Zacisk skrzypiec. Spektakl „Fałszywa notatka” O czym jest spektakl

Spektakl „Fałszywa notatka” to detektywistyczna abstrakcja, psychologiczny konflikt z nieoczekiwanymi zwrotami akcji i nieprzewidywalnym zakończeniem. Uwagę widza przez cały czas utrzymuje dwóch aktorów. W genialnej sztuce mamy do czynienia z dwójką bohaterów, którzy w toku akcji kilkakrotnie zmieniają role. Ofiara na chwilę zamienia się w kata, oskarżyciel staje się oskarżonym, oskarżyciel staje się winnym.

Głównym bohaterem jest dyrygent Filharmonii Genewskiej. Opuścił pałeczkę dyrygenta dopiero w wypełnionej publicznością sali koncertowej. Prosty gest wywołał burzę braw. Konduktor Miller kłania się i wychodzi do garderoby. Mija kilka minut samotności i ciszy, gdy do garderoby puka nieznana osoba. To fan muzyka Dinkla, który specjalnie przyjechał z Belgii, żeby dostać się na koncert.

Tajemniczy gość przychodzi po autograf i zdjęcie, ale prawdziwy cel wizyty sięga głębiej. Ze skromnego gościa zmienia się w wytrwałego badacza: zadaje podchwytliwe pytania, które dotyczą nie tylko jego kariery muzycznej, ale także byłego muzyka.

Na tle prostej, niewyszukanej scenerii rozgrywa się wyrazista, gorączkowa konfrontacja dwóch bystrych osobowości. Bitwa bez protekcjonalności i litości, z pokonanymi i zwycięzcami. Oboje są szaleńczo zakochani w muzyce, ale nawet sztuka nie jest w stanie złagodzić gorzkiego sporu.

Didier Caron (12 czerwca 1963) rozpoczął karierę jako pracownik małego banku. Ale wkrótce twórcza natura Carona zażądała zmiany. Próbuje swoich sił w gatunkach literackich, pisze pierwszą sztukę „Dobroczynność na zamówienie”, która została wystawiona w Teatrze Splendid oraz kilka jednoaktówek, próbuje roli artysty, grając w małych serialach.

Uznanie i sukces w 2002 roku przyniesie mu sztuka „Prawdziwe szczęście”, na podstawie której nakręci swój pierwszy film fabularny. Od tego czasu Karon aktywnie pracuje jako reżyser, aktor i dramaturg. Od 2008 roku prowadzi jeden z najstarszych i najpopularniejszych teatrów Michela w Paryżu. W jego dzisiejszym repertuarze dużym sukcesem cieszą się dwie sztuki Carona – „Fałszywa notatka”, w której gra jedną z głównych ról oraz „Ogród Alphonse’a”. „False Note” powstał w 2017 roku i był pokazywany latem na festiwalu w Awinionie.

Premiera spektaklu „Fałszywa notatka” odbyła się 15 września – w dzień otwarcia 98. sezonu na głównej scenie Teatru Wachtangowa.

W Teatrze Wachtangowa nowy sezon rozpoczął się premierą spektaklu Rimasa Tuminasa „Fałszywa notatka” przez zabawę Didier Carona. Niemal detektywistyczna opowieść o tym, jak błędy przeszłości mogą wpłynąć na resztę życia, napisał francuski dramaturg zaledwie rok temu. Pracował nad scenografią Adama Jacovskisa- Laureat nagród krajowych i międzynarodowych.

Podłoga orkiestronu wraz z przymocowanymi do niej krzesłami jest podniesiona ponad scenę, górując nad aktorami. Na samej scenie znajdują się antyczne meble.

Są tylko dwie role. Wykonują je dwaj znani aktorzy - Aleksiej Guskow I Giennadij Chazanow.

O czym jest sztuka

Akcja rozgrywa się w 1989 roku w Genewie. Do garderoby słynnego dyrygenta Millera (Guskov) po koncercie (z którego, notabene, był bardzo niezadowolony) przychodzi wielbiciel Dinkla (Chazanow). Mówi, że przyjechał do tego miasta z Belgii specjalnie, żeby wziąć udział w przedstawieniu. A teraz brakuje mu tylko jednego: zdobycia autografu mistrza i zdjęcia na pamiątkę.

