Narodziny Planety Hollywood

Prawie sto lat temu, na początku 1908 roku, pierwsi amerykańscy filmowcy przenieśli się z kolebki narodowego przemysłu filmowego, Nowego Jorku, na Zachodnie Wybrzeże, do Kalifornii. Tak powstał Hollywood – wielka fabryka marzeń i stolica iluzji. Słowo Hollywood wywodzi się od angielskich słów holly - holly i wood - forest. W 1886 roku pewna Deida Wilcons z Kansas City wraz z mężem wytyczyła kawałek ziemi w pobliżu Los Angeles, nazywając go Hollywood. Kilka lat później para zaczęła dzierżawić ziemię, a do 1930 r. wokół rancza rozrosła się cała wioska, dołączona do przedmieścia Los Angeles. Pierwszym filmowcem, który postawił stopę na hollywoodzkiej ziemi, był William Zelig, który KU wypił część ziemi, aby pomieścić oddział swojej chicagowskiej firmy filmowej.

Najpotężniejszy ośrodek produkcji filmowej na świecie powstał w wyniku tzw. wojny patentowej. Słynny wynalazca Thomas va Edison (1847-1931) prowadził swoje odkrycia. Każdy, kto korzysta z wyników cudzych odkryć, musi za to zapłacić. Kina na początku XX wieku rosły jak grzyby po deszczu; pod koniec pierwszej dekady było ich w Ameryce ponad dziesięć tysięcy - prawie więcej niż w całej Europie. Nazywano je niklowymi odeonami (kina za pięć centów) i przynosiły niezłe dochody: biznesmen, który kupił niklowy odeon za dwa tysiące dolarów, zwrócił pieniądze w ciągu trzech miesięcy. Kiedy firma Edisona zaczęła doświadczać trudności finansowych, wynalazca postanowił poprawić sytuację, zmuszając do zapłaty tych, którzy używali jego urządzeń. Jednak właściciele kin i dystrybutorzy nie spieszyli się z rozstaniem z pieniędzmi. Odpowiedzieli na każdą apelację Edisona do sądu z roszczeniami wzajemnymi. Tak więc wybuchła prawna wojna patentowa.

Aby na pewno wygrać, firma Edison połączyła siły z innymi firmami, które również posiadały szereg patentów. Narodziła się firma Motion Pictures Patent Company (MPPC) (często nazywana po prostu Funduszem Patentowym). Starała się przejąć pełną kontrolę nad produkcją i dystrybucją filmów. 24 grudnia 1908 roku, na prośbę trustu, nowojorska policja zamknęła w mieście ponad pięćset odeonów niklu, które nie zapłaciły Tribute. Ten dzień wszedł do historii kina amerykańskiego pod nazwą Black Christmas.

Kilka miesięcy później zaufanie. Rozprzestrzenić swój wpływ na większość amerykańskiego rynku filmowego. Nieposłuszni przedsiębiorcy filmowi (zaczęli nazywać się „Niezależnymi”) również się zjednoczyli. Rozpoczęła się prawdziwa walka między MPPC a „niezależnymi”, agenci firmy, niezadowoleni z środków sądowych, zepsuli projektory, wlali kwas siarkowy do zbiorników do wywoływania filmów, kilku aktorów zostało hospitalizowanych z poważnymi obrażeniami na planie.

Era kina niemego w Hollywood

W 1907 roku David Wark Griffith otrzymał propozycję zagrania w filmie Edwina Portera Ocaleni z tego samego gniazda. I choć początkowo film mu się nie podobał, to w ciągu roku nakręcił 61 filmów krótkometrażowych. Griffith był uważany za jednego z najbardziej obiecujących reżyserów w Ameryce. Do końca 1913 roku miał na swoim koncie już ponad 450 filmów i nie bez powodu nazywano go Szekspirem ekranu.

Dziś jego twórczość pokazywana jest bardzo rzadko, ale Griffith wszedł do historii kina jako genialny reżyser, twórca nowego języka filmowego, którym do lat 60. posługiwała się większość jego kolegów.

Ojciec technologii filmowej

Opierając się na osiągnięciach swoich poprzedników, pionierów filmów fabularnych, Griffith zaczął dzielić sceny na wiele ujęć, zmieniając odległość i kąt ujęcia, aby dodać więcej dramatyzmu akcji. Ponadto, aby stworzyć maksymalne napięcie, stopniowo zwiększał tempo montażu równoległego, aż akcja osiągnęła emocjonalny szczyt. Ta metoda była szczególnie skuteczna w pokazywaniu „cudownych” ocaleń, które stały się znakiem rozpoznawczym Griffitha.

Griffith stał się także innowatorem w dziedzinie aktorstwa. Zrozumiał, że kamera bezwiednie skupia się na każdym geście aktorów, co sprawia wrażenie, że cały czas przesadzają. W rezultacie wiele scen wyglądało dość głupio, zwłaszcza te, które były kręcone z bliska i miały przedstawiać gwałtowne uczucia bohaterów. Griffith natomiast wymagał od aktorów bardziej subtelnej gry, przez co jego filmy były bardziej przekonujące.

Aby poprawić jakość swojej pracy, Griffith szeroko wykorzystywał techniki i metody zapożyczone z innych form sztuki. Zrezygnował z malowanych plecków powszechnie stosowanych we wczesnych obrazach na rzecz solidnych scenografii, takich jak te stosowane w teatrze. Oprócz stworzenia realistycznej atmosfery, taka sceneria pozwalała kamerze na swobodniejsze poruszanie się, co zwiększało stopień zaangażowania widzów w akcję. Griffith, wielki fan sztuki wiktoriańskiej, starał się również skomponować każdą klatkę niczym artysta na płótnie, wypełniając ekran różnymi szczegółami zaprojektowanymi, aby pomóc widzowi lepiej zrozumieć osobowość lub działanie postaci. Kiedy Griffith musiał skupić się na jakimś przedmiocie lub geście, często używał specjalnej metody, w której cały ekran jest przyciemniany z wyjątkiem obszaru, w którym znajduje się żądany obiekt.

Choć Griffith specjalizował się głównie w melodramacie, realizował także komedie, filmy historyczne, thrillery, westerny, adaptacje Biblii, różne dzieła literackie, a także szereg filmów społecznych.

