”, czyli NETTO. Doroczne obchody teatralnych żniw z całej Europy odbywają się już po raz 18. W programie tylko prace eksperymentalne, dla kuratorów Mariny Davydovej i Romana Dolzhansky'ego pojęcie „teatru” nie ma wyraźnych granic i każde działanie można nazwać spektaklem. Skrót NET nawiązuje do koncepcji festiwalu – zaangażowania rosyjskiej publiczności w kontekście międzynarodowym, w globalną sieć teatralną. Wioska opowiada o głównych wydarzeniach 18. programu.
„Wakacje przyszłości”
Teatr Narodów (mała scena)
Producent
Tim Etchells
Maleńka angielska trupa Forced Entertainment mieszka w niewielkim prowincjonalnym Sheffield, co nie przeszkadza mu w reprezentowaniu obecnego teatru brytyjskiego na najważniejszych międzynarodowych festiwalach – m.in. w Awinionie i Edynburgu. " Święta przyszłości„- kameralny talk show przypominający stand-up dla dwojga: aktorzy Kathy Neiden i Jeremy Killick omawiają perspektywy ludzkości w formie burzy mózgów. Za nieco ponad godzinę przedstawią i natychmiast podważą dziesiątki hipotez, wiarygodnych i szalonych, komicznych i poważnych, próbując odgadnąć, jak zmieni się polityka, geografia, życie i fizjologia. Być może nauczymy się zmieniać ciało, jak ubrania. Być może znikną rasy, narody i państwa. Albo populacja zmniejszy się do sześciu osób i każdy dostanie kontynent. To lakoniczny, żywiołowy spektakl z epoki komunikatorów internetowych i Twittera, sprytny, a jednocześnie rozrywkowy - połączenie nietypowe dla teatru.
„Rozmowa z uchodźcami”
Stacja Leningradzka
Na zaproszenie
Dyrektor artystyczny
Konstantin Uchitel
producent
Władimir Kuzniecow
Widzowie gromadzą się na stacji kolejowej, aby podsłuchać rozmowę dwóch Niemców emigrujących z nazistowskich Niemiec. Ich głosy nieustannie słychać w słuchawkach, ale samych bohaterów trzeba odnaleźć i zidentyfikować w tłumie pasażerów. Dla publiczności dostępne są różne opcje: możesz zostać w miejscu lub ścigać jednego z artystów. Niezwykły wybór lokalizacji sugeruje tekst: postacie Bertolta Brechta – fizyk Ziffel i robotnik Kalle – opowiadają o polityce i społeczeństwie na Dworcu Centralnym w Helsinkach. W czasie II wojny światowej, kiedy pisano sztukę, sam antyfaszysta Brecht był niemieckim emigrantem w Finlandii. Nawiasem mówiąc, rodzimą sceną spektaklu jest dworzec Finlyandsky w Petersburgu.
Spektakl powstał kosztem młodego petersburskiego festiwalu „Access Point”, który w całości poświęcony jest sztuce site-specific – sztuce tworzonej dla konkretnego miejsca i w dialogu z tym miejscem. Na polecenie festiwalu artyści i reżyserzy osiedlają się w przestrzeniach publicznych – parkach, bulwarach, sklepach – za każdym razem wypełniając nowe treści dobrze znane publiczności. Odbiorca Rozmów z uchodźcami spacer po stacji odbiera jako przeżycie estetyczne i dla autorów jest to nie mniej ważne niż rewizja Brechta.
Vangelo
Teatr Narodów (scena główna)
Od 700 rubli
Producent
Pippo Delbono
Włoski Pippo Delbono to charakterystyczna postać epoki, którą znawcy nazywają teatrem postdramatycznym. Zbędnym balastem są dla niego prawa dramaturgii i reżyserii, a także normy dobrego smaku. Formuły jego spektakli nie da się określić jednym słowem – czy to dramat, czy taniec, czy spektakl. Aktorzy Delbono nie chowają się za postaciami, ale prezentują się na scenie: reżysera interesuje osobowość wykonawcy, a nie suma umiejętności. Dlatego w jego produkcjach często biorą udział ludzie o wybitnej biografii: na przykład ulubieniec Delbono, głuchy aktor Vincenzo Cannavacciolo, znany pod pseudonimem Bobo, spędził ponad 30 lat w klinice psychiatrycznej, gdzie znalazł go reżyser. Sam reżyser regularnie pojawia się na scenie, przez co jest spokrewniony z artystami akcji i performerami.
Vangelo przetłumaczone z języka włoskiego jako „Ewangelia”. Delbono wystawił to przedstawienie na pamiątkę swojej katolickiej matki, która przed śmiercią próbowała zainteresować go religią. W tym projekcie reżyser próbuje pogodzić się z Chrystusem: pojawia się przed widzami jako przekonany ateista i za półtorej godziny dochodzi do wersji chrześcijaństwa, która mu się podoba. Wszystko to przy muzyce, dzikim tańcu i Bóg wie co jeszcze.
„Karina i Dron”
Nowa przestrzeń Teatru Narodów
Od 1000 rubli
Producent
Dmitrij Wołkostrełow
W Moskwie czy Sankt Petersburgu premiera reżysera Dmitrija Wołkostrełowa to korzystna dla obu stron opcja otwarcia nowego miejsca. W Kazaniu to inna sprawa, ale szefowa przestrzeni artystycznej Ugol, Inna Yarkova, mimo wszystko zaryzykowała. Faktem jest, że Volkostrelov jest niezwykle daleki od rozrywki. Nie każdy widz zgodzi się uznać jego twórczość za spektakle (sprawdź sam: posłuchaj wykład kompozytor Cage w wykonaniu dwóch niewidzialnych artystów – czy to się liczy jako wizyta w teatrze, czy nie?). Volkostrelov wybrał do wystawienia w Kazaniu sztukę jego ulubionego dramatopisarza Pawła Priażko, Karinę i Drona, opowiadającą o codziennym życiu dzieci w wieku szkolnym. W tym tekście tak naprawdę nie ma fabuły, wszystkie 14 stron to tylko paplanina licealistów. Supermoc autora to fenomenalne ucho do codziennej mowy. Sztuka jest podobna do transkrypcji nagrania z dyktafonu, a wszystko składa się z linii typu „Chodź później, pojadę z tobą w drogę powrotną”. Przedmiotem zainteresowań Pryazhko jest język 15-latków, który opanował jako tubylec: nie każdy dramaturg będzie mógł organicznie wpisać się w dialog „omno” lub „uzbagoysya”.
