Opis „Zagadnienia kształtowania repertuaru dla rosyjskich zespołów ludowych”. Praca z mieszanym zespołem rosyjskich instrumentów ludowych Współczesne zespoły instrumentów ludowych

Rozwój metodyczny „Cechy pracy nauczyciela-muzyka z zespołem mieszanym w różnym wieku

(skubane i trzcinowe instrumenty ludowe, wokale, instrumenty smyczkowe) w placówce dokształcającej”

To rozwinięcie może być ciekawe i przydatne dla nauczycieli dokształcania, liderów zespołów w organizowaniu grup artystycznych

Pobierać:

Zapowiedź:

Niestandardowa instytucja edukacyjna budżetu państwa

„Pałac Młodzieżowej Twórczości w Petersburgu”

Centrum miasta dla rozwoju edukacji dodatkowej

Kursy doszkalające

Rozwój metodyczny

„Cechy pracy nauczyciela-muzyka z

Mieszany zespół w różnym wieku

(skubane i trzcinowe instrumenty ludowe,

wokale, instrumenty smyczkowe)

w placówce dokształcającej”

Ekimova Elena Vladimirovna,

Vladimirova Valentina Alekseevna

nauczyciele dokształcający

budżet państwa

instytucje dokształcające

Pałac Twórczości Dzieci

Rejon Piotrogrodzki

Petersburg

Petersburg

2015-2016

Notatka wyjaśniająca

Wielowiekowy rozwój światowej kultury muzycznej potwierdza, że ​​wykonanie, czy to instrumentalne, czy wokalne, jest nie do pomyślenia bez muzyki zespołowej.

Skuteczną i popularną formą wprowadzania dzieci w sztukę muzyczną jest zespołowe muzykowanie, które pozwala każdemu uczniowi wykazać się umiejętnościami w zbiorowej twórczości muzycznej, zgodnie z jego umiejętnościami i poziomem wyszkolenia. Studiowanie literatury zespołowej i doskonalenie umiejętności wspólnego grania są integralną częścią edukacji młodych muzyków. Muzyka zespołowa zyskała w czasach nowożytnych szczególne zapotrzebowanie i znaczenie. Dowodem na to jest duża liczba konkursów, festiwali, specjalnie poświęconych wykonawstwu zespołowemu, wydawnictw muzycznych, które zawierają ogromną liczbę najróżniejszych aranżacji popularnych dzieł repertuaru klasycznego i współczesnego na różne kompozycje zespołowe.

To rozwinięcie może być ciekawe i przydatne dla nauczycieli dokształcania, liderów zespołów w organizowaniu grup artystycznych.

Ten rozwój metodologiczny przedstawia doświadczenie w organizowaniu działań mieszanego zespołu nierównomiernego wieku „Kwiecień” Pałacu Twórczości Dzieci w Rejonie Piotrogrodzkim. Zespół powstał z pomysłu nauczycieli dokształcania –łączyć różne grupy instrumentów, które mają różną barwę brzmienia instrumentów orkiestr ludowych i symfonicznych.

Nasz zespół jest niestandardowy w swoim składzie, obejmuje uczniów w różnym wieku, którzy są zaangażowani w następujące dodatkowe programy kształcenia ogólnego:

1. „Zespół Instrumentów Ludowych”;
2. „Zespół grających na akordeonie i Bayanie”;
3. „Nauka gry na skrzypcach”;
4. „Zespół Wokalny”

cel organizacja mieszanej grupy muzycznej w różnym wieku to rozwój aktywności społecznej i twórczej uczniów poprzez włączenie ich we wspólny proces muzyczny.

Zadania:

• edukacyjny:

Rozwój umiejętności komunikacyjnych w zespole w różnym wieku;

Rozbudzanie poczucia partnerstwa;

Edukacja tolerancji dla wykonawców na innych rodzajach instrumentów muzycznych, gatunkach i stylach muzycznych;

Edukacja kultury wykonawstwa muzycznego;

Wychowanie kultury zachowań scenicznych;

Edukacja percepcji emocjonalnej i wykonywania utworów muzycznych;

• opracowanie:

Rozwój zdolności analitycznych uczniów (umiejętność słuchania i analizowania własnych występów, a także występów innych grup);

Rozwój słuchu muzycznego, pamięci i poczucia rytmu;

Rozwój twórczego podejścia do wykonywania utworów muzycznych;

Rozwój koordynacji rąk i ciała.

