Główne pytania.

I.1) Definicja chóru przez wybitnych mistrzów sztuki chóralnej.

2) Kierunki wykonania chóru.

3) Rodzaj chóru.

4) Liczba chórów.

II. Rodzaje chórów.

III. Aranżacja chóru.

Cel: Określić znaczenie aranżacji chóru dla najkorzystniejszego brzmienia utworu chóralnego w powiązaniu z rodzajem i typem chóru.

Definicja chóru przez wybitnych mistrzów sztuki chóralnej

A. A. Egorov („Teoria i praktyka pracy z chórem”): „Chór to mniej lub bardziej liczna grupa śpiewaków wykonujących utwór wokalno-chóralny. Ponadto każda część śpiewana jest kilkoma jednorodnymi głosami. Pod tym względem zespół chóralny, jako organizacja wokalna, znacznie różni się od kameralnego zespołu wokalnego (duet, trio, kwartet itp.), w którym każda pojedyncza część powierzona jest zawsze tylko jednemu wykonawcy. Najbardziej typowym, czystym typem zespołu chóralnego jest chór a cappella, czyli zespół śpiewający bez akompaniamentu instrumentalnego. Inny rodzaj zespołu chóralnego – zespół chóralny z towarzyszeniem fortepianu, zespołu instrumentów lub orkiestry – nie jest już całkowicie samodzielny: swoje zadania wykonawcze dzieli z akompaniamentem instrumentalnym.

Chór a cappella to rodzaj orkiestry wokalnej, która w oparciu o syntezę dźwięku i słowa przekazuje artystyczne obrazy dzieła muzycznego o bogatej kolorystyce.

V. G. Sokolov („Praca z chórem”): „Chór to zespół, który jest wystarczająco zaznajomiony z technicznymi, artystycznymi i ekspresyjnymi środkami wykonania chóru niezbędnymi do przekazywania myśli, uczuć i treści ideologicznych, które są osadzone w dziele. ”

P. G. Chesnokov („Chór i jego kierownictwo”): „Chór a cappella to pełnoprawny związek znacznej liczby głosów ludzkich, zdolny do oddania najsubtelniejszych zakrętów ruchów duchowych, myśli i uczuć wyrażonych w wykonywanej kompozycji. Chór to taki zbiór śpiewaków, w którego brzmieniu jest ściśle zbalansowany zespół, precyzyjnie dobrany system i artystyczne, wyraźnie wypracowane niuanse.

Zauważmy, że Czesnokow odnosi niuanse do elementów chóralnej dźwięczności, interpretując to pojęcie szerzej niż ruchoma skala dynamiczna. Niuanse, według Chesnokova, obejmują środki wyrazu muzycznego i chóralnego - cechy rytmu, tempa, agogiki, dykcji itp., W związku z ich dynamicznymi zmianami.

Chorus to niezwykle pojemny koncept. Zwykle uważany jest za zespół muzyczno-śpiewowy, którego działalność polega na twórczym procesie tworzenia muzyki chóralnej (lub wykonania chóralnego). W tym kontekście chór jest grupą wokalną i wykonawczą zjednoczoną i zorganizowaną przez twórcze cele i zadania. Zasada kolektywnego startu obowiązuje wszystkich uczestników chóru i musi być zachowywana na każdym etapie pracy chóru. Chór to duży liczebnie zespół wokalny, składający się z partii chóralnych. Podstawową podstawą każdej partii chóralnej jest unisono, co oznacza całkowitą fuzję wszystkich elementów wokalnych i chóralnych spektaklu – formowania dźwięku, intonacji, barwy, dynamiki, rytmu, dykcji, innymi słowy chór jest zespołem wokalnym unisony. Wykonawstwo chóralne wyraża się w dwóch formach muzykowania – śpiewie bez akompaniamentu (a cappella) i śpiewie z akompaniamentem. W zależności od metody intonacji - w stroju naturalnym lub temperowanym - rola intonacji wzrasta. Dokładna intonacja (system) i zrównoważone brzmienie (zespół) w chórze to główne warunki jego profesjonalizmu. Dobrze skoordynowany chór jest zawsze postrzegany jako orkiestra wokalna składająca się z głosów ludzkich, dlatego wymaga stałej i systematycznej uwagi chórmistrza od momentu śpiewania przez chór do występu na scenie. Struktura chóru zależy od umiejętności i wyszkolenia uczestniczących w nim śpiewaków, a także od osobistych i zawodowych cech dyrygenta-dyrygenta chóru, jego woli, wiedzy i doświadczenia. System w chórze zawsze wiąże się z wykonywaniem wielu różnych powiązanych ze sobą zadań - od organizacji procesu śpiewu i chóru oraz edukacji (szkolenia) śpiewaków po osadzenie rzeczywistego brzmienia chóralnego z identyfikacją problemów zespołowych i systemowych . Jednocześnie ważne zadania w procesie budowy chóru - stworzenie zespołu unisonosów wokalnych, jednolitość wysokościowa wykonywanych dźwięków, jedność ich barwy - rozwiązywane są pod warunkiem właściwie zorganizowanej pracy wokalno-chóralnej ze śpiewakami. W wykonawstwie chóralnym organicznie łączą się różne rodzaje sztuki - muzyka i literatura (poetyka). Synteza tych dwóch rodzajów sztuki wprowadza do twórczości chóralnej specyficzne cechy. Logiczne i znaczące połączenie muzyki i słów definiuje pojęcie gatunku wokalno-chóralnego. Dobry chór zawsze wyróżnia się wykonaniem technicznym i artystycznym oraz ekspresyjnym, gdzie obok problemów zespołu i systemu rozwiązuje się zadania interpretacji muzycznej i literackiej.

Żadna z wymienionych powyżej właściwości nie może istnieć w izolacji. Wszystkie komponenty są ze sobą połączone i są w ciągłej zgodzie.

Początkowo występy chóralne miały charakter amatorski i dopiero dzięki szczególnym uwarunkowaniom historycznym uzyskały status sztuki profesjonalnej. Stąd biorą się dwie główne formy działalności chóralnej - zawodowa i amatorska, stąd ich nazwy - chór zawodowy i chór amatorski (ludowy, amatorski). Pierwszy to chór składający się ze specjalnie przeszkolonych śpiewaków, drugi to chór, w którym biorą udział wszyscy chętni do śpiewania. Zajęcia w chórach amatorskich nie są tak uregulowane jak w chórach zawodowych.

W wykonawstwie chóralnym wyróżnia się dwa główne kierunki – akademicki i ludowy, które charakteryzują się jakościowymi różnicami w sposobie wykonania.

Chór akademicki (lub kaplica) opiera swoją działalność na zasadach i kryteriach twórczości muzycznej i wykonawczej, wypracowanych przez profesjonalną kulturę muzyczną oraz tradycje wielowiekowego doświadczenia gatunku operowego i kameralnego. Chóry akademickie mają jeden warunek pracy wokalnej - akademicki sposób śpiewania. Rozważając problematykę śpiewu wokalno-chóralnego, zaczniemy od koncepcji akademickiego sposobu śpiewania.

Chór ludowy to zespół wokalny, który wykonuje pieśni ludowe z ich nieodłącznymi cechami (faktura chóralna, prowadzenie głosu, maniera wokalna, fonetyka). Chóry ludowe z reguły budują swoją działalność w oparciu o lokalne lub regionalne tradycje śpiewacze. Decyduje to o różnorodności kompozycji i sposobie wykonywania chórów ludowych. Należy odróżnić chór ludowy w jego naturalnej, codziennej formie od specjalnie zorganizowanego chóru ludowego, zawodowego lub amatorskiego, wykonującego zarówno autentyczne pieśni ludowe, jak i kompozycje autorskie w duchu ludowym.

Utwory chóralne można scharakteryzować liczbą niezależnych w nich głosów chóralnych, co określa pojęcie typu chóru. Istnieją utwory na chór o różnych składach – jednogłosowe, dwugłosowe, trzy-, cztero- i więcej. Zasady stosowania divisi (separacji) w partiach chóralnych związane są ze stosunkami wysokości głosów śpiewających, a także ich kombinacjami harmonicznymi i barwowo-barwnymi. Wiadomo, że divisi nasyca harmonicznie przekaz chóralny, ale jednocześnie wyraźnie osłabia moc brzmienia głosów chóralnych.

Główną i minimalną jednostką strukturalną chóru jest partia chóralna, będąca skoordynowanym zespołem śpiewaków, których głosy w swoich ogólnych parametrach są stosunkowo takie same pod względem skali i barwy. To właśnie od partii chóralnej (grupy śpiewaków) rozpoczyna się budowa chóralnej dźwięczności w wielu aspektach: partia chóralna jest początkowym przedmiotem pracy dyrygenta w tworzeniu zespołu i systemu, w artystycznej dekoracji dzieła. W związku z tym ujawnia się problem najmniejszej liczby śpiewaków (głosów) w partii chóralnej – 3-4 śpiewaków, a także ich barwy i równowagi dynamicznej.

Teoretycznie, zgodnie z definicją P.G. Chesnokova, jednorodny dwugłosowy chór dziecięcy, żeński lub męski może składać się z co najmniej 6 śpiewaków, np. 3 soprany (wysokie) + 3 alty, 3 tenory + 3 basy. Jednak we współczesnej praktyce wykonawczej chór o podobnej wielkości nazywany jest zespołem wokalnym. Podwójna kompozycja chóru jest uważana za bardziej dźwięczną, gdzie każda część ma dwie minimalne kompozycje: 6 pierwszych sopranów + 6 drugich sopranów + 6 pierwszych altów + 6 drugich altów, w sumie otrzymuje się 24 śpiewaków. Tutaj również można podzielić (divisi) każdą ze stron na dwie grupy.