Swoim spektaklem Volkostrelov prawdopodobnie naruszył wszelkie konwencje teatralne. Wybrał nieprofesjonalnych nastoletnich aktorów, ustawił ich na scenie, zminimalizował oświetlenie i odmówił mikrofonów, zapraszając publiczność do spędzenia godziny na wpatrywaniu się w nieruchome osoby, które są prawie niewidoczne i ledwo słyszalne. Reżyser dosłownie ilustruje powiedzenie „obca dusza to ciemność”, tylko w roli kosmity jest tu całe niezbadane pokolenie, Francuz Jerome Bel, taniec to nie rzemiosło kilku wtajemniczonych, ale przystępny sposób wyrażania się dla każdego emocje.
Sprowadzając amatorów na prawdziwą scenę teatralną na równi z profesjonalnymi artystami, choreograf rehabilituje sztukę laików, z której zwyczajowo się wyśmiewa. W jego układzie współrzędnych nie ma koncepcji „sylwetki baletowej”: chudy, gruby, starszy, młody może tańczyć - byłoby pragnienie. W Gali biorą udział także osoby z dodatkowymi potrzebami – performerzy z zespołem Downa, artyści poruszający się na wózku inwalidzkim. Wśród twórców projektu nie ma projektanta kostiumów – każdy sam decyduje o tym, jak będzie wyglądał na scenie. Gala jest alternatywą nie tylko dla profesjonalnego tańca, ale także profesjonalnej twórczości w ogóle: zamiast oceniać kunszt artysty, widzowi proponuje się zaakceptować i pokochać jego indywidualność.
Zdjęcie: okładka, 3 - Pippo Delbono / Theatre of Nations, 1 - Hugo Glendinning / Forced Entertainment, 2 - "Access Point", 4 - Ramis Nazmiev / Creative Laboratory "Ugol", 5 - R.B. Jerome Bel
W tym roku na festiwalu NET nie spotkacie się z teatrem interpretacyjnym, tylko z rozwojem nowych przestrzeni teatralnych i nowych sposobów komunikowania się z publicznością. Będą trzy taneczne „dzieła sztuki” (jak Marina Davydova nazwała dzieło Jerome’a Bel Galą, ale inne spektakle taneczne w NET też można nazwać): wspomniana już Gala, Climax Yasmine Godder i „Returned” Victora Kariny, Mia Zanetti i choreograf Miguel.
Aby wybrać dla siebie spektakle, które na pewno chcesz odwiedzić, nasz Przewodnik sieciowy.
WAKACJE PRZYSZŁOŚCI
Forced Entertainment/reżyser: Tim Etchells (Sheffield, Wielka Brytania)
Co to jest: Dwóch aktorów (mężczyzna i kobieta) na zmianę opowiada o swoich i cudzych przypuszczeniach na temat przyszłości, najbardziej koszmarnej lub absurdalnej. Czasami pojawia się poczucie rywalizacji między wykonawcami, z których każdy stara się przedstawić coraz bardziej niepokojącą i przezabawną wersję rzeczywistości. Właściwie mówią o teraźniejszości - nadziejach i obawach, także o przyszłości.
Dlaczego warto oglądać: Forced Entertainment to grupa brytyjskich artystów, którzy spotkali się w 1984 roku i zaczęli odkrywać urządzenie teatru i nowoczesności. I nie boją się eksperymentować. Od 30 lat firma podróżuje już po całym świecie i aktywnie studiuje w akademickiej dziedzinie sztuki. Teatr nieustannie poszukuje nowych form sztuki teatralnej i performatywnej, niestrudzenie badając współczesne życie w miastach. Święta przyszłości to bardzo ironiczny dialog o nas wszystkich.
TYBETAŃSKA KSIĘGA ZMARŁYCH
Theatre.doc / Reżyseria: Wasilij Berezin (Moskwa, Rosja)
Co to jest: Opuszczona stuletnia zajezdnia Dworca Kurskiego, graffiti, aktorzy, bezdomni.Widzowie będą musieli sobie wyobrazić, że już umarli, nie mają się czego bać i wysłuchać instrukcji, co ich czeka po śmierci . Bez smutku i ciemności, wszystko będzie z humorem. Spektakl jest właściwie o życiu io tym, co jest jeszcze do zrobienia.
Dlaczego warto oglądać: Tybetańska Księga Umarłych to buddyjski tekst o tym, co czeka świadomość człowieka po śmierci i przed reinkarnacją. Książka ta miała wielki wpływ na poglądy i pracę naukową C.G. Junga. Sam temat jest ekscytujący, a nawet rozgrywany w takim otoczeniu, a nawet w Theater.doc. Oto być może trzy ważne powody, dla których powinieneś ubierać się ciepło i przezwyciężyć swoje lęki.
Gdzie, kiedy: Opuszczona zajezdnia dworca kolejowego Kursk (ul. Zemlyanoy Val, 9) / 19 listopada, 20:00
10 10 10
Spektakl multimedialny / Grupa Anonymus
Co to jest: 10 wideo-historii inspirowanych 10 pracami (Vladimir Nabokov „Obrona Łużyna” / „Camera Obscura”. Franz Kafka „Ameryka”, Thomas Mann „Magiczna góra”, Fiodor Dostojewski „Zbrodnia i kara”, Virginia Woolf „Pokój Jakuba” / „Fale ”, Henry Miller „Zwrotnik raka”, William Burroughs „Nagi lunch”, Joseph Brodsky „Nabrzeże nieuleczalnych”). Tematem, który ich wszystkich łączy, są niewidzialne obrazy pokoju hotelowego, w którym człowiek znajduje się w próżni ze swoimi myślami, między przeszłością a przyszłością.
Dlaczego warto oglądać: Grupa anonimowa to kreatywne stowarzyszenie absolwentów berlińskiej szkoły Bauhaus. Ich polem działania są multidyscyplinarne i wielokulturowe projekty, które łączą wideo, dźwięk, sztuki wizualne, kino i współczesną choreografię. Ciekawe, że nakręcili coś takiego, zainspirowani tak różnymi pracami.
Gdzie, kiedy: Nowa Przestrzeń Teatru Narodów, 20–28 listopada, od 16:00 do 21:00 (wstęp wolny)
UCHODŹCY ROZMAWIAJĄ
Dyrektor artystyczny produkcji: Konstantin Uchitel, reżyseria: Vladimir Kuznetsov (St. Petersburg, Rosja)
Co to jest: Spektakl-promenada wzdłuż dworca Leningradzkiego na podstawie sztuki Bertolta Brechta, napisanej w latach 1940-41 w Finlandii. Spektakl jest rozmową dwóch niemieckich uchodźców z czasów II wojny światowej, której akcja toczy się na Dworcu Centralnym w Helsinkach. Widz będzie wędrował po dworcu Leningradzkim i słuchał dialogu dwóch aktorów, którzy albo się zbiegną, albo rozejdą. W efekcie widz ma wybór – za którym aktorem podążać i czy w ogóle jechać – można po prostu spacerować po stacji w dowolnym kierunku.