• edukacyjny:

Znajomość instrumentów muzycznych smyczkowych, ludowych i trzcinowych;

Kształtowanie umiejętności gry zespołowej;

Kształtowanie umiejętności czytania z arkusza;

Kształtowanie umiejętności scenicznych;

Studium umiejętności muzycznych i elementarnej teorii muzyki.

Do kreatywnych zespołów programów edukacyjnych przyjmowany jest każdy w wieku od 6 do 18 lat. Na pierwszych lekcjach odbywają się przesłuchania, na których ujawniane są dane muzyczne dzieci i w zależności od ich możliwości dzielone są na grupy instrumentów.

Warunki organizowania zespołu mieszanego i cechy pracy próbnej

Głównym warunkiem zorganizowania takiego kreatywnego zespołu jest społeczność nauczycieli edukacji dodatkowej, nastawiona na poszukiwanie nowych pomysłów.

Ważnym krokiem w udanej działalności jest planowanie pracy. Nauczyciele zastanawiają się nad planem pracy w każdym stowarzyszeniu dziecięcym i szukają wspólnej płaszczyzny. Opracowywane są coroczne plany koncertów i konkursów.

Punkty kontaktowe:

• repertuar ogólny
• próby generalne
• wspólne występy.

Praca nad utworami rozpoczyna się w ramach każdego skojarzenia od nauki materiału muzycznego na indywidualnych lekcjach lub na próbach w małych grupach.

Ważną rolę na tym etapie odgrywa akompaniator, który pomaga uzyskać pełny obraz utworu. Uczniowie natychmiast uczą się wsłuchiwać się w swój udział w całym brzmieniu utworu, a także słyszeć partie innych głosów. Oprócz studiowania materiału muzycznego i kresek, jednocześnie rozpoczyna się praca nad obrazem i charakterem muzyki. Części są w większości uczone w wolnym tempie, aby poradzić sobie z trudnościami technicznymi.

Na lekcjach bez akompaniatora identyfikuje się przede wszystkim te miejsca w partii, które stanowią największą trudność – techniczne, melodyczne, rytmiczne, a praca wykonywana jest osobno na miejscach trudnych, osiągając wyraźne i poprawne wykonanie za pomocą uderzeń, palcowania, dynamika.

Po swobodnym opanowaniu przez dzieci materiału muzycznego rozpoczynają się próby w każdej grupie instrumentów. Tu pojawia się złożoność jednoczesnego wykonywania jednego głosu lub kilku, jeśli istnieje podział w ramach jednego typu instrumentu. Na tym etapie trwają prace nad wspólnymi kreskami, dynamiką, poszukiwaniem środków wyrazu, a także praca nad treścią figuratywną i emocjonalną dzieł.

A kolejnym etapem przygotowań do spektaklu są próby skonsolidowane, podczas których łączą się wszystkie grupy instrumentów zespołu. Stosowane jest zróżnicowane podejście, zmienność łączenia różnych instrumentów muzycznych:

• domra - bałałajka - trzcinowe instrumenty ludowe
• skrzypce - wokal
• skrzypce - wokal - ludowe stroiki i instrumenty szarpane itp.

Podczas pracy z dziećmi do każdego dziecka podchodzi się indywidualnie, każde z nich odgrywa rolę w zespole, w zależności od osiągniętego poziomu umiejętności wykonawczych. Na próbach szczególną uwagę zwraca się na pracę nad wizerunkiem artystycznym i formą prac. Studenci stają przed trudnym zadaniem harmonijnego wprowadzenia swojej roli w całościowe brzmienie wielobarwowego zespołu, usłyszenia melodii rozgrywającej się różnymi głosami.

Dobór repertuaru

W zależności od wymagań programu koncertu i konkursu, nauczyciele dobierają odpowiedni repertuar do programu nauczania ogólnego. Ujednolicony repertuar koncertowy dobierany jest wspólnie przez wszystkich pedagogów na podstawie możliwości wykonawczych uczniów.

