Wolfgang Amadeus Mozart, imię i nazwisko John Chrysostom Wolfgang Amadeus Theophilus Mozart (Joannes Chrysostomus Wolfgang Amadeus Theophilus Mozart), urodził się 27 stycznia 1756 roku w Salzburgu. Był siódmym dzieckiem w rodzinie Leopolda i Anny Marii Mozartów z domu Pertl.
Jego ojciec, Leopold Mozart (1719-1787), był kompozytorem i teoretykiem, od 1743 był skrzypkiem w orkiestrze dworskiej arcybiskupa salzburskiego. Z siedmiorga dzieci Mozarta przeżyło dwoje: Wolfgang i jego starsza siostra Maria Anna.
W latach 60. XVIII wieku ojciec porzucił własną karierę i poświęcił się edukacji swoich dzieci.
Dzięki swoim fenomenalnym zdolnościom muzycznym Wolfgang grał na klawesynie od czwartego roku życia, zaczął komponować od piątego lub szóstego roku życia, pierwsze symfonie stworzył w wieku ośmiu lub dziewięciu lat, a pierwsze utwory dla teatru muzycznego w wieku z 10-11.
Od 1762 roku Mozart wraz z siostrą, pianistką Marią Anną, w towarzystwie rodziców, koncertowali w Niemczech, Austrii, Francji, Anglii, Szwajcarii itd.
Z ich sztuką zapoznało się wiele dworów europejskich, w szczególności zostały one adoptowane na dworze francuskich i angielskich królów Ludwika XV i Jerzego III. Cztery sonaty skrzypcowe Wolfganga zostały po raz pierwszy opublikowane w Paryżu w 1764 roku.
W 1767 roku na Uniwersytecie w Salzburgu wystawiono operę szkolną Mozarta Apollo i Hiacynt. W 1768 r. podczas podróży do Wiednia Wolfgang Mozart otrzymał zamówienia na opery z gatunku włoskiej opery buff (Udawana prosta dziewczyna) i niemieckiego Singspielu (Bastien et Bastienne).
Szczególnie owocny był pobyt Mozarta we Włoszech, gdzie wraz z kompozytorem i muzykologiem Giovanni Battista Martini (Bolonia) doskonalił swój kontrapunkt (polifonia) oraz wystawił w Mediolanie operę Mitrydates, król Pontu (1770) i Lucius Sulla (1771).
W 1770 roku, w wieku 14 lat, Mozart został odznaczony papieskim Orderem Złotej Ostrogi i wybrany na członka Akademii Filharmonicznej w Bolonii.
W grudniu 1771 powrócił do Salzburga, od 1772 pełnił funkcję akompaniatora na dworze księcia-arcybiskupiego. W 1777 przeszedł na emeryturę i wraz z matką udał się do Paryża w poszukiwaniu nowej pracy. Po śmierci matki w 1778 wrócił do Salzburga.
W 1779 roku kompozytor ponownie wszedł na posługę arcybiskupa jako organista na dworze. W tym okresie komponował głównie muzykę kościelną, ale na zamówienie elektora Karola Theodora napisał operę Idomeneo, król Krety, wystawioną w Monachium w 1781 roku. W tym samym roku Mozart napisał list rezygnacyjny.
W lipcu 1782 roku w wiedeńskim Burgtheater wystawiono jego operę Uprowadzenie z seraju, która odniosła wielki sukces. Mozart stał się idolem Wiednia nie tylko w kręgach dworskich i arystokratycznych, ale także wśród koncertowiczów z III stanu. Bilety na koncerty (tzw. akademie) Mozarta, dystrybuowane w abonamencie, zostały całkowicie wyprzedane. W 1784 roku w ciągu sześciu tygodni kompozytor dał 22 koncerty.
W 1786 roku odbyły się premiery małej komedii muzycznej Mozarta Dyrektor teatralny oraz opery Wesele Figara na podstawie komedii Beaumarchais. Po Wiedniu Wesele Figara wystawiono w Pradze, gdzie spotkało się z entuzjastycznym przyjęciem, podobnie jak kolejna opera Mozarta, Ukarany rozpustnik, czyli Don Giovanni (1787).
Dla wiedeńskiego Teatru Cesarskiego Mozart napisał pogodną operę „Wszyscy tacy są, czyli Szkoła Zakochanych” („Tak robią wszystkie kobiety”, 1790).
Chłodno przyjęto operę „Miłosierdzie Tytusa” na antycznej fabule, która zbiega się w czasie z uroczystościami koronacyjnymi w Pradze (1791).
W latach 1782-1786 jednym z głównych gatunków twórczości Mozarta był koncert fortepianowy. W tym czasie napisał 15 koncertów (nr 11-25); wszystkie były przeznaczone do publicznych występów Mozarta jako kompozytora, solisty i dyrygenta.
Pod koniec lat 80. XVIII wieku Mozart pełnił funkcję nadwornego kompozytora i kapelmistrza cesarza austriackiego Józefa II.
W 1784 roku kompozytor został masonem, idee masońskie doszukiwały się w wielu jego późniejszych utworach, zwłaszcza w operze Czarodziejski flet (1791).
W marcu 1791 Mozart dał swój ostatni publiczny występ, prezentując Koncert fortepianowy (B-dur, KV 595).
We wrześniu 1791 ukończył swoją ostatnią kompozycję instrumentalną, Koncert klarnetowy A-dur, aw listopadzie Małą kantatę masońską.
Łącznie Mozart napisał ponad 600 utworów muzycznych, w tym 16 mszy, 14 oper i singspielów, 41 symfonii, 27 koncertów fortepianowych, pięć koncertów skrzypcowych, osiem koncertów na instrumenty dęte z orkiestrą, wiele dywersji i serenad na orkiestrę lub różne zespoły instrumentalne , 18 sonat fortepianowych, ponad 30 sonat na skrzypce i fortepian, 26 kwartetów smyczkowych, sześć kwintetów smyczkowych, szereg utworów na inne zespoły kameralne, niezliczona ilość utworów instrumentalnych, wariacji, pieśni, drobne świeckie i kościelne kompozycje wokalne.
Latem 1791 kompozytor otrzymał anonimowy rozkaz skomponowania „Requiem” (jak się później okazało, klientem był hrabia Walsegg-Stuppach, owdowiały w lutym tego roku). Mozart pracował nad partyturą, chorując, aż opuściły go siły. Udało mu się stworzyć pierwsze sześć części, a część siódmą (Lacrimosa) pozostawił niedokończoną.
W nocy 5 grudnia 1791 w Wiedniu zmarł Wolfgang Amadeusz Mozart. Odkąd król Leopold II zakazał pochówków indywidualnych, Mozarta pochowano we wspólnym grobie na Cmentarzu św. Marka.
Requiem ukończył uczeń Mozarta Franz Xaver Süssmayr (1766-1803) według wskazówek umierającego kompozytora.
Wolfgang Amadeusz Mozart był żonaty z Constance Weber (1762-1842), mieli sześcioro dzieci, z których czworo zmarło w dzieciństwie. Najstarszy syn Carl Thomas (1784-1858) studiował w Konserwatorium Mediolańskim, ale został urzędnikiem. Młodszy syn Franz Xaver (1791-1844) był pianistą i kompozytorem.
Wdowa po Wolfgangu Mozartu przekazała w 1799 r. rękopisy męża wydawcy Johannowi Antonowi André. Następnie Constanza poślubiła duńskiego dyplomatę Georga Nissena, który z jej pomocą napisał biografię Mozarta.
W 1842 roku w Salzburgu odsłonięto pierwszy pomnik kompozytora. W 1896 r. na Albertinaplatz w Wiedniu postawiono pomnik Mozarta, w 1953 r. przeniesiono go do Ogrodu Pałacowego.
Jednym ze słynnych pomników Mozarta znajdujących się na całym świecie jest brąz
Symfonista Mozart nie ustępuje Mozartowi operowemu dramatopisarzowi - Kompozytor zwrócił się w stronę gatunku symfonicznego już w bardzo młodym wieku, stawiając pierwsze kroki w swoim rozwoju. Wraz z Haydnem stał u początków europejskiego symfonizmu, a najlepsze symfonie Mozarta pojawiły się jeszcze wcześniej. Bez powielania Haydna Mozart rozwiązał problem cyklu symfonicznego na swój własny sposób.