Dlaczego warto oglądać: Spektakl na promenadzie jest zawsze okazją dla widza, aby stać się wspólnikiem spektaklu, stworzyć swój własny, poczuć akt tworzenia teatru tu i teraz. Ponadto tematy, które pojawiają się w dialogach napisanych 75 lat temu, są nadal aktualne. Każdy znajdzie swoje podobieństwa.
ZŁOTY OSY. OTWARTA PRZESTRZEŃ PRACY
Stanislavsky Electrotheatre, reżyseria: zespół kreatywny Borisa Jukhananova (Moskwa, Rosja)
Co to jest: Nowym gatunkiem dla Rosji jest otwarta przestrzeń pracy, czyli aktorzy przeczytają swoją rolę, a następnie zatrzymają się i skomentują swój występ, lub sam Juchananow przerwie przedstawienie i także skomentuje. Wszystko to potrwa pięć dni i zostanie podzielone na pokazy dzienne (od 14:00 do 18:00) i wieczorne (19:00 do 23:00). Przez cały czas trwania projektu będzie czytany w całości tekst powieści Apulejusza „Metamorfozy, czyli złoty osioł”.
Dlaczego warto oglądać: Nowy gatunek, prawie tydzień oglądania. A także misterna kompozycja: pięć dni to pięć części motyla (cztery skrzydła i ciało) - dwa „Kudłaty”, dwa „Biały” i „Miasto”. Intrygujące i tajemnicze, prawie jak Wiertarki.
WYSTAWA „ŚCIANA CHRISTOP SCHLINGENSIEF: MIĘDZY RZECZYWISTOŚCIĄ A WYOBRAŹNIĄ”
galeria na Solance
Co to jest:Ściana poświęcona twórczości Christopha Schlingensiefa - fragmenty filmów z przedstawień teatralnych, zdjęcia spektakli, cytaty i fragmenty wywiadu z samym Schlingensiefem - jednym z najoryginalniejszych artystów niemieckich. którzy pracowali w teatrze postdramatycznym, w kinie, w operze iw akcjonizmie.
Dlaczego warto oglądać: Schlingensief jest bardzo popularny na Zachodzie, ale nie tutaj. Trzeba wypełnić tę lukę i udać się na własną wizję tego artysty.
Reżyseria: Pippo Delbono (Włochy-Chorwacja)
Co to jest: Wspomnienia chorwackich wykonawców, którzy przeżyli traumatyczne wydarzenia brutalnej wojny, która zmieniła historię i granice ich ojczyzny, przeplatają się z materiałami wideo z włoskiego obozu dla uchodźców. W przedstawieniach Delbono nie ma ani wyraźnie ustalonych postaci, ani dramatycznego zarysu, ani nawet mise-en-scen w tradycyjnym tego słowa znaczeniu.
Dlaczego warto oglądać: Kiedy Pippo Delbono przybył do Moskwy, nie został zrozumiany. Teraz pojawia się ponownie, ale już jako gwiazda europejskiej sceny. Vangelo (wł. gospel) to wewnętrzny dialog ze swoją zmarłą katolicką matką, która tego chciała. umieścić ewangelię na scenie. „Jak mogę to zrobić, jeśli nawet nie wierzę w Boga?” – mówi reżyser na początku spektaklu. Musimy teraz zobaczyć, jak to zrobił i spróbować zrozumieć, przynajmniej tym razem.
POWRACAJĄCY
Projekt YBW, reżyserzy: Victor Karina, Mia Zanetti, choreograf: Miguel
Co to jest: Wciągające przedstawienie oparte na sztuce Henrika Ibsena Ghosts. Widzowie będą nosić maski i będą mogli wędrować przez ponad trzy godziny po rezydencji, stylizowanej na epokę wiktoriańską. W każdym pokoju będzie jakaś akcja, dosłownie na wyciągnięcie ręki. Oczywiście nie da się zobaczyć wszystkiego na raz. Każdy będzie miał swój własny program.
Dlaczego warto oglądać: Nowy gatunek wciągającego show dla Rosji będzie jak zapierająca dech w piersiach podróż pełna tajemnic i intryg. Czy kiedykolwiek marzyłeś o byciu w filmie Davida Lyncha? Proszę. Widz niczym duch będzie wędrował po labiryntach rezydencji, obserwując dziwne relacje jednej rodziny.
Gdzie, kiedy: Dashkov pereulok, 5 / 27 listopada (zapowiedź), 1 grudnia, sesje indywidualne
KARINA I DRON
Laboratorium twórcze „Ugol”, dyrektor: Dmitry Volkostrelov (Kazań, Rosja)
Co to jest: sztuka Pavla Pryazhko o uczniach pokolenia millenialsów, którzy nie wyobrażają sobie życia bez internetu i smartfona. Aktorzy to kazańscy nastolatkowie w wieku 14-16 lat, niektórzy są uczniami szkoły teatralnej, a niektórzy to zwykli uczniowie. Oprócz „słownych bzdur” uczniów, w spektaklu, według reżysera, znajduje się historia „szum ziemi”, która jest zwiastunem apokalipsy.
Dlaczego warto oglądać: Dramaturg Pavel Pryazhko przez długi czas podsłuchiwał mińską młodzież szkolną, aby zebrać materiały do spektaklu. Warto przyjechać i posłuchać, jak żyje dzisiejsza młodzież, o czym myśli i jak przedstawił to Dmitrij Volkostrelov, założyciel Petersburskiego Teatru Post.
ODDECH
Reżyser: Marat Gatsalov (Moskwa, Rosja)
Co to jest: Sztuka Duncana Macmillana „Oddech” to rozumowanie mężczyzny i kobiety na temat tego, co leży u podstaw ich pragnienia posiadania dziecka. Jeśli jeździsz samochodem, używaj plastikowych toreb, czyli zanieczyszczaj planetę w każdy możliwy sposób, jak możesz mieć dzieci? Kto umrze szybciej planeta lub związek między mężczyzną a kobietą?
Dlaczego warto oglądać: Moskwianie widzieli tę sztukę wystawioną przez Katty Mitchell w 2014 roku na festiwalu NET. Teraz tę sztukę wystawia „młody, ale bardzo doświadczony” reżyser Marat Gatsałow, który niedawno wystawił Aleksandryńskiego na Nową Scenę. A scenografem jest tutaj Ksenia Peretrukhina, nominowana do wielu nagród.
Koncepcja i reżyseria: Jérôme Belle
Co to jest: Dekonstrukcja akademickiej idei tańca. Walka z popularnymi przekonaniami o wyłączności performera przybiera tu formę gali, zbiorowego amatorskiego show, w którym idea „dobrego tańca” ustępuje czystej przyjemności występu na scenie. Gala bada plastyczność fizyczną i psychiczną niewytrenowanych ciał, mobilizując ich pragnienie wyrażania siebie w tańcu oraz zdolność do ucieleśniania, choć minimalnie, wiedzy choreograficznej. Tych. nieprofesjonalny koncert galowy.
