Rzeźba rzymska jest znacznie bardziej zróżnicowana niż malarstwo. Oprócz sztuk pięknych był pod silnym wpływem rzeźby greckiej i etruskiej. W starożytnym Rzymie mieszkało wielu greckich rzeźbiarzy i lokalnych kopistów z rzeźby helleńskiej.
Chociaż nie zachowała się żadna szczególnie znacząca rzeźba rzymska, rzymscy rzeźbiarze udoskonalili sztukę tworzenia plastikowych figur na wiele sposobów. Mistrzowie szczególnie skutecznie stworzyli portret rzeźbiarski, który rozwinął się jako samodzielna forma twórczości na początku I wieku p.n.e.
Rzymski portret rzeźbiarski
W przeciwieństwie do rzeźbiarzy starożytnych Greków, rzeźbiarze rzymscy bardzo dokładnie, szczegółowo i uważnie przyglądali się twarzy osoby, z której wyrzeźbili portret. Dlatego rzymski plastikowy portret jest niezwykle realistyczny. Odzwierciedlał indywidualne cechy wyglądu konkretnej osoby. A rzeźbiarze wykazali się umiejętnością obserwowania osobowości i uogólniania swoich obserwacji w określonej formie artystycznej.
Według portretów rzymskich można prześledzić drogę życiową człowieka, zmiany zachodzące w jego wyglądzie, zmianę obyczajów i ideałów. Należy zwrócić uwagę na niezwykłe podobieństwo portretu rzymskiego do oryginalnej twarzy uchwyconej na nim osoby. Jeśli w jakichś rysach oryginału była jakaś nieregularność, rozmycie, to rzeźbiarz próbował wcielić to w plastyczność portretową. W ten sposób osiągnięto optymalne podobieństwo. Technika ta była szeroko stosowana przy tworzeniu portretów cesarzy i urzędników w celu zachowania ich prawdziwych twarzy dla historii.
W okresie republiki rzymskiej historia postrzegana jest jako sekwencyjny bieg wydarzeń. Przejawia się to w „płaskorzeźbach z ciągłą narracją”. Na płaskorzeźbach w Ołtarzu Pokoju wyrzeźbiono uroczystą procesję składającą ofiarę. Wszystkie figury są ułożone równolegle do siebie i niejako schodzą głębiej, zachowując symboliczną hierarchię. Przy braku wyraźnego rytmu intonacje obrazu są bardzo silne.
W przyszłości rzeźba portretowa, np. posągi z Prima Porta z czasów Augusta, powtarzają cechy poprzednich okresów, ale płaskorzeźby Łuku Tytusa są już znacząco różne. Plastikowa przestrzeń jest zorganizowana obrazowo i perspektywicznie, płaskorzeźby sprawiają wrażenie okna otwartego do wewnątrz w ścianie. Wyrzeźbione sylwetki oddają głębię przestrzeni.
W Rzymie rzeźba monumentalna jest szeroko wykorzystywana do celów politycznych. W całym mieście wzniesiono pomniki, łuki i kolumny ku czci wybitnych postaci państwa rzymskiego.
Sztuka Rzymu zaczyna się od portretu, podobnie jak Rzymianie etruscy wykonywali woskowe lub gipsowe odlewy twarzy zmarłego. Wszystkie szczegóły twarzy zamieniły się w środek charakteryzujący obraz, w którym nie ma miejsca na ideał, każdy jest tym, kim jest.
Biorąc za wzór sztukę grecką (po 146 pne w epoce Augusta), Rzymianie zaczęli przedstawiać cesarzy w niezliczonych wyidealizowanych posągach patrycjuszy, Atlantów i bogów, chociaż model jest oczywiście heroizowany, a głowa jest portret cesarza.
Posąg Augusta z Primaporte.
Sierpnia jako Zeus.
Ale częściej rzeźbą portretową Rzymian jest popiersie.
Początek Ic. PNE. - charakteryzuje się celową prostotą i powściągliwością.
Portret Nerona
W połowie I wieku OGŁOSZENIE - nasila się dążenie do dekoracyjności, mocnych efektów świetlnych. (To jest era Flawiuszów)
Portrety przypominają obrazy hellenistyczne, jest zainteresowanie ludzką osobowością, subtelna charakterystyka uczuć jest przekazywana bez zmian w idealizacji, ale bardzo wypukła. Artystka stosuje skomplikowaną technikę obróbki marmuru, zwłaszcza w kobiecych, plisowanych fryzurach.
Portret kobiety.
Portret Witeliusza.
W II wieku. OGŁOSZENIE (epoka Adriana, Antoninowa) - portrety wyróżniają się miękkością modelowania, wyrafinowaniem, pochłoniętym sobą spojrzeniem, mgiełką smutku i dystansu.
Portret Sirpanki.
Orientację, animację spojrzenia podkreśla teraz wyrzeźbiona źrenica (wcześniej była malowana, malowana).
Około 170 roku odlano konny posąg cesarza Marka Aureliusza (obecnie stoi na Placu Kapitolu w Rzymie). Rzekomy heroizm obrazu nie pokrywa się z pojawieniem się cesarza - filozofa.
III wiek naznaczone cechami zbliżającego się końca starożytnej cywilizacji. Fuzja tradycji lokalnych i starożytnych, która rozwinęła się w sztuce rzymskiej, była niszczona przez mordercze wojny i dezintegrację niewolniczego systemu gospodarczego.
Rzeźbiarski portret pełen jest okrutnych i niegrzecznych obrazów inspirowanych samym życiem. Obrazy są prawdziwe i bezlitośnie - odkrywcze, niosą ze sobą strach i niepewność, bolesną niekonsekwencję. III wiek OGŁOSZENIE zwany erą cesarzy-żołnierzy lub erą weryzmu.
Portret Caraccany.
Portret Filipa Araba.
Rzymianie byli twórcami tzw. reliefu historycznego.
Ściana Ołtarza Pokoju (13-9 pne) – cesarz August wraz z rodziną i współpracownikami maszeruje w uroczystej procesji składania ofiar Bogini Pokoju.
Kolumna Trajana (113 n.e.) - trzydziestometrowa kolumna wznosi się na Forum Trajana (Rzym) wzniesionym na cześć zwycięstwa nad Dakami. Płaskorzeźba niczym wstęga o szerokości około jednego metra i długości 200 metrów owija się spiralnie wokół całego pnia kolumny. Sekwencja historyczna przedstawia główne wydarzenia kampanii Trajana: budowę mostu na Dunaju, przeprawę, samą bitwę, oblężenie twierdzy Daków, procesję więźniów, triumfalny powrót. Trajan stojący na czele armii, wszystko jest przedstawione głęboko realistycznie i przesiąknięte patosem gloryfikacji zwycięzcy.
Malarstwo starożytnego Rzymu
W połowie I w. PNE. Starożytny Rzym staje się bogatym państwem. Wzniesiono pałace i wille, które ozdobiono freskami. Podłogi i patia ozdobiono mozaikami - intarsjowanymi malowidłami wykonanymi z naturalnych kamyków, a także z kolorowej pasty szklanej (smalt). Szczególnie wiele fresków i mozaik zachowało się w willach Pompejów (które zostały zniszczone w wyniku erupcji Wezuwiusza w 74 roku n.e.)
