตราภาษีที่กำหนดอย่างเคร่งครัด - จาก 4.5 ถึง 11.5 รูเบิลต่อคอนเสิร์ต
ด้วยการเกิดขึ้นของเศรษฐกิจแบบตลาด ทิศทางทางเลือกเริ่มพัฒนาบนเวทีอย่างเป็นทางการ ปัญหาเกิดขึ้นที่เกี่ยวข้องกับการปรับโครงสร้างองค์กรของกิจกรรมนี้ ความขัดแย้งหลักเกิดขึ้น: ระหว่างธรรมชาติของความสามารถส่วนบุคคลกับแนวทางปฏิบัติของรัฐในการจัดสรรแรงงานของตน ท้ายที่สุดแล้วก่อนหน้านี้ไม่มีสิทธิ์ในการจ่ายเงินให้กับนักแสดงตามความต้องการ การเกิดขึ้นของบริษัทและบริษัทจำนวนมากที่ทำงานในอุตสาหกรรมวาไรตี้ดนตรีได้กลายเป็นการตอบสนองอย่างเป็นกลางในยุคปัจจุบันต่อความสนใจที่เพิ่มขึ้นของทั้งผู้บริโภคและผู้ประกอบการในอุตสาหกรรมเพลงวาไรตี้โดยทั่วไปและทิศทางของมัน
ในมอสโกปัจจุบันมีสมาคม บริษัท บริษัท และสมาคมทั้งภาครัฐและเอกชนมากกว่าเจ็ดสิบแห่งที่เกี่ยวข้องกับการจัดกิจกรรมคอนเสิร์ต โดยไม่คำนึงถึงสมาคมที่ผิดกฎหมายและไม่ได้จดทะเบียน กิจกรรมที่หลากหลายดังกล่าวสามารถจัดการได้โดยผู้จัดการผู้เชี่ยวชาญที่เป็นมืออาชีพเท่านั้น ซึ่งไม่เพียงตอบสนองความต้องการที่เพิ่มขึ้นของสาธารณะเท่านั้น แต่ยังต้องคาดการณ์ไว้ด้วย โดยเข้าใจสภาวะตลาดอย่างชัดเจนและติดตาม กิจกรรมของคู่แข่งโดยคำนึงถึงปัจจัยอื่น ๆ ในการทำงานในตลาดนี้ เช่น ความสามารถในการละลายของประชากร เป็นต้น
วิธีการทำ : การผลิตในอุตสาหกรรมสร้างสรรค์ ทีมผู้เขียน
วงการเพลงในยุคดิจิทัล
ในช่วงต้นศตวรรษที่ 21 อุตสาหกรรมมีการเปลี่ยนแปลงไปอย่างมาก ธุรกิจเพลงได้รับการปรับโครงสร้างใหม่มากกว่าหนึ่งครั้งตามการพัฒนาเทคโนโลยีอินเทอร์เน็ต ปัญหาหลักยังคงเป็นการละเมิดลิขสิทธิ์และความปรารถนาที่อ่อนแอของผู้ใช้อินเทอร์เน็ตในการชำระค่าเนื้อหาทางกฎหมาย ดังนั้นเฉพาะในช่วงปี 2547 ถึง 2553 รายได้ของอุตสาหกรรมแผ่นเสียงทั่วโลกจึงลดลงเกือบ 31% ในปี 2013 เป็นครั้งแรกที่มีการบันทึกยอดขายการบันทึกเพลงเพิ่มขึ้นเล็กน้อยเมื่อเทียบกับปีที่แล้วที่จำนวน 0.3%5 สาเหตุหลักมาจากการขายอย่างเป็นทางการในร้านค้าออนไลน์ของ iTunesStore แต่ในปี 2014 ยอดขายเพลงแต่ละเพลงใน iTunesStore ลดลง 11% เมื่อเทียบกับปีที่แล้ว จาก 1.26 พันล้านดอลลาร์เหลือ 1.1 พันล้านดอลลาร์ และยอดขายสื่อทางกายภาพลดลง 9%6 ในรัสเซีย ตัวเลขยังคงแย่กว่า คนทั่วโลก ตั้งแต่ปี 2551 ถึง 2553 ยอดขายสื่อทางกายภาพที่ถูกกฎหมายลดลงจาก 400 ล้านดอลลาร์เหลือ 185 ล้านดอลลาร์ ซึ่งลดลงมากกว่าครึ่งหนึ่งในรอบสามปี และอัตราการละเมิดลิขสิทธิ์อยู่ที่ 63% เพื่อการเปรียบเทียบ ในสหรัฐอเมริกา อัตราการละเมิดลิขสิทธิ์อยู่ที่เพียง 19%7
ทัศนคติต่อดนตรีและวิธีการฟังก็เปลี่ยนไปเช่นกัน ร้านค้าออนไลน์อย่าง iTunesStore ซึ่งได้รับความนิยมเมื่อ 3-5 ปีที่แล้ว กำลังถูกบีบออกจากตลาดโดยบริการสตรีมมิ่งอย่าง Spotify และ BeatsMusic ตามที่นักวิเคราะห์ระบุว่า ภายในปี 2019 เกือบ 70% ของรายได้จากอุตสาหกรรมเพลงออนไลน์ทั้งหมดจะมาจากบริการสตรีมมิ่ง และรายรับจากร้านค้าออนไลน์จะลดลง 39% ในขณะเดียวกัน 23% ของผู้ใช้บริการสตรีมมิ่งทั้งหมดที่ก่อนหน้านี้ซื้ออย่างน้อยหนึ่งอัลบั้มต่อเดือน ตอนนี้ไม่ได้ซื้อเลย8 จากผู้ใช้บริการออกอากาศออนไลน์ 210 ล้านคน มีเพียง 22% เท่านั้นที่ยังคงมี บัญชีที่ชำระเงิน ดังที่นักวิเคราะห์เพลง Mark Mulligan ตั้งข้อสังเกตว่า “สิ่งที่ทำให้การเปลี่ยนไปใช้รูปแบบการจัดจำหน่ายใหม่ทำได้ยากคือ เรายังจำเป็นต้องค้นหาคุณค่าที่สมาชิกบริการสตรีมมิ่งฟรีทางอากาศยินดีจ่าย”9
นอกจากนี้ ดนตรีในปัจจุบันยังต้องการวิธีที่แตกต่างในการดึงดูดผู้ฟังยุคใหม่ ในรูปแบบที่จะตอบสนองความต้องการและนิสัยของผู้ชมกลุ่มเดียวกันได้ดีที่สุด ซึ่งคุ้นเคยกับบริการสตรีมมิ่ง อุปกรณ์ เบื้องหลัง และการสตรีมสื่อทางดนตรี
การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญที่สุดที่เกิดขึ้นในอุตสาหกรรมเพลง ได้แก่:
– ความอุดมสมบูรณ์ทางดนตรีอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน วันนี้เพลงเยอะมาก อินเทอร์เน็ตได้เพิ่มอุปทานหลายครั้ง เป็นผลให้ผู้ฟังประสบกับผลกระทบจากความอิ่มตัวของสีมากเกินไป และเมื่อผู้ฟังเริ่มรู้สึกอิ่มมากเกินไป คุณค่าของดนตรีก็ลดลง เป็นผลให้เป็นเรื่องยากมากที่จะดึงดูดผู้ฟังที่น่าเบื่อและเหนื่อยล้า ยิ่งไปกว่านั้น เมื่อมีความบันเทิงอื่น ๆ อีกมากมายบนอินเทอร์เน็ตนอกเหนือจากเพลง10;
– ลดระยะเวลาในการติดต่อกับงานเดียว หากผู้ใช้อินเทอร์เน็ตไม่ชอบบางสิ่งบางอย่าง เขาจะปิดไฟล์ทันทีและเปลี่ยนไปใช้เนื้อหาที่น่าตื่นเต้นมากขึ้น11
– เปลี่ยนจากการดาวน์โหลดและจัดเก็บไฟล์เป็นการฟังแบบสตรีมมิ่ง
- โรคสมาธิสั้นของผู้ชมทางอินเทอร์เน็ต
– การรับรู้คลิปและการล่มสลายของรูปแบบดนตรีขนาดใหญ่ การเปลี่ยนจากกรอบความคิดแบบอัลบั้มไปสู่กรอบความคิดแบบซิงเกิล
– การทำลายล้างดนตรี ทุกวันนี้เกือบทุกอย่างสำหรับทุกรสนิยมมีอยู่บนอินเทอร์เน็ต ผู้ใช้ไม่จำเป็นต้องใช้ความพยายามมากนักเพื่อให้ได้รายการที่ต้องการ เพลงมาง่ายเกินไป และเมื่อได้ดนตรีมาโดยไม่ยาก ก็ไม่ทำให้เกิดความรู้สึกมีคุณค่าและมีเอกลักษณ์
– การใช้งานในโหมดมัลติทาสกิ้ง ซึ่งนำไปสู่การฝึกการฟังในเบื้องหลัง ในปัจจุบัน คนๆ หนึ่งสามารถฟังเพลง อ่านบทความ และท่อง YouTube ไปพร้อมๆ กันได้ นั่นคือบุคคลหนึ่งใช้อินเทอร์เน็ตไม่ใช่เพื่อฟังเพลง แต่เพื่อสิ่งอื่น (เช่น ภาพยนตร์หรือเกม) ดนตรีไม่ใช่จุดสิ้นสุดในตัวเองสำหรับผู้ใช้ เธอเล่นเป็นแบ็คกราวน์12;
– การเปลี่ยนแปลงแนวโน้มบ่อยครั้งและความจำเป็นในการอัปเดตเนื้อหาที่เกิดจากเอฟเฟกต์ FOMO อย่างต่อเนื่อง FOMO คือ “ความกลัวที่จะพลาดสิ่งใหม่ๆ การถูกละเลย ความปรารถนาอย่างแรงกล้าที่จะเป็นที่รู้จัก”13 ปรากฏการณ์ FOMO ใช้ได้กับแฟนๆ ที่คุ้นเคยกับการติดตามชีวิตของไอดอลโดยเฉพาะ คุณสามารถติดตามโซเชียลเน็ตเวิร์กได้ตลอดเวลา แต่หากศิลปินไม่อัปเดตเนื้อหาและแบ่งปันบางสิ่งที่สำคัญกับแฟนๆ อย่างแท้จริง (จากมุมมองของแฟนๆ) ความสนใจก็จะหายไปอย่างรวดเร็ว14
– การสังเคราะห์ร่วมกับงานศิลปะรูปแบบอื่น โดยหลักๆ กับภาพยนตร์และละคร
– ลักษณะมัลติมีเดียของสื่อดนตรี กล่าวคือ เมื่อโปรโมตเพลง เนื้อหาวิดีโอ รูปภาพ และข้อความประกอบเริ่มมีบทบาทสำคัญ
– ความจำเป็นที่จะแข่งขันเพื่อดึงดูดความสนใจของผู้ชมไม่เพียงแต่กับชุมชนดนตรีมืออาชีพเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึง “มือสมัครเล่น” ผู้ซึ่งเทคโนโลยีและซอฟต์แวร์ที่ค่อนข้างถูก ช่วยให้พวกเขาลองใช้ความคิดสร้างสรรค์และแบ่งปันผลลัพธ์ของความคิดสร้างสรรค์นี้กับ ผู้ชมในวงกว้าง
เมื่อพิจารณาถึงความท้าทายทั้งหมดที่การปฏิวัติทางดิจิทัลก่อให้เกิดต่ออุตสาหกรรม ผู้เชี่ยวชาญจาก British The Music Business School เชื่อว่าในปัจจุบันแคมเปญส่งเสริมการขายที่ประสบความสำเร็จสำหรับนักดนตรีควรขึ้นอยู่กับเสาหลักหลายประการ ได้แก่:
– เน้นความเป็นเอกลักษณ์ของศิลปิน
– ชุมชนแฟนตัวยงที่ควรปรากฏบนโซเชียลเน็ตเวิร์กหลักหลายแห่งในคราวเดียว
– การจำหน่ายอัลบั้มผ่านทรัพยากรและแพลตฟอร์มที่เป็นไปได้สูงสุด (ร้านค้าออนไลน์ บริการสตรีมมิ่ง แอปพลิเคชันมือถือ ฯลฯ) นั่นคือรูปแบบธุรกิจแบบหลายแพลตฟอร์มที่เรียกว่า
– การแสดงตนบนเว็บไซต์โฮสต์วิดีโอที่มีชื่อเสียงที่สุดทั้งหมด
– การมีส่วนร่วมของชุมชนแฟน ๆ ในการสร้างและเผยแพร่เนื้อหา
– สร้างการโปรโมตเพลงของคุณเกี่ยวกับเรื่องราว (หรือแนวคิด) ที่น่าสนใจ ซึ่งจะทำให้ผู้ฟังที่มีศักยภาพมีส่วนร่วมในการเล่าเรื่อง
– เสนอโปรเจ็กต์ที่ไม่ได้มาตรฐานซึ่งขยายความเป็นไปได้ของดนตรีและช่วยให้คุณ "บริโภค" ไม่เพียงแต่ในคอนเสิร์ตหรือผ่านการฟังทางอินเทอร์เน็ตทั่วไป แต่ยังผ่านทางรูปแบบไฮบริดบางรูปแบบ15
ดังนั้นงานหลักสำหรับนักดนตรีคือการดึงดูดความสนใจของผู้ฟังให้ได้มากที่สุดและรักษาความสนใจนี้ไว้ให้นานที่สุด วงการเพลงกำลังค่อยๆ มาถึงข้อสรุปว่าการดึงดูดผู้ชมออนไลน์ด้วยดนตรีเพียงอย่างเดียวเป็นเรื่องยาก “เราจำเป็นต้องมองหารูปแบบใหม่ที่นักดนตรีสามารถนำเสนอดนตรีของพวกเขาได้ ตอนนี้เป็นที่ชัดเจนสำหรับนักดนตรีทุกคน - ทั้งผู้มีชื่อเสียงและมือใหม่ - ว่าการบันทึกเพลงเพียงอย่างเดียวยังไม่เพียงพอ เพราะมันมีโอกาสที่จะไม่มีใครได้ยินทุกครั้ง” Ilya Lagutenko16 หัวหน้ากลุ่ม Mumiy Troll กล่าว