Twórczość Mozarta w gatunku symfonicznym trwała ćwierć wieku: od 1764 roku, kiedy 8-letni kompozytor pisał i dyrygował swoimi pierwszymi symfoniami w Londynie, aż do lata 1788 roku, kiedy to pojawiły się trzy ostatnie symfonie . To oni stali się najwyższym osiągnięciem Mozarta w dziedzinie muzyki symfonicznej. Łączna liczba jego symfonii przekracza 50, chociaż zgodnie z ciągłą numeracją przyjętą w rosyjskiej muzykologii ostatnia symfonia – „Jowisz” – jest uważana za 41. Wygląd większości symfonii Mozarta nawiązuje do wczesnych lat jego twórczości. W okresie wiedeńskim powstało tylko 6 ostatnich symfonii, w tym: „Linz” (1783), „Praga” (1786) oraz trzy symfonie z 1788 roku.
Na pierwsze symfonie Mozarta duży wpływ wywarła twórczość J.K. Kawaler. Przejawiało się to zarówno w interpretacji cyklu (3 małe części, brak menueta, mała kompozycja orkiestrowa), jak i w różnych szczegółach ekspresyjnych (melodia tematów, kontrasty ekspresyjne dur i moll, wiodąca rola skrzypce).
Wizyty w głównych ośrodkach symfonizmu europejskiego (Wiedeń, Mediolan, Paryż, Mannheim) przyczyniły się do ewolucji myślenia symfonicznego Mozarta:
- wzbogaca się treść symfonii;
- kontrasty emocjonalne stają się jaśniejsze;
- bardziej aktywny - rozwój tematyczny;
- skala części jest powiększona;
- faktura orkiestrowa staje się bardziej rozwinięta.
Szczytem młodzieńczej symfonii Mozarta jest symfonia nr 25 (jedna z jego dwóch symfonii mniejszych. oraz nr 40 – w g-moll) i 29 (A-dur). Po ich powstaniu (1773-1774) kompozytor przerzucił się na inne gatunki instrumentalne (koncert, sonata fortepianowa, zespół kameralny i codzienna muzyka instrumentalna), sporadycznie zwracając się jedynie na muzykę symfoniczną.
W przeciwieństwie do Londyńskich Symfonii Haydna, które generalnie się rozwijają jeden typ symfonizm, najlepsze symfonie Mozarta (nr 38-41) nie poddają się typizacji, są absolutnie wyjątkowe. Każdy z nich uosabia całkowicie nowy pomysł artystyczny:
- nr 39 (Es-dur) - jeden z najbardziej wesołych i słonecznych Mozarta, najbliższy jest typowi Haydniańskiemu;
- prowadzi do romantyków w szczególności do;
- antycypuje bohaterstwo Beethovena. O ile symfonia g-mol jest skoncentrowana w jednym kręgu obrazów, symboliczny świat symfonii Jowisza jest równie wieloaspektowy.
Dwie z czterech ostatnich symfonii Mozarta mają powolne wstępy, pozostałe dwie nie. Symfonia nr 38 („Praga”, D-dur) ma trzy części („symfonia bez menueta”), pozostałe – cztery.
Do najbardziej charakterystycznych cech mozartowskiej interpretacji gatunku symfonicznego należą:
a) dramat konfliktu. Kontrast i konflikt manifestują się w symfoniach Mozarta na różnych poziomach - części cyklu, poszczególne tematy, różne elementy tematyczne. w środku motywy. Wiele tematów symfonicznych Mozarta pierwotnie działają jako „postać złożona”: zbudowane są na kilku kontrastujących ze sobą elementach (na przykład główne tematy w finale 40., I część symfonii „Jowisz”). Te wewnętrzne kontrasty są najważniejszym bodźcem dla późniejszego dramatycznego rozwoju, w szczególności w rozwoju.
b) preferencja dla formy sonatowej . Z reguły do niej odnosi się Mozart we wszystkim fragmenty jego symfonii, z wyjątkiem menueta. To właśnie forma sonatowa z ogromnymi możliwościami przekształcania tematów inicjalnych jest zdolna do najgłębszego ujawnienia świata duchowego człowieka. W rozwoju sonaty Mozarta może nabrać samodzielnego znaczenia dowolny temat ekspozycje, m.in. wiążące i ostateczne (na przykład w symfonii „Jowisz” w opracowaniu pierwszej części rozwijane są tematy z.p. i .p., a w drugiej części - s.t.)
Mozart nie stara się wykorzystywać w swoich opracowaniach wielu tematów (w skrajnych partiach Symfonii nr 40 - monotematyczny rozwój); jednak, wybierając temat, nasyca go dramaturgią tak bardzo, jak to możliwe.
w) ogromna rola techniki polifonicznej. W dużej mierze na dramaturgię składają się różne środki polifoniczne, zwłaszcza w późniejszych utworach (najbardziej uderzającym przykładem jest finał Symfonii Jowiszowej).
G) odjazd z otwarty gatunek muzyczny w symfonicznych menuetach i finałach. W przeciwieństwie do Haydna, nie można do nich zastosować definicji „gatunku na co dzień”. Wręcz przeciwnie, Mozart w swoich menuetach często „neutralizuje” zasadę tańca, wypełniając swoją muzykę albo dramatem (w symfonii nr 40), albo liryzmem (w symfonii „Jowisz”).
e) ostateczna przezwyciężanie logiki pakietu cykl symfoniczny, jako alternatywa różnych części. Cztery części symfonii Mozarta reprezentują organiczną jedność (co było szczególnie widoczne w Symfonii nr 40).
mi) ścisły związek z gatunkami wokalnymi. Na klasyczną muzykę instrumentalną duży wpływ miała opera. U Mozarta ten wpływ operowej ekspresji jest bardzo silnie odczuwalny. Przejawia się to nie tylko w wykorzystaniu charakterystycznych intonacji operowych (jak np. w temacie głównym 40. symfonii, który często porównywany jest z tematem Cherubina „Nie mogę powiedzieć, nie mogę wyjaśnić…” ). Muzyka symfoniczna Mozarta przesycona jest kontrastującymi zestawieniami tragizmu z błazenkiem, wzniosłości i przyziemności, co wyraźnie przypomina jego dzieła operowe (kontrastowe wystawienie I części symfonii Jowiszowej można w pełni porównać z operowym finałem, w którym pojawienie się nowej postaci natychmiast zmienia charakter muzyki).
W muzykologii zagranicznej ustalono inną, dokładniejszą numerację, zgodnie ze zmienionym katalogiem Koechel-Einstein.
I.K. Bach oparł się na włoskich przykładach gatunku symfonicznego.
