Wiek XIX jako epoka kulturalna rozpoczyna się w kalendarzu XVIII w. wydarzeniami Wielkiej Rewolucji Francuskiej z lat 1789-1793. Była to pierwsza rewolucja burżuazyjna na skalę światową (poprzednie rewolucje burżuazyjne z XVII wieku w Holandii i Anglii miały ograniczone znaczenie narodowe). Rewolucja francuska oznacza ostateczny upadek feudalizmu i triumf systemu burżuazyjnego w Europie, a wszystkie aspekty życia, z którymi burżuazja styka się, mają tendencję do przyspieszania, intensyfikacji, zaczynają żyć zgodnie z prawami rynku.

XIX wiek to epoka politycznych wstrząsów, które zmieniają mapę Europy. W rozwoju społeczno-politycznym Francja stała na czele procesu historycznego. Wojny napoleońskie z lat 1796-1815, próby przywrócenia absolutyzmu (1815-1830) oraz szereg późniejszych rewolucji (1830, 1848, 1871) należy uznać za konsekwencje Rewolucji Francuskiej.

Wiodącą potęgą światową XIX wieku była Anglia, gdzie wczesna rewolucja burżuazyjna, urbanizacja i industrializacja doprowadziły do powstania Imperium Brytyjskiego i dominacji na rynku światowym. Dogłębne zmiany zaszły w strukturze społecznej społeczeństwa angielskiego: zniknęła klasa chłopska, nastąpiła ostra polaryzacja bogatych i biednych, czemu towarzyszyły masowe demonstracje robotników (1811-1812 - ruch niszczycieli obrabiarek, Luddites, 1819 - wykonanie demonstracji robotników na Polu Świętego Piotra pod Manchesterem, która przeszła do historii jako "bitwa pod Peterloo"; ruch czartystowski w latach 1830-1840). Pod presją tych wydarzeń klasy rządzące poszły na pewne ustępstwa (dwie reformy parlamentarne – 1832 i 1867, reforma szkolnictwa – 1870).

Niemcy w XIX wieku boleśnie iz opóźnieniem rozwiązały problem stworzenia jednego państwa narodowego. Po spotkaniu nowego stulecia w stanie feudalnego rozdrobnienia, po wojnach napoleońskich Niemcy przekształciły się z konglomeratu 380 państw karłowatych najpierw w związek 37 niepodległych państw, a po połowicznej rewolucji burżuazyjnej w 1848 r. kanclerz Otto von Bismarck postanowił stworzyć zjednoczone Niemcy „z żelazem i krwią”. Zjednoczone państwo niemieckie zostało proklamowane w 1871 roku i stało się najmłodszym i najbardziej agresywnym z burżuazyjnych państw Europy Zachodniej.

Stany Zjednoczone Ameryki w XIX wieku opanowały rozległe przestrzenie Ameryki Północnej, a wraz ze wzrostem terytorium rósł potencjał przemysłowy młodego narodu amerykańskiego.

W literaturze XIX wieku dwa główne kierunki - romantyzm i realizm. Epoka romantyzmu rozpoczyna się w latach dziewięćdziesiątych XVIII wieku i obejmuje całą pierwszą połowę stulecia. Jednak główne elementy kultury romantycznej zostały w pełni określone i ujawniły możliwości potencjalnego rozwoju do 1830 roku. Romantyzm to sztuka zrodzona z krótkiego historycznego momentu niepewności, kryzysu, który towarzyszył przejściu z systemu feudalnego do systemu kapitalistycznego; kiedy do 1830 r. określono zarysy społeczeństwa kapitalistycznego, romantyzm został zastąpiony sztuką realizmu. Literatura realizmu początkowo była literaturą singli, a sam termin „realizm” pojawił się dopiero w latach pięćdziesiątych XIX wieku. W masowej świadomości społecznej romantyzm nadal pozostawał sztuką współczesną, w rzeczywistości wyczerpał już swoje możliwości, dlatego w literaturze po 1830 r. romantyzm i realizm oddziałują w sposób złożony, w różnych literaturach narodowych generując nieskończoną różnorodność zjawisk, które nie da się jednoznacznie sklasyfikować. W rzeczywistości romantyzm nie umiera przez cały XIX wiek: od romantyków początku wieku przez późny romantyzm do symboliki, dekadencji i neoromantyzmu końca stulecia prowadzi prosta linia. Przyjrzyjmy się systemom literackim i artystycznym XIX wieku na przykładach ich najwybitniejszych autorów i dzieł.

XIX wiek - wiek dodawania literatury światowej gdy kontakty między poszczególnymi literaturami narodowymi ulegają przyspieszeniu i intensyfikacji. Tak więc literatura rosyjska XIX wieku żywo interesowała się twórczością Byrona i Goethego, Heinego i Hugo, Balzaka i Dickensa. Wiele z ich obrazów i motywów bezpośrednio odbija się echem w rosyjskiej klasyce literatury, więc wybór utworów do rozważania problemów literatury obcej XIX wieku jest tu podyktowany, po pierwsze, niemożliwością, w ramach krótkiego kursu, nadania właściwe ujęcie różnych sytuacji w różnych literaturach narodowych, a po drugie stopień popularności i znaczenia poszczególnych autorów dla Rosji.

Literatura

Literatura obca XIX wieku. Realizm: Czytelnik. M., 1990.
Morois A. Prometeusz, czyli życie Balzaka. M., 1978.
Reizov B.G. Stendhal. Kreatywność artystyczna. L., 1978.
Praca Reizova B.G. Flauberta. L., 1955.
Tajemnica Karola Dickensa. M., 1990.

Przeczytaj także inne tematy rozdziału „Literatura XIX wieku”.

1 z 56

Prezentacja na ten temat: Literatura obca XIX wieku

slajd numer 1

Opis slajdu:

slajd numer 2

Opis slajdu:

Późny romantyzm to nurt w literaturze, który charakteryzuje się wizerunkiem wyjątkowego bohatera w wyjątkowych, fantastycznych okolicznościach. Ważna jest subiektywna ocena reprodukowanych wydarzeń przez pisarza. Późny romantyzm to nurt w literaturze, który charakteryzuje się wizerunkiem wyjątkowego bohatera w wyjątkowych, fantastycznych okolicznościach. Ważna jest subiektywna ocena reprodukowanych wydarzeń przez pisarza. Realizm krytyczny to kierunek w literaturze, który charakteryzuje się wiernym obrazowaniem rzeczywistości, znajomością praw rozwoju zjawisk społecznych oraz „prawdziwością w odtwarzaniu typowych postaci w typowych okolicznościach” (F. Engels). Symbolizm to kierunek w literaturze, który charakteryzuje się chęcią umieszczenia symbolu w miejscu konkretnego obrazu, przeciwstawiający się naturalistycznej ziemistości, fotograficzności.

slajd numer 3

Opis slajdu:

slajd numer 4

Opis slajdu:

Realizm krytyczny (termin M. Gorkiego) to nowy etap w rozwoju realizmu, kształtujący się w Europie Zachodniej w latach 30. i 40. XX wieku. 19 wiek po romantyzmie. Granicą oddzielającą ten okres rozwoju sztuki realistycznej od poprzednich był romantyzm. Realizm nadał już renesans, kiedy najlepsi z mistrzów literatury – Szekspir, Cervantes – pokazywali bogaty i złożony świat człowieka. Realizm krytyczny (termin M. Gorkiego) to nowy etap w rozwoju realizmu, kształtujący się w Europie Zachodniej w latach 30. i 40. XX wieku. 19 wiek po romantyzmie. Granicą oddzielającą ten okres rozwoju sztuki realistycznej od poprzednich był romantyzm. Realizm nadał już renesans, kiedy najlepsi z mistrzów literatury – Szekspir, Cervantes – pokazywali bogaty i złożony świat człowieka. Ważnym etapem był realizm Oświecenia, który odzwierciedlał ideał rewolucyjnej burżuazji - ideał wolności i powszechnej równości, patos walki. Pozytywny bohater tutaj aktywnie oparł się okolicznościom, a tym samym ustanowił nowe zasady, nową moralność. W realizmie oświeceniowym, który bezpośrednio poprzedził realizm XIX wieku, środowisko tworzące człowieka jest często przedstawiane za pomocą warunkowych, nieprawdopodobnych postanowień i szczegółów.

slajd numer 5

Opis slajdu:

W 19-stym wieku W świetle najważniejszego doświadczenia historycznego - zastąpienia stosunków feudalnych przez burżuazyjne - powstał nowy typ realizmu. Przedmiotem jego krytyki stały się sprzeczności nowego systemu społecznego: pisarze realistyczni potrafili odkryć źródło tych sprzeczności. W 19-stym wieku W świetle najważniejszego doświadczenia historycznego - zastąpienia stosunków feudalnych przez burżuazyjne - powstał nowy typ realizmu. Przedmiotem jego krytyki stały się sprzeczności nowego systemu społecznego: pisarze realistyczni potrafili odkryć źródło tych sprzeczności. Sukcesy nauk przyrodniczych w pierwszych dekadach stulecia przyczyniły się również do zrozumienia wzajemnych powiązań zjawisk życiowych. Literatura zapożyczyła z nauk przyrodniczych zasady obserwacji, rozumienia i uogólniania faktów otaczającego życia. To nie przypadek, że powieść Balzaka „Ojciec Goriot” jest dedykowana słynnemu naukowcowi-przyrodnikowi Saint-Hilaire, jego rówieśnikowi, który odkrył różnorodność gatunków zwierząt.

slajd numer 6

Opis slajdu:

Najważniejszą cechą realizmu XIX wieku jest wiarygodna sytuacja życiowa, na którą składają się wiernie odtworzone cechy życia codziennego, charaktery ludzkie i relacje międzyludzkie. Z kolei te relacje i charaktery są zawsze uwarunkowane przyczynami obiektywnymi – zjawiskami porządku społecznego. Dla oświecających los bohatera, takiego jak Robinson Crusoe czy Faust, przebiega zgodnie z ideałem autora. XIX-wieczny pisarz odzwierciedla dominację nad losem jednostki praw społecznych społeczeństwa burżuazyjnego, działając jako element nie do odparcia. Zatem w rozwoju realizmu przedmiotem badań stają się przede wszystkim te relacje społeczne, które determinują pozycję i działania ludzi. Najważniejszą cechą realizmu XIX wieku jest wiarygodna sytuacja życiowa, na którą składają się wiernie odtworzone cechy życia codziennego, charaktery ludzkie i relacje międzyludzkie. Z kolei te relacje i charaktery są zawsze uwarunkowane przyczynami obiektywnymi – zjawiskami porządku społecznego. Dla oświecających los bohatera, takiego jak Robinson Crusoe czy Faust, przebiega zgodnie z ideałem autora. XIX-wieczny pisarz odzwierciedla dominację nad losem jednostki praw społecznych społeczeństwa burżuazyjnego, działając jako element nie do odparcia. Zatem w rozwoju realizmu przedmiotem badań stają się przede wszystkim te relacje społeczne, które determinują pozycję i działania ludzi.

slajd numer 7

Opis slajdu:

Dlatego obrazy w realistycznym dziele XIX wieku. zbiorowy, typowy. Niosą w sobie przede wszystkim uogólnienie najbardziej charakterystycznych cech pewnej klasy czy stanu. Różnorodność typowych obrazów tworzonych przez literaturę realizmu osiąga się jednak dzięki temu, że artysta-realista nadaje przedstawianej osobowości i cechom indywidualnym, dzięki którym społeczny wygląd tej osobowości staje się bardziej wyrazisty, chwytliwy, zapadający w pamięć. Dzięki temu typ obrazu nabiera szerokiego znaczenia, czasem nawet wykraczając poza ramy rzeczywistości, która go zrodziła - sens fenomenu życia (na przykład w literaturze rosyjskiej typy Gogola są takie, jak Literatura zachodnia - Balzac). Obraz „typowych postaci w typowych okolicznościach” Engels uważał za główny wyróżnik realizmu. Dlatego obrazy w realistycznym dziele XIX wieku. zbiorowy, typowy. Niosą w sobie przede wszystkim uogólnienie najbardziej charakterystycznych cech pewnej klasy czy stanu. Różnorodność typowych obrazów tworzonych przez literaturę realizmu osiąga się jednak dzięki temu, że artysta-realista nadaje przedstawianej osobowości i cechom indywidualnym, dzięki którym społeczny wygląd tej osobowości staje się bardziej wyrazisty, chwytliwy, zapadający w pamięć. Dzięki temu typ obrazu nabiera szerokiego znaczenia, czasem nawet wykraczając poza ramy rzeczywistości, która go zrodziła - sens fenomenu życia (na przykład w literaturze rosyjskiej typy Gogola są takie, jak Literatura zachodnia - Balzac). Obraz „typowych postaci w typowych okolicznościach” Engels uważał za główny wyróżnik realizmu.

slajd numer 8

Opis slajdu:

Jednym z najważniejszych sposobów oddania typowej postaci jest portret. To właśnie w portrecie najczęściej wyostrzają się rysy, które wyrażają istotę typu. W wyrazie twarzy zarysy postaci, w chodzie, manierach, stroju, zarówno pozycja społeczna osoby, jak i cechy moralne charakterystyczne dla ludzi z jego klasy są wizualnie ucieleśnione: beztroska i egoizm arystokraty, roztropność i bezduszność burżuazji. Najlepsze przykłady realistycznego portretowania wśród pisarzy zachodnioeuropejskich podali Balzac i Dickens. Jednym z najważniejszych sposobów oddania typowej postaci jest portret. To właśnie w portrecie najczęściej wyostrzają się rysy, które wyrażają istotę typu. W wyrazie twarzy zarysy postaci, w chodzie, manierach, stroju, zarówno pozycja społeczna osoby, jak i cechy moralne charakterystyczne dla ludzi z jego klasy są wizualnie ucieleśnione: beztroska i egoizm arystokraty, roztropność i bezduszność burżuazji. Najlepsze przykłady realistycznego portretowania wśród pisarzy zachodnioeuropejskich podali Balzac i Dickens.

slajd numer 9

Opis slajdu:

Czasami portret odzwierciedla nie tylko przynależność społeczną, nie tylko „typ”, ale także stan umysłu, psychologię bohatera. Dalszy rozwój psychologizmu to kolejny z podbojów dziewiętnastowiecznego realizmu. „Typowe okoliczności” - obiektywne okoliczności życia, wyprowadzone w pracy, determinują zachowanie osoby, tworzą jej sprzeczny magazyn wewnętrzny, powodują w nim walkę psychiczną. Twórczość Stendhala, wybitnego współczesnego Balzakowi, wyróżnia subtelny przekaz złożonego wewnętrznego świata. Czasami portret odzwierciedla nie tylko przynależność społeczną, nie tylko „typ”, ale także stan umysłu, psychologię bohatera. Dalszy rozwój psychologizmu to kolejny z podbojów dziewiętnastowiecznego realizmu. „Typowe okoliczności” - obiektywne okoliczności życia, wyprowadzone w pracy, determinują zachowanie osoby, tworzą jej sprzeczny magazyn wewnętrzny, powodują w nim walkę psychiczną. Twórczość Stendhala, wybitnego współczesnego Balzakowi, wyróżnia subtelny przekaz złożonego wewnętrznego świata.

slajd numer 10

Opis slajdu:

Jedną z metod ostrej krytyki społeczeństwa w pracy realistycznej jest ostro negatywne, czasem satyryczne przedstawienie przedstawicieli klasy rządzącej, a jednocześnie życzliwe przedstawienie „małych ludzi”, pokornych, biednych, którzy są najbardziej często ofiary porządku publicznego. Ci ostatni w swej ludzkiej godności są niezmiernie wyżsi od „panów życia”. I to w nich gromadzą się najlepsze cechy ludzkie, w których autor widzi gwarancję sprawiedliwego porządku świata: pracowitość, życzliwość, szlachetność. Bohaterowie ci nie reprezentują jednak aktywnej siły zdolnej do przeciwstawienia się złu społecznemu: nie podejmują z nim walki, tylko cierpią z jego powodu lub starają się chronić przed jego wadami. Jedną z metod ostrej krytyki społeczeństwa w pracy realistycznej jest ostro negatywne, czasem satyryczne przedstawienie przedstawicieli klasy rządzącej, a jednocześnie życzliwe przedstawienie „małych ludzi”, pokornych, biednych, którzy są najbardziej często ofiary porządku publicznego. Ci ostatni w swej ludzkiej godności są niezmiernie wyżsi od „panów życia”. I to w nich gromadzą się najlepsze cechy ludzkie, w których autor widzi gwarancję sprawiedliwego porządku świata: pracowitość, życzliwość, szlachetność. Bohaterowie ci nie reprezentują jednak aktywnej siły zdolnej do przeciwstawienia się złu społecznemu: nie podejmują z nim walki, tylko cierpią z jego powodu lub starają się chronić przed jego wadami.

slajd numer 11

Opis slajdu:

XIX-wieczni realiści podchwycili zaprzeczenie nieludzkiego świata, po raz pierwszy głoszone przez romantyzm, ale wzmocnili je konkretną analizą rzeczywistości. XIX-wieczni realiści podchwycili zaprzeczenie nieludzkiego świata, po raz pierwszy głoszone przez romantyzm, ale wzmocnili je konkretną analizą rzeczywistości. Od romantyzmu przyjęli również wyjątkową uwagę do życia duchowego, do ludzkiego uczucia, a tu także osiągnęli szczególną moc obrazu, ujawniając wszelkie relacje między ludźmi - w rodzinie, w społeczeństwie. Realizm krytyczny, po opanowaniu dorobku poprzednich etapów rozwoju sztuki, stał się nową metodą artystyczną, z własnymi szczególnymi zasadami odzwierciedlania rzeczywistości. W każdym z krajów wpływ na to miała zarówno oryginalność uwarunkowań historycznych, jak i narodowe tradycje literackie. Ale to nie przeszkadza nam w ustaleniu ogólnych cech metody, w rozwoju której kulminowała twórczość N. Gogola, L. Tołstoja i F. Dostojewskiego, O. Balzaca, G. Maupassanta i C. Dickensa oraz innych pisarzy w stylach.

slajd numer 12

Opis slajdu:

slajd numer 13

Opis slajdu:

HOFFMANN (1776–1822) był niemieckim pisarzem, kompozytorem i artystą, którego fantastyczne opowiadania i powieści ucieleśniały ducha niemieckiego romantyzmu. HOFFMANN (1776–1822) był niemieckim pisarzem, kompozytorem i artystą, którego fantastyczne opowiadania i powieści ucieleśniały ducha niemieckiego romantyzmu. Ernst Theodor Wilhelm Hoffmann urodził się 24 stycznia 1776 roku w Królewcu (Prusy Wschodnie). Już w młodym wieku odkrył talenty muzyka i rysownika. Studiował prawo na uniwersytecie w Królewcu, następnie przez dwanaście lat służył jako komornik sądowy w Niemczech i Polsce.

slajd numer 14

Opis slajdu:

Hoffmann późno zajął się literaturą. Najbardziej znane dzieła to zbiór opowiadań „Bracia Serapion” (1819-1821), opowiadanie w duchu baśni „Mali Tsakhes” (1819); dwie powieści, Eliksir diabła (1816), który daje błyskotliwe studium problemu dualizmu, oraz The Worldly Views of Cat Murr (1819-1821), częściowo autobiograficzne dzieło pełne dowcipu i mądrości. Do najsłynniejszych opowiadań Hoffmanna, znajdujących się w zbiorach należą bajka „Złoty garnek”, opowiadanie „Mayorat”, realistycznie wiarygodna opowieść psychologiczna o niemożliwym do rozstania się jubilera ze swoimi dziełami oraz cykl opowiadania muzyczne, w których odnoszą ogromne sukcesy, odtwarzany jest duch niektórych kompozycji muzycznych i wizerunki kompozytorów. Hoffmann późno zajął się literaturą. Najbardziej znane dzieła to zbiór opowiadań „Bracia Serapion” (1819-1821), opowiadanie w duchu baśni „Mali Tsakhes” (1819); dwie powieści, Eliksir diabła (1816), który daje błyskotliwe studium problemu dualizmu, oraz The Worldly Views of Cat Murr (1819-1821), częściowo autobiograficzne dzieło pełne dowcipu i mądrości. Do najsłynniejszych opowiadań Hoffmanna, znajdujących się w zbiorach należą bajka „Złoty garnek”, opowiadanie „Mayorat”, realistycznie wiarygodna opowieść psychologiczna o niemożliwym do rozstania się jubilera ze swoimi dziełami oraz cykl opowiadania muzyczne, w których odnoszą ogromne sukcesy, odtwarzany jest duch niektórych kompozycji muzycznych i wizerunki kompozytorów.

slajd numer 15

Opis slajdu:

Jednym z najciekawszych utworów satyrycznych Hoffmanna jest „Mały Tsakhes”. W tej opowieści Hoffmann rozwija folklorystyczny motyw o cudownych włosach. Dobra Wróżka z litości daje małemu dziwakowi trzy magiczne włosy. Dzięki nim przypisuje się mu wszystko, co znaczące i utalentowane, co wydarzyło się lub wypowiedziane w obecności Tsakhesa. Ale paskudne czyny samego dziecka przypisuje się otaczającym go ludziom. Tsakhes robi niesamowitą karierę. Dzieciak jest uważany za genialnego poetę. Z czasem zostaje tajnym radnym, a następnie ministrem. Jednym z najciekawszych utworów satyrycznych Hoffmanna jest „Mały Tsakhes”. W tej opowieści Hoffmann rozwija folklorystyczny motyw o cudownych włosach. Dobra Wróżka z litości daje małemu dziwakowi trzy magiczne włosy. Dzięki nim przypisuje się mu wszystko, co znaczące i utalentowane, co wydarzyło się lub wypowiedziane w obecności Tsakhesa. Ale paskudne czyny samego dziecka przypisuje się otaczającym go ludziom. Tsakhes robi niesamowitą karierę. Dzieciak jest uważany za genialnego poetę. Z czasem zostaje tajnym radnym, a następnie ministrem.

slajd numer 16

Opis slajdu:

Hugo był trzecim synem kapitana (później generała) w armii napoleońskiej. Jego rodzice często się rozstawali i ostatecznie 3 lutego 1818 r. otrzymali oficjalne pozwolenie na oddzielne mieszkanie. Chłopiec wychowywał się pod silnym wpływem matki, której rojalistyczne i wolteriańskie poglądy pozostawiły na nim głęboki ślad. Ojcu udało się zdobyć miłość i podziw syna po śmierci żony w 1821 roku. Hugo przez długi czas kształcił się w sposób przypadkowy. Dopiero w 1814 wstąpił do szkoły z internatem Cordier, skąd przeniósł się do Liceum Ludwika Wielkiego. Hugo był trzecim synem kapitana (później generała) w armii napoleońskiej. Jego rodzice często się rozstawali i ostatecznie 3 lutego 1818 r. otrzymali oficjalne pozwolenie na oddzielne mieszkanie. Chłopiec wychowywał się pod silnym wpływem matki, której rojalistyczne i wolteriańskie poglądy pozostawiły na nim głęboki ślad. Ojcu udało się zdobyć miłość i podziw syna po śmierci żony w 1821 roku. Hugo przez długi czas kształcił się w sposób przypadkowy. Dopiero w 1814 wstąpił do szkoły z internatem Cordier, skąd przeniósł się do Liceum Ludwika Wielkiego.

slajd numer 17

Opis slajdu:

Katedra Notre Dame Katedra Notre Dame Katedra Notre Dame (1831) zajmuje szczególne miejsce w twórczości Hugo, ponieważ tutaj po raz pierwszy zademonstrował swoje wspaniałe umiejętności w prozie. Podobnie jak w dramatach tego okresu, bohaterowie powieści ukazani są za pomocą romantycznej symboliki: są postaciami wyjątkowymi w niezwykłych okolicznościach; natychmiast powstają między nimi więzi emocjonalne, a ich śmierć jest wynikiem losu, który służy jako sposób poznania rzeczywistości, ponieważ odzwierciedla nienaturalność „starego porządku”, wrogiego człowiekowi.

slajd numer 18

Opis slajdu:

numer slajdu 19

Opis slajdu:

Po zamachu stanu 2 grudnia 1851 r. pisarz uciekł do Brukseli, stamtąd przeniósł się na wyspę Jersey, gdzie spędził trzy lata, a w 1855 r. na wyspę Guernsey. Podczas długiego wygnania stworzył swoje największe dzieła. Po zamachu stanu 2 grudnia 1851 r. pisarz uciekł do Brukseli, stamtąd przeniósł się na wyspę Jersey, gdzie spędził trzy lata, a w 1855 r. na wyspę Guernsey. Podczas długiego wygnania stworzył swoje największe dzieła. W 1862 ukazała się powieść Les Misérables. Takie postacie tej znakomitej powieści zyskały światową sławę, jak szlachetny skazaniec Jan Valjean, skazany za kradzież bochenka chleba, zamieniony w bestię i odrodzony do nowego życia dzięki łasce życzliwego biskupa; Inspektor Javert, który ściga byłego przestępcę i uosabia bezduszną sprawiedliwość; chciwy karczmarz Thenardier i jego żona, torturujący sierotę Cosette; Marius, młody republikański entuzjasta zakochany w Cosette; paryska chłopczyca Gavroche, która bohatersko zginęła na barykadach. Podczas pobytu na Guernsey Hugo opublikował książkę „William Shakespeare” (1864), zbiór wierszy „Pieśni ulic i lasów” (1865), a także dwie powieści – „Robotnicy morza” (1866) i „Człowiek, który się śmieje” (1869). Pierwsza z nich odzwierciedla pobyt Hugo na Wyspach Normandzkich: obdarzony najlepszymi cechami narodowego charakteru bohater książki wykazuje niezwykłą wytrzymałość i wytrwałość w walce z żywiołami oceanu. W drugiej powieści Hugo zwrócił się do historii Anglii za panowania królowej Anny. Fabuła oparta jest na historii lorda, który we wczesnym dzieciństwie został sprzedany handlarzom ludźmi (comprachos), który zamienił swoją twarz w wieczną maskę śmiechu. Podróżuje po kraju jako wędrowny aktor wraz ze starcem, który go schronił i niewidomą pięknością, a gdy tytuł zostanie mu zwrócony, przemawia w Izbie Lordów ognistym przemówieniem w obronie nędzarza pod rządami szyderczy śmiech arystokratów. Pozostawiwszy obcy mu świat, postanawia wrócić do dawnego tułacza, ale śmierć ukochanej doprowadza go do rozpaczy i rzuca się do morza.

numer slajdu 20

Opis slajdu:

Legenda Legenda Biografia Poe jest owiany legendami, często stworzonymi przez siebie: jako prawdziwy romantyk starał się zburzyć granicę między rzeczywistością a wyobraźnią, przedstawiając własne życie jako kompletną powieść artystyczną, w której los geniusza, który nie rozpoznać moc codziennych pojęć i norm jest odtwarzana. Zgodnie z fabułą tej powieści Poe okazał się potomkiem arystokratów, którzy wzorem Byrona wyjechali do Grecji, by poświęcić się walce o jej wyzwolenie, i przetrwali wiele prób, m.in. pobyt w św. Petersburg, gdzie został rzucony przez kaprys losu.

slajd numer 21

Opis slajdu:

Rzeczywistość Rzeczywistość Poe był w rzeczywistości synem wędrownych aktorów, wcześnie osieroconym, wychowanym przez zamożnego kupca, z którym łączyły go bardzo napięte relacje i nie miał wykształcenia, zmuszony do porzucenia uniwersytetu w wyniku skandalicznych historii i długów hazardowych. Od młodości nauczył się ubóstwa i konieczności zarabiania na życie piórem dziennikarza.

numer slajdu 22

Opis slajdu:

Trzy małe tomiki poetyckie Poego, z których najsłynniejszy jest Kruk (1845), zostały z czasem przeczytane jako kronika przeniknięć i załamań romantycznej duszy, wyjątkowej w swym emocjonalnym bogactwie i metaforycznej żywości. Głównym tematem poezji Poego jest wyobraźnia jako jedyny sposób na pokonanie skończoności czasu, nieuchronności śmierci, horroru zniknięcia bez śladu z powierzchni ziemi. Obrazy Poego inspirowane są jego zawsze wzmożonym poczuciem obecności mistyki pośród codzienności, język poetycki nacechowany jest niejednoznacznością kluczowych słów-pojęć, które pozwalają na różnorodne interpretacje w zależności od charakteru percepcji liryczna fabuła, którą odtwarza. Niezwykle intensywna emocjonalność wierszy Poego łączy się z matematycznie precyzyjnie obliczoną kompozycją, którą sam opisał w swoich teoretycznych pracach poetyckich, które mają ogromne znaczenie. Trzy małe tomiki poetyckie Poego, z których najsłynniejszy jest Kruk (1845), zostały z czasem przeczytane jako kronika przeniknięć i załamań romantycznej duszy, wyjątkowej w swym emocjonalnym bogactwie i metaforycznej żywości. Głównym tematem poezji Poego jest wyobraźnia jako jedyny sposób na pokonanie skończoności czasu, nieuchronności śmierci, horroru zniknięcia bez śladu z powierzchni ziemi. Obrazy Poego inspirowane są jego zawsze wzmożonym poczuciem obecności mistyki pośród codzienności, język poetycki nacechowany jest niejednoznacznością kluczowych słów-pojęć, które pozwalają na różnorodne interpretacje w zależności od charakteru percepcji liryczna fabuła, którą odtwarza. Niezwykle intensywna emocjonalność wierszy Poego łączy się z matematycznie precyzyjnie obliczoną kompozycją, którą sam opisał w swoich teoretycznych pracach poetyckich, które mają ogromne znaczenie.

numer slajdu 23

Opis slajdu:

Dokładność technik, dzięki którym osiąga się zamierzony efekt, przy zachowaniu poczucia spontanicznej improwizacji, jest głównym artystycznym prawem opowiadań Poego, który skompilował dwutomowy zbiór Groteski i Arabeski (1839). Dostojewski nazwał metodę Poego „fantastycznym realizmem”, sugerując zdolność, dzięki „mocy szczegółów”, do osiągnięcia pełnej perswazji przy opisywaniu niesamowitych wydarzeń i zjawisk związanych z mistycyzmem. Mieszanka fantazji i rzeczywistości, autentyczna i niemożliwa, jest w Poe zawsze organiczna, a uczucie strachu pozostawione przez jego opowieści jest nieubłagane i prawdziwe. Cykl jego „logicznych opowieści” o genialnym detektywie Dupinie zapoczątkował gatunek detektywistyczny, w pełni realizując główny cel artystyczny Poego: „Osiągnąć wiarygodność, stosując zasady naukowe, na tyle, na ile pozwala na to fantastyczny charakter samego tematu ”. Odrobina dziwactwa („arabeska”) jest nieodzowna w tych opowiadaniach, których emocjonalne spektrum jest bardzo szerokie: od horroru po burleskowy śmiech. Dokładność technik, dzięki którym osiąga się zamierzony efekt, przy zachowaniu poczucia spontanicznej improwizacji, jest głównym artystycznym prawem opowiadań Poego, który skompilował dwutomowy zbiór Groteski i Arabeski (1839). Dostojewski nazwał metodę Poego „fantastycznym realizmem”, sugerując zdolność, dzięki „mocy szczegółów”, do osiągnięcia pełnej perswazji przy opisywaniu niesamowitych wydarzeń i zjawisk związanych z mistycyzmem. Mieszanka fantazji i rzeczywistości, autentyczna i niemożliwa, jest w Poe zawsze organiczna, a uczucie strachu pozostawione przez jego opowieści jest nieubłagane i prawdziwe. Cykl jego „logicznych opowieści” o genialnym detektywie Dupinie zapoczątkował gatunek detektywistyczny, w pełni realizując główny cel artystyczny Poego: „Osiągnąć wiarygodność, stosując zasady naukowe, na tyle, na ile pozwala na to fantastyczny charakter samego tematu ”. Odrobina dziwactwa („arabeska”) jest nieodzowna w tych opowiadaniach, których emocjonalne spektrum jest bardzo szerokie: od horroru po burleskowy śmiech.

numer slajdu 24

Opis slajdu:

slajd numer 25

Opis slajdu:

Nurt realistyczny w literaturze XIX wieku. kierowany przez wielkich francuskich powieściopisarzy Stendhala i Balzaca. Opierając się w dużej mierze na doświadczeniu romantyków, głęboko zainteresowanych historią, pisarze realistyczni widzieli swoje zadanie w ukazaniu stosunków społecznych naszych czasów, życia i obyczajów restauracji i monarchii lipcowej. Nurt realistyczny w literaturze XIX wieku. kierowany przez wielkich francuskich powieściopisarzy Stendhala i Balzaca. Opierając się w dużej mierze na doświadczeniu romantyków, głęboko zainteresowanych historią, pisarze realistyczni widzieli swoje zadanie w ukazaniu stosunków społecznych naszych czasów, życia i obyczajów restauracji i monarchii lipcowej. Frederic Stendhal (pseudonim Marie Henri Beyle) podróżował z armią napoleońską do Włoch, Niemiec i Austrii. W 1812 r. wraz z głównymi siłami armii francuskiej przedostał się do Moskwy. Przywrócenie Burbonów Stendhal znalazł we Włoszech, gdzie napisał pierwsze książki o sztuce. Ciepła przyjaźń łączyła pisarza z włoskimi karbonariuszami - członkami sekretu | organizacja rewolucyjna, która istniała we Włoszech w pierwszej połowie XIX wieku. W opowiadaniu „Vanina Vanpni” (1829) otrzymujemy romantycznie atrakcyjny wizerunek Republikanina Pietro Missprill, odważnego i dumnego włoskiego patrioty. W 1830 r. Stendhal napisał powieść „Czerwoni i czarni”, a w 1839 r. w Paryżu, w ciągu dwóch miesięcy, napisał powieść Klasztor w Parmie, która przyniosła mu sławę.

slajd numer 26

Opis slajdu:

Dwaj bohaterowie Stendhala weszli do światowej literatury jako personifikacja krnąbrnej, kochającej wolność młodzieży. Jednym z nich jest Julien Sorel, syn stolarza z prowincji francuskiej („Czerwony i Czarny”), drugim włoski arystokrata Fabrizio del Dongo („Klasztor Parma”). Dwaj bohaterowie Stendhala weszli do światowej literatury jako personifikacja krnąbrnej, kochającej wolność młodzieży. Jednym z nich jest Julien Sorel, syn stolarza z prowincji francuskiej („Czerwony i Czarny”), drugim włoski arystokrata Fabrizio del Dongo („Klasztor Parma”). Szesnastoletni Fabrizno del Dongo opuścił rodzinne Włochy, by walczyć w armii napoleońskiej. Ufny i żarliwy, tęskniący za bohaterskimi czynami, uważał Napoleona za wyzwoliciela Włoch spod władzy monarchii austriackiej.Młody bohater Stendhal, który był świadkiem klęski armii francuskiej pod Waterloo, miał poznać szorstką prawdę o wojna, rozstań się z jego złudzeniami.