Dlaczego warto oglądać: Jérôme Belle jest jednym z liderów ruchu nietanecznego. Występował z Preljocajem i Obadiahem, wystawił ceremonię Zimowych Igrzysk Olimpijskich (1992) z Decoufle. Trzy lata temu został gwiazdą festiwalu w Awinionie spektaklem Disable Theatre, w którym brali udział tancerze z niepełnosprawnością rozwojową (aktorzy z Hora Theater w Zurychu). Produkcja zrobiła również wrażenie na Marinie Davydovej)
Choreografia: Yasmine Godder
Co to jest: Tworząc krąg, patrząc sobie prosto w oczy, 6 tancerzy, jako pierwsi z publiczności, stopniowo wyklucza ostatnich ze swoich szeregów, przekazując sobie sygnały ruchem, pantomimą, krzykiem, śpiewem i ciszą, czasem relaksując się, czasem spiętym. Granice jako zarówno taniec, jak i sztuka performance, Climax, wykorzystując powtarzanie, ruchy synchroniczne i grupowe, krytycznie eksploruje współczesne pojęcia tożsamości narodowej i samostanowienia.
Dlaczego warto oglądać: Yasmine Godder urodziła się w Jerozolimie, studiowała w Martha Graham School, a następnie w Tisch School of Art na Uniwersytecie Nowojorskim. Od 15 lat rozwija swoje słownictwo taneczne i prowadzi badania ruchowe. Praca Climax wymaga od tancerzy niesamowitego poświęcenia i uczciwości, co zostanie przeniesione na publiczność, która nawet nie będzie miała gdzie usiąść.
MEDEA. MATERIAŁ
Stowarzyszenie kreatywne ORTA, dyrektor: Rustem Begenov (Ałmaty, Kazachstan)
(Program wyłączony)
Co to jest: Technogeniczna tajemnica dla szesnastu modeli, sześciu muzyków, czterech ekranów, trzech kamer i dwóch głosów na przecięciu teatru, performansu, koncertu współczesnej muzyki klasycznej i automatycznego baletu. Na podstawie tekstów Heinera Müllera „Medea.Material” i Olzhas Suleimenov „AZ i I”. To pejzażowy teatr muzyczny, w którym muzyka, technika, ciało, scenografia, kostium i tekst są na równi i są takie same pod względem obecności. Jeśli nadal nie jest jasne, obejrzyj fragment wideo (co jednak niewiele pomoże).
Dlaczego warto oglądać: Rustam Begenov, uczeń Borysa Juchananowa, pracował w Elektroteatrze Stanisławskiego jako producent i asystent. Muzyka do spektaklu została napisana przez Sanzhara Baiterekova i wykonana przez Igeru Ensemble, pierwszy kazachski zespół współczesnej muzyki akademickiej. Scenografię stworzyła słynna kazachstańska artystka filmowa Julia Levitskaya, a całą maszynerię performance, w tym roboty kamertonowe, opracowało i zaprojektowało studio Artdepartment. A zamiast aktorów - prawdziwe kazachskie modele.
W ramach klubu festiwalowego będzie też wiele ciekawych rzeczy, więcej szczegółów na stronie festiwalu: http://netfest.ru
Jeden z najjaśniejszych festiwali teatralnych w Rosji ponownie zadowoli publiczność przełomowymi dziełami europejskich dramaturgów i odważnymi eksperymentami ministrów krajowych Melpomeny.
Od momentu powstania w 1998 roku, Nowy Teatr Europejski, czyli NET, mocno ugruntował swoją pozycję jako „przyczółek frontu” postępowej sceny zachodniej na postsowieckiej ziemi. Twórcy forum sztuki postawili sobie za cel sprowadzenie do stolicy, a szerzej w rosyjski pejzaż kulturowy, wszystkich najbardziej odważnych i awangardowych, jakimi żyją dziś czołowe teatry Europy. Uczyń Moskwę międzynarodowym biegunem przyciągania, w którym spotkają się „nowe fale” sztuki europejskiej i rosyjskiej. Aby rozwiązać tak zakrojone na szeroką skalę zadanie, Nowy Teatr Europejski wykorzystuje najbogatszą paletę gatunkową współczesnego teatru – od nowatorskiego spojrzenia na dramat klasyczny po spektakl multimedialny.
Miejsca festiwalu NET z roku na rok stają się najlepszymi przestrzeniami kulturalnymi stolicy, wśród których są Teatr Narodów, Centrum. Słońce. Meyerhold, Stanisławski Elektroteatr, Państwowa Galeria na Solance. Zgodnie z duchem innowacyjnej kreatywności, który leży u podstaw koncepcyjnych NET, akcja festiwalowych projekcji z łatwością opuszcza „mieszkalną” scenę teatralną. Sale muzealne, kluby nocne lub zajezdnie moskiewskich dworców kolejowych stają się żywą scenerią dla spektakli i spektakli tanecznych. Do głównych miejsc festiwalu teatralnego dołącza zwykle przytulny loft Boyarskiye Palaty w budynku Związku Pracowników Teatru Rosji, w którym działa Klub Festiwalowy NET.
Cena biletów na festiwal NET wynosi od 700 rubli. Niektóre wydarzenia forum kulturalnego są dostępne za darmo.
Osiemnasty festiwal jest dla nas punktem wyjścia do dalszego rozwoju po długiej drodze stawania się. Uspokoiliśmy się, ale wciąż staramy się zrozumieć nieznane wcześniej formy.
W tegorocznym programie znalazły się: brytyjski spektakl utopijny o dynamicznych formach teraźniejszości i przyszłości („Future Holidays”), performance-wyzwanie słynnego włoskiego reżysera Pippo Delbono (Vangelo), spektakl messengerowy Dmitrija Volkostrelova o życiu współczesności. nastolatków („Karina i Dron” ), spektakl taneczny Francuza Jerome'a Bela z udziałem osób niepełnosprawnych (Gala), fenomen tańca izraelskiego w twórczości Yasmine Godder (Climax), spektakl na deptaku w Petersburgu oparty na o sztuce Bertolta Brechta („Rozmowy uchodźców”); jasne premiery moskiewskich teatrów: spektakle „Tybetańska księga umarłych”, „Oddech” i „Złoty osioł”. Otwarta przestrzeń pracy”; a także dwa projekty specjalne – multimedialny performance oparty na słynnych dziełach sztuki („10 10 10”) oraz wystawa o twórczości niemieckiego artysty Christopha Schlingensiefa.
Program OFF obejmuje wciągający show współprodukowany przez amerykańsko-rosyjską firmę („Returned”) oraz kazachski pop-mechaniczny performance Rustema Begenova („Medea. Material”).
