Powrót syna marnotrawnego Rembrandta. Powrót syna marnotrawnego. Obrazy: otwarte źródła

Powrót syna marnotrawnego, ca. 1666-69

Powrót syna marnotrawnego to słynny obraz Rembrandta oparty na wątku nowotestamentowej przypowieści o synu marnotrawnym.

Jakiś człowiek miał dwóch synów; a najmłodszy z nich powiedział do ojca: Ojcze! daj mi część majątku obok mnie. A ojciec podzielił majątek między nich. Po kilku dniach najmłodszy syn, zebrawszy wszystko, wyjechał do dalekiego kraju i tam roztrwonił swój majątek, żyjąc rozpustnie. Kiedy przeżył wszystko, nastał wielki głód w tym kraju i zaczął być w potrzebie; i poszedł i przyłączył się do jednego z mieszkańców tego kraju i wysłał go na swoje pola, aby pasł świnie; i cieszył się, że napełnił swój brzuch rogami, które zjadły świnie, ale nikt mu nie dał. Kiedy się opamiętał, powiedział: ilu najemników od mojego ojca ma pod dostatkiem chleba, a ja umieram z głodu; Wstanę i pójdę do ojca i powiem mu: Ojcze! Zgrzeszyłem przeciwko niebu i wobec ciebie i już nie jestem godzien nazywać się twoim synem; przyjmij mnie jako jednego z najemników.
Wstał i poszedł do ojca. I kiedy był jeszcze daleko, jego ojciec zobaczył go i miał współczucie; i biegnąc upadł mu na szyję i pocałował go. Syn powiedział do niego: Ojcze! Zgrzeszyłem przeciwko niebu i wobec ciebie i już nie jestem godzien nazywać się twoim synem. A ojciec rzekł do swoich sług: Przynieście najlepsze szaty i ubierzcie go, i włóżcie pierścień na jego rękę i buty na nogi; i przyprowadź utuczone cielę i zabij je; Jedzmy i bawmy się! bo ten mój syn był martwy i znów ożył, zaginął i odnalazł się. I zaczęli się bawić.
Jego najstarszy syn był na polu; a wracając, gdy zbliżył się do domu, usłyszał śpiew i radość; i wołając jednego ze sług, zapytał: co to jest? Odpowiedział mu: Przyszedł twój brat, a twój ojciec zabił utuczone cielę, bo przyjął go zdrowego. Złościł się i nie chciał wejść. Jego ojciec wyszedł i zadzwonił do niego. Ale on odpowiedział ojcu: oto służę ci od tylu lat i nigdy nie przekroczyłem twoich rozkazów, ale nigdy nie dałeś mi nawet dziecka, abym się bawił z moimi przyjaciółmi; a kiedy przyszedł ten twój syn, który roztrwonił swój majątek z nierządnicami, zabiłeś dla niego utuczone cielę. Powiedział mu: Mój synu! zawsze jesteś ze mną, a wszystko, co moje, jest twoje i trzeba było się radować i cieszyć, że ten twój brat umarł i znów ożył, zaginął i został odnaleziony.

Łukasza 15:11-32

Fabuła obrazu

Obraz przedstawia ostatni epizod przypowieści, kiedy syn marnotrawny wraca do domu, „a gdy był jeszcze daleko, ujrzał go jego ojciec i ulitował się; i biegnąc upadł na szyję i pocałował go ”, a jego starszy prawy brat, który pozostał z ojcem, rozgniewał się i nie chciał wejść.

Opis

To największy obraz Rembrandta o tematyce religijnej. W przeciwieństwie do swoich poprzedników, Durera i Łukasza z Lejdy, którzy przedstawiali syna marnotrawnego ucztującego albo w rozwiązłym towarzystwie, albo ze świniami, Rembrandt skupił się na istocie przypowieści – spotkaniu ojca z synem i przebaczeniu.

Kilka osób zebrało się na niewielkim obszarze przed domem. Po lewej stronie obrazu ukazany jest klęczący syn marnotrawny odwrócony plecami do widza. Jego twarz nie jest widoczna, głowa jest napisana w profilu perdu. Ojciec delikatnie dotyka ramion syna, obejmując go. Obraz jest klasycznym przykładem kompozycji, w której główna rzecz jest mocno przesunięta od centralnej osi obrazu, aby jak najdokładniej ujawnić główną ideę dzieła. „Rembrandt podkreśla główną rzecz na zdjęciu światłem, skupiając na tym naszą uwagę. Centrum kompozycyjne znajduje się prawie na krawędzi obrazu. Artysta balansuje kompozycję z postacią najstarszego syna stojącego po prawej stronie. Umieszczenie głównego centrum semantycznego w jednej trzeciej wysokości odpowiada prawu złotego podziału, które od czasów starożytnych było stosowane przez artystów dla osiągnięcia największej wyrazistości swoich dzieł.

Ogolona jak skazaniec głowa syna marnotrawnego i jego wytarte ubranie świadczą o upadku. Kołnierzyk zachowuje nutkę dawnego luksusu. Buty są zniszczone, a wzruszający detal - jeden upadł, gdy syn ukląkł. W głębi domyśla się ganek, a za nim dom ojca. Mistrz umieścił główne postacie na styku przestrzeni obrazowej i rzeczywistej (później płótno umieszczono na dole, ale zgodnie z intencją autora jego dolna krawędź przechodziła na poziomie klęczących palców u nóg syna). „Głębia przestrzeni wyrażana jest przez konsekwentne osłabianie kontrastów światła i cienia oraz kolorów, zaczynając od pierwszego planu. W rzeczywistości budują go postacie świadków sceny przebaczenia, stopniowo rozpuszczające się w mroku. „Mamy zdecentralizowaną kompozycję z główną grupą (węzeł zdarzenia) po lewej stronie i cezurą oddzielającą ją od grupy świadków zdarzenia po prawej stronie. Zdarzenie powoduje, że uczestnicy sceny reagują inaczej. Działka zbudowana jest według schematu kompozycyjnego „odpowiedź”.

