ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจเกี่ยวกับ Yaroslavl Symphony Orchestra ประเภทของวงออร์เคสตราที่แสดงดนตรีบรรเลงและไพเราะ ศตวรรษที่ XVII-XVIII: วงออเคสตราเป็นเครื่องราชอิสริยาภรณ์

เครื่องเป่าลมไม้

ขลุ่ย (มัน. ฟลุต, ฟลุตฝรั่งเศส, ฟลุตเยอรมัน, ฟลุตภาษาอังกฤษ)

ขลุ่ยเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดในโลก รู้จักกันในสมัยโบราณ ในอียิปต์ กรีซ และโรม ตั้งแต่สมัยโบราณ ผู้คนเรียนรู้ที่จะดึงเสียงดนตรีออกจากกกที่ปลายด้านหนึ่ง เห็นได้ชัดว่าเครื่องดนตรีดั้งเดิมนี้เป็นบรรพบุรุษที่อยู่ห่างไกลของขลุ่ย ในยุโรปในยุคกลาง ขลุ่ยสองประเภทเริ่มแพร่หลาย: แนวตรงและแนวขวาง ขลุ่ยตรงหรือ "ปลายขลุ่ย" ถูกจัดขึ้นตรงไปข้างหน้า เหมือนโอโบหรือคลาริเน็ต เอียงหรือตามขวาง - เป็นมุม ขลุ่ยขวางกลายเป็นจริงมากขึ้นเนื่องจากง่ายต่อการปรับปรุง ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 ในที่สุดก็ได้เปลี่ยนขลุ่ยตรงจากวงซิมโฟนีออร์เคสตรา ในเวลาเดียวกัน ขลุ่ยพร้อมกับพิณและฮาร์ปซิคอร์ด กลายเป็นเครื่องดนตรีประจำบ้านอันเป็นที่รักที่สุดชิ้นหนึ่ง ตัวอย่างเช่น ฟลุตเล่นโดยศิลปินชาวรัสเซีย Fedotov และกษัตริย์ปรัสเซียน Frederick II

ขลุ่ยเป็นเครื่องเป่าลมไม้ที่เคลื่อนที่ได้มากที่สุด: ในแง่ของความสามารถ เหนือกว่าเครื่องมือลมอื่นๆ ทั้งหมด ตัวอย่างนี้คือชุดบัลเล่ต์ "Daphnis and Chloe" โดย Ravel ซึ่งฟลุตทำหน้าที่เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว

ขลุ่ยเป็นท่อทรงกระบอก ไม้หรือโลหะ ปิดด้านหนึ่ง - ที่หัว มีรูด้านข้างสำหรับฉีดลม การเล่นขลุ่ยต้องใช้ลมมาก: เมื่อเป่าเข้าไป ส่วนหนึ่งของขลุ่ยจะหักที่ขอบแหลมของรูและใบไม้ จากนี้ ได้เสียงหวือหวาที่มีลักษณะเฉพาะ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในรีจิสเตอร์ต่ำ ด้วยเหตุผลเดียวกัน โน้ตที่คล้องจองและท่วงทำนองกว้างจึงยากต่อการเล่นขลุ่ย

Rimsky-Korsakov บรรยายถึงความไพเราะของขลุ่ยดังนี้: "เสียงต่ำนั้นเย็นชา เหมาะที่สุดสำหรับท่วงทำนองที่มีลักษณะสง่างามและไม่สำคัญในหลัก และสัมผัสความโศกเศร้าเพียงผิวเผินในเล็กน้อย"

นักแต่งเพลงมักใช้เครื่องดนตรีสามขลุ่ย ตัวอย่างคือการเต้นรำของคนเลี้ยงแกะจาก The Nutcracker ของ Tchaikovsky.

โอโบ (เยอรมัน: โอโบ)

ในสมัยโบราณที่มาของมัน โอโบแข่งขันกับขลุ่ย โดยสืบเชื้อสายมาจากขลุ่ยดึกดำบรรพ์ ในบรรดาบรรพบุรุษของโอโบนั้น ออลอสของกรีกถูกใช้อย่างแพร่หลายมากที่สุด โดยที่ชาวกรีกโบราณไม่สามารถจินตนาการถึงงานฉลองหรือการแสดงละครได้ บรรพบุรุษของโอโบมาจากตะวันออกกลางมายังยุโรป

ในศตวรรษที่ 17 โอโบถูกสร้างขึ้นจากบอมบาร์ดา ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีประเภทท่อ ซึ่งกลายเป็นที่นิยมในวงออร์เคสตราในทันที ในไม่ช้ามันก็กลายเป็นเครื่องดนตรีคอนเสิร์ตเช่นกัน เป็นเวลาเกือบศตวรรษแล้วที่โอโบเป็นไอดอลของนักดนตรีและคนรักดนตรี นักประพันธ์เพลงที่ดีที่สุดของศตวรรษที่ 17 และ 18 - Lully, Rameau, Bach, Handel - จ่ายส่วยให้งานอดิเรกนี้: ตัวอย่างเช่น Handel เขียนคอนแชร์โตสำหรับโอโบ ความยากที่อาจทำให้สับสนแม้กระทั่งโอโบสมัยใหม่ อย่างไรก็ตามในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 "ลัทธิ" ของโอโบในวงออเคสตราจางหายไปบ้างและบทบาทนำในกลุ่มกังหันลมส่งผ่านไปยังคลาริเน็ต

ตามโครงสร้างของมัน โอโบเป็นท่อรูปกรวย ปลายด้านหนึ่งเป็นกระดิ่งรูปกรวยขนาดเล็ก อีกด้านหนึ่งเป็นไม้เท้าที่นักแสดงถือไว้ในปาก

ด้วยคุณสมบัติการออกแบบบางอย่าง โอโบไม่เคยสูญเสียการปรับแต่ง ดังนั้นจึงกลายเป็นประเพณีในการปรับแต่งวงออเคสตราทั้งหมดให้เข้ากับมัน ต่อหน้าวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตรา เมื่อนักดนตรีรวมตัวกันบนเวที ไม่ใช่เรื่องแปลกที่จะได้ยินโอโบอิสต์เล่นอ็อกเทฟแรกใน A และนักแสดงคนอื่นๆ กำลังปรับแต่งเครื่องดนตรีของพวกเขา

โอโบมีเทคนิคเคลื่อนที่แม้ว่าจะด้อยกว่าในด้านขลุ่ยก็ตาม มันค่อนข้างเป็นการร้องเพลงมากกว่าเครื่องดนตรีอัจฉริยะ: ตามกฎแล้วโดเมนของมันคือความเศร้าและความสง่างาม นี่คือเสียงที่เปล่งออกมาในธีมหงส์ตั้งแต่ช่วงพักครึ่งไปจนถึงองก์ที่สองของ "Swan Lake" และในทำนองเศร้าๆ ของท่อนที่สองของซิมโฟนีที่ 4 ของไชคอฟสกี ในบางครั้ง โอโบได้รับมอบหมาย "บทบาทตลก": ในเจ้าหญิงนิทราของไชคอฟสกี เช่น ในรูปแบบของ "แมวกับคิตตี้" โอโบจะเลียนแบบเสียงแมวเหมียวอย่างสนุกสนาน

บาสซูน (It.fagotto, เยอรมัน Fagott, บาสซูนฝรั่งเศส, บาสซูนอังกฤษ)

บรรพบุรุษของบาสซูนนั้นถือเป็นท่อเบสเก่า - บอมบาร์ดา บาสซูนที่ถูกแทนที่ถูกสร้างขึ้นโดย Canon Afragno degli Albonesi ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16 ท่อไม้ขนาดใหญ่ที่งอครึ่งหนึ่งคล้ายกับมัดฟืน ซึ่งสะท้อนอยู่ในชื่อของเครื่องดนตรี (คำว่า fagotto ในภาษาอิตาลีหมายถึง "มัด") บาสซูนเอาชนะคนรุ่นเดียวกันด้วยความไพเราะของเสียงต่ำซึ่งตรงกันข้ามกับเสียงแหบของบอมบาร์ดาเริ่มเรียกเขาว่า "โดลซิโน" - หวาน

ในอนาคต บาสซูนได้รับการปรับปรุงอย่างจริงจังในขณะที่ยังคงโครงร่างภายนอกไว้ จากศตวรรษที่ 17 เขาเข้าสู่วงดุริยางค์ซิมโฟนีและจากศตวรรษที่ 18 - เข้าสู่กองทัพ ลำตัวไม้ทรงกรวยของบาสซูนมีขนาดใหญ่มากจึง "พับ" ครึ่งหนึ่ง ท่อโลหะโค้งติดอยู่ที่ด้านบนของเครื่องมือซึ่งวางอ้อยไว้ ในระหว่างเกม บาสซูนจะถูกแขวนไว้บนเชือกรอบคอของนักแสดง

ในศตวรรษที่ 18 เครื่องดนตรีชนิดนี้มีความรักอันยิ่งใหญ่ในหมู่คนร่วมสมัย บางคนเรียกมันว่า "ภูมิใจ" คนอื่น ๆ - "อ่อนโยน เศร้าโศก เคร่งศาสนา" Rimsky-Korsakov กำหนดสีของบาสซูนด้วยวิธีที่แปลกมาก: "เสียงต่ำล้อเลียนในวัยชราและเศร้าอย่างเจ็บปวดในผู้เยาว์" การแสดงบาสซูนต้องใช้การหายใจอย่างมาก และมือขวาในระดับต่ำอาจทำให้ผู้แสดงเมื่อยล้าอย่างมาก หน้าที่ของเครื่องมือมีความหลากหลายมาก จริงอยู่ ในศตวรรษที่ 18 พวกเขามักถูกจำกัดให้รองรับเครื่องสายเบสเท่านั้น แต่ในศตวรรษที่ 19 กับเบโธเฟนและเวเบอร์ บาสซูนก็กลายเป็นเสียงของวงออเคสตรา และปรมาจารย์ที่ตามมาแต่ละคนก็พบคุณสมบัติใหม่อยู่ในนั้น Meyerbeer ใน "Robert the Devil" บังคับให้บาสซูนแสดง "เสียงหัวเราะแห่งความตายซึ่งน้ำค้างแข็งฉีกขาดที่ผิวหนัง" (คำพูดของ Berlioz) Rimsky-Korsakov ใน "Scheherazade" (เรื่องโดย Prince Kalender) ค้นพบผู้บรรยายบทกวีในบาสซูน ในบทบาทสุดท้ายนี้ บาสซูนจะแสดงบ่อยเป็นพิเศษ - นั่นอาจเป็นสาเหตุที่โธมัส แมนน์เรียกบาสซูนว่า "ม็อกกิ้งเบิร์ด" ตัวอย่างสามารถพบได้ใน Humorous Scherzo สำหรับปี่สี่ปีและใน Petya and the Wolf ของ Prokofiev ซึ่งบาสซูนได้รับ "บทบาท" ของปู่หรือในตอนต้นของตอนจบของ Ninth Symphony ของ Shostakovich

contrabassoon

บาสซูนชนิดต่างๆ ในช่วงเวลาของเรามี จำกัด ให้เป็นตัวแทนเพียงคนเดียวเท่านั้น - บาสซูน เป็นเครื่องดนตรีที่มีช่วงต่ำสุดของวงออเคสตรา ต่ำกว่าเสียงลิมิเต็ดของคอนทราบาสซูน มีเพียงเหยียบเบสของเสียงออร์แกนเท่านั้น

ความคิดที่จะลดระดับบาสซูนลงปรากฏมานานแล้ว - เคาน์เตอร์บาสซูนตัวแรกถูกสร้างขึ้นในปี 1620 แต่มันไม่สมบูรณ์มากจนกระทั่งปลายศตวรรษที่ 19 เมื่อเครื่องดนตรีได้รับการปรับปรุง มีคนเพียงไม่กี่คนที่หันมาใช้: บางครั้ง Haydn, Beethoven, Glinka

Contrabassoon ที่ทันสมัยเป็นเครื่องมือที่งอสามครั้ง: ความยาวในรูปแบบขยายคือ 5 ม. 93 ซม. (!); ในเทคนิค มันคล้ายกับบาสซูน แต่คล่องตัวน้อยกว่าและมีเสียงต่ำที่เกือบจะเหมือนอวัยวะ นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 19 - Rimsky-Korsakov, Brahms - มักจะหันไปใช้เคาน์เตอร์เบสเพื่อเพิ่มเสียงเบส แต่บางครั้งก็มีการเขียนโซโลที่น่าสนใจสำหรับเขา ตัวอย่างเช่น Ravel ใน "บทสนทนาของความงามและสัตว์เดรัจฉาน" (บัลเล่ต์ "My Mother the Goose") มอบความไว้วางใจให้เขาด้วยเสียงของสัตว์ประหลาด

คลาริเน็ต (มัน. คลาริเน็ตโต, คลาริเน็ตเยอรมัน, คลาริเน็ตฝรั่งเศส,)

หากโอโบ ขลุ่ย และบาสซูนอยู่ในวงออเคสตรามานานกว่าสี่ศตวรรษ คลาริเน็ตก็เข้าสู่วงออเคสตราอย่างแน่นหนาในศตวรรษที่ 18 เท่านั้น บรรพบุรุษของคลาริเน็ตเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้านยุคกลาง - ขลุ่ย "chalumo" เชื่อกันว่าในปี ค.ศ. 1690 นายเดนเนอร์ชาวเยอรมันสามารถปรับปรุงได้ ท่อนบนของเครื่องดนตรีกระทบชายร่วมสมัยด้วยเสียงต่ำที่แหลมคม - มันเตือนพวกเขาทันทีถึงเสียงแตรซึ่งเรียกกันว่า "คลาริโน" ในเวลานั้น เครื่องดนตรีชนิดใหม่นี้มีชื่อว่า clarinetto ซึ่งแปลว่า "แตรน้อย"

ในลักษณะที่ปรากฏ คลาริเน็ตมีลักษณะคล้ายกับโอโบ เป็นท่อไม้ทรงกระบอกที่มีระฆังรูปมงกุฎที่ปลายด้านหนึ่งและปลายอ้อยที่ปลายอีกด้านหนึ่ง

ในบรรดาเครื่องเป่าลมไม้ทั้งหมด มีเพียงคลาริเน็ตเท่านั้นที่มีความยืดหยุ่นในการเปลี่ยนระดับเสียง คุณสมบัตินี้และคุณสมบัติอื่นๆ ของคลาริเน็ตทำให้เป็นหนึ่งในเสียงที่แสดงออกมากที่สุดในวงออเคสตรา เป็นเรื่องแปลกที่นักประพันธ์ชาวรัสเซียสองคนที่เกี่ยวข้องกับพล็อตเรื่องเดียวกันทำในลักษณะเดียวกัน: ทั้งใน "The Snow Maiden" - Rimsky-Korsakov และ Tchaikovsky - เพลงคนเลี้ยงแกะของ Lel ได้รับความไว้วางใจจากคลาริเน็ต

เสียงทุ้มของคลาริเน็ตมักเกี่ยวข้องกับสถานการณ์อันน่าเศร้า พื้นที่ของการแสดงออกนี้ "ค้นพบ" โดย Weber ในฉาก "Wolf Valley" จาก "Magic Shooter" เขาเดาก่อนว่าเอฟเฟกต์ที่น่าเศร้าอะไรซ่อนอยู่ในรีจิสเตอร์ต่ำของเครื่องดนตรี ต่อมาไชคอฟสกีใช้เสียงอันน่าขนลุกของคลาริเน็ตต่ำใน The Queen of Spades ในขณะที่ผีของเคาน์เตสปรากฏขึ้น

คลาริเน็ตขนาดเล็ก

คลาริเน็ตขนาดเล็กมาถึงวงดุริยางค์ซิมโฟนีจากทองเหลืองทหาร มันถูกใช้ครั้งแรกโดย Berlioz ผู้ซึ่งมอบความไว้วางใจให้เขาด้วย "ธีมอันเป็นที่รัก" ที่บิดเบี้ยวในการเคลื่อนไหวครั้งสุดท้ายของ Fantastic Symphony Wagner, Rimsky-Korsakov, R. Strauss มักใช้คลาริเน็ตขนาดเล็ก โชสตาโควิช.

บาสเซทฮอร์น.

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 คลาริเน็ตในตระกูลคลาริเน็ตมีสมาชิกเพิ่มขึ้นอีกหนึ่งคน: แตรเบสปรากฏขึ้นในวงออเคสตรา - คลาริเน็ตอัลโตที่หลากหลาย ในขนาดที่ใหญ่กว่าเครื่องดนตรีหลัก และโทนเสียงที่สงบ เคร่งขรึม และเคลือบด้าน - อยู่ในตำแหน่งตรงกลางระหว่างคลาริเน็ตปกติและเบส เขาอยู่ในวงออเคสตราเพียงไม่กี่ทศวรรษและเป็นหนี้ความมั่งคั่งของเขากับโมสาร์ท สำหรับเขาเบสสองตัวที่มีปี่เป็นจุดเริ่มต้นของ "Requiem" (ตอนนี้เขา Basset ถูกแทนที่ด้วย clarinets)

ความพยายามที่จะชุบชีวิตเครื่องดนตรีนี้ภายใต้ชื่ออัลโตคลาริเน็ตถูกสร้างขึ้นโดย R. Strauss แต่ตั้งแต่นั้นมา ดูเหมือนว่าจะไม่มีการทำซ้ำ ทุกวันนี้ เขาเบสถูกรวมอยู่ในวงดนตรีทหาร

เบสคลาริเน็ต

เบสคลาริเน็ตเป็นสมาชิกที่ "ประทับใจ" ที่สุดในครอบครัว สร้างขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 และได้รับตำแหน่งที่แข็งแกร่งในวงดุริยางค์ซิมโฟนี รูปร่างของเครื่องมือนี้ค่อนข้างผิดปกติ: ระฆังของมันก้มขึ้นไปเหมือนท่อสูบบุหรี่และติดตั้งปากเป่าบนแท่งโค้ง - ทั้งหมดนี้เพื่อลดความยาวของเครื่องมือที่สูงเกินไปและอำนวยความสะดวกในการใช้งาน เมเยอร์เบียร์เป็นคนแรกที่ "ค้นพบ" พลังอันมหาศาลของเครื่องดนตรีนี้ Wagner เริ่มด้วย "Lohengrin" ทำให้เขาเป็นเครื่องเป่าลมไม้เบสแบบถาวร

นักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียมักใช้เบสคลาริเน็ตในการทำงาน ดังนั้นเสียงอึกทึกของคลาริเน็ตเบสจึงได้ยินในรูปที่ 5 ของ "ราชินีแห่งโพดำ" ในเวลาที่เฮอร์แมนกำลังอ่านจดหมายของลิซ่า ตอนนี้คลาริเน็ตเบสเป็นสมาชิกถาวรของวงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่ และหน้าที่ของมันมีความหลากหลายมาก

ดูตัวอย่าง:

ทองเหลือง

แซกโซโฟน

ผู้สร้างแซกโซโฟนคืออดอล์ฟ แซกซ์ ผู้เชี่ยวชาญด้านเครื่องดนตรีฝรั่งเศส-เบลเยียม แซคส์ดำเนินการตามสมมติฐานทางทฤษฎี: เป็นไปได้ไหมที่จะสร้างเครื่องดนตรีที่จะครองตำแหน่งกลางระหว่างเครื่องเป่าลมไม้และทองเหลือง? เครื่องมือดังกล่าวซึ่งเชื่อมระหว่างท่อนไม้ของทองแดงและไม้ได้ เป็นที่ต้องการอย่างมากสำหรับแถบทองเหลืองทางการทหารที่ไม่สมบูรณ์ของฝรั่งเศส เพื่อใช้แผนของเขา A. Sachs ใช้หลักการก่อสร้างใหม่: เขาเชื่อมต่อท่อรูปกรวยกับคลาริเน็ตและกลไกวาล์วโอโบ ตัวเครื่องทำด้วยโลหะ โครงร่างภายนอกคล้ายกับคลาริเน็ตเบส บานปลายท่องอขึ้นอย่างแรงซึ่งแนบอ้อยบนปลายโลหะงอเป็นรูป "S" แนวคิดของ Sachs ประสบความสำเร็จอย่างยอดเยี่ยม: เครื่องดนตรีใหม่กลายเป็นตัวเชื่อมระหว่างเครื่องเป่าลมไม้และเครื่องเป่าในวงดนตรีทหาร นอกจากนี้เสียงต่ำยังดูน่าสนใจจนดึงดูดความสนใจของนักดนตรีหลายคน สีของเสียงแซกโซโฟนชวนให้นึกถึงฮอร์น คลาริเน็ต และเชลโลของอังกฤษในเวลาเดียวกัน แต่พลังเสียงของแซกโซโฟนนั้นเหนือกว่าพลังเสียงของคลาริเน็ต

แซกโซโฟนเริ่มมีอยู่ในวงดนตรีทหารของฝรั่งเศส ในไม่ช้าก็นำแซกโซโฟนเข้าสู่วงโอเปร่าและซิมโฟนีออร์เคสตรา เป็นเวลานานมาก - หลายทศวรรษ - มีเพียงนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสเท่านั้นที่หันมาหาเขา: Thomas ("Hamlet"), Massenet ("Werther"), Bizet ("Arlesienne"), Ravel (เครื่องดนตรี Katrinok ของ Mussorgsky ในนิทรรศการ) จากนั้นนักแต่งเพลงจากประเทศอื่น ๆ ก็เชื่อในตัวเขาเช่นกันเช่น Rachmaninov มอบหมายแซกโซโฟนด้วยท่วงทำนองที่ดีที่สุดเพลงหนึ่งของเขาในส่วนแรกของ Symphonic Dances

เป็นเรื่องแปลกที่แซกโซโฟนต้องเผชิญกับความคลุมเครือในเส้นทางที่ผิดปกติ: ในเยอรมนีในช่วงหลายปีของลัทธิฟาสซิสต์ แซ็กโซโฟนถูกห้ามไม่ให้เป็นเครื่องมือที่มาจากชาวอารยัน

ในช่วงปีที่ 10 ของศตวรรษที่ 20 นักดนตรีแจ๊สทั้งมวลให้ความสนใจแซกโซโฟน และในไม่ช้าแซกโซโฟนก็กลายเป็น "ราชาแห่งแจ๊ส"

นักประพันธ์เพลงหลายคนในศตวรรษที่ 20 ชื่นชมเครื่องดนตรีที่น่าสนใจชิ้นนี้ Debussy เขียน Rhapsody สำหรับแซกโซโฟนและวงออเคสตรา, Glazunov - คอนแชร์โต้สำหรับแซกโซโฟนและวงออเคสตรา, Prokofiev, Shostakovich และ Khachaturian อ้างถึงเขาซ้ำ ๆ ในผลงานของพวกเขา

เขาฝรั่งเศส (มัน. corno, Waldhorn เยอรมัน, คอร์ฝรั่งเศส, ฮอร์นฝรั่งเศสอังกฤษ)

บรรพบุรุษของแตรสมัยใหม่คือเขา ตั้งแต่สมัยโบราณ สัญญาณของแตรประกาศการเริ่มต้นของการต่อสู้ ในยุคกลางและต่อมา - จนถึงต้นศตวรรษที่ 18 - ได้ยินในการล่าสัตว์ การแข่งขัน และพิธีศาลอันเคร่งขรึม ในศตวรรษที่ 17 แตรล่าสัตว์ถูกนำมาใช้ในโอเปร่าเป็นครั้งคราว แต่ไม่ถึงศตวรรษหน้าก็กลายเป็นสมาชิกถาวรของวงออเคสตรา และชื่อของเครื่องดนตรี - ฮอร์น - ระลึกถึงบทบาทที่ผ่านมา: คำนี้มาจากภาษาเยอรมัน "Waldhorn" - "เขาป่า" ในภาษาเช็ก เครื่องมือนี้ยังคงถูกเรียกว่าแตรแห่งป่า

ท่อโลหะของแตรฝรั่งเศสเก่านั้นยาวมาก เมื่อกางออก บางอันก็สูงถึง 5 ม. 90 ซม. เป็นไปไม่ได้ที่จะถือเครื่องมือดังกล่าวไว้ในมือ ดังนั้นท่อเขาจึงโค้งงอและมีรูปร่างคล้ายเปลือกหอยที่สง่างาม

เสียงแตรเก่านั้นสวยงามมาก แต่เครื่องมือกลับกลายเป็นว่าถูก จำกัด ด้วยความสามารถด้านเสียง: เป็นไปได้ที่จะแยกเฉพาะมาตราส่วนที่เรียกว่าธรรมชาตินั่นคือเสียงที่เกิดขึ้นจากการแบ่งคอลัมน์ของอากาศที่มีอยู่ ในท่อเป็น 2, 3, 4, 5, 6, ฯลฯ. ตามตำนานเล่าว่า ในปี ค.ศ. 1753 นักเล่นฮอร์นแห่งเดรสเดน กัมเพลบังเอิญวางมือของเขาเข้าไปในกระดิ่งและพบว่าเสียงแตรของแตรลดลง ตั้งแต่นั้นมา เทคนิคนี้ก็ถูกใช้อย่างกว้างขวาง เสียงที่ได้รับในลักษณะนี้เรียกว่า "ปิด" แต่พวกเขาหูหนวกและแตกต่างจากคนหูหนวกมาก ไม่ใช่นักประพันธ์เพลงทุกคนมักจะเสี่ยงที่จะหันไปหาพวกเขา มักจะพอใจกับแรงจูงใจสั้นๆ ที่ฟังดูไพเราะซึ่งสร้างขึ้นจากเสียงเปิด

ในปี ค.ศ. 1830 กลไกของวาล์วถูกคิดค้นขึ้น ซึ่งเป็นระบบถาวรของท่อเพิ่มเติมที่ช่วยให้คุณได้รับมาตราส่วนสีที่สมบูรณ์และให้เสียงที่ดีบนแตร ไม่กี่ทศวรรษต่อมา ฮอร์นฝรั่งเศสที่ได้รับการปรับปรุงในที่สุดก็เข้ามาแทนที่ฮอร์นธรรมชาติแบบเก่า ซึ่ง Rimsky-Korsakov ใช้ครั้งสุดท้ายในโอเปร่า May Night ในปี 1878

แตรถือเป็นเครื่องดนตรีประเภทกวีที่สุดในกลุ่มเครื่องทองเหลือง ในทะเบียนต่ำเสียงแตรค่อนข้างมืดมนในทะเบียนด้านบนมีความตึงเครียดมาก แตรสามารถร้องเพลงหรือบอกได้ช้า ฮอร์น quartet ฟังดูนุ่มนวลมาก - คุณสามารถได้ยินมันใน "Waltz of the Flowers" จากบัลเล่ต์ "The Nutcracker" ของ Tchaikovsky

ทรัมเป็ต (It. tromba, German Trompete, French trompette, English trumpet)

ตั้งแต่สมัยโบราณ - ในอียิปต์ ทางตะวันออก ในกรีซ และโรม - พวกเขาทำไม่ได้หากไม่มีทรัมเป็ตในสงครามหรือในพิธีทางศาสนาหรือในศาล ทรัมเป็ตเป็นส่วนหนึ่งของวงออเคสตราโอเปร่าตั้งแต่เริ่มก่อตั้ง Orpheus ของ Monteverdi เป่าแตรห้าตัวแล้ว

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 และ 18 มีการเขียนบทที่มีพรสวรรค์และสูงส่งสำหรับทรัมเป็ต ซึ่งต้นแบบเป็นส่วนของเสียงโซปราโนในการร้องและบรรเลงเพลงของเวลานั้น ในการแสดงส่วนที่ยากที่สุดเหล่านี้ นักดนตรีในสมัยของ Purcell, Bach และ Handel ได้ใช้เครื่องมือธรรมชาติที่มีทั่วไปในยุคนั้นด้วยท่อยาวและกระบอกเสียงของอุปกรณ์พิเศษที่ทำให้แยกเสียงหวือหวาสูงสุดได้อย่างง่ายดาย ทรัมเป็ตที่มีกระบอกเสียงดังกล่าวเรียกว่า "คลาริโน" ซึ่งเป็นชื่อเดียวกันในประวัติศาสตร์ดนตรีและรูปแบบการเขียน

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เมื่อมีการเปลี่ยนแปลงในการเขียนแบบออร์เคสตรา สไตล์คลาริโนก็ถูกลืมไปและทรัมเป็ตก็กลายเป็นเครื่องดนตรีประโคมเป็นหลัก มันถูกจำกัดในความเป็นไปได้เช่นเขาฝรั่งเศส และอยู่ในตำแหน่งที่แย่กว่านั้น เนื่องจาก "เสียงปิด" ที่ขยายมาตราส่วนไม่ได้ใช้กับมันเพราะเสียงต่ำของพวกมัน แต่ในทศวรรษที่สามสิบของศตวรรษที่ 19 ด้วยการประดิษฐ์กลไกวาล์ว ยุคใหม่ได้เริ่มขึ้นในประวัติศาสตร์ของท่อ มันกลายเป็นเครื่องดนตรีสีและหลังจากนั้นหลายทศวรรษก็แทนที่ทรัมเป็ตธรรมชาติจากวงออเคสตรา

เสียงแตรของแตรไม่ได้มีลักษณะเป็นเนื้อเพลง แต่ความกล้าหาญที่เขาประสบความสำเร็จในวิธีที่ดีที่สุด ในบรรดาเครื่องดนตรีคลาสสิกของเวียนนา ทรัมเป็ตเป็นเครื่องดนตรีประโคมล้วนๆ พวกเขามักจะทำหน้าที่เดียวกันในดนตรีของศตวรรษที่ 19 ประกาศการเริ่มต้นของขบวน การเดินขบวน การเฉลิมฉลองที่เคร่งขรึม และการล่า แว็กเนอร์ใช้ท่อมากกว่าท่ออื่นและในรูปแบบใหม่ เสียงของพวกเขามักจะเกี่ยวข้องกับโอเปร่าของเขาด้วยความโรแมนติกและความกล้าหาญ

ทรัมเป็ตมีชื่อเสียงไม่เพียง แต่สำหรับพลังเสียงเท่านั้น แต่ยังมีชื่อเสียงอีกด้วยคุณสมบัติอัจฉริยะ

ทูบา (it.tuba)

ทูบาเป็นเครื่องดนตรีที่ค่อนข้างใหม่ซึ่งแตกต่างจากตัวแทนกลุ่มเครื่องเป่าทองเหลืองกลุ่มอื่น สร้างขึ้นในช่วงไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 19 ในประเทศเยอรมนี ทูบารุ่นแรกนั้นไม่สมบูรณ์และถูกใช้ในตอนแรกเฉพาะในวงออเคสตราทางการทหารและสวนเท่านั้น เมื่อไปถึงฝรั่งเศส ทูบาเริ่มตอบสนองความต้องการระดับสูงของวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตรา

ทูบาเป็นเครื่องดนตรีเบสที่สามารถเข้าถึงช่วงต่ำสุดของช่วงในกลุ่มทองเหลืองได้ ในอดีต พญานาคแสดงหน้าที่ของพญานาค ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีรูปทรงแปลกประหลาดที่มีชื่อเรียก (ในภาษาโรมานซ์ทุกภาษา พญานาคหมายถึง "งู") - ตามด้วยทรอมโบนเบสและทรอมโบน และ ophicleide ที่มีเสียงต่ำป่าเถื่อน แต่คุณภาพเสียงของเครื่องดนตรีเหล่านี้ทั้งหมดนั้นไม่ได้ทำให้วงดนตรีทองเหลืองมีเสียงเบสที่ดีและมั่นคง จนกระทั่งทูบาปรากฏขึ้น ผู้เชี่ยวชาญก็ค้นหาเครื่องดนตรีใหม่อย่างดื้อรั้น

ขนาดของทูบามีขนาดใหญ่มาก ยาวเป็นสองเท่าของทรอมโบน ในระหว่างเกม นักแสดงถือเครื่องดนตรีไว้ข้างหน้าเขาพร้อมกับกระดิ่ง

ทูบาเป็นเครื่องมือสี ปริมาณการใช้อากาศบนท่อนั้นมหาศาล บางครั้ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในความถนัดในเสียงต่ำ นักแสดงถูกบังคับให้เปลี่ยนลมหายใจของเขาในแต่ละเสียง ดังนั้น โซโล่ของเครื่องดนตรีนี้จึงมักจะค่อนข้างสั้น ในทางเทคนิค ทูบาสามารถเคลื่อนย้ายได้ แม้ว่าจะหนักก็ตาม ในวงออเคสตรา เธอมักจะทำหน้าที่เป็นเบสในทรอมโบนทั้งสาม แต่บางครั้งทูบาก็ทำหน้าที่เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว - เพื่อที่จะพูดในบทบาทที่เป็นลักษณะเฉพาะ ดังนั้น ในขณะที่ใช้เพลง "Pictures at an Exhibition" ของ Mussorgsky ในละครเรื่อง "Cattle" Ravel ได้มอบเสียงเบสทูบาที่มีภาพตลกๆ ของเกวียนส่งเสียงดังกึกก้องที่ลากไปตามถนน ส่วนทูบาเขียนไว้ที่นี่ในทะเบียนที่สูงมาก

ทรอมโบน (It., อังกฤษ, ทรอมโบนฝรั่งเศส)

ทรอมโบนใช้ชื่อมาจากคำภาษาอิตาลีสำหรับทรัมเป็ต ทรอมบา โดยมีคำต่อท้าย "หนึ่ง" ซึ่งหมายถึง "ทรัมเป็ต" อย่างแท้จริง และแน่นอน: ท่อทรอมโบนยาวเป็นสองเท่าของทรัมเป็ต ในศตวรรษที่ 16 ทรอมโบนได้รับรูปแบบที่ทันสมัยและตั้งแต่เริ่มก่อตั้งเป็นเครื่องมือสี ระดับสีเต็มรูปแบบนั้นไม่ได้ผ่านกลไกวาล์ว แต่ด้วยความช่วยเหลือของหลังเวทีที่เรียกว่า หลังเวทีเป็นท่อเสริมแบบยาว มีรูปร่างคล้ายอักษรละติน U โดยเสียบเข้าไปในท่อหลักและขยายให้ยาวขึ้นหากต้องการ ในกรณีนี้ ระบบของเครื่องมือจะลดลงตามไปด้วย นักแสดงใช้มือขวากดปีกลง และประคองเครื่องดนตรีด้วยมือซ้าย

ทรอมโบนเป็น "ครอบครัว" ที่ประกอบด้วยเครื่องดนตรีหลายขนาดมาช้านาน เมื่อไม่นานมานี้ ตระกูลทรอมโบนประกอบด้วยเครื่องดนตรีสามชิ้น แต่ละคนสอดคล้องกับหนึ่งในสามเสียงของคณะนักร้องประสานเสียงและได้รับชื่อ: ทรอมโบน-อัลโต, ทรอมโบน-เทเนอร์, ทรอมโบน-เบส

การเล่นทรอมโบนต้องใช้ลมปริมาณมาก เนื่องจากการเคลื่อนไหวของปีกต้องใช้เวลามากกว่าการกดวาล์วบนแตรหรือทรัมเป็ต ในทางเทคนิค ทรอมโบนเคลื่อนที่ได้น้อยกว่าเพื่อนบ้านในกลุ่ม: มาตราส่วนบนมันไม่เร็วและชัดเจนนัก มือขวาค่อนข้างหนัก เลกาโตนั้นยาก Cantilena บนทรอมโบนต้องการความตึงเครียดอย่างมากจากนักแสดง อย่างไรก็ตาม เครื่องมือนี้มีคุณสมบัติที่ทำให้ขาดไม่ได้ในวงออเคสตรา: เสียงของทรอมโบนมีพลังและเป็นชายมากกว่า Monteverdi ในโอเปร่า "Orpheus" อาจเป็นครั้งแรกที่รู้สึกถึงตัวละครที่น่าเศร้าที่มีอยู่ในเสียงของทรอมโบนทั้งมวล และเริ่มต้นด้วย Gluck ทรอมโบนสามตัวกลายเป็นข้อบังคับในวงออเคสตราโอเปร่า พวกเขามักจะปรากฏในจุดสุดยอดของละคร

ทริโอทรอมโบนเก่งในสำนวนโวหาร ตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 กลุ่มทรอมโบนได้รับการเสริมด้วยเครื่องดนตรีเบส - ทูบา ทรอมโบนสามตัวและทูบารวมกันเป็นควอเตต "ทองเหลืองหนัก"

ทรอมโบน - กลิสซานโดมีผลพิเศษที่แปลกประหลาดมาก ทำได้โดยการเลื่อนหลังเวทีไปที่ตำแหน่งหนึ่งของริมฝีปากของนักแสดง แม้แต่ Haydn รู้จักเทคนิคนี้ ซึ่งใน Oratorio "The Four Seasons" ใช้เพื่อเลียนแบบเสียงเห่าของสุนัข Glissando ใช้กันอย่างแพร่หลายในดนตรีสมัยใหม่ เสียงทรอมโบนที่ส่งเสียงร้องโหยหวนและหยาบคายอย่างจงใจในระบำกระบี่จากนักบัลเลต์กายาเนของ Khachaturian นั้นช่างสงสัย เอฟเฟกต์ของทรอมโบนที่มีการปิดเสียงก็น่าสนใจเช่นกัน ซึ่งทำให้เครื่องดนตรีมีเสียงที่แปลกประหลาดและแปลกประหลาด

ฟลูเกลฮอร์น (ภาษาเยอรมัน Flugelhorn จาก Flugel - "wing" และ Horn - "horn", "horn")

เครื่องดนตรีทองเหลือง. ภายนอกคล้ายกับท่อหรือ cornet-a-piston มาก แต่แตกต่างจากขนาดที่กว้างกว่าและเจาะรูปกรวยโดยเริ่มจากปากท่อทันที มี 3 หรือ 4 วาล์ว ใช้ในวงดนตรีแจ๊ส บางครั้งในวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตรา มักใช้ในวงทองเหลือง Flugelhorn มักเล่นโดยนักเป่าแตร โดยแสดงข้อความที่จำเป็นบนเครื่องดนตรีนี้

ดูตัวอย่าง:

ไวโอลิน (It. violino, ไวโอลินฝรั่งเศส, ไวโอลินอังกฤษ, ไวโอลินเยอรมัน, Geige)

ไวโอลินถูกเรียกว่าเป็นทายาทของเครื่องดนตรีประเภทอื่นที่ใช้เครื่องสายแบบโค้งคำนับรุ่นก่อนๆ