Czy jednak wszystko jest tak nieszkodliwe, jak się wydaje? Zwłaszcza, gdy staje się jasne, że przed nami długa droga walka psychologiczna, niespokojna rozmowa Niemca z Żydem.

Człowiek, który nazywał siebie fanem, ma swoje zdanie na temat Millera: był nim wiele lat temu zabity w Auschwitz swojego ojca.

Jaka muzyka gra

Można powiedzieć, że trzecią główną rolę w tym przedstawieniu odgrywa muzyka. Publiczność już na początku słyszy dzieło Wagnera- jak wiadomo, jest to ulubiony kompozytor Adolfa Hitlera.

Bliżej środka - apartament Paweł Haas, czeski kompozytor. Stworzył go będąc więźniem obozu koncentracyjnego. Haas miał nadzieję, że jego oprawcom spodoba się ta praca i że przeżyje. Ale źle zgadłem.

Jest też muzyka Mozarta, którego Aleksiej Guskow nazywa najczystszym kompozytorem, a także Faustas Latenas.

Jak doszło do powstania spektaklu?

Wszystko zaczęło się od tego, że pewnego razu Giennadij Chazanow, szef Moskiewskiego Teatru Rozmaitości, przyjechał do Rimas Tuminas z propozycją wystawienia bardzo ciekawego i w dodatku świeżego spektaklu. Dyrektor artystyczny Teatru Wachtangowa nie mógł odmówić.

„Największą trudnością było uzyskanie zgody Tuminasa na wystawienie tego przedstawienia. Cała reszta to normalny tok pracy. Szczerze mówiąc, nie wierzyłem, że Rimas Władimirowicz znajdzie czas i, co najważniejsze, wyrazi chęć” – przyznał Giennadij Chazanow.

Co więcej, widział tę grę tylko dalej Etap Wachtangowa i nie więcej. Jego zdaniem spektakl straciłby, gdyby został wystawiony w tym samym Teatrze Rozmaitości, czy gdzie indziej.

„I myślę, że gdyby Tuminas odmówił, jest całkiem prawdopodobne, że ta sztuka nie ujrzałaby światła dziennego dla mnie jako aktora” – dodał. Ciekawe, że kiedyś Giennadij Chazanow nie został przyjęty Szkoła Szczukina, stwierdził, że brakuje mu humoru i temperamentu. Dlatego od dawna marzył o scenie Teatru Wachtangowa. Poprzez 55 lat sen stał się rzeczywistością.

Aleksiej Guskow nie został zaproszony do tej produkcji przypadkowo: zagrał już muzycznego geniusza. W filmie "Koncert"(2009) reinkarnował się jako dyrygent Teatru Bolszoj. Przygotowanie do roli było wtedy świetne: aktor wielokrotnie przeglądał nagrania z Bernsteinem, Temirkanovem, Svetlanovem, Fedoseevem, studiował ich maniery, zachowanie na scenie. Nawiasem mówiąc, jego praca w „Fałszywej notatce” jest czwartą z rzędu w tym teatrze.

Sam reżyser był zadowolony z wyniku. „Cieszę się, że ponownie spotkałem Aleksieja i bardzo się cieszę, że spotkałem Giennadija Chazanowa. Było i będzie interesująco, jestem mu wdzięczny za jego czyn” – powiedział Rimas Tuminas.

Jak wyglądała praca

„Muszę się od niego uczyć, nie tylko od siebie” – Guskov mówi o Chazanowie. Powiedział, że za każdym razem, gdy podczas prób wyszedł na scenę z Chazanowem, musiał uporządkować swój tekst, pomyśleć o bardziej odpowiednim frazie. W końcu praca ze słowem jest bardzo ważna. Tak się złożyło, że Chazanow zadzwonił nawet do swojego partnera w środku nocy z propozycją zmiany czegoś w tekście, zapytał go o opinię.

Khazanov wspomina: z wielkim zainteresowaniem obserwował, jak Guskov pracuje ze swoją postacią. Oczywiście podczas prób nie mogliśmy obejść się bez szlifowania, okresu przyzwyczajania się do siebie, ale udało nam się to wszystko bardzo szybko pokonać.