ile symfonii i oper napisał Mozart i otrzymał najlepszą odpowiedź
Odpowiedź od Głaszy Iwanowej[guru]
23 opery, ponad 50 symfonii Opera „Obowiązek pierwszego przykazania” (Die Schuldigkeit des ersten Gebotes), 1767. Oratorium teatralne „Apollo i Hiacynt” (Apollo et Hyacinthus), 1767 – studencki dramat muzyczny na temat łacińskiego tekstu „Bastien i Bastienne” (Bastien und Bastienne), 1768. Kolejny utwór studencki, singspiel. Niemiecka wersja słynnej opery komicznej J.-J. Rousseau – „Wiejski czarownik” „Udawana prosta dziewczyna” (La finta semplice), 1768 – ćwiczenie z gatunku opery buffa z libretta Goldoniego „Mitrydates, król Pontus" (Mitridate, re di Ponto) , 1770 - w tradycji włoskiej opery seria, opartej na tragedii Racine'a "Ascanius in Alba" (Ascanio in Alba), 1771. Serenada operowa (duszpasterska) Betulia Liberata, 1771 - oratorium. Oparta na historii Judyty i Holofernesa „Sen Scypiona” (Il sogno di Scipione), 1772. Serenada operowa (duszpasterska) „Lucio Silla” (Lucio Silla), 1772. Serial operowy „Thamos, król Egiptu” (Thamos, König in Ęgypten), 1773, 1775. Muzyka do dramatu Geblera Wyimaginowany ogrodnik (La finta giardiniera), 1774-5 - ponownie powracający do tradycji opery-buffy Pasterz król (Il Re Pastore), 1775. Serenada operowa (duszpasterska) „Zaida” (Zaide), 1779 (rekonstruowana przez H. Czernowina, 2006) „Idomeneo, król Krety” (Idomeneo), 1781 „Uprowadzenie z Seraju” (Die Entführung aus dem Serail), 1782 Singspiel "Gęś Kairska" (L'oca del Cairo), 1783 Oszukany mąż (Lo sposo deluso) Dyrektor teatru (Der Schauspieldirektor), 1786. Komedia muzyczna Wesele Figara (Wesele Figara), 1786. pierwsza z 3 wielkich oper. W gatunku miłośników opery. „Don Giovanni” (Don Giovanni), 1787 „Tak jak wszyscy” (Così fan tutte), 1789 „Miłosierdzie Tytusa” (La clemenza di Tito), 1791 „Czarodziejski flet” (Die Zauberflöte), 1791. Singspiel Inne utwory 17 mszy, w tym: o „Koronacja”, KV 317 (1779) o „Wielka Msza” C-moll, KV 427 (1782) o „Requiem”, KV 626 (1791) Rękopis Mozarta. Dies irae z Requiem Ponad 50 symfonii, w tym: o№ 31, KV 297 paryska (1778) o№ 35, KV 385 Haffner (1782) o№ 36, KV 425 Linzskaya (1783) o№ 38, KV 504 Praga ( 1786) o№ 39, KV 543 (1788) o№ 40, KV 550 (1788) o№ 41, KV 551 Jupiter (1788) 27 koncertów na fortepian i orkiestrę 6 koncertów na skrzypce Koncert na dwoje skrzypiec i orkiestrę (1774) Koncert na skrzypce i altówkę i orkiestrę (1779) 2 koncerty na flet i orkiestrę (1778) o nr 1 G-dur KV 313 (1778) o nr 2 D-dur KV 314 Koncert na obój i orkiestrę C-dur KV 314 (1777) Koncert na klarnet i orkiestrę A-dur KV 622 (1791) Koncert na fagot i orkiestrę B-dur KV. 191 (1774) 4 koncerty na róg i orkiestrę: o nr 1 D-dur KV 412 (1791) o nr 2 Es-dur KV 417 (1783) o nr 3 Es-dur KV 447 ( między 1784 a 1787 ) o nr 4 Es-dur KV 495 (1786) 10 serenad na orkiestrę smyczkową, w tym: o Nocna serenada (1787) 7 divertissses na orkiestrę Różne zespoły dęte blaszane Sonaty na różne instrumenty, tria, duety 19 sonat na fortepian 15 cykli wariacji na fortepian Rondo, fantazje, utwory Ponad 50 arii Zespoły, chóry, pieśni
Jednym z przedstawicieli szkoły jest wybitny austriacki kompozytor W. A. Mozart. Jego dar przejawiał się od wczesnego dzieciństwa. Dzieła Mozarta odzwierciedlają idee ruchu Sturm und Drang i niemieckiego Oświecenia. Doświadczenia artystyczne różnych tradycji i szkół narodowych są realizowane w muzyce. Najsłynniejsze z nich są ogromne, zapisały się w historii sztuki muzycznej. Napisał ponad dwadzieścia oper, czterdzieści jeden symfonii, koncerty na różne instrumenty z orkiestrą, kompozycje kameralne i fortepianowe.
Krótka informacja o kompozytorze
Wolfgang Amadeus Mozart (austriacki kompozytor) urodził się 27.01.1756 r. w pięknym Salzburgu. Oprócz komponowania? był znakomitym klawesynistą, kapelmistrzem, organistą i skrzypkiem-wirtuozem. Miał absolutną szykowną pamięć i pragnienie improwizacji. Wolfgang Amadeus Mozart jest jednym z najlepszych nie tylko swoich czasów, ale także czasów współczesnych. Jego geniusz znalazł odzwierciedlenie w utworach pisanych w różnych formach i gatunkach. Dzieła Mozarta są nadal popularne. A to świadczy o tym, że kompozytor przeszedł „próbę czasu”. Jego nazwisko wymieniane jest najczęściej w tym samym rzędzie co Haydn i Beethoven jako przedstawiciel wiedeńskiego klasycyzmu.
Biografia i sposób twórczy. 1756-1780 lat życia
Mozart urodził się 27 stycznia 1756 r. Zaczął komponować wcześnie, mniej więcej w wieku trzech lat. Mój ojciec był moim pierwszym nauczycielem muzyki. W 1762 wyruszył z ojcem i siostrą w wielką artystyczną podróż do różnych miast w Niemczech, Anglii, Francji, Szwajcarii i Holandii. W tym czasie powstały pierwsze dzieła Mozarta. Ich lista stopniowo się powiększa. Od 1763 mieszka w Paryżu. Tworzy sonaty na skrzypce i klawesyn. W latach 1766-1769 mieszkał w Salzburgu i Wiedniu. Z przyjemnością pogrąża się w studiowaniu kompozycji wielkich mistrzów. Wśród nich są Handel, Durante, Carissimi, Stradella i wiele innych. W latach 1770-1774. zlokalizowane głównie we Włoszech. Poznaje słynnego wówczas kompozytora Josefa Myslivechka, którego wpływ można doszukiwać się w dalszej twórczości Wolfganga Amadeusza. W latach 1775-1780 podróżował do Monachium, Paryża i Mannheim. Doświadczanie trudności finansowych. Traci matkę. W tym okresie powstało wiele dzieł Mozarta. Ich lista jest ogromna. To jest:
- koncert na flet i harfę;
- sześć sonat clavier;
- kilka chórów duchowych;
- Symfonia 31 w tonacji D-dur, zwana paryską;
- dwanaście numerów baletowych i wiele innych kompozycji.
Biografia i sposób twórczy. 1779-1791 lat życia
W 1779 pracował w Salzburgu jako organista dworski. W 1781 roku w Monachium z wielkim sukcesem odbyła się premiera jego opery Idomeneo. To był nowy zwrot w losach osoby twórczej. Następnie mieszka w Wiedniu. W 1783 ożenił się z Constance Weber. W tym okresie twórczość operowa Mozarta wypadła słabo. Ich lista nie jest zbyt wielka. Są to opery L'oca del Cairo i Lo sposo deluso, które pozostały niedokończone. W 1786 r. powstało jego znakomite Wesele Figara, oparte na libretto Lorenzo da Ponte. Został wystawiony w Wiedniu i odniósł wielki sukces. Wielu uważało ją za najlepszą operę Mozarta. W 1787 ukazała się równie udana opera, która również powstała we współpracy z Lorenzo da Ponte. Następnie otrzymuje stanowisko „cesarskiego i królewskiego kameralisty”. Za co dostaje 800 florenów. Pisze tańce na maskarady i operę komiczną. W maju 1791 Mozart objął stanowisko asystenta dyrygenta katedry, nie płacąc jej, ale dając możliwość po śmierci Leopolda Hoffmanna (bardzo chorego) zająć jego miejsce. Tak się jednak nie stało. W grudniu 1791 zmarł genialny kompozytor. Istnieją dwie wersje przyczyny jego śmierci. Pierwszym z nich jest powikłanie gorączki reumatycznej po chorobie. Druga wersja jest podobna do legendy, ale popierana przez wielu muzykologów. To jest zatrucie Mozarta przez kompozytora Salieriego.
Najważniejsze dzieła Mozarta. Lista kompozycji
Opera to jeden z głównych gatunków jego twórczości. Ma operę szkolną, singspiel, operę seria i buffa, a także wielką operę. Z długopisu:
- opera szkolna: „Transformacja Hiacynta”, znana również jako „Apollo i Hiacynt”;
- cykl operowy: „Idomeneo” („Eliasz i Idamant”), „Miłosierdzie Tytusa”, „Mitrydates, król Pontu”;
- opery buffa: „Wyimaginowany ogrodnik”, „Oszukany pan młody”, „Wesele Figara”, „Wszyscy tacy są”, „Gęś kairska”, „Don Juan”, „Udawana prosta dziewczyna”;
- singshpils: „Bastienne i Bastienne”, „Zaida”, „Uprowadzenie z Seraju”;
- wielka opera: „Czarodziejski flet”;
- balet-pantomima „Bibeloty”;
- msze: 1768-1780, tworzone w Salzburgu, Monachium i Wiedniu;
- requiem (1791);
- oratorium „Wetulia wyzwolona”;
- kantaty: „Dawid pokutujący”, „Radość kamieniarzy”, „Do Ciebie duszo wszechświata”, „Mała kantata masońska”.