W domu Fauna w Pompejach (nazwa pochodzi od znalezionej w domu figury fauna z brązu) odsłonięto mozaikę o powierzchni 15 metrów kwadratowych, przedstawiającą bitwę A. Macedona z królem perskim Dariuszem. Podniecenie bitwy jest doskonale oddane, portretowe cechy generałów podkreśla piękno koloru.
W v. PNE. fresk imitował barwny marmur, tzw. intarsję.
W IV.BC. rozwija się styl architektoniczny (perspektywiczny). Przykładem są malowidła ścienne Willi Tajemnic: na czerwonym tle ściany, prawie na całej jej wysokości, znajdują się duże wielofigurowe kompozycje, w tym postacie Dionizosa i jego towarzyszy - tancerzy, zachwycają malowniczymi rzeźbami , plastyczność ruchów.
W okresie cesarstwa IV. OGŁOSZENIE powstaje trzeci styl, zwany ozdobnym lub kandelabrowym, z motywami egipskimi nawiązującymi do kandelabrów (dom Lukrecjusza Frontinusa).
W drugiej połowie IV. OGŁOSZENIE malowidła wypełnia obraz architektury ogrodów i parków, iluzorycznie przesuwając przestrzeń pomieszczeń, pośrodku ściany, jako osobny obraz w kadrze, zapisane są sceny mitologiczne (dom Vettii).
Z malowideł ściennych rzymskich willi możemy wydobyć wyobrażenie o starożytnym malarstwie, którego wpływ będzie odczuwalny przez wiele następnych stuleci.
Według legendy miasto Rzym zostało założone przez bliźniaków Roma i Remusa na siedmiu wzgórzach już w VIII wieku. Pne Zawiera dużą liczbę zabytków z okresu późnej republiki i epoki cesarskiej. Nic dziwnego, że stare powiedzenie mówi, że „wszystkie drogi prowadzą do Rzymu”. Nazwa miasta symbolizowała jego wielkość i chwałę, potęgę i splendor, bogactwo kultury.
Początkowo rzymscy rzeźbiarze całkowicie naśladowali Greków, ale w przeciwieństwie do nich, którzy przedstawiali bogów i mitologicznych bohaterów, Rzymianie stopniowo zaczynają pracować nad rzeźbiarskimi portretami konkretnych osób. Uważa się, że rzeźba rzymska jest wybitnym osiągnięciem rzeźby starożytnego Rzymu.
Ale czas mija, a starożytny portret rzeźbiarski zaczyna się zmieniać. Od czasów Hadriana (II wne) rzymscy rzeźbiarze nie malowali już marmuru. Wraz z rozwojem architektury Rzymu rozwija się także portret rzeźbiarski. Jeśli porównamy go z portretami greckich rzeźbiarzy, dostrzeżemy pewne różnice. W rzeźbie antycznej Grecji, przedstawiającej wizerunek wielkich dowódców, pisarzy, polityków, mistrzowie greccy starali się stworzyć wizerunek idealnej, pięknej, harmonijnie rozwiniętej osobowości, która byłaby wzorem dla wszystkich obywateli. A w rzeźbie starożytnego Rzymu, tworząc portret rzeźbiarski, mistrzowie skupili się na indywidualnym wizerunku osoby.
Przeanalizujmy jedną rzeźbę starożytnego Rzymu, jest to słynny portret słynnego dowódcy Pompejusza, stworzony w I wieku pne. Znajduje się w Kopenhadze w dzielnicy New Carlsberg Glyptothek. To wizerunek mężczyzny w średnim wieku o niestandardowej twarzy. Rzeźbiarz starał się w nim pokazać indywidualność wyglądu dowódcy i odsłonić różne strony jego charakteru, a mianowicie człowieka o podstępnej duszy i uczciwego w słowach. Z reguły portrety z tamtych czasów przedstawiają tylko bardzo starszych mężczyzn. A portrety kobiet, młodzieży czy dzieci można było znaleźć tylko na nagrobkach. Charakterystyczna cecha rzeźby starożytnego Rzymu jest wyraźnie widoczna w kobiecym wizerunku. Nie jest wyidealizowana, ale dokładnie oddaje przedstawiony typ. W samej rzeźbie Rzymu powstają warunki do dokładnego przedstawienia osoby. Widać to wyraźnie na brązowym posągu mówcy, wykonanym na cześć Aulusa Metellusa. Został przedstawiony w normalnej i naturalnej pozie. Przedstawieni na rzeźbach cesarze rzymscy byli często idealizowani.
Starożytny Oktawian August, który był pierwszym cesarzem rzymskim, gloryfikował go jako dowódcę i władcę państwa (Watykan, Rzym). Jego wizerunek symbolizuje siłę i potęgę państwa, które, jak wierzyli, miało przewodzić innym narodom. Dlatego rzeźbiarze przedstawiający cesarzy nie do końca starali się zachować podobieństwo portretowe, lecz stosowali świadomą idealizację. Do tworzenia rzeźb antycznych Rzymianie jako wzór wykorzystywali rzeźby starożytnej Grecji z V-IV wieku pne, w których lubili prostotę, krzywe linii i piękno proporcji.
Majestatyczna poza cesarza, wyraziste dłonie i nieruchome spojrzenie nadają antycznej rzeźbie monumentalny charakter. Jego szata jest efektownie narzucona na rękę, kij jest symbolem potęgi dowódcy. Męska postać o muskularnym ciele i nagich, pięknych nogach przypomina rzeźby bogów i bohaterów starożytnej Grecji. U stóp Augusta stoi Kupidyn, syn bogini Wenus, od którego według legendy wywodzi się rodzina Augusta. Jego twarz jest oddana z dużą dokładnością, ale jego wygląd wyraża męskość, bezpośredniość i uczciwość, podkreśla się w niej ideał człowieka, choć według historyków August był politykiem schludnym i twardym.
Antyczna rzeźba cesarza Wespazjana zachwyca swoim realizmem. Rzeźbiarze rzymscy przejęli ten styl od greckich. Tak się złożyło, że chęć indywidualizacji portretu sięgnęła groteski, jak np. w portrecie przedstawiciela mieszczaństwa, bogatego, przebiegłego lombardu z Pompejów, Lucjusza Cecyliusza Jucundusa. Później w rzeźbach starożytnego Rzymu, zwłaszcza w portretach z drugiej połowy II wieku, wyraźniej zaznacza się indywidualizm. Obraz staje się bardziej uduchowiony i wyrafinowany, oczy zdają się kontemplować widza. Rzeźbiarz osiągnął to, podkreślając oczy ostro zaznaczonymi źrenicami.
Wśród rzeźb starożytnego Rzymu za jedno z najlepszych dzieł tej epoki uznawany jest słynny pomnik konny Marka Aureliusza. Został odlany z brązu około 170 roku. W XVI wieku wielki Michał Anioł umieścił swoje dzieło na Kapitolu w starożytnym Rzymie. Służył jako wzór do tworzenia różnych pomników jeździeckich w wielu krajach Europy. Twórca przedstawił Marka Aureliusza w prostym stroju, w płaszczu, bez znaku cesarskiej wielkości. Marek Aureliusz był cesarzem, całe życie spędził na kampaniach, a został przedstawiony przez Michała Anioła w stroju prostego Rzymianina. Cesarz był wzorem ideału i człowieczeństwa. Patrząc na tę antyczną rzeźbę, każdy może zauważyć, że cesarz ma wysoką kulturę intelektualną.
