Zawód mistrza oświetlenia. Opis stanowiska głównego projektanta oświetlenia. Taki inny artysta oświetleniowy

Opis stanowiska głównego projektanta oświetlenia[Nazwa firmy]

Niniejszy opis stanowiska został opracowany i zatwierdzony zgodnie z postanowieniami Jednolitego Katalogu Kwalifikacji Stanowisk Menedżerów, Specjalistów i Pracowników, rozdział „Charakterystyka kwalifikacji stanowisk pracowników kultury, sztuki i kinematografii”, zatwierdzony. zarządzeniem Ministerstwa Zdrowia i Rozwoju Społecznego Federacji Rosyjskiej z dnia 30 marca 2011 r. N 251n oraz innymi przepisami regulującymi stosunki pracy.

1. Postanowienia ogólne

1.1. Główny projektant oświetlenia należy do kadry artystycznej i podlega bezpośrednio [nazwa stanowiska kierownika].

1.2. Głównego projektanta oświetlenia powołuje się na stanowisko i odwołuje z niego postanowieniem [nazwa stanowiska].

1.3. Na stanowisko głównego projektanta oświetlenia przyjmuje się osobę, która posiada wyższe wykształcenie zawodowe (teatralne i scenograficzne, artystyczne, techniczne) oraz staż pracy na stanowisku projektanta oświetlenia co najmniej 5 lat.

1.4. Główny projektant oświetlenia musi wiedzieć:

Ustawy i inne regulacyjne akty prawne Federacji Rosyjskiej dotyczące działalności organizacji artystycznych;

Parametry techniczne i możliwości sceniczne;

Parametry i właściwości techniczne sprzętu oświetleniowego;

Podstawowe techniki oświetlenia artystycznego w odniesieniu do rozwiązań scenograficznych;

Najnowsze osiągnięcia nauki i techniki w dziedzinie oświetlenia scenicznego;

Inżynieria elektryczna;

Elektronika;

Technologia komputerowa;

Nauka o kwiatach;

Mechanika;

Zasady obsługi, przechowywania i transportu urządzeń oświetleniowych;

Doświadczenie w organizacjach sztuk performatywnych i organizacjach wyspecjalizowanych w dziedzinie oświetlenia scenicznego;

Historia kultury materialnej oraz sztuki teatralnej i zdobniczej;

Specyfika pracy twórczej w organizacjach sztuk performatywnych;

Podstawy ekonomii i zarządzania w obszarze sztuk performatywnych, prawo pracy;

Wewnętrzne przepisy pracy;

Przepisy ochrony pracy i bezpieczeństwa przeciwpożarowego.

2. Obowiązki zawodowe

Główny projektant oświetlenia:

2.1. Tworzy projekty oświetlenia do nowych i dużych produkcji zgodnie z planami reżysera.

2.2. Wspólnie ze scenografem opracowuje zasady i styl artystycznych rozwiązań oświetleniowych do spektakli oraz zapewnia wymagany poziom artystycznego projektowania oświetlenia.

2.3. Opracowuje efekty świetlne, niezbędne środki techniczne i zasady ich działania.

2.4. Uczestniczy w akceptacji układu scenograficznego spektaklu, podaje konkretne propozycje montażu i wykorzystania niezbędnych środków technicznych.

2.5. Prowadzi próby oświetleniowe do spektakli z mocowaniem zainstalowanego oświetlenia artystycznego na partyturach.

2.6. Kontroluje dokładną realizację artystycznego oświetlenia przedstawień z aktualnego repertuaru.

2.7. Nadzoruje pracę projektantów oświetlenia i zapewnia im niezbędną pomoc.

2.8. Promuje rozwój zawodowy projektantów oświetlenia.

2.9. Organizuje badania i wdrażanie najnowszych osiągnięć w dziedzinie sprzętu i technologii produkcji teatralnej.

2.10. Opracowuje długoterminowe plany modernizacji oświetlenia scenicznego.

2.11. [inne obowiązki zawodowe]

3. Prawa

Główny projektant oświetlenia ma prawo:

3.1. Dla wszystkich gwarancji socjalnych przewidzianych w ustawodawstwie Federacji Rosyjskiej.

3.2. Otrzymuj informacje o działalności organizacji niezbędnej do wykonywania obowiązków funkcjonalnych od wszystkich działów bezpośrednio lub za pośrednictwem bezpośredniego przełożonego.

3.3. Przesyłaj propozycje kierownictwu, aby ulepszyć swoją pracę i pracę organizacji.

3.4. Zapoznaj się z projektami zarządzeń Zarządu związanych z jego działalnością.

3.5. Podpisuj i zatwierdzaj dokumenty w zakresie swoich kompetencji.

3.6. Bierz udział w spotkaniach, podczas których omawiane są kwestie związane z jego pracą.

3.7. Wymagaj od kierownictwa stworzenia normalnych warunków do wykonywania obowiązków służbowych.

3.8. Podnieś swoje kwalifikacje zawodowe.

3.9. [inne prawa przewidziane prawo pracy Federacja Rosyjska].

4. Odpowiedzialność

Główny projektant oświetlenia jest odpowiedzialny za:

4.1. Za niewykonanie lub nienależyte wykonanie obowiązków przewidzianych w niniejszej instrukcji - w granicach określonych przez prawo pracy Federacji Rosyjskiej.

4.2. Za przestępstwa popełnione w trakcie wykonywania swojej działalności - w granicach określonych przez obowiązujące ustawodawstwo administracyjne, karne i cywilne Federacji Rosyjskiej.

4.3. Za spowodowanie szkody materialnej pracodawcy - w granicach określonych przez obowiązujące prawo pracy i cywilne Federacji Rosyjskiej.

Opis stanowiska został opracowany zgodnie z [nazwa, numer i data dokumentu].

Kierownik działu kadr

[inicjały, nazwisko]

[podpis]

[dzień miesiąc rok]

Zgoda:

[stanowisko]

[inicjały, nazwisko]

[podpis]

[dzień miesiąc rok]

Przeczytałem instrukcje:

[inicjały, nazwisko]

[podpis]

[dzień miesiąc rok]

Oto pierwsza lekcja dla początkujących artystów zajmujących się oświetleniem. Autorem tego cyklu szkoleń jest Neil Fraser, kurator Wydziału Technicznego Królewskiej Akademii Sztuki Dramatycznej w Londynie. W artykule autor identyfikuje pięć głównych aspektów oświetlenia scenicznego i sugeruje projektantom oświetlenia sposoby jego udoskonalenia.

Neil Fraser: „Pisząc ten artykuł, próbowałem wymienić cele, które chcemy osiągnąć dzięki oświetleniu scenicznemu. Oczywiście nie wszystko, co zostało powiedziane, będzie prawdą w każdym konkretnym przypadku; powstała lista jest moją próbą możliwie najpełniejszej odpowiedzi na to pytanie.

A więc oświetlenie sceniczne:

• daje nam możliwość zobaczenia, co dzieje się na scenie,
• charakteryzuje miejsce i czas przedstawienia,
• mówi nam o nastroju sceny,
• wskazuje miejsca, które szczególnie warto zobaczyć,
• nadaje scenie niezbędną atrakcyjność,
• podkreśla gatunek i styl przedstawienia,
• urzeka nas efektami specjalnymi.

Zadaniem projektanta oświetlenia jest wiedzieć, jak to wszystko osiągnąć w najbardziej efektywny sposób (oczywiście we współpracy z innymi osobami: reżyserem, scenografem itp.). Ta wiedza obejmuje kilka aspektów, które omówimy w tym kursie , a mianowicie:

1. narożnik,
2. kształt,
3. kolor,
4. ruch
5. i skład.

Na początek zauważmy, że pierwsze trzy punkty (kąt, kształt i kolor) charakteryzują samo światło, natomiast dwa ostatnie (ruch i kompozycja) opisują, w jaki sposób wykorzystujemy to światło do tworzenia obrazów świetlnych.

Teatr Muzyczny im. Stanisławski i Niemirowicz-Danczenko,
reżyser Aleksander Titel,
projektant oświetlenia Damir Ismagilov

Wszystkie pięć elementów jest istotnych: za ich pomocą opowiadamy historię, tworzymy nastrój lub po prostu przekazujemy odbiorcom określone informacje. Sposób, w jaki to zrobimy, zależy od tego, czego dowiedzieliśmy się o naturze światła, jak ono działa – otrzymujemy, gromadzimy i systematyzujemy to doświadczenie przez całe życie, od urodzenia.

w reżyserii Franceski Zambello
projektant oświetlenia Mark McCullough

Na podstawie tej wiedzy projektanci oświetlenia decydują, pod jakim kątem będzie oświetlana każda scena, jaki powinien być kolor i kształt wiązek, jak to wszystko będzie układać się i jak będzie się zmieniać zgodnie z projektem spektaklu. Publiczność także nie pozostaje z boku. Stają się ekspertami w interpretacji wzorów świetlnych, chociaż często nie zdają sobie z tego sprawy. Z tego punktu widzenia można mówić o oświetleniu efektywnym, czyli takim, które pozwala widzowi uchwycić sens i poczuć nastrój sceny świetlnej.

