"Odnalazłem w malarstwie nieograniczone pole działania, w którym mogłem dać swobodę niespokojnej kreatywności"
© Henri Matisse, 25 maja 1852 r.
francuski artysta Henri Matisse przeszedł do historii jako uznany geniusz malarstwa światowego, w dużej mierze determinujący rozwój sztuki XX wieku. W poszukiwaniu swego artystycznego „ja” zdołał spróbować swoich sił w kilku stylach i kierunkach jednocześnie, każdy z nich wyrósł i założył własną szkołę malarstwa, zwaną Fowizmem (franc. fauve – „dziki”).
Jednak w przeciwieństwie do swoich kolegów z warsztatu, sam Matisse nie okazywał „dzikości”, ale był osobą skromną i spokojną. I jeśli inni artyści awangardy dokonali dosłownie rewolucji, próbując oddać na swoich płótnach buntowniczego ducha czasu, Matisse szukał „spokoju i przyjemności”, nieustannie eksperymentując z farbami i zastanawiając się nad znaczeniem koloru.
„Marzy mi się sztuka zrównoważona, pełna czystości i spokoju, sztuka bez próżnych i niespokojnych tematów,… która mogłaby odpocząć umysł,… jak wygodne krzesło odpoczywa zmęczona osoba”- powiedział Matisse.
Wiele osób wciąż dziwi się, jak osoba o tak pogodnym credo twórczym stała się jedną z kluczowych postaci w sztuce XX wieku. Co dziwne, Matisse nie od razu zaczął się martwić takimi pytaniami, ponieważ historia wielkiego artysty nie zaczęła się od świata malarstwa.
Młody Henri, syn odnoszącego sukcesy kupca zboża, miał robić karierę jako prawnik, a jako posłuszny syn Matisse zaczął studiować prawo na jednej z prestiżowych szkół w Paryżu. Po ukończeniu studiów wrócił do rodzinnego miasta, gdzie wkrótce dostał pracę jako referent u adwokata. Wydawało się, że przyszłość młodego człowieka była już przesądzona, ale wtedy los wkroczył w jego życie, radykalnie zmieniając wszystkie plany.
Matisse leżał na stole operacyjnym. Atak ostrego zapalenia wyrostka robaczkowego przez długi czas przykuł młodego mężczyznę do łóżka, pozostawiając go bez rozrywki. Chcąc jakoś rozjaśnić „szpitalne” życie swojego syna, kochająca matka dała mu przybory do rysowania, otwierając przed młodym Matisse nowy i nieznany świat. Zajęcia z malarstwa tak bardzo zafascynowały młodego człowieka, że wbrew woli ojca postanowił na zawsze porzucić prawo i wrócił do stolicy, by zostać artystą.
Pierwszy nauczyciel Matisse'a, francuski artysta Gustave Moreau, symbolista do szpiku kości i uznany mistrz gry koloru, lubił wysyłać uczniów do Luwru, aby kopiowali dzieła wybitnych mistrzów, szlifując techniki i techniki malarstwa klasycznego. „Sen o kolorze”, - powtórzył swoim podopiecznym, a Matisse, jak nikt inny, został przesiąknięty tym stwierdzeniem, zamieniając swoje życie w poszukiwanie idealnego sposobu przekazywania emocji za pomocą koloru.
Matisse napisał później:
„Ekspresyjną stronę koloru postrzegam czysto intuicyjnie. Przekazując jesienny pejzaż nie będę pamiętał jakie odcienie kolorów są odpowiednie na tę porę roku, będę inspirował się tylko doznaniami jesieni… Kolory dobieram nie według żadnej naukowej teorii, ale według odczucia, obserwacji i doświadczenie ”
Zainteresowanie kolorem widoczne jest już we wczesnych pracach Matisse'a. Z reguły są to podejmowane przez młodego artystę próby pisania w duchu uznanych mistrzów malarstwa. Jedną z takich prac jest martwa natura zatytułowana „Butelka Schiedam” (Nature Morte à la Bouteille de Schiedam): klasyczna kompozycja, ciemne i niejednorodne odcienie, szczególna dbałość o półtony dają podobieństwo do płótna. Tymczasem bogactwo czerni i srebra oraz szerokość kresek świadczą o znajomości kreatywności Matisse'a.
W ciągu lat studiów Matisse konsekwentnie przechodził wszystkie etapy ewolucji sztuki klasycznej, próbował swoich sił na każdym z nich. Niemniej jednak, przy całym znaczeniu tradycji minionych epok w kształtowaniu stylu artysty, Matisse czuł, że to wszystko nie jest dla niego. Luwr wydawał mu się ogromną biblioteką pełną starych książek, które przyprawiają o senność i melancholię zmęczonego studenta. Matisse natomiast tęsknił za czymś nowym, niezwykłym, w przeciwieństwie do tego, co zostało stworzone przed nim.
„Wydawało mi się, że wchodząc do Luwru straciłem poczucie swojej epoki, a obrazy, które malowałem pod bezpośrednim wpływem dawnych mistrzów, nie wyrażają tego, co czuję”, wspominał artysta.
Jednym z najważniejszych etapów formowania się Matisse'a jako artysty była jego znajomość z twórczością impresjonistów, w szczególności z mało znaną wówczas sztuką. Matisse zawdzięczał to australijskiemu artyście Johnowi Russellowi, jego przyjacielowi i mentorowi, który po raz pierwszy po Moreau sprawił, że Matisse poważnie zastanowił się nad znaczeniem i znaczeniem koloru w malarstwie.
„Russell był moim nauczycielem, wyjaśnił mi teorię kolorów”, przyznał Matisse.
Impresjonizm i własne eksperymenty z kontrastami kolorystycznymi silnie wpłynęły na pierwsze „samodzielne” prace artysty. Takimi są na przykład martwe natury „Naczynia i owoce” (Vaisselle et Fruits), „Owoce i dzbanek do kawy” (Fruits et Cafetière). Obejmuje to również pierwsze krajobrazy Matisse'a - Bois du Boulogne i Ogrody Luksemburskie (Jardin du Luxembourg).
Po kilku latach Matisse porzucił pasję do impresjonizmu i pogrążył się w studiowaniu twórczości swoich zwolenników. W tym okresie artysta miał rodzinę, ale mimo napiętej sytuacji finansowej nadal poszukiwał własnego stylu. Jego obrazy praktycznie się nie sprzedawały, jednak Matisse nie przestał eksperymentować z kolorem, analizując znaczenie różnych odcieni i ich zestawień.
„Urok, lekkość, świeżość – to wszystko ulotne doznania… Artyści impresjoniści… subtelne doznania były blisko siebie, więc ich płótna są do siebie podobne. Wolę, ryzykując pozbawienie pejzażu uroku, uwydatnić w nim charakterystyczne cechy i osiągnąć większą stałość., - napisał Matisse wiele lat później.
Matisse poznał swoją przyszłą żonę Amélie Pareire na ślubie przyjaciela. Amelie była druhną, a ona i Matisse przypadkowo usiedli obok siebie. Dziewczyna zakochała się w wysokim brodatym mężczyźnie bez pamięci, który starannie suszył każdy bukiet fiołków, który jej podarował, gdy się spotkali. Matisse'a dręczyły wówczas wątpliwości i nie mógł się zdecydować, czy w końcu poświęcić swoje życie sztuce. Amelie stała się osobą, która uwierzyła w artystę, prawdziwie uwierzyła, stając się na długi czas jego prawdziwą przyjaciółką i pierwszą muzą. A jednak, mimo uczuć Matisse'a do dziewczyny, już wtedy rozumiał, że nikt i nic nie może bardziej zniewolić jego serca niż malarstwo. Nabierając odwagi wyznał:
"Mademoiselle, kocham cię bardzo, ale zawsze będę kochać malować bardziej"
Pierwsza osobista wystawa artysty odbyła się bez większych sukcesów, nie wywołując odpowiedniej reakcji krytyków. Wtedy Matisse postanowił wyjechać ze stolicy na południe Francji w towarzystwie puentylisty Paula Signaca (Paul Signac). Pod wrażeniem jego płócien Matisse zaczął pracować w podobnej technice kropkowanych kresek, a po chwili spod pędzla wyszło pierwsze arcydzieło zatytułowane „Luksus, spokój i przyjemność” (Luxe, Calme at Volupté).
