Pismo

W połowie lat sześćdziesiątych Moliere tworzy swoje najlepsze komedie, w których krytykuje wady duchowieństwa, szlachty i burżuazji. Pierwszym z nich był „Tartuffe, czyli oszust” (wyd. 1664, 1667 i 1669)._Sztuka miała zostać wystawiona podczas wspaniałej uroczystości dworskiej „Rozrywka na Zaczarowanej Wyspie”, która odbyła się w maju 1664 w Wersalu. Jednak sztuka zaburzyła święta. Powstał prawdziwy spisek przeciwko Molierowi, kierowany przez królową matkę Annę z Austrii. Moliere został oskarżony o obrazę religii i Kościoła, domagając się za to kary. Spektakle zostały odwołane.

Moliere podjął próbę wystawienia sztuki w nowym wydaniu. W pierwszym wydaniu z 1664 r. Tartuffe był duchownym. Bogaty paryski mieszczanin Orgon, do którego domu wchodzi ten łobuz udając świętego, nie ma jeszcze córki - ksiądz Tartuffe nie mógł jej poślubić. Tartuffe zręcznie wychodzi z trudnej sytuacji, mimo oskarżeń syna Orgona, który przyłapał go w momencie zalotów do macochy Elmiry. Triumf Tartuffe jednoznacznie świadczył o niebezpieczeństwie hipokryzji.

W drugim wydaniu (1667; podobnie jak pierwsze, nie dotarła do nas) Molier rozszerzył sztukę, do istniejących trzech dołączył jeszcze dwa akty, w których przedstawił związki hipokryty Tartuffe z dworem, dworem i policją. . Tartuffe został nazwany Panyulf i stał się człowiekiem świata, zamierzającym poślubić córkę Orgona, Mariannę. Komedia zatytułowana „Oszusta” zakończyła się ujawnieniem Panyulfa i uwielbieniem króla. W ostatnim wydaniu, które do nas dotarło (1669), obłudnik ponownie został nazwany Tartuffe, a cała sztuka została nazwana "Tartuffe, czyli Zwodziciel".

Król wiedział o sztuce Moliera i aprobował jego pomysł. Walcząc o Tartuffe, Molier w pierwszej petycji do króla bronił komedii, bronił się przed oskarżeniami o bezbożność i mówił o społecznej roli pisarza satyrycznego. Król nie usunął zakazu ze spektaklu, ale nie posłuchał rady wściekłych świętych „aby spalić nie tylko księgę, ale i jej autora, demona, ateistę i libertyna, który napisał diaboliczną, pełną ohydna sztuka, w której drwi z kościoła i religii, ze świętych funkcji” („Największy król świata”, broszura dr Sorbony Pierre'a Roulleta, 1664).

Pozwolenie na wystawienie sztuki w drugiej edycji udzielił król ustnie, w pośpiechu, wychodząc do wojska. Zaraz po premierze komedia została ponownie zakazana przez przewodniczącego parlamentu (najwyższej instytucji sądowniczej) Lamoignona, a paryski arcybiskup Perefix opublikował przesłanie, w którym zabronił wszystkim parafianom i duchownym „prezentowania, czytania lub słuchania niebezpiecznego spektaklu ” pod groźbą ekskomuniki. Molier otruł drugą petycję do siedziby króla, w której zadeklarował, że całkowicie przestanie pisać, jeśli król nie stanie w jego obronie. Król obiecał, że to załatwi. W międzyczasie komedia czytana jest w prywatnych domach, dystrybuowana w rękopisie, wykonywana w zamkniętych przedstawieniach domowych (np. w pałacu księcia Conde w Chantilly). W 1666 r. zmarła królowa matka, co dało Ludwikowi XIV możliwość obiecania Molierowi wcześniejszego pozwolenia na występy. Nadszedł rok 1668, rok tzw. „pokoju kościelnego” między ortodoksyjnym katolicyzmem a jansenizmem, co przyczyniło się do pewnej tolerancji w sprawach religijnych. Wtedy dopuszczono produkcję Tartuffe. 9 lutego 1669 r. wystawienie sztuki odniosło ogromny sukces.

Jaki był powód tak gwałtownych ataków na „Tartuffe”? Moliera od dawna pociągał temat hipokryzji, który widział wszędzie w życiu publicznym. W komedii tej Moliere zwrócił się do najpowszechniejszego w owym czasie typu hipokryzji – religijnej – i napisał ją na podstawie swoich obserwacji działalności tajnego stowarzyszenia religijnego – „Towarzystwa Świętych Darów”, któremu patronowała Anna Austriaczka. i którego członkami byli zarówno Lamoignon i Perefix, książęta kościoła, szlachta i burżuazja. Król nie zezwolił na jawną działalność tej rozgałęzionej organizacji, która istniała ponad 30 lat, działalność towarzystwa otoczona była największą tajemnicą. Działając pod hasłem „Tłumić wszelkie zło, promować wszelkie dobro” członkowie stowarzyszenia postawili sobie za główne zadanie walkę z wolnomyślnością i bezbożnością. Mając dostęp do prywatnych domów, pełnili oni w istocie funkcje tajnej policji, prowadząc niejawną inwigilację podejrzanych, zbierając fakty rzekomo dowodzące ich winy i na tej podstawie przekazując władzom rzekomych przestępców. Członkowie towarzystwa głosili surowość i ascezę w obyczajach, mieli negatywny stosunek do wszelkiego rodzaju świeckiej rozrywki i teatru, pasjonowali się modą. Moliere obserwował, jak członkowie „Towarzystwa Świętych Darów” insynuując i umiejętnie wcierają się w cudze rodziny, jak ujarzmiają ludzi, całkowicie zawłaszczając ich sumienie i wolę. To przyspieszyło akcję sztuki, a postać Tartuffe ukształtowała się z typowych cech charakterystycznych dla członków „Towarzystwa Świętych Darów”.

Podobnie jak oni, Tartuffe jest związany z sądem, z policją, jest patronowany na dworze. Ukrywa swój prawdziwy wygląd, udając zubożałego szlachcica, szukającego jedzenia na ganku kościoła. Wnika do rodziny Orgonów, bo w tym domu, po ślubie właścicielki z młodą Elmirą, zamiast dawnej pobożności słychać wolną obyczajowość, zabawę, krytyczne przemówienia. Ponadto przyjaciel Orgona, Argas, wygnaniec polityczny, członek Frondy Parlamentarnej (1649), zostawił mu obciążające dokumenty przechowywane w skrzynce. Taka rodzina mogłaby wydawać się „Towarzystwu” podejrzana i dla takich rodzin ustanowiono inwigilację.

Tartuffe nie jest ucieleśnieniem hipokryzji jako uniwersalnego występku, jest typem uogólnionym społecznie. Nic dziwnego, że nie jest sam w komedii: jego służący Laurent, komornik Loyal i stara kobieta - matka Orgona, pani Pernel, są hipokryci. Wszyscy ukrywają swoje nieestetyczne czyny pobożnymi przemówieniami i czujnie obserwują zachowanie innych. Charakterystyczny wygląd Tartuffe tworzy jego wyimaginowana świętość i pokora: „Modlił się przy mnie codziennie w kościele, / W pobożnym odruchu, klękając. // Zwrócił na siebie uwagę wszystkich” (I, 6). Tartuffe nie jest pozbawiony zewnętrznej atrakcyjności, ma uprzejme, sugestywne maniery, za którymi kryje się roztropność, energia, ambitne pragnienie władzy, umiejętność zemsty. Dobrze zadomowił się w domu Orgona, gdzie właściciel nie tylko spełnia najdrobniejsze zachcianki, ale jest też gotów oddać za żonę swoją córkę Mariannę, bogatą dziedziczkę. Orgon powierza mu wszystkie tajemnice, w tym powierzenie mu przechowywania cennej skrzyni z obciążającymi dokumentami. Tartuffe odnosi sukces, ponieważ jest subtelnym psychologiem; grając na strachu przed łatwowiernym Orgonem, zmusza go do wyjawienia mu wszelkich tajemnic. Tartuffe zasłania swoje podstępne plany argumentami religijnymi. Doskonale zdaje sobie sprawę ze swojej siły i dlatego nie powstrzymuje swoich złośliwych skłonności. Nie kocha Marianne, jest dla niego tylko dochodową panną młodą, zafascynowała go piękna Elmira, którą próbuje uwieść Tartuffe. Jego kazuistyczne rozumowanie, że zdrada nie jest grzechem, jeśli nikt o tym nie wie, oburza Elmirę. Damis, syn Orgona, świadek tajnego spotkania, chce zdemaskować złoczyńcę, ale on, przyjmując pozę samobiczowania i skruchy za rzekomo niedoskonałe grzechy, ponownie czyni Orgona swoim obrońcą. Kiedy po drugiej randce Tartuffe wpada w pułapkę, a Orgon wyrzuca go z domu, zaczyna się mścić, w pełni pokazując swoją złośliwą, zepsutą i samolubną naturę.

Ale Molier nie tylko obnaża hipokryzję. W Tartuffe stawia ważne pytanie: dlaczego Orgon dał się tak oszukać? Ten już w średnim wieku człowiek, oczywiście nie głupi, o silnym temperamencie i silnej woli, uległ rozpowszechnionej modzie na pobożność. Orgon wierzył w pobożność i „świętość” Tartuffe i widzi w nim swojego duchowego mentora. Staje się jednak pionkiem w rękach Tartuffe'a, który bezwstydnie deklaruje, że Orgon wolałby uwierzyć jemu „niż własnym oczom” (IV, 5). Powodem tego jest bezwładność świadomości Orgona, wychowywana w uległości władzom. Ta bezwładność nie daje mu możliwości krytycznego zrozumienia zjawisk życia i oceny otaczających go ludzi. Jeśli mimo wszystko Orgon zyskuje zdrowy pogląd na świat po zdemaskowaniu Tartuffe'a, to jego matka, stara Pernel, głupio pobożna zwolenniczka bezwładnych poglądów patriarchalnych, nigdy nie zobaczyła prawdziwego oblicza Tartuffe.

Młodsze pokolenie, reprezentowane w komedii, które od razu zobaczyło prawdziwe oblicze Tartuffe, łączy służąca Dorina, która od dawna i z oddaniem służy w domu Orgona i jest tu kochana i szanowana. Jej mądrość, zdrowy rozsądek, wnikliwość pomagają znaleźć najbardziej odpowiednie środki do walki z przebiegłym łotrem.