Liczba śpiewaków w partiach chóru musi być taka sama. Niedopuszczalne jest, aby żeńska lub dziecięca grupa śpiewaków licząca 30 osób składała się np. z 11 pierwszych sopranów, 9 drugich sopranów, 6 pierwszych altów i 4 drugich altów. Zaleca się nieznaczne zwiększenie liczebności śpiewaków w partiach pierwszych sopranów i drugich altów w czterogłosowym chórze żeńskim (dziecięcym), co wiąże się zarówno z dynamicznym doborem partii chóralnej, która wykonuje górny głos melodyczny ( C I) oraz z bardziej zwartym brzmieniem podstawy akordu (A II), na przykład:

sopran pierwszy - 8 osób;

sopran drugi – 7 osób;

pierwsze altówki - 7 osób;

altówki drugie - 8 osób.

Razem: 30 osób

Gęstość brzmienia partii unisono chóru kameralnego, których liczba nie przekracza 10 śpiewaków, jest niewspółmierna do brzmienia partii chóralnych dużego chóru, gdzie liczba śpiewaków w partiach chóralnych wynosi 20-25 śpiewaków .

W teorii studiów chóralnych zwyczajowo dzieli się skład ilościowy chórów na trzy główne typy - chóry małe (kameralne), średnie i duże. We współczesnej praktyce wykonawczej chór kameralny o przybliżonej liczbie śpiewaków liczy 20-30 osób. Przeciętny chór mieszany, liczący do 40 osób, polega na podziale każdej części chóralnej na dwie. Liczebność dużego chóru mieszanego waha się zwykle od 80 do 120 osób (czasami więcej).

W sprzyjających warunkach mogą powstać chóry masowe i kombinowane liczące kilkaset, a nawet tysiące osób. W literaturze chóralnej znajdują się przykłady kompozycji wielochóralnych, liczących na ogół kilkanaście niezależnych partii chóralnych.

Dotychczasowa koncepcja podwójnego chóru oznacza chór podzielony na dwa honory, z których każdy jest względnie niezależny; obie części podwójnego chóru mogą być zarówno mieszane (pełne i niepełne), jak i jednorodne. W związku z tym potrójny chór składa się z trzech części.

Dla każdego wykonawczego składu chórów istnieje specjalna literatura chóralna, która oczywiście uwzględnia cechy barwowo-katalistyczne i wielkość kompozycji chóralnej. Tak więc utwory napisane na chór kameralny, a więc skierowane do małej grupy, zabrzmią grubo i ciężko w dużym chórze, liczącym około 100 śpiewaków. I odwrotnie, partytura na duży chór z divisi w różnych głosach w brzmieniu małego chóru traci swój figuratywny blask.

Rodzaje chórów

Skład zespołu wykonawczego w podziale na grupy charakteryzuje określenie typ chóru. Głosy śpiewające dzielą się na trzy grupy: damskie, męskie i dziecięce. Chór składający się z głosów jednej grupy nazywany jest jednorodnym, a chór składający się z głosów żeńskich (lub dziecięcych) i męskich lub głosów śpiewu wszystkich trzech grup nazywany jest mieszanym. Obecnie istnieją cztery rodzaje chórów: żeński, męski, dziecięcy i mieszany.

Chór mieszany (pełny skład)

Zakres chóru mieszanego wynosi ponad 4 oktawy w kontraoktawach G-A do 3 oktaw. Chór mieszany ma świetną dynamikę mocy dźwięku od ledwie słyszalnego pp do ff, zdolną konkurować z orkiestrą symfoniczną.

chór męski

Zakres licznika oktawy wynosi do 2 oktaw. Chór męski charakteryzuje się dużą dynamiką brzmienia, jasną barwą barw. Partia tenorowa jest głównym melodyjnym głosem i śpiewa z grubszym dźwiękiem klatki piersiowej.

Chór żeński

Zakres wynosi od oktawy fatalnej do 3 oktaw. Ekstremalne dźwięki są rzadkością. Najczęściej spotykany jest mieszany i bliski układ głosów. Wiele oryginalnych kompozycji i adaptacji pieśni ludowych na chór żeński zostało stworzonych przez kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Chór dziecięcy

Możliwości ekspresyjne i techniczne chóru dziecięcego są ściśle związane z cechami wiekowymi kompozycji.

Głos dziecka charakteryzuje się przejrzystością, miękkością, ostrością intonacji oraz umiejętnością doskonalenia harmonii i zespołu. Brzmienie dziecięcego chóru wyróżnia bezpośredniość i szczerość wykonania. Chór dziecięcy ma duże zdolności wykonawcze.

Aranżacja chóru

Aranżacja chóru to specyficzny system aranżacji śpiewaków na potrzeby ich wspólnych działań wykonawczych. Krajowa kultura chóralna zgromadziła bogate doświadczenie w kwestii urządzania chóru. Teoretyczne rozumienie tego doświadczenia znalazło odzwierciedlenie w pracach P.G. Pirogov, V.G.Sokolov i inni Tak więc V.G.Sokolov zauważa, że „dla udanej pracy chóru niemałe znaczenie ma pewien układ partii podczas prób i występów koncertowych, który jest znany zarówno liderowi, jak i śpiewakom. "

Jednym z najważniejszych w tej materii jest aspekt artystyczny i wykonawczy. Wiadomo, że aranżacja powinna zapewnić śpiewakom poszczególnych partii jak najkorzystniejsze warunki dla zespołów. W związku z tym A.A. Egorov pisze: „Poprzez sukcesywne przestawianie głosów w grupie i staranne wybieranie jednego głosu na drugi na podstawie jednorodności i barwy, możliwe jest ustalenie całkowitego połączenia i tym samym położenie podwalin pod partię chóralną. ”

Właściwa aranżacja powinna zapewniać możliwość kontaktu słuchowego między śpiewakami różnych parii chóralnych, gdyż „dobre wzajemne słyszenie partii chóralnych stwarza najkorzystniejsze warunki do powstania zespołu i systemu, który jest podstawą spójności chór."

Zazwyczaj przy rozmieszczaniu chóru lub sceny kierują się ugruntowanymi tradycjami. Powiązane strony należą do tej samej grupy. Głosy każdej części pasują do siebie pod względem barwy, zakresu dźwięku itp. Zespół chóru jest usytuowany w taki sposób, że wysokie głosy znajdują się po lewej stronie dyrygenta, a niskie po prawej. W chórze mieszanym po lewej stronie dyrygenta znajdują się soprany, a następnie tenory; po prawej stronie są alty, a po nich basy.

Wśród wielu opcji aranżacji jednorodnych chórów popularna jest taka, w której każda ze stron znajduje się w grupie, jak sektor. W chórze żeńskim lub dziecięcym (od lewej do prawej): drugie soprany, pierwsze soprany, alt pierwszy, alt drugi. W chórze męskim: pośrodku znajdują się drugie tenory, pierwsze tenory, drugie basy, pierwsze basy, oktawiści. Uważa się, że umieszczenie pierwszych wysokich głosów (I sopran lub I tenory) pośrodku chóru poprawia dźwięczność, a położenie drugich wysokich głosów (II sopran lub II tenory) „zasłania” brzmienie pierwszego do w pewnym stopniu.

Chór żeński (dziecięcy)

chór męski

Oktawiści
Tenora II
Tenora II
Tenora II
Tenora II

Taki układ chóru jest zwykle używany w nagraniach dźwiękowych. W tym przypadku przed każdą częścią chóralną umieszczany jest osobny mikrofon. Umieszczenie chóru mieszanego podczas nagrywania dźwięku uwzględnia kierunek dźwięku każdej partii chóralnej do oddzielnie wyeksponowanego mikrofonu.

Oprócz powyższego wykorzystywane są również inne możliwości rozmieszczenia grup grupy chóralnej, na przykład:

Chór żeński (dziecięcy)


sopran I	sopran II

Podczas prób chór powinien być ustawiony tak samo, jak podczas występu. Nie zaleca się umieszczania chóru w tej samej płaszczyźnie poziomej, ponieważ powoduje to utratę właściwego kontaktu wzrokowego między śpiewakami a dyrygentem. Ponadto członkowie chóru będą zmuszeni śpiewać „z tyłu” chórzystów z przodu. W chórze mieszanym zwyczajowo części męskie są umieszczone nieco wyżej niż żeńskie.

Kwartetowa aranżacja chóru stwarza najlepsze warunki do samokontroli słuchowej śpiewaków, uwzględnia indywidualne zdolności wokalne każdego członka zespołu i jest stosowana w chórach kameralnych.

Umieszczenie chóru na scenie zależy od właściwości akustycznych pogłosu. Pogłos jest właściwością akustyczną pomieszczenia ze względu na zdolność odbijania ich wewnętrznych powierzchni do zwiększania siły i czasu trwania dźwięków (efekt „echa”). Przy niewystarczającym pogłosie dźwięk staje się „suchy”, przy nadmiernym pogłosie gra będzie „nieczytelna, brudna”. Na tej podstawie, obecnie w Państwowej Kaplicy Śpiewającej w Petersburgu. MI Glinka (kierowany przez V.A. Chernushenko) wykorzystuje aranżację chóru, w której głosy żeńskie tworzą trzeci i czwarty rząd, a głosy męskie zajmują pierwszy i drugi rząd. Jednocześnie lider tej grupy posługuje się szeroką aranżacją chóru.