numer slajdu 27

Opis slajdu:

Julien Sorel rozpoczął niezależne życie po upadku Napoleona, podczas restauracji Burbonów. Za Napoleona utalentowana młodzież ludu mogła zrobić karierę wojskową. Teraz widział w tym jedyną okazję, by wspiąć się na szczyt społeczeństwa. zostać księdzem po ukończeniu seminarium duchownego. Wychowawca dzieci burmistrza miasta Verrier, pana de Rena.te, Julien pospieszył z ambitnymi planami, świadomie naśladując obłudnego Moliere Tartuffe. Tak go widzimy na początku powieści. Następnie, po przejściu szeregu prób, zdał sobie sprawę, że karierowiczostwa nie można łączyć z wzniosłymi ludzkimi impulsami, które żyły w jego duszy. . Julien Sorel rozpoczął niezależne życie po upadku Napoleona, podczas restauracji Burbonów. Za Napoleona utalentowana młodzież ludu mogła zrobić karierę wojskową. Teraz widział w tym jedyną okazję, by wspiąć się na szczyt społeczeństwa. zostać księdzem po ukończeniu seminarium duchownego. Wychowawca dzieci burmistrza miasta Verrier, pana de Rena.te, Julien, krzątał się z ambitnymi planami, świadomie naśladując obłudnego Moliere Tartuffe. Tak go widzimy na początku powieści. Następnie, po przejściu szeregu prób, zdał sobie sprawę, że karierowiczostwa nie można łączyć z wzniosłymi ludzkimi impulsami, które żyły w jego duszy. . Wtrącony do więzienia za zamach na Madame de Renal, Julien Sorel zdał sobie sprawę, że zamierzają go zabić nie tylko za zbrodnię, którą popełnił. „Widzicie przed sobą plebejusza, który jest oburzony swoim niskim losem… Oto moja zbrodnia, panowie” – oświadczył sędziom. Na obrazie Juliena Sorela Stendhal uchwycił najważniejsze cechy charakteru młodego człowieka na początku XIX wieku. Dobre i złe skłonności, karierowiczostwo i rewolucyjne idee, zimna kalkulacja i romantyczne uczucia walczą w jego duszy. W powieści „Czerwony i czarny” Stendhal ze wszystkimi najsubtelniejszymi odcieniami analizuje myśli i działania osoby, jej sprzeczne impulsy. Jako artysta-psycholog Stendhal otworzył nowe ścieżki w sztuce XIX wieku.

numer slajdu 28

Opis slajdu:

slajd numer 29

Opis slajdu:

Etap dojrzałości twórczej artysty związany jest z atmosferą rewolucji lipcowej. Zrodzone z tego czasu typy ludzkie pojawiły się w pierwszym cyklu jego powieści i opowiadań zatytułowanym „Sceny z życia prywatnego” (1830), który zyskał powszechne uznanie. Sławę Balzakowi w końcu zapewniła wydana w 1831 r. powieść Shagreen Skin. Etan twórczej dojrzałości artysty kojarzy się z atmosferą rewolucji lipcowej. Zrodzone z tego czasu typy ludzkie pojawiły się w pierwszym cyklu jego powieści i opowiadań zatytułowanym „Sceny z życia prywatnego” (1830), który zyskał powszechne uznanie. Sławę Balzakowi przyniosła wreszcie powieść Shagreen Skin, wydana w 1831 r. Lata monarchii lipcowej były okresem rozkwitu twórczości Balzaka: w latach 1833-1837 powstał Eugene Grandet, ojciec Goriot, pierwsza część Zaginionych iluzji. Rzeczywistość dostarczyła pisarzowi ogromnego materiału do refleksji, obserwacji i wniosków. Współczesny pisarz francuski A. Wurmser, autor książki biograficznej o Balzaku, tak charakteryzuje ten czas: „Był to wiek złota, który wyobrażał sobie, że jest „złotym wiekiem”. Rozpoczęło się polowanie na nowe bogactwa; przy każdej okazji brali w swoje ręce majątek sąsiada. Wśród tych ówczesnych cech, które Balzac wystawia na najbardziej bezlitosne obnażenie, jest moralna degradacja szlachty, która w końcu upodobniła się do burżuazji w swym moralnym charakterze, tracąc nie tylko dawny honor arystokratyczny, ale także godność ludzką w dążeniu do pieniądze. Skłonności osobiste, jak się okazało, nie miały żadnej władzy nad pisarzem Balzakiem: występował jako oskarżyciel klasy szlacheckiej jako bezstronny naoczny świadek i nieprzekupny sędzia.

numer slajdu 30

Opis slajdu:

„Komedia ludzka” Już na początku swojej kariery Balzac nawiązuje połączenie między swoimi indywidualnymi utworami, łącząc je w cykle: „Sceny z życia prywatnego”, „Sceny z życia prowincjonalnego”, „Sceny z życia paryskiego”. Te trzy cykle (12 tomów, napisane w latach 1834-1837) stanowiły „Etiudy obyczajowe XIX wieku”. „Komedia ludzka” Już na początku swojej kariery Balzac nawiązuje połączenie między swoimi indywidualnymi utworami, łącząc je w cykle: „Sceny z życia prywatnego”, „Sceny z życia prowincjonalnego”, „Sceny z życia paryskiego”. Te trzy cykle (12 tomów, napisane w latach 1834-1837) stanowiły „Etiudy obyczajowe XIX wieku”. W 1842 roku pisarz wpadł na pomysł, aby połączyć w jedno wielkie płótno wszystko, co już zostało napisane i co zostanie napisane w przyszłości, aby odtworzyć historyczny ruch społeczeństwa francuskiego - od rewolucji 1789 roku do współczesności. — Moje dzieło — powiedział Balzac — obejmie wszystkie klasy dziewiętnastowiecznego społeczeństwa francuskiego; jeśli za pięćset lat, za dwa tysiące zechcą zbadać społeczeństwo francuskie czasów Cesarstwa, Restauracji i niesławnego rządu lipcowego, to wystarczy, że archeolodzy i inni uczeni ludzie zajrzą do moich prac. Autor nadał swojemu ogromnemu dziełu nazwę „Ludzka komedia”. Balzac pracował nad Komedią ludzką do końca życia. Ma 87 dzieł, według planów pisarza, 56 miało się tu znaleźć.

slajd numer 31

Opis slajdu:

Balzac przedstawił żywą historię, ucieleśnioną w różnych losach, w typach ludzkich urodzonych w XIX wieku, dał głębokie obserwacje praw życia społecznego we Francji i ponure perspektywy dalszego rozkwitu moralności burżuazyjnej. Balzac przedstawił żywą historię, ucieleśnioną w różnych losach, w typach ludzkich urodzonych w XIX wieku, dał głębokie obserwacje praw życia społecznego we Francji i ponure perspektywy dalszego rozkwitu moralności burżuazyjnej.

numer slajdu 32

Opis slajdu:

Obraz Gobska. Stworzenie wyrazistego, typowego obrazu u Balzaka osiąga się poprzez maksymalne wyostrzenie, hiperbolizację głównej, najbardziej charakterystycznej cechy tej klasy, tej warstwy społecznej, którą powinien reprezentować jego bohater. Nad wszystkimi skłonnościami i uczuciami Gobska dominuje pasja karczowania pieniędzy, która staje się jego jedyną pasją, której podporządkowane jest całe jego życie. Obraz Gobska. Stworzenie wyrazistego, typowego obrazu u Balzaka osiąga się poprzez maksymalne wyostrzenie, hiperbolizację głównej, najbardziej charakterystycznej cechy tej klasy, tej warstwy społecznej, którą powinien reprezentować jego bohater. Nad wszystkimi skłonnościami i uczuciami Gobska dominuje pasja karczowania pieniędzy, która staje się jego jedyną pasją, której podporządkowane jest całe jego życie. V. Grib, jeden z najlepszych badaczy Balzaka, pisze: „W tę wyzwoloną pasję człowiek wkłada całą swoją wolę, energię mocy, pochłania go całkowicie, rozrasta się do gigantycznych rozmiarów, staje się gorączką, chorobą, manią. Dlatego każdy jasny typ w Balzacu jest prawie zawsze maniakiem ... ”.

numer slajdu 33

Opis slajdu:

Pieniądze dają mu świadomość władzy nad światem: „… czy mogą odmówić czegokolwiek komuś, kto ma w ręku worek złota? Jestem wystarczająco bogaty, aby kupić ludzkie sumienie, aby rządzić wszechmocnymi kaznodziejami poprzez ich ulubieńców, od duchownych sług po kochanki. Czy to nie jest moc? Mogę, jeśli zechcę, posiąść najpiękniejsze kobiety i kupić najczulsze pieszczoty... Czymże jest życie, jeśli nie maszyną napędzaną pieniędzmi? Pieniądze dają mu świadomość władzy nad światem: „… czy mogą odmówić czegokolwiek komuś, kto ma w ręku worek złota? Jestem wystarczająco bogaty, aby kupić ludzkie sumienie, aby rządzić wszechmocnymi kaznodziejami poprzez ich ulubieńców, od duchownych sług po kochanki. Czy to nie jest moc? Mogę, jeśli zechcę, posiąść najpiękniejsze kobiety i kupić najczulsze pieszczoty... Czymże jest życie, jeśli nie maszyną napędzaną pieniędzmi?

numer slajdu 34

Opis slajdu:

Stary lichwiarz buduje swoją filozofię, cyniczną i niezachwianą, na trzeźwej wiedzy o życiu: „… ze wszystkich ziemskich błogosławieństw jest tylko jedno na tyle niezawodne, że warto za nim gonić. Czy to jest ze złota. Wszystkie siły ludzkości są skupione w złocie... Wszystko jest zawarte w embrionie w złocie i wszystko, co daje w rzeczywistości. Takie jest mocne przekonanie Gobsecka, z którego wywodzi się we wszystkich swoich działaniach. Stary lichwiarz buduje swoją filozofię, cyniczną i niezachwianą, na trzeźwej wiedzy o życiu: „… ze wszystkich ziemskich błogosławieństw jest tylko jedno na tyle niezawodne, że warto za nim gonić. Czy to jest ze złota. Wszystkie siły ludzkości są skupione w złocie... Wszystko jest zawarte w embrionie w złocie i wszystko, co daje w rzeczywistości. Takie jest mocne przekonanie Gobsecka, z którego wywodzi się we wszystkich swoich działaniach. Nie przeszkadza mu to, że droga do bogactwa z konieczności wiąże się z okrucieństwem. On sam nie zna litości dla tych, z którymi robi interesy. „Czasami jego ofiary były oburzone, podniosły gorączkowy krzyk, a potem nagle zapadła martwa cisza, jak w kuchni, gdy zabija się w niej kaczkę” – mówi Balzac.

numer slajdu 35

Opis slajdu:

Nie podając dokładnych informacji o przeszłości Gobska, Balzac jednak stanowczo stwierdza, że ogromny kapitał lichwiarza, jak każdy mieszczanin, został zdobyty kosztem przestępstw, dużych czy małych: „Być może był korsarzem; prawdopodobnie wędrował po świecie, handlując diamentami lub ludźmi, kobietami lub tajemnicami państwowymi. Nie podając dokładnych informacji o przeszłości Gobska, Balzac jednak stanowczo stwierdza, że ogromny kapitał lichwiarza, jak każdy mieszczanin, został zdobyty kosztem przestępstw, dużych czy małych: „Być może był korsarzem; prawdopodobnie wędrował po świecie, handlując diamentami lub ludźmi, kobietami lub tajemnicami państwowymi. Ale cechy klasowe w Gobseck nabierają ogromnej wyrazistości dzięki wprowadzeniu indywidualnych, wyjątkowych cech, które wyostrzają ten obraz, nadając mu wagę typowego zjawiska. Gobsek żyje z głęboką nieufnością do ludzi, zupełnie sam, nie czując najmniejszego pragnienia zobaczenia swoich bliskich, obojętnych nawet na ich tragedie.

numer slajdu 36

Opis slajdu:

Cały Paryż był poruszony morderstwem kobiety nazywanej „piękną Holenderką”. Gobseck powiedział tylko, nie okazując najmniejszego zainteresowania ani nawet zaskoczenia: Cały Paryż był podekscytowany morderstwem kobiety zwanej „piękną Holenderką”. Gobseck powiedział tylko, nie okazując najmniejszego zainteresowania ani nawet zaskoczenia: - To moja siostrzenica. Dopiero te słowa spowodowały śmierć jedynej dziedziczki, wnuczki jego siostry. I dalej: „Nienawidził swoich spadkobierców i nie dopuszczał nawet myśli, że ktoś przejmie jego majątek nawet po jego śmierci”.

numer slajdu 37

Opis slajdu:

Obsesja na punkcie złota uczyniła istnienie Gobsecka absurdem. W obawie o swoje bogactwo ukrywa jego wielkość; jest gotów ponieść stratę, zamiast przyznać się, jak bardzo jest bogaty. Cierpiący na śmiertelny chłód Gobsek nie pozwala rozpalić ognia: w kominku kryją się stosy złota i srebra. Jego spiżarnia jest pełna zapasów, już gnije. „Wszystko zostało zaatakowane przez robaki i owady. Ostatnio otrzymane dary leżały przeplatane pudełkami różnej wielkości, z kawałkami herbaty i workami kawy. Obsesja na punkcie złota uczyniła istnienie Gobsecka absurdem. W obawie o swoje bogactwo ukrywa jego wielkość; jest gotów ponieść stratę, zamiast przyznać się, jak bardzo jest bogaty. Cierpiący na śmiertelny chłód Gobsek nie pozwala rozpalić ognia: w kominku kryją się stosy złota i srebra. Jego spiżarnia jest pełna zapasów, już gnije. „Wszystko zostało zaatakowane przez robaki i owady. Ostatnio otrzymane dary leżały przeplatane pudełkami różnej wielkości, z kawałkami herbaty i workami kawy. Balzac nadaje swojemu bohaterowi znaczące nazwisko: Gobsek jest żywicielem. Ta metafora, używana do żywego przedstawienia drapieżnego stworzenia, jest wielokrotnie odgrywana przez autora na kartach opowieści: „W tym wielkim przekręcie Gobsek był nienasyconym boa dusicielem”; "... wydaje mi się, że połyka to wszystko, ale nie dla własnej korzyści." Kolejna metafora tworzy przed czytelnikiem obraz Gobska jako bezpośredniego ucieleśnienia potęgi pieniądza: jest on „człowiekiem-rachunkiem”, serce w jego piersi jest „sztabką złota”.

numer slajdu 38

Opis slajdu:

Wizerunek szlachty. W czasie, gdy dzieje się to wydarzenie, francuska szlachta jest już w pełni połączona z kapitalistycznym porządkiem społecznym, nie mniej niż burżuazja ma obsesję na punkcie władzy pieniądza. Epoka burżuazyjna jeszcze bardziej zintensyfikowała arystokratyczne pragnienie luksusu, a nowe, odhumanizowane zasady tego stulecia jeszcze bardziej zniekształciły umierającą szlachecką moralność. W nieczytelności środków wzbogacających arystokrata nie jest gorszy od przedsiębiorcy. W przeciwieństwie do Gobsecka, ludzie z kręgu arystokratycznego nie dostrzegają moralnych zalet skromnego życia zawodowego. Wizerunek szlachty. W czasie, gdy dzieje się to wydarzenie, francuska szlachta jest już w pełni połączona z kapitalistycznym porządkiem społecznym, nie mniej niż burżuazja ma obsesję na punkcie władzy pieniądza. Epoka burżuazyjna jeszcze bardziej zintensyfikowała arystokratyczne pragnienie luksusu, a nowe, odhumanizowane zasady tego stulecia jeszcze bardziej zniekształciły umierającą szlachecką moralność. W nieczytelności środków wzbogacających arystokrata nie jest gorszy od przedsiębiorcy. W przeciwieństwie do Gobsecka, ludzie z kręgu arystokratycznego nie dostrzegają moralnych zalet skromnego życia zawodowego. Ludzki ideał tego kręgu jest nędzny i nieistotny. Idolem świata jest Maxime de Tray, „podmiot, który budzi zarówno strach, jak i pogardę, wszystkowiedzący i kompletny ignorant… bachor, bardziej poplamiony brudem niż krwią”. Autor ze złośliwą ironią wylicza jego zalety: „Ubrany jest w niepowtarzalny frak, niezrównanie prowadzi konie zaprzężone w pociąg. I jak Maxim gra w karty, jak je i pije! Nie zobaczysz takiej łaski manier na całym świecie. Dużo wie o koniach wyścigowych, modnych kapeluszach i obrazach. Kobiety szaleją za nim. Marnuje sto tysięcy rocznie, ale nie słyszy się, żeby miał podupadły majątek, a nawet czynsz. To przykład wędrownego rycerza naszych czasów – wędruje on po salonach, buduarach, bulwarach naszej stolicy… „Ustawiając mieszczan w tej opowieści obok przedstawicieli szlachty, Balzac zdołał genialnie pokazać nie tylko ich wzajemny antagonizm, ale także ich wzajemne powiązania, interesuje go istnienie każdej z tych dwóch stron w istnieniu drugiej.