Zdrowy, wysokiej jakości repertuar jest podstawą działalności twórczej każdej grupy artystycznej, stymuluje wzrost umiejętności wykonawczych i artystycznych członków zespołu, a jednocześnie przyczynia się do rozwoju gustów artystycznych wykonawców, jak i opinii publicznej. Należy starannie dobierać dzieła o wartości artystycznej, łącząc ciekawą treść z perfekcją formy, z oryginalnymi i różnorodnymi środkami wyrazu, które potrafią naprawdę zachwycić publiczność i ujawnić talenty artystyczne wykonawców.

Tworzenie partytury

Dobrze wykonane oprzyrządowanie jest jednym z decydujących czynników udanego występu zespołu. Aby poprawnie skomponować partyturę, przestudiowaliśmy cechy każdej grupy instrumentów: ich zakres pracy, możliwości dynamiczne, cechy brzmienia barwy, możliwości uderzeń. W zależności od charakteru, faktury, tempa, dynamiki utworu dzielimy funkcje, przedstawiamy materiał według określonej jakości instrumentów, sposobu gry każdego z nich.

Charakterystyka instrumentów muzycznych

Nasz zespół łączy następujące grupy instrumentów muzycznych: domra, bałałajka, akordeon, akordeon guzikowy, skrzypce i wokal.

Każda grupa, jak i poszczególne instrumenty, posiada bogatą paletę jasnych, indywidualnych barw, które są wykorzystywane przy wykonywaniu melodii, ech, pasaży, w różnych kombinacjach z innymi instrumentami. Zastanówmy się nad krótką charakterystyką głównych instrumentów muzycznych naszego zespołu.

Standardowy zakres działania skrzypiec wynosi od „» mała oktawa do «» czwarta oktawa .

Barwa skrzypiec - gruba w niskim rejestrze, miękka i delikatna– średni i lekki, błyszczący– na górze. Ze względu na bliskość dźwięku do ludzkiego głosu i zdolność do wywierania silnego emocjonalnego oddziaływania na słuchacza, skrzypce są najodpowiedniejszym instrumentem do gry linii melodycznej. Również w zespole może pełnić funkcję towarzyszącą. Ponieważ barwa skrzypiec jest bardzo jasna, uderzenie pizzicato jest zwykle używane do towarzyszenia partii solowej w grupie domras i bałałajek lub partia akompaniamentu jest wykonywana w spokojniejszej dynamice niż w grupie solowej. Podobieństwo barwy instrumentu do barwy głosu stwarza możliwość harmonijnego brzmienia z partią wokalną. Biorąc pod uwagę tę cechę, skrzypce mogą grać chórki lub jeden z głosów w polifonicznym utworze wokalnym.

W wieku 10-12 lat dziecięce głosy śpiewu zaczynają się dzielić na wysokie tony (ma zakres od tony „do” pierwszej do „la” drugiej oktawy, ruchliwe, dźwięczne) i altowe (niższe i mniej głos mobilny niż góra, zakres jest od nuty małego soli do soli drugiej oktawy).

Domra jest mała. Zakres małej domry wynosi od „mi” pierwszej oktawy do „la” trzeciej oktawy. Zbuduj - mi, la, re. Instrument nie transponuje. Niski rejestr - miękki, soczysty. Podstawowa technika gry „tremolo”. Uderzenie „staccato” wykonuje się, wciskając „P” lub w górę „V”. Pizzicato (pizzicato) - odbiór gry szczyptą (palec serdeczny lub kciuk). Domra small ma gładkie i jasne brzmienie w całym zakresie. W rejestrach niskich i średnich na małej domrze ekspresyjnie wybrzmiewają melodyjne melodie. Rozpiętość prima bałałajki wynosi od „mi” pierwszej oktawy do „re” trzeciej oktawy. W dolnym rejestrze instrument brzmi bardziej stłumiony niż w środku. Bałałajka ma wielką umiejętność wykonywania melodii o melodyjnym charakterze z podwójnymi i potrójnymi nutami, przy użyciu następujących technik: grzechotanie, pizzicato, vibrato.

