Wiek XIX pozostawił niezatarte ślady we wszystkich formach sztuki. To czas zmieniających się norm i wymagań społecznych, ogromnego postępu w architekturze, budownictwie i przemyśle. W Europie aktywnie przeprowadzane są reformy i rewolucje, powstają organizacje bankowe i rządowe, a wszystkie te zmiany mają bezpośredni wpływ na artystów. Zagraniczni artyści XIX wieku przenieśli malarstwo na nowy, bardziej nowoczesny poziom, stopniowo wprowadzając takie nurty, jak impresjonizm i romantyzm, które musiały przejść wiele prób, zanim zostały uznane przez społeczeństwo. Artyści minionych stuleci nie spieszyli się z obdarzaniem swoich bohaterów gwałtownymi emocjami, ale przedstawiali ich jako mniej lub bardziej powściągliwych. Ale impresjonizm miał w swoich cechach nieokiełznany i odważny świat fantasy, żywo połączony z romantyczną tajemnicą. W XIX wieku artyści zaczęli myśleć nieszablonowo, całkowicie odrzucając przyjęte schematy, a ten hart ducha przekładał się na nastrój ich dzieł. W tym okresie działało wielu artystów, których nazwiska do dziś uważamy za wspaniałe, a ich dzieła - niepowtarzalne.
Francja
Hiszpania
Półwysep Iberyjski dał nam także wiele znanych nazwisk, m.in.:
Holandia
Vincent van Gogh to jeden z najsłynniejszych Holendrów. Jak wszyscy wiedzą, Van Gogh cierpiał na poważne zaburzenia psychiczne, ale nie wpłynęło to na jego wewnętrzny geniusz. Wykonane w niezwykłej technice jego obrazy zyskały popularność dopiero po śmierci artysty. Najsłynniejsze: „Gwiaździsta noc”, „Irysy”, „Słoneczniki” znajdują się na liście najdroższych dzieł sztuki na całym świecie, choć Van Gogh nie miał specjalnego wykształcenia artystycznego.
Norwegia
Edvard Munch pochodzi z Norwegii i słynie z malarstwa. Twórczość Edvarda Muncha wyraźnie wyróżnia się melancholią i pewną lekkomyślnością. Śmierć matki i siostry w dzieciństwie oraz dysfunkcyjne relacje z kobietami wywarły duży wpływ na styl malarski artysty. Na przykład dobrze znane dzieło „Krzyk” i nie mniej popularne „Chora dziewczyna” niosą ból, cierpienie i ucisk.
USA
Kent Rockwell jest jednym ze słynnych amerykańskich malarzy pejzażystów. Jego prace łączą w sobie realizm i romantyzm, co bardzo trafnie oddaje nastrój przedstawionych. Można godzinami patrzeć na jego pejzaże i za każdym razem inaczej interpretować symbole. Niewielu artystom udało się przedstawić zimową przyrodę w taki sposób, aby patrzący na nią ludzie naprawdę doświadczyli zimna. Nasycenie kolorów i kontrast to rozpoznawalna sygnatura Rockwella.
Wiek XIX jest bogaty w błyskotliwych twórców, którzy wnieśli ogromny wkład w sztukę. Zagraniczni artyści XIX wieku otworzyli drzwi kilku nowym nurtom, takim jak postimpresjonizm i romantyzm, co w istocie okazało się trudnym zadaniem. Większość z nich niestrudzenie udowadniała społeczeństwu, że ich twórczość ma prawo istnieć, ale wielu udało się to niestety dopiero po śmierci. Ich nieokiełznany charakter, odwaga i chęć walki łączą się z wyjątkowym talentem i łatwością percepcji, co daje im pełne prawo do zajmowania znaczącej i znaczącej komórki.
Sztuka rosyjska pierwszej połowy XIX wiek. Przesilenie narodowe związane z Wojną Ojczyźnianą 1812 r. Wojna i powstanie dekabrystów w kulturze rosyjskiej pierwszej tercji w. Ostre sprzeczności czasu w latach 40. XX w. Motywy romantyczne w literaturze i sztuce są czymś naturalnym dla Rosji, która od ponad stulecia uczestniczy w ogólnoeuropejskim procesie kulturowym. Droga od klasycyzmu do realizmu krytycznego poprzez romantyzm.
Zwiększona rola społeczna artysty, znaczenie jego osobowości, prawo do wolności twórczej, w której coraz częściej poruszane są problemy społeczne i moralne; tworzenie stowarzyszeń artystycznych i czasopism specjalnych („Wolne Towarzystwo Miłośników Literatury, Nauki i Sztuki”, „Dziennik Sztuk Pięknych”, „Towarzystwo Zachęty Artystów”, „Muzeum Rosyjskie”, „Galeria Rosyjska”), prowincjonalne szkoły artystyczne Dominującym stylem tego czasu jest dojrzały lub wysoki klasycyzm (Imperium Rosyjskie).
Architektura pierwszej tercji stulecia jest rozwiązaniem dużych problemów urbanistycznych. W Petersburgu dobiega końca układ głównych placów stolicy: Pałacu i Senatu. Szczególnie intensywnie budowano Moskwę po pożarze w 1812 roku. Ideałem staje się antyk w swojej greckiej (a nawet archaicznej) wersji. Stosowany jest porządek dorycki (lub toskański), surowy i zwięzły. Ogromną rolę w ogólnym wyglądzie budynku odgrywa rzeźba, która ma pewne znaczenie semantyczne. Kolor dużo decyduje, zwykle architektura wysokiego klasycyzmu jest dwukolorowa: kolumny i stiukowe posągi są białe, tło jest żółte lub kolczyki. Wśród budynków główne miejsce zajmują budynki użyteczności publicznej: znacznie rzadziej budowane są teatry, wydziały, instytucje oświatowe, pałace i świątynie.
A. Woronikin - największy architekt tamtych czasów (Katedra Kazańska). A.Zacharow od 1805 r. - „główny architekt Admiralicji” (Admiralicja jako główny zespół Petersburga). C.Rossi - czołowy architekt petersburski pierwszej tercji XIX wieku. („Imperium Rosyjskie”), „myślenie zespołowe”: pałac lub teatr zamieniony w urbanistyczne centrum placów i nowych ulic (Pałac Michajłowski, obecnie Muzeum Rosyjskie; budynek Teatru Aleksandryjskiego; budynek Senatu na słynnym Placu Senackim). „Najbardziej rygorystyczny” ze wszystkich architektów późnego klasycyzmu V. Staso V(Koszary Pawłowskiego na Polu Marsowym, Oddział Stajni na nabrzeżu Moika, katedra pułkowa pułku Izmailowskiego, triumfalna brama Narwy i Moskwy, wnętrza Pałacu Zimowego po pożarze), co wszędzie podkreśla masę, jej ciężkość plastyczna, statyka, efektowność i ciężkość. Katedra św. Izaaka w Petersburgu (O.Montferrand) to jeden z ostatnich wybitnych zabytków architektury kultowej w Europie XIX w., skupiający najlepsze siły architektów, rzeźbiarzy, malarzy, murarzy i odlewników, będący przykładem klasycyzm traci swą harmonię, wagę, komplikację.
Związek rzeźby pierwszej połowy stulecia z rozwojem architektury: posągi Barclaya de Tolly'ego i Kutuzowa w katedrze kazańskiej (B. Orłowski), które nadały symbolom bohaterskiego oporu piękną oprawę architektoniczną. („Facet grający na pieniądze” N. Pimenowa, „Guy grający w stos” A. Loganowskiego). drugi ujawnia chęć bardziej bezpośredniego i wielostronnego odzwierciedlenia rzeczywistości, upowszechnia się w drugiej połowie stulecia, jednak oba kierunki stopniowo tracą cechy stylu monumentalnego.
Prawdziwe sukcesy malarstwa w romantyzmie. W gatunku portretów wiodące miejsce zajmuje O. Kiprensky (obraz „Dmitrij Donskoj o zwycięstwie nad Mamai”, który dawał prawo do wyjazdu emeryta za granicę; portrety E. Rostopchina, D. Chwostowa, chłopca Czeliszczewa, pułkownika Huzarów Życia E. Davydowa – zbiorowy obraz bohater wojny 1812 roku).
Romantyzm znajduje swój wyraz w pejzażu. S. Szczedrin („Widok Neapolu w księżycową noc”) jako pierwszy otworzył plenery malarskie w Rosji: malował szkice w plenerze, a obraz („dekorował”) dokończył w pracowni. W ostatnich pracach Szczedrina zainteresowanie efektami światła i cienia stawało się coraz wyraźniejsze. Podobnie jak portrecista Kiprensky i malarz batalistyczny Orłowski, pejzażysta Szczedrin często malował sceny rodzajowe.
Odbicie gatunku codziennego w portretach V. Tropinina (portret jego syna Arseny'ego, portret Bułachowa), artysty, który uwolnił się z pańszczyzny dopiero w wieku 45 lat. Najlepsze portrety Tropinina charakteryzują się wysoką doskonałością artystyczną, szczerością obrazów, żywotnością i bezpośredniością, które podkreśla umiejętne oświetlenie.
Tropinin wprowadził do portretu jedynie element gatunkowy. „Ojciec rosyjskiego gatunku domowego” - A. Venetsianov („Żniwiarze”, „Wiosna. Na polach uprawnych”, „Chłopka z chabrami”, „Poranek ziemianina”), który łączył w swojej twórczości elementy klasycyzmu, romantyzmu, sentymentalizmu i naturalizmu, tj. wszystkich „żywych” ruchów artystycznych początku XIX w. Nie ujawniał ostrych zderzeń życia chłopskiego, nie poruszał „chorych pytań” naszych czasów. Namalował patriarchalny sposób życia, ale nie wprowadził do niego poezji z zewnątrz, nie wymyślił jej, ale zaczerpnął ją z samego życia ludu.
Rozwój rosyjskiego malarstwa historycznego w latach 30. i 40. XX wieku pod znakiem romantyzmu. „Geniusz kompromisu” pomiędzy ideałami klasycyzmu i innowacjami romantyzmu – K. Bryullowa („Narcyz” to szkic, który stał się obrazem; „Ostatni dzień Pompejów” to główne dzieło artysty, ukazujące wielkość i godność człowieka w obliczu śmierci). Centralna postać malarstwa jest połowa stulecia A. Iwanow (obraz „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, który odzwierciedlał żarliwą wiarę artysty w moralną przemianę człowieka, w doskonałość człowieka poszukującego wolności i prawdy).
Główne źródła malarstwa gatunkowego drugiej połowy stulecia znajdują się w twórczości P. Fedotowa , któremu udało się oddać ducha Rosji lat 40. Droga od prostego, codziennego pisma do realizacji w obrazach problemów rosyjskiego życia: „Majorskie swatanie” (eksponowanie małżeństw zubożałej szlachty z kupieckimi „workami pieniędzy”) , „Wybredna panna młoda” (satyra na małżeństwo dla pozoru), „Śniadanie arystokraty” (potępienie pustki świeckiego kolesia rzucającego kurz w oczy), „Kotwica, więcej kotwicy!” (tragiczne poczucie bezsensu istnienia), „Świeży kawaler”… Sztuka Fiedotowa kończy rozwój malarstwa w pierwszej połowie XIX wieku. i otwiera nowy etap – sztukę krytycznego (demokratycznego) realizmu.
Sztuka rosyjska drugiej połowy XIX wiek . Rzeźba i architektura rozwijały się w tym okresie wolniej. Środki wyrazu artystycznego klasycyzmu stoją w sprzeczności z zadaniami stawianymi przez architekturę drugiej połowy XIX wieku. Historyzm (stylizacja retrospektywna, eklektyzm) jako reakcja na kanoniczność stylu klasycznego. Nowe typy budynków okresu kapitalizmu wymagały nowych i różnorodnych rozwiązań kompozycyjnych, których architekci zaczęli poszukiwać w formach zdobniczych przeszłości, wykorzystując motywy gotyckie, renesansowe, barokowe i rokokowe.
Lata 40. XIX w.: fascynacja renesansem, barokiem, rokokiem. W duchu neobaroku i neorenesansu wykonano niektóre wnętrza, Pałac Nikołajewski. W latach 70. i 80. zanikły klasyczne tradycje w architekturze. Wprowadzenie powłok metalowych i metalowych konstrukcji ramowych ożywiło racjonalną architekturę dzięki nowym koncepcjom funkcjonalnym i konstrukcyjnym. Celowość techniczna i funkcjonalna przy budowie nowych typów budynków: przemysłowych i administracyjnych, dworców, pasaży, rynków, szpitali, banków, mostów, obiektów teatralnych i rozrywkowych.
Kryzys monumentalizmu dotknął także rozwój rzeźby monumentalnej. Pomniki stają się zbyt patetyczne, ułamkowe w sylwetce, szczegółowe (pomnik Katarzyny II w Petersburgu) lub komnatowe w duchu (pomnik Puszkina w Moskwie) W drugiej połowie XIX wieku. rozwija się rzeźba sztalugowa, głównie gatunkowa, narracyjna, wygląda jak malarstwo gatunkowe przełożone na rzeźbę (M. Chizhov „Chłop w tarapatach”, V. Beklemishev „Village Love”). Rozwija się gatunek zwierzęcy (E. Lansere i A. Aubert), który odegrał dużą rolę w rozwoju rosyjskiej realistycznej rzeźby małych form.
W drugiej połowie XIX w. krytyczny stosunek do rzeczywistości, wyraziste stanowiska obywatelskie i moralne oraz wyraźna orientacja społeczna były także charakterystyczne dla malarstwa, w którym kształtował się nowy artystyczny system widzenia, wyrażający się w realizmie krytycznym. ścisły związek malarstwa z literaturą. Artyści jako ilustratorzy, bezpośredni interpretatorzy palących problemów społecznych społeczeństwa rosyjskiego.
Dusza krytycznego kierunku w malarstwie V. Perow , który podjął sprawę Fiedotowa i w prosty i przenikliwy sposób pokazał strony prostej codzienności: brzydki wygląd duchowieństwa („Wielkanocna procesja wiejska”), beznadziejne życie rosyjskich chłopów („Widząc umarłych”), życie biedoty miejskiej („Trojki”) i inteligencji („Przyjazd guwernantki do domu kupieckiego”).
Walka o prawo sztuki do powrotu do prawdziwego, prawdziwego życia w petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych („bunt 14”). Stowarzyszenie absolwentów Akademii, którzy odmówili napisania programowego obrazu na jeden temat epopei skandynawskiej (tyle problemów współczesności wokół!), Stowarzyszenie Objazdowych Wystaw Artystycznych (1870-1923). Wystawy te nazwano mobilnymi, bo organizowano je w Petersburgu, Moskwie, na prowincji („wychodząc do ludu”).Każda wystawa „Wędrowców” jest jak wielkie wydarzenie. Program ideowy Partnerstwa: odbicie życia ze wszystkimi jego dotkliwymi problemami społecznymi, w całej jego aktualności Sztuka Wędrowców jako wyraz rewolucyjnych idei demokratycznych w kulturze artystycznej drugiej połowy XIX w. Partnerstwo powstał z inicjatywy Myasoedova, wspieranego przez Perova, Ge, Kramskoya, Savrasova, Shishkina, braci Makovsky. Później dołączyli do nich młodzi artyści; Repin, Surikow, Wasniecow, Jaroszenko. Serow, Lewitan, Polenow biorą udział w wystawach od połowy lat 80-tych. Lider i teoretyk Wędrowców I. Kramskoy.
Gatunek bitewny z lat 70-80. W. Wiereszchagin („Apoteoza wojny”) jako bliskiego Wędrowcom (organizacyjnie do nich nie należał). Organizował swoje wystawy w różnych częściach świata i realizował ideę wędrowania bardzo szeroko.
Demokracja w gatunku pejzażu. Trochę spektakularny na zewnątrz krajobraz środkowo-rosyjski, surowa północna przyroda jako główny temat malarzy. A. Savrasow („Przybyły gawrony”, „Żyto”, „Wiejska droga”) - „król powietrza”, który w najprostszych potrafił znaleźć te głęboko przejmujące, często smutne cechy, tak mocno odczuwalne w rodzimym krajobrazie i tak nieodparcie oddziałują na duszę.... Kolejna koncepcja pejzażu w sztuce F. Wasilijewa („Po deszczu”, „Odwilż”, „Mokra łąka”) – „genialny chłopak”, który odkrył „żywe niebo” dla malarstwa pejzażowego, pokazując swoim „mozartowskim” losem, że życia nie liczy się na przeżyte lata, ale jak gotowy jest człowiek do patrzenia, tworzenia, kochania i bycia zaskoczonym. W. Polenow („Moscow Yard”, „Chrystus i grzesznik”) zajmował się głównie gatunkami krajowymi i historycznymi, w których krajobraz odegrał ogromną rolę. Polenow to prawdziwy reformator malarstwa rosyjskiego, który rozwinął je na ścieżce pleneru. Jego rozumienie szkicu jako samodzielnego dzieła sztuki wywarło ogromny wpływ na malarzy późniejszych czasów. I. Lewitan jako następca tradycji Savrasowa i Wasiljewa („Brzozowy gaj”, „Wieczorne dzwonienie”, „Na basenie”, „Marzec”, „Złota jesień”), „ogromny, oryginalny, oryginalny talent”, „najlepszy Rosyjski pejzażysta”.
Szczyt realizmu demokratycznego w malarstwie rosyjskim drugiej połowy XIX wieku. słusznie uważał dzieło Repina i Surikowa, z których każdy na swój sposób stworzył monumentalny bohaterski obraz ludu. I. Repin („Przewoźnicy barek na Wołdze”, „Procesja w obwodzie kurskim”, „Aresztowanie propagandysty”, „Odmowa spowiedzi”, „Nie spodziewali się”) - „wielki realista”, który pracował w różnorodne gatunki, od folkloru po portret, którym udało się wyrazić narodowe cechy rosyjskiego życia, są jaśniejsze niż inni malarze. Jego artystyczny świat jest całością, bo jest „przejrzysty” z jedną myślą, jedną miłością – miłością do Rosji.W twórczości W. Surikow („Poranek egzekucji Streltsy”, „Mienszykow w Bieriezowie”, „Bojar Morozowa”, „Podbój Syberii przez Jermaka”, „Zdobycie śnieżnego miasta”) malarstwo historyczne zyskało nowoczesne zrozumienie. Surikow, jako „świadek przeszłości”, zdołał pokazać „straszne rzeczy z przeszłości, przedstawił ludzkości w swoich obrazach bohaterską duszę swego ludu”. XIX wieku. pracowali także inni artyści. W kreatywności V. Vasnetsova dominuje bajka, folklor lub legendarny obraz („Alyonushka”, „Rycerz na rozdrożu”, „Bogatyrs”).
Rosyjska sztuka końca XIX -początek XX wiek . Wraz z kryzysem ruchu populistycznego w latach 90. „analityczna metoda dziewiętnastowiecznego realizmu” stała się przestarzała. Twórczy upadek Wędrowców, którzy weszli w „mały temat” zabawnego obrazu gatunkowego. Tradycje Perowa zostały zachowane w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Wszystkie rodzaje sztuki – malarstwo, teatr, muzyka, architektura – oznaczają odnowę języka artystycznego, wysoki profesjonalizm.
Dla malarzy przełomu wieków charakterystyczne są inne niż Wędrowcy sposoby ekspresji, inne formy twórczości artystycznej - w obrazach sprzecznych, skomplikowanych i odzwierciedlających nowoczesność pozbawioną ilustracyjności i narracji. Artyści boleśnie poszukują harmonii i piękna w świecie zasadniczo obcym zarówno harmonii, jak i pięknu. Dlatego wiele osób widziało swoją misję w kultywowaniu poczucia piękna. Ten czas „wigilii”, oczekiwania zmian w życiu publicznym, dał początek wielu ruchom, stowarzyszeniom, ugrupowaniom.
Rola artystów stowarzyszeniowych „Świat sztuki” w popularyzację sztuki krajowej i zachodnioeuropejskiej. „Świat sztuki” (Benoit, Somov, Bakst, Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, Korovin, Levitan, Nesterov, Bilibin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin) przyczynił się do konsolidacji sił artystycznych, utworzenie „Związku Artystów Rosyjskich”. Znaczenie dla ukształtowania się zjednoczenia osobowości Diagilewa, mecenasa, organizatora wystaw, impresario rosyjskich tournée baletowych i operowych za granicą („Rosyjskie sezony”). Główne postanowienia „Świat sztuki”: autonomia sztuki, problemy formy artystycznej, głównym zadaniem sztuki jest edukacja gustów estetycznych społeczeństwa rosyjskiego poprzez zapoznawanie się z dziełami sztuki światowej.
Narodziny stylu secesyjnego, który dotknął wszystkie sztuki plastyczne, od architektury po grafikę, nie są zjawiskiem jednoznacznym, zawierają w sobie także dekadencką pretensjonalność, pretensjonalność, dostosowaną do mieszczańskich gustów, ale jest też dążenie do jedności stylu, które jest samo w sobie znaczące. Cechy secesji: w rzeźbie - płynność form, szczególna wyrazistość sylwetki, dynamika kompozycji; w malarstwie – symbolika obrazów, uzależnienie od alegorii.
Pojawienie się secesji nie oznaczało upadku idei wędrówki, która rozwija się inaczej: wątek chłopski zostaje ujawniony w nowy sposób (S. Korovin, A. Arkhipov). M. Niestierow , ale obraz Rusi pojawia się w jego obrazach jako idealny, zaczarowany świat, w zgodzie z naturą, ale znika jak legendarne miasto Kiteż („Wizja młodego Bartłomieja”).
Inne spojrzenie na świat K. Korowina , który wcześnie zaczął pisać w plenerze, jego francuskie pejzaże („Paryskie światła”) są już pisarstwem dość impresjonistycznym. Ostre, natychmiastowe wrażenia z życia dużego miasta: ciche ulice o różnych porach dnia, obiekty rozpuszczone w środowisku światła - cechy przypominające krajobrazy Maneta, Pissarro. Etiuda impresjonistyczna, maesterium malarskie, kunszt utrwalają Korovina w portrecie i martwej naturze, w panelach dekoracyjnych, w scenerii teatralnej.
Innowator malarstwa rosyjskiego przełomu wieków W.Sierow („Dziewczyna z brzoskwiniami”, „Dziewczyna oświetlona przez słońce”) to cały etap w malarstwie rosyjskim. Portret, pejzaż, martwa natura, malarstwo domowe, historyczne; olej, gwasz, tempera, węgiel drzewny - trudno znaleźć gatunki, w których nie sprawdziłby się Sierow.Szczególnym tematem w jego twórczości jest chłop, w którym nie ma wędrownej ostrości społecznej, ale jest poczucie piękna i harmonii chłopskie życie, podziw dla zdrowego piękna narodu rosyjskiego.
„Zwiastun innych światów” M. Vrubel , co wywołało dezorientację jako osobę i oburzenie jako artystę („Pan”, „Księżniczka łabędzi”, „Siedzący demon”, „Wróżka”, „Liliowy”). Pierwszy symbolista (?), „uniwersalny w sztuce”, którego poszukiwania porównuje się z metodą Leonarda da Vinci, Vrubel bardzo szybko „wypada” z „tradycyjnego” malarstwa, uderza oryginałem, pełnym tajemniczości i niemal demoniczna siła w malarstwie, która okazała się prorocza dla nowych kierunków artystycznych XX wieku…
„Miriskussnik” N. Roericha . Znawca filozofii i etnografii Wschodu, archeolog-naukowiec Roerich, zamiłował się do retrospekcji, do pogańskiej słowiańskiej i skandynawskiej starożytności („Messenger”, „The Elders Converge”, „Sinister”) z „Światem Sztuki”. Najbliżej Roerichowi była filozofia i estetyka symboliki rosyjskiej, jednak jego sztuka nie wpisywała się w istniejące trendy, gdyż zgodnie ze światopoglądem artysty apelował do całej ludzkości apelem o przyjazne zjednoczenie wszystkich narodów. Później wątki historyczne ustępują miejsca legendom religijnym („Niebiańska bitwa”). Jego panel dekoracyjny „Bitwa pod Kierżentem” został wystawiony podczas wykonania fragmentu o tym samym tytule z opery Rimskiego-Korsakowa „Legenda o niewidzialnym mieście Kiteż i dziewica Fevronia” w paryskim „Pory roku rosyjskim”.
W drugim pokoleniu „Świata Sztuki” był jednym z najzdolniejszych artystów B. Kustodiew , uczeń Repina, którego charakteryzuje stylizacja, ale jest to stylizacja popularnego popularnego druku („Jarmarki”, „Zapusty”, „Balagany”, „Kupiec herbaty”).
1903, powstanie stowarzyszenia „Związek Artystów Rosyjskich” , w skład którego wchodzą postacie ze „Świata sztuki” - Benois, Bakst, Somow, Dobuzhinsky, Serov, a uczestnikami pierwszych wystaw byli Vrubel, Borysow-Musatow. Inicjatorami powstania stowarzyszenia byli moskiewscy artyści związani ze „Światem Sztuki”, ale obciążeni programową estetyką petersburczyków. Za przywódcę „Unii” uważano K. Korovina.
1910, utworzenie stowarzyszenia „Walet Diamentów” (P. Konczałowski, I. Maszkow, A. Lentułow R. Falk, M. Larionow), który wypowiadał się przeciwko niejasności, nieprzekładalności, niuansom symbolicznego języka „Błękitnej Róży” i estetycznej stylistyce „Świata Sztuka". „Knaves of Diamonds” wyznawali klarowną konstrukcję obrazu, podkreślali obiektywność formy, intensywność, pełnię brzmiącego koloru. Martwa natura jako ulubiony gatunek „jacków”.
Twórczość „samotna i wyjątkowa”. P.Filonova , który za cel postawił sobie zrozumienie metafizyki wszechświata za pomocą malarstwa, tworząc formy kryształowe jako pierwotne elementy wszechświata („Święto Królów”, „Święta Rodzina”). Witalność tradycji narodowych, wielka starożytna Rosja malowanie w kreatywności K. Petrova-Vodkina , artysta-myśliciel („Kąpiel czerwonego konia” jako metafora obrazkowa, „Dziewczyny nad Wołgą” - orientacja w tradycjach sztuki rosyjskiej).
Era wysoko rozwiniętego kapitalizmu przemysłowego i zmian w architekturze miasta. Nowe typy budynków: fabryki, dworce, sklepy, banki, kina. Nowe materiały budowlane - konstrukcje żelbetowe i metalowe, które pozwalają pokryć gigantyczne przestrzenie, tworząc ogromne witryny sklepowe.
Sztukę lat przedrewolucyjnych w Rosji cechuje niezwykła złożoność i niekonsekwencja poszukiwań artystycznych, stąd też zastępowanie się ugrupowań własnymi programami i sympatiami stylistycznymi. Ale wraz z eksperymentatorami w dziedzinie form abstrakcyjnych w sztuce rosyjskiej tamtych czasów, „Świata sztuki” i „Niebieskich nosicieli”, „sojuszników”, „Waleta diamentów”, artyści nurtu neoklasycznego jednocześnie kontynuowali pracę .
ROSJA
Literatura rosyjska końca XVIII - XIX wieku. rozwijał się w trudnych warunkach. Imperium Rosyjskie było gospodarczo jednym z zacofanych krajów Europy. Reformy XVIII w Piotr I i Katarzyna II zajmowali się przede wszystkim sprawami wojskowymi.
Jeśli w XIX w Rosja nadal pozostawała krajem zacofanym gospodarczo, ale w dziedzinie literatury, muzyki i sztuk pięknych była już w czołówce.
LITERATURA POCZĄTKU WIEKU
Najbardziej wykształconym stanem w Rosji była szlachta. Większość postaci kulturowych tamtych czasów wywodzi się w ten czy inny sposób ze szlachty lub luduzwiązane z kulturą szlachecką. Walka ideologiczna w literaturze na początku stulecia toczyła się pomiędzy stowarzyszeniem Rozmowy Miłośników Słowa Rosyjskiego (Derzhavin, Szirinski-Szichmatow, Szachowski, Kryłow, Zacharow i in.), zrzeszającym konserwatywną szlachtę, a radykalnymi pisarzami, którzy należeli do kręgu Arzamasa (Żukowski, Batiuszkow, Wiazemski, Puszkin i inni). Pierwsi i drudzy pisali swoje dzieła w duchu klasycyzmu i romantyzmu, lecz poeci „Arzamów” aktywniej walczyli o nową sztukę, bronili w poezji obywatelskiego i demokratycznego patosu.
Na początku lat dwudziestych XX w. ważną rolę w literaturze odgrywali poeci i pisarze związani z ruchem dekabrystów lub z nim bliscy ideowo. Po klęsce powstania dekabrystów, w dobie nudnej reakcji Nikołajewa, najsłynniejszymi pisarzami byli F. Bulgarin i N. Grech, którzy przemawiali w swoich organach - gazeta „Northern Bee” i magazyn „Syn Ojczyzny” „. Obaj przeciwstawiali się nowym trendom w literaturze rosyjskiej, głoszonym przez Puszkina, Gogola i innych, a przy tym wszystkim byli pisarzami nie pozbawionymi talentu.
Najpopularniejszymi dziełami Tadeusza Bułgarina (1789 - 1859) były powieści dydaktyczne i opisowe moralne Iwan Wyżygin (1829) i Piotr Iwanowicz Wyżygin (1831), które za życia autora stały się bestsellerami, ale zostały całkowicie zapomniane przez współczesnych; efekty melodramatyczne obfitują w jego powieściach historycznych „Dmitrij pretendent” i „Mazepa”.
Najbardziej znaczącym dziełem Nikołaja Grecha (1787–1867) była pełna przygód powieść moralno-opisowa „Czarna kobieta” (1834), napisana w duchu romantyzmu. Grech napisał także powieść epistolarną"Przezpodróż do Niemiec” (1836), „Doświadczenie krótkiej historii literatury rosyjskiej” (1822) – pierwsze w kraju dzieło dotyczące historii literatury rosyjskiej – i kilka innych książek o języku rosyjskim.
Największy prozaik końca XVIII i początku XIX wieku, pisarz i historiograf Nikołaj Michajłowicz Karamzin (1766–1826) nie był obcy liberalizmowi, jeśli chodzi o idee abstrakcyjne, które nie miały wpływu na porządek rosyjski. Jego „Listy od rosyjskiego podróżnika” odegrały ważną rolę w zapoznawaniu czytelników z życiem i kulturą Europy Zachodniej. Najsłynniejsze z jego opowiadań – „Biedna Liza” (1792) opowiada wzruszającą historię miłosną szlachcica i wieśniaczki. „A wieśniaczki umieją czuć” – ta maksyma zawarta w opowiadaniu świadczyła o humanitarnym kierunku poglądów jej autora.
Na początku XIX wieku. Karamzin pisze najważniejsze dzieło swojego życia - wielotomową „Historię państwa rosyjskiego”, w której za Tatiszczowem interpretuje wydarzenia z historii narodów wschodniosłowiańskich w duchu istniejącej monarchii rosyjskiej i podnosi historyczne uzasadnienie zajęcia przez Moskwę ziem sąsiadów do rangi ideologii państwowej carskiej dynastii Romanowów.
Twórczość Wasilija Żukowskiego (1783 - 1852) stanowiła ważny etap w rozwoju liryki romantycznej. Żukowski przeżył głębokie rozczarowanie Oświeceniem XVIII wieku i to rozczarowanie zwróciło jego myśli w stronę średniowiecza. Jako prawdziwy romantyk Żukowski uważał błogosławieństwa życia za przemijające i widział szczęście jedynie w zanurzeniu się w wewnętrzny świat człowieka. Jako tłumacz Żukowski otworzył przed rosyjskim czytelnikiem zachodnioeuropejską poezję romantyczną. Na szczególną uwagę zasługują jego przekłady z Schillera i angielskich romantyków.
Teksty K. N. Batiushkowa (1787–1855), w przeciwieństwie do romantyzmu Żukowskiego, były ziemskie, zmysłowe, przepojone jasnym spojrzeniem na świat, harmonijne i pełne wdzięku.
Główną zasługą Iwana Kryłowa (1769–1844) jest stworzenie klasycznej bajki w języku rosyjskim. Kryłow czerpał wątki swoich baśni od innych bajkopisarzy, przede wszystkim od Lafontaine’a, ale jednocześnie zawsze pozostawał poetą głęboko narodowym, odzwierciedlającym w baśniach cechy narodowego charakteru i umysłu, nadając swojej bajce wysoką naturalność i prostotę.
Dekabryści pisali swoje dzieła w duchu klasycyzmu. Zwrócili się ku bohaterskim wizerunkom Katona i Brutusa oraz motywom romantycznej starożytności narodowej, ku miłującym wolność tradycjom Nowogrodu i Pskowa, miast starożytnej Rosji. Największym poetą dekabrystów był Kondraty Fiodorowicz Rylejew (1795–1826). Autor wierszy tyrańskich („Obywatel”, „Do pracownika tymczasowego”) napisał także cykl patriotycznych „Zagłady” oraz stworzył wiersz romantyczny „Wojnarowski”, który ukazuje tragiczne losy ukraińskiego patrioty.
Aleksander Gribojedow (1795 - 1829) wszedł do literatury rosyjskiej jako autor jednego dzieła - komedii „Biada dowcipu” (1824), w której nie ma intrygi w tym sensie, że rozumieli ją francuscy komicy, i nie ma szczęśliwego zakończenia. Komedia zbudowana jest na opozycji Chatskiego do innych postaci tworzących krąg Famusa, szlacheckie stowarzyszenie Moskwy. Walka człowieka o zaawansowanych poglądach – z barem, pasożytami i zdeprawowanymi ludźmi, którzy utracili godność narodową i czołgają się przed wszystkim francuskim, głupimi martinetami i prześladowcami oświecenia, kończy się porażką bohatera. Jednak publiczny patos przemówień Czackiego odzwierciedlał całą siłę oburzenia, jakie narosło wśród radykalnej młodzieży rosyjskiej opowiadającej się za reformami społecznymi.
Gribojedow napisał wspólnie z P. Kateninem jeszcze kilka sztuk teatralnych („Student”, „Udawaj niewierność”), których treść ideowa była skierowana przeciwko poetom „Arzamasa”.
PUSKIN I LERMONTOW
Punktem zwrotnym w literaturze rosyjskiej stał się Aleksander Puszkin (1799–1837), oddzielający literaturę nową od starej. Jego twórczość determinowała rozwój całej literatury rosyjskiej do końca stulecia. Puszkin wyniósł rosyjską sztukę poetycką na wyżyny poezji europejskiej, stając się autorem dzieł o niezrównanym pięknie i doskonałości.
Pod wieloma względami o geniuszu Puszkina decydowały okoliczności jego nauczania w Liceum Carskie Sioło, które w 1811 r. otworzyło wyższą instytucję edukacyjną dla dzieci szlachty, z której ścian wielu poetów „złotej ery” poezji rosyjskiej ukazały się w tych latach (A. Delvig, V. Küchelbecker, E. Baratynsky i in.). Wychowany na francuskim klasycyzmie XVII w. i literaturze oświeceniowej XVIII w., na początku swojej drogi twórczej przeszedł wpływy poezji romantycznej i wzbogacony jej artystycznymi zdobyczami wzniósł się na poziom wysokiego realizmu.
W młodości Puszkin pisał wiersze liryczne, w których wychwalał radość życia, miłości i wina. Teksty z tych lat tchną dowcipem, przepojonym epikurejskim podejściem do życia odziedziczonym z poezji.XVIIIV. Już na początku lat dwudziestych w wierszach Puszkina pojawiły się nowe motywy: gloryfikował wolność i naśmiewał się z władców. Jego błyskotliwe teksty polityczne spowodowały wygnanie poety do Besarabii. W tym okresie Puszkin stworzył swoje romantyczne wiersze „Więzień Kaukazu” (1820–1821), „Bracia rabusie” (1821–1822), „Fontanna Bachczysaraja” (1821–1823) i „Cyganie” (1824). - 1825).
Na późniejszą twórczość Puszkina wpływ ma opublikowana „Historia państwa rosyjskiego” Karamzina oraz idee dekabrystów. Chcąc jaśniej pokazać cesarza rosyjskiego Aleksandra I, a potem„Doświadczenie” Mikołaja II za panowania władców rosyjskich, wierząc, że reformy w państwie powinny pochodzić od króla, gdy naród milczy, Puszkin tworzy tragedię historyczną „Borys Godunow” (1824–1825), poświęconą „epoce wielu buntów” z początku XVII wieku. A pod koniec lat dwudziestych napisał wiersz „Połtawa” (1828), powieść historyczną „Arap Piotra Wielkiego” (nieukończoną) oraz szereg wierszy, nawiązujących do wizerunku reformatora cara Piotra I, widząc na tym obrazie cesarza Mikołaja I, którego misją jest promowanie nowych reform w Rosji, tj. zostać oświeconym monarchą.
Straciwszy wiarę w swoje dążenia do zmiany woli cara, który wysłał dekabrystów na szubienicę i na wygnanie, Puszkin, w duchu dzieła Byrona „Pielgrzymka Childe Harolda”, pracuje nad jednym ze swoich najlepszych dzieł – powieścią w wierszu „Eugeniusz Oniegin” (1823–1831). Oniegin daje szeroki obraz życia społeczeństwa rosyjskiego, a liryczne dygresje powieści pod wieloma względami odzwierciedlają osobowość samego poety, czasem zamyśloną i smutną, czasem zjadliwą i żartobliwą. Puszkin w swojej twórczości odsłania obraz współczesnego, który nie odnalazł się w życiu.
W kolejnej znaczącej twórczości, Małych tragediach (30.), poeta, wykorzystując obrazy i wątki znane z literatury europejskiej, kreśli zderzenie śmiałej osobowości ludzkiej z prawami, tradycją i autorytetem. Puszkin zwraca się także ku prozie (opowiadanie „Dama pik”, cykl „Opowieści Belkina”, „Dubrowski”). Opierając się na artystycznych założeniach Waltera Scotta, Puszkin pisze „Córkę kapitana” (1836) i w rzeczywistych wydarzeniach XVIII-wiecznego powstania chłopskiego pod wodzą Emelyana Pugaczowa wplata życie głównego bohatera, którego losy są ściśle związane z głównym imprezy towarzyskie.
Puszkin jest najsilniejszy w swoich wierszach lirycznych. Niezwykłe piękno jego tekstów głęboko odsłania wewnętrzny świat człowieka. Pod względem głębi uczuć i klasycznej harmonii formy jego wiersze, obok liryków Goethego, należą do najlepszych dzieł poezji światowej.
Imię Puszkina kojarzy się nie tylko z dużym rozkwitem poezji rosyjskiej, ale także z powstaniem rosyjskiego języka literackiego. Stał się językiem jego dziełnorma współczesnego języka rosyjskiego.
W cieniu poezji Puszkina pozostali nie mniej wybitni poeci żyjący w jego czasach, którzy stanowili „złoty wiek” poezji rosyjskiej. Wśród nich był ognisty autor tekstów N.M. Yazykov, autor dowcipnych felietonów w wierszach P.A. Vyazemsky, mistrz poezji elegijnej E.A. Baratyński. Wyróżnia się na ich tle Fiodor Tyutczew (1803–1873). Jako poeta osiąga niesamowitą jedność myśli i uczuć. Tyutczew swoje liryczne miniatury poświęca przedstawieniu związku człowieka z naturą.
Michaił Lermontow (1814–1841) jako poeta był nie mniej utalentowany niż Puszkin. Jego poezję naznaczony jest patosem zaprzeczenia współczesnej rzeczywistości, w wielu wierszach i wierszach wymykają się motywy albo samotności i gorzkiego rozczarowania życiowego, albo buntu, śmiałego wyzwania, oczekiwania na burzę. W jego wierszach często pojawiają się obrazy buntowników poszukujących wolności i buntujących się przeciwko niesprawiedliwości społecznej (Mcyri, 1840; Pieśń o kupcu Kałasznikowie, 1838). Lermontow jest poetą akcji. Właśnie za bezczynność karci swoje pokolenie, niezdolne do walki i pracy twórczej (Duma).
W centrum najważniejszych dzieł Lermontowa znajduje się romantyczny obraz dumnej, samotnej Osobowości, szukającej w walce mocnych wrażeń. Takie są Arbenin (dramat „Maskarada”, 1835–1836), Demon („Demon”, 1829–1841) i Pechorin („Bohater naszych czasów”, 1840). Prace Lermontowa ostro odzwierciedlają całą złożoność życia społecznego i sprzeczny charakter problemów kultury rosyjskiej podnoszonych przez postępowy naród rosyjski w pierwszej połowie XIX wieku.
LITERATURA LAT 30 - 60-tych
Kolejnym ważnym kamieniem milowym w historii literatury rosyjskiej była twórczość Mikołaja Gogola (1809–1852). Na początku swojej twórczości był autorem poematu romantycznego Hans Küchelgarten (1827). W przyszłości pisze wyłącznie prozę. Sukcesy pisarza przynoszą pierwsze utwory prozatorskie, pisane w oparciu o folklor ukraiński w ironicznym, pogodnym tonie (zbiór opowiadań „Wieczory na farmieniedaleko Dikanki. W nowym zbiorze „Mirgorod” pisarz kontynuuje z sukcesem rozpoczęty temat, znacznie poszerzając obszar. Już w opowiadaniu z tego zbioru „O tym, jak Iwan Iwanowicz i Iwan Nikiforowicz pokłócili się” Gogol odchodzi od romantyzmu, ukazując dominację wulgarności i małostkowych zainteresowań we współczesnym życiu Rosjan.
„Opowieści petersburskie” przedstawiają współczesne wielkie miasto Gogola z jego kontrastami społecznymi. Jedno z tych opowiadań, „Płaszcz” (1842), wywarło szczególny wpływ na późniejszą literaturę. Ze współczuciem ukazując los uciskanego i pozbawionego praw wyborczych drobnego urzędnika, Gogol otworzył drogę całej demokratycznej literaturze rosyjskiej, od Turgieniewa, Grigorowicza i wczesnego Dostojewskiego po Czechowa.
W komedii Generalny Inspektor (1836) Gogol głęboko i bezlitośnie demaskuje biurokratyczną kamarillę, jej bezprawie i arbitralność, które przenikały wszystkie aspekty życia rosyjskiego społeczeństwa. Gogol odrzucił tradycyjny w komediach romans i zbudował swoje dzieło na obrazie relacji społecznych.
Powieść Nikołaja Czernyszewskiego (1828 - 1889) „Co robić?” kojarzona była z ideami socjalistycznych utopii. (1863). Czernyszewski pokazał w nim intelektualistów starających się zmienić życie w Rosji na lepsze.
W osobie Mikołaja Niekrasowa (1821 - 1878) literatura rosyjska przedstawiła poetę o wielkiej głębi ideologicznej i dojrzałości artystycznej. W wielu wierszach, takich jak „Mróz, czerwony nos” (1863), „Komu dobrze jest mieszkać w Rosji” (1863–1877), poeta pokazał nie tylko cierpienie ludzi ze strony ludu, ale także ich fizyczne i piękno moralne, ujawniły swoje poglądy na temat życia, swoje upodobania. W lirycznych wierszach Niekrasowa odsłania się wizerunek samego poety, zaawansowanego pisarza obywatelskiego, odczuwającego cierpienia ludu, rycersko mu oddanego.
Aleksander Ostrowski (1823 - 1886) wyniósł rosyjski dramat na wyżyny światowej sławy. Głównymi „bohaterami” jego dzieł są kupcy-przedsiębiorcy urodzeni w nowych relacjach kapitalistycznych, którzy wyszli z szeregów społeczeństwa, ale pozostali równie nieświadomi, uwikłani w uprzedzenia, skłonni do tyranii, absurdalnych i zabawnych kaprysów (sztuki „Burza z piorunami ”, „Posag”, „Talenty i kibice”, „Las” itp.). Jednak szlachta – przestarzała klasa – Ostrowski również nie idealizuje, ona także stanowi „ciemne królestwo” Rosji.
W latach 40. i 50. ujawnił się talent takich mistrzów słowa, jak Iwan Turgieniew (1818–1883) i Iwan Gonczarow (1812–1891). Obaj pisarze w swoich dziełach ukazują życie „ludzi zbędnych” w społeczeństwie. Jeśli jednak Turgieniew jest człowiekiem, który zaprzecza wszystkiemu wzniosłości w życiu (powieści Ojcowie i synowie, Ruhałas").
LITERATURA NARODÓW IMPERIUM ROSYJSKIEGO
Imperium Rosyjskie na początku lat 70. XIX wieku. był ogromnym, wielonarodowym krajem. Oczywiste jest, że kultura narodu panującego, wyrażająca się głównie w literaturze i sztuce szlacheckiej, wywarła znaczący wpływ na rozwój kulturalny innych narodów Rosji.
Rosyjski czynnik kulturowy dla Ukraińców i Białorusinów odegrał tę samą rolę, jaką czynnik polski odegrał w okresie po unii lubelskiej w 1569 roku, która zjednoczyła ziemie Korony Polskiej i Wielkiego Księstwa Litewskiego w Rzeczpospolitą – najzdolniejsi przedstawiciele ludy te przyczyniły się do rozwoju sztuki sąsiedniego narodu, zajmując dominującą pozycję w społeczeństwie, na przykład główne postacie kultury polskiej przełomu XVIII i XIX wieku. opuścił Białoruś i Ukrainę (F. Bogomolec, F. Knyazkin, A. Narushevich, A. Mitskevich, Yu. Slovatsky, I. Krasitsky, V. Syrokomlya, M.K. Oginsky i inni). Po przystąpieniu Ukrainy i Białorusi do Imperium Rosyjskiego ludność tych miejsc zaczęła kultywować kulturę rosyjską (N. Gogol, N. Kukolnik, F. Bułgarin, M. Glinka, N. Kostomarow i in.).
Pomimo ogromnego wpływu języka rosyjskiego na Ukrainie przełomu XVIII i XIX w.przesłanki pojawienia się szlachty o nastawieniu narodowym, która zdała sobie sprawę, że język ukraiński, którym posługują się wyłącznie niewykształceni, pospólstwo, może służyć do tworzenia oryginalnych dzieł. W tym czasie studia nad historią narodu ukraińskiego i jego twórczością ustną zaczęły zyskiwać znaczny zakres. Ukazała się „Historia Małej Rosji” N. Bantysza-Kamenskiego, „Historia Rusi” trafiła na odręczne spisy, w których nieznany autor rozpatrywał naród ukraiński w oderwaniu od rosyjskiego i twierdził, że to Ukraina, a nie Rosja, był to bezpośredni spadkobierca Rusi Kijowskiej.
Ważnym czynnikiem wzrostu świadomości narodowej Ukraińców było otwarcie w 1805 roku uniwersytetu w Charkowie. Ważnym wskaźnikiem żywotności języka ukraińskiego była jakość i różnorodność tworzonej w nim literatury. Iwan Pietrowicz Kotlarewski (1769–1838) jako pierwszy zwrócił się ku żywemu ludowemu językowi ukraińskiemu, szeroko wykorzystując sztukę ustną swoich rdzennych mieszkańców. Eneida Wergiliusza (1798), którą przerobił w stylu burleski, a także sztuki Natalka-Połtawka i Żołnierz-Czarodziej (w oryginale Zaklinacz moskiewski) wyróżniały się mistrzowskim przedstawieniem ukraińskiego życia ludowego.
Pierwszymi utworami prozatorskimi we współczesnym języku ukraińskim były sentymentalne historie mieszkańca Charkowa Hryhorija Kwitki (1778–1843), wypowiadającego się pod pseudonimem „Grytsko Osnowjanenko”, ukazały się w 1834 r. (opowiadanie „Marusja”, komedie „Szelmenko-Batman „itd.). Podwaliny pod ukraińską balladę położył inny mieszkaniec Charkowa, Levko Borovikovsky.
Proces powstawania nowej literatury ukraińskiej i kształtowania się ukraińskiego języka literackiego zakończył się dziełem wielkiego narodowego poety, myśliciela i rewolucjonisty Tarasa SzewczenkiO. Poeta zaczął pisać swoje wiersze nie dla szlachty po rosyjsku, jak wielu jego rodaków, ale wyłącznie dla swojego ludu.
Biografia Szewczenki stała się dla rodaków symbolem tragicznego losu narodowego. Urodzony jako poddany, z woli okoliczności trafił do swego mistrza w Petersburgu, gdzie w 1838 roku kilku przedstawicieli kręgu arystokratycznego pomogło utalentowanemu młodemu artyście.odkupićfakultatywnie. Szewczenko otrzymuje doskonałe wykształcenie. Kontakty z wieloma ukraińskimi i rosyjskimi artystami i pisarzami poszerzyły horyzonty młodego człowieka, a w 1840 roku opublikował swój pierwszy tomik wierszy „Kobzar”, w którym nawiązuje do historii Ukrainy.
Szewczenko ze złością piętnuje współpracujących z Moskwą hetmanów kozackich, Chmielnicki też to rozumie (u Szewczenki to zarówno „genialny buntownik”, jak i sprawca fatalnego dla Ukrainy sojuszu z Rosją, który kosztował ją utratę niepodległości). Poeta potępia samowolę panów feudalnych i sprzeczając się z Puszkinem, który śpiewał o monarchach Piotrze I i Katarzynie II, ujawnia despotyzm carów rosyjskich, winnych opłakanego stanu swojej ojczyzny, i otwarcie nazywa ich tyranami i kaci (wiersze „Naymiczka”, „Kawkaz”, „Sen”, „Katerina” itp.), śpiewa o powstaniach ludowych (wiersz „Gajdamaki”) i wyczynach mścicieli ludu (wiersz „Warnak”).
Szewczenko uznał pragnienie wolności Ukrainy za część walki o sprawiedliwość nie tylko dla własnego narodu, ale także dla innych narodów znajdujących się w ucisku narodowościowym i społecznym.
Procesy budzenia się samoświadomości narodowej miały miejsce także na Białorusi. Dzięki wysiłkom przedstawicieli narodowościowej inteligencji (nazywającej się zarówno Litwinami, jak i Białorusinami), którzy już w pierwszej połowie XIX wieku zdali sobie sprawę z tożsamości narodu białoruskiego. zgromadzono znaczący materiał z zakresu historii, etnografii (publikacje zabytków sztuki ustnej, mitów, legend, obrzędów, dokumentów starożytności). Na terenach zachodnich działali historycy i etnografowie piszący po polsku (Syrokomlia, Borszewski, Zenkiewicz), a na wschodzie po rosyjsku (Nosowicz).
W 1828 r. Pawluk Bagrim (1813–1890), autor pierwszego wiersza we współczesnym języku białoruskim „Graj, chłopcze!”
Do lat 40. XIX wieku. początek działalności pisarza Wincentego Dunina-Marcinkiewicza (1807 - 1884), który kolorystykę białoruskiej wsi („Sielanka”, „Gapon”, „Karal Letalski”) oddał w sentymentalno-dydaktycznych wierszach i komediach pisanych w latach duch europejskiego klasycyzmu sięga początków. Pisze po białoruskuniektórzy ze znanych polskich poetów, którzy pochodzili z tych miejsc.
W 1845 r. ukazał się anonimowy wiersz burleskowy „Eneida wręcz przeciwnie”, napisany w duchu ukraińskiej „Eneidy” przez Kotlarewskiego, którego autorstwo przypisuje się W. Rawińskiemu. Później pojawia się kolejny anonimowy wiersz „Taras na Parnasie”, który opisuje bajeczną historię robotnika leśnego Tarasa, który przybył do greckich bogów na górę Parnas, mówiąc prostym językiem i reprezentując zwykłych mieszkańców wioski.
Później w literaturze białoruskiej narodził się kierunek narodowo-patriotyczny i demokratyczny, najjaśniej reprezentowany w latach 60. przez dziennikarstwo dzielnego bojownika o szczęście ludu, narodowego białoruskiego bohatera Kastusa Kalinouskiego, redaktora pierwszej nielegalnej białoruskiej gazety Mużyckaja. Prawda.
Rozwój kultury narodowej Łotwy i Estonii nastąpił w walce z ideologią feudalno-klerykalną niemiecko-szwedzkich baronów. W latach 1857-1861. twórca literatury estońskiej, Friedrich Kreutzwald (1803 - 1882), publikuje epos narodowy Kalevipoeg i estońskie opowieści ludowe. Wśród łotewskiej inteligencji powstał narodowy ruch „młodych Łotyszy”, którego organem była gazeta „Petersburg Vestnik”. Większość „młodych Łotyszy” opowiadała się po stanowiskach liberalno-reformistycznych. W tym czasie sławę zyskała poezja łotewskiego patrioty Andrieja Pumpursa (1841 - 1902).
Na Litwie, zwanej wówczas także Żmudzią, ukazał się zbiór wierszy Antanasa Strazdasa (1763 - 1833) „Pieśni świeckie i duchowe”.
Przyłączenie Kaukazu do Rosji, pomimo przedłużającego się charakteru wojny, zwiększyło przenikanie do życia narodów Kaukazu poprzez kulturę rosyjską europejskich wartości kulturowych i postępu, co znalazło odzwierciedlenie w pojawieniu się szkoły świeckiej , pojawienie się gazet i czasopism oraz teatru narodowego. Twórczość gruzińskich poetów Nikołaja Barataszwilego (1817-1845) i Aleksandra Czawczawadze (1786-1846) pozostawała pod wpływem rosyjskiego romantyzmu. Ci poeci, którzy tworzyli w latach 30. XIX wieku. Szkołę romantyczną w literaturze gruzińskiej charakteryzowały dążenia wolnościowe i głębokie uczucia patriotyczne. Do lat 60. XIX wieku. nawiązuje do początków działalności społeczno-politycznej i literackiej Ilji Czawczawadze (1837–1907).
rozwinąć skłonność oskarżycielską, co po raz pierwszy wyraźnie objawiło się w opowiadaniu Daniela Chonkadze (1830–1860) „Twierdza Surami” (1859). Protest przeciwko feudalnej arbitralności i sympatii dla uciskanego chłopstwa przyciągnął do Czawczawadze postępową młodzież gruzińską, wśród której wyróżniała się grupa „pijących wody Terku” („tergdaleuli”).
Twórca nowej literatury ormiańskiej, Khachatur Abovyan, ze względu na brak wyższych uczelni w Armenii, kształcił się w Rosji. Głęboko akceptował humanistyczne idee zaawansowanej kultury rosyjskiej. Jego powieść realistyczna „Rany Armenii” przeniknięta była myślą o znaczeniu przyłączenia ziem ormiańskich do Rosji. Abowian odrzucił martwy język starożytnego pisma ormiańskiego (grabar) i na podstawie ustnej mowy ludowej rozwinął współczesny literacki język ormiański.
Poeta, publicysta i krytyk literacki Mikayel Nalbandyan położył podwaliny pod nurt narodowo-patriotyczny w literaturze ormiańskiej. Jego wiersze („Pieśń o wolności” itp.) były przykładem poezji obywatelskiej, która inspirowała młodzież ormiańską do czynów patriotycznych i rewolucyjnych.
Wybitny pedagog azerbejdżański Mirza Fatali Akhundov, odrzucając i jednocześnie korzystając z tradycji dawnej literatury perskiej, w swoich opowiadaniach i komediach położył solidny fundament pod nową, świecką literaturę azerbejdżańską i narodowy teatr azerbejdżański.
W folklorze narodów i narodowości Kaukazu Północnego i Azji, które niedawno weszły w skład Rosji, nasiliły się motywy patriotyczne i motywy protestu społecznego. Poeta Kumyk Irchi Kazak (1830–1870), Lezghins Etim Emin (1839–1878) i inni śpiewacy ludowi Dagestanu wzywali swoich współplemieńców do walki z ciemiężycielami. Jednak w kulturze tych ludów było to w połowie XIX wieku. Ogromne znaczenie miała działalność edukacyjna miejscowych tubylców, którzy kształcili się w Rosji. Byli wśród nich abchaski etnograf S. Zvanba (1809 - 1855); kompilator pierwszej gramatyki języka kabardyjskiego i autor „Dziejów ludu Adyghów” Sz. Nogmow (1801–1844); nauczyciel U. Bersey, który w 1855 r. stworzył pierwszy „Elementarz języka czerkieskiego”, osetyjski poeta I. Yalguzidze, który w 1802 r. skompilował pierwszy alfabet osetyjski.
W pierwszej połowie stulecia naród kazachski także miał swoich oświeconych. Ch. Walikhanow odważnie wypowiadał się przeciwko rosyjskim kolonizatorom i miejscowej szlachcie feudalno-klerykalnej, która zdradziła interesy swojego ludu. Jednocześnie argumentując, że Kazachowie na zawsze będą mieszkać w sąsiedztwie Rosji i nie mogą uciec przed jej wpływami kulturowymi, powiązał historyczne losy narodu kazachskiego z losami Rosji.
TEATR ROSYJSKI
Pod wpływem kultury europejskiej w Rosji od końca XVIII wieku. znajduje się tu także nowoczesny teatr. Początkowo rozwijała się nadal na majątkach wielkich magnatów, stopniowo jednak trupy, uzyskując niepodległość, na zasadach handlowych, uzyskiwały rangę samodzielnych. W 1824 r. w Moskwie utworzono samodzielną trupę teatralną Teatru Małego. W Petersburgu w 1832 roku pojawił się Aleksandryjski Teatr Dramatyczny, patronami są nadal wielcy właściciele ziemscy, szlachta i sam cesarz, którzy dyktują swój repertuar.
W teatrze rosyjskim wiodące znaczenie zyskuje sentymentalizm oświeceniowy. Uwagę dramaturgów przyciągnął wewnętrzny świat człowieka, jego duchowe konflikty (dramaty P. I. Ilyina, F. F. Iwanowa, tragedie V. A. Ozerowa). Przy tendencjach sentymentalnych chęć wygładzenia sprzeczności życiowych, cech idealizacji, melodramatu (dzieła V. M. Fedorowa, S. N. Glinki itp.).
Stopniowo w dramaturgii rozwijają się wątki charakterystyczne dla europejskiego klasycyzmu: odwołanie do bohaterskiej przeszłości ojczyzny i Europy, do starożytnej fabuły („Marfa Posadnitsa, czyli podbój Nowogrodu” F. F. Iwanowa, „Velzen, czyli wyzwoleni Holland” F. N. Glinki, „Andromacha” P. A. Katenina, „Argiwowie” V. K. Kuchelbekera itp.). W tym samym czasie rozwinęły się takie gatunki jak wodewil (A. A. Shakhovskoy, P. I. Chmielnicki, A. I. Pisarev) i sztuka rodzinna (M. Ya. Zagoskin).
W pierwszej ćwierci XIX w w rosyjskim teatrze narodowym toczy się walka o utworzenie nowego, oryginalnego w skali kraju teatru. Zadanie to zostało zrealizowane poprzez stworzenie prawdziwie narodowej, oryginalnej komedii A. Gribojedowa „Biada dowcipu”. Dziełem o nowatorskim znaczeniu był dramat historyczny Puszkina Borys Godunow, którego autor wyrósł z form tragedii dworskiej klasycyzmu i dramatu romantycznego Byrona. Jednak produkcję tych dzieł na jakiś czas wstrzymywała cenzura. Poza teatrem pozostaje także dramaturgia M. Yu Lermontowa, przesiąknięta ideami kochającymi wolność: jego dramat „Maskarada” z lat 1835–1836. trzykrotnie zakazany przez cenzurę (fragmenty spektaklu wystawiono po raz pierwszy dzięki wytrwałości aktorów w 1852 r., a całość wystawiono dopiero w 1864 r.).
Scenę teatru rosyjskiego lat 30. i 40. XX w. zajmował głównie wodewil, realizujący głównie cele rozrywkowe (sztuki P. A. Karatygina, P. I. Grigoriewa, P. S. Fedorowa, V. A. Sołłoguba, N. A. Niekrasowa, F. A. Koniego i in.). W tym czasie wzrosły umiejętności utalentowanych rosyjskich aktorów M.S. Szczepkina i A.E. Martynova, którzy potrafili zidentyfikować sprzeczności prawdziwego życia kryjące się za sytuacjami komicznymi, aby nadać stworzonym obrazom prawdziwy dramat.
Duże znaczenie dla rozwoju teatru rosyjskiego miały sztuki A. N. Ostrowskiego, które ukazały się w latach pięćdziesiątych XX wieku i bardzo wysoko podniosły rosyjską dramaturgię.
SZTUKI PIĘKNE I ARCHITEKTURA
Na początku XIX wieku. w Rosji pod wpływem ożywienia społecznego i patriotycznego klasycyzm zyskuje nowe treści i owocny rozwój w wielu dziedzinach sztuki. W stylu dojrzałego klasycyzmu z jego potężnymi, mocnymi i monumentalnie prostymi formami powstają najlepsze budynki publiczne, administracyjne i mieszkalne Petersburga, Moskwy i wielu miast: w Petersburgu - Admiralicja A. D. Zacharowa , Katedra Kazańska i Instytut Górnictwa - A. N. Voronikhina, Exchange - Thomas de Thomon oraz szereg budynków K.I. Rosja; i Moskwa - kompleksy budynków O. I. Bove, D. I. Gilardiego i innych mistrzów (nowa fasada uniwersytetu, Manege itp.). W trakcie intensywnej budowy w pierwszych dekadach XIX wieku. finalizując klasyczny wyglądPetersburgu.
Patriotyczny bunt ludu miał ułatwić ustawienie w 1818 roku na Placu Czerwonym w Moskwie pomnika wyzwolicieli Minina i Pożarskiego autorstwa rzeźbiarza I.P.Zwycięstwo Rosji nad Polską i Litwą.
Wpływ klasycyzmu na architekturę nie zanika nawet w połowie stulecia. Jednak budowle tamtych czasów wyróżniają się pewnym naruszeniem dawnej harmonii form, a w niektórych przypadkach są przeładowane dekoracją. W rzeźbie cechy domowe są zauważalnie uwydatnione. Najważniejsze zabytki - pomniki Kutuzowa i Barclaya de Tolly'ego autorstwa V. I. Orłowskiego oraz rzeźby P. K. Klodta (figury koni na moście Aniczkowa) - łączą w sobie cechy klasycznego rygoru i monumentalności z nowymi romantycznymi obrazami.
Prawie wszystkie sztuki piękne z początku XIX wieku. wyróżnia klasyczna klarowność, prostota i skala form. Jednak malarze i graficy tej epoki, przełamując stare, warunkowe i ograniczone ramy twórczości artystycznej ustanowione przez klasyczną estetykę, stopniowo zbliżają się do swobodniejszego i szerszego, czasem zabarwionego emocjonalnym podnieceniem, percepcją i zrozumieniem otaczającej przyrody i człowieka. . Owocny rozwój w tym okresie otrzymuje gatunek domowy. Przykładem tego wszystkiego jest twórczość O. A. Kiprensky'ego (1782–1836), S. F. Szczedrina (1751–1830), V. A. Tropinina (1776–1857), A. G. Venetsianowa (1780–1847).
W sztuce lat 30. i 40. XX w. na pierwszy plan wysunęło się malarstwo historyczne. W obrazie K. P. Bryullova (1799 - 1852) „Ostatni dzień Pompejów” w kompozycji plastyczność postaci ludzkich nadal wpływa jednak na wpływ szkoły klasycznej, ukazując przeżycia ludzi, którzy zostali uderzeni przez ślepym, wszystkoniszczącym żywiołem, artysta wykracza już poza klasycyzm. Przejawiało się to wyraźnie w kolejnych pracach Bryullova (zwłaszcza w szkicach portretowych i pejzażowych).
Ekscytujące idee nowoczesności znalazły odzwierciedlenie w jego malarstwie Aleksandra Iwanowa (1806 - 1858). Artysta przez ponad 20 lat pracował nad monumentalnym obrazem „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, którego głównym tematem było duchowe odrodzenie ludzi pogrążonych w cierpieniach i przywarach.
Twórczość Pawła Fedotowa (1815–1852) wyznaczyła nowy etap w rozwoju malarstwa rosyjskiego. Czerpiąc życie zubożałych urzędników, kupców, choć nie tracąc roszczeń do szlachty, Fiedotow upubliczniłobrazy i tematy artystyczne, które nie były wcześniej poruszane w malarstwie gatunkowym. Pokazał dumę i głupotę urzędników, naiwne samozadowolenie i przebiegłość nowych bogatych kupców, beznadziejną pustkę istnienia oficerów na prowincji w dobie reakcji Nikołajewa, gorzki los swojego kolegi-artysty.
Wasilij Perow (1834–1882), I. M. Pryanishnikov (1840–1894), N. V. Nevrev (1830–1904) i wielu innych malarzy, którzy rozpoczęli swoje twórcze życie w latach 60., stali się twórcami oskarżycielskich obrazów gatunkowych, odzwierciedlających zjawiska współczesnego rzeczywistość. Twórczość tych artystów ukazuje ignorancję księży, arbitralność urzędników, okrutną i niegrzeczną moralność kupców - nowych panów społeczeństwa, ciężki los chłopstwa i ucisk małego „upokorzonego i obrażonego” ludu szeregów społecznych.
W 1863 rG. 14 absolwentów ukończyło Akademię, na której czele stoi I.N. Kramskoj (1837–1887), odmawiając realizacji programów na zadany temat, zjednoczył się w artelu artystów, aby swoją sztuką móc służyć interesom społeczeństwa. W 1870 roku powstało Towarzystwo Objazdowych Wystaw Artystycznych, które skupiało wokół siebie najlepsze siły twórcze. W przeciwieństwie do oficjalnej Akademii Sztuk, która rozwijała sztukę salonową w malarstwie i rzeźbie, Wędrowcy wspierali nowe inicjatywy artystyczne w malarstwie rosyjskim, które torowały drogę rozwojowi sztuki w latach 70. i 80.
ROSYJSKA MUZYKA
W 19-stym wieku Muzyka rosyjska, która nie miała jeszcze silnych tradycji, odzwierciedlała ogólne tendencje w rozwoju wszelkiej sztuki i po wchłonięciu tradycji pieśni wielu narodów Rosji dała impuls do pojawienia się kompozytorów światowej sławy pod koniec XIX w. wiek.
Na początku stulecia, pod wpływem wydarzeń Wojny Ojczyźnianej 1812 r., wątek bohatersko-patriotyczny, ucieleśniony w twórczości S.A. Degtyarev – autor pierwszego rosyjskiego oratorium „Minin i Pożarski”, D.N. Cashina, SI Davydova, I.A. Kozłowski – autor pierwszego rosyjskiegoHymn „Grzmot zwycięstwa!”
Na bazie melodii ludowych narodów rosyjskiego, ukraińskiego i białoruskiego powstają bogate i różnorodne teksty pieśni, głęboko wyrażające świat uczuć zwykłego człowieka (romanse A. A. Alyabyeva, pieśni liryczne A. E. Varlamova i A. L. Gurilewa, opery romantyczne A. N. Wierstowski).
Najsłynniejszym kompozytorem pierwszej połowy XIX wieku, którego twórczość wprowadziła muzykę rosyjską w krąg zjawisk o światowym znaczeniu, był Michaił Glinka (1804–1857). W swojej sztuce wyraził podstawowe cechy narodowego charakteru Rosjanina, który pomimo wszelkich przeciwności losu i ucisku pozostaje patriotą swojej ojczyzny.
Już pierwsza opera Glinki Życie cara (Iwan Susanin, 1836) stała się fenomenem w życiu kulturalnym nie tylko Rosji, ale i Europy. Glinka stworzyła wzniosłą tragedię patriotyczną, jakiej nie znała scena operowa. Kolejna opera – „Rusłan i Ludmiła” (1842) – kompozytor kontynuuje tematy gloryfikacji rosyjskiej starożytności, ale już na bajecznie epickim, epickim materiale. Dramat historyczny i baśniowa opera Glinki wyznaczyły przyszłą drogę rosyjskiej klasyki opery. Znaczenie symfonizmu Glinki jest także ogromne. Jego orkiestrowa fantazja „Kamarinskaya”, dwie hiszpańskie uwertury na tematy pieśni ludowych, liryczny „Walc-Fantasy” posłużyły za podstawę rosyjskiej szkoły symfonicznej XIX wieku.
Glinka wyraźnie dał się poznać na polu liryki kameralnej. Romanse Glinki charakteryzują się typowymi dla jego stylu cechami: plastycznością i wyrazistością szerokiej, śpiewnej melodii, pełnią i harmonią kompozycji. Kompozytor sięga po teksty Puszkina, a myśl poetycka znajduje w nim wyjątkowo piękny, harmonijny i wyraźny wyraz zwrotki Puszkina.
Kontynuatorem tradycji Glinki był Aleksander Dargomyżski (1813–1869). Twórczość Dargomyżskiego odzwierciedlała nowe tendencje w całej sztuce, dojrzewające w krytycznym okresie lat czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku. Temat nierówności społecznych i braku praw nabiera dla kompozytora ogromnego znaczenia. Niezależnie od tego, czy maluje dramat prostej chłopki w operze „Syrenka”, czy tragiczną śmierć żołnierza w „Starym kapralu” – wszędzie występuje jako wrażliwy artysta-humanista, starając się przybliżyć swoją sztukę do wymagań demokratyczne warstwy społeczeństwa rosyjskiego.
Opera Dargomyżskiego Syrenka (1855) zapoczątkowała nowy gatunek dramatu psychologicznego w muzyce rosyjskiej. Kompozytor stworzył wspaniałe w swej głębi obrazy cierpiących, pozbawionych środków do życia ludzi – Nataszy i jej ojca, młynarza. W muzycznym języku opery, z jej szerokim rozwojem dramatycznego, ekspresyjnego recytatywu oraz w scenach dramatycznych, ujawniła się wrodzona umiejętność i wrażliwość Dargomyżskiego w przekazywaniu przeżyć emocjonalnych.
Nowatorskie poszukiwania Dargomyżskiego znajdują największy wyraz w jego najnowszej operze Kamienny gość, opartej na fabule dramatu Puszkina. Kompozytor, zachowując cały tekst Puszkina, buduje operę w oparciu o ciągły recytatyw, bez podziału na pełne części, podporządkowując partie wokalne zasadom wyrazistości mowy, elastycznej intonacji wersetu. Dargomyżski świadomie porzuca tradycyjne formy opery – zespoły i arie – na rzecz psychologicznego dramatu muzycznego.
Nowy rozkwit życia muzycznego i społecznego w Rosji przypada na lata 60-te. MA Balakirev, A.G. i N. G. Rubinstein utworzyli organizacje muzyczne nowego typu, pierwsze konserwatoria w Rosji. Prace wybitnych badaczy sztuki V. V. Stasova i A. N. Serova położyły podwaliny pod muzykologię klasyczną. Wszystko to przesądziło o powstaniu muzyki rosyjskiej w następnym okresie, którego wykonawcami byli tak wybitni kompozytorzy, jak Czajkowski, Musorgski, Borodin i Rimski-Korsakow.
Fiodor Michajłowicz Dostojewski (1821-1881)
Pomimo dużej popularności Fiodora Dostojewskiego w Rosji, światowe uznanie i zainteresowanie jego twórczością przyszło po jego śmierci. Wszyscy zauważyli jego głęboki psychologizm, pasję w przedstawianiu „upokorzonych i obrażonych”. Niemiecki filozof Fryderyk Nietzsche napisał, że Dostojewski był jedynym psychologiem, od którego czegokolwiek się nauczył. Twórczość Fiodora Michajłowicza wywarła zauważalny wpływ na pisarzy: Austriaka Stefana Zweiga, Francuza Marcela Prousta, Anglika Oscara Wilde'a, Niemców Thomasa i Heinricha Mannów.
Na przełomie XIX i XX wieku imię Karola Marksa stało się symbolem walki o wyzwolenie klasy robotniczej. Wypracował zasady dialektycznego i materialistycznego rozumienia biegu historii, mówił o konieczności wyeliminowania własności prywatnej, wysunął tezę, że śmierć kapitalizmu i zwycięstwo komunizmu są nieuniknione. Jego główne dzieło – „Kapitał” – i teoria wartości dodatkowej wywarły wpływ na wewnętrzne życie polityczne wielu krajów Europy i świata. Jednak dalszy rozwój polityczny, gospodarczy, naukowy i technologiczny społeczeństwa pokazał błędność i daremność wielu jego idei i koncepcji.
Nagłówek: |Nikołaj Iwanowicz Pirogow godzinami pracował w teatrze anatomicznym, wycinając tkanki miękkie, badając chore narządy, piłując kości, szukając zamienników uszkodzonych stawów. Anatomia stała się dla niego praktyczną szkołą, która położyła podwaliny pod jego dalszą udaną działalność chirurgiczną. Pirogov jako pierwszy wpadł na pomysł chirurgii plastycznej, zastosował znieczulenie w wojskowej chirurgii polowej, po raz pierwszy zastosował opatrunek gipsowy w terenie, zasugerował istnienie patogenów powodujących ropienie ran. Jego prace, różne atlasy medyczne, stawiają rosyjską chirurgię na jednym z pierwszych miejsc na świecie.
Nagłówek: |Słynny angielski podróżnik, przyrodnik, odkrywca Karol Darwin był jednym z pierwszych, którzy wysunął teorię ewolucji organizmów żywych. Twierdził, że wszystkie istoty żywe mają wspólnych przodków, od których dziedziczą pewne właściwości, które zmieniają się w procesie rozwoju. W 1859 roku opublikował książkę O pochodzeniu gatunków, w której na wielu przykładach wykazał, że siłą napędową ewolucji jest dobór naturalny i zmienność. Jego idee i odkrycia w dużej mierze posłużyły za podstawę współczesnej teorii ewolucji, choć nie wszyscy uznają ją za fundamentalną.
Nagłówek: |Wybitny niemiecki profesor chemii organicznej Justus Liebig całe życie poświęcił badaniom nad metodami żywienia roślin i rozwiązywaniem zagadnień racjonalnego stosowania nawozów. Zrobił wiele, aby zwiększyć plony. Rosja przyznała naukowcowi dwa Ordery św. Anny za pomoc udzieloną jej w rozwoju rolnictwa, Anglia uczyniła go honorowym obywatelem, w Niemczech otrzymał tytuł barona. Przypisuje mu się tworzenie koncentratów spożywczych. Opracował technologię produkcji ekstraktu mięsnego, który dziś nazywany jest „kostką bulionową”. Niemieckie Towarzystwo Chemiczne postawiło mu pomnik w Monachium.
Nagłówek: |Alexandre Dumas nazywany był pisarzem kursywnym, w ciągu swojego życia napisał 647 dzieł na różne tematy. Interesowało go wszystko: historia, zbrodnie, wybitni ludzie, a nawet przepisy na obcą kuchnię. Starał się być w centrum najważniejszych wydarzeń, podróżował po różnych krajach Europy, wychodził z rebeliantami na ulice Paryża, gdzie omal nie zginął. Wracając do domu, usiadł przy stole i pisał, pisał, zapominając o wszystkim. Jego powieści przygodowe zostały przetłumaczone na wiele języków świata, stały się podstawą licznych przedstawień teatralnych i filmów fabularnych. Zainteresowanie jego twórczością nie osłabło w XXI wieku.
O sztuce pierwszej połowy XIX wieku. pod wpływem rewolucji francuskiej (1789-1799), wojny z Napoleonem, wojny z Hiszpanią. W tym okresie nastąpił ogromny postęp w nauce. Główne style: Empire, Romantyzm, Realizm francuski.
W architekturze pierwszej połowy XIX wieku neoklasycyzm przeżył swój ostatni rozkwit. W połowie stulecia głównym problemem architektury europejskiej było poszukiwanie stylu. W związku z romantyczną fascynacją antykiem wielu mistrzów próbowało wskrzesić tradycje architektury przeszłości – tak powstał neogotyk, neorenesans, neobarok. Wysiłki architektów często prowadziły do eklektyzmu – mechanicznego łączenia elementów różnych stylów, starego z nowym. W architekturze dominuje budowa fabryk, biur, budynków mieszkalnych, domów towarowych, sal wystawowych, bibliotek, stacji, zadaszonych targowisk, banków itp. Banki zdobią starożytne greckie portyki, domy towarowe - gotyckimi ostrołukowymi oknami i wieżami. Fabrykom nadano wygląd zamków.
19.1.1 Sztuka Francji
Architektura. W latach rewolucji francuskiej we Francji nie zbudowano ani jednej trwałej konstrukcji. Była to era budynków tymczasowych, najczęściej drewnianych. Na początku rewolucji Bastylia została zniszczona, pomniki królów zburzono. W 1793 roku zamknięto akademie królewskie, w tym akademię architektoniczną. Zamiast tego pojawiło się Narodowe Jury Sztuki i Republikański Klub Sztuki, których głównymi zadaniami była organizacja świąt masowych oraz dekorowanie paryskich ulic i placów.
Na Place de la Bastille wzniesiono pawilon z napisem: „Tutaj tańczą”. Plac Ludwika XV został nazwany Place de la Révolution i dodał łuki triumfalne, Statuy Wolności, fontanny z emblematami. Pole Marsowe stało się miejscem zgromadzeń publicznych z ołtarzem Ojczyzny w centrum. Les Invalides i jego katedra stały się świątynią ludzkości. Ulice Paryża ozdobiły się nowymi pomnikami.
Również w latach Rewolucji Francuskiej powstała Komisja Artystyczna, która zajmowała się ulepszaniem miasta, planowanymi zmianami w jego wyglądzie. Odegrał znaczącą rolę w historii architektury.
W sztuce napoleońskiej Francji dominował styl empirowy. Głównym wydarzeniem Napoleona na polu architektury była odbudowa Paryża: miała ona połączyć średniowieczne dzielnice z systemem alei przecinających miasto na osi wschód-zachód. Powstały: Aleja Pola Eysees, Rue Rivoli, kolumna triumfalna na Place Vendôme (1806–1810, architekci Jean-Baptiste Leper, Jacques Gonduin), brama wjazdowa do Pałacu Tuileries (1806–1807, architekci Ch. Persier , P.F.L. Fontaine), łuk triumfalny Wielkiej Armii (1806-1837, architekci Jean-Francois Chalien i in.).
