Jaka jest rola ilustracji mody w dzisiejszym świecie mody/błyszczenia?
Na rynku rosyjskim ilustracja dopiero nabiera rozpędu i zaczyna podbijać serca. W całym świecie połysku dominuje sztuka fotografii - bo jest bardziej zrozumiała i lepiej się sprzedaje, co jest ważne w naszym skomercjalizowanym świecie. Rosyjski rynek mody jest wciąż młody, nie ma kultury i historii ilustracji mody. Istnieje jednak zamiłowanie do figuratywnej prezentacji idei, pielęgnowane na Murzilce i Krokodylu. Olbrzymie archiwa dzieł wielkich mistrzów posiadają bogate światowe magazyny, których okładki i strony były ozdobione ilustracjami rosyjskiej artystki emigracyjnej Erte i wielu innych. Błyszczyk przyszedł do nas znacznie później i już w formacie fotograficznym. Jednak dzięki internetowym wersjom magazynów, Instagramowi i blogowaniu rośnie zapotrzebowanie na ilustracyjne prezentacje mody.
Jakie 5 przedmiotów powinien mieć ilustrator mody w swoim arsenale?
Szkicownik i niekończąca się ryza papieru A3, teczka z portfolio Moleskine lub po prostu tablet z klipsem A3 do przechowywania prac i możliwości siedzenia i rysowania na twardej powierzchni w dowolnym miejscu. Ulubiony ołówek, jeśli jesteś konserwatystą i kochasz jedną technikę, lub całą walizkę fajnych materiałów, jeśli lubisz eksperymentować. Na przykład często zabieram ze sobą pół walizki ołówków Faber-Castell i pisaków Winsor&Newton, tuszu, pędzli i innych dobrych rzeczy w podróże służbowe, ale na każdy pokaz zabieram ze sobą 1 materiał i opracowuję go w pełni .
Potrzebny jest również telefon do robienia zdjęć i wstępnej obróbki zdjęć. Korzystam z iPhone'a od wielu lat, uwielbiam aparat. Swoją drogą, nowy iPhone 7 ma stabilizację optyczną, można robić zdjęcia w formacie RAW i od razu je edytować np. w aplikacji Adobe Lightroom – bardzo wygodne. A do pełnego przetwarzania obrazu używam MacBooka Pro i Photoshopa.
Ilustracja mody często wiąże się z bardzo szybką pracą: jak wygląda proces od pomysłu do publikacji?
W moim przypadku tak właśnie jest, lubię pracować szybko. Od 30-60 sekundowych szkiców na wystawie, do „długich” prac (nie więcej niż 60 minut, a dla kogoś proces trwa kilkadziesiąt godzin – wszystko zależy od techniki). Jeśli weźmiemy przykład z pracy podczas Paris Fashion Week, proces wygląda następująco:
Jeśli pozwolono ci wyjść za kulisy, to jest szczęście, bo to tutaj możesz poprosić modelkę o zamrożenie w potrzebnej pozycji na 5-10 minut i narysować szkic, a także zrobić zdjęcia na iPhonie lub niezbędne kąty do dalszej pracy.
Robię też zdjęcia i filmy pomiędzy szkicami, aby później namalować z nich ostateczne zdjęcia.
Wieczorem po pokazie lub wcześnie rano przeglądam zdjęcia/filmy/szkice, wybieram najlepsze kąty i pracuję nad ostatecznymi ilustracjami.
Przy dobrym świetle fotografuję w formacie HD, możesz od razu edytować w swojej ulubionej aplikacji.
Przeglądając magazyny modowe i katalogi marek, jesteśmy przyzwyczajeni do przyciągających wzrok zdjęć doskonałych modelek w markowych ubraniach i akcesoriach. Ale w jaki sposób fashionistki dowiedziały się o trendach w odzieży przed wynalezieniem i spopularyzowaniem aparatów fotograficznych? Co magazyny publikowały na swoich łamach? „Przodkiem” fotografii była ilustracja modowa, która jest w stanie skutecznie nadawać najnowsze trendy i sprzedawać produkty branży modowej. Dziś ręcznie rysowane obrazy powracają i zyskują na popularności.
