Nieznane kompozytorki zagraniczne XIX wieku. Muzyka klasyczna: kompozytorki Aleksander Nikołajewicz Skriabin

Weronica Dudarova, Sofia Gubaidulina, Elena Obraztsova to nazwiska znane nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Pamiętamy wielkie kobiety-muzyki XX wieku.

Weronika Dudarowa

Weroniki Dudarowej. Zdjęcie: classicalmusicnews.ru

Weroniki Dudarowej. Zdjęcie: osetia-południowa.info

Veronika Dudarova urodziła się w Baku w 1916 roku. W 1938 ukończyła wydział fortepianu szkoły muzycznej przy Konserwatorium Leningradzkim i podjęła niezwykłą jak na owe czasy decyzję - zostać dyrygentem. W ZSRR nie było wówczas kobiet, które odważyłyby się wyjść do orkiestry symfonicznej. Veronika Dudarova została uczennicą dwóch mistrzów - Leo Ginzburga i Nikołaja Anosowa.

Debiutowała jako dyrygentka w Centralnym Teatrze Dziecięcym w 1944 roku. Następnie pracowała w studiu operowym Konserwatorium Moskiewskiego.

W 1947 Veronika Dudarova została dyrygentem Moskiewskiej Państwowej Orkiestry Symfonicznej, aw 1960 objęła stanowisko głównego dyrygenta i dyrektora artystycznego tego zespołu. Repertuar Dudarowej stopniowo obejmował ogromną ilość kompozycji - od Bacha i Mozarta po Alfreda Schnittkego, Mikaela Tariverdieva, Sofię Gubaidulinę.

W jednym z wywiadów niejednokrotnie mówiła o krwawych próbach, że czasem trzeba „poważnie osiągnąć rezultaty”. W 1991 roku Dudarova zorganizowała i kierowała Państwową Orkiestrą Symfoniczną Rosji. Jej nazwisko figuruje w Księdze Rekordów Guinnessa: została pierwszą kobietą na świecie, która od ponad 50 lat współpracuje z orkiestrami symfonicznymi.

Festiwal poświęcony Veronice Dudarovej:

Sofia Gubaidulina

Sofia Gubajdulina. Zdjęcie: remusik.org

Sofia Gubajdulina. Zdjęcie: tatarstan-symphony.com

Kompozytorka Sofia (Sania) Gubaidulina urodziła się w 1931 roku w Chistopolu. Jej ojciec był geodetą, matka nauczycielką w szkole podstawowej. Wkrótce po urodzeniu córki rodzina przeniosła się do Kazania. W 1935 Sofia Gubaidulina zaczęła studiować muzykę. W 1949 została studentką wydziału fortepianu Konserwatorium Kazańskiego. Później pianistka postanowiła sama pisać muzykę i wstąpiła na wydział kompozycji Konserwatorium Moskiewskiego - najpierw do klasy Jurija Szaporina, potem Nikołaja Peiko, a następnie do szkoły podyplomowej pod kierunkiem Wissariona Szebalina.

Koledzy Sofii Gubaiduliny zauważyli, że już w swoich pierwszych pracach zwróciła się ku wizerunkom religijnym. Jest to szczególnie widoczne w partyturach z lat 70. i 80.: „De profundis” na akordeon guzikowy, koncert skrzypcowy „Offertorium” („Poświęcenie”), „Siedem słów” na wiolonczelę, akordeon guzikowy i smyczki. Przejawiło się to również w późniejszych kompozycjach – „Pasja według Jana”, „Wielkanoc według Jana”, „Prosta modlitwa”.

„Moim celem zawsze było usłyszeć dźwięk świata, dźwięk własnej duszy i zbadać ich zderzenie, kontrast lub wręcz przeciwnie, podobieństwo. A im dłużej wyjeżdżam, tym jaśniejsze staje się dla mnie, że przez cały ten czas szukam tego dźwięku, który odpowiadałby prawdzie mojego życia.
Sofia Gubaidulina

Pod koniec lat 80. Sofia Gubaidulina została kompozytorką o międzynarodowej renomie. Od 1991 roku mieszka w Niemczech, ale często przyjeżdża do Rosji. Dziś w różnych krajach odbywają się jej festiwale, współpracują z nią najlepsze zespoły muzyczne i soliści.

Film dokumentalny o Sofii Gubaidulinie:

Elena Obrazcowa

Elena Obrazcowa. Zdjęcie: classicalmusicnews.ru

Elena Obraztsova urodziła się w 1939 roku w Leningradzie. Kiedy nadszedł czas wstąpienia na uniwersytet, dziewczyna wybrała wydział wokalny Konserwatorium Leningradzkiego, chociaż jej ojciec nalegał, aby jej córka studiowała inżynierię radiową. W 1962 roku studentka Obraztsova została zwycięzcą Ogólnopolskiego Konkursu Wokalnego im. Glinki. Wkrótce młoda piosenkarka zadebiutowała w Teatrze Bolszoj - jej pierwszą rolą była Marina Mnishek w Borysie Godunowie Modesta Musorgskiego.