numer slajdu 39

Opis slajdu:

Wielki realista nie oszczędził w swojej demaskacji żadnej z klas rządzących. Ale w tej historii są postacie, które ucieleśniają jego ideał moralny: są to Derville i Fanny Malvo, w których portretach słusznie znajdują dowody na demokratyczne sympatie Balzaka. „Pracownicy pełni szlachetności, obcy próżności, celowo odmawiają realizacji wartości, które przyciągać i arystokratę i burżua. "Wolałbym odciąć sobie rękę, niż zacząć rabować ludzi" - te słowa, wypowiedziane na początku swojego życia, Derville pozostaje prawdziwe przez całe życie. Odrzucił nawet ofertę wicehrabina… iść do sądownictwa, gdzie pod jej patronatem mógł niezwykle szybko zrobić karierę. „Wielki realista nie oszczędził w swojej demaskacji żadnej z klas rządzących. Ale w opowieści są postacie, które ucieleśniają jego moralność ideał: są to Derville i Fanny Malvo, których przedstawienia słusznie znajdują dowody na demokratyczne sympatie Balzaka. Pełni szlachetności, obcy próżności robotnicy, świadomie odmawiają realizacji wartości, które przyciągają zarówno arystokratę, jak i burżuazję. „Wolałbym odciąć sobie rękę, niż zacząć rabować ludzi” – te słowa wypowiedziane na początku życia Derville pozostają prawdziwe przez całe życie. „Odrzucił nawet propozycję wicehrabiny… pójścia do sądownictwa, gdzie pod jej patronatem mógłby niezwykle szybko zrobić karierę”. Jeśli Gobsek osądza szlachtę, to Derville, prawnik, który doskonale zna wszystkie ciemne zakamarki współczesnego życia, występuje jako sędzia, już Gobsek potępia, gdy z oburzeniem pyta: „Czy naprawdę chodzi o pieniądze!”

numer slajdu 40

Opis slajdu:

Przykład dwóch bezsprzecznie pozytywnych obrazów opowiadania reprezentuje najważniejszą cechę realizmu Balzaka, która jest generalnie charakterystyczna dla całego realizmu zachodnioeuropejskiego XIX wieku: postacie pozytywne nie mają znaczenia artystycznego, skala obrazu, a negatyw postacie są obdarzone, odzwierciedlając to lub inne zjawisko tamtych czasów. Siła realizmu krytycznego i jego największego mistrza, Balzaka, polegała właśnie na zaprzeczeniu istniejącej rzeczywistości, w której nie ukształtował się jeszcze i nie został nawet zarysowany typ osoby, którą można było pokazać jako potężną pozytywną przeciwwagę. Przykład dwóch bezsprzecznie pozytywnych obrazów opowiadania reprezentuje najważniejszą cechę realizmu Balzaka, która jest generalnie charakterystyczna dla całego realizmu zachodnioeuropejskiego XIX wieku: postacie pozytywne nie mają znaczenia artystycznego, skala obrazu, a negatyw postacie są obdarzone, odzwierciedlając to lub inne zjawisko tamtych czasów. Siła realizmu krytycznego i jego największego mistrza, Balzaka, polegała właśnie na zaprzeczeniu istniejącej rzeczywistości, w której nie ukształtował się jeszcze i nie został nawet zarysowany typ osoby, którą można było pokazać jako potężną pozytywną przeciwwagę.

numer slajdu 41

Opis slajdu:

Urodził się 7 lutego 1812 r. W pobliżu Portsmouth, a następnie mieszkał w miejscowości Chatham - to był szczęśliwy czas. Dickens Rodzice: John Dickens, Elżbieta Dickens. Urodził się 7 lutego 1812 r. W pobliżu Portsmouth, a następnie mieszkał w miejscowości Chatham - to był szczęśliwy czas. Dickens Rodzice: John Dickens, Elżbieta Dickens. Rodzice Karola zdecydowali, że w wieku 11 lat będzie mógł sam się wyżywić. Poszedł do pracy w maleńkiej fabryce wosków, naklejając etykiety na słoiki.To był straszny czas. Jego ojciec był przetrzymywany w więzieniu, a duma Karola bardzo ucierpiała. Pracuje w tym samym pokoju z chłopcami, którzy nie przeczytali ani jednej książki i których przeznaczeniem jest pozostanie w niewiedzy do końca swoich dni. Dom Wellingtona. Pierwszy uniwersytet w jego życiu

numer slajdu 42

Opis slajdu:

Powieści Dickensa przedstawiają panoramę życia Anglików w epoce wiktoriańskiej, wyjątkową pod względem bogactwa obserwacji i różnorodności uchwyconych typów ludzkich. Przygody Olivera Twista (1838), Sklep z antykami (1841), Dombey and Son (1848) tworzą wyczerpujący obraz społeczeństwa, odsłaniając jego wady i wady. Ostatecznie niedoskonałość społeczeństwa staje się oczywista dla bohaterów, którzy odnajdują swój ideał w zaciszu domu, sile rodzinnych tradycji i chrześcijańskim miłosierdziu wobec bliskich i obcych. Powieści Dickensa przedstawiają panoramę życia Anglików w epoce wiktoriańskiej, wyjątkową pod względem bogactwa obserwacji i różnorodności uchwyconych typów ludzkich. Przygody Olivera Twista (1838), Sklep z antykami (1841), Dombey and Son (1848) tworzą wyczerpujący obraz społeczeństwa, odsłaniając jego wady i wady. Ostatecznie niedoskonałość społeczeństwa staje się oczywista dla bohaterów, którzy odnajdują swój ideał w zaciszu domu, sile rodzinnych tradycji i chrześcijańskim miłosierdziu wobec bliskich i obcych.

Opis slajdu:

Wyjątkowo wysoko ceniony Dickens, F.M. Dostojewski nazwał go niedoścignionym mistrzem „sztuki przedstawiania współczesnej, aktualnej rzeczywistości”. Dickens nauczył się tego podczas swoich lat reporterskich, które poprzedziły jego debiut literacki, Dokumenty pośmiertne klubu Pickwick (1837). Ta książka, będąca cyklem szkiców rodzajowych, ujawniła talent Dickensa jako twórcy groteskowych postaci. Wyjątkowo wysoko ceniony Dickens, F.M. Dostojewski nazwał go niedoścignionym mistrzem „sztuki przedstawiania współczesnej, aktualnej rzeczywistości”. Dickens nauczył się tego podczas swoich lat reporterskich, które poprzedziły jego debiut literacki, Dokumenty pośmiertne klubu Pickwick (1837). Ta książka, będąca cyklem szkiców rodzajowych, ujawniła talent Dickensa jako twórcy groteskowych postaci. Świat slumsów odkrywany przez Dickensa dla literatury i obyczaje ich mieszkańców zostaje przez pisarza upoetyzowana. Sympatyzując z bohaterami, prowadzi akcję do szczęśliwego zakończenia, które nagradza ich cierpieniami i upokorzeniami, tłumiąc traumatyczne wspomnienia młodego okresu życia.

numer slajdu 45

Opis slajdu:

Henrik Johann Ibsen (20 marca 1828, Skien – 23 maja 1906, Christiania) – wybitny norweski dramaturg, twórca europejskiego „nowego dramatu”. Studiował także poezję i dziennikarstwo. Henrik Johann Ibsen (20 marca 1828, Skien – 23 maja 1906, Christiania) – wybitny norweski dramaturg, twórca europejskiego „nowego dramatu”. Studiował także poezję i dziennikarstwo. Ciekawostki Syn Henrika Ibsena Sigurd Ibsen był znanym politykiem i dziennikarzem, wnuk Tankreda Ibsena był reżyserem filmowym. Nazwa krateru na Merkurym pochodzi od Henrika Ibsena. Od 2008 roku w Norwegii przyznawana jest Nagroda Ibsena, pierwszym zwycięzcą został P. Brook.

numer slajdu 46

Opis slajdu:

Najpopularniejszą sztuką Ibsena w Rosji był Dom lalki (1879). Sceneria mieszkania Helmera i Nory zanurza widza lub czytelnika w filisterskiej sielance. Zostaje zniszczony przez adwokata Krogstada, który przypomina Norze o sfałszowanej przez nią ustawie. Helmer kłóci się z żoną i obwinia ją w każdy możliwy sposób. Niespodziewanie Krogstad przechodzi reedukację i wysyła rachunek Nory. Helmer natychmiast się uspokaja i zaprasza żonę do powrotu do normalnego życia, ale Nora już zdała sobie sprawę, jak mało znaczy dla męża. Potępia drobnomieszczański system rodzinny. Najpopularniejszą sztuką Ibsena w Rosji był Dom lalki (1879). Sceneria mieszkania Helmera i Nory zanurza widza lub czytelnika w filisterskiej sielance. Zostaje zniszczony przez adwokata Krogstada, który przypomina Norze o sfałszowanej przez nią ustawie. Helmer kłóci się z żoną i obwinia ją w każdy możliwy sposób. Niespodziewanie Krogstad przechodzi reedukację i wysyła rachunek Nory. Helmer natychmiast się uspokaja i zaprasza żonę do powrotu do normalnego życia, ale Nora już zdała sobie sprawę, jak mało znaczy dla męża. Potępia drobnomieszczański system rodzinny. „Byłam tu twoją lalkową żoną, tak jak w domu byłam lalką córką mojego ojca. A dzieci były już moimi lalkami ”- mówi bohaterka. Zabawa kończy się odejściem Nory. Nie należy go jednak postrzegać jako społeczny, dla Ibsena ważne są uniwersalne problemy wolności.

Opis slajdu:

W 1908 roku kilku młodych pisarzy i artystów, których zjednoczyło pragnienie uniezależnienia się od „worka pieniędzy” i wyeliminowania walki o miejsce na słońcu, organizuje w wydzierżawionej pod Paryżem opuszczonej posiadłości coś na kształt komuny, której członkowie zarabialiby na życie wyłącznie pracą własnych rąk. W 1908 roku kilku młodych pisarzy i artystów, których zjednoczyło pragnienie uniezależnienia się od „worka pieniędzy” i wyeliminowania walki o miejsce na słońcu, organizuje w wydzierżawionej pod Paryżem opuszczonej posiadłości coś na kształt komuny, której członkowie zarabialiby na życie wyłącznie pracą własnych rąk. Komuna nie przetrwała długo, była bowiem, jak trafnie określił jeden z krytyków literackich, „mrowiskiem zamieszkanym przez ważki”. Ale jej doświadczenie okazało się bardzo pouczające pod wieloma względami. „Opatowie” z szacunkiem słuchają hymnu „tajemnicza wolność, piękna pieśń, którą wszyscy znali na pamięć jako ulubioną modlitwę”, a zawierał on w szczególności następujące słowa: „Teraz oddam cały swój ładunek za darmo - Ziarno flamandzkie i tkaniny angielskie. Podczas gdy na brzegu działo się to zamieszanie, płynąłem gdziekolwiek się udał, zapominając o kapitanie. (Przetłumaczone przez D. Samoilov) Dziwna modlitwa ... Ale nie był to ani hymn, ani piosenka, ale tylko słowa z być może najbardziej niesamowitego wiersza najwspanialszego francuskiego poety XIX wieku, Jeana-Arthura Rimbauda, wiersz „Pijany statek”, który do dziś pobudza umysły i wyobraźnię wielu pokoleń czytelników i doczekał się niezliczonych komentarzy. Droga poety do „Pijanego statku” była zaskakująco krótka, ale pochłonięta tak samo, jak być może inni, nie mogli przejść nawet przez dziesięciolecia. Ścieżka? Właściwie w jaki sposób, skoro w momencie powstania „Pijanego statku” Rimbaud miał zaledwie 17 lat! A jednak… To on widział i z niezwykłą mocą wyrażał coś, co stało się koniecznością, pewną potrzebą odnowy społecznej, a jednocześnie tego, co było dla niego nieodłączne od samego życia – odnowienia poezji i poetyki. język. Geniusze rzadko się rodzą; kto wie, czym kieruje się natura, tworząc je i niosąc jako dar dla ludzkości,

Opis slajdu:

Szalony statek, szalony statek, pokryty Muszlami, jak łódź głupców, Naprzód, opleciony żywymi promieniami, popłynąłem z eskadrą koników morskich. Nie płakałem nad smutną stratą, Dni wyciągnąłem pas za rufą. W gasnących lipcowych zachodach słońca Puste niebo zniknęło. Komu potrzebne są archipelagi, płycizny, lub lśniący lot niezliczonych ptaków na niebie? Inni odważyliby się popłynąć tam, gdzie nadejdzie nowy dzień? Szybując po zbuntowanej powierzchni morza W ramionach wody w rozległy świat marzyłem o spotkaniu, kłócąc się z losem, Starożytny attyk rodem z Europy. Dużo płakałem! Dusza jest rozdarta świtem Jestem więźniem gwiazd i mórz. Jak na czas udało mi się to zauważyć! Opuchłem od wilgoci, a śmierć wzywa na dno. Pamiętam molo z odsłoniętym szarym kamieniem w krainie siwych bandytów, którą znam. Tam, wodowany przez smutnego chłopca, statek tańczy jak majowa ćma. Nie, więcej siły, by spędzać czas i wędrować, I dźwigać swój nikczemny ładunek i flagę, I znowu walczyć z szarymi wodami, Nieczułe oczy na barki po drodze.

Opis slajdu:

W zagraniczny literatura XIX wieku Istnieją dwa główne nurty: romantyzm i realizm. Ponieważ prądy te rozwijały się prawie jednocześnie, pozostawiły na sobie zauważalny ślad. Dotyczy to zwłaszcza literatura 1 połowa 19 wiek: twórczość wielu pisarzy romantycznych (Hugo, George Sand) ma szereg cech realistycznych, podczas gdy twórczość pisarzy realistycznych (Stendhal, Balzac, Mérimée) jest często zabarwiona romantyzmem. Nie zawsze łatwo jest określić, gdzie należy przypisać twórczość konkretnego pisarza – romantyzmowi czy realizmowi. Dopiero w drugiej połowie XIX wieku romantyzm ostatecznie ustąpił miejsca realizmowi.

Romantyzm kojarzy się z francuską rewolucją burżuazyjną z 1789 r., z ideami tej rewolucji. Początkowo romantycy entuzjastycznie przyjęli rewolucję i pokładali bardzo duże nadzieje w nowym społeczeństwie burżuazyjnym. Stąd marzycielstwo i entuzjazm charakterystyczne dla dzieł romantyków. Szybko jednak okazało się, że rewolucja nie uzasadnia pokładanych w niej nadziei. Ludzie nie otrzymali ani wolności, ani równości. Pieniądze zaczęły odgrywać ogromną rolę w losach ludzi, co w istocie ich zniewoliło. Dla tego, który był bogaty, wszystkie drogi zostały otwarte, los biednych wciąż był smutny. Straszna walka o pieniądze, zaczęła się żądza zysku. Wszystko to spowodowało poważne rozczarowanie wśród romantyków. Zaczęli szukać nowych ideałów – jedni zwrócili się ku przeszłości, zaczęli ją idealizować, inni, najbardziej postępowi, rzucili się w przyszłość, którą często wyobrażali sobie niejasno i w nieskończoność. Niezadowolenie z teraźniejszości, oczekiwanie czegoś nowego, chęć pokazania idealnych relacji między ludźmi, silne charaktery – to typowe dla pisarzy romantycznych. Nie wiedząc, w jaki sposób ludzkość może zbudować lepsze społeczeństwo, romantycy często zwracali się ku baśniom (Anderson), żywo interesowali się sztuką ludową i często ją naśladowali (Longfellow, Mickiewicz). Najlepsi przedstawiciele romantyzmu, tacy jak na przykład Byron, wzywali do kontynuacji walki i nowej rewolucji.

Realizm, w przeciwieństwie do romantyzmu, interesował się przede wszystkim współczesnością. Starając się jak najpełniej odzwierciedlić w swoich dziełach rzeczywistość, pisarze realiści stworzyli duże dzieła (ich ulubionym gatunkiem była powieść) z wieloma wydarzeniami i bohaterami. Starali się odzwierciedlić w swoich pracach wydarzenia charakterystyczne dla epoki. Jeśli romantycy przedstawiali bohaterów obdarzonych ostrymi indywidualnymi cechami, bohaterów, którzy znacznie różnili się od otaczających ich ludzi, to realiści, przeciwnie, starali się nadać swoim bohaterom cechy typowe dla wielu ludzi należących do tej lub innej klasy, aby ta czy inna grupa społeczna. " Realizm sugeruje- pisał F. Engels, - oprócz prawdziwości szczegółów, wierność przekazu typowych postaci w typowych okolicznościach«

Realiści nie nawoływali do zniszczenia społeczeństwa burżuazyjnego, ale przedstawiali je z bezlitosną prawdomównością, ostro krytykując jego wady, dlatego XIX-wieczny realizm nazywa się zwykle realizmem krytycznym.

To jest krótki przegląd literatura obca XIX wieku

Dobra lektura dla Ciebie!

Główne cechy romantyzmu jako metody i jako ruchu literackiego

Słowo „romantyzm” jest używane zarówno do określenia światopoglądu, sposobu myślenia osoby, która wzniosła się ponad zwyczajność, ponad codzienne życie, jak i do nazwania metody literackiej i nurtu literackiego, ograniczonego do określonego czasu (1. połowa XIX wieku) i romantyczny światopogląd.

