Biolodzy i kognitywiści uważają, że idee harmonii są zakorzenione w naszych mózgach, co pozwala nam być wrażliwymi na piękno form w przyrodzie. Przypuszczalnie lubimy jasne kolory, ponieważ umiejętność ich rozróżniania jest jednym z mechanizmów adaptacyjnych, które pozwoliły naszemu gatunkowi przetrwać. Intuicyjnie cieszą nas symetryczne twarze i harmonijne wzory, a obraz radosnych, pozytywnych historii sprawia naturalną przyjemność.
Jednocześnie nie wymagamy od artysty, aby swoją pracą na pewno „nas upiększył”.
Do obiektów sztuki stosuje się szersze kryteria, a samo pojęcie piękna jako kategorii wartościującej w sztuce współczesnej zostało zdekonstruowane. Czy Czarny Kwadrat jest piękny? A co z fontanną Marcela Duchampa? A co z występem Mariny Abramowicz „Rytm 0”? Każde z tych dzieł sztuki jest ideą ucieleśnioną w materiale lub działaniu iw żadnym wypadku artysta nie starał się zadowolić receptorów innych ludzi.
Artyści zawsze mieli powody, by przedstawiać kompleks, brzydki lub dziwaczny. Jednocześnie potoczna opinia głosi, że „wcześniej” (w warunkowej epoce klasycznej) artyści nie wypaczyli jeszcze istoty sztuki i woleli „pięknie rysować”. Jednak w kulturze europejskiej koncepcja artystyczna brzydoty pojawiła się znacznie wcześniej niż sztuka współczesna.
Filozofowie i teologowie o brzydocie
Obok teorii piękna, odzwierciedlonej w koncepcjach filozoficznych i dziełach sztuki, zawsze istniała teoria brzydoty, w której brzydota i brzydota mogły być fabułą godną przedstawienia. Brzydota jako przedmiot sztuki już teraz interesuje ludzi średniowiecza – jeśli mówimy o utalentowanym obrazie, który w pełni oddaje ideę brzydoty. W takim przypadku przedmiotem podziwu nie będzie sam straszny czy odrażający obraz, ale kunszt, z jakim jest wykonany.
Johan Huizinga zauważa, że dopiero w roku 1400 malarstwo osiągnęło poziom umiejętności pozwalający w pełni przekazać takie tematy. W szczególności łączy się z tym stosunkowo późne wprowadzenie w malarstwie tak szeroko rozpowszechnionych tematów jak „Triumf śmierci” i „Sąd Ostateczny”. Mniej więcej to samo stało się z obrazami cierpienia męczenników.
Męka Świętych: Ból i Piękno
„estetyka męczeństwa”, przejawiająca się w najwyższym stopniu w obrazach Męki Pańskiej, rozkwitła w epoce dojrzałego średniowiecza i przeszła do sztuki renesansowej. We wczesnym średniowieczu częściej spotykano uproszczone przedstawienia ukrzyżowania niż szczegółowe obrazy. To samo dotyczy zdjęć przedstawiających tortury męczenników.
Jednak model antropocentryczny przewidywał zainteresowanie osobą, a co za tym idzie, osobiste przeżywanie cierpienia.
Jeśli w średniowieczu na to pytanie patrzyło się od strony budującej, to artystów renesansu zaczęły interesować momenty czysto malownicze: poprawny przekaz anatomii, perspektywa. Większa dbałość o fizyczność przejawiała się w obrazach cierpiących świętych – był to legalny sposób malowania nagich ciał ludzkich i zwracania uwagi na doznania fizyczne.
Tłumaczy to tendencję do pewnej estetyzacji męki cielesnej świętych. Skorygowane kompozycje, pełne wdzięku pozy męczenników - to znaki takich obrazów. Piękno ciała stało się przedmiotem wnikliwej analizy. Kultura artystyczna tej epoki odzwierciedla zainteresowanie człowieka różnymi przejawami, w tym cierpieniem.
Niesamowite i dziwaczne
Jest jeszcze inny obszar doznań estetycznych, po części sąsiadujący z brzydotą – ale bez tak ponurej kolorystyki. Doświadczenie to było pożądane zarówno w średniowieczu, kiedy wszystkie przedmioty nosiły znaczenia symboliczne, jak iw kulturze renesansu z jej zainteresowaniem różnymi zjawiskami świata materialnego. Mówimy o kategorii niesamowitych, dziwacznych i dziwacznych.
Ludzie w przeszłości niewiele dzielili "cuda" ze względu na pochodzenie - mistyczne obrazy i dziwactwa natury były postrzegane jako zjawiska jednorodne.
Pasja do zbierania ciekawostek, która wyróżniała zarówno przyrodników, jak i monarchów, świadczy o chęci dotknięcia tajemnic wszechświata. Na przykład kolekcja cesarza Rudolfa II zawierała zarówno dzieła sztuki, jak i fragmenty ciał legendarnych zwierząt. Magiczne i naukowe, symboliczne i estetyczne – te pojęcia były ściśle splecione w gabinetach osobliwości.
Dziś mamy dostęp do każdego materiału wizualnego, a ludzie minionych epok mieli go znacznie mniej. Niska mobilność społeczna, siedzący tryb życia większości ludzi i analfabetyzm nie pozwalały na poszerzanie obrazu świata. Dlatego nowe obrazy - na zdjęciach lub opowiadaniach - były bardzo poszukiwane i robiły niesamowite wrażenie.
Opowieści z podróży w odległych krajach były bardzo popularnym gatunkiem średniowiecznym. W opowieściach o podróżach na wschód pojawia się wiele wyimaginowanych stworzeń, które choć nie są przerażające i brzydkie, są legendarne i naruszają utarte kanony. Opowieściom towarzyszyły odpowiednie obrazy wykonane zgodnie z tym, co zasłyszano. Podziw, jaki wzbudzają te obrazy, ma charakter estetyczny – co więcej, wiele z przedstawionych stworzeń czy zjawisk wcale nie jest pięknych. Wiążąca się z nimi moc rozrywki, propozycja spektaklu, legendarny status – to właśnie przyciąga do nich widza.