W naszym zespole partia domra i bałałajka pełni zarówno funkcję melodyczną (główne techniki to uderzenia w górę i w dół, pizzicato, harmoniczne), jak i akompaniament. Biorąc pod uwagę, że domra i bałałajka brzmią gorzej niż inne grupy instrumentów w naszym zespole, grając partię solową, trzeba je dynamicznie podkreślać.

Alto bałałajka, podobnie jak alto domra, jest transponowana w dół o oktawę. Zakres bałałajki jest od nuty „mi” małej oktawy do „do” drugiej oktawy, a domra od nuty „mi” małej oktawy do „la” drugiej oktawy. Altówka Bałałajka pełni głównie funkcję akompaniamentu. Najczęstsze są niskie i średnie rejestry bałałajki altowej. Alto domra ma miękkie, piersiowe brzmienie w barwie. W naszych utworach nadajemy partiom altowym bałałajkę o charakterze podgłosowym, wykonanie różnego rodzaju figuracji harmonicznych w jednej nucie.

Akordeon i akordeon guzikowy rekompensują brak dętych instrumentów ludowych orkiestry symfonicznej. Używamy klawiatury prawej ręki instrumentu, której zakres waha się od „sol” oktawy dur do „mi” czwartej oktawy. Również te instrumenty są często używane przez nas jako akompaniament i pełnią funkcję fortepianu.

Wniosek

Ten rozwój metodologiczny przedstawia doświadczenie w organizowaniu działań mieszanego zespołu nierównomiernego wieku „Kwiecień” Pałacu Twórczości Dzieci w Rejonie Piotrogrodzkim.

Zespół wokalno-instrumentalny „Kwiecień” istnieje od niedawna w Pałacu Twórczości Dzieci (niecałe 5 lat), ale już pojawiły się efekty pracy nauczycieli i uczniów: dyplomy i nagrody w konkursach (patrz Załącznik 3). A także nasze doświadczenie zainteresowało innych szefów grup artystycznych, którzy wyrazili gotowość do wspólnej współpracy z naszym zespołem. Efektem były wspólne występy na koncertach, konkursach i festiwalach z różnymi zespołami i chórami.

W procesie uczenia się, zgodnie z dodatkowymi programami kształcenia ogólnego, dzieci opanowały w praktyce umiejętności muzyczne i wykonawcze, czytanie z nut, nauczyły się grać w zespole, słyszeć się nawzajem w zespole.

Metoda nauczania gry w mieszanym zespole obejmuje indywidualne podejście do każdego dziecka, uwzględniając jego zdolności, charakter, zdrowie fizyczne i jest prezentowana w wersji gry. Zapraszamy dzieci do wyrażania swojego punktu widzenia, odnalezienia artystycznego wizerunku, a w efekcie rozwijania niestandardowego myślenia, fantazji, kreatywności, pamięci, uwagi, poszerzania słownictwa z terminami muzycznymi, rozwijania umiejętności muzycznych i wykonawczych. Członkowie kolektywu wychowywani są w odpowiedzialności za wykonywanie utworów innym muzykom, rozwija się słuch muzyczny, trwa ścisła znajomość instrumentów muzycznych. W pracy z zespołem nauczyciel musi również brać pod uwagę proces edukacyjny: uczyć dzieci wzajemnego szacunku, wpajać poczucie kolektywizmu, koleżeństwa, wzajemnej pomocy, a tym samym przyczyniać się do rozwoju osobowości każdego dziecka.

Oprócz rozwoju umiejętności wokalnych i technicznych, praca zespołu nad takimi utworami jak V. Kosma „Zabawka” i R. Rogers „Song of Beautiful Things” przyczynia się do zaszczepienia w dzieciach miłości do muzyki, która w naszym opinia jest bardzo ważna w kształceniu studentów. Praca zespołu nad utworami muzycznymi, w skład której wchodzą różne instrumenty muzyczne, prowadzi do kolosalnego „rozrostu” zespołu.