Drobne postacie

Oprócz ojca i syna na zdjęciu przedstawiono jeszcze 4 postacie. Są to ciemne sylwetki, które trudno odróżnić na ciemnym tle, ale kim są, pozostaje tajemnicą. Niektórzy nazywali ich „braćmi i siostrami” bohatera. Charakterystyczne jest, że Rembrandt unika konfliktu: przypowieść mówi o zazdrości posłusznego syna, a harmonia obrazu nie jest w żaden sposób zaburzona.

Pracownik pustelni Irina Linnik uważa, że obraz Rembrandta ma pierwowzór w drzeworycie Cornelisa Antonissena (1541), na którym klęczący syn i ojciec są również przedstawieni w otoczeniu postaci. Ale na rycinie te postacie są wpisane - Wiara, Nadzieja, Miłość, Pokuta i Prawda. Na niebie grawerunek po grecku, hebrajsku i łacinie mówi „Bóg”. Zdjęcie rentgenowskie płótna Ermitażu wykazało początkowe podobieństwo obrazu Rembrandta do detali wspomnianego ryciny. Nie można jednak wyciągnąć bezpośredniej analogii - obraz ma tylko niejasne podobieństwo do jednej z alegorii Antonissena (najdalszej i prawie znikającej w ciemności), która przypomina alegorię Miłości, a na dodatek ma czerwone serce w kształcie medalion. Być może jest to wizerunek matki syna marnotrawnego.

Dwie postacie w tle, znajdujące się pośrodku (najwyraźniej kobieta, być może służąca lub inna uosobiona alegoria; i mężczyzna) są trudniejsze do odgadnięcia. Siedzący młodzieniec z wąsami, jeśli podążasz za fabułą przypowieści, może być drugim, posłusznym bratem. Istnieją spekulacje, że drugi brat jest w rzeczywistości poprzednią postacią „żeńską” obejmującą kolumnę. I być może nie jest to tylko kolumna - kształtem przypomina słup świątyni jerozolimskiej i może dobrze symbolizować słup Prawa, a fakt, że za nim kryje się prawy brat, nabiera symbolicznego dźwięku.

Uwagę badaczy przykuwa postać ostatniego świadka, znajdująca się po prawej stronie obrazu. Odgrywa ważną rolę w kompozycji i jest napisana niemal tak żywo, jak główni bohaterowie. Jego twarz wyraża współczucie, a założony na niego płaszcz podróżny i laska w jego rękach sugerują, że podobnie jak syn marnotrawny jest samotnym wędrowcem. Izraelska badaczka Galina Lyuban uważa, że obraz ten kojarzy się z postacią Żyda Tułacza. Według innych założeń to właśnie on jest najstarszym synem, co nie pokrywa się z cechami wiekowymi postaci nowotestamentowej, choć jest też brodaty i ubrany jak ojciec. Jednak ta bogata szata jest też zaprzeczeniem wersji, gdyż według Ewangelii, usłyszawszy o powrocie brata, uciekł prosto z pola, gdzie najprawdopodobniej był w stroju roboczym. Niektórzy badacze widzą na tej figurze autoportret samego Rembrandta.

Istnieje również wersja, w której dwie postacie po prawej stronie obrazu: młody mężczyzna w berecie i stojący to ten sam ojciec i syn, którzy są przedstawieni na drugiej połowie, ale tylko przed wyjściem syna marnotrawnego z domu w kierunku ucztowania. W ten sposób płótno niejako łączy dwa plany chronologiczne. Wyrażono opinię, że te dwie postacie są obrazem celnika i faryzeusza z przypowieści ewangelicznej.

Z profilu, w formie płaskorzeźby po prawej stronie stojącego świadka, przedstawiony jest muzyk grający na flecie. Jego postać, być może, przypomina muzykę, która za kilka chwil wypełni dom ojca dźwiękami radości.

Okoliczności powstania

1636 akwaforta

Nie jest to jedyna praca artysty na ten temat, choć stworzył prace o innej kompozycji. W 1636 stworzył akwafortę, aw 1642 rysunek (Teyler Museum w Haarlemie).

Rysunek z 1642

W 1635 namalował obraz "Autoportret z Saskią na kolanach", odzwierciedlający epizod z legendy o marnotrawstwie syna marnotrawnego, który roztrwonił dziedzictwo ojca.

Okoliczności pisania płótna są tajemnicze. Uważa się, że powstał w ostatnim roku życia artysty. Widoczne na prześwietleniach zmiany i poprawki pierwotnego projektu obrazu świadczą o autentyczności płótna.

Jednak tradycyjne datowanie lat 1668-1669 jest przez niektórych uważane za kontrowersyjne. Historycy sztuki G. Gerson i I. Linnik zasugerowali, aby obraz datować na 1661 lub 1663.

Autoportret z Saskią na kolanach

Chyba żaden inny obraz Rembrandta nie budzi tak wzniosłych uczuć jak ten obraz. W sztuce światowej niewiele jest dzieł o tak silnym oddziaływaniu emocjonalnym, jak monumentalny obraz Ermitażu „Powrót syna marnotrawnego”.