Obraz był sprzeczny i na swój sposób nie mieścił się w ramach wyznaczonych przez pointylistów. W przeciwieństwie do swoich kolegów, którzy porzucili fizyczne mieszanie farb na rzecz oddzielnych pociągnięć, Matisse ponownie skupił się na kolorze. Celowo wybierając jasny zakres - czerwony, fioletowy, pomarańczowy - artysta odszedł od realistycznej interpretacji fabuły. Nasycone odcienie wydawały się nienaturalne, tworząc napięcie i zakłócając zwykły „spokój” klasycznych elementów. Jednak to właśnie dzięki tej niekonsekwencji - połączeniu klasycznej i nowatorskiej formy - Matisse po raz pierwszy naprawdę zdołał pokazać widzowi własną wizję rzeczywistości.
Obraz odniósł sukces i został pozytywnie przyjęty przez krytyków. Jednak bardzo szybko Matisse również porzucił puentylizm, zdając sobie sprawę, że ta ścieżka również nie jest dla niego.
Rok 1905 był punktem zwrotnym w twórczości Matisse'a. Po długich poszukiwaniach i eksperymentach z kolorem artyście udało się maksymalnie ożywić swoje „poczucie natury”. Wraz z grupą podobnie myślących osób wziął udział w Salonie Jesiennym, prezentując na wystawie dwie nowe prace – „Otwarte okno” (La Fenêtre Ouverte) i „Kobieta w kapeluszu” (La Femme au Chapeau).
Malowidła, namalowane z całkowitym lekceważeniem wszelkich zasad, wywołały mnóstwo hałasu, oburzającego nawet przyzwyczajonych do egzotyki Paryżan. Krytycy nazwali ich „garnkiem z farbą rzuconym w twarz”, a autorom przydomek „fowiści” lub „dzikusy”.
Mimo ostrej krytyki i oburzenia opinii publicznej „Kobieta w kapeluszu” została przejęta przez słynną pisarkę i znawcę sztuki Gertrudę Stein (Gertruda Stein). Według jednego ze świadków, „Odwiedzający parsknęli na obraz, a nawet próbowali go zerwać”. Gertrude Stein nie mogła zrozumieć, dlaczego ten obraz wydawał jej się zupełnie naturalny.
W ten sposób pojawił się nowy kierunek w malarstwie, które w historii sztuki weszło pod nazwą „Fowizm”. Matisse został uznany za przywódcę fowistów, wśród których byli dawni koledzy z klasy Moreau. Porzucając tradycyjne metody przedstawiania przedmiotów i konstruowania obrazu, artyści ci zaczęli malować w czystym, otwartym kolorze, upraszczając i schematyzując formę. Jasna, czasem agresywna kolorystyka i wysoki kontrast stanowiły podstawę konstrukcji kompozycji i stały się głównym sposobem „wyrażania uczuć” artystów.
„Rozdrobnienie koloru doprowadziło do rozdrobnienia formy, konturu. Rezultat: wibrująca powierzchnia... Zacząłem malować kolorowymi płaszczyznami, starając się osiągnąć harmonię proporcją wszystkich kolorowych płaszczyzn., - Matisse wspominał pół wieku później.
Henri Matisse - wybitny francuski artysta, przywódca ruchu fowistów - znany jest z mistrzowskiego przekazu w kolorze wykwintnych emocji i uczuć. Świat Matisse'a to świat tańców i pastorałek, pięknych wazonów, soczystych owoców, roślin szklarniowych, dywanów i kolorowych tkanin, figurek z brązu i niekończących się pejzaży. Jego styl wyróżnia elastyczność linii, czasem przerywanych, czasem zaokrąglonych, oddających różnorodne sylwetki i kształty, nastroje i motywy. Wyrafinowane środki artystyczne, harmonie kolorystyczne, łączące jaskrawe kontrastujące harmonie zdają się wzywać kontemplatora tych dzieł do cieszenia się zmysłowym pięknem świata.
Mówi się, że obraz Matisse'a jest muzyczny. Twórczości artysty często przypisywano definicje „świeckiego” i „salonowego”, widząc w świąteczności i elegancji swoich obrazów bezpośredni wpływ gustów zamożnych mecenasów. Wyrzucane za izolację od rzeczywistości, dekadencję, niezrozumienie współczesnych problemów. Rzeczywiście, z rzadkimi wyjątkami, w jego obrazach nie zobaczysz nieokreślonych codziennych motywów. Henri próbował uchwycić coś zupełnie innego: dobrze ubrane kobiety w pięknej eleganckiej oprawie, bujne bukiety kwiatów, jasne dywany.
Henri Matisse Taniec
Przyszły artysta przyszedł na świat, który później z taką miłością śpiewał za pomocą pędzla i farb, tuż przed nadejściem Nowego Roku - 31 grudnia 1869 w Cato-Cambresy w północnej Francji. Ojciec chciał, aby syn jak najszybciej stanął na nogi, widział w nim prawnika, osobę zamożną, ale jego pragnienia pozostały marzeniem. To prawda, że Matisse po ukończeniu Liceum Saint-Quentin musiał jeszcze studiować prawo w Paryżu. Po raz pierwszy spróbował swoich sił w malarstwie w szpitalu, gdzie skończył z zapaleniem wyrostka robaczkowego. Było dużo wolnego czasu, Henri zrobił rysunek, kolejny i… praca go zafascynowała. W wieku 20 lat rozpoczął naukę w szkole artystycznej Ventin de la Tour, aw 1891 wyjechał do Paryża, gdzie wstąpił do École des Beaux-Arts. Następnie, wbrew woli ojca, Matisse porzucił prawo i całkowicie osiadł w Paryżu, zapisując się na Akademię Juliańską i pobierając lekcje u mistrza francuskiego malarstwa Gustave'a Moreau.
Mistyczny i symbolista, Moreau przewidział wspaniałą przyszłość początkującego artysty, szczególnie doceniając jego innowacyjne techniki w nieoczekiwanych kombinacjach kolorystycznych. Malowanie wymaga czasu i pieniędzy. Rodzina się powiększa: na przełomie wieków przychodzą na świat synowie artysty - Jean i Pierre. Według wspomnień współczesnych małżeństwo Matisse było niezwykle szczęśliwe: oddana artystce Amelie Matisse ciężko pracowała, aby jej mąż mógł angażować się tylko w kreatywność. Ta piękna kobieta jest przedstawiona na wielu płótnach mistrza; najbardziej znane prace to „Kobieta w kapeluszu” i „Portret żony”. Amelie zrobiła wszystko, co możliwe, aby Henri więcej podróżował, widział świat, chłonął jego kolory. Para wyjeżdża razem do Algierii, gdzie Matisse zapoznaje się ze sztuką Wschodu, która wywarła na niego ogromny wpływ. Stąd w jego twórczości - przewaga koloru nad formą, zróżnicowanie i wzornictwo, stylizacja w rozwoju obiektów.