Bibliografia

1. Kargin, A.S. Praca z amatorską orkiestrą rosyjskich instrumentów ludowych // Wydanie trzecie, wyd. T. Ershova, M.: „Muzyka”, 1987. - 41 s.
2. Chulaki, MI Instrumenty orkiestry symfonicznej // Wydanie trzecie, wyd. K. Kondakhchan, M.: „Muzyka”, 1972
3. Lebedev, S. N. Rosyjska książka o FINALE // St. Petersburg: "Kompozytor", 2003.
4. Raeva, OA Zagadnienia tworzenia repertuaru na zespoły rosyjskich instrumentów ludowych. Opracowanie metodyczne, Republika Krymu, 2014.

Zespół tworzą uczniowie w wieku 10-14 lat, w liczbie 15-20 osób. Dozwolone są również dzieci z klas podstawowych, które robią postępy w opanowaniu specjalnego instrumentu i wykazują chęć uczestniczenia w zespole. Instrumenty wchodzące w skład tego zespołu: akordeon guzikowy, prima bałałajka, bas domra; okaryna, rejestrator, cugicle; łyżki, grzechotka, rubel, trójkąt, kokoshnik itp.
Kierownik tej grupy musi posiadać podstawowe umiejętności gry na wszystkich instrumentach wchodzących w skład zespołu oraz umiejętność pisania i czytania partytur orkiestrowych.
Przy rozdzielaniu uczniów według instrumentów należy wziąć pod uwagę ich zdolności, chęci i temperament. Instrumenty takie jak akordeon guzikowy, prima bałałajka, bałałajka basowa, domra basowa, a także róg i zhaleyka są lepsze dla chłopców do opanowania, a dziewczęta bardziej nadają się na flet, okarynę, flet prosty i kugikly. Instrumenty perkusyjne opanowują studenci wydziału estetycznego, ponieważ ta grupa instrumentów jest bardzo łatwa do opanowania i nie wymaga dodatkowych zajęć. Różnorodność instrumentów perkusyjnych, różnorodność barwnych technik ich gry, wzbudza zainteresowanie zajęciami w zespole, nawet wśród uczniów o różnych zdolnościach muzycznych. Zajęcia te w zespole orientacji zawodowej dla studentów wydziału estetycznego stwarzają dodatkowe warunki do zajęć, występów koncertowych, pobudza to chęć muzykowania, zwiększa zainteresowanie ludową twórczością muzyczną.
Na początkowym etapie nauki dzieła można prowadzić zajęcia w małych grupach (od 2 do 6 osób), jednocząc uczniów grających na jednorodnych instrumentach (grupy bałałajek, akordeony guzikowe, litość, piszczałki) oraz do dokładnej i szczegółowej analizy części dozwolona jest indywidualna praca z uczniem. W trakcie takiej lekcji nauczyciel powinien zapoznać uczniów z instrumentem, podstawami lądowania, formacji i podstawowymi technikami gry. Bardzo ważne jest zwrócenie szczególnej uwagi na grupę instrumentów perkusyjnych, ponieważ stanowią one podstawę rytmiczną zespołu. W przypadku grupy instrumentów perkusyjnych przydatna jest praca z ćwiczeniami do opanowania różnych wzorów rytmicznych.
Po przeprowadzeniu prób w małych grupach lider organizuje próby zbiorcze całego zespołu, w których wszyscy uczestnicy wykonują swoje partie. Na pierwszych wspólnych próbach z zespołem zaleca się rozpoczęcie pracy od prostych ćwiczeń do opanowania instrumentów, np.: ćwiczenia o dużym czasie trwania, aby pracować nad płynnym prowadzeniem i równowagą dźwięku w zespole, ćwiczenia nieskomplikowane rytmicznie za pomocą różnych uderzeń. Od pierwszych prób należy zwrócić uwagę na prawidłowe wykonanie uderzeń, wypracowanie w grupach, osiągnięcie jedności wykonania. Ćwiczenia powinny być również dobierane osobno dla każdego instrumentu, mające na celu poznanie określonej techniki gry. Dla wygody zaleca się podzielić utwory na małe części, najczęściej są to okresy, i oznaczyć je numerami, aby nie było zamieszania przy pracy nad osobną częścią badanego spektaklu.
Podczas każdej próby prowadzący musi wyznaczyć sobie określone cele i zastosować różne metody pracy, w zależności od etapu, na którym znajduje się praca nad utworem muzycznym.
Praca nad utworem muzycznym musi być podzielona na kilka etapów: czytanie a vista, analiza, praca w trudnych miejscach, nauka i wykonanie koncertu. Trzeba też pamiętać o specyfice gry zespołowej: dokładnym wykonaniu technik i uderzeń, równomierności rytmicznej, równoczesnym uchwyceniu dźwięku, równowadze między instrumentami czy między solistą a zespołem.
Aby właściwie zbudować proces edukacyjny, należy z odpowiedzialnością podchodzić do wyboru materiału edukacyjnego.
Przy wyborze utworów należy zwrócić uwagę na ich dostępność dla uczniów, ciekawą treść i nowe techniki gry, zaleca się również włączenie do programu utworu z solistą, dzięki czemu umiejętność grania w zespole wokalno-instrumentalnym jest rozwinięty. Pożądane jest korzystanie z dzieł różnych gatunków.
Lista repertuarowa nie jest wyczerpująca. Prowadzący może ją uzupełnić aranżacjami ludowymi, utworami różnych gatunków we własnej aranżacji.
Na ostatnim roku studiów wprowadzono krótki kurs teoretyczny z historii gry na rosyjskich instrumentach ludowych, na który przeznaczono 0,25 godziny (czas ten można zmienić według uznania prowadzącego).
Integralną częścią wychowania pełnoprawnego muzyka jest wykonanie koncertowe. Takie wydarzenia jeszcze bardziej jednoczą zespół, wpajają dzieciom poczucie odpowiedzialności.
Ten rodzaj muzykowania jest interesujący dla dzieci, pozwala poczuć ducha rosyjskiej kultury, pokochać i szanować swój kraj.