Komedia „Tartuffe” miała duże znaczenie społeczne. Moliere przedstawił w nim nie prywatne relacje rodzinne, ale najbardziej szkodliwy występek społeczny - hipokryzję. W Przedmowie do Tartuffe, ważnym dokumencie teoretycznym, Molier wyjaśnia znaczenie swojej sztuki. Afirmuje publiczny cel komedii, deklaruje, że „zadaniem komedii jest karanie występków i nie powinno być tu wyjątków. Z punktu widzenia państwa występek hipokryzji jest jednym z najgroźniejszych w jego skutkach. Teatr ma możliwość przeciwdziałania występkom. To właśnie hipokryzja, według definicji Moliera, główna wada państwowa Francji jego czasów, stała się przedmiotem jego satyry. W wywołującej śmiech i strach komedii Molière przedstawił głęboki obraz tego, co działo się we Francji. Hipokryci tacy jak Tartuffe, despoci, oszuści i mściciele, bezkarnie dominują w kraju, popełniają prawdziwe okrucieństwa; skutkiem ich działań jest bezprawie i przemoc. Moliere namalował obraz, który powinien był zaalarmować rządzących krajem. I choć idealny król na końcu sztuki czyni sprawiedliwość (co tłumaczyła naiwna wiara Moliera w sprawiedliwego i rozsądnego monarchę), sytuacja społeczna zarysowana przez Moliera wydaje się groźna.
Artysta Molier, tworząc "Tartuffe", użył wielu środków: znalazły się tu elementy farsy (Orgon chowa się pod stołem), komedie intryg (historia pudełka z dokumentami), komedie obyczajowe (sceny w dom zamożnego mieszczanina), komedie postaci (zależność działań rozwojowych od charakteru bohatera). Jednocześnie twórczość Moliera jest typową klasyczną komedią. Wszystkie „zasady” są w nim ściśle przestrzegane: ma nie tylko bawić, ale i pouczać widza. W „Przedmowie” do „Tartuffe” mówi się: „Takich ludzi nie da się złapać, przedstawiając ich niedociągnięcia. Z obojętnością słuchają wyrzutów, ale nie mogą znieść kpin. Komedia w przyjemnym nauczaniu wypomina ludziom ich niedociągnięcia.

W latach walki o Tartuffe Moliere stworzył swoje najważniejsze komedie satyryczne i opozycyjne.

Jean-Baptiste Poquelin (Molière) (1622-1673) był pierwszym, który sprawił, że komedia stała się gatunkiem równym tragedii. Syntetyzował najlepsze osiągnięcia komedii od Arystofanesa do współczesnej komedii klasycznej, w tym doświadczenia Cyrano de Bergerac, którego naukowcy często wymieniają wśród bezpośrednich twórców pierwszych przykładów narodowej komedii francuskiej.

W twórczości Moliera komedia była dalej rozwijana jako gatunek. Powstały takie formy jak „wysoka” komedia

Główną zasadą estetyki pisarza jest „uczyć zabawiając”. Opowiadając się za prawdziwym odzwierciedleniem rzeczywistości w sztuce, Moliere nalegał na sensowne postrzeganie akcji teatralnej, której tematem najczęściej wybierał najbardziej typowe sytuacje, zjawiska, postacie.

Cechy komedii „wysokiej” najdobitniej manifestowały się w słynnej sztuce „Tartuffe”

Każda ze sztuk tworzących trylogię (Tartuffe, Don Giovanni, Misanthrope) - w istocie: typ zdeterminowany nie tyle magazynem psychologicznym, co magazynem światopoglądu.Święty ("Tartuffe"); ateista („Don Juan”) moralista („Mizantrop”) – ci trzej bohaterowie ucieleśniają trzy odwieczne sposoby samostanowienia człowieka w świecie.

16. Komedia Moliera „Tartuffe”.

Obraz Tartuffe zbudowany jest na sprzeczności między słowami a czynami, między wyglądem a istotą.. Słowem, „publicznie biczuje wszystkie grzeszne rzeczy” i chce tylko tego, „co podoba się niebu”. Ale w rzeczywistości robi wszelkiego rodzaju podłość i podłość. Ciągle kłamie, zachęca Orgona do złych uczynków. Tak więc Orgon wyrzuca syna z domu, ponieważ Damis sprzeciwia się małżeństwu Tartuffe z Marianą. Tartuffe oddaje się obżarstwo, dopuszcza się zdrady stanu, oszukańczo przejmując darowiznę na własność swojego dobroczyńcy. W ten sposób pokojówka Dorina charakteryzuje tego „świętego”.

Jeśli dokładnie przeanalizujemy działania Tartuffe, odkryjemy, że wszystkie siedem grzechów głównych jest obecnych. Wizerunek Tartuffe zbudowany jest wyłącznie na hipokryzji. Obłuda głoszona jest każdym słowem, czynem, gestem. W charakterze Tartuffe'a nie ma innych cech. Sam Moliere napisał, że na tym obrazie od początku do końca Tartuffe nie wypowiada ani jednego słowa, które nie przedstawiałoby widzom złego człowieka. Rysując tę ​​postać, dramatopisarz ucieka się również do satyrycznej hiperbolizacji: Tartuffe jest tak pobożny, że gdy podczas modlitwy miażdżył pchłę, przeprasza Boga za zabicie żywego stworzenia.

Aby podkreślić świętoszkowaty początek w Tartuffe, Molière buduje kolejno dwie sceny. W pierwszym „święty człowiek” zakłopotany Tartuffe prosi służącą Dorinę o zakrycie dekoltu, ale po pewnym czasie stara się uwieść żonę Orgona Elmirę. Siła Moliera tkwi w tym, co pokazał - chrześcijańska moralność, pobożność nie tylko nie przeszkadzają w grzeszeniu, ale wręcz pomagają zakryć te grzechy.

Namiętny monolog Tartuffe kończy się wyznaniem, które ostatecznie pozbawia aureolę świętości jego pobożnej natury. Moliere, poprzez usta Tartuffe, obala zarówno obyczaje wyższych sfer, jak i obyczaje duchownych, które niewiele się od siebie różnią.

Kazania Tartuffe są równie niebezpieczne jak jego namiętności. Zmieniają człowieka, jego świat do tego stopnia, że ​​jak Orgon przestaje być sobą.

Komediopisarz Cleante działa nie tylko jako obserwator wydarzeń rozgrywających się w domu Orgona, ale także próbuje zmienić sytuację. Otwarcie rzuca oskarżenia pod adresem Tartuffe i podobnych świętych. Jego słynny monolog to werdykt o hipokryzji i hipokryzji. Tak jak Tartuffe, Cleante przeciwstawia się ludziom o czystym sercu, wzniosłym ideałom.

Pokojówka Dorina również konfrontuje się z Tartuffe, broniąc interesów swoich panów. Dorina jest najbardziej dowcipną postacią w komedii. Dosłownie zasypuje Tartuffe kpinami. Jej ironia spada również na właściciela, ponieważ Orgon jest osobą niesamodzielną, zbyt ufną, dlatego Tartuffe tak łatwo go oszukuje.

Dorina uosabia zasadę zdrowego ludu. Fakt, że najbardziej aktywny bojownik przeciwko Tartuffe jest nosicielem powszechnego zdrowego rozsądku, jest głęboko symboliczny. To nie przypadek, że Cleanthe, uosabiający oświecony umysł, zostaje sojusznikiem Doriny. To był utopizm Moliera. Dramaturg wierzył, że złu w społeczeństwie można się oprzeć dzięki połączeniu powszechnego zdrowego rozsądku i oświeconego rozumu.

Dorina pomaga również Marianie w jej walce o szczęście. Otwarcie wyraża właścicielowi swoją opinię na temat jego planów poślubienia córki za Tartuffe, choć nie zostało to zaakceptowane przez służbę. Kłótnia Orgona i Doriny zwraca uwagę na problem wychowania rodziny i roli w niej ojca. Orgon uważa się za uprawnionego do kontrolowania dzieci, ich losów, więc podejmuje decyzję bez cienia wątpliwości. Nieograniczoną moc ojca potępiają prawie wszystkie postacie w sztuce, ale tylko Dorina, w swój zwykły żrący sposób, ostro gani Orgona, więc uwaga trafnie oddaje stosunek mistrza do wypowiedzi pokojówki: „Orgon jest zawsze gotowy uderzyć Dorinę w twarz i z każdym słowem, które mówi do córki, odwraca się, by spojrzeć na Dorinę…”

Jak się okazuje, Tartuffe podstępem wziął w posiadanie skrzynię z dokumentami i przedstawił je królowi, domagając się aresztowania Orgona. Dlatego zachowuje się tak bezceremonialnie, gdy do domu Orgona przybywa oficer i komornik. Według Tartuffe został wysłany przez króla do domu Orgona. Tak więc całe zło w państwie pochodzi od monarchy! Takie zakończenie nie mogło nie wywołać skandalu. Jednak już w poprawionej wersji tekst sztuki zawiera element cudu. W momencie, gdy Tartuffe, pewny swego sukcesu, żąda wprowadzenia w życie królewskiego rozkazu, nieoczekiwanie oficer prosi Tartuffe'a, by poszedł za nim do więzienia. Molier dyga przed królem. Oficer, wskazując na Tartuffe'a, zwraca uwagę Orgonowi, jak miłosierny i sprawiedliwy jest monarcha, jak mądrze rządzi swoimi poddanymi.

Zgodnie więc z wymogami estetyki klasycyzmu dobro ostatecznie zwycięża, a występek jest karany. Finał jest najsłabszym punktem spektaklu, ale nie obniżył ogólnego społecznego wydźwięku komedii, który do dziś nie stracił na aktualności.

Shlyakova Oksana Wasiliewna
Pozycja: nauczyciel języka i literatury rosyjskiej
Instytucja edukacyjna: MBOU OSOSH nr 1
Miejscowość: osada Orłowski, obwód rostowski
Nazwa materiału: metodyczny rozwój
Podmiot: Lekcja literatury w 9 klasie „J.B. Moliere „Tartuffe”. Umiejętność i innowacyjność Moliera. Aktualność i trafność komedii”.
Data publikacji: 20.02.2016
Rozdział: wykształcenie średnie

Podsumowanie lekcji literatury (klasa 9)

Temat lekcji
:
J.B. Molier "Tartuffe". Umiejętności i innowacyjność Moliera. Aktualność i

znaczenie komedii.

Cel lekcji
: stworzenie figuratywno-emocjonalnej sytuacji pedagogicznej na lekcji literatury dla osiągnięcia następujących celów: edukacyjnych - wprowadzenie treści komedii J-B. Molière „Tartuffe”, aby określić, na czym polega umiejętność Moliera jako komika, do jakich tradycji klasycystycznych autor hołduje, a także na czym polega jego innowacyjność. edukacyjna - stwarzanie warunków do samorozwoju i samorealizacji uczniów w procesie współpracy w grupach, zaszczepianie chęci włączenia się w kulturę światową, uświadamianie idei, że kultura nie istnieje bez tradycji. rozwijanie – rozwijanie umiejętności analizowania utworów literackich, samodzielnego formułowania i rozsądnego wyrażania swojego punktu widzenia.
Rodzaj lekcji
: lekcja uczenia się nowego materiału
Ekwipunek
: teksty komedii J.B. Moliera „Tartuffe”, instalacja multimedialna do prezentacji slajdów na temat lekcji i prezentacji studenckich, ilustracje do pracy.
Treść lekcji
I.
Etapy organizacyjne, motywacyjne
:
1. Powitanie.

2. Stworzenie figuratywno-emocjonalnej sytuacji pedagogicznej
(podczas całej lekcji). Na tablicy wyświetlane są slajdy przedstawiające sceny z przedstawień teatralnych przy akompaniamencie muzyki klasycznej.
3. Słowo nauczyciela
Francja... Połowa XVII wieku... Sztuki Jean-Baptiste Moliera wystawiane są na scenie z oszałamiającym powodzeniem. Jego komedie cieszą się tak dużą popularnością, że sam król Francji Ludwik XIV zaprasza Teatr Moliera do pokazania jego sztuki na dworze i staje się zagorzałym wielbicielem twórczości utalentowanego dramaturga. Molier to wyjątkowy geniusz w historii kultury światowej. Był człowiekiem teatru w pełnym tego słowa znaczeniu. Moliere był założycielem i dyrektorem najlepszej trupy aktorskiej swojej epoki, jej czołowym aktorem i jednym z najlepszych aktorów komiksowych w całej historii teatru, reżyserem, innowatorem i reformatorem teatru. Dziś jednak postrzegany jest przede wszystkim jako utalentowany dramaturg.
4. Ustalanie celu
Dziś na lekcji postaramy się dowiedzieć, jakie umiejętności i innowacyjność ma dramaturg Molier na przykładzie jego słynnej komedii Tartuffe i zastanowimy się, czy jego komedię można uznać za aktualną i aktualną. Zapisz w zeszytach temat lekcji „J.B. Molier "Tartuffe". Umiejętności i innowacyjność Moliera. Aktualność i aktualność komedii.
II Praca nad nowym materiałem.

1. Prezentacja indywidualnego projektu studenckiego „Twórczość J.B. Moliera”
Myślę, że przede wszystkim interesujące będzie dla Ciebie poznanie kilku faktów z biografii i twórczości Jeana Baptiste Moliera. Opowie nam o tym Tanya Zvonareva, która po otrzymaniu indywidualnego zadania przygotowała prezentację. Pokaz slajdów, po którym następuje historia ucznia. Uczniowie zapisują w zeszytach główne etapy twórczości dramaturga.
- Dziękuję Tatianie. Twoja praca zasługuje na doskonałą ocenę, chciałbym tylko coś dodać:
2. Słowo nauczyciela
. Molière to pseudonim sceniczny Jeana Baptiste Poquelina, syna bogatego paryskiego mieszczanina, który otrzymał doskonałe wykształcenie klasyczne. Wcześnie popadł w pasję do teatru, swoją pierwszą grupę zorganizował w wieku 21 lat. Był to czwarty teatr w Paryżu, ale wkrótce zbankrutował. Molière wyjeżdża z Paryża na długie 12 lat dla życia wędrownego aktora. W celu uzupełnienia repertuaru swojej trupy Moliere zaczyna pisać sztuki. Moliere jest urodzonym komikiem, wszystkie sztuki, które wyszły spod jego pióra, należą do gatunku komedii: komedie rozrywkowe, sitcomy, komedie obyczajowe, komedie-balety, „high” – komedie klasyczne. Przykładem komedii „wysokiej” jest Tartuffe, czyli Kłamca, o którym czytacie na dzisiejszej lekcji.Komedia ta była dla Moliera najtrudniejsza, a jednocześnie przyniosła mu największy sukces w życiu.
3. Pracuj nad pracą

a)
- Zapamiętajmy
treść komediowa
. Krótko przejść
intrygować…
- Oczywiście czytając komedię ty. Każdy na swój sposób wyobrażał sobie jej bohaterów, sceny ze spektaklu.
b)
Spróbuj teraz odebrać z tekstu
słowa pasujące do sceny.

praca ze słownictwem
- Jaki rodzaj
wady
autor się naśmiewa? (hipokryzja i hipokryzja)
Hipokryzja
- zachowanie, które zasłania nieszczerość, złośliwość z udawaną szczerością, cnotę.
bigoteria
- zachowanie charakterystyczne dla hipokrytów. Obłudnik to obłudnik kryjący się za cnotą i pobożnością.
G) -
Co powiesz na tę komedię?
wspaniali ludzie mówili
: A.S. Puszkin: „Nieśmiertelny” Tartuffe „jest owocem najsilniejszego napięcia geniuszu komicznego… Wysoka komedia nie opiera się wyłącznie na śmiechu, ale na rozwoju postaci – i często zbliża się do tragedii”. W.G. Bieliński: „... Nie można zapomnieć o twórcy Tartuffe! Dodaj do tego poetyckie bogactwo języka mówionego ... pamiętaj, że wiele wyrażeń i wersetów z komedii zamieniło się w przysłowia - a zrozumiesz wdzięczny entuzjazm Francuzów dla Moliera! .. ”- Czy zgadzasz się z tymi stwierdzeniami ? - Spróbujmy udowodnić ich sprawiedliwość, pracując w grupach. Teraz przedyskutujemy, jakie pytania rozważy każda z grup, a następnie wybierzesz grupę, w której Twoim zdaniem będzie Ci ciekawie pracować. Należy pamiętać, że A.S. Puszkin nazywa komedię „wysoką”, a nawet porównuje ją z tragedią. Czy w tym stwierdzeniu jest jakaś sprzeczność?
e) Etap przygotowawczy: aktualizacja wiedzy wymaganej do odpowiedzi.
Podyskutujmy. Tak więc komedia powstała w połowie XVII wieku. Jaki nurt literacki zdominował wówczas Europę? (klasycyzm) Pamiętaj o głównych cechach tej metody artystycznej ...
Klasycyzm
- kierunek literacki, którego główną cechą jest przestrzeganie pewnego systemu reguł obowiązujących każdego autora; odwołać się do starożytności jako modelu klasycznego i idealnego. Główne cechy klasycyzmu 1. Kult rozumu; praca ma na celu pouczenie widza lub czytelnika. 2. Ścisła hierarchia gatunków. High Low Tragedy Życie publiczne, przedstawiane są wydarzenia historyczne; bohaterowie, generałowie, monarchowie działają komediowo Przedstawione jest codzienne życie zwykłych ludzi. 4. W dziele występuje bohater rozumujący, postać, która wygłasza lekcję moralną dla widza, sam autor przemawia ustami rozumującego 5. Klasyczna zasada trzech jedności: jedności czasu, miejsca i działania . Sztuka ma zwykle 5 aktów. - Więc,
przydział do pierwszej grupy: „Rozważ komedię „Tartuffe” pod kątem zgodności

lub niezgodność z tymi zasadami klasycyzmu”
(pytania są wyświetlane na tablicy)
- A.S. Puszkin, używając słów
„wysoka komedia” najprawdopodobniej oznaczała innowację

Molier w gatunku komedii.

Czym jest innowacja w literaturze
? (kontynuacja tradycji, wyjście poza nią). - Niełatwe zadanie
, druga grupa: „Dlaczego A. Puszkin nazywa sztukę „Tartuffe”

„wysoka komedia”? Jaka była innowacja Moliera jako komika?
Odpowiedzi na to pytanie można szukać we wstępie, który Moliere napisał do swojej komedii. - I w końcu,
przydział do trzeciej grupy: „Znajdź w tekście komedii wyrażenia„ Tartuffe ”,

co można uznać za aforyzmy ”
Co to jest „aforyzm”? (krótkie wyrażenie)
e) Praca w grupach. III grupa - przy komputerze
. Odpowiedzi na pytania i zadania...
1 grupa. „Rozważ komedię Tartuffe z punktu widzenia zgodności lub niekonsekwencji”

te zasady klasycyzmu”
Komedia „Tartuffe” odpowiada zasadom klasycyzmu, ponieważ: Komedia to gatunek niski, zawierający mowę potoczną. Na przykład w tej komedii często znajduje się wspólne słownictwo: „głupiec”, „nie rodzina, ale dom wariatów”. "Tartuffe" składa się z pięciu aktów, wszystkie czynności wykonywane są w ciągu jednego dnia w jednym miejscu, w domu Orgona - wszystko to jest cechą charakterystyczną klasycyzmu. Tematem komedii jest życie zwykłych ludzi, a nie bohaterów i królów. Bohaterem „Tartuffe” jest burżuazyjny Orgon i jego rodzina. Celem komedii jest ośmieszenie wad, które uniemożliwiają bycie doskonałym. W tej komedii wyśmiewane są takie wady, jak hipokryzja i hipokryzja. Postacie nie są skomplikowane, w Tartuffe podkreśla się jedną cechę - hipokryzję. Cleante nazywa Tartuffe „śliskim wężem”, wychodzi z każdej sytuacji „wysycha z wody”, przybierając postać świętego i bredzi o woli Bożej. Jego hipokryzja jest źródłem zysku. Dzięki fałszywym kazaniom podporządkował swojej woli dobrodusznego i ufnego Orgona. W jakiejkolwiek sytuacji Tartuffe się znajduje, zachowuje się tylko jak hipokryta. Wyznając swoją miłość Elmirze, nie ma nic przeciwko poślubieniu Marianne; modli się do Boga w kościele, zwracając na siebie uwagę wszystkich: Albo nagle z ust wyrwały mu się jęki, Potem we łzach wzniósł ręce do nieba, A potem długo leżał, całując popiół. I czy jest to prawdziwa pokora, jeśli „wtedy przyniósł skruchę do nieba, że ​​rozdał ją bez poczucia współczucia”. W bohaterze podkreślona jest tylko jedna cecha - to również cecha klasycyzmu. Komedia Moliera „Tartuffe” jest klasycznym dziełem.
2 grupy. „Dlaczego A.S. Puszkin nazywa sztukę „Tartuffe” „wysoką komedią”? Co

czy innowacja Moliera była komikiem?”
A.S. Puszkin nazywa komedię Moliera „wysoką”, ponieważ demaskując zwodziciela Tartuffe, jasne jest, że autor obnaża hipokryzję i hipokryzję nie jednej osoby, ale wady społeczne, wady, które dotknęły społeczeństwo. Nie bez powodu Tartuffe nie jest sam w komedii: jego służący Laurent, komornik Loyal i stara kobieta - matka Orgona, Madame Pernel, są hipokryci. Wszyscy ukrywają swoje czyny pobożnymi przemówieniami i czujnie obserwują zachowanie innych. I nawet staje się trochę smutne, kiedy zdajesz sobie sprawę, jak wielu takich ludzi może być w pobliżu. Dodatek nauczyciela do odpowiedzi grupy II: - Rzeczywiście Molier przestrzega praw klasycyzmu, jak dowiodła grupa I, ale, jak wiadomo, schematy nie mają zastosowania do wielkich dzieł. Dramaturg, kontynuując tradycje klasycyzmu, przenosi komedię (gatunek niski) na inny poziom. Chłopaki bardzo subtelnie zauważyli, że komedia wywołuje nie tylko śmiech, ale i smutne uczucia. To innowacja Moliera - w jego twórczości komedia przestała być gatunkiem mającym rozśmieszyć publiczność, wniósł do komedii treści ideologiczne i społeczną ostrość.
Sam Moliere, zastanawiając się nad swoją innowacją w gatunku komedii, pisał: (podświetlenie na tablicy): „Dużo łatwiej mi mówić o uczuciach wzniosłych, wierszem walczyć z fortuną, obwiniać los, przeklinać bogów, niż brać przyjrzyj się bliżej zabawnym rysom człowieka i pokaż na scenie wady społeczeństwa w taki sposób, aby było to zabawne… Kiedy portretujesz zwykłych ludzi, musisz pisać z życia. Portrety powinny być podobne, a jeśli nie rozpoznaje się w nich ludzi z twoich czasów, to nie osiągnąłeś swojego celu… Rozśmieszanie przyzwoitych ludzi nie jest łatwym zadaniem…” Moliere, podnosząc tym samym komedię do poziomu tragedii, mówi, że zadanie komika jest trudniejsze niż zadanie autora tragedii.
Grupa 3 „Znajdź w tekście komedii„ Tartuffe ”wyrażenia, które można wziąć pod uwagę

aforyzmy”

G) Pytania heurystyczne
- Wiesz już, że Moliere był wspaniałym aktorem, w każdej jego sztuce była rola, którą grał sam, a charakter tej postaci jest zawsze w sztuce najbardziej niejednoznaczny. To także innowacja Moliera.
- Jak myślisz, kogo zagrał w komedii "Tartuffe"?
(W Tartuffe grał Orgona)
-Czemu?
(Właśnie ten obraz jest nie tyle komiczny, co tragiczny. Wszak Tartuffe potrafił całkowicie podporządkować sobie wolę właściciela domu, Orgona, dorosłego, odnoszącego sukcesy w interesach, człowieka, ojca rodziny, która jest gotów zerwać z każdym, kto ośmieli się powiedzieć mu prawdę o Tartuffe, nawet wyrzuca z domu syna.)
— Dlaczego Orgon dał się tak oszukać?
(Wierzył w pobożność i „świętość” Tartuffe, widzi w nim swojego duchowego mentora, bo Tartuffe jest subtelnym psychologiem, ostrzega przed próbami zdemaskowania go przez krewnych Orgona. Powodem jest inercja świadomości Orgona, wychowana w uległości Orgonowi w planie duchowym brakuje mu własnej wewnętrznej treści, którą stara się zrekompensować wiarą w dobroć i nieomylność Tartuffe.
- Jak myślisz, czy komedia „Tartuffe” może być uznana za odpowiednią i aktualną,

zainteresowania dzisiaj? Czemu?
- Rzeczywiście, wielu z Was lubiło tę komedię, a niektórzy wyrazili chęć spróbowania swoich sił w aktorstwie. (Uczniowie pokazują scenę).
III. Ocena Wynik
(Za prezentację "TV-in Moliere", za plakat, za pracę w grupach - najaktywniejsi studenci, udzielanie uzasadnionych, kompletnych odpowiedzi). Podsumowanie lekcji: - Co Ci się podobało w lekcji? -Jakie są umiejętności Moliera jako komika? Jego innowacja?
Zadanie domowe:
napisać petycję do króla z prośbą o zezwolenie na wystawienie komedii (w imieniu jakiegoś szlachcica z XVII wieku)

• 1.XVII wiek jako samodzielny etap rozwoju literatur europejskich. główne nurty literackie. Estetyka francuskiego klasycyzmu. "Sztuka poetycka" nr. bualo
• 2. Literatura baroku włoskiego i hiszpańskiego. Teksty Marino i Gogory. teoretycy barokowi.
• 3. Cechy gatunkowe powieści łotrzykowskiej. „Historia życia łotra o imieniu Don Pablos” Quevedo.
• 4. Calderon w historii hiszpańskiego dramatu narodowego. Spektakl religijno-filozoficzny „Życie jest snem”
• 5. Literatura niemiecka XVII wieku. Martina Opitza i Andreasa Gryphiusa. Powieść Grimmelshausena Simplicius Simplicissimus.
• 6. Literatura angielska XVII wieku. Johna Donna. Praca Miltona. „Raj utracony” Miltona jako epos religijno-filozoficzny. Obraz Szatana.
• 7. Teatr francuskiego klasycyzmu. Dwa etapy rozwoju klasycznej tragedii. Pierre Corneille i Jean Racine.
• 8. Klasyczny typ konfliktu i jego rozwiązanie w tragedii „Sid” Corneille'a.
• 9. Sytuacja wewnętrznej niezgody w tragedii Corneille'a „Horacego”.
• 10. Argumenty rozumu i egoizm namiętności w tragedii Racine'a "Andromacha".
• 11. Religijno-filozoficzna idea ludzkiej grzeszności w tragedii Racine'a „Fedra”.
• 12. Twórczość Moliera.
• 13. Komedia Moliera „Tartuffe”. Zasady tworzenia postaci.
• 14. Obraz Don Juana w literaturze światowej iw komedii Moliera.
• 15. Mizantrop” Moliera jako przykład „wysokiej komedii” klasycyzmu.
• 16. Epoka Oświecenia w dziejach literatur europejskich. Spór o człowieka w angielskiej powieści oświeceniowej.
• 17. „Życie i niesamowite przygody Robinsona Crusoe” D. Defoe jako filozoficzna przypowieść o człowieku
• 18. Podróże gatunkowe w literaturze XVIII wieku. „Podróże Guliwera” J. Swifta i „Podróż sentymentalna przez Francję i Włochy” Lawrence'a Sterna.
• 19. Kreatywność s. Richardson i pan Fielding. „Historia Toma Jonesa, podrzutka” Henry'ego Fieldinga jako „epopeja komiksowa”.
• 20. Odkrycia artystyczne i nowatorstwo literackie Lawrence'a Sterna. Życie i opinie Tristrama Shandy'ego, dżentelmena” L. Sterna jako „antypowieść”.
• 21. Roman w literaturach zachodnioeuropejskich XVII-XVIII wieku. Tradycje powieści łotrzykowskiej i psychologicznej w „Historii kawalera de Grillaud i Manon Lescaut” Prevosta.
• 22. Monteskiusz i Wolter w historii literatury francuskiej.
• 23. Estetyka i twórczość Denisa Diderota. „Dramat Meschanskaya”. Opowieść „Zakonnica” jako dzieło realizmu edukacyjnego.
• 24. Gatunek opowieści filozoficznej w literaturze francuskiej XVIII wieku. „Kandyd” i „Niewinny” Wolter. Siostrzeniec Rameau autorstwa Denisa Diderota.
• 26. „Epoka wrażliwości” w historii literatury europejskiej i nowy bohater w powieściach l. Rufa, ż.-że. Rousseau i Goethego. Nowe formy postrzegania przyrody w literaturze sentymentalizmu.
• 27. Literatura niemiecka XVIII wieku. Estetyka i dramaturgia Lessinga. „Emilia Galotti”.
• 28. Dramat Schillera "Zbójcy" i "Oszustwo i miłość".
• 29. Ruch literacki „Sturm and Drang”. Powieść Goethego Cierpienia młodego Wertera. Społeczne i psychologiczne geneza tragedii Wertera.
• 30. Tragedia Goethego „Faust”. Problemy filozoficzne.
• 22. Monteskiusz i Wolter w literaturze francuskiej.
• 26. „Epoka wrażliwości” w historii literatury europejskiej i nowy bohater w powieściach Sterna, Rousseau, Goethego. Nowe metody postrzegania przyrody w sentymentalizmie.
• Wawrzyńca Sterne'a (1713 - 1768).
• 20. Odkrycia artystyczne i nowatorstwo literackie Lawrence'a Sterne'a. Życie i opinie Tristrama Shandy'ego, dżentelmena” L. Sterna jako „antypowieść”.

15. Mizantrop” Moliera jako przykład „wysokiej komedii” klasycyzmu.

„Mizantrop” to poważna komedia Moliera, nad którą pracował długo i starannie (1664-1666).

Akcja spektaklu rozgrywała się w Paryżu. Młody Alsest był niezwykle podatny na wszelkie przejawy hipokryzji, służalczości i fałszu. Zarzucał swojemu przyjacielowi Filintowi fałszywe pochlebstwa wobec innych ludzi. Podobno Filinta, spotykając się z kimś, pokazał ją jego miłość i uczucie, a gdy tylko odeszła, ledwo pamiętał jej imię lub coś, czego Alsestovowi nie podobała się taka nieszczerość.

Chcę szczerości, żeby nie było ani jednego słowa

nie wyleciał z ust, jak to jest z duszy.

Filint żył zgodnie z prawami panującymi w ówczesnym świecie: odpowiadać na uczucia innych, pomimo prawdziwego stosunku do człowieka.

Dla Alsest jest to nienaturalne. Nie mógł spokojnie znieść tego, jak ludzie są przyzwyczajeni do pochlebnych rozmów, komplementów, za którymi tak naprawdę kryją się najgłębsze rzeczy. Jego zdaniem nie można było szanować i kochać wszystkich. To czyste przymilanie się i farary.

nie ma szacunku na ziemi bez dominacji

Kto szanuje wszystkich, nie zna tego szacunku...

Masz służalczość - jak produkt detaliczny

Nie potrzebuję wspólnego przyjaciela jako przyjaciela.

W odpowiedzi Philint zauważył, że zajmują określone miejsce w społeczeństwie i dlatego muszą przestrzegać jego praw i zwyczajów.

Alsest głosił życie bez fałszu, prawdę mówiąc, aby czuć sercem i iść tylko na jego wezwanie, nigdy nie ukrywać swoich uczuć pod maską.

Filint to przyzwoity człowiek, poniekąd zgadzał się z punktem widzenia Alsest, ale nie zawsze - jak na przykład w przypadku, gdy czasem lepiej i bardziej poprawnie było milczeć i powściągnąć swoje zdanie.

Zdarza się - proszę nie brać tego w złości

Kiedy rozsądne, kto poci opinię.

Filint zmusił Alsest do refleksji nad tym, że otwartość i prawdomówność nie zawsze były korzystne.

Tego ostatniego jednak nie można przekonać, w jego duszy dojrzał konflikt - jest już bezsilny, by znosić wokół siebie kłamstwa, oszustwa i zdrady.

Alsest to prawdziwy mizantrop, przede wszystkim zaczął nienawidzić rasy ludzkiej.

Filint jest zdumiony: według Alsest wśród współczesnych nie było ani jednej osoby, która spełniałaby wszystkie wymagania jego przyjaciela pod względem moralności i cnoty.

Filint radzi Alsestovi, aby była bardziej umiarkowana...

A ty patrzysz na ludzką naturę.

Chociaż znajdziemy w nim wady i grzechy

Ale jak mamy żyć wśród ludzi?

Musisz więc we wszystkim zachować ostrożność.

A moralności nie należy traktować zbyt szczerze.

Prawdziwy umysł mówi nam, matko roztropność

W końcu nawet mądrość nie powinna dać się oszukać.

Alssive przyjaciel akceptuje ludzi takimi, jakimi są.

Wszystkie te grzechy, ty i ja wiemy

Rasa ludzka jest również specyficzna

I obrażaj się lub gniewaj się na mnie

Co wstrzyknęło tyle zła, oszustwa, kłamstwa?

To niesamowite niż brak latawca mięsnego

Dlaczego okrutny wilk, a małpa jest przebiegła i smaczna.

Filint w końcu zdał sobie sprawę, że przyjaciela nie można zmienić, ale stało się dla niego dziwne: jak takim poszukiwaczom prawdy udało się znaleźć dziewczynę, jakiekolwiek serce.

Zamiast Alsesty nie wpatrywał się w Célimène, woli umiarkowaną, przyzwoitą i rozsądną Arsinoe i Eliante Célimène - typową przedstawicielkę swoich czasów, chełpliwa, egoistyczna, dumna, wygadana itd. Czy Alsest, który z takim zapałem krytykował świat, nie widział niedociągnięć i wad swojej ukochanej?

Alsest kochał młodą wdowę, znał jej wady tak samo jak inni, ale nie mógł z nimi konkurować.

Zgodził się z opinią Philinta, że ​​powinien był powiązać swój los z Elantu, a miłość niestety nigdy nie działała z umysłem.

Rozmowę dwojga przyjaciół przerwał przybycie Orontesa, który odkrył zaangażowanie Alsesta, ale ten nawet nie zwrócił na niego uwagi. Orontes prosi go, mimo jego wykształcenia i obiektywizmu, by rzetelnie oceniał jego literackie eksperymenty w gatunku sonetu. Alsest odmówił („Mam wielki grzech: jestem zbyt szczery w zdaniach”), jednak nalegał Orontes. Po przeczytaniu Alsesta, nie wypowiadając ajuchy i wcale nie zażenowany, wyraził swoją opinię na temat sonetu. Jest całkowicie negatywna i tak naga, że ​​mogłaby obrazić nawet osobę, na żrącą krytykę.

Oronte nie zgadzał się z opinią cenzora, jest przekonany, że jego sonet, choć nie był dziełem do końca doskonałym, nie był do końca wzorem przeciętności. Dobra uwaga, po rozstaniu z nim Philinte miał przeczucie, co może prowadzić do tej nadmiernej szczerości. Alceste Orontes nie należał do tych ludzi, którzy tak łatwo wybaczają obrazy.

Alsest stara się zmienić wewnętrzną Célimène, inaczej nigdy nie mogliby być razem.

Oskarżył ją, że przyciąga do siebie zbyt wielu wielbicieli i nadszedł czas na decyzję. Była czuła do wszystkich i nie warto dawać nadziei wszystkim. Wyznaje jej swoje uczucia, ale była zdziwiona, że ​​młody człowiek to zrobił w dziwny sposób:

To prawda: wybrałeś dla siebie nową drogę.

A na ziemi być może nikogo nie znaleziono

Ktokolwiek to udowodnił, wpadł w kłótnie i sprzeczki.

Alsest jest więc „młodym mężczyzną zakochanym w Célimène”, jak określa go spis postaci. Jego imię to sztuczna formacja typowa dla literatury XVII wieku, pobrzmiewało greckim imieniem Alcesta (Alkestis, żona Admeta, który oddał życie za niego). zbawienie od śmierci) Greckie \"Alkey\" - odwaga, męstwo, odwaga, moc, walka, \"Alkeys\" - silna, potężna.

Jednak akcja dzieła toczyła się w Paryżu, w tekście wspomniano sąd o rozpatrzenie spraw na obraz szlachty i urzędników wojskowych (założony w 1651), nutę intrygi w związku z „Tartuffe” i inne szczegóły, które zauważyły, że Alsest był współczesnym i rodakiem M.

Czasem obraz ten ma uosabiać dobroczynność, uczciwość, przestrzeganie zasad, ale doprowadzony do granic możliwości, tak że przekształcił się w wadę uniemożliwiającą nawiązanie więzi ze społeczeństwem i zamieniła jej właściciela w mizantropa.

Wypowiedzi bohatera o ludziach nie były tak ostre, jak ataki Se-Limena, Arsinoe i innych uczestników „szkoły lekkomyślności”.

Nazwa komedii „Mizantrop” była myląca: Alsest, zdolny do namiętnej miłości, był mniej mizantropem w porównaniu z Célimène, która w ogóle nikogo nie kocha. miał ważne motywy.

Przykładowe jest to, że jeśli imiona Tartuffe lub Harpagon otrzymały znaki imion w języku francuskim, to imię Alsesta, przeciwnie: pojęcie „mizantropa” zastąpiło jego imię osobiste, ale zmieniło jego znaczenie – stało się symbol nie nienawiści ludzi, ale bezpośredniości, uczciwości, szczerości.

Moliere rozwinął w ten sposób system obrazów i fabułę komedii, aby nie Alsest przyciągał do społeczeństwa, ale społeczeństwo do niego. Dramaturg nakłaniał widza do zastanowienia się, co sprawiło, że piękny i młody Sel Limen, zdrowy na umyśle Eliant, obłudnik Arsinoe szuka swojej miłości, ale sprytny Philinte i precyzyjny Orontes - właśnie jego przyjaźń? kov, nie był znany na dworze, nie bywa częstym bywalcem wykwintnych salonów, nie zajmuje się polityką, nauką czy jakąś sztuką. Bez wątpienia zwrócił uwagę na to, czego innym brakuje. rodzaj heroizmu w jej szlachetnym \"Szczerość była dominującą częścią charakteru Alsest. Społeczeństwo chciało go odpersonalizować, upodobnić do innych, jednocześnie zazdrości niezwykłej stabilności moralnej tego człowieka.

Temat „filistynizmu w szlachcie” w twórczości Moliera. uzasadnienie jego znaczenia.

Satyryczna orientacja komedii Moliera „Tartuffe”. Rola komedii w walce z feudalną katolicką reakcją.

Osobliwość interpretacji obrazu Don Juana w komedii Moliera „Don Juan”.

Wykłady: Molier wniósł do komedii poważne problemy, ale opowiada o nich komicznie („śmiać się i uczyć”). Rozszerzenie postaci: pospólstwo + szlachta. Rodzaje komedii Moliera: 1. One-act - sitcomy; 2. Komedie czysto wysokie (z reguły pięcioaktowe) - częściowo pisane wierszem (Tartuffe, Don Juan, Skąpiec).

Libertines: 1. Żądanie wolności myśli. 2. Libertynizm domowy – łamanie zakazów na poziomie życia codziennego. Don Juan jest libertynem.

Już w pierwszej połowie XVII wieku. teoretycy klasycyzmu określali gatunek komedii jako gatunek niższy, którego zakres obejmował życie prywatne, codzienność i obyczaje. Pomimo tego, że we Francji do połowy XVII wieku. powstały komedie Corneille'a, Scarrona, Cyrano de Bergeraca, prawdziwym twórcą klasycznej komedii był Jean-Baptiste Poquelin (tytuł sceniczny - Molière, Jean Baptiste Poquelin, Molière, 1622-1673), syn nadwornego tapicera-dekoratora. Mimo to Moliere otrzymał jak na tamte czasy doskonałe wykształcenie. W jezuickim kolegium w Clermont dokładnie studiował starożytne języki i literaturę starożytności. Moliere preferował historię, filozofię, nauki przyrodnicze. Szczególnie interesowały go atomistyczne nauki materialistycznych filozofów Epikura i Lukrecjusza. Wiersz Lukrecjusza „O naturze rzeczy” przetłumaczył na język francuski. Przekład ten nie zachował się, ale później zawarł kilka wersetów z Lukrecjusza w monologu Elianta („Mizantrop”, II, 3). Na uczelni Moliere zapoznał się także z filozofią P. Gassendiego i stał się jej zagorzałym zwolennikiem. Za Gassendi Moliere wierzył w słuszność i racjonalność naturalnych instynktów człowieka, w potrzebę wolności w rozwoju ludzkiej natury. Po ukończeniu Clermont College (1639) odbył studia prawnicze na Uniwersytecie w Orleanie, zakończone pomyślnym zdaniem egzaminu na tytuł licencjata praw. Po ukończeniu edukacji Molier mógł zostać łacinnikiem, filozofem, prawnikiem i rzemieślnikiem, czego tak bardzo pragnął jego ojciec.

Farsa przyciągnęła Moliera treścią zaczerpniętą z życia codziennego, różnorodnością tematów, różnorodnością i witalnością obrazów, różnorodnością sytuacji komicznych. Przez całe życie Molier zachowywał to zamiłowanie do farsy, a nawet w swoich najlepszych komediach (np. w Tartuffe) często wprowadzał elementy farsy. Niebagatelną rolę w twórczości Moliera odegrała też bardzo popularna we Francji włoska komedia masek (commedia dell'arte). Improwizacja aktorów podczas spektaklu, misterna intryga, zabrane z życia postacie, charakterystyczne dla komedii masek zasady gry, posłużyły mu we wczesnej twórczości.

Moliere, autor, który kiedyś powiedział: „Zabieram swoje dobro tam, gdzie je znajduję”, buduje komedie nie tylko na oryginalnych intrygach, ale często na wykorzystaniu już opracowanych wątków. W tamtych czasach było to całkiem do przyjęcia. Jako dobrze oczytany, Moliere zwraca się do rzymskich komików, renesansowych Włochów, hiszpańskich powieściopisarzy i dramaturgów, do swoich starszych francuskich rówieśników; sławni autorzy (Scarron, Rotru).

W 1658 Molier i jego trupa powrócili do Paryża. W Luwrze, przed królem, zagrali tragedię Corneille'a „Nycomedes” i farsę Moliera „Zakochany lekarz”, gdzie zagrał główną rolę. Sukces Moliera przyniosła jego własna sztuka. Na prośbę Ludwika XIV trupa Moliera otrzymała pozwolenie na wystawianie spektakli w teatrze dworskim Petit Bourbon na przemian z trupą włoską.

Spełniając wymagania króla, aby stworzyć zabawne spektakle, Molier zwraca się do nowego gatunku - baletów komediowych. W Paryżu Moliere napisał 13 sztuk teatralnych, w których muzyka była niezbędna, a często jako główny składnik. Komedie-balety Moliera dzielą się stylistycznie na dwie grupy. Pierwsza kategoria to liryczne dramaty o wysublimowanym charakterze z głęboką psychologiczną charakterystyką głównych bohaterów. Są to np. „Księżniczka Elizy” (1664, prezentowana w Wersalu na festiwalu „Rozrywki Zaczarowanej Wyspy”), „Melisert” i „Kosmiczna Pastorałka” (1666, prezentowana na festiwalu „Balet Muzy” w Saint-Germain), „Brilliant Lovers” (1670, na festiwalu „Royal entertainment”, ibid), „Psyche” (1671 w Tuileries). Druga grupa to głównie codzienne komedie satyryczne z elementami farsy, np.: „Sycylijczyk” (1667, w Saint-Germain), „Georges Danden” (1668, w Wersalu), „Monsieur de Poursonac” (1669, w Chambord) , „Kupiec w szlachcie” (1670, ibid.), „The Imaginary Sick” (1673, w Palais Royal). Moliere umiejętnie wykorzystał różne sposoby, aby osiągnąć harmonijne połączenie śpiewu, muzyki i tańca z dramatyczną akcją. Wiele baletów komediowych, oprócz wysokich walorów artystycznych, miało duże znaczenie społeczne. Ponadto te nowatorskie spektakle Moliera (w połączeniu z muzyką Lully'ego) przyczyniły się do narodzin nowych gatunków muzycznych we Francji: tragedii w muzyce, tj. opery (komedio-balety pierwszego zespołu) i komedioopery (komedia-balety druga grupa) - czysto francuski gatunek demokratyczny, który rozkwitł w XVIII wieku.

Oceniając komedię jako gatunek, Molière deklaruje, że jest ona nie tylko równa tragedii, ale nawet przewyższa ją, bo „rozśmiesza uczciwych ludzi”, a tym samym „pomaga wykorzenić wady”. Zadaniem komedii jest być zwierciadłem społeczeństwa, przedstawiać niedostatki ludzi swoich czasów. Kryterium artystycznej komedii jest prawda o rzeczywistości. Tę prawdę można osiągnąć tylko wtedy, gdy artysta czerpie materiał z samego życia, wybierając najbardziej naturalne zjawiska i tworząc uogólnione postacie na podstawie konkretnych obserwacji. Dramaturg nie powinien malować portretów, „ale moralności, nie dotykając ludzi”. Ponieważ „zadaniem komedii jest przedstawienie wszystkich niedociągnięć ludzi w ogóle, a w szczególności ludzi współczesnych”, „nie można stworzyć postaci, która nie przypominałaby nikogo wokół” („Impromptu of Versailles”, I, 3). Pisarz nigdy nie wyczerpie całego materiału, „życie dostarcza go w obfitości” (tamże). W przeciwieństwie do tragedii, która przedstawia „bohaterów”, komedia musi przedstawiać „ludzi”, podczas gdy konieczne jest „podążanie za naturą”, czyli nadawanie im cech charakterystycznych dla współczesnych i rysowanie żywych twarzy zdolnych do przeżywania cierpienia. „Przynajmniej wierzę”, pisze Moliere, „że o wiele łatwiej jest igrać z wzniosłych uczuć, wierszem wyśmiewać nieszczęścia, niszczyć los i przeklinać bogów, niż wnikać w śmieszność ludzi i obracać ich braki w przyjemny widok. Kiedy rysujesz postać, robisz, co chcesz... Ale kiedy rysujesz ludzi, musisz czerpać ich z natury. Te portrety muszą być podobne, a jeśli nie możesz rozpoznać w nich współczesnych, na próżno pracowałeś ”(„ Krytyka „Szkoły Żon”, I, 7). Kierując się „największą z zasad jest podobać się” (tamże), Moliere wzywa do słuchania „zdrowego osądu parteru” („Krytyka „Szkoły żon”, I, 6), tj. opinii najbardziej demokratycznego widza.

Komedie Moliera można podzielić na dwa rodzaje, różniące się strukturą artystyczną, charakterem komizmu, intrygą i treścią w ogóle. Do pierwszej grupy należą komedie codzienne, z fabułą farsową, jedno- lub trzyaktowe, pisane prozą. Ich komedia jest komedią sytuacji (Śmieszni pretendenci, 1659; Sganarelle, czyli wyimaginowany rogacz, 1660; Niechętne małżeństwo, 1664; Niechętny doktor, 1666; Oszuści Skalena, 1671). Druga grupa to „wysokie komedie”. Powinny być napisane głównie wierszem i składać się z pięciu aktów. Komiks „wysokiej komedii” to komiks z charakterem, komiks intelektualny („Tartuffe”, „Don Juan”, „Mizantrop”, „Kobiety naukowe” itp.).

W połowie lat sześćdziesiątych Moliere tworzy swoje najlepsze komedie, w których krytykuje wady duchowieństwa, szlachty i burżuazji. Pierwszym z nich był „Tartuffe, czyli oszust” (wyd. 1664, 1667 i 1669)._Sztuka miała zostać wystawiona podczas wspaniałej uroczystości dworskiej „Rozrywka na Zaczarowanej Wyspie”, która odbyła się w maju 1664 w Wersalu. Jednak sztuka zaburzyła święta. Powstał prawdziwy spisek przeciwko Molierowi, kierowany przez królową matkę Annę z Austrii. Moliere został oskarżony o obrazę religii i Kościoła, domagając się za to kary. Spektakle zostały odwołane.

Moliere podjął próbę wystawienia sztuki w nowym wydaniu. W pierwszym wydaniu z 1664 r. Tartuffe był duchownym. Bogaty paryski mieszczanin Orgon, do którego domu wchodzi ten łobuz udając świętego, nie ma jeszcze córki - ksiądz Tartuffe nie mógł jej poślubić. Tartuffe zręcznie wychodzi z trudnej sytuacji, mimo oskarżeń syna Orgona, który przyłapał go w momencie zalotów do macochy Elmiry. Triumf Tartuffe jednoznacznie świadczył o niebezpieczeństwie hipokryzji.

W drugim wydaniu (1667; podobnie jak pierwsze, nie dotarła do nas) Molier rozszerzył sztukę, do istniejących trzech dołączył jeszcze dwa akty, w których przedstawił związki hipokryty Tartuffe z dworem, dworem i policją. . Tartuffe został nazwany Panyulf i stał się człowiekiem świata, zamierzającym poślubić córkę Orgona, Mariannę. Komedia zatytułowana „Oszusta” zakończyła się ujawnieniem Panyulfa i uwielbieniem króla. W ostatnim wydaniu, które do nas dotarło (1669), obłudnik ponownie został nazwany Tartuffe, a cała sztuka została nazwana "Tartuffe, czyli Zwodziciel".

Król wiedział o sztuce Moliera i aprobował jego pomysł. Walcząc o Tartuffe, Molier w pierwszej petycji do króla bronił komedii, bronił się przed oskarżeniami o bezbożność i mówił o społecznej roli pisarza satyrycznego. Król nie usunął zakazu ze spektaklu, ale nie posłuchał rady wściekłych świętych „aby spalić nie tylko księgę, ale i jej autora, demona, ateistę i libertyna, który napisał diaboliczną, pełną ohydna sztuka, w której drwi z kościoła i religii, ze świętych funkcji” („Największy król świata”, broszura dr Sorbony Pierre'a Roulleta, 1664).

Pozwolenie na wystawienie sztuki w drugiej edycji udzielił król ustnie, w pośpiechu, wychodząc do wojska. Zaraz po premierze komedia została ponownie zakazana przez przewodniczącego parlamentu (najwyższej instytucji sądowniczej) Lamoignona, a paryski arcybiskup Perefix opublikował przesłanie, w którym zabronił wszystkim parafianom i duchownym „prezentowania, czytania lub słuchania niebezpiecznego spektaklu ” pod groźbą ekskomuniki. Molier otruł drugą petycję do siedziby króla, w której zadeklarował, że całkowicie przestanie pisać, jeśli król nie stanie w jego obronie. Król obiecał, że to załatwi. W międzyczasie komedia czytana jest w prywatnych domach, dystrybuowana w rękopisie, wykonywana w zamkniętych przedstawieniach domowych (np. w pałacu księcia Conde w Chantilly). W 1666 r. zmarła królowa matka, co dało Ludwikowi XIV możliwość obiecania Molierowi wcześniejszego pozwolenia na występy. Nadszedł rok 1668, rok tzw. „pokoju kościelnego” między ortodoksyjnym katolicyzmem a jansenizmem, co przyczyniło się do pewnej tolerancji w sprawach religijnych. Wtedy dopuszczono produkcję Tartuffe. 9 lutego 1669 r. wystawienie sztuki odniosło ogromny sukces.

Jaki był powód tak gwałtownych ataków na „Tartuffe”? Moliera od dawna pociągał temat hipokryzji, który widział wszędzie w życiu publicznym. W komedii tej Moliere zwrócił się do najpowszechniejszego w owym czasie typu hipokryzji – religijnej – i napisał ją na podstawie swoich obserwacji działalności tajnego stowarzyszenia religijnego – „Towarzystwa Świętych Darów”, któremu patronowała Anna Austriaczka. i którego członkami byli zarówno Lamoignon i Perefix, książęta kościoła, szlachta i burżuazja. Król nie zezwolił na jawną działalność tej rozgałęzionej organizacji, która istniała ponad 30 lat, działalność towarzystwa otoczona była największą tajemnicą. Działając pod hasłem „Tłumić wszelkie zło, promować wszelkie dobro” członkowie stowarzyszenia postawili sobie za główne zadanie walkę z wolnomyślnością i bezbożnością. Mając dostęp do prywatnych domów, pełnili oni w istocie funkcje tajnej policji, prowadząc niejawną inwigilację podejrzanych, zbierając fakty rzekomo dowodzące ich winy i na tej podstawie przekazując władzom rzekomych przestępców. Członkowie towarzystwa głosili surowość i ascezę w obyczajach, mieli negatywny stosunek do wszelkiego rodzaju świeckiej rozrywki i teatru, pasjonowali się modą. Moliere obserwował, jak członkowie „Towarzystwa Świętych Darów” insynuując i umiejętnie wcierają się w cudze rodziny, jak ujarzmiają ludzi, całkowicie zawłaszczając ich sumienie i wolę. To przyspieszyło akcję sztuki, a postać Tartuffe ukształtowała się z typowych cech charakterystycznych dla członków „Towarzystwa Świętych Darów”.

Podobnie jak oni, Tartuffe jest związany z sądem, z policją, jest patronowany na dworze. Ukrywa swój prawdziwy wygląd, udając zubożałego szlachcica, szukającego jedzenia na ganku kościoła. Wnika do rodziny Orgonów, bo w tym domu, po ślubie właścicielki z młodą Elmirą, zamiast dawnej pobożności słychać wolną obyczajowość, zabawę, krytyczne przemówienia. Ponadto przyjaciel Orgona, Argas, wygnaniec polityczny, członek Frondy Parlamentarnej (1649), zostawił mu obciążające dokumenty przechowywane w skrzynce. Taka rodzina mogłaby wydawać się „Towarzystwu” podejrzana i dla takich rodzin ustanowiono inwigilację.

Tartuffe nie jest ucieleśnieniem hipokryzji jako uniwersalnego występku, jest typem uogólnionym społecznie. Nic dziwnego, że nie jest sam w komedii: jego służący Laurent, komornik Loyal i stara kobieta - matka Orgona, pani Pernel, są hipokryci. Wszyscy ukrywają swoje nieestetyczne czyny pobożnymi przemówieniami i czujnie obserwują zachowanie innych. Charakterystyczny wygląd Tartuffe tworzy jego wyimaginowana świętość i pokora: „Modlił się przy mnie codziennie w kościele, / W pobożnym odruchu, klękając. // Zwrócił na siebie uwagę wszystkich” (I, 6). Tartuffe nie jest pozbawiony zewnętrznej atrakcyjności, ma uprzejme, sugestywne maniery, za którymi kryje się roztropność, energia, ambitne pragnienie władzy, umiejętność zemsty. Dobrze zadomowił się w domu Orgona, gdzie właściciel nie tylko spełnia najdrobniejsze zachcianki, ale jest też gotów oddać za żonę swoją córkę Mariannę, bogatą dziedziczkę. Orgon powierza mu wszystkie tajemnice, w tym powierzenie mu przechowywania cennej skrzyni z obciążającymi dokumentami. Tartuffe odnosi sukces, ponieważ jest subtelnym psychologiem; grając na strachu przed łatwowiernym Orgonem, zmusza go do wyjawienia mu wszelkich tajemnic. Tartuffe zasłania swoje podstępne plany argumentami religijnymi. Doskonale zdaje sobie sprawę ze swojej siły i dlatego nie powstrzymuje swoich złośliwych skłonności. Nie kocha Marianne, jest dla niego tylko dochodową panną młodą, zafascynowała go piękna Elmira, którą próbuje uwieść Tartuffe. Jego kazuistyczne rozumowanie, że zdrada nie jest grzechem, jeśli nikt o tym nie wie, oburza Elmirę. Damis, syn Orgona, świadek tajnego spotkania, chce zdemaskować złoczyńcę, ale on, przyjmując pozę samobiczowania i skruchy za rzekomo niedoskonałe grzechy, ponownie czyni Orgona swoim obrońcą. Kiedy po drugiej randce Tartuffe wpada w pułapkę, a Orgon wyrzuca go z domu, zaczyna się mścić, w pełni pokazując swoją złośliwą, zepsutą i samolubną naturę.

Ale Molier nie tylko obnaża hipokryzję. W Tartuffe stawia ważne pytanie: dlaczego Orgon dał się tak oszukać? Ten już w średnim wieku człowiek, oczywiście nie głupi, o silnym temperamencie i silnej woli, uległ rozpowszechnionej modzie na pobożność. Orgon wierzył w pobożność i „świętość” Tartuffe i widzi w nim swojego duchowego mentora. Staje się jednak pionkiem w rękach Tartuffe'a, który bezwstydnie deklaruje, że Orgon wolałby uwierzyć jemu „niż własnym oczom” (IV, 5). Powodem tego jest bezwładność świadomości Orgona, wychowywana w uległości władzom. Ta bezwładność nie daje mu możliwości krytycznego zrozumienia zjawisk życia i oceny otaczających go ludzi. Jeśli mimo wszystko Orgon zyskuje zdrowy pogląd na świat po zdemaskowaniu Tartuffe'a, to jego matka, stara Pernel, głupio pobożna zwolenniczka bezwładnych poglądów patriarchalnych, nigdy nie zobaczyła prawdziwego oblicza Tartuffe.

Młodsze pokolenie, reprezentowane w komedii, które od razu zobaczyło prawdziwe oblicze Tartuffe, łączy służąca Dorina, która od dawna i z oddaniem służy w domu Orgona i jest tu kochana i szanowana. Jej mądrość, zdrowy rozsądek, wnikliwość pomagają znaleźć najbardziej odpowiednie środki do walki z przebiegłym łotrem.

Komedia „Tartuffe” miała duże znaczenie społeczne. Moliere przedstawił w nim nie prywatne relacje rodzinne, ale najbardziej szkodliwy występek społeczny - hipokryzję. W Przedmowie do Tartuffe, ważnym dokumencie teoretycznym, Molier wyjaśnia znaczenie swojej sztuki. Afirmuje publiczny cel komedii, deklaruje, że „zadaniem komedii jest karanie występków i nie powinno być tu wyjątków. Z punktu widzenia państwa występek hipokryzji jest jednym z najgroźniejszych w jego skutkach. Teatr ma możliwość przeciwdziałania występkom. To właśnie hipokryzja, według definicji Moliera, główna wada państwowa Francji jego czasów, stała się przedmiotem jego satyry. W wywołującej śmiech i strach komedii Molière przedstawił głęboki obraz tego, co działo się we Francji. Hipokryci tacy jak Tartuffe, despoci, oszuści i mściciele, bezkarnie dominują w kraju, popełniają prawdziwe okrucieństwa; skutkiem ich działań jest bezprawie i przemoc. Moliere namalował obraz, który powinien był zaalarmować rządzących krajem. I choć idealny król na końcu sztuki czyni sprawiedliwość (co tłumaczyła naiwna wiara Moliera w sprawiedliwego i rozsądnego monarchę), sytuacja społeczna zarysowana przez Moliera wydaje się groźna.

Artysta Molier, tworząc "Tartuffe", użył wielu środków: znalazły się tu elementy farsy (Orgon chowa się pod stołem), komedie intryg (historia pudełka z dokumentami), komedie obyczajowe (sceny w dom zamożnego mieszczanina), komedie postaci (zależność działań rozwojowych od charakteru bohatera). Jednocześnie twórczość Moliera jest typową klasyczną komedią. Wszystkie „zasady” są w nim ściśle przestrzegane: ma nie tylko bawić, ale i pouczać widza. W „Przedmowie” do „Tartuffe” mówi się: „Takich ludzi nie da się złapać, przedstawiając ich niedociągnięcia. Z obojętnością słuchają wyrzutów, ale nie mogą znieść kpin. Komedia w przyjemnym nauczaniu wypomina ludziom ich niedociągnięcia.

Don Giovanni, czyli Kamienny Gość (1665) został napisany niezwykle szybko, aby poprawić sprawy teatru po zakazie Tartuffe. Molière zwrócił się do niezwykle popularnego tematu, po raz pierwszy rozwiniętego w Hiszpanii - o rozpustniku, który nie zna barier w pogoni za przyjemnością. Po raz pierwszy Tirso de Molina pisał o Don Juanie, korzystając ze źródeł ludowych, kronik sewilskich o don Juanie Tenorio, libertynie, który porwał córkę komandora Gonzalo de Ulloa, zabił go i zbezcześcił jego grobowy wizerunek. Temat ten przyciągnął później uwagę dramaturgów we Włoszech i Francji, którzy rozwinęli go jako legendę o zatwardziałym grzeszniku, pozbawionym cech narodowych i codziennych. Moliere potraktował ten znany temat w całkowicie oryginalny sposób, porzucając religijno-moralną interpretację wizerunku bohatera. Jego Don Juan jest zwykłym świeckim człowiekiem, a wydarzenia, które mu się przydarzają, determinowane są właściwościami jego natury, codziennymi tradycjami i stosunkami społecznymi. Don Juan z Moliere, którego od samego początku sztuki jego sługa Sganarelle określa jako „największego ze wszystkich złoczyńców, jakich nosiła ziemia, potwora, psa, diabła, Turka, heretyka” ( Ja, 1), to młody śmiałek, rozpustnik, który nie widzi przeszkód w manifestacji swojej złośliwej osobowości: żyje zgodnie z zasadą „wszystko wolno”. Tworząc swojego Don Juana, Moliere potępił nie rozpustę w ogóle, ale niemoralność tkwiącą we francuskim arystokracie z XVII wieku; Moliere dobrze znał tę rasę ludzi i dlatego bardzo rzetelnie opisał swojego bohatera.

Jak wszyscy świeccy dandysowie swoich czasów, Don Juan żyje w długach, pożyczając pieniądze od „czarnej kości”, którą pogardzał - od burżuazyjnego Dimanche, którego udaje mu się oczarować swoją uprzejmością, a następnie wypuścić go za drzwi, nie płacąc dług. Don Juan uwolnił się od wszelkiej odpowiedzialności moralnej. Uwodzi kobiety, niszczy cudze rodziny, cynicznie dąży do korupcji wszystkich, z którymi ma do czynienia: wieśniaczki o prostym sercu, z których każda obiecuje wyjść za mąż, żebrak, któremu ofiarowuje złoto za bluźnierstwo, Sganarelle, której wystawia wyraźny przykład traktowania wierzyciela Dimansha. Cnoty „drobnomieszczańskie” – wierność małżeńska i synowski szacunek – wywołują u niego jedynie uśmiech. Ojciec Don Juana, Don Luis, próbuje przekonywać syna, przekonując go, że „tytuł szlachcica musi być uzasadniony” osobistymi „godnościami i dobrymi uczynkami”, ponieważ „szlachetne pochodzenie bez cnoty jest niczym” i „cnota”. jest pierwszym znakiem szlachetności”. Oburzony niemoralnością swojego syna, Don Luis przyznaje, że „syn gospodyni, jeśli jest człowiekiem uczciwym”, stawia „wyższy niż syn króla”, jeśli ten żyje jak Don Juan (IV, 6). ). Don Juan przerywa ojcu tylko raz: „Gdybyś usiadł, wygodniej byłoby ci porozmawiać”, ale wyraża cyniczny stosunek do niego słowami: „Och, umierasz jak najszybciej, to mnie rozwściecza aby ojcowie żyli jak synowie” (IV, 7). Don Juan bije chłopa Piero, któremu zawdzięcza życie, w odpowiedzi na jego oburzenie: „Czy myślisz, że jeśli jesteś mistrzem, możesz dręczyć nasze dziewczęta pod naszymi nosami?” (II,3). Śmieje się ze sprzeciwu Sganarelle: „Jeśli należysz do szlacheckiej rodziny, jeśli masz blond perukę… kapelusz z piórami… to jesteś do tego mądrzejszy… wszystko ci wolno i nikt się nie odważy powiedzieć ci prawdę?" (I, 1). Don Juan wie, że tak właśnie jest: znajduje się w szczególnie uprzywilejowanych warunkach. I udowadnia w praktyce żałosną obserwację Sganarelle: „Kiedy szlachetny dżentelmen jest też złym człowiekiem, to straszne” (I, 1). Jednak Moliere obiektywnie zauważa w swoim bohaterze kulturę intelektualną charakterystyczną dla szlachty. Elegancja, dowcip, odwaga, piękno - to także cechy Don Juana, który potrafi oczarować nie tylko kobiety. Sganarelle, postać polisemantyczna (jest zarówno prosty, jak i sprytnie inteligentny), potępia swojego mistrza, choć często go podziwia. Don Juan jest bystry, myśli szeroko; jest uniwersalnym sceptykiem, śmiejącym się ze wszystkiego - iz miłości, z medycyny i z religii. Don Juan jest filozofem, wolnomyślicielem. Jednak atrakcyjne rysy Don Juana w połączeniu z jego przekonaniem o prawie do deptania godności innych tylko podkreślają żywotność tego wizerunku.

Najważniejszą rzeczą dla Don Juana, przekonanego kobieciarza, jest pragnienie przyjemności. Nie chcąc myśleć o czekających go nieszczęściach, przyznaje: „Nie mogę raz pokochać, fascynuje mnie każdy nowy przedmiot… Nic nie jest w stanie powstrzymać moich pragnień. Moje serce jest w stanie kochać cały świat.” Równie mało myśli o moralnym znaczeniu swoich działań i ich konsekwencjach dla innych. Moliere przedstawił w Don Juanie jednego z tych świeckich wolnomyślicieli XVII wieku, którzy swoje niemoralne zachowania usprawiedliwiali pewną filozofią: przyjemność rozumieli jako nieustanne zaspokajanie zmysłowych pragnień. Jednocześnie otwarcie gardzili kościołem i religią. Dla Don Juana nie ma życia pozagrobowego, piekła, nieba. Uważa tylko, że dwa plus dwa równa się cztery. Sganarelle trafnie dostrzegła powierzchowność tej brawury: „Są na świecie tacy dranie, którzy rozwiązują, bo nikt nie wie dlaczego i budują z siebie wolnomyślicieli, bo wierzą, że im to odpowiada”. Jednak powierzchowne świeckie libertynage, tak rozpowszechnione we Francji w latach sześćdziesiątych XVII wieku, w Don Juanie Moliera nie wyklucza prawdziwej filozoficznej wolnomyślicielstwa: przekonany ateista doszedł do takich poglądów dzięki rozwiniętemu intelektowi uwolnionemu od dogmatów i zakazów. A jego ironicznie zabarwiona logika w sporze ze Sganarelle na tematy filozoficzne przekonuje czytelnika i działa na jego korzyść. Jedną z atrakcji Don Juana przez większość sztuki jest jego szczerość. Nie jest pruderią, nie stara się przedstawiać siebie lepiej niż jest i ogólnie trochę ceni opinie innych. W scenie z żebrakiem (III, 2) szydząc z niego do woli, wciąż daje mu złoto „nie dla Chrystusa, ale z filantropii”. Jednak w akcie piątym następuje z nim uderzająca zmiana: Don Juan staje się hipokrytą. Wytarty Sganarelle wykrzykuje z przerażeniem: „Co za człowiek, co za człowiek!” Udawanie, maska ​​pobożności, którą przywdziewa Don Juan, to nic innego jak korzystna taktyka; pozwala mu wydostać się z pozornie beznadziejnych sytuacji; pogodzić się z ojcem, od którego zależy finansowo, bezpiecznie uniknąć pojedynku z porzuconym przez niego bratem Elviry. Jak wielu w jego kręgu towarzyskim, przybierał tylko wygląd przyzwoitej osoby. Wedle jego własnych słów, hipokryzja stała się „modnym, uprzywilejowanym występkiem”, ukrywającym wszelkie grzechy, a modne występki uważane są za cnoty. Kontynuując wątek podniesiony w Tartuffe, Moliere ukazuje ogólny charakter hipokryzji, rozpowszechnionej w różnych klasach i oficjalnie popieranej. Zaangażowała się w to także francuska arystokracja.

Tworząc Don Juana, Molier kierował się nie tylko starą hiszpańską fabułą, ale także metodami budowania hiszpańskiej komedii z przeplataniem się scen tragicznych i komicznych, odrzuceniem jedności czasu i miejsca, naruszeniem jedności stylu językowego (mowa bohaterów jest tu bardziej zindywidualizowana niż w jakiejkolwiek sztuce Moliera). Bardziej złożona jest również struktura postaci głównego bohatera. A jednak pomimo tych częściowych odchyleń od ścisłych kanonów poetyki klasycyzmu, Don Juan pozostaje na ogół klasyczną komedią, której głównym celem jest walka z ludzkimi przywarami, formułowanie problemów moralnych i społecznych, obraz uogólnionych, typizowanych znaków.

Drobnomieszczanin w szlachcie (1670) został napisany bezpośrednio na rozkaz Ludwika XIV. Kiedy w 1669 r., w wyniku polityki Colberta nawiązywania stosunków dyplomatycznych i gospodarczych z krajami Wschodu, do Paryża przybyła ambasada turecka, król przyjął ją z bajecznym luksusem. Jednak Turcy, z ich muzułmańską powściągliwością, nie wyrażali podziwu dla tego splendoru. Urażony król chciał zobaczyć na scenie spektakl, na którym można by śmiać się z tureckich ceremonii. Taki jest zewnętrzny bodziec do stworzenia sztuki. Początkowo Moliere wymyślił scenę wtajemniczenia zatwierdzoną przez króla do godności „mamamushi”, z której później wyrosła cała fabuła komedii. W jego centrum umieścił ciasnego i zarozumiałego kupca, który za wszelką cenę chce zostać szlachcicem. To sprawia, że ​​łatwo uwierzy, że syn tureckiego sułtana podobno chce poślubić jego córkę.

W dobie absolutyzmu społeczeństwo dzieliło się na „podwórko” i „miasto”. Przez cały XVII wiek obserwujemy w „mieście” ciągłą atrakcyjność „dworu”: kupowanie pozycji, posiadanie ziemi (do czego zachęcał król, gdyż uzupełniał wiecznie pusty skarbiec), przymilanie się, przyswajanie szlachetnych obyczajów, języka i obyczajów, burżuazja starała się zbliżyć do tych, od których oddzielili się burżuazyjne pochodzenie. Szlachta, która doświadczyła upadku gospodarczego i moralnego, zachowała jednak swoją uprzywilejowaną pozycję. Jego budowany przez wieki prestiż, arogancja, a nawet często zewnętrzna kultura ujarzmiły burżuazję, która we Francji nie osiągnęła jeszcze dojrzałości i nie rozwinęła świadomości klasowej. Obserwując stosunki między tymi dwiema klasami, Molier chciał ukazać władzę szlachty nad umysłami burżuazji, która opierała się na wyższości kultury szlacheckiej i niskim poziomie rozwoju burżuazji; jednocześnie chciał wyzwolić burżuazję z tej władzy, otrzeźwić ich. Ukazując ludność trzeciego stanu, burżuazję, Molier dzieli ich na trzy grupy: tych, których cechował patriarchat, inercja, konserwatyzm; ludzie nowego typu, posiadający poczucie własnej godności, wreszcie ci, którzy naśladują szlachtę, co szkodzi ich psychice. Wśród tych ostatnich jest bohater The Tradesman in the Nobility, pan Jourdain.

To człowiek całkowicie schwytany jednym marzeniem - zostać szlachcicem. Szczęściem jest dla niego możliwość zbliżenia się do szlachetnych ludzi, całą jego ambicją jest osiągnięcie z nimi podobieństwa, całe jego życie to chęć ich naśladowania. Myśl o szlachcie przejmuje go całkowicie, w tej jego umysłowej ślepocie traci wszelką poprawną ideę świata. Działa bez rozumowania, na własną szkodę. Dochodzi do podłości psychicznej i zaczyna się wstydzić rodziców. Daje się oszukać każdemu, kto chce; okradają go nauczyciele muzyki, tańca, szermierki, filozofii, krawcy i różnych uczniów. Nieuprzejmość, złe maniery, ignorancja, wulgarność języka i maniery pana Jourdaina komicznie kontrastują z jego pretensjami do szlachetnej elegancji i połysku. Ale Jourdain wywołuje śmiech, a nie wstręt, ponieważ w przeciwieństwie do innych podobnych nowicjuszy bezinteresownie kłania się szlachcie, z niewiedzy, jako rodzaj marzenia o pięknie.

Panu Jourdainowi sprzeciwia się jego żona, prawdziwa przedstawicielka burżuazji. To rozsądna, praktyczna kobieta z poczuciem własnej wartości. Z całych sił stara się oprzeć manii męża, jego niestosownym twierdzeniom, a co najważniejsze, oczyścić dom z nieproszonych gości, którzy żyją z Jourdaina i wykorzystują jego łatwowierność i próżność. W przeciwieństwie do męża nie ma szacunku dla tytułu szlacheckiego i woli poślubić córkę za mężczyznę, który byłby jej równy i nie gardziłby mieszczańskimi krewnymi. Młodsze pokolenie - córka Jourdaina Lucille i jej narzeczony Cleont - to ludzie nowego typu. Lucille otrzymała dobre wychowanie, kocha Cleonta za jego cnoty. Cleon jest szlachetny, ale nie z pochodzenia, ale z charakteru i cech moralnych: uczciwy, prawdomówny, kochający, może być użyteczny dla społeczeństwa i państwa.

Kim są ci, których Jourdain chce naśladować? Hrabia Dorant i markiza Dorimena to ludzie szlachetnego urodzenia, mają wyrafinowane maniery, urzekającą uprzejmością. Ale hrabia jest biednym poszukiwaczem przygód, oszustem, gotowym na każdą podłość dla pieniędzy, nawet schlebianie. Dorimena wraz z Dorantem okrada Jourdaina. Wniosek, do którego Molière doprowadza widza, jest oczywisty: niech Jourdain będzie ignorantem i prostotą, niech będzie śmieszny, samolubny, ale to uczciwy człowiek i nie ma czym nim gardzić. Pod względem moralnym Jourdain, w snach naiwny i naiwny, jest wyższy od arystokratów. Tak więc balet komediowy, którego pierwotnym celem było zabawianie króla w jego zamku w Chambord, gdzie udawał się na polowanie, stał się pod piórem Moliera satyryczną pracą społeczną.

W twórczości Moliera pojawia się kilka tematów, które wielokrotnie podejmował, rozwijając je i pogłębiając. Wśród nich jest temat hipokryzji („Tartuffe”, „Don Juan”, „Mizantrop”, „Choroba wyobrażona” itp.), temat szlacheckiego kupca („Szkoła żon”, „George Danden” , „Kupiec w szlachcie” ), wątek rodziny, małżeństwa, wychowania, edukacji. Pierwszą komedią na ten temat, jak pamiętamy, była „Śmieszne pretendentki”, jej kontynuacją była „Szkoła mężów” i „Szkoła żon”, a dopełnieniem komedii „Uczone kobiety” (1672), która wyśmiewa zewnętrzna pasja do nauki i filozofii w paryskich salonach drugiej połowy XVII wieku. Moliere pokazuje, jak świecki salon literacki zamienia się w „akademię naukową”, w której ceni się próżność i pedanterię, gdzie wulgarność i jałowość umysłu starają się zamaskować roszczeniami do poprawności i elegancji języka (II, 6, 7; III, 2). Powierzchowna fascynacja filozofią Platona czy mechaniką Kartezjusza uniemożliwia kobietom wypełnianie ich doraźnych podstawowych obowiązków żony, matki, pani domu. Molier postrzegał to jako zagrożenie społeczne. Śmieje się z zachowania swoich pseudonaukowych bohaterek – Filaminthy, Belize, Armande. Ale podziwia Henriettę, kobietę o jasnym, trzeźwym umyśle i bynajmniej nie ignorancką. Oczywiście Molier nie wyśmiewa tu nauki i filozofii, ale ich bezowocną grę, szkodzącą praktycznemu, zdrowemu światopoglądowi.

Nic dziwnego, że Boileau, który wysoko cenił twórczość Moliera, zarzucił swojemu przyjacielowi, że jest „zbyt popularny”. Ludowy charakter komedii Moliera, przejawiający się zarówno w treści, jak iw formie, opierał się przede wszystkim na ludowych tradycjach farsy. Moliere podążał za tymi tradycjami w swojej twórczości literackiej i aktorskiej, przez całe życie pielęgnując zamiłowanie do teatru demokratycznego. O narodowości twórczości Moliera świadczą także jego ludowe postacie. Są to przede wszystkim służące: Mascaril, Sganarelle, Sozy, Scapin, Dorina, Nicole, Toinette. To w ich obrazach Moliere wyrażał charakterystyczne cechy narodowego charakteru francuskiego: wesołość, towarzyskość, życzliwość, dowcip, zręczność, waleczność, zdrowy rozsądek.

Ponadto Molier w swoich komediach z autentyczną sympatią przedstawiał wieśniaków i chłopskie życie (przypomnijmy sceny na wsi w Niechętnym doktorze czy Don Juanie). Język komedii Moliera świadczy również o ich prawdziwej narodowości: często zawiera materiał folklorystyczny - przysłowia, powiedzenia, wierzenia, pieśni ludowe, które przyciągały Moliera spontanicznością, prostotą, szczerością („Mizantrop”, „Philiston w szlachcie”). Molier śmiało stosował dialektyzmy, ludowe patois (dialekt), różne gwary, zwroty błędne z punktu widzenia ścisłej gramatyki. Spryt, ludowy humor nadają komedii Moliera niepowtarzalnego uroku.

Opisując twórczość Moliera, badacze często przekonują, że w swoich pracach „wyszedł on poza granice klasycyzmu”. W tym przypadku zwykle odnoszą się do odchyleń od formalnych reguł poetyki klasycystycznej (np. w Don Juanie czy niektórych komedii typu farsowego). Nie można się z tym zgodzić. Reguły konstruowania komedii nie były interpretowane tak ściśle, jak reguły tragedii i dopuszczały szersze zróżnicowanie. Molier jest najważniejszym i najbardziej charakterystycznym komikiem klasycyzmu. Dzieląc się zasadami klasycyzmu jako systemu artystycznego, Moliere dokonał prawdziwych odkryć w dziedzinie komedii. Domagał się wiernego odzwierciedlenia rzeczywistości, woląc przejść od bezpośredniej obserwacji zjawisk życiowych do tworzenia typowych postaci. Te postacie pod piórem dramaturga nabierają społecznej pewności; wiele jego obserwacji okazało się zatem proroczych: tak na przykład przedstawia się osobliwości psychologii burżuazyjnej.

Satyra w komediach Moliera zawsze miała znaczenie społeczne. Komik nie malował portretów, nie rejestrował drobnych zjawisk rzeczywistości. Tworzył komedie ukazujące życie i obyczaje współczesnego społeczeństwa, ale dla Moliera była to w istocie forma wyrazu społecznego protestu, żądania sprawiedliwości społecznej.

W centrum jego światopoglądu leżała wiedza eksperymentalna, konkretne obserwacje życia, które wolał od abstrakcyjnej spekulacji. W swoich poglądach na moralność Moliere był przekonany, że tylko przestrzeganie praw naturalnych jest kluczem do racjonalnego i moralnego zachowania człowieka. Ale pisał komedie, co oznacza, że ​​jego uwagę przyciągały łamanie norm natury ludzkiej, odstępstwa od naturalnych instynktów w imię wartości naciąganych. W jego komediach rysuje się dwa rodzaje „głupców”: tych, którzy nie znają swojej natury i jej praw (Moliere próbuje takich ludzi uczyć, otrzeźwiać) oraz tych, którzy celowo kaleczą własną lub cudzą naturę (uważa takich osób niebezpiecznych i wymagających izolacji). Według dramaturga, jeśli natura człowieka jest wypaczona, staje się on moralną deformacją; fałszywe, fałszywe ideały leżą u podstaw fałszywej, wypaczonej moralności. Molier domagał się autentycznego rygoru moralnego, rozsądnego ograniczenia jednostki; wolność jednostki to dla niego nie ślepe podążanie za wołaniem natury, ale umiejętność podporządkowania swojej natury wymaganiom umysłu. Dlatego jego pozytywne postacie są rozsądne i rozsądne.