W kontakcie z

Bracia Lumière, uważani za założycieli kina, zorganizowali swój pierwszy publiczny pokaz 22 marca 1895 w Paryżu, chociaż data urodzenia jest nadal brana pod uwagę 28 grudnia w tym samym roku, kiedy w salonie Grand Cafe odbyła się pierwsza wystawa komercyjna. Publiczność była pod wrażeniem tej innowacji, ruchomy obraz wywołał u ludzi prawdziwy szok. Istnieje wersja, w której ludzie podskakiwali ze strachu ze swoich miejsc podczas wyświetlania krótkiego filmu „Przybycie pociągu”. Przez kolejne dwa lata pokazy odbywały się w czołowych stolicach i miastach świata. Jednym z takich miejsc był Nowy Jork.

Salon „Grand Cafe”, 28.12.1895

Dokładnie tak Nowy Jork stał się pierwszym ośrodkiem kina amerykańskiego. Na początku XX wieku istniała tam już niewielka liczba wytwórni filmowych. Ale, jak wiadomo, później wiele postaci przeniosło centrum przemysłu na zachodnie wybrzeże. Stało się to z powodu kilku czynników.

Po pierwsze, w Nowym Jorku czynsz był wysoki. Po drugie, oprócz niedorozwoju sprzętu oświetleniowego, w Nowym Jorku panowały również nieodpowiednie warunki pogodowe – pochmurna i deszczowa pogoda przeszkadzała w produkcji filmów. Po trzecie, Thomas Edison, który w 1909 próbował zmonopolizować przemysł filmowy, odstraszył wszystkich niezależnych „filmowców”, co skłoniło ich do ucieczki w okolice San Francisco i Los Angeles.

Edison Film Trust Istniała do 1913 roku, kiedy została zamknięta po procesie sądowym, jako że jej działalność była sprzeczna z prawem antymonopolowym. Przez lata swojej pracy miał oczywiście nie tylko efekt negatywny, polegający na utrudnianiu pracy niezależnych filmowców, co z kolei doprowadziło do spadku ilości i jakości produkcji, ale także pozytywny – Edison uniemożliwił penetrację kina europejskiego w celu uniknięcia konkurencji, która wydaje mi się, że nadała amerykańskiej oryginalności i wyjątkowości.

Najpopularniejszym miejscem usprawiedliwiania operatorów na zachodnim wybrzeżu była wieś Hollywood który jest teraz znany prawie każdemu. Pod koniec XIX wieku było to tylko ogromne ranczo.

Oprócz walorów klimatycznych (ponad 300 słonecznych dni w roku) miejsce miało również walory geograficzne: w pobliżu znajdowały się góry i wybrzeże Pacyfiku. Los Angeles służyło jako źródło siły roboczej i materiałów budowlanych.

Już u swoich początków kino amerykańskie krzyżowało się z tematami politycznymi i otwarcie wyrażało swój stosunek do nich. W 1898 r. amerykański krążownik Maine został wysadzony w powietrze u wybrzeży Hawany, co wywołało wojnę amerykańsko-hiszpańską. James Stuart Blackton nakręcił film pierwszego dnia konfliktu Zrywanie hiszpańskiej flagi", a później wydał film" Wznoszenie starej chwały nad zamkiem Morro”. Oba filmy wyrażają stosunek autora do hiszpańskiej tyranii.

Pierwszy film fabularny wyprodukowany bezpośrednio w studiu w Hollywood - Mąż indyjskiej kobiety, Cecil B. deMille. To cichy western wydany w 1914 roku. Jego czas trwania to 72 minuty.

Squaw Man, 1914

Pierwsze kina w Stanach Zjednoczonych nosiły nazwę „ nikielodeony„, były bardzo tanie, wejście kosztowało 5 centów. W 1908 roku było ich około trzech tysięcy, ale z roku na rok ich liczba wzrastała, bo kino cieszyło się dużym zainteresowaniem. Konkurencja doprowadziła do upadku małych studiów filmowych, zaczęły pojawiać się duże trusty filmowe, które połączyły się z wypożyczalniami.

W 1912 pojawiają się Universal Studios i Paramount Pictures. Taki gigant w dziedzinie kina jak „Bracia Warner” powstał dopiero w 1923 roku, a rok później powstaną „Metro-Goldwyn-Mayer” i „Columbia Pictures”.

Logo braci Warner, 1923

W dwudziestym roku Hollywood staje się wreszcie centrum amerykańskiego przemysłu filmowego. Rocznie ukazywało się tam 800 filmów. Wzrosła liczba dużych studiów filmowych, pojawił się system gwiazd filmowych.

Niestety duże zapotrzebowanie na kino spowodowało orientację kina na widza, a nie na reżysera. Reżyserzy byli bardzo ograniczeni w swoich autorskich pomysłach. Do głosu doszli aktorzy i producenci filmowi. Dorobkiem były „spektakularne” filmy, które miały zadowolić masową publiczność.

Era klasycznego Hollywood.

Okres ten rozpoczyna się w 1928 roku wraz z powstaniem studia filmowego RKO Pictures. Charakteryzuje go tzw. system studyjny, w którym 8 największych trustów filmowych kontrolowało 95% amerykańskiego rynku filmowego. Te duże studia zajmowały się nie tylko produkcją, ale także wydawaniem filmów, a także posiadały całe sieci kin.

Studia całkowicie kontrolowały sferę twórczą. Zawarto wieloletnie umowy z aktorami, reżyserami i osobami wykonującymi inne zawody operatorskie, za których niewykonanie groziły wysokie grzywny. Niechcianych twórców można po prostu wycisnąć z biznesu. Doskonale charakteryzuje epokę i termin „ przenośnik gwiazdowy„: Kierownictwo studia wzięło młodych obiecujących aktorów i promowało ich, wymyślając dla nich imię i biografię. Profesjonalne nagrody były milcząco rozdawane przez czołowych potentatów filmowych.

Monopolizacja doprowadziła nie tylko do zawyżania cen, ale także do tego, że kinom niezależnym oferowano kupno pięciu filmów na raz, z których tylko jeden był hitem, a reszta szła „na ilość”.

Epoka ta była jednak naznaczona ważnymi wydarzeniami i niezwykłymi osobistościami.

Pierwszy film dźwiękowy został wydany w 1927 roku. piosenkarz jazzowy„to właśnie po tym wydarzeniu studio filmowe braci Warner stało się jednym z czołowych „graczy”.

Piosenkarka jazzowa, 1927

W 1933 roku nadeszła godzina triumfu dla studia fotograficznego RKO, które do tej pory nie rzucało się w oczy za plecami potężniejszych kolegów. Do filmu ” Król Kong Wciąż powstają przeróbki.

„King Kong”, 1933

Wyróżniało się studio United Artists, którego jednym z założycieli był Charlie Chaplin. Często pomagała niezależnym filmowcom. Dla Charliego Chaplina oczywiście musisz zrobić osobną prezentację. Chciałabym tylko powiedzieć, że ludzie lubili jego nieme filmy nawet po pojawieniu się filmów dźwiękowych w 1927 roku, a on kręcił je przez kolejną dekadę. Jego pierwszym filmem dźwiękowym był Wielki dyktator z 1940 roku.

Ta epoka jest również naznaczona pojawieniem się dziś najbardziej prestiżowej nagrody w dziedzinie kina -” Oskar”. W 1929 roku w hotelu Roosevelt odbyła się pierwsza ceremonia wręczenia nagród, trwała ona 15 minut, a wejście kosztowało 5 USD, przyszło do niej 250 osób. Zabawne jest to, że zwycięzców znano trzy miesiące wcześniej i trwało to aż do 1945 roku, dopiero wtedy pojawiły się zapieczętowane koperty. Tegorocznym zwycięzcą był „ Skrzydełka«.

Oskar, 1929

Skrzydła, 1927

Również w tym czasie popularne były westerny Johna Forda, który otrzymał cztery Oscary za reżyserię, musicale z Fredem Astaire i thrillery kryminalne Hitchcocka.

Od końca lat 30. filmy wysokobudżetowe kręcono w kolorze. Po wojnie gatunek historyczny staje się popularny peplum- kręcone są filmy na dużą skalę z dużym rozeznaniem w starożytności. Dominują w nich sceny z imponującą ilością dodatków i scenerii. Jednym z przykładów jest film Ben Hur”, który zdobył 11 Oscarów. Musicale również pozostawały w modzie i przyciągały publiczność.