เครื่องดนตรีโค้งคำนับแรก - ฟิเดล - ปรากฏในยุโรปในศตวรรษที่ 10-11อื่น ๆ - zhiga - กลายเป็นเครื่องดนตรีที่ชื่นชอบของนักดนตรีชาวฝรั่งเศส นักร้อง และนักดนตรีแห่งศตวรรษที่ 12 และ 13 หลังจากนั้นไม่นาน fidels, rebecs และ gigi ก็หลีกทางให้กับการละเมิดแบบเก่า: viola da gamba, viola da bardone, viola quinton - สถานที่ที่ไวโอลินถูกยึดครอง พวกเขาปรากฏตัวในฝรั่งเศสและอิตาลีเมื่อต้นศตวรรษที่ 16 และหลังจากนั้นไม่นานศิลปะการทำธนูก็แพร่หลายไปทั่วยุโรป พวกเขาเริ่มทำในทิโรล เวียนนา แซกโซนี ฮอลแลนด์ และอังกฤษ แต่อิตาลีมีชื่อเสียงในด้านไวโอลินที่ดีที่สุด ในเมืองเบรสชาและเครโมนา ซึ่งเป็นเมืองเล็กๆ สองเมืองทางตะวันออกเฉียงเหนือของประเทศ ปรมาจารย์ที่โดดเด่นทำงานมากว่าห้าศตวรรษที่ผ่านมา: Gasparo Bertolotti (ชื่อเล่นว่าเดซาโล) ในเบรเซียและอันเดรีย อามาติในเครโมนา ศิลปะการทำไวโอลินได้รับการถ่ายทอดจากรุ่นสู่รุ่น และเป็นเวลากว่า 200 ปีที่ตระกูล Amati, Guarneri และ Stradivari ได้สร้างเครื่องดนตรีที่ถือว่าดีที่สุดในกลุ่มหนึ่ง

รูปแบบของไวโอลินถูกกำหนดมาตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 16 และตั้งแต่นั้นมามีการเปลี่ยนแปลงในรายละเอียดเท่านั้น

ทุกสิ่งที่กล่าวถึงเทคนิคเครื่องสายหมายถึงไวโอลินโดยเฉพาะ: มากที่สุดเครื่องมือเคลื่อนที่และคล่องตัวระหว่างเครื่องสาย ความสามารถทางเทคนิคของมันเติบโตขึ้นพร้อมกับศิลปะของอัจฉริยะเช่น Vitali, Torelli และ Corelli ในศตวรรษที่ 17และต่อมา - TartiniViotti, Spohr, Viettan, Berio, Wienyavsky, Sarasate, Ysaye และแน่นอน N. Paganini เขาเชี่ยวชาญศิลปะอันน่าทึ่งในการเล่นโน้ตคู่ คอร์ด พิซซิกาโต ฮาร์โมนิกส์ เมื่ออยู่ในคอนเสิร์ต เชือกของเขาขาด เขาก็ยังคงเล่นเพลงที่เหลือ

การแสดงเดี่ยวของไวโอลินจะมอบเอฟเฟกต์ที่ไม่อาจต้านทานได้ เช่น "Scheherazade" ของ Rimsky-Korsakov

สำหรับคุณสมบัติทั้งหมด ไวโอลินและเปียโนมีบทบาทสำคัญในการแสดงคอนเสิร์ตเดี่ยวมาอย่างยาวนาน

ดูตัวอย่าง:

กลอง

กลองกลอง (It.timpani, ฝรั่งเศส timbales, เยอรมัน Pauken)

กลองทิมปานีเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดในโลก ตั้งแต่สมัยโบราณ พวกมันแพร่หลายในหลายประเทศ ทั้งในภาคตะวันออกและแอฟริกา ในกรีซ ในกรุงโรม และในหมู่ชาวไซเธียนส์ การเล่นกลอง ผู้คนมาพร้อมกับเหตุการณ์สำคัญในชีวิตของพวกเขา: วันหยุดและสงคราม

ในยุโรป กลองกลองขนาดเล็กแบบใช้มือมีมานานแล้ว อัศวินยุคกลางใช้พวกมันขณะอยู่บนหลังม้า กลองทิมปานีขนาดใหญ่เข้าสู่ยุโรปในศตวรรษที่ 15 เท่านั้น - ผ่านตุรกีและฮังการี ในศตวรรษที่ 17 กลองทิมปานีเข้าสู่วงออเคสตรา

กลองทิมปานีสมัยใหม่มีลักษณะภายนอกคล้ายกับหม้อน้ำทองแดงขนาดใหญ่บนขาตั้งที่หุ้มด้วยหนัง ผิวหนังถูกดึงให้แน่นเหนือหม้อด้วยสกรูหลายตัว พวกเขาตีผิวด้วยไม้สักสองอันที่มีปลายกลมนุ่มทำจากสักหลาด

กลองทิมปานีไม่เหมือนกับเครื่องเพอร์คัชชันอื่นๆ ที่ใช้หนัง แต่ให้เสียงที่มีระดับเสียงเท่ากัน ทิมปานีแต่ละอันได้รับการปรับให้เป็นโทนเสียงที่แน่นอน ดังนั้น เพื่อให้ได้เสียงสองเสียง ทิมปานีคู่หนึ่งจึงเริ่มใช้ในวงออเคสตราตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 กลองทิมปานีสามารถสร้างใหม่ได้ สำหรับสิ่งนี้ นักแสดงจะต้องขันหรือคลายผิวด้วยสกรู: ยิ่งความตึงเครียดมาก โทนสีก็จะยิ่งสูงขึ้น อย่างไรก็ตาม การดำเนินการนี้ใช้เวลานานและมีความเสี่ยงระหว่างการดำเนินการ ดังนั้นในศตวรรษที่ 19 ปรมาจารย์ได้คิดค้นกลองกลองแบบเครื่องกลโดยปรับอย่างรวดเร็วโดยใช้คันโยกหรือคันเหยียบ

บทบาทของ timpani ในวงออเคสตรานั้นค่อนข้างหลากหลาย จังหวะของพวกเขาเน้นจังหวะของเครื่องดนตรีอื่น ๆ ในรูปแบบจังหวะที่เรียบง่ายหรือซับซ้อน การตีสลับกันอย่างรวดเร็วของแท่งทั้งสอง (ลูกคอ) ทำให้เกิดการสร้างหรือการสร้างเสียงฟ้าร้องอย่างมีประสิทธิภาพ Haydn ยังวาดภาพเสียงฟ้าร้องด้วยความช่วยเหลือของ timpani ใน The Four Seasons Shostakovich ใน Ninth Symphony ทำให้ timpani เลียนแบบปืนใหญ่ บางครั้ง timpani ได้รับมอบหมายโซโลไพเราะเล็ก ๆ เช่นในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีที่สิบเอ็ดของ Shostakovich

กลองสแนร์ (อิท.ทัมบูโร (ทหาร), กลองฝรั่งเศส(ทหาร), ทรอมเมลเยอรมัน, กลองข้างอังกฤษ)

กลองบ่วงเป็นเครื่องมือทางการทหาร เป็นทรงกระบอกแบนหุ้มด้วยหนังทั้งสองด้าน เชือกจะยืดจากด้านล่างใต้ผิวหนัง ตอบสนองต่อการกระแทกของไม้ทำให้เสียงแตกของกลองมีลักษณะเฉพาะ จังหวะกลองฟังดูน่าสนใจมาก - ลูกคอที่มีสองแท่งซึ่งสามารถทำให้ความเร็วสูงสุดได้ ความแรงของเสียงในลูกคอนั้นแตกต่างกันไปตั้งแต่เสียงกรอบแกรบไปจนถึงเสียงแตกดังสนั่น การทาบทามให้กับ "The Thieving Magpie" ของ Rossini เริ่มต้นด้วยการยิงกลองสแนร์สองตัว จังหวะที่ Till Ulenspiegel ประหารชีวิต Till Ulenspiegel ที่น่าเบื่อจะได้ยินจังหวะที่ไพเราะของ Richard Strauss

บางครั้งสายที่อยู่ใต้ผิวหนังส่วนล่างของดรัมจะลดระดับลงและหยุดตอบสนองต่อจังหวะของไม้ เอฟเฟกต์นี้เทียบเท่ากับการเปิดเสียง: กลองบ่วงจะสูญเสียพลังเสียง ดังนั้นจึงฟังดูอยู่ในหมวดการเต้นรำ "Prince and Princess" ใน "Scheherazade" โดย Rimsky-Korsakov

กลองบ่วงปรากฏตัวครั้งแรกในโอเปร่าขนาดเล็กในศตวรรษที่ 19 และในตอนแรกมันถูกนำมาใช้ในตอนทางทหารเท่านั้น เมเยอร์เบียร์เป็นคนแรกที่นำกลองบ่วงออกจากฉากทางทหารในโอเปร่า The Huguenots และ The Prophet

ในบางกรณี กลองบ่วงจะกลายเป็น "ตัวเอก" ไม่เพียงแต่ในตอนไพเราะขนาดใหญ่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานทั้งหมดด้วย ตัวอย่างคือ "ตอนการบุกรุก" จากเพลง Seventh Symphony ของ Shostakovich และเพลง "Bolero" ของ Ravel ซึ่งกลองบ่วงหนึ่งและหลังจากนั้นสองกลองจะจับจังหวะของเพลงทั้งหมด

กลองเบส (It. gran casso, กรอสกรอสฝรั่งเศส, ทรอมเมลเยอรมัน, กลองเบสอังกฤษ)

ปัจจุบันกลองเบสมีสองประเภท หนึ่งในนั้นคือกระบอกโลหะที่มีเส้นผ่านศูนย์กลางขนาดใหญ่ - สูงถึง 72 ซม. - หุ้มด้วยหนังทั้งสองด้าน กลองเบสประเภทนี้ใช้กันอย่างแพร่หลายในวงดนตรีทหาร วงดนตรีแจ๊ส และวงดนตรีซิมโฟนีของอเมริกา กลองอีกประเภทหนึ่งคือห่วงที่มีหนังอยู่ด้านหนึ่ง ปรากฏในฝรั่งเศสและแพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปยังวงดุริยางค์ซิมโฟนีของยุโรป ในการตีผิวของเบสกลองจะใช้แท่งไม้ที่มีค้อนทุบที่อ่อนนุ่มหุ้มด้วยสักหลาดหรือไม้ก๊อก

บ่อยครั้ง จังหวะของกลองเบสจะมาพร้อมกับเสียงฉาบหรือสลับกัน เช่นเดียวกับการเต้นรำที่รวดเร็ว "In the Hall of the Mountain King" จาก "Peer Gynt" ของ Grieg บนกลองใหญ่ สามารถสลับจังหวะอย่างรวดเร็วได้เช่นกัน - ลูกคอ เมื่อต้องการทำเช่นนี้ ให้ใช้ไม้ที่มีค้อนสองอันที่ปลายทั้งสองข้างหรือไม้กลอง Rimksy-Korsakov ใช้กลองเบสแบบ Tremolo อย่างประสบความสำเร็จในการวาดภาพไพเราะของ Mussorgsky เรื่อง "Night on Bald Mountain"

ในตอนแรก กลองใหญ่ปรากฏขึ้นเฉพาะใน "ดนตรีตุรกี" เท่านั้น แต่ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 พวกเขามักจะเริ่มใช้มันเพื่อวัตถุประสงค์ด้านภาพและเสียง: เพื่อเลียนแบบปืนใหญ่ ฟ้าร้อง เบโธเฟนรวมกลองขนาดใหญ่สามอันใน "Battle of Vittoria" - เพื่อพรรณนาภาพปืนใหญ่ เพื่อจุดประสงค์เดียวกัน Rimsky-Korsakov ใช้เครื่องมือนี้ใน The Tale of Tsar Saltan, Shostakovich ใน Eleventh Symphony, Prokofiev ในฉากที่แปดของโอเปร่า War and Peace (จุดเริ่มต้นของ Battle of Borodino) ในเวลาเดียวกัน เสียงกลองใหญ่ก็ดังขึ้นเมื่อไม่มีคำเลียนเสียงธรรมชาติ และโดยเฉพาะอย่างยิ่งบ่อยครั้ง - มีเสียงดัง

ระนาด (It.xylofono, ระนาดฝรั่งเศส)

เห็นได้ชัดว่าระนาดเกิดในขณะที่ชายดึกดำบรรพ์ใช้ไม้ตีบล็อกไม้แห้งและได้ยินเสียงน้ำเสียงบางอย่าง ไซโลโฟนไม้ดั้งเดิมเหล่านี้จำนวนมากพบในอเมริกาใต้ แอฟริกาและเอเชีย ในยุโรปตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 เครื่องดนตรีนี้ตกไปอยู่ในมือของนักดนตรีที่เดินทางท่องเที่ยวและเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 เท่านั้นที่เครื่องดนตรีนี้กลายเป็นเครื่องดนตรี เขาเป็นหนี้การปรับปรุงของเขาให้กับนักดนตรีที่เรียนรู้ด้วยตนเองจาก Mogilev, Mikhail Iosifovich Guzikov

ตัวที่ส่งเสียงในระนาดเป็นบล็อกไม้ขนาดต่างๆ (ไซลอน - ในภาษากรีก "ต้นไม้", โทรศัพท์ - "เสียง") พวกมันถูกจัดเรียงเป็นสี่แถวบนมัดปูเสื่อ นักแสดงสามารถม้วนขึ้นและวางลงบนโต๊ะพิเศษระหว่างเกม ระนาดใช้ตีนแพะไม้สองตัว เสียงระนาดจะแห้ง เร็ว และแหลม เป็นสีที่มีลักษณะเฉพาะมาก ดังนั้น การปรากฏตัวของมันในบทเพลงจึงมักเกี่ยวข้องกับสถานการณ์ในเนื้อเรื่องพิเศษหรืออารมณ์พิเศษ Rimsky-Korsakov ใน "The Tale of Tsar Saltan" มอบความไว้วางใจให้ระนาดกับเพลง "In the garden, in the garden" ในขณะที่กระรอกแทะถั่วสีทอง Lyadov ดึงเที่ยวบินของ Baba Yaga ในครกด้วยเสียงระนาดพยายามถ่ายทอดเสียงแตกของกิ่งก้านที่หัก บ่อยครั้งที่เสียงระนาดของระนาดทำให้เกิดอารมณ์มืดมนสร้างภาพที่แปลกประหลาดและแปลกประหลาด วลีสั้น ๆ ของระนาดใน "ตอนของการบุกรุก" จาก Symphony ที่เจ็ดของ Shostakovich ฟังดูเศร้าโศก

ระนาดเป็นเครื่องดนตรีที่มีพรสวรรค์มาก ความคล่องแคล่วเป็นไปได้อย่างมากในการขับเร็ว ลูกคอ และเอฟเฟกต์พิเศษ - กลิสซานโด: การเคลื่อนที่อย่างรวดเร็วของแท่งไม้ตามแนวลูกกรง

จาน (It.piatti, ฉาบฝรั่งเศส, เยอรมัน Becken, ฉาบภาษาอังกฤษ)

จานเป็นที่รู้จักในโลกโบราณและตะวันออกโบราณ แต่พวกเติร์กมีชื่อเสียงในด้านความรักพิเศษและศิลปะพิเศษในการประดิษฐ์ ในยุโรป แผ่นจารึกได้รับความนิยมในศตวรรษที่ 18 หลังสงครามกับพวกออตโตมาน

ฉาบเป็นจานโลหะขนาดใหญ่ที่ทำจากโลหะผสมทองแดง ฉาบนูนเล็กน้อยตรงกลาง - มีสายรัดหนังไว้ที่นี่เพื่อให้นักแสดงสามารถถือเครื่องดนตรีไว้ในมือได้ ฉาบจะเล่นโดยยืนขึ้นเพื่อไม่ให้มีสิ่งใดมารบกวนการสั่น และเสียงจึงกระจายไปในอากาศอย่างอิสระ วิธีการปกติในการเล่นเครื่องดนตรีนี้คือการตีฉิ่งเฉียงกับฉิ่งอีกอันหนึ่งโดยเลื่อนเฉียง หลังจากนั้นจะได้ยินเสียงโลหะกระเซ็นดังลั่น ซึ่งลอยอยู่ในอากาศเป็นเวลานาน หากผู้แสดงต้องการหยุดการสั่นของฉาบ ให้นำฉาบมาที่หน้าอก และลดการสั่นสะเทือนลง นักแต่งเพลงมักจะตีฉิ่งพร้อมกับเสียงฟ้าร้องของกลองเบส เครื่องดนตรีเหล่านี้มักจะฟังพร้อมกัน เช่น ในท่อนแรกของท่อนสุดท้ายของซิมโฟนีที่ 4 ของไชคอฟสกี นอกจากการกระแทกแบบเฉียงแล้ว ยังมีวิธีอื่นๆ อีกหลายวิธีในการเล่นฉาบ: ตัวอย่างเช่น เมื่อตีฉาบแบบอิสระด้วยไม้กลองทิมปานีหรือไม้กลองบ่วง

วงซิมโฟนีออร์เคสตรามักใช้ฉาบหนึ่งคู่ ในบางกรณี - ตัวอย่างเช่นในงานศพและซิมโฟนีแห่งชัยชนะของ Berlioz มีการใช้เพลตสามคู่

สามเหลี่ยม (มัน. triahgalo, สามเหลี่ยมฝรั่งเศส, สามเหลี่ยมเยอรมัน, สามเหลี่ยมอังกฤษ)

สามเหลี่ยมเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เล็กที่สุดในวงดุริยางค์ซิมโฟนี เป็นเหล็กดัดงอเป็นรูปสามเหลี่ยม มันถูกแขวนไว้บนสายหลอดเลือดดำและกระแทกด้วยแท่งโลหะขนาดเล็ก - ได้ยินเสียงที่ดังและชัดเจนมาก

วิธีการเล่นสามเหลี่ยมนั้นไม่หลากหลายมาก บางครั้งก็ดึงเสียงออกมาเพียงเสียงเดียวเท่านั้น บางครั้งก็มีรูปแบบจังหวะที่เรียบง่าย เสียงดีบนลูกคอสามเหลี่ยม

สามเหลี่ยมถูกกล่าวถึงครั้งแรกในศตวรรษที่ 15 ในศตวรรษที่ 18 มันถูกใช้ในโอเปร่าโดยนักแต่งเพลงGrétry จากนั้นสามเหลี่ยมก็กลายเป็นสมาชิกคงที่ของ "ตุรกี" เช่น ดนตรีแปลก ๆ ปรากฏพร้อมกับกลองเบสและฉาบ โมสาร์ทใช้เครื่องเคาะจังหวะกลุ่มนี้ใน "The Abduction from the Seraglio", Beethoven ใน "Turkish March" จาก "The Ruins of Athens" และนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ ที่ต้องการสร้างภาพลักษณ์ทางดนตรีของตะวันออก สามเหลี่ยมยังน่าสนใจในการเต้นรำที่สง่างาม: ในการเต้นรำของ Anitra จาก Peer Gynt ของ Grieg, Waltz-Fantasy ของ Glinka

ระฆัง (it. campanelli, fr. carillon, germ. Glockenspiel)

ระฆังน่าจะเป็นเครื่องเคาะจังหวะที่ไพเราะที่สุด ชื่อของมันมาจากความหลากหลายในสมัยโบราณ ซึ่งร่างกายที่ส่งเสียงนั้นเป็นระฆังขนาดเล็กที่ปรับความสูงได้ระดับหนึ่ง ต่อมาถูกแทนที่ด้วยชุดแผ่นโลหะขนาดต่างๆ พวกมันถูกจัดเรียงเป็นสองแถว เช่น คีย์เปียโน และยึดไว้ในกล่องไม้ ระฆังจะเล่นด้วยตะลุมพุกโลหะสองอัน เครื่องดนตรีนี้มีอีกหลากหลายประเภท: ระฆังคีย์บอร์ด พวกเขามีคีย์บอร์ดเปียโนและค้อนที่ส่งแรงสั่นสะเทือนจากคีย์ไปยังแผ่นโลหะ อย่างไรก็ตาม ห่วงโซ่ของกลไกนี้ไม่ได้สะท้อนออกมาเป็นอย่างดีในเสียงของมัน มันไม่สว่างและดังเหมือนระฆังทั่วไป อย่างไรก็ตาม ยอมให้ค้อนทุบในความสวยงามของเสียง คีย์บอร์ดเหนือกว่าในแง่เทคนิค ต้องขอบคุณคีย์บอร์ดเปียโนที่ทำให้ข้อความค่อนข้างเร็วและคอร์ดโพลีโฟนิกเป็นไปได้ เสียงระฆังสีเงิน นุ่มนวลและดังก้องกังวาน พวกเขาฟังใน Magic Flute ของ Mozart เมื่อ Papageno ออกไปในเพลงที่มีระฆังใน Lakma ของ Delibes ใน The Snow Maiden ของ Rimsky-Korsakov เมื่อ Mizgir ไล่ตาม Snow Maiden เห็นแสงของหิ่งห้อยใน The Golden Cockerel เมื่อนักโหราศาสตร์จากไป .