Wolfgang Amadeusz Mozart. Utwory na orkiestrę
Utwory na orkiestrę W. A. Mozarta uderzają skalą. To jest:
- symfonie;
- koncerty i ronda na fortepian i orkiestrę oraz na skrzypce i orkiestrę;
- koncerty na dwoje skrzypiec i orkiestrę w tonacji C-dur, na skrzypce i altówkę z orkiestrą, na flet i orkiestrę w tonacji oboju i orkiestry, na klarnet i orkiestrę, na fagot, na róg, na flet i harfę (C-dur );
- koncerty na dwa fortepiany i orkiestrę (Es-dur) i trzy (F-dur);
- divertissementy i serenady na orkiestrę symfoniczną, zespół smyczkowy i dęty.
Utwory na orkiestrę i zespół
Mozart dużo komponował na orkiestrę i zespół. Prace godne uwagi:
- Galimathias musicum (1766);
- Maurerische Trauermusik (1785);
- Einmusikalischer Spa (1787);
- marsze (niektórzy dołączyli do serenad);
- tańce (tańce wiejskie, landlery, menuety);
- sonaty kościelne, kwartety, kwintety, tria, duety, wariacje.
Na clavier (fortepian)
Kompozycje Mozarta na ten instrument są bardzo popularne wśród pianistów. To jest:
- sonaty: 1774 - C-dur (K 279), F-dur (K 280), G-dur (K 283); 1775 - D-dur (K 284); 1777 - C-dur (K 309), D-dur (K 311); 1778 - A-moll (K 310), C-dur (K 330), A-dur (K 331), F-dur (K 332), B-dur (K 333); 1784 - c-moll (K 457); 1788 - F-dur (K 533), C-dur (K 545);
- piętnaście cykli wariacji (1766-1791);
- rondo (1786, 1787);
- fantazje (1782, 1785);
- różne sztuki.
Symfonia nr 40 W. A. Mozarta
Symfonie Mozarta powstawały w latach 1764-1788. Trzy ostatnie były najwyższym osiągnięciem tego gatunku. W sumie Wolfgang napisał ponad 50 symfonii. Ale zgodnie z numeracją krajowej muzykologii 41. symfonia („Jowisz”) jest uważana za ostatnią.
Najlepsze symfonie Mozarta (nr 39-41) to dzieła wyjątkowe, niepoddające się ustalonej wówczas typizacji. Każda z nich zawiera zupełnie nową ideę artystyczną.
Symfonia nr 40 jest najpopularniejszym utworem tego gatunku. Pierwsza część rozpoczyna się podekscytowaną melodią skrzypiec o strukturze pytań i odpowiedzi. Główna część przypomina arię Cherubina z opery Wesele Figara. Część boczna jest liryczna i melancholijna, kontrastująca z częścią główną. Rozwój zaczyna się od małej melodii fagotu. Występują ponure i żałobne intonacje. Rozpoczyna się dramatyczna akcja. Repryza wzmaga napięcie.
W drugiej części dominuje nastrój spokojny i kontemplacyjny. Wykorzystywana jest tu również forma sonatowa. Temat główny grają altówki, następnie przejmują go skrzypce. Drugi motyw wydaje się „trzepotać”.
Trzeci jest spokojny, delikatny i melodyjny. Rozwój przywraca nam podekscytowany nastrój, pojawia się niepokój. Powtórka jest znowu jasną zadumą. Część trzecia to menuet o cechach marsza, ale w kwadransie. Motyw przewodni jest odważny i stanowczy. Wykonują go skrzypce i flet. W trio pojawiają się przejrzyste pastoralne dźwięki.
Gwałtowny finał kontynuuje dramatyczny rozwój, osiągając najwyższy punkt - punkt kulminacyjny. Niepokój i podniecenie są nieodłączne we wszystkich częściach czwartej części. I tylko ostatnie takty to małe stwierdzenie.
W. A. Mozart był znakomitym klawesynistą, kapelmistrzem, organistą i skrzypkiem-wirtuozem. Miał absolutne wyczucie muzyki, szykowną pamięć i pragnienie improwizacji. Jego znakomite dzieła na stałe zapisały się w historii sztuki muzycznej.
Mozart wraz z Haydnem stworzył klasyczny cykl sonatowo-symfoniczny związany z takimi gatunkami jak symfonia, sonata, koncert, kwartet, kwintet itp. Jednocześnie jego cykl sonatowo-symfoniczny stanowi nowy etap w rozwoju tej struktury , co najdobitniej manifestuje się w symfonii.
Większość symfonii została napisana przez Mozarta przed okresem wiedeńskim. W pierwszych symfoniach istnieje związek z wczesnym symfonizmem Haydna, kompozytorów szkoły mannheimskiej. Jednak indywidualność stylu Mozarta jest już widoczna w tych symfoniach. Do najciekawszych dzieł tego gatunku należy siedem ostatnich symfonii powstałych w Wiedniu. Ogólnie symfonie Mozarta reprezentują późniejszy typ symfonii w porównaniu do symfonii Haydna. Ich ton jest bardziej napięty, podekscytowany, dramatyczny, co znajduje odzwierciedlenie w formie prac. Mozart potęguje kontrast między tematami, zwłaszcza między częścią główną a boczną. Strony boczne z reguły budowane są na nowym materiale tematycznym. Ale tematy, mimo kontrastu, wzajemnie się uzupełniają. Kompozytor często wprowadza kontrast wewnątrztematyczny, tj. kontrast między różnymi elementami tego samego tematu.
Symfonie Mozarta są bogate tematycznie, w jednej części może być kilka tematów. Zmiany są krótkie i zwięzłe. Techniki opracowywania są bardzo różne: fragmentacja, wariacja, techniki polifoniczne itp. Istnieje wiele innowacji w powtórkach w porównaniu z ekspozycją.
W symfoniach Mozarta wyłapuje się związek z twórczością operową: 1) niektóre tematy są bliskie bufonom; 2) wiele tematów zbudowanych jest na zasadzie dialogu operacyjnego.
Orkiestra, podobnie jak Haydna, gra podwójna. Najlepsze symfonie kompozytora powstały w 1788 roku, są to symfonie nr 39 (Es-dur), nr 40 (g-moll) i nr 41 „Jowisz” (C-dur).
SYMFONIA nr 40.
Symfonia składa się z 4 części, jej tonacja to g-moll.
Nie ma wpisu.
Pierwsza część– Sonata Allegro g-moll . Strona główna- jednocześnie melodyjny i podekscytowany, zawiera drugi motyw, ruch w górę o m.6, po którym następuje opadające stopniowe wypełnienie. Ton jest kluczowy. Impreza poboczna- bardziej elegancki, co kojarzy się z intonacjami chromatycznymi. Kluczem jest B-dur. Przetworzenie opiera się wyłącznie na temacie części głównej, która dzięki technikom izolacji i polifonii oraz niestabilności tonalnej nabiera bardziej intensywnego i dramatycznego charakteru. W repryzie zasadnicze różnice w stosunku do ekspozycji to po pierwsze szersze rozwinięcie części łączącej, a po drugie trzymanie części bocznej w tonacji głównej, co nadaje jej bardziej melancholijny ton.
Druga część– Andante Es-dur. Forma to sonata. Postać jest lekka, spokojna, główne i boczne części są mało kontrastowe. W główna impreza– charakterystyczne dla Mozarta repetycje dźwiękowe i wznoszące się retencje, w bok- opadające motywy ćwiartkowe.
Trzecia część Menuet g-moll. Forma - 3-częściowa z trio. Skrajne partie to nie tyle taniec, ile wewnętrzny stan psychiczny z nutką dramatu. Na końcu pierwszego tematu rozlega się chromatyczne opadające uderzenie, obecne w bocznej części pierwszej części. Środkowa część jest bardziej tradycyjna, ma charakter taneczny.
Czwarta część- finał, g-moll. Forma to sonata. Strona główna składa się z dwóch kontrastujących ze sobą elementów: pierwszy wykonywany jest przez jedną strunę na fortepianie i zbudowany jest zgodnie z dźwiękami triady tonicznej, drugi wykonywany jest przez całą orkiestrę na forte i obejmuje śpiew . Impreza poboczna blisko bocznej części pierwszej części jest również elegancka, dzięki posunięciom chromatycznym, również pisanym równolegle dur, aw repryzie - w tonacji głównej, co nadaje jej ten sam melancholijny ton.