Scena ze sztuki Tatiany Baganovej „Sepia”,
Zespół Jekaterynburga „Tańce prowincjonalne”

W przypadku większości decyzji dotyczących oświetlenia nie ma „dobrego” ani „złego”, a to jest bardzo ważne, ponieważ pozwala projektantowi oświetlenia wdrożyć własne rozumienie i własny styl. Jednakże Neil Fraser zdecydowanie zaleca początkującym projektantom oświetlenia udoskonalenie i rozwinięcie swoich pomysłów w kierunku efektywnego oświetlenia. Można to zrobić na kilka sposobów.

1. Ćwiczyć. Korzystaj z każdej okazji, aby przetestować swoje pomysły, spróbować czegoś nowego, odkrywać i tworzyć,

2. Obserwacja. Wszędzie – w plenerze i w pomieszczeniach, w filmie i w świecie rzeczywistym – zwracaj uwagę na światło, ustalaj, w jaki sposób powstało i jak możesz je odtworzyć na scenie.

3. Edukacja. Ucz się od malarzy, jak wykorzystywać światło i strukturyzować kompozycję swoich obrazów.

Dobrymi przykładami mogą być dzieła Rembrandta, Caravaggia czy Davida Hockneya.

Najważniejsze to zacząć myśleć o tym, jak światło „działa” i jak możemy je wykorzystać. To pierwsze praktyczne zadanie dla tych, którzy chcą zostać prawdziwym profesjonalistą w dziedzinie oświetlenia scenicznego.

W kolejnej odsłonie cyklu – „Zrozumieć kąt oświetlenia” – Neil Fraser opowiada o tym, jak wybrać odpowiedni kąt oświetlenia. Życzymy twórczych sukcesów!

Część 2: Znajdź odpowiedni kąt

Oto druga lekcja z serii dla początkujących artystów zajmujących się oświetleniem. W pierwszym artykule Neil Fraser, kurator Wydziału Inżynierii Królewskiej Akademii Sztuk Dramatycznych, przyjrzał się pięciu głównym aspektom oświetlenia scenicznego.

Na drugiej lekcji Neil Fraser odpowiada na pytanie, gdzie na scenę powinno padać światło, opowiada o różnych kątach oświetlenia i oferuje szereg przydatnych ćwiczeń do tworzenia obrazów świetlnych.

Wybierając kąt, pod jakim pada światło, ważne jest, aby znaleźć kompromis pomiędzy tym, jak wyraźnie widz widzi oświetlony obiekt, a dramatyczną percepcją tego obiektu. Świetnie jest, gdy oba pomysły się realizują, jednak często jeden z nich wypiera drugi. Dzieje się tak na przykład wtedy, gdy ktoś próbuje uczynić obiekt bardziej widocznym dla widzów i usuwa cienie, które nadają mu pożądany charakter.

Zwykle patrząc na kąt, pod jakim pada światło, możemy odgadnąć, gdzie znajduje się jego źródło. Trudniej jest określić, które źródło światła emituje: słońce, lampa stołowa czy lampa uliczna. Zatem interpretując światło na scenie, widz nie może doszukiwać się analogii między kątem padania światła a znanym mu rzeczywistym źródłem światła.

Podstawowe kąty świecenia

Poniżej przedstawiono pięć głównych kątów charakteryzujących położenie źródła światła względem oświetlanego obiektu:

1. Światło poziome (płaskie) - światło padające bezpośrednio na obiekt wzdłuż linii wzroku patrzącego
2. Światło tylne – światło dochodzące z tyłu i z góry
3. Światło boczne - światło z boku na poziomie obiektu
4. Światło górne – źródło znajduje się bezpośrednio nad obiektem
5. Światło rampowe – źródło znajduje się przed obiektem od dołu

Łącząc niektóre z tych obszarów, można również uzyskać:

• Światło przednie górne - światło z góry i przed obiektem
• Światło ukośne — światło z góry, z dala od obiektu

Wybór kąta oświetlenia zależy od tego, co chcemy przekazać widzowi. Wyobraźmy sobie więc emocjonalne znaczenie tych kątów.

Płaski oświetlenie sceniczne jest często matowe, ponieważ prawie nie wytwarza cieni. Tylko w określonym kontekście (gdy wymagane jest mocne oddziaływanie) może być tajemniczo i interesująco.

Tył światło można opisać jako złowieszcze lub tajemnicze. Rzadko stosuje się go osobno, w czystej postaci.

Strona światło ma silny efekt, przypomina coś abstrakcyjnego (rzadko spotykanego w warunkach naturalnych).

Górny światło może być odbierane jako przytłaczające, sprawia wrażenie uciskającego oświetlany obiekt.

Rampa światło na scenie wydaje się najbardziej dziwne, niesamowite i niezwykłe ze wszystkich. Nic dziwnego, że jest używany rzadziej niż inne.

Górny przód studnia modeluje znane nam źródła światła - to właśnie pod tym kątem pada światło słoneczne, światło latarni ulicznych czy pokojowego żyrandola. Ponadto najbardziej harmonijnie łączy dobrą widoczność i pewien dramatyzm.

Przekątna światło nie jest tak znajome jak górne światło przednie, ale bardziej naturalne niż światło boczne, ponieważ spada z góry.
Wpływ, jaki światło wywiera na widza, zależy nie tyle od samego światła, ile od cieni, jakie tworzy. To światłocień jest w stanie ukazać zarys i kształt przedmiotu oraz wzbudzić nim zainteresowanie.

Łączenie kątów oświetlenia

Korzystanie z wielu źródeł światła na scenie sprawia, że ​​scena świetlna jest bardziej interesująca. Poniżej kilka uwag na ten temat:

1. Efekt źródeł światła umieszczonych pod zasadniczym kątem w stosunku do obiektu może znacznie różnić się od tego, jaki można uzyskać poprzez ich połączenie. Łącząc różne kąty oświetlenia, musimy pamiętać, w jaki sposób każde źródło światła wpływa na ogólny obraz. Na przykład jeden kąt służy do zapewnienia przejrzystości obrazu, a drugi do uzyskania dramatycznego światła.
2. Każdy projektant oświetlenia wie, że posiadanie silnego, dominującego źródła światła w projekcie oświetlenia sprawia, że ​​oświetlenie wygląda atrakcyjniej. Można założyć, że mocne, kluczowe światło odbieramy na poziomie podświadomości jako przyjemne (jak to bywa w pogodny, słoneczny dzień). Można to wykorzystać: uczynienie jednego źródła światła silniejszym od drugiego nie jest trudne i wygląda dobrze.
3. Należy pamiętać, że użycie zbyt wielu kątów oświetlenia powoduje, że cały obraz jest rozmazany lub prześwietlony. Wygląda nieźle, ale nie jest ciekawie oglądać. Tutaj (jak w wielu innych sytuacjach) sprawdza się powiedzenie „mniej znaczy więcej”.
4. Światło na scenie jest w stanie „przesunąć” obiekt, na przykład przybliżyć go lub oddalić. Jest to bardzo zauważalne przy zastosowaniu podświetlenia, które w połączeniu z innymi kątami świecenia ma prawdziwą moc: tworząc wokół obiektu aureolę, zdaje się wypychać go w stronę widza, podkreślając jego kształt, ukazując jego trójwymiarowość.

Zazwyczaj sposób, w jaki artysta wdraża oświetlenie na scenie, opiera się na tym, jak działa ono w świecie rzeczywistym. Jeśli obiekt sceniczny wygląda znajomo, widz z łatwością odgadnie znane mu źródło światła. Wtedy możemy mówić o naturalnym (realistycznym) świetle na scenie.

Pracując z kątami oświetlenia, należy pamiętać o kilku ogólnych zasadach dotyczących pracy ze światłem:

• to światło odsłania kształt przedmiotów,
• identyczne wzory świetlne szybko stają się nudne,
• niewystarczająca ilość źródeł światła pogarsza widoczność,
• obecność cienia wzmacnia efekt światła.

Z reguły projektanci oświetlenia doskonalą swoje umiejętności za każdym razem, gdy po prostu wykonują swoją pracę. Czasami jednak warto poeksperymentować ze światłem, nie będąc przywiązanym do żadnego projektu. Ćwiczenia te można wykonywać samodzielnie lub w towarzystwie kolegów.