Chór lepiej ułożyć w formie małego półkola (wachlarzowatego) lub w skrajnych przypadkach w linii prostej z małymi zaokrągleniami na brzegach. Mniej odpowiednie jest usytuowanie chóru wyłącznie w linii prostej.

Podczas wykonywania utworów chóralnych z towarzyszeniem fortepianu instrument umieszcza się przed chórem pośrodku lub po prawej stronie (od dyrygenta); podczas wykonywania z akompaniamentem orkiestry lub zespołu, orkiestra lub zespół jest umieszczony z przodu, a chór jest umieszczony w małym półokręgu za nim. Na przykład podczas wykonywania „Trzech rosyjskich pieśni” S. Rachmaninowa, napisanych na niekompletny chór mieszany (alty i basy) i orkiestrę, głosy chóralne znajdują się zwykle po lewej (alty) i po prawej (bas) dyrygenta za orkiestrą na specjalnej platformie (ławki chóralne) . W tym przypadku brzmienie każdej części staje się bardziej zwarte i monolityczne. Długotrwałe używanie jednej partii chóralnej, jak np. we wspomnianym utworze, pozwala scharakteryzować partię chóralną bardzo rzadkim terminem - chór altówek lub chór basów.

Prowadzone współczesne badania naukowe nad wpływem wzorców akustycznych i lokalizacji śpiewaków pozwoliły na dokonanie korekty aranżacji chóru oraz opracowanie szeregu praktycznych zaleceń mających na celu zapewnienie właściwych warunków do samokontroli słuchowej śpiewaków:

nie umieszczaj w sąsiedztwie silnych i słabych głosów;

stosować mieszaną wersję szerokiego opracowania z naprzemiennie pokrewnymi i heterogenicznymi głosami.

Prezentowana aranżacja ma następujące zalety:

Stwarza warunki do osiągnięcia zespołu artystycznego nie w oparciu o wyrównanie brzmień, ale poprzez rozpoznanie naturalnych możliwości brzmieniowych każdego głosu, co odzwierciedla nurt progresywnych metod wokalno-chóralnych i przyczynia się do pomyślnego rozwoju i doskonalenia umiejętności śpiewaczych.

Stwarza bardziej efektywne warunki do organizacji chóru jako wspólnoty osób (zespół solistów).

Przyczynia się do kształtowania każdego wokalisty wyższego stopnia odpowiedzialności za jakość swojej „produkcji wokalnej”. Tworzenie muzyki w takiej aranżacji wymaga od wokalisty maksymalnej inicjatywy i samodzielności.

Przyczynia się do identyfikacji indywidualnych cech barwowych każdego głosu, a tym samym ma bardzo istotny wpływ na jakość brzmienia chóru, który staje się bogatszy w barwę, bardziej nasycony i obszerny.

Słowa kluczowe

Chór; typ; pogląd; numer; partie chóralne; kobieta; mężczyzna; mieszany; dzieci; układ; wykonanie; barwy.

Krótkie wnioski

Wokalno-metodologiczny aspekt aranżacji chóru poruszany jest w pracach z zakresu edukacji muzycznej dzieci. Tak więc M.F. Zarinskaya zwraca uwagę na znaczenie aranżacji śpiewaków dla organizowania wpływu niektórych głosów na inne w procesie edukacji wokalnej w chórze. Zaleca umieszczenie w ostatnim rzędzie i na obrzeżach chóru „tych, którzy śpiewają w najpiękniejszej barwie i oczywiście, także doświadczonych chórzystów, na czele – dzieci, które śpiewają słabiej lub mają pewne braki w śpiewie”.

pytania testowe

1. Czym jest chór?

2. Podaj opis chóru mieszanego.

3. Jakie znasz możliwości aranżacji chóru?

4. Jakie czynniki wpływają na umiejscowienie chórzystów na scenie?

Literatura

Osenneva M.S., Samarin V.A. Klasa chóralna i praktyczna praca z chórem. - M. 2003

Keerig O.P. Choreologia - S.-P. 2004

Sokolov Wł. Praca z chórem - M., "Muzyka", 1983

Wysyłanie dobrej pracy do bazy wiedzy jest proste. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy będą Ci bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.allbest.ru/

Federalna państwowa budżetowa instytucja edukacyjna szkolnictwa wyższego

„Moskiewski Państwowy Instytut Kultury”

Dział: Prowadzenie chóru akademickiego

abstrakcyjny

Według dyscypliny: „Studia chóralne i metody pracy z chórem”

Na temat: „Chór. Struktura chóru. Skład ilościowy i jakościowy»

Ukończone przez: studenta III roku grupy 46

Tarasenko Olga Pietrownau

Sprawdził: profesor

Szabalina Olga Iwanowna

Moskwa 2015

Wstęp

1. Charakterystyka pojęcia „grupa chóralna” i jej cechy

2. Cechy struktury chóru

3. Skład ilościowy i jakościowy chóru

Wniosek

Lista wykorzystanej literatury

Wstęp

Śpiew chóralny to jedna z najstarszych i najbogatszych dziedzin sztuki muzycznej. Oczywiście istniał w prymitywnych społecznościach, jak sugerują zachowane zabytki z tamtej epoki. Stopniowo śpiew chóralny nie tylko towarzyszył procesom porodowym, ale stał się również ważnym elementem ludowych zabaw, tańców i obrzędów. Powstały gatunkowe odmiany pieśni o ich charakterystycznych cechach (melodia pracy, codzienności, militariów, miłości i innych), wzbogacono środki wyrazowe, powstały techniki naprzemiennego śpiewu solowego i chóralnego, a instrumenty dołączały do chóru podczas uroczystości i obrzędów. Pojawiły się wczesne formy polifonii.

W systemie masowej edukacji muzycznej ogromny
pewną rolę odgrywają różne formy sztuki chóralnej.

Studia chóralne obejmują historię, teorię i praktykę chóralnej sztuki wykonawczej, jej miejsce w duchowym, moralnym, artystycznym wychowaniu ludu, treści kształcenia wokalnego i chóralnego, zasady kierowania zespołami artystycznymi, specyficzne systemy metodyczne pracy z chórami różnych typów, typów i kompozycji.

W ciągu ostatnich kilku lat słusznie wzrosło zainteresowanie pedagogiką chóralną. Na tle nasyconego rynku chóralnego następuje masowa formacja chórów i ich równie masowy rozpad. Kompleksowe studium tego zjawiska, przeprowadzone w Akademii Sztuki Chóralnej G.A. Struve ujawnił szereg „wąskich gardeł” w procesie funkcjonowania typowego amatorskiego zespołu chóralnego. W szczególności stało się oczywiste, że jedną z głównych przyczyn samolikwidacji chórów amatorskich jest niska jakość pracy muzyczno-pedagogicznej i psychologiczno-pedagogicznej. Czyli czynniki, które mają nie tylko wartość edukacyjną, ale także edukacyjną.

Z jednej strony w wielu zespołach amatorskich zauważalny jest wyraźny brak lub niedostatecznie wysoka jakość pracy edukacyjnej mającej na celu podniesienie wykonawstwa wokalnego i profesjonalnego (o ile to określenie jest możliwe w kontekście sztuki amatorskiej) poziomu chór. Z drugiej strony, niedostateczna jest jakość (lub jej brak) pracy psychologicznej ukierunkowanej na edukację członków zespołu i tworzenie szczególnego środowiska dla relacji międzyludzkich.

Współczesny repertuar chórów obejmuje największą liczbę epok historycznych w porównaniu z innymi rodzajami wykonawstwa muzycznego.

cel Praca ta jest uogólnieniem wiedzy o chórze, jego strukturze i składzie.

Aby osiągnąć ten cel, szereg zadania:

1. Opisz pojęcie „grupy chóralnej”;

2. Ujawnij cechy struktury chóru;

3. Opisać ilościowy i jakościowy skład chóru.

1. Charakterystyka pojęcia „grupa chóralna” i jej cechy

Chór to zorganizowana grupa śpiewaków. Taka definicja obejmuje wszystkie rodzaje zespołów śpiewaczych o bardzo zróżnicowanych kwalifikacjach, manierach wykonawczych, orientacji repertuarowej, metodach formowania i pozyskiwania. W rozumieniu rodzimego słuchacza chór jest zespołem twórczym, którego głównym celem działalności wykonawczej jest edukacja ideowa, artystyczna i estetyczna mas.

Materiałem do stworzenia dowolnej grupy chóralnej jest śpiewający głos osoby. Śpiewające głosy można podzielić na trzy duże grupy: męskie, żeńskie, dziecięce. Te trzy rodzaje głosów będą materiałem, z którego będzie można zorganizować chór o takim czy innym składzie. Zespoły chóralne obsadzone wyłącznie mężczyznami, tylko kobietami lub dziećmi nazywa się chórami jednorodnymi, ponieważ ich skład jest naprawdę jednorodny (chór tylko żeński to chór żeński, chór tylko męski to męski, jedno z dzieci to dzieci) . Połączenie chóru męskiego z chórem żeńskim lub dziecięcym tworzy mieszaną kompozycję chóru.