จากหนังสือ Lexicon of Nonclassics วัฒนธรรมศิลปะและสุนทรียภาพแห่งศตวรรษที่ 20 ผู้เขียน ทีมนักเขียนกราฟิกดนตรี คำที่แสดงถึงการทดลองด้วยการแสดงภาพโดยใช้กราฟิกและการวาดภาพผลกระทบของดนตรีต่อผู้ฟัง ประเภทนี้เกิดขึ้นจากแนวโน้มทั่วไปต่อการมีปฏิสัมพันธ์และการสังเคราะห์ศิลปะ แต่จริงๆ แล้วเป็นผลงานดั้งเดิม
จากหนังสือมานุษยวิทยาของกลุ่มสุดขีด: ความสัมพันธ์ที่โดดเด่นระหว่างทหารเกณฑ์ของกองทัพรัสเซีย ผู้เขียน บานนิคอฟ คอนสแตนติน เลโอนาร์โดวิช จากหนังสือหน่วยวลีในพระคัมภีร์ไบเบิลในวัฒนธรรมรัสเซียและยุโรป ผู้เขียน ดูโบรวินา คิระ นิโคลาเยฟนาพระคัมภีร์ไบเบิลและวัฒนธรรมทางดนตรี หัวข้อนี้ในหนังสือของเราอาจจะยากที่สุดด้วยเหตุผลหลายประการ ประการแรก ฉันไม่ใช่ผู้เชี่ยวชาญในสาขาวัฒนธรรมดนตรี ประการที่สอง ดนตรีเป็นรูปแบบศิลปะที่เป็นนามธรรมที่สุด ดังนั้นท่อนดนตรีจึงมีความซับซ้อนมากหาก
จากหนังสือ ดนตรีดำ อิสรภาพสีขาว ผู้เขียน บาร์บาน เอฟิม เซมโยโนวิชพื้นผิวทางดนตรี สื่อดนตรีนำเสนอความเป็นไปได้ที่ไม่สิ้นสุด แต่โอกาสดังกล่าวแต่ละครั้งจำเป็นต้องมีแนวทางใหม่... Arnold Schoenberg หากต้องการเป็นอิสระหมายถึงการเปลี่ยนแปลงจากธรรมชาติสู่ศีลธรรม Simone de Beauvoir แจ๊สแนวใหม่
จากหนังสือ Music Journalism and Music Criticism: a textbook ผู้เขียน คูรีเชวา ทัตยานา อเล็กซานดรอฟนา1.1. วารสารศาสตร์ดนตรีและความทันสมัย วารสารศาสตร์มักถูกเรียกว่า "มรดกที่สี่" นอกเหนือจากหน่วยงานหลักทั้งสามแห่งของรัฐบาลที่เป็นอิสระจากกัน - ฝ่ายนิติบัญญัติ ฝ่ายบริหาร และฝ่ายตุลาการแล้ว วารสารศาสตร์สมัยใหม่ยังถูกเรียกร้องให้เข้ามามีส่วนร่วมด้วย
จากหนังสือบทกวีของ A. S. Pushkin“ 19 ตุลาคม 1827” และการตีความความหมายในดนตรีของ A. S. Dargomyzhsky ผู้เขียน แกนซ์เบิร์ก เกรกอรีวารสารศาสตร์ดนตรีและการวิจารณ์ จุดสนใจหลักของวารสารศาสตร์ดนตรีคือกระบวนการทางดนตรีสมัยใหม่ องค์ประกอบต่างๆ ของกระบวนการทางดนตรี ทั้งเชิงสร้างสรรค์และเชิงองค์กร มีความสำคัญไม่แพ้กัน นับตั้งแต่การจัดแสง
จากหนังสือ How It's Done: Production in Creative Industries ผู้เขียน ทีมนักเขียน1.2. ดนตรีวิทยาประยุกต์ วารสารศาสตร์ดนตรีและการวิจารณ์ดนตรีในระบบดนตรีวิทยาประยุกต์ แนวคิดของ “ดนตรีวิทยา” ตลอดจนการกำหนดผู้เชี่ยวชาญในสาขานี้ด้วยคำว่า “นักดนตรี” (หรือในเวอร์ชั่นตะวันตกเรียกว่า “นักดนตรี”) มักจะมีความเกี่ยวข้องกัน กับ
จากหนังสือของผู้เขียนการวิจารณ์ดนตรีและวิทยาศาสตร์ดนตรี สาขาวิทยาศาสตร์หลายแห่งมีส่วนร่วมในการศึกษาปรากฏการณ์ของดนตรี: นอกเหนือจากดนตรีวิทยาแล้ว ยังดึงดูดความสนใจของนักประวัติศาสตร์ศิลปะในทิศทางต่างๆ สุนทรียศาสตร์ ปรัชญา ประวัติศาสตร์ จิตวิทยา การศึกษาวัฒนธรรม สัญศาสตร์และ
จากหนังสือของผู้เขียนการวิจารณ์ดนตรีและสังคม ชีวิตทางดนตรีของสังคม ซึ่งรวมถึงความคิดและการฝึกฝนเชิงวิพากษ์ดนตรีด้วย เป็นหัวข้อที่น่าสนใจสำหรับสังคมวิทยาดนตรี ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่สังคมศาสตร์มักจะหันความสนใจไปที่การวิจารณ์ทางศิลปะบ่อยที่สุด
จากหนังสือของผู้เขียน1.4. การสื่อสารมวลชนด้านดนตรีมืออาชีพ แนวหน้าของการปฏิบัติงานด้านสื่อสารมวลชนดนตรีสมัยใหม่เป็นปัญหาที่สำคัญที่สุด - ปัญหาของความเป็นมืออาชีพ มันทำมาจากอะไร? สามารถระบุองค์ประกอบที่สำคัญหลายประการที่ทำให้เราสามารถแยกแยะได้
จากหนังสือของผู้เขียนการวิจารณ์เพลงของผู้แต่ง ปรากฏการณ์พิเศษนี้ต้องพิจารณาแยกกัน แม้แต่ในพุชกิน เราก็พบข้อโต้แย้งที่ว่า "สภาวะของการวิพากษ์วิจารณ์นั้นแสดงให้เห็นถึงระดับการศึกษาของวรรณกรรมทั้งหมด" มันไม่ใช่แค่ทัศนคติที่ให้ความเคารพ
จากหนังสือของผู้เขียน5.4. การผลิตดนตรีเป็นเป้าหมายของการทบทวน การผลิตดนตรีเป็นแนวสังเคราะห์ ในนั้นดนตรีจะถูกรวมเข้าด้วยกันตามกฎของการสังเคราะห์ทางศิลปะกับ "กระแส" ทางศิลปะอื่น ๆ (การพัฒนาโครงเรื่อง การแสดงบนเวที การแสดง การแสดงภาพ
จากหนังสือของผู้เขียน3. เวอร์ชั่นดนตรีโดย A. S. Dargomyzhsky วิธีแก้ปัญหาทางดนตรีของ A. S. Dargomyzhsky ในความรักของเขาโดยอิงจากข้อความของพุชกิน“ 19 ตุลาคม 2370” (แต่งในปารีสในปี พ.ศ. 2388) เป็นสิ่งที่ไม่ธรรมดาและสมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษจากนักวิจัยรวมถึงนักพุชกิน
จากหนังสือของผู้เขียนการผลิตในยุคดิจิทัลของการสื่อสารผ่านสื่อ หนังสือเล่มนี้เกี่ยวกับการผลิต “ผลิต” จัดพิมพ์และจัดพิมพ์โดยนักศึกษาหลักสูตรปริญญาโท “การผลิตสื่อในอุตสาหกรรมสร้างสรรค์” คณะสื่อสารมวลชน สื่อ และการออกแบบ สถาบันอุดมศึกษามหาวิทยาลัยวิจัยแห่งชาติ ของเศรษฐศาสตร์ซึ่ง
จากหนังสือของผู้เขียน2.1 แอนนา คาชคาเอวา ผู้ผลิตในยุคดิจิทัล Anna Kachkaeva - ศาสตราจารย์คณะการสื่อสารสื่อและการออกแบบที่ Higher School of Economics นักข่าวสมาชิกของ Russian Academy
จากหนังสือของผู้เขียน2.2 วาเลนติน่า ชไวโก้ โอกาสด้านมัลติมีเดียและสื่อข้ามสื่อในการโปรโมตเพลงในยุคดิจิทัล Valentina Shvaiko - นักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษาจากภาควิชาเทคโนโลยีและการจัดการการขายของ Russian Economic University G.V. Plekhanova สำเร็จการศึกษาหลักสูตรปริญญาโท "การผลิตสื่อในศิลปะเชิงสร้างสรรค์"
ผู้ค้าปลีกสื่อชื่อดังของอังกฤษ - HMV (His Master's Voice) - ถูกประกาศล้มละลายตั้งแต่วันจันทร์ เครือข่ายค้าปลีก ซึ่งมีมาตั้งแต่ปี 1921 ไม่สามารถทนต่อการแข่งขันด้วยการขายออนไลน์ซึ่งกลายเป็นรูปแบบหลักของการจำหน่ายเพลง การมาถึง ของเทคโนโลยีใหม่ต้องใช้แนวทางใหม่ในภาพรวมการวิจัยด้านกฎระเบียบ กลินนา ลันนี่
ความจำเป็นในการปรับเปลี่ยนระบอบการปกครองด้านลิขสิทธิ์ที่มีอยู่นั้นเกินกำหนดชำระไปนานแล้ว ในการศึกษาของเขาเรื่อง “The Mercantilist Turn in Copyright” (ผู้ค้าลิขสิทธิ์ของลิขสิทธิ์: เราต้องการลิขสิทธิ์มากขึ้นหรือน้อยกว่านั้น เอกสารวิจัยกฎหมายมหาชนทูเลน ฉบับที่ 12-20)ศาสตราจารย์ด้านกฎหมายที่มหาวิทยาลัยทูเลน กลินน์ ลันนีย์ (กลินน์ เอส. ลันนีย์)วิเคราะห์จุดยืนผู้สนับสนุนการบังคับใช้กฎหมายลิขสิทธิ์ที่เข้มงวด ผ่านกฎหมายอาทิเช่น โสภาและ ปิปาในความเห็นของพวกเขาจะช่วยเพิ่มรายได้ในอุตสาหกรรมสร้างสรรค์ นายลันนีสงสัยในความมีอยู่จริงของการโต้แย้งดังกล่าว - ดูเหมือนว่าการเพิ่มกฎระเบียบด้านลิขสิทธิ์ให้เข้มงวดขึ้น สิ่งที่สามารถทำได้ก็คือรัฐจะเปลี่ยนเส้นทางรายได้จากภาคส่วนอื่น ๆ ของเศรษฐกิจไปยังอุตสาหกรรมสร้างสรรค์โดยไม่ได้ตั้งใจ แต่ในขณะเดียวกัน เทคโนโลยีดิจิทัลสมัยใหม่ก็ก่อให้เกิดกลไกใหม่ในการกระตุ้นคนที่มีความคิดสร้างสรรค์ให้สร้างคุณค่าทางวัฒนธรรมใหม่ๆ ซึ่งได้รับการยืนยันจากผลการศึกษาเชิงประจักษ์ในอุตสาหกรรมเพลงของเขา
ขั้นตอนของอุตสาหกรรมสร้างสรรค์
เทคโนโลยีใหม่ๆ มักนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในกิจกรรมต่างๆ ของมนุษย์ การเกิดขึ้นของแท่นพิมพ์แห่งแรกของ Gutenberg และอุปกรณ์บันทึกเสียงและวิดีโอในเวลาต่อมา ช่วยลดต้นทุนในการคัดลอกลงอย่างมาก และทำให้สามารถเผยแพร่ผลงานสร้างสรรค์ได้โดยไม่ต้องมีส่วนร่วมโดยตรงของผู้เขียน ในช่วงแรกของการพัฒนาเทคโนโลยีเหล่านี้ นักประดิษฐ์สามารถเผยแพร่สำเนาเนื้อหามัลติมีเดีย (แต่ไม่ฟรี) ได้สำเร็จโดยไม่ต้องจ่ายค่าลิขสิทธิ์ให้กับผู้เขียน ตัวอย่างเช่น ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 เปียโนกล (เปียโน) และเทปพันช์ที่ใช้บันทึกโน้ตนั้นแพร่หลายอย่างแพร่หลาย ซึ่งทำให้สามารถคัดลอกและแจกจ่ายบทเพลงได้อย่างหนาแน่น
ในสถานการณ์เช่นนี้ ผู้แต่งและผู้จัดพิมพ์เพลงมีความเสี่ยงที่จะถูกทิ้งไว้โดยไม่มีรายได้ เพื่อแก้ไขความขัดแย้งที่เพิ่มขึ้น จึงได้มีการบรรลุข้อตกลงที่เป็นประโยชน์สำหรับทั้งสองฝ่าย ลิขสิทธิ์เริ่มขยายไปสู่สำเนาผลงาน และนักดนตรีร่วมกับผู้จัดพิมพ์เพลงได้รับสิทธิ์ในการรับรายได้จากสำเนาที่แจกจ่าย และบริษัทแผ่นเสียงได้ลดโอกาสที่ผู้จัดพิมพ์เพลงจะผูกขาดตลาดให้เหลือน้อยที่สุด และได้รับการรับประกันการเข้าถึงบทประพันธ์เพลงโดยเสียค่าธรรมเนียม รูปแบบการคุ้มครองลิขสิทธิ์นี้ยังคงมีผลใช้บังคับทั้งในอุตสาหกรรมเพลงและในภาคส่วนอื่นๆ ของอุตสาหกรรมสร้างสรรค์ มีแนวคิดตามที่แบบจำลองดังกล่าวช่วยลดต้นทุนการทำธุรกรรมได้ แต่ยังคงไม่คำนึงถึงการเปลี่ยนแปลงของภาวะเศรษฐกิจ