Przedstawiając Marka Aureliusza, rzeźbiarz oddał nastrój człowieka, odczuwa spory i zmagania w otaczającej rzeczywistości i stara się od nich oddalić w świat marzeń i osobistych emocji. Ta antyczna rzeźba podsumowuje cechy światopoglądowe charakterystyczne dla całej epoki, kiedy rozczarowanie wartościami życiowymi panowało w umysłach mieszkańców Rzymu. Jego arcydzieła odzwierciedlają swoisty konflikt między jednostką a społeczeństwem, który został wywołany głębokim kryzysem społeczno-politycznym, który nawiedzał Cesarstwo Rzymskie w tamtej historycznej epoce. Siła państwa była nieustannie podważana częstymi zmianami cesarzy. Połowa III wieku była dla Cesarstwa Rzymskiego bardzo trudnym okresem kryzysowym, prawie na granicy upadku i śmierci. Wszystkie te trudne wydarzenia znajdują odzwierciedlenie w płaskorzeźbach zdobiących rzymskie sarkofagi w III wieku. Na nich możemy zobaczyć zdjęcia z bitwy między Rzymianami a barbarzyńcami.
W tej historycznej epoce ważną rolę w Rzymie odgrywa wojsko, które jest najważniejszym filarem cesarskiej władzy. W wyniku tych wydarzeń rzeźby starożytnego Rzymu ulegają modyfikacji, władcom nadaje się bardziej szorstkie i okrutne kształty twarzy, zanika idealizacja osoby.
Starożytna marmurowa rzeźba cesarza Karakalli pozbawiona jest powściągliwości. Jego brwi zamykają się w złości, przeszywające, podejrzliwe spojrzenie spod brwi, nerwowo ściśnięte usta przywodzą na myśl bezlitosne okrucieństwo, nerwowość i drażliwość cesarza Karakalli. Starożytna rzeźba przedstawia ponurego tyrana.
Ulga osiąga wielką popularność w II wieku. Zdobyli forum Trajana i słynną kolumnę pamiątkową. Kolumna spoczywa na cokole z jońską podstawą ozdobioną wieńcem laurowym. Na szczycie kolumny znajdował się posąg z pozłacanego brązu. U podstawy kolumny jego prochy zostały umieszczone w urnie wykonanej ze złota. Reliefy na kolumnie tworzą dwadzieścia trzy zakręty i osiągają długość dwustu metrów. Rzeźba antyczna należy do jednego mistrza, ale miał wielu pomocników, którzy studiowali sztukę hellenistyczną różnych kierunków. Ta odmienność znajduje odzwierciedlenie w przedstawieniu ciał i głów Daków.
Wielofigurowa kompozycja, składająca się z ponad dwustu figur, podporządkowana jest jednej idei. Pokazywał potęgę, organizację, wytrzymałość i dyscyplinę armii rzymskiej – zwycięzcy. Trajan został przedstawiony dziewięćdziesiąt razy. Dakowie jawią się nam jako odważni, odważni, ale niezorganizowani barbarzyńcy. Ich obrazy były bardzo wyraziste. Dackie emocje otwarcie wychodzą. Ta rzeźba starożytnego Rzymu w formie płaskorzeźby została pomalowana na jaskrawe kolory, ze złoconymi detalami. Abstrahując, można by założyć, że to wszystko jest jasną tkaniną. Pod koniec wieku wyraźnie widać cechy zmiany stylu. Proces ten rozwijał się intensywnie w III-IV wieku. Rzeźby antyczne powstałe w III wieku wchłaniały idee i myśli ówczesnych ludzi.
Sztuka rzymska zakończyła ogromny okres kultury antycznej. W 395 Cesarstwo Rzymskie zostało podzielone na Zachodnie i Wschodnie. Ale to wszystko nie podważyło potęgi i istnienia sztuki rzymskiej, jej tradycje nadal żyły. Artystyczne wizerunki rzeźb starożytnego Rzymu zainspirowały twórców epoki renesansu. Najsłynniejsi mistrzowie XVII-XIX wieku brali przykład z heroicznej i surowej sztuki Rzymu.
Bez fundamentów położonych przez Grecję i Rzym nie byłoby nowoczesnej Europy. Zarówno Grecy, jak i Rzymianie mieli swoje historyczne powołanie – uzupełniali się nawzajem, a fundamentem nowoczesnej Europy jest ich wspólna sprawa.
Dziedzictwo artystyczne Rzymu wiele znaczyło w kulturowym fundamencie Europy. Co więcej, ta spuścizna była niemalże decydująca dla sztuki europejskiej.
W podbitej Grecji Rzymianie zachowywali się początkowo jak barbarzyńcy. W jednej ze swoich satyr Juvenal pokazuje nam niegrzecznego rzymskiego żołnierza tamtych czasów, „który nie umiał docenić sztuki Greków”, który „jak zwykle” rozbijał „kubki wykonane przez chwalebnych artystów” na małe kawałki do dekoracji jego tarcza lub skorupa z nimi.
A kiedy Rzymianie usłyszeli o wartości dzieł sztuki, zniszczenie zostało zastąpione rabunkiem - hurtowym, podobno bez żadnej selekcji. Z Epiru w Grecji Rzymianie usunęli pięćset posągów, a po rozbiciu Etrusków dwa tysiące z Vei. Jest mało prawdopodobne, aby to wszystko było jednym arcydziełem.
Powszechnie przyjmuje się, że upadek Koryntu w 146 pne. kończy się grecki okres starożytnej historii. To kwitnące miasto na wybrzeżu Morza Jońskiego, jedno z głównych ośrodków kultury greckiej, zostało zrównane z ziemią przez żołnierzy rzymskiego konsula Mummiusza. Ze spalonych pałaców i świątyń statki konsularne wywoziły niezliczone skarby artystyczne, tak że, jak pisze Pliniusz, dosłownie cały Rzym był wypełniony posągami.
Rzymianie nie tylko przywieźli wielką ilość greckich posągów (dodatkowo przywieźli też egipskie obeliski), ale na największą skalę kopiowali greckie oryginały. I już za to powinniśmy być im wdzięczni. Jaki jednak był rzeczywisty wkład Rzymian w sztukę rzeźbiarską? Wokół pnia kolumny Trajana, wzniesionej na początku II wieku p.n.e. pne mi. na forum Trajana, nad samym grobem tego cesarza, jak szeroka wstęga wije się płaskorzeźba, gloryfikująca jego zwycięstwa nad Dakami, których królestwo (dzisiejsza Rumunia) zostało ostatecznie podbite przez Rzymian. Artyści, którzy wykonali tę płaskorzeźbę, byli niewątpliwie nie tylko uzdolnieni, ale także dobrze obeznani z technikami mistrzów hellenistycznych. A jednak jest to dzieło typowo rzymskie.