XII-wieczny List Prezbitera Jana odniósł ogromny sukces i wywarł wielki wpływ na umysły jemu współczesnych, zarówno w sensie estetycznym, jak i politycznym. Słynna księga Marco Polo poświęcona jest dalekim wędrówkom. Oprócz danych, które można pomylić z prawdziwymi informacjami historycznymi, jest wystarczająco dużo przesady i ciekawostek. Na przykład w opisie Java Minor (Sumatra) Polo twierdzi, że widział jednorożca, ale nie był tak piękny i potulny, jak o nim mówiono, i dlatego przyniósł jedno rozczarowanie.
Znajdują się tu dzikie słonie i jednorożce, nie mniej niż słonie; ich włosy są jak u bawołów, a na nogach słonia pośrodku czoła znajduje się gruby i czarny róg; gryzą, powiadam wam, językiem; mają długie kolce na swoich językach i gryzą swoimi językami. Z wyglądu zwierzę jest brzydkie. Nie są takie, jak je opisujemy; nie ulegną dziewicy: wcale nie to, co nam o nich powiedziano.
Marco Polo Księga Cudów Świata
W sztukach wizualnych przykładem kapryśności są ilustracje do książki rzymskiego pisarza Juliusa Obsequenta z XV wieku. Mistrz, który je stworzył, nazywa się imieniem Mistrz Busiko – od nazwy innej serii prac przez niego stworzonych („Godziny Marszałka Busiko”). Dla ludzi Renesansu traktat czytał się jak połączenie podręcznika historii i powieści fantasy - nawet jeśli niektórzy z nich wątpili, że kamienny deszcz naprawdę spadł na którąkolwiek z prowincji, ciekawie było o tym przeczytać. Co powiedzieć o obrazach potwornych stworzeń!
Miniatury w książkach z dziedziny geografii i historii przedstawiały legendarne stworzenia - jednorożce, skrzydlate i bezskrzydłe smoki, cynocefal (psiglavtsy), cyklopa, jednonożnych heschiapodów. Klasyczny kanon estetyczny w przedstawieniach stworzeń jest bez wątpienia zniekształcony: nikomu nie przyszłoby do głowy nazwać atrakcyjną postacie z twarzą umieszczoną na piersi.
Jednocześnie nie niosą zagrożenia, które tkwią w obrazach piekielnych mąk, a wzbudzają zainteresowanie. Łatwo wyobrazić sobie renesansowego uczonego, który z otwartymi ustami zachłannie patrzy na takie obrazy.
Znamy bardziej złożone sposoby doświadczania estetycznego niż tylko „piękne”. Uważamy, że matowe, „zakurzone kolory” są przepiękne i cenimy radykalną czerń. Naszą wyobraźnię pobudzają kontrasty – eleganckie i szorstkie, wzniosłe i niskie. Widzimy piękno w wadach i wadach, wierząc, że czasami tworzą one coś doskonałego, naprawdę wyjątkowego. Widzimy ekscytujące w przerażających i uwielbiamy łaskotać nasze nerwy. Jesienne deszcze i gorąca lawa wulkanów wydają nam się piękne.
Zmysł estetyczny był złożony i niejednoznaczny w różnych epokach – także tych, w których powstawały miniatury książkowe i klasyczne płótna.
Patrząc na rzeczy oczami innych czasów, zauważymy, że byli oni również świadomi złożonych doświadczeń na granicy odrzucenia i zainteresowania, ciekawości badacza i podziwu dla talentu artystycznego mistrza, bez względu na wszystko on przedstawiany.
Ciekawe byłoby wiedzieć, ilu wśród moich czytelników jest takich, którzy chcieli spróbować pisać i poważnie zająć się malarstwem, ale przestali to nie z braku czasu czy wyobraźni, ale z powodu rozpowszechnionego stereotypu, że sukces w malarstwie może być tylko osiągnąć po długich latach edukacji artystycznej?
Wiele osób uważa, że artyści samoucy mogą pisać tylko jako hobby, ale nie mogą liczyć na sukces, uznanie i bogactwo.
W rozmowach z wieloma osobami słyszę tę opinię w różnych formach. Znam nawet wielu artystów, którzy piszą entuzjastycznie i bardzo dobrze, ale uważają swoje obrazy za zabawne tylko dlatego, że sami nie mają wykształcenia artystycznego.
Z jakiegoś powodu myślą, że artysta to zawód, który z pewnością musi być potwierdzony dyplomem i ocenami. I o ile nie ma dyplomu, to nie można zostać artystą, nie można namalować dobrych obrazów, a nawet jeśli napiszesz pracę „dla siebie”, to nawet nie wolno nawet myśleć o jej sprzedaży czy wystawianiu na publiczny osąd .
Podobno obrazy artystów samouków są natychmiast uznawane przez ekspertów za nieprofesjonalne i wywołują jedynie krytykę i kpiny.
Śmiem twierdzić - to wszystko bzdury! Nie dlatego, że tylko ja tak uważam. Ale ponieważ historia zna dziesiątki odnoszących sukcesy artystów samouków, których obrazy zajęły należne im miejsce w historii malarstwa!
Co więcej, niektórym z tych artystów udało się za życia zasłynąć, a ich twórczość wpłynęła na cały świat malarstwa. Ponadto są wśród nich zarówno artyści minionych wieków, jak i współcześni artyści samouk.
Na przykład opowiem tylko o niektórych z tych samouków.
1. Paul Gauguin / Eugène Henri Paul Gauguin
Być może jeden z największych artystów samouków. Jego droga do świata malarstwa zaczęła się od tego, że pracując jako pośrednik i dobrze zarabiając zaczął nabywać obrazy współczesnych artystów.
To hobby go zafascynowało, nauczył się dobrze rozumieć malarstwo iw pewnym momencie zaczął sam próbować malować. Sztuka zafascynowała go tak bardzo, że zaczął poświęcać coraz mniej czasu pracy i coraz więcej pisać.