Poszukiwanie bezpośredniego przekazu doznań za pomocą intensywnego koloru, uproszczonego rysunku i płaskiego obrazu znalazło odzwierciedlenie w pracach prezentowanych na wystawie fowistów na paryskim Salonie Jesiennym w 1905 roku. W tym czasie Matisse odkrywa rzeźby ludów Afryki, interesuje się klasycznymi japońskimi drzeworytami i dekoracyjną sztuką arabską.
W 1908 roku rosyjski kolekcjoner Siergiej Szczukin zamówił u artysty trzy panele dekoracyjne do swojego domu w Moskwie. Praca „Taniec” (1910) przedstawia ekstatyczny taniec, inspirowany wrażeniami z rosyjskich sezonów Siergieja Diagilewa, występami Isadory Aunkan i greckim malarstwem wazowym. W „Muzyce” podane są postacie artystów grających na różnych instrumentach. Trzeci panel – „Kąpiel, czyli medytacja” – pozostał tylko w zarysie. Obrazy z kolekcji Szczukina, „odcięte” przez wojnę od reszty świata, po rewolucji zostały skonfiskowane przez państwo, przez całą połowę XX wieku leżały zamknięte w sowieckich piwnicach i ujrzały światło dopiero po śmierć Stalina (i samego Matisse'a).
Nie można powiedzieć, że artystyczny beau monde jednoznacznie pozytywnie przyjął twórczość Matisse'a. Na przykład Pablo Picasso w ogóle nie postrzegał francuskiego malarza i widział w nim swojego rywala. Igor Strawiński wspomina: „Co to jest Matisse? Pablo lubił powtarzać. „Balkon z jasną doniczką”.
W przeciwieństwie do Picassa, Matisse musiał stawić czoła opozycji swojego ojca, który przez całe życie wstydził się, że jego syn postanowił zostać artystą. Matisse przez wiele lat żył w biedzie. Miał około czterdziestu lat, kiedy w końcu mógł sam utrzymać rodzinę. Henri szukał w sztuce spokoju i stabilności, których życie nie mogło mu dać; Wręcz przeciwnie, Pablo wstrząsnął fundamentami świata.
Kiedy poznali się w 1906 roku, Picasso miał 25 lat, dopiero co przyjechał z Hiszpanii, ledwo mówił po francusku i praktycznie nikt w Paryżu go nie znał. 3-letni Matisse był już wtedy uznawany za artystę pierwszej klasy. Pierwszym obrazem, który Matisse podarował Picasso w 1907 roku, był portret córki Henri, Małgorzaty. Picasso zawiesił pracę w swoim studio i zaprosił swoich przyjaciół, aby wykorzystali ją jako cel do gry w „rzutki”.
Matisse był pod silnym wpływem sztuki islamskiej, prezentowanej na wystawie w Monachium w 1911 roku. Dwie zimy spędzone przez artystę w Maroku (1912 i 1913) dodatkowo wzbogaciły go o znajomość motywów orientalnych, a długie życie na Riwierze przyczyniło się do wypracowania jasnej palety. W przeciwieństwie do mistrzów kubizmu, twórczość Matisse'a nie była spekulatywna, opierała się na skrupulatnym studium natury i praw malarstwa. Wszystkie te płótna przedstawiające postacie kobiece, martwe natury i pejzaże są wynikiem długich studiów nad formami naturalnymi. Można powiedzieć, że Matisse zdołał harmonijnie wyrazić bezpośrednie emocjonalne odczucie rzeczywistości w najbardziej rygorystycznej formie artystycznej. Znakomity rysownik, był par excellence kolorystą, osiągając efekt skoordynowania brzmienia kilku intensywnych barw. Na przykład w obrazie „Luksus, pokój i zmysłowość” styl secesyjny łączy się z kropkowanym, typowym dla puentylizmu, stylem pisania. W przyszłości wzrasta energia barw, pojawia się zainteresowanie ekspresją (ulubione słowo Matisse'a), barwnymi aureolami, kolorystycznym opracowaniem w obrazowej kompozycji.
Efekt kolorystyczny obrazów Matisse'a na widzu jest niesamowity; kolory wołają i krzyczą jak głośne fanfary. Kontrasty kolorystyczne są ostro podkreślone i podkreślone. Oto, co mówi sam artysta: „W moim obrazie „Muzyka” niebo jest napisane pięknym błękitem, najbłękitniejszym z błękitów, samolot namalowany jest kolorem tak nasyconym, że niebieski jest w pełni zamanifestowany, idea \ całkowicie niebieski; dla drzew zabrano czystą zieleń, a dla ludzkich ciał dźwięczny cynober. Bo ekspresja zależy od powierzchni barwnej, jaką zajmuje widz jako całość.
W pracach Matisse'a kolor tak bardzo dominuje nad rysunkiem, że można powiedzieć: to on, kolor, jest prawdziwym bohaterem treści obrazów. Taka metoda twórcza była charakterystyczna nie tylko dla Matisse'a, ale i dla całego fowizmu. Jeden z krytyków napisał o fowistów: „Rzucili puszką farby w publiczność”. Matisse w jednym ze swoich esejów odpowiada: „Kolory na obrazie powinny pobudzać zmysły do głębi, bez względu na to, co mówią krytycy”. Nic dziwnego, że Guillaume Apollinaire wykrzyknął: „Jeśli dzieło Matisse'a wymagało porównania, należy wziąć pomarańczę. Matisse to owoc o olśniewającym kolorze.
Henri Matisse: matisse46
Henri Matisse: Les voiliers
Niezwykła jest dokładność, z jaką buduje kompozycję na płótnie. Matisse uchwycił samą oś ruchu, nadając rysunkowi całość i regularność. Jego szkice są tak ostre, dynamiczne, lapidarne i jednocześnie plastyczne, że nie sposób ich pomylić z pracami innych kreślarzy – od razu są rozpoznawalne!
Francuscy artyści secesji nie byli obojętni na taniec. Pełen wdzięku balerinki Degas, kabaretowa prima Toulouse-Lautrec – różne hipostazy tanecznego motywu, który stał się modny. Henri Matisse nie był wyjątkiem. I choć wizerunki Matisse'a są obce realizmowi, a jego dekoracyjne płótna niewiele mają wspólnego z rzetelnym przedstawieniem balerinek na pointach, to temat tańca niezmiennie pojawia się w punktach zwrotnych jego twórczej drogi.