Neil Fraser zaleca, aby początkujący projektanci oświetlenia prowadzili dziennik lub dziennik zawierający pomysły, odniesienia, diagramy i szkice, fotografie, pocztówki itp. Magazyn taki może stać się swoistą skarbnicą pomysłów i źródłem inspiracji. Pomocne będzie załączenie notatek dotyczących proponowanych ćwiczeń.

ĆWICZENIA

Większość ćwiczeń praktycznych będzie wymagać wielu źródeł światła. Oczywiście najlepiej nadają się lampy teatralne, ale w niektórych przypadkach można sobie poradzić za pomocą lamp podłogowych. Niektóre ćwiczenia można symulować w miniaturze, używając małych żarówek i powierzchni stołu. Ćwiczenia niepraktyczne pomogą Ci zapełnić swój notatnik lub dziennik pomysłami.

Ćwiczenie 1. Znalezienie odpowiedniego kąta

1. Znajdź interesujący obiekt nieożywiony do oświetlenia, np. piramidę krzeseł lub materiał rozciągnięty na nogach odwróconego stołu.

2.Wybierz punkt widzenia.

3. Weź trzy źródła światła i umieść je pod różnymi kątami w stosunku do obiektu.

4. Zobacz jak wygląda oświetlenie z każdego źródła z osobna i opisz to

5. Zobacz jak wygląda oświetlenie po połączeniu źródeł światła w pary, opisz swoje wrażenia.

6.Przyjrzyj się efektowi włączenia wszystkich trzech źródeł na raz, opisz swoje wrażenia w dzienniku. Jeśli masz możliwość zmiany jasności swoich opraw, użyj jej do stworzenia kombinacji świateł kluczowych i wypełniających.

Aby efekt każdego światła był bardziej zauważalny, użyj dla każdego z nich różnych filtrów kolorystycznych w bogatych odcieniach, takich jak czerwony, niebieski i zielony.

Ćwiczenie 2. Malowanie światłem

1. Zobacz listę podstawowych kątów świecenia:

światło poziome,

tylne światło,

Światło boczne,

światło górne,

Światło rampy.

2. Weź stos starych czasopism i przejrzyj go, szukając ilustracji, na których światło pada w jeden z powyższych sposobów.

3. Gdy masz już wystarczającą liczbę takich przykładów, ułóż je w kolejności rosnącej: od najlepszego do najgorszego zastosowania danego kąta świecenia.

Niektóre kąty oświetlenia będą widoczne częściej niż inne i są rzadkie w czystej postaci. Dlatego możesz powtórzyć to ćwiczenie, gdy znów będziesz mieć stare czasopisma. Zapisz najlepsze zdjęcia w folderze, aby móc do nich zajrzeć w przyszłości. Ćwiczenie to można wykonać podczas oglądania telewizji lub obrazu wideo.

Ćwiczenie 3. Nauka widzenia światła

1. Zrób listę głównych kątów oświetlenia:

światło poziome,

tylne światło,

Światło boczne,

światło górne,

Światło rampy.

2. Odwiedź kilka różnych miejsc, takich jak sypialnia, klasa, biblioteka, park itp.

3. Zrób notatki w swoim notatniku (lokalizacja, pora dnia itp.) i zapisz kąt, pod jakim światło pada na każde z tych miejsc.

4.Jeśli potrafisz rysować, wykonaj kilka szkiców.

Wymyśl symbol dla każdego kąta (może to być przydatne w późniejszych notatkach).

Ćwiczenie 4. Trzej na jednego

To ćwiczenie jest podobne do ćwiczenia 1, ale zamiast oświetlać obiekt nieożywiony, będziesz oświetlać żywy model. Powtórzę: ważną częścią tego ćwiczenia jest słowne opisanie tego, co zobaczysz. To ćwiczenie stanie się jeszcze bardziej przydatne, jeśli przeprowadzisz je i omówisz ze swoim partnerem.

1.Umieść model na środku oświetlonej przestrzeni.

2.Wybierz punkt obserwacyjny - miejsce, z którego będziesz patrzeć na model.

3.Wybierz trzy źródła światła i umieść je pod różnymi kątami w stosunku do modelki.

4.Przyjrzyj się jak każdy z nich oświetla model z osobna. Opisz swoje wrażenia: co Ci przypomina, jaką atmosferę tworzą, jakie emocje wywołują.

5. Zrób to samo dla parowych kombinacji źródeł światła.

6. Włącz wszystkie trzy źródła na raz i zapisz swoje wrażenia.

7. Jeśli możesz dostosować jasność swoich świateł, utwórz światło kluczowe i światło wypełniające. Możesz też przejść do ćwiczenia 6 (które rozwija ten temat).

Ćwiczenie 5. Praca na piątkę

Utwórz schemat oświetlenia dla modelu umieszczonego na środku wybranej przestrzeni, wykorzystując pięć źródeł światła. Każdy z nich powinien świecić pod jednym z podstawowych kątów:

światło poziome,

tylne światło,

Światło boczne,

światło górne,

Światło rampy.

Oczywiście musisz bardzo jasno określić swój własny punkt obserwacji. Kiedy tworzysz diagram:

1. Zobacz, jak wszystkie pięć świateł działa samodzielnie. Opisz swoje wrażenia: co Ci przypomina, jaką atmosferę tworzą, jakie emocje wywołują.

2.Połącz źródła światła w pary i zapisz swoje wrażenia.

3. Zrób to samo dla różnych kombinacji trzech źródeł światła.

4. Jeśli możesz dostosować jasność świateł, utwórz kilka odmian świateł kluczowych i wypełniających.

5. Odpowiedz sobie na następujące pytania:

Czy podoba Ci się, jak model jest oświetlony pod takim czy innym kątem? Wybierz swoje ulubione pojedyncze źródło światła: dlaczego Ci się podoba?

Które ze stworzonych przez Ciebie kombinacji źródeł światła podobają Ci się, a które nie? Dlaczego? Czy możesz użyć swojego projektu, aby model wyglądał w określony sposób (jak bohater, jak słaba osoba, jak więzień itp.)?

Czy możesz stworzyć określoną atmosferę swoim projektem? Wypróbuj następujące rozwiązania: tajemnica, horror, niepokój, zabawa, dramat, serce, beznadzieja, podekscytowanie, nuda, depresja.

Ćwiczenie 6. Realistyczne światło

1. Umieść model na środku pokoju

2.Wybierz trzy źródła światła i ustaw je tak, aby Twój model był oświetlony jak w jasny, słoneczny dzień (nie używaj filtrów barwnych). Sprawdź wynik, prosząc kogoś o komentarz na temat powstałego obrazu. Zapytaj: „Jakie naturalne światło Ci to przypomina?” Jeśli odpowie „południe” lub „słoneczny dzień”, poproś go, aby powiedział, skąd pochodzi światło słoneczne (tj. które źródło światła symuluje światło słoneczne).

3.Powtórz doświadczenie, odtwarzając obraz światła księżyca.

W tym ćwiczeniu stworzysz mocne, jasne światło kluczowe. Główną trudnością jest znalezienie równowagi pomiędzy kluczowym światłem a innymi źródłami. Osiągnięcie tego jest dwa razy trudniejsze bez użycia kolorowego światła, ale jest o wiele bardziej przydatne.

Ćwiczenie 7. Improwizacja

Stworzenie skutecznego i „naturalnego” światła kluczowego jest łatwiejsze, jeśli możesz użyć koloru, aby wpłynąć na widza. Ale głównym celem tego ćwiczenia jest koordynacja poziomów światła skierowanego pod różnymi kątami.

Ponownie umieść swój model na środku pokoju i utwórz schemat oświetlenia, korzystając z następujących pomysłów:

Światło słoneczne w lesie

Mroźny zimowy dzień

Uroczyste wnętrze w południe,

Róg ulicy miejskiej nocą,

Kabina w łodzi podwodnej,

Krajobraz nieznanej planety,

Oddział szpitalny,

tropikalna wyspa,

Biegun północny.

Tę listę można ciągnąć w nieskończoność. Możesz dodać do niego własne pomysły lub poprosić kogoś innego, aby o nich pomyślał. Pracując w grupie, będziesz mógł znaleźć więcej opcji odpowiadających Twoim potrzebom. Omówienie pomysłów z partnerami będzie Ci bardzo przydatne w przyszłości, gdy będziesz musiał realizować na scenie plany reżysera lub scenografa.

Ćwiczenie 8. Dramatyczna atmosfera

Tworzenie prawdziwie dramatycznej atmosfery jest ważną funkcją oświetlenia scenicznego. Możesz użyć koloru w tym ćwiczeniu, ale tylko wtedy, gdy absolutnie nie możesz się bez niego obejść. Ponownie musisz ustawić model na środku pokoju i oświetlić go, aby stworzyć atmosferę:

Oswobodzenie,

Zazdrość

Okrucieństwo,

Pokój.