Obraz „Kobieta do szycia” został namalowany przez Gauguina, gdy był maklerem giełdowym
W pewnym momencie Gauguin postanawia całkowicie poświęcić się kreatywności, opuszcza rodzinę i wyjeżdża do Francji, aby komunikować się z podobnie myślącymi ludźmi i pracować. Tutaj zaczął malować naprawdę znaczące płótna, ale tutaj również zaczęły się jego problemy finansowe.
Jego jedyną szkołą stała się komunikacja z elitą artystyczną i praca z innymi artystami.
Ostatecznie Gauguin postanawia całkowicie zerwać z cywilizacją i połączyć się z naturą, aby stworzyć w raju, jak uważał, warunki. W tym celu płynie na Wyspy Pacyfiku, najpierw na Tahiti, a następnie na Markizy.
Tutaj zawiedziony prostotą i dzikością „tropikalnego raju”, stopniowo szaleje i… pisze swoje najlepsze zdjęcia.
Obrazy Paula Gauguina
Niestety, uznanie przyszło Gauguina po jego śmierci. Trzy lata po jego śmierci, w 1906 roku, w Paryżu zorganizowano wystawę jego obrazów, które zostały całkowicie wyprzedane, a później trafiły do najdroższych kolekcji na świecie. Jego praca „Kiedy ślub?” w rankingu najdroższych obrazów na świecie.
2. Jack Vettriano (alias Jack Hoggan)
Historia tego mistrza jest w pewnym sensie przeciwieństwem poprzedniej. Jeśli Gauguin zmarł w biedzie, malując swoje obrazy pod jarzmem nierozpoznanego, to Hogganowi za życia udało się zarobić miliony i zostać filantropem tylko kosztem jego obrazów.
W tym samym czasie zaczął malować w wieku 21 lat, gdy przyjaciel podarował mu zestaw akwareli. Nowy biznes zafascynował go tak bardzo, że zaczął kopiować dzieła znanych mistrzów w muzeach. A potem zaczął malować obrazy na własne tematy.
W rezultacie na jego pierwszej wystawie wszystkie obrazy zostały wyprzedane, a później jego praca „Śpiewający lokaj” stała się sensacją w świecie sztuki: została kupiona za 1,3 miliona dolarów.Gwiazdy Hollywood i rosyjscy oligarchowie kupują obrazy Hoggana, choć większość krytyków sztuki uważa je za kompletnie zły gust.
Obraz Jacka Vettriano
Duże dochody pozwalają Jackowi wypłacać stypendia dla uzdolnionych studentów o niskich dochodach i prowadzić działalność charytatywną. A wszystko to - bez wykształcenia akademickiego- W wieku 16 lat młody Hoggan rozpoczął pracę jako górnik, po czym oficjalnie nigdzie się nie uczył.
3. Henri Rousseau / Henri Julien Felix Rousseau
Jeden z najsłynniejszych przedstawicieli prymitywizmu w malarstwie, Rousseau urodził się w rodzinie hydraulików, po ukończeniu szkoły służył w wojsku, następnie pracował w urzędzie celnym.
W tym czasie zaczął malować, a to właśnie brak wykształcenia pozwolił mu stworzyć własną technikę, w której bogactwo kolorów, żywe fabuły i nasycenie płótna łączy się z prostotą i prymitywnością samego obrazu .
Obrazy Henri Rousseau
Nawet za życia artysty jego obrazy były wysoko cenione przez Guillaume Appolinaire i Gertrude Stein.
4 Maurice Utrillo
Inny francuski artysta samouk, bez wykształcenia artystycznego udało mu się stać się światowej sławy celebrytą. Jego matka była modelką na warsztatach plastycznych, podsuwała mu też podstawowe zasady malarstwa.
Później wszystkie jego lekcje polegały na obserwowaniu, jak wielcy artyści malują na Montmartrze. Jego obrazy przez długi czas nie cieszyły się uznaniem poważnej krytyki i przerywała mu jedynie sporadyczna sprzedaż jego dzieł szerokiej publiczności.
Obraz Maurice'a Utrillo
Ale już w wieku 30 lat zaczęto zauważać jego pracę, w wieku czterdziestu lat stał się sławny, a w wieku 42 lat otrzymuje Legię Honorową za wkład w sztukę we Francji. Potem przez kolejne 26 lat pracował i nie przejmował się brakiem dyplomu z edukacji artystycznej.
5 Maurice de Vlaminck
Francuski artysta samouk, którego cała formalna edukacja zakończyła się w szkole muzycznej – rodzice chcieli widzieć w nim wiolonczelistę. Jako nastolatek zaczął malować, w wieku 17 lat zajmował się samokształceniem ze swoim przyjacielem Henri Rigalonem i w wieku 30 lat sprzedał swoje pierwsze obrazy.
Malarstwo Maurice de Vlaminck
Do tego czasu udawało mu się wyżywić siebie i swoją żonę lekcjami gry na wiolonczeli i występami z grupami muzycznymi w różnych restauracjach. Wraz z nadejściem sławy całkowicie poświęcił się malarstwu, a jego obrazy w stylu fowizmu w przyszłości poważnie wpłynęły na twórczość impresjonistów XX wieku.
6. Aimo Katayainen / Celo Katajainen
Współczesny fiński artysta, którego twórczość należy do gatunku „sztuki naiwnej”. Na obrazach jest dużo niebieskiego koloru - ultramaryny, która z kolei jest bardzo uspokajająca... Fabuła obrazów jest spokojna i spokojna.
Obrazy Aimo Katajainena
Zanim został artystą, studiował finanse, pracował w klinice rehabilitacji alkoholowej, ale cały czas malował jako hobby, dopóki jego obrazy nie zaczęły się sprzedawać i przynosić dobry dochód, wystarczający na życie.
7. Ivan Generalic / Ivan Generalic
Chorwacki prymitywny artysta, który wyrobił sobie sławę dzięki obrazom przedstawiającym życie na wsi. Zasłynął przypadkiem, gdy jeden ze studentów Akademii Zagrzebskiej zauważył jego obrazy i zaprosił go na wystawę.