Cechy metody romantycznej można odnaleźć w różnych okresach rozwoju literatury. Romantyzm jako nurt literacki zaczyna kształtować się w Niemczech pod koniec XIX wieku. Tam kształtuje się teoria i estetyka romantyzmu.

Termin „romantyzm” kojarzy się ze słowem – powieść. Powieść (od XII wieku) we Francji to opowieść o miłosnych i militarnych przygodach, o niesamowitych przygodach, które spotkały wyjątkowe osobowości. Wszystkie powieści zostały napisane w języku romańskim (francuskim), a nie po łacinie, co było charakterystyczne dla tekstów religijnych i powieści antycznej. W przeciwieństwie do sagi, powieść nie opowiadała o prawdziwych wydarzeniach. Powieść jest wytworem wyobraźni autora. Jednak w 1800 roku istnieje związek 2 pojęć - romantycznej i lirycznej (Friedrich Schlegel), tj. słowo „romantyczny” zachowało semantykę „zewnętrznie niezwykłą”, a liryczną – „przekazywanie emocji”. Poezja romantyczna, z punktu widzenia Schlegla, jest poezją progresywno-uniwersalną.

Romantyzm łączy w sobie wysoką duchowość, filozoficzną głębię, emocjonalne bogactwo, złożoną fabułę, szczególne zainteresowanie przyrodą, a przede wszystkim przekonanie o niewyczerpanych możliwościach człowieka.

Społeczne początki romantyzmu

Friedrich Schlegel uważał, że romantyzm narodził się z rewolucji francuskiej z 1789 r., filozofii „Wilhelma Meistera” Fichtego i Goethego. Rewolucja Francuska jest społecznym źródłem romantyzmu. Rewolucja Francuska jest społecznym źródłem romantyzmu. Rewolucja Francuska z jednej strony rodziła nadzieję na skuteczność zmiany świata, wiarę w możliwość wyzwolenia, z drugiej zaś rodziła niepewność, tragiczne poczucie beznadziejnej samotności, bezsilności w realnym okrutnego świata, a tym samym prowadzi do utopii filozoficznych, do rekonstrukcji wyidealizowanej przeszłości, do ironicznego odtwarzania rzeczywistości.

Po rewolucji przyszło rozczarowanie, więc romantyczny światopogląd jest zawsze pesymistyczny. Rewolucja zrodziła geniuszy i tytanów, idea człowieka powstała, bliska renesansowi, kiedy jednostka i wszechświat zrównały się w swoich możliwościach.

W ten sposób przeciwstawne tendencje doprowadziły do pęknięcia świadomości, rozpadu istnienia na 2 składniki, powstała romantyczna dwoistość - to kategoryczna cecha ruchu romantycznego.

Wniosek: 1 źródło - pochodzenie społeczne - Rewolucja Francuska.

Filozoficzne początki

1.) Friedrich Schlegel wymienił filozofię Fichtego jako źródło. Jednak w każdym kraju istniały inne filozoficzne początki romantyzmu, ale często wszystkie sięgały do filozofii niemieckiej. To jest filozofia Kanta, która dzieli świat niejako na 2 połowy: „rzecz sama w sobie” i „rzecz dla nas”, a „rzecz sama w sobie” prowadzi do tych obszarów, które są poza racjonalistycznym pojmowaniem świata, wskazując na coś mistycznego i tajemniczego. Jest to nieodłączne od Novalisa, Ludwiga Tiecka (w Niemczech), Coleridge (w Anglii), George Sand (we Francji), Edgara Poe (w Ameryce). Należy pamiętać, że w literaturze, odwołując się do idei filozoficznych, często dochodzi do przekształceń i uproszczeń.

Myśli Fichtego o możliwościach twórczych ludzkiego „ja” są często utożsamiane z możliwościami twórczymi konkretnego pisarza i poety. Romantycy wierzyli w możliwość odtworzenia świata poprzez sztukę, marzyli o złotym wieku, który stanie się rzeczywistością dzięki twórczości i „ja” artysty.

3.) Łuskanie

Idee Schellinga, twórcy filozofii transcendentalnej (przetłumaczonej z łac. „przejść, wyjść poza”), który widział świat w jego dwoistości, potwierdzały uniwersalną duchowość. Idee Schellinga wywarły wpływ nie tylko na Niemców, np. Coleridge odbył specjalną podróż do Niemiec, aby zapoznać się z filozofią Schellinga. Francuzi poznali niemiecką sztukę i filozofię dzięki O Niemczech Germaina de Staela; transcendentalizm powstał w Ameryce pod wpływem Schellinga.

Estetyka romantyzmu

1. Dwa światy.

Podwójny świat jest najczęściej nazywany kategoryczną cechą romantyzmu, choć pojawił się wcześniej. Niektórzy uczeni twierdzą, że dwa światy wciąż można znaleźć w Diderot, Lessing (XVIII w.), a nawet w powieści Cervantesa Don Kichot.

Podwójny świat romantyzmu, zwłaszcza w wersji niemieckiej, wywodzi się z koncepcji dualności Schellinga – podziału wszechświata na sferę duchową i fizyczną, a jednocześnie uznania jedności tych dwóch przeciwieństw. Na poziomie estetycznym na reprodukcji i światopoglądzie kształtują się podwójne światy, realizowane w szczególności przez dodanie fabuły.

Dvoemirie (tylko w romantyzmie, na przykład film „Dzień św. Jerzego”.

2. Głównym bohaterem romansu jest zawsze tytaniczna, wyjątkowa osobowość i nie jest przypadkiem, że romantyzm można porównać do odrodzenia. Romantyczny tytanizm bohatera może przejawiać się w różnych formach, na przykład bohater może być obdarzony szczególnymi pasjami, niezwykłą siłą, a także ma niezniszczalną miłość do wolności („Prometeusz”), niezrozumiałą obserwację (Poe), bezinteresowną miłość ( „Quasimodo” Hugo).

Główne techniki tworzenia postaci to groteska i kontrast.

3. Kult uczucia.

Nawet sentymentalizm XVIII wieku zwracał uwagę na emocjonalny światopogląd człowieka. Sztuka romantyczna zaczyna analizować uczucia (siłą uczuć jest analiza), a sentymentalizm je wyraża.

Szczególne miejsce wśród uczuć zajmuje uczucie miłości. Widoczna jest tylko miłość. Romantyczny bohater jest testowany przez miłość, miłość zmienia człowieka. Prawdziwa miłość zawsze wiąże się z cierpieniem, jeśli miłość jest wszechogarniająca, to cierpienie jest silniejsze.

4. Zainteresowanie naturą.

Opis natury jest nie tylko dekoracyjny. Romantycy byli panteistami (Bóg jest naturą); nie akceptuj tradycyjnego chrześcijaństwa, widzieli w naturze ucieleśnienie boskiej zasady. Dla nich osoba jest interesująca, gdy jest związana z zasadą natury (nie ogród, ale las; nie miasto, ale wieś). Krajobraz romantyczny - krajobraz ruin, krajobraz elementów lub krajobraz egzotyczny.

5. Poczucie historyzmu.

W Niemczech w pracach braci Schlegel pojawia się historyczne podejście do badania literatury. Pisarzy zaczynają interesować się historią prawdziwą, a nie zmitologizowaną, jak u klasyków. Jednak zwrot w przeszłość często prowadził do idealizacji średniowiecza, która była postrzegana jako odpowiednik idealnego stanu Atlantydy. Zainteresowanie przeszłością wiązało się z odrzuceniem teraźniejszości i poszukiwaniem ideału.

6. Romantyzm tkwi w podmiotowości, stąd zainteresowanie procesem twórczym, w wyobraźni, gatunku literackiej bajki, otworzyło przestrzeń dla podmiotowości.

Angielski romantyzm.

Obejmuje okres od końca XVIII wieku do lat 30. XIX wieku.

Najwcześniejszym z romantyków był W. Blake. Pierwsza połowa romantyzmu kojarzy się z nazwiskami poetów „Szkół nad jeziorem” lub „lakeistów”: Wordsworth, Coleridge, Southey. Próbując uciec z miasta, którego nie zaakceptowali, osiedlili się w pobliżu jeziora Kezik.

Drugi okres angielskiego romantyzmu rozpoczyna się wraz z wejściem do literatury Byrona i Shelleya.

Angielski romantyzm, podobnie jak wszystkie jego formy narodowe, ma zarówno wspólne idee typologiczne, jak i tożsamość narodową. Oczywiście autorzy angielscy wykazywali szczególne zainteresowanie Rewolucją Francuską, ale poczucie kryzysu epoki wywołanego skutkami Rewolucji Francuskiej i kryzysu gospodarczego pobudziło zainteresowanie nauką socjalistów – w szczególności Owena. Niepokoje ludowe (występy luddytów i procesy przeciwko nim) dały początek poezji poetyckiej i motywom tyrańskim w poezji. Romantyzm w Anglii miał tradycję reprezentowaną przez sentymentalizm i preromantyzm. Obraz Szatana, bardzo popularny w angielskim romantyzmie, ma swoją tradycję także w Raju utraconym Miltona (XVII w.).

Filozoficzne podstawy angielskiego romantyzmu sięgają do sensacji Hobbesa i Locke'a oraz do idei filozofów niemieckich, zwłaszcza Kanta i Schellinga. Uwagę angielskich romantyków przyciągnął także panteizm Spinozy i mistyka Boehmego. Angielski romantyzm łączy empiryzm z idealistyczną koncepcją rzeczywistości, przejawiającą się w szczególnej dbałości o przedstawienie świata obiektywnego (budynek, ubiór, obyczaje).

Angielski romantyzm wyróżnia się racjonalnością (poezja Byrona i Shelleya). Jednocześnie angielski romantyzm nie jest obcy mistycyzmowi. Dużą rolę w rozwoju poglądów angielskich romantyków odegrał traktat Burke'a „O wzniosłości i pięknie”, w którym do kategorii wzniosłości zaliczał się także straszny esej De Quinceya „Morderstwo jako sztuka”. Esej ten otworzył drogę do literatury kryminalnym bohaterom, którzy bardzo często (jak u Byrona) są moralnie znacznie wyżsi od tzw. przyzwoitego społeczeństwa. Dzieła De Quinceya i Burke'a potwierdzały obecność w świecie 2 odwiecznych przeciwstawnych sił: dobra i zła, niezwyciężoność zła i obecność w nim dwoistości, ponieważ zło zawsze obdarzone jest przerośniętym umysłem. Szatan (od Blake'a do Byrona) wszedł w szereg postaci angielskiego romantyzmu pod różnymi imionami i uosabiał umysł. Kult rozumu jest jedną z kategorycznych cech angielskiego romantyzmu.

Globalny charakter pojawiających się problemów zrodził mit kreatywności i symboliki. Obrazy i fabuły angielskiego romansu zostały zaczerpnięte z Biblii, która była księgą odniesienia nawet dla takich ateistów jak Byron.

Wiersz „Kain” Byrona opiera się na przemyśleniu biblijnej historii.

Często angielscy romantycy zwracali się do starożytnej mitologii i przemyśleli ją (na przykład wiersz Shelleya „Prometeusz niezwiązany”). Angielscy romantycy mogli przemyśleć dobrze znane wątki literackie, na przykład w wierszu Byrona „Mafred” przerobiono fabułę Fausta Goethego.

Angielski romantyzm to przede wszystkim poezja i poezja liryczna, w której wyraźnie wyraża się osobowość poety, bardzo trudno odróżnić świat bohatera lirycznego od świata własnego autora.

Temat poezji, oprócz przekazywania indywidualnych przeżyć, wiąże się z obrazem morza czy statku. Anglia to potęga morska. Angielski romantyzm znalazł teoretyczną refleksję w swoich manifestach literackich: Przedmowie Wordswortha do „Lyric Ballads”, „Defense of Poetry” Shelleya i „Literary Biography” Coleridge'a. Nowe słowo wypowiedzieli angielscy romantycy w dziedzinie powieści. Za twórcę historycznej powieści romantycznej uważa się Waltera Scotta.

George Noel Gordan Byron

Pierwszy okres twórczości Byrona to lata 1807-1809: czas powstania zbioru Godziny wolnego oraz satyry Angielskich bardów i szkockich recenzentów. Poeta w tym czasie przygotowuje się do działań w Izbie Lordów, więc w tym zbiorze widoczne są ślady nieco beztroskiego stosunku do poezji. Kolekcja „Godziny wypoczynku” wywołała ostrą krytykę.

Szczególnie znaczącym wierszem tego okresu jest wiersz „Chcę być wolnym dzieckiem”. Wszystkie główne tematy prac Byrona zostały znalezione w tej kolekcji:

Sprzeciw wobec społeczeństwa

Rozczarowanie przyjaźnią (utrata prawdziwych przyjaciół),

Miłość jest podstawą egzystencji

tragiczna samotność

Bliskość dzikiej przyrody

A czasem pragnienie śmierci.

W swojej satyrze „Angielscy bardowie i szkoccy recenzenci” Byron bardzo negatywnie wypowiada się o twórczości poetów „szkół nad jeziorem”.

Drugi okres twórczości Byrona: 1809-1816 obejmuje „Podróż za granicę” (1809-1811), „Obowiązkowe dla młodych ludzi z rodzin arystokratycznych i życia w Anglii”. Podczas swoich podróży odwiedził Portugalię, Hiszpanię, Albanię i Grecję. W 1812 roku ukazały się 2 piosenki „Pielgrzymka dziecka Harolda”. Ostatnie 2 części tego wiersza powstały po długiej przerwie, a cały wiersz jest rodzajem dziennika podróży poety. Tradycyjne tłumaczenie tytułu tego poematu nie jest do końca dokładne, w wersji angielskiej dopuszcza się przekład pielgrzymki, tułaczki i drogi życiowej, natomiast w tłumaczeniu rosyjskim wzięto tylko pierwsze słowo. Pielgrzymka odbywa się do świętych miejsc, a Byron tego nie ma, chyba że uznamy za możliwe, że poeta ironizuje o swoim bohaterze. W Byronie zarówno jego bohater, jak i sam poeta udają się w podróż, więc bardziej poprawne byłoby przetłumaczenie wiersza „Wędrówka dziecka Harolda”.

Na początku wiersza zachowano epickie cechy charakterystyczne dla tego gatunku (pierwotnie wiersz był gatunkiem epickim):

Byron po raz pierwszy przedstawia nam rodzinę Harolda i początki jego życia. Harold ma 19 lat, element epicki czy zdarzeniowy bardzo szybko ustępuje miejsca lirycznemu, przekazującemu myśli i nastrój samego autora. Wiersz staje się więc u Byrona gatunkiem liryczno-epickim, a plany liryczne i epickie w żaden sposób się nie przecinają. W trakcie rozwoju wiersza epos schodzi na dalszy plan i generalnie znika pod koniec. W ostatnich 4 utworach Byron w ogóle nie odwołuje się do imienia tytułowego bohatera Harolda i otwarcie sam staje się głównym bohaterem utworu i zamienia cały wiersz w opowieść o własnych przeżyciach.

Wiersz pomyślany został w duchu ówczesnej literatury, jako opowieść o wydarzeniach z przeszłości, dlatego w tytule zostało zachowane słowo Childe, które w średniowieczu było tytułem młodego szlachcica, który nie został jeszcze pasowany na rycerza. Jednak idea wiersza szybko się zmieniła i bohater wiersza stał się współczesny Byronowi. W tym wierszu pojawił się nowy bohater, którego później nazwano „Byronic”.

Lista własności młodego mężczyzny w wieku 19 lat:

1. Bezczynna rozrywka

2. Rozpusta

3. Brak honoru i wstydu

4. Krótkie romanse

5. Horda kumpli od picia

Mówimy o postaci, która ostro zrywa z normami moralności. Harold zawstydził swoją starożytną rodzinę, ale Byron wprowadza pewne zmiany w obrazie, frazą „Satiation przemówiło w nim”. Nasycenie to romantyczna koncepcja. Bohater romantyczny nie przechodzi długiej ścieżki ewolucyjnej, widzi, tak jak Harold, widząc swoje otoczenie w prawdziwym świetle. Ta realizacja przenosi Harolda na nowy poziom - poziom osoby, która potrafi patrzeć na świat i na siebie jakby z zewnątrz. Bohater Byrona łamie ustalone przez tradycję normy, zawsze ma więcej wolności niż ci, którzy ich przestrzegają. Bohater Byrona jest prawie zawsze przestępcą, w tym sensie, że przekracza ustalone granice. Ceną za nową wiedzę jest zawsze samotność, a wraz z tym uczuciem bohater odzyskuje siły po swoich wędrówkach.

W pierwszej piosence przed czytelnikiem pojawia się Portugalia, w drugiej piosence Albania i Grecja, w trzeciej piosence Szwajcaria i pole Waterloo, w tej samej piosence pojawia się temat Napoleona, który jest rozwiązany niejednoznacznie, czwarta piosenka opowiada o Włoszech . Pieśni 3 i 4 w większym stopniu niż dwa pierwsze są lirycznym dziennikiem autora. Byron szczegółowo opisuje zwyczaje, obyczaje. Krajobraz romantyczny to krajobraz ruin, żywiołów i egzotycznego krajobrazu.