W ten sposób chór łączy różne grupy głosów. Głosy jednej grupy, wykonujące unisono własną melodię, nazywane są partią chóralną. Partie chóralne dopełniają śpiewacy o mniej więcej tym samym zakresie głosu i podobnym brzmieniu.

Klasyczna wersja chóru mieszanego to grupa śpiewaków o wysokich i niskich głosach żeńskich i męskich. Niskie głosy męskie nazywane są basami, niskie głosy żeńskie nazywane są altami, wysokie głosy męskie nazywane są tenorami, a wysokie głosy żeńskie nazywane są sopranami.

W chórze dziecięcym, podobnie jak głosy żeńskie, dzielą się na wysokie soprany i niskie alty. W chórach chłopięcych wysokie głosy nazywane są sopranami. Z kolei każda partia często dzieli się na dwa głosy – pierwszy i drugi. Mieszane partytury chórów często zawierają kombinacje sopranu I i sopranu II, altów I i altów II, tenorów I i tenorów II, barytonów i basów.

Zapis muzyczny melodii wszystkich części chóru nazywany jest partyturą chóralną. Istnieją dwie główne zasady projektowania partytury chóralnej. Pierwsza, najczęstsza, polega na tym, że melodia każdego głosu jest wypisana w osobnej linii muzycznej. W ten sposób prezentowane są fragmenty utworów chóralnych o przeważającej polifonicznej hurtowni, co pozwala śpiewakom wyraźnie śledzić rozwój poszczególnych tematów, każdej linii melodycznej.

W wykonawstwie chóralnym wyróżnia się dwa style śpiewu - akademicki i ludowy, które charakteryzują się jakościowymi różnicami w sposobie wykonania.

Chór akademicki opiera swoją działalność na zasadach i kryteriach twórczości muzycznej i wykonawczej, wypracowanych przez profesjonalną kulturę muzyczną oraz tradycje wielowiekowego doświadczenia gatunku operowego i kameralnego. Chóry akademickie mają jeden warunek pracy wokalnej - akademicki sposób śpiewania.

W zależności od profilu działalności chóry akademickie nazywane są kaplicami, zespołami pieśni i tańca, chórami operowymi, chórami edukacyjnymi itp.

Nazwa kaplicy - chór otrzymał od miejsca, w którym śpiewacy, zespół chóralny się znajdował. W średniowieczu kaplica była kaplicą katolicką i kaplicą boczną w kościele, w którym mieścił się chór. Początkowo kaplice były tylko wokalne, bez udziału instrumentów. Od tego czasu polifoniczny śpiew chóralny bez akompaniamentu instrumentalnego, w którym główną uwagę zwrócono na melodyjność i niezależność głosów, na harmonię całości brzmienia, zaczęto nazywać śpiewaniem sarrelli. Obecnie niektóre chóry zawodowe i amatorskie nazywane są kaplicą (np. petersburska kaplica akademicka im. M. Glinki, republikański chór rosyjski im. A. Jurłowa ...). Chóry chłopięce (chór chłopięcy z Niżnego Nowogrodu) nazywane są również kaplicami.

Wykonanie utworu na koncercie jest ostatecznym celem i wynikiem wszelkiej wstępnej pracy każdego muzyka, w której dobór repertuaru jest punktem wyjścia długiej drogi twórczej.

Dobór repertuaru dla chóru nie jest jednorazowym aktem, ale złożonym procesem: z jednej strony skupia gust muzyczny i estetyczny oraz kulturę dyrygenta chóru, z drugiej zaś dobór utworów i repertuar chóru ma charakter pedagogiczny, gdyż determinują go indywidualne cechy wykonawców i warunki prób.

Jednocześnie istnieją tradycyjne kryteria, według których zestawiany jest repertuar koncertowy chórów:

1) różnorodność w epokach historycznych, stylach, gatunkach, postaciach itp.;

2) przestrzeganie określonego kierunku wykonawczego, na przykład repertuar chóru akademickiego składa się z duchowych i świeckich utworów chóralnych, zachodnioeuropejskich i rosyjskich kompozytorów klasycznych, aranżacji i aranżacji pieśni ludowych, kompozycji współczesnych;

3) obecność wystarczającej liczby utworów a sarella (bez akompaniamentu), których opracowanie pozwala na najbardziej intensywne kształtowanie umiejętności chóralnych.

Osiągnięcia rosyjskiej sztuki chóralnej historycznie opierały się na organicznym związku między twórczością kompozytora a wykonawstwem chóralnym. Ogromne dziedzictwo chóralne, zgromadzone w wyniku wielowiekowej praktyki śpiewu w Rosji, stanowi skarbnicę kultury chóralnej, przyczyniając się do jej dalszego rozwoju.

2. Cechy struktury chóru

Koncepcja składu chóru jest niejednoznaczna, obejmuje różne aspekty. Charakteryzując skład chóru niezbędny do wykonania danego utworu brane są pod uwagę: jego struktura, ogólna liczba uczestników (skład ilościowy), pewne cechy jakościowe (skład jakościowy).

Jak już wspomniano, twórczy zespół chóralny może różnić się strukturą. Może to być zespół folklorystyczny, studio piosenki pop, chór chłopięcy i tak dalej. Ale najbardziej praktyczne i realistycznie osiągalne jest stworzenie chóru akademickiego: jego repertuar obejmuje szeroki wachlarz gatunków wokalnych – od dzieł kompozytorów klasycznych, pieśni różnych narodów po dzieła autorów współczesnych. zespół śpiewu chóralnego

O strukturze chóru decyduje przede wszystkim jego rodzaj i wygląd. Pierwsza wskazuje, które partie chóralne wchodzą w skład chóru. Na tej podstawie dzieli się wszystkie chóry na chóry jednorodne (dziecięce, żeńskie lub męskie) i mieszane – składające się z głosów żeńskich lub dziecięcych (lub obu) i męskich (chórki).

Rodzaj chóru wskazuje na liczbę głosów chóralnych („głosów”) wchodzących w jego skład. Na tej podstawie chóry są jednogłosowe, dwugłosowe, trzygłosowe, czterogłosowe itp.

Każdy rodzaj odpowiada pewnym rodzajom chorusa. Chóry jednorodne mają w swoim składzie dwie główne części: głosy górne (góra w chórze dziecięcym, sopran w chórze żeńskim, tenory w chórze męskim) oraz głosy dolne (alty w chórze dziecięcym i żeńskim, basy w chórze męskim). W konsekwencji podstawową formą chóru jednorodnego jest dwugłos: D + A (w chórze dziecięcym), C + A (w chórze żeńskim), T + B (w chórze męskim).

Chór mieszany składa się z czterech głównych części: sopran (lub góra), alt, tenor, bas. Jego najbardziej charakterystyczną formą jest czterogłosowa: C (D) + A + T + B.

Wzrost głosów następuje w wyniku podziału partii. Separacje mogą być trwałe lub tymczasowe. Przy stałej separacji każda część staje się zasadniczo niezależną częścią chóralną: СІ + СІІ + А (trzyczęściowy chór żeński), ТІ + ТІІ + БІ + БІІ (czterogłosowy chór męski), СІ + СІІ + АІ + АІІ + ТІ + ТІІ + БІ + BII (ośmiogłosowy chór mieszany).

Przy tymczasowych podziałach partie „divisi” są podzielone epizodycznie. Niestabilny charakter podziałów stwarza zmienność kompozycji chóralnej. Często zdarza się, że cały skład chóru w utworze faktycznie nigdy nie brzmi jednocześnie, a ustalenie rodzaju chóru (liczby głosów) staje się w dużej mierze arbitralne. Kompozycję chórową bez podziałów na części lub z podziałami o charakterze trwałym można nazwać stabilnym, a kompozycję z podziałami, takimi jak podziały, jest niestabilna.

Istnieją 2 główne typy chórów: jednorodne i mieszane. Tę typologię określa trzystopniowa klasyfikacja głosów śpiewających: dziecięce, kobiece i męskie.

Odmianą niepełnego typu mieszanego są chóry młodzieżowe, złożone z głosów żeńskich (sopranowych i altowych) oraz jednej unisono partii męskiej. Nazwano je młodzieńczymi, ponieważ najczęściej są skompletowane z chłopców i dziewcząt w wieku 15-17 lat. Ze względu na ograniczone możliwości śpiewania, związane z aktywnym procesem mutacji, młodzi mężczyźni jednoczą się w jedną partię chóralną i wspólnie wykonują melodię.

3. Skład ilościowy i jakościowy chóru

Grupy chóralne tradycyjnie dzieli się na małe (kameralne), średnie i duże chóry. Na podstawie składu ilościowego określa się również numer każdej partii chóralnej. Zgodnie z definicją P. Chesnokova liczba śpiewaków w partii chóralnej powinna wynosić trzy dla optymalnego brzmienia, uzyskania wyraźnej melodii i dobrze skoordynowanego zespołu. Obecność trzech osób w drużynie pozwala na korzystanie z technik oddychania łańcuchowego (ciągłego).

Chóry jednorodne i mieszane mogą być kompletne lub niekompletne. Pełny chór zawiera wszystkie charakterystyczne dla tego typu chóru partie chóralne. Niekompletny chór składa się z części partii charakterystycznych dla tego chóru. Niekompletny chór jednorodny (tj. gdy całe wykonanie powierzone jest tylko jednej części chóralnej) jest stosowany stosunkowo rzadko, znacznie częściej występuje niekompletny chór mieszany, najbardziej charakterystyczny dla kombinacji części, które są gęsto rozmieszczone w zakresie: C + A + T, A + T + B.