ระฆัง (it. campane, fr. cloches, germ. Glocken)

ตั้งแต่สมัยโบราณ เสียงกริ่งเรียกผู้คนให้มาทำพิธีทางศาสนาและวันหยุด และยังประกาศเรื่องโชคร้ายอีกด้วย ด้วยการพัฒนาของโอเปร่าด้วยการปรากฏตัวของแผนประวัติศาสตร์และความรักชาติในนั้นนักแต่งเพลงจึงเริ่มแนะนำระฆังในโรงละครโอเปร่า เสียงระฆังในโอเปร่ารัสเซียมีการแสดงอย่างมากมาย: เสียงกริ่งดังใน "Ivan Susanin", "The Tale of Tsar Saltan", "The Girl of Pskov" และ "Boris Godunov" (ในฉากพิธีราชาภิเษก), tocsin ที่รบกวน ใน "เจ้าชายอิกอร์" เสียงระฆังงานศพใน " Boris Godunov ในการแสดงโอเปร่าเหล่านี้ เสียงระฆังโบสถ์ของจริงดังขึ้น ซึ่งวางอยู่ด้านหลังเวทีในโรงอุปรากรขนาดใหญ่ อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่ว่าโรงอุปรากรทุกแห่งจะมีหอระฆังเป็นของตัวเองได้ ดังนั้นนักประพันธ์เพลงจึงแนะนำเสียงระฆังเล็กๆ ในวงออเคสตราเป็นครั้งคราวเท่านั้น - เช่นเดียวกับที่ไชคอฟสกีทำในปี 1812 ทาบทาม ในขณะเดียวกัน ด้วยการพัฒนาโปรแกรมเพลง มันจึงมีความจำเป็นมากขึ้นที่จะเลียนแบบเสียงกริ่งในวงซิมโฟนีออร์เคสตรา - หลังจากนั้นไม่นาน ระฆังของวงออร์เคสตราก็ถูกสร้างขึ้น - ชุดท่อเหล็กที่ห้อยลงมาจากเฟรม ในรัสเซียระฆังเหล่านี้เรียกว่าอิตาลี ท่อแต่ละท่อได้รับการปรับให้เข้ากับโทนเสียงเฉพาะ ตีด้วยค้อนโลหะที่มีปะเก็นยาง

ปุชชีนีใช้ระฆังออเคสตราในโอเปร่า "Tosca", Rachmaninov ในบทกวีประสานเสียงร้อง "The Bells" Prokofiev ใน "Alexander Nevsky" แทนที่ท่อด้วยแท่งโลหะยาว

แทมบูรีน

หนึ่งในเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดในโลก แทมบูรีน ปรากฏในวงซิมโฟนีออร์เคสตราในศตวรรษที่ 19 อุปกรณ์ของเครื่องมือนี้ง่ายมาก: ตามกฎแล้วมันเป็นห่วงไม้ด้านหนึ่งที่ผิวหนังถูกยืดออก เครื่องประดับโลหะติดอยู่ที่ช่องของห่วง (ด้านข้าง) และกระดิ่งเล็กๆ ถูกพันอยู่ข้างใน บนเชือกรูปดาวที่ยืดออก ทั้งหมดนี้สั่นไหวเพียงเล็กน้อยของแทมบูรีน

ส่วนของแทมบูรีน เช่นเดียวกับกลองอื่นๆ ที่ไม่มีความสูงที่แน่นอน มักจะไม่ได้บันทึกบนไม้คาน แต่บนไม้บรรทัดที่แยกต่างหากซึ่งเรียกว่า "ด้าย"

วิธีการเล่นแทมบูรีนนั้นหลากหลายมาก อย่างแรกเลย สิ่งเหล่านี้เป็นการกระแทกที่ผิวหนังและเอาชนะรูปแบบจังหวะที่ซับซ้อนบนผิว ในกรณีเหล่านี้ ทั้งผิวและเสียงระฆังส่งเสียง กลองดังก้องอย่างแรงด้วยแรงกระแทกที่แรง สัมผัสเบา ๆ ก็ได้ยินเสียงระฆังกริ๊งเล็กน้อย มีหลายวิธีเมื่อนักแสดงทำเสียงระฆังเท่านั้น นี่คือการสั่นของแทมบูรีนอย่างรวดเร็ว - มันทำให้เครื่องสั่นสะเทือนทะลุทะลวง; เป็นการเขย่าเบาๆ และสุดท้าย นักแสดงเอานิ้วโป้งเปียกๆ ลูบไล้ผิวหนัง นักแสดงจะได้ยินเสียงรัวรัวอย่างน่าตื่นตาตื่นใจ เทคนิคนี้จะทำให้เสียงกริ่งดังกังวานมีชีวิตชีวา

แทมบูรีนเป็นเครื่องมือที่มีลักษณะเฉพาะ จึงห่างไกลจากการใช้งานในทุกงาน โดยปกติเขาจะปรากฏขึ้นที่ที่ตะวันออกหรือสเปนควรจะมีชีวิตขึ้นมาในดนตรี: ใน Scheherazade และใน Capriccio สเปนของ Rimsky-Korsakov ในการเต้นรำของเด็กชายอาหรับในบัลเล่ต์ Raymond โดย Glazunov ในการเต้นรำเจ้าอารมณ์ของ Polovtsy ในเจ้าชาย Igor ของ Borodin ใน Bizet's Carmen

Castanets (สเปน castanetas)

ชื่อ "castanets" ในภาษาสเปนแปลว่า "เกาลัดน้อย" สเปนน่าจะเป็นบ้านเกิดของพวกเขามากที่สุด วรรณะกลายเป็นเครื่องดนตรีประจำชาติที่แท้จริง Castanets ทำจากไม้เนื้อแข็ง: ไม้มะเกลือหรือ boxwood, castanets มีรูปร่างคล้ายกับเปลือกหอย

ในสเปนมีการใช้คาสทาเนตสองคู่ในการเต้นและร้องเพลง แต่ละคู่ถูกมัดด้วยเชือกที่พันรอบนิ้วหัวแม่มือ นิ้วที่เหลือ เหลืออิสระ แตะจังหวะที่สลับซับซ้อนบนเปลือกไม้ มือแต่ละข้างต้องการคาสทาเน็ตที่มีขนาดเป็นของตัวเอง: ในมือซ้าย นักแสดงถือเปลือกหอยที่มีปริมาณมาก พวกเขาเปล่งเสียงที่ต่ำกว่าและต้องเคาะจังหวะหลักออก Castanets สำหรับมือขวามีขนาดเล็กกว่า น้ำเสียงของพวกเขาสูงขึ้น นักเต้นและนักเต้นชาวสเปนเชี่ยวชาญศิลปะที่ซับซ้อนนี้จนสมบูรณ์แบบ ซึ่งพวกเขาได้รับการสอนตั้งแต่วัยเด็ก การคลิก Castanets ที่แห้งและแรงมักมาพร้อมกับการเต้นรำแบบสเปนเจ้าอารมณ์: bolero, seguidillo, fandango

เมื่อนักประพันธ์เพลงต้องการแนะนำคาสทาเนตให้เข้ากับดนตรีไพเราะ เครื่องดนตรีรุ่นนี้จึงถูกสร้างขึ้นอย่างเรียบง่าย - ออเคสตร้าออเคสตรา เหล่านี้เป็นเปลือกหอยสองคู่ที่ติดตั้งอยู่ที่ปลายด้ามไม้ เมื่อเขย่าจะได้ยินเสียงคลิก - สำเนาคาสทาเนตสเปนแท้ๆ

ในวงออเคสตรา Castanets เริ่มใช้ในดนตรีสเปนเป็นหลัก: ในบทประพันธ์ภาษาสเปนของ Glinka "The Hunt of Aragon" และ "Night in Madrid" ใน "Spanish Capriccio" ของ Rimsky-Korsakov ในการเต้นรำสเปนจากบัลเล่ต์ของ Tchaikovsky และในดนตรีตะวันตก - ใน " Carmen" โดย Bizet ในงานไพเราะ "Iberia" โดย Debussy, "Alborada del Gracioso" โดย Ravel คีตกวีบางคนนำคาสทาเนตมาเกินขอบเขตของดนตรีสเปน: แซงต์-แซนส์ใช้พวกเขาในโอเปร่า "แซมซั่นและดาลิดา", โปรโคฟีเยฟ - ในคอนแชร์โต้เปียโนที่สาม

ตัมตัม (ทัมทัมฝรั่งเศสและอิตาลี, ทัมทัมเยอรมัน)

ตัมตัมเป็นเครื่องเพอร์คัชชันที่มีต้นกำเนิดจากจีน มีรูปร่างเหมือนแผ่นดิสก์ที่มีขอบหนา มันทำจากโลหะผสมพิเศษใกล้กับบรอนซ์ ในระหว่างเกม ทัมทัมจะถูกแขวนไว้บนโครงไม้และทุบด้วยค้อนที่มีปลายสักหลาด เสียงทัมทามะนั้นเบาและหนา หลังจากกระทบแล้วจะกระจายไปนาน ๆ แล้วเข้ามาแล้วค่อย ๆ ลดลง คุณลักษณะนี้ของเครื่องดนตรีและลักษณะของเสียงต่ำทำให้มีความหมายที่เป็นลางไม่ดี พวกเขาบอกว่าบางครั้งการตีต่ามแทมเพียงครั้งเดียวตลอดทั้งงานก็เพียงพอแล้วที่จะสร้างความประทับใจให้ผู้ฟังมากที่สุด ตัวอย่างนี้คือตอนจบของ Sixth Symphony ของ Tchaikovsky

ในยุโรป ที่นั่น-เกิดขึ้นระหว่างการปฏิวัติฝรั่งเศส ผ่านไประยะหนึ่ง เครื่องมือนี้ถูกพาไปที่วงโอเปร่าออร์เคสตรา และตั้งแต่นั้นมา ก็ได้ถูกใช้ในสถานการณ์ที่ "น่าเศร้า" และ "ถึงแก่ชีวิต" ได้ตามปกติ การโจมตีด้วยทัมทัมหมายถึงความตาย ภัยพิบัติ การมีอยู่ของพลังเวทย์มนตร์ คำสาป ลางบอกเหตุ และ "เหตุการณ์ที่ไม่ปกติ" อื่นๆ ใน "Ruslan และ Lyudmila" มีเสียงอยู่ที่นั่นในช่วงเวลาของการลักพาตัวของ Lyudmila โดย Chernomor ใน "Robert the Devil" โดย Meyerberg - ในฉาก "การฟื้นคืนชีพของแม่ชี" ใน "Scheherazade" โดย Rimsky-Korsakov - ในขณะที่เรือของ Sinbad ชนเข้ากับโขดหิน จังหวะ Tam-tam ยังได้ยินในจุดสุดยอดที่น่าเศร้าของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีที่เจ็ดของ Shostakovich

เคลฟส์

กานพลูเป็นเครื่องเคาะจังหวะที่มีต้นกำเนิดจากคิวบา ท่อนเหล่านี้เป็นไม้กลมสองท่อน ยาว 15-25 ซม. อันละ 15-25 ซม. แกะสลักจากไม้เนื้อแข็งมาก นักแสดงถือหนึ่งในนั้นด้วยวิธีพิเศษในมือซ้ายของเขา - เพื่อให้ฝ่ามือที่กำแน่นเป็นเครื่องสะท้อน - และตีด้วยไม้อีกอันหนึ่ง

เสียงของก้ามปูนั้นแหลม สูง เสียงดังเหมือนระนาด แต่ไม่มีความสูงที่แน่นอน ระดับเสียงขึ้นอยู่กับขนาดของแท่งไม้ บางครั้งใช้ไม้สองหรือสามคู่ในวงซิมโฟนีออร์เคสตราซึ่งมีขนาดต่างกัน

หงุดหงิด

Frusta ประกอบด้วยกระดานไม้สองแผ่นซึ่งหนึ่งในนั้นมีที่จับและอันที่สองได้รับการแก้ไขด้วยปลายล่างเหนือที่จับบนบานพับ - ด้วยการแกว่งที่แหลมคมหรือด้วยความช่วยเหลือของสปริงที่แน่นจะผลิตฝ้ายที่อีกด้านหนึ่ง ด้วยจุดสิ้นสุดฟรี ตามกฎแล้ว แยกจากกันเท่านั้น ไม่ได้ปรบมือติดต่อกันบ่อยเกินไป

Frusta เป็นเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันที่ไม่มีความสูงระดับใดระดับหนึ่ง ดังนั้นส่วนของมัน เหมือนกับส่วนของแทมบูรีน ไม่ได้บันทึกไว้บนไม้คาน แต่อยู่บน "ด้าย"

Frusta contenta มักพบในเพลงสมัยใหม่ ด้วยการปรบมือสองครั้งบนอุปกรณ์นี้ ส่วนที่สามของ "Lorelei" จาก Symphony ที่สิบสี่ของ Shostakovich เริ่มต้นขึ้น

บล็อกไม้.

บล็อกไม้เป็นเครื่องเคาะจังหวะที่มีต้นกำเนิดจากจีน ก่อนที่มันจะปรากฏตัวในกลุ่มเพอร์คัชชันของซิมโฟนีออร์เคสตรา ท่อนไม้เป็นที่นิยมอย่างมากในดนตรีแจ๊ส

บล็อกไม้คือบล็อกไม้เนื้อแข็งรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าขนาดเล็กที่มีกรีดลึกและแคบที่ด้านหน้า เทคนิคการเล่นบล็อกไม้คือการตีกลอง เสียงจะถูกดึงออกมาโดยการใช้ไม้ตีระนาบด้านบนของเครื่องดนตรีด้วยไม้กลอง ค้อนไม้ ไม้ที่มีหัวยาง ผลลัพธ์ที่ได้คือเสียงที่คมชัด สูง ส่งเสียงกระทบกันในลักษณะเฉพาะ ระดับเสียงไม่แน่นอน

ในฐานะที่เป็นเครื่องเคาะจังหวะ ที่มีความสูงไม่จำกัด ท่อนไม้จะถูกทำเครื่องหมายไว้ที่ "ด้าย" หรือบนไม้บรรทัดรวมกัน

บล็อกวัด tartaruga

บล็อกของวัดเป็นเครื่องมือที่มีต้นกำเนิดจากเกาหลีหรือจีนเหนือซึ่งเป็นคุณลักษณะของศาสนาพุทธ เครื่องมือนี้มีรูปร่างกลม ด้านในเป็นโพรง มีร่องลึกตรงกลาง (เหมือนปากหัวเราะ) และทำจากไม้เนื้อแข็ง

เช่นเดียวกับเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชัน "แปลกใหม่" อื่นๆ ส่วนใหญ่ การแพร่กระจายช่วงแรกๆ ของบล็อกในวิหารเป็นดนตรีแจ๊ส ซึ่งแทรกเข้าไปในองค์ประกอบของวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตรา

เสียงของบล็อกวัดนั้นมืดมนและลึกกว่าบล็อกไม้ที่อยู่ใกล้กัน มันมีระดับเสียงที่ค่อนข้างแน่นอน ดังนั้นการใช้ชุดของบล็อกวัด คุณจะได้วลีที่ไพเราะสำหรับพวกเขา - ตัวอย่างเช่น S. Slonimsky ใช้เครื่องมือเหล่านี้ใน "Concert Buff"

พวกเขาเล่นบนบล็อกวัด ตีฝาครอบด้านบนด้วยไม้หัวยาง ค้อนไม้ และไม้กลองบ่วง

บางครั้งใช้เปลือกหอยเต่าในวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตรา ซึ่งคล้ายกับหลักการในการเล่นบนบล็อกวัด แต่ฟังดูแห้งและอ่อนแอกว่า ชุดของกระดองเต่าที่เรียกว่า Tartaruga ถูกใช้โดย S. Slonimsky ใน "Concert-buff"

กุยโร, รีโค-เรโค, ซาโป.

เครื่องดนตรีเหล่านี้มีต้นกำเนิดมาจากลาตินอเมริกา มีความคล้ายคลึงกันทั้งในหลักการสร้างสรรค์และรูปแบบการเล่น

พวกเขาทำมาจากส่วนไม้ไผ่ (reco-reco) จากมะระแห้ง (guiro) หรือจากวัตถุกลวงอื่นที่เป็นเครื่องสะท้อน ด้านหนึ่งของเครื่องมือจะทำชุดของรอยบากหรือรอยบาก ในบางกรณีจะติดตั้งแผ่นที่มีพื้นผิวเป็นลอน รอยบากเหล่านี้ทำด้วยแท่งไม้พิเศษซึ่งส่งผลให้มีเสียงแตกสูงและแหลมคม เครื่องดนตรีที่เกี่ยวข้องเหล่านี้มีความหลากหลายมากที่สุดคือ guiro I. Stravinsky เป็นคนแรกที่แนะนำเครื่องดนตรีนี้ในวงดุริยางค์ซิมโฟนี - ใน "พิธีกรรมแห่งฤดูใบไม้ผลิ" พบ Reko-reko ใน "Concert-buff" ของ Slonimsky และ sapo ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่คล้ายกับ reko-reko ถูกนำมาใช้ในบทเพลง "Three Poems โดย Henri Michaud" โดย V. Lutoslavsky

วงล้อ.