การเกิดใหม่ทางดิจิทัลของวงการเพลง
การนำเทคโนโลยีดิจิทัลมาใช้อย่างแพร่หลายในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมาได้เปลี่ยนแปลงสังคมของเราไปอย่างมาก ผู้อำนวยการร่วมของ Berkman Center for Internet and Society แห่งมหาวิทยาลัยฮาร์วาร์ด โยชาย เบงค์เลอร์ (โยชาย เบงค์เลอร์)ในหนังสือของเขา “The Wealth of Networks” ตั้งข้อสังเกตว่าเทคโนโลยีดิจิทัลทำให้สามารถสร้างเศรษฐกิจข้อมูลแบบเครือข่ายที่รวมเอาองค์ประกอบทั้งตลาดและที่ไม่ใช่ตลาดเข้าด้วยกัน เศรษฐกิจดังกล่าวดำเนินงานบนพื้นฐานของโครงสร้างพื้นฐานทางเทคโนโลยีที่กระจายไปทั่วโลก (อุปกรณ์คอมพิวเตอร์เป็นของและควบคุมโดยบุคคล) “วัตถุดิบ” คือสินค้าสาธารณะ (ข้อมูล ความรู้ วัฒนธรรม) ซึ่ง “คุณค่าทางสังคมส่วนชายขอบ” ซึ่งจริงๆ แล้วเป็นศูนย์ อย่างไรก็ตาม ความคิดสร้างสรรค์ของมนุษย์และความสามารถในการประมวลผลของเทคโนโลยีนั้นเป็นทรัพยากรที่จำกัด และระบบการผลิตและการแลกเปลี่ยนทางสังคม (เพียร์ทูเพียร์) ทำให้สามารถใช้ทรัพยากรเหล่านี้ได้อย่างมีประสิทธิภาพมากขึ้น
เทคโนโลยีดิจิทัลได้เปลี่ยนแปลงวงการเพลง ตอนนี้ ในการบันทึกและจัดจำหน่ายอัลบั้มเพลง การมีอุปกรณ์บันทึกเสียงที่ไม่แพงมาก คอมพิวเตอร์ และอินเทอร์เน็ตก็เพียงพอแล้ว เป็นผลให้นักดนตรีไม่จำเป็นต้องหันไปหาสตูดิโอบันทึกเสียงที่มีชื่อเสียงซึ่งควบคุมช่องทางการจัดจำหน่ายเนื้อหาเพลงส่วนใหญ่อีกต่อไป การลดต้นทุนและความเสี่ยงในการสร้างเนื้อหาดิจิทัลทำให้สามารถทำลายอุปสรรคในการเข้าสู่ตลาดเพลงก่อนหน้านี้ได้ ซึ่งก่อให้เกิดสภาพแวดล้อมที่มีการแข่งขันสูงและเกิดผลงานสร้างสรรค์ใหม่ๆ แต่ในขณะเดียวกัน ผลิตภัณฑ์เพลงกำลัง "รั่วไหล" ออกจากมือของโปรดิวเซอร์ไปสู่สภาพแวดล้อมดิจิทัล ซึ่งพวกเขาควบคุมการจัดจำหน่ายได้น้อยลงมากขึ้น และรายได้จากอุตสาหกรรมก็ลดลง สิ่งนี้ส่งผลต่อแรงจูงใจของบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์ในการสร้างคุณค่าทางวัฒนธรรมใหม่หรือไม่?
รัฐบาลเสริมสร้างการสนับสนุนด้านลิขสิทธิ์
เพื่อความอยู่รอดในวงการเพลง บริษัทแผ่นเสียงถูกบังคับให้ต้องปรับตัวให้เข้ากับเงื่อนไขใหม่แห่งยุคดิจิทัล แต่แทนที่จะสนับสนุนสภาพแวดล้อมการแข่งขันในอุตสาหกรรม รัฐบาลสหรัฐฯ กำลังดำเนินนโยบายภายในประเทศและต่างประเทศที่กระตือรือร้นโดยมีเป้าหมายเพื่อรักษา "สถานะที่เป็นอยู่" ที่มีอยู่ ตัวอย่างที่สำคัญที่สุดของการเสริมสร้างบทบาทของรัฐในการควบคุมทรัพย์สินทางปัญญาในระดับประเทศคือการยอมรับแผนยุทธศาสตร์ทั่วไปเพื่อการคุ้มครองทรัพย์สินทางปัญญาโดยทำเนียบขาวในปี 2553 ซึ่งมีเป้าหมายเพื่อต่อสู้กับการปลอมแปลงมากกว่าการปฏิรูป กฎหมายในด้านการคุ้มครองทรัพย์สินทางปัญญา รวมถึง .h. และลิขสิทธิ์
ในบทความของเขา ศาสตราจารย์ด้านกฎหมายมหาวิทยาลัยทูเลน กลินน์ ลันนีย์ตั้งข้อสังเกตว่าการที่สหรัฐฯ ออกจากแนวทางนีโอคลาสสิกไปสู่การค้าระหว่างประเทศอาจยังเร็วเกินไป ผู้เสนอกฎระเบียบด้านลิขสิทธิ์ที่เข้มงวดขึ้นยืนยันว่าการกระทำดังกล่าวจะส่งผลต่อการเติบโตทางเศรษฐกิจ การสร้างงาน และการเติบโตของรายได้ในอุตสาหกรรมสร้างสรรค์ แต่ผู้สนับสนุนด้านลิขสิทธิ์มักมองข้ามว่ากฎระเบียบด้านลิขสิทธิ์ที่เข้มงวดจะส่งผลกระทบต่อภาคส่วนอื่น ๆ ของเศรษฐกิจอย่างไร
ในฐานะแบบจำลองเชิงวิเคราะห์สำหรับการพิจารณาปฏิสัมพันธ์นี้ มิสเตอร์ลันนีย์แนะนำให้ใช้ความขัดแย้งเรื่องหน้าต่างแตกของเฟรเดริก บาสเทียต ซึ่งถ้าเด็กผู้ชายทำกระจกแตกในร้านขนมปัง ร้านขนมปังจะต้องสั่งแก้วใหม่ ซึ่งจะสร้างความต้องการ ผลิตภัณฑ์ของช่างเป่าแก้วและบริการของช่างกระจก แต่หากแก้วยังอยู่ในสภาพสมบูรณ์ คนทำขนมปังก็จะสามารถซื้อรองเท้าบู๊ตใหม่ได้ด้วยเงินจำนวนนี้ เป็นผลให้เศรษฐกิจเติบโตขึ้น แต่ไม่มีการสร้างมูลค่าใหม่ให้กับคนทำขนมปัง ในทำนองเดียวกันในอุตสาหกรรมสร้างสรรค์แม้ว่าการขยายระบอบลิขสิทธิ์จะสร้างแรงจูงใจใหม่ให้กับการเติบโตทางเศรษฐกิจ แต่ก็ไม่ได้นำไปสู่การสร้างคุณค่าใหม่ให้กับสังคมเสมอไป ซึ่งอาจนำไปสู่การ "สูบฉีด" ทรัพยากรจากภาคส่วนอื่นๆ ของเศรษฐกิจ เป็นต้น
การทำเพลงโดยไม่มีลิขสิทธิ์
ในช่วงทศวรรษแรกของปี 2000 หลังจากการเกิดขึ้นของบริการแบ่งปันไฟล์เพลงครั้งแรก แนปสเตอร์รายได้จากอุตสาหกรรมลดลงมากกว่าครึ่ง (ดูรูปที่ 2)
รูปที่ 2 ปริมาณการขายเพลง (ราคาในปี 2554)
.png)
ก่อนที่จะมีแหล่งเสียงแบบพกพา สัญญาณดิจิตอล และเพลงที่ทันสมัย กระบวนการบันทึกและเล่นเสียงได้พัฒนาไปไกลมาก ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX-XX อุตสาหกรรมดนตรีมีระบบบางอย่าง ซึ่งรวมถึง: กิจกรรมคอนเสิร์ตและการท่องเที่ยว การขายแผ่นเพลงและเครื่องดนตรี ในศตวรรษที่ 19 สินค้าดนตรีรูปแบบหลักคือการพิมพ์ดนตรี ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 การเกิดขึ้นของอุปกรณ์สำหรับบันทึกและสร้างเสียงและผลที่ตามมาของการเกิดขึ้นของ บริษัท แผ่นเสียงทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในโครงสร้างของอุตสาหกรรมเพลงและการเกิดขึ้นของปรากฏการณ์เช่นดนตรี ธุรกิจในช่วงต้นศตวรรษที่ 20
ธรรมชาติของมนุษย์เป็นเช่นนั้นจนเขาไม่สามารถจินตนาการถึงชีวิตที่ปราศจากเสียง ความกลมกลืน และเครื่องดนตรีได้ เป็นเวลาหลายพันปีที่นักดนตรีได้ฝึกฝนทักษะในการเล่นพิณ พิณยิว พิณหรือซิสเตอร์ แต่เพื่อที่จะเป็นที่พอใจของลูกค้าระดับสูง จำเป็นต้องมีวงดนตรีมืออาชีพอยู่เสมอ ดังนั้นจึงมีความจำเป็นในการบันทึกเพลงโดยมีความเป็นไปได้ในการเล่นต่อไปโดยปราศจากการแทรกแซงของมนุษย์ นอกจากนี้ ธุรกิจเพลงยังมีต้นกำเนิดมาจากการบันทึกเสียง
เชื่อกันว่าอุปกรณ์แรกในการสร้างเสียงคือการประดิษฐ์ของนักประดิษฐ์ชาวกรีกโบราณ Ctesibius - "ไฮดราฟลอส" . คำอธิบายแรกของการออกแบบนี้พบได้ในต้นฉบับของนักเขียนโบราณผู้ล่วงลับไปแล้ว - Heron of Alexandria, Vitruvius และ Athenaeus ในปี 875 พี่น้อง Banu Musa ได้ยืมแนวคิดจากต้นฉบับของนักประดิษฐ์ชาวกรีกโบราณได้นำเสนออุปกรณ์อะนาล็อกของพวกเขาสำหรับการสร้างเสียงให้โลกได้รับรู้ - "อวัยวะน้ำ" (รูปที่ 1.2.1.). หลักการทำงานของมันง่ายมาก: ลูกกลิ้งเชิงกลที่หมุนสม่ำเสมอซึ่งมีส่วนที่ยื่นออกมาอย่างชำนาญกระทบกับภาชนะที่มีปริมาณน้ำต่างกัน ซึ่งส่งผลต่อระดับเสียง ส่งผลให้ท่อที่เต็มไปมีเสียง ไม่กี่ปีต่อมาพี่น้องได้นำเสนอ "ขลุ่ยอัตโนมัติ" เครื่องแรกซึ่งการทำงานก็ใช้หลักการของ "อวัยวะน้ำ" เช่นกัน จนถึงศตวรรษที่ 19 สิ่งประดิษฐ์ของพี่น้อง Banu Musa เป็นเพียงวิธีการเดียวที่มีอยู่ในการบันทึกเสียงแบบตั้งโปรแกรมได้
ข้าว. 1.2.1. การประดิษฐ์ของพี่น้องบานู มูซา - "อวัยวะน้ำ"
ตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 ยุคเรอเนซองส์ถูกปกคลุมไปด้วยแฟชั่นสำหรับเครื่องดนตรีกล ขบวนพาเหรดเครื่องดนตรีที่มีหลักการทำงานของพี่น้อง Banu Musa เปิดขึ้น - ออร์แกนถัง นาฬิกาดนตรีเรือนแรกปรากฏในปี 1598 กลางศตวรรษที่ 16 - กล่องดนตรี นอกจากนี้ความพยายามเริ่มแรกในการเผยแพร่เพลงจำนวนมากก็เป็นสิ่งที่เรียกว่า "แผ่นพับเพลงบัลลาด" - บทกวีที่พิมพ์บนกระดาษพร้อมโน้ตที่ด้านบนของแผ่นซึ่งปรากฏครั้งแรกในยุโรปในศตวรรษที่ 16-17 วิธีการแจกจ่ายนี้ไม่ได้ถูกควบคุมโดยใครเลยในขณะนั้น กระบวนการแรกที่มีการควบคุมอย่างมีสติในการกระจายเพลงจำนวนมากคือการจำลองแผ่นเพลง
ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 แนวโน้มการพัฒนาเครื่องดนตรีกลยังคงดำเนินต่อไป เช่น กล่อง กล่องยานัตถุ์ อุปกรณ์ทั้งหมดเหล่านี้มีชุดท่วงทำนองที่จำกัดมากและสามารถสร้างลวดลายขึ้นมาใหม่ซึ่งก่อนหน้านี้ "บันทึกไว้" โดยปรมาจารย์ ไม่สามารถบันทึกเสียงของมนุษย์หรือเสียงเครื่องดนตรีอะคูสติกได้และมีความเป็นไปได้ที่จะทำซ้ำต่อไปจนกระทั่งปี 1857
เครื่องบันทึกเสียงเครื่องแรกของโลกคือ - เครื่องบันทึกเสียง (รูปที่ 1.2.2.)ซึ่งถูกประดิษฐ์ขึ้นในปี พ.ศ. 2400 โดยเอดูอาร์ด ลีออน สก็อตต์ เดอ มาร์ตินวิลล์ หลักการทำงานของเครื่องบันทึกเสียงคือการบันทึกคลื่นเสียงโดยจับการสั่นสะเทือนผ่านแตรเสียงพิเศษซึ่งอยู่ที่ส่วนท้ายของเข็ม ภายใต้อิทธิพลของเสียง เข็มเริ่มสั่นสะเทือน โดยวาดคลื่นเป็นระยะๆ บนลูกกลิ้งแก้วที่กำลังหมุน ซึ่งพื้นผิวของมันถูกปกคลุมด้วยกระดาษหรือเขม่า
ข้าว. 1.2.2.