W rosyjskim repertuarze śpiewaczki znalazły się także Marta z opery Chowanszczina Musorgskiego, Lubasza z Narzeczonej cara Nikołaja Rimskiego-Korsakowa, Helena Bezuchowa z Wojny i pokoju Siergieja Prokofiewa. Elena Obraztsova przez cały okres swojej muzycznej kariery wykonywała partię Hrabiny w Damie pikowej Piotra Czajkowskiego. Piosenkarz powiedział: „Potrafię śpiewać nawet sto lat, dopóki brzmi głos. I zarasta i zarasta nowymi kolorami..

Jedną z najbardziej znanych ról z zagranicznego repertuaru Obraztsova była Carmen w operze Bizeta. Nie tylko sowieccy, ale i hiszpańscy słuchacze uznali ją za najlepszą wykonawcę tej partii.
Przykładowymi partnerami byli Placido Domingo, Luciano Pavarotti, Mirella Freni. Ważnym wydarzeniem w życiu piosenkarki było spotkanie z kompozytorem Georgym Sviridovem: poświęcił jej kilka kompozycji wokalnych.

Program Life Line z Eleną Obraztsovą:

Eliso Virsaladze

Eliso Virsaladze. Zdjęcie: archiwum.li

Eliso Virsaladze. Zdjęcie: riavrn.ru

Eliso Virsaladze urodził się w Tbilisi w 1942 roku. Jej nauczycielem w szkole iw konserwatorium była jej babcia, słynna gruzińska pianistka Anastasia Virsaladze. W 1962 roku Eliso otrzymał III nagrodę na II Międzynarodowym Konkursie im. Czajkowskiego. W 1966 roku, po ukończeniu Konserwatorium w Tbilisi, wstąpiła do szkoły podyplomowej Konserwatorium Moskiewskiego w klasie Jakowa Zaka.

Od 1967 Eliso Virsaladze wykłada w Konserwatorium Moskiewskim. Wśród absolwentów jej klasy są laureaci międzynarodowych konkursów Borys Bieriezowski, Aleksiej Wołodin, Dmitrij Kaprin.

W repertuarze pianisty znajdują się utwory Wolfganga Amadeusza Mozarta, Ludwiga van Beethovena, Roberta Schumanna, Czajkowskiego, Prokofiewa. Często występuje w zespole z wiolonczelistką Natalią Gutman.

„To artystka na dużą skalę, być może obecnie najsilniejsza pianistka”- tak o Virsaladze mówił Światosław Richter.

Dziś Eliso Virsaladze dużo koncertuje z programami solowymi i kameralnymi, często grając z orkiestrami. O koncertach mówi jako o sakramencie: „Wchodzisz na scenę i należysz do kompozytora, którego grasz, oraz do publiczności, dla której grasz”.

Program „Zbiór spektakli” i koncert Eliso Virsaladze:

Natalia Gutman

Natalia Gutman. Zdjęcie: classicalmusicnews.ru

Przyszła wiolonczelistka urodziła się w Kazaniu w 1942 roku, pierwsze lekcje gry na wiolonczeli pobierała od ojczyma Romana Sapożnikowa. Następnie studiowała w Centralnej Szkole Muzycznej przy Konserwatorium Moskiewskim. W 1964 ukończyła Konserwatorium Moskiewskie w klasie Galiny Kozolupovej, aw 1968 ukończyła studia podyplomowe w Konserwatorium Leningradzkim, którego kierownikiem był Mścisław Rostropowicz.

W latach konserwatorskich Natalia została laureatką kilku konkursów, w tym II Międzynarodowego Konkursu im. Czajkowskiego. W 1967 rozpoczęła pracę pedagogiczną w Konserwatorium Moskiewskim.

„Jeśli po prostu profesjonalnie poprowadzę łuk i pomyślę o swoim, od razu będzie to słyszalne! Dla mnie automatyzm egzekucji, obojętność to straszna porażka! ona mówi.

Teraz Natalia Gutman uczy młodych muzyków w wielu europejskich miastach, organizuje duże festiwale i kontynuuje tournée.

Przemówienie na „Grudniowych Wieczorach” w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina:

______________________________________________

Jak w każdej innej dziedzinie sztuki klasycznej w świecie zachodnim, w historii muzyki akademickiej nie brakuje kobiet, które zostały zapomniane, ale zasługują na to, by o sobie opowiedziano.

W szczególności - w historii sztuki kompozytorskiej.

Nawet teraz, gdy z roku na rok rośnie liczba wybitnych kompozytorek, w sezonowych programach najsłynniejszych orkiestr i programach koncertowych najsłynniejszych wykonawców rzadko pojawiają się utwory pisane przez kobiety.

Kiedy jednak twórczość kompozytorki staje się obiektem uwagi widza lub dziennikarzy, wiadomości o tym z konieczności towarzyszą smutne statystyki.

Oto ostatni przykład: Metropolitan Opera dała w tym sezonie genialną „Miłość z daleka” Caia Saariaho – jak się okazało, pierwszą operę napisaną przez kobietę, pokazywaną w tym teatrze od 1903 roku. Pocieszające jest to, że kompozycje Saariaho – jak chociażby muzyka Sofii Gubaiduliny czy Julii Wolf – są wykonywane dość często, nawet bez takich wartych opublikowania okazji.