ในเครื่องดนตรีของชนชาติต่างๆ มีเสียงเขย่าในรูปทรงและอุปกรณ์ต่างๆ มากมาย ในวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตรา วงล้อคือกล่องที่นักแสดงหมุนบนที่จับรอบวงล้อเฟือง ในเวลาเดียวกันแผ่นไม้ที่ยืดหยุ่นซึ่งกระโดดจากฟันซี่หนึ่งไปอีกซี่หนึ่งก็ปล่อยรอยแตกที่มีลักษณะเฉพาะ

Maracas, chocalo (ทูโบ), cameso

เครื่องมือทั้งหมดนี้มีต้นกำเนิดในละตินอเมริกา มาราคัสคือด้ามไม้ทรงกลมหรือรูปไข่ที่อัดแน่นไปด้วยช็อต เมล็ดพืช กรวด หรือวัสดุอื่นๆ ที่หลวม ตามกฎแล้วเครื่องดนตรีพื้นบ้านเหล่านี้ทำมาจากมะพร้าวหรือมะระแห้งแบบกลวงบนด้ามธรรมชาติ Maracas เป็นที่นิยมอย่างมากในวงออเคสตราเพลงแดนซ์ในดนตรีแจ๊ส ในฐานะที่เป็นส่วนหนึ่งของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา S. Prokofiev เป็นคนแรกที่ใช้เครื่องดนตรีนี้ ("Dance of the Antilles Girls" จากบัลเล่ต์ "Romeo and Juliet", cantata "Alexander Nevsky") ตอนนี้มักใช้เครื่องดนตรีสองสามชิ้น - นักแสดงถือมันไว้ในมือทั้งสองข้างแล้วเขย่าแล้วแยกเสียง เช่นเดียวกับเครื่องเพอร์คัชชันอื่นๆ ที่ไม่มีระดับเสียงเฉพาะ Maracas จะระบุไว้ที่ "ด้าย" ตามหลักการของการผลิตเสียง Maracas นั้นใกล้เคียงกับ chocalo และ cameso เหล่านี้เป็นโลหะ - ตาหมากรุกหรือไม้ - cameso-cylinders บรรจุเหมือน maracas ด้วยสารหลวมบางชนิด ในบางรุ่น ผนังด้านข้างจะรัดด้วยเมมเบรนจากหนัง ทั้งเชคาโลและคาเมโซนั้นดังและคมชัดกว่ามาราคาส พวกเขายังจับด้วยมือทั้งสองข้างเขย่าในแนวตั้งหรือแนวนอนหรือหมุน

โรงเตี๊ยม.

ในตอนแรก เครื่องดนตรีที่มีต้นกำเนิดจากอัฟโฟร-บราซิลนี้ได้รับความนิยมในวงออเคสตราของดนตรีลาตินอเมริกา ซึ่งได้รับการเผยแพร่เพิ่มเติม ภายนอกโรงเตี๊ยมมีลักษณะคล้ายมาราคัสสองข้างที่คลุมด้วยตาข่ายที่มีลูกปัดขนาดใหญ่พันอยู่ นักแสดงถือเครื่องดนตรีไว้ในมือข้างหนึ่งและเพียงใช้นิ้วมืออีกมือตี หรือเลื่อนตารางด้วยลูกปัดด้วยการเคลื่อนไหวตามสัมผัสของฝ่ามือ ในกรณีหลังเกิดเสียงกรอบแกรบและยาวขึ้นซึ่งชวนให้นึกถึงเสียงมาราคัส หนึ่งใน kabatsu แรกถูกใช้โดย Slonimsky ใน "Concert-buff"

บ้อง.

เครื่องมือนี้มีต้นกำเนิดมาจากคิวบา หลังจากการปรับปรุงให้ทันสมัย ​​บองโกก็เริ่มถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในวงออร์เคสตราเพลงแดนซ์ แจ๊ส และแม้แต่ในงานดนตรีที่จริงจัง บ้องมีอุปกรณ์ดังต่อไปนี้: บนผิวทรงกระบอกไม้ (ความสูง 17 ถึง 22 ซม.) ยืดและยึดด้วยห่วงโลหะ (ปรับความตึงจากด้านในด้วยสกรู) ขอบโลหะไม่ได้อยู่เหนือระดับของผิวหนัง: นี่คือสิ่งที่กำหนดลักษณะการเล่นบนบ้องด้วยฝ่ามือ - con le mani หรือนิ้วมือ - con le dita บ้องสองอันที่มีเส้นผ่านศูนย์กลางต่างกันมักจะเชื่อมต่อกันด้วยที่ยึดทั่วไป บ้องที่เล็กกว่านั้นฟังดูสูงกว่าเสียงที่กว้างกว่าหนึ่งในสาม เสียงของบ้องจะสูง โดยเฉพาะอย่างยิ่ง "ว่าง" และแตกต่างกันไปตามสถานที่และวิธีการตี ด้วยเหตุนี้ ในแต่ละเครื่องดนตรี คุณสามารถรับเสียงสองเสียงที่มีความสูงต่างกัน: การเป่าด้วยนิ้วชี้ที่ยื่นออกไปที่ขอบหรืออันใหญ่ที่อยู่ตรงกลาง - และอันที่ต่ำกว่า (ที่ใดที่หนึ่งในสองหรือสามหลัก) - จาก เป่าด้วยฝ่ามือหรือปลายนิ้วใกล้กับจุดศูนย์กลาง

ดูตัวอย่าง:

เปียโน (It.piano-forte เปียโนฝรั่งเศส เยอรมัน Fortepiano, Hammerklavier เปียโนอังกฤษ)

แหล่งที่มาของเสียงในเปียโนคือสายโลหะ ซึ่งเริ่มส่งเสียงจากการกระแทกของค้อนไม้ที่หุ้มด้วยสักหลาด และค้อนนั้นใช้แรงกดด้วยนิ้วที่ปุ่ม

เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดเครื่องแรกที่รู้จักกันในตอนต้นของศตวรรษที่ 15 คือฮาร์ปซิคอร์ดและคลาวิคอร์ด (ในภาษาอิตาลี - clavicembalo) บนคลาวิคอร์ด สายถูกสั่นด้วยคันโยกโลหะ - แทนเจนต์ บนฮาร์ปซิคอร์ด - ด้วยขนอีกา และต่อมา - ด้วยตะขอโลหะ เสียงของเครื่องดนตรีเหล่านี้มีความซ้ำซากจำเจแบบไดนามิกและจางหายไปอย่างรวดเร็ว

เปียโนแบบค้อน-แอ็กชันตัวแรกที่ตั้งชื่อเพราะเล่นได้ทั้งเสียงมือขวาและเสียงเปียโน ส่วนใหญ่สร้างโดย Bartolomeo Cristofori ในปี 1709 เครื่องดนตรีใหม่นี้ได้รับการยอมรับอย่างรวดเร็ว และหลังจากการปรับปรุงหลายๆ อย่าง ก็ได้กลายมาเป็นคอนเสิร์ตแกรนด์สมัยใหม่ เปียโนถูกสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2369 เพื่อใช้ประกอบดนตรีในบ้าน

เปียโนเป็นที่รู้จักกันอย่างแพร่หลายในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยว แต่บางครั้งก็ทำหน้าที่เป็นเครื่องดนตรีธรรมดาของวงออเคสตรา นักประพันธ์เพลงชาวรัสเซีย เริ่มต้นด้วย Glinka เริ่มแนะนำเปียโนในวงออเคสตรา บางครั้งร่วมกับพิณ เพื่อสร้างเสียงของพิณใหม่ นี่คือวิธีที่มันถูกใช้ในเพลงของ Bayan ใน "Ruslan and Lyudmila" ของ Glinka ใน "Sadko" และใน "May Night" ของ Rimsky-Korsakov บางครั้งเปียโนก็เล่นเสียงระฆังเช่นเดียวกับใน Boris Godunov ของ Mussorgsky ซึ่งจัดโดย Rimsky-Korsakov แต่ไม่เสมอไปที่จะเลียนแบบเสียงต่ำเท่านั้น นักประพันธ์เพลงบางคนใช้ในวงออเคสตราเป็นเครื่องมือในการตกแต่งที่สามารถแนะนำความไพเราะและสีสันใหม่ๆ ให้กับวงออเคสตรา ดังนั้น Debussy จึงเขียนเปียโนท่อนบนสี่มือในชุดไพเราะ "Spring" สุดท้ายนี้บางครั้งถือว่าเป็นเครื่องเพอร์คัชชันชนิดหนึ่งที่มีโทนเสียงแห้งและเข้ม ตัวอย่างที่เฉียบแหลมและพิลึกพิลั่นใน Symphony 1 ของ Shostakovich เป็นตัวอย่างของสิ่งนี้

ดูตัวอย่าง:

ฮาร์ปซิคอร์ด

เครื่องดนตรีประเภทสายคีย์บอร์ด ฮาร์ปซิคอร์ดคือนักดนตรีที่แสดงผลงานดนตรีทั้งฮาร์ปซิคอร์ดและฮาร์ปซิคอร์ด การกล่าวถึงเครื่องดนตรีประเภทฮาร์ปซิคอร์ดที่เก่าแก่ที่สุดปรากฏในแหล่งข่าวจากปาดัว (อิตาลี) ในปี ค.ศ. 1397 ภาพแรกสุดที่รู้จักอยู่บนแท่นบูชาในเมืองมินเดิน (ค.ศ. 1425) ในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยว ฮาร์ปซิคอร์ดยังคงใช้อยู่จนถึงปลายศตวรรษที่ 18 อีกเล็กน้อยใช้สำหรับแสดงเบสแบบดิจิทัล ควบคู่ไปกับบทประพันธ์ในโอเปร่า ตกลง. พ.ศ. 2353 แทบเลิกใช้งาน การฟื้นตัวของวัฒนธรรมการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดเริ่มต้นขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 - 20 ฮาร์ปซิคอร์ดของศตวรรษที่ 15 ไม่รอด เมื่อพิจารณาจากรูปแล้ว สิ่งเหล่านี้เป็นเครื่องมือขนาดสั้นที่มีน้ำหนัก ฮาร์ปซิคอร์ดจากศตวรรษที่ 16 ที่รอดตายส่วนใหญ่ผลิตขึ้นในอิตาลี ซึ่งเวนิสเป็นศูนย์กลางการผลิตหลัก สำเนาฮาร์ปซิคอร์ดเฟลมิช พวกเขามีทะเบียน 8` (ไม่ค่อยมีสองทะเบียน 8` และ 4`) พวกเขามีความโดดเด่นโดยพระคุณ ร่างกายของพวกเขาส่วนใหญ่มักทำจากต้นไซเปรส การโจมตีฮาร์ปซิคอร์ดเหล่านี้ชัดเจนกว่า และเสียงที่กระทันหันมากกว่าเครื่องดนตรี Flamadic ในภายหลัง Antwerp เป็นศูนย์กลางการผลิตฮาร์ปซิคอร์ดที่สำคัญที่สุดในยุโรปตอนเหนือ ซึ่งตัวแทนของตระกูล Ruckers ทำงานมาตั้งแต่ปี 1579 ฮาร์ปซิคอร์ดของพวกมันมีสายยาวและหนักกว่าเครื่องดนตรีอิตาลี ตั้งแต่ปี 1590 ฮาร์ปซิคอร์ดที่มีคู่มือสองเล่มถูกผลิตขึ้นในแอนต์เวิร์ป ฮาร์ปซิคอร์ดฝรั่งเศส อังกฤษ เยอรมันของศตวรรษที่ 17 ผสมผสานคุณสมบัติของโมเดลเฟลมิชและดัตช์เข้าด้วยกัน ฮาร์ปซิคอร์ดฝรั่งเศส ฮาร์ปซิคอร์ดแบบสองมือของฝรั่งเศสบางส่วนที่มีลำตัววอลนัทรอดชีวิตมาได้ ตั้งแต่ปี 1690 เป็นต้นมา ฮาร์ปซิคอร์ดประเภทเดียวกับเครื่องดนตรีของ Rookers ได้ถูกผลิตขึ้นในฝรั่งเศส ในบรรดาปรมาจารย์ฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ราชวงศ์ Blanchet มีความโดดเด่น ในปี ค.ศ. 1766 Taskin ได้สืบทอดการประชุมเชิงปฏิบัติการของ Blanche ผู้ผลิตฮาร์ปซิคอร์ดชาวอังกฤษที่สำคัญที่สุดในศตวรรษที่ 18 ได้แก่ ชูดี้และตระกูลเคิร์กแมน เครื่องมือของพวกเขามีตัวไม้โอ๊คที่ปูด้วยไม้อัดและมีเสียงที่ดังกังวาน ในเยอรมนีศตวรรษที่ 18 ศูนย์กลางหลักในการผลิตฮาร์ปซิคอร์ดคือฮัมบูร์ก ในบรรดาเครื่องดนตรีที่ผลิตในเมืองนี้มีทะเบียน 2 และ 16 นิ้ว รวมทั้งคู่มือ 3 ฉบับ ฮาร์ปซิคอร์ดรุ่นยาวผิดปกติออกแบบโดยเจ. ดี. ดึลเคิน ปรมาจารย์ชั้นนำชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 18 ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่สิบแปด ฮาร์ปซิคอร์ดเริ่มถูกแทนที่ด้วยเปียโน ตกลง. พ.ศ. 2352 เคิร์กแมนได้ผลิตฮาร์ปซิคอร์ดตัวสุดท้ายออกมา ผู้ริเริ่มการฟื้นฟูเครื่องดนตรีคือ A. ดอลเมค. เขาสร้างฮาร์ปซิคอร์ดตัวแรกของเขาในปี 1896 ในลอนดอน และในไม่ช้าก็เปิดเวิร์คช็อปในบอสตัน ปารีส ไฮล์เมียร์ ฮาร์ปซิคอร์ดสมัยใหม่ การผลิตฮาร์ปซิคอร์ดยังก่อตั้งโดยบริษัทปารีส Pleyel และ Erard เพลเยลเริ่มผลิตฮาร์ปซิคอร์ดจำลองด้วยโครงโลหะที่บรรจุสายที่ตึงและแน่น Wanda Landowska ฝึกฝนนักฮาร์ปซิคอร์ดทั้งรุ่นเกี่ยวกับเครื่องดนตรีประเภทนี้ ช่างฝีมือชาวบอสตัน Frank Hubbard และ William Dyde เป็นคนแรกที่คัดลอกฮาร์ปซิคอร์ดโบราณ.

ดูตัวอย่าง:

ออร์แกน (It. organo, orgue ฝรั่งเศส, Orgel เยอรมัน, ออร์แกนอังกฤษ)

คีย์บอร์ดเครื่องเป่าลม - ออร์แกน - เป็นที่รู้จักในสมัยโบราณ ในอวัยวะโบราณ อากาศถูกสูบด้วยมือ ในยุโรปยุคกลาง ออร์แกนกลายเป็นเครื่องมือสำหรับการบูชาในโบสถ์ มันอยู่ในสภาพแวดล้อมทางจิตวิญญาณของศตวรรษที่ 17 ที่เกิดออร์แกนโพลีโฟนิกอาร์ตซึ่งเป็นตัวแทนที่ดีที่สุด ได้แก่ Frescobaldi, Bach และ Handel

ออร์แกนเป็นเครื่องดนตรีขนาดมหึมาที่มีเสียงต่ำมากมาย

“นี่คือวงออเคสตราทั้งวง ซึ่งในมือที่เชี่ยวชาญสามารถถ่ายทอดทุกสิ่ง แสดงออกทุกอย่าง” บัลซัคเขียนเกี่ยวกับเขา อันที่จริงช่วงของออร์แกนนั้นสูงกว่าเครื่องดนตรีทั้งหมดในวงออเคสตรารวมกัน อวัยวะประกอบด้วยเครื่องสูบลมสำหรับการจ่ายอากาศระบบท่อที่มีการออกแบบและขนาดต่างๆ (ในอวัยวะสมัยใหม่จำนวนท่อถึง 30,000) คีย์บอร์ดแบบแมนนวลหลายแบบ - คู่มือและแป้นเหยียบ ท่อที่ใหญ่ที่สุดมีความสูงตั้งแต่ 10 เมตรขึ้นไป ความสูงของท่อที่เล็กที่สุด - 8 มิลลิเมตร สีของเสียงนั้นขึ้นอยู่กับอุปกรณ์ของพวกเขา

ชุดท่อที่มีเสียงต่ำเดียวเรียกว่ารีจิสเตอร์ อวัยวะในโบสถ์ขนาดใหญ่มีทะเบียนมากกว่าหนึ่งร้อยรายการ: ในออร์แกน Notre Dame มีจำนวนถึง 110 สีของเสียงของรีจิสเตอร์แต่ละตัวคล้ายกับเสียงต่ำของขลุ่ย, โอโบ, ฮอร์นอังกฤษ, คลาริเน็ต, เบสคลาริเน็ต, ทรัมเป็ต, เชลโล ยิ่งทะเบียนสมบูรณ์และหลากหลายมากเท่าไร นักแสดงก็ยิ่งมีโอกาสมากขึ้นเท่านั้น เพราะศิลปะการเล่นออร์แกนเป็นศิลปะแห่งการลงทะเบียนที่ดี กล่าวคือ การใช้ทรัพยากรทางเทคนิคทั้งหมดของเครื่องมืออย่างชำนาญ

ในดนตรีออร์เคสตราล่าสุด (โดยเฉพาะการแสดงละคร) ออร์แกนนี้ถูกใช้เป็นหลักสำหรับวัตถุประสงค์ด้านภาพและเสียง ซึ่งจำเป็นต้องสร้างบรรยากาศของโบสถ์ขึ้นมาใหม่ ตัวอย่างเช่น Liszt ในบทกวีไพเราะของเขา "The Battle of the Huns" ด้วยความช่วยเหลือของอวัยวะ ต่อต้านโลกคริสเตียนกับพวกป่าเถื่อน

ดูตัวอย่าง:

พิณ - เครื่องดนตรีประเภทสายดึง มีรูปทรงสามเหลี่ยม ซึ่งประกอบด้วย: ประการแรก กล่องกล่องเสียงยาวประมาณ 1 เมตร ขยายลงด้านล่าง; เมื่อก่อนเป็นรูปสี่เหลี่ยม ส่วนรูปปัจจุบันเป็นมนด้านหนึ่ง มีพื้นเรียบซึ่งมักทำจากไม้เมเปิลซึ่งตรงกลางมีรางไม้เนื้อแข็งที่แคบและบางติดอยู่ตามความยาวของลำตัวซึ่งมีการเจาะรูเพื่อทำเกลียวไส้ ประการที่สองจากส่วนบน (ในรูปแบบของคอขนาดใหญ่) โค้งเหมือนงูติดกับส่วนบนของร่างกายสร้างมุมแหลมด้วย หมุดติดอยู่กับส่วนนี้เพื่อเสริมความแข็งแกร่งของสายและปรับแต่ง ประการที่สาม จากแถบด้านหน้าซึ่งมีรูปร่างเป็นเสา โดยมีจุดประสงค์เพื่อต้านทานแรงที่เกิดจากสายที่ยืดระหว่างฟิงเกอร์บอร์ดและลำตัวก้อง เนื่องจากพิณในอดีตนั้นมีระดับเสียงที่ชัดเจนอยู่แล้ว (ห้าอ็อกเทฟ) และห้องสำหรับสตริงที่มีสเกลเต็มสีไม่เพียงพอ สตริงในพิณจึงยืดออกเพื่อสร้างเสียงของสเกลไดอะโทนิกเท่านั้น พิณที่ไม่มีแป้นเหยียบสามารถเล่นได้เพียงสเกลเดียวเท่านั้น สำหรับการเพิ่มสีในสมัยก่อนนั้น จะต้องตัดสายให้สั้นลงโดยการกดนิ้วเข้ากับฟิงเกอร์บอร์ด ต่อมา การกดนี้เริ่มทำโดยใช้ตะขอที่เคลื่อนที่ด้วยมือ พิณดังกล่าวไม่สะดวกนักสำหรับนักแสดง ข้อบกพร่องเหล่านี้ส่วนใหญ่ถูกกำจัดโดยกลไกในคันเหยียบซึ่งคิดค้นโดย Jacob Hochbrucker ในปี ค.ศ. 1720 นายท่านนี้ติดแป้นเหยียบเจ็ดคันเข้ากับพิณโดยทำหน้าที่ตัวนำซึ่งผ่านพื้นที่ว่างของลำแสงไปยังฟิงเกอร์บอร์ดและนำตะขอมา ในตำแหน่งที่พวกมันติดกับสายอย่างแน่นหนา พวกเขาสร้างการปรับปรุงสีตลอดทั้งระดับเสียงของเครื่องดนตรี