CLAVIRUS KREATYWNOŚĆ MOZARTA.
Twórczość clavier Mozarta jest reprezentowana przez różne gatunki: sonaty, wariacje, fantazje, ronda itp. W tych utworach kompozytor z jednej strony kontynuował tradycje Johanna Sebastiana Bacha, jego syna Philippa Emmanuela, a także Haydna, z drugiej strony wykazywał wobec nich nowatorskie podejście.
SONATA W DURACH.
Sonata A-dur składa się z 3 części. Jego wyjątkowość polega na tym, że ani jedna część nie została napisana w formie sonatowej.
Pierwsza część- Temat i Wariacje A-dur. Temat jest przedstawiony w gatunku sycylijskim. Charakter - jasny, liryczny, melodyjny. Faktura jest przezroczysta, forma to 2-częściowy repryz. Wariacje są klasyczne, bo zachowują główne cechy tematu: tryb, tonację, tempo, wielkość, formę, plan harmoniczny. Jednocześnie w każdej wariacji pojawiają się nowe elementy: w wariacji pierwszej - synkopowany bas, opóźnienia chromatyczne, w drugiej - triole z akompaniamentem i wdzięczne melizmaty w głosie górnym, w trzeciej - dur zastępuje drobne, równe szesnastki pojawiają się czasy trwania, w czwartej – skrzyżowanie rąk, w piątej – tempo zwalnia (Adagio zamiast Andante), a czasy trwania są mniejsze (trzydzieści sekund), w ostatniej szóstej wariacji tempo przyspiesza (Allegro), zmiany metrum (4/4 zamiast 6/8).
Druga część- Menuet, A-dur, forma - 3-częściowa z trio, kontynuuje taneczny charakter części pierwszej.
Trzecia część- Rondo w stylu tureckim a-moll. Forma jest trzyczęściowa, z dodatkowym refrenem, utrzymanym w A-dur i naśladującym niektóre cechy marszów janczarów. Środkowa część brzmi w tonacji fis-moll. Część końcowa kończy się kodą A-dur.
SONATA C-MOLL.
Sonata jest wyjątkowa, ponieważ rozpoczyna się dużym wstępem – Fantasia. Fantazja składa się z 6 sekcji, zbudowanych na zasadzie naprzemiennego kontrastu. Odcinki niestabilne przeplatają się ze stabilnymi, wolne z szybkimi, duże z mniejszymi.
odcinek 1 c-moll – niestabilny, napięty, dramatyczny z kontrastującym tematem; Sekcja 2, D-dur - lekka liryczna; Sekcja 3 - szybka, dramatyczna, z kontrastową zmianą tonacji i tematów; sekcja 4 B-dur przypomina sekcję 2; Sekcja 5 zawiera sekwencję czwartego kwinta, szybką, napiętą; w szóstej części powtarza się materiał z pierwszej sekcji, co nadaje całości jedność i kompletność.
Pierwsza część, Sonata Allegro c-moll . Strona główna- dramatyczny, kontrastowy, jego kontrast wynika z pierwszego tematu Fantazji . Strona łącząca zawiera nowy motyw przejściowy, który przewiduje motyw poboczny . Impreza poboczna zawiera nowy, lżejszy i bardziej liryczny w stosunku do części głównej obraz, jego tonacja to Es-dur . Rozwój- krótki, zawiera 25 taktów, rozwija tematykę główną i pośrednią . potrącenie od dochodu znacząco zmieniony, w nim pośredni temat ekspozycji zostaje zastąpiony nowym, temat poboczny jest prezentowany w tonacji głównej. Pierwsza część się kończy kod, który jest zbudowany na pierwszym elemencie głównej partii.
Druga część, Adagio, Es-dur, forma - 3-częściowa. Postać jest spokojna, narracyjna, motyw ubarwiony wdzięcznymi wzorami.
Trzecia część, Assai allegro c-moll, forma - sonata rondo. Główna i boczna część kontrastują ze sobą: niespokojny, wzburzony charakter głównej części przeciwstawia się jasnej głównej części bocznej.
W. A. MOZART. MSZA ŻAŁOBNA.
„Requiem” to największe dzieło Mozarta, które obok „Pasji” Bacha jest jedną z oszałamiających tragedii w sztuce muzycznej XVIII wieku.
„Requiem” nazywane jest „łabędzim śpiewem” kompozytora. To jego ostatnia praca, której nie zdążył dokończyć. Süssmeier, przyjaciel i uczeń Mozarta, ukończył pracę nad tym dziełem na podstawie szkiców i szkiców kompozytora, a także na podstawie faktu, że Mozart grał go sam. „Requiem” powstało równocześnie z operą „Czarodziejski flet”. Trudno wyobrazić sobie jeszcze dwie różne prace. „Czarodziejski flet” to pogodna, wesoła baśń, „Requiem” to tragiczna msza żałobna.
Mozart już wcześniej zwracał się ku gatunkowi kantat i oratoriów. Pisał motety, kantaty, msze. Pomimo tekstów duchowych utwory te są nieskończenie dalekie od muzyki kościelnej i niewiele różnią się od dzieł świeckich. Przykładem jest finał solowego motetu „Alleluja” – typowej wirtuozowskiej arii typu operowego.
W utworach opartych na tekstach duchowych Mozart głosił idee Oświecenia, wzywające do powszechnego braterstwa i miłości.
Te same idee znalazły odzwierciedlenie w „Requiem”. Tutaj kompozytor odsłania najbogatszy świat ludzkich przeżyć, ucieleśnia miłość do życia, do ludzi.
Sam gatunek Mszy zakłada obecność polifonii. Mozart studiował sztukę J.S. Bacha, szeroko wykorzystywał w swojej twórczości techniki polifoniczne.
Świadczą o tym takie dzieła, jak Koncerty fortepianowe d-moll i c-moll, Fantazja c-moll czy Wielki Finał Symfonii Jowiszowej.
Requiem jest szczytem polifonicznego mistrzostwa Mozarta. Dzieło to odzwierciedla niemal wszystkie techniki pisania polifonicznego: imitację, kontrapunkt, podwójną fugę itp.
"Requiem" składa się z 12 numerów, z czego 9 numerów na chór i orkiestrę, 3 - na kwartet solistów. Utwór zawiera tradycyjne liczby charakterystyczne dla każdej mszy („Panie zmiłuj się”, „Święty”, „Baranek Boży”), a także części obowiązkowe należące wyłącznie do mszy żałobnej („Wieczny odpoczynek”, „Dzień gniewu” , „Cudowna trąbka”, „Płaz”.
1 część składa się z 2 odcinków: odcinek 1 - wolny - "Requiem aeternam" ("Wieczny odpoczynek"), odcinek 2 - szybko - fuga podwójna "Kyrie eleison" ("Panie zmiłuj się");
część 2- "Dies irae" - "Dzień gniewu". To jest obraz Sądu Ostatecznego;
część 3- „Tuba mirum” - „Cudowna fajka”. Rozpoczyna się fanfarą na trąbce, potem kolejno wchodzą soliści (bas, tenor, alt, sopran) i cały kwartet brzmi wspólnie;
część 4- "Rex tremendaе" - "Straszny pan";
część 5- "Recordare" - "Pamiętaj";
część 6– „Confutatis maledictis” – „Odrzucając potępionych”, to przykład niesamowitej odwagi i innowacyjności w dziedzinie harmonii;
część 7- „Lacrymoza” - „Tearful”, to liryczno-dramatyczne zwieńczenie całego dzieła;
część 8- "Domine Yesu" - "Pan";
część 9- "Hostias" - "Ofiary";
część 10- "Sanctus" - "Święty";
Część 11- „Benedictus” – „Błogosławiony”;
część 12- „Agnus Dei” – „Baranek Boży”.
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770 - 1827).
Muzyka Rewolucji Francuskiej. Francuska rewolucja burżuazyjna z 1789 roku była początkiem bardzo ważnego etapu w rozwoju historii. Miała ogromny wpływ na różne aspekty życia, w tym muzykę. W dobie Rewolucji Francuskiej muzyka nabrała masowego, demokratycznego charakteru. W tym czasie powstało Konserwatorium Paryskie. Na ulicach i placach odbywały się przedstawienia teatralne, odbywały się masowe święta.