น่าเสียดายที่สิ่งประดิษฐ์ของ Edward Scott ไม่สามารถทำซ้ำส่วนที่บันทึกไว้ได้ ไม่กี่ปีที่ผ่านมาท่อน 10 วินาทีของการบันทึกเพลงพื้นบ้าน "Moonlight" ซึ่งแสดงโดยนักประดิษฐ์เองเมื่อวันที่ 9 เมษายน พ.ศ. 2403 ถูกพบในเอกสารสำคัญของปารีส ต่อจากนั้น การออกแบบเครื่องบันทึกเสียงได้ถูกนำมาใช้เป็นพื้นฐานสำหรับการสร้างอุปกรณ์อื่นๆ สำหรับการบันทึกและสร้างเสียง
ในปี พ.ศ. 2420 โทมัส เอดิสัน ผู้สร้างหลอดไส้ ได้สร้างอุปกรณ์บันทึกเสียงใหม่เสร็จสมบูรณ์ - เครื่องบันทึกเสียง (รูปที่ 1.2.3.)ซึ่งในอีกหนึ่งปีต่อมาเขาได้จดสิทธิบัตรในแผนกที่เกี่ยวข้องของสหรัฐอเมริกา หลักการทำงานของเครื่องบันทึกเสียงนั้นชวนให้นึกถึงเครื่องบันทึกเสียงของสก็อตต์: ลูกกลิ้งเคลือบขี้ผึ้งทำหน้าที่เป็นพาหะเสียงซึ่งการบันทึกดำเนินการโดยใช้เข็มที่เชื่อมต่อกับเมมเบรนซึ่งเป็นต้นกำเนิดของไมโครโฟน เมื่อจับเสียงผ่านแตรพิเศษ เมมเบรนจะกระตุ้นการทำงานของเข็ม ซึ่งทำให้เกิดรอยเว้าบนลูกกลิ้งขี้ผึ้ง
ข้าว. 1.2.3.
เป็นครั้งแรกที่เสียงที่บันทึกไว้สามารถเล่นได้โดยใช้อุปกรณ์เดียวกันกับที่ใช้บันทึกเสียงนั้น อย่างไรก็ตาม พลังงานกลไม่เพียงพอที่จะบรรลุระดับเสียงที่กำหนด ในเวลานั้น เครื่องบันทึกเสียงของโธมัส เอดิสันทำให้โลกทั้งใบพลิกคว่ำ นักประดิษฐ์หลายร้อยคนเริ่มทดลองใช้วัสดุต่างๆ เพื่อปิดกระบอกพาหะ และในปี พ.ศ. 2449 คอนเสิร์ตออดิชั่นสาธารณะครั้งแรกก็เกิดขึ้น เครื่องบันทึกเสียงของเอดิสันได้รับเสียงปรบมือจากห้องโถงที่อัดแน่น ในปี 1912 โลกได้เห็น แผ่นเสียง ซึ่งใช้ดิสก์แทนลูกกลิ้งแว็กซ์ปกติ ซึ่งทำให้การออกแบบง่ายขึ้นอย่างมาก การปรากฏตัวของแผ่นเสียงดิสก์แม้ว่าจะเป็นประโยชน์ต่อสาธารณะ แต่ก็ไม่พบการใช้งานจริงจากมุมมองของวิวัฒนาการของการบันทึกเสียง
ต่อจากนั้น เริ่มต้นในปี พ.ศ. 2430 นักประดิษฐ์ Emil Berliner ได้พัฒนาวิสัยทัศน์ด้านการบันทึกเสียงของตนเองอย่างแข็งขันโดยใช้อุปกรณ์ของเขาเอง - แผ่นเสียง (รูปที่ 1.2.4.). Emil Berliner เลือกใช้เซลลูลอยด์ที่มีความทนทานมากกว่าแทนถังแวกซ์ หลักการบันทึกยังคงเหมือนเดิม: แตร เสียง การสั่นสะเทือนของเข็ม และการหมุนแผ่นดิสก์ที่สม่ำเสมอ
ข้าว. 1.2.4.
การทดลองที่ดำเนินการด้วยความเร็วการหมุนของแผ่นเสียงที่บันทึกไว้ทำให้สามารถเพิ่มเวลาในการบันทึกด้านหนึ่งของแผ่นเสียงเป็น 2-2.5 นาทีด้วยความเร็วการหมุน 78 รอบต่อนาที แผ่นดิสก์ที่บันทึกไว้ถูกวางไว้ในปกกระดาษแข็งพิเศษ (ไม่ค่อยเป็นหนัง) ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมพวกเขาจึงได้รับชื่อ "อัลบั้ม" ในภายหลัง - ในลักษณะที่ปรากฏพวกเขาชวนให้นึกถึงอัลบั้มภาพถ่ายที่มีสถานที่ท่องเที่ยวในเมืองซึ่งจำหน่ายทุกที่ในยุโรป
แผ่นเสียงที่ยุ่งยากถูกแทนที่ด้วยอุปกรณ์ที่ได้รับการปรับปรุงและแก้ไขในปี 1907 โดย Guillon Kemmler - แผ่นเสียง (รูปที่ 1.2.5.).
ข้าว. 1.2.5.
อุปกรณ์นี้มีเขาเล็กๆ ติดอยู่ในตัว โดยสามารถวางอุปกรณ์ทั้งหมดไว้ในกระเป๋าเดินทางขนาดกะทัดรัดใบเดียว ซึ่งนำไปสู่การแพร่หลายอย่างรวดเร็วของแผ่นเสียง ในช่วงทศวรรษที่ 1940 อุปกรณ์รุ่นกะทัดรัดมากขึ้นปรากฏขึ้น - มินิแผ่นเสียงซึ่งได้รับความนิยมเป็นพิเศษในหมู่ทหาร
การปรากฏตัวของแผ่นเสียงได้ขยายตลาดเพลงอย่างมีนัยสำคัญเนื่องจากผู้ฟังสามารถซื้อแผ่นเสียงได้ไม่เหมือนกับแผ่นเพลง เป็นเวลาหลายปีที่แผ่นเสียงเป็นสื่อบันทึกหลักและผลิตภัณฑ์ดนตรีหลัก แผ่นเสียงเปิดทางให้กับสื่อดนตรีอื่นๆ ในช่วงทศวรรษ 1980 เท่านั้น ตั้งแต่ต้นทศวรรษ 1990 และจนถึงทุกวันนี้ ยอดขายแผ่นเสียงคิดเป็นเพียงไม่กี่หรือเศษของเปอร์เซ็นต์ของมูลค่าการซื้อขายผลิตภัณฑ์เครื่องเสียงทั้งหมด แต่แม้ว่ายอดขายจะลดลง แต่บันทึกก็ไม่หายไปและยังคงรักษากลุ่มผู้ชมที่ไม่มีนัยสำคัญและมีขนาดเล็กในหมู่ผู้รักดนตรีและนักสะสมมาจนถึงทุกวันนี้
การถือกำเนิดของไฟฟ้าถือเป็นจุดเริ่มต้นของขั้นตอนใหม่ในวิวัฒนาการของการบันทึกเสียง เริ่มดำเนินการในปี พ.ศ. 2468 - “ยุคบันทึกไฟฟ้า” โดยใช้ไมโครโฟนและมอเตอร์ไฟฟ้า (แทนกลไกสปริง) เพื่อหมุนบันทึก คลังแสงของอุปกรณ์ที่ให้ทั้งการบันทึกเสียงและการเล่นเพิ่มเติมได้รับการเติมเต็มด้วยแผ่นเสียงเวอร์ชันดัดแปลง - อิเล็กทรอนิกส์ (รูปที่ 1.2.6.).
ข้าว. 1.2.6.