Historia została zaczerpnięta z Nowego Testamentu.

Powrót syna marnotrawnego - to uczucie bezgranicznej radości rodziny i ojcowskiej opieki. Być może zatem można nazwać głównego bohatera ojcem, a nie synem marnotrawnym, który stał się przyczyną manifestacji hojności. mipotem żal z powodu utraconej młodości, żal, że nie można przywrócić utraconych dni.

Ta historia przyciągnęła wielu znani poprzednicy Rembrandta: Durer, Bosch, Łukasz z Leiden, Rubens.

Powrót syna marnotrawnego, 1669. Olej na płótnie, 262x206.
Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Jeden mężczyzna miał dwóch synów. Młodszy syn chciał otrzymać swoją część majątku, a ojciec podzielił majątek między synów. Wkrótce najmłodszy syn zebrał wszystko, co miał i wyjechał do dalekiego kraju. Tam roztrwonił całe swoje bogactwo na rozwiązłe życie. W końcu znalazł się w rozpaczliwej potrzebie i został zmuszony do pracy jako świniopas.

Był tak głodny, że gotów był napełnić żołądek pomyjami, które podawano świniom. Ale i tego został pozbawiony, ponieważ. w kraju zaczął się głód. A potem pomyślał: „Ilu służących jest w domu mojego ojca i dla wszystkich starczy jedzenia. I tu umieram z głodu. Wrócę do mojego ojca i powiem, że zgrzeszyłem przeciwko niebu i przeciwko niemu”. I wrócił do domu. Kiedy był jeszcze daleko, zobaczył go jego ojciec i zrobiło mu się żal syna. Wybiegł mu na spotkanie, przytulił go i zaczął całować.

Powiedział: „Ojcze, zgrzeszyłem przeciwko niebu i przeciwko tobie i już nie jestem godzien nazywać się twoim synem”. Ale ojciec powiedział swoim sługom: „Idź szybko, przynieś mu najlepsze ubranie i ubierz go. Załóż mu na rękę pierścionek i załóż sandały. Przynieś utuczone cielę i ubij je. Zróbmy ucztę i świętujmy. W końcu mój syn nie żył, a teraz znów żyje! Był zgubiony, a teraz odnaleziony!” I zaczęli świętować.

Najstarszy syn był w tym czasie na polu. Kiedy zbliżył się do domu, usłyszał, że w domu jest muzyka i tańce. Zadzwonił do jednego ze służących i zapytał, co się tam dzieje. „Przyszedł twój brat”, odpowiedział sługa, „a twój ojciec zarżnął tuczone cielę, bo jego syn jest zdrowy i wszystko z nim w porządku”.

Najstarszy syn był zły i nawet nie chciał wejść do domu. Wtedy wyszedł ojciec i błagał go. Ale syn powiedział: „Przez te wszystkie lata pracowałem dla ciebie jak niewolnik i zawsze robiłem wszystko, co powiedziałeś. Ale nigdy nie zarżnąłeś dla mnie nawet kozy, żebym mogła bawić się z przyjaciółmi.

Ale kiedy ten twój syn, który cały twój majątek wydał na rozpustę, wrócił do domu, zarżnąłeś dla niego utuczone cielę!” "Mój syn! - Wtedy ojciec powiedział: - Zawsze jesteś ze mną i wszystko, co mam, jest twoje. Ale powinniśmy się radować, że twój brat nie żył, a teraz znów żyje, zaginął i został odnaleziony!

Religijne znaczenie przypowieści jest następujące: bez względu na to, jak ktoś zgrzeszy, pokuta zawsze zostanie nagrodzona radosnym przebaczeniem.

O ZDJĘCIU

Ten obraz, niewątpliwie wieńczący późne dzieło Rembrandta, o skruszonym powrocie syna, o bezinteresownym przebaczeniu ojca, wyraźnie i przekonująco obnaża głębokie człowieczeństwo opowieści.

Rembrandt podkreśla światłem to, co najważniejsze na zdjęciu, skupiając na nim naszą uwagę. Centrum kompozycyjne znajduje się prawie na krawędzi obrazu. Artysta równoważy kompozycję postacią stojącą po prawej stronie.

Jak zawsze wyobraźnia artysty malowała wszystko, co się działo, bardzo konkretnie. Na rozległym płótnie nie ma ani jednego miejsca, które nie wypełniałoby najsubtelniejszych zmian kolorystycznych. Akcja rozgrywa się przy wejściu do domu po naszej prawej stronie, porośniętego bluszczem i spowitego ciemnością.

Syn marnotrawny, który padł na kolana przed zgrzybiałym ojcem, doszedłszy w swej wędrówce do ostatniego etapu biedy i upokorzenia, jest obrazem ucieleśniającym tragiczną drogę poznawania życia z niezwykłą mocą. Wędrowiec ma na sobie ubrania, które niegdyś były bogate, a teraz zamieniły się w wory. Lewa część jego postrzępionych sandałów spadła mu ze stopy.

Ale to nie elokwencja narracji decyduje o wrażeniu tego obrazu. W majestatycznych, surowych obrazach ujawnia się tutaj głębia i napięcie uczuć, a Rembrandt osiąga to przy całkowitym braku dynamiki - w rzeczywistości akcji - w całym obrazie.