Obraz. W pierwszej połowie XIX w. francuska szkoła malarstwa umocniła swój prymat w sztuce Europy Zachodniej. Francja wyprzedziła inne kraje europejskie w demokratyzacji życia artystycznego. Od 1791 roku prawo udziału w wystawach Salonu w Luwrze otrzymali wszyscy autorzy, niezależnie od przynależności do akademii. Od 1793 roku sale Luwru są otwarte dla szerokiej publiczności. Państwowe wykształcenie akademickie zostało wyparte przez kształcenie w prywatnych warsztatach. Władze sięgnęły po bardziej elastyczne metody polityki artystycznej: szczególny zakres nabrała dystrybucja dużych zamówień na dekorację budynków użyteczności publicznej.
Przedstawiciele malarstwa francuskiego romantyzmu - David, Ingres, Gericault, Delacroix, Gros.
Jacques’a Louisa Davida (1748-1825) – najkonsekwentniejszy przedstawiciel neoklasycyzmu w malarstwie. Studiował w Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby w latach 1775-1779. odwiedził Włochy. W 1781 roku David został przyjęty na członka Akademii Królewskiej i otrzymał prawo do udziału w jej wystawach - Salonach Luwru. W 1792 roku Dawid został wybrany na posła do Konwentu, najwyższego organu ustawodawczego i wykonawczego I Rzeczypospolitej.
Już w 1776 roku opracowano program rządowy zachęcający do tworzenia dużych obrazów. Dawid otrzymał zamówienie na obraz przedstawiający wyczyn trzech braci ze szlacheckiego rodu Horatii - „Przysięga Horatii” (1784). Akcja obrazu rozgrywa się na dziedzińcu starożytnego rzymskiego domu: strumień światła leje się z góry na bohaterów obrazu, otacza ich oliwkowoszary zmierzch. Całość kompozycji opiera się na liczbie trzy: trzy łuki (w każdy z łuków wpisana jest jedna lub więcej postaci), trzy grupy postaci, trzech synów, strzelnica miecza, trzy kobiety. Gładkie kontury grupy kobiecej kontrastują z ściganymi liniami postaci wojowników.
W latach 1795–1799 David i jego uczniowie pracowali nad obrazem „Sabiny zatrzymują bitwę między Rzymianami a Sabinami”. Artystka ponownie wybrała wątek współczesny: legenda o kobietach, które przerwały wojnę Rzymian (mężów) z Sabinkami (ojcami i braćmi), brzmiała wówczas we Francji jako wezwanie do pokoju społecznego. Jednak ogromny obraz, przeładowany liczbami, wywołał jedynie kpiny ze strony publiczności.
W 1812 wyjechał do Brukseli, gdzie mieszkał aż do śmierci. Malował portrety i prace na tematy antyczne - „Śmierć Marata” (1793), „Portret Madame Recamier” (1800). Obraz „Śmierć Marata” został ukończony przez artystę w niecałe trzy miesiące i zawisł w sali posiedzeń Konwencji. Marat został zadźgany nożem w swoim mieszkaniu przez szlachciankę imieniem Charlotte Corday. W chwili śmierci Marat siedział w wannie: z powodu choroby skóry był zmuszony do pracy w ten sposób i przyjmowania gości. Połatane prześcieradła i proste drewniane pudełko, które zastąpiło stół, nie są wymysłem artysty. Jednak sam Marat, którego ciało zostało zniekształcone przez chorobę, pod pędzlem Dawida zamienił się w szlachetnego sportowca, niczym starożytny bohater. Prostota oprawy nadaje spektaklowi szczególną tragiczną powagę.
Na wielkim zdjęciu „Koronacja Napoleona I i cesarzowej Józefiny w katedrze Notre Dame w dniu 2 grudnia 1804 r.” (1807) David stworzył kolejny mit - blask ołtarza i przepych strojów dworzan działają na widza nie gorzej niż nędzne meble i stare prześcieradła Marata.
Jean Auguste Dominique Ingres(1780-1867) był zwolennikiem klasycznych ideałów, artystą oryginalnym, wolnym od fałszu, nudy i rutyny. W 1802 roku otrzymał Nagrodę Rzymską i prawo wyjazdu do Włoch. W 1834 roku został dyrektorem Akademii Francuskiej w Rzymie. Osiągnął najwyższe umiejętności w gatunku portretów - „Portret Riwiery”.
Ingres starał się przekazać w malarstwie dekoracyjne możliwości różnych rodzajów dawnej sztuki, na przykład wyrazistość sylwetek starożytnego greckiego malarstwa wazowego, - „Edyp i Sfinks” (1808) I „Jowisz i Tetyda” (1811).
Na monumentalnym płótnie „Ślub Ludwika XIII z prośbą o patronat Matki Bożej dla Królestwa Francji” (1824), naśladował styl malarski Rafaela. Obraz przyniósł Ingresowi pierwszy duży sukces. na obrazie „Odaliska i niewolnik” (1839) Wybrałem kompozycję bliską „Kobietom Algier w swoich komnatach” Delacroix i rozwiązałem ją po swojemu. Pstrokata, wielobarwna kolorystyka płótna powstała w wyniku zamiłowania artysty do miniatur orientalnych. W 1856 Ingres ukończył obraz "Źródło" wymyślone przez niego w latach 20. we Włoszech. Pełne wdzięku, kwitnące dziewczęce ciało ucieleśnia czystość i hojność świata przyrody.
Teodora Géricaulta(1791–1824) – twórca rewolucyjnego romantyzmu w malarstwie francuskim. Pierwsza praca wystawiona na Salonie - „Oficer jeźdźców gwardii cesarskiej wyrusza do ataku” („Portret porucznika R. Dieudonné”, 1812). Dzielny jeździec na płótnie nie pozuje, ale walczy: szybka przekątna kompozycji przenosi go w głąb obrazu, w niebieskofioletowy żar bitwy. W tym czasie dowiedział się o klęsce armii Napoleona Bonaparte w Rosji. Uczucia Francuzów, znających gorycz porażki, znalazło odzwierciedlenie w nowym obrazie młodego artysty - „Ranny kirasjer opuszczający pole bitwy” (1814).
W latach 1816–1817 Gericault mieszkał we Włoszech. Artystę szczególnie zafascynowały wyścigi koni na oklep w Rzymie. W cyklu malarskim „Bieg wolnych koni” (1817) dostępna i wyrazista dokładność reportażu oraz powściągliwy heroizm w duchu neoklasycznym. W tych pracach ostatecznie ukształtował się jego indywidualny styl: mocne, surowe formy przekazują duże, poruszające się plamy światła.
Po powrocie do Paryża artysta stworzył obraz „Tratwa Meduzy” (1818-1819). W lipcu 1816 roku w pobliżu Wysp Zielonego Przylądka statek Meduza pod dowództwem niedoświadczonego kapitana, który otrzymał stanowisko pod patronatem, osiadł na mieliźnie. Następnie kapitan i jego świta odpłynęli łodziami, pozostawiając na łasce losu tratwę ze stu pięćdziesięcioma marynarzami i pasażerami, z których przeżyło tylko piętnastu. Na zdjęciu Gericault szukał maksymalnej wiarygodności. Przez dwa lata poszukiwał ludzi, którzy przeżyli tragedię w oceanie, wykonywał szkice w szpitalach i kostnicach oraz malował studia morza w Le Havre. Tratwę na jego zdjęciu podnosi fala, widz od razu widzi wszystkich skulonych na niej ludzi. Na pierwszym planie postacie zmarłych i zrozpaczonych; są napisane w pełnym rozmiarze. Oczy tych, którzy jeszcze nie popadli w rozpacz, zwrócone są na drugi koniec tratwy, gdzie Afrykanin stojący na chwiejnej beczce macha czerwoną chusteczką do załogi Argusa. Dusze pasażerów tratwy Meduza wypełnia rozpacz lub nadzieja.
W latach 1820–1821 Gericault odwiedził Anglię. Pisał pod wpływem pism Constable'a „Wyścig w Epsom” (1821). Obraz przesiąknięty jest ruchem: konie pędzą, ledwo dotykają ziemi, ich sylwetki zlały się w jedną szybką linię; niskie chmury są ruchliwe, ich cienie są ruchliwe, przesuwają się po wilgotnym polu. Wszystkie kontury w krajobrazie są zamazane, kolory rozmazane. Gericault pokazał świat oczami dżokeja na galopującym koniu.
Eugeniusz Deacroix(1798–1863) – malarz francuski. Podstawą malarstwa Delacroix są kolorowe plamy, które tworzą harmonijną całość; każda plama, oprócz koloru, zawiera odcienie sąsiednich.
Delacroix namalował swój pierwszy obraz na motywach Boskiej Komedii Dantego - „Dante i Wergiliusz” („Łódź Dantego”) (1822). Delacroix stworzył obraz „Masakra Chios” (1824) pod wpływem wydarzeń rewolucji wyzwoleńczej w Grecji 1821-1829. We wrześniu 1821 r. Tureccy oprawcy dokonali masakry ludności cywilnej Chios. Na pierwszym planie obrazu znajdują się postacie skazanych na zagładę Chianów w kolorowych łachmanach; tłem są ciemne sylwetki uzbrojonych Turków. Większość jeńców jest obojętna na swój los, jedynie dzieci na próżno błagają rodziców, aby ich chronili. Turecki jeździec ciągnący za sobą Greczynkę wygląda jak swego rodzaju symbol zniewolenia. Inne postacie są nie mniej symboliczne: nagi ranny Grek – jego krew spływa na suchą ziemię, a obok leży złamany sztylet i worek opróżniony przez zbójców.
Po wydarzeniach lipca 1830 roku w Paryżu Delacroix stworzył obraz „Wolność prowadząca lud (28 lipca 1830)”. Artysta nadał ponadczasowy, epicki wydźwięk prostemu epizodowi walk ulicznych. Rebelianci wznoszą się na barykadę odbitą wojskom królewskim, a prowadzi ich sama Wolność. Krytycy widzieli w niej „skrzyżowanie kupca i starożytnej greckiej bogini”. Wyczuwa się tu styl romantyczny: Wolność jest przedstawiana jako bogini zwycięstwa, podnosi trójkolorowy sztandar Republiki Francuskiej; za którym podąża uzbrojony tłum. Teraz wszyscy są żołnierzami Wolności.
W 1832 Delacroix towarzyszył misji dyplomatycznej do Algierii i Maroka. Po powrocie do Paryża artysta stworzył obraz „Kobiety Algierii w swoich izbach” (1833). Postacie kobiet są zaskakująco plastyczne. Twarze o złotej skórze są delikatnie zarysowane, ramiona delikatnie zakrzywione, kolorowe stroje wyraźnie wyróżniają się na tle aksamitnych cieni.
Antoine’a Grosa (1771–1835) – francuski malarz, portrecista. Gro porzucił tematykę klasyczną – pociągała go historia współczesna. Stworzył cykl obrazów poświęcony egipsko-syryjskiej wyprawie armii napoleońskiej (1798-1799) - „Bonaparte odwiedza ofiary zarazy w Jaffie” (1804). Inne obrazy poświęcone Napoleonowi - „Napoleon na moście Arcole” (1797), „Napoleon na polu bitwy pod Eyau” (1808). Gros w 1825 roku ukończył malowanie kopuły Panteonu w Paryżu, zastępując wizerunek Napoleona postacią Ludwika XVIII.