การถือกำเนิดของแอมพลิฟายเออร์ทำให้สามารถยกระดับการบันทึกเสียงไปอีกระดับ: ระบบอิเล็กโทรอะคูสติกได้รับลำโพง และความจำเป็นในการบังคับเสียงผ่านแตรกลายเป็นเรื่องในอดีต ความพยายามทางกายภาพทั้งหมดของบุคคลเริ่มดำเนินการโดยพลังงานไฟฟ้า การเปลี่ยนแปลงทั้งหมดนี้และการเปลี่ยนแปลงอื่น ๆ ได้ปรับปรุงความสามารถด้านเสียงและยังเพิ่มบทบาทของโปรดิวเซอร์ในกระบวนการบันทึกเสียงซึ่งทำให้สถานการณ์ในตลาดเพลงเปลี่ยนแปลงไปอย่างสิ้นเชิง
ควบคู่ไปกับอุตสาหกรรมการบันทึกเสียง วิทยุก็เริ่มมีการพัฒนาเช่นกัน วิทยุกระจายเสียงทั่วไปเริ่มขึ้นในคริสต์ทศวรรษ 1920 ในตอนแรก นักแสดง นักร้อง และวงออเคสตราได้รับเชิญให้เผยแพร่เทคโนโลยีใหม่ทางวิทยุ และสิ่งนี้ทำให้เกิดความต้องการวิทยุอย่างมาก วิทยุกลายเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับผู้ชมจำนวนมากและเป็นคู่แข่งของอุตสาหกรรมเครื่องบันทึกเสียง อย่างไรก็ตามในไม่ช้าก็มีการค้นพบการพึ่งพาโดยตรงต่อเสียงของบันทึกที่ออกอากาศและยอดขายที่เพิ่มขึ้นของบันทึกเหล่านี้ในร้านค้า มีความต้องการนักวิจารณ์ดนตรีเพิ่มมากขึ้น ซึ่งเรียกว่า "นักจัดรายการเพลง" ซึ่งไม่เพียงแต่ใส่แผ่นเสียงลงในเครื่องเล่นเท่านั้น แต่ยังช่วยโปรโมตการบันทึกใหม่ในตลาดเพลงด้วย
ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 โมเดลพื้นฐานของอุตสาหกรรมดนตรีมีการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญ การบันทึกเสียง วิทยุ และความก้าวหน้าอื่น ๆ ในความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีได้ขยายกลุ่มผู้ฟังดั้งเดิมของธุรกิจเพลงออกไปอย่างมาก และมีส่วนทำให้เกิดการเกิดขึ้นและการแพร่กระจายของแนวดนตรีและเทรนด์ใหม่ ๆ เช่น ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ พวกเขานำเสนอผลิตภัณฑ์ที่น่าสนใจยิ่งขึ้นแก่สาธารณชนและปรับให้เข้ากับรูปแบบทั่วไปในศตวรรษที่ 19
ปัญหาหลักอย่างหนึ่งของอุปกรณ์บันทึกเสียงในยุคนั้นคือระยะเวลาของการบันทึกเสียงซึ่ง Alexander Shorin นักประดิษฐ์ชาวโซเวียตแก้ไขเป็นครั้งแรก ในปีพ.ศ. 2473 เขาเสนอให้ใช้ฟิล์มเป็นเครื่องบันทึกการปฏิบัติงาน โดยผ่านเครื่องบันทึกไฟฟ้าด้วยความเร็วคงที่ มีชื่ออุปกรณ์ว่า โชริโนโฟน แต่คุณภาพของการบันทึกยังคงเหมาะสมสำหรับการสร้างเสียงพูดเพิ่มเติมเท่านั้น สามารถบันทึกประมาณ 1 ชั่วโมงบนฟิล์ม 20 เมตรได้แล้ว
เสียงสะท้อนสุดท้ายของการบันทึกระบบเครื่องกลไฟฟ้าคือสิ่งที่เรียกว่า "กระดาษพูด" ซึ่งเสนอในปี 1931 โดยวิศวกรโซเวียต B.P. สวอร์ตซอฟ. การสั่นของเสียงถูกบันทึกลงบนกระดาษธรรมดาโดยใช้ปากกาเขียนด้วยหมึกสีดำ กระดาษดังกล่าวสามารถคัดลอกและถ่ายโอนได้อย่างง่ายดาย ในการเล่นสิ่งที่บันทึกไว้ มีการใช้โคมไฟทรงพลังและโฟโตเซลล์ ในช่วงทศวรรษที่ 1940 ศตวรรษที่ผ่านมาถูกยึดครองโดยวิธีการบันทึกเสียงแบบใหม่ - แม่เหล็ก
ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาการบันทึกเสียงแบบแม่เหล็กแทบจะตลอดเวลาดำเนินไปพร้อมกับวิธีการบันทึกแบบกลไก แต่ยังคงอยู่ในเงามืดจนถึงปี 1932 ย้อนกลับไปเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 โดยได้รับแรงบันดาลใจจากการประดิษฐ์ของโธมัส เอดิสัน วิศวกรชาวอเมริกัน โอเบอร์ลิน สมิธ ศึกษาเรื่องการบันทึกเสียง ในปี พ.ศ. 2431 มีการตีพิมพ์บทความเกี่ยวกับการใช้ปรากฏการณ์แม่เหล็กในการบันทึกเสียง หลังจากการทดลองสิบปี วิศวกรชาวเดนมาร์ก Waldemar Poulsen ได้รับสิทธิบัตรในปี พ.ศ. 2441 ในการใช้ลวดเหล็กเป็นตัวพาเสียง นี่คือลักษณะของอุปกรณ์บันทึกเสียงเครื่องแรกซึ่งใช้หลักการของแม่เหล็ก - โทรเลข . ในปี 1924 นักประดิษฐ์ Kurt Stille ได้ปรับปรุงผลงานของ Waldemar Poulsen และสร้างเครื่องบันทึกเสียงที่ใช้เทปแม่เหล็กเครื่องแรก บริษัท AEG เข้ามาแทรกแซงในการพัฒนาการบันทึกเสียงแบบแม่เหล็กเพิ่มเติม โดยเปิดตัวอุปกรณ์ในกลางปี 1932 เครื่องบันทึกเทป-K 1 (รูปที่ 1.2.7.) .
ข้าว. 1.2.7.
ด้วยการใช้เหล็กออกไซด์เป็นสารเคลือบฟิล์ม BASF ได้ปฏิวัติโลกแห่งการบันทึกเสียง ด้วยการใช้กระแสสลับ วิศวกรจึงได้คุณภาพเสียงใหม่เอี่ยม ตั้งแต่ปี 1930 ถึง 1970 ตลาดโลกมีการนำเสนอเครื่องบันทึกเทปแบบม้วนต่อม้วนซึ่งมีรูปแบบที่หลากหลายและมีความสามารถที่หลากหลาย เทปแม่เหล็กเปิดประตูแห่งความคิดสร้างสรรค์ให้กับโปรดิวเซอร์ วิศวกร และนักแต่งเพลงหลายพันราย ที่สามารถทดลองกับการบันทึกเสียงที่ไม่ได้อยู่ในระดับอุตสาหกรรม แต่ทำได้ในอพาร์ตเมนต์ของตนเอง
การทดลองดังกล่าวได้รับการอำนวยความสะดวกเพิ่มเติมโดยการเกิดขึ้นในช่วงกลางทศวรรษ 1950 เครื่องบันทึกเทปแบบหลายแทร็ก สามารถบันทึกแหล่งกำเนิดเสียงหลายแหล่งบนเทปแม่เหล็กอันเดียวได้ในคราวเดียว ในปี พ.ศ. 2506 มีการเปิดตัวเครื่องบันทึกเทป 16 แทร็กในปี พ.ศ. 2517 - เครื่องบันทึกเทป 24 แทร็กและ 8 ปีต่อมา Sony ได้เสนอรูปแบบการบันทึกดิจิทัลที่ได้รับการปรับปรุงสำหรับรูปแบบ DASH บนเครื่องบันทึกเทป 24 แทร็ก
ในปี 1963 Philips ได้เปิดตัวผลิตภัณฑ์แรก คาสเซ็ตขนาดกะทัดรัด (รูปที่ 1.2.8.)ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นรูปแบบมวลหลักสำหรับการสร้างเสียง ในปี 1964 มีการเปิดตัวการผลิตตลับเทปขนาดกะทัดรัดจำนวนมากในเมืองฮันโนเวอร์ ในปี พ.ศ. 2508 Philips ได้เริ่มการผลิตเทปเพลง และในเดือนกันยายน พ.ศ. 2509 ผลิตภัณฑ์แรกจากการทดลองทางอุตสาหกรรมสองปีของบริษัทก็ได้วางจำหน่ายในสหรัฐอเมริกา การออกแบบที่ไม่น่าเชื่อถือและความยากลำบากที่เกิดขึ้นกับการบันทึกเพลงทำให้ผู้ผลิตต้องค้นหาสื่อบันทึกข้อมูลอ้างอิงเพิ่มเติม การค้นหาเหล่านี้ได้ผลดีสำหรับ Advent Corporation ซึ่งในปี 1971 ได้เปิดตัวเทปแม่เหล็กที่ใช้เทปแม่เหล็ก ซึ่งการผลิตใช้โครเมียมออกไซด์
ข้าว. 1.2.8.
นอกจากนี้ การถือกำเนิดของเทปแม่เหล็กในฐานะสื่อบันทึกเสียงทำให้ผู้ใช้มีโอกาสทำซ้ำการบันทึกได้อย่างอิสระก่อนหน้านี้ เนื้อหาของเทปสามารถคัดลอกไปยังม้วนหรือเทปอื่นได้ ดังนั้นจึงได้สำเนาที่ไม่ถูกต้อง 100% แต่ค่อนข้างเหมาะสำหรับการฟัง นับเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ที่สื่อและเนื้อหาในนั้นไม่เป็นผลิตภัณฑ์เดียวและแยกจากกันไม่ได้ ความสามารถในการทำซ้ำการบันทึกที่บ้านได้เปลี่ยนแปลงการรับรู้และการเผยแพร่เพลงในหมู่ผู้ใช้ปลายทาง แต่การเปลี่ยนแปลงไม่ได้รุนแรงมากนัก คนยังคงซื้อเทปคาสเซ็ทเพราะสะดวกกว่ามากและไม่แพงกว่าการถ่ายเอกสารมากนัก ในช่วงทศวรรษ 1980 จำนวนแผ่นเสียงที่ขายได้มากกว่าเทปคาสเซ็ต 3-4 เท่า แต่ในปี 1983 พวกเขาแบ่งตลาดเท่าๆ กัน ยอดขายเทปคาสเซ็ตขนาดกะทัดรัดพุ่งสูงสุดในช่วงกลางทศวรรษ 1980 และยอดขายลดลงอย่างเห็นได้ชัดเริ่มขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1990 เท่านั้น .
ต่อมาแนวคิดเรื่องการบันทึกเสียงซึ่งโธมัส เอดิสันวางลงในปลายศตวรรษที่ 19 ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ได้นำไปสู่การใช้ลำแสงเลเซอร์ ดังนั้นจึงมีการใช้เทปแม่เหล็กแทน “ยุคแห่งการบันทึกเสียงด้วยแสงเลเซอร์” . การบันทึกเสียงด้วยแสงนั้นใช้หลักการของการสร้างรางเกลียวบนคอมแพคดิสก์ ซึ่งประกอบด้วยพื้นที่เรียบและหลุม ยุคเลเซอร์ทำให้สามารถแสดงคลื่นเสียงเป็นค่าผสมที่ซับซ้อนระหว่างศูนย์ (พื้นที่เรียบ) และศูนย์ (หลุม)
ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2522 ฟิลิปส์ได้สาธิตซีดีต้นแบบชุดแรก และอีกหนึ่งสัปดาห์ต่อมาข้อกังวลของชาวดัตช์ได้ทำข้อตกลงกับบริษัท Sony ของญี่ปุ่น โดยอนุมัติมาตรฐานใหม่สำหรับแผ่นดิสก์เสียงซึ่งเริ่มผลิตในปี พ.ศ. 2524 ซีดีเป็นสื่อบันทึกภาพในรูปแบบแผ่นพลาสติกที่มีรูตรงกลาง ต้นแบบของสื่อนี้คือ แผ่นเสียง ซีดีบรรจุเสียงคุณภาพสูงได้นาน 72 นาที และมีขนาดเล็กกว่าแผ่นเสียงไวนิลอย่างมาก โดยมีเส้นผ่านศูนย์กลางเพียง 12 ซม. เทียบกับแผ่นไวนิล 30 ซม. โดยมีความจุเกือบสองเท่า ไม่ต้องสงสัยเลยว่าสิ่งนี้ทำให้ใช้งานได้สะดวกยิ่งขึ้น
ในปี 1982 Philips ได้เปิดตัวเครื่องเล่นซีดีเครื่องแรกซึ่งเหนือกว่าสื่อที่นำเสนอก่อนหน้านี้ทั้งหมดในแง่ของคุณภาพการเล่น อัลบั้มเชิงพาณิชย์ชุดแรกที่บันทึกบนสื่อดิจิทัลใหม่คือ "The Visitors" ในตำนานของ ABBA ซึ่งประกาศเมื่อวันที่ 20 มิถุนายน พ.ศ. 2525 และในปี พ.ศ. 2527 Sony ได้เปิดตัว เครื่องเล่นซีดีพกพาเครื่องแรก - โซนี่ ดิสแมน D-50 (รูปที่ 1.2.9.)ซึ่งราคาในขณะนั้นอยู่ที่ 350 ดอลลาร์
ข้าว. 1.2.9.