OJCIEC I SYN

W obrazie dominuje „tylko jedna postać – przedstawiony z przodu ojciec, z szerokim, błogosławionym gestem dłoni, które niemal symetrycznie nakłada na ramiona syna.

Ojciec jest dostojnym starcem o szlachetnych rysach, ubranym w królewsko brzmiące czerwone szaty. Przyjrzyj się bliżej temu człowiekowi – wydaje się starszy niż sam czas, a jego ślepe oczy są niewytłumaczalne, podobnie jak wypisane złotem szmaty młodego człowieka. Dominującą pozycję ojca na obrazie potwierdza zarówno cichy triumf, jak i ukryty przepych. Odzwierciedla współczucie, przebaczenie i miłość.

Ojciec, który kładzie ręce na brudnej koszuli syna, jakby sprawował sakrament sakramentu, wstrząśnięty głębią uczuć, powinien trzymać syna tak samo, jak go trzymać…

Ze szlachetnej głowy ojca, z jego drogocennego stroju, nasz wzrok schodzi na ogoloną głowę, zbrodniczą czaszkę syna, na jego łachmany zawieszone bezładnie na ciele, na podeszwy stóp, śmiało wystawione na widza, blokujące jego spojrzenie ..

Mistrz umieścił główne postacie na styku malowniczych i rzeczywistych spacje (później płótno zostało dodane poniżej), ale zgodnie z intencją autora jej dolna krawędź przechodziła na poziomie palców stóp klęczący syn.

Obecnie obraz stał się bardzo ciemny i dlatego w zwykłym świetle dostrzegalny jest w nim tylko pierwszy plan, wąski podest sceniczny z grupą ojca i syna po lewej oraz wysoki wędrowiec w czerwonym płaszczu, który jest stojąc po naszej prawej stronie na ostatnim - drugim - stopniu ganku. Z głębi zmierzchu za płótno leje się tajemnicze światło.

Delikatnie otula postać, jakby zaślepiony na naszych oczach, starego ojca, który wyszedł z ciemności na spotkanie z nami, i syna, który plecami do nas padł na kolana starca, prosząc o przebaczenie. Ale nie ma słów. Tylko ręce, widzące ręce ojca delikatnie wyczuwają drogie ciało. Cicha tragedia uznania, odwzajemniona miłość, tak umiejętnie przekazana przez artystę.

LICZBY DRUGORZĘDNE

Kobieta w lewym górnym rogu

Postać, który przypomina alegorię Miłości, a dodatkowo ma czerwony medalion w kształcie serca. Być może jest to wizerunek matki syna marnotrawnego.

W tle dwie postacie znajdujące się pośrodku (podobno kobieta, ewentualnie służąca).Siedzący młodzieniec z wąsami, jeśli podążasz za fabułą przypowieści, może być drugim, posłusznym bratem.

Jest jeszcze inna wersja, w której dwie postacie po prawej stronie obrazu: młody mężczyzna w berecie i stojący to ten sam ojciec i syn, którzy są przedstawieni na drugiej połowie, ale tylko zanim syn marnotrawny opuści dom w kierunku ucztowanie. W ten sposób płótno niejako łączy dwa plany chronologiczne. Wyrażono opinię, że te dwie postacie są obrazem celnika i faryzeusza z przypowieści ewangelicznej.

Flecista

Okoliczności pisania płótna są tajemnicze. Uważa się, że powstał w ostatnich latach życia artysty. Widoczne na zdjęciu rentgenowskim zmiany i korekty pierwotnej intencji obrazu świadczą o autentyczności płótna.

Rysunek z 1642

Rembrandt Powrót syna marnotrawnego. Akwaforta na papierze, Rijksmuseum, Amsterdam

Jak ten obraz trafił do Rosji?

Książę Dmitrij Aleksiejewicz Golicyn kupił go w imieniu Katarzyny II dla Ermitażu w 1766 od Andre d'Ansezen, ostatniego księcia Cadrus. A on z kolei odziedziczył obraz po swojej żonie, której dziadek Karol Colbert prowadził misje dyplomatyczne dla Ludwika XIV w Holandii i prawdopodobnie tam go nabył.

Rembrandt zmarł w wieku 63 lat w całkowitej samotności, ale odkrył malarstwo jako drogę do najlepszego ze światów, jako jedność istnienia obrazu i myśli.

Jego twórczość ostatnich lat to nie tylko refleksja nad znaczeniem biblijnej opowieści o synu marnotrawnym, ale także umiejętność zaakceptowania siebie bez niczego i wybaczenia sobie przed szukaniem przebaczenia u Boga lub władz wyższych.

Malarstwo barokowe
Obraz holenderskiego malarza Rembrandta van Rijna „Powrót syna marnotrawnego”. Wielkość obrazu to 262 x 205 cm, olej na płótnie. Z paryskiej kolekcji księcia Antoine d „Ansejun z 1766 r. Przypowieść o synu marnotrawnym, wielokrotnie wykorzystywana przez Rembrandta w grawerowaniu, rysowaniu i malarstwie, znajduje się w centrum tego rozumienia człowieczeństwa, jakim jest duch Kazania na Górze ucieleśnia, ze swoją poetycką dialektyką grzechu i skruchy, ufności w zaufanie i zbawczą miłość do bliźniego, z jej antydogmatyczną, skutecznie wkraczającą w życie, prawdziwie twórczą solidarnością. Nic więc dziwnego, że ta przypowieść stała się najbliższym tematem Rembrandta.