„Narodziny narodu”

W 1913 Griffith był zmęczony robieniem filmów krótkometrażowych, co nie dawało mu możliwości pełnego zademonstrowania swoich umiejętności filmowych. Większość producentów filmowych w tamtych czasach uważała, że widz nie może siedzieć na ekranie dłużej niż 15 minut, ale Griffith miał inny punkt widzenia. Rok wcześniej miał okazję obserwować reakcję publiczności na trwający około 50 minut francuski film „Królowa Elżbieta”, a później na włoski epicki film „Dokąd idziesz?” dwie godziny. Po skandalu związanym z długością 42-minutowej Judyty z Betulii w 4 częściach (1913), Griffith opuścił American Biograph Company i rozpoczął pracę nad swoim pierwszym filmem fabularnym, Narodzinami narodu.

W tej trzygodzinnej epopei filmowej Griffith wykorzystał całą swoją wiedzę z dziedziny reżyserii. The Birth of a Nation (1915), który przedstawiał relacje między dwiema amerykańskimi rodzinami podczas wojny secesyjnej i późniejszego okresu odbudowy, był najważniejszym filmem, jaki kiedykolwiek nakręcono w Ameryce w tamtym czasie. Szczególnie widowiskowe były sceny batalistyczne, w których ujęcia wykonane w planie ogólnym były edytowane ze zbliżeniami, co pozwalało widzowi obserwować przebieg bitwy niejako od środka. Niektóre sceny zostały nakręcone na specjalnie kolorowym filmie dla większej wiarygodności.

„Narodziny narodu” odniosły tak ogromny sukces, że koszty jego produkcji zwróciły się w ciągu dwóch miesięcy od wypożyczenia filmu. Publiczność składała się z przedstawicieli wszystkich środowisk, co znacznie podniosło kulturowy status kina. Jednocześnie portrety czarnoskórych postaci w filmie były jawnie rasistowskie, co wywołało burzę protestów i doprowadziło do zakazu kręcenia filmu w wielu amerykańskich miastach.

Jego późniejsze obrazy, takie jak „Połamane pędy” (1919), zostały dobrze przyjęte, właściwie przestał eksperymentować, jego prace stawały się coraz bardziej staromodne i sentymentalne. W 1948 roku, 18 lat po premierze swojego ostatniego filmu, zmarł, zupełnie zapomniany (jak Méliès i wielu innych) przez bardzo filmowe środowisko, w które wniósł tak nieoceniony wkład.

Wojny filmowe

W 1907 roku, kiedy Griffith zainteresował się kinem, świat kina znalazł się na skraju chaosu. Ten świat był kontrolowany głównie przez wynalazców zaangażowanych w tworzenie sprzętu projekcyjnego. Wielu z nich było zaangażowanych we wzajemne sprzeczki, zwane „wojną patentową”, której istotą były spory o własność tego sprzętu. Ta legalna wojna wybuchła już w 1897 roku, jednak mimo niezliczonych sporów sądowych nie udało się rozstrzygnąć sporu – zbyt wiele osób przyczyniło się do rozwoju techniki filmowej. Jednak w 1909 roku Thomas Edison ogłosił rozejm, aby poważnie zająć się poważniejszym problemem w amerykańskim kinie - piractwem.

Następnie, w 1909 roku, problemem dla Edisona i innych producentów filmowych było to, że nic nie stało na przeszkodzie, aby dystrybutorzy i właściciele teatrów robili nielegalne kopie popularnych filmów i pokazywali je publiczności bez płacenia twórcom czegokolwiek. Aby powstrzymać tę praktykę, Edison i ośmiu jego konkurentów postanowili założyć Firmę Patentową. Organizacja ta odmówiła dostarczania filmów tym dystrybutorom filmowym, którzy mieli do czynienia z piratami lub kupowali filmy od firm, które nie były jej członkami.

W odpowiedzi na ten ruch wielu dystrybutorów filmowych zadeklarowało niezależność i rozpoczęło produkcję własnych filmów. W 1910 roku Niezależni utworzyli własną organizację i pozwali Firmę Patentową, oskarżając ją o nielegalną próbę przejęcia kontroli nad całym biznesem filmowym poprzez stworzenie monopolu lub trustu. Następująca potem „Wojna o zaufanie” była jednym z najbardziej uderzających epizodów w historii amerykańskiego kina: milicja Towarzystwa Patentowego ogarnęła kraj, terroryzując niezależne ekipy filmowe i konfiskując ich sprzęt. Według legendy, przemysł filmowy osiedlił się w Hollywood, dawnym mieście kwitnącym pomarańczami, po prostu dlatego, że znajdowało się w pobliżu granicy z Meksykiem, a niezależni mogli opuścić kraj, zanim przejęli ich najemnicy z Kompanii Patentowej.

W rzeczywistości Hollywood miało wiele innych zalet. Było tyle słońca, ile chciałeś, wspaniałe krajobrazy rozciągały się wokół - góry, doliny, wyspy, jeziora, plaże, pustynie, lasy - gdzie można było odtworzyć każdą przyrodę znalezioną na planecie. Ziemia tutaj była tania i istniała duża siła robocza do budowy i utrzymania studiów filmowych. Do 1915 roku skoncentrowano tu 60% amerykańskiej produkcji filmowej, a w ciągu następnych pięciu lat powstał system studiów filmowych, który pozwolił Hollywoodowi stać się kinową stolicą świata.

Pojawienie się gatunków

Filmogals chciały produkować najwyższej jakości produkty rozrywkowe, ale nie chciały podejmować ryzyka wydawania filmów, których komercyjny sukces był wątpliwy. Aby zminimalizować to ryzyko, zaczęli koncentrować swoje wysiłki na filmach określonych gatunków. W takich filmach wielokrotnie odtwarzano najpopularniejsze wątki, postacie, znane motywy, co zapewniało wpływy ze sprzedaży biletów.

Najpopularniejszymi gatunkami były filmy detektywistyczne, horrory, komedie, melodramaty, filmy przygodowe i westerny. Sukces najbardziej dochodowych filmów zapewniły umiejętne kampanie reklamowe, w centrum których znalazły się gwiazdy filmowe.

Najjaśniejsze gwiazdy kina niemego – Mary Pickford i Douglas Fernbanks – należały do najlepiej opłacanych aktorów na świecie. Po ślubie w 1920 roku zostali zaliczeni do rodzaju hollywoodzkiej arystokracji. Mary Pickford była nazywana ukochaną Ameryki. Zwykle grała niewinne młode dziewczyny w filmach takich jak Rebecca z Sunnybrook Farm (1917). Jednak gdy tylko objęła różne role, jej popularność natychmiast spadła. Publiczność nie chciała przyznać, że ich ulubieniec po prostu dojrzał. Douglas Fernbanks słynął z głównych ról w kilku komediach społecznych, ale jego męskość i atletyczna sylwetka najlepiej pasowały do przyprawiających o zawrót głowy przygód, takich jak Czarny pirat (1926). W 1919 para połączyła siły z Charlie Chaplinem i reżyserem D.W. Griffitha i razem stworzyli własną firmę United Artists.