ในปี 1987 ยอดขายซีดีมีมากกว่ายอดขายแผ่นเสียง และในปี 1991 ซีดีได้เข้ามาแทนที่ตลับเทปขนาดกะทัดรัดจากตลาดไปอย่างมาก ในระยะเริ่มแรกซีดียังคงรักษาแนวโน้มหลักในการพัฒนาตลาดเพลง - เป็นไปได้ที่จะใส่เครื่องหมายที่เท่ากันระหว่างการบันทึกเสียงและผู้ให้บริการ คุณสามารถฟังเพลงจากแผ่นดิสก์ที่บันทึกจากโรงงานเท่านั้น แต่การผูกขาดนี้ไม่ได้ถูกกำหนดให้คงอยู่ยาวนาน
การพัฒนาเพิ่มเติมในยุคของคอมแพคดิสก์แบบเลเซอร์ออปติคัลนำไปสู่การเกิดขึ้นของมาตรฐาน DVD-Audio ในปี 1998 โดยเข้าสู่ตลาดเครื่องเสียงด้วยช่องสัญญาณเสียงที่แตกต่างกัน (จากโมโนถึงห้าแชนเนล) เริ่มต้นในปี 1998 Philips และ Sony ได้ส่งเสริมรูปแบบคอมแพคดิสก์ทางเลือก Super Audio CD แผ่นดิสก์แบบสองช่องสัญญาณทำให้สามารถจัดเก็บเสียงได้นานถึง 74 นาทีทั้งในรูปแบบสเตอริโอและหลายช่องสัญญาณ ความสามารถ 74 นาทีถูกกำหนดโดยนักร้องโอเปร่า ผู้ควบคุมวง และผู้แต่งเพลง Noria Oga ซึ่งในขณะนั้นดำรงตำแหน่งรองประธานของ Sony Corporation ด้วย ควบคู่ไปกับการพัฒนาซีดี การผลิตหัตถกรรม - สื่อคัดลอก - ก็พัฒนาอย่างต่อเนื่องเช่นกัน เป็นครั้งแรกที่บริษัทแผ่นเสียงเริ่มคิดถึงความจำเป็นในการปกป้องข้อมูลดิจิทัลโดยใช้การเข้ารหัสและลายน้ำ
แม้ว่าซีดีจะมีความหลากหลายและใช้งานง่าย แต่ก็มีข้อเสียที่น่าประทับใจมากมาย หนึ่งในสาเหตุหลักคือความเปราะบางมากเกินไปและความจำเป็นในการจัดการอย่างระมัดระวัง เวลาในการบันทึกสื่อซีดียังมีจำกัดอย่างมาก และอุตสาหกรรมการบันทึกเสียงก็มองหาทางเลือกอื่นอย่างเข้มข้น การปรากฏตัวของมินิดิสก์แมกนีโตออปติคอลในตลาดไม่มีใครสังเกตเห็นจากแฟนเพลงทั่วไป มินิดิสก์(รูปที่ 1.2.10.)- พัฒนาโดย Sony เมื่อปี 1992 ยังคงเป็นทรัพย์สินของวิศวกรเสียง นักแสดง และบุคคลที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับกิจกรรมบนเวที
ข้าว. 1.2.10.
เมื่อบันทึกมินิดิสก์ จะใช้หัวแมกนีโตออปติคัลและลำแสงเลเซอร์ โดยตัดผ่านพื้นที่ที่มีชั้นแมกนีโตออปติคัลที่อุณหภูมิสูง ข้อได้เปรียบหลักของมินิดิสก์เหนือซีดีทั่วไปคือความปลอดภัยที่ดีขึ้นและอายุการใช้งานที่ยาวนานขึ้น ในปี 1992 Sony ได้เปิดตัวเครื่องเล่นตัวแรกสำหรับรูปแบบสื่อมินิดิสก์ โมเดลเครื่องเล่นได้รับความนิยมเป็นพิเศษในญี่ปุ่น แต่นอกประเทศ ทั้งเครื่องเล่น Sony MZ1 ที่เกิดครั้งแรกและผู้สืบทอดที่ปรับปรุงแล้วไม่ได้รับการยอมรับ ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งการฟังซีดีหรือมินิดิสก์เหมาะกว่าสำหรับการใช้งานแบบอยู่กับที่โดยเฉพาะ
ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 20 ก็มาถึง "ยุคแห่งเทคโนโลยีชั้นสูง" . การถือกำเนิดของคอมพิวเตอร์ส่วนบุคคลและอินเทอร์เน็ตทั่วโลกเปิดโอกาสใหม่อย่างสมบูรณ์และเปลี่ยนแปลงสถานการณ์ในตลาดเพลงอย่างมีนัยสำคัญ ในปี 1995 สถาบัน Fraunhofer ได้พัฒนารูปแบบการบีบอัดเสียงที่ปฏิวัติวงการ - MPEG 1 ออดิโอเลเยอร์ 3 ซึ่งถูกย่อให้เหลือ MP3 ปัญหาหลักของต้นทศวรรษ 1990 ในด้านสื่อดิจิทัลคือพื้นที่ดิสก์ไม่เพียงพอที่จะรองรับองค์ประกอบดิจิทัล ขนาดเฉลี่ยของฮาร์ดไดรฟ์ของคอมพิวเตอร์ส่วนบุคคลที่มีความซับซ้อนที่สุดในขณะนั้นแทบจะไม่เกินหลายสิบเมกะไบต์
ในปี 1997 ผู้เล่นซอฟต์แวร์รายแรกเข้าสู่ตลาด - “วินแอมป์” ซึ่งพัฒนาโดย Nullsoft การเกิดขึ้นของตัวแปลงสัญญาณ mp3 และการสนับสนุนเพิ่มเติมจากผู้ผลิตเครื่องเล่นซีดี ส่งผลให้ยอดขายซีดีลดลงอย่างค่อยเป็นค่อยไป การเลือกระหว่างคุณภาพเสียง (ซึ่งผู้บริโภคส่วนน้อยสัมผัสจริง) และจำนวนเพลงสูงสุดที่เป็นไปได้ที่สามารถบันทึกลงในซีดีแผ่นเดียว (โดยเฉลี่ยความแตกต่างคือประมาณ 6-7 ครั้ง) ผู้ฟังเลือกอย่างหลัง
ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา สถานการณ์เปลี่ยนแปลงไปอย่างมาก ในปี 1999 Sean Fanning วัย 18 ปี ได้สร้างบริการพิเศษที่เรียกว่า - "แน็ปสเตอร์" ซึ่งสร้างความสั่นสะเทือนไปทั่วยุคธุรกิจเพลง ด้วยความช่วยเหลือของบริการนี้ ทำให้สามารถแลกเปลี่ยนเพลง บันทึก และเนื้อหาดิจิทัลอื่น ๆ ได้โดยตรงผ่านทางอินเทอร์เน็ต สองปีต่อมาบริการนี้ถูกปิดเนื่องจากการละเมิดลิขสิทธิ์โดยอุตสาหกรรมเพลง แต่มีการเปิดตัวกลไกและยุคของดนตรีดิจิทัลยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่องอย่างควบคุมไม่ได้: เครือข่ายเพียร์ทูเพียร์หลายร้อยเครือข่ายซึ่งดำเนินการได้ยากมากอย่างรวดเร็ว ควบคุม.
การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในวิธีที่เรารับและฟังเพลงเกิดขึ้นเมื่อองค์ประกอบสามอย่างมารวมกัน: คอมพิวเตอร์ส่วนบุคคล อินเทอร์เน็ต และเครื่องเล่นแฟลชแบบพกพา (อุปกรณ์พกพาที่สามารถเล่นแทร็กเพลงที่บันทึกไว้ในฮาร์ดไดรฟ์ในตัวหรือหน่วยความจำแฟลช) ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2544 Apple ปรากฏตัวในตลาดเพลงโดยแนะนำโลกให้รู้จักกับเครื่องเล่นสื่อแบบพกพารุ่นใหม่รุ่นแรก - ไอพอด (รูปที่ 1.2.11.)ซึ่งมาพร้อมกับหน่วยความจำแฟลชขนาด 5 GB และยังรองรับการเล่นรูปแบบเสียงเช่น MP3, WAV, AAC และ AIFF ขนาดเทียบได้กับตลับเทปขนาดกะทัดรัดสองตลับที่พับติดกัน นอกเหนือจากการเปิดตัวแนวคิดของเครื่องเล่น Flash ใหม่แล้ว Steve Jobs ซีอีโอของบริษัทยังได้พัฒนาสโลแกนที่น่าสนใจ - "1,000 เพลงในกระเป๋าของคุณ" (แปลจากภาษาอังกฤษ - 1,000 เพลงในกระเป๋าของคุณ) ในเวลานั้นอุปกรณ์นี้ถือเป็นการปฏิวัติอย่างแท้จริง
ข้าว. 1.2.11.
นอกจากนี้ในปี 2546 Apple ได้เสนอวิสัยทัศน์ของตนเองในการเผยแพร่สำเนาเพลงดิจิทัลที่ถูกกฎหมายผ่านทางอินเทอร์เน็ตผ่านร้านเพลงออนไลน์ของตนเอง - ไอทูนสโตร์ . ในขณะนั้นฐานข้อมูลรวมของเพลงในร้านค้าออนไลน์นี้มีมากกว่า 200,000 เพลง ปัจจุบันตัวเลขนี้มีเกิน 20 ล้านเพลง ด้วยการลงนามข้อตกลงกับผู้นำในอุตสาหกรรมการบันทึกเสียง เช่น Sony BMG Music Entertainment, Universal Music Group International, EMI และ Warner Music Group ทำให้ Apple ได้เปิดหน้าใหม่ในประวัติศาสตร์ของการบันทึกเสียง
ดังนั้น คอมพิวเตอร์ส่วนบุคคลจึงกลายเป็นวิธีการประมวลผลและทำซ้ำการบันทึกเสียง เครื่องเล่นแฟลชจึงกลายเป็นวิธีการฟังที่เป็นสากล และอินเทอร์เน็ตก็ทำหน้าที่เป็นวิธีการเฉพาะในการเผยแพร่เพลง เป็นผลให้ผู้ใช้ได้รับอิสระในการดำเนินการอย่างสมบูรณ์ ผู้ผลิตอุปกรณ์ได้พบกับผู้บริโภคครึ่งทางด้วยการให้การสนับสนุนการเล่นรูปแบบเสียง MP3 ที่ถูกบีบอัด ไม่เพียงแต่ในเครื่องเล่นแฟลชเท่านั้น แต่ยังในอุปกรณ์ AV ทั้งหมด ตั้งแต่ศูนย์ดนตรี โฮมเธียเตอร์ และปิดท้ายด้วยการแปลงเครื่องเล่นซีดีเป็นเครื่องเล่น CD/MP3 ด้วยเหตุนี้ การบริโภคดนตรีจึงเริ่มเติบโตในอัตราที่น่าทึ่ง และผลกำไรของผู้ถือลิขสิทธิ์ก็เริ่มลดลงอย่างต่อเนื่องเช่นกัน สถานการณ์ไม่สามารถเปลี่ยนแปลงได้ด้วยรูปแบบดิสก์ SACD ใหม่ขั้นสูงกว่า ซึ่งออกแบบมาเพื่อแทนที่ซีดี คนส่วนใหญ่ชอบนวัตกรรมเหล่านี้มากกว่าเสียงที่ถูกบีบอัดและนวัตกรรมที่ปฏิวัติวงการอื่นๆ เช่น เครื่องเล่นเพลง iPod และแอนะล็อกอื่นๆ อีกมากมาย
การใช้ระบบการสร้างสัญญาณเสียงที่ง่ายที่สุดบนคอมพิวเตอร์ส่วนบุคคล เพลงคอมพิวเตอร์เริ่มถูกสร้างขึ้นในปริมาณมหาศาล อินเทอร์เน็ตพร้อมกับเทคโนโลยีดิจิทัลทำให้โปรดิวเซอร์สามารถสร้างและเผยแพร่เพลงของตนเองได้ ศิลปินใช้เครือข่ายในการโปรโมตและจำหน่ายอัลบั้ม ผู้ใช้สามารถรับการบันทึกเพลงเกือบทุกชิ้นได้อย่างรวดเร็ว และสร้างคอลเลกชั่นเพลงของตนเองโดยไม่ต้องออกจากบ้าน อินเทอร์เน็ตได้ขยายตลาด เพิ่มความหลากหลายของเนื้อหาทางดนตรี และมีส่วนในการนำเทคโนโลยีดิจิทัลมาใช้อย่างแข็งขันในธุรกิจเพลง