Kolektywne granie na instrumentach muzycznych jest potężnym środkiem edukowania i nauczania dzieci o twórczości muzycznej. Gra zespołowa dyscyplinuje, rozwija poczucie odpowiedzialności, aktywizuje zdolności muzyczne, angażuje i ćwiczy mechanizmy psychiczne odpowiedzialne za subtelną aktywność nerwową.

W każdej szkole można znaleźć od 8 do 10 uczniów, którzy mają w domu instrumenty muzyczne. Może to być akordeon guzikowy, akordeon, akordeon. Możesz szukać narzędzi do gry od krewnych, znajomych, sąsiadów. Moje doświadczenie w tworzeniu dziecięcych orkiestr instrumentów ludowych pozwala mi powiedzieć, że zawsze jest wystarczająca ilość instrumentów. Ponadto z magazynów i strychów wyłaniają się niemal rzadkie, muzealne kopie akordeonów guzikowych, akordeonów, harmonijek. Oczywiście wiele instrumentów wymaga poważnych napraw, ale to już inna historia.

Tak więc z dzieci, które mają instrumenty muzyczne i chcą nauczyć się na nich grać, powstaje zespół instrumentalny.

Po wybraniu minimalnego składu przyszłego zespołu na pierwszą lekcję zapraszane są dzieci z instrumentami, a najlepiej z rodzicami. Na lekcji wprowadzającej prowadzący wyznacza dzieciom zadania, wyjaśnia metody nauczania, ustala zespół do pracy, skupiając się na systematyczności zajęć, sumiennym podejściu do prac domowych. Oczywiście do stworzenia takiego zespołu potrzebna jest solidna podstawa teoretyczna, w której wszystko jest zaplanowane, namalowane i uporządkowane.