Henri Matisse: Matisse Icarus (Icare), 1943-1944, Z Jazzu
Henri Matisse: Muzyka Matisse'a, 1910, olej na płótnie, Ermitaż w St. Zwierzak domowy
Panel „Taniec paryski” został wymyślony przez Matisse'a w jego schyłkowych latach. Niemniej jednak praca uważana jest za jedną z najbardziej odważnych i innowacyjnych. Specjalnie na to zamówienie autor wymyślił i opracował autorską technikę – decoupage (przetłumaczoną z francuskiego – „cięcie”). Niczym gigantyczna układanka obraz został złożony z oddzielnych fragmentów. Z arkuszy, wcześniej pomalowanych gwaszem, maestro własnoręcznie wycinał nożyczkami figury i kawałki tła, a następnie, zgodnie z rysunkiem zaznaczonym węglem, przymocował je do podstawy szpilkami… „Paryż taniec” jest znany w trzech wersjach. Najwcześniejsza, niedokończona wersja jest zasadniczo studium przygotowawczym. Z drugim, prawie ukończonym dziełem, wyszła niefortunna historia: Matisse pomylił się w wielkości pokoju i całe płótno musiało zostać przepisane. Ostateczna wersja została zatwierdzona przez klienta i pomyślnie wyjechała za granicę. A poprzedniego, „defektywnego” artystę udało się dokończyć, w 1936 roku zrezygnował z pracy za skromną opłatą na rzecz Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu. Dziś „Taniec paryski” jest słusznie uważany za perłę kolekcji tego muzeum - nie jest przypadkiem, że zbudowano specjalną salę, aby wystawić gigantyczne płótno. Kolejny interesujący szczegół: w trakcie pracy nad paryskim tańcem Henri Matisse musiał odwiedzić Moskwę, gdzie wraz z poetą Walerym Bryusowem i artystą Valentinem Serovem, który odkrył piękno rosyjskich ikon dla Matisse'a, z którego francuski malarz był zachwycony, poznał Lidię Aelektorską. Ta prosta Rosjanka miała przejść do historii - została sekretarką, potem niezastąpioną asystentką, a potem - najbliższą przyjaciółką i ostatnią muzą artysty. W październiku 1933 roku Lydia Lelectorskaya wprowadziła się do domu Matisse'a i przebywała tam przez prawie 22 lata.
O swoich wrażeniach z Rosji Matisse napisał: „Wczoraj widziałem kolekcję starych ikon. To jest prawdziwa wielka sztuka. Uwielbiam ich wzruszającą prostotę, która jest mi bliższa i bliższa niż obrazy Fra Angelico. W tych ikonach, niczym mistycznym kwiatku, objawia się dusza artystów. I musimy uczyć się od nich rozumienia sztuki”.
Pierwsza wojna światowa, która odcisnęła głębokie piętno na duszy Matisse'a, zmieniła jego styl artystyczny. Kolorystyka obrazów staje się ponura, a rysunek niemal schematyczny. Od 1918 artysta prawie bez przerwy mieszka w Nicei, sporadycznie odwiedzając Paryż. Radosne, jasne kolory nie wracają szybko do jego malarstwa… W licznych kompozycjach z tego okresu, wśród których najbardziej znane to „Perski Dress”, „Muzyka” (1939), „Rumuńska bluzka” (1940), artysta ponownie potwierdza zasady „czystego malarstwa”. Napisane niedbałymi pociągnięciami obrazy sprawiały wrażenie radosne, ale zwodnicze - jakby za pierwszym razem zostały namalowane łatwo, w wyniku szczęśliwej i beztroskiej inspiracji. Ale w rzeczywistości każde dzieło mistrza jest wynikiem żmudnych poszukiwań, ciężkiej pracy i ogromnego stresu moralnego i fizycznego. Nie wyróżniający się dobrym zdrowiem, cierpiący na bezsenność, Matisse odmawiał sobie wielu przyjemności, aby zachować zdolność do pracy. Tworząc obraz, zapomniał o wszystkim na świecie.
Henri Matisse: Matisse Jazz- The Toboggan, 1943, wycinanki
Artysta kontynuuje tworzenie nawet w najtrudniejszym dla niego czasie. Od 1941 r. ciężko chory, jego żona i córka zostały aresztowane przez gestapo za udział w ruchu oporu, Matisse od dawna nic nie wie o ich losach. W ostatnich latach Henri pracuje bardziej jako ilustrator, lubi kolaże. Z jaką rozkoszą rozpisywał wzory dywanów orientalnych, jak starannie osiągał dokładne, harmonijne proporcje kolorystyczne! Wspaniałe, pełne tajemniczego wewnętrznego światła i martwych natur, portrety z późniejszego okresu. To już nie jest intymny obraz, nabiera kosmicznego brzmienia. Zmuszony do rezygnacji z pracy olejnej, nie mogąc trzymać w rękach pędzla i palety, artysta opracował technikę komponowania obrazu ze skrawków kolorowego papieru. W latach 1948-53 na zlecenie zakonu dominikanów Matisse pracował przy budowie i dekoracji kaplicy różańcowej w Vence. Nad ceramicznym dachem przedstawiającym niebo z chmurami unosi się ażurowy krzyż; nad wejściem do kaplicy płycina ceramiczna przedstawiająca św. Dominika i Maryi Panny. Inne panele, wykonane według szkiców mistrza, są umieszczone we wnętrzu; artysta jest niezwykle skąpy w detalach, niespokojne czarne linie dramatycznie opowiadają o Sądzie Ostatecznym (zachodnia ściana kaplicy); obok ołtarza znajduje się wizerunek samego Dominika. To ostatnie dzieło Matisse'a, do którego przywiązywał wielką wagę - synteza wielu wcześniejszych poszukiwań - godnie zakończyło jego drogę artystyczną. Jednak Matisse malował do końca, nawet nocą, nawet po zawale serca, dzień przed śmiercią, 3 listopada 1954, poprosił o ołówek i wykonał trzy szkice portretowe.
Artysta na szczęście miał długie i intensywne życie twórcze - w świecie pełnym katastrof, rewolucji technicznych, naukowych i społecznych. Ten świat był ogłuszający, zmieniał się z iście wybuchową szybkością, a Matisse przewracał wszystkie utarte idee, piętrzył gruzy, mnożył odkrycia, szukał w sztuce nowych form bycia. Przeszukane i znalezione!
Henri Matisse: Odaliska w czerwonych kwiatuszkach. W latach 40. Matisse często sięgał po technikę nanoszenia kolorowego papieru (seria jazzowa, 1944-47). Matisse zwrócił się ku rzeźbie od początku XX wieku, ale szczególnie często w latach 20-30 (relief „Naga postać kobieca z tyłu”, brąz, 1930, Kunstmuseum, Zurych). Ostatnim dziełem Matisse'a jest dekoracja wnętrz (w tym witraże) kaplicy Różańcowej w Vence koło Nicei (1953). Matisse zmarł w Cimiez koło Nicei 3 listopada 1954 r.
Znakomity rysownik, Matisse był par excellence kolorystą, osiągając efekt spójnego brzmienia w kompozycji wielu intensywnych barw. Oprócz obrazów znane są jego genialne rysunki, ryciny, rzeźby, rysunki do tkanin. Jednym z najważniejszych dzieł artysty był projekt i witraże dominikańskiej kaplicy Różańcowej w Vence (1951).
Francuscy artyści z końca XIX i początku XX wieku mieli słabość do tańca. Pełne wdzięku baleriny Degasa i szykowny kabaret prima Toulouse-Lautrec to tylko różne wcielenia modnego motywu tanecznego. Wielki Henri Matisse nie był wyjątkiem. „Bardzo kocham taniec. Taniec to niesamowita rzecz: życie i rytm. Łatwo mi żyć z tańcem” – przyznał mistrz. I choć wizerunki Matisse'a są obce realizmowi, a jego dekoracyjne płótna niewiele mają wspólnego z brązowymi dziewczętami w tutusach, motyw tańca niezmiennie pojawiał się we wszystkich punktach zwrotnych jego twórczej drogi.
Pierwszy okrągły taniec pojawił się na wczesnym płótnie artysty „Radości życia”. Temat ten znalazł swój rozwój 4 lata później, kiedy Matisse rozpoczął pracę nad gigantycznymi panelami „Taniec” i „Muzyka”, na zlecenie słynnego rosyjskiego kolekcjonera i filantropa S.I. Shchukina. Ale jeszcze wcześniej, w 1907 roku, mistrz wykonał drewniany relief z tańczącymi nimfami i kilkoma wazami autorskimi o tym samym motywie. Następnie Matisse przystąpił do stworzenia monumentalnego płótna dla moskiewskiej rezydencji Szczukina.