Historia ilustracji mody
Czym jest moda-ilustracja, której świat nauczył się około 500 lat temu. W XVI wieku artyści malowali dworskie damy i panów w modnych strojach, a pod koniec stulecia światło dzienne ujrzała księga z wizerunkami strojów i instrukcjami ich krawiectwa. Za pierwszego ilustratora mody uważany jest artysta Wenceslas Hollar, który od lat 40. XVII wieku mieszkał i tworzył w Londynie. Był prawdziwym pracoholikiem i stworzył około 3000 akwafort na różne tematy, od pejzaży po rysunki kobiecych strojów. W 1679 r. w Lyonie po raz pierwszy ukazał się magazyn Mercure Galant, który stał się pionierem w świecie modnego połysku. W edycji znalazły się rysunki legendarnych artystów Pierre'a Bonnarda, Abrahama Bossoma i wielu innych.
Aktywny rozwój ilustracji modowej nastąpił na przełomie XIX i XX wieku. W tym czasie magazyny zyskały powszechną popularność, fashionistki na całym świecie nie mogły się doczekać wydania nowych numerów. To z kolei przyczyniło się do powstania wspaniałych ilustratorów, którzy stali się łącznikiem między modą a ludźmi.
Artyści Charles Dana Gibson i Giovanni Boldini pracowali pod koniec XIX i w połowie XX wieku i to oni w dużej mierze wpłynęli na ukształtowanie samej koncepcji kobiecego piękna, przedstawiając modelki w wykwintnych strojach i smukłej sylwetce. Gibson zasługuje na szczególną uwagę, ponieważ. stworzył specjalny wizerunek dla swoich bohaterek, które próbowały naśladować prawdziwe kobiety. W rzeczywistości Gibson Girls były pierwszymi ręcznie rysowanymi ikonami stylu! Szczególny wkład w rozwój gatunku wnieśli również ilustratorzy mody Paul Iribe, Georges Barbier, Georges Lepape, Erte, Kenneth Paul Block i wielu innych.
Od lat 30. Vogue zaczął publikować zdjęcia na okładkach, co miało szkodliwy wpływ na ilustrację modową. W latach 60. kierunek "ustąpił" ze swoich pozycji i ustąpił miejsca fotografii, ale nigdy nie zniknął i dalej się rozwijał.
Nowa runda ilustracji mody
Pojawienie się magazynów internetowych, blogów modowych i mediów społecznościowych ożywiło gatunek ilustracji mody. Faktem jest, że zdjęcia ograniczają wyobraźnię osoby, nie pozwalają na samodzielne uzupełnienie obrazu, ponieważ. widz widzi cały obraz z idealnym modelem.
Marki odzieży i akcesoriów coraz częściej zwracają się o pomoc do ilustratorów, wykorzystują swoje rysunki do nadruków, a także wzory na tkaniny. Wiele marek woli ręcznie rysowane banery i plakaty, aby przyciągnąć uwagę klientów w markowych sklepach.
Magazyny modowe i projektanci wybrali ilustracje do tworzenia kampanii reklamowych, co jest dość naturalne, ponieważ. rysunki pozwalają nabywcy pokazać wyobraźnię i przymierzyć stworzony obraz, wymyślić historię, nie zawsze jest to możliwe przy użyciu zdjęć z modelami.
Popularni blogerzy piszący o branży modowej również sięgnęli po ilustracje. Tworzą obrazy, które odzwierciedlają przyszłe trendy, a do swoich kokardek dołączają ręcznie rysowane kopie. Wiele z nich jest dostrzeganych przez znane magazyny czy domy mody, oferując współpracę. Tak narysowany króliczek Fifi Lapin zamienił się w całą markę.
Sieci społecznościowe łakną treści, a „ciepłych” treści, faktem jest, że użytkownicy mają dość bezpośredniej reklamy produktu, który nie wywołuje silnego rezonansu emocjonalnego i blokuje wyobraźnię. Ilustracje pomagają również uniknąć trollingu i negatywnych komentarzy, nie ma powodu, aby użytkownicy wylewali niezadowolenie z „przerobionych” modeli i ich figur.