Obraz Ivana Generalich
Po wystawach indywidualnych w Sofii, Paryżu, Baden-Baden, Sao Paulo i Brukseli stał się jednym z najsłynniejszych chorwackich przedstawicieli prymitywizmu.
8 Anna Mary Robertson Mojżesz(alias Babcia Mojżesz)
Znany amerykański artysta, który zaczął malować w wieku 67 lat po śmierci męża, cierpiącego już na artretyzm. Nie miała wykształcenia artystycznego, ale pewien nowojorski kolekcjoner przypadkowo zauważył jej obraz w oknie domu.
Obraz Anny Moses
Zaproponował zorganizowanie wystawy jej prac. Obrazy babci Moses szybko stały się tak popularne, że jej wystawy odbywały się w wielu krajach Europy, a później w Japonii. W wieku 89 lat babcia otrzymała nagrodę od prezydenta USA Harry'ego Trumana. Warto zauważyć, że artysta żył 101 lat!
9. Ekaterina Miedwiediew
Najsłynniejszy przedstawiciel współczesnej sztuki naiwnej w Rosji, Ekaterina Medvedeva nie otrzymała wykształcenia artystycznego, ale zaczęła pisać, gdy pracowała w niepełnym wymiarze godzin na poczcie. Dziś znajduje się w rankingu 10 000 najlepszych artystów na świecie od XVIII wieku.
Obraz Ekateriny Medvedeva
10. Kieron Williams / Kieron Williamson
angielski cudowny samouk, który zaczął malować w stylu impresjonizmu w wieku 5 lat, a w wieku 8 lat po raz pierwszy wystawił swoje obrazy na aukcję. W wieku 13 lat sprzedał na aukcji 33 swoje obrazy za 235 tys. dolarów w pół godziny, a dziś (ma już 18 lat) jest milionerem dolarowym.
Obrazy Kierona Williamsa
Kieron maluje 6 obrazów tygodniowo, a jego prace są stale w kolejce. Po prostu nie ma czasu na edukację.
11. Paul Ledent / Pol Ledent
Belgijski artysta samouk i osoba kreatywna. Sztukami pięknymi zainteresował się bliżej 40 lat. Sądząc po zdjęciach, dużo eksperymentuje. Sama uczyłam się malarstwa... i od razu stosowałam tę wiedzę w praktyce.
Chociaż Paul wziął kilka lekcji malowania, większość swojego hobby studiował sam. Uczestniczył w wystawach, maluje obrazy na zamówienie.
Obrazy Paula Ledenta
Z mojego doświadczenia, twórczo myślący ludzie piszą ciekawie i swobodnie, którego głowa nie jest wypchana akademicką wiedzą artystyczną. A tak przy okazji, odnoszą sukcesy w niszy artystycznej nie mniej niż profesjonalni artyści. Tyle, że tacy ludzie nie boją się patrzeć na zwykłe rzeczy trochę szerzej.
12. Jorge Maciel / JORGE MACIEL
Brazylijski samouk, współczesny utalentowany artysta samouk. Produkuje wspaniałe kwiaty i kolorowe martwe natury.
Obrazy Jorge Maciel
Ta lista artystów samouków może być kontynuowana przez bardzo długi czas. Można powiedzieć, że Van Gogh, jeden z najbardziej wpływowych artystów na świecie, nie otrzymał formalnego wykształcenia, studiował epizodycznie u różnych mistrzów i nigdy nie nauczył się malować postaci ludzkiej (co zresztą ukształtowało jego styl).
Możesz pamiętać Philipa Malyavina, Niko Pirosmaniego, Billa Traylora i wiele innych nazwisk: wielu znanych artystów było samoukami, to znaczy uczyło się samodzielnie!
Wszystkie są potwierdzeniem, że nie trzeba mieć specjalnego wykształcenia artystycznego, aby odnieść sukces w malarstwie.
Tak, z nim jest łatwiej, ale bez niego możesz zostać dobrym artystą. W końcu nikt nie odwołał samokształcenia ... Jak również bez talentu - już o tym rozmawialiśmy ... Najważniejsze jest, aby mieć palące pragnienie samodzielnego uczenia się i odkrywania wszystkich jasnych aspektów malarstwa w praktyce .
Chłopaki, wkładamy naszą duszę w stronę. Dziękuję za to
za odkrycie tego piękna. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas na Facebook oraz W kontakcie z
Sztuka wysoka to dla wielu sprawa złożona i niezrozumiała. Malarstwo renesansowe ze swoim idealnym wizerunkiem przyciąga wielu wielbicieli, ale nie każdemu łatwo jest uwierzyć, że dzieła Picassa i Kandinsky'ego mogą naprawdę kosztować bajeczne pieniądze. Inną tajemnicą jest obfitość nagich ludzi na obrazie, a także paradoks, że dobre obrazy nie muszą być piękne.
stronie internetowej Odpowiedzi na kilka ciekawych pytań dotyczących malarstwa poznałem, przyglądając się pracom krytyków sztuki i kulturologów.
1. Czy malowanie jest naprawdę takie drogie?
Od czasu do czasu słyszymy o szalonych sumach, które wyłożyłem na ten lub inny obraz. Ale w rzeczywistości takie pieniądze to mnóstwo bardzo niewielu prac. Większość artystów nigdy nie widziała ogromnych sum pieniędzy. Historyk sztuki Jonathan Binstock uważa, że na świecie jest tylko około 40 autorów, których obrazy są wyceniane na sumę z wieloma zerami.
Marki rządzą sztuką
Oto chyba najbardziej uderzający przykład. Prawdopodobnie słyszałeś o artyście graffiti Banksym. Ostra orientacja społeczna prac i biografii, okryta aureolą tajemniczości, spełniła swoje zadanie. Banksy jest dziś artystą, którego prace wyceniane są na wielocyfrowe kwoty. Jego obraz „Dziewczyna z balonem” został sprzedany za 1,042 mln funtów, a cały świat zaczął mówić o przedstawieniu, aby go zniszczyć natychmiast po sprzedaży.
Banksy to marka i marki dobrze się sprzedają. W ten sposób, Koszt obrazu w dużej mierze zależy od sławy jego autora.