Kino epoki jazzu

Po I wojnie światowej Ameryka przeszła dramatyczne zmiany. Integralną częścią jej życia były samochody, radio, tabloidy i nowy kierunek w muzyce zwany jazzem. Młodsze pokolenie Amerykanów postrzegało lata dwudzieste jako początek nowej ery i zdecydowanie odrzuciło wiele przedwojennych tradycji kulturowych, które wydawały się im przestarzałe. W sercu tej rewolucji społecznej był swobodniejszy pogląd na seks i moralność, z którego Hollywood szybko skorzystało.

Teraz aktorki, takie jak Theda Bari, były reklamowane jako boginie miłości, których życie osobiste było równie burzliwe, jak namiętności szalejące w ich filmach. Ostatecznie, dzięki artystycznemu stylowi życia gwiazd, Hollywood zyskało przydomek „Tinsel City”. Na początku lat dwudziestych wszyscy byli zszokowani serią skandali, w które zaangażowane były niektóre z jego celebrytów. Politycy zaczęli domagać się wyjaśnień, jak to się robi w branży filmowej. Studia filmowe próbowały znaleźć kompromis. Aby uniknąć śledztwa ze strony władz, wprowadzili własne, bardzo surowe wymagania moralne dotyczące moralnego charakteru swoich pracowników, dotyczące cenzury wydawanych produktów filmowych. Powstał specjalny organ, tzw. „Hayes Office”, którego funkcje obejmowały monitorowanie przestrzegania kodeksu moralnego i przywracanie atrakcyjnej nazwy Hollywood.

Jednak reżyserzy filmowi szybko nauczyli się umiejętnie obchodzić kodeks moralny ze wszystkimi jego zakazami i ograniczeniami. Cecil B. DeMille, który zasłynął w westernach i melodramatach, zanim zaczął specjalizować się w komedii erotycznej, zaczął reżyserować filmy takie jak biblijny epos Dziesięć przykazań (1924).

Mimo wielu scen rozpusty, rozpusty i przemocy, filmy te szczęśliwie unikały cenzury, gdyż występek był w nich niezmiennie karany, a cnota nagradzana.

Wysoce ekspresyjny styl DeMille kontrastował z wyrafinowanymi manierami niemieckiego reżysera Ernsta Lubitscha, który został zaproszony do Hollywood przez Mary Pickford. Ten sam wyrafinowany styl wyróżniał Erich von Stroheim, Austriak z urodzenia, były asystent D.W. Griffith, który zasłynął podczas I wojny światowej jako aktor, który często grał role niegrzecznych i okrutnych niemieckich oficerów. Nazywali go człowiekiem, którego przyjemnie jest nienawidzić. Jako reżyser zasłynął z głębokich eksploracji cudzołóstwa i satyry na wiedeńskie wyższe sfery, wykorzystując metodę mise-en-scène.

Dosłownie słowo „mise-en-scène” oznacza „umieszczenie na scenie”, aw filmie było to rozwinięcie metody Griffitha poruszania kamerą po planie, aby zwrócić uwagę widza na ważne lub symboliczne szczegóły.

Chcąc zmaksymalizować autentyczność swoich obrazów, von Stroheim nalegał, aby wszystko w nich było jak najbardziej naturalne, ale producenci uznali jego styl za zbyt ekstrawagancki i niektóre filmy zostały ocenzurowane. Szczególnie ucierpiało główne arcydzieło reżysera, film „Chciwość” (1923): z 42 części obrazu opinia publiczna zobaczyła tylko 10. I chociaż cięcia naruszyły harmonię fabuły, ten film, dzięki do reżyserskich umiejętności von Stroheima, stał się jednym z największych osiągnięć światowej kinematografii.

Zachód słońca wielkiego „Mute”.

Wraz z nadejściem kina dźwiękowego w 1927 roku zainteresowanie kinem niemym zniknęło niemal natychmiast. Tak nagły upadek kina niemego nie ma sobie równych w historii sztuki. Na przykład pojawienie się rock and rolla nie doprowadziło do zaniku innych gatunków muzycznych. Ale idole epoki „Wielkiego Milczącego” są dziś prawie całkowicie zapomniane, a filmy z tamtych czasów, z wyjątkiem komedii i niektórych epickich obrazów, bardzo rzadko pojawiają się na ekranach.

A jednak niektóre filmy zrealizowane w tym czasie w Hollywood słusznie należą do największych arcydzieł w historii kina. Choć reżyserzy filmów niemych często uciekali się do pomocy tytułów, przekazując widzom ważne informacje, to jednak główny nacisk położono na obrazy wizualne, nie tylko w rozwoju fabuły, ale także w przekazywaniu myśli i uczuć postaci. Oczywiście widzowi zajęło trochę czasu zrozumienie języka Wielkiego Milczącego, ale wkrótce nauczył się rozumieć znaczenie niektórych gestów.

Kręcenie filmów fabularnych w latach 20. nie było łatwym zadaniem, a ci, którzy to robili, musieli umieć nie tylko bawić publiczność, ale także komunikować się z nią. Choć system studia filmowego nie dawał artyście (w przeciwieństwie do kina europejskiego) możliwości autoekspresji, to jednak wyprodukował wielu utalentowanych reżyserów. Niektóre z nich, takie jak John Ford czy King Vidor, trafiły do talkie, inne, jak James Cruise, Rex Ingram, Lewis Weber i Fred Niblo, odeszły w zapomnienie.

Amerykańskie cele filmowe wysoko oceniły wyrafinowanie i kunszt kina europejskiego i zaprosiły do Hollywood wielu reżyserów, techników i aktorów z Europy. Wpływy kinematografii niemieckiej są wyraźnie widoczne w klasycznym stylu oświetlenia, scenografii i kinematografii Hollywood lat 30. XX wieku. Jednak niewielu Europejczyków w ogóle tam zostało, ponieważ trudno było im przystosować się do metody in-line hollywoodzkich studiów filmowych. Wrócili do ojczyzny, aby wpłacić składkę do skarbca światowego kina.

§jeden. Tworzenie Hollywood

Prawie sto lat temu, na początku 1908 roku, pierwsi amerykańscy filmowcy przenieśli się z kolebki narodowego przemysłu filmowego, Nowego Jorku, na Zachodnie Wybrzeże, do Kalifornii. Tak powstało Hollywood – wielka „fabryka snów” i stolica iluzji. Słowo Hollywood pochodzi od angielskiego słowa holly – „holly” i wood – „las”. W 1886 roku pewna Deida Wilcons z Kansas City wraz z mężem wytyczyła kawałek ziemi w pobliżu Los Angeles, nazywając go Hollywood. Kilka lat później para zaczęła dzierżawić ziemię, a do 1930 r. wokół rancza rozrosła się cała wioska, dołączona do przedmieścia Los Angeles. Pierwszym filmowcem, który postawił stopę na hollywoodzkiej ziemi, był William Zelig, który kupił działkę pod filię swojej chicagowskiej firmy filmowej.

Najpotężniejszy ośrodek produkcji filmowej na świecie powstał w wyniku tzw. wojny patentowej. Słynny wynalazca Thomas Alva Edison (1847 - 1931), który wynalazł m.in. urządzenia do robienia zdjęć i wyświetlania obrazów, posiadał patenty na swoje odkrycia. Każdy, kto korzysta z wyników cudzych odkryć, musi za to zapłacić. Kina na początku XX wieku rosły jak grzyby po deszczu; pod koniec pierwszej dekady było ich w Ameryce ponad dziesięć tysięcy - prawie więcej niż w całej Europie. Nazywano ich „nickelodeon” za dwa tysiące dolarów, po trzech miesiącach zwrócili pieniądze. Kiedy firma Edisona zaczęła doświadczać trudności finansowych, wynalazca postanowił poprawić sytuację, zmuszając do zapłaty tych, którzy używali jego urządzeń. Jednak właściciele kin i dystrybutorzy nie spieszyli się z rozstaniem z pieniędzmi. Odpowiedzieli na każdą apelację Edisona do sądu z roszczeniami wzajemnymi. Wybuchła więc prawna „wojna patentowa”.

Aby na pewno wygrać, firma Edison połączyła siły z innymi firmami, które również posiadały szereg patentów. Narodziła się firma Motion Pictures Patent Company (MPPC) (często nazywana po prostu Funduszem Patentowym). Starała się przejąć pełną kontrolę nad produkcją i dystrybucją filmów. 24 grudnia 1908 roku, na prośbę trustu, nowojorska policja zamknęła w mieście ponad pięćset nikielodeonów, które nie płaciły haraczu. Ten dzień przeszedł do historii kina amerykańskiego pod nazwą „Czarne Święta”.

W ciągu kilku miesięcy zaufanie rozszerzyło swoje wpływy na znaczną część amerykańskiego rynku filmowego. Nieposłuszni przedsiębiorcy filmowi (stali się znani jako „niezależni”) również się zjednoczyli. Rozpoczęła się prawdziwa bitwa między MPPC a „niezależnymi”. Niezadowoleni z działań prawnych agenci firmy psuli projektory, wlewali kwas siarkowy do zbiorników do wywoływania filmów. Kiedyś na planie niezależnego filmu sprowokowali bójkę statystów, po której kilku aktorów trafiło do szpitala z poważnymi obrażeniami.

Produkcja filmowa była wówczas skoncentrowana w Nowym Jorku i Chicago. Aby uniknąć prześladowań ze strony MPPC, na przełomie 1907 i 1908 roku „niezależni” zaczęli wyprowadzać się z tych miast – na Zachodnie Wybrzeże. Zakochali się w Hollywood – dzięki łagodnemu klimatowi, obfitości słonecznych dni potrzebnych na zdjęcia, malowniczym otaczającym krajobrazom: górom, lasom, pustyniom, gdzie można było odtwarzać różnorodne sceny. W 1909 r. przy Misha Road w Hollywood wyrosły pawilony pierwszej stacjonarnej fabryki filmów. A jesienią 1911 roku węgierski imigrant William Fox (1879 - 1952) - były krawiec i przyszły współwłaściciel wytwórni filmowej 20th Century Fox - rozpoczął akcję bez precedensu w historii przemysłu filmowego. Złożył pozew wzajemny przeciwko roszczeniom prawnym ICPC.

Firma patentowa zakończyła swoje dni niechlubnie. W 1912 roku kandydat na prezydenta Thomas Woodrow Wilson wygrał wybory, przedstawiając program zwalczania monopoli. MPPC została oskarżona o monopol i rozwiązana na mocy postanowienia sądu. Jednak jeszcze przed tym wydarzeniem Hollywood zaczęło stopniowo wypierać swojego wroga z rynku filmowego, organizując produkcję wysokiej jakości produktów, które były bardziej atrakcyjne dla widzów.

To naturalne, że ludzie ciągle zwracają się do tego, co lubią, a Hollywood oparło swoją strategię na tej skłonności osoby. Jeśli publiczność lubiła wykonawcę, po pierwszym zdjęciu uruchamiano kolejne z jego udziałem; wzrosły opłaty aktorskie, które były skąpe przez ciasne MPPC. Tak więc Hollywood zrodziło system gwiazd – wysoko opłacanych aktorów, idoli publiczności, występujących w jednej roli, którą publiczność pokochała wiele razy. Wcześniej nazwiska pierwszych amerykańskich aktorów, którzy pojawili się na ekranie, prawie nigdy nie pojawiały się w napisach końcowych.

Jeśli publiczność lubiła jakąkolwiek postać, mogła liczyć na nowe spotkania z nim. To samo działo się z tematami, które były dla niej atrakcyjne. Generalnie Hollywood wygrało, ponieważ odkryło i faktycznie udało się wprowadzić w życie zasadę masowej produkcji filmów.

Hollywood to fabryka marzeń

W słowniku objaśniającym - wszystkie podstawowe informacje: okolice Los Angeles (Kalifornia), miejsce, w którym niegdyś koncentrowała się główna część amerykańskiego przemysłu filmowego. A drugie, symboliczne znaczenie...

Hollywood to fabryka marzeń

Mit „społeczeństwa równych szans”, dla którego Hollywood również pracuje, zamienił je w rodzaj „subkultury”: wpływ Hollywood jest coraz bardziej przez nią odczuwalny, wykracza nawet poza granice społeczeństwa amerykańskiego ...

Hollywood to fabryka marzeń

W latach 90. zainteresowanie aktorką zaczęło być spowodowane nie tyle pojawieniem się na ekranie, co jej działalnością społeczną.Kino amerykańskie lat 90.: Aktorzy: New Hollywood Stars: Encyclopedia - M.: White Coast, 2008, s. 403 ...