GŁÓWNY PROGRAM:
„Wakacje przyszłości”
Nagroda Ibsena, czasami nazywana „teatralną Nagrodą Nobla”, w tym roku trafiła do weteranów teatru mówionego, angielskiej grupy Forced Entertainment. Zespół z nieteatralnego miasta Sheffield, które nie ma nawet własnej sceny, a jednocześnie jest znane na całym świecie dzięki małym, mobilnym spektaklom. NET pokaże jedną z najnowszych premier, której oryginalny tytuł przywodzi na myśl piosenkę kultowej grupy Velvet Underground.
"W przyszłości nie będzie narodów i krajów...". Dwóch aktorów, mężczyzna i kobieta, stojąc twarzą do widza przez ponad godzinę i prawie nie patrząc na siebie, fantazjuje o przyszłości całej ludzkości. „W przyszłości…” — jeden zaczyna, „Lub…” — drugi sprzeciwia się…. Może w przyszłości na każdym kontynencie będzie jedna osoba; lub kilka osób użyje tego samego ciała; albo budząc się rano, każda osoba będzie mogła zdecydować, w jakim ciele będzie żyć tego dnia; albo każda rasa zajmie swój własny kontynent, albo nie będzie żadnych ras; albo seks stanie się czymś nieciekawym, zajęciem tylko dla osób starszych…
Sprzeciwy często wydają się tylko sparingiem mężczyzny i kobiety, niemal flirtem, ale czasem aktorzy zręcznie wcielają się w role konserwatysty i liberała, a wtedy futurystyczne ćwiczenia nabierają realnych konotacji politycznych. W dynamicznym i dowcipnym przedstawieniu Forced Entertainment nie chodzi oczywiście o przyszłość, ale o teraźniejszość – o nadzieje i fobie dzisiejszego człowieka oraz o przytłaczający strach przed przyszłością. To nie przypadek, że dialog bohaterów kończy się założeniem, że kiedyś ludzkie życie będzie trwało tylko godzinę.
Projekt będzie wspierany przez British Council w Rosji.
Jednym z głównych i najpotężniejszych „czarnych koni” programu nadchodzącego festiwalu będzie sztuka Vangelo, wystawiona przez światowej sławy włoskiego reżysera Pipo Delbono. Punktem zwrotnym w teatralnej karierze artysty, nazywanego często "najbardziej kontrowersyjnym geniuszem współczesnej włoskiej sceny", była praca z Piną Bausch. Właśnie wtedy Delbono zdał sobie sprawę, że najważniejszą rzeczą dla niego jest osoba i jego ciało. W spektaklach Włocha nie ma ani wyraźnie ustalonych postaci, ani dramatycznego zarysu, ani nawet mise-en-scenes w tradycyjnym tego słowa znaczeniu. Jest gorączkowy monolog samego reżysera – wysokiego, otyłego, łysego mężczyzny o długich ramionach, poruszającego się swobodnie po scenie, jak dziecko, którego nigdy nie nauczono sztuki tańca. I są artyści jego ekscentrycznej trupy: stary autystyczny Bobo, którego Pipo uratował ze szpitala psychiatrycznego, dolny transwestyta Gianluca… Z ich pomocą Delbono próbuje wykorzenić sztuczność ze sztuki. Zamień sztukę sceniczną w sceniczną spowiedź. Jego twórczość przepojona jest chęcią zwrócenia się twarzą w twarz z tym, co naturalne i fałszywe, a przez to przezwyciężenie konwencji teatru, w którym nie można już odgrywać ról, można być tylko sobą.
Niezależnie od tego, o czym mówi Delbono, zawsze ma na myśli niestabilny chaos, w którym wszyscy jesteśmy zanurzeni od urodzenia, oraz niewzruszony fundament istnienia, który staraliśmy się znaleźć przez całe życie.
Spektakl Vangelo (wł. „Ewangelia”) powstał na pamiątkę matki artysty, która będąc prawdziwą katoliczką, przed śmiercią zapytała syna, dlaczego nigdy nie zwrócił się na tematy religijne. Nie należy się jednak spodziewać znanych historii ani kanonicznego wcielenia.
We Włoszech, po Marksie i Pasolinim, ikonografia biblijna niezmiennie komentowała współczesne historie cierpiących i wyrzutków.
.jpg)
Zdjęcie Luki Del Pia
„Karina i Dron”
Pierwsza inscenizacja poza dwiema stolicami Dmitrija Wołkostrelowa (założyciela Teatru Poczty w Petersburgu i właściciela Narodowej Nagrody Teatralnej Złotej Maski) oparta jest na sztuce jego stałego autora Pawła Priażki. Tekst jest podobny do losowo zestawionych scen, w których rejestrowana jest mowa współczesnych nastolatków.
Volkostrelov zabrał wczorajsze dzieci w wieku szkolnym - w rzeczywistości rodzimych użytkowników tego języka. Twarze są prawie niewidoczne, słowa często nie do odróżnienia, a sama komunikacja postaci przypomina czaty w sieciach społecznościowych, gdzie pisownia, interpunkcja i składnia są niestabilne i są w trakcie nowej formalizacji. W ten sposób powstają nowe kody komunikacyjne i formuje się osoba przyszłości.
W ostatnim czasie praktycy teatru zaczęli zwracać szczególną uwagę na teatr inkluzywny, spektakle z udziałem osób o specjalnych potrzebach. Występ francuskiego reżysera i choreografa Jerome'a Bela jest doskonałym przykładem udanej pracy wybitnego choreografa z profesjonalnymi i nieprofesjonalnymi wykonawcami. W spektaklu bierze udział 20 profesjonalnych i nieprofesjonalnych tancerzy moskiewskich (w tym 2 tancerzy baletowych, 2 tancerzy tańca współczesnego, 2 aktorów, 2 dzieci w wieku 6-10 lat, 2 nastolatków, 3 emerytów, 1 osoba transpłciowa, 1 osoba z zespołem Downa, 1 osoba z zespołem Downa porażenie mózgowe).
W pierwszej części spektaklu performerzy na zmianę prezentują swoją interpretację jednego ze stylów tańca, ilustrując tezę Jerome'a Bela o fenomenie pamięci społecznej. W drugiej wykonują solowe tańce, które znają z życia codziennego, podczas gdy pozostali uczestnicy Gali odtwarzają ich ruchy. W efekcie, zgodnie z intencją autora, spektakl zamienia się w prawdziwy, hedonistyczny manifest taneczny bez ograniczeń i kompleksów.
Jedyny pokaz spektaklu w ramach festiwalu zostanie zaprezentowany na dużej scenie Teatru Narodów.