Udana sprzedaż jednego obrazu jest kluczem do sukcesu innych
Artysta może przez długi czas mieć pecha, wegetować w biedzie i zapomnieniu, niezdolny do opłacalnej sprzedaży swojej pracy. Ale gdy tylko uda mu się sprzedać jeden ze swoich obrazów za duże pieniądze, można być pewnym, że cena innych jego prac poszybuje w górę.
Rzadkość, niedobór, wyjątkowość
Holenderski artysta Jan Vermeer nazywany jest dziś bezcennym. Niewiele obrazów należy do jego pędzla - tylko 36. Artysta pisał dość powoli. Zagubiony w 1990 roku obraz Holendra „Koncert” jest obecnie szacowany na około 200 milionów dolarów. Rzadkość i niedobór płótna wpływają na to, że ich ceny są po prostu niebotyczne.
Legendarny Van Gogh to super marka. Malowideł artysty jest niewiele i jest oczywiste, że on już nic nie zrobi. Jego praca jest wyjątkowa.
10 lat temu Suprematystyczna kompozycja Malewicza została sprzedana za 60 milionów dolarów, a być może gdyby nie kryzys, za 100 milionów. Obrazy Malewicza w zbiorach prywatnych bez wyjątku, a kiedy kolejny raz coś tej klasy pojawi się na rynku, nie wiadomo. Może za 10 lat, może za 100.
Ogólnie rzecz biorąc, jest to oczywiste: kupujący są gotowi zapłacić bajeczne pieniądze na niezwykle rzadkie przedmioty.
Innowacje są drogie
Jedna z prac Richarda Prince'a w kierunku „zapożyczenia artystycznego”.
Malarstwo przejmuje funkcję punktu orientacyjnego
Dziś rośnie poziom turystyki kulturowej, a funkcję pełni malarstwo Atrakcja. Turyści godzinami ustawiają się w kolejkach do słynnych muzeów. A żeby zadeklarować się i zdobyć światową sławę, galeria z pewnością musi posiadać oryginały znanych i lubianych malarzy.
Sztucznie tworzone ośrodki turystyki kulturowej rozwijają się również m.in. na Bliskim Wschodzie iw Chinach. Ostatnio rodzina królewska Katar zawarła transakcję prywatną na $ 250 milionów- wszystko po to, żeby kraj miał zdjęcie Cezanne „Gracze w karty”.
Kiedy jest wszystko, sztuka zaczyna ciągnąć
W 2017 roku miliarder Dmitry Rybolovlev sprzedał ten obraz Leonardo da Vinci za 450 milionów dolarów, teraz jest to najdroższa transakcja w świecie malarstwa.
Kiedy masz 4 domy i samolot G5, co jeszcze możesz zrobić? Pozostaje tylko zainwestować w malowanie, bo tak jest jedna z najsilniejszych walut».
Według danych z 2015 roku na świecie jest 34 miliony milionerów. I nawet jeśli wyobrazimy sobie, że tylko 1% z nich interesuje się sztuką, to okazuje się, że na świecie żyją 340 tysięcy osób gotowych zapłacić okrągłe sumy za obrazy. A same obrazy znanych autorów, jak pisaliśmy powyżej, są bardzo nieliczne, zwłaszcza w porównaniu z liczbą milionerów. Ponadto nawet ci, którzy nie są zainteresowani malarstwem, są gotowi w nie zainwestować w trosce o prestiż lub stabilność takiej inwestycji.
Okazuje się więc, że wysokie koszty malowania wynikają w dużej mierze z tego, że za dużo pieniędzy gonić za mało.
2. Czy wszystkie obrazy potrzebują ramek?
Obraz Georgesa Seurata „Kanał w Gravelines, Wielki Fort Philippe”.
Książka Susie Hodge „Dlaczego w sztuce jest tak wielu nagich ludzi” mówi o przeznaczeniu ram. Tak, oni są chroń krawędzie obrazu i zwróć na niego uwagę. Niektóre kadry są fantazyjne, inne dość proste, nie odwracają uwagi od kontemplacji. Zadaniem ramy jest dopełnienie obrazu i pokazanie go w najlepszy możliwy sposób.
Oto artysta abstrakcyjny Piet Mondrian porównałem ramki z ściana, która stoi między widzem a obrazem. Chciał usunąć to poczucie dystansu. A artysta pisał na samych krawędziach płócien, a nawet na ścianie bocznej.
Georges Seurat nie lubił cienia, który jest rzucany przez ramkę na zdjęciu. A on sam często rysował ramki z maleńkich kropek o różnych kolorach. Nawiasem mówiąc, zgodnie z podobną zasadą malarstwa Seurata, za pół wieku zadziała kolorowy telewizor.
3. Dlaczego na zdjęciach jest tyle nagich ludzi?
Fragment fresku Michała Anioła „Stworzenie Adama”.
Nawet starożytni Grecy wierzyli, że nagie ciało jest niesamowicie piękne.
W sztuce najczęściej nagość - to jest symbol. Symbol nowego życia, szczerości, bezradności żywej istoty, a także życia i śmierci.
Poza tym nic nie powoduje tak silne emocje widz, jak nagość. Może to być zainteresowanie, zakłopotanie, wstyd lub podziw.
4. Dlaczego wszystko jest takie płaskie i generalnie nierealistyczne?
Obraz czeskiego artysty Bohumila Kubishty „Hipnotysta”.
Być może jedno z najczęstszych oskarżeń przeciwko współczesnym mistrzom brzmi tak: artyści zapomnieli, jak zdawać się oddawać rzeczywistość. Stąd błędne przekonanie, że przedmioty wyglądają płasko.
Ale spójrzmy na przykład na płótna kubiści. Przełamują perspektywę, ale jednocześnie przedstawiają przedmioty pod różnymi kątami i nawet w różnym czasie. Dlatego nie można powiedzieć, że obraz na płótnie jest dwuwymiarowy.
Nie trzeba już rysować „wygląda jak” - zdjęcie może to zrobić. Dlatego należy szukać odpowiedzi na pytanie, dlaczego artysta na tym lub innym obrazie przedstawił rzeczywistość jako płaską, konieczne jest w samym pomysł autora. Usuwając niektóre szczegóły obrazu, artysta skupia się na innych. Upraszczając obraz, on
Ale profesjonalny artyści awangardowi XIX–XX wieku mieli za sobą wykształcenie artystyczne i mocne podstawy. Oni są mógłby pisać w dowolny sposób ale w pewnym momencie postanowiłem zrobić to w ten sposób naśladując prymitywistów. Jak mówią, było to zamierzone, ponieważ jest to zupełnie nowy (a zatem interesujący dla tych, którzy są zmęczeni starym) sposób wpływania na widza.
Artyści zrobiliby świetną robotę z obrazem utrzymanym w duchu akademickiego klasycyzmu, dlatego było to dla nich nudne. Młody Picasso malował wzruszające i dość realistyczne portrety. Ale dojrzały artysta wybrał dla siebie drogę, która szokuje, pobudza oko, co pomaga zademonstrować chłodną kolorystykę i wyczucie formy.
6. Czy obrazy muszą być piękne?
Piękno nie oznacza sztuki, a sama sztuka nie zawsze przedstawia piękno. Każdy ma inne wyobrażenie o pięknie, a opinii pojedynczej osoby nie można uznać za standard.
Odejdźmy od malarstwa i narysujmy paralelę z kinem. Wśród historyków sztuki spotykamy się z taką opinią: powiedzieć, że obrazy z pewnością muszą być piękne, to to samo, co powiedzieć, że prawdziwy film to tylko komedia romantyczna lub melodramat ze szczęśliwym zakończeniem. I dramaty psychologiczne, filmy akcji, thrillery - to wcale nie jest film. Zgadzam się, jest w tym logika.
Sztuka (w tym malarstwo) musi mówić językiem swoich czasów. Aby cieszyć się dowolnym obrazem, nawet realistycznym, musisz wiedzieć, co jest na nim przedstawione. Na wystawach najczęściej czytamy podpisy pod płótnami, a nawet korzystamy z audioprzewodnika.
Jaki obraz jest Ci bliski?
Rosyjski student wiosna-2017
Kierunek: dziennikarstwo
Nominacja: Najlepszy materiał redakcyjny
Dlaczego kreatywni ludzie są trochę dziwni?
„Prawie nie ma większej przyjemności niż przyjemność tworzenia”.
N.V. Gogol
Musiałeś przynajmniej raz w życiu słyszeć wyrażenie „osoba kreatywna” i zwykle ma ono nieco ironiczne skojarzenie ze znaczeniem „niezwykłe, cudowne”. Kreatywne osoby myślą, działają, a czasem nawet mówią inaczej niż zwykli ludzie. Mają dziwne, niezrozumiałe nawyki i codzienne czynności. Mogą ubierać się śmiesznie i być przesadnie emocjonalnymi, infantylnymi i ekscentrycznymi. Ale najbardziej zaskakujące jest to, że wcale nie uważają się za dziwnych. Po prostu nie mają czasu zwracać uwagi na takie drobiazgi, ponieważ są całkowicie pochłonięte swoją kreatywnością, a nawet jeśli w oczach opinii publicznej jednostka jest ogólnie pozbawiona talentu, on sam bardzo kocha swoją pracę bez względu na wszystko.
Dlaczego kreatywni ludzie są dziwni? Często mówi się o nich, że „latają w chmurach” lub „nie z tego świata”. I to jest absolutnie prawdziwe. Kreatywność w człowieku przejawia się przede wszystkim w jego wyobraźni. Wyobraźnia była sercem muzyki Bacha, poezji Puszkina i obrazów Picassa. Ze względu na zwiększoną wrażliwość, twórca w swoim codziennym życiu nieustannie boryka się z niedoskonałością świata, dysharmonią, chaosem i sprzecznościami, dlatego za pomocą swojej wyobraźni przenosi się do wspaniałego fikcyjnego świata, w którym nie ma miejsca na codzienne problemy i trudy. Jest tam bardzo dobrze i to tam twórca za każdym razem bierze pędzel / zakłada pointe / siada przy fortepianie (podkreśl w razie potrzeby). Sam proces tworzenia sprawia mu ogromną przyjemność, dlatego pracuje dzień i noc, zapominając o śnie i jedzeniu. I stara się pokazać innym rezultaty swoich twórczych impulsów, aby dać im część swojego idealnego świata, aby ich życie było bardziej harmonijne, doskonałe i piękniejsze. W każdym twórcy mieszka romantyk, który marzy o zmianie rzeczywistości na lepsze.
Kolejną cechą kreatywnych ludzi jest umiejętność dostrzegania niezwykłości w zwyczajności. Twórcy, podobnie jak dzieci, są gotowi na wszystko! Są bardzo spostrzegawcze, dociekliwe i uwielbiają się uczyć. Ciągłe pragnienie próbowania nowych rzeczy odróżnia osobę kreatywną od zwykłej. Osoba kreatywna musi stale się rozwijać i rozwijać, doskonaląc swoje umiejętności.
Czasami kreatywne jednostki są nieadekwatnie postrzegane w społeczeństwie ze względu na ich niezależność w ocenie i twórczą odwagę. Twórca zawsze ma swoje zdanie, a opinia innych wpływa na niego znacznie mniej niż na typowego laika. Twórcy nie obchodzi, co o nim myślą inni, a lekceważenie opinii publicznej często powoduje negatywne oceny z zewnątrz. Kreatywność sama w sobie wykracza poza stereotypy i schematy, a takie zachowanie, jak wiadomo, nie jest mile widziane przez tłum. Tłum rządzi się swoimi prawami, a twórcy zdecydowanie do nich nie pasują.
Inną cechą kreatywnych ludzi, psychologowie nazywają pozytywne nastawienie do złożonych zadań. Trudności tylko motywują ich do jeszcze cięższej i cięższej pracy. Przy okazji warto wspomnieć o skuteczności twórców. Z pewnością nie uciekną z pracy, gdy tylko wybije szósta wieczorem. W życiu osobistym mogą wydawać się nieostrożni, leniwi, ale w swoim biznesie są bardzo zdyscyplinowani, obowiązkowi i pracowici.
I wreszcie, być może najważniejszą cechą twórcy jest talent. Talent kładzie się w człowieku z natury w jego zdolnościach umysłowych i właściwościach anatomicznych. „Talent jest jak brodawka - albo jest, albo nie” – powiedziała Faina Ranevskaya. Już w dzieciństwie rodzice zauważają, że ich dziecko robi coś lepiej niż inne dzieci. Prawdopodobnie teraz powiem wspólną prawdę, ale talent może zniknąć na zawsze, jeśli nie zostanie zebrany na czas i rozwinięty ciężką pracą. Oprócz talentu, twórcy zwykle mają zwiększone pragnienie piękna, że tak powiem, rozwinięty zmysł estetyczny.
Podsumowując, chciałbym powiedzieć, że w końcu twórcze jednostki nie rodzą się, ale stają się. Istnieje ogromna liczba przykładów, kiedy samodyscyplina i pracowitość stworzyły prawdziwych geniuszy, nie gorszych niż ci, którzy byli pierwotnie utalentowani. Teraz jest mnóstwo szkoleń rozwijających kreatywność i testów rozpoznających Twoje twórcze skłonności. Ale generalnie wszystko to nie ma znaczenia, jeśli praca, którą wykonujesz, sprawia Ci przyjemność. I nawet jeśli nie umiesz tańczyć, ale naprawdę to lubisz, nikt nie odważy się cię powstrzymać!
Źródło zdjęcia: http://dance-theatre.ru/centr-sovremennoi-horeorgafii/
Pomyślmy raz jeszcze o sztuce i takich niezrozumiałych, ale często ciekawych artystach. Kim są ci tajemniczy ludzie ze swoimi wewnętrznymi światami? Dlaczego ciągle coś rysują i kto tego potrzebuje?
Odkąd zacząłem nazywać siebie artystą i pokazywać swoje prace publiczności, zebrałem kilkanaście mitów, z którymi musiałem się zmierzyć. I muszę powiedzieć, że niektóre z nich istniały naprawdę, ale 100-200 lat temu. Tak, niestety idee społeczeństwa na temat artystów (na terenie byłego ZSRR) są bardzo przestarzałe. Trzeba nad tym popracować. I sugeruję, abyś zaczął to robić już teraz, może jesteś tym, który nadal w nie wierzy. Tak więc mity o artystach:
Mit nr 1: Aby namalować obraz, musisz poczekać na inspirację (muza).
Rzeczywistość: Nadal często przypisuje się to - piciu, paleniu. Podobno twórczość ma tak kapryśny charakter, że potrzebuje pożywienia.
Tak więc żadna inspiracja nie pochodzi znikąd. Aby coś zrobić, musisz to zrobić, bez względu na to, jak banalnie to brzmi. Tak, istnieją źródła inspiracji, ale dla każdego są one bardzo indywidualne. A alkohol lub niektóre narkotyki nie przyczyniają się do tego, z wyjątkiem krótkotrwałej odwagi i przypływu energii. Ogólnie rzecz biorąc, jeśli stale czymś się odżywiasz, stajesz się zależny i drażliwy. A to oznacza, że zawsze będziesz musiał szukać doładowania i umrzeć przedwcześnie, nie tworząc swojego najbardziej pomysłowego arcydzieła.
„Artysta nie jest tym, który inspiruje, ale tym, który inspiruje”.
Salvador Dali
Mit 2: Wszyscy artyści są alkoholikami.
Rzeczywistość: Nie każdy artysta jest alkoholikiem, nie każdy alkoholik jest artystą. Ogólnie ten mit jest trochę prawdziwy, ale tylko trochę. Zacznijmy od tego, że artyści to też ludzie i mają tendencję do obchodzenia świąt, czasem piją coś alkoholowego. I być może ta zasada „nie pijesz, ale chcesz być artystą” naprawdę działała i nadal działa. Ale nadal, teraz widzę coraz więcej wśród młodych zwolenników zdrowego stylu życia, prawidłowego odżywiania, sportu itp. A osób, które lubią dużo pić i „spacerować” jest coraz mniej. Być może dzieje się tak również dlatego, że coraz więcej kobiet wchodzi do sztuki. A kobiety, jak sądzę, nie są tak skłonne do niszczenia zdrowia.
Mit nr 3: Artyści żyją w ubóstwie, a żeby stać się sławnym, trzeba umrzeć.
Rzeczywistość: W masowej świadomości istnieje obraz „artysty biednego i niesamodzielnego”, który powstał po części dzięki klasycznej literaturze rosyjskiej. W rzeczywistości praca malarza zawsze była odpowiednio opłacana. Na przykład Ilja Repin, wciąż nieznany 19-letni prowincjał, malował obrazy dla głuchego wiejskiego kościoła i za każdy otrzymywał pięć rubli (tyle samo płacił miesięcznie za pokój w Petersburgu). Ale, tak jak teraz, byli nierozpoznani geniusze, którzy zmarli w ubóstwie (Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Amadeo Modigliani). Dopiero teraz nie ma artystów żebraczych, bo człowiek zwykle szuka innych sposobów na zarabianie pieniędzy (projektowanie, dekorowanie, nauczanie).
Mit 4: Artyści nie są z tego świata.
Rzeczywistość: Dlaczego pojawia się taka myśl? Z pewnością ten obraz powstał z powieści, opowieści o szalonych ludziach, którzy mieli obsesję na punkcie kreatywności, polecieli na Marsa po nową energię i nie mogli znaleźć kontaktu ze swoimi rówieśnikami. Powtarzam – artyści to też ludzie. Być może pod pewnymi względami nie są tacy jak inni – w obsesji na punkcie swojej pracy, w podziwianiu otaczającego ich piękna. Ale co jest złego w byciu zanurzonym w tym, co kochasz i robisz. Większość artystów odnoszących sukcesy dobrze dogaduje się ze społeczeństwem i nawiązuje kontakty.
Mit 5: Aby stworzyć wysokiej jakości obraz, musisz poświęcić dużo czasu.