Malarstwo Zhostovo

Wskazane jest, aby mieć przed sobą próbki produktów mistrzów Zhostova. Ale ponieważ nie mamy oryginalnej próbki, jesteśmy zmuszeni skupić się na reprodukcjach. Przestrzeganie podstawowych praw kompozycji (jedność stylistyczna...

Obraz Repina „Uroczystość Rady Państwa” jako źródło historyczne

TJ. Repin uważany jest za jednego z najjaśniejszych i najbardziej konsekwentnych przedstawicieli malarstwa realistycznego, w którym idea ideologiczna musi być mocno oparta na jak najdokładniejszym, adekwatnym odwzorowaniu rzeczywistości w całym jej bogactwie...

Wizerunek idealnego człowieka ludów Skandynawii

Bóg Wszechmogący najpierw stworzył niebo i ziemię oraz wszystko, co z nimi związane, a jako ostatni stworzył dwoje ludzi, Adama i Ewę, z których wyszły wszystkie narody. A ich potomstwo rozmnożyło się i rozprzestrzeniło po całym świecie...

Bez wątpienia żaden kretyn nie pracuje w tak dużej branży. Wyłapują wszystkie trendy i trendy szybciej niż inni i rozumieją, że coś trzeba zrobić. Jeśli zwrócimy się do historii, zobaczymy, że Hollywood po raz pierwszy nie przeżywa kryzysu…

Przyczyna jednego z najbardziej dokuczliwych i przedłużających się kryzysów w Hollywood na początku lat 60.

Przedmiotem badań rozprawy jest Nowe Hollywood – od jego powstania w latach 60. ewolucja i dalsza dystrybucja wraz z rozwojem konceptu kinowego hitu, czyli filmów tzw. „high concept” (high concept)…

Rozwój kina

Tworzenie klipu animacyjnego do utworu muzycznego

Zdecydowaliśmy się wybrać wyłącznie styl europejski, coś takiego jak Niemcy lub Szwajcaria, w szczególności środowisko krajobrazowe, widok wsi, strój postaci, ponieważ jest to dzieło o bardziej romantycznym kierunku ...

Superstudio i niezależne wytwórnie filmowe

Przyjrzyjmy się bliżej procesowi aktywnego przeplatania się przemysłu filmowego i gigantów biznesu przemysłowego – epoce, kiedy gwiazdy filmowe znalazły się pod kontrolą własnych agentów, a do kina trafiły duże pieniądze…

Wysyłanie dobrej pracy do bazy wiedzy jest proste. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy korzystający z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy będą Ci bardzo wdzięczni.

Podobne dokumenty

Hollywood to obszar Los Angeles w Kalifornii. Historia inkorporacji Hollywood jako gminy i rozwoju miasta. Stworzenie słynnego pamiątkowego znaku reklamowego, który stał się znakiem rozpoznawczym branży filmowej. Założenie pierwszego studia i wydanie filmu.

prezentacja, dodana 13.04.2015

Okres kryzysu artystycznego w historii hollywoodzkiego przemysłu filmowego lat 60. XX wieku. Charakterystyka kina amerykańskiego lat siedemdziesiątych. Hollywood oczami widza i samo Hollywood, przeciwdziałając kryzysowi. Narodziny i szczyt Nowego Hollywood, perspektywy na przyszłość.

streszczenie, dodane 29.08.2011

Historia powstania Hollywood i jego subkultury. Hollywood jako centrum propagandy burżuazyjnej ideologii. Zdjęcia w USA. Ronald Reagan jako aktor, polityk, osoba publiczna. Działalność charytatywna gwiazd Hollywood i znanych osobistości.

streszczenie, dodane 23.07.2009

Wpływ kina na kulturę i sztukę. Pojęcie i rodzaje studiów filmowych. Niezależne kino USA i nowoczesne superstudio Hollywood. Ekonomiczne wyniki hollywoodzkich superstudiów. Największe rosyjskie studia i niezależne firmy.

praca semestralna, dodano 24.04.2012

Rozwój spektrum gatunkowego w kinie hollywoodzkim. Cechy obsady. System głównych gatunków kina. Nowa hollywoodzka strategia i klasyczne kino. Cykliczność kina hollywoodzkiego. Obecny stan kina w Stanach Zjednoczonych.

praca semestralna, dodana 04.08.2015

Pojęcie sztuki filmowej. Różnorodność gatunków filmowych. Przegląd najsłynniejszych filmów reprezentujących główne kierunki jej rozwoju. Biografia i twórczość AA Alova i V.N. Naumov, ich związek twórczy i najsłynniejsze dzieła reżyserskie.

streszczenie, dodane 24.02.2014

Dziedzictwo kulturowe sztuki filmowej XX wieku. Pierwsze kroki światowego kina. Obraz natury w kinie jako symbol wysokiej kultury ludzkości. Kino rosyjskie w przełomowych momentach historii narodowej. Możliwości kina jako zjawiska kulturowego przełomu XXI wieku.

W kontakcie z

Bracia Lumiere, uważani za założycieli kina, zorganizowali swój pierwszy publiczny pokaz 22 marca 1895 w Paryżu, chociaż data urodzenia jest nadal brana pod uwagę 28 grudnia w tym samym roku, kiedy w salonie Grand Cafe odbyła się pierwsza wystawa komercyjna. Publiczność była pod wrażeniem tej innowacji, ruchomy obraz wywołał u ludzi prawdziwy szok. Istnieje wersja, w której ludzie podskakiwali ze strachu ze swoich miejsc podczas wyświetlania krótkiego filmu „Przybycie pociągu”. Przez kolejne dwa lata pokazy odbywały się w czołowych stolicach i miastach świata. Jednym z takich miejsc był Nowy Jork.

Salon „Grand Cafe”, 28.12.1895

Dokładnie tak Nowy Jork stał się pierwszym ośrodkiem kina amerykańskiego. Na początku XX wieku istniała tam już niewielka liczba wytwórni filmowych. Ale, jak wiadomo, później wiele postaci przeniosło centrum przemysłu na zachodnie wybrzeże. Stało się to z powodu kilku czynników.

Po pierwsze, w Nowym Jorku czynsz był wysoki. Po drugie, oprócz niedorozwoju sprzętu oświetleniowego, w Nowym Jorku panowały również nieodpowiednie warunki pogodowe – pochmurna i deszczowa pogoda przeszkadzała w produkcji filmów. Po trzecie, Thomas Edison, który w 1909 próbował zmonopolizować przemysł filmowy, odstraszył wszystkich niezależnych „filmowców”, co skłoniło ich do ucieczki w okolice San Francisco i Los Angeles.

