Przesłanie o kulturze europejskiej XVIII wieku. Kultura Oświecenia w Europie Zachodniej w XVIII wieku. Rozdział I. Główne wartości Oświecenia

Na początku XVIII wieku. upowszechnia się proces sekularyzacji – oddzielenia państwa od Kościoła. Nauka i racjonalność naukowa określają charakter postawy nowych czasów. 18 wiek w historii nieprzypadkowo nazywają Epokę Oświecenia: wiedza naukowa, dawniej własność wąskiego kręgu naukowców, obecnie rozprzestrzenia się szeroko, wychodząc poza uniwersytety i laboratoria do świeckich salonów w Paryżu i Londynie, stając się przedmiotem dyskusji publicystów, pisarzy popularyzujących osiągnięcia nauki i filozofii. Z punktu widzenia niemieckiego filozofa I. Kanta (1724-1804) oświecenie jest wyrazem rodzajowej istoty człowieka, ale pomyślny rozwój i zastosowanie rozumu jest możliwe tylko wtedy, gdy wszystkie formy braku wolności zostaną przezwyciężone długoterminowe doskonalenie moralne ludzkości.

Na sztandarze oświecających wypisane są dwa główne hasła: nauka i postęp. Jednocześnie oświeceni odwołują się nie tylko do rozumu, ale do rozumu naukowego, który opiera się na doświadczeniu i jest wolny od uprzedzeń religijnych. Postrzegali Boga jako racjonalną pierwotną przyczynę świata, a „religię naturalną” jako społeczny regulator procesu historycznego. X. Cherburn (1583-1648), J. Locke (1712-1778), Voltaire (1699-1778), P. Gassendi (1592-1655), J. Mellier (1644-1729), J. La Mettrie (1709- 1751), D. Diderot (1713-1784), P. Holbach (1723-1789), K. Helvetius (1715-1771), cała galaktyka encyklopedystów we Francji „poddana sądowi rozsądku i zdrowego rozsądku” wszystkich ludzi historia, w szczególności historia Chrześcijaństwo i Kościół chrześcijański.

Głównym bohaterem zarówno naukowych, jak i literackich studiów Oświecenia jest Człowiek. Z jednej strony jawi się jako oddzielna, wyizolowana osoba, az drugiej wszystkie jednostki są równe.

78. Gatunki sztuki XVIII wieku - rokoko, klasycyzm, sentymentalizm

W epoce Oświecenia rozwinęły się wszystkie gatunki literatury i sztuki.

Na początku stulecia barok został stopniowo wyparty przez rokoko.

Ojczyzną rokoka jest Francja. Rozprzestrzenia się dalej w zabudowaniach pałacowych i parkowych państw europejskich. Duża część tego stylu jest zdeterminowana dziwacznym kształtem muszli. Samo słowo „rococo” pochodzi od słowa „rocaille” - małe kamyczki, muszle. Rokoko kontynuuje tradycje baroku. Charakteryzuje się wyszukanymi i dziwacznymi małymi formami oraz subtelnie wyrafinowanym, filigranowym, mocno stylizowanym ornamentem. W aranżacji wnętrz najszerzej stosowano rokoko.

Rokoko to lekki, zabawny styl, który tworzy atmosferę bezczynności, beztroski, bezpretensjonalnej rozrywki. Charakteryzuje się wdziękiem, delikatnością, wdziękiem. Wyrażał gusta części arystokracji i szlachty wyobcowanej z polityki. Rokoko aktywnie zapożycza motywy sztuki chińskiej.

Malarstwo rokokowe charakteryzuje tematyka duszpasterska, salonowo-erotyczna. Malarze posługujący się tym stylem tworzą prace przeznaczone do dekoracji. Wśród najbardziej znanych dzieł: F. Buis „Herkules i Omphala”, „Kąpiel Diany”.

Sposób myślenia epoki Oświecenia został najpełniej przeniesiony do innego stylu artystycznego - klasycyzmu. Jego ojczyzną była Francja pod koniec XVII wieku. Racjonalistyczna filozofia R. Descartes'a, dramaturgia P. Corneille'a, J. Racine'a, J.B. Moliere i inne W XVIII wieku. aprobowany jest nurt zwany klasycyzmem (od łac. classicus – wzorowy). Styl i kierunek w literaturze i sztuce XVII-XVIII wieku, które zwróciły się ku dziedzictwu antycznemu jako normie i wzorcowi, opierają się na ideach racjonalizmu i racjonalnych prawach świata.

Główne tematy klasycyzmu: konflikt społeczeństwa i jednostki, obowiązek i uczucia, chęć portretowania i wyrażania heroicznych wzniosłych uczuć i przeżyć.

Rozpoznał klasycyzm: gatunki wysokie i niskie (tragedia - wysoka, bajka - niska itp.). Przedstawiciele klasycyzmu w literaturze; Corneille, Racine, Voltaire, Moliere, Boileau we Francji, Derzhavin i Fonvizin w Rosji; charakteryzują się typowymi bohaterami, głoszeniem moralności i wzniosłymi uczuciami.

Architekturę klasycyzmu charakteryzuje klarowność i geometria form, logiczny układ, połączenie ścian i kolumn oraz dyskretny wystrój. Większość zespołów ogrodowych i parkowych Europy Zachodniej (Wersal) należy do tego stylu.

W sztukach wizualnych charakterystyczne są jasne kolory, klasyczna fabuła, przedstawienie współczesnych w postaci klasycznych bohaterów (Poussin, Lorrain, David, Ingres-France). Rzeźbiarze Pigalle, Falcone („Jeździec z brązu”).

Sentymentalizm(z francuskiego sentymentu - uczucia) - nurt w literaturze i sztuce europejskiej i amerykańskiej końca XVIII - początku XIX wieku, który głosił kult naturalnego poczucia natury, charakteryzuje się wrażliwością, nadmierną czułością w wyrażeniach, współczuciem ( Richardson, Stern, Smollett, Rousseau).

„Wszystko, co rozsądne, jest naprawdę, wszystko, co rzeczywiste, jest rozsądne” – to formuła wyprowadzona przez G.V. Hegel nie był przypadkowy, to samoświadomość epoki XVIII wieku. Ale następne stulecie sprawiło, że ludzie w to wątpili.

Kultura Europy Zachodniej w XIX wieku

W kulturze nowego czasu XIX wieku. zajmuje szczególne miejsce. To wiek klasyków, kiedy cywilizacja burżuazyjna osiągnęła dojrzałość

a następnie wszedł w fazę kryzysu. Właśnie taką ocenę do tej pory wydali wybitni myśliciele – F. Nietzsche, O. Spengler, J. Huizinga, H. Ortega y Gasset.

W swej istocie kultura XIX wieku opiera się na tych samych przesłaniach światopoglądowych, co cała kultura nowych czasów, są to:

racjonalizm;

♦ antropocentryzm;

♦ scjentyzm (orientacja na naukę);

♦ Europocentryzm (ocena innych kultur z punktu widzenia wartości wyłącznie europejskich).

Kulturolodzy uważają, że historyczne oblicze XIX wieku. zidentyfikowano trzy czynniki: demokracja, nauka eksperymentalna i industrializacja.

Inne wydarzenie - wielka francuska rewolucja burżuazyjna z lat 1789-1793, której ideały inspirowały przywódców rewolucji amerykańskiej - jednocześnie naznaczyła kryzys kultury oświecenia, niezdolnej do przystosowania ludzkiej działalności do nowych formy rzeczywistości.

Gatunki sztuki XIX wieku

Pesymistyczne nastroje społeczeństwa, pod wpływem ostatnich burz społecznych, doprowadziły w końcu do romantycznego buntu młodszego pokolenia. Romantyzm- to już nie tylko styl podobny do klasycyzmu czy baroku, to ogólny ruch kulturowy, który objął szeroką gamę zjawisk - od filozofii i ekonomii politycznej po modę na fryzury i kostiumy. Niemcy stały się centrum ruchu romantycznego. Niemiecka szkoła filozofii romantycznej, która u podstaw filozofii, filozofii pokrewnej i sztuki postawiła symbol intuicyjny, a nie pojęcie naukowe.

Dla kultury XIX wieku. charakterystyczne z jednej strony jest twierdzenie o klasycznych próbkach kultury nowych czasów, z drugiej strony pod koniec stulecia pojawia się sztuka, która tym próbkom zaprzecza. Klasyczny przykład kierunku XIX wieku. jest romantyzmem, odzwierciedla bolesny rozdźwięk między ideałem a rzeczywistością, który staje się podstawą światopoglądu wielu ludzi w XIX wieku. szczególnie romantyków przyciągają wyjątkowi ludzie, geniusze, bojownicy o sprawiedliwość, bohaterowie. W ten sposób pisarze romantycznego magazynu obdarzyli swoich bohaterów silnym, nieustępliwym charakterem. Bohater romantyczny doskonale zdaje sobie sprawę z niedoskonałości świata i potrafi aktywnie opierać się negatywnym czynnikom środowiska społecznego.

Romantyzmowi przeciwstawił się inny kierunek artystyczny - realizm. Realizm dążył nie do dogłębnego, bezpośredniego przekazu rzeczywistości w dziele, ale do zrozumienia schematów życia i artystycznego ich odzwierciedlenia jako typowego.

W malarstwie realizm był bardziej ewidentny i oznaczał nie tylko wierny przekaz obrazu, ale przede wszystkim środowisko społeczne, wyjątkowość danej sytuacji historycznej i jej wpływ na określony typ człowieka. W muzyce realizm starał się przekazać harmonię jednostki i otoczenia lub wręcz przeciwnie, ich konflikt.

W 19-stym wieku następuje rewizja wartości zarówno w życiu społecznym, jak i w kulturze. Sztuka Europy wkracza od końca lat 50-tych. w epoce dekadencji. Termin ten był używany jako określenie zjawisk kryzysowych w kulturze duchowej, naznaczonych nastrojami beznadziejności, pesymizmu i dekadencji. Trendy te są najbardziej widoczne w kierunku impresjonizm.

Sprzeciw wobec nadmiernego naturalizmu i zastygłego akademizmu w sztuce realistycznej wyrażał się w poszukiwaniu nowej formy, nowej techniki malarskiej, w odejściu od wątków społecznych, od fabuły. Odkrycie metody impresjonizmu należy do Edouarda Maneta. Impresjoniści stworzyli techniki artystyczne, które umożliwiły przekazanie wrażenia światła przenikającego powietrze i przedmioty, poczucia bogatego środowiska nadpowietrznego. Za pomocą niejasnych konturów stworzyli iluzję niestałości, gry kolorów itp. Impresjoniści E. Manet i C. Monet, C. Pissarro, Sisley i inni zawsze próbowali pracować z natury, ich ulubionymi gatunkami są krajobraz, portret, kompozycja.

Kultura dekadencji w Europie Zachodniej od lat 50-tych. 19 wiek do końca - odzwierciedlał kryzys, beznadziejność, pesymizm.

Kierunki w sztuce:

♦ impresjonizm (Monet, Degas, Renoir) – dbałość o przepuszczalność światła, bogactwo barw, dynamikę świata, obrazy z natury;

♦ postimpresjonizm (Van Gogh, Gauguin) – subiektywizm, mistycyzm w pokazywaniu rzeczywistości, ukazywanie dysonansów miasta;

♦ symbolika - pokaz dziwnych, mistycznych, brzydkich, melancholijnych nastrojów.

Wysyłanie dobrej pracy do bazy wiedzy jest proste. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy będą Ci bardzo wdzięczni.

Wstęp

Rozdział I Podstawowe wartości oświecenia

Rozdział II Rozwój nauki w epoce oświecenia”

Rozdział III Cechy stylistyczne i gatunkowe sztuki XVIII wieku

Wniosek

Bibliografia

WPROWADZANIE

Trafność studiowania tego tematu jest bezpośrednio związana ze znaczeniem rozważanego okresu dla rozwoju kulturoznawstwa.

Kultura europejska XVII-XIX wieku. Zwyczajem jest łączenie kultury New Age ze wspólną koncepcją, która charakteryzuje się formowaniem i rozwojem kapitalistycznego sposobu produkcji.

Dla krajów Europy początek XVII wieku. w dużej mierze naznaczone reakcją polityczną, która nastąpiła w wyniku wydarzeń końca XVI wieku. Wojna chłopska w Niemczech (1524-1525), będąca pod wieloma względami kontynuacją ruchu ludowego przeciwko Kościołowi katolickiemu, zakończyła się klęską buntowników.

Konsekwencją tego był triumf władzy feudalnej, z jej rozdrobnieniem, niskim poziomem rozwoju społeczno-gospodarczego i kulturalnego. W rzeczywistości pierwsza rewolucja burżuazyjna w Europie została pokonana. Francja pogrążona jest w wojnach religijnych i domowych.

Przedmiotem opracowania jest proces rozwoju kultury w Europie Zachodniej w XVIII wieku.

Przedmiotem opracowania są główne osiągnięcia rozwoju kultury w Europie Zachodniej.

Celem pracy jest potrzeba scharakteryzowania procesu rozwoju kultury w Europie Zachodniej w XVIII wieku.

Osiągnięcie tego celu wymaga rozwiązania szeregu następujących zadań:

1. Zidentyfikuj główne wartości Oświecenia.

2. Opisz rozwój nauki w okresie Oświecenia.

3. Podkreśl główne cechy stylowe i gatunkowe sztuki XVIII wieku.

W pracy zastosowano następujące metody: opisową, syntezę, analizę, indukcję, dedukcję, statystykę.

W tej pracy wykorzystaliśmy głównie literaturę monograficzną i edukacyjną. Wykorzystanie tego typu literatury pozwala scharakteryzować główne osiągnięcia w rozwoju kultury XVIII wieku.