Przed nami najbardziej szczegółowy i sumienny narracja. To narracja, a nie uogólniony obraz. W greckiej płaskorzeźbie historia prawdziwych wydarzeń została przedstawiona alegorycznie, zwykle przeplatana mitologią. W rzymskiej płaskorzeźbie z czasów republiki wyraźnie widać chęć jak najściślejszego, dokładniej przekazać przebieg wydarzeń w logicznej kolejności, wraz z charakterystycznymi cechami zaangażowanych osób. W płaskorzeźbie kolumny Trajana widzimy obozy rzymskie i barbarzyńców, przygotowania do kampanii, szturmy na twierdze, przeprawy, bezlitosne bitwy. Wszystko wydaje się być naprawdę bardzo dokładne: typy rzymskich żołnierzy i Daków, ich broń i ubiór, rodzaj fortyfikacji - tak, aby płaskorzeźba ta mogła służyć jako swego rodzaju rzeźbiarska encyklopedia ówczesnego życia wojskowego. Swoją ogólną ideą cała kompozycja przypomina raczej reliefowe narracje o obelżywych wyczynach królów asyryjskich już nam znanych, jednak z mniejszą mocą obrazową, chociaż z lepszą znajomością anatomii i od Greków umiejętnością umieszczaj figurki swobodniej w przestrzeni. Płaskorzeźba, bez plastycznej identyfikacji postaci, mogła być inspirowana nie zachowanymi obrazami. Wizerunki samego Trajana powtarzają się co najmniej dziewięćdziesiąt razy, twarze żołnierzy są niezwykle wyraziste.
Ta sama konkretność i wyrazistość stanowią znak rozpoznawczy wszelkiej rzymskiej rzeźby portretowej, w której być może najdobitniej objawiła się oryginalność rzymskiego geniuszu artystycznego.
Udział czysto rzymski, zawarty w skarbcu kultury światowej, doskonale określa (w połączeniu z portretem rzymskim) największy koneser sztuki antycznej O.F. Waldhauer: „... Rzym istnieje jako jednostka; Rzym jest w tych surowych formach, w których pod jego panowaniem odżyły starożytne obrazy; Rzym jest w tym wielkim organizmie, który rozsiewa zalążki kultury antycznej, dając im możliwość zapłodnienia nowych, jeszcze barbarzyńskich ludów, i wreszcie Rzym tworzy cywilizowany świat na bazie elementów kultury helleńskiej i modyfikując je, zgodnie z nowymi zadaniami, tylko Rzym i mógł stworzyć... wielką epokę rzeźby portretowej...”.
Portret rzymski ma złożone tło. Jego związek zarówno z portretem etruskim, jak i hellenistycznym jest oczywisty. Rzymski korzeń jest również dość wyraźny: pierwsze rzymskie portrety w marmurze lub brązie były tylko dokładną reprodukcją maski woskowej pobranej z twarzy zmarłego. Nie jest to jeszcze sztuka w zwykłym tego słowa znaczeniu.
W późniejszych czasach dokładność została zachowana w sercu rzymskiego portretu artystycznego. Precyzja inspirowana twórczą inspiracją i niezwykłym kunsztem. Swoją rolę odegrało tu oczywiście dziedzictwo sztuki greckiej. Ale bez przesady można powiedzieć: sztuka barwnie zindywidualizowanego portretu, doprowadzonego do perfekcji, całkowicie odsłaniającego wewnętrzny świat danej osoby, jest w istocie osiągnięciem rzymskim. W każdym razie pod względem zakresu kreatywności, pod względem siły i głębokości psychologicznej penetracji.
Na portrecie rzymskim objawia się nam duch starożytnego Rzymu we wszystkich jego aspektach i sprzecznościach. Portret rzymski to niejako sama historia Rzymu opowiedziana twarzami, historia jego bezprecedensowego wzlotu i tragicznej śmierci: „Cała historia upadku Rzymu wyraża się tutaj w brwiach, czołach, ustach” (Herzen) .
Wśród cesarzy rzymskich były szlachetne osobistości, najwięksi mężowie stanu, byli też chciwi ambitni ludzie, były potwory, despoci,
oszalał od nieograniczonej władzy i ze świadomością, że wszystko jest im dozwolone, przelewając morze krwi, byli ponurymi tyranami, którzy przez zabójstwo swojego poprzednika osiągnęli najwyższą rangę i dlatego zniszczyli wszystkich, którzy ich zainspirowali najmniejsze podejrzenie. Jak widzieliśmy, moralność zrodzona z deifikowanej autokracji czasami popychała nawet najbardziej oświeconych do najokrutniejszych czynów.
W okresie największej potęgi cesarstwa ściśle zorganizowany system niewolniczy, w którym życie niewolnika było na nic i traktowano go jak bydło pracujące, odcisnął piętno na moralności i życiu nie tylko cesarzy i szlachty, ale także zwykłych obywateli. A jednocześnie, zachęcony patosem państwowości, wzrosło pragnienie usprawnienia życia społecznego w całym imperium na sposób rzymski, z pełnym przekonaniem, że nie może być bardziej stabilnego i korzystnego systemu. Ale ta pewność okazała się nie do utrzymania.
Nieustanne wojny, zamieszki, prowincjonalne powstania, ucieczka niewolników, świadomość braku praw z każdym stuleciem coraz bardziej podkopywały fundamenty „świata rzymskiego”. Podbite prowincje coraz bardziej zdecydowanie wykazywały swoją wolę. I w końcu podkopali jednoczącą potęgę Rzymu. Prowincje zniszczyły Rzym; Sam Rzym zamienił się w miasto prowincjonalne, podobne do innych, uprzywilejowane, ale już nie dominujące, przestające być centrum światowego imperium… Państwo rzymskie zamieniło się w gigantyczną złożoną maszynę wyłącznie do wysysania soków ze swoich poddanych.
Nowe trendy płynące ze Wschodu, nowe ideały, poszukiwanie nowej prawdy zrodziły nowe wierzenia. Nadchodził upadek Rzymu, upadek starożytnego świata z jego ideologią i strukturą społeczną.
Wszystko to znajduje odzwierciedlenie w rzymskiej rzeźbie portretowej.
W czasach republiki, kiedy obyczaje były surowsze i prostsze, dokumentalna dokładność obrazu, tak zwana „weryzm” (od słowa verus – prawda), nie została jeszcze zrównoważona przez greckie uszlachetniające wpływy. Wpływ ten przejawiał się w epoce Augusta, czasami nawet ze szkodą dla prawdziwości.
Słynny pełnometrażowy posąg Augusta, na którym ukazany jest w całej okazałości cesarskiej władzy i militarnej chwały (pomnik z Prima Port, Rzymu, Watykanu), a także jego wizerunek w postaci samego Jowisza (Ermitaż ), oczywiście wyidealizowane ceremonialne portrety zrównujące pana ziemskiego z niebiańskimi. A jednak pokazują indywidualne cechy Augusta, względną równowagę i niewątpliwe znaczenie jego osobowości.
Wyidealizowane są także liczne portrety jego następcy, Tyberiusza.