Kogoś wyłącznie z powodu własnego zachowania, które zniszczyło fundamenty kulturowe, a kogoś – poprzez muzykę, do której nie ma odpowiednika.

Louise Farranc (1804-1875)

Piastowała to stanowisko przez kolejne trzydzieści lat i pomimo nakładu pracy pedagogicznej zdołała wykazać się jako kompozytorka. Jednak zamiast „udało się pokazać”, ale „nie dało się pokazać”.

Farranc pochodziła z najsłynniejszej dynastii rzeźbiarzy i dorastała wśród najlepszych ludzi sztuki paryskiej, więc akt twórczego wyrażania siebie był dla niej niezwykle naturalny.

We Francji każdy pierwszy obiecujący autor nabazgrał wiele godzin opery, a lakoniczne i klasycznie inspirowane dzieła paryżanina naprawdę szły wbrew ówczesnej modzie.

Na próżno: jej najlepsze dzieła – jak III Symfonia g-moll – delikatnie mówiąc, nie giną na tle ówczesnych mastodontów, jak Mendelssohn czy Schuman. Tak, a Brahms, próbując przełożyć klasycyzm na język epoki romantycznej, Farranc ominął dziesięć, a nawet dwadzieścia lat.

Dora Pejacevic (1885-1923)

Dziewczyna dorastała pod ścisłym nadzorem angielskich guwernantek, prawie nie komunikowała się z rówieśnikami i ogólnie była wychowywana przez rodziców z myślą o dalszym udanym małżeństwie dla rodziny, a nie o szczęśliwym dzieciństwie.

Przysłużyło się to jednak tylko jej drugiej pasji: już na progu I wojny światowej zbuntowana szlachcianka stała się najważniejszą postacią w chorwackiej muzyce.

Jeśli jednak pominiemy kontekst historyczny i posłuchamy muzyki Pejacevic jako szczerej deklaracji miłości do niemieckich romantyków, to łatwo zauważyć jej ekspresyjną melodię, wysoki poziom orkiestracji i staranną pracę strukturalną.

Plaża Amy (1867-1944)

Dr Henry Harris Audrey Beach, zaniepokojony statusem swojej rodziny i kierując się ówczesnymi ideami dotyczącymi roli kobiet w świeckim społeczeństwie Nowej Anglii, zabronił swojej żonie studiowania muzyki i ograniczył jej występy jako pianistki do jednego koncertu rocznie.

Jej dwa główne utwory – wydana w 1896 roku Symfonia gaelicka i wydany trzy lata później Koncert fortepianowy – są naprawdę piękne, choć jak na tamte lata zupełnie pozbawione oryginalności. Najważniejsze jest to, że w muzyce Beacha, jak można by sądzić, nie ma absolutnie miejsca na prowincjonalizm i zaściankowość.

Ruth Crawford Seeger (1901-1953)

Ruth Crawford Seeger jest znacznie bardziej znana w kręgach poważnych fanów, badaczy i po prostu miłośników amerykańskiej muzyki ludowej niż w świecie muzyki akademickiej. Czemu?

Są dwa kluczowe powody: po pierwsze, była żoną muzykologa Charlesa Seagera, a zatem przodkiem klanu Seeger, rodziny muzyków i śpiewaków, która zrobiła więcej dla popularyzacji amerykańskiego folku niż ktokolwiek inny.

Po drugie, przez ostatnie dziesięć lat swojego życia ściśle pracowała nad katalogowaniem i aranżacją utworów nagranych na licznych podróżach Johna i Alana Lomaxów, największych amerykańskich folklorystów i kolekcjonerów muzyki ludowej.

Ale jeśli tradycje Weberna przebijają się przez każdą nutę – to nie ma znaczenia, muzyka austriacka czy renesansowa – to dzieła Seegera istnieją jakby poza tradycją, poza przeszłością i przyszłością, poza Ameryką i resztą świat.

Dlaczego kompozytor o tak indywidualnym stylu wciąż nie znajduje się w kanonicznym repertuarze modernistycznym? Tajemnica.

Lilia Boulanger (1893-1918)

Najlepsze kompozycje Lily Boulanger są napisane na tekstach religijnych, takich jak psalmy czy modlitwy buddyjskie, najczęściej wykonywane są one jak przez źle nastrojony chór do poszarpanego, niemelodyjnego i głośnego akompaniamentu muzycznego. Nie można od razu znaleźć analogu do tej muzyki - tak, jest ona nieco podobna do wczesnych utworów Strawińskiego i szczególnie ognistych kompozycji Honeggera, ale ani jedno, ani drugie nie osiągnęło takiej głębi rozpaczy i nie posunęło się w tak ekstremum fatalizm.

Kiedy przyjaciel rodziny Boulanger, kompozytor Gabriel Fauré, odkrył, że trzyletnia Lily ma słuch absolutny, jej rodzice i starsza siostra nie mogli sobie wyobrazić, że ten dar przełoży się na coś tak nieanielskiego.