Istnieją również kompozycje wielochóralne, w których w spektaklu bierze udział kilka chórów (dwa, trzy, cztery lub więcej) jednocześnie. Takie kompozycje są szczególnie popularne w muzyce operowej. W praktyce koncertowej są używane rzadziej i z reguły obejmują nie więcej niż dwa lub trzy chóry. Jeśli grupy biorące udział w spektaklu mają taką samą strukturę i liczbę uczestników, wówczas takie kompozycje wielochórowe nazywane są odpowiednio podwójnymi, potrójnymi itp.

Skład ilościowy chóru określa łączna liczba członków kolektywu potrzebnych do wykonania tego utworu. Istnieją następujące główne odmiany w stosunku do pełnego chóru mieszanego: mała kompozycja lub kameralna (16-24 osoby); przeciętny skład (24-60 osób); duża kompozycja (60-80 lub więcej osób).

Skład jakościowy chóru, niezbędny do wykonania tego utworu, zależy od charakteru i struktury muzyki, jej złożoności.

Charakter utworu stawia wymagania co do składu barwowego chóru. Obrazy kameralne sugerują dominujące użycie barw lirycznych. Taka kompozycja jest charakterystyczna dla znacznej części muzyki chóralnej a cappella. Natomiast można mówić o „dramatycznej kompozycji chóru”, która ma zupełnie inne brzmienie – gęste i mocne. Mając na uwadze złożoność pracy, która determinuje wymagany poziom techniki wokalno-chóralnej zespołu (jego przygotowanie zawodowe), można warunkowo wyróżnić początkujący, doświadczony, amatorski i profesjonalny skład chóru.

Potrzebę chóralnej części obecności trzech lub więcej śpiewaków potwierdzają także prawa akustyczne. Podczas wykonywania melodii unisono śpiew co najmniej trzech uczestników zapobiega rozszczepieniu dźwięku, interwał odchylenia od absolutnej unisono w śpiewie pierwszego i drugiego chórzysty wypełnia dźwięk trzeciego głosu. Stwarza to efekt ciągłego brzmienia unisono. Prawo to dotyczy również fuzji barwowej głosów.

Jak wskazał P. Czesnokow, najmniejsza liczba chórzystów mieszanych, oparta na najmniejszym składzie jednej partii chóralnej, wynosi 12 osób (3 soprany + 3 alty + 3 tenory + 3 basy). Podobne zasady obowiązują w przypadku chórów jednorodnych. Chóry o tak minimalnym składzie mogą wykonywać tylko te utwory, w których nie ma podziału głosów na głosy. Grupy te są najczęściej wykorzystywane w praktyce śpiewu kultowego, towarzyszącego prowadzeniu nabożeństw. Obecnie chór, liczący od 12 do 20 osób, potocznie nazywany jest zespołem wokalnym.

Przeciętna kompozycja zawiera takie grupy, w których każdą część chóralną można podzielić (podwojoną numerycznie) na dwie (B1, BII). Skład ilościowy chóru wzrasta zatem do 24 osób. P.G. Czesnokow, przeciętny skład chóru mieszanego liczył 27 osób, w tym dodatkowo 3 basy - oktawistów.

Obecnie zespoły liczące od 25 do 30 osób śpiewaków nazywane są chórami kameralnymi. Wachlarz możliwości wykonawczych tego zespołu jest dość obszerny, ale najciekawsze w jego wykonaniu są subtelne i eleganckie miniatury chóralne a cappella, w wykonaniu których chóry osiągają wysoki kunszt i doskonałość.

We współczesnej praktyce za chóry o średnich kompozycjach uważa się grupy od 30 do 60 osób. Średnia grupa otrzymała największą dystrybucję w występach amatorskich. Przeciętny skład chóru jest szeroko reprezentowany w postaci chórów edukacyjnych, żeńskich, męskich, młodzieżowych, mieszanych zawodowych i amatorskich. Chóry te istnieją w szkołach ogólnokształcących, muzycznych, średnich i wyższych. Możliwości wykonawcze chórów średniej wielkości są dość znaczące. Dzięki ruchliwości, ruchliwości i elastyczności dźwięku mogą wykonywać utwory chóralne o różnym stopniu złożoności. W repertuarze tych zespołów mogą znaleźć się próbki zagranicznej, krajowej literatury chóralnej, opracowania pieśni ludowych, utwory chóralne różnych gatunków i kierunków stylistycznych.

We współczesnych warunkach duże chóry obejmują grupy od 80 do 100 (120) osób. Większość profesjonalnych chórów jest właśnie taka. Duży skład chórów zawodowych wynika z możliwości wykonywania dzieł o dużych formach, w tym z akompaniamentem orkiestrowym, a także złożonych, wielochóralnych, wielochóralnych kompozycji chóralnych a cappella o polifonicznym stylu prezentacji.

Dalszy wzrost stałego składu chóru jest niewskazany, ponieważ nie przyczynia się do poprawy jego walorów wykonawczych: ginie elastyczność, mobilność i klarowność rytmiczna. Zespół chóralny staje się niejasny, nieciekawa barwa.

Jednak w praktyce chóralnej zdarzają się przypadki istnienia tzw. chórów kombinowanych, których liczba dochodzi niekiedy do kilkudziesięciu tysięcy osób. Takie kolektywy są z reguły organizowane na specjalnych uroczystych uroczystościach. Do chórów skonsolidowanych, zwykle niezbyt skomplikowanych, „chwytliwych” i jaskrawych w obrazie artystycznym, wybierane są zazwyczaj dzieła o charakterze uroczystym, hymnicznym, wcześniej poznane przez każdy chór niezależnie.

Pomyślną pracę zespołu w dużej mierze zapewnia prawidłowe ustawienie śpiewaków podczas prób i występów koncertowych.

Rozwiązanie tego problemu potwierdza rozwinięta wieloletnia praktyka śpiewu. Chór na scenie iw czasie próby powinien być ułożony według partii chóralnych. Jednocześnie partie pokrewne w chórze mieszanym są z reguły łączone: wysokie głosy żeńskie (sopran) z wysokim męskim (tenory), niższe żeńskie (alty) z niskim męskim (bas). Grupy chóralne na scenie najczęściej układane są w formie półokręgu, zapewniając jednocześnie najlepszą koncentrację dźwięku.

Tak więc dokładna intonacja (system) i zrównoważone brzmienie (zespół) w chórze są głównymi warunkami jego profesjonalizmu. Dobrze skoordynowany chór jest zawsze postrzegany jako orkiestra wokalna składająca się z głosów ludzkich, dlatego wymaga stałej i systematycznej uwagi chórmistrza od momentu śpiewania przez chór do występu na scenie.

Wniosek

Chór to niezwykle pojemny koncept. Zwykle uważany jest za zespół muzyczno-śpiewowy, którego działalność polega na twórczym procesie tworzenia muzyki chóralnej (lub wykonania chóralnego). W tym kontekście chór jest grupą wokalno-wykonawczą zjednoczoną i zorganizowaną przez twórcze cele i zadania. Zasada kolektywnego startu obowiązuje wszystkich uczestników chóru i musi być zachowywana na każdym etapie pracy chóru.

Chór to duży liczebnie zespół wokalny, składający się z partii chóralnych. Podstawową podstawą każdej partii chóralnej jest unisono, co oznacza całkowitą jedność wszystkich elementów wokalnych i chóralnych spektaklu – formowania dźwięku, intonacji, barwy, dynamiki, rytmu, dykcji, innymi słowy chór jest zespołem wokalnym unisony. Wykonawstwo chóralne wyraża się w dwóch formach muzykowania – śpiewie bez akompaniamentu (a cappella) i śpiewie z akompaniamentem. W zależności od metody intonacji - w stroju naturalnym lub temperowanym - rola intonacji wzrasta.

W wykonawstwie chóralnym organicznie łączą się różne rodzaje sztuki - muzyka i literatura (poetyka). Synteza tych dwóch rodzajów sztuki wprowadza do twórczości chóralnej specyficzne cechy. Logiczne i znaczące połączenie muzyki i słów definiuje pojęcie gatunku wokalno-chóralnego. Dobry chór zawsze wyróżnia się wykonaniem technicznym i artystycznym oraz ekspresyjnym, gdzie obok problemów zespołu i systemu rozwiązuje się zadania interpretacji muzycznej i literackiej.

Żadna z wymienionych powyżej właściwości nie może istnieć w izolacji. Wszystkie komponenty są ze sobą połączone i są w ciągłej zgodzie.

Lista wykorzystanej literatury

1. Bogdanova, T.S. Podstawy studiów chóralnych / T.S. Bogdanow. - M: BSPU, 2009r. - 132 pkt.

2. Kozinskaya, Yu.Yu., Fadeeva M.A. Studia chóralne i aranżacje chóralne / Yu.Yu. Kozińska. MAMA. Fadeev. - Saratów, 2011. - 88 s.

3. Levando, P.P. Tekstura chóralna / P.P. Levando. - L: Muzyka, 1984. - 123 s.

4. Pigrow, K.K. Kierownictwo chóru / K.K. Pigrow. - Moskwa: Muzyka, 1964. - 220 s.

Hostowane na Allbest.ru

...