System studyjny nadal nie działał. Zaczęły pojawiać się pytania od agencji antymonopolowej, która po długim procesie sądowym z Paramount Pictures udowodniła, że firma naruszyła prawo o wolnej konkurencji. Studio musiało sprzedać swoje teatry. Wkrótce zrobiło to samo studio fotograficzne RKO, a do 1954 roku zrobiły to wszystkie studia. Tak zaczyna się era Nowego Hollywood.

Era Nowego Hollywood.

Wytwórnie zaczęły tracić większość swoich zysków (prawie 90%), w miarę wzrostu tantiem dla dystrybutorów, którzy zresztą przestali kupować filmy partiami (np. filmy nie przebojowe nie przynosiły wytwórni). Kolejnym problemem, z jakim borykał się przemysł filmowy, był spadek frekwencji kinowej spowodowany rozprzestrzenianiem się telewizji. Ludzie nie chcieli spędzać wieczorów w kinie, kiedy mogli oglądać coś siedząc w domu przed ekranem telewizora. Najsłabsze firmy traciły, więc na rynek zaczęli wchodzić obcokrajowcy. Firma była pierwsza Rekordy Decca, który przejął kontrolę nad Universal Pictures w 1951 roku.

Kolejną konsekwencją upadku studiów był wzrost honorariów gwiazd. O ile wcześniej aktorzy nadal stawali poniżej poziomu studiów i byli zmuszani do pracy na podstawie wieloletnich kontraktów dla studia, to teraz wysuwają się na pierwszy plan, ponieważ tylko znani aktorzy mogli zapewnić filmowi komercyjny sukces. Wielu agentów zaczęło domagać się od wytwórni nie określonej pensji za film dla swoich aktorów, ale procent zysków. Na przykład Hitchcock otrzymał 50 000 dolarów jako reżyser filmu Złapać złodzieja, a aktor, który zagrał główną rolę, otrzymał wynagrodzenie w wysokości 700 000 dolarów.

Hitchcock po lewej stronie. Cary Grant (aktor) - po prawej

Najsłabsze z największych studiów (RKO, United Artists, a nawet MGM) zostały wyparte z rynku. Pozostałe studia realizowały projekty telewizyjne, na które było duże zapotrzebowanie, by wypełnić czas antenowy, inwestując od czasu do czasu tylko w sprawdzone projekty. Dzięki temu w 1957 roku połowę filmów wydali producenci niezależni.

Szefowie studia nie mogli zrozumieć, czego potrzebuje publiczność. Zagubieni w domysłach zaczęli zapraszać młodych reżyserów, którzy nie wymagali dużych pieniędzy i co doprowadziło do eksperymentów na polu kina. Często tacy ludzie ze szkół filmowych i małych studiów przełamywali tradycje, które wykształciły się w kinematografii, przyjęli jakiś styl autorskiego kina europejskiego i dawali produktowi coś zupełnie nowego i szczerego.

W tym czasie tworzą tacy mistrzowie jak Stanley Kubrick, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Woody Allen i inni.

„Ojciec chrzestny” F.F. Coppola

Zainteresowanie eksperymentami osłabło pod koniec lat 70., kiedy film ” brama niebios Nie udało się w kasie. Nadal jest uważany za jedną z największych porażek kasowych. W tamtym czasie głównym źródłem dochodów były sci-fi i przeboje kinowe, takie jak Szczęki Stevena Spielberga i Gwiezdne wojny George'a Lucasa, więc studia zdecydowały się pójść sprawdzoną ścieżką finansowania projektów mających na celu komercyjny sukces i masową publiczność.

"Bramy niebios"

okres nowożytny.

Dziś amerykański rynek filmowy jest zdominowany przez sześć wytwórni: Paramount Pictures, Warner Bros., Columbia Pictures, 20th Century Fox, Universal Studios i Walt Disney Company.

Ale produkty niezależnych firm (10-15%), takich jak Lionsgate, Dreamworks, The Weinstein Company i inne, również zajmują swoją niszę. Niestety, najbardziej dochodowymi filmami nadal są filmy show-orientacyjne, czyli z dużą ilością efektów specjalnych i grafiki komputerowej. Największe sukcesy odnoszą też sequele, prequele i remake już sensacyjnych hitów, co sugeruje pewną stagnację w amerykańskim kinie.

Są też pozytywne aspekty. To wciąż dostęp do kina niezależnego i zacieranie granicy między nim a projektami komercyjnymi. Tendencja w tym kierunku została zarysowana już w latach 90., kiedy filmy Quentina Tarantino i braci Coen zebrały więcej niż przeciętne zdjęcia studyjne.

Niemniej jednak kino amerykańskie jest nadal najbardziej masowe i popularne na świecie. Prawie połowa wszystkich światowych filmów jest wydawanych w Ameryce. Z charakterystycznych cech amerykańskiego przemysłu filmowego można zauważyć: monopolizację, która dała początek „gwiazdowemu rurociągowi” z późniejszą idealizacją aktorów i wzrostem ich honorariów, „hollywoodzkie znaczki” i standaryzację oferowanych filmów. To w Stanach Zjednoczonych na plakatach filmowych zaczęto wskazywać czołowych aktorów. Również cechą hollywoodzkich filmów są doskonałe i czyste ujęcia, które pozwalają uciec od rzeczywistości. Filmy są często kojarzone z amerykańskimi wartościami, stylem życia i „amerykańskim snem”.

Kino w Ameryce to nie tylko rozrywka, to cała branża finansowa, która była taka od samego początku. Niemniej jest to zarówno czynnik pozytywny pod względem wielkich możliwości realizacji, jak i negatywny – dziś moim zdaniem wszystko dla dużych studiów sprowadza się do kręcenia hitów, takich atrakcji do zarabiania pieniędzy.

10 głosów Znak Hollywood

Ze względu na swoją sławę i tożsamość kulturową jako historyczne centrum studiów filmowych i gwiazd filmowych, słowo „Hollywood” jest często używane jako metonim amerykańskiego przemysłu filmowego. Nazwa Tinseltown nawiązuje do wspaniałej natury Hollywood i przemysłu filmowego.

Obecnie większość przemysłu filmowego jest rozproszona po dzielnicach takich jak Westside, ale większość przemysłu pomocniczego, takiego jak montaż, efekty, rekwizyty, postprodukcja i oświetlenie, pozostaje w Hollywood, podobnie jak lokalizacja Paramount Pictures.

Wiele historycznych teatrów Hollywood jest wykorzystywanych jako miejsca i sceny koncertowe podczas premierowych pokazów sfilmowanych produkcji, a także jako gospodarze rozdania Oscarów. Jest popularnym celem życia nocnego i turystyki, a także jest domem Hollywood Walk of Fame.

Historia Hollywood

W dzisiejszych czasach znaczenie słowa „Hollywood” jest znane we wszystkich częściach świata. Spektakle, które aranżują na ekranach przyciągają wszystkich koneserów kinematografii. Kino hollywoodzkie jest bez wątpienia liderem wśród swoich „kolegów”. Ale często łączy się pojęcie "kina amerykańskiego" i "Hollywood".

Kino Hollywood jest zdecydowanie najbardziej popularne na świecie. Hollywood ma znaczący wpływ na kino innych krajów. Nie jest tajemnicą, że to właśnie hollywoodzkie filmy wyznaczają modę w wielu gatunkach kina. Decydują także o wyborze fabuły, doborze zespołu aktorskiego i tworzeniu wizerunku filmu do kampanii reklamowej. Dziś to imperium filmowe naprawdę dyktuje modę kina. Każdego roku wydaje tysiące filmów. A to już jest coś!