Jerome Bel – tancerz, choreograf i reżyser, jeden z liderów ruchu „nie-tańca”. Urodzony w 1964 w Montpellier. W 1985 ukończył Narodowe Centrum Tańca Współczesnego w Angers. Brał udział w produkcjach największych choreografów we Francji i Włoszech. Był asystentem Philippe'a Decoufle'a przy produkcji ceremonii Zimowych Igrzysk Olimpijskich w Albertville (1992). W 1994 roku zadebiutował jako choreograf. Występował na całym świecie, m.in. w Opéra Garnier w Paryżu, Opéra de Lyon i Théâtre La Monnaie w Brukseli. Współpracuje ze znanymi tancerzami, których nazwiskami występy nazywa (Véronique Doisneau, Isabelle Torres, Lutz Forster, Cedric Andrie). Aktywnie pracuje z osobami o specjalnych potrzebach.
Projekt będzie realizowany wspólnie przez festiwal NET, Teatr Narodów i Instytut Francuski w Moskwie.
.jpg)
Fotografia autorstwa Hermana Sorgelloosa
Fenomen izraelskiego tańca współczesnego jest mało reprezentowany na moskiewskiej scenie, a jedną z jego kluczowych postaci jest Yasmine Godder, która urodziła się w Jerozolimie, a dorastała w Nowym Jorku. Jako studentka Martha Graham Dance School interesowała się punkową sceną Manhattanu lat 80., a po ukończeniu prestiżowej Tisch Art School całkowicie skoncentrowała się na badaniach ruchu.
Jedna z najnowszych prac Goddera, Climax, została zamówiona przez Muzeum Sztuk Pięknych Petah Tikva i pierwotnie została stworzona do celów wystawienniczych. Łącząc sztuki żywe i nieożywione, sztuki piękne i performatywne, dziewczynie udało się stworzyć dzieło o ostrym politycznym charakterze, które współbrzmi z kruchym poczuciem wspólnoty, pragnieniem bezpieczeństwa w obrębie wspólnoty, nieodłącznym z jednej strony współczesnemu artyście, oraz z drugiej strony każdemu Izraelczykowi, a jednocześnie przyćmione poczucie zagrożenia z zewnątrz.
Praca wymaga dużego wysiłku fizycznego od wykonawców – sześciu tancerzy – i zawiera unikalne słownictwo taneczne rozwijane przez Godder przez ostatnie 15 lat. Tworząc krąg, patrząc sobie prosto w oczy, performerzy najpierw na widowni, stopniowo wyłączają tych ostatnich ze swoich szeregów, sygnalizując się ruchem, pantomimą, krzykiem, śpiewem i ciszą, czasem relaksującą, czasem spiętą. Przejścia z jednego sposobu istnienia do drugiego są szybkie i nieoczekiwane.
Poszerzając granice zarówno właściwego tańca, jak i sztuki performance, Climax krytycznie bada współczesne pojęcia tożsamości narodowej i samookreślenia poprzez użycie powtórzeń, ruchów zsynchronizowanych i grupowych.
.jpg)
Zdjęcie Gadi Dagona
„Rozmowa z uchodźcami”
Spektakl na promenadzie na podstawie sztuki Bertolta Brechta, napisanej w latach 1940-1941 w Finlandii. Lokalizacja: Dworzec Główny w Helsinkach. Akcja toczy się w halach, kawiarniach i na peronie dworca. Uzbrojony w sprzęt inwigilacyjny widz ma możliwość obejrzenia prywatnej rozmowy niektórych Ziffel i Kalle. Każdy ma prawo określić dla siebie strategię inwigilacji: można ruszyć za artystami lub rozpłynąć się w tłumie i zbudować własny zasięg wizualny, spontanicznie nałożony na kanał dźwiękowy. Bohaterami spektaklu, których głosy towarzyszą widzowi, są dwaj niemieccy uchodźcy z czasów II wojny światowej, dyskutujący zarówno o globalnych sprawach ludzkich, jak i drobnych trudach dnia codziennego. Na obrazie Kalle odgaduje się cechy samego Brechta. Możliwe, że część tego, co usłyszymy, wyda się widzowi, że nie straciła na aktualności.
Spektakl został stworzony przez petersburski festiwal „Access Point”, który specjalizuje się w sztuce site-specific, w szczególności w teatrze w przestrzeniach nieteatralnych.
PROGRAM MOSKWA:
„Tybetańska Księga Umarłych”
Wasilij Berezin, reżyser spektaklu:
„... Ten spektakl jest instrukcją użytkowania, o tym, co czeka nas wszystkich po śmierci. Akcja rozgrywa się w opuszczonej zajezdni dworca kolejowego Kursk, namalowanej wokół buszu. Budynek znajduje się obok dopracowanego biurowo-biznesowego centrum. I cały smród sięga na kolej, do opuszczonego miejsca z napisem Kirilla Kto - „wszystko spoczywa na stropach... Oprócz aktorów na placu są bezdomni, którzy tu swoje ciała zostawili do snu lub jeść. Dzięki miejscowym zrozumieliśmy, że to komedia. Mają to uczucie - nie po to, by rozpaczać, ale by z humorem znosić każdy cios losu. A teraz wyobraźmy sobie, że wszyscy już nie żyjecie i generalnie nie macie się czego bać w tym życiu. W sztuce nie chodzi o śmierć, ale o życie. W naszych obecnych czasach jest jeszcze wiele do zrobienia”. %20(1).jpg)
Fot. Alexander Chusov
"Oddech"
Sztuka „Oddech” brytyjskiego dramaturga Duncana Macmillana jest argumentacją mężczyzny i kobiety na temat tego, co leży u podstaw ich pragnienia posiadania dziecka. Jeśli jeździsz samochodem, używaj plastikowych toreb, czyli zanieczyszczaj planetę w każdy możliwy sposób, jak możesz mieć dzieci? Kto umrze szybciej - planeta czy związek między mężczyzną a kobietą? Jedno z najciekawszych spektakli ostatnich lat w Teatrze Narodów wystawić młody, ale już doświadczony reżyser Marat Gatsalov (w niedawnej przeszłości był głównym dyrektorem Nowej Sceny Teatru Aleksandryńskiego).
„Złoty osioł. Otwarta przestrzeń pracy»
Sesja publiczna nowego projektu proceduralnego zespołu kreatywnego Borysa Juchananowa, poświęcona pracy nad tekstem Apulejusza. Projekt został zrealizowany w zupełnie nowym gatunku dla rodzimej praktyki teatralnej Otwartej Przestrzeni Pracy.
Akcja jest serią demonstracji z komentarzami i analizami i jest realną kontynuacją pracy - ale w obecności obserwatorów. Atrakcyjność polega na tym, że widz staje się świadkiem żywego, niechronionego, a zarazem wyważonego dialogu i uczestniczy w doświadczeniu poznania. Karnawałowy charakter tekstu Apulejusza jest w tym przypadku idealną przestrzenią do przekształcenia teatru w praktykę performatywną.