Podobne dokumenty

Etapy rozwoju muzyki chóralnej. Ogólna charakterystyka chóru: typologia i skład ilościowy. Podstawy techniki wokalno-chóralnej, środki wyrazu muzycznego. Funkcje chórmistrza. Wymagania dotyczące doboru repertuaru w klasach podstawowych.

praca semestralna, dodana 02.08.2012

Metodyczne zasady pracy pedagogiczno-wychowawczej z chórem. Pojęcie chóru, charakterystyka partii chóralnych i ich głosów. Główne elementy brzmienia chóralnego, rodzaje głosów, pojęcie zespołu, znaczenie zachowania porządku.

streszczenie, dodane 13.01.2011

Związek między dykcją chóru a ortoepią w przekazywaniu słuchaczom tekstu poetyckiego. Specyfika dykcji chóralnej. Zasady i techniki artykulacji w dykcji wokalno-chóralnej. Warunki tworzenia zespołu dykcji. Związek między słowem a muzyką.

raport, dodany 27.09.2011

Muzyczna aranżacja A. Yuryana starożytnej łotewskiej piosenki ślubnej „Vay, breeze”. Linia melodyczna, dynamika, faktura akordowo-harmoniczna utworu. Zakres partii chóralnych: system harmoniczny, metrorytmika, dykcja, zespół barw.

streszczenie, dodane 18.01.2017

Chóralne grupy amatorskie: zadania i cechy szczególne. Rodzaje amatorskich wykonań chóralnych. Obszary artystyczne i wykonawcze: chór ludowy i akademicki, zespół pieśni i tańca, chór teatralny i symfoniczny.

wykład, dodany 01.03.2011

Rozwój świeckiej kultury chóralnej. Darmowa szkoła muzyczna. Chór Uniwersytetu Moskiewskiego. Rozkwit twórczości Kastalsky'ego i kompozytorów nowego kierunku. Podnoszenie jakości kształcenia dyrygentów chórów. Masowe szkolenie dzieci w śpiewie chóralnym.

streszczenie, dodane 21.09.2011

Pierwsi rosyjscy dyrygenci orkiestrowi. Klasyfikacja dyrygentów ze względu na charakter oddziaływania na grupę wykonawców. Sterowanie orkiestrą za pomocą trampoliny. Jakie są główne różnice między chórem a zespołem wokalnym? Budowa aparatu głosowego. Rodzaje chórów.

streszczenie, dodane 28.12.2010

Ogólne informacje o pracy, jej składzie i głównych elementach. Gatunek i forma utworu chóralnego. Charakterystyka faktury, dynamiki i frazowania. Analiza harmoniczna i cechy tonalne, analiza wokalno-chóralna, główne zakresy głosów.

test, dodano 21.06.2015

Twórczość operowa i chóralna M.I. Glinka. Twórczy portret kompozytora. Podstawa literacka opery „Rusłan i Ludmiła”, rola akompaniamentu instrumentalnego w nim. Analiza partytury pod względem wokalnym i chóralnym. Plan wykonania tego utworu.

praca semestralna, dodano 28.12.2015 r.

Ogólne informacje o miniaturze chóralnej G. Svetlova „Burza śnieżna zamiata białą drogę”. Analiza muzyczno-teoretyczna i wokalno-chóralna utworu - charakterystyka melodii, tempo, plan tonalny. Stopień obciążenia wokalnego chóru, metody prezentacji chóralnej.

Rodzaj chóru ustalany jest w zależności od składu partii. Chór składający się z głosów żeńskich nazywany jest chórem żeńskim jednorodnym. Podobnie chór męski nazywany jest jednorodnym chórem męskim, a chór chłopięcy i dziewczęcy chórem dziecięcym. Istnieje tradycja wykonywania utworów napisanych na chór dziecięcy przez członkinie i odwrotnie. Na podstawie figuratywnej treści utworu można określić, jaki typ chóru zakłada w tym przypadku autor, jeśli nie wskaże konkretnych typów głosów.

Chór składający się z głosów męskich i żeńskich nazywany jest chórem mieszanym. Jego odmianą jest chór, w którym partie głosów żeńskich wykonują chłopcy, często nazywany jest chórem chłopięcym. Taki mieszany chór miał z reguły wykonywać wszystkie prawosławne pieśni duchowe napisane przed początkiem XX wieku.

Do typu chórów mieszanych zalicza się również niekompletne chóry mieszane. Niekompletne chóry mieszane to chóry, w których brakuje którejkolwiek z części. Najczęściej są to basy lub tenory, rzadziej – któryś z głosów żeńskich.

Każdy rodzaj chóru odpowiada określonym typom chórów. Rodzaj chóru wskazuje na liczbę partii chóralnych wchodzących w jego skład; chóry są jednogłosowe, dwugłosowe, trzygłosowe, czterogłosowe itd.

Chóry jednorodne mają z reguły dwie główne części (sopran + alt lub tenor + bas), dlatego główny typ chóru jednorodnego jest dwuczęściowy. Chór mieszany składa się z czterech głównych części, a jego najbardziej charakterystyczną formą jest czterogłosowa.

Zmniejszenie i zwiększenie liczby realnie brzmiących części przez powielanie lub odwrotnie podział może dać nowe typy chóru. Na przykład: chór jednoczęściowy jednoczęściowy, chór jednoczęściowy jednoczęściowy, chór mieszany ośmiogłosowy, chór mieszany jednoczęściowy itp.

Duplikacje i podziały mogą być stałe lub tymczasowe. Partytura chóralna o niestabilnej zmianie liczby głosów będzie miała formę zwaną epizodyczną jedno-, dwu-, trzy-, ośmiogłosową, z obowiązkowym wskazaniem stałej liczby głosów (np. jednorodna dwugłosowa). chór żeński z epizodycznymi trzygłosami). Przy chwilowych podziałach, określanych niekiedy włoskim słowem divisi, pojawiające się nowe głosy mają z reguły znaczenie podrzędne.

Oprócz prostych chórów istnieją również kompozycje wielochóralne, w których w wykonywaniu utworów uczestniczy jednocześnie kilka chórów z niezależnymi partiami chóralnymi. Takie partytury wielochóralne są szczególnie powszechne w muzyce operowej. W prawosławnej praktyce muzycznej istnieje również tradycja komponowania tzw. utworów antyfonalnych 6, w których śpiewają, jakby odpowiadając sobie nawzajem, dwa chóry. Takie kompozycje nazywane są odpowiednio: podwójnym, potrójnym itp.

2. Zakres i cechy tessitury produktu

Po ustaleniu rodzaju i rodzaju chóru konieczne jest poznanie zasięgu i cech tessitury partii chóralnych. Przede wszystkim ustala się ogólny zakres partytury chóralnej. Aby to zrobić, konieczne jest „zmierzenie” odległości między skrajnymi dźwiękami dolnymi i górnymi znajdującymi się w tej partyturze. Dla jasności można je oznaczyć na pięciolinii muzycznej w następujący sposób:

Pojęcie zakresu jest ściśle związane z pojęciem tessitury, najczęściej używanej części zakresu w tej pracy. Aby ocenić tessiturę, należy dokładnie przestudiować wykorzystanie możliwości rejestrowych głosów we wszystkich partiach, w całym utworze. Tessitura, w zależności od zakresu i cech rejestrowych danej partii, może być średnia, wysoka lub niska. Na przykład tak wyglądałyby rejestry partii sopranowej.

Przykład 20

Podobnie, biorąc pod uwagę specyfikę zakresów wokalnych, rejestry zostaną rozłożone w innych partiach chóralnych.

Tessiturę można nazwać wygodną, jeśli wysokość partii chóralnej odpowiada swobodnemu brzmieniu głosu. Jeśli podczas występu głos brzmi w niewygodnym rejestrze przez długi czas, napięty, tessitura jest uważana za niewygodną. Trudno jest śpiewać przez długi czas w górnym rejestrze. W niskim rejestrze możliwości techniczne i dynamiczne głosu są znacznie ograniczone. W większości przypadków znaczna część partii chóralnych jest umieszczona pośrodku, najwygodniejszej do śpiewania, tessitury.

Powyższe nie oznacza jednak, że użycie skrajnych rejestrów jest niepożądane i błędne. Bardzo często w ten sposób kompozytor uzyskuje konieczny dobór barwy danej partii, stworzenie określonej barwy.

Z pieśniami itza - tak Mitrofan Piatnitsky nazywał pieśni ludowe z miłością i czułością. Słynny kolekcjoner rosyjskiego folkloru został założycielem pierwszego chóru ludowego w Rosji. Historię zespołu badała Natalia Letnikova.

Chłop - tak dumnie nazywa się Chór Piatnicki na koncertach. A sceniczna premiera grupy miała miejsce w 1911 roku. I od razu w sali Zgromadzenia Szlachetnego - obecny Dom Związków. Muzyka ludowa jako sztuka wysoka. To był pierwszy raz.

„Lamentacje płaczących”. Taki element na plakacie koncertowym nie mógł zlekceważyć koncertu wielkoruskich chłopów, specjalnie zamówionych z prowincji Woroneż i Riazań. Pieśni ludowe i eposy przy akompaniamencie starożytnych instrumentów. Prawdziwa sensacja.

Pierwsza część chóru

„Śpiewają najlepiej, jak potrafią” to główna zasada chóru chłopskiego. „Song Artel” nawet nie ćwiczył.

Chłopi po prostu przyjeżdżali ze swoich wiosek i śpiewali. Między tym a potem. Jak w domu, w pracy, w polu lub wieczorem na kopcu.