Rimas Tuminas jest często pytany, jak zdecydował się wystawić spektakl w duecie, czy boi się porażki. Na wszelki wypadek ma jednego fabuła: pewnego razu Oleg Tabakow zaprosił go do wystawienia sztuki Becketta "Czekając na Godota". Sam Oleg Pawłowicz chciał zagrać Władimira. Jego partnerem jest Valentin Gaft. Tuminas znał to dzieło bardzo dobrze, więc nie do końca rozumiał, jak tak trudny tekst można przenieść na scenę. Bałem się, że publiczność po prostu nie zrozumie. Zapytał Tabakova, co by się stało, gdyby produkcja się nie powiodła. „Rimas, spójrz: to ty, Valya, ja i duża scena Moskiewskiego Teatru Artystycznego. Jaka porażka? - odpowiedział Oleg Pawłowicz.

Dziś Rimas Tuminas odpowiada w ten sam sposób: „ Oto Aleksiej, oto Giennadij, oto główna scena Teatru Wachtangowa - co to za porażka?»

przedstawienie muzyczne

Alternatywne opisy

Rodzaj sztuki teatralnej

Jedyne miejsce na świecie, gdzie bohater, dźgnięty nożem w plecy, zamiast się wykrwawić, zamiast się wykrwawić, zaczyna śpiewać (Boris Vian)

Utwór muzyczno-dramatyczny, w którym bohaterowie śpiewają przy towarzyszeniu orkiestry

forma sztuki

Budynek, w którym duch wędruje po Lloyd Webber's

Mydlany...

Występ z ariami

Niezwykła teatralność

Komedia angielskiego poety Johna Gay’a „...żebrak”

W języku łacińskim słowo to oznacza „dzieło”, „produkt”, „twór”, przechodząc na język włoski, zaczęło oznaczać „kompozycję, dzieło”, a następnie określony rodzaj sztuki

Opera łotewskiego kompozytora M. Zarinsa „...na placu”

Opera łotewskiego kompozytora M. Zarinsa „...żebracy”

Dramat z muzyką

Spektakl, w którym artyści otwierają usta tylko po to, żeby coś zaśpiewać

Spektakl, w którym zastrzelony mężczyzna długo śpiewa przed śmiercią

Utwór muzyczno-dramatyczny, w którym bohaterowie śpiewają

Twórczość muzyczna i teatralna

Twórczość muzyczna i dramatyczna

Gatunek na scenie „Marińskiego”

. „Aida” Verdiego

. „kompozycja” po łacinie

. „traviata”, gatunek

. „carmen”, gatunek

Gatunek na scenie Bolszoj

Gatunek muzyczny

. „trzy pensy…”

. Rienziego Wagnera

. Rigoletto Verdiego

Śpiewający dramat

Gatunek „Aida” i „La Traviata”

Gatunek sztuki na scenie

przedstawienie muzyczne

Ulubiony gatunek Bizeta

. „trzy grosze…”, Maszkow

. „Chowańszczina”

Sztuka kwitnie w Teatrze Bolszoj

Spektakl na tenory i soprany

Każdy śpiewa przed śmiercią

. „Cyrulik sewilski” jako gatunek

Kawałek, w którym wszyscy śpiewają

Przeglądarka

. Jolanta Czajkowskiego

. „Element” Iriny Arkhipowej

Klasyczna sztuka śpiewu

Seria o Amanicie

Budynek duchów u Lloyda Webbera

Gatunek dramatyczny dla wokalistów

Występ w La Scali

Ulubiony gatunek Verdiego

Występ w Maryjskim

Sztuka muzyczna

Gatunek sztuki muzycznej i dramatycznej

Praca dla teatru

Spektakl w Teatrze Bolszoj

baletnica

Twórczość kompozytora

. „Aida” jako stworzenie

W którym przedstawieniu wszyscy śpiewają?

. „Porgy i Bess”

. „mydło…” na ekranie telewizora

Utwór muzyczno-dramatyczny, w którym bohaterowie śpiewają przy towarzyszeniu orkiestry

. „Aida” Verdiego

. „Aida” jako stworzenie

. „Jolanta” Czajkowskiego

. „Mydło…” na ekranie telewizora

. „Porgy i Bess”

. „Cyrulik sewilski” jako gatunek

. „Element” Iriny Arkhipowej

. „Chowańszczina”

. „Rigoletto” Verdiego

. „Rienziego” Wagnera

. „Trzy grosze…”