Przyjrzyjmy się rzeźbiarskiemu portretowi Tyberiusza w młodości (Kopenhaga, Gliptoteka). Uszlachetniony wizerunek. A przy tym oczywiście indywidualny. Coś niesympatycznego, nieprzyjemnie zamkniętego zagląda przez jego rysy. Być może, postawiony w innych warunkach, osoba ta zewnętrznie przeżyłaby swoje życie całkiem przyzwoicie. Ale wieczny strach i nieograniczona moc. I wydaje nam się, że artysta uchwycił na swój obraz coś, czego nie rozpoznał nawet wnikliwy August, wyznaczając Tyberiusza na swojego następcę.
Ale mimo całej tej szlachetnej powściągliwości, portret następcy Tyberiusza, Kaliguli (Kopenhaga, Glyptothek), mordercy i oprawcy, który został ostatecznie zasztyletowany przez swoich bliskich współpracowników, jest już całkowicie odkrywczy. Jego spojrzenie jest upiorne i czujesz, że nie może być litości od tego bardzo młodego władcy (zakończył swoje straszne życie w wieku dwudziestu dziewięciu lat) z zaciśniętymi ustami, który uwielbiał przypominać, że może wszystko: i z ktokolwiek. Patrząc na portret Kaliguli wierzymy we wszystkie opowieści o jego niezliczonych okrucieństwach. „Zmusił ojców, by byli obecni przy egzekucji ich synów”, pisze Swetoniusz, „wysłał nosze dla jednego z nich, gdy próbował uciec z powodu złego stanu zdrowia; zaraz po spektaklu egzekucji zaprosił innego do stołu i wszelkimi uprzejmościami zmusił go do żartów i zabawy. A inny rzymski historyk, Dion, dodaje, że kiedy ojciec jednego ze straconych „zapytał, czy mógłby chociaż zamknąć oczy, kazał go zabić”. A także Swetoniusza: „Kiedy cena bydła, tuczonego przez dzikie zwierzęta na spektakle, wzrosła, kazał oddać je na łaskę przestępców; i chodząc po więzieniu za to, nie szukał, kto jest za co winny, ale bezpośrednio kazał, stojąc przy drzwiach, zabrać wszystkich ... ”. Złowroga w swoim okrucieństwie jest nisko czołowa twarz Nerona, najsłynniejszego z ukoronowanych potworów starożytnego Rzymu (marmur, Rzym, Muzeum Narodowe).
Styl rzymskiego portretu rzeźbiarskiego zmieniał się wraz z ogólną postawą epoki. Dokumentalna prawdziwość, majestat, sięgające przebóstwienie, najostrzejszy realizm, głębia psychologicznej penetracji na przemian panowały w nim, a nawet się uzupełniały. Ale dopóki żyła rzymska idea, nie wysychała w nim moc malarstwa.
Cesarz Hadrian zasłużył na chwałę mądrego władcy; wiadomo, że był oświeconym koneserem sztuki, gorącym wielbicielem klasycznego dziedzictwa Hellady. Jego rysy wyrzeźbione w marmurze, jego zamyślone spojrzenie wraz z lekką nutą smutku dopełniają naszego wyobrażenia o nim, tak jak jego portrety dopełniają naszą ideę Karakalli, prawdziwie oddając kwintesencję bestialskiego okrucieństwa, najbardziej nieokiełznanego, gwałtowna moc. Ale prawdziwym „filozofem na tronie”, myślicielem pełnym duchowej szlachetności, jest Marek Aureliusz, który w swoich pismach głosił stoicyzm, wyrzeczenie się dóbr ziemskich.
Naprawdę niezapomniane w ich wyrazistych obrazach!
Ale portret rzymski wskrzesza przed nami nie tylko wizerunki cesarzy.
Zatrzymajmy się w Ermitażu przed portretem nieznanego Rzymianina, wykonanym prawdopodobnie pod koniec I wieku. To niewątpliwe arcydzieło, w którym rzymska dokładność obrazu łączy się z tradycyjnym greckim rzemiosłem, obraz dokumentalny - z wewnętrzną duchowością. Nie wiemy, kim jest autor portretu – Grek, który swój talent oddał Rzymowi ze swoim światopoglądem i upodobaniami, rzymski lub inny artysta, cesarski podmiot, inspirowany greckimi wzorami, ale mocno zakorzeniony w rzymskiej ziemi – jako autorami są nieznani (w większości prawdopodobnie niewolnicy) i inne wspaniałe rzeźby powstałe w epoce rzymskiej.
Ten obraz przedstawia już starszego mężczyznę, który w swoim życiu wiele widział i wiele przeżył, w którym domyślasz się jakiegoś bolesnego cierpienia, być może z głębokich myśli. Obraz jest tak prawdziwy, prawdziwy, tak wytrwale wyrwany z głębi człowieka i tak umiejętnie odsłonięty w swej istocie, że wydaje nam się, że spotkaliśmy tego Rzymianina, znamy go, to prawie dokładnie tak - nawet jeśli nasze porównanie jest nieoczekiwany – jak wiemy, na przykład bohaterowie powieści Tołstoja.
I ta sama przekonywalność w innym znanym arcydziele z Ermitażu, marmurowym portrecie młodej kobiety, nazywanej umownie „Syryjką” ze względu na typ jej twarzy.
To już druga połowa II wieku: przedstawiona kobieta jest rówieśniczką cesarza Marka Aureliusza.
Wiemy, że była to epoka przewartościowania, wzmożonych wpływów wschodnich, nowych nastrojów romantycznych, dojrzewającego mistycyzmu, które zapowiadały kryzys dumy rzymskiego wielkiego mocarstwa. „Czas ludzkiego życia to chwila”, pisał Marek Aureliusz, „jego istotą jest wieczny przepływ; uczucie niejasne; struktura całego ciała jest psująca się; dusza jest niestabilna; los jest tajemniczy; sława jest niewiarygodna.
Melancholijna kontemplacja, charakterystyczna dla wielu ówczesnych portretów, tchnie obrazem „Syryjskiej kobiety”. Ale jej zamyślone marzenia na jawie – czujemy to – są głęboko indywidualne i znowu ona sama wydaje się nam znajoma od dawna, prawie nawet droga, więc witalne dłuto rzeźbiarki z wyrafinowanym dziełem wydobytym z białego marmuru z delikatnym niebieskawym odcieniem jest jej czarująca i urocza. cechy uduchowione.
A oto znowu cesarz, ale cesarz szczególny: Filip Arabski, który wysunął się na pierwszy plan w środku kryzysu III wieku. - krwawa „cesarska żaba skacząca” – z szeregów legionu prowincjonalnego. To jego oficjalny portret. Tym bardziej znacząca jest żołnierska surowość obrazu: był to czas, kiedy w powszechnych niepokojach armia stała się twierdzą imperialnej władzy.
Zmarszczone brwi. Groźny, ostrożny wygląd. Ciężki, mięsisty nos. Głębokie zmarszczki policzków, tworzące jakby trójkąt z ostrą poziomą linią grubych ust. Potężna szyja, a na piersi - szeroka, poprzeczna fałda togi, nadająca wreszcie całemu marmurowemu popiersiowi iście granitową masywność, lakoniczną siłę i integralność.
Oto, co Waldgauer pisze o tym wspaniałym portrecie, również przechowywanym w naszej Ermitażu: „Technika jest maksymalnie uproszczona… Rysy twarzy są wypracowywane głębokimi, prawie szorstkimi liniami, z całkowitym odrzuceniem szczegółowego modelowania powierzchni. Osobowość jako taką bezlitośnie charakteryzuje się podkreśleniem najważniejszych cech.
Nowy styl, monumentalna ekspresja osiągnięta w nowy sposób. Czy nie jest to wpływ tzw. barbarzyńskich peryferii imperium, coraz bardziej przenikających przez prowincje, które stały się rywalami Rzymu?
W ogólnym stylu popiersia Filipa Araba Waldhauer dostrzega cechy, które zostaną w pełni rozwinięte w średniowiecznych portretach rzeźbiarskich katedr francuskich i niemieckich.
Starożytny Rzym zasłynął z głośnych czynów, dokonań, które zaskoczyły świat, ale jego upadek był ponury i bolesny.
Skończyła się cała epoka historyczna. Przestarzały system musiał ustąpić miejsca nowemu, bardziej zaawansowanemu; społeczeństwo niewolnicze - odrodzić się w społeczeństwie feudalnym.
W 313 r. długo prześladowane chrześcijaństwo zostało uznane w Cesarstwie Rzymskim za religię państwową, co pod koniec IV wieku. stał się dominujący w całym Cesarstwie Rzymskim.
Chrześcijaństwo, ze swoim głoszeniem pokory, ascezy, ze swoim marzeniem o niebie nie na ziemi, ale w niebie, stworzyło nową mitologię, której bohaterowie, asceci nowej wiary, którzy przyjęli za nią męczeńską koronę, wzięli za nią miejsce, które kiedyś należało do bogów i bogiń, uosabiając afirmującą życie zasadę ziemską miłość i ziemską radość. Rozprzestrzeniała się stopniowo, a zatem, jeszcze przed zalegalizowanym triumfem, doktryna chrześcijańska i nastroje społeczne, które ją przygotowywały, radykalnie podważyły ideał piękna, który niegdyś świecił pełnym światłem na ateńskim Akropolu i który został zaakceptowany i zatwierdzony przez Rzym na całym świecie podlega.
Kościół Chrześcijański próbował ubrać w konkretną formę niewzruszonych wierzeń religijnych nowy światopogląd, w którym Wschód ze swoimi lękami przed nierozwiązanymi siłami natury, odwieczną walką z Bestią, rezonował z nędzami całego starożytnego świata. I choć rządząca elita tego świata miała nadzieję, że zwiąże zrujnowaną rzymską potęgę nową uniwersalną religią, światopogląd, zrodzony z potrzeby społecznej przemiany, wstrząsnął jednością imperium wraz z tą starożytną kulturą, z której wyrosła rzymska państwowość.
Zmierzch starożytnego świata, zmierzch wielkiej sztuki antycznej. Majestatyczne pałace, fora, łaźnie i łuki triumfalne wciąż budowane są w całym imperium według starych kanonów, ale są to tylko powtórzenia tego, co osiągnięto w poprzednich stuleciach.
Kolosalna głowa - około półtora metra - od posągu cesarza Konstantyna, który w 330 r. przeniósł stolicę imperium do Bizancjum, które stało się Konstantynopolem - „Drugim Rzymem” (Rzym, Pałac Konserwatystów). Twarz zbudowana poprawnie, harmonijnie, według greckich wzorów. Ale w tej twarzy najważniejsze są oczy: wydaje się, że jeśli je zamkniesz, nie będzie samej twarzy ... To, co w portretach fajum lub pompejańskim portrecie młodej kobiety nadało obrazowi natchniony wyraz, jest tu doprowadzony do skrajności, wyczerpania całego obrazu. Starożytna równowaga między duchem a ciałem zostaje wyraźnie naruszona na korzyść tego pierwszego. Nie żywą ludzką twarzą, ale symbolem. Symbol władzy, odciśnięty w spojrzeniu, władzy ujarzmiającej wszystko, co ziemskie, beznamiętne, nieugięte i niedostępne wysoko. Nie, nawet jeśli cechy portretowe zachowały się w wizerunku cesarza, nie jest to już rzeźba portretowa.
Imponujący jest łuk triumfalny cesarza Konstantyna w Rzymie. Jego kompozycja architektoniczna jest ściśle utrzymana w klasycznym stylu rzymskim. Ale w reliefowej narracji gloryfikującej cesarza styl ten znika niemal bez śladu. Płaskorzeźba jest tak niska, że małe postacie wydają się płaskie, nie wyrzeźbione, ale podrapane. Ustawiają się monotonnie, przylegając do siebie. Patrzymy na nie ze zdumieniem: to świat zupełnie inny niż świat Hellady i Rzymu. Żadnego przebudzenia - a pozornie na zawsze pokonana frontalność zostaje wskrzeszona!
Porfirowy posąg współwładców cesarskich - tetrarchów, którzy w tym czasie władali odrębnymi częściami imperium. Ta grupa rzeźbiarska wyznacza zarówno koniec, jak i początek.
Koniec - bo zdecydowanie zrezygnowano z helleńskiego ideału piękna, płynnej okrągłości form, harmonii ludzkiej sylwetki, elegancji kompozycji, miękkości modelowania. Nieuprzejmość i uproszczenie, które nadały szczególnej wyrazistości portretowi Ermitażu Filipa Araba, stały się tutaj niejako celem samym w sobie. Prawie sześcienne, niezgrabnie rzeźbione głowy. Nie ma nawet śladu portretu, jakby indywidualność ludzka była już niegodna obrazu.
W 395 Cesarstwo Rzymskie rozpadło się na zachodnio-łacinę i wschodnio-grecką. W 476 Cesarstwo Zachodniorzymskie padło pod ciosami Niemców. Rozpoczęła się nowa epoka historyczna, zwana średniowieczem.
W historii sztuki otworzyła się nowa karta.
Zabytki kultury rzymskiej II-I wieku. pne mi. niezbyt liczne. Jest to na przykład tzw. „Brut”, wykonany z brązu. Główne ulice miasta Rzymu w późnym okresie republikańskim były ozdobione wspaniałymi marmurowymi posągami, w większości kopiami greckich mistrzów. Dzięki temu sprowadziły się do nas dzieła słynnych greckich rzeźbiarzy: Myrona, Poliklegusa, Praksytelesa, Lizypa.
Od końca III wieku PNE. wspaniała rzeźba grecka zaczyna wywierać potężny wpływ na rzeźbę rzymską. Podczas plądrowania greckich miast Rzymianie zagarniają dużą liczbę rzeźb, które zachwycają nawet praktycznych i konserwatywnych Rzymian.
Rzeźba rzymska znacznie różniła się od greckiej. Grecy bardzo często przedstawiali Bogów w postaci posągów, a Rzymianie próbowali oddać obraz człowieka: jego wygląd. Zrobili popiersia i ogromne posągi na pełną wysokość. W II wieku. PNE. forum było tak zawalone rzeźbami z brązu, że wydano specjalną decyzję, zgodnie z którą wiele z nich usunięto.
Według legendy pierwsze rzeźby w Rzymie pojawiły się za czasów Tarkwiniusza Dumnego, który ozdobił dach wybudowanej przez niego świątyni Jowisza na Kapitolu glinianymi posągami według etruskiego zwyczaju. W rzeźbie Rzymianie byli daleko w tyle za Grekami, choć w ich portretach jest indywidualność i próba oddania określonego wizerunku (w przeciwieństwie do wyidealizowanych greckich posągów). Jednocześnie rzeźba rzymska okresu republikańskiego charakteryzuje się pewnym uproszczeniem i kanciastością form. Pierwszą rzeźbą z brązu był posąg bogini płodności Ceres, odlany na początku V wieku. PNE. Od IV wieku PNE. zaczynają wznosić posągi rzymskich sędziów, a nawet osób prywatnych. Wielu Rzymian starało się umieścić na forum posągi siebie lub swoich przodków. W II wieku. pne mi. forum było tak zawalone rzeźbami z brązu, że wydano specjalną decyzję, zgodnie z którą wiele z nich usunięto. Posągi z brązu były z reguły odlewane we wczesnej epoce przez mistrzów etruskich, a od II wieku. PNE. - rzeźbiarze greccy. Masowa produkcja posągów nie przyczyniła się do powstania dobrych dzieł, a do tego Rzymianie nie aspirowali. Dla nich najważniejsze w posągu było portretowe podobieństwo do oryginału. Posąg miał wychwalać tę osobę, jego potomków, dlatego ważne było, aby przedstawiona twarz nie była mylona z kimś innym. Zabytki kultury rzymskiej II-I wieku. pne mi. niezbyt liczne. Jest to na przykład tzw. „Brut”, wykonany z brązu. Główne ulice miasta Rzymu w późnym okresie republikańskim były ozdobione wspaniałymi marmurowymi posągami, w większości kopiami greckich mistrzów.
Na rozwój rzymskiego portretu indywidualnego wpłynął zwyczaj zdejmowania ze zmarłych masek woskowych, które następnie przechowywano w głównym pomieszczeniu rzymskiego domu. Maski te wynoszono z domu podczas uroczystych pogrzebów, a im więcej takich masek było, tym szlachetniejsza była rodzina. Rzemieślnicy najwyraźniej powszechnie używali tych masek woskowych podczas rzeźbienia. Na powstanie i rozwój rzymskiego portretu realistycznego wpłynęła tradycja etruska, którą kierowali etruscy mistrzowie pracujący dla rzymskich klientów.
Od końca III wieku PNE. na Rzeźba rzymska wspaniała grecka rzeźba zaczyna wywierać potężny wpływ. Podczas plądrowania greckich miast Rzymianie zagarniają dużą liczbę rzeźb, które zachwycają nawet praktycznych i konserwatywnych Rzymian. Powódź greckich posągów dosłownie wlała się do Rzymu. Na przykład jeden z rzymskich dowódców przywiózł do Rzymu po swojej kampanii 285 brązowych i 230 marmurowych rzeźb, inny wiózł 250 wozów triumfujących z greckimi posągami. Posągi greckie są wystawiane wszędzie: na forum, w świątyniach, łaźniach, willach, w domach miejskich. Pomimo obfitości oryginałów wywiezionych z Grecji, istnieje duże zapotrzebowanie na kopie najsłynniejszych posągów. Do Rzymu wyemigrowała duża liczba greckich rzeźbiarzy, którzy kopiowali oryginały słynnych mistrzów. Obfity napływ greckich arcydzieł i masowe kopiowanie opóźnił rozkwit właściwej rzeźby rzymskiej. Jedynie w dziedzinie portretu realistycznego Rzymianie, korzystając z tradycji etruskiej, przyczynili się do rozwoju rzeźby i stworzyli znakomite dzieła (wilczyca kapitolińska, Brutus, mówca, popiersia Cycerona i Cezara). Pod wpływem sztuki greckiej portret rzymski zaczyna tracić cechy naturalizmu charakterystyczne dla szkoły etruskiej, a nabiera cech pewnego uogólnienia, tj. jest naprawdę realistyczny.
Początkowo Rzymianie całkowicie naśladowali rzeźbę grecką, uważając ją za szczyt doskonałości, często wykonując kopie z zachowanych posągów greckich, które im się najbardziej podobały (dzięki czemu możemy oceniać istniejące oryginały). Ale jeśli Grecy rzeźbili bogów i mitologicznych bohaterów, to Rzymianie mają rzeźbiarskie portrety konkretnych ludzi. Rzymski portret rzeźbiarski uważany jest za wybitne osiągnięcie kultury antycznej. Na jego powstanie wpłynął zwyczaj z czasów republiki zdejmowania gipsowej maski z twarzy zmarłego.
W procesjach pogrzebowych krewni nosili maski swoich przodków, wydawało się, że w pogrzebie uczestniczyli wszyscy starsi rodziny. Szlachetni Rzymianie, dumni ze swojego pochodzenia, zlecili rzeźbiarzom swoje posągi z portretami przodków. Niewiele zachowało się wczesnorepublikańskich portretów rzeźbiarskich. Mistrzowie I w. Pne, pracując nad portretem, dokładnie podążali za naturą, często, prawdopodobnie już na martwej twarzy, niczego nie zmieniając, zachowując wszystkie drobne szczegóły. Wspaniały portret lichwiarza z Pompejów. Postać przebiegłej i złej osoby, która nie znała współczucia dla ludzi, jest szczerze przekazana.
Wraz z powstaniem imperium jednym z głównych tematów sztuki rzymskiej jest gloryfikacja cesarza. Sam pierwszy cesarz Oktawian August i jego pomocnicy starannie popierali te nurty w literaturze i sztuce, które odpowiadały duchowi oficjalnej ideologii. Gloryfikacja „boskiego Augusta”, gloryfikacja świata rzymskiego, idealizacja starożytności stają się głównymi motywami twórczości rzymskich poetów i artystów. Majestatyczny styl Fidiasza, idealne sportowe piękno posągów Polikleta najlepiej nadawały się do wyrażania nowych pomysłów. Wizerunki rzeźbiarskie tego okresu znacznie różnią się od portretów rzeźbiarskich okresu republikańskiego.
Na znanych obrazach Oktawian August jest przedstawiony w zbroi wojskowej dowódcy. Kupidyn na delfinie u jego stóp przypomina boskie pochodzenie Augusta (delfin jest atrybutem Wenus, którą rodzina Juliusza uważała za swojego boskiego przodka). Twarz i postać cesarza są zbyt ozdobione. Wiadomo, że August miał duże uszy, zapadnięte policzki, słabe i przygarbione ciało. Twarz pozbawiona oznak starzenia. Bohater, półbóg, przemawiający do wojska, jest pewien ich oddania. Zbroja cesarza przedstawia bogów nieba i ziemi, alegoryczne postacie oznaczają podbite prowincje Galii i Hiszpanii – narracyjna płaskorzeźba.
August, choć ukazany w ceremonialnym uzbrojeniu, przedstawiony jest boso, niczym grecki bóg i bohater. Posąg, podobnie jak grecki, został namalowany. Posąg Augusta wzorowany jest na klasycznej rzeźbie szkoły Polikleta. Ten posąg znajdował się w pobliżu ołtarza świątyni Marsa podczas budowy jego forum przez Augusta. A oto August zasiadający na tronie z boginią zwycięstwa Nike w prawej ręce i laską w lewej na znak władzy nad światem. To dobrze znana kompozycja w starożytnym świecie: kompozycja ze złota i kości słoniowej ze złota i kości słoniowej posągu Zeusa Olimpijskiego (V wiek p.n.e.), wykonana przez Fidiasza. August jest półnagi, jak to było w zwyczaju przedstawiania bogów i bohaterów w sztuce greckiej.
Portret rzeźbiarski zmienia się z biegiem czasu. Od czasów Hadriana (II wne) rzymscy rzeźbiarze przestali malować marmur: tęczówkę, źrenicę, brwi przenosi się teraz dłutem. Powierzchnia odsłoniętych części ciała jest wypolerowana na jasny połysk, a włosy i ubrania pozostają matowe. Na płaskorzeźbach wielofigurowych kolorystyka nadal była zachowana.
W licznych portretach cesarzy, ich żon, członków ich rodzin i osób zawsze ściśle przestrzegane jest podobieństwo portretowe, indywidualne cechy budowy twarzy i fryzury. Ale wszystkie portrety mają też cechy wspólne: to wyraz smutnej refleksji, zaabsorbowania sobą, czasem smutku. Idee oficjalnej filozofii stoicyzmu były przepojone pesymizmem i rozczarowaniem dobrami ziemskimi. Czyta się to w obliczu Marka Aureliusza w jego posągu portretowym (pomnik konny z lat 160-170).
Uznano za szczególny zaszczyt schwytanie cesarza, dowódcy lub innej postaci politycznej na koniu (koń był starożytnym symbolem słońca). Losy posągu konnego Marka Aureliusza są o tyle ciekawe, że wzięty w średniowieczu za wizerunek cesarza Konstantyna, czczony przez kościół chrześcijański jako święty, nie został zniszczony jako pogański, został starannie zachowany i stał się model dla renesansowych posągów konnych.
Jest senna melancholia w obrazie Kommodusa, reprezentowanego jako Herkules (AD 190), choć takie wyrażenie wcale nie odpowiada surowemu i okrutnemu charakterowi tego ostatniego władcy z dynastii Antoninów. Na ramionach ma lwią skórę, w prawej dłoni maczugę, w lewej magiczne jabłka, przywracające młodość.
O szczególnym blasku w II wieku. osiągnął ulgę. Płaskorzeźby zdobiły forum Trajana i słynną kolumnę pamiątkową. Kolumna z kapitelem typu doryckiego stoi na cokole z jońską podstawą obramowaną wieńcem laurowym. Wierzchołek kolumny zwieńczono posągiem cesarza z pozłacanego brązu, a jego prochy zakopano w złotej urnie w podstawie kolumny. Reliefy na kolumnie wykonują 23 zakręty i osiągają długość 200 m. Płaskorzeźba kolumny Trajana dokładnie opowiada o wszystkich szczegółach kampanii wojsk rzymskich na Dunaju w latach 101-102 i 105-106. przeciwko kaczkom.
Kompozycja całej płaskorzeźby należy do jednego autora, ale wykonawców było wielu, wszyscy mistrzowie przeszli szkołę greckiej, a dokładniej sztuki hellenistycznej, ale w różnych kierunkach, co jest szczególnie widoczne w interpretacji postaci i głów Daków. Cały wielofigurowy fryz (ponad 2000 figur) podporządkowany jest jednej idei: pokazania siły, organizacji, wytrzymałości i dyscypliny rzymskiej armii – zwycięzcy. Trajan został przedstawiony 90 razy. Daków charakteryzują odważnych, odważnych, ale słabo zorganizowanych barbarzyńców. Wizerunki Daków okazały się bardziej wyraziste niż wizerunki Rzymian, ich emocje otwarcie się ujawniają.
Płaskorzeźba była kolorowo pomalowana, detale złocone; wyglądał jak jasna, malownicza taśma, pełna żywych, dynamicznych obrazów. W ostatniej tercji wieku w płaskorzeźbach kolumny Marka Aureliusza widać już wyraźnie rysy zmiany stylu, jej „barbaryzacji”. Proces ten był intensywnie rozwijany w III-IV wieku.
Tylko silna wola, energiczni, surowi władcy mogli utrzymać władzę w swoich rękach w początkowym okresie kryzysu i upadku imperium. Portrety przedstawiające łagodny smutek, melancholię ustępują miejsca nie oddaniu jakiegokolwiek nastroju, ale ujawnieniu charakteru. Taki jest na przykład portret Filipa Araba (III wiek n.e.). Władca ten zabił swojego poprzednika i, opierając się na lojalnych mu oddziałach, doszedł do władzy. Wybitny rzeźbiarz oddał ponury wyraz twarzy Filipa Araba, mocno zaciśnięte usta, zwietrzałą skórę żołnierza. Portret ujawnia odwagę i siłę, a także podejrzliwość i nieufność do innych. Równie wyrazisty jest portret cesarza Karakalli.
Triumfowi kościoła chrześcijańskiego towarzyszyło zniszczenie wielu zabytków rzeźby antycznej.
Początkowo Rzymianie całkowicie naśladowali rzeźbę grecką, uważając ją za szczyt doskonałości, często wykonując kopie z zachowanych posągów greckich, które im się najbardziej podobały. Mimo to rzeźby rzymskie znacznie różniły się od greckich. Grecy bardzo często przedstawiali Bogów w postaci posągów, a Rzymianie próbowali przekazać obraz osoby: jego wygląd. Zrobili popiersia i ogromne posągi na pełną wysokość. W II wieku. pne mi. forum było tak zawalone rzeźbami z brązu, że wydano specjalną decyzję, zgodnie z którą wiele z nich usunięto.
Pierwszą rzeźbą z brązu był posąg bogini płodności Ceres, odlany na początku V wieku. PNE. Od IV wieku PNE. zaczynają wznosić posągi rzymskich sędziów, a nawet osób prywatnych. Wielu Rzymian starało się umieścić na forum posągi siebie lub swoich przodków. Dla Rzymian najważniejsze w posągu było podobieństwo portretu do oryginału. Posąg miał wychwalać tę osobę, jego potomków, dlatego ważne było, aby przedstawiona twarz nie była mylona z kimś innym. W licznych portretach cesarzy, ich żon, członków ich rodzin i osób zawsze ściśle przestrzegane jest podobieństwo portretowe, indywidualne cechy budowy twarzy i fryzury.
Podbojowi Grecji i państw hellenistycznych towarzyszył majestatyczny rabunek greckich miast. Wraz z niewolnikami eksportowano do Rzymu w dużych ilościach różnego rodzaju wartości materialne, greckie posągi i obrazy. Tak więc dzieła Skopasa, Praksytelesa, Lizypa i wielu innych wielkich mistrzów greckich zostały przeniesione do Rzymu.