Znowu lista jest długa. Można tu na przykład uwzględnić wszystkie siedem grzechów głównych. Możesz się dobrze bawić z kolegami, omawiając opcje. Liczba pomysłów, które możesz wdrożyć, będzie zależała od dostępnych zasobów (czasu i sprzętu). Ale nie zaszkodzi przynajmniej je spisać.

Ćwiczenie 9. Oświetlenie obszaru sceny

Wiele z poprzednich ćwiczeń skupiało się na oświetleniu modelu. W tym ćwiczeniu pójdziemy o krok dalej i oświetlimy nie tylko model, ale także obszar sceny wokół niego.

1.Wybierz obszar sceny, w którym umieścisz swój model. Nie powinien być zbyt duży (wystarczą 2 metry kwadratowe).

2. Teraz wybierz z poprzednich ćwiczeń jakiś minimalny schemat oświetlenia (np. „słoneczny dzień”, „biegun północny”, „gniew” itp.) i oświetl obszar sceny w taki sposób, aby Twój model może się poruszać nawet wtedy, gdy ma przebywać w danej atmosferze.

3.Zwróć szczególną uwagę na oświetlenie modelu na granicach swojej witryny. Oczywiście w niektórych przypadkach konieczne będzie przekierowanie opraw lub dodanie dodatkowych źródeł światła.

To ćwiczenie jest pierwszym krokiem do oświetlenia całej sceny. Dzięki temu zyskasz pewność, że oświetlasz całą przestrzeń, której potrzebujesz. Powinieneś także być w stanie wyczuć różnicę pomiędzy oświetleniem modelu statycznego i poruszającego się. Zachowaj szczególną ostrożność, aby upewnić się, że w Twojej okolicy nie ma niepożądanych cieni ani świateł.

Część 3. Tęcza na scenie

Trzecia lekcja dla początkujących artystów zajmujących się oświetleniem poświęcona jest kolorowemu oświetleniu scenicznemu. Neil Fraser, kurator Wydziału Technicznego Królewskiej Akademii Sztuk Dramatycznych, opowiada o emocjonalnym wpływie koloru i proponuje 9 ćwiczeń rozwijających umiejętności pracy z kolorowym światłem.

Światło teatralne jest pełnym uczestnikiem każdego przedstawienia, niezależnie od tego, czy jest to realistyczna produkcja, czy fantastyczna historia. Często to światło wyznacza kontekst akcji lub zanurza widza w pożądanej atmosferze psychologicznej. Co więcej, siła oddziaływania światła w dużej mierze zależy od sposobu jego pomalowania.

Ważne jest, aby zrozumieć, że każde światło jest kolorowe – nie ma światła, które nie miałoby zabarwienia. To prawda, że ​​​​czasami ten odcień nie jest uderzający (na przykład rzadko postrzegamy zwykłe światło słoneczne jako kolorowe). Jeśli jednak będziemy ostrożni, zauważymy, że lekko żółtawe światło południa wyraźnie dodaje nam optymizmu, a niebiesko-szare oświetlenie zmierzchu wprawia w stan niespokojnych złych przeczuć.

Jeśli chodzi o światło teatralne, możemy wyróżnić jego ciepłe i zimne odcienie.

CIEPŁE ŚWIATŁO jest uważane za bardziej odpowiednie do komedii i historii romantycznych. Zazwyczaj stosuje się różne odcienie słomki, jasnego różu, bursztynu i złota.

COLD LIGHT nadaje się do „smutnych historii”: tragedii, koszmarów i kryminałów. Typowe, chłodne kolory to stalowy błękit, jasnozielony i zwykły niebieski.

Oświetlenie teatralne może również różnić się intensywnością kolorów. Znacznie częściej wybierane są jasne i delikatne kolory. Za ich pomocą możesz podkreślić pożądany obszar sceny, podkreślić koloryt skóry, korzystnie podkreślić kostium lub wskazać porę dnia lub miejsce akcji.

Bogatsze, ciemniejsze kolory mogą być bardzo dramatyczne i zazwyczaj niosą ze sobą bardziej konkretny przekaz. Zatem zielony można interpretować jako kolor zazdrości lub choroby, niebieski tworzy atmosferę spokoju i spokoju, a czerwony oznacza pasję, krew, wojnę, wściekłość lub miłość.

Widząc określony kolor, kierujemy się wrażeniem, jakie wywierają na nas promienie odbite od konkretnego obiektu. Nasze oczy rozpoznają różne długości fal i interpretują je jako wrażenia kolorystyczne.

Nazwy, jakie nadajemy różnym kolorom, są subiektywne, ponieważ kolory widma płynnie przechodzą od jednego do drugiego, bez wyraźnych granic między nimi. Tak naprawdę siedem kolorów, których używamy do opisania tęczy, to zbyt przybliżony sposób na opisanie wszystkich niezliczonych odcieni, jakie zawiera widmo.

Jednakże w teorii percepcji barw wyróżnia się kilka barw podstawowych – ich wybór zależy od zastosowanego modelu mieszania barw.

Jeśli na trzy reflektory umieścimy filtry CZERWONY, ZIELONY i NIEBIESKI, wówczas przecięcie wszystkich trzech promieni da nam światło białe. W tym przypadku trzy kolory podstawowe uzupełniają się, dlatego proces ten nazywa się addytywnym mieszaniem kolorów (od angielskiego słowa „dodaj” - dodaj). Dzięki addytywnemu mieszaniu kolorów uzyskuje się więcej światła i jaśniejszy kolor na przecięciu promieni.

Jeśli umieścisz trzy filtry (ŻÓŁTY, FIOLETOWY i NIEBIESKI) na jednym reflektorze, każdy filtr będzie zatrzymywał światło o określonej długości fali, proces ten nazywa się subtraktywnym mieszaniem kolorów (od angielskiego słowa „odejmowanie” - odejmowanie). Wiadomo, że w tym przypadku uzyskamy mniej światła i ciemniejszy kolor.

Zatem najważniejszą rzeczą do zapamiętania podczas pracy z kolorowym oświetleniem teatralnym jest:

• Każde światło jest kolorowe
• Kolor jest potężnym narzędziem przekazywania stanów emocjonalnych
• Kolor pomaga określić miejsce i czas akcji
• Bogate kolory mają potężną siłę oddziaływania
• Jaśniejsze kolory również tworzą nastrój, ale nie tak wyraźnie
• Kolor można różnie interpretować w różnych kontekstach (na przykład czerwony może reprezentować złość lub pasję)

Ćwiczenie 10. Składanie kolekcji

1. Zaopatrz się w stare czasopisma z mnóstwem kolorowych fotografii i ilustracji.

2. Na dużej kartce papieru narysuj tęczę (w postaci łuku lub po prostu płaskiego widma): czerwony - pomarańczowy - żółty - zielony - niebieski - indygo - fioletowy.

3. Wytnij małe obrazki z czasopism, pokolorowane w tęczowych kolorach i wklej je na kartkę.

4. Kiedy już skończysz, przejrzyj próbnik próbek filtrów kolorów i zapisz obok obrazków numery kolorów występujących na diagramie.

Wykonaj to samo ćwiczenie ze swoim ulubionym kolorem. Zobacz, ile odcieni koloru mieści się pomiędzy najjaśniejszymi i najciemniejszymi opcjami (na przykład pomiędzy jasnoniebieskim a ciemnoniebieskim).

To ćwiczenie ćwiczy percepcję kolorów. Ludzkie oko jest w stanie rozróżnić kilka milionów odcieni kolorów, a projektanci oświetlenia muszą stale doskonalić się w tej sztuce.

Ćwiczenie 11. Malowanie światłem

1. Za pomocą trzech reflektorów z filtrami czerwonym, zielonym i niebieskim skieruj trzy promienie pomalowane w kolorach podstawowych na białą powierzchnię - ekran lub białe płótno (najlepiej to wszystko robić w zaciemnionym pomieszczeniu).

2. Zwróć uwagę, jaki kolor uzyskasz, gdy wszystkie urządzenia zostaną włączone na pełną moc.

3. Zmieniając jasność reflektorów, znajdź najlepszą dostępną wersję „białego” światła. Zapisz ustawienia urządzenia.

4. <Используя материал, подготовленный в Упражнении 10, выберите какой-нибудь из цветов и воспроизведите его с помощью трёх прожекторов. Снова зафиксируйте настройки.

5. Powtórz eksperyment z innymi kolorami.

Wykonaj to ćwiczenie, używając filtrów żółtego, cyjanu i magenty.