A wszystko zaczęło się od małej działki w pobliżu małego miasteczka Los Angeles (teraz, kiedy wcale nie jest mała, brzmi to całkiem śmiesznie). Został nabyty w 1886 roku przez skromną rodzinę amerykańskich osadników Wilcox. Deida Wilcox zaproponowała nazwanie tego miejsca „Hollywood”. Czemu? Od słów „ostrokrzew” - ostrokrzew i „drewno” - las. Od ciebie i wyszło "Hollywood". Gdyby tylko wiedzieli, do czego doprowadziło to ich przejęcie, w sąsiedztwie niemieckich chłopów i rezerwatu indiańskiego. Życie płynęło samo. Wkrótce para Wilcoxów zdecydowała się wydzierżawić ziemię, a około 1903 r. ich ranczo stopniowo pogrążyło się w głębi nowej wioski, która miała zaszczyt dołączyć do Los Angeles jako przedmieścia. W tym czasie, zrodzone przez braci Lumiere, kino coraz bardziej podbijało serca romantyków, którzy marzyli, by swój świat iluzji zamienić w widzialny obraz. Nie ominęła pułkownika Williama N. Zelinga, który położył pierwsze kamienie węgielne pod budowę ogromnego imperium filmowego w Hollywood. Kupił część ziemi od Wilcoxów dla oddziału swojej chicagowskiej firmy filmowej.

Wprawdzie wszystkie jego działania były legalne, ale bez przeszkód nie mógł pracować nad swoim ulubionym biznesem. Jednak jak zawsze w życiu bywa. W latach 1907, 1907 w Ameryce miała miejsce fala ciągłych sporów dotyczących własności sprzętu projekcyjnego. Tak zwana „wojna patentowa” doprowadziła do zakazu otwierania nikielodeonów w Los Angeles i okolicach. Powodem było to, że w takich pół-podziemnych kinach, gdzie za wstęp płacono 5 centów (w języku angielskim „nikiel”, „odeon” - teatr), skradzione filmy były odtwarzane na nielicencjonowanym sprzęcie. Tak więc gmina Los Angeles musiała walczyć z tym niespokojnym zjawiskiem. Ale cokolwiek to było, zainteresowanie kinem nie spadło, a raczej wzrosło. W latach dwudziestych XX wieku na południu Kalifornii, na terenie znanego nam już miasteczka Hollywood, powstał amerykański przemysł filmowy, który zaczął się dynamicznie rozwijać. W tym czasie zainteresowanie kinem w Ameryce rozwijało się równolegle z zasiedlaniem tego kraju przez potencjalnych widzów. Na przykład w 1907 r. z Europy do samej Ameryki przybyło 1 285 000 osób, co dało nowy silny impuls rozwojowi kina. To właśnie emigranci wnieśli niesamowity wkład w rozwój przemysłu filmowego w kraju. Wielu z nich stało się znakomitymi reżyserami i producentami, których historia kina pamięta do dziś, a ich dzieła stały się klasykami światowego kina. Kto to jest? Niektórzy z nich byli założycielami największych studiów filmowych w kraju: Adolf Zukor (Węgry), który rozpoczął karierę jako praktykant u kuśnierza, założył firmę Paramount; Karl Leml (Niemcy) - handlujący odzieżą, założył "Universal", bracia Warner (Polska) - reklamowali rowery, założyli "Warner Brosers", Louis B. Mayer (Rosja, Mińsk) - zajmował się odsprzedażą złomu, założył „Metro-Goldwin-Mayer”. Przy okazji skupmy się na tym ostatnim. Czemu? Ponieważ od ponad 30 lat jest wiodącym studiem w Hollywood. I to jest warte uwagi.

Ale nie zaczniemy od Mayera, ale od pochodzącego z żydowskiej rodziny Samuela Geblitza (Sachmuel Gelbfisz). Ten człowiek był jednym z najbardziej udanych uchodźców z Europy Wschodniej. Urodził się w Warszawie w 1892 roku. On, jeszcze całkiem młody, został zmuszony przez los do opuszczenia ojczyzny i uciekł najpierw do Londynu, a potem do Nowego Jorku. Okoliczności były takie, że musiał nawet zmienić nazwisko na Samuel Goldfish.

Tak więc w 1913 roku jego droga życiowa przebiegała na amerykańskiej ziemi i zatrzymał się w Kalifornii, gdzie opanował nowy zawód związany z technologią produkcji filmów ruchomych.

Karierę filmową rozpoczął wraz z dwoma podobnie myślącymi ludźmi (Edgar i Archibald Selwyn - Edgar i Archibald Selwyn). Wkrótce ponownie zmienił nazwisko na amerykańskie - Goldwyn (pierwszą sylabę swojego dawnego nazwiska GOLDfish połączył z ostatnią sylabą nazwiska partnerów SelWYN). A w 1925 roku wraz ze znanym nam już rosyjskim emigrantem Louisem B. Mayerem Samuel Goldwyn założył studio Metro-Goldwyn-Mayer, które zdominowało Hollywood, jak już wspomnieliśmy, przez około 30 lat.

Jeśli chodzi o system gwiazd, to nie było go w kinie amerykańskim. Nigdzie nie wymieniono nazwisk aktorów i aktorek. Wszystkie były ukryte pod pseudonimami. W marcu 1910 roku Karl Leml zmienił sytuację i zawarł porozumienie z aktorką Florence Lawrence. Potem stopniowo, pod wpływem specjalistów z branży filmowej, zaczęły pojawiać się jedna po drugiej gwiazdy, z których każda miała swoją własną rolę na ekranie. Sama instytucja gwiazd w kinie hollywoodzkim zaczęła powstawać około lat 20., uformowała się w latach 30., a swój pełny świt osiągnęła w latach 40. i 50. XX wieku. Gwiazdy wydawały się widzom ideałami. Przyszłe gwiazdy były specjalnie szkolone na kursach w samych studiach filmowych. Ogromny przemysł PR w największych studiach filmowych pracował specjalnie nad stworzeniem i utrzymaniem wizerunku gwiazd. Żółta prasa czujnie śledziła każdy krok aktorów, opowiadając o wszystkich wydarzeniach w ich życiu i ich ekscentrycznych wybrykach, które w ten sposób testowały granice ich popularności.

Historia światowego kina byłaby niewyobrażalna bez dwóch największych gwiazd epoki narodzin Hollywood – Mary Pickford (Mary Pickford) i Douglasa Fairbanksa (Douglas Fairbanks). Były to najjaśniejsze gwiazdy w Hollywood. Ich udział był tak popularny, że nawet dzisiaj nie ma do czego porównywać.

Mary Pickford naprawdę nazywała się Gladys Smith, urodziła się w 1893 roku w Kanadzie, w Toronto. Na scenie teatralnej zadebiutowała w wieku 7 lat. Nazywano ją "Ukochaną całej Ameryki" (Ukochana Ameryki). Wizerunek młodej, naiwnej, cnotliwej nastolatki, amerykańskiej "Kopciuszek", zyskał światową sławę w jej wykonaniu. Przez 20 lat pojawiała się ta cudowna aktorka zachowała młodzieńczą niewinność i czystość, co odegrało dla niej ogromną rolę jako aktorki.

Lata jej pracy zbiegły się z tymi samymi latami, w których powstało kino amerykańskie. A Mary Pickford należała do jego najważniejszych twórców. Pierwsza Amerykanka, która zarobiła milion dolarów w ciągu roku, bizneswoman o wyjątkowej inteligencji i wnikliwości. Jako jedna z pierwszych zrozumiała, czym jest kino i jaka jest jego rola. Była bardzo spostrzegawcza i inteligentna i czuła, że Hollywood jest przyszłym liderem kina. Nic dziwnego, że nazywano ją „najjaśniejszą głową Hollywood”, nie odnosząc się do jej złotych loków.

Drugą gwiazdą tego czasu był Douglas Fairbanks (prawdziwe nazwisko Douglas Elton Ulman - Douglas Elton Ulman). Urodził się w 1883 roku w Denver w Kolorado. Od dzieciństwa pociągał go teatr. Według niektórych doniesień po raz pierwszy pojawił się na scenie w wieku 12 lat. Od 1902 występował na Broadwayu, a do 1910 zdobył pozycję jednego z czołowych aktorów teatru, stał się żywą personifikacją „idealnego Amerykanina” – młodego, aktywnego, gotowego podbić cały romantyczny świat. W 1915 Fairbanks podróżował z Nowego Jorku do Hollywood, gdzie zadebiutował na ekranie. Słynny uśmiech i imponująca atletyczna budowa sprawiły, że Fairbanks stał się jednym z najpopularniejszych aktorów epoki. Najbardziej znany jest z filmów takich jak Trzej muszkieterowie, Złodziej z Bagdadu, Człowiek w żelaznej masce i Znak Zorro.