Piatnicki docenił tę oryginalność. I nie był sam. Do fanów chóru należą Fiodor Chaliapin, Siergiej Rachmaninow, Antonina Nieżdanowa, Iwan Bunin, Władimir Lenin. Z rozkazu Lenina śpiewający chłopi przenieśli się do Moskwy. Zaczęli pracować w fabrykach, zakładach i śpiewać ze stałym składem.

Chór otrzymał imię Piatnicki w 1927 roku, po śmierci założyciela. Spuścizna po muzyku - ponad 400 pieśni zapisanych na fonografie, unikalna kolekcja instrumentów ludowych i strojów. Ale najważniejsza jest dbałość o talenty ludzi, co pozwoliło stworzyć wyjątkowy zespół.

W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej chór występował na czele jako brygada koncertowa frontu. A piosenka „Och, moje mgły ...” staje się hymnem ruchu partyzanckiego. 9 maja 1945 roku artyści zaśpiewali na Placu Czerwonym na cześć Wielkiego Zwycięstwa. Zespół starannie przechowuje litery z przodu.

Zachowują też tradycje. Folklor wciąż jest w repertuarze. Chóry Lipieck wykonywane są wyłącznie w dialekcie prowincji Lipieck, Briańsk - w Briańsku, Władimir - we Włodzimierzu. Są też pieśni nagrane przez Piatnickiego na początku ubiegłego wieku.

Każdy fenomen muzyczny ma zwolenników. Woroneż, Ural, Siewiernyj, Riazań, Omsk, Wołga… pojawiły się niemal w każdym regionie. I zagranicą. Polski zespół „Mazowsze”, czeski „Sluch” – echa szlachetnej sprawy Mitrofana Piatnickiego.

W 2008 roku Chór Piatnicki został uznany za skarb narodowy kraju. A także Order Czerwonego Sztandaru Pracy, Przyjaźni Narodów, medal rządowy „Patriota Rosji” i nieformalna nagroda - nominalna gwiazda na „Alei Gwiazd” w Moskwie.

Dziś w Piatnickim śpiewa, tańczy i gra około 90 artystów z 30 rosyjskich regionów. Głównym kryterium wyboru jest talent. Aby pracować w najczęściej koncertującym zespole na świecie, potrzebujesz wielkiego talentu. To nie przypadek, że najdłuższy numer chóru… kłania się!

Państwowa instytucja edukacyjna Federacji Rosyjskiej

Rostov Pedagogical College im K.D.Ushinsky

ADNOTACJA

na utwór chóralny na chór mieszany acappella

R. Schumanna „Cisza nocna”

Ukończone: uczeń grupy 41

Sapunkowa Wiera

Wykładowca: Pyasetskaya T.I.

Rostów, 2008

Robert Alexander Schumann (1810-1856) był niemieckim kompozytorem, pianistą i krytykiem muzycznym. Urodził się w rodzinie wydawcy książek. W 1828 wstąpił na wydział prawa na uniwersytecie w Lipsku. Ponadto uczył się gry na fortepianie u Friedricha Wiecka (1830). W 1829 r. Schumann przeniósł się na Uniwersytet w Heidelbergu, który opuścił w 1830 r. Podczas studiów na uniwersytecie wyjechał do Monachium, gdzie poznał Heinego, a także do Włoch. Zaczął studiować kompozycję i aranżacje u Dorna. W 1834 założył Nową Gazetę Muzyczną. W 1840 r. Schumann poślubił Klarę Wieck (w tym okresie napisał wiele pieśni i cykli: Mirt, Miłość i życie kobiety, Miłość poety). W 1850 pełnił funkcję dyrygenta chórów i symfonii. W 1856 r., po dwóch latach nieudanego leczenia w szpitalu psychiatrycznym, zmarł Schumann.

Wykładowca estetyki niemieckiego romantyzmu. Twórca softwarowych cykli fortepianowych (Motyle, 1831; Karnawał, 1835; Utwory fantastyczne, 1837; Kreisleriana, 1838), lirycznych i dramatycznych cykli wokalnych (Miłość poety, Krąg pieśni, Miłość i życie kobiety, wszystkie 1840); przyczynił się do powstania romantycznej sonaty fortepianowej i wariacji („Etiudy symfoniczne”, wyd. II 1852). Opera „Genoveva” (1848), oratorium „Raj i Peri” (1843), 4 symfonie, koncert na fortepian i orkiestrę (1845), kompozycje kameralne i chóralne, muzyka do poematu dramatycznego „Manfred” J. Byrona (1849) . Napisał „Zasady życia dla muzyków”.

Dzieła chóralne – „Dobranoc”, „Cisza nocy”, „Requiem” na wersety Goethego, „Sceny z Fausta”, „Wędrówki róży” na chór i orkiestrę, „Chóry męskie”, „Czarno-czerwono-złota ”. Ponadto napisał ponad 130 piosenek, w tym wiersze Heinego i Goethego, muzykę do komedii dramatycznej Manfreda.

R. Schumann należy do romantyków, których charakteryzowała chęć do miniatur, taką miniaturą jest „Nocna cisza”, w której muzyka wyraża uczucia kompozytora, jego myśli, przeżycia.(Zgłoszenie muzyczne)

W nocy gwiazdy na aksamitnym niebie nie śpią,

Odbijając się w rzece, płoną.

Wszystko jest spokojne, ciche, zasnął każdy liść.

Powietrze nocy jest czyste i czyste.

Księżyc rzuca swoje srebrne światło na ziemię.

Zbliża się poranny świt

A złoty promień słońca zaświeci,

Światło słoneczne nad ziemią.

Gatunek chóralny: chór acappella

Gatunek utworu: miniatura chóralna.

forma muzyczna.

Forma muzyczna: jednoczęściowa

Analiza tematyczna

Tematy muzyczne: I zdanie (1-8 ton) - temat kontrastowy w porównaniu z innymi, zgodnie z formą muzyczną brak podobieństwa tematów, złożony język melodyczny (skomplikowany skokami w melodii), piękna, jasna melodia .

Styl pisania: styl pisania - mieszany, z przewagą homofoniczno-harmonicznej. Od t. 1-11 - homofoniczno-harmoniczny magazyn pisma, od t. 12-14 - elementy polifonii (imitacja), potem do końca - homofoniczno-harmoniczny.

Plan ladotonalny.

Kluczem głównym jest Es-dur.

Odchylenia w tonacji - przeważają odchylenia w sferze subdominującej. Strukturalnie składa się z trzech zdań (1.-7 taktów, 2.-7 taktów, 3.-11 taktów) z dodatkiem (4 takty).

Metrorytm

Rytm: Ogólnie wzór rytmiczny jest dość złożony. Charakterystyczne figury rytmiczne - rytm punktowany, trojaczki. Podstawą ruchu rytmicznego dla wszystkich partii jest rytm punktowany (ryc. 1) (ósmy z kropką i szesnasty). Na 22-23 m następuje fragmentacja rytmu w sopranach, altach i tenorach (trioli), aby aktywować ruch podczas dochodzenia do kulminacji. Jest odcinek (21 taktów), w którym tenory, soprany i alty mają trojaczki.

Rozmiar: 3/4. W elegijnej miniaturze chóralnej Schumanna słychać jakby echo walca, rodzaj walca. W ten sposób oddaje atmosferę natury w nocy, przed świtem przyrody. W całej miniaturze rozmiar pozostaje niezmieniony.

język harmoniczny. Kolorowy, bogaty język harmoniczny oddaje obraz nocnej natury, jest złożony w swojej strukturze, jasny i jednocześnie lekki, miękkie kombinacje głosów tworzą bardzo bogaty język harmoniczny, szczególnie piękne są kombinacje tenorów, altów i sopranów i bogaty.

Prowadzenie głosu. Stopniowy i płynny rozwój melodyczny wzoru melodycznego odpowiada figuratywnej sferze spokoju czy kontemplacji tego dzieła chóralnego. Choć na początku utworu od t. 1-7 melodia jest spazmatyczna, to jednak nieco podkreśla tekst pierwszego zdania. Melodia jest ekspresyjna, podkreślają to pierwsze 2 zdania o równowadze figuratywno-emocjonalnej.

Sopranowo-skokowa linia melodyczna niemal przez cały utwór, charakterystyczne przeskoki na kwartę i kwintę, od t. 18-23 podział sopranu na 1 i 2.

Alty to płynna linia melodyczna, ale są też skoki (na kwartę).

Tenora to skoczna linia melodyczna z elementami imitacji, śpiewu dźwięku, śpiewu na jednym dźwięku.

Basy - płynna linia melodyczna, trzymająca się jednego dźwięku.W zakresie 28-29 ton, podział na basy i oktawy.

Tempo: Spokojne i spokojne tempo Andante. Odchylenie agogiczne - fermata w 23 tomach.

Dynamika: Prawie całkowita dominacja dynamiki pp i pp naprawdę tworzy poczucie nocnej ciszy i całkowitego spokoju. W tekście pojawiają się wrażenia przed świtem („Zbliża się świt wczesnym rankiem…”), które w kulminacji rozświetlają kolory słoneczne (tt. 22-23) na słowach „Słońce jest światłością nad Ziemia." Wszystkie środki wyrazu muzycznego mają na celu osiągnięcie kulminacji: fragmentacja rytmu uruchamiająca ruch, crescendo do f, zagęszczenie faktury poprzez zwiększenie liczby głosów (A dzielą się na A1 i A2), ruch w górę na S1, wstępny akord septymowy z kwartą w tonacji D na mocnym uderzeniu (z fermatą) i płynnym rozdzieleniu od diminuendo do ppp (przykład 1)

Analiza wokalno-chóralna

Rodzaj refrenu: mieszany.