Na tym samym etapie Byron napisał tak zwane „wiersze orientalne”: „Gyaur”, „Korsarz”, „Lara” itp. Nazywano je „wschodnimi”, ponieważ akcje rozgrywają się na wschodzie Anglii na egzotycznych wyspach Morza Śródziemnego w pobliżu Turcji. Wszystkie te wiersze mają napiętą - rozwijającą się fabułę, oddają intensywność namiętności. Pasja, zemsta, wolność to główne tematy wierszy. Bohaterowie wszystkich wierszy są maksymalistami, nie uznają półśrodków, półtomów, kompromisów. Jeśli zwycięstwo jest nieosiągalne, wybierają śmierć. Zarówno przeszłość bohaterów, jak i ich przyszłość są tajemnicze. Kompozycyjnie wiersze orientalne kojarzą się z tradycjami ballady, który oddawał tylko najintensywniejsze momenty w rozwoju fabuły, nie rozpoznając sekwencji w przedstawieniu wydarzeń. Przykład naruszenia chronologii wydarzeń można znaleźć w „Gyaur”.

„Gyaur”

Wiersz zbudowany jest jako suma różnych, niepowiązanych ze sobą sekwencji wydarzeń zachodzących w różnym czasie. Gyaur w tłumaczeniu „niewierzący”. Oddzielne fragmenty są połączone dopiero w finale. Kiedy w klasztorze Gyaur opowiada, że kochał Leilę, przygotowywał się do ucieczki z nią z haremu, ale spisek został ujawniony, została zrzucona z klifu do morza i zemścił się na jej mężu, na którego rozkaz ukochana kobieta zginęła, zabijając go. Po jej śmierci życie narratora straciło sens.

"Korsarz"

W Corsair wydarzenia toczą się sekwencyjnie, ale autor zachowuje tajemnice związane z przeszłością bohaterów i nie podaje jednoznacznego zakończenia. Głównym bohaterem jest Conrad-Corsair, czyli pirat, rozbójnik morski, który przekroczył prawo. Nie wiemy nic o nim, dlaczego został piratem, ale jasne jest, że jest wykształcony. Tragedia Conrada polega na tym, że uznaje tylko własną wolę, tylko swoją ideę świata, a przeciwstawiając się tyranii i opinii publicznej oraz prawom i regułom ustanowionym przez Boga, sam staje się tyranem. Byron zmusza swojego bohatera do zastanowienia się nad swoim prawem do pomszczenia wszystkich za zło nielicznych. Podczas walki z Selimem zostaje schwytany, gdzie czeka go egzekucja. Pozbawiony wolności doświadcza wyrzutów sumienia. Tak więc po raz pierwszy Byron sprawia, że jego bohater wątpi w słuszność swoich osądów. Drugi błąd pojawia się, gdy uwolniony przez zakochaną w nim żonę sułtana wraca i widzi piracki statek spieszący mu na ratunek. Nigdy nie wyobrażał sobie, co może wywołać miłość w sercach tych ludzi.

Do 1815 r. powstał najbardziej tragiczny i liryczny wiersz „Przebacz”, skierowany do żony po rozwodzie. Po rozwodzie, w trakcie oszczerczej kampanii przeciwko niemu, w 1816 roku Byron opuścił Anglię na zawsze.

„Manfred”

1816 to najtrudniejszy okres w życiu poety. Część tego roku spędza w Szwajcarii, a następnie osiedla się we Włoszech. W tym czasie pisze swój wiersz „Manfred”. Sam Byron nazywa swój wiersz „poematem dramatycznym”, ale poprzez rodzaj obrazu świata Manfred zbliża się do tajemnicy i dramatu filozoficznego, w których dominującą zasadą przekazu myśli jest symbolizm. Wszystkie postacie w tym wierszu są uosobionymi ideami. Manfred został napisany pod wpływem Fausta Goethego, co sam Goethe przyznał. Jednak sam Byron, jeśli był inspirowany Faustem, to bardzo od niego odchodził.

Jego bohater jest również czarnoksiężnikiem, ale celem bohatera nie jest zdobycie pięknego momentu. Manfred stara się uwolnić od cierpienia, na które skazuje go jego pamięć i sumienie. Jest przyczyną śmierci ukochanej Astarte, której cień chce przywołać ze świata umarłych, by prosić o przebaczenie.

Głównym tematem pracy jest cierpienie niezwykle samotnego człowieka, który wszystko wiedział ze świadomości niewybaczalnej winy, z niemożności odnalezienia zapomnienia. Cała akcja rozgrywa się na szczycie Alp, w starym gotyckim zamku pełnym tajemnic. Nawet przed śmiercią, nie otrzymawszy przebaczenia Astarte, Manfred nie żałuje. „Manfred” to ostatni wiersz Byrona o potężnym samotnym człowieku, który uważa, że ma prawo opierać się wszechświatowi siłą swojego umysłu i woli.

To ostatnia praca, w której ludzki egoizm i indywidualizm popełniają zbrodnię.

Okres włoski (1816-1824) to pojawienie się ironicznego spojrzenia na świat i poszukiwanie alternatywy moralnej, alternatywy indywidualistycznej.

Szczególne znaczenie ma powieść w wersecie „Don Juan” i tajemnica „Kain”.

Tajemnica oparta jest na tekście biblijnym. Byron zachował podstawę fabuły: ofiara Kaina nie została zaakceptowana przez Boga, on, żywiąc zło, zabił swojego brata, podobając się Bogu.

Biblia przedstawia Kaina jako pierwszego zawistnego i mordercę, który zbuntował się przeciwko Bogu.

Psychologia motywacji Biblia nie podaje. Byron przerywa ten spisek, widząc w nim konflikt bezmyślnego posłuszeństwa i pychę ludzkiej myśli. Po raz pierwszy Byron sprzeciwia się tyranowi (Bogu), nie indywidualiście, ale altruiście. Kain nie tylko sam sprzeciwia się tyranii Boga, ale stara się rozwikłać tajemnicę śmierci, aby uratować od niej wszystkich ludzi.

Indywidualizm reprezentuje tu Lucyfer – anioł, który zbuntował się przeciwko tyranii najwyższej władzy, pokonany, ale nie poddany tyranowi. Lucyfer reprezentuje szereg osób, z których ostatnią był Manfred.

Od sceny 1 aktu 1, Byron tworzy napięty pojedynek pomysłów, różnych idei dotyczących świata i siły, która rządzi tym światem. Po modlitwie Adama i Ewy oraz Abla, w której wychwalali Boga, następuje dialog między Adamem i Kainem, którzy nie brali udziału w doksologii ogólnej. Kaina prześladuje pytanie, czy Bóg jest wszechwiedzący, wszechmocny czy dobry. Aby przetestować, składa w ofierze kwiaty i owoce. Bóg nie przyjmuje bezkrwawej ofiary Kaina, ale przyjmuje krwawą ofiarę Abla, kiedy zabija on baranka w imię Boga.

Kain chciał zniszczyć ołtarz Boży, ale Abel stanął w obronie, tracąc nad sobą władzę, w przypływie oburzenia od ślepoty ludzi zabija swojego brata, pierwszego, który sprowadził śmierć, od której chciał wszystkich ocalić .

Po zabiciu Abla, przeklętego przede wszystkim przez matkę, zostaje wyrzucony z domu, niewiadoma czeka na niego i jego rodzinę.

Najcięższą karą jest jego skrucha i skazanie na wieczne zwątpienie w siebie i swoich bliskich, którzy mogą powtórzyć jego zbrodnię. Bóg tyrana jest niezwyciężony, tajemnica życia i śmierci nie jest znana, zbrodnia została popełniona.

Konflikt między człowiekiem a władzą wyższą pozostał nierozwiązany, chociaż pojawia się nowy trend: ten, kto zbuntował się przeciwko władzy wyższej, mówił nie tylko za siebie. Kain może mieć tylko nadzieję, że stanie się duchowo wolną osobą, ale czy Kain, złamany popełnioną zbrodnią, będzie mógł uwolnić się duchowo.

Francuski romantyzm.

Francuski romantyzm narodził się z wydarzeń rewolucji francuskiej z 1789 roku i przetrwał 2 kolejne rewolucje.

Etap 1 Rewolucji Francuskiej: 1800-1810

Etap 2: 1820-1830

Jednak twórcza ścieżka takich romantyków jak J. Sant i V. Hugo przekroczyła te granice, a w malarstwie francuskim romantyzm przetrwał do 1860 roku.

Co ciekawe, w kraju, który doświadczył niesamowitych wstrząsów i rewolucji, na pierwszym etapie romantyzmu pojawiają się prace, w których praktycznie nie ma skupienia na fabule.

Oczywiście wpłynęło na to zmęczenie narodu katastrofami rzeczywistości. Uwagę pisarzy przykuwa obszar uczuć, zresztą nie są to tylko emocje, ale ich najwyższym przejawem jest pasja.

Na pierwszym etapie Szekspir staje się idolem francuskiego romantyzmu. Germain de Smal w 1790 pisze traktat „O wpływie namiętności na szczęście jednostek i narodów”.

Rene Cheteaubriand w swojej książce „Geniusze chrześcijan” w dziale „O niejasności namiętności”.

Pierwsze miejsce zajmuje pasja miłości. Miłość nigdzie nie jest przedstawiana jako szczęśliwa, łączy się z obrazem cierpienia, całkowitej samotności psychicznej i duchowej.

Wraz z powieścią Chateaubrianda Rene pojawia się szereg tak zwanych żałobników-bohaterów, którzy przejdą przez literaturę zarówno Anglii, jak i Rosji, otrzymując imię ludzi zbędnych.

Temat samotności, bezsensownego marnowania energii stanie się głównym tematem powieści Senancourta i Musseta.

W pracach Chateaubrianda pojawia się temat religii jako drogi pojednania z rzeczywistością. Niemałą rolę odegrała znajomość Francuzów z ideami niemieckich romantyków. Ogromnym zainteresowaniem cieszą się nie tylko Niemcy, ale także Ameryka i Wschód. Bardzo często bohaterami francuskich romantyków były osoby związane ze sztuką.

W powieści Carinna Germaine de Stael muzyka była główną pasją bohaterki. Pojawienie się kolejnego tematu wiąże się z twórczością Germaine de Stael: tematu kobiecej emancypacji. Nieprzypadkowo pisarka nazywa swoje powieści imionami kobiecymi („Karinna”, „Dolphin”).

Na II etapie francuskiego romantyzmu rozwijają się zarysowane wcześniej tendencje, ale zachodzą zmiany w przedmiocie i sposobach ich realizacji.

Na tym etapie następuje rozwój dramatu. Melodramat tkwiący w większości dramatów romantycznych osiąga najwyższy poziom, namiętności tracą motywację, rozwój fabuły jest uzależniony od przypadku. Wszystko to zrodziło się ze specyfiki poprzedniego historycznego etapu rewolucji, kiedy życie ludzkie straciło swoją cenę, kiedy śmierć czekała na wszystkich w każdej chwili.

W literaturze pojawia się powieść historyczna i dramat.

Victor Hugo „Notre Dame”, „Nędznicy”, „93”, „Człowiek, który się śmieje”.

Autorami dramatu historycznego są Hugo i Musset, ale w powieści historycznej iw dramacie historycznym zawsze zwracano uwagę na moralny sens tego, co się dzieje. Życie duchowe człowieka okazało się ważniejsze niż historia państwa.

Gatunki historyczne we Francji rozwijają się pod wpływem W. Scotta. ale w przeciwieństwie do niego, człowieka, który nigdy nie uczynił postaci historycznych tytułem swoich powieści, francuscy autorzy wprowadzają postacie historyczne wśród głównych bohaterów. Francuzi zwrócili uwagę na temat ludu i jego rolę w historii. Wiele nierozwiązanych problemów w życiu społeczeństwa, które powstały jeszcze przed rewolucją, powoduje zainteresowanie literaturą w nauczaniu socjalistów – Pierre Meru, Saint Simon.

V. Hugo, J. Sant wielokrotnie odwołują się do swoich pomysłów w swoich powieściach nie tylko o przeszłości, ale także o teraźniejszości. Tutaj poetyka romantyczna zostaje wzbogacona o poetykę realistyczną.

Od 1830 r. francuski romans skłania się ku analizie. Pojawia się tak zwana literatura przemocy (V. Hugo pisze opowiadanie „Ostatni dzień skazany na śmierć”). Specyfika tej literatury tkwi w opisie ekstremalnych sytuacji życia codziennego. Temat gilotyny, rewolucji, terroru, kary śmierci jest w tych pracach głównym tematem.

Wiktor Hugo

Najważniejszy pisarz europejskiego romantyzmu. Był romantykiem według typu postrzegania świata i miejsca w nim poety. Hugo rozpoczyna swoją twórczą działalność jako poeta.

1 kolekcja: „Ody” (1822)

2 kolekcja „Ody i ballady” (1829)

Już same tytuły pierwszych zbiorów świadczą o związkach początkującego poety z klasycyzmem. Na pierwszym etapie Hugo ma tendencję do przedstawiania konfliktu między miłością a domem, jego styl jest bardzo żałosny.

Materiały III kolekcji („Orientalne”) to egzotyczny i malowniczy Wschód, bardzo popularny we Francji.

„Cromwell” – pierwszy dramat V. Hugo. Wybór tematu wynika z niezwykłego charakteru tego angielskiego polityka. Najważniejszy był wstęp do dramatu, a nie sam dramat. Idee przedmowy są ważne dla całego ruchu romantycznego, kojarzą się z końcem historyzmu, z problemem groteski, zasady odwzorowywania rzeczywistości, specyfiki dramatu jako swego rodzaju wyjątek. Romantyczny historyzm i romantyczna dialektyka leżą u podstaw idei Hugo dotyczących rozwoju społeczeństwa i jego kultury. Całość periodyzacji Hugo podlega nie tyle zmianom w stosunkach społecznych, ile rozwojowi świadomości.

3 epoki według Hugo:

1) prymitywny

2) Antyczny

Na pierwszym etapie, jego zdaniem, budzi się nie tyle świadomość, ile emocje, a wraz z nią powstaje poezja. Człowiek jest w stanie wyrazić tylko swój zachwyt i komponuje hymn i odę, więc powstaje Biblia. Bóg jest tu nadal tajemnicą, a religia nie ma dogmatów.

Na etapie starożytności religia przybiera pewną formę, ruch narodów i powstawanie państw rodzi epos, którego szczytem jest dzieło Homera. Na tym etapie nawet tragedia jest etyczna, ponieważ aktor powtarza ze sceny treść eposu.

Nowa epoka zaczyna się, gdy surowe powierzchowne pogaństwo zostało zastąpione przez religię spirytualistyczną, która ukazuje człowiekowi jego podwójną naturę: ciało jest śmiertelne, duch jest wieczny. Idea dwoistości, która zrodziła się wraz z nadejściem chrześcijaństwa, będzie przewijać się przez cały system poglądów Hugo, zarówno w dziedzinie etyki, jak i estetyki.

W ten sposób, podkreślając kultury, Hugo utrwala świadomość, która przejawia się w postaci wierzeń i sztuki. Pojęcie dwoistości świata tworzy nowy rodzaj wyjątkowego dramatu, w którym dominuje walka dwóch tendencji – konfliktów. Idea dwoistości leży u podstaw wszystkich estetycznych konstrukcji Hugo. Dramat łączy tragedię i komedię. Szczytem dramatu jest twórczość Szekspira.

Hugo zwraca szczególną uwagę na problem groteski. Hugo ma kontrast w traktacie groteski. Nie łączy groteski z brzydotą, ale przeciwstawia ją wzniosłości.

Według Hugo groteska (nawet antyczna) przekazuje nie tylko brzydotę, ale otacza obraz „mgiełką wielkości lub boskości”. Według Hugo groteska jest obok wzniosłości, w tym całej różnorodności świata. Nawet bohater dramatu „Cromwell” okazuje się postacią groteskową, dlatego w jego postaci łączą się sprzeczne cechy, co tworzy romantyczną, wyjątkową postać. Bohaterowie Hugo (Quasimodo, Jean Voljean, de Pien) są groteską w sensie romantycznym.

Hugo poświęcił wiele uwagi problemowi 3 jednostek, uważając, że tylko jednostka działania ma prawo istnieć, ponieważ zawiera podstawowe prawo dramatu.

„Ernani”

"Ernani" - 1 ze znaczących prac Hugo.

W „Ernani” czas akcji wykracza daleko poza jeden dzień, miejsce akcji ciągle się zmienia, ale on namiętnie trzyma się jedności działania: konflikt miłości i honoru spaja wszystkie postacie i jest motorem intrygi. Miłość do młodej dony de Sol łamie Hernaniego, króla Carlosa, księcia de Silva i rodzi nie tylko miłość do rywalizacji, ale także kojarzy się z honorem. Honor Ernaniego (pozbawionego królewskich praw, księcia Aragonii) wymaga od niego zemsty na królu Carlosie i poddania się de Silvie, który uratował mu życie. De Silva nie zdradza rywala, nienawidzi go, gdyż honor rodziny wymaga, by prześladowani otrzymywali azyl. Król Carlos, który został cesarzem, uważa, że musi przebaczyć swoim wrogom. Dona de Sol musiała bronić swego honoru sztyletem.

Kwestia honoru jest stale obecna w każdej scenie, nawet w finale, w dniu ślubu, de Silva żąda od Hernaniego spłaty honorowego długu i oddania życia. Dramatem jest śmierć Ernaniego i Doñy Sol. Mimo to de Silva rozumie także zwycięstwo miłości, także popełnia samobójstwo.