Nowy czas wymagał aktualizacji stylu. Plakat, sztuka skrajnie uogólniona wysuwa się na pierwszy plan. W utworach muzycznych dominuje rytm kampanii, marsze, proste formy akompaniamentu.
Ulice i place wymagały dużych orkiestr o potężnym brzmieniu, więc grupa instrumentów dętych znacznie się poszerzyła.
Pojawiły się nowe gatunki muzyczne, w szczególności pieśń masowa. Przykładami są Marsylianka Rougeta de Lisle, Carmagnola. Kantaty, oratoria i opery wypełniły się nową treścią. Na polu opery pojawił się nowy gatunek - opera „ratunek i horror”, w której ukazana została walka o zbawienie bohatera, zawsze zakończona zwycięstwem dobra nad złem. Jednocześnie w fabule tych oper znalazły się sceny grozy, sytuacje dramatyczne. Pierwszym takim dziełem była opera „Horrors of the Monastery” Henri Burtona. Opera „Zbawienie i horror” wprowadziła do gatunku operowego wiele nowych rzeczy: 1) bohaterami stali się zwykli ludzie, a nie wyjątkowe osobowości; 2) rozszerzyła się sfera intonacyjna, bliska muzyce codziennej; 3) wzrosła rola symfonii i przez rozwój.
charakterystyka twórczości Beethovena. Rewolucja Francuska, mimo znaczenia całej kultury jako całości, nie wyłoniła ani jednego wybitnego kompozytora francuskiego, który odzwierciedlałby jej idee. Takim kompozytorem był genialny przedstawiciel muzyki niemieckiej Ludwig van Beethoven, którego sztuka wykracza daleko poza granice swoich czasów. Z twórczością Beethovena wiąże się twórczość wszystkich romantyków, rosyjskich muzyków i kompozytorów XX wieku.
Beethoven był rówieśnikiem potężnych ruchów rewolucyjnych przełomu XVIII i XIX wieku, a jego twórczość kojarzyła się zarówno z ideami rewolucji francuskiej, jak iz ruchem rewolucyjnym w Niemczech i innych krajach europejskich.
Początki twórczości Beethovena: 1) Kultura francuska. Poznał ją w położonym niedaleko Francji Bonn, gdzie często rozbrzmiewała muzyka kompozytorów francuskich, zwłaszcza Gretry i Monsigny. Ponadto Beethoven był bliski sloganom Rewolucji Francuskiej – „Wolność, równość i braterstwo”;
2) niemiecka filozofia związany z ruchem „burzy i stresu” oraz z kultem silnej osobowości;
3) najbogatsi Niemiecka kultura muzyczna, dzieło jej wybitnych przedstawicieli - Bacha, Haendla, Glucka, Haydna, Mozarta.
Beethoven jest ostatnim przedstawicielem wiedeńskiego klasycyzmu. Ma to wiele wspólnego z poprzednikami, ale wiele go od nich różni. Główna różnica polega na wykorzystaniu podmiotów cywilnych . Główny temat twórczości Beethovena - Przedmiot "bohater i ludzie ». Bohater zawsze wygrywa, ale jego walka jest trudna, musi pokonać wiele przeszkód.
Nowy temat dał także początek nowym środkom wyrazu, w tym nowej interpretacji cyklu sonatowo-symfonicznego:
1) wiodącą rolę odgrywają obrazy patosowe, heroiczne, dramatyczne;
2) prace są wypełnione ciągłym rozwojem. Rozwój przeważa nad ekspozycją;
3) między tematami występuje nie tylko kontrast, ale konflikt, zwłaszcza między tematami części głównej i drugorzędnej;
4) stosowana jest zasada kontrastu pochodnego, tj. kontrast związany jest z jednością przez to, co przejawia się wspólnością intonacji między częścią główną i wtórną (tematy są niezależne, intonacje wspólne);
5) motywy heroiczne są często budowane na dźwiękach triad i zawierają rytmy marszowe.
Innym ważnym tematem w twórczości Beethovena jest: tekst piosenki . Kompozytor oddaje wszystkie subtelności ludzkich uczuć i nastrojów. Ale szczerość wypowiedzi lirycznej jest zawsze krępowana wolą rozumu. To nie przypadek, że R. Rolland nazwał Beethovena „ognistym strumieniem w granitowym kanale”. Ta jakość tekstów kompozytora przejawia się w surowości formy, w zamyśleniu i kompletności partii.
Trzecim głównym tematem muzyki Beethovena jest motyw natury którym poświęconych jest wiele jego utworów, m.in. VI symfonia „Pastoralna”, XV sonata „Pastoralna”, XXI sonata „Aurora”, powolne partie sonat, symfonii, koncertów itp.
Beethoven pracował w prawie wszystkich gatunkach muzycznych. Napisał 9 symfonii, 32 sonaty fortepianowe, 10 sonat skrzypcowych, 5 koncertów fortepianowych, uwertury, m.in. Egmont, Coriolanus, Leonorę nr 3, operę Fidelio, cykl wokalny Do odległej ukochanej, msze i in. jego twórczość ma charakter symfoniczny i kameralno-instrumentalny.
Beethoven podsumował najważniejszą epokę w historii muzyki - klasycyzm, a jednocześnie otworzył drogę do nowej epoki - romantyzmu. Świadczą o tym następujące cechy jego twórczości: 1) śmiałość języka harmonicznego, stosowanie odległych relacji tonalnych dur-moll, gwałtowna zmiana tonacji; 2) formy swobodniejsze, odstępstwo od kanonów klasycznych, zwłaszcza w późniejszych sonatach; 3) synteza sztuk, przede wszystkim muzyki i literatury (finał IX Symfonii); 4) apel do tak romantycznego gatunku, jak cykl wokalny („Do odległej ukochanej”) itp.
Utwór fortepianowy Beethovena. „Muzyka powinna palić ludzkie serca” – te słowa Beethovena dają wyobrażenie o wielkości zadań, które postawił sobie i sztuce w ogóle. Myśli o historii, o losach narodów, inspirowane duchem rewolucji, są podstawą tematyki wszystkich utworów Beethovena, w tym sonat fortepianowych. Według B. Asafiewa „sonaty Beethovena to całe życie człowieka”.
Beethoven przez całe życie pracował nad sonatami fortepianowymi. Będąc największym wirtuozem, pokazywał niewyczerpane możliwości ekspresyjne instrumentu, który jeszcze wówczas nie był doskonały. Jeśli symfonia była dla Beethovena sferą idei monumentalnych, to w sonatach przekazywał wewnętrzne życie człowieka, świat jego przeżyć i uczuć. Beethoven napisał 32 sonaty fortepianowe, a już w pierwszej sonacie f-moll odnajdujemy jasne cechy indywidualne, różniące się od Haydna i Mozarta. Beethoven śmiało przełamuje tradycyjne formy i w nowy sposób rozwiązuje problem gatunku sonatowego, podobnie jak Bach zburzył podstawy ścisłej polifonii i stworzył swobodny styl polifoniczny.
Sonaty Beethovena pokazują ewolucję tego gatunku w twórczości kompozytora. We wczesnych sonatach cykl waha się od 3 do 4 części, w okresie środkowym przeważają 3 części, występuje tendencja do kompresji cyklu, pojawiają się sonaty 2 częściowe (19, 20). W późniejszych sonatach każda kompozycja jest indywidualna.
SONATA NA FORTEPIAN BEETHOVENA.
SONATA nr 8 „PATETYCZNA».
Pierwsza część zaczyna się powoli wejście (Wprowadzenie, Grób ) , który zawiera główny obraz dzieła - dramatyczny, napięty. Jest to semantyczne centrum treści sonaty, świadczące o innowacyjności Beethovena i wyznaczające drogę do powstania muzyki z motywem przewodnim. Początkowa intonacja to stopniowy ruch w górę, kończący się na opadającej sekundzie. Dramatyzm tematu wiąże się z harmonią zredukowanego akordu septymowego, rytmem punktowanym i ostro zdefiniowanymi intonacjami. We wstępie kontrast i opozycja dwóch obrazów - dramatycznego i lirycznego. Istotą Wstępu jest zderzenie i przemiana sprzecznych zasad. W dalszym rozwoju intonacja początkowa przechodzi w tryb durowy (Es-dur) i dźwięki fortepian, i kolejne potężne akordy - forte. W ten sposób powstaje nie tylko figuratywny, ale także dynamiczny kontrast.