. „carmen”, gatunek

. „traviata”, gatunek

W którym przedstawieniu wszyscy śpiewają

J. Włoski. muzyczno-dramatyczna kompozycja na zadanych słowach, które nazywane są libretto, tekstem. Śpiewacy operowi. Operista, kompozytor oper; śpiewak operowy, śpiewak operowy. Opera odstraszy. czasami zbliża się do wodewilu

Gatunek „Aida” i „La Traviata”

Gatunek na scenie „Wielkiego”

Gatunek na scenie „Mariinsky”

Sztuka Caballe’a

Opera łotewskiego kompozytora M. Zariņša „...na placu”

Opera łotewskiego kompozytora M. Zarinsa „...żebracy”

Występ w La Scali

Spektakl, w którym śpiewają, a nie mówią

sztuka śpiewu

Ksenia Larina, Nowy Izwiestia, 16.12.2008

Jedno z najbardziej przygnębiających i ponurych dzieł Lwa Tołstoja, Sonata Kreutzerowska, zostało przeniesione na Małą Scenę Moskiewskiego Teatru Artystycznego Czechowa przez przedstawiciela słynnej dynastii reżysera Antona Jakowlewa. Z wielowarstwowej prozy Tołstoja wyciągnął to, co zawsze i wszędzie przyciąga publiczność – dramat rodzinny – nadając mu nieco neurotyczny posmak Bergmana.

Skupienie się reżysera na wartościach rodzinnych w najmniejszym stopniu nie zubożało opowieści Tołstoja, choć nieco przesunęło akcenty i fabułę oraz umożliwiło osiągnięcie tak potrzebnej i rzadkiej w dzisiejszym teatrze spowiedzi. Traktat o rodzinie w emocjonalnym wykonaniu Michaiła Poreczenkowa zabrzmiał jak szalony walc.

Wizualnym obrazem spektaklu jest pięciolinia. Muzyka otwiera dramat, ale także go kończy. Instrumenty są żywe i wyłącznie skrzypce. Żadnych fortepianów pomimo wskazania autora, jakoby bohaterka Lisa pasjonowała się grą na pianinie. Czarno-białe klawisze zastępują czarno-białe stroje i wyrafinowane sylwetki kobiet. Obie bohaterki (Liza Natalya Shvets, Polina Ksenia Lavrova-Glinka) są pełne wdzięku i cienkie, niemal przezroczyste (lub upiorne), przypominające szkice szaleńca kompozytor. Te same szkice są w rękach głównego bohatera, Wasilija Pozdnyszewa (Michaił Poreczenkow). Rozczochrana paczka drobno zapisanych kartek co jakiś czas znika z jego rąk, ale nieubłaganie powraca jak chusteczka Fridy Bułhakowa, jakby przypominając o tym, co już się wydarzyło i że ta historia nie jest owocem chorej wyobraźni, ale faktem udokumentowanym w książce protokoły. Widzowie, którzy podejrzewają aktora o używanie ściągawek z tekstem roli, nie powinni się martwić, że Poreczenkow naprawdę ma w rękach partyturę. Tak, i to niedorzeczne próbować oszukać publiczność w tak kameralnej, niemal intymnej atmosferze, gdy aktor jest od ciebie na odległość ramienia, każde kłamstwo, każde oszustwo urasta do rozmiarów katastrofy. Oszukiwanie na Małej Scenie to celowa porażka.

Poreczenkow pracuje niezwykle uczciwie. Jeśli w ciągu dwóch lub trzech miesięcy nadal będzie można nauczyć się takiej ilości tekstu, to opanować go i przyswoić, nasycić podtekstami i uczuciami, naładować energią, a logiką podlegają tylko mistrzowie poziomu Smoktunowskiego lub Borysowa (a nawet wtedy, wątpię, ci pierwsi od dwóch miesięcy nie dawali występów, coś takiego nawet nie przyszło im do głowy!). Szczerze wierząc w niebiańskie pochodzenie działającej natury, przypomnę, że w sztuce nie ma cudów w tym sensie, że nic nie zrodzi się z niczego. A przed podniesieniem drutu pod kopułą cyrku linoskoczek kładzie go na podłodze. Poreczenkow przedstawił swoją rolę jakby nutami: od wstępu do kody, od fortepianu do forte, zmieniając muzyczne skale i tempa (może partytura naprawdę mu w tym pomaga?), nie zapominając, gdzie wchodzi orkiestra, dokąd chór, a gdzie sopran żeński.