Praca ilustratorów mody
Współcześni ilustratorzy ożywiają rysunek modowy, czerpiąc z bogatej historii ilustracji modowych. Pracują w różnych technikach: od akwareli po akryl, umiejętnie łącząc rysunek odręczny z techniką komputerową.
Artyści mody wykonują szkice na pokazach mody (bez nich żaden tydzień mody nie jest kompletny), przenoszą uliczny styl na papier, rysują kokardy, tworzą wzory na tkaniny i pomagają projektantom odzieży w tworzeniu kolekcji. Pracują przy ilustracjach dla magazynów modowych, książek, filmów, reklam, stron internetowych, sieci społecznościowych, współpracują z markami odzieżowymi, kosmetycznymi, akcesoriami i luksusowymi, agencjami reklamowymi, wydawcami i biurami projektowymi.
Ilustratorzy muszą szybko rysować odręczne szkice, umieć pracować z profesjonalnymi programami (Adobe Illustrator, Photoshop itp.), radzić sobie z zadaniami na czas, a co najważniejsze mieć rozpoznawalny indywidualny styl i niewyczerpane źródło inspiracji.
szkolenie dla ilustratorów mody
Na co czekałeś. Ten kurs jest przeznaczony dla początkujących, którzy nie umieją rysować lub nigdy nie mieli do czynienia Ilustracja mody.
Jeśli przejdziesz wszystkie lekcje w kolejności i wykonasz praktyczne zadania, pod koniec kursu będziesz mógł tworzyć takie szkice modowe:
Wiem ilustracje mody Będzie kilka głównych sekcji:
- Podstawy rysowania ilustracji mody
Przestudiujmy proporcje twarzy i ciała. Rozważ główne cechy i różnice między figurą modową a realistyczną. Przyjrzyjmy się bliżej proporcjom twarzy, nauczmy się budować twarz, profil i pół obrotu w trzy czwarte. Przeanalizujmy wzorce budowy kilku wariantów postawy (czołowej iz podparciem na jednej nodze w różnych wariantach). - rysunek ubrań
Dowiesz się, jak tkanina powinna prawidłowo współgrać z ciałem, jak budować odpowiednią sylwetkę, poznamy zasadę rysowania fałd odzieży, ich plastyczność i logikę. Nauczmy się szkicować. - Zrozumienie koloru
Zapoznamy się z kołem kolorów i podstawami tworzenia kolorów. Praca z obrazem, wpływ koloru i sposobu przedstawienia, detale. Zastanówmy się nad dokładnym przeniesieniem faktury i faktury różnych tkanin. Narysujmy kilka odcisków. Zapoznajmy się z różnymi narzędziami i materiałami do ilustracji mody. - Obrazy.
W tej sekcji znajdziesz lekcje krok po kroku dotyczące rysowania ilustracji mody, zarówno prostych, jak i złożonych.
Oczywiście żadna lekcja nie przyda się bez praktyki. Dlatego na końcu każdej lekcji znajdziesz pracę domową, którą należy wykonać przed przejściem do utrwalenia otrzymanego materiału.
Podstawą kursu jest książka Naokiego Watanabe "Współczesne techniki ilustracji mody".
Więc zacznijmy!
Zrozumienie piękna ciała
Ciało ludzkie jest równie piękne i atrakcyjne jak dzieło sztuki. Nauczmy się tego, zanim nauczymy się rysować ubrania. Zrozumienie wizerunku ludzkiego ciała zapewni stworzenie wspaniałego projektu.
Struktura kości/stawy
Struktura kości, która stanowi podstawę ludzkiego ciała, składa się w całości z zakrzywionych linii. Możemy poruszać kościami za pomocą stawów i mięśni. Chociaż proporcje kości zmieniają się podczas wzrostu, niezależnie od płci, pozycja i liczba stawów pozostają takie same. Żółte plamki na poniższej ilustracji wskazują najbardziej elastyczne kręgi i 12 głównych stawów. Nie pokazano małych stawów twarzy, ramion i nóg, a te obszary dużych stawów nie pasują do ich kształtu.