„Kiedy musiałem zrobić taniec dla Moskwy, po prostu poszedłem w niedzielę do Moulin de la Galette. Oglądałem, jak tańczą. Szczególnie podobał mi się farandol ... Wracając do mojego pokoju, skomponowałem swój czterometrowy tańcz, śpiewając ten sam motyw ”. Jaskrawoczerwone postacie krążące w szalonym, okrągłym tańcu nie tylko zachwyciły klienta, ale także przyniosły twórcy obrazu zasłużoną sławę. To nie przypadek, że prawie ćwierć wieku później Matisse powraca do tematu tańca.
Zamówienie, otrzymane w 1930 roku od słynnego amerykańskiego kolekcjonera Alberta Barnesa, rzeczywiście nie było łatwe: ozdobne płótno musiało być umieszczone w sklepieniach łukowych nad oknami. Wybitny klient mądrze pozostawił wybór tematu i techniki do uznania artysty. Ale zwracając się do swojego ulubionego tematu, Matisse stworzył pracę, która w żaden sposób nie jest podobna do dynamicznego i spektakularnego panelu „Szczukin”.
Taniec paryski” został wymyślony przez Matisse'a w latach siedemdziesiątych. Niemniej jednak uważany jest za jedno z najbardziej odważnych i nowatorskich dzieł artysty. A wszystko dlatego, że specjalnie na to zamówienie autor wymyślił i rozwinął oryginalną technikę decoupage (która w języku francuskim oznacza „wyciąć"). Niczym gigantyczna układanka obraz składał się z oddzielnych fragmentów. Z arkuszy wcześniej pomalowanych gwaszem maestro osobiście wycinał nożyczkami figurki lub kawałki tła, które następnie (zgodnie z rysunkiem zaznaczonym z węglem) przymocowanym do podstawy za pomocą szpilek.Technologia ta polegała na szybkiej wymianie jednego Ostatni etap - nałożenie farby na płótno - odbył się przy pomocy malarza działającego zgodnie z instrukcjami artysty.
Dzieła decoupage uważane są za arcydzieła późnego i bardzo późnego Matisse'a. Będąc już chorym starcem, przykutym do łóżka, nie puścił nożyczek i ciągle domagał się kolorowego papieru.
W rzeczywistości panel „Taniec paryski” istnieje w trzech wersjach. Najwcześniejsza, ale niedokończona wersja jest zasadniczo studium przygotowawczym. Przy drugim, prawie ukończonym pełnoprawnym dziele wyszedł obraźliwy błąd: Matisse popełnił błąd w wielkości pokoju, a całe płótno musiało zostać przepisane od nowa. Ostateczna wersja została zatwierdzona przez klienta i pomyślnie wyjechała za granicę. A poprzedniego, „ułomnego”, przypomniał artysta iw 1936 r. ustąpił za skromną opłatą Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu.
Dziś „Taniec paryski” jest słusznie uważany za perłę kolekcji tego muzeum - nie bez powodu zbudowano specjalną salę, aby wystawić gigantyczne płótno. Obraz został ciasno zamocowany nad trzema oknami w sklepieniach łukowych i, zgodnie z uczciwym przyznaniem dyrektora muzeum, „nie oznacza możliwości transportu”.
Ale tutaj mieszkańcy Petersburga i Moskwy mieli niesamowite szczęście: Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu zostało zamknięte z powodu długotrwałej rekonstrukcji. Unikatowy panel został wysłany do Rosji z wielkim gestem: początkowo wisiał przez trzy miesiące w Państwowym Muzeum Ermitażu, a teraz (od 6 września) trafia do Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina. I jeszcze jeden interesujący szczegół: w trakcie pracy nad „Paryskim tańcem” Henri Matisse spotkał prostą Rosjankę, Lidię Nikołajewnę Delektorską, która została najpierw sekretarką, potem niezastąpioną asystentką i pielęgniarką, a następnie - najbliższą przyjaciółką artysty i ostatnia muza. W październiku 1933 roku Lydia Delektorskaya przeniosła się do domu Matisse'a i „przebywała” tam przez prawie 22 lata, aż do śmierci wielkiego mistrza.
Panele Matisse'a „Taniec” i „Muzyka”, które zrobiły furorę na wystawie Paryskiego Salonu Jesiennego w 1910 roku, powstały na zamówienie znanego wówczas we Francji rosyjskiego przemysłowca i kolekcjonera S. Szczukina, który zaprosił Matisse'a do Moskwa, przedstawiła go W.Bryusowowi, W.Sierowowi, N.Andreevowi, umożliwiła zobaczenie starych rosyjskich ikon, z których francuski artysta był zachwycony.
Tak właśnie Matisse'owi wydała się idea tych dwóch płócien: „Wyobrażam sobie przychodzącego gościa. Przed nim otwiera się pierwsze piętro. Musi iść dalej, wysilać się, musi budzić radość. Mój pierwszy panel przedstawia taniec, okrągły taniec na szczycie wzgórza.Na drugim piętrze jesteś już w domu, panuje tu duch ciszy, a ja widzę scenę muzyczną z uważnymi słuchaczami... Matisse widział też trzeci scena, która ucieleśniała całkowity spokój.
Głównym zadaniem dla niego było osiągnięcie integralności tych obrazów sztalugowych, które miały niewiele wspólnego z zespołem architektonicznym i dekoracyjnym. W obu kompozycjach wyczuwa się echo fowistycznych kompozycji Matisse'a, powstałych pod bezpośrednim wrażeniem francuskich tańców ludowych, które widział na południu Francji.
Ci, którzy dobrze znali artystę, powiedzieli, że nawet gdyby Szczukin nie zamówił mu drugiej kompozycji, to i tak by się narodziła. W dynamicznym, szaleńczym „Tańcu” można dostrzec złożone kąty, niezwykłe sploty rąk i ciał, a w „Muzyce”, która jest rytmicznie odwrotna, podstawą rozwiązania kompozycyjnego nie jest dynamika, nie ruch, ale absolutny bezruch odizolowanych, frontalnie usytuowanych postaci. Dwa płótna, jedno z pięcioma tancerzami, drugie z pięcioma siedzącymi ognistymi postaciami, są podobne kolorystycznie, płaskie odczytanie formy, abstrakcyjny temat, ale przeciwne rytmicznie. Matisse, jak sam pisał, zabarwił swoje obrazy „do nasycenia, aby… błękit był w pełni odsłonięty, podobnie jak idea błękitu absolutnego”.
Po tym, jak „Taniec” i „Muzyka” wywołały skandal na Salonie Jesiennym, S. Schukin odmówił ich zabrania i wyjaśnił to nieskromnością w badaniu niektórych postaci. Młode dziewczyny właśnie osiedliły się w jego domu i nie chciał ich zawstydzać. Jednak po chwili zmienił zdanie. Matisse musiał jednak pomalować postać chłopca flecistka małą czerwoną farbą, aby ukryć oznaki seksu. Obecnie panele Matisse'a „Taniec” i „Muzyka” są wystawiane w Państwowym Muzeum Ermitażu w Petersburgu.
Henri Matisse lubił impresjonistów i neoimpresjonistów, Gauguin, sztukę arabskiego wschodu, w wieku 35 lat został przywódcą fowistów. Jego kolorystyka jest elegancka i wyrafinowana, a bardzo muzykalne, linearne rytmy tworzą efekt wewnętrznego ruchu. Żadnemu ze zwolenników Matisse'a nie udało się osiągnąć tak całkowitego podporządkowania kompozycyjno-dekoracyjnego wszystkich elementów obrazu jak on, pozostaje on niedoścignionym mistrzem malarstwa dekoracyjnego. Sam stworzył własny, niepowtarzalny świat muzyki, żywiołowego tańca, świat błyszczących figurek, wazonów i owoców, świat pogodnego spokoju i radosnego zapomnienia.