Ten obraz, niewątpliwie wieńczący jego późniejszą pracę i dążenia, o skruszonym powrocie syna, o bezinteresownym przebaczeniu ojca, wyraźnie i przekonująco obnaża głębokie człowieczeństwo opowieści. (Datowanie jest jednak dyskusyjne; zamiast lat 1668-1669 zaproponowali historycy sztuki G. Gerson, I. Linnik datowanie obrazu na 1661 lub 1663). W obrazie dominuje „tylko jedna postać – przedstawiony z przodu ojciec, z szerokim, błogosławionym gestem dłoni, które niemal symetrycznie układa na ramionach syna. Ten, przedstawiony od tyłu, klęka przed ojcem, tworząc z nim monumentalną grupę, którą można odlać w brązie. Nigdzie z takim uczuciem nie przejawiała się jednocząca ludzka siła monumentalnych form. Ojciec jest dostojnym starcem o szlachetnych rysach, ubranym w królewsko brzmiące czerwone szaty.

Ale nawet ta monumentalność w Rembrandcie rozpada się, zmyta potężnym strumieniem człowieczeństwa wylanym na ten pozornie tak mocno przylutowany blok. Ze szlachetnej głowy ojca, z jego drogocennego stroju, nasz wzrok schodzi na ogoloną głowę, zbrodniczą czaszkę syna, na jego szmaty wiszące przypadkowo na ciele, na podeszwy stóp, śmiało wystawione na widza, blokując wzrok... Grupa przewraca się na szczycie. Ojciec, który kładzie ręce na brudnej koszuli syna, jakby sprawował sakrament sakramentu, wstrząśnięty głębią uczuć, powinien trzymać syna tak samo, jak go przytulać…

Na zdjęciu są również obecne drugorzędne postacie braci i sióstr, ale nie biorą one udziału w akcji. Są tylko na granicy tego, co się dzieje, tylko zaczarowani milczący świadkowie, tylko otaczający znikający świat ... ”(Richard Hamann). Zdaniem badacza Boba Haacka, być może Rembrandt „przedstawił te postacie tylko na szkicach, a inny artysta je dokończył”, w malarstwie głównej grupy, podobnie jak w „Żydowskiej narzeczonej”, forma i duch były nierozerwalnie zjednoczone. Wszystko jest tutaj prawdziwie i wysoce symboliczne: blokowa, a zarazem niestabilna wewnętrznie jedność postaci ojca i syna, przelewająca się z jednego elementu w drugi, rombowe, diamentowe obramowanie głowy syna z rękami ojca , badając gest rąk, ten niezastąpiony ludzki organ. „Wszystko, czego te ręce doświadczyły - radości, cierpienia, nadzieje i lęki, wszystko, co stworzyli lub zniszczyli, co kochali lub nienawidzili, wszystko to wyraża się w tym cichym uścisku” (Germain Bazin). I wreszcie ten wszechogarniający, pełen pociechy i przebaczenia czerwony kolor płaszcza, dźwięczny rdzeń „testamentu ludzkości” Rembrandta (Hamann), ten umierający ślad bezinteresownej, ludzkiej duszy, to wezwanie do działania , czerwony kolor nadziei, obiecujące światło miłości.

Według przypowieści pewnego dnia syn, najmłodszy w rodzinie, chciał rozpocząć samodzielne życie i zażądał swojego udziału w spadku. W rzeczywistości symbolizowało to, że życzy sobie śmierci ojca, ponieważ podział majątku następuje dopiero po śmierci najstarszego w rodzinie. Młody człowiek dostał to, o co prosił i opuścił dom ojca. Życie ponad stan, pogorszenie sytuacji ekonomicznej w kraju, do którego trafił, sprawiły, że wkrótce młody człowiek roztrwonił wszystko, co miał. Stał przed wyborem - śmierć lub skrucha: „Ilu najemników od mojego ojca obfituje w chleb, a ja umieram z głodu; Wstanę i pójdę do ojca i powiem mu: Ojcze! Zgrzeszyłem przeciwko niebu i wobec ciebie i już nie jestem godzien nazywać się twoim synem; przyjmij mnie jako jednego z najemników.

Ojciec, spotykając się z synem, kazał zarżnąć najlepsze cielę i zorganizować wakacje. Jednocześnie wypowiada sakramentalne dla całego chrześcijaństwa zdanie: „Ten mój syn był martwy i żyje, zniknął i został odnaleziony”. To alegoria powrotu zagubionych grzeszników na łono kościoła.

„Syn marnotrawny w tawernie”, 1635. (Pinterest)

Najstarszy syn, wracając z pracy w terenie i dowiadując się, dlaczego rozpoczęło się święto, był zły: „Służę ci tyle lat i nigdy nie łamałem twoich rozkazów, ale nigdy nie dałeś mi nawet dziecka do zabawy z moimi przyjaciele; ale kiedy przyszedł ten twój syn, który roztrwonił swój majątek z nierządnicami, zabiłeś dla niego utuczone cielę”. I choć ojciec wezwał go do miłosierdzia, z przypowieści nie dowiadujemy się, jaką decyzję podejmuje najstarszy syn.

Rembrandt pozwolił sobie na odejście od klasycznego tekstu. Najpierw przedstawił swojego ojca jako niewidomego. Tekst nie mówi wprost, czy mężczyzna był widziany, czy nie, ale z tego, że widział syna z daleka, możemy wywnioskować, że nadal nie miał problemów ze wzrokiem.

Po drugie, na spotkaniu obecny jest najstarszy syn Rembrandta - wysoki mężczyzna po prawej stronie. W klasycznym tekście pojawia się, gdy już w domu trwają przygotowania do uroczystości z okazji powrotu młodszego brata.

„Powrót syna marnotrawnego”, 1666-1669. (Pinterest)

Po trzecie, samo spotkanie jest inaczej opisane. Rozradowany ojciec wybiega na spotkanie syna i pada przed nim na kolana. W Rembrandt widzimy młodego mężczyznę stojącego pokornie na ziemi i jego ojca, który cicho kładzie mu ręce na ramionach. Co więcej, jedna dłoń wygląda jak miękka, pieszczotliwa, matczyna, a druga - jak silny, trzymający, ojcowski.

Najstarszy syn jest zdystansowany. Jego dłonie są mocno zaciśnięte – widać wewnętrzną walkę, która w nim toczy się. Zły na ojca najstarszy syn musi dokonać wyboru, czy zaakceptować swojego młodszego brata, czy nie.

Oprócz głównych bohaterów Rembrandt przedstawił na płótnie inne osoby. Nie można powiedzieć, kim są. Możliwe, że są to słudzy, za pomocą których artysta chciał przekazać przedświąteczne zamieszanie i pogodny nastrój.

Kontekst

Powrót syna marnotrawnego jest prawdopodobnie ostatnim obrazem Rembrandta. Prace nad nim poprzedziła seria strat ciągnących się przez 25 lat: od śmierci pierwszej, ukochanej żony Saskii i wszystkich dzieci, które urodziła, po prawie całkowitą ruinę i brak klientów.

Bogate stroje, w których przedstawiani są bohaterowie, były częścią kolekcji artysty. W XVII wieku Holandia była najsilniejszą gospodarką świata. Statki jej kupców wydawały się być wszędzie - nawet z Japonią był handel (Japonia nie handlowała wówczas z nikim innym). Dziwaczne towary napływały do holenderskich portów. Artysta regularnie tam chodził i kupował niezwykłe tkaniny, biżuterię i broń. Wszystko to zostało następnie wykorzystane w pracy. Nawet do autoportretów Rembrandt przebierał się za granicą i przymierzał nowe obrazy.

„Święto Belszazzara”, 1635. (Pinterest)

Losy artysty

Rembrandt urodził się w Lejdzie jako syn zamożnego Holendra, który był właścicielem młyna. Kiedy chłopiec oznajmił ojcu, że zamierza zostać artystą, poparł go – wtedy w Holandii bycie artystą było prestiżowe i opłacalne. Ludzie byli gotowi na niedożywienie, ale nie skąpili obrazów.

Po trzech latach nauki (co wystarczyło, by założyć własną firmę, jak wtedy uważano) od swojego wujka, profesjonalnego artysty Rembrandta i przyjaciela otworzył warsztat w Lejdzie. Chociaż były rozkazy, były one dość monotonne i nie porywały. Praca zaczęła się gotować po przeprowadzce do Amsterdamu. Tam wkrótce poznał Saskię van Uilenbürch, córkę burmistrza Leeuwarden, i bez wahania się ożenił.

Straż nocna, 1642. (Pinterest)

Saskia była jego muzą, inspiracją, światłem. Malował jej portret w różnych strojach i obrazach. W tym samym czasie pochodziła z zamożnej rodziny, co również pozwoliło im żyć w wielkim stylu. Ta ostatnia okoliczność irytowała krewnych Saskii, klasycznych Flemingów, którzy nie mogli znieść nieokiełznanego życia ponad stan. Pozywali nawet Rembrandta, oskarżając go o marnotrawstwo, ale artysta przedstawił, jak powiedzieliby dzisiaj, zaświadczenie o dochodach i udowodnił, że on i jego żona mają wystarczające honoraria na wszystkie kaprysy.

Po śmierci Saskii Rembrandt popadł na chwilę w depresję, a nawet przestał pracować. Właściciel i tak już nieprzyjemnej postaci stał się całkowicie bezlitosny dla innych - był zawiły, uparty, samowolny, a nawet niegrzeczny. Pod wieloma względami współcześni starali się więc nie pisać nic o Rembrandcie – zło jest nieprzyzwoite, ale najwyraźniej nie było dobrego.

Hendrikje Stoffels, 1655. (Pinterest)

Stopniowo Rembrandt chwycił się za broń przeciwko prawie wszystkim: klientom, wierzycielom i innym artystom. Wokół niego rozwinął się rodzaj spisku - niemal celowo doprowadzono go do bankructwa, zmuszając go do sprzedaży całej swojej kolekcji za bezcen. Nawet dom trafił pod młotek. Gdyby nie studenci, którzy rozwinęli i pomogli mistrzowi kupić prostsze mieszkania w dzielnicy żydowskiej, Rembrandt zaryzykował pozostanie na ulicy.

Dziś nawet nie wiemy, gdzie znajdują się szczątki artysty. Został pochowany na cmentarzu dla ubogich. W procesji pogrzebowej była tylko jego córka Kornelia z Hendrikje Stoffels, trzecia żona (nieoficjalna, ale można powiedzieć, cywilna). Po śmierci Rembrandta Kornelia wyszła za mąż i wyjechała do Indonezji. Tam giną ślady jej rodziny. Jeśli chodzi o informacje o samym Rembrandcie, to w ciągu ostatnich dziesięcioleci zbierano je dosłownie kawałek po kawałku - za życia artysty wiele zaginęło, nie mówiąc już o tym, że nikt celowo nie trzymał jego biografii.

Uczucie bezgranicznej radości i miłości całkowicie zawładnęło ojcem, w rzeczywistości nawet nie przytula syna, ponieważ nie ma już na to siły i ręki ...

Uczucie bezgranicznej radości i miłości całkowicie zawładnęło ojcem, właściwie nie przytula on nawet syna, bo nie ma już na to siły, a ręce nie są w stanie go do siebie przycisnąć. Po prostu to czuje, przebaczając i chroniąc. Krytyk sztuki M. Alpatov uważa ojca za głównego bohatera obrazu, a syn marnotrawny jest tylko wymówką dla ojca, by pokazać swoją hojność. Uważa nawet, że obraz można nazwać „Ojciec przebaczający synowi marnotrawnemu”.

Autoportret autorstwa Rembrandta Harmesa van Rijna (ok. 1665)

Z książki Nadieżdy Ioniny „100 wspaniałych obrazów”

Podczas pracy nad obrazem „Straż nocna” zmarła ukochana żona Rembrandta, Saskia. Krewni zmarłego zaczęli ścigać artystę sporem o spadek, próbując wyrwać część posagu przekazanego Rembrandtowi przez Saskię. Ale nie tylko krewni prześladowali Rembrandta. Zawsze był oblegany przez wierzycieli, którzy atakowali wielkiego artystę jak chciwa wataha. I ogólnie Rembrandt nigdy nie był otoczony zaszczytami, nigdy nie był w centrum uwagi, nie siedział na czele, ani jeden poeta za życia Rembrandta o nim nie śpiewał. Na oficjalnych uroczystościach, w dni wielkich uroczystości, zapominano o nim. I nie kochał i unikał tych, którzy go zaniedbywali. Zwykłym i ukochanym towarzystwem byli sklepikarze, filisterzy, chłopi, rzemieślnicy - najprostsi ludzie. Lubił odwiedzać portowe tawerny, w których bawili się marynarze, handlarze śmieciami, wędrowni aktorzy, złodziejaszki i ich dziewczyny. Siedział tam szczęśliwie godzinami, obserwując gwar, a czasem szkicując ciekawe twarze, które następnie przenosił na swoje płótna.

Teraz w amsterdamskim domu, w którym przez ponad 20 lat mieszkał wielki Rembrandt, mieści się Muzeum. A kiedy ten dom został sprzedany za długi. Sam Rembrandt siedział wtedy na posiedzeniu sądu z tak obojętną miną, jakby ta sprawa w ogóle go nie dotyczyła. Nie słyszał przemówień sędziego i krzyków wierzycieli. Jego myśli unosiły się tak daleko od spotkania, że albo nie mógł odpowiedzieć na to czy tamto pytanie sędziego, albo jego odpowiedzi nie miały związku ze sprawą sądową.

Przyszła kolej na adwokata artysty van der Pieta. Powoli i dobitnie nakreślił sytuację. Sprytnie, rozważnie i sumiennie broniąc zachowania Rembrandta, odwoływał się do ludzkich uczuć wierzycieli i sędziowskiego poczucia sprawiedliwości. Rzucił przekonujące, zjadliwe i namiętne słowa: „Niech ci, którzy w imię niewielkich sum pieniędzy, które nie zagrażają im najmniejszą stratą lub nieszczęściem, chcą sprawić, by Rembrandt żebrak spłonął ze wstydu! Ja, van der Piet, przemawiam tu nie tylko jako prawnik dłużnika, przemawiam w imieniu całej ludzkości, która chce uniknąć niezasłużonych ciosów losu jednego ze swoich wielkich synów… równym Szekspirowi! Pomyśl o wszystkich, którzy tu są – grobowe pagórki nas okryją, znikniemy z pamięci naszych potomków, a imię Rembrandta będzie grzmiało nad światem przez kolejne stulecie, a jego lśniące dzieła będą chlubą całej ziemi!

Tak, obrazy Rembrandta są niewątpliwie szczytem malarstwa holenderskiego, a we własnej twórczości artysty jednym z takich szczytów był obraz „Powrót syna marnotrawnego”. Namalował go w ostatnim roku swojego życia, kiedy był już starzy, biedni, śmiertelnie chorzy i niedołężni, żyli w głodzie i zimnie. A jednak wbrew losowi pisał, pisał i pisał w kraju i mieście, które wysławiał na wieki.

Powrót syna marnotrawnego Rembrandta Harmenszoon van Rijn 1669

Tematem do namalowania obrazu była znana ewangeliczna przypowieść, która opowiada o tym, jak po długich tułaczkach po świecie syn marnotrawny powrócił z niespełnionymi nadziejami do porzuconego ojca. Ta historia przyciągnęła wielu artystów na długo przed Rembrandtem. Dla mistrzów renesansu pojednanie ojca z nieposłusznym synem było pięknym i zabawnym widowiskiem. Tak więc na obrazie weneckiego artysty Bonifacio akcja rozgrywa się przed bogatą posiadłością, przed zatłoczonym, wyładowanym tłumem. Artystów niderlandzkich bardziej pociągały próby, którym zbuntowany syn został poddany w obcym kraju (np. scena, kiedy zdegenerowany nędznik na podwórku wśród świń gotów był pobożną modlitwą odpokutować za swoje grzechy).

Motyw „syna marnotrawnego” Rembrandta towarzyszył mu przez wiele lat. Nawiązał do tej fabuły już w 1636 roku, kiedy pracował nad akwafortą pod tą samą nazwą. W swoich obrazach o tematyce biblijnej i ewangelicznej artysta rzadko przedstawiał sceny namiętności czy cudów, bardziej pociągały go opowieści o życiu codziennym ludzi, zwłaszcza sceny z życia patriarchalnej rodziny. Po raz pierwszy historię syna marnotrawnego Rembrandt przedstawił na rycinie, w której przeniósł biblijną historię na scenerię holenderską i przedstawił syna jako kościstą, półnagą istotę. Z tego czasu pochodzi również rysunek, w którym ojciec energicznie ściska dłonią kudłatą głowę pokutującego syna: nawet w momencie pojednania chce pokazać swoją ojcowska moc.

Rembrandt wielokrotnie powracał do tego tematu i przez lata przedstawiał go za każdym razem inaczej. We wczesnych wersjach syn gwałtownie wyraża skruchę i pokorę. W serii późniejszych rysunków duchowe impulsy ojca i syna nie są tak eksponowane, zanika element budowania. Następnie Rembrandt zaczął zajmować się niemal przypadkowym spotkaniem starego ojca i syna, w którym właśnie miały się ujawnić siły ludzkiej miłości i przebaczenia. Czasami był to samotny staruszek, siedzący w przestronnym pokoju, przed nim klęczał jego zły syn. Czasami to starzec wychodzi na ulicę, gdzie czeka go nieoczekiwane spotkanie; albo jego syn podchodzi do niego i trzyma go mocno w ramionach.

Po 30 latach artysta tworzy kompozycję mniej szczegółową, narracyjną, w której akcent przeniesiony jest na starego ojca. Fabuła obrazu „Powrót syna marnotrawnego” nie jest bezpośrednio związana z poprzednimi szkicami, ale to w niej Rembrandt umieścił całe swoje twórcze doświadczenie i być może najważniejszą rzecz z doświadczenia życiowego. Rembrandt w zamyśleniu przeczytał historię biblijną, ale nie był prostym ilustratorem, który stara się dokładnie odtworzyć tekst. Tak bardzo przyzwyczaił się do przypowieści, jakby sam był świadkiem tego, co się wydarzyło, a to dało mu prawo do opowiedzenia tego, co zostało niedopowiedziane.

Kilka osób zebrało się na niewielkim obszarze przed domem. Poszarpany, żebrak, w łachmanach przepasanych sznurem, z ogoloną głową skazańca, syn marnotrawny klęczy i chowa twarz na piersi starca. Przytłoczony wstydem i wyrzutem sumienia, być może po raz pierwszy od wielu lat, poczuł ciepło ludzkiego uścisku. A ojciec, pochylony w stronę „włóczęgi”, z ostrożną czułością przyciska go do siebie. Jego starcze, niepewne ręce leżą czule na plecach syna. Ta minuta w stanie psychicznym równa się wieczności, przed nimi obojgu lata spędzone bez siebie i przynoszące tyle psychicznej udręki. Wydaje się, że cierpienie już ich tak bardzo złamało, że radość ze spotkania nie przyniosła ulgi.

Spotkanie ojca i syna odbywa się niejako na styku dwóch przestrzeni: w oddali domyśla się ganek, a za nim przytulny dom ojca. Przed obrazem jest dorozumiana i niewidzialna prezentacja bezkresnej przestrzeni dróg, którymi przemierzył syn, świat obcy i okazał się mu wrogi. Postacie ojca i syna tworzą zamkniętą grupę, pod wpływem uczuć, które ich ogarnęły, jakby się ze sobą połączyły. Unosząc się nad klęczącego syna, ojciec dotyka go miękkimi ruchami rąk. Jego twarz, dłonie, postawa - wszystko mówi o spokoju i szczęściu odnalezionym po wielu latach bolesnego oczekiwania. Czoło ojca niejako promieniuje światłem i jest to najjaśniejsze miejsce na zdjęciu. Nic nie przerywa skupionej ciszy. Obecni z wielką uwagą przyglądają się spotkaniu ojca i syna. Wśród nich wyróżnia się stojący po prawej stronie mężczyzna w czerwonym płaszczu, którego postać niejako łączy głównych bohaterów z otaczającymi ich ludźmi. Osoba stojąca z tyłu uważnie śledzi to, co się dzieje. Spojrzenie jego szeroko otwartych oczu sugeruje, że on również był przepojony całą wagą i powagą chwili. Kobieta stojąca z daleka spogląda na ojca i syna ze szczerym współczuciem. Trudno powiedzieć, kim są ci ludzie. Być może Rembrandt nie dążył do indywidualnej charakterystyki obecnych, gdyż służą oni jedynie jako dodatek do głównej grupy.

Rembrandt długo i wytrwale poszukiwał postaci syna marnotrawnego, już w prototypach licznych rysunków i szkiców domyśla się syna marnotrawnego. Na zdjęciu jest chyba jedynym bohaterem w malarstwie klasycznym, który całkowicie odwrócił się od publiczności. Młody człowiek dużo podróżował, dużo doświadczył i doświadczył: jego głowa jest pokryta strupami, buty są zużyte. Jeden z nich spadł mu z nogi, a widz widzi jego stwardniałą piętę. Ledwo doszedł do progu domu ojca i wyczerpany ukląkł. Szorstki but, który spadł z jego stopy, wymownie mówi o tym, jak długo przebyła drogę, jakim upokorzeniu został poddany. Widz nie ma okazji zobaczyć jego twarzy, ale podążając za synem marnotrawnym, on też niejako wchodzi na obraz i pada na kolana.