Poza i typ ciała
Poniższe 5 typów figur opiera się na proporcji 8 głów, różnią się one jednak szerokością i położeniem ramion, klatki piersiowej i bioder. Rysunki A i B są najbardziej odpowiednie, aby ubrania wyglądały na zrównoważone. Z drugiej strony ubrania na rysunkach C, D i E nie będą odzwierciedlać projektu, który masz na myśli.
Upewnij się, że ta sama część garderoby będzie wyglądać zupełnie inaczej przy niewłaściwych proporcjach ciała. Nawet jeśli zaczniesz z przełożeniem 8-głowicowym, możesz łatwo stracić proporcje i nie dokończyć pracy. Aby tego uniknąć, pamiętaj o następujących wskazówkach: szerokość ramion równa 1,5 wysokości głowy, klatka piersiowa równa wysokości 1 głowy, a biodra 1,5 wysokości głowy.
Przydatna metoda pomiaru
Mądrze posługując się głową jako jednostką miary, zawsze możesz mieć pewność właściwej równowagi podczas rysowania różnych póz, jak na poniższym obrazku.
Praca domowa:
1. Zdobądź szkicownik, w którym wykonasz zadania z tego kursu. Pomoże Ci śledzić Twoje postępy.
2. Znajdź w Internecie przykłady szkiców nagiej kobiecej postaci w różnych pozach i spróbuj powtórzyć te, które najbardziej Ci się podobają. Niech to nie będą dokładne kopie, najważniejsze jest przekazanie głównej pozycji, wytrenowanie ręki. Zrób co najmniej 10 szkiców.
Mam nadzieję, że podobał Ci się ten samouczek! Napisz swoje komentarze, nagle coś nie było jasne. Do zobaczenia!
Wykorzystano materiały z książki Naoki Watanabe "Współczesne techniki ilustracji mody".
Wywiad z utalentowaną rosyjską ilustratorką mody.
Ilustracja mody dopiero zaczyna pojawiać się w Rosji jako zawód, a jej twórcy są tym cenniejsi. Przeprowadziliśmy wywiad z Maximem Sergeevem, ilustratorem mody, który nieustannie się rozwija i poszukuje nowych rozwiązań stylistycznych. W Internecie jest niewiele informacji na jego temat, ale nazwiska klientów, takie jak Tiffany & Co i Louis Vuitton, robią wrażenie.
Maxim, powiedz mi skąd jesteś.
Urodziłem się w małym zamkniętym miasteczku o nazwie Arzamas-16 w regionie Gorkim. Co ciekawe, w naszych czasach nie ma ani miasta o tej nazwie, ani regionu: teraz jest to miasto Sarow, obwód Niżny Nowogród, a ja tu mieszkam.
Gdzie się uczyłeś?
Nie mam profesjonalnego wykształcenia artystycznego, jestem samoukiem. Z wykształcenia jestem ekonomistą-marketerem, przez jakiś czas pracowałem nawet w tej specjalizacji.
Opowiedz nam, jak zostałaś ilustratorką mody?
Rysuję od dzieciństwa: początkowo kopiowałem ilustracje z moich ulubionych kolorowych książek, takich jak Bylin, a z czasem zacząłem rysować własne historie. Po 15 latach to hobby jakoś zniknęło. W wieku 21 lat przeniósł się do Moskwy. Studiował, jednocześnie pracował w restauracjach. Po studiach poszedłem do pracy w mojej specjalizacji i tak się złożyło, że kupiłem sobie najprostszy tablet graficzny i znów zacząłem rysować dla zabawy. Stopniowo zaczął przyjmować zamówienia, rysując ilustracje do stron fantasy, kreskówek i tak dalej. W rezultacie dostałem pracę jako artysta cyfrowy w firmie maklerskiej, gdzie przez długi czas musiałem rysować stylizowane ilustracje „byków, łosi, niedźwiedzi” i tak dalej. Ale potem marzyłem o malowaniu portretów i fantazji, więc nie przynosiło to wiele radości. Mniej więcej w tym czasie natknąłem się na ilustracje Davida Downtona i byłem pod wielkim wrażeniem. Styl minimalistyczny, ale tak dokładnie oddaje portrety, detale ubioru i obraz jako całość ... Prawdopodobnie od tego momentu wzrosło moje zainteresowanie ilustracją mody ... Próbowałem odtworzyć jego pracę w Photoshopie, rysując pozujące dziewczyny z zdjęcia równolegle i starając się je stylizować, i stopniowo zaczęto przestawiać się na tradycyjne materiały – początkowo była to akwarela.