Tak więc siła namiętności determinuje zachowanie każdego z bohaterów. Ale jeśli w tragedii klasycyzmu król występuje jako nosiciel najwyższej sprawiedliwości, to w Hugo jest to zbójnik Ernani.

"Katedra Notre Dame"

Problemy moralne i dramatyczna intensywność akcji leżą u podstaw powieści historycznej Katedra Notre Dame. To pierwsza znacząca powieść Hugo. Zdarzenia przypisywane są do 1482 roku. Prawie wszystkie postacie są fikcyjne. Król Ludwik XI nie ma wpływu na rozwój wydarzeń, we wstępie pisze, że pomysł stworzenia powieści podsunęła tajemnicza inskrypcja na ścianie katedry. To było greckie słowo oznaczające skałę. Hugo widział 3 formy manifestacji losu: los prawa, los dogmatu i los natury. Hugo pisze w tej powieści o losie dogmatu. O losach prawa napisze w powieści Nędznicy, a losy natury znajdą odzwierciedlenie w Robotnicy morza.

W Notre Dame de Paris występują 3 główne postacie: Claude Frolo, dzwonnik Quasimodo, Esmeralda, tancerka uliczna. Każdy z nich jest ofiarą losu – religijnego dogmatu lub przesądu, który wypacza ludzką naturę i sprawia, że piękno widzi tylko grzeszne.

Claude Frolo jest osobą wykształconą, ukończył 4 wydziały Sorbony. Znalazł Quasimodo w pobliżu świątyni. Frolo widzi w brzydkim dziecku nieszczęśnika. Nie ma średniowiecznych przesądów (to znaczy przesądów swoich czasów). Jednak zajęcie się teologią skazało go na hańbę i nauczyło dostrzegać w kobietach tylko występek, a w sztuce diaboliczne siły. Miłość do tancerza ulicznego objawia się nienawiścią. Z jego powodu Esmeralda zmarła na szubienicy. Pali go moc nieugaszonej namiętności. Zewnętrznie obrzydliwy Quasimodo, którego przesądny tłum uważa za wytwór diabła, jest przyzwyczajony do nienawidzenia tych, którzy się go boją i kpią z niego.

Esmiralda, która wychowała się wśród Cyganów, przyzwyczaiła się do ich obyczajów, jest pozbawiona duchowej głębi. Odbiór kontrastu, groteska leży u podstaw tworzenia systemu obrazów.

Kocha mało znaczącego żołnierza w pięknym mundurze, ale nie jest w stanie docenić ofiarnej miłości do siebie brzydkiego Quasimodo.

Groteskowe są nie tylko postacie, ale i sama katedra. Katedra pełni kompozycję ideową, funkcję chronologiczną. Katedra to także filozofia, odzwierciedla historię ludu. Wszystkie akcje odbywają się wewnątrz lub w pobliżu katedry. Wszystko jest związane z katedrą.

„Les Miserables”, „Robotnicy morza”, „Człowiek, który się śmieje”, „93”

Do znaczących dzieł należą jego powieści, powstałe w latach 1860-70. „Les Miserables”, „Robotnicy morza”, „Człowiek, który się śmieje”, „93”.

„Les Misérables” to wielkie epickie płótno obejmujące 10 lat, zawierające sceny z różnych środowisk, wydarzenia przenikają się w różnych miejscach w prowincjonalnym miasteczku niedaleko Waterloo.

Powieść skupia się na historii głównego bohatera Jeana Voljeana. Zaczyna się od tego, że ukradł z głodu bułkę i otrzymał za to 19 lat ciężkiej pracy. Jeśli stał się załamanym duchowo mężczyzną ciężko pracującym, pozostawił ją nienawidzącą wszystkiego i wszystkich, zdając sobie sprawę, że kara jest wielokrotnie większa niż wina.

Konflikt między dobrem a złem jest centralnym elementem tej powieści.

Były skazany po spotkaniu z biskupem Mirielem odrodził się i zaczął służyć tylko dobru. Opętany ideą powszechnej równości i dobrobytu, pod nazwiskiem Pana Madeleine, tworzy w jednym z miast rodzaj społecznej utopii, w której nie powinno być biedy, a moralność powinna triumfować we wszystkim. Ale musi przyznać, że absolutyzacja nawet najwyższej idei może prowadzić do cierpienia. Tak ginie matka Casety, Fantine, bo dla niej, matki nieślubnego dziecka, osoby, która się potknęła, nie ma miejsca w burmistrzowskiej fabryce, gdzie niemoralność jest surowo karana. Znowu wychodzi na ulicę i tam umiera. Postanowił zostać ojcem Casety, ponieważ nie udało mu się stworzyć szczęścia dla wszystkich.

Główne znaczenie w powieści to konfrontacja Jeana Voljeana z Joverem (policjantem) - dogmat prawa. Jover najpierw zaczął ciężko pracować, a potem jako policjant. Zawsze i we wszystkim kieruje się literą prawa. Ścigając Volzhan jako byłego skazańca, który ponownie popełnił przestępstwo (nazwisko kogoś innego), narusza sprawiedliwość, ponieważ były skazany już dawno się zmienił. Policjantowi nie pasuje jednak idea, że przestępca może być moralnie wyższy zarówno od niego, jak i od prawa.

Po tym, jak Jean Voljean wypuszcza Jovera z barykady i ratuje rannych marios (kochanek Casety), sam zostaje oddany w ręce policji, w duszy Jovera dochodzi do złamania.

Hugo pisze, że Jover przez całe życie był niewolnikiem sprawiedliwości. Spełniając prawo, Jover nie kłóci się, czy ma rację, czy nie. Jover popełnia samobójstwo i uwalnia Jeana Voljeana.

Finał powieści nie potwierdza jednoznacznie triumfu i istnienia boskiej sprawiedliwości. Boska sprawiedliwość istnieje tylko w ideale. Jover umiera ratując Jeana Voljeana, ale to nie uszczęśliwia Jeana Voljeana. Po stworzeniu szczęścia Casety i Marios zostaje przez nich porzucony. Dopiero przed śmiercią dowiadują się o wszystkich sprawach tej osoby. Jean Voljean i Jover to groteskowe postacie zbudowane na zasadzie kontrastu. Ten, który jest uważany za niebezpiecznego przestępcę, okazuje się szlachetną osobą. Każdy, kto całe życie żyje zgodnie z prawem, jest przestępcą. Obie te postacie przeżywają załamanie moralne.

„Człowiek, który się śmieje”

Autor rozwiązuje nurtujące go problemy w najbardziej uogólnionej formie, co znajduje odzwierciedlenie w imionach, jakie nadaje bohaterom. Mężczyzna nosi imię Ursus – niedźwiedź, ale wilk – Homo (człowiek). Wydarzenia z powieści potwierdzają słuszność tych nazw.

Romantyczne pragnienie egzotyki przejawia się w opisie obu obyczajów Anglii minionych wieków, jak w opowieści o poczynaniach tzw. Budka.

"93" (1874)

Ostatnia powieść. Poświęcony tragicznym wydarzeniom Rewolucji Francuskiej. W tłumaczeniu rosyjskim słowo „rok” pojawiło się w tytule, ale dla Francuzów liczba 93 mówi sama za siebie.

W powieści pragnienie autora uproszczenia postaci i wyrażenia swoich myśli za pomocą symboli zostaje zachowane i powstaje.

Wydarzenia mają miejsce podczas terroru jakobińskiego w Vendée, gdzie wojska republikańskie walczą z rojalistami. Dowódcą oddziału jest młody, utalentowany Gowen, kochany przez żołnierzy.

Rojaliści mają markiza Lantenac – mądrego, sprawiedliwego i niezmiernie okrutnego. Złożoność sytuacji polega na tym, że Gauvin jest z pochodzenia stryjecznym bratankiem Lantenac. Govin został wychowany przez republikanina Cimourdaina, widzi w nim duchowego syna.

Cimourdain zostaje wysłany, by mieć oko na Gauvina, a jeśli naruszy swoje obywatelskie obowiązki, musi go zabić. W finale Lantenac, pokrywszy krwią całą dzielnicę, czyni jeden dobry uczynek - ratuje cudze dzieci przed śmiercią w pożarze i dlatego zostaje schwytany przez Gauvina. Gauwen nie jest w stanie zabić schwytanego mężczyzny, ratując dzieci i daje mu możliwość ucieczki.

W tym celu Cimourdain musi dokonać egzekucji swojego ucznia, ale nie może przeżyć śmierci najbliższej mu osoby i sam się zabija.

Sytuacja wydaje się nie do rozwiązania, ponieważ to, co społeczne splata się z osobistym.

W powieści dominują 2 symbole: gilotyna i matka. Wszystkie wydarzenia rozgrywają się na tle gilotyny i matki, która szuka dzieci zabranych przez Lantenac. W finale spotykają się matka i gilotyna. Cimourdain i Gauvin padają ofiarą gilotyny i umierają w imię sprawiedliwości. Samobójstwo Cimourdaina jest podobne do śmierci Jovera: obaj nie mogli przezwyciężyć idei domu, wyłączając ludzkość.

niemiecki romantyzm

Scena w Jenie

Niemiecki romantyzm przeszedł kilka etapów swojego rozwoju:

1) Jena (datowany warunkowo 1797-1804)

2) Heydeilgberg (do 1804)

Bracia Friedrich i August Wilhelm Schlegegli, Novalis, Ludwig Tieck, Friedrich Wilhelm Schilling, Friedrich Schleielmarcher, Herderlin. Głównymi dokumentami programowymi jeneńskiego romantyzmu były „Fragmenty krytyczne” F. Schlegla, „Fragmenty” Schlegla i Novalisa.

Romantycy interesują się istotą ducha i materii, związkiem tego, co ogólne z tym, co szczegółowe, ich dialektyką, możliwością poznania świata i zbliżenia się do ideału. Chcieli zrozumieć miejsce przyrody, religii, Boga, moralności w systemie wszechświata, a także rolę logiki, wyobraźni w systemie wiedzy. I potwierdź związek jako konsekwencję filozofii, nauki i sztuki.

Najwyższą formą wiedzy (Shilling) jest filozofia i sztuka.

Dostrzegając nieograniczone możliwości twórczości artystycznej, Schilling jako pierwszy dostrzegł jedność świadomego i nieświadomego w procesie twórczości. Stwierdził, że każde dzieło sztuki pozwala na nieskończoną ilość interpretacji. W ten sposób filozofia ujawnia ważną właściwość sztuki – jej wieloznaczność. Schilling powiedział, że sztuka przywraca człowieka do natury i pierwotnej tożsamości.

Nową jakością romantyzmu jest dbałość o historię, historyzm myślenia. Jednak historyczny romantyzm jest specyficzny.

Jenczycy często mówili o 3 etapach rozwoju społeczeństwa:

1) złoty wiek istniał, gdy człowiek nie był odizolowany od natury z powodu niedorozwoju świadomości.

2) wraz z rozwojem świadomości człowiek oddziela się od natury, próbuje ją ujarzmić i staje się wobec niego wrogi.

3) możliwy jest nowy złoty wiek (w przyszłości), kiedy duchowy rozwój człowieka pozna piękno i wielkość natury, stanie się jego przyjacielem, powstanie harmonia, ale na nowych warunkach, czyli naturalnie człowiek nie zstąpi do natury, ale wzniesie się do niej w swoim wysokim rozwoju. Umiejętność kochania podnosi człowieka i zbliża go do natury. Szczególne znaczenie w niemieckim romantyzmie ma muzyka, bohater często staje się muzykiem lub romantycy tworzą nagrania dźwiękowe.

Etap 2: etap Heidelberg

Pierwsza dekada XIX wieku przynosi zmiany w niemieckim romantyzmie: Novalis i Wackenroder umierają, Herderlin popada w szaleństwo, zmienia się filozofia braci Schlegel i Schelling. Blue Flower Novalisa pozostanie marzeniem, ale zmienił się stosunek do samego snu. Miejsce filozofów romantyzmu w Jenie zajmują filozofowie z Heidelbergu, którzy zwrócili się ku kolekcjonowaniu i wydawaniu sztuki ludowej. Zwrócenie się do folkloru na tym etapie nie było ucieczką od rzeczywistości, ale narzędziem budzenia w ludziach samoświadomości.

Umownie rok 1804 uważany jest za początek działalności koła heidelberskiego, choć pisarze tego okresu deklarowali się wcześniej.

Podczas gdy romantycy z Jeny dążą swoim marzeniem do piękna i uniwersalności, Heidelbergerzy od początku odczuwają nieodróżnialne sprzeczności świata.

Tragedię potęgują wojny i zniszczenia, jakie sprowadziły na Niemcy kampanie napoleońskie. Nieprzypadkowo w sztuce tego okresu pojawiają się cechy baroku: śmierć, krew, śmierć rodziny, zniszczenie dobrych uczuć, rozbite charaktery, nienaturalność w stosunkach międzyludzkich. Na czele ruchu stali Achim von Arnim i Clemens Brentano. Do tej samej grupy dołączyli Heinrich von Kleist i Joseph von Eichendorff. Szczególne miejsce zajmują bracia Grimm (Jacob i Wilhelm). Hoffmann nie jest członkiem żadnego stowarzyszenia, dopełnia rozwój romantyzmu w Niemczech. Jego twórczość odzwierciedla kryzys niemieckiego romantyzmu.

Na nowym etapie kształtuje się nowa filozofia Arthura Schopenhauera, który w swoim głównym dziele „Świat jako wola i reprezentacja” twierdzi, że człowiek istnieje w bezlitosnym, nieświadomym, losowo stworzonym świecie.

U Schopenhauera uczucie miłości zostaje zastąpione współczuciem, ponieważ miłość jest mirażem, który natura tworzy w celu promowania reprodukcji gatunku.

Śmierć, która dla Novalisa była przejściem do nowego życia, do nowej doskonałości, traci w twórczości Schopenhauera życiodajną moc i jest końcem bolesnej tęsknoty za śmiercią. Według Schopenhauera sam świat istnieje tylko dlatego, że człowiek jest w stanie go reprezentować. „Świat to mój pomysł”. Jak wszyscy romantycy, Schopenhauer wysoko cenił muzykę, która jego zdaniem opowiada o istocie świata.

Schopenhauer rozwinął doktrynę geniuszu, ale jeśli Jensen widział w geniuszu ucieleśnienie najwyższej twórczej zasady - harmonii, to Schopenhauer twierdził, że patologia jest podstawą geniuszu.

Filozofia Schopenhauera znajduje odzwierciedlenie w pracach Arnima, Kleista i Hoffmanna.

W późnym romantyzmie pojawia się rzeczywistość i prawdziwi ludzie. Bohaterami są nauczyciele, uczniowie, kupcy ze swoimi codziennymi sprawami w zwykłym materialnym środowisku. Sąsiaduje z czarodziejami, fantastycznymi posiadłościami.

Tak więc pojawienie się stylu biedermeier należy do tego czasu. Istotą tego stylu jest przedstawianie zwykłych ludzi w zwyczajnej scenerii.

Po 1806 r. Heidelbergowie zaczynają w nowy sposób interpretować wizerunki jeneńskich romantyków.

Sztuka była postrzegana przez romantyków jako synteza zasad duchowych i materialnych. Sam artysta tworzy mitologię. Artysta ma prawo organizować początkowy chaos, który na tym etapie romantyzmu postrzegany jest jako owocny (Schilling).

Novalis i Heidelbergerowie mają nieodłączne cechy tworzenia mitów. Schelling afirmuje ideę syntezy i rozwija teorię ironii romantycznej. Romantycy mówili, że nie da się poznać świata tylko przy pomocy rozumu.

Schilling za Fichtem wymienia główne narzędzia poznania: intelekt, intuicję i produktywną kontemplację (ideą transcendentalności jest przekraczanie granicy: intuicja i kontemplacja stwarzają możliwość bycia blisko prawdy). Bohaterowie romantyków zawsze kontemplują swoje życie nie poprzez wydarzenia zewnętrzne, ale poprzez intensywne życie duchowe.

Kontemplować świat można tylko z dziecinną naiwnością. To nie przypadek, że postrzeganie romantyków przez dzieci jest podobne do poetyckiego. Kontemplacja sprzeciwia się naukowej wiedzy logicznej. Kontemplacja związana jest z emocjonalnym postrzeganiem impulsów pochodzących z natury, z wewnętrznego „ja” jednostki.

Kontemplacja dzieli się na odrębne akty.

Schlegel: Pojedyncze doznania, z których każde jest samo w sobie izolowane, każde nie jest połączone z drugim.

Tak powstają przesłanki filozoficzne nowego gatunku, fragmentu.

Idea fragmentarycznej percepcji stanie się podstawową zasadą romantycznego światopoglądu i romantycznej estetyki. Nieprzypadkowo prace filozoficzne i estetyczne Novalisa i Schlegla nazywane są „fragmentami”. Yenetowie budują swoje dzieła jako łańcuch fragmentów. Koncepcje kontemplacji i wglądu oparte są na ideach filozofów (Schleielmachera i Schellinga).

Nie są ograniczone ścisłymi prawami logiki, opierają się na swobodnych połączeniach rzeczy i zjawisk, potrafią łączyć zdarzenia niekompatybilne w rzeczywistości, jak i urojone.

Wyobraźnia polityczna uwalnia sztukę od norm, zakazów i starych formalności. Stąd wolność twórcza, synteza gatunków i sztuk, zakazana przez klasycyzm.