Rzeczywistość: W tym przypadku wszystko jest indywidualne. Niektórzy są przyzwyczajeni do szybkiej pracy, inni wolno. Dla kogoś można stworzyć arcydzieło w 30 minut, komuś nie wystarczy życia. Ale nigdy nie powinieneś porównywać sztuki z innymi dziedzinami życia. Na przykład, jeśli chcę wykonać projekt inżynierski wysokiej jakości, muszę najpierw pomyśleć, zebrać informacje, a potem pracować. W sztuce wszystko jest często spontaniczne i nawet jeśli materiał do pracy jest gromadzony przez długi czas, to samo dzieło często pisze się szybko.
Mit 6: Nie da się zarobić na sztuce, czyli „masz 30 lat – idź znaleźć normalną pracę!”
Rzeczywistość: Na sztuce można zarobić! A to bardzo ważne, gdy artystę wspierają bliscy ludzie, rodzina. Czy wiesz, jakie pytanie pojawia się po prezentacji „Jestem artystą”? Zwykle pytają: „Gdzie pracujesz?” Tych. w zasadzie nikt nawet nie domyśla się, że są ludzie, którzy z tego zarabiają na życie. Oczywiście teraz coraz trudniej jest być niezależnym artystą. Wiąże się to ze słabą wypłacalnością społeczeństwa i niską jakością kulturalizacji ludności. Artysta to trudny zawód. Wcześniej, w czasach Leonarda da Vinci, artyści nosili odznakę Buffalo, która porównywała ich pracę do pracy krzepkiego bawoła.
Mit 7: Wszyscy artyści noszą brody/berety/pierścienie/czapki.
Rzeczywistość: Nie potrafię sobie nawet wyobrazić, dlaczego ten mit wciąż żyje w XXI wieku. Zgadzam się też z tym, że artyści lubią się wyróżniać, nosić niestandardowe rzeczy, kreować wizerunek. Ale żeby nosić brodę i beret ... Nawiasem mówiąc, wielu młodych ludzi nosi teraz brodę i nie wszyscy są artystami.
Mit 8: Rysowanie jest łatwe, to nie rozładunek wagonów.
Rzeczywistość: Artysta to jednocześnie zawód i powołanie. Kreatywność oczywiście nie jest porównywalna z ciężkim wysiłkiem fizycznym, ale w zasadzie żyjemy w XXI wieku i staramy się pracować bardziej umysłowo. A praca w sztuce i tworzenie obrazów/projektów to ta sama praca intelektualna, która wymaga poświęcenia i głębokiego przemyślenia.
Mit nr 9: Jeśli jesteś artystą, musisz narysować mnie teraz i tutaj! Za darmo!
Rzeczywistość: Wszystko wydaje się proste. I spróbujmy powiedzieć wszystkim „Cześć. Czy jesteś programistą? I zrób mi stronę w szybki sposób. A co jeszcze trzeba za to zapłacić? Brzmi śmiesznie? Tak samo zdziwiony, a czasem ze złością, artysta patrzy na ludzi proszących „i narysuj mnie”.
Mit nr 10: Artysta musi być głodny.
Rzeczywistość: Niestety, teraz to wyrażenie jest brane tak dosłownie, że aż mnie smuci. Najprawdopodobniej twórca tego wyrażenia miał na myśli głód - jako ciągłą chęć tworzenia, a nie jako myśli o jedzeniu. W końcu wszyscy codziennie chodzą do pracy, nie zawsze pracują wydajnie, czasem po prostu przesiadują i są za to opłacani. W związku z tym każda praca musi być opłacona.
Mit 11: Artysta może losować dla każdego za darmo lub za symboliczną opłatą (tutaj - projekty charytatywne i udział w wątpliwych losowaniach nagród).
Rzeczywistość: To niestety mit, w którym prawie wszyscy żyją w naszej surowej rzeczywistości. Dodam, że najczęściej osoba oferująca niesamowite „szczęście”, które przypadło niefortunnemu artyście, jest zdziwiona odmową, mówi, że dzieło przejdzie do historii, pozostanie na wieki i nikt nigdy nie zapomnij o wielkim imieniu twórcy. Co dziwne, takie oferty pojawiają się prawie codziennie.
Mit 12: Artysta musi malować obrazy olejne (głównie pejzaże z wodospadami i portrety wspaniałych kobiet).
Rzeczywistość: Sztuka nie stoi w miejscu, ciągle się rozwija. Pojawiają się nowe typy i formy wyrażania myśli poprzez sztukę. Przeciętny laik w najlepszym razie zna Aiwazowskiego i Repina. W związku z tym sztuka ich zdaniem jest właśnie taka. A oznaką najwyższych umiejętności jest umiejętność rysowania „jak żywa istota”. Ludzie często czują się nie na miejscu, gdy stykają się ze sztuką, której nie potrafią szybko i łatwo zrozumieć, nie potrafią patrzeć na rzeczy nieformalnie, w efekcie wyzwala się reakcję negowania sztuki tylko dlatego, że jest niezrozumiała.
Mit #13: Sztuka współczesna (sztuka współczesna) to absolutny nonsens. „Podobnie jak Picasso i Malewicz potrafię też rysować!”
Rzeczywistość: Zwykle w takich przypadkach proponuję od razu narysować „tak jak Picasso” i udać się z tym rysunkiem do muzeum (lub przynajmniej popatrzeć na reprodukcję w książce), dla porównania. Nie chcę nawet więcej mówić. Gdy następnym razem tak pomyślisz, porównaj swój rysunek z Picasso.
Jestem pewien, że lista mitów jest daleka od wyczerpania. I naprawdę mam nadzieję, że te informacje pomogły Wam choć trochę zrozumieć świat sztuki. Im lepiej poznasz ten świat, tym więcej przyjemności przyniesie.
PS Mówią też, że artyści to ludzie przesądni. Może tak, może nie, ale każdy ma w tej sprawie swoje zdanie…
W artykule wykorzystano ilustracje Tatiany Ramenskiej i Aleksandry Poe.
c) Julia Pastuchowa