Strona główna w tonacji głównej (c-moll). Niezwykłe jest to, że jest zbudowane na punkcie organów tonicznych i zawiera odchylenie w S, które jest bardziej typowe dla końcowych odcinków. . Impreza poboczna składa się z dwóch tematów. Temat pierwszy - porywczy, podekscytowany - nie brzmi w tradycyjnej tonacji (Es-dur), ale w es-moll. W basie jest punkt organów D, co również nie jest typowe dla sekcji ekspozycyjnych. Punkt organowy D jest charakterystyczny dla rozwijających się konstrukcji. Drugi temat części bocznej przywraca bardziej znaną tonację paralelnego duru i jest recytowany w Es-dur. Jest bardziej spokojna, ponieważ. obejmuje długi czas trwania i jest bardziej oświecony. Opracowanie rozpoczyna się od tematu intro, który jest mocno skrócony i rozwija głównie temat partii głównej. Repryza powtarza materiał ekspozycji, ale w różnych proporcjach tonalnych: pierwszy temat części bocznej rozgrywa się w tonacji f-moll zamiast c-moll. Główny ton powraca w drugim temacie części bocznej. Pierwsza część kończy się kodą, w której ponownie wybrzmiewa temat wstępu.
Druga część jest centrum lirycznym sonaty. Ukazany jest w tonacji As-dur, ma budowę trójdzielną. To przykład typowej liryki Beethovena: temat jest melodyjny, ale ma charakter surowy i powściągliwy. W części środkowej muzyka nabiera bowiem bardziej napiętego brzmienia, bo. zaczyna się w as-moll, jest niestabilna, zawiera trojaczki. Repryza zostaje zdynamizowana, w której oryginalny temat rozgrywa się na tle triolowej części zapożyczonej z części środkowej.
Trzecia część zapisana w tonacji głównej, forma jest rondo-sonatą. Główna różnica w stosunku do formy sonatowej polega na tym, że pod koniec ekspozycji, po ostatniej części, ponownie odtwarzany jest temat części głównej. Główna część brzmi ponownie pod koniec repryzy. Zamiast rozwijać - odcinek As-dur. Temat części głównej nawiązuje intonowo do pierwszego tematu części bocznej z części pierwszej. Część boczna recytowana jest równolegle w dur.
SONATA nr 14 „KSIĘŻYC”.
Sonata ta została skomponowana w 1801 roku i opublikowana w 1802. Poświęcony jest hrabinie Juliette Guicciardi. Nazwę „księżycową” nadał sonacie współczesny Beethovena, poeta Ludwig Relshtab, porównując muzykę pierwszej części sonaty z krajobrazem jeziora Firwaldstet w księżycową noc.
Beethoven napisał tę sonatę w trudnym okresie swojego życia. Z jednej strony zyskał już sławę jako kompozytor i wirtuoz, był zapraszany do domów najwybitniejszej szlachty, miał wielu mecenasów. Z drugiej strony bał się nadejścia głuchoty, która postępowała coraz bardziej. Tragedię muzyka tracącego słuch pogłębiła tragedia człowieka, który doznał uczucia nieodwzajemnionej miłości. Uczucie dla Juliet Guicciardi było najwyraźniej pierwszą głęboką pasją miłosną Beethovena i pierwszym równie głębokim rozczarowaniem. W październiku 1802 r. kompozytor napisał słynny „Heiligenstadt Testament” – tragiczny dokument swojego życia, w którym rozpaczliwe myśli o ubytku słuchu łączą się z goryczą oszukanej miłości.
„Moonlight Sonata” – jedna z pierwszych kompozycji Beethovena po przejściu duchowego i twórczego kryzysu.
Sonata napisana jest w tonacji cis-moll i składa się z 3 części.
Pierwsza część niezwykłe. Zamiast ogólnie przyjętego allegra sonatowego brzmi tutaj Adagio. Sam kompozytor określa to jako fantazję. I rzeczywiście, pierwsza część przedstawiona jest w sposób preludium-improwizatorski, charakterystyczny dla fantazji. Pierwsza część rozpoczyna się krótkim wstępem, w którym na tle wybrzmiewających basów rozbrzmiewają rozłożone trójdźwiękowe akordy w rytmie triolowym. Potem pojawia się główna melodia postaci mocno skoncentrowanej. Charakteryzuje się powtarzalnością dźwięków, przerywanym rytmem, spokojną dynamiką. Forma zbliża się do trójstronności. W części środkowej temat staje się bardziej napięty i dramatyczny, wprowadzone zostają zredukowane harmonie, przejścia do innych tonacji. Repryza jest skompresowana i zbudowana na stopniowym zanikaniu tematu.
Druga część - Allegretto Des-dur. Uważana jest za portret Julii Guicciardi. Druga część ma zabawny, pełen wdzięku charakter z elementami tańca. R. Rolland nazwał ją „kwiatem między dwiema otchłaniami”, ponieważ. ostro kontrastuje z skrajnymi częściami. Forma drugiej części to rozbudowana trójdzielność z trio. Temat główny prezentowany jest w magazynie akordowym, w rytmie 3-taktowym.
Trzecia część– Presto agitato, cis-moll. To jest środek ciężkości całej sonaty. Część III została napisana w rozbudowanej formie sonatowej. Ostatnia część wyróżnia się nieodpartą energią, napięciem, dramaturgią. R. Rolland określa to jako strumień gradu, „który bije i wstrząsa duszą”. Równie obrazowa jest jego charakterystyka partii głównej, którą porównuje z falami toczącymi się i rozbijającymi się o granitowe płyty. Rzeczywiście, główna część zbudowana jest na ruchu wznoszącym wzdłuż dźwięków rozłożonej triady, której towarzyszy toniczna kwinta, która kończy się uderzeniami akordów. Drugie zdanie gry głównej rozwija się w grę łączącą, która przechodzi bezpośrednio w grę poboczną. Część boczna ma wyraźną linię melodyczną i jest buntownicza, porywcza. Partia boczna została napisana nie w tradycyjnym paraleli durowej, ale w tonacji dominanty molowej, tj. G-moll. Część końcowa jest dość rozbudowana, zapisana jest w akordach. Rozwój to intensywne rozwinięcie tematów części głównej i bocznej. W repryzie wszystkie tematy wybrzmiewają w tonacji głównej. Finał wyróżnia rozbudowany kod, który jest jakby drugim opracowaniem. Technika ta jest typowa dla symfonii Beethovena i świadczy o przenikaniu zasady symfonicznej do gatunku sonatowego.
SONATA nr 23 „APPASIONATA».
Sonata „Appassionata” dedykowana jest gorącemu wielbicielowi Beethovena, hrabiemu Franciszkowi Brunszwikowi. Beethoven zaczął ją komponować w 1804 roku i prawdopodobnie ukończył w 1806 roku. Został opublikowany w 1807 roku.
Nazwa „appasionata” nie należy do samego kompozytora, ale do hamburskiego wydawcy Kranza. Mimo to nazwa ta dobrze oddaje istotę dzieła i dlatego mocno się do niego przylgnęła. Beethoven zaczął tworzyć sonatę w trudnym dla siebie roku. Doświadczał tych samych uczuć, co przy tworzeniu Sonaty Księżycowej. Postępująca i nieznośna dla muzyka głuchota, bolesne trudy miłości i przyjaźni, ciągła samotność duchowa – wszystko to stworzyło warunki do ponurej, tragicznej pracy. Ale potężny duch Beethovena pomógł mu wyjść z tych prób. Sonata jest więc nie tylko dramatyczna, ale przepełniona wielką wolą i energią.
Sonata napisana jest w tonacji f-moll i składa się z 3 części. Pierwsza część - Allegro assai, forma sonatowa. Tutaj kompozytor po raz pierwszy odmówił powtórzenia ekspozycji, więc cała pierwsza część brzmi jednym tchem. Strona główna składa się z 3 kontrastujących elementów. Pierwszy element reprezentuje ruch unisono wzdłuż dźwięków triady tonicznej, najpierw w ruchu w dół, potem w górę. Prawa i lewa ręka wykonują element początkowy w odległości dwóch oktaw. Drugim elementem jest tryl. Trzecia to czterodźwiękowy motyw, nawiązujący do tematu losu z V Symfonii. Główna partia nie tylko wykłada materiał, ale natychmiast go rozwija. Impreza poboczna prezentowany jest w tonacji As-dur, intonacyjnie związany z pierwszym elementem części głównej, ale zawiera obraz samodzielny - majestatycznie surowy i odważny. To jest zasada kontrastu pochodnego. Rozwój rozwija tematy w tej samej kolejności, co w ekspozycji, ale różni się niestabilnością tonalną, inną fakturą, przez co jest odbierany bardziej dramatycznie. Przed powtórką rozlegają się potężne ciosy „motywu losu”. Ten sam motyw przenika potrącenie od dochodu- na nim zbudowana jest główna partia. Część boczna w repryzie jest w F-dur. Efektem opracowania całej pierwszej części jest kod. Część pierwsza wyróżnia się rozmachem i intensywnością przetworzenia, co odróżnia Appassionatę od innych sonat kompozytora.
Druga część – Andante con moto, Des-dur. Kontrastuje charakterem z częścią pierwszą, brzmi spokojnie, kontemplacyjnie, surowo lirycznie na sposób Beethovena. Forma jest wariacyjna. Temat prezentowany jest małymi literami w chóralnej, akordowej fakturze. Wariacje zbudowane są na stopniowym rytmicznym przyspieszaniu, tj. z każdą zmianą czasu trwania stają się krótsze: ósme, szesnaste, trzydzieści sekund. Pod koniec drugiej części skrycie i nieufnie brzmi zredukowany akord septymowy, po czym bez przerwy zaczyna się trzecia część.
Trzecia część– Allegro ma non troppo w f-moll. Finał ma wiele wspólnego z częścią pierwszą, zarówno pod względem charakteru, jak i techniki rozwojowej. Współcześni Beethovena widzieli w tej sonacie podobieństwo do „Burzy” Szekspira i dlatego nazwali ją „Szekspirowską”. To właśnie trzecia część dała do tego największe podstawy. Finał jest jeszcze jaśniejszy niż część pierwsza, przypomina jeden trąba powietrzna. Forma to sonata, ale wszystkie sekcje wydają się zlewać w jedną całość. Tempo przyspiesza w finale kodzie, pojawia się tonacja As-dur, co skłania do uznania jej za koniec nie tylko części końcowej, ale całej sonaty. To efekt ludzkiego dramatu, pełnego wewnętrznych sprzeczności i zakończonego śmiercią bohatera. Ale mimo tragicznego zakończenia w sonacie nie ma pesymizmu, bo bohater pod koniec swojej podróży odnalazł sens życia, dlatego „Appassionata” uważana jest za „optymistyczną tragedię”.
SYMFONIA nr 5.
Twórczość symfoniczna. Symfonizm Beethovena wyrósł na gruncie przygotowanym przez Haydna i Mozarta, w których twórczości ostatecznie ukształtowały się zasady budowy i rozwoju cyklu sonatowo-symfonicznego i formy sonatowej. Ale symfonie Beethovena reprezentują nowy, wyższy poziom symfonii. Świadczy o tym skala symfonii, które znacznie przewyższają skalę symfonii jego poprzedników, oraz wewnętrzna treść z reguły heroiczna i dramatyczna oraz dźwięczność orkiestrowa ze względu na wzrost składu orkiestry i, przede wszystkim zespół dęty. Na rozwój symfonizmu Beethovena wpłynęła muzyka Rewolucji Francuskiej z jej bohaterskimi obrazami, rytmami marszów i marszów, intonacjami fanfar i potężnym brzmieniem orkiestry. Ponadto wewnętrzny kontrast symfonii wiąże się z zasadami dramaturgii operowej.
Beethoven napisał dziewięć symfonii. W porównaniu z Haydnem i Mozartem to niewiele, ale są ku temu powody. Po pierwsze, Beethoven zaczął pisać symfonie dopiero w wieku trzydziestu lat, wcześniej nie odważył się zwrócić do tego gatunku, zdając sobie sprawę z pełnej odpowiedzialności pisania symfonii. Po drugie, z tego samego powodu pisał symfonie przez dość długi czas: III symfonię tworzył przez półtora roku, V symfonię przez cztery lata, IX symfonię przez dziesięć lat. Wszystkie symfonie reprezentują konsekwentną ewolucję tego gatunku w twórczości kompozytora. Jeśli w pierwszej symfonii zarysowano jedynie cechy symfonizmu Beethovena, to symfonia dziewiąta jest zwieńczeniem rozwoju tego gatunku. W finale tej symfonii Beethoven umieścił poetycki tekst – „Odę do radości” Schillera, antycypując tym samym epokę romantyzmu z jej syntezą sztuk.
Symfonia nr 5- jeden ze szczytów symfonizmu Beethovena. Jej główną ideą jest idea heroicznej walki, pełnej dramatycznych napięć i niepokojów, ale zakończonej przekonującym zwycięstwem. Dlatego dramaturgia symfonii budowana jest „od ciemności do światła poprzez walkę i cierpienie”.
V Symfonia napisana jest w tonacji c-moll i składa się z 4 części. Ogromną rolę w symfonii odgrywa czterotaktowy wprowadzenie , w którym brzmi „motyw losu”. Według samego kompozytora „tak los puka do drzwi”. Ten wstęp pełni w symfonii taką samą rolę, jak motyw przewodni w operze. Motyw losu przenika wszystkie części tej pracy.
Pierwsza część– Allegro con brio w c-moll. Forma to sonata. Strona główna- dramatyczny, buntowniczy, rozwija temat wstępu. Strona łącząca reprezentuje nowy etap w rozwoju głównej partii, kończy się fanfarami, które wyprzedzają grę poboczną. Impreza poboczna(Es-dur) - bardziej liryczny, miękki, kontrastujący z częścią główną. Stopniowo staje się dramatyczny. Finał gry jest zbudowany na materiale głównej części, ale brzmi bardziej odważnie i heroicznie. Rozwój- ciągły rozwój intonacji partii głównej. Na szczycie szczytu rozwoju zaczyna się potrącenie od dochodu. Nowością w repryzie w porównaniu z ekspozycją jest, po pierwsze, solo oboju w partii głównej, po drugie, trzymanie partii bocznej w C-dur i nowej orkiestracji. coda aprobuje temat głównej partii, nie daje jeszcze konkluzji, przewaga jest po stronie złych, wrogich sił.
Druga część– Andante con moto, As-dur. Forma jest podwójnymi wariacjami, jak w drugiej części Symfonii Es-dur Haydna (symfonia nr 103, z tremolo kotłów). Pierwszy temat jest gładki, śpiewny, falujący. Temat drugi w pierwszym wykonaniu ma charakter bliski pierwszemu, w drugim wykonaniu nabiera fanfarowego, heroicznego charakteru za sprawą głośnej dźwięczności (ff), brzmienia miedzianej grupy. Tematy są następnie kolejno zmieniane.
Trzecia część– Allegro w c-moll. To scherzo napisane w złożonej, trzyczęściowej formie z triem. Charakter muzyki w partiach skrajnych nie pasuje do definicji scherza jako żartu. To scherzo brzmi dramatycznie. W pierwszej części porównuje się dwa tematy. Pierwszy temat składa się z dwóch elementów: pierwszy reprezentuje unisono wznoszący się ruch wzdłuż dźwięków triady tonicznej, drugi jest gładszy, akordowy. Drugi temat to żłobienie, obsesyjne, oparte na „motywie losu”. Trio - C-dur - najbardziej zgodne z tradycyjnym charakterem scherza. Temat jest ciężki, szorstki, taneczny z odrobiną zdrowego ludowego humoru. Prezentowana jest w unisonowym brzmieniu wiolonczel i kontrabasów. Repryza jest zdynamizowana, mięknie pod wpływem tria, jej orkiestracja jest bardziej przejrzysta.
Czwarta część, finał - Allegro, C-dur. Finał ma charakter radosny, świąteczny. Forma sonatowa, w której część główna i boczna nie kolidują ze sobą, lecz wzajemnie się uzupełniają. Koda finału jest dorobkiem całej symfonii. Siły zła zostają ostatecznie pokonane, a wyzwolona ludzkość raduje się z długo oczekiwanego zwycięstwa.