RozdziałI. Podstawowe wartości Oświecenia

Oświecenie jest niezbędnym krokiem w rozwoju kulturalnym każdego kraju, który rozstaje się z feudalnym stylem życia. Oświecenie jest z gruntu demokratyczne, jest kulturą dla ludzi.

Swoje główne zadanie widzi w wychowaniu i edukacji, w zapoznawaniu wszystkich i wszystkich z wiedzą.

Jak każda znacząca epoka kulturowa i historyczna, Oświecenie ukształtowało swój ideał i dążyło do porównania go z rzeczywistością, jak najszybszego i jak najpełniejszego urzeczywistnienia go w praktyce.

Przedstawiając ideę kształtowania osobowości, wychowawcy pokazali, że człowiek ma siłę intelektualną, duchową i fizyczną. Na świat przychodzą ludzie równi, z własnymi potrzebami, interesami, których zaspokojenie polega na ustanowieniu rozsądnych i sprawiedliwych form wspólnoty ludzkiej. Umysły oświecających są podekscytowane ideą równości: nie tylko przed Bogiem, ale także przed prawami, przed innymi ludźmi.

Idea równości wszystkich ludzi wobec prawa, wobec ludzkości jest pierwszą charakterystyczną cechą Oświecenia.

Nic dziwnego, że religia w takiej formie, w jakiej została przedstawiona przez Kościół, wydawała się ateistycznym wychowawcom w ogniu walki o skrajności jako wróg człowieka. W oczach oświecających deistów Bóg zamienił się w siłę, która wprowadziła jedynie pewien porządek w odwiecznie istniejącą materię. W okresie Oświecenia szczególnie popularna stała się idea Boga jako wielkiego mechanika i świata jako ogromnego mechanizmu.

Dzięki zdobyczom nauk przyrodniczych powstała idea, że ​​czas cudów i tajemnic minął, że wszystkie tajemnice wszechświata zostały ujawnione, a Wszechświat i społeczeństwo podlegają logicznym prawom dostępnym dla ludzkiego umysłu. Zwycięstwo rozumu to druga charakterystyczna cecha epoki.

Trzecią cechą charakterystyczną Oświecenia jest optymizm historyczny.

Wiek Oświecenia można słusznie nazwać „złotym wiekiem utopii”. Oświecenie to przede wszystkim wiara w możliwość zmiany człowieka na lepsze, „racjonalna” transformacja fundamentów politycznych i społecznych.

Przewodnik dla twórców XVIII-wiecznych utopii. służył jako „naturalny” lub „naturalny” stan społeczeństwa, nie znający własności prywatnej i ucisku, podział na klasy, nie tonący w luksusie i nie obciążony biedą, nie dotknięty wadami, żyjący zgodnie z rozumem, a nie „według do sztucznych” praw. Był to wyłącznie fikcyjny, spekulacyjny typ społeczeństwa, które według Rousseau mogło nigdy nie istnieć i najprawdopodobniej nigdy nie będzie istniało w rzeczywistości.

Renesansowy ideał osoby wolnej nabiera atrybutu uniwersalności. I odpowiedzialność: człowiek oświecenia myśli nie tylko o sobie, ale także o innych, o swoim miejscu w społeczeństwie. Oświeceni skupiają się na problemie najlepszej struktury społecznej. Oświeceni wierzyli w możliwość zbudowania harmonijnego społeczeństwa.

Głębokie zmiany w życiu społeczno-politycznym i duchowym Europy, związane z powstawaniem i rozwojem mieszczańskich stosunków gospodarczych, zdeterminowały główne dominanty kultury XVIII wieku.

Głównymi ośrodkami Oświecenia były Anglia, Francja, Niemcy.

Od 1689 roku - roku ostatniej rewolucji w Anglii - rozpoczyna się Era Oświecenia. Była to wspaniała epoka, rozpoczęta jedną rewolucją, a zakończona trzema: przemysłowa w Anglii, polityczna we Francji, filozoficzna i estetyczna w Niemczech. Przez sto lat - od 1689 do 1789. - świat się zmienił. Resztki feudalizmu coraz bardziej ulegały erozji, stosunki burżuazyjne, które ostatecznie nawiązały się po Wielkiej Rewolucji Francuskiej, były coraz głośniejsze.

Wiek XVIII przygotował także drogę do dominacji kultury mieszczańskiej. Starą, feudalną ideologię zastąpiły czasy filozofów, socjologów, ekonomistów, pisarzy nowej ery Oświecenia.

W filozofii Oświecenie sprzeciwiało się wszelkiej metafizyce (nauce o nadzmysłowych zasadach i zasadach bytu). Przyczynił się do rozwoju wszelkiego rodzaju racjonalizmu (uznania rozumu za podstawę poznania i zachowania człowieka), w nauce - do rozwoju nauk przyrodniczych, których osiągnięcie często wykorzystuje do uzasadnienia naukowej słuszności poglądów i wiary w postęp. To nie przypadek, że sam okres oświecenia w niektórych krajach nazywany był imionami filozofów. Na przykład we Francji okres ten nazywano wiekiem Woltera, w Niemczech – wiekiem Kanta.

W historii ludzkości oświeceni byli zaniepokojeni problemami globalnymi:

Jak powstało państwo? Kiedy i dlaczego powstała nierówność? Czym jest postęp? I były tak samo racjonalne odpowiedzi na te pytania, jak wtedy, gdy chodziło o „mechanizm” wszechświata.

W dziedzinie moralności i pedagogiki Oświecenie głosiło ideały ludzkości i pokładało wielkie nadzieje w magicznej mocy edukacji.

W dziedzinie polityki, orzecznictwa i życia społeczno-gospodarczego - wyzwolenie człowieka z niesprawiedliwych więzów, równość wszystkich ludzi wobec prawa, wobec ludzkości. Po raz pierwszy epoka musiała rozwiązać w tak ostrych formach od dawna znaną kwestię godności człowieka. Na różnych polach działalności ulegała przeobrażeniom na różne sposoby, ale nieuchronnie prowadziła do fundamentalnie nowych, innowacyjnych w swej istocie odkryć.

Jeśli mówimy na przykład o sztuce, nie jest przypadkiem, że ta konkretna epoka była dla siebie tak nieoczekiwana, ale tak skutecznie zmuszona do odpowiedzi nie tylko na problem „sztuki i rewolucji”, ale także na problem artystycznego odkrycia, urodzony w głębi wyłaniającego się nowego typu świadomości.

Oświeceni byli materialistami i idealistami, zwolennikami racjonalizmu, sensacji (doznania uważano za podstawę poznania i zachowania), a nawet boskiej opatrzności (ufali woli Bożej). Niektórzy z nich wierzyli w nieunikniony postęp ludzkości, podczas gdy inni postrzegali historię jako regres społeczny. Stąd specyfika konfliktu między świadomością historyczną epoki a rozwiniętą przez nią wiedzą historyczną - konflikt tym bardziej zaostrzony, im dokładniej sama epoka określała swoje preferencje historyczne, szczególną rolę w obecnym i przyszłym rozwoju ludzkości . Jako nurt myśli społecznej Oświecenie było rodzajem jedności. Polegał na szczególnym nastroju, skłonnościach i upodobaniach intelektualnych. Przede wszystkim są to cele i ideały Oświecenia, takie jak wolność, dobrobyt i szczęście ludzi, pokój, niestosowanie przemocy, tolerancja religijna itp., a także słynna wolnomyślność, postawa krytyczna. wobec wszelkiego rodzaju autorytetów, odrzucanie dogmatów, w tym kościelnych.

Epoka Oświecenia była ważnym punktem zwrotnym w duchowym rozwoju Europy, który wpłynął na niemal wszystkie sfery życia społeczno-politycznego i kulturalnego. Obalając normy polityczne i prawne, kodeksy estetyczne i etyczne społeczeństwa staroklasowego, oświeceni wykonali tytaniczną pracę nad stworzeniem pozytywnego systemu wartości, adresowanego przede wszystkim do człowieka, niezależnie od jego przynależności społecznej, która organicznie weszła do krwi i ciało cywilizacji zachodniej.

Oświeceni wywodzili się z różnych stanów i stanów: arystokracji, szlachty, duchowieństwa, pracowników, przedstawicieli środowisk handlowych i przemysłowych. Zróżnicowane były także warunki, w jakich żyli. W każdym kraju ruch oświeceniowy niósł piętno tożsamości narodowej.

RozdziałII. Rozwój nauki w epoce oświecenia

Francja początku wieku charakteryzuje się znacznym rozwojem tendencji antyreligijnych, które stały się jednym z najważniejszych aspektów Oświecenia.

Pierwszym i najbardziej radykalnym dziełem ateistycznym, które krążyło we Francji na początku lat 30. był „Testament” wiejskiego księdza J. Melliera, zgodnie z którym „wszystko, co wasi teologowie i księża z takim zapałem i elokwencją głoszą wam o wielkości, wyższości i świętość sakramentów, które zmuszają cię do oddawania czci, wszystko, co mówią ci z taką powagą o swoich wyimaginowanych cudach, wszystko, co opisują ci z taką gorliwością i ufnością w niebiańskie nagrody i straszne piekielne męki - wszystko to w istocie, nic poza złudzenia, urojenia, oszustwa, wymysły i oszustwa…”.

Jednak z reguły tak trudna pozycja nie była charakterystyczna dla Oświecenia, które do połowy XVIII wieku. oparte na zasadach deizmu. Teoria ta uznaje stworzenie świata przez Boga, ale wywodzi się z faktu, że w przyszłości Pan przestaje ingerować w sprawy natury i społeczeństwa. Deiści, do których należeli Wolter, Monteskiusz, a także późniejsze postacie oświecenia – Rousseau, Condillac, krytykowali wszystkie powszechne religie i mówili o potrzebie „religii naturalnej” nastawionej na dobro rozumu i człowieka. „Mieczem, który odciął głowę deizmu” była Krytyka czystego rozumu Immanuela Kanta.

Jeśli w XVII wieku Matematyka odgrywała główną rolę w nauce, ale w XVIII-wiecznej biologii, fizyce i geografii „dogoniła ją”.

Nauka staje się systemowa. Racjonalizm XVII wieku stopniowo się zmienia. Ustępuje przekonaniu o możliwości i konieczności rozwoju umysłu, oświecenia osobowości człowieka.

Druga połowa lat 40-tych. 18 wiek charakteryzuje się formowaniem poglądów materialistycznych.

Prace J. La Mettriego zawierają twierdzenia, że ​​myślący człowiek nie znajdzie ani teoretycznych podstaw, ani praktycznych zainteresowań dla swojej wiary w Boga. Uważał jednak, że ateizm nie podlega dystrybucji wśród zwykłych ludzi i jest rozumiany tylko przez nielicznych, którzy intelektualnie przewyższają resztę.

Pod koniec lat 40. poglądy materialistyczne znajdują potwierdzenie w pracach D. Diderota i P. Holbacha, którzy uznawali ateizm za konieczny i dostępny dla każdego.

Mechanistyczne nauki przyrodnicze, które dominowały do ​​drugiej połowy XVIII wieku, badały ruch przenoszony z jednego ciała na drugie, tłumacząc początek ruchu działaniem Boga, jak np. Newton ze swoją teorią „pierwszego pchnięcia”. ”.

Wolter również rozpoznał istnienie jakiejś wiecznej istoty, która jest przyczyną wszystkich innych. Deizm Woltera był podstawą kształtowania poglądów materialistów lat 30-40, ponieważ uznawał Boga tylko za stworzenie świata, a później, według Woltera, Bóg nie ingeruje w sprawy świata. La Mettrie, Diderot, Helvetius, Holbach, których praca zbiegła się z rozwojem chemii, geologii i biologii, otrzymali podstawę do stwierdzenia rozwoju przyrody od siebie.

W latach 60. i 70. Voltaire wyrzeka się również twierdzenia o Boskim stworzeniu świata, ale ogólnie nie o istnieniu Boga. Jednocześnie nie znajduje odpowiedzi na takie pytania, jak pochodzenie świata, położenie Boga.

Diderot zainicjował stworzenie „Encyklopedii, czyli słownika wyjaśniającego nauki, sztuki i rzemiosła”, którego publikacja trwała od 1751 do 1780 roku.

Stał się centrum jednoczącym oświeconych. Książka zawierała informacje z zakresu matematyki, astronomii, geografii, opisywała technologię wytwarzania wyrobów przemysłowych.

Manufaktura stopniowo ustępuje miejsca bardziej złożonej organizacji pracy.

Rozwój manufaktur charakteryzował się podziałem pracy na najprostsze czynności, co było impulsem do rozwoju działalności wynalazczej. Wynalezienie „latającego” czółenka w tkactwie, zastąpienie ludzkiej ręki mechanizmem było początkiem rewolucji przemysłowej.

Przyspieszenie tkactwa wymagało stworzenia maszyny przędzalniczej, wynalezionej przez tkacza Jamesa Hargreavesa. W 1784 Edmund Cartwright daje ludzkości mechaniczne krosno. W 1771 roku pojawiło się przedsiębiorstwo, w którym maszynę napędzało koło wodne. Nie była to już manufaktura, ale pierwsza fabryka, w której operacje wykonywały maszyny.

W 1784 r. mechanik James Watt stworzył silnik parowy, którego można było używać niezależnie od obecności rzeki w pobliżu, w przeciwieństwie do koła wodnego. To już oznaczało przejście z manufaktury do fabryki.

Pierwsza działająca lokomotywa parowa została stworzona przez inżyniera samouka George'a Stephensona w 1814 roku.

Masowa budowa kolei rozpoczęła się w latach dwudziestych XX wieku. 19 wiek Wykorzystywane są nowe materiały i źródła energii.

Tak więc rozwój nauki w okresie Oświecenia rozwijał się zgodnie z metodologią racjonalizmu.