Być może aktor nigdy indziej nie pokazał tak różnorodnej i bogatej gry: ani w dziełach filmowych, ani w teatrze (przynajmniej na scenie Moskiewskiego Teatru Artystycznego). Widzowie nauczyli się już na pamięć skali Poreczenkowa od „słodkiego kochanka” do „dobrodusznego sportowca”. Taki uroczy głupek, żartowniś, dusza towarzystwa, przyjaciel bohatera, komiczny wojownik, krótko mówiąc, ta rola jest dobrze znana w rosyjskim teatrze - klasyczny prostak. Reżyser Avdotya Smirnova próbował wyciągnąć go z prostaków, powierzając główną męską rolę w melodramacie miłosnym „Komunikacja”. Poreczenkow starannie przedstawił lakonicznego „macho”, w odcinkach lirycznych robił brwi domem, w erotycznych oddychał często i głośno. W swoim koszmarnym debiucie reżyserskim próbował w ogóle udawać Schwarzeneggera, co naiwni widzowie odebrali jako parodię. Tak więc rola Pozdnysheva dla wielu będzie prawdziwym odkryciem aktorskim. Przydało się tu wszystko, co posiada: urok sceniczny, ironia, mobilność emocjonalna. I dodano (lub otwarto) wiele zaskakujących rzeczy, których wcześniej nie zauważono w palecie aktorskiej Poreczenkowa. Po pierwsze, jest to niezwykle szczegółowa egzystencja na scenie, bez wewnętrznych „przerw na dym”, bez pustych przerw i pustej gadaniny. Po drugie, jest to umiejętność utrzymania sali w napięciu, praca wyłącznie na zbliżeniach i niemal cały spektakl – twarzą do widza. I co najważniejsze: Poreczenkow znalazł swojego bohatera, wymyślił go, ufając z jednej strony mądremu klasykowi Lwowi Nikołajewiczowi, a z drugiej strony jego intuicji i naturze. To oczywiście jeszcze nie „Krotka” (legendarny występ Lwa Dodina z Olegiem Borisowem w roli tytułowej), ale oczywiście pierwszy przystanek na tej trasie.

Solówka aktorska brzmi niemal bez zarzutu, choć z zespołem nadal są duże problemy. Aktorzy, którzy w przedstawieniu z jednym Szefem wcielają się w kilka postaci, skazani są na rolę statystów. Nie mają czasu (i nie mają takiego obowiązku) albo w pełni pokazać, albo maksymalnie odsłonić swoje wizerunki, ograniczając się do drobnych szkiców, szkiców, które na tle pełnokrwistego Bohatera wyglądają albo blado, albo karykaturalnie. Zarówno Natalia Shvets (Lisa, Girl), jak i Ksenia Lavrova-Glinka (Polina, Lady) grają bardzo nerwowo, często nie wiedząc, co robić na scenie, kogo uwieść, a kogo płakać. Obie kobiety, prowadzące dość aktywną egzystencję w rysowaniu spektaklu, nie były w stanie nic o sobie powiedzieć: może dlatego nie spotkały się z należytą sympatią publiczności i pomimo nieustannego cierpienia nie budziły litości. Reżyser z kolei nie zaproponował aktorkom nic ciekawego poza głupimi dziewczęcymi wybrykami, które w pierwszej minucie wywołują czułość, w piątej zdziwienie, a w dziesiątej irytację.

Anton Jakowlew stworzył całkiem przyzwoitą inscenizację. Wspólnie z artystami i muzykami stworzył wizualny obraz spektaklu - z przezroczystym czarnym tiulem, ruchem cieni i pociągiem, z pachnącym jabłkiem - płonącą czerwoną plamą w czarno-białej przestrzeni. Oczywiście wprowadził do fabuły muzykę na żywo, nadał jej realny charakter. Znalazłem wspólny język z głównym wykonawcą. Budowałem z nim rolę wspinaczki od dołu do góry. Jednak bliżej szczytu fantazja reżysera zawiodła, a na finał zabrakło sił: nie bierzcie za decyzję reżysera niespójnego mamrotania aktorów, z którego wynikają kluczowe słowa „nóż”, „nic się nie stało” , „zabita”, „ona umiera”? Następnie Michaił Poreczenkow zostaje wyjęty z dużej miedzianej rury, prawie nie wydaje z niej okropnych dźwięków macicy, które stopniowo zamieniają się w jęk.