Być może mogła stać się tak znaczącą kompozytorką, jak okazała się być nauczycielką. W każdym razie zaczynała jako kompozytorka - ale, jak sama przyznaje, po śmierci Lily coś pękło w Nadii. Żyjąc 92 lata, starsza siostra nigdy nie osiągnęła wyżyn nielicznych kompozycji swojej młodszej siostry, która wypaliła się z powodu choroby Leśniowskiego-Crohna w wieku 24 lat.

Elżbieta Maconki (1907-1994)

Uczył także kompozycji w londyńskim Royal College of Music, gdzie jego ulubioną uczennicą w latach dwudziestych była młoda Irlandka Elizabeth Maconki.

Kilkadziesiąt lat później opowie, że to Vaughan Williams, bez powodu, że był tradycjonalistą, poradził jej, aby nigdy nikogo nie słuchała, a komponując muzykę, skupiała się tylko na swoich zainteresowaniach, gustach i przemyśleniach.

Żywymi przykładami oryginalności i ewolucji fantazji kompozytorki Makonki są jej trzynaście kwartetów smyczkowych, napisanych w latach 1933-1984 i tworzących razem cykl literatury kwartetowej, w niczym nie ustępującym tym Szostakowicza czy tego samego Bartoka.

Witezsława Kapralowa (1915-1940)

Napływ chętnych do nauki, a konkretnie uczenia się od samego kaprala, skłaniał kompozytora nawet na chwilę do zaniechania wszelkich innych zajęć na rzecz nauczania.

Kapral opracował zaskakujący pod względem arogancji, głupoty i komercji plan: wyhodowania z Witezsławy prawdziwego muzycznego potwora, zdolnego zastąpić go jako głównego nauczyciela szkoły rodzinnej.

A jednocześnie dyrygować i komponować - to było generalnie nie do pomyślenia. To właśnie od komponowania w pierwszej kolejności zaczął nowo przyjęty student – zresztą takiej jakości, takiej różnorodności stylistycznej iw takiej ilości, że tak naprawdę nie ma z kim porównywać.

Jest jasne, dlaczego w serialu „Mozart w dżungli” Kapralova staje się wzorem do naśladowania dla bohaterki o imieniu Lizzie, która nie może usiąść: Vitezslava zmarł na gruźlicę w wieku 25 lat - ale jednocześnie liczba napisanych przez nią kompozycji przekracza katalogi bardzo, bardzo wielu autorów.

Logiczne jest jednak założenie, że ta fenomenalna dziewczyna nie dożyła swojego ostatecznego triumfu jako kompozytora.

Kompozycje Kapralovej, mimo całej formalnej jakości, są bardzo zbliżone stylistycznie do muzyki czołowego czeskiego kompozytora tamtych lat, Boguslava Martinu, który był także wielkim przyjacielem rodziny Kapralów, który znał Witezsława od dzieciństwa, a nawet zdołał się zakochać. z nią na krótko przed śmiercią dziewczynki.

W dobie formowania się wokali operowych dla śpiewaczek warunki nie były zbyt sprzyjające. Nie spowolniło to jednak znacząco globalnego procesu i znamy wiele nazwisk prawdziwych gwiazd - diw operowych, nawet ich nie wymienię. Ale oto kobiety, które pisały muzykę… albo w ogóle nie było warunków, albo nie było tak dużego talentu… W każdym razie żadne z nazwisk kompozytorek nie świeciło tak jasno, jak, powiedzmy, nazwiska Beethoven, albo! Zresztą zobaczmy, co tu mamy?:)

Hildegarda z Bingen

Wprawdzie imiona kobiet nie zyskały w świecie muzycznej sławy takiej samej sławy jak imiona męskie, ale istnieje nazwa bardzo znacząca z punktu widzenia historii muzyki. To Hildegarda z Bingen, jedna z pierwszych kompozytorek średniowiecznych, która pozostawiła nuty swoich kompozycji. Cóż, jasne jest, co działa, bo to już XII wiek! Prawdopodobnie współczesny słuchacz musi być wielkim fanem, aby cieszyć się słuchaniem średniowiecznych śpiewów kościelnych. Są to jednak moje czysto teoretyczne wymysły – nie miałem jeszcze okazji posłuchać czegoś z Hildegardy. Do tej pory znalazłem tylko to w Internecie, ale tam najpierw musisz zostać członkiem klubu, a dopiero potem słuchać. Przeprowadzka jeszcze nie dotarła do tego punktu, chociaż są plany :). Ale w tej historii być może ważniejsze jest coś innego: sama osobowość zakonnicy, która została oficjalnie kanonizowana przez Papieża w 2012 roku. I pisał o niej bardzo wnikliwie:

Jej historia wydaje się jeszcze bardziej niezwykła, gdy zaczynasz się zastanawiać, z czym prawdopodobnie trudnościami, jakie wówczas wiązały się nie tylko istnienie kompozytorki – Panie, tak, to nie jest łatwe zadanie nawet teraz – ale co jest tam istnienie kobiety, która BYŁA CO NAJMNIEJ.