Edison Film Trust Istniała do 1913 r., kiedy została zamknięta po procesie sądowym, jako że jej działalność była sprzeczna z prawem antymonopolowym. Przez lata swojej pracy miał oczywiście nie tylko efekt negatywny, polegający na utrudnianiu pracy niezależnych filmowców, co z kolei doprowadziło do spadku ilości i jakości produkcji, ale także pozytywny – Edison uniemożliwił penetrację kina europejskiego w celu uniknięcia konkurencji, która wydaje mi się, że nadała amerykańskiej oryginalności i wyjątkowości.

Najpopularniejszym miejscem usprawiedliwiania operatorów na zachodnim wybrzeżu była wieś Hollywood który jest teraz znany prawie każdemu. Pod koniec XIX wieku było to tylko ogromne ranczo.

Oprócz walorów klimatycznych (ponad 300 słonecznych dni w roku) miejsce miało również walory geograficzne: w pobliżu znajdowały się góry i wybrzeże Pacyfiku. Los Angeles służyło jako źródło siły roboczej i materiałów budowlanych.

Już u swoich początków kino amerykańskie krzyżowało się z tematami politycznymi i otwarcie wyrażało swój stosunek do nich. W 1898 roku amerykański krążownik Maine został wysadzony w powietrze u wybrzeży Hawany, co wywołało wojnę amerykańsko-hiszpańską. James Stuart Blackton nakręcił film pierwszego dnia konfliktu Zrywanie hiszpańskiej flagi", a później wydał film" Wznoszenie starej chwały nad zamkiem Morro”. Oba filmy wyrażają stosunek autora do hiszpańskiej tyranii.

Pierwszy film fabularny wyprodukowany bezpośrednio w studiu w Hollywood - Mąż indyjskiej kobiety, Cecil B. deMille. To cichy western wydany w 1914 roku. Jego czas trwania to 72 minuty.

Squaw Man, 1914

Pierwsze kina w Stanach Zjednoczonych nosiły nazwę „ nikielodeony„, były bardzo tanie, wejście kosztowało 5 centów. W 1908 roku było ich około trzech tysięcy, ale z roku na rok ich liczba wzrastała, bo kino cieszyło się dużym zainteresowaniem. Konkurencja doprowadziła do upadku małych studiów filmowych, zaczęły pojawiać się duże trusty filmowe, które połączyły się z wypożyczalniami.

W 1912 pojawiają się Universal Studios i Paramount Pictures. Taki gigant w dziedzinie kina jak „Bracia Warner” powstał dopiero w 1923 roku, a rok później powstaną „Metro-Goldwyn-Mayer” i „Columbia Pictures”.

Logo braci Warner, 1923

W dwudziestym roku Hollywood staje się wreszcie centrum amerykańskiego przemysłu filmowego. Rocznie wypuszczano tam 800 filmów. Wzrosła liczba dużych studiów filmowych, pojawił się system gwiazd filmowych.

Niestety duże zapotrzebowanie na kino spowodowało orientację kina na widza, a nie na reżysera. Reżyserzy byli bardzo ograniczeni w swoich autorskich pomysłach. Do głosu doszli aktorzy i producenci filmowi. Dorobkiem były „spektakularne” filmy, które miały zadowolić masową publiczność.

Era klasycznego Hollywood.

Okres ten rozpoczyna się w 1928 roku wraz z powstaniem studia filmowego RKO Pictures. Charakteryzuje go tzw. system studyjny, w którym 8 największych trustów filmowych kontrolowało 95% amerykańskiego rynku filmowego. Te duże studia zajmowały się nie tylko produkcją, ale także wydawaniem filmów, a także posiadały całe sieci kin.

Studia całkowicie kontrolowały sferę twórczą. Zawarto długoterminowe umowy z aktorami, reżyserami i osobami wykonującymi inne zawody filmowe, za niewykonanie których należne były wysokie grzywny. Niechcianych twórców można po prostu wycisnąć z biznesu. Doskonale charakteryzuje epokę i termin „ przenośnik gwiazdowy„: Kierownictwo studia wzięło młodych obiecujących aktorów i promowało ich, wymyślając dla nich imię i biografię. Profesjonalne nagrody były milcząco rozdawane przez czołowych potentatów filmowych.

Monopolizacja doprowadziła nie tylko do zawyżania cen, ale także do tego, że kinom niezależnym oferowano kupno pięciu filmów na raz, z czego tylko jeden był hitem, a reszta szła „na ilość”.

Epoka ta była jednak naznaczona ważnymi wydarzeniami i niezwykłymi osobistościami.

Pierwszy film dźwiękowy został wydany w 1927 roku. piosenkarz jazzowy„to właśnie po tym wydarzeniu studio filmowe braci Warner stało się jednym z czołowych „graczy”.

Piosenkarka jazzowa, 1927

W 1933 roku nadeszła godzina triumfu dla studia fotograficznego RKO, które do tej pory nie rzucało się w oczy za plecami potężniejszych kolegów. Do filmu ” Król Kong Wciąż powstają przeróbki.

„King Kong”, 1933

Wyróżniało się studio United Artists, którego jednym z założycieli był Charlie Chaplin. Często pomagała niezależnym filmowcom. Dla Charliego Chaplina oczywiście musisz zrobić osobną prezentację. Chciałabym tylko powiedzieć, że ludzie lubili jego nieme filmy nawet po pojawieniu się filmów dźwiękowych w 1927 roku, a on kręcił je przez kolejną dekadę. Jego pierwszym filmem dźwiękowym był Wielki dyktator z 1940 roku.

Ta epoka jest również naznaczona pojawieniem się dziś najbardziej prestiżowej nagrody w dziedzinie kina -” Oskar”. W 1929 roku w hotelu Roosevelt odbyła się pierwsza ceremonia wręczenia nagród, trwała ona 15 minut, a wejście kosztowało 5 USD, przyszło do niej 250 osób. Zabawne jest to, że zwycięzców znano trzy miesiące wcześniej i trwało to aż do 1945 roku, dopiero wtedy pojawiły się zapieczętowane koperty. Tegorocznym zwycięzcą był „ Skrzydełka«.

Oskar, 1929

Skrzydła, 1927

Również w tym czasie popularne były westerny Johna Forda, który otrzymał cztery Oscary za reżyserię, musicale z Fredem Astaire i thrillery kryminalne Hitchcocka.

Od końca lat 30. filmy wysokobudżetowe kręcono w kolorze. Po wojnie gatunek historyczny staje się popularny peplum- kręcone są filmy na dużą skalę z dużym rozeznaniem w starożytności. Dominują w nich sceny z imponującą ilością dodatków i scenerii. Jednym z przykładów jest film Ben Hur”, który zdobył 11 Oscarów. Musicale również pozostawały w modzie i przyciągały publiczność.