Dobrze, jeśli prowadzący ma program dla orkiestry (zespołu) z planowaniem tematycznym, aplikacjami repertuarowymi. Taki program to podstawa każdego treningu, a nie hołd dla mody. Kierując się postanowieniami tego dokumentu, nauczyciel będzie w stanie jasno ustalić, zorganizować zajęcia próbne i koncertowe zespołu. Na pierwszej lekcji lider opowiada o instrumentach muzycznych, które będą częścią zespołu, demonstruje ich możliwości. Oczywiście lider musi biegle posługiwać się tymi narzędziami. Po omówieniu harmonogramu zajęć i rozwiązaniu powstałych problemów organizacyjnych, możesz przejść bezpośrednio do gry. Oto, czego musisz się nauczyć podczas pierwszej lekcji:

1. Prawidłowe dopasowanie i położenie palców na klawiaturze.

2. Ekstrakcja indywidualnie i zbiorowo z dopisku „do”.

3. Granie nuty „do” pod metronomem w różnych tempach io różnym czasie trwania.

4. Racjonalność - prawidłowa praca z futrem przy wydobywaniu dźwięku.

I niech to pierwsze spotkanie się przeciągnie, niech dzieci zrozumieją, że „to nie bogowie palą garnki”, że nauka gry na akordeonie guzikowym, akordeonie, akordeonie jest całkiem realna.

Dla pełniejszego opanowania gry na instrumencie przez dzieci prowadzący musi zaplanować i zorganizować indywidualne lekcje. Nie powinny ograniczać się tylko do nauki utworów. Tutaj można zrozumieć zagadnienia teorii muzyki, metody i zasady pracy początkujących muzyków z instrumentami. Obejmuje to również wszelkiego rodzaju ćwiczenia rozwijające słuch muzyczny i poczucie rytmu. I warunek wstępny - lekcje indywidualne nie powinny być nudne, rutynowe.

Organizując zespół akordeonowy, wykorzystałem niezasłużenie zapomnianą metodę nauki gry na instrumentach „od ręki”. Ta metoda działała wydajnie w czasach starożytnych. Przecież prawie wszyscy muzycy grający na instrumentach ludowych końca XIX i początku XX wieku uczyli się grać na bałałajkach, domrach, harmoniach właśnie „z ręki” nauczyciela lub doświadczonego muzyka.

Słynny populistyczny muzyk V. Andreev z powodzeniem zastosował tę technikę. Jego uczniowie szybko i sprawnie opanowali instrumenty, prowadzili intensywną działalność koncertową i osiągnęli najwyższy poziom mistrzostwa. Oczywiście niechętnie musieli później zająć się teorią muzyki. Ale początek został położony właśnie od skopiowania gry nauczyciela.

Nauka wspólnego „ręcznego” grania na instrumentach muzycznych jest dobra, ponieważ członkowie zespołu bardzo szybko przechwytują melodie, manierę, pasaże i akcenty nauczyciela. I dosłownie na 2-3 lekcji grają swoje role dość swobodnie i stabilnie. To doskonała zachęta do dalszego rozwoju. W końcu wynik jego pracy jest dla dziecka bardzo ważny. I w tym przypadku wynik jest oczywisty: z prostych dźwięków, prostych części w rezultacie powstała melodia, która brzmiała szeroko, przestrzennie, melodyjnie. Każdy członek zespołu dobrze słyszy zarówno generała, jak i własną grę. Wszystko to skoncentrowane rozwija zdolności muzyczne dzieci.

Ale co z zapisem nutowym? Wrócimy do niej. A dzieci będą to postrzegać jako konieczność, jako prawdziwe i potężne narzędzie do opanowania akordeonu guzikowego. A po tym, jak zagrają w zespole „z ręki”, łatwiej będzie im poradzić sobie z „zawirowaniami” zapisu muzycznego.

Tak więc dzieci z narzędziami siedzą na krzesłach w półokręgu w odległości około 50 cm od siebie. Odległość ta jest konieczna, aby nauczyciel miał pełny dostęp do każdego muzyka (przód, tył, bok). I nie musisz się dużo ruszać.

Zacznijmy uczyć się nowego utworu. Członkowie zespołu siedzą ściśle w częściach. Nauczyciel stoi za pierwszym akordeonem i pokazuje początkowe uderzenie utworu, którego się uczy. Spektakl powtarzany jest kilka razy w wolnym tempie. Uczeń powtarza to, co usłyszał i zobaczył, poznaje fragment danej melodii. W tym czasie nauczyciel podchodzi do drugiego ucznia i analogicznie do pierwszego pokazuje, co i jak grać w tym segmencie (miara). Po pokazaniu gry pierwszego taktu wszystkim członkom zespołu (w częściach) prowadzący wraca do pierwszego członka, powtarza to, czego się nauczył, poprawiając błędy. Każdy jest sprawdzany z góry jeden po drugim. Następnie zespół ma czas 2-3 minuty na zapamiętanie swoich partii.

Jeśli wszyscy uczestnicy nauczą się jednego taktu utworu bez błędów, nauczyciel proponuje zagrać to, czego się nauczyli wspólnie, podczas gdy on sam gra główną melodię i partię lewej ręki.

Wyuczony fragment utworu jest kilkakrotnie powtarzany przez zespół w celu utrwalenia. Na tym etapie nauczyciel monitoruje lądowanie uczniów, ruch futra, położenie palców, dokładność stron.

Podobną pracę wykonujemy kolejnymi taktami aż do samego końca utworu.

Jak widać, nie ma nic skomplikowanego. Każdy nauczyciel muzyki w szkole może zorganizować taki zespół, a nawet orkiestrę, która za kilka miesięcy będzie grała całkiem nieźle.

Powodzenia! Słuchaj w wolnym czasie:

Miejska instytucja budżetowa

Dodatkowa edukacja

„Szkoła Artystyczna dla Dzieci im. A.M. Kuzmina”

Raport na ten temat:

« Praca z mieszanym zespołem rosyjskich instrumentów ludowych»

Wykonywane:

nauczyciel

Kołomiec I.V.

Mégion

Współczesne tendencje w zakresie wykonawstwa na rosyjskich instrumentach ludowych wiążą się z intensywnym rozwojem muzykowania zespołowego, z funkcjonowaniem różnego rodzaju zespołów przy filharmoniach i pałacach kultury, w różnych placówkach oświatowych. Stąd potrzeba ukierunkowanego szkolenia liderów poszczególnych zespołów na wydziałach i wydziałach instrumentów ludowych szkół muzycznych i uczelni w kraju.

Kształcenie grającego zespołowo w praktyce edukacyjnej z reguły wiąże się jednak z pewnymi ograniczeniami. Nauczyciele są zwykle poinstruowani, aby prowadzić jednorodne zespoły: grający na bajanie - zespoły na bajanie, domorzyści lub bałałajkowie - zespoły strunowych instrumentów szarpanych. Kompozycje tego typu znajdują szerokie zastosowanie w wykonawstwie profesjonalnym. Wystarczy przypomnieć tak znane zespoły jak trio bajan A. Kuzniecow, Y. Popkov, A. Daniłow, duet bajan A. Szalajew - N. Kryłow, Ural Bajan trio, kwartet Filharmonii Kijowskiej, zespół Skaz itp.

Niewątpliwie bardzo ważna jest praca z homogenicznymi zespołami – duety, tria, bajany, tria, domra kwartety i kwintety, bałałajki unisony itp. Opisane ograniczenia w działaniach nauczycieli szkół i uczelni utrudniają jednak pełnoprawne kształcenie młodych profesjonalistów, gdyż w rzeczywistości absolwenci szkół muzycznych bardzo często stają przed koniecznością prowadzenia zespołów mieszanych. Najczęściej te ostatnie składają się z instrumentów strunowych i akordeonu guzikowego. Zajęcia z takimi zespołami powinny stać się integralną częścią procesu edukacyjnego.

Współczesny nauczyciel, rozpoczynając pracę, napotyka na nieuniknione trudności: po pierwsze, z dotkliwym brakiem literatury metodologicznej dotyczącej mieszanych zespołów rosyjskich instrumentów ludowych; po drugie, z ograniczoną liczbą zbiorów repertuarowych, w tym ciekawymi kompozycjami oryginalnymi, transkrypcjami, transkrypcjami, sprawdzonymi w praktyce koncertowej oraz uwzględniającymi różne poziomy kształcenia i kierunki twórcze tych kompozycji. Większość publikowanej literatury metodycznej adresowana jest do zespołów kameralnych o profilu akademickim - z udziałem smyczkowych instrumentów fortepianowych. Treść takich publikacji wymaga znacznej korekty, uwzględniającej specyfikę ludowego muzykowania zespołowego (patrz np.).