Ćwiczenie 12. Kolor kameleona

1. Znajdź kilka przedmiotów lub tkanin zabarwionych na bogate kolory. Mogą być jednokolorowe lub wielokolorowe.

2. Korzystając ze schematu z ćwiczenia 11 i podstawowych filtrów barwnych, skieruj kolorowe promienie pojedynczo na swoją „martwą naturę”. To ćwiczenie jest przydatne do porównywania ze sobą różnych kolorów (ponownie, eksperyment najlepiej przeprowadzić w zaciemnionym pomieszczeniu).

3. Zapisz, jak każdy z kolorów podstawowych wpływa na wygląd wybranych przez Ciebie przedmiotów. Pamiętaj, aby zanotować, jaki był oryginalny kolor każdego z obiektów w normalnym oświetleniu, ale w przestrzeni, w której je następnie oświetlałeś.

Powtórz eksperyment, zastępując kolory podstawowe innymi, bogatymi lub bardziej subtelnymi odcieniami.Te obiekty, które w określonym świetle wyglądają dokładnie tak samo, mogą znacznie się zmienić, gdy zostaną oświetlone promieniami o innym kolorze. Dzieje się tak dlatego, że materiał, z którego są wykonane, inaczej odbija światło o różnych długościach fal.

Ćwiczenie 13. Wszystkie odcienie czerni

1. Znajdź kilka przedmiotów lub kawałków materiału, które wydają ci się czarne (nie martw się, że mogą wyglądać nieco inaczej w kolorowym lub nawet normalnym świetle).

2. Ponownie użyj wzoru filtra i kolorów podstawowych z ćwiczenia 11 i skieruj kolorowe promienie pojedynczo na czarne obiekty.

3. Zapisz, jak każdy z kolorów podstawowych wpływa na wygląd wybranych obiektów.

Spróbuj zrobić dobrą mieszankę odcieni „czarnego” - tak, aby niektóre z nich nie odbijały żadnego koloru, a inne w normalnym oświetleniu wydawały się czarne, ale odbijały jakiś kolor pod wpływem promieni określonego światła. Najprawdopodobniej taki odbity kolor i tak będzie dość ciemny.

Powtórz to ćwiczenie z „białymi” przedmiotami wykonanymi z różnych materiałów (może to być papier, tkanina, proszek do prania, pióra itp.)

Ćwiczenie 14. Emocje i kolor

1. Zrób listę znanych Ci stanów emocjonalnych. Postaraj się, aby było jak najbardziej kompletne, najpierw dodaj:

ZŁOŚĆ / RADOŚĆ / NIENAWIDZĘ / ZAWIŚĆ / MIŁOŚĆ / ZAzdrOŚĆ / WSPÓŁCZUCIE / NADZIEJA / Zmieszanie / Spokój / PODNIECENIE / Zdziwienie / Chciwość / Szaleństwo / Podejrzliwość...

2. Teraz obok każdego słowa zapisz kolor, który kojarzy Ci się z tą emocją lub uczuciem.

Możesz wykonać to ćwiczenie w oparciu o dowolną inną listę, np. listę osób lub zwierząt. Możesz także przetestować swoich znajomych – w tym przypadku najlepiej jest przeczytać listę, żądając natychmiastowej odpowiedzi – tej, która jako pierwsza przyjdzie Ci do głowy. Nie warto zastanawiać się zbyt długo, lepiej nie mieć odpowiedzi w ogóle, niż ją na siłę.

W tym ćwiczeniu chodzi o rozwój wyobraźni, a nie o uzyskanie „właściwego” światła. Jak w wielu sprawach, i tutaj nie ma złych decyzji. Jedynym złym działaniem jest nieznalezienie jednego rozwiązania.

Ćwiczenie 15. Wybór losowy

1. Weź listę emocji sporządzoną w poprzednim ćwiczeniu i zapisz każde słowo na osobnej kartce.

2. Umieść wszystkie karty w torbie lub kapeluszu.

3. Wyjmij stamtąd dowolną kartę.

4. Teraz na białym ekranie (lub na wiszącej pionowo kartce) stwórz oświetlenie, które ilustruje jedną z wybranych przez Ciebie emocji. Naturalnie możesz zmienić nie tylko kolor, ale także kształt, intensywność i wielkość rzucanej wiązki. Chociaż kolor dominujący nadal powinien być.

5. Kiedy już stworzysz tę scenę, pokaż ją komuś i poproś, aby odgadła, jaką emocję zilustrowałeś. Jeśli ta osoba nie może odpowiedzieć od razu, poproś ją, aby wybrała jedną emocję z listy.

Można wykonać to ćwiczenie, używając mniejszej ilości sprzętu (stopniowo go zmniejszając, aż pozostanie tylko jeden reflektor).

Możesz powtarzać to ćwiczenie wiele razy. Niektóre emocje łatwiej wyrazić niż inne. Pamiętaj, że nie szukamy „właściwych” odpowiedzi, ale raczej rozwijamy naszą wyobraźnię.

Ćwiczenie 16. Prawdziwy kolor

1. Uzbrój się w próbnik filtrów kolorowych jakiegoś producenta.

2. Poszukaj wśród nich kolorów, które można spotkać w prawdziwym życiu (najprawdopodobniej będą to odcienie jasnej słomki, bursztynu, różu, błękitu i ewentualnie zieleni).

3. W pewnym okresie czasu (dzień lub tydzień) wybierz kilka momentów, w których możesz się zatrzymać i uważnie przyjrzeć się kolorom obecnym w świetle naturalnym lub sztucznym. Należą do nich światło poranne, światło w deszczowy dzień, światło wieczorne, latarnie uliczne o zmierzchu, światło fluorescencyjne w kuchni, światło nocne w sypialni, światło z działającego telewizora itp.

4. Zawsze staraj się dopasować kolor źródła światła do jednej z próbek w swoim wzorniku. Robiąc notatki, pamiętaj o uwzględnieniu źródła światła, pory dnia, warunków pogodowych i numeru filtra.

Zapisz swoje ustalenia w dzienniku projektanta oświetlenia. Jeśli jeszcze go nie zacząłeś, teraz jest czas, aby to zrobić. Takie notatki są bezcenne, gdy szukasz inspiracji lub po prostu szukasz koloru, który Ci się podoba.

Ćwiczenie 17. Od świtu do zmierzchu

ŚWIT

POŁUDNIE

ZMIERZCH

Wykonaj to ćwiczenie oświetlając niewielki obszar sceny (nie większy niż 1 metr kwadratowy) poprzez umieszczenie na nim pojedynczego przedmiotu (na przykład krzesła).

Uwagi:

1. Oczywiście poczujesz ogromną różnicę, wykonując to ćwiczenie w samolocie i w przestrzeni kosmicznej. W drugim przypadku należy znaleźć odpowiednie kąty kierunku światła. Jeśli pracujemy z płaskim ekranem, kolor odgrywa główną rolę.

2. Kolory, które wybierzesz, mogą obejmować odcienie od całkowicie naturalnych po wręcz romantyczne. I to zależy od Twojej decyzji, co dokładnie przedstawisz: mroźną zimę czy ciepły letni dzień.

3. Jak to często bywa, nie ma tu „właściwych” rozwiązań, są tylko mniej lub bardziej skuteczne.

Ćwiczenie 18. Cztery pory roku

1. Przygotuj mały biały pionowy ekran lub biały arkusz.

2. Skieruj światło na ekran, aby przedstawić jedną lub więcej pór roku (LATO, JESIEŃ, ZIMA lub WIOSNA).

Ponownie spróbuj tego ćwiczenia na małej powierzchni sceny z tylko jednym przedmiotem (na przykład krzesłem).

Ćwiczenie to zmusza do przypomnienia sobie wyobrażeń na temat pór roku i odtworzenia na scenie istoty tych wrażeń. Oczywiste jest, że lato i zima wyglądają inaczej w różnych miejscach i o różnych porach. Warto jednak spróbować uchwycić esencję każdego sezonu i przekazać swoje pomysły w określony sposób, bez zagłębiania się w szczegóły.

Część 4. Tworzenie nastroju na scenie

Czwarta lekcja z serii artykułów dla początkujących projektantów oświetlenia poświęcona jest tworzeniu nastroju na scenie. Kurator Królewskiej Akademii Sztuk Teatralnych, Neil Fraser, opowiada o tym, jak wykorzystać światło, aby oddać charakter sceny i podkreślić emocje aktorów.

Jaki jest nastrój sceny?

Obraz, który malujesz na scenie, może być konkretny, abstrakcyjny lub gdzieś pomiędzy. Możesz na przykład stworzyć oświetlenie symulujące zimną, jesienną noc oświetloną księżycem (bardzo dosłowne użycie oświetlenia) lub nawiązujące do tragicznego horroru (bardziej abstrakcyjna koncepcja). Albo wszystko razem: ZIMNA JESIENNA NOC Z HORROREM!