RozdziałIII. Cechy stylu i gatunkusztukaXVIIIwiek

Natura była dla oświeconych wzorem wszystkiego, co dobre i piękne. Jej prawdziwy kult stworzą sentymentaliści w latach 60-tych. XVIII wiek, ale fascynacja naturalnością, entuzjastyczna jej kontemplacja zaczyna się od samego Oświecenia.

Widocznym ucieleśnieniem „lepszych światów” dla ludzi Oświecenia były ogrody i parki.

Park Oświecenia powstał w wzniosłym i szlachetnym celu - jako idealne środowisko dla doskonałej osoby.

Oświeceniowe parki nie były tożsame z naturą. W skład parków i ogrodów wchodziły biblioteki, galerie sztuki, muzea, teatry, świątynie poświęcone nie tylko bogom, ale także ludzkim uczuciom – miłości, przyjaźni, melancholii. Wszystko to zapewniło realizację oświeceniowych idei szczęścia jako „stanu naturalnego”, o „osobie fizycznej”, której głównym warunkiem był powrót do natury. Wśród nich wyróżnia się Peterhof (Petrodvorets), stworzony nad brzegiem Zatoki Fińskiej przez architektów J. Leblona, ​​M. Zemtsova, T. Usova, J. Quarenghiego. Ten wspaniały park, z unikalnymi pałacami i wspaniałymi fontannami, odegrał wyjątkową rolę w rozwoju rosyjskiej architektury i sztuki krajobrazu oraz ogólnie w historii kultury rosyjskiej.

Sztuka europejska XVIII wieku łączyła dwa różne nurty: klasycyzm i romantyzm.

Klasycyzm w sztukach plastycznych, muzyce, literaturze to styl oparty na zasadach sztuki starożytnej Grecji i Rzymu: racjonalizm, symetria, celowość, powściągliwość i ścisłe dopasowanie treści do jej formy.

Romantyzm stawia na pierwszy plan wyobraźnię, emocjonalność i twórczą duchowość artysty.

Sztuka Oświecenia wykorzystywała dawne formy stylistyczne klasycyzmu, oddając za ich pomocą zupełnie inną treść. W sztuce różnych krajów i narodów klasycyzm i romantyzm tworzą niekiedy rodzaj syntezy, czasami występują w najróżniejszych kombinacjach i mieszaninach.

Ważnym nowym początkiem w sztuce XVIII wieku było pojawienie się trendów, które nie miały własnej formy stylistycznej i nie odczuwały potrzeby jej rozwijania. Takim nurtem kulturologicznym był przede wszystkim sentymentalizm (z poczucia francuskiego), który w pełni odzwierciedlał oświeceniowe idee o pierwotnej czystości i dobroci ludzkiej natury, które giną wraz z dystansem społeczeństwa do natury.

Praktycznie na terenie niemal całej Europy dochodzi do inwazji zasady świeckiej na malarstwo religijne tych krajów, w których odgrywała ona główną rolę - Włoch, Austrii, Niemiec. Malarstwo gatunkowe czasami ma tendencję do przewodzenia. Zamiast portretu ceremonialnego - portret intymny, w malarstwie pejzażowym - pejzaż nastrojowy.

W pierwszej połowie XVIII wieku rokoko stało się wiodącym nurtem sztuki francuskiej. Cała sztuka rokoko opiera się na asymetrii, która tworzy poczucie niepokoju - żartobliwe, kpiące, artystyczne, drażniące uczucie. To nie przypadek, że określenie „rococo” pochodzi od francuskiego „rocaille” – dosłownie ozdoba w kształcie diamentu i muszli. Fabuły - tylko miłosne, erotyczne, ukochane bohaterki - nimfy, bachantki, Diana, Wenus, dokonujące swoich niekończących się "triumfów" i "toalet".

Francois Boucher (1703-1770) stał się wybitnym przedstawicielem francuskiego rokoka. „Pierwszy artysta króla”, jak go oficjalnie nazywano, dyrektor Akademii, Boucher był prawdziwym synem w swoim wieku, który wszystko umiał robić sam: panele do hoteli, obrazy do bogatych domów i pałaców, tektura dla manufaktury gobelinów, scenografii teatralnych, ilustracji książkowych, rysunków wachlarzy, tapet, kominków, karet, szkiców kostiumów itp. Typowe wątki jego płócien to „Triumf Wenus” lub „Toaleta Wenus”, „Wenus z Kupidynem”, „Kąpiel Diany”.

Antoine Watteau (1684-1721) - francuski malarz, zwrócił się ku obrazom współczesnego życia. W jego płótnach odbijają się głębokie refleksje Watteau nad istotą sztuki naprawdę wysokiej. Wystrój, wyrafinowanie dzieł Watteau stanowiły podstawę rokoka jako kierunku stylistycznego, a jego poetyckie odkrycia były kontynuowane przez malarzy realistycznego kierunku z połowy XVIII wieku.

Zgodnie z nowymi ideami estetycznymi w sztuce rozwija się twórczość Jeana Baptiste Simona Chardina (1699-1779), artysty, który zasadniczo stworzył nowy system malarski. Chardin zaczynał od martwej natury, malował przedmioty kuchenne: kotły, garnki, zbiorniki, następnie przeszedł do malarstwa rodzajowego: „Modlitwa przed obiadem”, „Praczka”, a następnie do portretu.

rzeźba francuska z XVIII wieku przechodzi przez te same etapy co malowanie. Są to głównie formy rocaille w pierwszej połowie wieku i rozwój cech klasycznych w drugiej. Cechy lekkości, swobody, dynamiki widoczne są w rzeźbie Jeana Baptiste Pigalle (1714-1785), w jego pełnym uroku, lekkim szybkim ruchu, bezpośredniości wdzięku „Merkurego zawiązującego sandał”.

Jean Antoine Houdon (1741-1828) - prawdziwy historiograf społeczeństwa francuskiego, w swojej rzeźbiarskiej galerii portretów przekazał duchową atmosferę epoki. Wolter Houdona jest dowodem wysokiego poziomu sztuki francuskiej.

Sztuka angielska XVIII wieku. - rozkwit narodowej szkoły malarstwa w Anglii - zaczyna się od Williama Hogartha (1697-1764), malarza, grafika, teoretyka sztuki, autora serii obrazów « Kariera prostytutki”, „Kariera Moty”.

Hogarth był pierwszym malarzem-oświecaczem w Europie.

Największy przedstawiciel angielskiej szkoły portretu Thomas Gainsborough (1727-1888). Pod wpływem Watteau ukształtował się dojrzały styl artysty. Jego portrety charakteryzują się duchowym wyrafinowaniem, duchowością i poezją. Głębokie człowieczeństwo jest nieodłączne w jego obrazach chłopskich dzieci.

Malarstwo włoskie XVIII wieku osiągnął szczyt dopiero w Wenecji. Ducha Wenecji wyraził Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), ostatni przedstawiciel baroku w sztuce europejskiej, malarz, rysownik, rytownik. Tiepolo jest właścicielem monumentalnych cykli fresków, zarówno kościelnych, jak i świeckich.

Wenecja dała światu znakomitych mistrzów weduty - miejskiego krajobrazu architektonicznego: Antonio Canaletto (1697-1768), słynącego z uroczystych obrazów życia Wenecji na tle jej bajecznej architektury teatralnej; Francesco Guardi (1712-1793), który znalazł inspirację w prostych motywach codziennego życia miasta, jego zalanych słońcem dziedzińcach, kanałach, lagunach, zatłoczonych nasypach. Guardi stworzył nowy typ pejzażu, naznaczony poezją, bezpośredniością wrażeń widza.

Wiek XVIII przygotował także drogę do dominacji kultury mieszczańskiej. Nadszedł czas filozofów, socjologów, ekonomistów i pisarzy, by zastąpić starą, feudalną ideologię.

Głównym gatunkiem literackim Oświecenia jest powieść.

Sukces powieści, szczególnie znaczący w Anglii, przygotował sukces dziennikarstwa edukacyjnego.

Oświeceni pisarze doskonale zdawali sobie sprawę, jak niedoskonałe jest ich współczesne społeczeństwo i jak okrutny jest człowiek, a mimo to mieli nadzieję, że podobnie jak Robinson z pierwszej części powieści Daniela Defoe (1660-1731), ludzkość opiera się na swoim własny rozsądek i pracowitość wzniosłyby się na wyżyny cywilizacji. Ale może ta nadzieja jest iluzoryczna, o czym Jonathan Swift (1667-1754) tak wyraźnie świadczy w powieści alegorii Podróże Guliwera, gdy wysyła swojego bohatera na wyspę inteligentnych koni. W stworzonej przez siebie broszurze „Opowieść o beczce” śmiał się serdecznie z kościelnej kłótni.

Rozwijając w swoich książkach pozytywny program, pedagodzy szeroko prezentowali także, jak człowiek żyje, oszukuje i jest oszukiwany. Ideał moralny niezmiennie współistnieje z satyrą. W powieści G. Fieldinga (1707-1754) „Historia Toma Jonesa, podrzutka” zastosowano równoległą konstrukcję fabuły, przypominającą bajkę: o dobrych i złych braciach, z których każdy w koniec, jest nagradzany zgodnie z jego zasługami.

Był to czas nowych przekonań filozoficznych, czas, kiedy idee nie tylko były wykładane w traktatach, ale łatwo przechodziły do ​​powieści, inspirowanych i gloryfikowanych przez poetów.

Szeroki zakres myśli edukacyjnej jest reprezentowany w twórczości angielskiego poety i satyryka Aleksandra Pope (1688-1744). Jego filozoficzno-dydaktyczny wiersz „Esej o człowieku” stał się podręcznikiem nowej filozofii dla Europy. Publikacja jego pierwszego wydania rosyjskiego w 1757 r. była de facto początkiem rosyjskiego oświecenia.

W ostatniej dekadzie stulecia wraz z klasycyzmem pojawił się nowy nurt w beletrystyce - sentymentalizm, który najpełniej wyrażał się w opowiadaniach N.M. Karamzin (1766-1826) „Biedna Liza” i „Natalia, córka bojara”.

Pod koniec XVII-XVIII wieku. zaczyna się kształtować język muzyczny, którym będzie wtedy mówić cała Europa.

Pierwszymi byli Johann Sebastian Bach (1685-1750) i Georg Friedrich Handel (1685-1759).

Bach - wielki niemiecki kompozytor i organista, pracował we wszystkich gatunkach muzycznych z wyjątkiem opery. Do tej pory jest niezrównanym mistrzem polifonii. Handel, podobnie jak Bach, wykorzystywał w swoich pracach tematy biblijne. Najbardziej znane to „Saul”, „Izrael w Egipcie”, „Mesjasz”. Handel napisał ponad 40 oper, jest właścicielem orkiestr organowych, sonat, suit.

Wiedeńska szkoła klasyczna i jej najwybitniejsi mistrzowie Joseph Haydn (1732-1809), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) i Ludwig van Beethoven (1770-1827) wywarły ogromny wpływ na sztukę muzyczną Europy. Klasycy wiedeńscy przemyśleli i sprawili, że wszystkie gatunki i formy muzyczne brzmią w nowy sposób. Ich muzyka jest najwyższym osiągnięciem epoki klasycyzmu w doskonałości melodii i form.

Franz Joseph Haydn, nauczyciel Mozarta i Beethovena, nazywany jest „ojcem symfonii”. Stworzył ponad 100 symfonii. Wiele z nich opiera się na motywie pieśni i tańców ludowych, które kompozytor rozwinął niesamowitą sztuką. Zwieńczeniem jego twórczości była „12 Symfonii Londyńskich”, napisana podczas triumfalnych podróży kompozytora do Anglii w latach 90-tych.

W XVIII wieku Haydn napisał wiele wspaniałych kwartetów i sonat clavier.

Jest właścicielem ponad 20 oper, 13 mszy, dużej ilości piosenek i innych kompozycji. Pod koniec swojej kariery stworzył dwa monumentalne oratoria – Stworzenie Świata (1798) i Pory roku (1801), które wyrażają ideę wielkości wszechświata i ludzkiego życia. Haydn doprowadził symfonię, kwartet, sonatę do klasycznej perfekcji.

Wolfgang Amadeus Mozart pisał muzykę i grał na skrzypcach i klawesynie w wieku, w którym inne dzieci wciąż nie potrafiły pisać listów. Niezwykłe zdolności Wolfganga rozwijały się pod kierunkiem jego ojca, skrzypka i kompozytora Leopolda Mozarta. W operach Uprowadzenie z seraju, Wesele Figara, Don Giovanni, Czarodziejski flet Mozart z niezwykłą kunsztem kreuje różnorodne i żywe postacie ludzkie, ukazuje życie w jego kontrastach, przechodząc od żartu do głębokiej powagi, od zabawy do subtelnej poetyki tekst piosenki.

Te same cechy tkwią w jego symfoniach, sonatach, koncertach, kwartetach, w których tworzy najwyższe klasyczne przykłady gatunków. Szczytami symfonii klasycznej stały się trzy symfonie napisane w 1788 r. (Mozart napisał łącznie około 50). Symfonia „Es-dur” (nr 39) ukazuje życie człowieka pełnego radości, zabawy, wesołego ruchu tanecznego. W symfonii „G-moll” (nr 40) ujawnia się głęboka liryczna poezja ruchu duszy ludzkiej. Symfonia „C-dur” (nr 41), zwana przez współczesnych „Jowiszem”, ogarnia cały świat swoimi kontrastami i sprzecznościami, afirmuje sens i harmonię swojej struktury.

WNIOSEK

Wiek XVIII charakteryzuje bezprecedensowa centralizacja produkcji, kapitału, rynków, powstawanie potężnych monopoli, ich ekspansja kosztem istniejących i nowo tworzonych przymusowo kolonii oraz redystrybucja stref wpływów między państwami i monopolami.