Henri Matisse urodził się 31 grudnia 1869 roku na północy Francji, w Cateau-Cambresy, a dzieciństwo spędził w Boen-en-Vermandois. Jego ojciec był kupcem zboża i marzył, aby jego syn został prawnikiem. Matisse po liceum Saint-Quentin studiował prawo w Paryżu, pracował z prawnikiem w Boen-en-Vermandois. Po raz pierwszy spróbował malować po przyjęciu do szpitala i operacji usunięcia wyrostka robaczkowego. W wieku 20 lat zaczął rysować w École Ventin de la Tour, aw 1891 wyjechał do Paryża, gdzie Bouguereau i Ferrier przygotowali go do wstąpienia do École des Beaux-Arts. Na wieczorowych kursach w Szkole Sztuk Zdobniczych poznał Alberta Marqueta, wstąpił do pracowni Gustave'a Moreau w Szkole Sztuk Pięknych. Dużo kopiował w Luwrze, podróżował do Bretanii, aw 1897 wystawił w Salonie Narodowego Towarzystwa Sztuk Pięknych jedno ze swoich najważniejszych dzieł impresjonistycznych, obraz Deser.
Matisse był często nazywany synem i mężem modystka. W 1898 poślubił Amelię-Noé-mi-Alexandrine Praier, wspaniałą, wysoką kobietę z Południa. I razem pojechali do Londynu, gdzie Matisse po raz pierwszy zobaczył prace „zwiastuna słońca”, romantyka, którego ubóstwiali impresjoniści – Turnera. Jeden z przyjaciół Matisse'a wspominał, że Matisse powiedział, że kocha Londyn, ponieważ „poznał go po raz pierwszy podczas miesiąca miodowego”.
Po Londynie artysta udał się na Korsykę, do Tuluzy. Kiedy Moreau zmarł, Matisse opuścił Szkołę Sztuk Pięknych iw tym samym 1899 roku zaczął uczęszczać do Akademii Carriera, zajął się rzeźbą (na kursach wieczorowych). Wśród jego przyjaciół byli Pissarro, Derain, Puy, Marquet, z którymi malował dekoracyjny fryz, Mignac, Cross, Maillol i inni znani artyści tamtych czasów.
W 1901 Matisse zaczął wystawiać swoje prace w Salon des Indépendants, Bertha Weil Gallery, Salon d'Automne. Pracując w 1904 roku z Signac i Cross, Matisse był zafascynowany dywizjonizmem, systemem malarskim opartym na metodycznym rozkładzie złożonej tonacji kolorystycznej na czyste kolory, utrwalane na płótnie oddzielnymi pociągnięciami, oparte na ich optycznym mieszaniu podczas percepcji wizualnej.
A w 1905 Matisse został liderem nowego kierunku - fowizmu. Na Salonie Jesiennym wystawiali z nim Manguin, Puy, Marquet, Derain, Vlaminck, Valta, którzy podobnie jak on dzielili się swoimi poglądami na malarstwo, starali się skupić na kolorystyce swoich kompozycji, budowali je na podstawie jasnego lokalnego koloru kropki.
W 1906 w Salon des Indépendants Matisse wystawił jedną ze swoich największych kompozycji, Radość życia, która później posłużyła za podstawę panelu Taniec. W tym czasie wykonywał drzeworyty i litografie. Pojechałem na chwilę do Algierii, a potem do Włoch.
W 1907 roku grupa fowistów rozpadła się, a Matisse otworzył swój warsztat. Jego obrazy wystawiane są w Nowym Jorku, Moskwie, Berlinie. Wydaje Notatki malarza i osiedla się w Issy-les-Moulineaux, na przedmieściach Paryża.
W 1910 w Salonie Jesiennym wybuchł skandal z powodu jego paneli „Taniec” i „Muzyka”. W 1911 Matisse odwiedził Moskwę, w 1912 - Maroko, zaczął wystawiać rzeźby. Od tego czasu jego osobiste wystawy odbywały się w wielu miastach na całym świecie, a Galeria Bernheim-Jeune regularnie organizowała jego osobiste wystawy.
W 1920 Henri Matisse na zlecenie S. Diagilewa wykonał modele scenografii i projekty kostiumów dla rosyjskich baletów.
W 1921 przeniósł się do Nicei, rozpoczął prace nad ilustracją książkową i na zlecenie amerykańskiego Barnesa wykonał monumentalny panel malarski „Taniec”, który został zainstalowany w mieście Merion w 1933 roku.
Syn artysty, Pierre, otworzył swoją galerię w Nowym Jorku, gdzie wystawiał prace ojca. Po przejściu poważnej operacji w 1941 roku, w ostatnich latach Matisse pracował bardziej jako twórca książek, zainteresował się kolażami.
Matisse najbardziej lubił malować kwiaty, drzewa i kobiety. Oto jak sam pisał o swojej pracy: „Jestem całkowicie zależny od mojego modela, który badam, gdy jest wolny od pozowania i dopiero wtedy decyduję się wybrać dla niego pozę, która najlepiej pasuje do jego istoty. nowy model, widzę dla niej odpowiednią pozę, gdy jest w stanie relaksu i spokoju, a ja staję się niewolnikiem tej pozy. Pracuję z tymi dziewczynami czasami przez wiele lat, aż zainteresowanie wyschnie. znaki, być może, wyrażają ich stan umysłu… który mnie nieświadomie interesuje…”
Dlatego jego kobiety są jak kwiaty, a kwiaty jak żywi ludzie...
Matisse dał nową wizję świata. Jeśli wielki Leonardo da Vinci twierdził, że głównym cudem malarstwa jest zdolność do przekazywania objętości rzeczy, to Matisse przetłumaczył wszystko na samolot. Jabłko zamieniło się z kuli w koło. Matisse odebrał malarstwu głębię i zaczął zmieniać naturę, by była zgodna z jego myślami. Mógł podporządkować postać ludzką linii ornamentu, jak to ma miejsce w swoim „Czerwonym pokoju”, mógł przesunąć postać względem podpory – robił to w „Standing Dawn”. Nawet jego podłoga nagle stała się pochyła, a kolory dawały fizyczne wrażenie płynącego parnego powietrza („Wejście do Kozby”) lub chłodnej, czystej wody w akwarium („Czerwona ryba”).
Z jaką rozkoszą Matisse wypisał wzory dywanów orientalnych, jak starannie osiągnął dokładne, harmonijne proporcje kolorystyczne! Wspaniały, pełen tajemniczego wewnętrznego światła i jego martwych natur, portretów, aktów.
Historycy sztuki twierdzą, że gdyby Matisse nie był malarzem, znalazłby się w pierwszej dziesiątce francuskich rzeźbiarzy. Jako pierwszy zastosował deformację dla ekspresji i, jak sam przyznał, jeśli Mayol jako mistrz starożytności pracował w tomach, to podobnie jak mistrzowie renesansu fascynowały go arabeski i osiągał wykwintne linia sylwetki. Jeden z najsłynniejszych brązowych posągów Matisse'a „Large Seated Nude” powstał w latach 20. – w tym samym czasie co jego obrazy „Odalisque” i „Akta siedząca na niebieskiej poduszce”.
Współcześni mówili, że kiedy Matisse rzeźbił, zbyt często moczył glinę i dlatego, gdy maszyna była obracana, figury często spadały i zapadały się. Następnie Matisse podniósł pędzel i przeniósł swoją plastyczną wizję na płótno.
Jednym z ostatnich wielkich dzieł Henri Matisse'a był projekt Kaplicy Różańcowej w Vence koło Nicei, gdzie w latach 1948-1951 pracował jako architekt, malarz, rzeźbiarz i dekorator.
Rysunek, nietypowy, lekki, plastyczny, zawsze zajmował jedno z głównych miejsc w twórczości Matisse'a. W latach 20. jego rysunki były dobrze rozwinięte i konkretne, później zainteresował się rysunkami pędzlem, które okazały się zaskakująco kolorowe. W 1919 r. wśród jego rysunków pojawia się „temat kapelusza ze strusimi piórami”, w 1935 r. „temat luster”, w 1940 r. „temat kobiety na fotelu”, a w 1944 r. „temat brzoskwiń”. W technice rysunkowej - monumentalnej, figuratywnie plastycznej - powstał także jego ostatni obraz w "Kaplicy Różańcowej".
Louis Aragon w swojej niezwykłej powieści Henri Matisse napisał:
Całe życie
Narysuj mu słowo, które w nim brzmi...
W 1952 roku w Cateau-Cambresy otwarto Muzeum Henri Matisse'a. Otwarte za życia artysty.
W artykule pt. różę, ale może stworzyć własną różę tylko zapominając o wszystkich różach, które przed nim napisał… Pierwszym krokiem do kreatywności jest zobaczenie prawdziwego wyglądu każdego przedmiotu… Tworzyć znaczy wyrazić to, co jest w tobie.
Henri MatisseHenri Matisse (1869-1954), malarz francuski. Urodzony 31 grudnia 1869 w Le Cateau w północnej Francji. W 1892 przyjechał do Paryża, gdzie studiował w Académie Julian, a później u Gustave'a Moreau. Poszukiwanie bezpośredniego przekazu doznań za pomocą intensywnego koloru, uproszczonego rysunku i płaskiego obrazu znalazło odzwierciedlenie w pracach prezentowanych przez niego na wystawie „dzikich” (fowiści) w Salonie Jesiennym 1905 roku. Wystawia szereg prac, które wywołały skandaliczną sensację i stworzyły podwaliny pod fowizm. W tym czasie Matisse odkrywa rzeźbę ludów Afryki, zaczyna ją kolekcjonować, interesuje się klasycznymi japońskimi drzeworytami i arabską sztuką dekoracyjną. Do 1906 ukończył pracę nad kompozycją Radość życia, której fabuła inspirowana była wierszem Popołudnie Fauna S. Mallarme'a: fabuła łączy motywy pasterstwa i orgii. Pojawiają się pierwsze litografie, drzeworyty, ceramika. W grafikach Matisse arabeska połączona jest z subtelnym przeniesieniem zmysłowego uroku natury. W 1907 Matisse podróżuje do Włoch (Wenecja, Padwa, Florencja, Siena). W Notatkach malarza (1908) formułuje swoje artystyczne zasady, mówi o potrzebie „emocji kosztem prostych środków”. W pracowni Henri Matisse'a pojawiają się studenci z różnych krajów.
„Autoportret” 1918, Muzeum Matisse'a, Le Cate-Cambrai, FrancjaW 1908 r. S. I. Shchukin zamówił od artysty trzy panele dekoracyjne do własnego domu w Moskwie. Panel „Taniec” (1910, Ermitaż) prezentuje ekstatyczny taniec, inspirowany impresjami z rosyjskich sezonów S. Diagilewa, występami Isadory Duncan i greckim malarstwem wazowym. W „Muzyce” Matisse przedstawia odosobnione postacie śpiewające i grające na różnych instrumentach. Trzeci panel – „Kąpiel, czyli medytacja” – pozostał tylko w zarysie. Wystawione w Salonie Paryskim przed wysłaniem ich do Rosji kompozycje Matisse'a wywołały skandal szokującą nagością postaci i nieoczekiwaną interpretacją obrazów. W związku z montażem panelu Matisse odwiedził Moskwę, udzielił kilku wywiadów dla gazet i wyraził podziw dla dawnego malarstwa rosyjskiego. Na obrazie „Czerwona ryba” (1911, Muzeum Sztuk Pięknych w Moskwie), wykorzystując techniki perspektywy eliptycznej i odwróconej, echa tonów oraz kontrast zieleni i czerwieni, Matisse tworzy efekt krążącej ryby w szklanym naczyniu . W miesiącach zimowych 1911-1913 artysta odwiedza Tanger (Maroko), tworzy tryptyk marokański „Widok z okna w Tangerze”, „Zora na tarasie” i „Wejście na kazbę” (1912, ibid.), nabyte przez I. A. Morozowa. Po mistrzowsku oddał efekty niebieskich cieni i oślepiających promieni słońca.
„Naczynia i owoce” 1901 Ermitaż
John McLaughlin – „Pawie” („Obietnica”)
„Kobieta w kapeluszu” (Portret żony) 1904 - Prezentowany na Salonie 1905.
„Martwa natura z wazą, butelką i owocami” 1903-1906 Ermitaż
„Plac w Saint-Tropez” 1904 Muzeum Sztuki, Kopenhaga
„Okno” 1916 Instytut Sztuki, Detroit
„Podniesione kolano” 1922, zbiory prywatne
Po I wojnie światowej Matisse mieszkał głównie w Nicei. W 1920 r. wykonał szkice scenografii i kostiumów do baletu Słowik I. Strawińskiego (choreografia L. Massine, in. S. Diagilew). Pod wpływem malarstwa O. Renoira, którego Matisse poznał w Nicei, lubi przedstawiać modelki w jasnych szatach (cykl „odalisków”); zainteresowany mistrzami rokoko. W 1930 wyjechał na Tahiti, pracując nad dwoma wersjami paneli dekoracyjnych dla Fundacji Barnesa w Merion (Filadelfia), które miały być umieszczone nad wysokimi oknami głównej sali wystawowej. Tematem przewodnim panelu jest taniec. Osiem postaci przedstawionych jest na tle składającym się z różowo-niebieskich pasków, same postacie mają ton szaro-różowy. Rozwiązanie kompozycyjne jest celowo płaskie, dekoracyjne.
W procesie tworzenia szkiców Matisse zaczął stosować technikę wycinania kolorowego papieru („decoupage”), którą później szeroko stosował (na przykład w serii Jazz, 1944-47, później reprodukowana w litografiach). Przed II wojną światową Matisse ilustrował książki wydawane w niewielkich nakładach (grafika lub litografia). Do spektakli Diagilewa szkicuje scenografię do baletu „Czerwone i czarne” do muzyki D. Szostakowicza. Dużo i owocnie pracuje z plastikiem, kontynuując tradycje A. Bari, O. Rodina, E. Degasa i A. E. Bourdelle. Jego styl malarski jest wyraźnie uproszczony; coraz wyraźniej ujawnia się rysunek jako podstawa kompozycji („Bluzka rumuńska”, 1940, Centrum Sztuki Współczesnej im. J. Pompidou). W latach 1948-53 na zlecenie zakonu dominikanów pracował przy budowie i dekoracji kaplicy różańcowej w Vence. Nad ceramicznym dachem przedstawiającym niebo z chmurami unosi się ażurowy krzyż; nad wejściem do kaplicy tablica ceramiczna przedstawiająca św. Dominika i Maryi Panny. Inne panele, wykonane według szkiców mistrza, są umieszczone we wnętrzu; artysta jest niezwykle skąpy w detalach, niespokojne czarne linie dramatycznie opowiadają o Sądzie Ostatecznym (zachodnia ściana kaplicy); obok ołtarza znajduje się wizerunek samego Dominika. Ta ostatnia praca Matisse'a, do której przywiązywał wielką wagę, jest syntezą wielu jego wcześniejszych poszukiwań. Matisse pracował w różnych gatunkach i rodzajach sztuki i używał różnych technik. W plastyce, podobnie jak w grafice, wolał pracować w seriach (m.in. cztery wersje płaskorzeźby „Stojąc plecami do widza”, 1930-40, Centrum Sztuki Współczesnej im. J. Pompidou, Paryż) .