Ernst Hoffmann

Osobowość jest uniwersalna. Postrzegał się jako muzyk i był utalentowanym kompozytorem, wykonawcą i dyrygentem. Był nauczycielem muzyki. Zyskał światową sławę jako pisarz, studiował prawo i przez pewien czas pracował jako prawnik, miał talent artysty, malarza i dekoratora. Współcześni zauważyli w nim niesamowite zdolności gawędziarza.

Pierwsze opowiadanie (bajka „Cavalier Glitch”) poświęcone jest osobowości szczególnie czczonego przez niego kompozytora. Ta opowieść znajduje się w zbiorze „Fantasy na sposób Callota”. Callot to francuski grafik, autor niesamowitych, fantastycznych obrazów. Śmiała fantazja Callo przyciągnęła Hoffmanna, ponieważ jego prace łączyły to, co dziwne i znane.

„Fantazja na sposób Callo” zawiera opowiadania – bajki i 2 „Kreislerian”, które są nie tylko fragmentami z życia drugiego „ja” autora – kompozytora Kreislera – ale także artykułów o muzyce i muzykach.

Baśń „Cavalier Gluck” (1809) jest swoistym odtworzeniem autorskiej „iluzorycznej krainy duszy”, a jednocześnie oddaje w fantastycznej formie jedność rozwidlonego świata: głównego bohatera, który sam siebie nazywa Kompozytor Gluck ostro przeciwstawia się światu realnemu, w którym najwyższa sztuka - muzyka - zamienia się w coś na kształt deseru, niezbędnego po dobrej kolacji.

Prawdziwy Gluck zmarł w 1787 roku, ale Hoffmann odtwarza swoje spotkanie z nim, słucha jego wykonania na fortepianie swoich utworów, rozmawia z nim o muzyce przeszłości i teraźniejszości. Czytelnik wciąż ma wątpliwości, czy to naprawdę była usterka, czy też wszystko przedstawione jest tylko wytworem wyobraźni narratora. Zasada podwójnego wyjaśniania niesamowitych zjawisk stanie się jedną z najbardziej charakterystycznych cech poetyki Hoffmanna.

Hoffmann podążając za Novalisem, a jednocześnie spierając się z nim, tworzy swój własny symbol – słonecznik, który ma ukazać istotę muzyka i muzyki. Ale słonecznik jest rośliną hodowaną do spożycia przez ludzi. Novalis ma niebieski kwiat - filozoficzna abstrakcja.

Słonecznik zawsze zwrócony jest w stronę słońca, Gluck Hoffmanna zwraca się ku słońcu, kiedy tworzy swoje najlepsze dzieło. W tłumaczeniu z niemieckiego słonecznik oznacza „słoneczny kwiat”. Temat słońca jako zasady twórczej przeciwstawia się tematowi nocy, zmierzchu, które dla Novalisa były podstawą twórczości. Hoffmann uwielbia jasne kolory, światło dzienne, noc jest dla niego pełna niebezpieczeństw, zniszczenia, to nie przypadek, że Hoffman nazwał kolekcję opowiadającą o zwycięstwie ciemnych sił „Nocnymi opowieściami”.

Bajka „Złoty garnek” (1814) jest jednym z arcydzieł pisarza, reprezentującym zarówno jego światopogląd, jak i najważniejsze zasady estetyczne. Mówiąc o Hoffmannie, należy zauważyć, że wszyscy jego bohaterowie dzielą się na muzyków (entuzjastów) i nie-muzyków (po prostu życzliwi ludzie).

Postacie reprezentują dwa światopoglądy i można je podzielić na dwie grupy. Żyjącego w świecie wyobraźni studenta Anzelma należy przypisać entuzjastycznym muzykom. Słyszy i widzi to, czego inni nie słyszą ani nie widzą. Na bzu słyszy dziewczęce głosy i widzi tam zielone węże o niesamowitych niebieskich oczach. Hoffmann nie odrywa go od rzeczywistości, ale jest mu wrogo nastawiona: plami nowy frak lub rozdziera go, kanapka Anzelma upada na ziemię zamazaną stroną, wkracza nogą do kosza z jabłkami i ciasta, powodując gniew i łajanie kupca.

1) poziom imienia, gdy główny bohater otrzymuje w prezencie nocną wazon;

2) opowieść jest podzielona nie na rozdziały, ale na vegilia („nocne czuwanie”, „bezsenność”). W 1805 roku ukazała się powieść Nocne czuwania, nazwisko autora wciąż nie jest znane, ale bardziej prawdopodobne jest, że tę parodię idei i obrazów romantyków z Jeny stworzył Schelling. Autor zwraca w ten sposób uwagę na to, że swoje opowiadania zapisuje nocą (najbardziej owocny czas dla Yeńczyków). W dziele rozgrywają się najbardziej niesamowite wydarzenia, jego bohaterowie, w przeciwieństwie do romantyków pierwszego etapu, bynajmniej nie przemienią świata mocą swojego Ducha - ich myśli skierowane są na osobiste interesy. Samo słowo „vegilia” można rozumieć zgodnie z zasadą Hoffmanna i jako czas nocnej bezsenności, kiedy człowiek nie jest całkowicie odpowiedzialny za swoje czyny i myśli.

Wśród arcydzieł znajduje się „Mały Tsakhes, nazywany Zinnober” (1819), w którym groteska jest podstawą kompozycji i konstrukcji wizerunku bohatera. Podstawą konfliktu i wizerunku bohatera jest konfrontacja istoty z wyglądem, a wygląd zewnętrzny jest silniejszy od esencji.

Mały Tsakhes, syn biednej wieśniaczki, urodził się wyjątkowo brzydki: porównywany jest do jabłka nawleczonego na widelec. Nie potrafi nawet mówić elokwentnie. Wróżka Rosabelverde, litując się nad nim i jego matką, obdarzyła dziwaka 3 ognistymi włoskami, dzięki czemu zaczęli przypisywać mu cudowne właściwości osoby, która jest obok niego.

Autor potęguje wrażenie piętrząc absurdy: Tsakhes otrzymał rangę ministra i order tygrysa cętkowanego na 25 diamentowych guzikach. Tsakhes ginie w finale, topiąc się w „luksusowym srebrnym nocniku”, który książę dał mu na znak szczególnego miłosierdzia.

Ironia autora w tej opowieści staje się bardziej gorzka niż wcześniej. Szczęście ucznia Balthasara w finale okazuje się możliwe już nie w Atlantydzie, gdzie Anzelm rozumie głosy wszystkich kwiatów, drzew, ptaków i strumienia, ale w magicznej posiadłości Prospero Alpanus: tam zawsze będzie świecić słońce podczas prania jedzenie nie spali się, a sama piękna Candida nie straci dobrego nastroju, jeśli nie zdejmie magicznego naszyjnika. Balthazar nie zauważa, że jego ukochana jest zwykłym mieszczaninem.

Świat przedmiotowy, wcześniej wrogi bohaterowi-muzykowi, zaczyna mu służyć, choć przeczy to istocie takiego charakteru. Co więcej: myli się sam nosiciel jasnego początku - wróżka Rosabelverde. Myśląc o pożytku nieszczęsnego „pasierba natury”, obdarza go magicznym darem, zakładając, że zdoła obudzić wewnętrzne właściwości jego duszy. Jednak wbrew jej woli zamienia się w nosiciela złych skłonności, powodując wiele cierpienia tym, którzy naprawdę mają wysokie cechy duchowe.

Szczególnie obrazowo przedstawione są te dwa światy: na jednym biegunie stoją uczeń Balthazar, jego przyjaciele Fabian i Pulcher, na drugim, w centrum którego stoi Tsakhes, książę wprowadzający oświecenie za radą swego byłego lokaja, „naukowca” Mosha Terpin, który doszedł do wniosku, że ciemność wynika z braku światła i jest gotów sprzedać swoją córkę Candida jako żonę Tsakhesowi, jeśli otrzyma Order Tygrysa Zielonoplamitego. Sama piękna Candida nie jest pozbawiona filisterskich skłonności.

Groteska wciąż jest podstawą tworzenia postaci. Hoffmann jest właścicielem 2 powieści: „Napój szatana” i „Światowe poglądy kota Murra”.

Ostatnia powieść nie została ukończona. Zawiera wiele wcześniejszych idei i form tkwiących w Hoffmannie, urzeczywistniają się one w specyficznej formie kompozycji i nowej interpretacji dualnego świata. Hoffmann kontynuuje zarysowany już w baśniach trend zbieżności baśni z rzeczywistością. Rzeczywistość w tej powieści coraz bardziej dąży do uzyskania adekwatnych do niej form i dlatego z jednej strony następuje pewnego rodzaju przemieszczenie fantazji, z drugiej zaś świat realny zostaje rozwarstwiony na pewną liczbę. warstw. Rzeczywistość zamienia się w parodię, w której hiperbola jest nie mniej wyrazista niż fikcja baśni.

Jedna z warstw powieści opisuje relacje między Julią a kompozytorem Johannem Kreislerem, ale Hoffmann pokazuje, że główną historią jest historia kota Murra. Biografia kota, jego refleksje mają odrębną, niezależną rolę.

Murriana zamienia się w krzywe lustro, w którym odbija się świat ludzi. Istnieje podwójna krzywizna, która oddaje rzeczywistość, brzydką rzeczywistość.

Jednocześnie tekst stworzony przez kota jest najważniejszy, a biografia Kreislera (jego właściciela) trafia do druku jakby przez przypadek: kot przenosi na nie swój opis.

Prymat tego tekstu autor potwierdza faktem, że opowieść kompozytora trafia tylko na makulaturę. Rozdziały pisane przez kota łamią się w środku frazy, która kończy się dopiero w następnym fragmencie. „Śmieci” to fragmenty, których nie łączy spójna prezentacja wydarzeń.

U podstaw dzieła leży ogólna romantyczna zasada fragmentacji, która wyklucza jednoznaczność i kompletność.

Specyfika kompozycji polega na tym, że czasami to, co napisał kot, częściowo powtarza się w innej interpretacji w „śmieciach”: wspomnienia kota z jego pojawienia się w domu maestro Abrahama przedstawione są w tonach syntementalno-potetycznych. Sam Abraham opowiada o tym, jak zlitował się nad na wpół martwym kotem, a potem zapomniał o nim w kieszeni.

Podwójna ulica. patos tkwiący w kotu, który uważa się za osobę wyjątkową. Kot Murr jest pomyślany przez autora jako parodia filistera, który wyobraża sobie, że jest osobą twórczą.Kot nazywa siebie obywatelem świata, opowiada o zasadach wychowania, zastanawia się nad pismami Plutarcha, Szekspira, Goethego, Halderona Sam kot jest autorem traktatu politycznego „O pułapkach na myszy i ich wpływie na myślenie i zdolności kota”, a także autorem powieści sentymentalnej „Myśl i rozsądek lub kot i pies” oraz tragedii „Szczur Król Kawdallor”.

Kot opowiada o lirycznym stanie swojej duszy, o miłości, która

Amerykański romantyzm

Specyficzne cechy, które pojawiły się w związku ze specyfiką rozwoju kraju. Dopiero historia państwa zaczyna się od 1776 roku - roku uchwalenia deklaracji niepodległości. Pojęcie „Amerykanin” obejmuje Francuzów, Holendrów, Anglików, Hiszpanów i Hindusów.

Amerykanie wywodzą się od poszukiwaczy przygód. Dość szybko tworzy się typ narodowy, który odznaczał się głęboką wiarą w wyjątkowe możliwości własne i państwa. Miłość do własnego kraju przeradza się czasem w narodową dumę. Asymilacja przebiegała bardzo szybko. Ameryka przyciągała tych Europejczyków, którzy stracili wszystko w swojej ojczyźnie, posiadali gigantyczną energię, którą chcieli urzeczywistniać na ziemiach, które wydawały im się opuszczone, i idealistów, którzy dążyli do zorganizowania nowego państwa, w którym wszyscy będą wolni.

W zasadzie wszystkich łączył fakt, że byli praktykami, którzy nie mieli czasu na angażowanie się w sztukę i literaturę, ale wszyscy byli energiczni. To nie przypadek, że literatura amerykańska stała się później znana jako literatura energetyczna. W najlepszym razie czytali gazety, w których interesowali się krótkimi reportażami, esejami, broszurami „na temat dnia”. Pamflet od 300 lat jest najpopularniejszym gatunkiem.

F. Cooper powiedział o Ameryce, że najpierw powstał w niej druk, a potem pisarze. Postać publiczna John Adams: „Sztuka nie jest dla nas pierwszą potrzebą – nasz kraj potrzebuje rzemiosła”. Kraj miał swoich filozofów - polityków, którzy marzyli o stworzeniu idealnego państwa: Jerzego Waszyngtona i Thomasa Jeffersona. Ten ostatni był autorem „Deklaracji Niepodległości” i brał udział w redagowaniu konstytucji z 1787 r. Było więc coś, co później nazwano „amerykańskim snem”, który nigdy nie został zrealizowany.

Kraj jest głównie anglojęzyczny, Ameryka Północna w dziedzinie kultury i literatury skłania się ku Anglii. Bez własnej literatury powieści Richardsona, Swifta i Fleeding były publikowane w Ameryce do końca XVIII wieku. Stosunek do literatury Europy był dwojaki:

1) konieczność obrony niepodległości narodowej;

2) potrzeba maksymalnego wykorzystania doświadczeń bardziej rozwiniętej literatury Starego Świata.

Koniec XVIII wieku to narodziny własnej literatury amerykańskiej i należy to przypisać praromantyzmowi. Charles Brown jest pierwszym profesjonalnym pisarzem.

Literatura USA wciąż ma państwa rozwijające się inaczej, literatura Południa bardzo różni się od literatury Północy. To, co nazywamy romansem amerykańskim (a tak narodziła się amerykańska literatura narodowa) rozwijało się głównie w stanach środkowych (Nowy Jork i Pensylwania). Dopiero w drugim etapie ruch romantyczny umocnił się w Nowej Anglii, a Boston stał się stolicą nowej literatury narodowej. Istnieją 3 okresy w rozwoju amerykańskiego romantyzmu:

1) 1820-183 - pojawienie się prozy Fenimore'a Coopera i Johna Irvinga.

2) kon. 1830-1840 (dojrzały) - Longfellow.

3) 1850 - początek wojny domowej.

Wszyscy powyżej są pisarzami, ale przetrwali poważny kryzys.

Na wczesnym etapie stosunek pisarzy do swojej twórczości okazuje się nieco protekcjonalny, ponieważ w stanie, w którym liczy się przede wszystkim sukces, literaturę uważa się za bezczynną rozrywkę. Tłumaczy to niekiedy niską jakość prac (F. Cooper).

W Etapie 2 pojawiają się Longfellow i Edgar Allan Poe z jego zainteresowaniem psychologią głębi. Nowy czas rodzi nowe konflikty: pasta kapitału staje się bardziej cyniczna, demokratyczne ideały i rzeczywistość coraz bardziej się rozchodzą. Romantycy drugiego etapu uważają, że dojrzewa zmiana samej osoby. Idea Emersona „O samokształceniu” stała się bardziej aktualna.

Na tym etapie pojawia się krytyka zawodowa (artykuły EA Poe).

Przedwieczny wiek był interesującym etapem w rozwoju historii ludzkości. Pojawienie się nowych technologii, wiara w postęp, rozprzestrzenianie się idei oświeceniowych, rozwój nowych stosunków społecznych, pojawienie się nowej klasy burżuazyjnej, która stała się dominująca w wielu krajach europejskich - wszystko to znalazło odzwierciedlenie w sztuce. Literatura XIX wieku odzwierciedlała wszystkie punkty zwrotne w rozwoju społeczeństwa. Wszystkie szoki i odkrycia znajdują odzwierciedlenie na kartach powieści wybitnych pisarzy. literatura XIX wieku– wieloaspektowy, różnorodny i bardzo ciekawy.

Literatura XIX wieku jako wyznacznik świadomości społecznej

Wiek rozpoczął się w atmosferze Wielkiej Rewolucji Francuskiej, której idee opanowały całą Europę, Amerykę i Rosję. Pod wpływem tych wydarzeń powstały największe księgi XIX wieku, których spis znajdziecie w tym dziale. W Wielkiej Brytanii wraz z dojściem do władzy królowej Wiktorii rozpoczęła się nowa era stabilizacji, której towarzyszył zryw narodowy, rozwój przemysłu i sztuki. Spokój publiczny wyprodukował najlepsze książki XIX wieku, pisane we wszystkich gatunkach. We Francji natomiast było wiele niepokojów rewolucyjnych, którym towarzyszyła zmiana systemu politycznego i rozwój myśli społecznej. Oczywiście wpłynęło to również na księgi XIX wieku. Era literacka zakończyła się epoką dekadencji, która charakteryzuje się ponurymi i mistycznymi nastrojami oraz bohemym stylem życia przedstawicieli sztuki. W ten sposób literatura XIX wieku dała dzieła, które każdy musi przeczytać.

Książki z XIX wieku na stronie „KnigoPoisk”

Jeśli interesuje Cię literatura XIX wieku, lista na stronie KnigoPoisk pomoże Ci znaleźć interesujące powieści. Ocena opiera się na informacjach zwrotnych od odwiedzających nasz zasób. „Książki XIX wieku” - lista, która nie pozostawi nikogo obojętnym.