Dwie gwiazdy Hollywood osiągnęły ogromne wyżyny. I, jak to często bywa, w 1920 roku Douglas Fairbanks i Mary Pickford pobrali się. Ich rezydencja Pickfair przez długi czas była największą i najbardziej prestiżową rezydencją w Beverly Hills. W latach 20. i 30. niektóre sceny filmowe kręcono nawet na Pickfair, a zaproszenie na przyjęcie w tej rezydencji uznano za szczególny zaszczyt. Gazety i almanachy filmowe donosiły dosłownie o każdym szczególe o gościach Pickfair.

Pod koniec lat 60. zawalił się system studyjny. Od tego czasu rozpoczęła się nowa (nowoczesna) scena w kinie hollywoodzkim. Zainteresowanie tradycyjnymi, schematycznymi, gwiazdorskimi filmami studyjnymi stopniowo słabło, a wiele nawet dużych wytwórni filmowych zostało zepchniętych na skraj bankructwa. Szefowie studia byli zakłopotani, jaki rodzaj filmu chcieli zobaczyć widzowie. Eksperymenty się rozpoczęły. Wśród młodych reżyserów, którzy mieli okazję zademonstrować swoje umiejętności, znaleźli się George Lucas, Steven Spielberg, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Brian De Palma. I to właśnie ta grupa reżyserów ukształtowała współczesne kino w takiej formie, w jakiej weszło w XXI wiek. Ich filmy na przełomie lat 60. i 70. odniosły ogromny sukces. Dzięki nim powstało słowo „przebój”. Szefowie dużych studiów zaczęli ufać młodym reżyserom. Co więcej, modne i opłacalne stało się zapraszanie ich do filmowania. W końcu, wywodząc się ze szkół filmowych i małych studiów, potrafili zmieścić się w bardzo małych budżetach.

Michael Buble, Hollywood - teledysk

Główne atrakcje w Hollywood

Hollywood i Highland

Zwiedzanie licznych sklepów i restauracji z pewnością nie jest najważniejszym, ale nie ostatnim miejscem na wycieczce do Hollywood. Położony na rogu Hollywood Boulevard i Highland, trzypiętrowy nowoczesny kompleks handlowo-rozrywkowy Hollywood and Highland jest jednym z najczęściej odwiedzanych centrów w Los Angeles. Oprócz sklepów i restauracji, kompleks jest doskonałą bazą wypadową do pieszych wycieczek, ponieważ znajduje się bezpośrednio obok Alei Gwiazd, Teatru Kodak (miejsce rozdania nagród Amerykańskiej Akademii) i Chińskiego Teatru Graumana, jednego z Najsłynniejsze kina w Hollywood.

Jedna z głównych atrakcji Hollywood, słynny "Walk of Fame", to ciąg chodników po obu stronach ulicy z 15 przecznicami na Hollywood Boulevard i 3 przecznicami na Vine Street. Co roku aleję odwiedza około 10 milionów ludzi. Aleja składa się z około 2400 pięcioramiennych mosiężnych gwiazd osadzonych w sześciostopowej podłodze lastryko. Każda z gwiazd celebruje osiągnięcia pewnej prawdziwej i fikcyjnej „gwiazdy” w przemyśle muzycznym, filmowym czy telewizyjnym. Aleja Gwiazd została otwarta w 1958 roku.

Chiński Teatr Graumana

Na terenie przed „Walk of Fame” można zobaczyć jedną z najpopularniejszych atrakcji w Hollywood - słynny Chiński Teatr Graumana. Mieszczące się na Hollywood Boulevard kino zostało zbudowane w 1927 roku przez słynnego hollywoodzkiego impresario Sida Graumana. Kino jest jednym z głównych pomników „złotej ery” Hollywood i jednym z najpopularniejszych miejsc na premiery filmowe. Warto dodać, że wyboru gwiazd, które zostawiają swoje ślady w cemencie na Alei Gwiazd, dokonują właściciele kina. Na stronie przed kinem można zobaczyć odbitki wielu celebrytów, w tym Mary Pickford, Charlie Chaplin, Jack Nicholson, Marilyn Monroe, Clint Eastwood. Od 2007 roku kino jest własnością Grupy CIM. Kino jest otwarte 24 godziny na dobę, 7 dni w tygodniu. Możesz kupić bilet na zwiedzanie kina lub po prostu kupić bilet na jedną z sesji.

Hollywood Bowl

Jedna z najlepszych sal koncertowych na świeżym powietrzu w Hollywood, Hollywood Bowl Amphitheater została zbudowana w 1922 roku. Hala może pomieścić około 18 000 widzów. Sezon koncertowy w Hollywood Bowl trwa od końca czerwca do połowy września. Jednak oprócz tego w hali odbywa się szereg nieplanowanych wydarzeń, takich jak Playboy Jazz Festival.

Znak Hollywood

Zdecydowanie najbardziej rozpoznawalnym zabytkiem w Hollywood jest słynny pomnik HOLLYWOOD w Hollywood Hills w Los Angeles. Pamiątkowy znak został zainstalowany na wysokości 491 m n.p.m. na zboczu Mount Lee w Griffith Park w 1923 roku jako reklama, a następnie stał się powszechnie znany, stając się głównym symbolem amerykańskiego przemysłu filmowego. Wysokość każdej litery to 9 metrów, szerokość to 15 metrów, łącznie w literach zastosowano 4200 żarówek. Pierwotnie planowano, że znak będzie stał przez około półtora roku, ale wraz z rozwojem amerykańskiego przemysłu filmowego postanowiono go zachować. Znak przeszedł kilka renowacji, a litery są teraz o 1,5 metra krótsze niż w pierwotnej wersji.

Zwykle pomnik nie jest dostępny podczas regularnej wycieczki, ale można wybrać z kilku dogodnych miejsc, z których najlepiej widać słynny napis. Najdogodniejszymi miejscami do oglądania znaku są Hollywood Reservoir, Mulholland Drive, Franklin Avenue w Gower, Hollywood w Highland, Griffith Park Observatory.

Rynek rolników w Los Angeles

Farmers Market to jedna z najpopularniejszych i najczęściej odwiedzanych atrakcji w Hollywood i Los Angeles. Centrum handlowe znajduje się na terenie zabytkowego targu rolnego, który istnieje od 1934 roku. W 2002 roku teren rynku zamieniono w ogromne centrum handlowe, w którym zachowała się część zabytkowych budynków. Co roku targ rolniczy odwiedza około 3 miliony odwiedzających. Centrum znajduje się na rogu Trzeciej i Fairfax. Centrum działa przez całą dobę.

Zachód słońca

Jedno z największych centrów zakupów i życia nocnego w Los Angeles Sunset Strip, położone na Sunset Boulevard w West Hollywood. Sunset Strip to 1,5-kilometrowy odcinek między Doheny Drive a N. Crescent Heights Blvd. Sunset Strip jest dość bogaty pod względem atrakcji. Najważniejsze to pomnik Rocky'ego i Bullwinkle'a, luksusowy hotel Sunset Tower, popularny klub komediowy Comedy Store, sieć sklepów i restauracji Plaza, legendarny bar Whisky A GoGo w latach 60., w którym karierę rozpoczynali takie gwiazdy jak Jimi Hendrix, zespoły The Doors, The Byrds, Led Zeppelin.

Wycieczki po studiach filmowych

Nie ma lepszego sposobu, aby dowiedzieć się, co dzieje się za kamerą, niż wycieczka po hollywoodzkim studiu. Większość z tych wycieczek zaprasza turystów do odwiedzenia prawdziwych, pracujących pracowni. Ale niestety oznacza to, że wycieczkę można odbyć tylko w dzień powszedni, kiedy studia są otwarte.

Pokaż wizytę filmową

Przy odrobinie planowania czasu możesz być częścią publiczności studia podczas kręcenia komedii, reality show lub teleturnieju. Co jest jeszcze ładniejsze? To nic nie kosztuje - i masz możliwość wyrażenia siebie.

Hollywoodzka parada bożonarodzeniowa

Jeśli masz szczęście być w Los Angeles na Święto Dziękczynienia, nie możesz przegapić jednej z najbardziej kolorowych corocznych parad na świecie - Hollywood Christmas Parade. Parada jest obchodzona corocznie od osiemdziesięciu lat i od dawna jest jednym z głównych wydarzeń kulturalnych w amerykańskiej telewizji. W paradzie co roku bierze udział wiele celebrytów. Parada odbyła się po raz pierwszy w 1928 roku i pierwotnie nosiła nazwę Parada Świętego Mikołaja. W 1978 roku impreza zmieniła nazwę na Hollywood Christmas Parade. Parada odbywa się corocznie w trzeci czwartek listopada. Parada przebiega 3,5-kilometrową trasą wzdłuż Hollywood Boulevard i Sunset Boulevard.

§jeden. Tworzenie Hollywood

Prawie sto lat temu, na początku 1908 roku, pierwsi amerykańscy filmowcy przenieśli się z kolebki narodowego przemysłu filmowego, Nowego Jorku, na Zachodnie Wybrzeże, do Kalifornii. Tak powstało Hollywood – wielka „fabryka snów” i stolica iluzji. Słowo Hollywood pochodzi od angielskiego słowa holly – „holly” i wood – „las”. W 1886 roku pewna Deida Wilcons z Kansas City wraz z mężem wytyczyła kawałek ziemi w pobliżu Los Angeles, nazywając go Hollywood. Kilka lat później para zaczęła dzierżawić ziemię, a do 1930 r. wokół rancza rozrosła się cała wioska, dołączona do przedmieścia Los Angeles. Pierwszym filmowcem, który postawił stopę w Hollywood, był William Zelig, który kupił kawałek ziemi pod filię swojej chicagowskiej firmy filmowej.

Najpotężniejszy ośrodek produkcji filmowej na świecie powstał w wyniku tzw. wojny patentowej. Słynny wynalazca Thomas Alva Edison (1847 - 1931), który wynalazł m.in. urządzenia do robienia zdjęć i wyświetlania obrazów, posiadał patenty na swoje odkrycia. Każdy, kto korzysta z wyników cudzych odkryć, musi za to zapłacić. Kina na początku XX wieku rosły jak grzyby po deszczu; pod koniec pierwszej dekady było ich w Ameryce ponad dziesięć tysięcy - prawie więcej niż w całej Europie. Nazywano ich „nickelodeon” za dwa tysiące dolarów, po trzech miesiącach zwrócili pieniądze. Kiedy firma Edisona zaczęła doświadczać trudności finansowych, wynalazca postanowił poprawić sytuację, zmuszając do zapłaty tych, którzy używali jego urządzeń. Jednak właściciele kin i dystrybutorzy nie spieszyli się z rozstaniem z pieniędzmi. Odpowiedzieli na każdą apelację Edisona do sądu z roszczeniami wzajemnymi. Wybuchła więc prawna „wojna patentowa”.

Aby na pewno wygrać, firma Edison połączyła siły z innymi firmami, które również posiadały szereg patentów. Narodziła się firma Motion Pictures Patent Company (MPPC) (często nazywana po prostu Funduszem Patentowym). Starała się przejąć pełną kontrolę nad produkcją i dystrybucją filmów. 24 grudnia 1908 roku, na prośbę trustu, nowojorska policja zamknęła w mieście ponad pięćset nikielodeonów, które nie płaciły haraczu. Ten dzień przeszedł do historii kina amerykańskiego pod nazwą „Czarne Święta”.

W ciągu kilku miesięcy zaufanie rozszerzyło swoje wpływy na znaczną część amerykańskiego rynku filmowego. Nieposłuszni przedsiębiorcy filmowi (stali się znani jako „niezależni”) również się zjednoczyli. Rozpoczęła się prawdziwa bitwa między MPPC a „niezależnymi”. Niezadowoleni z działań prawnych agenci firmy psuli projektory, wlewali kwas siarkowy do zbiorników do wywoływania filmów. Kiedyś na planie niezależnego filmu sprowokowali bójkę statystów, po której kilku aktorów trafiło do szpitala z poważnymi obrażeniami.

Produkcja filmowa była wówczas skoncentrowana w Nowym Jorku i Chicago. Aby uniknąć prześladowań ze strony MPPC, na przełomie 1907 i 1908 roku „niezależni” zaczęli wyprowadzać się z tych miast – na Zachodnie Wybrzeże. Zakochali się w Hollywood – dzięki łagodnemu klimatowi, obfitości słonecznych dni potrzebnych na zdjęcia, malowniczym otaczającym krajobrazom: górom, lasom, pustyniom, gdzie można było rozgrywać różnorodne wątki. W 1909 r. przy Misha Road w Hollywood wyrosły pawilony pierwszej stacjonarnej fabryki filmów. A jesienią 1911 roku węgierski imigrant William Fox (1879 - 1952) - były krawiec i przyszły współwłaściciel wytwórni filmowej 20th Century Fox - rozpoczął akcję bez precedensu w historii przemysłu filmowego. Złożył pozew wzajemny przeciwko roszczeniom prawnym ICPC.

Firma patentowa zakończyła swoje dni niechlubnie. W 1912 roku kandydat na prezydenta Thomas Woodrow Wilson wygrał wybory, przedstawiając program zwalczania monopoli. MPPC została oskarżona o monopol i rozwiązana na mocy postanowienia sądu. Jednak jeszcze przed tym wydarzeniem Hollywood zaczęło stopniowo wypierać swojego wroga z rynku filmowego, organizując produkcję wysokiej jakości produktów, które były bardziej atrakcyjne dla widzów.

To naturalne, że ludzie ciągle zwracają się do tego, co lubią, a Hollywood oparło swoją strategię na tej skłonności osoby. Jeśli publiczność lubiła wykonawcę, po pierwszym zdjęciu uruchamiano kolejne z jego udziałem; wzrosły opłaty aktorskie, które były skąpe przez ciasne MPPC. Tak więc Hollywood zrodziło system gwiazd – wysoko opłacanych aktorów, idoli publiczności, występujących w jednej roli, którą publiczność pokochała wiele razy. Wcześniej nazwiska pierwszych amerykańskich aktorów, którzy pojawili się na ekranie, prawie nigdy nie pojawiały się w napisach końcowych.

Jeśli publiczność lubiła jakąkolwiek postać, mogła liczyć na nowe spotkania z nim. To samo działo się z tematami, które były dla niej atrakcyjne. Generalnie Hollywood wygrało, ponieważ odkryło i faktycznie udało się wprowadzić w życie zasadę masowej produkcji filmów.

Hollywood to fabryka marzeń

W słowniku objaśniającym - wszystkie podstawowe informacje: okolice Los Angeles (Kalifornia), miejsce, w którym niegdyś koncentrowała się główna część amerykańskiego przemysłu filmowego. A drugie, symboliczne znaczenie...

Hollywood to fabryka marzeń

Mit „społeczeństwa równych szans”, dla którego Hollywood również pracuje, zamienił je w rodzaj „subkultury”: wpływ Hollywood jest coraz bardziej przez nią odczuwalny, wykracza nawet poza granice społeczeństwa amerykańskiego ...

Hollywood to fabryka marzeń

W latach 90. zainteresowanie aktorką zaczęło być spowodowane nie tyle pojawieniem się na ekranie, co jej działalnością społeczną.Kino amerykańskie lat 90.: Aktorzy: New Hollywood Stars: Encyclopedia - M.: White Coast, 2008, s. 403 ...

Malarstwo Zhostovo

Wskazane jest, aby mieć przed sobą próbki produktów mistrzów Zhostova. Ale ponieważ nie mamy oryginalnej próbki, jesteśmy zmuszeni skupić się na reprodukcjach. Przestrzeganie podstawowych praw kompozycji (jedność stylistyczna...

Obraz Repina „Uroczystość Rady Państwa” jako źródło historyczne

TJ. Repin uważany jest za jednego z najjaśniejszych i najbardziej konsekwentnych przedstawicieli malarstwa realistycznego, w którym idea ideologiczna musi być mocno oparta na jak najdokładniejszym, adekwatnym odwzorowaniu rzeczywistości w całym jej bogactwie...

Wizerunek idealnego człowieka ludów Skandynawii

Bóg Wszechmogący najpierw stworzył niebo i ziemię oraz wszystko, co z nimi związane, a jako ostatni stworzył dwoje ludzi, Adama i Ewę, z których wyszły wszystkie narody. A ich potomstwo rozmnożyło się i rozprzestrzeniło po całym świecie...

Bez wątpienia żaden kretyn nie pracuje w tak dużej branży. Wyłapują wszystkie trendy i trendy szybciej niż inni i rozumieją, że coś trzeba zrobić. Jeśli zwrócimy się do historii, zobaczymy, że Hollywood po raz pierwszy nie przeżywa kryzysu…

Przyczyna jednego z najbardziej dokuczliwych i przedłużających się kryzysów w Hollywood na początku lat 60.

Przedmiotem studiów rozprawy jest New Hollywood – od jego powstania w latach 60. ewolucja i dalsza dystrybucja wraz z rozwojem konceptu hitu, czyli filmów tzw. „high concept” (high concept)…

Rozwój kina

Tworzenie klipu animacyjnego do utworu muzycznego

Zdecydowaliśmy się wybrać wyłącznie styl europejski, coś takiego jak Niemcy lub Szwajcaria, w szczególności środowisko krajobrazowe, widok wsi, strój postaci, ponieważ jest to dzieło o bardziej romantycznym kierunku ...

Superstudio i niezależne wytwórnie filmowe

Przyjrzyjmy się bliżej procesowi aktywnego przeplatania się przemysłu filmowego i gigantów biznesu przemysłowego – epoce, kiedy gwiazdy filmowe znalazły się pod kontrolą własnych agentów, a do kina trafiły duże pieniądze…

Hollywood otrzymało swoją nazwę dzięki skromnej parze małżeńskiej amerykańskich imigrantów Wilcox. W 1886 kupili duży kawałek ziemi w pobliżu małego miasteczka Los Angeles. Pani Wilcox wpadła na pomysł, aby nazwać to miejsce „Hollywood” („ostrokrzew” – ostrokrzew i „drewno” – las).

Jak wiadomo, obok Wilcoxów mieszkał artysta Paul de Lonpre, niemieccy chłopi, a także rezerwat Indian. Pięć lat później ziemia ta zaczęła przynosić zyski, ponieważ rodzina zaczęła ją wynajmować, a do 1903 roku wokół małego domu, który był dołączony do Los Angeles na przedmieściach, wyrosło przykazanie.

Hollywood nie tylko dostało ten film, ale dzięki pułkownikowi Williamowi N. Zelingowi. Wszystko zaczęło się od tego, że na początku XX wieku kupił część ziemi od Wilcoxów, aby oddzielić swoją firmę filmową w Chicago. Wszystko działo się legalnie, była licencja na sprzęt filmowy i pozwolenie na wypożyczanie i dystrybucję filmów. W tym czasie w Ameryce wybuchła tak zwana „wojna patentowa”, której głównym problemem były spory o prawa do posiadania sprzętu projekcyjnego.

W pezultate, koto.pogo munitsipalitet Los - Andzhelesa nalozhil zappet nA otkpytie w gopode i wtyczka Topienie nikelodeony (nelegalnye kinoteatpy, za koszt pposmotpa filma, koto.pogo vzimalas summa 5 tsentov on - Angliyodesky "nikel" Tam, gdzie pokazyvalis ukpadennye filmy na nielicencjonowanym sprzęcie. Im więcej ludzi zamieszkiwało kraj, tym większe było zainteresowanie kinem amerykańskim. W minionym stuleciu znaczna liczba osób wyemigrowała z Europy do Ameryki, co przyczyniło się do intensywniejszego rozwoju kinematografii. Większość emigrantów stała się organizatorami i założycielami najsłynniejszych studiów filmowych w kraju: Adolf Zukor (Węgry), który wcześniej pracował w warsztacie kuśnierza, jest właścicielem fundacji studia Paramount; Karl Leml (Niemcy) - był sprzedawcą odzieży, założył Universal, Louis B. Mayer (Rosja, Mińsk) - wcześniej sprzedawał metal, jest właścicielem firmy Metro-Goldwin-Mayer.

Wszystkie prace filmowe były kiedyś anonimowe. Oznacza to, że nazwiska aktorów i aktorek, które wystąpiły na zdjęciach, nie zostały nigdzie wymienione. Samym populyapnym aktepom ppihodit ppyatatsya pod psevdonimami tipa „Malenkaya Mepi”, „Devushka Vitagpafa” itd. D. Eta moda nA incognito był napushena w mapte 1910 roku Kaplom Leml on pposto zaklyuchil soglasheniey p loupiso .

Wszystkim podobała się ta innowacja. Powoli Hollywood zaczęło zdobywać pierwsze gwiazdy, z których każda miała określoną rolę aktorską. Na przykład każdy aktor należał do własnej kategorii: niektórzy zachowywali się jak kobiety - wampiry, wietrzne dziewczyny, zwykłe proste kobiety, niewinne dziewczyny, seksbomby (zamiast wyrażenia „seksualność”).

Aktorzy - mężczyźni zostali sklasyfikowani według innej zasady: namiętni kochankowie, komicy, kowboje, sąsiedzi, król horrorów i inni.

Tak niezwykły i interesujący jest dla nas Hollywood tamtych czasów, z których powstał.

Premiera „Turysty” w Nowym Jorku

Film „Turysta”. Światowa premiera w Nowym Jorku

People`s Choice Awards-2011: zwycięzcy

Wczoraj w Nokia Theater w Los Angeles odbyła się doroczna ceremonia rozdania nagród People's Choice Awards, którą poprowadziła wielka, wesoła i energiczna Queen Latifah.

Nowa fryzura 44-letniej hollywoodzkiej aktorki Jennifer Aniston – rozdartego boba – zmieniła jej wygląd nie do poznania. Zobacz zdjęcia gwiazdy z nową fryzurą.

Nicole Kidman urodziła się na Hawajach, ale w wieku 4 lat przeniosła się z rodzicami do Australii. Później Nicole była w tej samej klasie co Naomi Watts.

68 Złotych Globów

Fotoreportaż z 68. edycji Złotego Globu Stowarzyszenia Prasy Zagranicznej Hollywood, która odbyła się w Beverly Hills w Kalifornii

Te artykuły mogą Cię zainteresować

SEKCJE GŁÓWNE

Craftswoman Czapki Kursy na kapelusze

Narodziny Planety Hollywood

Prawie sto lat temu, na początku 1908 roku, pierwsi amerykańscy filmowcy przenieśli się z kolebki narodowego przemysłu filmowego, Nowego Jorku, na Zachodnie Wybrzeże, do Kalifornii. Tak powstał Hollywood – wielka fabryka marzeń i stolica iluzji. Słowo Hollywood wywodzi się od angielskich słów holly - holly i wood - forest. W 1886 roku pewna Deida Wilcons z Kansas City wraz z mężem wytyczyła kawałek ziemi w pobliżu Los Angeles, nazywając go Hollywood. Kilka lat później para zaczęła dzierżawić ziemię, a do 1930 r. wokół rancza rozrosła się cała wioska, dołączona do przedmieścia Los Angeles. Pierwszym operatorem, który postawił stopę na hollywoodzkiej ziemi, był William Zelig, który KU przejął część ziemi, aby pomieścić filię swojej chicagowskiej firmy filmowej.

Najpotężniejszy ośrodek produkcji filmowej na świecie powstał w wyniku tzw. wojny patentowej. Słynny wynalazca Thomas va Edison (1847-1931) prowadził swoje odkrycia. Każdy, kto korzysta z wyników cudzych odkryć, musi za to zapłacić. Kina na początku XX wieku rosły jak grzyby po deszczu; pod koniec pierwszej dekady było ich w Ameryce ponad dziesięć tysięcy - prawie więcej niż w całej Europie. Nazywano je niklowymi odeonami (kina za pięć centów) i przynosiły niezłe dochody: biznesmen, który kupił niklowy odeon za dwa tysiące dolarów, zwrócił pieniądze w ciągu trzech miesięcy. Kiedy firma Edisona zaczęła doświadczać trudności finansowych, wynalazca postanowił poprawić sytuację, zmuszając do zapłaty tych, którzy używali jego urządzeń. Jednak właściciele kin i dystrybutorzy nie spieszyli się z rozstaniem z pieniędzmi. Odpowiedzieli na każdą apelację Edisona do sądu z roszczeniami wzajemnymi. Tak więc wybuchła prawna wojna patentowa.

Aby na pewno wygrać, firma Edison połączyła siły z innymi firmami, które również posiadały szereg patentów. Narodziła się firma Motion Pictures Patent Company (MPPC) (często nazywana po prostu Funduszem Patentowym). Starała się przejąć pełną kontrolę nad produkcją i dystrybucją filmów. 24 grudnia 1908 roku, na prośbę trustu, nowojorska policja zamknęła w mieście ponad pięćset odeonów niklu, które nie zapłaciły Tribute. Ten dzień wszedł do historii kina amerykańskiego pod nazwą Black Christmas.

Kilka miesięcy później zaufanie. Rozprzestrzenić swój wpływ na większość amerykańskiego rynku filmowego. Nieposłuszni przedsiębiorcy filmowi (zaczęli nazywać się „Niezależnymi”) również się zjednoczyli. Rozpoczęła się prawdziwa walka między MPPC a „niezależnymi”, agenci firmy, niezadowoleni z środków sądowych, zepsuli projektory, wlali kwas siarkowy do zbiorników do wywoływania filmów, kilku aktorów zostało hospitalizowanych z poważnymi obrażeniami na planie.

Era kina niemego w Hollywood

W 1907 roku David Wark Griffith otrzymał propozycję zagrania w filmie Edwina Portera Ocaleni z tego samego gniazda. I choć początkowo film mu się nie podobał, to w ciągu roku nakręcił 61 filmów krótkometrażowych. Griffith był uważany za jednego z najbardziej obiecujących reżyserów w Ameryce. Do końca 1913 roku miał na swoim koncie już ponad 450 filmów i nie bez powodu nazywano go Szekspirem ekranu.

Dziś jego twórczość pokazywana jest bardzo rzadko, ale Griffith wszedł do historii kina jako genialny reżyser, twórca nowego języka filmowego, którym do lat 60. posługiwała się większość jego kolegów.

Ojciec technologii filmowej

Opierając się na osiągnięciach swoich poprzedników, pionierów filmów fabularnych, Griffith zaczął dzielić sceny na wiele ujęć, zmieniając odległość i kąt ujęcia, aby dodać więcej dramatyzmu akcji. Ponadto, aby stworzyć maksymalne napięcie, stopniowo zwiększał tempo montażu równoległego, aż akcja osiągnęła emocjonalny szczyt. Ta metoda była szczególnie skuteczna w pokazywaniu „cudownych” ocaleń, które stały się znakiem rozpoznawczym Griffitha.

Griffith stał się także innowatorem w dziedzinie aktorstwa. Zrozumiał, że kamera bezwiednie skupia się na każdym geście aktorów, co sprawia wrażenie, że cały czas przesadzają. W rezultacie wiele scen wyglądało dość głupio, zwłaszcza te, które były kręcone z bliska i miały przedstawiać gwałtowne uczucia bohaterów. Griffith natomiast wymagał od aktorów bardziej subtelnej gry, przez co jego filmy były bardziej przekonujące.

Aby poprawić jakość swojej pracy, Griffith szeroko wykorzystywał techniki i metody zapożyczone z innych form sztuki. Zrezygnował z malowanych plecków powszechnie stosowanych we wczesnych obrazach na rzecz solidnych scenografii, takich jak te stosowane w teatrze. Oprócz stworzenia realistycznej atmosfery, taka sceneria pozwalała kamerze na swobodniejsze poruszanie się, co zwiększało stopień zaangażowania widzów w akcję. Griffith, wielki fan sztuki wiktoriańskiej, starał się również skomponować każdą klatkę niczym artysta na płótnie, wypełniając ekran różnymi szczegółami zaprojektowanymi, aby pomóc widzowi lepiej zrozumieć osobowość lub działanie postaci. Kiedy Griffith musiał skupić się na przedmiocie lub geście, często używał specjalnej metody, w której cały ekran jest przyciemniony, z wyjątkiem obszaru, w którym znajduje się żądany obiekt.

Choć Griffith specjalizował się głównie w melodramacie, realizował także komedie, filmy historyczne, thrillery, westerny, adaptacje Biblii, różne dzieła literackie i szereg filmów społecznych.

„Narodziny narodu”

W 1913 Griffith był zmęczony robieniem filmów krótkometrażowych, co nie dawało mu możliwości pełnego zademonstrowania swoich umiejętności filmowych. Większość producentów filmowych w tamtych czasach uważała, że widz nie może siedzieć na ekranie dłużej niż 15 minut, ale Griffith miał inny punkt widzenia. Rok wcześniej miał okazję obserwować reakcję publiczności na trwający około 50 minut francuski film „Królowa Elżbieta”, a później na włoski epicki film „Dokąd idziesz?”, który trwał prawie dwie godziny. Po skandalu związanym z długością 42-minutowej Judyty z Betulii w 4 częściach (1913) Griffith opuścił American Biograph Company i rozpoczął pracę nad swoim pierwszym filmem fabularnym, Narodzinami narodu.

W tej trzygodzinnej epopei filmowej Griffith wykorzystał całą swoją wiedzę z dziedziny reżyserii. The Birth of a Nation (1915), który przedstawiał relacje między dwiema amerykańskimi rodzinami podczas wojny secesyjnej i późniejszego okresu odbudowy, był najważniejszym filmem, jaki kiedykolwiek nakręcono w Ameryce w tamtym czasie. Szczególnie spektakularne były sceny batalistyczne, w których ujęcia wykonane w planie ogólnym były edytowane z zbliżeniami, co pozwalało widzowi obserwować przebieg bitwy jakby od środka. Niektóre sceny zostały nakręcone na specjalnie kolorowym filmie dla większej wiarygodności.

Narodziny narodu odniosły tak ogromny sukces, że koszt jego produkcji zwrócił się w ciągu dwóch miesięcy od wypożyczenia filmu. Publiczność składała się z przedstawicieli wszystkich środowisk, co znacznie podniosło kulturowy status kina. Jednocześnie portrety czarnoskórych postaci w filmie były jawnie rasistowskie, co wywołało burzę protestów i doprowadziło do zakazu kręcenia filmu w wielu amerykańskich miastach.

Jego późniejsze obrazy, takie jak „Połamane pędy” (1919), zostały dobrze przyjęte, właściwie przestał eksperymentować, jego twórczość stawała się coraz bardziej staromodna i sentymentalna. W 1948 roku, 18 lat po premierze swojego ostatniego filmu, zmarł, zupełnie zapomniany (jak Méliès i wielu innych) przez bardzo filmowe środowisko, w które wniósł tak nieoceniony wkład.

Wojny filmowe

W 1907 roku, kiedy Griffith zainteresował się kinem, świat kina znalazł się na skraju chaosu. Ten świat był kontrolowany głównie przez wynalazców zaangażowanych w tworzenie sprzętu projekcyjnego. Wielu z nich toczyło wzajemne spory, zwane „wojną patentową”, której istotą były spory o własność tego sprzętu. Ta legalna wojna wybuchła już w 1897 roku, jednak mimo niezliczonych sporów sądowych nie udało się rozstrzygnąć sporu – zbyt wiele osób przyczyniło się do rozwoju techniki filmowej. Jednak w 1909 roku Thomas Edison ogłosił rozejm, aby poważnie zająć się poważniejszym problemem w amerykańskim kinie - piractwem.

Następnie, w 1909 roku, problemem dla Edisona i innych producentów filmowych było to, że nic nie stało na przeszkodzie, aby dystrybutorzy i właściciele teatrów robili nielegalne kopie popularnych filmów i pokazywali je publiczności bez płacenia twórcom czegokolwiek. Aby powstrzymać tę praktykę, Edison i ośmiu jego konkurentów postanowili założyć Firmę Patentową. Organizacja ta odmówiła dostarczania filmów tym dystrybutorom filmowym, którzy mieli do czynienia z piratami lub kupowali filmy od firm, które nie były jej członkami.

W odpowiedzi na ten ruch wielu dystrybutorów filmowych zadeklarowało niezależność i rozpoczęło produkcję własnych filmów. W 1910 roku Niezależni utworzyli własną organizację i pozwali Firmę Patentową, oskarżając ją o nielegalną próbę przejęcia kontroli nad całym biznesem filmowym poprzez stworzenie monopolu lub trustu. Wynikająca z tego „Wojna o zaufanie” była jednym z najbardziej uderzających epizodów w historii amerykańskiego kina: milicja Patent Company ogarnęła kraj, terroryzując niezależne ekipy filmowe i konfiskując ich sprzęt. Według legendy, przemysł filmowy osiedlił się w Hollywood, dawnym mieście kwitnącym pomarańczami, po prostu dlatego, że znajdowało się w pobliżu granicy z Meksykiem, a niezależni mogli opuścić kraj, zanim przejęli ich najemnicy z Kompanii Patentowej.

W rzeczywistości Hollywood miało wiele innych zalet. Było tyle słońca, ile chciałeś, wspaniałe krajobrazy rozciągały się wokół - góry, doliny, wyspy, jeziora, plaże, pustynie, lasy - gdzie można było odtworzyć każdą przyrodę znalezioną na planecie. Ziemia tutaj była tania i istniała duża siła robocza do budowy i utrzymania studiów filmowych. Do 1915 roku skoncentrowano tu 60% amerykańskiej produkcji filmowej, a w ciągu następnych pięciu lat powstał system studiów filmowych, który pozwolił Hollywoodowi stać się kinową stolicą świata.

Pojawienie się gatunków

Filmogals chciały produkować najwyższej jakości produkty rozrywkowe, ale nie chciały podejmować ryzyka wypuszczania filmów, których komercyjny sukces był wątpliwy. Aby zminimalizować to ryzyko, zaczęli koncentrować swoje wysiłki na filmach określonych gatunków. W takich filmach wielokrotnie odtwarzano najpopularniejsze wątki, postacie, znane motywy, co zapewniało wpływy ze sprzedaży biletów.

Najpopularniejszymi gatunkami były filmy detektywistyczne, horrory, komedie, melodramaty, filmy przygodowe i westerny. Sukces najbardziej dochodowych filmów zapewniły umiejętne kampanie reklamowe, w centrum których znalazły się gwiazdy filmowe.

Najjaśniejsze gwiazdy kina niemego – Mary Pickford i Douglas Fernbanks – należały do najlepiej opłacanych aktorów na świecie. Po ślubie w 1920 roku zostali zaliczeni do rodzaju hollywoodzkiej arystokracji. Mary Pickford była nazywana ukochaną Ameryki. Zwykle grała niewinne młode dziewczyny w filmach takich jak Rebecca z Sunnybrook Farm (1917). Jednak gdy tylko objęła różne role, jej popularność natychmiast spadła. Publiczność nie chciała przyznać, że ich ulubieniec po prostu dojrzał. Douglas Fernbanks zyskał sławę, grając główne role w kilku komediach społecznych, ale jego męskość i atletyczna sylwetka najlepiej nadawały się do zawrotnych przygód, takich jak Czarny pirat (1926). W 1919 para połączyła siły z Charlie Chaplinem i reżyserem D.W. Griffitha i razem stworzyli własną firmę United Artists.

Kino epoki jazzu

Po I wojnie światowej Ameryka przeszła dramatyczne zmiany. Integralną częścią jej życia były samochody, radio, tabloidy i nowy kierunek w muzyce zwany jazzem. Młodsze pokolenie Amerykanów postrzegało lata dwudzieste jako początek nowej ery i zdecydowanie odrzuciło wiele przedwojennych tradycji kulturowych, które wydawały się im przestarzałe. W sercu tej rewolucji społecznej był swobodniejszy pogląd na seks i moralność, z którego Hollywood szybko skorzystało.

Teraz aktorki, takie jak Theda Bari, były reklamowane jako boginie miłości, których życie osobiste było równie burzliwe, jak namiętności szalejące w ich filmach. Ostatecznie, dzięki artystycznemu stylowi życia gwiazd, Hollywood zyskało przydomek „Tinsel City”. Na początku lat dwudziestych wszyscy byli zszokowani serią skandali, w które zaangażowane były niektóre z jego celebrytów. Politycy zaczęli domagać się wyjaśnień, jak to się robi w branży filmowej. Studia filmowe próbowały znaleźć kompromis. Aby uniknąć śledztwa ze strony władz, wprowadzili własne, bardzo surowe wymagania moralne dotyczące moralnego charakteru swoich pracowników, dotyczące cenzury wydawanych produktów filmowych. Powstał specjalny organ, tzw. „biuro Hayesa”, którego funkcje obejmowały monitorowanie przestrzegania kodeksu moralnego i przywracanie atrakcyjnej nazwy Hollywood.

Jednak reżyserzy filmowi szybko nauczyli się umiejętnie obchodzić kodeks moralny ze wszystkimi jego zakazami i ograniczeniami. Cecil B. DeMille, który zasłynął w westernach i melodramatach, zanim zaczął specjalizować się w komedii erotycznej, zaczął reżyserować filmy takie jak biblijny epos Dziesięć przykazań (1924).

Mimo wielu scen rozpusty, rozpusty i przemocy, filmy te szczęśliwie unikały cenzury, gdyż występek był w nich niezmiennie karany, a cnota nagradzana.

Wysoce ekspresyjny styl DeMille kontrastował z wyrafinowanymi manierami niemieckiego reżysera Ernsta Lubitscha, który został zaproszony do Hollywood przez Mary Pickford. Ten sam wyrafinowany styl wyróżniał Erich von Stroheim, Austriak z urodzenia, były asystent D.W. Griffith, który zasłynął podczas I wojny światowej jako aktor, który często grał role niegrzecznych i okrutnych niemieckich oficerów. Nazywali go człowiekiem, którego przyjemnie jest nienawidzić. Jako reżyser zasłynął z głębokich eksploracji cudzołóstwa i satyry na wiedeńskie wyższe sfery, wykorzystując metodę mise-en-scène.

Dosłownie słowo „mise-en-scène” oznacza „umieszczenie na scenie”, aw filmie było to rozwinięcie metody Griffitha poruszania kamerą po planie, aby zwrócić uwagę widza na ważne lub symboliczne szczegóły.

Chcąc zmaksymalizować autentyczność swoich obrazów, von Stroheim nalegał, aby wszystko w nich było jak najbardziej naturalne, ale producenci uznali jego styl za zbyt ekstrawagancki i niektóre filmy zostały ocenzurowane. Szczególnie ucierpiało główne arcydzieło reżysera, film „Chciwość” (1923): z 42 części obrazu opinia publiczna zobaczyła tylko 10. I chociaż cięcia naruszyły harmonię fabuły, ten film, dzięki do reżyserskich umiejętności von Stroheima, stał się jednym z największych osiągnięć światowej kinematografii.

Zachód słońca wielkiego „Mute”.

Wraz z nadejściem kina dźwiękowego w 1927 roku zainteresowanie kinem niemym zniknęło niemal natychmiast. Tak nagły upadek kina niemego nie ma sobie równych w historii sztuki. Na przykład pojawienie się rock and rolla nie doprowadziło do zaniku innych gatunków muzycznych. Ale idole epoki „Wielkiego Milczącego” są dziś prawie całkowicie zapomniane, a filmy z tamtych czasów, z wyjątkiem komedii i niektórych epickich obrazów, bardzo rzadko pokazywane są na ekranach.

A jednak niektóre filmy zrealizowane w tym czasie w Hollywood słusznie należą do największych arcydzieł w historii kina. Choć reżyserzy filmów niemych często uciekali się do pomocy tytułów, przekazując widzom ważne informacje, to jednak główny nacisk położono na obrazy wizualne, nie tylko w rozwoju fabuły, ale także w przekazywaniu myśli i uczuć postaci. Oczywiście widzowi zajęło trochę czasu zrozumienie języka Wielkiego Milczącego, ale wkrótce nauczył się rozumieć znaczenie niektórych gestów.

Kręcenie filmów fabularnych w latach 20. nie było łatwym zadaniem, a ci, którzy to robili, musieli umieć nie tylko bawić publiczność, ale także komunikować się z nią. Choć system studia filmowego nie dawał artyście (w przeciwieństwie do kina europejskiego) możliwości autoekspresji, to jednak wyprodukował wielu utalentowanych reżyserów. Niektóre z nich, takie jak John Ford czy King Vidor, zaistniały w talkie, inne, takie jak James Cruise, Rex Ingram, Lewis Weber i Fred Niblo, odeszły w zapomnienie.

Amerykańskie cele filmowe wysoko oceniły wyrafinowanie i kunszt kina europejskiego i zaprosiły wielu reżyserów, techników i aktorów z Europy do Hollywood. Wpływy kinematografii niemieckiej są wyraźnie widoczne w klasycznym stylu oświetlenia, scenografii i kinematografii Hollywood lat 30. XX wieku. Jednak niewielu Europejczyków w ogóle tam zostało, ponieważ trudno było im przystosować się do metody in-line hollywoodzkich studiów filmowych. Wrócili do ojczyzny, aby wpłacić składkę do skarbca światowego kina.