Świat Matisse'a to świat tańców i pasterstw, muzyki i instrumentów muzycznych, pięknych wazonów, soczystych owoców i roślin szklarniowych, rozmaitych naczyń, dywanów i kolorowych tkanin, figurek z brązu i niekończących się widoków z okna (ulubiony motyw artystki). Jego styl wyróżnia elastyczność linii, czasem przerywanych, czasem zaokrąglonych, przekazujących różnorodne sylwetki i kontury (Tematy i wariacje, 1941, węgiel, pióro), wyraźnie rytmizujących jego ściśle przemyślane, w większości wyważone kompozycje.
Lakonizm wyrafinowanych środków artystycznych, kolorystyczne harmonie, łączące albo jaskrawe kontrastujące harmonie, albo wyważenie miejscowych dużych plam i mas koloru, służą głównemu celowi artysty - oddaniu przyjemności ze zmysłowego piękna zewnętrznych form.
Ponadto na Matisse'a duży wpływ wywarły dzieła sztuki islamskiej pokazane na wystawie w Monachium. Dwie zimy spędzone przez artystę w Maroku (1912 i 1913) wzbogaciły go o znajomość motywów orientalnych, a długie życie na Riwierze przyczyniło się do wypracowania jasnej palety. W przeciwieństwie do współczesnego kubizmu, twórczość Matisse'a nie była spekulatywna, lecz opierała się na skrupulatnym studium natury i praw malarstwa. Jego płótna z postaciami kobiecymi, martwymi naturami i pejzażami mogą wydawać się nieistotne tematycznie, ale są wynikiem długich studiów nad formami naturalnymi i ich śmiałymi uproszczeniami. Matisse zdołał harmonijnie wyrazić bezpośrednie emocjonalne odczucie rzeczywistości w najbardziej rygorystycznej formie artystycznej. Znakomity rysownik, Matisse był par excellence kolorystą, osiągając efekt spójnego brzmienia w kompozycji wielu intensywnych barw. Matisse zmarł 3 listopada 1954 w Cimiez koło Nicei.Wczesne martwe natury autorstwa Matisse .a
„Martwa natura” 1890
„Kobieta czytająca” 1894
„Studio Gustawa Moreau” 1895
„Sługa” 1896
„Niebieski garnek i cytryna” 1897. Olej na płótnie. Pustelnia
„Stół jadalny” 1897
„Dzbanek do owoców i kawy” 1899 Ermitaż
"Autoportret"
„Martwa natura z pomarańczami 1899"Warsztat na strychu" 1903. Olej na płótnie. Muzeum Fitzwilliam, Cambridge, Wielka Brytania
„Szczęście istnienia (radość życia)” 1905-06 Fundacja Barnesa, Lincoln University, Merion, Pensylwania
„Żeglarz” 1906
Niezwykłe portrety Matisse .a
"Autoportret" 1900 Cent im. Georges Pompidou
„Auguste Pellerin” (II) 1916
"Greta Mall" 1908, National Gallery, Londyn
„Autoportret w koszuli w paski” 1906 GMI Kopenhaga
„Portret żony artysty” 1912-13 Ermitaż
„Włoski” 1916
„Aisha i Lorette” (Aicha i Lorette) 1917„Białe Pióro” 1919
„Portret Sary Stein” 1916W 1914 roku najlepsze prace Matisse'a, należące do Michaela i Sarah Steinów, zniknęły w Niemczech, gdy na krótko przed wybuchem I wojny światowej brały udział w wystawie w Berlinie. Dwa lata później Matisse wykonał sparowane portrety Michaela i Sarah Stein, jego najbardziej oddanych wczesnych kolekcjonerów, nadrabiając zagubione w Berlinie dzieła.
„Portret Michaela Steina” 1916
„Herbata w ogrodzie” 1919
„Lorette z filiżanką kawy” 1917
„Postać na tle ornamentu” 1925-26. Centrum Pompidou, Paryż
„Laurette w białym turbanie” 1916 Ch.k
"Balerina, harmonia w zieleni" 1927. Ch.„Greta Prozor” 1916
André Derain „Portret Henri Matisse” 1905„Portret Andre Deraina” 1905. Olej na płótnie Tate Gallery, Londyn, Wielka Brytania
„Madame Matisse” 1907
„Sen” 1935
Więcej martwych natur obrazów Matisse .a
„Niebieski obrus” 1909
„Grecki tors z kwiatami” 1919
„Wazon z pomarańczami” 1916. Chek.
„Martwa natura z lustrem”„Wnętrze ze skrzypcami” 1917-18 GMI Kopenhaga
I więcej portretów
„Kobieta w kapeluszu z kwiatami” 1919"Balerina" 1927 Kolekcja Otto Krebsa, Holtzdorf. Teraz w Ermitażu
„Dziewczyna w niebieskiej bluzce” (Portret Lidii Delektorskiej, asystentki artysty). 1939 Ermitaż
„Dziewczyna w różu” 1942
„Dziewczyna w zieleni z goździkiem” 1909. Ermitaż
„Portret Małgorzaty” 1906-1907
„Dziewczyna z zielonymi oczami” 1908
„Trzy siostry” 1916
„Lekcja muzyki” 1917 Fundacja Barnesa, Uniwersytet Lincolna
„Lauret w czerwonej sukience” 1917„Yvonne Landsberg” 1914. Trawienie Muzeum Sztuki w Filadelfii
„Lorette w zielonej sukni, na czarnym tle” 1916
Motywy orientalne w malarstwie Matisse .a
„Harmonia w odcieniach czerwieni” 1908. Olej na płótnie Ermitaż
„Mieszkaniec Tsory na tarasie” 1912 Muzeum Puszkina im. A. Puszkin
„Pokój mauretański” 1923„Odaliska w czerwonych spodniach” 1917
"Marabout" 1912
„Ogród marokański” 1912
„Marokańczyk w Grecji” 1912-13. Pustelnia
„Mauretańska kobieta z podniesionymi rękami” 1923
„Odaliska z magnolią” 1924„Rozmowa” 1909
„Odaliska z tamburynem” 1926
„Akt na niebieskiej poduszce” 1924 Ch.K.
„Azja” 1946
„Niebieski akt z włosami na wietrze” 1952
"Akt niebieski. Pamiątka Biskiry" 1907
Ten obraz został namalowany po wizycie w Algierii. W swoim niezrozumiałym wykonaniu, brutalnej konfiguracji i wykrzywionej pozie obraz ten jest jednym z kluczowych dzieł w jego karierze i ogólnie w sztuce zachodniej.
„Kobieta z parasolką” 1905
"Dwie dziewczyny" 1941
„Zarys Notre Dame nocą” 1902
„Luksus, spokój i przyjemność” 1904 Centre Georges Pompidou, Paryż
Rysunki Matisse .a
„Portret kobiety” 1945
„Portret Ilji Erenburga”
„Portret kobiety z rozpuszczonymi włosami”
„Kobieta w profilu”Henri Matisse
Oryginalny wpis i komentarze na temat