PROJEKTY SPECJALNE W RAMACH FESTIWALU:
„10 10 10”
10 filmów, 10 minut, 10 historii
Anonymous prezentuje spektakl multimedialny inspirowany:
Vladimir Nabokov „Obrona Łużyna” / „Camera Obscura”
Franz Kafka „Ameryka”
Tomasz Mann „Czarodziejska góra”
Fiodor Dostojewski „Zbrodnia i kara”
Virginia Woolf „Pokój Jakuba” / „Fale”
Henry Miller Zwrotnik Raka
William Burroughs „Nagi lunch”
Joseph Brodsky „Nabrzeże nieuleczalnych”
Anonim działał jako katalizator niewidzialnych obrazów, które wypełniają przestrzeń każdego pokoju hotelowego. W hotelu człowiek często zostaje sam ze sobą i swoimi myślami, neutralne środowisko prowokuje nieoczekiwane decyzje i działania, a całe życie zostaje zresetowane do zera. Ta dziwna próżnia, jakby przystanek między przeszłością a przyszłością, zawsze przyciągała pisarzy i artystów.
W ten sposób narodziło się dziesięć opowieści wideo, inspirowanych atmosferą dzieł wielkich pisarzy.
Grupa Anonymous to twórcze stowarzyszenie absolwentów berlińskiej szkoły Bauhaus. Ich polem działania są multidyscyplinarne i wielokulturowe projekty, które łączą wideo, dźwięk, sztuki wizualne, kino i współczesną choreografię.
Wystawa „Ściana Christopha Schlingensiefa: między rzeczywistością a wyobraźnią”
Archiwalna ekspozycja o twórczości Christopha Schlingensiefa, jednego z najbardziej oryginalnych i znaczących artystów dla kultury niemieckiej, opowie o człowieku, któremu udało się stworzyć wiele przełomowych dzieł w postdramatycznym teatrze, kinie, operze i sztuce akcji w 49 lat jego życia.
Interdyscyplinarność Schlingensiefa, połączona za pomocą prowokacji z jego ulubionym artystą, przyczyniła się do wypracowania unikalnego języka artystycznego, pozwalającego trafnie i zwięźle mówić o najbardziej nieprzyjemnych przejawach ludzkiej natury we współczesnym świecie. Rozmyślnie mieszając fakty i urojone szczegóły, Schlingensief wywrócił na lewą stronę tajniki cywilizowanego społeczeństwa, ironicznie ponad problemami społecznymi. Nie bał się wywoływać zakłopotania ani potępienia przez afiszowanie się z własną chorobą – artysta zmarł na raka w 2010 roku.
Wideoklipy z filmów i produkcji teatralnych, zdjęcia z performansów, cytaty i fragmenty wywiadów z samym Schlingensiefem, które składają się na „żywą ścianę” wystawy, tylko wskazują na warstwy „rzeczywistości” artysty. A to, jak może wyglądać dla każdego zwiedzającego, zależy od indywidualnej interpretacji tego, co zobaczył.
Kuratorka wystawy Margarita Osepyan. Galeria Państwowa na Solance (ul. Solanka, 1/2, budynek 2; wejście od ul. Zabelina). Przy wsparciu Goethe-Institut w Moskwie.
PROGRAM WYŁĄCZONY:
Wciągający program „Powrót”
Koprodukcja: teatr Jorney Lab (Nowy Jork, USA) i YesBWork (Moskwa, Rosja).
Reżyseria: Victor Karina i Mia Zanetti
Choreograf: Miguel
Producenci: Wiaczesław Dusmukhametov i Miguel
Według nowojorskich krytyków „Wciągające pokazy Journey Lab całkowicie zanurzają widza w ciągłej interaktywnej akcji, umiejętnie mieszając estetykę filmów Davida Lyncha z energią nowoczesnego teatru, wyjątkową choreografią i imponującymi efektami specjalnymi”.
Widzowie znajdą się w epicentrum tajemniczych wydarzeń rozgrywających się jednocześnie na całym terenie antycznej posiadłości. W rezydencji pojawiły się dziesiątki tajnych przejść i drzwi, a dzięki półrocznym próbom, które odbywały się w ścisłej tajemnicy, rosyjscy aktorzy zdołali opanować unikalne metody interakcji z publicznością. Akcja, oparta na sztuce Henrika Ibsena „Ghosts”, odbędzie się na wyciągnięcie ręki, wykorzystując wszystkie odczucia publiczności, a nieodzowny atrybut widowiska – maska, stworzy poczucie anonimowości i bezpieczeństwa.
„Medea. Materiał"
Technogeniczna tajemnica dla szesnastu modeli, sześciu muzyków, czterech ekranów, trzech kamer i dwóch głosów na przecięciu teatru, performansu, koncertu współczesnej muzyki klasycznej i automatycznego baletu. Na podstawie tekstów Heinera Müllera „Medea.Material” i Olzhas Suleimenov „AZ i I”.
Pierwszy w historii teatru kazachskiego spektakl Heinera Müllera rozwiązany jest w estetyce pejzażowego teatru muzycznego, gdzie muzyka, technika, ciało, scenografia, kostium i tekst są na równi i mają tę samą siłę obecności.
Reżyser: Rustem Begenov.
Kompozytor: Sanjar Baiterekov
Scenografia: Julia Lewicka.
Kostiumy: Aidana Kozhageldina.
Muzykę wykonuje Zespół Muzyki Współczesnej Igeru.
Produkcja: Stowarzyszenie Twórcze ORTA wraz z Goethe-Institute Kazachstan, z udziałem Kazachskiego Konserwatorium Narodowego. Kurmangazy.
.jpg)
klub festiwalowy
W ramach NET 2016 ponownie odbędzie się Klub Festiwalowy, w którym będziemy rozmawiać o najciekawszych wydarzeniach współczesnej sztuki i kultury, o nowych nazwiskach w kinie niezależnym.
Jednym z głównych zadań klubu jest otwarta komunikacja w nieformalnej atmosferze z reżyserami, choreografami, kompozytorami, krytykami teatralnymi i filmowymi. Program klubu zostanie ogłoszony później.
Festiwal odbywa się przy tradycyjnym wsparciu Instytutu Francuskiego w Moskwie, Instytutu Goethego w Moskwie i British Council w Rosji.
Dziękujemy Academservice i Związkowi Pracowników Teatru Rosji za wieloletnią współpracę.
Partner generalny Festiwalu NET: Fundacja Michaiła Prochorow.
Można zobaczyć na festiwalu "NET - Nowy Teatr Europejski" okropna wydajność? Oczywiście tak – choćby dlatego, że każdy ma swoje kryteria na „piękne” i „straszne” i każdemu się to spodoba, może poza rachunkiem 100 euro ( Są hejterzy, Boże, nawet Charlie Chaplin). Ale jest absolutnie pewne, że w NET nie ma niepotrzebnych, bezwartościowych, opcjonalnych spektakli: dyrektorzy artystyczni festiwalu Marina Davydova i Roman Dolzhansky doskonale czują, czym jest współczesny teatr na żywo.