Jak skopiowałeś Downton w Photoshopie? Maluje głównie akwarelą lub tuszem.
Downton ma absolutnie charakterystyczny styl - bardzo blade rysy twarzy, jedna strona portretu jest znacznie bledsza od drugiej i kilka grubych ciemnych linii o płynnej szerokości. To właśnie starałem się przekazać w Photoshopie. Nawiasem mówiąc, teraz wielu cyfrowych ilustratorów mody często używa tej techniki rysowania. Ale powstały portret wydawał mi się nieciekawy i pozbawiony życia, więc stopniowo przerzuciłem się na tradycyjne materiały.
Zawód ilustratora mody jest dość nietypowy. Czy twoja rodzina była zaskoczona? Czy wspierali cię?
Rodzina zareagowała równomiernie – było to swego rodzaju bardzo organiczne przejście od cyfrowej do tradycyjnej ilustracji mody. Zawsze mnie wspierali. Mama i siostra nadal są moimi głównymi krytykami.
Czy ilustracja jest dla Ciebie pracą czy pasją?
Odkąd zacząłem zarabiać na ilustracji, uważam ją za swój główny zawód, więc rysuję codziennie i od dawna.
Czy istnieje harmonogram prac?
Staram się trzymać rutyny (choć oczywiście zdarza się, że łamię reżim). Rano siłownia, potem praca nad zamówieniami i rysowanie „na stole” – rozwijanie umiejętności i rozwijanie własnego stylu – z krótkimi przerwami na odpoczynek.
Czym teraz interesuje Cię rysowanie?
Więcej męskich portretów i obrazów. Na tym etapie wydają mi się interesujące: bardziej kanciaste twarze, wydatna szczęka i kości policzkowe, duże brwi. Po długim okresie rysowania wyłącznie portretów kobiecych jest to miła odmiana.
Rysujesz szkice z natury?
Dość rzadkie. Czasami pozują mi znajomi, przyjaciele, członkowie rodziny. Do bardzo szybkich szkiców lub rozgrzewki korzystam z zasobów takich jak Croquis Cafe (zasób online zawierający filmy przedstawiające osoby pozujące).
Czego używasz do pracy - zdjęć modelek, fotografów czy zdjęć z pokazów mody?
Nie lubię rysować wybiegów. Wydaje mi się, że są dość monotonne, statyczne. Wolę bardziej żywe i ciekawe zdjęcia. Przykładem jest praca Nicka Knighta. Bardzo artystyczny, mobilny i głęboki. Niewyczerpanym źródłem pomysłów w tym przypadku jest Behance lub ten sam Pinterest.
Czy śledzisz programy? Czy są dla Ciebie ważne?
Zdecydowanie śledzę pokazy, od rosyjskich tygodni mody po najbardziej kultowe międzynarodowe. Uważam, że jeśli chcesz coś osiągnąć w karierze ilustratora mody (zwłaszcza rysunku dla wydawnictw i domów mody), to musisz być świadomy trendów w modzie. Dotyczy to stylów, nadruków, kolorów – wszystko powinno w pewnym stopniu odzwierciedlać się w Twoich ilustracjach.
Który ilustrator Cię inspiruje? Czyj styl lubisz najbardziej?
Lista moich ulubionych ilustratorów zmienia się z biegiem czasu. W tej chwili najbardziej podoba mi się twórczość Bil Donovana, Richarda Kilroya i Howarda Tangue - to współcześni. Spośród wcześniejszych uwielbiam swobodne style Antonio Lopeza i Tony'ego Viramontesa.
Jak przechowujesz swoją pracę?
Moje rysunki są w większości na papierze, trzymam je w szufladach i szafkach w grubych, ciężkich teczkach :). Ale zdarzają się rzadkie wyjątki - zeskanowane, które umieszczam w portfolio lub na mojej stronie. Przetwarzanie takich ilustracji zajmuje dużo czasu.
Jakie są twoje ulubione materiały?
Z czasem się zmieniały. Początkowo malowałam wyłącznie akwarelą i dosłownie w 2-3 kolorach. Teraz pracuję w technikach mieszanych: akwarele i kredki. Zacząłem opanowywać gwasz, trochę rysuję. Ten materiał był dla mnie najtrudniejszy ze szkoły. Kiedy chcę się zrelaksować, przestawiam się na kolaże. Moim ulubionym tematem są ilustracje ze zdjęcia ze skrawków kolorowych magazynów.
Copapierużywasz do pracy?
Każdy. W rzeczywistości bardzo rzadko rysuję na drogim papierze - zwykle kupuję foldery 20 arkuszy A3 za 200-300 rubli. Do szybkich szkiców i wypychania rąk używam wszystkiego, co jest w pobliżu: papieru do drukarki, papieru błyszczącego lub czarnego, czasem nawet gazet.
Opowiedz nam o kilku ciekawych seriach swoich prac.
Z moich ostatnich prac najbardziej utkwiło mi w pamięci tzw. wyzwanie dla siebie: „100 szkiców w jednym stylu w 5 dni”. Oczywiście byłem „zdumiony” w trakcie pracy nad 75. szkicem, ale z drugiej strony tak przyzwoity stos dość ciężkiego papieru pozostał na pamiątkę.
Jak długo trwała podróż do pierwszego zamówienia?
Dość krótki. Jak teraz pamiętam: było to zamówienie na portret. Ponieważ w tym czasie nadal pracowałem jako artysta cyfrowy, pole działania i klienci zmieniali się bardzo płynnie. Teraz wśród moich klientów są takie firmy jak Louis Vuitton, Finn Flare, Moet, Tiffany & co. Wszyscy dotarli do mnie dokładnie w ten sam sposób – przez mój Instagram. Ogólnie uważam tę sieć społecznościową za jedno z moich głównych narzędzi, a odpowiedź z niej jest największa, chociaż jestem na Behance, na Facebooku i na VKontakte.
W zasadzie zarówno nasi, jak i zagraniczni klienci zamawiają prawie to samo. Styl pracy jest nieco inny, to wszystko. Z zagranicznymi klientami sprawa jest nieco prostsza i jaśniejsza: nie ma niejasnych sformułowań typu „no cóż, chciałbym coś takiego zielonego, ale z drugiej strony czerwony też jest możliwy”. Są moodboardy, na których wizualnie maluje się co, jak i dlaczego. Chociaż warto powiedzieć, że od niedawna nasze firmy zaczęły przyswajać tę praktykę.
Czy uważasz, że można zarobić wyłącznie na ilustracjach modowych?
Oh, pewnie. Ogólnie rzecz biorąc, zakres jego zastosowania we współczesnym świecie jest dość szeroki: są to rysunki dla firm klienckich i ilustracja tygodni / magazynów mody, a także prywatne zamówienia na portrety i obrazy oraz praca na imprezach, a nawet nauczanie sztuki prywatnej szkołach, najważniejsze jest, aby dowiedzieć się, co jest dla ciebie najlepsze.
Maxim, opowiedz nam o najciekawszych lub najbardziej zapadających w pamięć zamówieniach.
Najbardziej utkwiło mi w pamięci nawet nie największe zamówienie czy najznakomitszy klient, ale nieco nietypowe dla mnie przeżycie. Pewnego dnia napisał do mnie ilustrator Achraf Amiri, który zaczął wydawać własny magazyn Illustrashion i zebrał prace różnych artystów do następnego numeru. Główną trudnością zamówienia było to, że ogólny styl pisma był bardzo zbliżony do gatunku Vanitas - wszystkie te czaszki, notatki i tak dalej. Ponadto poprosił mnie o rysowanie w moim stylu - jasne plamy, akwarele i kredki. Generalnie było to niezwykłe i niezwykle zabawne.
Na co chciałbyś przyjść? Jakie jest Twoje marzenie?