ยุคของเทคโนโลยีชั้นสูงส่งผลกระทบอย่างมากต่อวัฒนธรรมดนตรี มีส่วนทำให้เกิดการเกิดขึ้นและการพัฒนาต่อไปของอุตสาหกรรมเพลง และเป็นผลให้การพัฒนาธุรกิจเพลง ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ก็มีทางเลือกอื่นเกิดขึ้นสำหรับศิลปินในการเข้าสู่ตลาดเพลงโดยไม่ต้องมีบริษัทแผ่นเสียงขนาดใหญ่เข้าร่วม รูปแบบการจำหน่ายสินค้าแบบเก่ากำลังถูกคุกคาม ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา 95% ของเพลงบนอินเทอร์เน็ตถูกละเมิดลิขสิทธิ์ เพลงไม่มีการขายอีกต่อไป แต่มีการแลกเปลี่ยนอย่างอิสระบนอินเทอร์เน็ต การต่อสู้กับการละเมิดลิขสิทธิ์กำลังดำเนินไปในสัดส่วนที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน เนื่องจากค่ายเพลงสูญเสียผลกำไร อุตสาหกรรมคอมพิวเตอร์สร้างรายได้มากกว่าอุตสาหกรรมเพลง และทำให้สามารถใช้เพลงเป็นผลิตภัณฑ์เพื่อส่งเสริมการขายทางดิจิทัลได้ การไม่มีตัวตนและความสม่ำเสมอของเนื้อหาทางดนตรีและนักแสดงได้นำไปสู่ความอิ่มตัวของตลาดและความโดดเด่นของฟังก์ชันพื้นหลังในดนตรี
สถานการณ์ที่พัฒนาขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 21 ในหลาย ๆ ด้านชวนให้นึกถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในวงการเพลงในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 เมื่อเทคโนโลยีใหม่ ๆ ทำลายประเพณีที่เป็นที่ยอมรับและแผ่นเสียงและวิทยุก็หยั่งรากลึกในดนตรี ธุรกิจ. สิ่งนี้นำไปสู่ความจริงที่ว่าในช่วงกลางศตวรรษอุตสาหกรรมดนตรีได้สร้างโครงสร้างพื้นฐานที่เกือบจะใหม่ซึ่งถือเป็น "ยุคแห่งเทคโนโลยีชั้นสูง" ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 20 และ 21 มีผลเสีย
ดังนั้นจึงควรสรุปได้ว่าประวัติศาสตร์ทั้งหมดของการพัฒนาผู้ให้บริการข้อมูลเสียงนั้นขึ้นอยู่กับพันธุกรรมของความสำเร็จของขั้นตอนก่อนหน้า กว่า 150 ปีที่ผ่านมา วิวัฒนาการของเทคโนโลยีอุตสาหกรรมเพลงมีการพัฒนาและการเปลี่ยนแปลงมาอย่างยาวนาน ในช่วงเวลานี้ อุปกรณ์บันทึกเสียงและเล่นเสียงขั้นสูงใหม่ๆ ปรากฏขึ้นซ้ำแล้วซ้ำเล่า ตั้งแต่เครื่องอัดเสียงไปจนถึงคอมแพคดิสก์ การบันทึกครั้งแรกบนออปติคอลซีดีและการพัฒนาอย่างรวดเร็วของไดรฟ์ HDD ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 ในเวลาเพียงหนึ่งทศวรรษ พวกเขาได้บดขยี้การแข่งขันของรูปแบบการบันทึกแบบอะนาล็อกหลายรูปแบบ แม้ว่าแผ่นดิสก์เพลงแบบออปติคัลแผ่นแรกจะไม่มีความแตกต่างในเชิงคุณภาพจากแผ่นเสียงไวนิล แต่ความกะทัดรัด ความคล่องตัว และการพัฒนาเพิ่มเติมของทิศทางดิจิทัลคาดว่าจะยุติยุคของรูปแบบแอนะล็อกสำหรับการใช้งานจำนวนมาก เทคโนโลยีชั้นสูงยุคใหม่กำลังเปลี่ยนแปลงโลกของธุรกิจเพลงอย่างรวดเร็วและสำคัญ
การบรรยาย - Sergei Tyncu
น่าทึ่งมาก แต่หลายๆ คนยังไม่รู้ว่าวงการเพลงดำเนินไปอย่างไรในปัจจุบัน ดังนั้นฉันจะพยายามอธิบายทุกอย่างโดยสรุป และถ้าคุณไม่เข้าใจว่าอุตสาหกรรมคืออะไร ในต่างประเทศก็เข้าใจว่าเป็นธุรกิจ นั่นคือเรากำลังพูดถึงวิธีการทำงานของธุรกิจเพลงหรืออุตสาหกรรมเพลง ลองนึกถึงเรื่องนี้สักครั้ง อุตสาหกรรมก็คือธุรกิจ
เช่นเดียวกับอุตสาหกรรมอื่นๆ วงการเพลงผลิตและจำหน่ายผลิตภัณฑ์ และสินค้าชิ้นนี้คือคอนเสิร์ต ก่อนหน้านี้ผลิตภัณฑ์เคยเป็นบันทึก แต่ปัจจุบันนี้ไม่เกี่ยวข้องอีกต่อไป ตอนนี้สินค้าเป็นเพียงคอนเสิร์ต ทำไมต้องมีคอนเสิร์ต? เพราะนักดนตรีทำเงินจากคอนเสิร์ตและผู้ฟังก็เสียเงินซื้อคอนเสิร์ต
ดังนั้น เป้าหมายหลักของอุตสาหกรรมคือการเข้าใจความต้องการของผู้ชม (ในพื้นที่ที่กำหนด) สำหรับคอนเสิร์ตในรูปแบบ สไตล์ และป้ายราคาเฉพาะ อุตสาหกรรมเองไม่ได้สนใจว่าเพลงอะไรและนักดนตรีขายอะไร แค่มาขายดีกว่า.. เหมือนอยู่ในบาร์เลย เจ้าของบาร์ที่เพียงพอไม่สนใจว่าเขาขายเบียร์ประเภทใด และเขาจะบรรจุเบียร์ที่มีความต้องการมากกว่าและมีรายได้มากกว่า - ซื้อถูกกว่าและขายแพงกว่า
เพื่อให้ศิลปินเข้าสู่วงการเพลง จงอยู่ตรงนั้นและประสบความสำเร็จ... สิ่งเดียวที่คุณต้องการคือการเป็นที่ต้องการ ก็เหมือนกับผลิตภัณฑ์ใดๆ ในตลาดใดๆ หากมีความต้องการงานของคุณ คุณจะอยู่ในอุตสาหกรรมนี้ หากไม่มีความต้องการคุณก็จะไม่อยู่ที่นั่น วงการนี้สนใจศิลปินที่นำเงินมาให้คนมาดู
กฎหมายนี้ใช้ได้ทั้งกับสนามกีฬาขนาดใหญ่ในอเมริกาและร้านเหล้าขนาดเล็กในภูมิภาคซามารา วงการเพลงก็เหมือนกันทุกที่
โปรดทราบว่าคุณไม่จำเป็นต้องเป็นคนดี แต่คุณเพียงแค่ต้องเป็นที่ต้องการเท่านั้น แต่ที่นี่คนมักคิดว่าหากสินค้า (นักดนตรี) ดี ก็ต้องเป็นที่ต้องการ และนี่คือสิ่งที่แตกต่างกัน และแนวคิดเรื่อง "ดี" เป็นเรื่องส่วนตัวมาก แต่แนวคิดของ "ความต้องการ" สามารถสัมผัสได้ด้วยมือของคุณและวัดจากจำนวนผู้ชมและเงินที่พวกเขานำมา
อุตสาหกรรมประกอบด้วยผู้เข้าร่วมหลัก 3 คน ได้แก่ สถานที่จัดคอนเสิร์ต ศิลปิน และผู้ชม และสิ่งสำคัญคือผู้ชม เพราะสิ่งทั้งหมดนี้มีอยู่ด้วยเงินของผู้ชม เขาจ่ายทุกอย่าง สถานที่จัดคอนเสิร์ตและศิลปินใช้ชีวิตด้วยเงินของเขา เขาเรียกทำนองทุกความหมายและจ่ายค่าเลี้ยง
อุตสาหกรรมไม่สนใจว่าศิลปินจะได้รับความนิยมและความเกี่ยวข้องได้อย่างไร (นี่เป็นเรื่องส่วนตัวและค่าใช้จ่ายสำหรับศิลปินและผู้จัดการของเขา) เพลงดีๆ เรื่องอื้อฉาว การประชาสัมพันธ์ที่ดี แฟชั่น ฯลฯ อุตสาหกรรมไม่สนใจว่าจะขายผลิตภัณฑ์อะไร หน้าที่ของเธอคือขายสิ่งที่เป็นที่ต้องการ ถ้ามีคนไม่มาที่คลับ (หรือบาร์) ของคุณ แสดงว่าคุณกำลังจะล้มละลาย ดังนั้นอุตสาหกรรมจึงมีหน้าที่ทำความเข้าใจว่าผู้คนต้องการอะไร - นี่อาจเป็นสิ่งที่สำคัญที่สุดในอุตสาหกรรม
ลองนึกภาพสักครู่ว่าคุณมีคลับร็อคเป็นของตัวเอง คุณใช้เงินเพื่อซื้อมัน คุณใช้เงินเพื่อรักษามัน คุณจ่ายเงินให้พนักงาน และคุณมีค่าใช้จ่ายอื่นๆ อีกมากมาย และลองจินตนาการว่าคุณต้องเลือกศิลปินคนใดคนหนึ่งสำหรับคอนเสิร์ตในคลับของคุณ และจ่ายค่าธรรมเนียมให้เขา คุณอยากจะเจอใครในสโมสรของคุณถ้าคุณต้องการหาเงินและไม่ขาดทุน?
การสร้างศิลปินที่เป็นที่ต้องการและเป็นที่นิยมนั้นเป็นงานของตัวศิลปินเอง (และผู้บริหารของเขา) อุตสาหกรรมไม่สนใจว่าจะขายใคร เธอเพียงแค่มุ่งเน้นไปที่รสนิยมในปัจจุบันของผู้ชม แน่นอนว่ารสนิยมเหล่านี้เปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลา เนื่องจากรสนิยมของผู้ชมมีความหลากหลาย อุตสาหกรรมจึงทำงานร่วมกับศิลปินประเภทและสไตล์ที่แตกต่างกัน
เพื่อให้สอดคล้องกับความนิยม (ความต้องการ) ของศิลปิน อุตสาหกรรมจึงนำเสนอคอนเสิร์ตแก่ผู้ชมในสถานที่จัดงานที่มีความจุมากกว่าหรือน้อยกว่า พร้อมกำหนดราคาตั๋วที่แตกต่างกัน แต่อุตสาหกรรมมักถูกขับเคลื่อนโดยความต้องการ คุณสามารถพูดได้ว่านี่เป็นเครื่องจักรที่ไร้วิญญาณ ซึ่งสะท้อนสถานะปัจจุบันของตลาดและความต้องการอย่างโง่เขลา กล่าวโดยคร่าวๆ อุตสาหกรรมคือสถานที่จัดคอนเสิร์ตหลายพันแห่ง ซึ่งจำนวน ขนาด และรูปแบบถูกกำหนดโดยตลาดแต่เพียงผู้เดียว นั่นคือ ความต้องการศิลปินและแนวเพลงบางประเภทในบางพื้นที่
โปรดจำไว้ว่าในช่วงเวลาที่ต่างกันในดินแดนต่าง ๆ ก็มีความต้องการสิ่งต่าง ๆ เช่นกัน!