Konsekwencją tych okoliczności było gwałtowne zaostrzenie sprzeczności między różnymi dziedzinami filozofii, etyki, historii i sztuki.

Od XVIII wieku władza burżuazji rozciąga się w Europie na coraz większą liczbę krajów, które rozszerzają i wzmacniają swoje kolonie. W 19-stym wieku nasila się ostrość problemów społeczno-gospodarczych i politycznych, które stają się przedmiotem rozważań filozofii, znajdują odzwierciedlenie w teorii sztuki.

A. Schweitzer pisał, że ideały etyczne nakreślone przez oświecenie i racjonalizm, w interakcji z prawdziwym życiem społeczeństwa, przekształciły je. Jednak od połowy XIX wieku. ich wpływ stopniowo ustał, ponieważ nie znalazł oparcia w istniejącym światopoglądzie.

Filozofia, ignorując problemy kultury, pokazała swoją całkowitą porażkę, ponieważ nie brała pod uwagę, że podstawą światopoglądu nie może być tylko historia i przyrodoznawstwo.

W dziedzinie sztuki w drugiej połowie XVIII wieku. nastąpił rozkwit stylu barokowego, który był ściśle związany z ówczesną kulturą kościelną i arystokratyczną. Przejawiała tendencje do gloryfikowania życia, całego bogactwa prawdziwego życia. Malarstwo, rzeźba, architektura, muzyka barokowa gloryfikowały i gloryfikowały monarchów, kościół i szlachtę. Splendor, alegoryczna zawiłość, patos i teatralność barokowego stylu artystycznego, połączenie w nim iluzji z rzeczywistością, rozwinęły się w wielu zabytkach kultury, a przede wszystkim we Włoszech (dzieło rzeźbiarza i architekta Berniniego, architekta Borrominiego, itp.). Barok rozpowszechnił się także we Flandrii, Hiszpanii, Austrii, w niektórych regionach Niemiec iw Polsce. Styl ten przejawiał się mniej zauważalnie w Anglii i Holandii, których sztuce bliższe były gatunkowe i potoczne realizm niż wzniosłość, nadmiar i umowność baroku.

Inny rodzaj estetyki, przeciwstawiający się środkom artystycznym baroku, został kanonizowany w sztuce i literaturze europejskiej przez klasycyzm. Ściśle związany z kulturą renesansu klasycyzm zwracał się do starożytnych norm sztuki jako wzorców doskonałych, cechowała go racjonalistyczna klarowność i rygoryzm. Klasycyzm legitymizował zasady „natury uszlachetnionej”, sztuczny podział na gatunki – „wysokie” (tragedia, oda, epopeja, malarstwo historyczne, mitologiczne i religijne) i „niskie” (komedia, satyra, bajka, malarstwo rodzajowe), wprowadzenie prawa trzech jedności - miejsce, czas, akcja.

LISTAUŻYWANYLITERATURA

1. Krawczenko A. I., Kulturologia - wyd. - M.: Projekt akademicki, Tricksta, 2003.- 496s.

2. Kulturoznawstwo. Historia kultury światowej. Podręcznik / Wyd. T. F. Kuznetsova.- M .: „Akademia”, 2003.- 607p.

3. Kulturoznawstwo. Historia kultury światowej / wyd. A. N. Markova - wyd. poprawiony i dodatkowe .- M .: UNITI, 2000.- 600s.

4. Polishchuk VI, Kulturologia.- M.: Gardariki, 1999.- 446p.

5. Radugin A. A., Culturology.- M.: Center, 2001.- 304 s.

6. Chekalov D. A., Kondratov V. A., Historia kultury światowej. Notatki z wykładów.- Rostów nad Donem: Phoenix, 2005.- 352p.

7. Shishova N.V., Akulich TV, Boyko M.I., Historia i kulturoznawstwo. - wyd. 2 poprawiony i dodatkowe .- M .: Logos, 2000.- 456s.

Podobne dokumenty

Charakterystyczne cechy Oświecenia, charakterystyczne cechy jego rozwoju w Anglii, Francji i Niemczech. Myśl filozoficzna Oświecenia. Stylowe i gatunkowe cechy architektury, malarstwa, muzyki, literatury danego okresu, jej najjaśniejszych przedstawicieli.

prace kontrolne, dodane 06/11/2009


Ramy chronologiczne epoki nowożytnej. Sprzeczny charakter europejskiego procesu kulturowego w XVII wieku. Kultura Europy w epoce absolutyzmu i wieku Oświecenia. Periodyzacja klasycyzmu. Główne nurty filozoficzne w Europie XIX wieku.

prace kontrolne, dodane 01.09.2011


Główne cechy kultury zachodnioeuropejskiej czasów nowożytnych. Cechy kultury i nauki europejskiej w XVII wieku. Istotne dominanty kultury europejskiego oświecenia XVIII wieku. Najważniejsze trendy kulturowe XIX wieku. Etapy kultury artystycznej XIX wieku.

streszczenie, dodane 24.12.2010


Rozwój kultury rosyjskiej w XVIII wieku: sztuka ludowa, muzyka, kultura szlachecka i oświata. Nauka rosyjska w XVIII wieku, M.V. Łomonosow. Cechy stylistyczne i gatunkowe sztuki europejskiej w XVIII wieku, ich wpływ na rozwój kultury rosyjskiej.

praca semestralna, dodana 23.10.2014


Warunki rozwoju i główne cechy kultury rosyjskiej XVIII wieku. Kierunki kształtowania się sfery edukacji i edukacji, literatury, architektury i malarstwa. Wybitni przedstawiciele tych nurtów i ocena ich głównych dokonań w XVIII wieku.

prezentacja, dodana 20.05.2012


Zapoznanie się z dziedzictwem kulturowym XVIII wieku. Uwzględnienie głównych wartości Oświecenia. Cechy Oświecenia w Europie. Cechy stylowe i gatunkowe sztuki. Wiek wielkich odkryć i wielkich złudzeń; kult natury.

praca semestralna, dodana 08.09.2014


Intelektualne prądy Oświecenia. Cechy sztuki rokoko. Charakterystyczne cechy sztuki europejskiej początku XIX wieku: klasycyzm, romantyzm i realizm. Istota i filozoficzne i estetyczne zasady symbolizmu, impresjonizmu i postimpresjonizmu.

streszczenie, dodane 18.05.2011


Style i trendy dominujące w rzeźbie światowej w XVIII wieku. Jak w XVIII wieku dokonał się w rzeźbie rosyjskiej przełom od średniowiecza do New Age. Cechy różnych stylów: barok, klasycyzm, rokoko, romantyzm, neoklasycyzm.

prezentacja, dodana 27.05.2015


Kultura europejska czasów nowożytnych, jej cechy: humanizm i europocentryzm. Filozoficzne i estetyczne cechy rozwoju kulturowego Oświecenia. Idee oświeceniowe i utopie społeczne. Naukowe koncepcje kulturowe Oświecenia.

test, dodano 24.12.2013


Ogólna charakterystyka i charakterystyczne cechy kultury New Age i Oświecenia. Rokoko jako styl artystyczny New Age. Klasycyzm w kulturze artystycznej XIII-XIX wieku. Sentymentalizm: artyści, poeci, dzieła główne.

„Kultura Europy w XVII-XVIII wieku”

1. Życie duchowe

W historii Europy XVII wiek naznaczony był triumfem nowego stylu barokowego w sztuce i sceptycyzmem w życiu duchowym społeczeństwa. Po przepełnionym entuzjazmem i wiarą w zdolności człowieka renesansu przychodzi rozczarowanie, rozpacz i tragiczna niezgoda jednostki ze światem zewnętrznym. Człowiek, przyzwyczajony od średniowiecza do odczuwania siebie w centrum wszechświata, nagle zagubił się na ogromnej planecie, której wielkość stała się mu znana. Gwiaździste niebo nad głową przestało być niezawodną kopułą, a zamieniło się w symbol bezkresu kosmosu, który kusił, a jednocześnie odpychał i przerażał. Europejczycy musieli na nowo odkryć siebie i przystosować się do bardzo zmienionego świata wokół nich.

Na początku XVIII wieku w Europie kontynentalnej sceptycyzm i racjonalizm baroku ustąpiły epoce oświecenia i sztuce rokoka. Główną ideą Oświecenia był optymizm i silne przekonanie, że ludzkość można zmienić poprzez podniesienie jej edukacji (stąd nazwa tego ruchu). Oświecenie narodziło się we Francji, która odetchnęła z ulgą po śmierci Ludwika XIV iz nadzieją patrzyła w przyszłość.

Ogromną rolę w rozpowszechnianiu idei Oświecenia odegrało tajne stowarzyszenie masonów – masonów. Pochodzenie masonerii wciąż pozostaje tajemnicą. Sami masoni uważają się za spadkobierców ocalałych z masakry na początku XIV wieku templariuszy, których członkowie założyli pierwszą lożę – tajną sekcję. Naukowcy uważają, że masoni jako organizacja polityczna powstała na początku XVIII wieku na bazie związków rzemieślniczych budowniczych. Członkowie lóż masońskich opowiadali się za budowaniem nowego świata w oparciu o powszechną równość i braterstwo oraz walczyli z Kościołem katolickim, za który byli wielokrotnie wyklinani.

2. Sztuka baroku i rokoka

Pod koniec XVI wieku manieryzm zaczął stopniowo ustępować baroku, wysokiemu stylowi ustanowionej absolutnej władzy monarchów, którzy przetrwali kryzys katolicyzmu i bronili prawa do istnienia dla protestantyzmu. Największy rozkwit baroku przypada na II połowę XVII wieku, kiedy to Europa skutecznie pokonała kataklizmy wojen religijnych.

Architektura barokowa charakteryzowała się bogatymi dekoracyjnymi wykończeniami z wieloma detalami, wielokolorowymi sztukateriami, bogactwem złoceń, rzeźb, rzeźb i malowniczych plafonów, które tworzą iluzję otwierania sklepień w górę. To czas dominacji krzywych, misternie zakrzywionych linii wpadających w siebie, uroczystych fasad budynków i majestatycznych zespołów architektonicznych. W malarstwie dominuje uroczysty portret, płótna wypełniają alegorie i wirtuozowskie kompozycje dekoracyjne.

Mimo dominacji baroku epoka ta nie była jednolita stylistycznie. We Francji, gdzie silne były tendencje surowego klasycyzmu, starano się naśladować antyczne wzorce. W Holandii byli bardziej skłonni do stylu naturalistycznego.

Barok jako styl powstał we Włoszech, skąd miał nieść do Europy światło odrodzonego katolicyzmu. Lorenzo Bernini był jednym z najwybitniejszych architektów baroku. Został mianowany głównym architektem katedry św. Pawła - głównego kościoła katolickiego w Rzymie. Według jego projektu w latach 1623-1624 nad ołtarzem katedry zbudowano ogromny baldachim z brązu, jako materiał, do którego z rozkazu papieża Urbana VIII wykorzystano zabytkowy dach Panteonu. Również w latach 1656-1665 Bernini zbudował przed fasadą katedry okazałą owalną kolumnadę. W 1658 r. architekt wzniósł kościół Sant'Andrea al Quirinale, w latach 1663-1666 - „Królewskie Schody” w Watykanie. Genialne umiejętności Berniniego przejawiały się w budowie słynnych rzymskich fontann – Fontanny Trytona i Fontanny Czterech Rzek. Oprócz genialnego daru architektonicznego Bernini miał genialną zdolność rzeźbiarza. Jest autorem nagrobków papieża Urbana VIII i Aleksandra VII w katedrze św. Piotra, rzeźb „Dawid” (1623), „Apollo i Dafne” (1622-1625), licznych popiersi. W szczególności podczas podróży do Francji w 1665 r. Bernini stworzył popiersie Ludwika XIV.

Główną szkołą malarstwa we Włoszech epoki baroku była szkoła bolońska, założona przez trzech artystów: Aodovico Carracci i jego kuzynów Annibale i Agostino. W 1585 r. założyli w Bolonii warsztat, zwany „Akademią tych, którzy weszli na właściwą drogę”, w którym opracowali podstawowe zasady malarstwa barokowego. W 1597 roku Annibale i Agostino przenieśli się do Rzymu, gdzie otrzymali zlecenie namalowania galerii Palazzo Farnese. Według Carracciego rzeczywistość jest zbyt szorstka, dlatego należy ją uszlachetnić, tworząc na płótnie idealne obrazy.

Inny wybitny włoski artysta baroku, Caravaggio Michelangelo, wręcz przeciwnie, dążył do maksymalnego realizmu. Tworząc obrazy o tematyce biblijnej, artysta starał się, aby były tak demokratyczne i proste, jak to tylko możliwe. To są jego płótna "Nawrócenie Saula" (1600-1601), "Złożenie do grobu" (1602 - 1604) , „Śmierć Maryi” (1606). Ponadto zamienił martwą naturę w niezależny gatunek malarstwa.

Styl barokowy w Hiszpanii przekształcił XVII wiek w „złoty wiek” kultury narodowej tego kraju. Król Filip IV patronował malarzom w każdy możliwy sposób, stwarzając im jak najlepsze warunki i hojnie płacąc za ich pracę.

Jusepe Ribera jest uważany za pierwszego znaczącego hiszpańskiego artystę baroku, mimo że w młodości wyjechał do Włoch, gdzie mieszkał do końca życia. Na jego prace wpłynął Caravaggio, a artysta starał się, aby jego postacie były jak najbardziej realistyczne. Najbardziej znane dzieła Ribery to „Święty Hieronim” (1626), „Męka św. Bartłomieja” (1630), „Klame” (1642).