Tym samym za pomocą światła można nie tylko określić przestrzeń czy czas, ale także stworzyć żywioły (ogień, woda, powietrze) czy nastroje. Każdy z nas wie, jak wizualizować emocje, takie jak złość, radość, smutek. Warto zrozumieć, że nie ma tutaj dobrych odpowiedzi, a jedynie te najkorzystniejsze (z Twojego punktu widzenia, ale także z punktu widzenia reżysera, scenografa, autora spektaklu itp.).

Jednocześnie konieczne jest uwzględnienie oczekiwań odbiorców - w końcu oni też mają pewne wyobrażenia na temat tego, jak to czy tamto oświetlenie wygląda w realnym świecie. Spektakl pomaga im zinterpretować to, co dzieje się na scenie, nawet jeśli nie są tego świadomi. Dlatego tak ważne jest szczegółowe przepracowanie własnych pomysłów, osiągając ich maksymalną efektywność.

Jak stworzyć nastrój?

Konwencjonalne metody konstruowania obrazów świetlnych mają na celu stworzenie nastroju. Wszystko zależy od Twoich konkretnych decyzji: jakie urządzenia i gdzie dokładnie je umieścić, jakiego koloru, intensywności i kształtu wiązki użyć. Podobnie jak nuty w utworze muzycznym, oprawy oświetleniowe oferują wiele możliwości w zależności od ich wzajemnego położenia i ustawień. Każda kombinacja wnosi swój niepowtarzalny wkład w atmosferę przedstawienia.

Proces tworzenia takich świetlnych obrazów przypomina spacer po nieznanym mieście. Z jednej strony masz podstawową wiedzę, która pozwala zadać sobie właściwe pytania. Znasz podstawowe kąty, pod którymi skierujesz oprawy, masz określoną paletę kolorów i możesz zmieniać intensywność poszczególnych źródeł światła.

Z drugiej strony tylko praktyka pomoże Ci określić, co lubisz najbardziej i co ostatecznie chcesz uzyskać. Aby taka ocena była jak najbardziej obiektywna, należy stale ćwiczyć:

Obserwacja. Spójrz na świat szeroko otwartymi oczami, potraktuj otaczający Cię świat jako swego rodzaju szkołę pracy ze światłem. Naucz się widzieć, jak światło kształtuje kształt obiektów, jak odbija się od różnych powierzchni. Naucz się kojarzyć to czy tamto oświetlenie w prawdziwym świecie ze swoim samopoczuciem lub nastrojem.

Edukacja. Poczuj się jak artysta budujący kompozycję swojego obrazu. Ucz się od wielkich mistrzów - Embbrandta, Caravaggia, Vermeera, Hockneya. Musisz rozwinąć swój własny gust - zrozumienie, co dokładnie składa się na dobry obraz świetlny.

Eksperyment. Korzystaj z każdej okazji, aby przetestować swoje pomysły, wyciągnąć z nich korzyści i wyciągnąć praktyczne wnioski. Im więcej opcji oświetlenia przeanalizujesz dla każdej sceny, tym łatwiej będzie wybrać najlepsze.

Poniżej Ćwiczenia pomoże Ci rozwinąć niezbędne umiejętności pracy ze światłem i nauczyć się tworzyć na scenie zachwycające sceny świetlne, pełne dramatyzmu i emocji. Bardzo przydatne jest prowadzenie pamiętnika, w którym zapisujesz pomysły, linki, wklejasz rysunki, zdjęcia, pocztówki i inne rezultaty swoich ćwiczeń. Taki magazyn może stać się Twoim asystentem i źródłem pomysłów.

Ćwiczenie 19. Naśladowanie rzeczywistości

1.Wybierz jedną lub więcej scen z listy (wszystkie rozgrywają się na ulicy):

Popołudnie na pustyni

Nocny las

Opad liści

Sanki

Morska plaża

Miejskie światła

2.Wybierz mały obszar sceny (około jednego metra kwadratowego) i umieść tam dowolny przedmiot: krzesło, roślinę doniczkową lub cokolwiek, co masz pod ręką.

3. Oświetl obszar, próbując stworzyć scenę wybraną w kroku 1. Zwróć szczególną uwagę na dobór koloru i jego działanie w przypadku użycia innego kształtu wiązki, jej intensywności. Nie martw się o to, kogo lub co dokładnie opisujesz. Skoncentruj się na uzyskaniu odpowiedniego nastroju.

Ważnym punktem tego ćwiczenia jest stworzenie mocnego i wyrazistego światła kluczowego – może ono imitować słońce, latarnię uliczną lub coś innego. Im lepiej to zrobisz, tym bardziej realistyczny będzie wynik. Będziesz także musiał zdecydować, gdzie będziesz oglądać rezultaty swoich wysiłków (gdzie zasiądzie publiczność). Ten punkt widzenia odgrywa również ważną rolę w poniższych ćwiczeniach.

Ćwiczenie 20. Światło wewnątrz budynku

1.Wybierz jedną ze scen wewnętrznych prezentowanych na liście:

Rano w klasie

Podziemna krypta

Wieczorne nabożeństwo w świątyni

Cela więzienna

2. Wykonaj te same kroki, co w ćwiczeniu 19.

W przeciwieństwie do „oświetlenia ulicznego”, oświetlenie wewnętrzne składa się ze światła wielu naturalnych i sztucznych źródeł światła. Jego skuteczność będzie zależeć od tego, jak dobrze je połączysz. I oczywiście pod warunkiem zrozumienia, jak to działa w prawdziwym świecie.

Ćwiczenie 21. Skoncentruj się na nastroju

2. Ustaw kilka urządzeń tak, aby Twój „aktor” był w jednym z poniższych nastrojów:

Depresja

Niebezpieczeństwo

Ukojenie

Groza

Prawość

Podobnie jak w poprzednich ćwiczeniach, miło będzie, jeśli poprosisz znajomych i współpracowników, aby odgadli, jaki nastrój miałeś na myśli. Twój „aktor” nie powinien Ci pomagać, jego zadaniem jest po prostu stać lub siedzieć nieruchomo. Ustawienie również nie jest krytyczne – nie ma znaczenia, gdzie dokładnie tworzysz tę scenę i jakich źródeł światła używasz. Priorytetem powinno pozostać użycie kluczowego światła i dobra równowaga z innymi źródłami światła. Następnie możesz stworzyć skuteczne, dramatyczne i ekscytujące oświetlenie.

Ćwiczenie 22. Wszystko jest względne

1. Poproś znajomego lub kolegę, aby stanął pośrodku wiązki światła

2. Użyj światła skierowanego od dołu, aby oświetlić swojego „aktora”, tak jak to się dzieje w horrorach

3.Dodaj jeszcze kilka urządzeń, aby poprawić ten nastrój.

4. Teraz ponownie usuń wszystkie urządzenia, z wyjątkiem słabego oświetlenia

5. Spraw, aby dolne światło było przyćmione i ciepłe

6. Jeśli możesz, znajdź sposób na dodanie migotania, tak jakby na scenie płonął ogień.

Ważne jest, aby podczas inscenizacji konkretnej sceny zrozumieć znaczenie kontekstu. To samo słabe światło, które przeraża, w innym kontekście, może stworzyć całkiem przyjemne, a nawet przyjazne oświetlenie.

To ćwiczenie warto wykonać zarówno dla siebie, jak i pokazać innym. Kiedy grupa osób obserwuje pierwszy (i bardzo przekonujący) efekt uzyskany przy zastosowaniu oświetlenia typu downlight, mało która osoba jest w stanie wyobrazić sobie, że to samo światło może stworzyć komfortowe i optymistyczne wrażenie bez zmiany ostrości, a jedynie dodania koloru. Czasem warto poprosić „aktora” o wykonanie jednego gestu – ogrzanie dłoni nad wyimaginowanym ogniem. To po raz kolejny udowadnia, jak ważny jest kontekst.

Ćwiczenie 23. Przeciwnie

1. Wybierz mały obszar sceny i umieść w nim kilka zwykłych przedmiotów - stół i krzesła, stos książek, filiżanki do kawy, wieszak itp.

2.Wybierz jedną lub więcej par nastrojów wymienionych poniżej

3. Stwórz dwie sceny, w których obiekty znajdują się w dwóch kontrastujących stanach:

Horror/Fantastyka

Wolność/Uwięzienie

Dobry zły

Wojna/pokój

Szybko, wolno

Ciepło Zimno

Duży mały

W „warsztacie” tego artysty nie ma farb, palety i sztalugi, jest za to mnóstwo guzików, reflektorów i filtrów świetlnych. Dlatego dla pełnoprawnego procesu twórczego ważne jest nie tylko posiadanie gustu artystycznego, ale także doskonała znajomość sprzętu oświetleniowego. Pierwsza znajomość Maksyma Shlykowa z zawodem iluminatora teatralnego i projektanta oświetlenia miała miejsce w 2000 roku i od tego czasu zdał sobie sprawę, że nie wyobraża sobie już życia bez pracy w teatrze.