มันไม่สมเหตุสมผลเลยที่ศิลปินหรือผู้ชมจะไม่พอใจกับอุตสาหกรรมนี้ มันเพียงแสดงสถานะของตลาด ตอบสนองต่อมันมากกว่าการสร้างรูปร่าง หากบางสิ่งบางอย่างไม่มีในอุตสาหกรรมหรือมีการนำเสนอไม่ดี นี่เป็นเพียงเพราะว่าในขณะนี้ในดินแดนที่กำหนดมีความต้องการผลิตภัณฑ์นี้ (ศูนย์หรือน้อย)
หากศิลปินไม่เข้าสู่อุตสาหกรรมนี้ (หรือทำ แต่ไม่ใช่ในระดับที่เขาต้องการ) ก็ไม่ใช่ความผิดของอุตสาหกรรม เธอตอบสนองต่อรสนิยมของฝูงชนเท่านั้น และเธอไม่สนใจชื่อเฉพาะของศิลปิน
นั่นคือวิธีการทำงานโดยสรุป
ดังนั้นแนวคิดของดนตรียอดนิยมจึงแตกต่างกันไป หากคุณแต่งเพลงตามรสนิยมของคุณ ก็อย่าแปลกใจที่วงการเพลงไม่ต้องการมัน รสนิยมของคุณไม่จำเป็นต้องตรงกับรสนิยมของผู้ชมที่จ่ายเงินเสมอไป และหากเป็นเช่นนั้น ก็ไม่ใช่ความจริงที่ว่าคุณภาพของผลิตภัณฑ์ทางดนตรีของคุณสามารถทนต่อการแข่งขันกับศิลปินคนอื่นๆ ได้ จำการแข่งขันไว้เสมอ ปัจจุบันมีนักดนตรีมากมายในโลกมากกว่าที่ผู้ชมต้องการ ดังนั้นไม่ใช่ทุกคนที่จะเข้าสู่วงการเพลง
หากความต้องการดนตรีในหมู่บ้านคือนักเล่นหีบเพลง 1 คนสำหรับงานปาร์ตี้ปีใหม่ นักเล่นหีบเพลง 10 คนจะไม่เหมาะกับอุตสาหกรรมของหมู่บ้านนี้
มีผู้จัดการนักดนตรีในโลกนี้ พวกเขาเป็นตัวกลางระหว่างศิลปินกับผู้ชม ศิลปินและอุตสาหกรรม บางคน (เช่นเดียวกับที่อื่นๆ) สามารถทำได้โดยไม่ต้องมีคนกลาง แต่คนอื่นๆ ทำไม่ได้ เช่นเดียวกับคนกลางอื่นๆ ผู้จัดการมุ่งมั่นที่จะสร้างรายได้ ดังนั้นจึงเป็นเรื่องสำคัญสำหรับพวกเขาที่จะต้องเห็นและทำความเข้าใจว่าศิลปินคนใดคนหนึ่งสามารถได้รับความนิยมหรือ "ไม่ใช่อาหารม้า" ได้หรือไม่ วิสัยทัศน์และความเข้าใจนี้ทำให้ผู้จัดการที่ดีแตกต่างจากผู้จัดการที่ไม่ดี นี่คือรายได้ของเขา อุตสาหกรรมนี้กลับไม่สนใจว่าศิลปินจะพยายามได้รับความนิยมอย่างไร ไม่ว่าจะต้องแบกรับภาระจากผู้จัดการหรือไม่ก็ตาม คำว่า "ผู้จัดการ" ในข้อความนี้อาจไม่ได้หมายถึงเพียงบุคคลเดียวเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสำนักงานส่งเสริมการขายทั้งหมดด้วย
ศิลปินหลายคนตั้งความหวังไว้กับผู้จัดการซึ่งในความเห็นของพวกเขาจะสามารถแก้ปัญหาทั้งหมดได้ แต่มันไม่ง่ายขนาดนั้น หากผู้จัดการเก่งและเข้าใจตลาด เขาจะทำงานกับศิลปินที่มีศักยภาพในความเห็นของเขาเท่านั้น และศิลปินจะต้องสามารถสร้างเสน่ห์ให้ผู้จัดการได้ทำให้เขาเชื่อมั่นในตัวเอง และปรากฎว่าผู้จัดการไม่ใช่นักมายากลที่ขายสินค้าที่ไม่ดี และประการแรกศิลปินจำเป็นต้องจัดหาผลิตภัณฑ์ที่มีคุณสมบัติเหมาะสม (ซึ่งสามารถขายได้)
หากผู้จัดการไม่ดี เขาก็สามารถรับศิลปินที่มีแนวโน้มไม่ชัดเจนได้อย่างง่ายดาย และนี่อาจเป็นได้ว่าผู้จัดการที่ไม่ดีจะไม่ช่วย แต่อย่างใด หรืออาจเป็นได้ว่าศิลปินที่ดีจากมุมมองของโอกาสทางการตลาดจะประสบความสำเร็จแม้จะมีผู้จัดการที่ไม่ดีก็ตาม แต่ไม่ว่าในกรณีใด หากศิลปินตัดสินใจโปรโมตตัวเองโดยได้รับความช่วยเหลือจากผู้จัดการ เขาก็ต้องทำให้ผู้จัดการเชื่อในศิลปินคนนี้
และเราต้องจำไว้ว่าผู้จัดการไม่มีอิสระ หากผู้จัดการ (สำนักงาน) ลงทุนเงิน (หรือเวลา/ความพยายาม) ในการโปรโมต นั่นหมายความว่าพวกเขามองเห็นศักยภาพในผลิตภัณฑ์ (ศิลปิน) และวางแผนที่จะชดใช้ต้นทุนและสร้างรายได้เพิ่มขึ้น และหากไม่มีผู้จัดการที่ชาญฉลาดคนใดต้องการทำธุรกิจกับคุณ นั่นหมายความว่าพวกเขาไม่เห็นศักยภาพทางการตลาดในตัวคุณ พวกเขาสามารถทำผิดพลาดได้เช่นเดียวกับคนอื่นๆ พยายามพิสูจน์ให้พวกเขาและตลาดเห็น
เข้าใจว่าหากศักยภาพของคุณชัดเจน ผู้คนมากมายก็จะก่อตัวขึ้นรอบตัวคุณที่ต้องการสร้างรายได้จากคุณทันที แต่ถ้าไม่ชัดเจน คุณก็จะต้องใช้ชีวิตที่น่าสังเวช มันก็เหมือนกับผู้หญิง หากคุณเป็นซุปเปอร์เจี๊ยบ แสดงว่ามีผู้ชายมากมายอยู่รอบตัวคุณ และถ้าคุณไม่เก่งมากนัก ความต้องการของคุณในตลาดผู้ชายก็น้อยลงมาก ทุกอย่างง่ายมากในโลกนี้
วงการเพลงอยู่ภายใต้กฎหมายเดียวกันกับตลาดทั่วไป ลองนึกภาพร้านขายของชำ มีนม 10 ซองจากหลากหลายยี่ห้อ สมมติว่าคุณตัดสินใจทำนม นมดี. คุณมาที่ร้านแล้วพูดว่า - ฉันมีนมดีๆ เอาไปวางบนชั้นวาง และพวกเขาตอบคุณว่านมอาจจะดี แต่ไม่มีใครรู้ และจะไม่ซื้อ - ความต้องการของผู้คนได้พัฒนาไปแล้วสำหรับบางยี่ห้อ เหตุใดเราจึงต้องซื้อสินค้าที่อาจขาดสภาพคล่องสำหรับชั้นวางของเรา? จากนั้นคุณเริ่มโฆษณาผลิตภัณฑ์ของคุณ - คุณถ่ายวิดีโอสำหรับกล่อง, แขวนโฆษณาบนป้ายโฆษณาทั่วเมือง, แจกพัสดุฟรีให้กับประชาชนที่รถไฟใต้ดิน, จ้างดาวเพื่อโปรโมต ทั้งหมด! ความต้องการปรากฏขึ้น - พวกเขาพาคุณไปที่ร้าน ครั้งแรกที่หนึ่ง จากนั้นอีกที่หนึ่ง และทั่วประเทศ! คุณอยู่ในธุรกิจเพื่อน!
- แน่นอนว่าในความเป็นจริงแล้ว สถานการณ์ด้านอุปสงค์และร้านค้าอาจมีความซับซ้อนมากขึ้น พูดได้เลยว่าไม่สนใจว่าขายอะไร คนในพื้นที่จะซื้อนมในราคานี้ จึงไม่เปลี่ยนแปลงอะไรในการเลือกสรร จากนั้นจึงจำเป็นต้องจูงใจร้านค้า - เสนอราคาซื้อที่ต่ำกว่าคู่แข่งหรือติดสินบนอย่างโง่เขลา ในกรณีของสถานที่จัดคอนเสิร์ตซึ่งไม่สนใจว่าใครจะเล่นในโรงเตี๊ยมของพวกเขา ทุกอย่างจะได้รับการแก้ไขโดยใช้วิธีเดียวกัน - ลดการขอค่าธรรมเนียมจากศิลปิน และอีกครั้งกับสินบนเก่าที่ดี นี่คือตลาด
แผนภาพที่เรียบง่ายและชัดเจน แต่รายละเอียดหนึ่งที่สำคัญที่นี่ คุณต้องผลิตนมที่มีคุณภาพที่คนชื่นชอบ และในราคาที่คนต้องการซื้อ นั่นคือแพ็คเกจไม่ควรมีราคา 200 เหรียญ และไม่จำเป็นต้องเป็นนมสุนัขด้วย อย่างน้อยก็ในรัสเซีย คุณเองอาจชอบนมสุนัข (หรือหนู) แต่ถ้าคุณไปตลาดพยายามคลานเข้าสู่อุตสาหกรรมนมนั่นคือเข้าสู่ธุรกิจคุณต้องคำนึงถึงความต้องการผลิตภัณฑ์ในบางพื้นที่ด้วย
นั่นคือถ้าเราพูดถึงอุตสาหกรรมนม ทุกอย่างก็เหมือนกันที่นี่ - ผลิตภัณฑ์ (ศิลปิน) ร้านค้า (สถานที่แสดงคอนเสิร์ต) ผู้ซื้อ (ผู้ชม) และมีแผนกโฆษณาและเอเจนซี่ (ฉลาก ผู้จัดการคนกลาง) ที่โปรโมตผลิตภัณฑ์เพื่อเงิน
แน่นอนว่านักดนตรีจำนวนมากทั่วโลกไม่ต้องการคิดถึงตลาด ผลิตภัณฑ์ ผู้ซื้อ และสิ่งอื่นๆ ที่ไม่โรแมนติก และศิลปินที่ประสบความสำเร็จหลายคนก็สามารถใช้ชีวิตในโลกที่ยอดเยี่ยมของตนเองได้ โดยไม่ได้ทำอะไรเลยนอกจากความคิดสร้างสรรค์ (แต่ในขณะเดียวกันก็จ่ายเงินให้กับผู้จัดการที่หมกมุ่นอยู่กับกิจวัตรประจำวันและชีวิตประจำวัน)
แต่ถ้าคุณยังไม่บรรลุถึงระดับของการตรัสรู้คุณจะต้องจัดการกับตลาดและความนิยมของคุณด้วยตัวคุณเองหรือพยายามสร้างเสน่ห์ให้ผู้จัดการ (สำนักงาน) ที่จะเชื่อในตัวคุณ และแน่นอนว่ายังมีผู้จัดการแบบนี้อยู่ด้วย เพราะมีศิลปินที่ประสบความสำเร็จในประเทศใดและมีคนเกี่ยวข้องกับกิจการของศิลปินเหล่านี้ แต่ถ้าพวกเขาไม่เชื่อในตัวคุณ เพื่อนเอ๋ย ปัญหาทั้งหมดก็อยู่ที่ตัวคุณเท่านั้น ไม่มีในคนอื่น. เป็นเรื่องยากที่จะยอมรับ - การมองในกระจกแล้วพูดกับตัวเองว่า "ฉันเดาว่าฉันไม่ใช่สิ่งที่คนอื่นต้องการ"
แน่นอน คุณสามารถจ้างผู้จัดการ (เช่นเดียวกับบริษัทโฆษณา) อย่างโง่เขลาเพื่อเงินของคุณเอง (และไม่ใช่ส่วนแบ่งจากคอนเสิร์ต)... แต่นี่ก็เหมือนกับการมีเพศสัมพันธ์แบบเสียเงิน พวกเขามอบมันให้กับคนที่เหมาะสมฟรี และถ้าพวกเขาไม่ได้ให้ของสมนาคุณด้วยความรัก แสดงว่าคุณมีปัญหากับความต้องการอย่างชัดเจน
บ่อยครั้งที่ศิลปินที่ไม่มีผู้อ้างสิทธิ์ตำหนิอุตสาหกรรม ผู้จัดการคนกลาง และผู้ชมว่าขาดความต้องการ มันโง่มาก อุตสาหกรรมและผู้จัดการตอบสนองต่อคำขอและความต้องการของผู้ชม และผู้ชมก็เป็นคนที่มีอิสระที่ตัดสินใจด้วยตัวเองว่าจะใช้จ่ายเงินที่ไหน หากพวกเขาไม่ต้องการคุณ นั่นเป็นสิทธิของพวกเขา พวกเขาไม่เป็นหนี้คุณเลย พวกเขาไม่ได้บังคับให้คุณเรียนดนตรี
และวิธีที่น่าเชื่อถือที่สุดในการเข้าร่วมอุตสาหกรรม และนักดนตรีและผู้จัดการมืออาชีพทุกคนรู้ดีว่า... ง่ายมาก คุณต้องแต่งเพลงฮิตอย่างโง่เขลา นั่นคือทั้งหมด! เพลงที่คนชอบ. เขียนฮิตเลยเพื่อน แล้วคุณจะได้ทุกอย่างแน่นอน! ให้ความสนใจ - นักแสดงทุกคนที่ล้มเหลวในการเข้าสู่อุตสาหกรรม - พวกเขาไม่ได้รับความนิยมเลยแม้แต่ครั้งเดียว
แต่สมมุติว่าคุณทำไม่ได้หรือไม่อยากเขียนเพลงฮิตล่ะ? แต่คุณสามารถเล่นบทบาทของคนอื่นได้ - นี่เป็นที่ต้องการ (ในผับและในงานองค์กร) และด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงเข้าสู่อุตสาหกรรมด้วย - บางทีอาจจะไม่ได้อยู่ในระดับที่ใครบางคนต้องการ และถ้าคุณไม่เล่นเพลงฮิตเลยก็ไม่มีหลักประกันในการเข้าสู่วงการ บางทีคุณอาจจะสามารถได้งานในอุตสาหกรรมนี้อาจจะไม่ก็ได้
โอเค ตอนนี้ทุกอย่างจบลงแล้ว ฉันหวังว่าตอนนี้คุณคงเข้าใจแล้วว่าทำไมศิลปินบางคนถึงมีคอนเสิร์ตและเงินมากมาย ในขณะที่คนอื่นๆ แมวก็ร้องไห้