Największym malarzem Hiszpanii XVII wieku był Diego De Silva Velazquez, od 1623 roku - nadworny malarz Filipa IV. Manierę Velázqueza wyróżniał podkreślony realizm, pewna sztywność pisania i uderzająca prawda życia. W młodości stworzył całą galerię jasnych typów ludowych, w dojrzałych latach, mieszkając na dworze, preferował arystokratów, członków rodziny królewskiej, a także poddanych mitologicznych. Są to Bachus (1628-1629), Wenus z lustrem (1651), Meninas (1656).

Hiszpański barok wywarł głęboki wpływ na Flandrię, gdzie utrzymał się ten sam styl. Szczytem flamandzkiego baroku było dzieło artysty Petera Paula Rubensa. Podobnie jak wielu innych malarzy, w młodości Rubens podróżował do Włoch, gdzie studiował zabytki starożytności i dzieła mistrzów renesansu. Wracając do ojczyzny stworzył klasyczny wizerunek monumentalnego barokowego obrazu ołtarzowego – „Podwyższenie Krzyża” i „Zdjęcie z Krzyża” (1610-1614). Rubens charakteryzuje się potężnymi i wspaniałymi ludzkimi ciałami, pełnymi witalności, dużą ozdobną skalą. Tematem jego obrazów były tematy mitologiczne i biblijne, sceny historyczne. Stał się twórcą uroczystego portretu barokowego. Najsłynniejsze obrazy Rubensa to: „Uprowadzenie córek Leucypa” (1619-1620), „Perseusz i Andromeda” (1621), „Bathsheba” (1636), „Futro” (1638).

Uczniem Rubensa był artysta Anthony van Dyck, nadworny malarz Karola I. Następca idei szkoły flamandzkiej, Van Dyck pracował przez długi czas w Genui w Antwerpii, by w 1631 r. przenieść się na stałe do Londynu. Tam stał się ulubionym portrecistą rodziny królewskiej i otrzymał tyle zamówień, że zmuszony był rozdzielić pracę wśród swoich uczniów, tworząc coś na kształt artystycznej manufaktury. Do jego pędzli należą portrety: „Karol I na polowaniu” (1633), „Portret rodzinny” (1621).

We Francji, gdzie tradycja klasyczna rywalizowała z barokiem, najwybitniejszym przedstawicielem narodowej szkoły malarstwa był Nicolas Poussin. Poussin uważał za swoich nauczycieli Rafała i Tycjana, których pracę studiował podczas wizyty we Włoszech. Artysta wolał przedstawiać sceny mitologiczne i biblijne za pomocą dużej liczby postaci i alegorii. Żywymi przykładami klasycyzmu były jego obrazy „Natchnienie poety” (1629-1635), „Królestwo Flory” (1632), „Gwałt Sabinek” (1633), „Bachanalia”.

Panowanie Ludwika XIV to cała epoka rozwoju sztuki francuskiej. Artyści i architekci zostali połączeni w Akademię Malarstwa i Rzeźby oraz Akademię Architektury. Wezwano ich do gloryfikowania wielkości „Króla Słońce” i wspólnymi siłami, opartymi na kompromisie między barokiem a klasycyzmem, stworzyli nowy nurt, który nazwano stylem Ludwika XIV. Okazałe pałace i zespoły parkowe miały wizualnie ucieleśniać ideę wszechmocy monarchy absolutnego i potęgi narodu francuskiego.

Kierując się tymi zasadami, architekt Claude Perrault w 1667 roku rozpoczął budowę wschodniej fasady Luwru, tzw. „Kolonady”. Według projektu Liberała Bruanta i Julesa Hardouina-Mansarta wybudowano Les Invalides - schronisko dla weteranów wojennych oraz katedrę. Szczytem francuskiej architektury tej epoki była budowa Wersalu (1668-1689). Budowę Pałacu Wersalskiego i zespołu parkowego prowadzili architekci Louis Levo i Jules Hardouin-Mansart. W Wersalu charakterystyczna dla klasycyzmu surowość linii zabudowy pałacowej łączy się ze wspaniałą barokową dekoracją sal. Ponadto sam park, ozdobiony licznymi fontannami, jest wytworem stylu barokowego.

W przeciwieństwie do Włoch, Hiszpanii, Anglii i Francji, gdzie malarze otrzymywali ogromne sumy pieniędzy za swoje płótna, w Holandii artyści płacili bardzo mało. Dobry krajobraz można było kupić za kilka guldenów, na przykład dobry portret kosztował tylko 60 guldenów, a Rembrandt, będąc u szczytu sławy, otrzymał za Nocną Straż tylko 1600 guldenów. Dla porównania, składki Rubensa wynosiły dziesiątki tysięcy franków. Holenderscy mistrzowie żyli w bardzo skromnym dobrobycie, czasem w biedzie w małych warsztatach. Ich sztuka odzwierciedlała codzienne życie kraju i nie miała na celu gloryfikacji monarchii czy chwały Pana, ale ukazanie psychiki zwykłego człowieka.

Pierwszym wielkim mistrzem holenderskiej szkoły malarskiej był Frans Hals. Zdecydowana większość jego obrazów to portrety. Miał duży warsztat, miał 12 dzieci, które po ojcu zostały artystami, wielu studentów, prowadziły cyganerię, był obciążony licznymi długami i umierał w całkowitej nędzy.

Najważniejszymi dziełami wczesnego malarstwa holenderskiego były portrety grupowe Halsa. Klientami byli członkowie cechów, którzy poprosili o przedstawienie ich podczas uczty lub spotkania. Są to „Oficerowie Kompanii Strzeleckiej św. Jerzego” (1616), „Strzały gildii św. Adriana w Haarlemie” (1627). Sztuka Halsa pozbawiona jest głębokiej koncentracji i psychologicznych zderzeń. W jego obrazach, które odzwierciedlają charakter samego artysty, ludzie prawie zawsze się śmieją. Hals stworzył galerię prostych Holendrów, trochę niegrzecznych, ale szczerych w uczuciach - "Cygan", "Malle Babbe", "Chłopiec-rybak", "Błazen".

W rodzimym gatunku pracował uczeń Halsa, artysta Adrian van Ostade. Jego sceny z życia na wsi i w mieście są przesycone humorem i dobrodusznym uśmiechem. Tako jesteś „Walka”, „W wiejskiej tawernie”, „Warsztat artysty”. Jan van Goyen stał się klasykiem holenderskiego pejzażu, który w swoich pracach wykorzystywał zasady perspektywy powietrznej. Jego najlepszym płótnem jest „Widok Dordrechtu” (1648).

Drugim wielkim malarzem holenderskim, którego twórczość dorównuje Halsowi, był Jan Vermeer z Delft. Preferował codzienne liryczne kompozycje przedstawiające jedną lub dwie kobiety w domu - „Dziewczyna czytająca list”, „Kobieta przy oknie”, „Kobieta przymierzająca naszyjnik”, „Kieliszek wina”, „Koronkarz”. Vermeerowi udało się pokazać życie osobiste mieszczan, a także osobę w jedności z otoczeniem, z wielką siłą emocjonalną. Udało mu się zadziwiająco szczerze przekazać srebrzyste światło dzienne, które gra na jego płótnach z wieloma atrakcjami.

Szczytem holenderskiej szkoły była twórczość Rembrandta Harmensza van Rijna, z jej głębokim psychologizmem i niepowtarzalnymi złocistobrązowymi odcieniami. Podobnie jak Hals, Rembrandt przeżył okres popularności, ale potem zbankrutował i zakończył życie w przerażającej biedzie.

Rembrandt malował głównie portrety, zarówno indywidualne, jak i zbiorowe, a także obrazy o tematyce mitologicznej i biblijnej. Artysta był mistrzem światłocienia, a jego postacie wydają się być wyrwane z ciemności przez promień światła. Jego płótna „Danae”, „Święta rodzina”, „Powrót syna marnotrawnego” są słusznie uważane za niezrównane arcydzieła. Spośród portretów grupowych najbardziej znane to Lekcja anatomii doktora Tulipana i Straż nocna. Duchowość i niesamowita głębia emocjonalna wyróżnia „Portret starca w czerwieni”.

Z Włoch architektura barokowa rozprzestrzeniła się nie tylko na północ, ale także na wschód. Po zakończeniu wojny trzydziestoletniej w południowych Niemczech pod kierunkiem włoskich mistrzów wzniesiono liczne barokowe budowle. Pod koniec XVII wieku na ziemiach niemieckich pojawili się ich własni mistrzowie, którzy pracowali w stylu barokowym.

Pruski architekt Andreas Schlüter zbudował w Berlinie Pałac Królewski i budynek arsenału. Jeśli Schluter kierował się włoskim rzeźbiarzem Lorenzo Berninim i francuskimi modelami, to dzieło Daniela Peppelmana jest całkowicie oryginalne. Według jego projektu w Dreźnie dla Augusta II Mocnego wzniesiono słynny zespół pałacowy Zwinger. Również z rozkazu Augusta architekt Peppelman wzniósł w Grodnie Pałac Królewski.

Rozprzestrzenianie się stylu barokowego w Rzeczypospolitej spowodowane było przenikaniem do kraju jezuitów. Pierwszym barokowym zabytkiem na Białorusi iw ogóle w Europie poza Włochami był kościół jezuicki zbudowany pod koniec XVI wieku przez włoskiego architekta Bernardoniego dla księcia Radziwiłła w Nieświeżu. Styl ten osiągnął swój prawdziwy rozkwit w drugiej połowie XVII wieku, kiedy to nabywszy cechy narodowe, ukształtował się w białoruskim lub wileńskim baroku. Liczne cerkwie i zabudowania urbanistyczne w Wilnie, Grodnie, Mińsku, Mohylewie, Brześciu, Słonimiu, Pińsku, Połockiej Sofii Sofijskiej odbudowanej po wybuchu, klasztory w Golipanach, Borunach, Berezveche, zespoły pałacowe w Nieświeżu i Różanach były klasycznymi przykładami białoruskiego baroku.

Pod koniec XVII wieku barok przeniknął z Białorusi do Rosji, gdzie po raz pierwszy nazwano go stylem naryszkina. Przykładem tego nurtu jest Kościół Wstawiennictwa w Fili i Kościół Znaku w Dubrovitsy. Wraz z początkiem reform Piotra I barok ostatecznie zatriumfował w architekturze rosyjskiej, co objawiło się przede wszystkim podczas budowy Petersburga. Szczytem rozwoju baroku w Rosji była praca włoskiego architekta Bartolomeo Francesco Rastrelli. Przebudował pałace w Peterhofie i Carskim Siole, zbudował w stolicy kompleks Klasztoru Smolnego i słynny Pałac Zimowy.

Na początku XVIII wieku we Francji narodził się nowy styl w sztuce – rokoko. W przeciwieństwie do baroku, który był wyłącznie stylem dworskim, rokoko było sztuką arystokracji i wyższych warstw burżuazji. Teraz głównym celem mistrza nie była gloryfikacja kogokolwiek ani niczego, ale wygoda i przyjemność konkretnej osoby. Jeśli barok wyglądał wysoko, to rokoko schodziło z niebiańskich wyżyn na grzeszną ziemię i zwracało wzrok na ludzi stojących wokół. Czasami styl rokoko nazywany jest sztuką dla sztuki. Bardziej poprawne byłoby nazwanie tego stylu sztuką dla osoby.

Architekci rokokowi zaczęli dbać o wygodę człowieka. Porzucili pompatyczność majestatycznych barokowych budowli i starali się otoczyć człowieka atmosferą wygody i wdzięku. Malarstwo też porzuciło „wielkie pomysły” i stało się po prostu piękne. Uwolnione od burzliwych emocji baroku obrazy wypełnione były zimnym światłem i subtelnymi półtonami. Rokoko było prawdopodobnie pierwszym niemal całkowicie świeckim stylem w historii sztuki europejskiej. Podobnie jak filozofia Oświecenia, tak samo sztuka rokokowa oddzieliła się od kościoła, spychając motywy religijne daleko na dalszy plan. Odtąd zarówno malarstwo, jak i architektura miały być lekkie i przyjemne. Waleczne społeczeństwo XVIII wieku było zmęczone moralizowaniem i nauczaniem, ludzie chcieli cieszyć się życiem, czerpiąc z niego jak najwięcej.

Największym mistrzem rokoka był François Boucher, który zamienił swoje obrazy w dekoracyjne panele do dekoracji ścian. Takie są płótna „Kąpiel Diany”, „Triumf Wenus”, „Scena pasterza”.

Maurice-Kanter Larut był w stanie stworzyć gatunek portretu rokoko. Przedstawieni na jego obrazach ludzie, zgodnie z wymogami stulecia, życzliwie i dzielnie patrzą na widza, starając się wzbudzić w nim nie podziw, ale uczucie współczucia. Prawdziwe charaktery bohaterów kryją się pod maską świeckiej uprzejmości.

Obrazy Honore Fragonarda przepełnione są szczerym poczuciem pełni życia, które odbywa się w beztroskiej przyjemności. Przykładem tego jest płótno „Huśtawka” (1766), „Pocałuj ukradkiem” (1780).

Styl rokoko przybył do Niemiec w latach 30. XVIII wieku i pozostał na północy, gdyż na południowych ziemiach niemieckich królował do końca wieku barok.

W 1745 r. pruski architekt Georg Knobelsdorff rozpoczął budowę zespołu pałacowo-parkowego Sanssouci koło Poczdamu. Już sama jego nazwa (przetłumaczona z francuskiego jako „bez zmartwień”) odzwierciedlała ducha epoki rokoko. Z rozkazu Fryderyka II na tarasie winogronowym wybudowano skromny parterowy pałac. Jednak dość szybko rokoko zostało wyparte przez rosnącą siłę klasycyzmu.

Sztuka angielska XVIII wieku była tak osobliwa, że ​​wymyka się klasyfikacjom przyjętym w Europie kontynentalnej. W dziwaczny sposób przeplatają się wszystkie style i trendy, wśród których stopniowo pierwsze miejsce zajmuje klasycyzm.

William Hogarth został założycielem narodowej angielskiej szkoły malarstwa. W pełnej zgodzie z duchem ówczesnego społeczeństwa angielskiego poświęcił swoją pracę satyrze politycznej i społecznej. Prawdziwą sławę przyniósł artyście cykl obrazów „Kariera Mota”, „Modne małżeństwo”, „Wybory”. Aby przedstawić swoje dzieło jak największej liczbie odbiorców, sam Hogarth wykonał ryciny wszystkich swoich prac w oleju i rozprowadził je w dużych ilościach.

Artysta Joshua Reynolds przeszedł do historii jako teoretyk sztuki, pierwszy prezes Królewskiej (Londyńskiej) Akademii Sztuk i wybitny portrecista. Jego portrety przepełnione jest patosem gloryfikowania bohaterów, którzy zasłużyli na to, by na zawsze odcisnąć się na płótnie.

Jeśli Reynolds wyróżniał się racjonalnym podejściem do malarstwa, to twórczość Thomasa Gainsborougha była bardziej emocjonalna. Jego portrety wyróżnia poetyckie postrzeganie ludzkiej natury.

Wiek XVII to jedna z najjaśniejszych i najświetniejszych kart w historii światowej kultury artystycznej. To czas, kiedy ideologię humanizmu i wiarę w nieograniczone możliwości człowieka zastąpiło poczucie dramatycznych sprzeczności życia. Z jednej strony dokonuje się rewolucyjny przewrót w naukach przyrodniczych, kształtuje się nowy obraz świata, pojawiają się nowe style w sztuce, z drugiej przeważa polityczny konserwatyzm, pesymistyczne poglądy na społeczeństwo i człowieka.

Era XVII wieku w kulturze i sztuce nazywana jest zwykle epoką baroku. Powstanie nowej kultury europejskiej wiązało się z szybko zmieniającym się „obrazem świata” i kryzysem ideałów włoskiego renesansu. Dla życia duchowego społeczeństwa w XVII wieku wielkie znaczenie miały wielkie odkrycia geograficzne i przyrodnicze odkrycia naukowe. Człowiek zaczął dotkliwie odczuwać kruchość i niestabilność swojej pozycji, sprzeczność między iluzją a rzeczywistością. Nowy światopogląd został w szczególny sposób załamany w kulturze artystycznej: wszystko, co niezwykłe, niejasne, upiorne, zaczęło wydawać się piękne, atrakcyjne, jasne i proste - nudne i nieciekawe. Ta nowa estetyka wyraźnie wyparła dawne renesansowe zasady naśladowania natury, przejrzystości, równowagi.

Powstał więc nowy styl - barok. Barok (włoski barocco - „dziwaczny”, „dziwny”, „nadmierny”, port. perola barroca - „perła o nieregularnym kształcie” (dosłownie „perła z imadle”) - slangowe słowo portugalskich żeglarzy na określenie wadliwych pereł o nieregularnych kształtach kształt stał się używany w znaczeniu „zmiękczenie, rozpuszczenie konturu, zmiękczenie formy, bardziej malownicza”.

Architektura barokowa charakteryzowała się bogatymi dekoracyjnymi wykończeniami z wieloma detalami, wielokolorowymi sztukateriami, bogactwem złoceń, rzeźb, rzeźb i malowniczych plafonów, które tworzą iluzję otwierania sklepień w górę. To czas dominacji krzywych, misternie zakrzywionych linii wpadających w siebie, uroczystych fasad budynków i majestatycznych zespołów architektonicznych. Portret ceremonialny dominuje w malarstwie, kontrast, napięcie, dynamizm obrazów, pragnienie wielkości i przepychu, charakterystyczne dla połączenia rzeczywistości i iluzji.

Początek włoskiego baroku wiąże się z budową rzymskiego kościoła Il Gesu (1575), którego fasadę zaprojektował Giacomo della Porta. Dosłownie „stworzyła epokę”, stając się wyrazem ówczesnych trendów stylistycznych: tradycyjnego podziału na 2 piętra, półkolumny, nisze, posągi i nieuniknione woluty (loki) na rogach. Pierwszą i największą budowlą pałacową tamtej epoki był Palazzo Quirinale, letnia rezydencja papieży, wzniesiona na szczycie Kwirynału.

Ten trend znajduje swój najbardziej wyrazisty wyraz w rzeźbie w twórczości Lorenza Berniniego. Jego rzeźba „Dawid” przedstawia moment gwałtownego ruchu, pęd ku olbrzymiemu Goliatowi, przejście jednego ruchu w drugi. Bernini nie poprzestaje na wykrzywianiu twarzy, wyrażaniu bolesnego lub błogiego wyrazu. W rzeźbie „Apollo i Daphne” Lorenza Berniniego, ruchem latającym, uchwycono moment przemiany młodej, bezbronnej Daphne, wyprzedzonej przez lekkonogiego Apollina, w wawrzyn. Genialne umiejętności Berniniego przejawiały się w budowie słynnych rzymskich fontann – „Fontanny Trytona” i „Fontanny Czterech Rzek”.

Z imieniem Berniniego wiąże się kolejny etap przeobrażeń katedry św. Piotra w Rzymie: zaprojektował on plac przed katedrą, kryte galerie-korytarze rozciągnięte daleko od krawędzi fasady. Architekt stworzył 2 kwadraty – duży eliptyczny, ujęty w ramy kolumnami i bezpośrednio przylegający do niego kwadrat w kształcie trapezu, ograniczony po przeciwnej stronie główną fasadą katedry. Jednocześnie przestrzeń przed katedrą była także placem miejskim, ozdobionym obeliskiem pośrodku owalu i dwiema fontannami.

Holandia wysuwa się na pierwszy plan w sztukach wizualnych, a przede wszystkim w malarstwie. Peter Paul Rubens (1577-1640), podobnie jak wielkie postacie renesansu, przejawiał się na różnych polach działalności: był dyplomatą, dworzaninem, odznaczał się tytułem szlacheckim, przyjaźnił się i współpracował z wybitnymi postaciami epoki. Podobnie jak wielu innych malarzy, w młodości Rubens podróżował do Włoch, gdzie studiował zabytki starożytności i dzieła mistrzów renesansu. Wracając do ojczyzny stworzył klasyczny wizerunek monumentalnego barokowego obrazu ołtarzowego – „Podwyższenie Krzyża” i „Zdjęcie z Krzyża” (1610-1614). Grupa katów i żołnierzy postawiła duży krzyż z przybitym do niego Chrystusem. Różne pozy postaci, ich skomplikowane skróty perspektywiczne i nabrzmiałe mięśnie wyrażają ekstremalne napięcie sił fizycznych, tej brutalnej sile przeciwstawia się wyidealizowany wizerunek Chrystusa. Rubens charakteryzuje się potężnymi i wspaniałymi ludzkimi ciałami, pełnymi witalności, dużą ozdobną skalą. Tematem jego obrazów były tematy mitologiczne i biblijne, sceny historyczne.

Rubens „Podwyższenie Krzyża” „Zstąpienie z Krzyża”

W obrazie Polowanie na lwy, którego szkic jest jednym z najlepszych dzieł Rubensa w kolekcji Ermitażu, akcja obdarzona jest niezwykłą szybkością i pasją. Wychowujące się konie, lew dręczący spadającego jeźdźca i uderzający go myśliwi połączyli się w nierozłączną grupę, w której nieokiełznana siła i witalność zamieniają się we wściekłość.

Chętnie nawiązuje do tematów starożytnego świata. Obraz Ermitażu „Perseusz i Andromeda” (1620-1621), należący do arcydzieł mistrza, daje przykład, jak swobodnie i realistycznie wykorzystuje on obrazy klasycznej starożytności. Moment jest przedstawiony, gdy mityczny bohater Perseusz, przybyły na swoim skrzydlatym koniu Pegazie, uwalnia Andromedę przykutą do skały. Pokonał smoka, który trzymał ją w niewoli, a straszliwy potwór bezsilnie otwiera paszczę u jego stóp. Zafascynowany pięknem jeńca zbliża się do niej Perseusz, chwała wieńczy zwycięzcę, amorki śpieszą mu służyć.

Motywem przewodnim Rubensa był człowiek, żywa i ziemska miłość, można by rzec nawet pasja. Był oddany pełni życia, siły, zakresu, burzy ruchu. Często przedstawiał nagie postacie, często ciężkie, ciepłe, pełnokrwiste ciało, przepełnione soczystym kolorem życia i zazwyczaj podkreślone przez jasną plamę na ciemnym tle. Pisze więc „Elena Fourman w futrze”. W portretach Rubensa dodatki, tła - bujne firanki itp. nie przeszkadzały, a raczej przyczyniły się do ujawnienia charakteru bohatera, wniknięcia w jego wewnętrzny świat ("Portret pokojówki").

Realistyczne tendencje w malarstwie można zaobserwować w twórczości wielkiego holenderskiego malarza Rembrandta Harmensza van Rijna (1606-1669). Tematyka jego twórczości jest różnorodna: tematyka religijna, mitologia, historia, portrety, sceny rodzajowe. Sztukę Rembrandta wyróżniała przede wszystkim miłość do człowieka, humanizm, w każdym dziele Rembrandta - próba oddania duchowej ewolucji człowieka, tragicznej drogi poznania życia. Jego bohaterami są ludzie o sprzecznych charakterach i trudnych losach. Artysta zawsze studiuje naturę, swojego modela, nie ograniczając się do przedstawiania cech wspólnych. Rembrandt wszedł do historii malarstwa światowego jako mistrz autoportretu. Z roku na rok przedstawiał się jako wesoły lub smutny, potem zły lub obojętny. Setka stworzonych przez niego autoportretów zawiera historię jego życia, biografię jego duszy, wyznanie artysty.

Obraz „Powrót syna marnotrawnego” przedstawia ostatni epizod przypowieści, kiedy syn marnotrawny wraca do domu „i gdy był jeszcze daleko, jego ojciec zobaczył go i ulitował się; i biegnąc upadł na szyję i pocałował go ”, a jego starszy prawy brat, który pozostał z ojcem, rozgniewał się i nie chciał wejść.

„Danae” jest napisane na podstawie starożytnego greckiego mitu o Danae, matce Perseusza. Kiedy król starożytnego greckiego miasta Argos dowiedział się o proroctwie, według którego miał umrzeć z rąk syna Danae, jego córki, uwięził ją w lochu i przydzielił jej służącą. Jednak bóg Zeus przeniknął Danae w postaci złotego deszczu, po czym urodziła syna Perseusza.

Klasycyzm zdominował Francję w XVII wieku. Klasycyzm (francuski classicisme, z łac. classicus - wzorowy) to styl artystyczny i nurt estetyczny w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku. Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu. Dzieło sztuki, z punktu widzenia klasycyzmu, powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ujawniając tym samym harmonię i logikę samego wszechświata. Mistrzowie klasycyzmu nie przekazywali w swoich pracach bezpośredniego, otaczającego życia. Portretowali rzeczywistość uszlachetnioną, starali się tworzyć idealne obrazy, odpowiadające ich wyobrażeniom o rozsądku, heroizmie i pięknie. Tematyka sztuki klasycznej ograniczała się głównie do historii starożytnej, mitologii i Biblii, natomiast język figuratywny i techniki artystyczne zapożyczono z klasycznej sztuki antycznej, co w opinii mistrzów klasycyzmu odpowiadało przede wszystkim harmonijnemu ideałowi rozsądnych i pięknych.

Twórcą klasycyzmu w malarstwie francuskim był Nicolas Poussin (1594-1665). Jego prace wyróżniają głębokie idee, myśli i uczucia. Uważał, że sztuka powinna przypominać człowiekowi „kontemplację i mądrość, dzięki której będzie mógł pozostać stanowczy i niewzruszony w obliczu ciosów losu”. W ramach tematów z mitologii antycznej i Biblii Poussin ujawnił wątki epoki nowożytnej. W swoich pracach dążył do majestatycznego spokoju, szlachetnej powściągliwości, równowagi. Jego ideałem jest bohater, który zachowuje niewzruszony spokój ducha podczas prób życiowych, zdolny do dokonania wyczynu. Idea przemijania życia i nieuchronności śmierci często przyciągała uwagę Poussina i była tematem wielu jego prac. Najlepszym z nich jest obraz „Arkadyjscy pasterze” (Luwr), wykonany podobno na początku lat 50. XVII wieku. Przedstawia czterech mieszkańców legendarnego szczęśliwego kraju – Arkadii, którzy znaleźli grobowiec wśród krzaków i przeanalizowali wyryte na nim słowa: „A ja byłem w Arkadii”. To przypadkowe znalezisko skłania arkadyjskich pasterzy do myślenia, przypominając im o nieuchronności śmierci. Głęboka filozoficzna idea leżąca u podstaw tego obrazu wyraża się w krystalicznie czystej i klasycznie rygorystycznej formie. Charakter postaci, ich rzeźba oraz bliskość do antycznych form i proporcji wskazują na dojrzałą sztukę mistrza. Obraz wyróżnia się niezwykłą integralnością projektu i wykonania, a ukryty smutek, którym jest nasycony, nadaje mu zupełnie osobliwego uroku. Jedną z charakterystycznych cech jego talentu jest umiejętność odsłaniania wewnętrznego świata człowieka ruchem, gestem, rytmem.

W historii kultury francuskiej okres od początku panowania Ludwika XV do początku rewolucji (1789) nazywany jest okresem Oświecenia. Jedną z najważniejszych cech kultury Oświecenia jest proces wypierania religijnych zasad sztuki przez świeckie. W prawie całej Europie architektura świecka w XVIII wieku po raz pierwszy ma pierwszeństwo przed architekturą kościelną.

Życie społeczne Oświecenia było bardzo kontrowersyjne. Oświeceni zmagali się ze „starym porządkiem”, który wtedy jeszcze miał realną władzę. Nie tylko styl twórczości artystycznej, ale także sposób życia dworów królewskich, uosabiający „stary porządek” Europy, staje się rokoko (z francuskiego „rocaille” – muszla). Nazwa oddaje główną cechę tego stylu - wybór złożonej, wyrafinowanej formy i kapryśnych linii, przypominających sylwetkę muszli.

Termin „rococo” (lub „rocaille”) zaczął być używany w połowie XIX wieku. Początkowo „rocaille” to sposób ozdabiania wnętrz grot, mis fontann itp. różnymi skamieniałościami, które imitują naturalne (naturalne) formacje. Charakterystyczne cechy rokoka to wyrafinowanie, wielkie ozdobne ładowanie wnętrz i kompozycji, wdzięczny rytm zdobniczy, wielka dbałość o mitologię, komfort osobisty.

Architektura rokoko

W przeciwieństwie do baroku, który był wyłącznie stylem dworskim, rokoko było sztuką arystokracji i wyższych warstw burżuazji. Teraz głównym celem mistrza nie była gloryfikacja kogokolwiek ani niczego, ale wygoda i przyjemność konkretnej osoby. Architekci rokokowi zaczęli dbać o wygodę człowieka. Porzucili pompatyczność majestatycznych barokowych budowli i starali się otoczyć człowieka atmosferą wygody i wdzięku. Malarstwo też porzuciło „wielkie pomysły” i stało się po prostu piękne. Uwolnione od burzliwych emocji baroku obrazy wypełnione były zimnym światłem i subtelnymi półtonami. Rokoko było prawdopodobnie pierwszym niemal całkowicie świeckim stylem w historii sztuki europejskiej. Podobnie jak filozofia Oświecenia, tak samo sztuka rokokowa oddzieliła się od kościoła, spychając motywy religijne daleko na dalszy plan. Odtąd zarówno malarstwo, jak i architektura miały być lekkie i przyjemne. Waleczne społeczeństwo XVIII wieku było zmęczone moralizowaniem i nauczaniem, ludzie chcieli cieszyć się życiem, czerpiąc z niego jak najwięcej.

Rokoko przejawiało się nie w projektowaniu zewnętrznym budynków, ale tylko we wnętrzach, a także w projektowaniu książek, odzieży, mebli i obrazów. Styl rokoko znakomicie wyrażał się również we wszystkich gałęziach produkcji artystycznej i przemysłowej; ze szczególnym powodzeniem wykorzystywano go do wyrobu porcelany, nadając swoistą elegancję zarówno formie, jak i zdobnictwie swoim wyrobom; dzięki niemu ta fabrykacja zrobiła w swoim czasie ogromny krok naprzód i zyskała wielki szacunek wśród miłośników sztuki. Oprócz porcelany modne jest srebro. Produkowane są miseczki do czekolady, wazy, dzbanki do kawy, naczynia, talerze i inne. W tym stuleciu rodzi się sztuka kulinarna w jej nowoczesnej formie, w tym sztuka nakrywania stołów. Meble rokokowe wyróżniają się charakterystycznymi cechami. Jedną z najbardziej uderzających cech są zakrzywione linie, zakrzywione nogi. Meble stają się lżejsze i bardziej eleganckie niż dotychczas. Pojawiają się nowe meble: konsole, sekretarki, komody, komody, szafy. Dwa najpopularniejsze typy krzeseł to „Bergere” i „Marquise”. Złocone kandelabry, zegary, porcelanowe figurki, gobeliny, parawany to nieodzowne elementy stylu rokoko. Obficie używa się luster i obrazów ważących asymetrycznie. Na sofach i fotelach używaj jedwabnych poduszek i puf z haftem fabularnym. Ciekawostką jest to, że to właśnie stylistyka rokoko wprowadziła do wnętrza taką innowację, jak akwarium we wnętrzu.

Wnętrze rokoko

Głównymi motywami rokokowego malarstwa są wykwintne życie dworskiej arystokracji, „swawolne biesiady”, sielankowe obrazy „pasterskiego” życia na tle nieskazitelnej przyrody. Jednym z największych mistrzów sztuki francuskiej XVIII wieku był Antoine Watteau (1684-1721), artysta o subtelnym wyczuciu poetyckim i wielkim talencie malarskim. Marzycielski i melancholijny mistrz „swawolnych festynów” wprowadził w obraz życia świeckiego społeczeństwa prawdziwą poezję i głębię uczuć, a cień melancholii i niezadowolenia w interpretację scen miłosnych i beztroskich zabaw. Bardzo często spotykamy w jego obrazach wizerunek samotnego marzyciela, melancholijnego i smutnego, pogrążonego w myślach i oderwanego od hałaśliwej zabawy, próżnej próżności tłumu. To jest prawdziwy bohater Watteau. Jego prace są zawsze pokryte lirycznym smutkiem. Nie znajdziemy w nich burzliwej zabawy, ostrych i dźwięcznych kolorów. Szczególnie lubi portretować panie i panów spacerujących lub bawiących się na tle krajobrazu, w zarośniętych, zacienionych parkach, nad brzegami stawów i jezior. Takie są dwa urocze obrazy Galerii Drezdeńskiej, na przykład „Społeczeństwo w parku”, gdzie wszystko przesycone jest subtelnym lirycznym nastrojem, a nawet marmurowe posągi antycznych bogów zdają się patrzeć na zakochanych z przychylnością.

“Przybycie na wyspę Cythera”

Najsłynniejszym artystą rokokowym był Francois Boucher, który oprócz malarstwa zajmował się wszystkimi rodzajami sztuki dekoracyjnej i użytkowej: tworzył tekturę na gobeliny, rysunki do porcelany Sevres, malował wachlarze, wykonywał miniatury i obrazy dekoracyjne. François Boucher był artystą ideologicznie związanym ze społeczeństwem arystokratycznym w okresie jego upadku; uchwycił na swoich płótnach pragnienie cieszenia się wszystkimi błogosławieństwami życia, które panowały wśród wyższych klas w połowie XVIII wieku. W twórczości Busha szeroko stosowane są wątki mitologiczne, dające początek przedstawieniu nagiego ciała kobiety i dziecka. Szczególnie często pisze mitologiczne bohaterki - w różnych momentach ich romansów lub zajętej toalety. Nie mniej charakterystyczne dla Bouchera są tak zwane pastorały, czyli sceny pasterskie. Pasja do tematów duszpasterskich, charakterystyczna dla całej epoki, była odzwierciedleniem modnych wówczas teorii, według których szczęśliwi są tylko ludzie naiwni żyjący z dala od cywilizacji, na łonie natury. Jego pasterze i pasterki to eleganccy i ładni młodzi mężczyźni i kobiety, lekko przebrani i przedstawieni na tle pejzaży. Oprócz obrazów pastoralnych i mitologicznych malował sceny rodzajowe z życia społeczeństwa arystokratycznego, portrety (szczególnie często portrety markizy Pompadour), obrazy religijne, zwykle rozwiązywane w tym samym planie dekoracyjnym („Odpocznij w locie do Egiptu” ), kwiaty, motywy zdobnicze. Boucher miał niezaprzeczalny talent dekoratorski, umiał łączyć swoje kompozycje z rozwiązaniem wnętrz.

Moda rokoko

Pytania i zadania:

1. Opowiedz nam o estetycznych cechach stylu barokowego

2. Opowiedz nam o cechach malarstwa barokowego na przykładzie Rubensa

3. Opowiedz nam o stylu malowania Rembrandta

4. Dlaczego styl rokoko jest uważany za styl arystokracji?

5. Zrób wycieczkę korespondencyjną po Wersalu

Ruch oświecenia znalazł wyraz przede wszystkim w nauce i literaturze. Dzieła są wypełnione Duchem Oświecenia Lesage, Voltaire, Monteskiusz(„Duch Praw”), Rousseau("Wyznanie"), Diderot, d'Alembert oraz inni pisarze i osoby publiczne, którzy byli propagandystami nowego światopoglądu.

Literatura Oświecenia, dzieła Woltera, Diderota, Locke'a, Helvetiusa, Rousseau, Richardsona były już „literaturą światową” w wąskim znaczeniu tego słowa. Od pierwszej połowy XVIII wieku rozpoczął się „dialog europejski”, w którym uczestniczyły wszystkie cywilizowane narody, choć większość z nich w sposób bierny. Literatura epoki była literaturą Europy jako całości, wyrazem europejskiej wspólnoty idei, której nie widziano od średniowiecza.

„Teoria i praktyka literatury światowej były wytworami cywilizacji zdeterminowanej celami i metodami handlu światowego, - uważa A. Hauser. - Paradoks polega na tym, że Niemcy, którzy wśród wielkich narodów w najmniejszym stopniu przyczynili się do światowej literatury, jako pierwsi zdali sobie sprawę z jej znaczenia i rozwinęli tę ideę.

Głowa francuskich oświecających jest słusznie brana pod uwagę Wolter(Francois Marie Arouet). Jego dziedzictwo poetyckie jest zróżnicowane gatunkowo: poematy epickie, filozoficzne i heroiczno-komiczne, ody, satyry, fraszki, poematy liryczne („Kandyd czy optymizm”).

W literaturze edukacyjnej Francji XVIII wieku komedie zajmowały jedno z głównych miejsc pod względem siły oddziaływania na masy. Pierre Augustin baron de Beaumarchais(1732-1799). Mechanik i wynalazca, muzyk i poeta, jednocześnie biznesmen i dyplomata. Jego najbardziej uderzające dzieła to komedie Cyrulik sewilski, Wesele Figara (trzecia część trylogii o Figarze - dramat Matka zbrodni). Wiadomo, że Ludwika XVI, po wysłuchaniu sztuki „Wesele Figara” wykrzyknął: „Trzeba zburzyć Bastylię, aby umożliwić to na scenie”

Do 1685 roku kończy się okres twórczy barokowy klasycyzm, Lebrun traci swój wpływ, a decydujące słowo wypowiadają wielcy pisarze epoki: Racine'a, Moliera, Boileau, jak również Krzak. Wraz z dyskusją o „starym i nowym” rozpoczyna się walka między tradycją a postępem, racjonalizmem a „sentymentalizmem”, która zakończy się przedromantyzm Diderot. Arystokracja i burżuazja łączą się w jedną klasę kulturową. Członkowie wyższych sfer nie tylko spotykają się przypadkowo w domach finansistów i urzędników, ale są częstymi gośćmi i „tłumem” w „salonach” oświeconej burżuazji. Burżuazja stopniowo opanowała wszystkie środki kultury. Nie tylko pisała książki, ale także je czytała, nie tylko malowała obrazy, ale też je nabywała. Jeszcze w poprzednim stuleciu zainteresowanie sztuką było bardzo małe, teraz powstaje klasa kulturalna, która staje się prawdziwym właścicielem sztuki. To wiek niezwykłej aktywności intelektualnej.

Zmienia się samo pojęcie sztuki. Staje się ludzki, bardziej przystępny i mniej pretensjonalny, nie jest już sztuką dla półbogów i „nadludzi”, ale jest przeznaczony dla istot śmiertelnych, zmysłowych i słabych, nie wyraża już wielkości i mocy, ale piękno i wdzięk życia , nie dąży już do wzbudzenia szacunku i upokorzenia, ale do uroku i zadowolenia. Tworzy się nowa publiczność, złożona z postępowej arystokracji i wielkiej burżuazji, która nadaje sztuce nieznany dotąd autorytet artystyczny. Odrzucenie starego ograniczenia tematycznego prowadzi do pojawienia się nowych artystów, takich jak Watteau, kontynuując tradycję Rubens i stał się pierwszym artystą prawdziwie „francuskiego” malarstwa.

Odrodzony w XVIII wieku pasterski, istniał w epoce hellenistycznej. XVIII wiek to epoka Francuzów krótkie historie w kreatywności Voltaire, Prevost, Laclos, Diderot oraz Rousseau odzwierciedlał tę erę badań psychologicznych.

Ewolucja sztuki dworskiej, niemal nieprzerwana od końca renesansu, została w XVIII wieku opóźniona i ostatecznie zatrzymana przez burżuazyjny subiektywizm. Pewne cechy nowego ukierunkowania na zerwanie ze sztuką dworską pojawiają się już w rokoko. Kolor i odcień stają się lepsze niż rysowanie ciągłe. Tradycja barokowy atakowany z dwóch kierunków: „sentymentalizmu” i „naturalizmu”. Rousseau, Richardson, Grez, Hogarth- jedna strona, Lessing, Winckelmann, Mengs, David- z innym. Oba kierunki przeciwstawiają się sztuce szlachetnej ideałowi prostoty i powagi purytańskiej koncepcji życia. Pod koniec wieku w Europie nie ma innej sztuki niż burżuazyjna. A. Hauser zauważa, że „rzadko w historii sztuki nastąpiła tak dramatyczna zmiana kierunku z jednej klasy na drugą, by burżuazja całkowicie wyparła arystokrację”.

Ta ewolucja osiąga swój punkt kulminacyjny i cel podczas Rewolucji Francuskiej i in romantyzm, z podważeniem władzy królewskiej jako zasady władzy absolutnej, z dezorganizacją dworu jako centrum sztuki i kultury, z upadkiem baroku klasycyzm jako styl artystyczny, w którym dążenia do władzy absolutystycznej znalazły swój bezpośredni wyraz.

We Francji w pierwszej połowie XVIII wieku (czasy Ludwika XV) wyłania się styl rokoko, lub rocaille(Francuski: muszla), co odpowiada epoce demokratycznej Oświecenie.

We francuskich sztukach plastycznych odnotowuje się następujące etapy rozwoju: „Styl regencji” - wczesny rokoko,„Styl Ludwika XV” - dojrzały rokoko,"Styl Ludwika XVI" - dekoracyjny rocaille, imperium(„Napoleoński” klasycyzm).

Rokoko wyrażał arystokratyczny bunt przeciwko surowej rzeczywistości: ubrania, fryzury, wygląd stały się obiektami sztuki. Ludzi ceniono po ubiorze. Kobieta przedstawiała drogocenną lalkę, wspaniały kwiat.

Rokoko nie był już królem, ale pozostał sztuką arystokratyczną. To sztuka sprzeciwiała się estetycznym zasadom umowności i normatywności. Właściwie od rokoko zaczyna się sztuka burżuazyjna, uwarunkowana ideologią demokratyczną i subiektywizmem, ale zachowująca ciągłość z tradycjami renesansu, barokowy oraz rokoko. Rokoko przygotował nową alternatywę dla rozkładu klasycyzm późno barokowy z jego malarskim stylem, z jego percepcją kolorów, z jego impresjonistyczną techniką, która odpowiadała wyrażaniu uczuć nowej klasy. Sensacjonalizm i estetyzm rokoko złapany między ceremonialnym stylem barokowy i liryzm romantyzm. Rokoko była sztuką erotyczną przeznaczoną dla bogatych jako sposób na podniesienie ich zdolności do cieszenia się. Rokoko rozwija formę zewnętrzną (że tak powiem - "sztukę dla sztuki"), zmysłowy kult piękna, misterny formalnie język artystyczny, wirtuozowski, dowcipny i melodyjny. Ale rokoko - to ostatni uniwersalny styl Europy, który został rozpowszechniony we wszystkich krajach i został przyjęty przez wielu artystów.

Od XIX wieku wola każdego artysty stała się osobista, bo już musi walczyć o wyrażenie siebie własnymi środkami. Nie może pozostawać na zajmowanych wcześniej stanowiskach, każda przyjęta forma jest dla niego przeszkodą. Dopiero w drugiej połowie XVIII wieku nastąpiła rewolucyjna zmiana: pojawiła się burżuazja ze swoim indywidualizmem i dążeniem do oryginalności. Zastąpił on ideę stylu jako świadomej wspólnoty wyzwalającej duchowo i nadał nowoczesne znaczenie idei własności intelektualnej.

Antoine Watteau(1684-1721) - przedstawiciel stylu rokoko w malarstwie typowy gatunek „szarmanckich świąt” („Celebration of Love”). Francois Boucher- wariant dworski rocaille: soczyste detale, figlarne niejasności. Jasne odcienie tonów zostały utrwalone i wyodrębnione jako osobne detale, jako niezależne kolory: „kolor straconego czasu” („Kłopotliwy problem”, „Savoyard ze świstakiem”, „Gilles”).

Jednocześnie w malarstwie istniał „trzeci styl posiadłości”, który charakteryzował się lekką zabawą erotyka("dzielne działki"): Jean Baptiste Simon Chardin(1699-1779) - „Z rynku”, „Martwa natura z atrybutami sztuki”; N. Lycre(1690-1743) - "Tancerz Camargo"; Jean-Étienne Lyotard(1702-1789) „Czekoladowa dziewczyna”; JB Honore Fragonard(1732-1806) - „Pocałuj ukradkiem”; JB Grez(1725-1805) - „Paralityk lub owoce dobrego wychowania”.

Wybitny kompozytor tamtych czasów Jean Philip Rameau(1683-1764), autor 35 kompozycji muzycznych i teatralnych. Wśród nich: balet „Gallant India”, liryczna tragedia „Prometeusz” na libretto Wolter komedia-balet „Platea, czyli zazdrosna Juno”, heroiczny pasterski„Zais”, opery „Castor i Pollux”, „Hippolit i Arisia”, „Dardanus” itp. W jego twórczości miniatura klawesynu programowo-obrazowego osiągnęła swój szczyt: „Ptaki ćwierkające”, „Skargi przetargowe”, „ Kurczak", "Tamburyn" i inne, łącznie 52 sztuki. JF Rameau był wybitnym teoretykiem muzyki: „Traktatem o harmonii” (1722).

W połowie XVIII wieku w satyrycznych przedstawieniach teatru jarmarcznego dojrzewał nowy gatunek – „opera-komiks”. Jej pierwsza próbka pasterski„Wioskowy czarownik” Rousseau(1752). Przybycie włoskiej trupy operowej do Paryża w 1752 r. przyczyniło się do aprobaty gatunku z przedstawieniem miłośnik opery(włoska wersja opery komicznej, która powstała w latach 30. XVIII w. na podstawie komedii „dell'arte”).

„Russowski prymitywizm” według A. Hausera, był tylko jednym z wariantów „Arcade” ideału i formy tych marzeń o wyzwoleniu, które napotykano przez cały czas, ale „niezadowolenie Rousseau w kulturze”(„zło w kulturze”) po raz pierwszy świadomie sformułował i jako pierwszy rozwinął, mimo tej niechęci do kultury, filozofię historii. Głębia i szerokość wpływu Rousseau są niewyczerpane. Jest to jedno z tych zjawisk duchowych, które - mówi A. Hauser, - można porównać z Marksem i 3. Freudem, którzy zmienili światopogląd milionów ludzi, którzy nawet nie znali swoich imion.

Tak więc zmiana stylu literackiego w języku angielskim przedromantyzm,- to też sprawa Rousseau: zastąpienie form normatywnych subiektywnymi i niezależnymi.

Znajduje to odzwierciedlenie w muzyce, która staje się sztuką historycznie reprezentatywną. Do XVIII wieku cała muzyka była muzyką pisaną na specjalne okazje, na zamówienie księcia, kościoła lub rady miejskiej, a mającą zadowolić towarzystwo dworskie, wychwalać pobożność celebracji liturgicznych lub gloryfikować święta. W połowie XVIII wieku było to już postrzegane jako wada i aby ją przezwyciężyć, powstały miejskie towarzystwa muzyczne, które organizują koncerty czysto muzyczne, co wcześniej nie miało miejsca. Burżuazja staje się główną publicznością tych koncertów. Muzyka staje się ulubioną formą sztuki burżuazji, w której jej życie emocjonalne znajduje bardziej bezpośredni wyraz. Ale pojawienie się na koncertach mieszczańskiej publiczności nie tylko zmienia charakter środków wyrazu muzycznego i pozycję społeczną kompozytorów, ale także nadaje nowy kierunek twórczości muzycznej i nowe znaczenie każdemu utworowi muzycznemu.

Opowiadanie mieszczańskie i rodzinne było zupełną nowością po opowiadaniu pastersko-pikareskim, które dominowało w literaturze aż do połowy XVIII wieku, ale nie sprzeciwiało się dawnej literaturze. A dramat burżuazyjny wyszedł w jawnej opozycji do tragedii klasycystycznej i stał się zwiastunem burżuazji rewolucyjnej. Dramat burżuazyjny początkowo zapowiadał deprecjację arystokratycznych wartości heroicznych i był sam w sobie propagandą burżuazyjnej moralności i równości.

Już Diderot sformułował najważniejsze zasady naturalistycznej teorii dramatu. Domagał się nie tylko naturalnej i psychologicznie trafnej motywacji do procesów duchowych, ale także dokładnego opisu środowiska i wierności naturze w scenerii. Diderot chce, aby spektakl był grany tak, jakby przed sceną nie było publiczności. Od tego zaczyna się prawdziwie zupełna iluzja teatru, eliminacja konwencji i ukrywanie fikcyjności spektaklu.

XVIII wiek jest sprzeczny, jego filozofia nie tylko oscyluje między racjonalizmem a idealizmem, ale jej artystyczne cele wyznaczają dwa przeciwstawne nurty ścisłej klasycyzm i nieokiełznany malowniczość. W dramacie, podobnie jak w innych formach sztuki, klasycyzm był synonimem triumfu naturalizm oraz racjonalizm, z jednej strony nad fantazją i niezdyscyplinowaniem, z drugiej nad sztuczność i konwencje sztuki, które miały miejsce wcześniej.

Nowy klasycyzm nie była improwizacją. Jej rozwój sięga średniowiecza. Ale sztuka epoki Rewolucji różni się od poprzedniej. klasycyzm,że w nim ostateczną dominację uzyskuje ściśle formalna koncepcja artystyczna, której ewolucja się tu kończy. Klasycyzm, który rozprzestrzenił się od połowy XVIII wieku do połowy XIX wieku, nie był pojedynczym ruchem, ale ewoluował, reprezentowany przez różne fazy. Pierwsza z tych faz przypada na lata 1750-1780 i jest zwykle nazywana „Rokokowy klasycyzm” dzięki mieszance stylów, uformowanej ostatecznie w „stylu Ludwika XVI”. Już barokowy charakteryzuje się wahaniami między racjonalizm oraz sensacja formalizm i spontaniczność, klasyka i nowoczesność, starając się rozwiązywać te przeciwieństwa w jednym stylu.

klasyczny sztuka odzyskuje aktualność w XVIII wieku, ponieważ po sztuce zbyt elastycznej i płynnej techniki, po nadmiernym wrażeniu gry kolorów i tonów, pojawia się pragnienie bardziej umiarkowanego, poważniejszego i bardziej obiektywnego stylu artystycznego. Uważa się, że wykopaliska

Starożytne greckie Pompeje (1748) były decydującym czynnikiem ożywienia zainteresowania klasyką. Kolekcjonowanie antyków zamienia się w prawdziwą pasję, ogromne sumy pieniędzy wydawane są na nabywanie dzieł sztuki klasycznej.

Sztuka XVII wieku interpretowała świat starożytnych Greków i Rzymian zgodnie z feudalną koncepcją moralności wyznawaną przez monarchię absolutną. Klasycyzm XVIII wiek wyrażony

republikański stoicki ideał postępowej burżuazji. Trzecie ćwierćwiecze charakteryzuje się także walką stylów, w którą klasycyzm. Do ok. 1780 r. walka ta ograniczała się do teoretycznej dyskusji ze sztuką dworską. Ale dopiero po pojawieniu się Dawida rokoko można uznać za pokonanego. Od sztuki epoki rewolucyjnej, obejmującej okres od 1780 do 1800 roku, rozpoczyna się nowa faza klasycyzm. Rewolucja wybrała ten styl jako najbardziej odpowiedni dla swojej ideologii. David w swoim liście do Konwencji stwierdził: „Każdy z nas jest odpowiedzialny przed narodem swoim talentem, który otrzymał od natury”. David był członkiem Konwentu i miał decydujący wpływ z ramienia rządu w sprawach sztuki.

Paryż, który niegdyś był centrum życia literackiego, teraz staje się także artystyczną stolicą Europy i przejmuje rolę, jaką Włochy odegrały w okresie renesansu. Tutaj od 1673 r. regularnie odbywają się wystawy sztuki, ponieważ artyści, tracąc oficjalne poparcie, zmuszeni byli zwrócić twarze do kupujących. Rewolucja oznaczała koniec ery dyktatury Akademii i monopolu rynku sztuki ze strony dworu, arystokracji i wielkich finansistów. Akademia została zlikwidowana po 1791 r.

Zgromadzenie Ustawodawcze zniosło jej przywileje i przyznało wszystkim artystom prawo do wystawiania swoich prac w jej Salonie. W 1793 Dawid założył Gminę Sztuki, wolne i demokratyczne stowarzyszenie artystów. Ale wkrótce, pod naciskiem monarchistów, zostało zastąpione przez Ludowe i Republikańskie Towarzystwo Sztuki. W tym samym czasie powstał Klub Sztuki Rewolucyjnej, w skład którego wchodzili m.in. Dawid oraz Proudhon i dlatego dzięki swoim wybitnym członkom cieszył się wielkim prestiżem. Akademia została zlikwidowana jako jedyny właściciel wystaw, ale przez długi czas utrzymała monopol na edukację i tym samym utrzymała swoje wpływy. Wkrótce jednak została zastąpiona przez "Techniczną Szkołę Malarstwa i Rzeźby", pojawiły się także szkoły prywatne i klasy wieczorowe. W 1792 roku Konwencja upoważniła do utworzenia muzeum w Luwrze.

romantyczny ruch przeradza się tu w walkę o wolność, skierowaną nie tyle przeciwko Akademii, Kościołowi, Dworowi, patronom i krytykom, ile przeciwko samej zasadzie tradycji, autorytetu, przeciwko wszelkim zasadom. Ta walka karmiła się samą atmosferą rewolucji, której zawdzięczała swoje źródło i wpływ.

Nawet Napoleon zwrócił się ku sztuce romantycznej, gdy nie uważał sztuki za środek propagandy i samouwielbienia. Imperium znalazło swój artystyczny wyraz w eklektyzm które łączyły i ujednolicały istniejące trendy stylistyczne. Ważnym wkładem imperium do sztuki było nawiązanie twórczych relacji między jego producentami a konsumentami. Ugruntowana pod koniec XVIII wieku publiczność mieszczańska odegrała decydującą rolę w kształtowaniu kręgu miłośników sztuki.

Życie artystyczne szybko odrodziło się po rewolucyjnych wstrząsach. Wychowano artystów, co spowodowało pojawienie się nowej sztuki. Remontowano stare instytucje, ale renowatorzy nie mieli jeszcze własnych kryteriów gustu. To tłumaczy pewien upadek sztuki porewolucyjnej, który trwał około 20 lat, kiedy romantyzm, Wreszcie mógł zrealizować się we Francji.