Maxim, powiedz mi, jak trafiłeś do teatru? A jak zaczęła się Twoja droga do zawodu?

Wszystko zaczęło się w dzieciństwie, kiedy rodzice i dziadkowie regularnie zabierali mnie do cyrku i teatru. Dlatego już wtedy zachorowałem na teatr, zwłaszcza po obejrzeniu legendarnego przedstawienia Saratowskiego Teatru Młodzieży „Szkarłatny kwiat”. A kiedy byłam w pierwszej klasie, Teremocki Teatr Lalek przyjechał do naszej szkoły ze spektaklem „Skacząca księżniczka”, który do dziś znajduje się w repertuarze Teremoka. Po przedstawieniu powiedziałam nauczycielce, że gdy dorosnę, na pewno będę pracować w tym teatrze. Wtedy nie mogłem sobie wyobrazić, że wszystko tak się potoczy, ale w każdym razie zawsze było zainteresowanie teatrem i chęć pracy w nim jako artysta.

Podczas nauki w szkole średniej dołączyłem do szkolnej działalności Teatru Młodzieży, a później miałem szczęście współpracować ze wspaniałą scenografką Olgą Władimirowna Kolesnikową. To ona zaprowadziła mnie na warsztaty oświetleniowe, które zawsze mnie przyciągały i gdzie po raz pierwszy spróbowałam swoich sił jako projektant oświetlenia. To było około 2000 roku. Tam zacząłem uczyć się zawodu. Wielką pomocą był w tym projektant oświetlenia Teatru Młodzieżowego Wiktor Markowicz Storożenko, którego do dziś uważam za swojego nauczyciela i któremu jestem mu bardzo wdzięczny. Później dzięki niemu odwiedziłem Petersburg, aby wziąć udział w kursach dla projektantów oświetlenia – były to duże, ciekawe kursy organizowane przez specjalistów z USA i Rosji. Stały się dla mnie swego rodzaju „wtajemniczeniem” w zawód. Tutaj zaczęła się cała zabawa.

Skąd w naszych teatrach biorą się specjaliści tego zawodu? Gdzie szkolą się projektanci oświetlenia?

Niestety w naszym kraju nie ma instytutów kształcących specjalistów z dyplomem „Projektant oświetlenia”. W Petersburgu znajduje się akademia teatralna, która kształci artystów technicznych ze specjalizacją „projektant oświetlenia”. Do niedawna kierunek ten prowadził znakomity projektant oświetlenia Władimir Łukasiewicz, który niestety zmarł pod koniec ubiegłego roku. Moskiewski GITIS uczy także specjalizacji z projektowania oświetlenia - to całe wykształcenie wyższe w tej dziedzinie. Najczęściej projektanci oświetlenia to takie „samorodki”, ludzie, którzy przyszli do pracy w teatrze, zakochali się w teatrze, zaczęli próbować czegoś więcej, zaczęli odnosić sukcesy i ostatecznie ich praca okazała się naprawdę potrzebne i pożądane. Tak było ze mną.

Co dokładnie powinien osiągnąć prosty projektant oświetlenia, aby w przyszłości móc zrobić kolejny krok – zostać projektantem oświetlenia?

Podczas występu musisz umieć zorganizować światło. Projektant oświetlenia musi zobaczyć i zrozumieć, w jaki sposób można wykorzystać światło do wyrażenia zamierzeń reżysera. Jak zmieścić się w ramach wyznaczonych przez reżysera, a jednocześnie jak wnieść coś własnego do tego, co dzieje się na scenie, aby zagrać naprawdę dobrze. Przecież od światła wiele zależy, czasem to właśnie ono staje się główną atrakcją spektaklu, najważniejszym elementem wyrazistym – zwłaszcza jeśli mówimy o jakiejś nowoczesnej produkcji high-tech.

A jak trafiłeś do pracy w Teatrze Lalek w Saratowie?

W 2006 roku otrzymałam zaproszenie do pracy w Teatrze Lalek Teremok. Na początku miałam wątpliwości, nie podjęłam decyzji od razu, bo w innym teatrze specyfika inscenizacji była inna, światło było inne, ale potem nie odmówiłam spróbowania czegoś nowego i nigdy tego nie żałowałam . Oczywiście przez pierwsze lata musiałem się do tego przyzwyczaić i nauczyć się nowych metod, bo oświetlenie w teatrze lalek jest inaczej ustawione i ma nieco inne zadania. Ale jest główny punkt jednoczący - niezależnie od wszystkich niuansów, ta praca wymaga jedynie kreatywnego podejścia i szczerego zainteresowania tym, co robisz.

Maxim Shlykov: „Światło jest głównym magiem i asystentem w teatrze”

Czym różni się specyfika produkcji oświetleniowej w różnych teatrach?

Tak naprawdę różnice te są niewielkie. Na przykład w teatrze operowym i baletowym najczęściej konieczne jest zastosowanie tzw. reflektora, w balecie solistów oświetla się reflektorami. W Filharmonii jest to światło koncertowe, w teatrze lalek to głównie światło lokalne, skupiające się na lalkach. Ale teatr dramatyczny daje w tym zakresie większą swobodę. W każdym razie, jeśli projektant oświetlenia jest profesjonalistą, z łatwością potrafi dostosować się do każdych warunków, nie ma dla niego rzeczy niemożliwych, najważniejsze, że światło nie jest domowe, ale artystyczne. Współpracuję obecnie z kilkoma teatrami, wykonuję swoją pracę od 15 lat, a mimo to nie twierdzę, że jestem wielkim specjalistą. Na co dzień kontynuuję naukę, uwielbiam pracować z różnymi reżyserami w różnych teatrach, brać udział w różnych seminariach, wystawach, szkoleniach – to doświadczenie jest dla mnie bezcenne.

Jak wygląda Twoja praca w teatrze? Na jakim etapie tworzenia spektaklu projektant oświetlenia włącza się w ten proces?

Praca scenografa rozpoczyna się już na etapie omawiania z reżyserem i scenografem ogólnej koncepcji przyszłego spektaklu. Reżyser wyraża wszystkie swoje pomysły, opowiada o tym, jak w przybliżeniu widzi efekt końcowy, scenograf dzieli się swoimi przemyśleniami na temat projektu scenerii - i na tej podstawie projektant oświetlenia zaczyna rysować w głowie swój „świetlny” obraz, dobiera sprzęt, wymyśla oświetlenie, kieruje światło, dobiera kolorystykę i tak dalej. Następnie w trakcie prób wszystko to jest kilkakrotnie wyjaśniane, ustawiane, poprawiane, zapisywana jest partytura oświetleniowa, zapisywana w konsoli oświetleniowej i na papierze. Tak naprawdę jest to bardzo żmudna praca, ale z pewnością twórcza.

Opowiedz nam trochę o „twórczym momencie” w Twojej pracy. Czy projektant oświetlenia naprawdę czuje się artystą, skoro nadal jest w dużym stopniu zależny od sprzętu technicznego?

Zadaniem projektanta oświetlenia nie jest jedynie oświetlenie sceny. Tak jak aktor ma swoją specjalną linię semantyczną, którą prowadzi przez cały spektakl, tak projektant oświetlenia ma podobną możliwość wyrażenia siebie. I nie ma znaczenia, czy jest to równomierne, białe światło, głęboki zmierzch, czy tylko jedna świeca została na stole. Można malować na scenie różne „obrazy”, stworzyć atmosferę mroźnego zimowego wieczoru, gorącego letniego dnia, bajkowego magicznego lasu lub po prostu w jakiś szczególny sposób podkreślić charakter aktora, jego emocjonalność - a wszystko to za pomocą pomoc światła.

Kiedy oprowadzam dzieci po warsztatach oświetleniowych, zawsze im powtarzam, że głównym magikiem w teatrze jest światło.

Praca scenografa rozpoczyna się już na etapie omawiania z reżyserem i scenografem ogólnej koncepcji przyszłego spektaklu

Czy masz jakieś ulubione spektakle, nad którymi szczególnie wspominasz pracę?

Od razu pamiętam sztukę „Don Juan” - jedno z moich pierwszych dzieł w teatrze lalek, dopiero zaczynałem poznawać specyfikę tego teatru - mimo to przedstawienie okazało się bardzo udane pod względem świetlnym , wydaje mi się. Spektakl „Muzycy miejscy z Bremy” to także bardzo błyskotliwa produkcja. W Teatrze Młodzieżowym Kiselyov mogę wyróżnić przedstawienia „Pięć dwadzieścia pięć”, nad którymi pracowałem wspólnie z moim nauczycielem, „Cudowne przygody Nilsa z dzikimi gęsiami” oraz „Herkules i stajnie Augiasza”. Ostatni spektakl jest przykładem budowania bardzo skoordynowanej, opartej na zaufaniu pracy z reżyserem – co zdarza się rzadko.