System studyjny nadal nie działał. Zaczęły pojawiać się pytania ze strony agencji antymonopolowej, która po długim procesie sądowym z Paramount Pictures udowodniła, że firma naruszyła prawo o wolnej konkurencji. Studio musiało sprzedać swoje teatry. Wkrótce zrobiło to samo studio fotograficzne RKO, a do 1954 roku zrobiły to wszystkie studia. Tak zaczyna się era Nowego Hollywood.

Era Nowego Hollywood.

Wytwórnie zaczęły tracić większość swoich zysków (prawie 90%), w miarę jak rosły tantiemy dla dystrybutorów, którzy ponadto przestali kupować filmy partiami (np. filmy nie przebojowe nie przynosiły wytwórni). Kolejnym problemem, z jakim borykał się biznes filmowy, był spadek frekwencji w teatrach spowodowany upowszechnieniem się telewizji. Ludzie nie chcieli spędzać wieczorów w kinie, kiedy mogli oglądać coś siedząc w domu przed ekranem telewizora. Najsłabsze firmy traciły, więc na rynek zaczęli wchodzić obcokrajowcy. Firma była pierwsza Rekordy Decca, który przejął kontrolę nad Universal Pictures w 1951 roku.

Kolejną konsekwencją upadku studiów był wzrost honorariów gwiazd. O ile wcześniej aktorzy nadal stawali poniżej poziomu studiów i byli zmuszani do pracy na podstawie wieloletnich kontraktów dla studia, to teraz wysuwają się na pierwszy plan, ponieważ tylko znani aktorzy mogli zapewnić filmowi komercyjny sukces. Wielu agentów zaczęło domagać się od wytwórni nie określonej pensji za film dla swoich aktorów, ale procent zysków. Na przykład Hitchcock otrzymał 50 000 dolarów jako reżyser swojego filmu Złapać złodzieja, a aktor, który zagrał główną rolę, otrzymał wynagrodzenie w wysokości 700 000 dolarów.

Hitchcock po lewej stronie. Cary Grant (aktor) - po prawej

Najsłabsze z największych studiów (RKO, United Artists, a nawet MGM) zostały wyparte z rynku. Pozostałe studia realizowały projekty telewizyjne, na które było duże zapotrzebowanie, by wypełnić czas antenowy, inwestując od czasu do czasu tylko w sprawdzone projekty. Dzięki temu w 1957 roku połowę filmów wydali producenci niezależni.

Szefowie studia nie mogli zrozumieć, czego potrzebuje publiczność. Zagubieni w domysłach zaczęli zapraszać młodych reżyserów, którzy nie wymagali dużych pieniędzy i co doprowadziło do eksperymentów na polu kina. Często tacy ludzie ze szkół filmowych i małych studiów przełamywali tradycje, które wykształciły się w kinematografii, przyjęli jakiś styl autorskiego kina europejskiego i dawali produktowi coś zupełnie nowego i szczerego.

W tym czasie tworzą tacy mistrzowie jak Stanley Kubrick, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Woody Allen i inni.

„Ojciec chrzestny” F.F. Coppola

Zainteresowanie eksperymentami osłabło pod koniec lat 70., kiedy film ” brama niebios Nie udało się w kasie. Nadal jest uważany za jedną z największych porażek kasowych. W tamtym czasie głównym źródłem dochodów były sci-fi i przeboje kinowe, takie jak Szczęki Stevena Spielberga i Gwiezdne wojny George'a Lucasa, więc studia zdecydowały się pójść sprawdzoną ścieżką finansowania projektów mających na celu komercyjny sukces i masową publiczność.

"Bramy niebios"

okres nowożytny.

Dziś amerykański rynek filmowy zdominowany jest przez sześć wytwórni: Paramount Pictures, Warner Bros., Columbia Pictures, 20th Century Fox, Universal Studios i Walt Disney Company.

Ale produkty niezależnych firm (10-15%), takich jak Lionsgate, Dreamworks, The Weinstein Company i inne, również zajmują swoją niszę. Niestety, najbardziej dochodowymi filmami są nadal filmy show-orientacyjne, czyli z dużą ilością efektów specjalnych i grafiki komputerowej. Największe sukcesy odnoszą też sequele, prequele i remake już sensacyjnych hitów, co sugeruje pewną stagnację w amerykańskim kinie.

Są też pozytywne aspekty. To wciąż dostęp do kina niezależnego i zacieranie granicy między nim a projektami komercyjnymi. Tendencja w tym kierunku została zarysowana już w latach 90., kiedy filmy Quentina Tarantino i braci Coen zebrały więcej niż przeciętne zdjęcia studyjne.

Niemniej jednak kino amerykańskie jest nadal najbardziej masowe i popularne na świecie. Prawie połowa wszystkich światowych filmów jest wydawanych w Ameryce. Z charakterystycznych cech amerykańskiego przemysłu filmowego można zauważyć: monopolizację, która dała początek „gwiazdowemu rurociągowi” z późniejszą idealizacją aktorów i wzrostem ich honorariów, „hollywoodzkie znaczki” i standaryzację oferowanych filmów. To w Stanach Zjednoczonych na plakatach filmowych zaczęto wskazywać czołowych aktorów. Również cechą hollywoodzkich filmów są doskonałe i czyste ujęcia, które pozwalają uciec od rzeczywistości. Filmy są często kojarzone z amerykańskimi wartościami, stylem życia i „amerykańskim snem”.

Kino w Ameryce to nie tylko rozrywka, to cała branża finansowa, która była taka od samego początku. Niemniej jest to zarówno czynnik pozytywny pod względem wielkich możliwości realizacji, jak i negatywny – dziś moim zdaniem wszystko dla dużych studiów sprowadza się do kręcenia hitów, takich atrakcji do zarabiania pieniędzy.

Czym jest Hollywood? To centrum przemysłu filmowego, kwintesencja przepychu, sukcesu i dobrobytu. Wszystko to jest naprawdę prawdziwe. Jednak tylko nieliczni znają historię narodzin Hollywood… historię, która rozpoczęła się wraz ze śmiercią małego dziecka.