Weźmy w jednej ręce portret Hildegardy, w drugiej kielich z winem, pokażmy się z bliska 1179 Wznieśmy za nią toast wcale nie czarodziejskiej, ekscentrycznej muzykalności.

Barbara Strozzi

Może oczywiście wydam się ignorantem, ale muzyki tej pani też nie słuchałem i… z jakiegoś powodu uważam, że to nazwisko pozostawiło ślad bardziej historyczny niż muzyczny. Mianowicie: Barbara Strozzi jako jedna z pierwszych publikowała swoje prace nie w zbiorach, ale, jak to mówią, solo, a to jest, widzicie, aplikacja! Mieszkała i pracowała w moim ulubionym i ulubionym kraju - Włoszech. Pseudonim brzmiał „The Most Virtuoso”, ale znowu wydaje się, że ta ocena była bardziej związana z wokalistą Strozzim. A jako kompozytorka – czy mogłaby konkurować z wieloma znakomitymi autorami, którzy żyli w tamtym czasie? W każdym razie Monteverdi, Bach, Vivaldi, Purcell, Handel to światowa skala. Ale nazwisko Barbary Strozzi nie jest tak często słyszane. Przestańcie jednak być sprytni, teraz razem z Wami po raz pierwszy wysłucham jej kompozycji:

Cóż, jak ci się podoba? Słuchałem, bardzo miło!

Klara Schumann

I w tym przypadku chciałoby się powiedzieć: tak, Clara była żoną kompozytora Roberta Schumanna. To jest jakby pochodna znanego męskiego imienia. Ale tak naprawdę to Klara raczej „promowała” swojego męża, to ona była pierwszym wykonawcą jego dzieł. Podobnie jak muzykę Brahmsa, publiczność po raz pierwszy usłyszała w wykonaniu Clary. Nawiasem mówiąc, to są kluczowe frazy - występ. Ponieważ Clara była pianistką-wirtuozem, w rzeczywistości była cudownym dzieckiem, jej występy i trasy koncertowe rozpoczęły się jako dziecko. A Clara dała swój ostatni koncert w wieku 71 lat. Tak pianistka – tak, była sławna i odnosiła sukcesy. Jako kompozytorka w tym czasie po prostu nie była traktowana poważnie (to nie jest kobieca sprawa!), A teraz twórczość Clary Schumann jest interesująca, ale jej utwory nie są wykonywane zbyt często.

Wielkie kobiety Rosji

Anastasia Moreva

Woroneska Organizacja Kompozytorów poświęciła wiosenny quiz muzyczno-edukacyjny wielkim kobietom Rosji. Jej bohaterkami byli Katarzyna Wielka, Natalia Gonczarowa, poetki Anna Achmatowa i Marina Cwietajewa oraz kosmonautka Walentyna Tereshkova. Dorośli i młodzi uczestnicy quizu z zainteresowaniem zapoznali się z mało znanymi faktami z biografii wybitnych kobiet, wysłuchali występu Zasłużonego Artysty Federacji Rosyjskiej Ljubowa Kontsowej, solistki Opery Woroneskiej Eleny Petrichenko.

Na przykład rosyjska cesarzowa Katarzyna II położyła podwaliny pod edukację kobiet w Rosji. Z jej inicjatywy otwarto Instytut Smolny dla Szlachetnych Dziewic, szkołę przy Akademii Sztuk Pięknych oraz Towarzystwo Dwustu Szlachetnych Dziewic. Katarzyna zajmowała się działalnością literacką, pozostawiając po sobie duży zbiór dzieł - notatek, tłumaczeń, bajek, bajek, komedii, esejów, a także libretta do kilku oper. Uczestniczył w tygodniku satyrycznym „Wszystko”.

Natalya Goncharova - żona i muza A.S. Puszkin poświęcony wierszom poety „Jestem żonaty i szczęśliwy… Ten stan jest dla mnie tak nowy, że wydaje się, że się odrodziłem”. Wyszła za mąż za wielkiego poetę, urodziła czworo dzieci. W programie znalazły się kompozycje M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, a także kompozytor z Woroneża Władimir Naumow do wersetów A.S. Puszkina.

Po raz pierwszy wielu usłyszało imię genialnej kobiety, poetki i pisarki Evdokia Rostopchina. Znała A.S. Puszkin, MI Lermontow, W.A. Żukowski, N.V. Gogola, spotkania z którymi stały się impulsem do pisania własnych wierszy. Komponowała sztuki liryczne, powieści prozą, dramaty teatralne. W Petersburgu, w domu Rostopchinów, często odbywały się wieczory muzyczne, w których uczestniczyli F. Liszt, M.I. Glinka, książę V.F. Odoevsky, pisarze A.N. Ostrovsky i L.A. May, a także artyści M.S. Szczepkin, I.V. Samarin i inni. Interesuje nas fakt, że hrabina spędziła dwa lata w majątku Woroneż należącym do jej męża - mieście Anny. Otwarciem wieczoru było wykonanie romansów E. Krylatowa „Zapamiętasz mnie”, „Poranek” A. Rubinsteina do wersetów E. Rostopchiny.

Uwagę słuchaczy zwróciły romanse woroneskiego kompozytora Aleksandra Ukrainskiego na podstawie wierszy Anny Achmatowej „Miłość”, „Niech znów rozbrzmiewają głosy organów”, wychwalające triumf sztuki, wiosny, miłości, prawdziwej poezji. Tekst wierszy oddany jest w muzyce kompozytora z niezwykłą siłą i przenikliwością.

Marina Cwietajewa – poetka, która śpiewa o naturalnym pięknie i radosnych uczuciach miłości. Trudna ścieżka życia Cwietajewej znajduje odzwierciedlenie w jej twórczości, która jest przesycona motywami romantycznej miłości, odrzucenia i samotności. Na wersetach M. Cwietajewej napisano dzieła innego kompozytora Woroneża A. Mozalewskiego, który uzupełnił program wieczoru.

TEKST: Oleg Sobolew

JAK W KAŻDEJ INNEJ DZIEDZINIE SZTUKI KLASYCZNEJŚwiat zachodni, w historii muzyki akademickiej jest niezliczona ilość zapomnianych kobiet, które zasługują na opowiedzenie o sobie. W szczególności - w historii sztuki kompozytorskiej. Nawet teraz, gdy z roku na rok rośnie liczba wybitnych kompozytorek, w sezonowych programach najsłynniejszych orkiestr i programach koncertowych najsłynniejszych wykonawców rzadko pojawiają się utwory pisane przez kobiety.

Kiedy jednak twórczość kompozytorki staje się obiektem uwagi widza lub dziennikarzy, wiadomości o tym z konieczności towarzyszą smutne statystyki. Oto ostatni przykład: Metropolitan Opera dała w tym sezonie genialną „Miłość z daleka” Caia Saariaho – jak się okazało, pierwszą operę napisaną przez kobietę, pokazywaną w tym teatrze od 1903 roku. Pocieszające jest to, że kompozycje Saariaho – jak chociażby muzyka Sofii Gubaiduliny czy Julii Wolf – są wykonywane dość często, nawet bez takich wartych opublikowania okazji.

Wyselekcjonowanie kilku mało znanych muzycznych bohaterek z dużej listy kobiecych imion to trudne zadanie. Siedem kobiet, o których teraz będziemy mówić, łączy jedno – w takim czy innym stopniu nie pasowały do otaczającego ich świata. Kogoś wyłącznie z powodu własnego zachowania, które zniszczyło fundamenty kulturowe, a kogoś – poprzez muzykę, do której nie ma odpowiednika.

Louise Farranc

Urodzona jako Jeanne-Louise Dumont, zasłynęła w europejskim świecie muzycznym lat 30. i 40. jako pianistka. Co więcej, renoma dziewczyny była tak wysoka, że w 1842 roku Farranc został mianowany profesorem fortepianu w Konserwatorium Paryskim. Piastowała to stanowisko przez kolejne trzydzieści lat i pomimo nakładu pracy pedagogicznej zdołała wykazać się jako kompozytorka. Jednak zamiast „udało się pokazać”, ale „nie dało się pokazać”. Farranc pochodziła z najsłynniejszej dynastii rzeźbiarzy i dorastała wśród najlepszych ludzi sztuki paryskiej, więc akt twórczego wyrażania siebie był dla niej niezwykle naturalny.

Po opublikowaniu w ciągu swojego życia około pięćdziesięciu kompozycji, głównie instrumentalnych, Madame Professor otrzymała entuzjastyczne recenzje na temat swojej muzyki u Berlioza i Liszta, ale w jej ojczyźnie Farranc była postrzegana jako kompozytorka zbyt niefrancuska. We Francji każdy pierwszy obiecujący autor nabazgrał wiele godzin opery, a lakoniczne i klasycznie inspirowane dzieła paryżanina naprawdę szły wbrew ówczesnej modzie. Na próżno: jej najlepsze dzieła – jak III Symfonia g-moll – delikatnie mówiąc, nie giną na tle ówczesnych mastodontów, jak Mendelssohn czy Schuman. Tak, a Brahms, próbując przełożyć klasycyzm na język epoki romantycznej, Farranc ominął dziesięć, a nawet dwadzieścia lat.

Dora Pejacevic

Reprezentantka jednej z najszlachetniejszych bałkańskich rodzin szlacheckich, wnuczka jednego z zakazów (czytaj - gubernatorów) Chorwacji i córka innego, Dora Pejacevic dzieciństwo i młodość spędziła dokładnie tak, jak zwykle w światowej popkulturze, którą lubią przedstawiać życie młodych i pilnie strzeżone przez rodzinę młodych arystokratów. Dziewczyna dorastała pod ścisłym nadzorem angielskich guwernantek, prawie nie komunikowała się z rówieśnikami i ogólnie była wychowywana przez rodziców z myślą o dalszym udanym małżeństwie dla rodziny, a nie o szczęśliwym dzieciństwie.

Ale coś poszło nie tak: jako nastolatka Dora zapaliła się ideami socjalizmu, zaczęła nieustannie kłócić się z rodziną, w wyniku czego w wieku ponad dwudziestu lat została odcięta od reszty Pejaceviców. do końca życia. Przysłużyło się to jednak tylko jej drugiej pasji: już na progu I wojny światowej zbuntowana szlachcianka stała się najważniejszą postacią w chorwackiej muzyce.

Kompozycje Dory, w równym stopniu inspirowane Brahmsem, Schumannem i Straussem, brzmiały niezwykle naiwnie jak na standardy otaczającego ją świata – na przykład w czasie premiery jej staromodnego koncertu fortepianowego w Berlinie i Paryżu słuchali już z moc i główny do Lunar Pierrot i Święto wiosny. Jeśli jednak pominiemy kontekst historyczny i posłuchamy muzyki Pejacevic jako szczerej deklaracji miłości do niemieckich romantyków, to łatwo zauważyć jej ekspresyjną melodię, wysoki poziom orkiestracji i staranną pracę strukturalną.

Plaża Amy

Najsłynniejszy odcinek biografii Amy Beach można opowiedzieć w następujący sposób. W 1885 roku, kiedy miała 18 lat, rodzice Amy poślubili ją za 42-letniego chirurga z Bostonu. Dziewczyna była już wówczas wirtuozem fortepianu i miała nadzieję na dalsze studia muzyczne i karierę wykonawczą, ale jej mąż postanowił inaczej. Dr Henry Harris Audrey Beach, zaniepokojony statusem swojej rodziny i kierując się ówczesnymi ideami dotyczącymi roli kobiet w świeckim społeczeństwie Nowej Anglii, zabronił swojej żonie studiowania muzyki i ograniczył jej występy jako pianistki do jednego koncertu rocznie.

Dla Amy, która marzyła o salach koncertowych i wyprzedanych recitalach, okazało się to tragedią. Jednak, jak to często bywa, tragedia ustąpiła miejsca triumfowi: chociaż Beach poświęciła karierę wykonawczą, zaczęła coraz bardziej poświęcać się pisaniu i jest obecnie przez większość badaczy jednoznacznie identyfikowana jako najlepsza amerykańska kompozytorka późnego romantyzmu. Jej dwa główne utwory – wydana w 1896 roku Symfonia gaelicka i wydany trzy lata później Koncert fortepianowy – są naprawdę piękne, choć jak na tamte lata zupełnie pozbawione oryginalności. Najważniejsze jest to, że w muzyce Beacha, jak można by sądzić, nie ma absolutnie miejsca na prowincjonalizm i zaściankowość.

Ruth Crawford Seeger

Ruth Crawford Seeger jest znacznie bardziej znana w kręgach poważnych fanów, badaczy i po prostu miłośników amerykańskiej muzyki ludowej niż w świecie muzyki akademickiej. Czemu? Są dwa kluczowe powody: po pierwsze, była żoną muzykologa Charlesa Seagera, a zatem przodkiem klanu Seeger, rodziny muzyków i śpiewaków, która zrobiła więcej dla popularyzacji amerykańskiego folku niż ktokolwiek inny. Po drugie, przez ostatnie dziesięć lat swojego życia ściśle pracowała nad katalogowaniem i aranżacją utworów nagranych na licznych podróżach Johna i Alana Lomaxów, największych amerykańskich folklorystów i kolekcjonerów muzyki ludowej.

O dziwo, aż do początku wspólnego życia zarówno Ruth, jak i Charles Seeger byli kompozytorami o skrajnie modernistycznych poglądach, trudno było zastosować w ich muzyce słowo „folklor”. W szczególności kompozycje Ruth Crawford z początku lat 30. można porównać jedynie z twórczością Antona Weberna – i to już tylko pod względem umiejętnie zbudowanej dramaturgii i lakonicznie skoncentrowanego materiału muzycznego. Ale jeśli tradycje Weberna przebijają się przez każdą nutę – to nie ma znaczenia, muzyka austriacka czy renesansowa – to dzieła Seegera istnieją jakby poza tradycją, poza przeszłością i przyszłością, poza Ameryką i resztą świat. Dlaczego kompozytor o tak indywidualnym stylu wciąż nie znajduje się w kanonicznym repertuarze modernistycznym? Tajemnica.

Lily Boulanger

Wydawałoby się, jaką muzykę na początku ubiegłego wieku mogła komponować wiecznie chora, głęboko religijna i patologicznie skromna Francuzka z wyższych sfer? Zgadza się – taki, który mógłby posłużyć jako dobra ścieżka dźwiękowa do Judgement Day. Najlepsze kompozycje Lily Boulanger są napisane na tekstach religijnych, takich jak psalmy czy modlitwy buddyjskie, najczęściej wykonywane są one jak przez źle nastrojony chór do poszarpanego, niemelodyjnego i głośnego akompaniamentu muzycznego. Nie można od razu znaleźć analogu do tej muzyki - tak, jest ona nieco podobna do wczesnych utworów Strawińskiego i szczególnie ognistych kompozycji Honeggera, ale ani jedno, ani drugie nie osiągnęło takiej głębi rozpaczy i nie posunęło się w tak ekstremum fatalizm. Kiedy przyjaciel rodziny Boulanger, kompozytor Gabriel Fauré, odkrył, że trzyletnia Lily ma słuch absolutny, jej rodzice i starsza siostra nie mogli sobie wyobrazić, że ten dar przełoży się na coś tak nieanielskiego.

Przy okazji, o mojej siostrze. Nadia Boulanger okazała się postacią w historii muzyki, niepodobną do żadnej bardziej znaczącej. Przez prawie pół wieku – od lat 20. do 60. – Nadia była uważana za jedną z najlepszych nauczycielek muzyki na świecie. Mając bardzo konkretne poglądy zarówno na ówczesną nową muzykę, jak i na muzykę w dosłownym tego słowa znaczeniu, klasyczną, twardą, bezkompromisową i wyczerpującą swoich uczniów najtrudniejszymi zadaniami, Nadia, nawet dla swoich ideowych przeciwników, pozostawała przykładem inteligencja muzyczna o niespotykanej pamięci i mocy. Być może mogła stać się tak znaczącą kompozytorką, jak okazała się być nauczycielką. W każdym razie zaczynała jako kompozytorka - ale, jak sama przyznaje, po śmierci Lily coś pękło w Nadii. Żyjąc 92 lata, starsza siostra nigdy nie osiągnęła wyżyn nielicznych kompozycji swojej młodszej siostry, która wypaliła się z powodu choroby Leśniowskiego-Crohna w wieku 24 lat.

Elżbieta Maconki

Ralph Vaughan Williams, największy brytyjski kompozytor ostatniego stulecia, był zagorzałym orędownikiem narodowych tradycji muzycznych. Tak więc entuzjastycznie przerabiał pieśni ludowe, pisał utwory chóralne podejrzanie podobne do hymnów anglikańskich i z różnym powodzeniem przemyślał twórczość angielskich kompozytorów renesansu. Uczył także kompozycji w londyńskim Royal College of Music, gdzie jego ulubioną uczennicą w latach dwudziestych była młoda Irlandka Elizabeth Maconki. Kilkadziesiąt lat później opowie, że to Vaughan Williams, bez powodu, że był tradycjonalistą, poradził jej, aby nigdy nikogo nie słuchała, a komponując muzykę, skupiała się tylko na swoich zainteresowaniach, gustach i przemyśleniach.

Rada okazała się decydująca dla Maconki. Jej muzyka zawsze pozostawała nietknięta zarówno przez światowe trendy awangardy akademickiej, jak i odwieczną anglo-celtycką miłość do wiejskiego folkloru. To właśnie w latach studenckich odkryła Belę Bartóka (swoją drogą kompozytora, który również działał poza wszelkimi oczywistymi nurtami), Makonki w swoich kompozycjach naturalnie odpychała dojrzałą muzykę wielkiego Węgra, ale jednocześnie konsekwentnie wypracowała własny styl, znacznie bardziej intymny i introspektywny. Żywymi przykładami oryginalności i ewolucji fantazji kompozytorki Makonki są jej trzynaście kwartetów smyczkowych, napisanych w latach 1933-1984 i tworzących razem cykl literatury kwartetowej, w niczym nie ustępującym tym Szostakowicza czy tego samego Bartoka.

Vitezslava Kapralova

Kilka lat przed I wojną światową niepozorny czeski kompozytor i pianista koncertowy Vaclav Kapral założył w rodzinnym Brnie prywatną szkołę muzyczną dla początkujących pianistów. Szkoła nadal istniała po wojnie, szybko zyskując reputację niemal najlepszej w kraju. Napływ chętnych do nauki, a konkretnie uczenia się od samego kaprala, skłaniał kompozytora nawet na chwilę do zaniechania wszelkich innych zajęć na rzecz nauczania.

Na szczęście jego córka Witezslava, która w tym czasie nie obchodziła jeszcze dziesiątych urodzin, nagle zaczęła wykazywać niezwykłe zdolności muzyczne. Dziewczyna grała na pianinie lepiej niż wielu dorosłych profesjonalistów, zapamiętała cały klasyczny repertuar piosenek, a nawet zaczęła pisać małe utwory. Kapral opracował zaskakujący pod względem arogancji, głupoty i komercji plan: wyhodowania z Witezsławy prawdziwego muzycznego potwora, zdolnego zastąpić go jako głównego nauczyciela szkoły rodzinnej.

Oczywiście nic z tego się nie wydarzyło. Ambitny Witezsława, który chciał zostać kompozytorem i dyrygentem, w wieku piętnastu lat wstąpił od razu na dwa odpowiadające sobie wydziały tutejszego konserwatorium. Aby kobieta chciała dyrygować - tego nie widziano w Czechach lat 30. przed Kapralovą. A jednocześnie dyrygować i komponować - to było generalnie nie do pomyślenia. To właśnie od komponowania w pierwszej kolejności zaczął nowo przyjęty student – zresztą takiej jakości, takiej różnorodności stylistycznej iw takiej ilości, że tak naprawdę nie ma z kim porównywać.