Zakres partii

Basy (si subcontroctaves), soprany (la 2. oktawa) mają niedogodność tessitury. Stwarza to trudności wokalne i chóralne dla tych partii, które wymagają pozwolenia na pracę z chórem. Nierówność w stosunkach tessitury głosów w partyturze chóralnej może wiązać się z zadaniem sztucznego „zestrojenia” harmonii nieasemblerowych.

Zespół: zespół naturalny (zrównoważony we wszystkich częściach).

Strojenie: pionowe (harmoniczne)

Trudności wokalne: SOPRANO - w t. 1,2,4,5 duże skoki do kwinty, seksty B i M, w t. 19 od 2 oktaw, panuje nierównomierność położenia w wykonywaniu narastających i opadających skoków melodycznych, w t. 17,18, 19 podział na 1 i 2 soprany, występują ruchy chromatyczne, w takcie 22 trioli iw takcie 23 fermaty, w taktach 26,27 - przeskoki na szósty, piąty w dół. Tego rodzaju trudności wokalne pokonywane są w procesie „śpiewania” utworu. Wykonanie chóralne jest niemożliwe bez aktywnego oddychania śpiewem, za pomocą którego pokonuje się nie tylko trudności wokalne, ale także trudności systemowe. ALT - równość pozycyjna przez całą pracę, z wyjątkiem 4,5,18,25 taktów, gdzie występują przeskoki na piątą, szóstą. W t. 17,20,21,22 i 23 podział na alt I i II, w t. 23 fermaty występują ruchy chromatyczne. Tego rodzaju trudności wokalne pokonywane są w procesie „śpiewania” utworu. Wykonanie chóralne jest niemożliwe bez aktywnego oddychania śpiewem, za pomocą którego pokonuje się nie tylko trudności wokalne, ale także trudności systemowe. TENOR - równość pozycyjna całej partii, są skoki w 4,14, 25 taktach na sekstę, kwartę, są ruchy chromatyczne (przykład 2), oznaki przeobrażeń, trudność - szesnastki czasu trwania, śpiewanie poszczególnych dźwięków. Tego rodzaju trudności wokalne pokonywane są w procesie „śpiewania” utworu. Wykonanie chóralne jest niemożliwe bez aktywnego oddychania śpiewem, za pomocą którego pokonuje się nie tylko trudności wokalne, ale także trudności systemowe. BASS - równość pozycyjna partii, z wyjątkiem 24,25,28,29 taktów. Przy taktach 28,29, kontraoktawy B są niskie dla basu!Rytm kropkowany, bez chromatycznych ruchów. Tego rodzaju trudności wokalne pokonywane są w procesie „śpiewania” utworu. Wykonanie chóralne jest niemożliwe bez aktywnego oddychania śpiewem, za pomocą którego pokonuje się nie tylko trudności wokalne, ale także trudności systemowe.

Aby przezwyciężyć te trudności, należy pamiętać, że tempo wolne nie przyczynia się do utrzymania porządku, zwłaszcza w wykonaniu a cappella, a tempo szybkie komplikuje wykonanie momentów niezgrabnych pod względem intonacyjnym. Dlatego w trakcie pracy próbnej konieczne jest zmienianie tempa i budowanie poszczególnych ruchów melodycznych lub połączeń akordowych pionowo z rytmu wzdłuż ręki dyrygenta. Zestrojenie systemu ułatwia przedstawienie z zamkniętymi ustami, w których kontrola słuchowa wykonawców staje się coraz bliższa. Przewaga cichego brzmienia może prowadzić do osłabienia roli oddechu i utraty poczucia silnego wsparcia wokalnego w wykonaniu, dlatego wskazane jest naprzemienne śpiewanie utworu lub jego fragmentów w różnej dynamice i z użyciem różnych uderzeń wokalnych.

Oddychanie: ponieważ przeważają długie frazy muzyczne w wolnym tempie, stosuje się głównie oddychanie łańcuchowe. Oddychanie na pauzach w t. 9,10,23 występuje również krótki oddech związany z szybkim przejściem muzyki do kulminacji z t. 18 do 22, co stwarza trudności w technice wokalno-chóralnej. frazy w partii i długie pauzy.

Charakter prowadzenia dźwięku i atak dźwięku: prowadzenie dźwięku jest gładkie, miękkie, legato Charakter dźwięku jest lekki, miękki, delikatny, przejrzysty, zebrany, zakryty, schludny, niosący uczucie nocnego spokoju i ciszy, ale ku koniec jest bardziej nasycony, jasny, słoneczny, lekki, prowadzący do kulminacji. Nauka o dźwiękach i atak dźwiękiem są nierozerwalnie związane z oddychaniem śpiewem. Od taktów 1-7, oddychanie grupowe dla S, A, T; od 8-11 i od 14-18 ton. oddychanie grupowe dla S, A, T, B. Od 18-22 oddychanie łańcuchowe dla S i A.

Natura oddychania śpiewającego jest spokojna, wytrwała, lekka. Cechą w t. 23 jest fermata całego chóru.

Trudności słownikowe: dykcja odgrywa ważną rolę w ujawnianiu obrazu. Tekst należy wymawiać łagodnie, śpiewnym głosem, przesadnie wymawiać „r” (np. aksamit, refleksyjny, świt itp.), frazy kończąc na „t” (liść, sen, oparzenie, czysty, świt itp.) .), w takcie 22 z trójkami „i złoty promień słońca rozbłyśnie” szybka wymowa tekstu, wyraźny śpiew dźwięcznych spółgłosek. W basach w ostatnich 2 taktach dźwięki śpiewane są z zamkniętymi ustami. Ponieważ praca jest powolna, a frazy długie, stosuje się redukcję „e” i „a”, aby uniknąć rozdzielenia słów, a w konsekwencji utraty charakteru. Przykład: Noc-yuzvez-dynabar-czapka-nomne-bene-sen. Śpiewane są samogłoski, spółgłoski na końcu słowa wymawiane są ogłuszająco.

Barwa głosów i nieskończona różnorodność ich niuansów zależą od charakteru wymowy tekstu, jego figuratywnego i semantycznego ucieleśnienia w śpiewie. To zadanie zespołowe jest jednym z najważniejszych środków wykonawczych pod względem wykonawczym, charakteryzującym chór jako jedyny w swoim rodzaju „mówiący” instrument muzyczny.

Prowadzenie trudności

Małym i miękkim gestem przekazać na legato obraz nocnej natury, jej piękno, spokój i ciszę.Główne trudności dyrygenta: mała amplituda gestu, praca pędzla, przerywany rytm, wybrzmiewanie dźwięków na takcie 3, wprowadzenie partia basowa z t. 8, w t. 11 auftakt soprany i alty „powietrze nocy” wchodzą w 3. ćwierć taktu, w 12. takcie dokładne odwzorowanie hasła tenorów tworzy element polifonii, dokładność zapisu wzdłuż ręki w 8,9,10 taktach po pauzach, w 22 takcie triol, pokaz z aktywnym gestem zwiększającym amplitudę, dynamikę zmian, a co za tym idzie gest na bardziej aktywny o narastającej amplitudzie przy zbliżaniu się do kulminacja, fermata, zakończenie na "p" i "t" - dokładne usunięcie i zmniejszenie gestu, miękkość, pozostawienie końca na p. Zwolnienia i pomocnicze są miękkie z opóźnieniem, odrzut lekki i płynny.

Wniosek: w tym utworze chóralnym muzyka harmonijnie łączy się z tekstem literackim. Zarówno słowa, jak i dźwięki oddają piękno nocnej przyrody, jej spokój i ciszę. Tekst i dynamiczne odcienie są bardzo dobrze połączone. Przechodząc od p do f, kompozytor przedstawia najpierw spokój nocy, a następnie nadejście poranka i przebudzenie natury z nocnego snu. „Słońce jest złotym promieniem, słońce jest światłem” te słowa są zwieńczeniem całej pracy, gdyż odzwierciedlają znaczenie słońca w naszym życiu, bo światło słoneczne to życie, a każdy nowy dzień to nowe życie. wyraźnie podkreślają też środki wyrazu muzycznego kompozytora: dynamiczne przejścia, barwa, melodia, bogata harmonia, umiarkowane tempo, trudny rytm. Ucząc się i wykonując tę pracę, chór nabędzie bardzo ważnych cech: dokładnego zebranego dźwięku, miękkiego i płynnego prowadzenia dźwięku, umiejętności zmiany dynamiki z p na f, umiejętności głosowych - śpiewania na wysokich i niskich dźwiękach, śpiewania złożonych skoków i kombinacje harmoniczne w częściach. Dyrygent zyskuje również ważne cechy: umiejętność utrzymania chóru na p, umiejętność pokazania gestem zmiany dynamiki, wprowadzania różnych partii, nabiera miękkości, lekkości, płynności gestu, po czym następuje aktywizacja pod koniec . Utwór ten może uczyć kontroli nad śpiewem chóru w pi oraz, co najważniejsze, poprawnego wyrażania i eksponowania idei dzieła, jego charakteru.