Hollywood:: Początek

Pewnego dnia w 1880 roku w mieście Topeka (stolicy Kansas) spotkały się dwie osoby - piękna Daieda Hartell i niepełnosprawny Harvey Wilcox. Harvey chorował na polio jako dziecko, co nie pozostało niezauważone i na zawsze przykuło osobę do wózka inwalidzkiego. Wydawałoby się, że ludzie, którzy się spotkali, byli tak różni, że trudno było nawet pomyśleć o ewentualnych bliskich związkach. Życie jest jednak pełne paradoksów. Los dał parze nie tylko silne uczucia, ale także możliwość rozpoczęcia nowego życia - Daida i Harvey mieli dziecko, które nazwali Harry (Harry). Młoda rodzina przeniosła się do Los Angeles, gdzie Harvey zajmował się transakcjami na rynku nieruchomości.

Przez półtora roku szczęście młodych nie miało granic. Cieszyli się życiem, dopóki ich radość nie została nagle przerwana przez śmierć Harry'ego. Życie wydawało się wywrócić wszystko do góry nogami. Ciężkie uczucie osiadło w duszy i chcąc się go pozbyć Daida i Harvey wyjechali na odległe przedmieścia Los Angeles, by choć na chwilę zapomnieć o sobie w zaskakująco ciepłym klimacie. Daida i Harvey tak bardzo zakochali się w przytulnym zakątku, że postanowili kupić tutaj ziemię. Być może zadziałał instynkt przedsiębiorczości Harveya, który pozwolił mu dostrzec w łagodnym klimacie, który utrzymywał się w tym miejscu przez 300 dni w roku, perspektywy przesiedlenia ludzi. Tak czy inaczej, Harvey kupił 200 akrów ziemi (0,81 km kw.), Płacąc tylko 150 USD za akr.

Początkowo Harvey postanowił założyć sady na swojej ziemi, ale z tego przedsięwzięcia nic nie wyszło. Potem postanowił zamienić swoją ziemię w małe miasteczko, piękne i wygodne. Harvey i Daida zabrali się do opracowania planu. Nakreśliła układ domów, ulic i terenów zielonych. Daida własnoręcznie zasadziła pierwsze drzewa i zrobiła klomby. Wymyśliła również nazwy ulic miejskich. Wilcox ustalił cenę tysiąca dolarów za każdy kawałek ziemi. Biznes zarobił. Ludzie, którym spodobał się nowo narodzony obszar Los Angeles, zaczęli tu kupować ziemię.

Pewnego dnia Daida postanowiła pojechać do swojego rodzinnego miasta Hicksville, aby spotkać się z krewnymi i przyjaciółmi. Po drodze spotkała kobietę z Chicago, która z jakiegoś powodu nazwała swoją posiadłość Hollywood. Daidzie spodobało się to imię, a kiedy wróciła do domu, postanowiła nadać swojemu miastu tę samą nazwę. Odtąd obszar należący do rodziny Wilcoxów nazywał się Hollywood.

Hollywood:: Kino

Rozwój Hollywood jako centrum przemysłu filmowego rozpoczął się w 1907 roku, kiedy pułkownik William N. Zeling kupił od pary Wilcoxów kawałek ziemi, na którym umieścił część swojej firmy filmowej, którą stworzył w Chicago. Rozpoczęła się historia „fabryki marzeń”.

Stała słoneczna pogoda, rozległe połacie prerii, wybrzeże Pacyfiku i wspaniałe miasto Los Angeles, które mogło dostarczać materiały budowlane i zasoby pracy, przyczyniły się do szybkiego rozwoju branży filmowej w Hollywood. Do roku 1912 powstało tu już 15 studiów. Miasto na zawsze pożegnało spokojne życie.

W ciągu kolejnej dekady Hollywood stało się wreszcie stolicą amerykańskiego przemysłu filmowego, ponieważ skoncentrowano tu około 90% amerykańskich studiów filmowych. Ciekawe, że do szybkiego rozwoju kina amerykańskiego w ogóle nie przyczynili się rdzenni Amerykanie, ale goście z innych krajów. Mało kto wie, że np. wytwórnię filmową Paramount założył Węgier Adolf Zukor, który swoją karierę zaczynał jako praktykant u kuśnierza. Universal to pomysł niemieckiego handlarza odzieżą Carla Lemmla. Polacy, bracia Warner, którzy reklamowali rowery, założyli firmę Wamer Brosers. Rosyjski Lazar Meir (zmienił nazwisko po otrzymaniu obywatelstwa amerykańskiego na Louisa Mayera), który zajmował się odsprzedażą złomu, założył Metro-Goldwin-Mayer.

Paramount Company (założona przez węgierskiego Adolfa Zukora, który zaczynał jako praktykant u kuśnierza)

Firma Universal (założona przez Niemca Karla Lemla, handlarza odzieżą z Niemiec)

Firma Metro-Goldwin-Mayer (założona przez rosyjskiego Lazara Meira, kolekcjonera złomu)

Hollywood:: Słynny napis

Hollywood i okolice zainteresowały się wydawcą Los Angeles Times, Harrym Chandlerem (Harry Chandler), który był również dużym i odnoszącym sukcesy pośrednikiem w handlu nieruchomościami. To na jego zamówienie w 1923 roku słynne litery HOLLYWOOD zostały zainstalowane na południowym zboczu Mount Lee na wysokości 491 metrów. Chandler zapłacił za swoją konfigurację sporą sumę 21 000 dolarów. Zrobił to w celach reklamowych - listy miały zwrócić uwagę potencjalnych nabywców gruntów w okolicy, których sprzedawcą był Chandler. Początkowo zakładano, że litery wyniosą tylko półtora roku - w tym czasie trzeba było sprzedać ziemię. Jednak litery z ogromnego billboardu reklamowego zamieniły się w symbol miasta. Ich przeznaczeniem było trwać do dnia dzisiejszego.

Początkowo liter było więcej - HOLLYWOODLAND, a ponieważ ich montaż pomyślany był jako tymczasowa kampania reklamowa, zostały one wykonane głównie z drewna i blachy. Nic dziwnego, że z czasem zaczęły gnić i popadać w ruinę. Dlatego w 1949 roku postanowiono usunąć ostatnią część słowa – „LAND”. Chociaż litery były od czasu do czasu naprawiane, nadal niszczały. Pierwsza litera "O" rozpadła się i stała się jak duża litera "u", a trzecia litera "O" całkowicie się rozpadła, co spowodowało, że znak wyglądał jak "HuLLYWO D" (po angielsku "hull" oznacza "łuskę, obwoluta"). W 1978 r. kruszący się znak został całkowicie wymieniony. Nowe litery, każdy o wysokości 14 m i szerokości od 9 do 12 m (nieco mniejsze niż w pierwotnej wersji), stoją do dziś. Są chronione przez prawo i żadna zmiana nie jest możliwa.

Oryginalny wygląd napisu Harry'ego Chandlera