คำว่า "วงออเคสตรา" เป็นที่คุ้นเคยของเด็กนักเรียนทุกคน เป็นชื่อของนักดนตรีกลุ่มใหญ่ที่ร่วมกันแสดงดนตรี ในขณะเดียวกันในกรีกโบราณคำว่า "วงออเคสตรา" (ซึ่งต่อมาคำว่า "วงออเคสตรา" สมัยใหม่ถูกสร้างขึ้น) หมายถึงพื้นที่ด้านหน้าเวทีที่คณะนักร้องประสานเสียงตั้งอยู่ซึ่งเป็นผู้เข้าร่วมที่ขาดไม่ได้ในโศกนาฏกรรมกรีกโบราณ ต่อมากลุ่มนักดนตรีเริ่มตั้งอยู่ในไซต์เดียวกันและถูกเรียกว่า "วงออเคสตรา"

ศตวรรษผ่านไปแล้ว และตอนนี้คำว่า "วงออเคสตรา" ก็ไม่มีความหมายที่ชัดเจน ทุกวันนี้ มีออร์เคสตราที่แตกต่างกัน: ทองเหลือง โฟล์ก ออร์เคสตราบายัน แชมเบอร์ออร์เคสตรา ป๊อปแจ๊ส ฯลฯ แต่ไม่มีใครสามารถต้านทานการแข่งขันด้วย "ปาฏิหาริย์ทางเสียง"; บ่อยครั้งและแน่นอนว่าค่อนข้างถูกต้องเรียกว่าวงดุริยางค์ซิมโฟนี

ความเป็นไปได้ของวงดุริยางค์ซิมโฟนีนั้นไม่มีที่สิ้นสุดอย่างแท้จริง ในการกำจัดของเขามีเฉดสีทั้งหมดตั้งแต่การสั่นสะเทือนที่แทบไม่ได้ยินและเสียงกรอบแกรบไปจนถึงเสียงฟ้าร้องอันทรงพลัง และประเด็นไม่ได้อยู่ที่ความกว้างของเฉดสีไดนามิก (โดยทั่วไปสามารถเข้าถึงได้จากวงออเคสตราทั่วไป) แต่ในความหมายที่มีเสน่ห์ซึ่งมาพร้อมกับเสียงของผลงานชิ้นเอกไพเราะของแท้เสมอ นี่คือจุดที่การผสมผสานของเสียงต่ำเข้ามาช่วย รวมถึงการขึ้นๆ ลงๆ ของคลื่นอันทรงพลัง และการโซโลที่แสดงออกอย่างชัดเจน และเลเยอร์ "ออร์แกน" ที่หลอมรวมเข้าด้วยกัน

ฟังตัวอย่างเพลงไพเราะ จำภาพที่สวยงามของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียชื่อ A. Lyadov ซึ่งน่าทึ่งในความเงียบที่ทะลุทะลวง "Magic Lake" ตัวแบบของรูปภาพที่นี่คือธรรมชาติในสถานะคงที่ซึ่งไม่มีใครแตะต้อง นักแต่งเพลงยังเน้นย้ำเรื่องนี้ด้วยในคำกล่าวของเขาเกี่ยวกับ "ทะเลสาบเวทมนตร์": "ช่างงดงาม บริสุทธิ์ มีดวงดาวและความลึกลับในส่วนลึกเพียงใด! และที่สำคัญที่สุด - ปราศจากผู้คน ปราศจากการร้องขอและการร้องเรียน - ความตายอย่างหนึ่ง - เย็นชา ชั่วร้าย แต่น่าอัศจรรย์เหมือนในเทพนิยาย อย่างไรก็ตามคะแนนของ Lyadov ไม่สามารถเรียกได้ว่าตายหรือเย็นชา ตรงกันข้าม กลับรู้สึกอบอุ่นด้วยความรู้สึกอบอุ่น สั่นไหว แต่ถูกควบคุมไว้

B. Asafiev นักดนตรีชื่อดังชาวโซเวียตเขียนว่าใน "ภาพดนตรีแนวกวีครุ่นคิด ... งานของ Lyadov ครอบครองขอบเขตของภูมิทัศน์ไพเราะไพเราะ" จานสีที่มีสีสันของ "Magic Lake" ประกอบด้วยเสียงที่ปิดบัง, เสียงอู้อี้, เสียงกรอบแกรบ, เสียงกรอบแกรบ, น้ำกระเซ็นและความผันผวนที่แทบจะสังเกตไม่เห็น จังหวะฉลุฉลุที่ดีเหนือกว่าที่นี่ การสะสมแบบไดนามิกถูกเก็บไว้ให้น้อยที่สุด เสียงของวงออเคสตราทั้งหมดมีภาพที่เป็นอิสระ ไม่มีการพัฒนาไพเราะในความหมายที่แท้จริงของคำ แยกวลีสั้น ๆ - ลวดลายเรืองแสงเหมือนไฮไลท์ที่ริบหรี่ ... Lyadov ซึ่งสามารถ "ได้ยินความเงียบ" ได้อย่างละเอียดอ่อนวาดภาพทะเลสาบที่มีเสน่ห์ด้วยทักษะที่น่าทึ่ง - ภาพที่มีควัน แต่ได้รับแรงบันดาลใจเต็มไปด้วยกลิ่นหอมที่ยอดเยี่ยมและบริสุทธิ์ ความงามที่บริสุทธิ์ ภูมิทัศน์ดังกล่าวสามารถ "วาด" ด้วยความช่วยเหลือของวงดุริยางค์ซิมโฟนีเท่านั้นเพราะไม่มีเครื่องดนตรีและ "สิ่งมีชีวิตในวงออร์เคสตรา" อื่นใดที่สามารถวาดภาพที่ชัดเจนและค้นหาสีและเฉดสีที่ละเอียดอ่อนเช่นนี้

และนี่คือตัวอย่างของประเภทตรงข้าม - ตอนจบของ "Poem of Ecstasy" ที่มีชื่อเสียงโดย A. Scriabin นักแต่งเพลงแสดงให้เห็นในงานนี้ถึงความหลากหลายของรัฐและการกระทำของมนุษย์ในการพัฒนาอย่างมั่นคงและมีเหตุผล ดนตรีสื่อถึงความเฉื่อยอย่างต่อเนื่อง การปลุกเจตจำนง การเผชิญหน้ากับกองกำลังที่คุกคาม การต่อสู้กับพวกเขา ไคลแม็กซ์ ตามมาถึงจุดไคลแม็กซ์ ในตอนท้ายของบทกวี ความตึงเครียดก็เพิ่มขึ้น เตรียมการขึ้นใหม่ที่ยิ่งใหญ่ยิ่งกว่าเดิม บทส่งท้ายของ "บทกวีแห่งความปีติยินดี" กลายเป็นภาพอันตระการตาของขอบเขตมหึมา กับพื้นหลังเป็นประกายระยิบระยับด้วยสีทั้งหมด (อวัยวะเชื่อมต่อกับวงออเคสตราขนาดใหญ่) แปดเขาและทรัมเป็ตประกาศธีมดนตรีหลักอย่างสนุกสนาน ความดังก้องกังวานถึงความแข็งแกร่งเหนือมนุษย์ในตอนท้าย ไม่มีวงดนตรีอื่นใดที่สามารถบรรลุถึงพลังและความยิ่งใหญ่ของเสียงดังกล่าวได้ มีเพียงวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตราเท่านั้นที่มีความสามารถและในขณะเดียวกันก็แสดงออกถึงความปีติยินดี ความปีติยินดี และความรู้สึกที่พุ่งสูงขึ้นอย่างบ้าคลั่ง

"Magic Lake" ของ Lyadov และบทส่งท้ายของ "The Poem of Ecstasy" คือเสียงสุดขั้วและเสาที่มีพลังในจานเสียงที่เข้มข้นที่สุดของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

ทีนี้มาดูตัวอย่างอื่นกัน ส่วนที่สองของ Eleventh Symphony โดย D. Shostakovich มีคำบรรยาย - "9 มกราคม" ในนั้นผู้แต่งเล่าเกี่ยวกับเหตุการณ์เลวร้ายของ "Bloody Sunday" และในขณะนั้นเมื่อเสียงร้องคร่ำครวญของฝูงชน เสียงปืนยาว จังหวะเหล็กของฝีเท้าของทหารรวมกันเป็นภาพเสียงที่มีพลังและพลังอันน่าทึ่ง พายุที่อึกทึกก็หยุดลงทันที ... และต่อมา ความเงียบในเสียงกระซิบ "ผิวปาก" ของเครื่องสาย ได้ยินเสียงร้องเพลงที่เงียบและเศร้าของคณะนักร้องประสานเสียงอย่างชัดเจน ตามคำจำกัดความที่เหมาะเจาะของนักดนตรี G. Orlov คนหนึ่งได้รับความรู้สึกว่า “ราวกับว่าอากาศของ Palace Square คร่ำครวญด้วยความเศร้าโศกเมื่อเห็นความโหดร้ายที่สำเร็จ” ด้วยไหวพริบของเสียงต่ำและทักษะอันยอดเยี่ยมในการเขียนบรรเลงเพลง D. Shostakovich สามารถสร้างภาพลวงตาของเสียงร้องประสานเสียงโดยใช้วิธีการแบบออร์เคสตราล้วนๆ มีหลายกรณีที่ในการแสดงครั้งแรกของ Eleventh Symphony ผู้ฟังลุกขึ้นจากที่นั่งโดยคิดว่ามีคณะนักร้องประสานเสียงอยู่บนเวทีหลังวงออเคสตรา...

วงซิมโฟนีออร์เคสตรายังสามารถถ่ายทอดเอฟเฟกต์ที่เป็นธรรมชาติได้หลากหลาย ดังนั้น ริชาร์ด สเตราส์ นักประพันธ์เพลงชาวเยอรมันผู้โดดเด่นในบทกวีไพเราะ ดอน กิโฆเต้ ซึ่งแสดงตอนที่รู้จักกันดีจากนวนิยายของเซร์บันเตส "ด้วยสายตา" อย่างน่าประหลาดใจ พรรณนาถึงเสียงร้องของฝูงแกะในวงออเคสตรา ในห้องชุดของนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสชื่อ Carnival of the Animals โดยนักประพันธ์ชาวฝรั่งเศส C. Saint-Saens เสียงร้องของลา ท่าเดินงุ่มง่ามของช้าง และเสียงเรียกของแม่ไก่กับไก่โต้งอย่างกระสับกระส่าย Paul Dukas ชาวฝรั่งเศสใน Symphonic scherzo "The Sorcerer's Apprentice" (เขียนขึ้นจากเพลงบัลลาดที่มีชื่อเดียวกันโดย W. Goethe) วาดภาพธาตุน้ำป่าอย่างยอดเยี่ยม (ในกรณีที่ไม่มีนักมายากลเก่านักเรียน ตัดสินใจที่จะเปลี่ยนไม้กวาดเป็นคนใช้: เขาทำให้เขาอุ้มน้ำซึ่งค่อยๆท่วมบ้านทั้งหลัง ) ไม่จำเป็นต้องพูดว่ามีเอฟเฟกต์สร้างคำที่กระจัดกระจายอยู่ในเพลงโอเปร่าและบัลเล่ต์มากแค่ไหน ที่นี่พวกเขายังถูกถ่ายทอดโดยวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตรา แต่ได้รับแจ้งจากสถานการณ์ในทันทีและไม่ใช่โดยโปรแกรมวรรณกรรมเช่นเดียวกับในงานไพเราะ เพียงพอที่จะระลึกถึงโอเปร่าเช่น The Tale of Tsar Saltan และ The Snow Maiden โดย N. Rimsky-Korsakov, I. Stravinsky's ballet Petrushka และอื่น ๆ ข้อความที่ตัดตอนมาหรือห้องสวีทจากงานเหล่านี้มักแสดงในคอนเสิร์ตซิมโฟนี

และมีภาพองค์ประกอบทะเลที่งดงามและเกือบจะมองเห็นได้กี่ภาพในเพลงไพเราะ! ชุด "Scheherazade" ของ N. Rimsky-Korsakov, "The Sea" โดย C. Debussy, การทาบทาม "Sea Silence and Happy Swimming" โดย F. Mendelssohn, จินตนาการไพเราะ "The Tempest" โดย P. Tchaikovsky และ "The Sea" โดย A . Glazunov - รายการงานดังกล่าวมีขนาดใหญ่มาก ผลงานหลายชิ้นถูกเขียนขึ้นสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา ภาพวาดธรรมชาติหรือภาพร่างภูมิทัศน์ที่มีจุดมุ่งหมายอย่างดี อย่างน้อยให้เราตั้งชื่อซิมโฟนีที่หก ("อภิบาล") โดยแอล. เบโธเฟนด้วยภาพของพายุฝนฟ้าคะนองอย่างฉับพลันที่โดดเด่นด้วยพลังของภาพ ภาพไพเราะของ A. Borodin "ในเอเชียกลาง", แฟนตาซีไพเราะของ A. Glazunov " ป่าไม้", "ฉากหนึ่งในทุ่ง" จาก Fantastic symphonies โดย G. Berlioz อย่างไรก็ตาม ในงานทั้งหมดเหล่านี้ ภาพลักษณ์ของธรรมชาติมักเกี่ยวข้องกับโลกทางอารมณ์ของผู้แต่งเอง เช่นเดียวกับแนวคิดที่กำหนดธรรมชาติขององค์ประกอบโดยรวม โดยทั่วไป ช่วงเวลาที่มีคำอธิบาย เป็นธรรมชาติ สร้างคำ มีส่วนร่วมเพียงเล็กน้อยในผืนผ้าใบไพเราะ นอกจากนี้ โปรแกรมเพลงที่เหมาะสม กล่าวคือ เพลงที่ถ่ายทอดโครงเรื่องวรรณกรรมบางเรื่องอย่างสม่ำเสมอ ก็ไม่ได้ครองตำแหน่งผู้นำในแนวไพเราะด้วย สิ่งสำคัญที่วงซิมโฟนีออร์เคสตราสามารถภาคภูมิใจได้คือจานสีที่หลากหลายของวิธีการแสดงออกต่าง ๆ เหล่านี้มีขนาดใหญ่มาก ยังไม่หมดความเป็นไปได้ของการผสมผสานและการรวมกันของเครื่องดนตรีเหล่านี้เป็นทรัพยากรเสียงต่ำที่ร่ำรวยที่สุดของทุกกลุ่มที่ประกอบกัน วงออเคสตรา

วงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตราแตกต่างอย่างมากจากกลุ่มเครื่องดนตรีอื่น ๆ ตรงที่องค์ประกอบของมันถูกกำหนดไว้อย่างเคร่งครัดเสมอ ยกตัวอย่างเช่น วงดนตรีป๊อปแจ๊สจำนวนมากที่มีอยู่มากมายในเกือบทุกมุมโลก พวกมันไม่เหมือนกันเลย: จำนวนเครื่องดนตรี (ตั้งแต่ 3-4 ถึงสองโหลขึ้นไป) และจำนวนผู้เข้าร่วมอาจแตกต่างกัน แต่ที่สำคัญที่สุด ออเคสตราเหล่านี้ไม่เหมือนกันในเสียงของพวกเขา บางชนิดใช้เครื่องสาย บางชนิดใช้แซกโซโฟนและเครื่องทองเหลือง ในบางวงดนตรี เปียโนเล่นบทบาทนำ (สนับสนุนโดยกลองและดับเบิลเบส); วงออร์เคสตราวาไรตี้ของประเทศต่าง ๆ รวมถึงเครื่องดนตรีประจำชาติ ฯลฯ ดังนั้นในเกือบทุกวงออร์เคสตราหรือแจ๊ส พวกมันไม่ยึดติดกับองค์ประกอบเครื่องดนตรีที่กำหนดไว้อย่างเคร่งครัด แต่ใช้การผสมผสานของเครื่องดนตรีต่างๆ ได้อย่างอิสระ ดังนั้นงานเดียวกันจึงฟังดูแตกต่างกันในกลุ่มป๊อปแจ๊สที่แตกต่างกัน: แต่ละรายการมีการประมวลผลเฉพาะของตัวเอง และนี่เป็นสิ่งที่เข้าใจได้: ท้ายที่สุดแล้ว ดนตรีแจ๊สเป็นศิลปะ โดยพื้นฐานแล้วคือด้นสด

แถบทองเหลืองก็แตกต่างกัน บางชนิดประกอบด้วยเครื่องทองเหลืองเท่านั้น และส่วนใหญ่ไม่สามารถทำได้หากไม่มีเครื่องเป่าลม - ขลุ่ย, โอโบ, คลาริเน็ต, บาสซูน วงออร์เคสตราของเครื่องดนตรีพื้นบ้านก็แตกต่างกันเช่นกัน: วงออร์เคสตราพื้นบ้านรัสเซียนั้นไม่เหมือนกับวงคีร์กีซและวงอิตาลีก็ไม่เหมือนกับวงออเคสตราพื้นบ้านของประเทศสแกนดิเนเวีย และมีเพียงวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตรา - สิ่งมีชีวิตทางดนตรีที่ใหญ่ที่สุด - ที่มีองค์ประกอบที่มีมายาวนานและกำหนดไว้อย่างเคร่งครัด ดังนั้นงานไพเราะที่เขียนในประเทศหนึ่งสามารถทำได้โดยกลุ่มซิมโฟนีในประเทศอื่น ดังนั้นภาษาของดนตรีไพเราะจึงเป็นภาษาสากลอย่างแท้จริง มีการใช้งานมานานกว่าสองศตวรรษ และเขาไม่แก่ ยิ่งไปกว่านั้น ไม่มีการเปลี่ยนแปลง "ภายใน" ที่น่าสนใจมากเท่ากับในวงดุริยางค์ซิมโฟนีสมัยใหม่ ในอีกด้านหนึ่ง วงออเคสตรามีสีสันมากขึ้นทุกปี ในทางกลับกัน เฟรมหลักซึ่งก่อตัวขึ้นในศตวรรษที่ 18 นั้นมีความชัดเจนมากขึ้น และบางครั้งนักประพันธ์เพลงในยุคของเราซึ่งหันไปใช้องค์ประกอบที่ "ล้าสมัย" ได้พิสูจน์ให้เห็นอีกครั้งว่าความเป็นไปได้ในการแสดงออกนั้นยอดเยี่ยมเพียงใด ...

บางที วงดนตรีใด ๆ ก็ไม่ได้สร้างดนตรีที่ยอดเยี่ยมมากมาย! ในกาแล็กซี่อันเจิดจ้าของนักประพันธ์ไพเราะ ชื่อของไฮเดินและโมสาร์ท, เบโธเฟนและชูเบิร์ต, เมนเดลโซห์นและชูมันน์, แบร์ลิออซและบราห์มส์, ลิซท์และแวกเนอร์, กรีกและดโวรัค, กลินกาและโบโรดิน, ริมสกี-คอร์ซาคอฟและไชคอฟสกี, รัคมานินอฟและสครีอาบิน และ Taneyev, ส่องแสง, Mahler และ Bruckner, Debussy และ Ravel, Sibelius และ R. Strauss, Stravinsky และ Bartok, Prokofiev และ Shostakovich นอกจากนี้วงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตรายังเป็นผู้เข้าร่วมที่ขาดไม่ได้ในการแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์ ดังนั้น สำหรับงานไพเราะหลายร้อยชิ้น เราจึงควรเพิ่มชิ้นส่วนเหล่านั้นจากโอเปร่าและบัลเลต์ที่เป็นวงออเคสตรา (ไม่ใช่ศิลปินเดี่ยว คณะนักร้องประสานเสียง หรือเพียงแค่การแสดงบนเวที) ที่มีบทบาทหลัก แต่นั่นไม่ใช่ทั้งหมด เราชมภาพยนตร์หลายร้อยเรื่อง และส่วนใหญ่ "ให้เสียง" โดยวงดุริยางค์ซิมโฟนี

วิทยุ โทรทัศน์ ซีดี และเพลงไพเราะได้เข้ามาในชีวิตเราโดยผ่านทางสิ่งเหล่านี้ ในโรงภาพยนตร์หลายแห่ง วงซิมโฟนีออร์เคสตราขนาดเล็กจะเล่นก่อนฉาย ออร์เคสตราดังกล่าวยังถูกสร้างขึ้นในการแสดงมือสมัครเล่น กล่าวอีกนัยหนึ่ง จากมหาสมุทรอันกว้างใหญ่และเกือบไร้ขอบเขตของดนตรีที่รายล้อมเรา ครึ่งที่ดีนั้นเชื่อมโยงกับเสียงไพเราะ ซิมโฟนีและออราโทริโอ โอเปร่าและบัลเลต์ คอนแชร์โตและห้องสวีท ดนตรีสำหรับโรงละครและภาพยนตร์ - แนวเพลงทั้งหมดเหล่านี้ (และอื่น ๆ อีกมากมาย) ไม่สามารถทำได้หากไม่มีซิมโฟนีออร์เคสตรา

อย่างไรก็ตาม มันผิดที่คิดว่าเพลงไหนๆ ก็เล่นในวงออเคสตราได้ ท้ายที่สุด ดูเหมือนว่าการรู้หลักการและกฎของเครื่องมือวัด นักดนตรีที่มีความสามารถทุกคนสามารถจัดเปียโนหรืองานอื่นๆ ได้ กล่าวคือ แต่งกายด้วยชุดไพเราะที่สดใส อย่างไรก็ตามในทางปฏิบัติสิ่งนี้ค่อนข้างหายาก ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ N. Rimsky-Korsakov กล่าวว่าเครื่องมือวัดคือ "ด้านหนึ่งของจิตวิญญาณขององค์ประกอบเอง" ดังนั้น เมื่อพิจารณาถึงแนวคิดนี้แล้ว นักแต่งเพลงจึงใช้องค์ประกอบเครื่องดนตรีบางอย่าง ดังนั้นทั้งชิ้นที่เบาและไม่โอ้อวดและผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่โอ่อ่าสามารถเขียนขึ้นสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

จริงอยู่ มีบางกรณีที่งานได้รับชีวิตที่สองในเวอร์ชันไพเราะใหม่ สิ่งนี้เกิดขึ้นกับวัฏจักรเปียโนอันยอดเยี่ยมของ M. Mussorgsky “Pictures at an Exhibition” ซึ่ง M. Ravel เป็นผู้เรียบเรียงอย่างเชี่ยวชาญ (มีความพยายามอื่นๆ ที่ประสบความสำเร็จน้อยกว่าในการจัดแต่งรูปภาพในนิทรรศการ) ผลงานโอเปร่าของ M. Mussorgsky Boris Godunov และ Khovanshchina กลับมามีชีวิตอีกครั้งภายใต้การดูแลของ D. Shostakovich ผู้ดำเนินการเวอร์ชันออเคสตราใหม่ของพวกเขา บางครั้งงานเดียวกันสองเวอร์ชันก็อยู่ร่วมกันอย่างสันติในมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของผู้แต่ง - เครื่องดนตรีเดี่ยวและไพเราะ มีตัวอย่างไม่กี่ตัวอย่าง แต่น่าสนใจทีเดียว เพลง "Pavane" ของราเวลมีอยู่ทั้งในเปียโนและในเวอร์ชันออร์เคสตรา และทั้งคู่ก็ใช้ชีวิตในคอนเสิร์ตอย่างเท่าเทียมกัน Prokofiev เรียบเรียงการเคลื่อนไหวช้าๆ ของ Piano Sonata ตัวที่สี่ของเขา ทำให้เป็นงานไพเราะที่เป็นอิสระและบริสุทธิ์ นักแต่งเพลงเลนินกราด S. Slonimsky เขียนวงจรเสียง "เพลงของ Freemen" ตามตำราพื้นบ้าน งานนี้มีนัยสำคัญทางศิลปะที่เท่าเทียมกันสองรูปแบบ: หนึ่งมาพร้อมกับเปียโนและอีกอันมาพร้อมกับดนตรีคลอ อย่างไรก็ตามบ่อยครั้งที่นักแต่งเพลงเมื่อเริ่มทำงานมีความคิดที่ดีไม่เพียง แต่เกี่ยวกับแนวคิดขององค์ประกอบเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศูนย์รวมของเสียงต่ำด้วย และแนวเพลง เช่น ซิมโฟนี คอนแชร์โต้บรรเลง บทกวีไพเราะ สวีท แรปโซดี ฯลฯ ล้วนเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเสียงของวงดุริยางค์ซิมโฟนี ที่ใครๆ ก็พูดกันว่าไม่สามารถแยกออกจากมันได้

น่าสนใจแต่จริง...

นักฟิสิกส์ อัลเบิร์ต ไอน์สไตน์ งงกับคำถามที่ยากที่สุด เคยเล่นไวโอลินจนได้คำตอบ จากนั้นเขาก็ลุกขึ้นและประกาศว่า: “ในที่สุดฉันก็เข้าใจแล้วว่าเกิดอะไรขึ้น!”

โครงสร้างวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

วงออเคสตรา ในกรีกโบราณ เรียกว่า สถานที่, ตั้งใจ สำหรับคณะนักร้องประสานเสียง(กรีก orheomai - ฉันเต้น). ในปัจจุบัน วงออเคสตราเรียกว่าองค์ประกอบบางอย่างของเครื่องดนตรีที่สร้างทั้งอินทรีย์โดยอาศัยความสัมพันธ์ภายในที่ลึกล้ำของเสียงต่ำซึ่งกันและกัน การฝึกปฏิบัติทางดนตรีได้พัฒนาวงออเคสตราประเภทต่างๆ แต่ละคนมีองค์ประกอบบางอย่างของเครื่องมือและจำนวนที่แตกต่างกัน ประเภทหลัก: โอเปร่าและซิมโฟนี, ทองเหลือง, วงดนตรีพื้นบ้าน, แจ๊สออร์เคสตรา

ในทางกลับกัน วงดุริยางค์ซิมโฟนีก็มีความหลากหลาย แชมเบอร์ออร์เคสตรา (10 - 12 คน) ถูกสร้างขึ้นสำหรับการแสดงดนตรียุคแรกโดยองค์ประกอบที่เขียนขึ้น (Bach's Brandenburg Concertos, Concerto grosso โดย Vivaldi, Corelli, Handel) แก่นของออร์เคสตราแชมเบอร์คือกลุ่มเครื่องสายที่มีฮาร์ปซิคอร์ด ฟลุต โอโบ บาสซูน และแตร การอุทธรณ์ไปยังแชมเบอร์ออร์เคสตราในดนตรีสมัยใหม่นั้นสัมพันธ์กับการค้นหาความเป็นไปได้ในการแสดงออกใหม่ๆ (Shostakovich. Opera "The Nose", ซิมโฟนีที่ 14, A. Schnittke. คอนแชร์โต้ กรอสโซ สำหรับสองไวโอลินและแชมเบอร์ออร์เคสตรา, 1977) หรืออธิบายโดย ข้อควรพิจารณาในทางปฏิบัติ สถานการณ์ดังกล่าวกลายเป็นจุดแตกหักเมื่อ I. Stravinsky สร้าง The Story of a Soldier ในปี 1918: “... สถานที่แสดงละครของเราหายากมาก ... ฉันไม่เห็นวิธีอื่นนอกจากต้องหยุดที่องค์ประกอบดังกล่าวที่จะรวมมากที่สุด เครื่องมือเฉพาะของรีจิสเตอร์สูงและต่ำ จากเครื่องสาย - ไวโอลินและดับเบิลเบส จากไม้ - คลาริเน็ตและบาสซูน จากทองแดง - ทรัมเป็ตและทรอมโบน และสุดท้ายคือเครื่องเคาะที่ควบคุมโดยนักดนตรีคนหนึ่ง

วงออเคสตรา ประกอบด้วยกลุ่มธนูของวงออเคสตรา (Tchaikovsky. Serenade for string orchestra, Onneger. Second Symphony)

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 เมื่อเส้นทางสร้างสรรค์ของ Haydn และ Mozart สิ้นสุดลงและการแสดงซิมโฟนีของ Beethoven ครั้งแรกก็มี วงออเคสตราขนาดเล็ก (คลาสสิก) องค์ประกอบของมัน:

กลุ่มสตริง กลองทองเหลืองเครื่องเป่าลมไม้

ไวโอลิน 1 ขลุ่ย 2 เขา 2 – 4 ทิมปานี 2 – 3

ไวโอลิน II โอโบ 2 แตร 2

คลาริเน็ตอัลโต2

เชลโลบาสซูน2

ดับเบิ้ลเบส

เจ. ไฮเดน. ซิมโฟนี "ชั่วโมง" ตอนที่ II

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 วงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่ ลักษณะเด่นที่สำคัญของวงออเคสตราขนาดใหญ่จากวงเล็กคือการมีทรอมโบนสามตัวและทูบา ( สี่ทองแดงหนัก ). ในการสร้างสมดุลแบบไดนามิก จำนวนนักแสดงในกลุ่มสตริงจะเพิ่มขึ้น

วงเล็ก วงใหญ่

ไวโอลิน I 4 คอนโซล 8 - 10 คอนโซล

ไวโอลิน II 3 คอนโซล 7 – 9 คอนโซล

วิโอล่า 2 รีโมท 6 รีโมท

เชลโล 2 รีโมท 5 รีโมท

ดับเบิ้ลเบส 1 คอนโซล 4 – 5 คอนโซล

วงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตราขนาดใหญ่มีองค์ประกอบหลายอย่างขึ้นอยู่กับจำนวนของเครื่องเป่าลมไม้

ดับเบิ้ลหรือ องค์ประกอบคู่ ซึ่งมีเครื่องดนตรีคนละ 2 ตระกูล

ชูเบิร์ต ซิมโฟนี เอช-มอล

กลินก้า วอลทซ์แฟนตาซี

ไชคอฟสกี ซิมโฟนีหมายเลข 1

องค์ประกอบสามประการ,โดยแต่ละตระกูลมีเครื่องดนตรี 3 ตัว ได้แก่

เลียดอฟ บาบาคือยากะ

ริมสกี้-คอร์ซาคอฟ Operas The Golden Cockerel, เรื่องราวของซาร์ซัลตัน

องค์ประกอบสี่เท่า : 4 ขลุ่ย โอโบ 4 ตัว คลาริเน็ต 4 ตัว บาสซูน 4 ตัว

วิธีการพบข้อยกเว้น องค์ประกอบเดียว:

โปรโคฟีเยฟ นิทานไพเราะ "ปีเตอร์กับหมาป่า"

ริมสกี้-คอร์ซาคอฟ Opera Mozart และ Salieri

มีอยู่ องค์ประกอบระดับกลาง:

ริมสกี้-คอร์ซาคอฟ "เชเฮราซาด".

โชสตาโควิช. ซิมโฟนี 7, 8, 10.

ไชคอฟสกี ซิมโฟนีหมายเลข 5 ทาบทาม "Francesca da Rimini", โรมิโอและจูเลียต

การจัดวงดุริยางค์ซิมโฟนีคือการรวมเครื่องดนตรีที่เกี่ยวข้องออกเป็นกลุ่มๆ มีห้าคน:

เครื่องสาย - archi

ลมไม้ - เฟียติ (เลญโญ)

เครื่องดนตรีทองเหลือง - ออตโตนี

เครื่องเพอร์คัชชัน - เพอร์คัสซี

เครื่องมือดึงคีย์บอร์ด

3. ค้นหาข้อมูลเกี่ยวกับองค์ประกอบของวงออเคสตราในโอเปร่า "Orpheus" ของ Monteverdi

ดนตรีคือสิ่งแรกคือเสียง พวกเขาสามารถดังและเงียบเร็วและช้าเป็นจังหวะและไม่...

แต่แต่ละเสียงโน้ตแต่ละตัวส่งผลต่อจิตสำนึกของคนฟังเพลงสภาพจิตใจของเขาในทางใดทางหนึ่ง และถ้านี่คือดนตรีออร์เคสตราแล้วล่ะก็ จะไม่ปล่อยให้ใครเฉยอย่างแน่นอน!

วงออเคสตรา. ประเภทของวงออเคสตรา

วงออเคสตราเป็นกลุ่มนักดนตรีที่เล่นเครื่องดนตรี ผลงานที่ออกแบบมาโดยเฉพาะสำหรับเครื่องดนตรีเหล่านี้

และจากสิ่งที่เป็นองค์ประกอบนี้ วงออเคสตรามีความเป็นไปได้ทางดนตรีที่แตกต่างกัน: ในแง่ของเสียงต่ำ ไดนามิก ความหมาย

วงออเคสตราประเภทใดบ้าง? คนหลักคือ:

• ไพเราะ;
• เครื่องมือ;
• วงออเคสตราของเครื่องดนตรีพื้นบ้าน
• ลม;
• แจ๊ส;
• โผล่.

นอกจากนี้ยังมีวงดนตรีทหาร (แสดงเพลงทหาร) วงดนตรีของโรงเรียน (ซึ่งรวมถึงเด็กนักเรียน) เป็นต้น

วงซิมโฟนีออร์เคสตรา

วงออเคสตราประเภทนี้ประกอบด้วยเครื่องสาย เครื่องลม และเครื่องเพอร์คัชชัน

มีวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตราขนาดเล็กและวงใหญ่

มาลีเป็นผู้บรรเลงเพลงของนักประพันธ์เพลงในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 ละครของเขาอาจรวมถึงรูปแบบที่ทันสมัย วงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่แตกต่างจากวงเล็กด้วยการเพิ่มเครื่องดนตรีในองค์ประกอบ

องค์ประกอบของขนาดเล็กจำเป็นต้องมี:

• ไวโอลิน;
• อัลโต;
• เชลโล;
• ดับเบิลเบส;
• บาสซูน;
• แตร;
• ท่อ;
• กลอง;
• ขลุ่ย;
• คลาริเน็ต;
• โอโบ

อันใหญ่ประกอบด้วยเครื่องมือต่อไปนี้:

• ขลุ่ย;
• โอโบ;
• คลาริเน็ต;
• ของเถื่อน

โดยสามารถรวมเครื่องดนตรีแต่ละตระกูลได้มากถึง 5 ชิ้น และในวงออเคสตราขนาดใหญ่ก็มี:

• แตร;
• ทรัมเป็ต (เบส, เล็ก, อัลโต);
• ทรอมโบน (เทเนอร์, เทเนอร์เบส);
• หลอด.

และแน่นอนว่าเครื่องเพอร์คัชชัน:

• กลอง;
• ระฆัง;
• กลองเล็กและใหญ่
• สามเหลี่ยม;
• จาน;
• ทอม - ทอมอินเดีย;
• พิณ;
• เปียโน;
• ฮาร์ปซิคอร์ด

คุณลักษณะของวงออเคสตราขนาดเล็กคือมีเครื่องสายประมาณ 20 เครื่องในขณะที่วงใหญ่มีประมาณ 60 เครื่อง

วาทยากรนำวงซิมโฟนีออร์เคสตรา เขาตีความผลงานของวงออร์เคสตราอย่างมีศิลปะด้วยความช่วยเหลือของโน้ต ซึ่งเป็นโน้ตดนตรีที่สมบูรณ์ของทุกส่วนของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นของออเคสตรา

วงออเคสตรา

วงออเคสตราประเภทนี้แตกต่างกันในรูปแบบที่ไม่มีเครื่องดนตรีบางกลุ่มที่ชัดเจน และเขาสามารถเล่นดนตรีอะไรก็ได้ (ต่างจากวงดุริยางค์ซิมโฟนีซึ่งแสดงดนตรีคลาสสิกโดยเฉพาะ)

ไม่มีประเภทเฉพาะของเครื่องดนตรีออร์เคสตรา แต่ตามอัตภาพ พวกมันรวมถึงวงออเคสตราที่หลากหลาย เช่นเดียวกับวงออเคสตราที่แสดงดนตรีคลาสสิกในการประมวลผลสมัยใหม่

ตามข้อมูลทางประวัติศาสตร์ดนตรีบรรเลงเริ่มพัฒนาอย่างแข็งขันในรัสเซียภายใต้ Peter the Great เท่านั้น แน่นอนว่าเธอมีอิทธิพลต่อตัวเธอแบบตะวันตก แต่เธอก็ไม่ได้อยู่ภายใต้การห้ามเหมือนในสมัยก่อนอีกต่อไป และก่อนที่จะมาถึงจุดที่ห้ามไม่ให้เล่นเท่านั้น แต่ให้เผาเครื่องดนตรีด้วย คริสตจักรเชื่อว่าพวกเขาไม่มีวิญญาณหรือหัวใจ ดังนั้นพวกเขาจึงไม่สามารถสรรเสริญพระเจ้าได้ ดังนั้นดนตรีบรรเลงจึงพัฒนาขึ้นในหมู่คนทั่วไปเป็นหลัก

พวกเขาเล่นในวงดนตรีบรรเลงบนขลุ่ย พิณ ซิทารา ฟลุต ทรัมเป็ต โอโบ แทมบูรีน ทรอมโบน ไปป์ หัวฉีด และเครื่องดนตรีอื่นๆ

วงออร์เคสตราที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในศตวรรษที่ 20 คือ Paul Mauriat Orchestra

เขาเป็นวาทยกร ผู้นำ ผู้เรียบเรียง วงออเคสตราของเขาเล่นงานดนตรียอดนิยมมากมายในศตวรรษที่ 20 รวมทั้งการแต่งเพลงของเขาเอง

วงดนตรีพื้นบ้าน

ในวงออเคสตรา เครื่องดนตรีหลักคือพื้นบ้าน

ตัวอย่างเช่น สำหรับวงออร์เคสตราพื้นบ้านรัสเซีย วงออร์เคสตราทั่วไปที่สุดคือ: domras, balalaikas, psaltery, button accordions, harmonicas, zhaleika, flutes, Vladimir horns, tambourines เครื่องดนตรีเพิ่มเติมสำหรับวงออเคสตราดังกล่าว ได้แก่ ขลุ่ยและโอโบ

วงออร์เคสตราพื้นบ้านปรากฏตัวครั้งแรกเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 จัดโดย V.V. อันดรีฟ วงออเคสตรานี้ออกทัวร์เป็นจำนวนมากและได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในรัสเซียและต่างประเทศ และในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ออร์เคสตราพื้นบ้านเริ่มปรากฏทุกที่: ในคลับ ที่วังแห่งวัฒนธรรม และอื่น ๆ

วงทองเหลือง

วงออเคสตราประเภทนี้แนะนำว่าประกอบด้วยเครื่องลมและเครื่องเพอร์คัชชันต่างๆ มีทั้งขนาดเล็ก กลาง และใหญ่

แจ๊สออร์เคสตรา

วงดนตรีประเภทนี้อีกวงหนึ่งเรียกว่าวงดนตรีแจ๊ส

ประกอบด้วยเครื่องดนตรีดังกล่าว: แซกโซโฟน, เปียโน, แบนโจ, กีตาร์, เพอร์คัชชัน, ทรัมเป็ต, ทรอมโบน, ดับเบิลเบส, คลาริเน็ต

โดยทั่วไปแล้ว ดนตรีแจ๊สเป็นทิศทางของดนตรีที่พัฒนาภายใต้อิทธิพลของจังหวะและคติชนของชาวแอฟริกัน ตลอดจนความกลมกลืนของยุโรป

แจ๊สปรากฏตัวครั้งแรกในตอนใต้ของสหรัฐอเมริกาเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และในไม่ช้าก็แพร่กระจายไปยังทุกประเทศทั่วโลก ที่บ้าน ทิศทางดนตรีนี้พัฒนาขึ้นและเสริมด้วยคุณลักษณะใหม่ที่ปรากฏในภูมิภาคใดภูมิภาคหนึ่ง

ครั้งหนึ่งในอเมริกา คำว่า "แจ๊ส" และ "เพลงยอดนิยม" มีความหมายเหมือนกัน

วงออเคสตราแจ๊สเริ่มก่อตัวขึ้นอย่างแข็งขันในช่วงปี ค.ศ. 1920 และพวกเขายังคงอยู่จนถึงยุค 40

ตามกฎแล้วผู้เข้าร่วมจะเข้าสู่กลุ่มดนตรีเหล่านี้ตั้งแต่ช่วงวัยรุ่นโดยแสดงเฉพาะส่วน - ท่องจำหรือจากโน้ต

ทศวรรษ 1930 ถือเป็นจุดสูงสุดของวงออร์เคสตราแจ๊ส หัวหน้าวงออร์เคสตราแจ๊สที่มีชื่อเสียงที่สุดในขณะนั้น ได้แก่ Artie Shaw, Glenn Miller และคนอื่นๆ ผลงานดนตรีของพวกเขาฟังได้ทุกที่ในขณะนั้น ทั้งทางวิทยุ ในคลับเต้นรำ และอื่นๆ

ทุกวันนี้ วงออร์เคสตราแจ๊สและท่วงทำนองที่เขียนในสไตล์แจ๊สก็เป็นที่นิยมเช่นกัน

และถึงแม้ว่าจะมีวงดนตรีประเภทอื่น ๆ อีกมากมาย แต่บทความนี้กล่าวถึงประเภทหลัก

วงออเคสตรา(จากวงออร์เคสตรากรีก) - นักดนตรีบรรเลงกลุ่มใหญ่ ในวงออเคสตรา นักดนตรีบางคนจัดกลุ่มที่เล่นพร้อมกัน กล่าวคือ พวกเขาเล่นในส่วนเดียวกัน
แนวคิดในการเล่นดนตรีโดยกลุ่มนักแสดงบรรเลงพร้อมกันนั้นย้อนกลับไปในสมัยโบราณ แม้แต่ในอียิปต์โบราณ นักดนตรีกลุ่มเล็กๆ ก็เล่นด้วยกันในวันหยุดและงานศพต่างๆ
คำว่า "วงออเคสตรา" ("วงออเคสตรา") มาจากชื่อของแท่นกลมหน้าเวทีในโรงละครกรีกโบราณ ซึ่งเป็นที่ตั้งของคณะนักร้องประสานเสียงกรีกโบราณ ผู้มีส่วนร่วมในโศกนาฏกรรมหรือเรื่องตลก ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและอื่น ๆ XVII ศตวรรษ วงออเคสตราถูกเปลี่ยนเป็นหลุมวงออเคสตราและด้วยเหตุนี้จึงได้ตั้งชื่อกลุ่มนักดนตรีที่อยู่ในนั้น
วงออเคสตรามีหลายประเภท: ออเคสตราเครื่องทองเหลืองและลมไม้, ออเคสตราเครื่องดนตรีพื้นบ้าน, ออเคสตราเครื่องสาย องค์ประกอบที่ใหญ่ที่สุดและสมบูรณ์ที่สุดในแง่ของความสามารถของมันคือวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

ไพเราะเรียกว่า วงออเคสตรา ซึ่งประกอบด้วยกลุ่มเครื่องดนตรีที่ต่างกันหลายกลุ่ม - ตระกูลเครื่องสาย ลมและเครื่องเพอร์คัชชัน หลักการของสมาคมดังกล่าวได้พัฒนาขึ้นในยุโรปใน XVIII ศตวรรษ. ในขั้นต้น วงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตร้ารวมกลุ่มเครื่องดนตรีโค้งคำนับ เครื่องเป่าลมไม้ และเครื่องดนตรีทองเหลือง ซึ่งร่วมด้วยเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันสองสามเครื่อง ต่อจากนั้นองค์ประกอบของแต่ละกลุ่มเหล่านี้ก็ขยายตัวและหลากหลายขึ้น ในปัจจุบัน ในบรรดาวงซิมโฟนีออร์เคสตราหลายวง เป็นเรื่องปกติที่จะแยกความแตกต่างระหว่างวงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดเล็กและขนาดใหญ่ Small Symphony Orchestra เป็นวงออเคสตราที่เน้นการประพันธ์เพลงคลาสสิก (เล่นดนตรีในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 หรือ pastiche สมัยใหม่) ประกอบด้วยขลุ่ย 2 อัน (ไม่ค่อยเป็นขลุ่ยเล็ก) โอโบ 2 อัน คลาริเน็ต 2 อัน บาสซูน 2 อัน 2 เขา (หายาก 4) บางครั้งก็มีทรัมเป็ต 2 อันและกลองทิมปานี กลุ่มเครื่องสายไม่เกิน 20 เครื่อง (ไวโอลิน 5 ตัวแรกและ 4 วินาที) , วิโอล่า 4 ตัว, เชลโล 3 ตัว, ดับเบิลเบส 2 ตัว) วงซิมโฟนีออร์เคสตราขนาดใหญ่ (BSO) รวมถึงทรอมโบนบังคับในกลุ่มทองแดงและสามารถมีองค์ประกอบใดก็ได้ เครื่องดนตรีประเภทไม้ (ฟลุต โอโบ คลาริเน็ต และบาสซูน) มักจะเข้าถึงเครื่องดนตรีแต่ละตระกูลได้มากถึง 5 ชิ้น (คลาริเน็ตบางครั้งอาจมากกว่านั้น) และรวมถึงเครื่องดนตรีประเภทต่าง ๆ (ปิ๊กและอัลโต, โอโบกามเทพและโอโบอังกฤษ, ขนาดเล็ก, คลาริเน็ตอัลโตและเบส, คอนทราบาสซูน) กลุ่มทองแดงสามารถมีได้มากถึง 8 เขา (รวมถึง Wagner tubas พิเศษ), 5 ทรัมเป็ต (รวมถึงขนาดเล็ก, อัลโต, เบส), 3-5 ทรอมโบน (เทเนอร์และเทเนอร์เบส) และทูบา มักใช้แซกโซโฟน (ในวงแจ๊สออร์เคสตรามีทั้งหมด 4 แบบ) กลุ่มสตริงมีเครื่องดนตรีถึง 60 ชิ้นขึ้นไป เครื่องเพอร์คัชชันมีมากมาย (แม้ว่ากลองทิมปานี ระฆัง กลองเล็กและใหญ่ สามเหลี่ยม ฉาบ และแตมทอมอินเดียจะสร้างกระดูกสันหลัง) มักใช้พิณ เปียโน ฮาร์ปซิคอร์ด
เพื่อแสดงเสียงของวงออเคสตรา ฉันจะใช้การบันทึกคอนเสิร์ตครั้งสุดท้ายของ YouTube Symphony Orchestra คอนเสิร์ตเกิดขึ้นในปี 2011 ในเมืองซิดนีย์ของออสเตรเลีย มีการรับชมสดทางโทรทัศน์โดยผู้คนนับล้านทั่วโลก YouTube Symphony อุทิศตนเพื่อส่งเสริมความรักในเสียงดนตรีและแสดงให้เห็นถึงความหลากหลายที่สร้างสรรค์อย่างมากมายของมนุษยชาติ

รายการคอนเสิร์ตรวมผลงานที่เป็นที่รู้จักและรู้จักกันน้อยโดยนักประพันธ์เพลงที่เป็นที่รู้จักและรู้จักกันน้อย

นี่คือโปรแกรมของเขา:

Hector Berlioz - เทศกาลโรมัน - Overture, Op. 9 (เนื้อเรื่อง Android Jones - ศิลปินดิจิทัล)
พบกับ Maria Chiossi
Percy Grainger - มาถึงบนชานชาลา Humlet จากในระยะสั้น - Suite
โยฮัน เซบาสเตียน บาค
พบกับ Paulo Calligopoulos - กีตาร์ไฟฟ้าและไวโอลิน
Alberto Ginastera - Danza del trigo (รำข้าวสาลี) และ Danza รอบชิงชนะเลิศ (Malambo) จากบัลเล่ต์ Estancia (นำโดย Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" bell "idol mio" - Canon ในสามเสียง, K562 (เนื้อเรื่อง Sydney Children's Choir และนักร้องเสียงโซปราโน Renee Fleming ผ่านวิดีโอ)
พบกับ Xiomara Mass - Oboe
Benjamin Britten - The Young Person's Guide to the Orchestra, แย้มยิ้ม 34
William Barton - Kalkadunga (เนื้อเรื่อง William Barton - Didgeridoo)
ตำรวจทิโมธี
พบกับ Roman Riedel - ทรอมโบน
Richard Strauss - การประโคมสำหรับ Vienna Philharmonic (เนื้อเรื่อง Sarah Willis, Horn, Berlin Philharmoniker และดำเนินการโดย Edwin Outwater)
*PREMIERE* Mason Bates - Mothership (แต่งขึ้นเป็นพิเศษสำหรับ YouTube Symphony Orchestra 2011)
พบกับซูช้าง
เฟลิกซ์ เมนเดลโซห์น - ไวโอลินคอนแชร์โต้ใน E minor, Op. 64 (ตอนจบ) (เนื้อเรื่อง Stefan Jackiw และดำเนินการโดย Ilyich Rivas)
พบกับ Ozgur Baskin - ไวโอลิน
Colin Jacobsen และ Siamak Aghaei - Ascending Bird - ห้องสวีทสำหรับวงออร์เคสตรา (เนื้อเรื่อง Colin Jacobsen, ไวโอลิน และ Richard Tognetti, ไวโอลิน และ Kseniya Simonova - ศิลปินทราย)
พบกับ Stepan Grytsay - ไวโอลิน
Igor Stravinsky - The Firebird (การเต้นรำนรก - Berceuse - Finale)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (เนื้อเรื่อง Eugene Izotov - oboe และ Andrew Mariner - คลาริเน็ต)

ประวัติวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

วงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตราได้ก่อตั้งขึ้นมาหลายศตวรรษ การพัฒนาเป็นเวลานานในส่วนลึกของโอเปร่าและวงดนตรีในโบสถ์ ทีมดังกล่าวใน XV - XVII ศตวรรษ มีขนาดเล็กและหลากหลาย ได้แก่ ลูท วิโอล ฟลุตที่มีโอโบ ทรอมโบน พิณและกลอง เครื่องสายโค้งคำนับค่อยๆได้รับตำแหน่งที่โดดเด่น ไวโอลินถูกแทนที่ด้วยไวโอลินด้วยเสียงที่ไพเราะและไพเราะยิ่งขึ้น กลับไปด้านบน XVIII ใน. พวกเขาครองตำแหน่งสูงสุดในวงออเคสตราแล้ว แยกกลุ่มและเครื่องดนตรีลม (ขลุ่ย โอโบ บาสซูน) มารวมกัน จากวงออร์เคสตราของโบสถ์ พวกเขาเปลี่ยนไปใช้ซิมโฟนีทรัมเป็ตและทิมปานี ฮาร์ปซิคอร์ดเป็นสมาชิกที่ขาดไม่ได้ของวงดนตรีบรรเลง
องค์ประกอบดังกล่าวเป็นเรื่องปกติสำหรับ J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi
จากตรงกลาง XVIII ใน. ประเภทของซิมโฟนีและคอนแชร์โต้บรรเลงเริ่มพัฒนา การจากไปของสไตล์โพลีโฟนิกทำให้นักประพันธ์เพลงมุ่งมั่นเพื่อความหลากหลายทางเสียงดนตรี ซึ่งเป็นเสียงร้องที่ผ่อนคลายจากเสียงของวงออร์เคสตรา
ฟังก์ชันของเครื่องมือใหม่กำลังเปลี่ยนแปลงไป ฮาร์ปซิคอร์ดที่มีเสียงเบาค่อยๆ สูญเสียบทบาทนำ ในไม่ช้านักประพันธ์เพลงก็ละทิ้งมันโดยอาศัยเครื่องสายและกลุ่มลมเป็นหลัก ในตอนท้าย XVIII ใน. องค์ประกอบคลาสสิกที่เรียกว่าออร์เคสตราถูกสร้างขึ้น: ประมาณ 30 สาย, 2 ขลุ่ย, 2 โอโบ, 2 บาสซูน, 2 ท่อ, 2-3 เขาและกลองกลอง ไม่นานนักคลาริเน็ตก็เข้าร่วมกับทองเหลือง J. Haydn, W. Mozart เขียนบทประพันธ์ดังกล่าว นั่นคือวงออเคสตราในการประพันธ์เพลงแรกของแอล. เบโธเฟน ที่ XIX ใน.
การพัฒนาวงออเคสตราไปในสองทิศทางหลัก ในอีกด้านหนึ่ง การจัดองค์ประกอบที่เพิ่มขึ้น มันถูกเสริมด้วยเครื่องดนตรีหลายประเภท (ข้อดีของนักประพันธ์เพลงโรแมนติก โดยเฉพาะ Berlioz, Liszt, Wagner นั้นยอดเยี่ยมสำหรับสิ่งนี้) ในทางกลับกัน ความสามารถภายในของวงออเคสตราได้พัฒนาขึ้น: สีเสียงสะอาดขึ้น พื้นผิวชัดเจนขึ้น ทรัพยากรที่แสดงออกนั้นประหยัดกว่า (เช่นวงออเคสตราของ Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov) เพิ่มคุณค่าให้กับจานสีวงออเคสตราและนักประพันธ์เพลงในยุคปลายจำนวนมาก XIX - ครึ่งแรกของ XX ใน. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich และอื่น ๆ )

องค์ประกอบของวงดุริยางค์ซิมโฟนี

วงซิมโฟนีออร์เคสตราสมัยใหม่ประกอบด้วย 4 กลุ่มหลัก รากฐานของวงออเคสตราคือกลุ่มเครื่องสาย (ไวโอลิน วิโอลา เชลโล ดับเบิลเบส) ในกรณีส่วนใหญ่ เครื่องสายเป็นพาหะหลักของบทเพลงไพเราะที่เริ่มต้นในวงออเคสตรา จำนวนนักดนตรีที่เล่นเครื่องสายประมาณ 2/3 ของทั้งวง เครื่องดนตรีประเภทเครื่องเป่าลมไม้ ได้แก่ ขลุ่ย โอโบ คลาริเน็ต บาสซูน แต่ละคนมักจะมีพรรคที่เป็นอิสระ ให้เสียงที่โค้งคำนับในความอิ่มตัวของเสียงต่ำ คุณสมบัติไดนามิก และเทคนิคการเล่นที่หลากหลาย เครื่องมือลมมีพลังที่ยอดเยี่ยม เสียงที่กะทัดรัด สีสันที่สดใส เครื่องดนตรีออร์เคสตรากลุ่มที่สามคือเครื่องทองเหลือง (แตร, ทรัมเป็ต, ทรอมโบน, ทรัมเป็ต) พวกเขานำสีสันที่สดใสใหม่ๆ มาสู่วงออเคสตรา เสริมความสามารถของไดนามิก ให้พลังและความสดใสแก่เสียง และยังทำหน้าที่เป็นเบสและการสนับสนุนจังหวะ
เครื่องเพอร์คัชชันมีความสำคัญมากขึ้นเรื่อยๆ ในวงซิมโฟนีออร์เคสตรา หน้าที่หลักของพวกเขาคือจังหวะ นอกจากนี้ ยังสร้างพื้นหลังเสียงและสัญญาณรบกวนพิเศษ เสริมและตกแต่งจานสีออร์เคสตราด้วยเอฟเฟกต์สี ตามลักษณะของเสียง กลองแบ่งออกเป็น 2 ประเภท: บางประเภทมีระดับเสียงที่แน่นอน (กลองทิมปานี ระฆัง ระนาด ระฆัง ฯลฯ) บางประเภทไม่มีระดับเสียงที่แน่นอน (สามเหลี่ยม แทมบูรีน กลองเล็กและใหญ่ ฉาบ) . เครื่องดนตรีที่ไม่รวมอยู่ในกลุ่มหลัก บทบาทของพิณนั้นสำคัญที่สุด ในบางครั้ง ผู้แต่งรวมถึงเซเลสตา เปียโน แซกโซโฟน ออร์แกน และเครื่องดนตรีอื่นๆ ในวงออเคสตรา
ข้อมูลเพิ่มเติมเกี่ยวกับเครื่องดนตรีของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา - เครื่องสาย, เครื่องลมไม้, เครื่องทองเหลืองและเครื่องเพอร์คัชชันสามารถพบได้ที่ เว็บไซต์.
ฉันไม่สามารถละเลยไซต์ที่มีประโยชน์อื่น "Children about Music" ซึ่งฉันค้นพบในระหว่างการเตรียมโพสต์ ไม่ต้องกลัวว่านี่คือไซต์สำหรับเด็ก มีบางสิ่งที่ค่อนข้างจริงจังในนั้น บอกด้วยภาษาที่เรียบง่ายและเข้าใจง่ายกว่าเท่านั้น ที่นี่ ลิงค์บนเขา และยังมีเรื่องราวเกี่ยวกับวงดุริยางค์ซิมโฟนีอีกด้วย