NET-2016 otwiera się 17 listopada niespodziewanie komora - prawie wstaje brytyjski zespół Forced Entertainment „Wakacje przyszłości”, zabawny kongres futurologiczny dla kameralnej publiczności: rzemieślnicy z Sheffield opowiedzą o tym, co może nas czekać ze Małej Sceny Teatru Narodów. Ale nie spieszcie się z narzekaniem na obecny skromny budżet festiwalu, który w przeszłości sprowadzał do Moskwy duże i drogie produkcje supergwiazd – Marthalera i Fabre'a, Thalheimera i van Hove'a, Petera Brooka, Kathy Mitchell, Josepha Nudge'a, Cornela Mundruzo, Declan Donnellan, Philippe Ken: lista może być długa. W ostatnich dniach festiwalu zespół izraelskiej choreografki Yasmine Godder pokaże spektakl Climax, jedno z głównych wydarzeń letniego festiwalu Wiener Festwochen w Wiedniu. Wybitny francuski choreograf Jerome Belle zaaranżuje na dużej scenie Teatru Narodów Gala z udziałem tancerzy nieprofesjonalnych. I drugie, nieoficjalne otwarcie NET” i będzie trasą koncertową wyjątkowego włoskiego reżysera Pippo Delbono ze spektaklem "Ewangelia".
Niszczenie granic między sztukami to ogólny nurt naszych czasów, który wyznacza NET: obok przedstawień o różnym stopniu nieszablonowości na festiwalu znalazło się miejsce na wystawę wielkiego niemieckiego chuligana Christoph Schlingensief (otwiera się 24 listopada w galerii na Solance) oraz instalacje wideo berlińskiego kolektywu Anonymus „10 10 10” (od 20 do 28 listopada w Nowej Przestrzeni Teatru Narodów). Logiczny kod festiwalu to Punkt kulminacyjny Yasmine Godder, radykalna mieszanka teatru fizycznego i sztuki współczesnej, w której nic nie oddziela tancerzy od widzów, a kontekst polityczny rodzi się z bliskości obserwatorów i artystów.
Jednak dla „Ewangelii”, zamkniętej w zwykłym prostokącie sceny, pojęcie granic jest względne. Jej autor, Pippo Delbono, to mężczyzna z nadwagą o niezwykłej plastyczności, ufający swojemu pozornie niezdarnemu ciału. Aktor i reżyser, który upublicznia swoje życie, rodzinę, pamięć, marzenia, pasje polityczne i erotyczne - w poetyckich filmach esejowych i wielopostaciowych kompozycjach teatralnych: trupę Delbono - a właściwie swoją rodzinę, i jej mały żołnierz - głuchoniemy- niemy 80-letni Bobo, zwolniony przez Delbono z kliniki psychiatrycznej, po 50 latach więzienia, jest dla Pippo nie mniej ważny niż jego niedawno zmarła matka ( kiedyś zapytała marnotrawnego niewierzącego syna, dlaczego nie miałby inscenizować ewangelii?). W „Ewangelii”, jak zawsze u Delbono, – choć nie, ostrzej niż zawsze – „osobiste” łączy się z „publicznym”: wśród bohaterów spektaklu są prawdziwi bohaterowie naszych czasów, uchodźcy z Syrii, Afganistanu i Afryka, zagrożenie ( czy nadzieja?) starej Europy. Ten spektakl ma „podwójne” – pokazywany na nim film o tej samej nazwie. Teatralną „Ewangelię”, którą może oglądać tylko „czysta”, bogata publiczność, Pippo uważał za burżuazję i aby przywrócić jasność tematu i sobie sensu życia, udał się do obozu dla uchodźców, aby się bawić ten sam spisek z nielegalnymi emigrantami oczekującymi na decyzję o ich losie w nowej europejskiej otchłani.
NET tradycyjnie otwiera nowe przestrzenie teatralne - i dosłownie: tak w warsztatach "Fabryki" zagrano jeden z najbardziej niezapomnianych projektów, sztukę-"walker" angielskiego teatru dreamthinkspeak "Nie oglądaj się za siebie". : zamienili się w królestwo umarłych, przez które wędrowali widzowie tacy jak Orfeusz. W 2016 roku NET będzie też miał swój Hades – projekt Teatra.doc „Tybetańska Księga Umarłych”; jest rozgrywany w opuszczonej zajezdni na dworcu Kursk. A obok na plakacie jest performance związany z tym samym bolesnym tematem przymusowej emigracji - to „Rozmowa z uchodźcami” Konstantin Uchitel i Władimir Kuzniecow „wprowadzają” sztukę Bertolta Brechta do realnej przestrzeni: w Moskwie jest to dworzec Leningradzki.
Wracając do gwiazd reżyserii, bez której NET jest nie do pomyślenia. Bez przesady można do nich zaliczyć naszego rodaka Dmitrija Volkostrelova. NET zapewnia wydajność „Karina i Dron”, wystawiony przez niego na podstawie sztuki Pavla Pryazhko w kazańskim laboratorium twórczym „Ugol” - z początkującymi aktorami, rówieśnikami bohaterów sztuki o współczesnych nastolatkach, których relacje, a nawet język są dla wielu obcych. Spektakl rozpoczyna się słowami Kariny” Chcę zjeść Big Maca i dużego ziemniaka”, kończy się repliką Drona” Szaleją na cosplay”, między nimi - 55 minut nastoletniej paplaniny, niezrozumiałej, dziwnej, zabawnej i bezdennej. Większość uwag dramaturga brzmi: „ pocałuj, przytul, pożegnaj się», « bierze tablet, przepisuje pracę domową na kartce papieru"- reżyser albo sprowadza się do ascetycznej plastyczności ( sześciu bohaterów nie wchodzi w bezpośredni kontakt i nigdy nie schodzi z mini-podium wzdłuż sceny) lub zastępuje ją grą świateł lub całkowicie ją ignoruje. Ale wstępna notatka Pryazhko - o głośnym, lepkim dźwięku, który wydawał się wydobywać z wnętrzności Ziemi w 2012 roku - materializuje się Wołkostrełow: dudnienie, mieszając się ze zwykłym hałasem miasta, jest nieustanne. I sugeruje wiele interpretacji: to także dźwięk Wszechświata, którego nie da się racjonalnie wytłumaczyć. I potężna bariera - między bohaterami z ich nastoletnim niepokojem, mikroskopijnymi tragediami, wyjaśnieniami miłosnymi, potrzebą przekrzykiwania się nawzajem. Między pokoleniami – za starszego, który musi uważnie wsłuchiwać się w tekst, odpowiada widz. Między jednostkami, dla których żaden nowy czas nie zlikwiduje problemu egzystencjalnej samotności. Tematy kosmiczne, kosmiczne performance.