Z profesjonalnych pragnień - prawdopodobnie nie będę oryginalny - regularna praca z najsłynniejszymi błyszczącymi publikacjami. Wystawa i sprzedaż moich prac w znanych galeriach tematycznych świata. No i oczywiście marzę o doskonałym zdrowiu i długowieczności, abym miała siłę i determinację do realizacji swoich celów.
Początek XXI wieku to nasz czas, czas, w którym wszyscy żyjemy, czas rozwoju technologii i nowych trendów, nie mniej technicznych, w sztuce, ale to ten czas, początek XXI wieku, nazywa się już czasem odrodzenia, renesansu, ilustracji mody, ilustracji mody. Ta sama stara dobra ilustracja, którą w XX wieku wyparła fotografia.
Tak często widuje się zdjęcia na okładkach i stronach magazynów o modzie, ale teraz ilustracje całkiem dobrze współistnieją z fotografiami. Na ogół spełniają te same funkcje - pokazują, dają nam obraz, wygląd danej rzeczy, reklamują ją. Fotografia jest nowoczesna, ilustracja stara, bo w tamtych czasach, kiedy świat jeszcze nie wiedział, czym jest aparat, z powodzeniem spełniał funkcje fotografii. Ale są też między nimi różnice. Na ilustracji jest znacznie więcej miejsca na manifestację talentu, indywidualności, wyobrażenia o czymś, kreatywności, a więc znacznie więcej niż sam autor. W końcu prawie każdy dziś wie, jak robić zdjęcia, ale nie rysować. A to również nadaje ilustracjom mody pewną magię.
Prototypy pierwszych ilustracji modowych można uznać za ryciny i akwaforty z XVI wieku, które przedstawiają panie i panów, fashionistki i kobiety mody. Ale sama ilustracja mody pojawia się w XIX wieku. XIX - pierwsza połowa XX wieku - czas jej rozkwitu. Francuski projektant mody Paul Poiret aktywnie wspiera ilustratorów mody, zajmuje się ilustracją mody i. Na początku XX wieku tłem dla ilustracji modowych były liczne ornamenty roślinne, popularnie nazywane „szpinakiem”. Następnie tło jest albo całkowicie usuwane, albo staje się bardziej zróżnicowane.
ilustracje modowe z różnych epok
W pierwszej połowie XX wieku w ilustrowaniu mody zajmowali się nie tylko wąscy specjaliści, których chlebem jest ilustracja, ale także wielu znanych artystów. Tak więc modne rysunki prac pojawiają się w Vogue. A rosyjskiemu artyście Romanowi Tyrtovowi (lepiej znanemu jako Erte) zaproponowano współpracę w 1914 roku przez dwa magazyny modowe jednocześnie: Vogue i Harper’s Bazaar. Mówią, że Erte zachowywał się zupełnie banalnie - aby nie dręczyć się problemem wyboru, po prostu rzucił monetą: „orzeł lub ogon”. A los w postaci monety wskazywał na Harper's Bazaar.
Ilustracja modowa kwitła na okładkach i na łamach magazynów modowych do lat 30. XX wieku. W tym czasie fotografia zaczęła ją wypierać.
Ale nowy oddech, małe odrodzenie, dla ilustracji mody, to dzieło francuskiego ilustratora mody Rene Gruaulta. Gruau od dawna współpracuje z House of Dior, dla którego projektował katalogi, opakowania (perfumy), a nawet ogłoszenia i zaproszenia. Rene Gruault pracował z Diorem w latach 40., 50., 60. i 70. Całkiem można powiedzieć, że wizerunek Domu Diora został określony między innymi przez Rene Gruaulta. Pracował jednak nie tylko w grafice modowej, ale także w reklamie, tym bardziej w reklamie. W latach 60. Gruault współpracował także z Valentino. Jego ilustracje ukazały się w magazynach Vogue i L'Officiel. W rzeczywistości w połowie XX wieku ilustracje Gruaulta zwyciężyły w fotografii, ale był to raczej przyjemny wyjątek niż reguła. Zainteresowanie ilustracją modową odrodziło się dopiero na początku XXI wieku.