Było inne dzieło, o które bardzo się martwiłem - była to sztuka Tyuza „Sofokles. Edyp, Tyran” w reżyserii słynnego francuskiego reżysera Matthiasa Langhoffa. Światło odegrało w tym przedstawieniu szczególną rolę. Początkowo dziedziniec pomiędzy domami oświetlały naturalne promienie słoneczne, przez cały czas trwania spektaklu oświetlona była także widownia – dało to efekt jednej przestrzeni, tzw. efektu pełnej obecności. W kulminacyjnym momencie, kiedy Edyp wyłupił sobie oczy, światła na scenie i w sali całkowicie zgasły, wszystko pogrążyło się w ciemności, a publiczność miała wrażenie, że wraz z głównym bohaterem stracili wzrok. Sztuka teatralna. Następnie zapalono specjalną latarnię, dzięki której przestrzeń wokół stała się szara. Wszystko to oczywiście pomogło stworzyć szczególne napięcie emocjonalne w przedstawieniu. Szkoda, że ​​obecnie nie można już zobaczyć tego przedstawienia na scenie Teatru Młodzieży.

Z jakimi wyzwaniami spotykasz się w swojej pracy? Czy zdarzają się sytuacje awaryjne?

Trudności zawsze jest wiele, bez nich praca byłaby nieciekawa. Jednak główną trudnością jest niewystarczające finansowanie. Czasami chcesz zrobić coś wyjątkowego, ale nie ma na to okazji. W końcu jeśli malarz nie ma farb, nie będzie mógł malować. A jeśli projektant oświetlenia nie posiada niezbędnego sprzętu, znacznie ogranicza to jego pracę. Oczywiście zawsze możesz „wyjść” i zająć się tym, czego potrzebujesz, w inny sposób, ale zawsze chcesz mieć pod ręką komplet „farb”.

A czasem zdarzają się sytuacje awaryjne, np. nagle zawodzi pilot. W rzeczywistości są to wszystko małe rzeczy. Profesjonalny projektant oświetlenia zawsze będzie w stanie szybko rozwiązać ten problem i nie będzie z tego powodu żadnych zakłóceń w działaniu.

Zadaniem projektanta oświetlenia nie jest jedynie oświetlenie sceny. Tak jak aktor ma swoją specjalną linię semantyczną, którą prowadzi przez cały spektakl, tak projektant oświetlenia ma podobną możliwość wyrażenia siebie

Co szczególnie cieszy Cię w Twojej pracy?

Jestem zadowolony z samego procesu pracy. Bardzo lubię „organizować” występ, siedząc przy konsoli oświetleniowej i kontrolując przejścia świetlne w oparciu o wskazówkę, muzykę lub inny sygnał aktora zarejestrowany w partyturze oświetlenia spektaklu. To niezwykle interesujące, aby to zrobić, trzeba zanurzyć się w przedstawieniu wraz z aktorami, zrozumieć, co dzieje się na scenie, wczuć się w tempo narzucone przez aktorów, a wtedy wszystko stanie się jedną całością w przedstawieniu.

Jak się czujesz z faktem, że praca projektanta oświetlenia czasami nie jest zauważana przez publiczność i krytykę? Czy czujesz się z tego powodu urażony?

Tak, czasami szkoda, że ​​nasza praca często pozostaje niezauważona. Chyba tak właśnie powinno być, bo na pierwszym miejscu zawsze są aktorzy i sam spektakl. A światło jest tylko pomocnikiem.

Notabene w prestiżowym festiwalu teatralnym „Złota Maska” są nominacje „Projektant światła w teatrze dramatycznym” i „Projektant światła w operze”, ale niestety nie ma nominacji „Projektant światła w teatrze lalek”. Jest wiele mniej znanych festiwali, które po prostu nie przyznają takich nominacji. Szkoda moich kolegów, bo nasze teatry mają wspaniałych projektantów oświetlenia, a ja chciałbym, żeby ich praca została doceniona na poziomie festiwalowym i w ogóle.

Dla widza najważniejsze jest to, że przedstawienie jako całość mu się podoba. Oznacza to, że wszyscy jego twórcy dobrze wykonali swoją pracę. Przecież światło nie powinno być nachalne, nie powinno przeszkadzać, drażnić i rozpraszać. Na przykład bardzo lubię światło na scenie zbliżone do naturalnego, staram się unikać wszelkiego rodzaju pokazów świetlnych i migotania „disco”. Chociaż w dobie technologii nie zawsze jest to niestety możliwe.

Jak obecnie jest popyt na zawód artysty oświetleniowego?

Zawód jest dość poszukiwany, jednak specjalistów w tej dziedzinie jest bardzo niewielu. W Petersburgu i Moskwie nadal można znaleźć kompetentnych projektantów oświetlenia, ale wśród teatrów i różnych sal koncertowych nadal panuje duża konkurencja. Na prowincji oczywiście jest dużo gorzej, ale są specjaliści i mógłbym podawać wiele przykładów.

Myślę, że aby to zrobić, trzeba naprawdę kochać pracę w teatrze. Zrozum, dlaczego tu przyszedłeś. Zrozum, że nigdy nie zarobisz tutaj dużych pieniędzy. Ale jeśli zdasz sobie sprawę, że przyszedłeś do teatru, aby zaangażować się w kreatywność, stanie się to twoją sprawą, a przedstawienia, w tworzeniu których bierzesz udział, będą coraz lepsze i zachwycą publiczność przez wiele lat.

Jak powstają piękne obrazy w telewizji, kinie czy teatrze? Myślisz, że to zasługa wyłącznie wizażysty? Mylisz się. W tym artykule porozmawiamy o niezwykłej unii twórczej, która tworzy całe to nieopisane piękno. Porozmawiamy o współpracy takich specjalistów jak wizażystka i projektantka oświetlenia.

Zacznijmy od tego, że ani jeden aktor, prezenter czy bohater nie pojawi się nigdy na scenie czy przed kamerą bez profesjonalnego makijażu. To prawda, że ​​​​w kinie, teatrze i telewizji ten makijaż będzie znacząco inny. Różnica ta będzie wynikać z aspektów technicznych. Dlatego wizażysta i projektant oświetlenia (których kierunki często przebiegają równolegle) będą wykonywać różne zadania.

Twarz artysty teatralnego w makijażu powinna być wyraźnie widoczna nawet z ostatniego rzędu. Ale jednocześnie widzowie w pierwszym rzędzie nadal nie dostrzegą drobnych szczegółów. Dlatego makijaż może być jaśniejszy i nakładany ostrzejszymi pociągnięciami. Wizażystka po prostu musi mocniej podkreślić oczy, usta, nos i kości policzkowe. W trakcie spektaklu projektant oświetlenia (z reguły kształci się na wydziałach produkcji uczelni teatralnych) dba o to, aby każdy artysta i każda ważna w danym momencie scenografia były dobrze oświetlone. Światło powinno towarzyszyć wszystkim ruchom aktorów, być tak żywe, jak sam proces gry.

W telewizji sprawy wyglądają trochę inaczej. Jest tu więcej statyki, co oznacza, że ​​światło będzie inne i inna będzie jego rola. Prezenterzy telewizyjni czasami „pracują” jako twarze przez kilka godzin z rzędu podczas kręcenia filmu. A wszystko to w mocnym świetle reflektorów. Oczywiście nie każdy makijaż przechodzi ten test. Dlatego wizażystka jest stale na planie. A także projektant oświetlenia (taki specjalista jest kształcony w szkołach telewizyjnych), do którego zadań należy monitorowanie pracy licznych urządzeń oświetleniowych. A jest ich naprawdę mnóstwo. Wypełnienie, podkreślenie i światło punktowe nie poruszają się podczas filmowania ze swojego miejsca, ale postacie w kadrze - bardzo! Jednocześnie nie należy zakłócać harmonii i piękna obrazu, nawet drobne wady twarzy nie powinny być widoczne dla widza. Świeża cera i naturalność – o to „uważa” wizażystka i projektantka oświetlenia. Szkoła telewizyjna Olgi Spirkiny „Ostankino TV” kształci obecnie profesjonalnych wizażystów telewizyjnych. W ramach tego kursu studenci uczą się dyscypliny operatorskiej. To właśnie na tych zajęciach przyszli wizażyści dowiadują się, jak ważny jest stały kontakt z ekipą filmową. W szczególności z kamerzystą i projektantem oświetlenia. W końcu kluczem do pięknego obrazu telewizyjnego jest skuteczne twórcze połączenie specjalistów technicznych pracujących za kulisami.

Dane kontaktowe dotyczące kursu wizażysty
Więcej szczegółów o kursie: