Artystyczny obraz dzieła muzycznego w chórze tworzony jest i ujawniany poprzez melodię i słowa. Dlatego głównymi wymogami technicznymi brzmienia chóralnego są, po pierwsze, dokładność wysokotonowej intonacji dźwięku przez każdego śpiewaka w oddzielnej części i każdą część w całym brzmieniu chóralnym; po drugie jedność barwy i równowaga dynamiczna poszczególnych głosów w ramach każdej partii i wszystkich partii w ogólnym zespole chóralnym; po trzecie, wyraźna wymowa słów.
Ale harmonijna, czysta intonacyjna, wyważona w sile, zjednoczona w barwie, chóralna dźwięczność jest tylko warunkiem stworzenia obrazu artystycznego, który przekazuje treść dzieła. Dlatego przed rozpoczęciem nauki pieśni prowadzący musi, analizując utwór, zrozumieć jego treść i środki, za pomocą których jest on ujawniany przez kompozytora. W wyniku znajomości tekstu literackiego można zrozumieć temat i ideę utworu oraz jego charakter: heroiczny, liryczny, komiczny itp. W zależności od ogólnego charakteru utworu, tempa, dynamiki , barwa barwy dźwięku, charakter ruchu melodii są określone, artystyczny semantyczny dobór fraz.
Po takiej analizie utworu powstaje plan wykonawczy, któremu podlegają wszystkie późniejsze prace wokalno-chóralne. Prowadzący określa trudności w opanowaniu pracy, nakreśla sposoby ich przezwyciężenia, opracowuje określone ćwiczenia i sporządza szczegółowy plan próby.
Praca z chórem nad nową piosenką zwykle zaczyna się od surowego procesu uczenia się - zapamiętywania melodii, budowania interwałów, harmonii, wypracowania rytmicznej strony utworu i dykcji.
Wraz z opanowaniem elementów technicznych reżyser zaczyna przywiązywać większą wagę do artystycznego wykończenia dzieła. Nadchodzi czas, kiedy nagie nuty zaczynają nabierać artystycznego miąższu.
Jako przykład przytaczamy analizę artystyczną i plan wykonawczy pracy z chórem nad piosenką „Polyushko Kolchoznoje”, słowami i melodią G. Sawickiego, opracowaniem kompozycji żeńskiej chóru ludowego I. Iwanowej. (Piosenka została wydrukowana w tym numerze zbioru na stronie 13).
Tekst literacki pieśni ujawnia obraz rozległego, podzielonego pola kołchozowego.
Och, jesteś moją ukochaną
kołchoz Polyushko,
Jesteś moją babką
Jesteś moją przestrzenią.
Gęste fale żyta
Wiatr się kołysze.
roczny poliushko
Zbiory są sławne.
Och, jesteś moją ukochaną
kołchoz Polyushko,
Jesteś moją babką.
Jesteś moją przestrzenią.
Wiersz wyróżnia się niezwykłą lapidarnością, a jednocześnie wyrazistością obrazu. Pomimo tego, że składa się tylko z trzech czterowierszy, a trzeci jest dosłownym powtórzeniem pierwszego, obraz „kołchozowej poliuszki” wyróżnia się wypukłą i mocno. Jakże wielkie i szerokie w swym zakresie tematycznym znaczenie, jakie autor nadaje słowom „kocholnictwo”! Jest w nich głęboki podtekst, w tej „poliuszce” całe życie osoby pracującej, nowe, szczęśliwe życie, jak „poliuszka”, szerokie i przestronne.
To wewnętrzne znaczenie czy też idea wiersza jest zarysowana już w pierwszym czterowierszu, gdzie majestatyczny obraz „poliuszki” zaczyna się rozwijać poprzez głęboko emocjonalne, pełne miłości wezwanie: „Och, jesteś moim biegunem”.
Jeśli w pierwszym czterowierszu obraz „słupka kolektywnej farmy” objawia się w charakterze liryczno-epickim, to w drugim czterowierszu do głosu dochodzi heroiczny dźwięk obrazu, który nabiera coraz większej treści dynamicznej. Tak więc energetyczny początek drugiego czterowiersza -
Gęste fale żyta
Wiatr się kołysze.
przekazuje żywiołowy ruch, dynamikę rozwoju obrazu „pola kołchozowego”. Nie jest już tylko „szeroka i przestronna”, ale także „słynie ze zbiorów”. Nadchodzi dalsze ujawnienie podtekstu wiersza. Kołyszące się morze żyta jest owocem twórczej pracy człowieka radzieckiego, twórcy wszelkich ziemskich błogosławieństw. Dlatego w trzecim czterowierszu, będącym dosłownym powtórzeniem pierwszego, z nową wigorem rozbrzmiewa apel do „poluszki”: już nie jako refleksja, ale jako hymn do jej płodności, jako hymn do twórczej pracy Ludzie radzieccy.
Tak więc obraz „pola kolektywnej farmy” w wierszu ujawnia się w dynamicznym rozwoju od liryczno-epickiego majestatu do potężnego, heroicznego brzmienia. Technika kadrowania nadaje wierszowi spójność tematyczną, a jednocześnie otwiera przestrzeń dla twórczości kompozytora i autora opracowań chóralnych.
Analizując muzykę utworu ” kołchoz Polyushko”, łatwo zauważyć, że intonacja jest bardzo dokładna, ludowo-piosenka, oddaje charakter obrazu literackiego. Melodia utworu jest szeroka, melodyjna, a dzięki zróżnicowanej organizacji metrum i rytmu tworzy atmosferę emocjonalnego podniecenia i wewnętrznego ruchu. Każdy wers pieśni, oddający nastrój odpowiedniego czterowiersza, jest niejako pewnym etapem rozwoju muzycznego obrazu pieśni.
W muzyce pierwszego wersu jest łagodny, pełen miłości apel do kołchozowego bieguna. Ale jednocześnie nie jest to rozmowa w sensie dosłownym, ale raczej głęboka refleksja, w której „pole kołchozowe” i los człowieka, całe jego życie łączą się w jedną koncepcję. Stąd bierze się definiujący nastrój pierwszego wersu – miękkość, szczerość i znaczenie.
Tempo jest wolne, ruch melodii płynny, ogólny ton jest pianissimo (bardzo cichy).
Wszystkie elementy wypowiedzi artystycznej (melodia, metrorytm, faktura, frazowanie) są w ciągłym ruchu, jakby odsłaniając coraz to nowe aspekty obrazu, dzięki czemu praca staje się podatnym materiałem do artystycznego wykonania.
Pierwszy wers, jak i kolejne wersety, składają się z czterech fraz, z których każda ma swój własny szczyt dynamiczny. Dźwięki idące za szczytem są odtwarzane z podwyższoną dźwięcznością, a dźwięki następujące po szczycie są odtwarzane ze osłabieniem. W ten sposób szczyt jest dynamicznie podkreślany i porządkuje wokół siebie poprzednie i kolejne dźwięki. W analizowanej piosence góra każdej frazy jest pierwszym uderzeniem drugiego taktu. Ale zwroty nie są równoważne w ich znaczeniu. W tym przypadku główną frazą wierzchołkową jest trzecia. Wznosi się do niej emocjonalny wzrost, melodia rozszerza zakres, ruch wewnętrzny przyspiesza poprzez zmniejszenie liczby taktów w drugiej frazie, faktura jest nasycona: pierwsza śpiewa jedna wokalistka, w drugiej dołącza do niej druga, a w trzeciej Zdanie już brzmi polifoniczny chór. W czwartej frazie wręcz przeciwnie, już następuje osłabienie napięcia emocjonalnego, dynamicznie brzmi słabiej niż trzecia, zmienia się jego rytmiczność, skrócona jest skala i uproszczona faktura: czwórkę zastępuje unisono.
Takie rozróżnienie zdań ze względu na ich artystyczne znaczenie nazywamy frazowaniem. (Przykład nr 1) Jeśli ogólny ton wersu to pianissimo, to na górze fraz dźwięk może nieco wzrosnąć, dochodząc do fortepianu, a pod koniec frazy powrócić do pierwotnego tonu.
Trzecia fraza (na górze) brzmi nieco mocniej niż wszystkie pozostałe (w obrębie fortepianu).
Rozwój obrazu muzycznego w wersie drugim i trzecim przebiega drogą dynamicznego rozwoju – od fortepianu do forte, komplikacji fakturalnych, wariantowego rozwoju głosów, zmian barwy, charakteru ruchu melodii i wymowy słów. Wszystkie te zmiany opierają się na zasadzie wtrysku – stopniowy i ciągły wzrost, ekspansja. Na poparcie tego, co zostało powiedziane, rozważmy dynamiczny plan i zmiany tekstury utworu.
plan dynamiczny
Pierwszy werset to pianissimo.
Druga zwrotka to fortepian.
Trzecia zwrotka to od mezzo forte do fortissimo.
Zmiany dynamiki są ściśle związane z komplikacją fakturalną: pierwszą zwrotkę śpiewa jeden śpiewak, drugą przez dwóch, a trzecią zwrotkę rozpoczyna cały chór. Widzimy tu nie tylko wzrost liczby tropów, ale także wzrost liczby głosów głosowych, a także zmienność linii melodycznej samego ołowiu. (Przykład #2)
Piosenka osiąga swoje kulminacyjne brzmienie w ostatnim wersecie ze słowami: „Jesteś moim szerokim, jesteś moim przestronnym”. Wszystkie elementy wyrazu artystycznego w tym miejscu osiągają swój najwyższy poziom. Oto najgłośniejszy dźwięk chóru, charakter ruchu melodii (w przeciwieństwie do poprzednich wersetów nie wyróżnia się już miękką i spokojną formacją dźwięku, ale zamaszystą, jasną, chwytliwą wymową dźwięk i słowo, oparte na połączeniu akcentu i maksymalnej długości dźwięków), faktura osiąga swój graniczny rozwój (5 głosów, półtony), wreszcie melodia wznosi się do najwyższego punktu, podkreślając emocjonalną kulminację i zakończenie cała piosenka. (Przykład #3)
Reżyser w wyniku analizy artystycznej doprecyzował więc treść pieśni i sposób, w jaki kompozytor ją ujawnia. Ale to nie ogranicza się do wstępnych prac nad pracą.
Każdy rodzaj sztuki ma swoją własną technikę, czyli zestaw pewnych umiejętności niezbędnych do stworzenia obrazu artystycznego. W sztuce chóralnej jest to system, zespół, dykcja, umiejętności wokalne - oddech, produkcja dźwięku i rezonans. Widać zatem wyraźnie, że kolejnym etapem wstępnej pracy lidera jest analiza pracy już z punktu widzenia jej trudności technicznych.
Rozważ główne punkty pracy nad tworzeniem chóru.
Śpiew bez akompaniamentu stawia wykonawcom szczególnie wysokie wymagania w zakresie intonacji interwałów i akordów. Bardzo rozbudowana linia melodyczna utworu, obfitująca w szerokie interwały, sprawia duże trudności w intonacji interwałowej. Należy zwrócić uwagę na odcinki melodyczne, które chór może rozbrzmiewać: na dźwięki drugiej proporcji
do sekwencji dźwięków o tej samej wysokości, często powodującej obniżenie intonacji i tym samym wymagającej „podciągania” wysokości każdego kolejnego dźwięku do intonacji półtonowej.
W celu uzyskania czystego intonacyjnie brzmienia prowadzący chór musi znać schematy intonacyjne różnych stopni gam durowych i molowych zgodnie z ich znaczeniem modalnym.
Intonacja w skali durowej.
Dźwięk pierwszego kroku (ton podstawowy) jest intonowany miarowo. Dźwięki drugiego, trzeciego, piątego, szóstego i siódmego stopnia intonowane są x.o przez pragnienie wzniesienia się. Ze szczególnie silnym pragnieniem wzniesienia intonowane są dźwięki trzeciego i siódmego kroku (trzeciego triady tonicznej i tonu wprowadzającego). Dźwięk czwartego kroku intonowany jest chęcią zmniejszenia.
Należy zauważyć, że w rosyjskiej piosence często występuje tryb durowy z obniżonym siódmym krokiem. W tym przypadku jest to intonowane pragnieniem zmniejszenia.
Przykład nr 5 pokazuje charakter intonacji różnych stopni skali durowej. Strzałki skierowane w górę wskazują, że dźwięk powinien być intonowany z tendencją do wznoszenia się, strzałka pozioma oznacza intonację stabilną, a strzałka skierowana w dół oznacza intonację z tendencją do opadania.
Intonacja skali molowej (naturalna).
Dźwięki pierwszego, drugiego i czwartego stopnia intonowane są chęcią wzniesienia się.
Dźwięki trzeciego, szóstego i siódmego kroku - z chęcią zmniejszenia.
W harmonicznym i melodycznym-moll brzmienie siódmego kroku intonowane jest z silną tendencją do wznoszenia. W melodycznym-moll również brzmienie szóstego kroku intonowane jest z chęcią wzniesienia.
Przykład nr 6 pokazuje charakter intonacji dźwięków gamy „b-moll”, w której napisana jest pieśń „Polyushko Kolkhoznoe”.
Dokładna intonacja zależy w dużej mierze od śpiewającego oddechu. Powolne oddychanie z przeciekiem powietrza powoduje zmniejszenie głośności, przeciążenie oddychania przy zbyt silnym ciśnieniu powietrza, wręcz przeciwnie, prowadzi do wymuszania i zwiększania intonacji. Powolne formowanie dźwięku (z wejściem) powoduje również niedokładność intonacji. Niska pozycja, powodująca przepracowanie krtani, pociąga za sobą obniżenie intonacji dźwięku, nakładanie się dźwięku w górnym rejestrze prowadzi do tego samego skutku (dla głosów ludowych dzieje się to w cichych piosenkach). Przy niewystarczającym wykorzystaniu rezonatorów klatki piersiowej intonacja zmienia się w górę.
„Wysoka pozycja” dźwięku ma szczególnie korzystny wpływ na intonację, której istotą jest skierowanie dźwięku do górnych rezonatorów i uwolnienie krtani z napięcia. W każdym rejestrze trzeba osiągnąć wysoką pozycję.
W pracy nad tym utworem należy to szczególnie wziąć pod uwagę podczas ćwiczeń z drugimi altami, które śpiewają w bardzo niskim rejestrze. Ćwiczenia wokalne, śpiewanie osobnych fraz z zamkniętymi ustami lub na sylabę „li”, „le” są bardzo przydatne w ćwiczeniu dźwięków wysokich pozycji.
Zatem czysty intonacyjnie śpiew w chórze w dużej mierze zależy od poziomu wszelkiej pracy wokalnej, która powinna być prowadzona w kierunku kształcenia różnych umiejętności śpiewu i korygowania pewnych mankamentów w głosie śpiewaków (ciasnota brzmienia, forsowanie, drżenie, nosowość). dźwięk itp.).
Najważniejszą umiejętnością wokalną jest poprawny, pochylony oddech”. Często mówi się, że śpiewak, który posiada śpiewający oddech, śpiewa „na podpórce” lub „pochylony dźwięk”. całkowicie do produkcji dźwięku bez wycieków i jest zużywany płynnie i oszczędnie. W tym przypadku pojawia się tak zwany „dźwięk podparty". Ma duże nasycenie, gęstość, elastyczność. Przeciwnie, dźwięk niepodparty jest tępy, luźny słaba, z chrypką, która świadczy o bezużytecznym przecieku powietrza.Możliwa jest duża oszczędność powietrza, a co za tym idzie, śpiewanie dużych konstrukcji muzycznych na jednym oddechu.Niewspierany dźwięk wymaga częstej zmiany oddechu i prowadzi do przerwy w oddychaniu. fraza muzyczna.
Aby uzyskać trwały dźwięk, konieczne jest utrzymanie „ustawienia wdechu”, to znaczy śpiewak nie powinien dopuszczać do obniżania i zwężania klatki piersiowej. Po wzięciu powietrza należy na chwilę „wstrzymać” oddech, a następnie przejść do formowania dźwięku. Ta chwila „opóźnienia”, jak gdyby, stawia cały aparat śpiewający w stan pogotowia. Musisz oddychać swobodnie i naturalnie, bez nadmiernego napięcia, prawie tak samo jak w normalnej mowie konwersacyjnej. Piosenkarz musi wziąć tyle powietrza, ile potrzebuje do wykonania określonego zadania. Objętość wdychanego powietrza zależy od wielkości frazy muzycznej i rejestru, w którym brzmi, a także od siły dźwięku. Śpiewanie w wysokim rejestrze wymaga więcej powietrza. Wdychanie zbyt dużej ilości powietrza skutkuje napiętym dźwiękiem i niedokładną intonacją. Czas trwania oddechu zależy od tempa pracy i powinien być równy czasowi trwania jednego uderzenia taktu. Do ciągłego wykonywania długich konstrukcji muzycznych, a nawet całego utworu stosuje się tzw. „oddech łańcuchowy”. Jej istotą jest sukcesywne odnawianie oddechu przez śpiewaków chóru. Na przykładzie nr 7 podana jest chóralna część drugiej zwrotki, która wykonywana jest na „łańcuchowym oddechu”.
Każdy śpiewak z osobna nie może zaśpiewać tego całego fragmentu bez odnowienia oddechu, ale w chórze, w wyniku sukcesywnego odnawiania oddechu przez śpiewaków, zdanie to brzmi nieartykułowane. Normalny, śpiewny oddech jednego śpiewaka wysycha na przełomie czwartego i piątego taktu, ale nawet jednemu śpiewakowi nie zaleca się oddychania w tym miejscu. Przy „oddychaniu łańcuchem” lepiej oddychać nie na styku dwóch konstrukcji muzycznych, ale przed nią lub po jakimś czasie. Trzeba oderwać się od śpiewu i niezauważalnie w niego wejść, wziąć na chwilę oddech i głównie w środku słowa lub przy dłuższym dźwięku. (Przykład #7).
Jeszcze raz należy podkreślić wagę charakteru wydechu. Powinna być ekonomiczna i równomierna na całej swojej długości. Tylko taki wydech może stworzyć płynny, elastyczny śpiew. Nie pozwól, aby całe powietrze zostało zużyte podczas wydechu. Śpiewanie przy mocno zużytym dopływie powietrza jest szkodliwe.
W śpiewie proces oddychania jest ściśle związany z momentem powstania dźwięku, czyli ataku. Istnieją trzy rodzaje ataku - twardy, z przydechem i miękki. Przy mocnym ataku więzadła zamykają się przed dostarczeniem powietrza. Następnie strumień powietrza otwiera więzadła z niewielkim wysiłkiem. Rezultatem jest ostry dźwięk.
Atak z przydechem jest przeciwieństwem ciężkiego ataku. Wraz z nim pojawienie się dźwięku poprzedza cichy wydech, po którym więzadła spokojnie się zamykają. W tym przypadku samogłoska „A” wydaje się mieć charakter dźwięku „xx-a”, ale spółgłoska „x” nie powinna być słyszalna.
Miękkim atakiem zamknięcie więzadeł rozpoczyna się jednocześnie z początkiem dźwięku.
Zdecydowany atak w śpiewie jest rzadki (w okrzykach dźwiękowych, w głośnej formacji dźwięku po pauzie).
Mocno atakowane ćwiczenia przynoszą wielką korzyść, wywołują wrażenie „wspartego” dźwięku i są sposobem na walkę z powolnym powstawaniem dźwięków powodującym „wejście”. Takie ćwiczenia (przykład nr 8) należy śpiewać w wolnym tempie na samogłoskę „A”
Podstawą śpiewu jest miękki atak. Zassany - używany do cichego i bardzo cichego brzmienia.
W przypadku śpiewaków o ostrych głosach przydatne jest śpiewanie małych norników lub segmentów muzycznej frazy utworu, którego się uczymy na samogłoskach „I”, „E”, „E”, „Yu” lub sylabie „LA”, „ LE”, „LE”, „LU”.
Obraz artystyczny w sztuce wokalnej pojawia się w jedności muzyki i słowa. Nie tylko jakość przekazu słuchaczowi tekstu literackiego piosenki, ale także cały proces śpiewania zależy od sposobu wymowy słów lub dykcji. Jak wiecie, słowo składa się z jedności samogłosek i spółgłosek. Niezbędnym warunkiem poprawnej dykcji podczas śpiewu jest jak najdłuższe wybrzmienie samogłosek oraz krótka, aktywna wymowa spółgłosek, oparta na wyraźnym współdziałaniu języka, warg, zębów i podniebienia z równym i w żadnym wypadku nie szarpliwym wydechem. Przydatne jest wypracowanie klarowności wymowy spółgłosek w cichym dźwięku poprzez ich podwojenie. Jednocześnie, aby skupić całą uwagę na spółgłoskach, dobrze jest krótko, ale nie nagle, rzucać każdą sylabą, obliczając w myślach czas trwania przetrzymanych nut. (Przykład #9)
Szczególnie trudne w wymowie są kombinacje kilku spółgłosek (kraj), spółgłoska na początku słowa (spotkać się, nie spotykać) i spółgłoska na końcu słowa (kolor, nie kolor).
Aby zachować ostateczną ciągłość brzmienia melodii, spółgłoski na końcu sylaby muszą być połączone z następną sylabą.
„U–ro–zha–e–ms l a–v i–ts I”.
Czystą dykcję utożsamia się zwykle z wyraźną wymową spółgłosek, zapominając, że samogłoski również odgrywają ogromną rolę w wymowie słów i ogólnej jedności brzmienia chóralnego.
Samogłoski to czyste dźwięki bez domieszki szumu. Niektóre z nich brzmią jasno, otwarte – „A”, inne zakryte – „O”, „U”, trzecie – „zamknięte” – „I”. Stopień napięcia lub jasności samogłosek jest różny, zależy od położenia ust i miejsca samogłoski w słowie (samogłoski akcentowane brzmią intensywniej, jaśniej niż nieakcentowane).
W śpiewaniu, aby stworzyć gładką linię wokalną, wszystkie samogłoski są w jakiś sposób neutralizowane, to znaczy zacierana jest ostra linia między nimi. Dzieje się tak w wyniku utrzymywania w przybliżeniu tej samej pozycji ust dla wszystkich samogłosek. Wiadomo, że ta sama samogłoska w różnych pozycjach ust nabiera różnych cech dźwiękowych: przy szeroko otwartych ustach brzmi otwarta, jasna, z półotwartą - zakrytą, miękką, śpiewając z rozchylonymi kącikami ust ( na uśmiechu) - brzmi lekko, łatwo, „zamknij”. Jest więc jasne, że w brzmieniu pojedynczej frazy lub całego utworu, nacechowanych pewnym nastrojem, wszystkie samogłoski powinny brzmieć w tym samym tonie emocjonalnym, z jedną dominującą pozycją ust. Jednolity sposób formowania samogłosek w chórze ma decydujące znaczenie, ponieważ jest podstawą jedności barwowej głosów. Aby rozwinąć pojedynczy rezonans samogłoskowy, warto zaśpiewać sekwencję dźwięków o tej samej wysokości na sylabach MI-ME-MA-MO-MU (spółgłoska „M” służy do złagodzenia ataku. Przykład nr 10) . W takim przypadku należy upewnić się, że wszystkie samogłoski są wykonywane z takim samym stopniem rozwarcia ust.
Aby uniknąć „wejścia” podczas śpiewania samogłosek „A”, „O”, „U”, „E”, „I” następujących po innej lub tej samej samogłosce, zwłaszcza na styku dwóch wyrazów, należy rozciągnij pierwszą samogłoskę tak długo, jak to możliwe i natychmiast przejdź do drugiej, atakując dźwięk nieco mocniej. Na przykład: „…polyushko słynie ze swoich zbiorów”.
Powiedzieliśmy już powyżej, że samogłoska akcentowana brzmi mocniej i jaśniej niż samogłoska nieakcentowana. Ale czasami w pieśniach ludowych mocne uderzenie taktu nie pokrywa się z akcentem w słowie. W takich przypadkach samogłoska, która brzmi na mocnym uderzeniu taktu, musi być wykonana mniej wyraźnie niż samogłoska, na której akcentowane są słowa (Przykład 11)
Widzimy tutaj, że w słowie „My” nieakcentowana samogłoska „O” odpowiada stosunkowo silnemu uderzeniu taktu, a zatem, wyróżniając się, zniekształci to słowo. Aby temu zapobiec, sylaba „MO” musi być wykonywana nieco ciszej niż samogłoska „Yo”.
Praca nad samogłoskami w chórze ludowym ma szczególne znaczenie w związku z błędnym poglądem niektórych muzyków na barwę głosu ludowego. Uważają, że śpiew ludowy charakteryzuje się tylko otwartym, białym dźwiękiem. Brak zrozumienia wokalnych podstaw śpiewu ludowego prowadzi do błędnej orientacji tego wspaniałego gatunku sztuki chóralnej. Czyż bogactwo gatunkowe rosyjskiej pieśni ludowej, od miękkich, łagodnych chórów, ostrych przyśpiewek po szerokie płótna melodyjnych pieśni lirycznych i wrzaskliwych widelnic, nie mówi o jej najszerszym zakresie emocjonalnym?! Jak możesz zaśpiewać wszystkie te piosenki jednym dźwiękiem?! Jest absolutnie jasne, że brzmienie chóru ludowego, jak każdego innego chóru, zależy od treści utworu, od jego emocjonalnego wydźwięku.
Podstawą każdej zbiorowej sztuki muzycznej, w tym chóru, jest jedność i pewna koordynacja działań wszystkich członków kolektywu. Wszystkie elementy brzmienia chóralnego: struktura, dykcja, siła, barwa, szybkość ruchu itp. istnieją tylko w formie zbiorowej, zespołowej. Dlatego praca nad zespołem przenika wszystkie etapy pracy chóralnej.
Mówiliśmy już o jednym sposobie tworzenia samogłosek i spółgłosek. Teraz rozważymy zespół rytmiczny i dynamiczny. W "Polyushka Kolkhozny" każdy głos ma swój własny, niezależny wzór rytmiczny. Przy jednorazowym wykonaniu istnieje niebezpieczeństwo naruszenia zespołu rytmicznego. Aby temu zapobiec, konieczne jest wychowanie śpiewaków do odczuwania pulsowania melodii. W tym celu dobrze jest śpiewać fragmenty muzyczne z głośnym rozbijaniem ćwierć, połowy i całej nuty na ósemki (przykład N2 12).
Dzięki temu ćwiczeniu chór dokładnie wytrzyma złożone czasy i przejdzie w czasie do kolejnych dźwięków. Zwykle przy dźwiękach o długim czasie trwania śpiewacy tracą precyzyjne wyczucie ruchu i przechodzą do kolejnych dźwięków z opóźnieniem lub z wyprzedzeniem.
Dynamiczny zespół w chórze opiera się na równowadze siły głosów jednej partii i pewnej koordynacji partii między sobą: albo partia wyższa, prowadząca głos główny, brzmi głośniej niż inne partie, potem do głosu dochodzi głos środkowy lub niższy, wtedy wszystkie partie brzmią z taką samą siłą . Tak więc w piosence „Polyushko Kolkhoznoye” najpierw wyższy głos brzmi głośniej, następnie zmiany melodyczne w różnych głosach zaczynają być dynamicznie podkreślane, w kulminacyjnym momencie wszystkie głosy brzmią z równą siłą.
Większość rosyjskich pieśni ludowych wykonywana jest z głównymi wokalistami. W takich przypadkach bardzo ważny jest zespół pomiędzy liderem a chórem, który przejmuje od lidera cały charakter wykonania utworu. Należy to wziąć pod uwagę podczas nauki tej piosenki. Podstawą dobrego zespołu w chórze jest prawidłowy dobór głosów i ich ilościowa równość w każdej części. Rezultatem jest naturalny zespół. Ale czasami głosy tworzące akord mają różne warunki tessitury. W tym przypadku równowagę brzmienia uzyskuje się sztucznie, w wyniku specjalnego rozkładu siły dźwięku między głosami: głos drugorzędny, zapisany w wysokim rejestrze, powinien brzmieć ciszej, a głos główny, zapisany w rejestr niski, należy wykonywać głośniej. Jeśli wszystkie głosy w danej sytuacji zostaną wykonane z taką samą siłą, to głos wtórny zagłuszy głos główny i oczywiście nie będzie zespołu.
Aby stworzyć artystycznie pełnoprawny zespół, konieczne jest, aby każdy piosenkarz nie tylko dokładnie śpiewał swoją partię, ale także, słuchając swoich partyjnych sąsiadów, połączył się z nimi. Co więcej, musi słuchać głównego głosu i mierzyć nim siłę swojego głosu.
Północnorosyjski chór ludowy - dusza Morza Białego
Archangielski Pomorowie to potomkowie starożytnych Nowogrodzian, którzy osiedlili się w tym regionie w czasach starożytnych. Ich sztuka zachowała się do dziś w swojej pierwotnej formie. To swoisty artystyczny świat z własnymi prawami i koncepcjami piękna. Jednocześnie w pieśniach i tańcach Północy wyraźnie widać humor, entuzjazm i wewnętrzny temperament charakterystyczny dla Pomorów. Sztuka pieśni północnej jest wyjątkowa, wyróżnia się surowością stylu, czystą czystością i powściągliwością, a wszystko to połączone jest z odważnym epickim i silną wolą początkiem.
Chór Północny słusznie nazywany jest perłą kultury rosyjskiej. Przez 85 lat swojego istnienia nigdy nie zmienił swojej roli. Każdy spektakl to szczególny artystyczny świat i jasny dynamiczny spektakl: duże przedstawienia fabularne, kompozycje wokalne i choreograficzne, zdjęcia z świąt ludowych. W polifonii pieśni chóru słychać wszystkie dźwiękowe odcienie natury północnej: zamyślony dialekt tajgi, gładką czystość rzek, echem głębię oceanu i przejrzyste drżenie białych nocy.
Antonina Yakovlevna KOLOTILOVA - założycielka i dyrektor artystyczny Państwowego Akademickiego Chóru Ludowego Północnej Rosji (1926 - 1960), Artysta Ludowy RFSRR, Czczony Artysta RFSRR, laureat Nagrody Państwowej ZSRR
„Ten, kto nie kocha swojej rodzimej piosenki, nie kocha swoich rodzimych ludzi!”(A.Ya. Kolotilova)
Antonina Yakovlevna Kolotilova (Sherstkova) urodziła się w 1890 roku we wsi Żylino, niedaleko starożytnego miasta Veliky Ustyug.
W 1909 Kolotilova ukończyła z wyróżnieniem Gimnazjum Żeńskie Veliky Ustyug i poszła uczyć w wiejskiej szkole we wsi Pelyaginets, powiat Nikolski, obwód Wołogdy. To właśnie w tej wiosce Antonina Kolotilova zaczęła wykazywać zawodowe zainteresowanie folklorem. Zawsze z zainteresowaniem obserwowała północne ceremonie, słuchała pieśni, uczyła się lamentować, powiększać siebie, doskonaliła sposób poruszania się dziewcząt i kobiet w okrągłych tańcach, kadrylach i smyczkach.
Kolotilova, urodzona i wychowana na północy Rosji, bardzo kochała swoją ojczyznę, zwłaszcza rozległe łąki zalewowe w okresie kwitnienia traw.
W 1914 r. Antonina Jakowlewna wyszła za mąż i przeniosła się do Nikolska. Tam pracuje jako nauczycielka w szkole ludowej i kontynuuje kolekcjonowanie i nagrywanie lokalnych piosenek, bajek, przyśpiewek. Wrodzony talent artystyczny pomógł młodej dziewczynie łatwo opanować kulturę i sposób wykonania.
Po 5 latach Kolotilovowie przenieśli się do Veliky Ustyug. To właśnie w tym starożytnym rosyjskim mieście na północy zaczyna się historia Chóru Północnego. Tutaj Antonina Jakowlewna organizuje amatorski zespół kobiecy, który występuje w klubach, a nieco później w rozgłośni radiowej, która powstała w mieście. Muszę powiedzieć, że pierwszymi członkami zespołu były głównie gospodynie domowe. Z łatwością przychodzili do jej mieszkania, organizowali próby zbiorowe, studiowali piosenki, które ich interesowały. Koncerty młodych chórzystów spotkały się z aprobatą słuchaczy, a występy radiowe sprawiły, że zespół cieszył się dużym zainteresowaniem. W tym czasie w amatorskim chórze Kolotilovej było około 15 osób.
„Antonina Jakowlewna w pełni zasłużyła na miłość ludzi i chwałę siebie, ponieważ całą swoją siłę i myśli, niewyczerpaną energię i pasję duszy oddała śpiewowi ludowemu i chórowi, który stworzyła… Gdyby nie ta cudowna kobieta na świecie nie byłoby naszego północno-rosyjskiego chóru ludowego!”(Nina Konstantinovna Meshko)
Narodziny Chóru Północnego
W 1922 roku w Moskwie w studiu nagraniowym Antonina Jakowlewna poznała Mitrofana Piatnickiego. To właśnie to spotkanie stało się punktem zwrotnym dla Kolotilovej. Znajomość twórczości chóru Piatnickiego była impulsem do stworzenia własnego chóru ludowego pieśni północnych. 8 marca 1926 r. w Domu Pracowników Oświaty po raz pierwszy wystąpiła niewielka grupa amatorska. Ten dzień stał się dniem urodzin Północnorosyjskiego Chóru Ludowego.
Początkowo chór miał charakter etnograficzny, ale potem warunki życia scenicznego wymagały reorganizacji i twórczej przebudowy: pojawiła się grupa taneczna i akordeoniści. W 1952 r. staraniem kompozytora V.A. Łaptiew.
W zespole było wtedy tylko 12 śpiewaków. Za kostiumy służyły stroje matek i babć - prawdziwe chłopskie sukienki i bluzki. Pierwszymi harmonistami byli bracia Tryapitsynowie Borys i Dmitrij, a także młodszy brat Antoniny Jakowlewny Walerij Szerstkow. Przyjęcia na próbach były nauczane głosem dyrektora artystycznego. Antonina Jakowlewna nie tylko pokazała, jak śpiewać, ale także jak prawidłowo się poruszać, kłaniać i zachowywać na scenie.
Nowo powstały chór był zawsze ciepło przyjmowany w przedsiębiorstwach miasta, w instytucjach oświatowych, okolicznych wsiach. Status grupy amatorskiej nie przeszkodził Kolotilovej w poważnej pracy, ostrożnie traktując północną piosenkę i dokładnie odtwarzając sposób jej występu! Nigdy nie zmieniła tych wymagań w przyszłości. We wczesnych latach chór wykonywał głównie stare pieśni ludowe, które śpiewaczki – dawne wieśniaczki, rdzenne mieszkanki Północy – znały od dzieciństwa, posiadały nie tylko umiejętności wykonawcze, ale także ludowy styl improwizacji. Nie bez powodu Chór Północny od dawna uważany jest za najbardziej autentyczny etnograficznie, konsekwentny w swej linii twórczej, zachowujący tradycje pieśni północnej, a chórzyści zawsze wyróżniali się umiejętnością wnikania w głąb musicalu. wizerunku i ucieleśnienia go w niepowtarzalnym pięknie.
W 1931 Kolotilova zorganizowała w Archangielsku chór na większą skalę, zarówno pod względem liczby uczestników, jak i wielkości repertuaru. W programie koncertu znajdują się piosenki z Pinezhye, Pomorza Północnego, tańce i sceny z życia codziennego. Najbogatszy materiał muzyczny Kolotilova zbiera podczas swoich podróży do różnych regionów regionu Archangielska. W tym samym czasie zakupiono kostiumy dla członków chóru.
W 1935 roku, podróżując po Pomorie, Antonina Jakowlewna spotkała Marfę Siemionowną Kryukową, słynną gawędziarza. Kolotilova zadbała o to, aby Kryukova uczestniczyła w pierwszym Ogólnounijnym Festiwalu Radiowym (1936). W przyszłości Marfa Kryukova wyjechała z Chórem Północnym do Moskwy, gdzie wraz z Antoniną Jakowlewną pracowała nad pierwszymi opowieściami.
Oprócz eposów w programach chóru zawsze pojawiały się zabawne, taneczne, komiczne pieśni-bufony, wywodzące się ze sztuki wędrownych muzyków-bufonów, oraz przeciągłe piosenki liryczne, które śpiewacy wykonywali w wzruszający i szczery sposób.
W czasie wojny zespół dał wiele koncertów. Jeździli furgonetkami, żyli od ręki do ust, brakowało im snu, a od czasu do czasu uciekali przed bombardowaniami. Udali się do Floty Północnej, do Murmańska, Arktyki, na front karelsko-fiński, na Ural. W 1944 wyjechali na pół roku na Daleki Wschód.
Antonina Kolotiłowa: „Kocham moją ojczystą Północ i śpiewam do niej piosenki!”
Do 1960 roku Antonina Jakowlewna pozostała dyrektorem artystycznym grupy. Wszystkie lata pracy Kolotilovej wypełnione były niestrudzoną, ciężką pracą i twórczym spalaniem, szczerym pragnieniem zachowania i przekazania współczesnym głębi oryginalności i piękna sztuki ludowej Terytorium Północnego, nieustannym poszukiwaniem nowych form scenicznych i występów znaczy. Życie Kolotilovej było prawdziwym wyczynem twórczym, a tradycje przez nią ustanowione są żywe w zespole.
Źródło: Wybitni mieszkańcy Wołogdy: Szkice biograficzne/
Wyd. rada „Encyklopecia Wołogdy” - Wołogda:
VSPU, wydawnictwo „Rus”, 2005. - 568 s. - ISBN 5-87822-271-X
W 1960 roku artystka ludowa RSFSR, laureatka nagrody państwowej Antonina Jakowlewna Kolotiłowa, przekazała kierownictwo grupy absolwentce Moskiewskiego Państwowego Konserwatorium Czajkowskiego, doświadczonemu pedagogowi i chórmistrzowi Ninie Konstantinownej Mieczko. Nowy okres w życiu zespołu to wzrost profesjonalizmu i kultury scenicznej.
Nina Konstantinovna Meshko - Artystka Ludowa ZSRR, laureatka Nagrody Państwowej RSFSR im. Glinki, dyrektor artystyczny północnego chóru ludowego w latach 1960-2008, akademik IAU, profesor wydziału Rosyjskiej Akademii Nauk. Gnezyny
„Ludzie opierają się na swojej tradycyjnej, rdzennej kulturze!”(Nina Mesko)
Nina Meshko urodziła się w 1917 r. we wsi Malachowo, powiat rzewski, obwód Twerski, w rodzinie nauczycieli, gdzie bardzo lubili piosenki. Mama Aleksandra Wasiliewna miała wspaniały głos, a jej ojciec Konstantin Iwanowicz nie tylko prowadził szkolny chór, ale także uwielbiał śpiewać w miejscowym kościele.
Ze wspomnień N.K. Mesko: „Nie pamiętam ile miałem lat, może nawet niecały rok… Byłem owinięty w puchowy szal, a ktoś trzymał mnie w ramionach. W kuchni ludzie siedzieli wokół dużego drewnianego stołu i wszyscy śpiewali. A jednocześnie doświadczyłem zupełnie niewytłumaczalnej błogości ... ”Mała Nina samodzielnie opanowała grę na pianinie, studiowała podstawową teorię muzyki, solfeż. I tak zachwyciła się światem muzyki, że zdecydowała: tylko muzyka i nic więcej! I dlatego bez wątpienia Nina Meshko wchodzi do szkoły muzycznej imienia Rewolucji Październikowej, a po ukończeniu Konserwatorium Moskiewskiego na wydział dyrygencki i chóralny. To tam Nina Konstantinovna po raz pierwszy usłyszała Chór Północny. Wywarł na niej bardzo silne wrażenie.
A potem Ninie Meshko zaproponowano utworzenie chóru ludowego z regionu moskiewskiego. Po tej pracy ostatecznie zdecydowała Nina Konstantinovna: tylko śpiew ludowy i nic więcej.
Ze wspomnień N.K. Mesko: „Jakaś obsesja dosłownie wpadła we mnie, aby ożywić ludową kulturę śpiewu. Bo była najlepsza! To jest taka umiejętność! Świadczą o tym zapisy, zwłaszcza te północne.Po Chórze Moskiewskim Nina Meshko współpracowała z Chórem Rosyjskiej Pieśni Ludowej Radia Wszechzwiązkowego, a następnie otrzymał zaproszenie do prowadzenia Chóru Północnego. Północ podbiła ją i sprawiła, że zakochała się w sobie.
Ze wspomnień N.K. Mesko: „Wykonywanie piosenki jak na północy może być wykonane przez ludzi, którzy są niezwykle zaznajomieni z kulturą śpiewu, mają piękne, elastyczne, wolne głosy”.Nina Konstantinovna Meshko przez prawie 50 lat kierowała Akademickim Chórem Ludowym Północnej Rosji, znanym nie tylko w Rosji, ale także daleko poza jej granicami. Przejęła tę pałeczkę od swojej nauczycielki Antoniny Kolotilovej. Pod przewodnictwem Niny Meshko chór został laureatem wielu międzynarodowych konkursów. Mesko był założycielem Gniesińskiej Szkoły Śpiewu Ludowego. „Szkoła Mesko” wychowała plejadę nauczycieli, chórmistrzów i wykonawców pieśni ludowych. Wśród nich są Tatiana Pietrowa, Nadieżda Babkina, Ludmiła Ryumina, Natalya Boriskova, Michaił Firsow i wielu innych. Ludmiła Zykina uważała ją za swojego nauczyciela. Meshko opracowała własną technikę chóralną, którą obecnie posługują się jej liczni uczniowie.
Ze wspomnień N.K. Mesko: „Sztuka pieśni to kronika życia całego narodu rosyjskiego. Jest wyjątkowy, niezwykle bogaty, ponieważ język rosyjski jest niezrównanie bogaty. A potem żyje, nieustannie się rozwija, odnawia, odradza się z popiołów… Ludność opiera się na swojej tradycyjnej, rdzennej kulturze.
WyznanieN. MeshkoWybacz, wybacz mi Panie!
Za to, czego nie mogłem zrobić
I w zgiełku dnia?
Nie miałem czasu na spłatę długów.
nie mogłem dać
Ktoś spojrzy, ktoś pieści,
Bólu nie złagodziło,
Nie opowiadałem tej historii innym.
W obecności krewnych o żałobnej godzinie
Nie pokutował
A żebrak w torbie więcej niż raz
Nie dawał jałmużny.
Kochający przyjaciele, często oni
Mimowolnie się obrażam
I widząc smutki innych,
Uciekam od cierpienia.
skwapliwie pędzę do nieba,
Ale ciężar zmartwień przyciąga na ziemię.
Chcę dać kawałek chleba -
I zapominam na stole.
wiem wszystko, co powinienem
Ale nie spełnił przymierza ...
Czy wybaczysz mi Panie?
Za wszystko, za wszystko, za wszystko za to?
Irina Łyskowa,
Sekretarz Prasowy Chóru Północnego
Oryginalność repertuaru i dbałość o pieśniowe bogactwo regionu
Czołowa grupa kolektywu - chór kobiecy urzeka słuchacza wyjątkową barwą, pięknem oryginalnych śpiewów, czystością brzmienia kobiecych głosów a cappella. Chór podtrzymuje ciągłość tradycji śpiewu. Chór północny, wyróżniający się wysoką kulturą śpiewu i wyjątkową oryginalnością, stabilnie zachowuje tradycje i priorytet w wykonaniu wysokiej duchowości.
Na szczególną uwagę zasługują kostiumy Chóru Północnego. Stworzone przez profesjonalnych projektantów kostiumów, na podstawie najlepszych próbek ze zbiorów muzealnych Archangielska, Moskwy, Petersburga, są zbiorowym obrazem rosyjskiego stroju narodowego mieszkańców północy. Podczas koncertu artyści kilkakrotnie zmieniają kostiumy – występując przed publicznością w odświętnych, codziennych lub stylizowanych strojach stworzonych specjalnie na koncertowe numery.
Zespół składa się z trzech grup - chóralnej, tanecznej i orkiestry rosyjskich instrumentów ludowych. Już w 1952 roku staraniem kompozytora V.A. Łaptiew. W brzmieniu rosyjskich instrumentów ludowych orkiestry jest niesamowita szczerość i ciepło. Oryginalność repertuaru i dbałość o pieśniowe bogactwo regionu, nowoczesność i wysoki poziom wykonawczy przynoszą chórowi zasłużony sukces!
Uwagę widza nieustannie przykuwa scena: wesołe bufony przeplatają się z lirycznymi, niestrudzonymi pieśniami, żarliwe kadryle zastępują stateczne, okrągłe tańce, śpiew a cappella przeplata się z utworami muzycznymi.
Chór Północny zwraca szczególną uwagę na edukację słuchacza, widza, dlatego wiele jego programów jest dedykowanych dzieciom, młodzieży i studentom. Chór aktywnie kontynuuje działalność koncertową w Rosji i za granicą.
W 1957 roku zespół został laureatem festiwalu młodzieży i studentów w Moskwie. To wydarzenie otworzyło chórowi drogę za granicą. Rozpoczął się nowy etap w działalności kolektywu, aby chór zyskał uznanie za granicą, musi być wyjątkowy.
Od 1959 roku chór podróżował do Polski, Bułgarii, Francji, Niemiec, Włoch, Chin, Indii, Afganistanu, Japonii, Tunezji i USA. Zespół kilkakrotnie jeździł na koncerty do Finlandii, odwiedził Szwecję i Norwegię. Przygotowywał program „Arctic Rhapsody” wraz z zespołem tańca folklorystycznego „Rimpparemmi” w Finlandii (Rovaniemi). Pracował w 2004 i 2007 roku w Damaszku (Syria), gdzie w centrum rosyjsko-syryjskim odbywały się Dni Rosji. W 2005 roku zespół został zaproszony przez stowarzyszenie muzeów miasta Varde (Norwegia) z okazji obchodów rocznicy miasta. Jesienią 2005 roku zespół bierze udział w festiwalu kultury i kinematografii rosyjskiej w Nicei. „Najbardziej intymne zakątki francuskiej duszy dotknęli artyści - mieszkańcy północy z Rosji, otrzymawszy potężną emocjonalną reakcję, publiczność długo nie pozwalała artystom odejść, bijąc brawo ze łzami w oczach. Oto triumf rosyjskiej narodowej sztuki ludowej!” - tak występy chóru oceniały francuskie media. W 2007 roku Chór Północny został oficjalnie zaproszony przez Ministerstwo Kultury Syrii, Reprezentację Centrum Roszarubezh w Syryjskiej Republice Arabskiej oraz Rosyjskie Centrum Kultury w Damaszku na festiwal folklorystyczny w Bosrze.
Chór Północny jest stałym uczestnikiem dużych imprez w Rosji, więc wiosną 2004 roku zespół wziął udział w Wielkanocnym Festiwalu w Moskwie, w 2005 roku razem z Zasłużonym Artystą Rosji, uczniem N.K. Meshko T. Petrova i Narodowa Akademicka Orkiestra Instrumentów Ludowych Rosji im. N.P. Osipova wzięła udział w obchodach 250-lecia Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego.
Chór północny z powodzeniem łączy autorską muzykę współczesnych kompozytorów z tradycyjnymi melosami ludowymi, osiągając w wykonawstwie artystów prawdę sceniczną i północną nutę. W repertuarze chóru znajdują się pieśni oparte na wierszach: Siergieja Jesienina, Olgi Fokiny, Larisy Wasiljewej, Aleksandra Prokofiewa, Wiktora Bokowa, archangielskich poetów Dmitrija Uszakowa i Nikołaja Żurawlewa, Olega Dumańskiego.
Nagrody i tytuły chóru północnego
Za 85-letnie twórcze życie zespół został nagrodzony wysokimi tytułami i nagrodami.
1940
Zespół otrzymał status profesjonalnego zespołu państwowego.
1944
I nagroda na Ogólnorosyjskim Przeglądzie Chórów (Moskwa)
1957
Laureat i Wielki Złoty Medal VI Światowego Festiwalu Młodzieży i Studentów (Moskwa).
Laureat i Dyplom I stopnia (średni) II Ogólnounijnego Festiwalu Teatrów Muzycznych, Zespołów, Chórów (Moskwa).
1967
Dyplom ogólnounijnego przeglądu profesjonalnych grup artystycznych.
1971
Laureat VI Międzynarodowego Festiwalu Folkloru w Tunisie.
1975
Laureat i Dyplom I stopnia Ogólnorosyjskiego Przeglądu Zawodowych Rosyjskich Chórów Ludowych.
1976
Zarządzeniem Ministra Kultury otrzymał tytuł „Akademicki”.
1977
Laureat i Złoty Medal Magdeburskiego Festiwalu Przyjaźni Radziecko-Niemieckiej.
Laureat konkursu grup artystycznych Rosji.
1999
Laureat IV festiwalu „Wiosna Folkloru” i I Ogólnorosyjskiego Festiwalu Kultury Narodowej.
rok 2001
Laureat Międzynarodowego Festiwalu Folkloru w Saint-Ghislain (Belgia).
2002
Laureat Międzynarodowego Festiwalu Folkloru w Rovaniemi (Finlandia).
Laureat Wszechrosyjskiego Moskiewskiego Festiwalu Kultur Narodowych.
2003
Laureat Rosyjskiego Festiwalu Kultur Narodowych (Petersburg).
Laureat kongresu i festiwalu kultur narodowych narodów Rosji (Niżny Nowogród).
2007
Laureat festiwalu sztuki ludowej w mieście Bosra (Syryjska Republika Arabska).
2010
Laureat I Wszechrosyjskiego Festiwalu Sztuki Śpiewu Ludowego „Wieczne początki” (Moskwa).
2011
8 marca w programie koncertowym „Chór Północny na wszystkie czasy” obchodzono 85-lecie Chóru Północnego.
Chórowi Północnemu nadano status „Szczególnie cennego obiektu dziedzictwa kulturowego regionu Archangielska”.
Laureat Międzynarodowego Festiwalu Bożonarodzeniowego we Włoszech. W ramach konkursu zespół otrzymał dwa złote dyplomy w nominacjach „Folklor sceniczny” i „Śpiew duchowy”.
rok 2012
Laureat festiwalu chórów zawodowych „Słowiański taniec okrągły” (Ryazan).
Organizator II Ogólnorosyjskiego Festiwalu im. Artysty Ludowego ZSRR, dyrektor artystyczny zespołu Nina Konstantinovna Meshko.
Liderzy Chóru Północnego
Dyrygent: Natalia GeorgievnaAsadczyk.
Dyrektor artystyczny: Czczony Artysta Rosji, profesor Akademii Muzycznej im. Gnessina Svetlana Konopyanovna Ignatieva.
Główny dyrygent: Czczony Artysta Rosji Aleksander Michajłowicz Kaczajew.
Główny choreograf: Czczony Artysta Rosji Selivanov Aleksander Pietrowicz.
Historia zespołu sięga 2 marca 1911 roku, kiedy to na małej scenie Zgromadzenia Szlacheckiego odbył się pierwszy koncert chóru chłopskiego pod dyrekcją Mitrofana Efimowicza Piatnickiego. W programie pierwszego koncertu znalazło się 27 piosenek z obwodów Woroneża, Ryazania i Smoleńska w Rosji. Siergiej Rachmaninow, Fiodor Chaliapin, Iwan Bunin byli zszokowani nieskazitelną i natchnioną sztuką śpiewu chłopów i najwyżej ocenili chłopskich śpiewaków i muzyków. Ocena ta w dużym stopniu przyczyniła się do ukształtowania zespołu jako jednostki kreatywnej rosyjskiej sceny tamtych lat. Do 1917 roku zespół był „amatorski”. Po rewolucji październikowej działalność chóru wspierała władza sowiecka. Wszyscy uczestnicy przenoszą się na stałe do Moskwy. A od początku lat 20. chór prowadzi dużą działalność koncertową nie tylko w Moskwie, ale w całym kraju.
Od początku lat trzydziestych grupą kierował jako dyrektor muzyczny Ludowy Artysta ZSRR, laureat Państwowych Nagród W.G. Zacharowa, którego autorskie piosenki „A kto wie”, „Wzdłuż wsi”, „Rosyjskie piękno”, gloryfikowały Chór Piatnicki w całym kraju.
Pod koniec lat 30. w chórze powstały zespoły orkiestrowe i taneczne, na czele których stał Artysta Ludowy Federacji Rosyjskiej W.W. Chwatow i Laureat Nagród Państwowych, profesor T.A. Ustinova. Umożliwiło to znaczne rozszerzenie środków wyrazu sceny, a taka strukturalna podstawa została zachowana do dnia dzisiejszego i na tym obrazie powstało wiele kolektywów państwowych.
W czasie II wojny światowej chór im. M.E. Piatnickiego prowadził dużą działalność koncertową w ramach frontowych brygad koncertowych. I piosenka „Och, mgły” V.G. Zacharowa stała się hymnem ruchu partyzanckiego. 9 maja 1945 roku chór był jedną z głównych grup podczas obchodów Wielkiego Zwycięstwa w Moskwie. Ponadto był jednym z pierwszych zespołów, którym powierzono reprezentowanie kraju za granicą. Przez wszystkie kolejne dziesięciolecia chór im. M.E. Pyatnitsky'ego prowadził ogromną działalność koncertową i koncertową. Swoją sztukę wprowadził w każdy zakątek kraju, odwiedził ponad 40 krajów świata. Zespół stworzył arcydzieła światowej sztuki ludowej.
Znaczącą kartą w historii grupy jest twórczość Ludowego Artysty ZSRR, laureata nagrody państwowej kompozytora W.S. Lewaszowa. Piosenki V.S. Lewaszowa „Weź płaszcz - chodźmy do domu”, „Moje rodzinne przedmieścia” - a dziś są ozdobą współczesnej sceny piosenki.
Powstały filmy fabularne i dokumentalne o Chórze im. M.E. Państwowy Rosyjski Chór Ludowy im. M.E. Piatnickiego”, „Wspomnienia W.G. Zacharowa”, „Rosyjskie tańce ludowe”; ogromna liczba zbiorów muzycznych „Z repertuaru chóru im. M.E. Piatnickiego”, publikacje w gazetach i czasopismach, wydano wiele płyt.
Współczesny chór im. M.E. Piatnicki to złożony organizm twórczy, składający się z zespołów chóralnych, orkiestrowych, baletowych z aparatem artystycznym i administracyjnym.
Źródło - http://www.pyatnitsky.ru/action/page/id/1194/?sub=kolektiv
Od arafanów po podłogę, kokoshniki i sztukę pieśni. Rosyjskie chóry ludowe z tytułem „akademicki” – w uznaniu najwyższego poziomu umiejętności scenicznych. Więcej o drodze „populistów” na wielką scenę – Natalii Letnikowej.
Chór kozacki Kuban
200 lat historii. Pieśni Kozaków to albo marsz konny, albo piesza wyprawa pod „Marusia, raz, dwa, trzy…” z walecznym gwizdkiem. 1811 - rok powstania pierwszego chóru w Rosji. Żywy zabytek historyczny, który przez wieki przekazywał historię Kubanu i śpiewne tradycje armii kozackiej. U początków byli duchowy oświecający Kuban, arcykapłan Kirill Rossinsky i regent Grigory Grechinsky. Od połowy XIX wieku zespół nie tylko uczestniczył w nabożeństwach, ale także dawał świeckie koncerty w duchu lekkomyślnych kozackich wolnościowców i, według Jesienina, „wesołej tęsknoty”.
Chór Mitrofana Piatnickiego
Zespół, który od stulecia dumnie nazywa siebie „chłopem”. I nawet jeśli dziś na scenie występują profesjonalni artyści, a nie zwykli krzykliwi wielkoruscy chłopi z Riazania, Woroneża i innych prowincji, chór prezentuje pieśń ludową w niesamowitej harmonii i pięknie. Każdy spektakl jest godny podziwu, jak sto lat temu. W sali Zgromadzenia Szlacheckiego odbył się pierwszy koncert chóru chłopskiego. Publiczność, w tym Rachmaninow, Chaliapin, Bunin, wyszła po spektaklu w szoku.
Północny Chór Ludowy
W Veliky Ustyug mieszkała prosta nauczycielka wiejska Antonina Kolotilova. Do robótek ręcznych zebrała miłośników pieśni ludowych. W lutowy wieczór szyli bieliznę dla sierocińca: „Gładkie, miękkie światło padające z lampy błyskawicy zapewniło wyjątkowy komfort. A za oknem szalała lutowa zła pogoda, wiatr gwizdał w kominie, szarpał deskami na dachu, wyrzucał przez okno płatki śniegu. Z powodu tej rozbieżności między ciepłem przytulnego pokoju a wycie śnieżnej zamieci było trochę smutno w duszy. I nagle zabrzmiała piosenka, smutna, utrzymująca się ... ” Tak brzmi północna melodia - 90 lat. Już poza sceną.
Chór Ludowy Ryazan im. Jewgienija Popowa
Pieśni Jesienina. W ojczyźnie głównego śpiewaka ziemi rosyjskiej śpiewa się jego wiersze. Melodyjny, przejmujący, porywający. Gdzie biała brzoza nie jest drzewem ani dziewczynką zamarzniętą na wysokim brzegu rzeki Oka. A topola jest z pewnością „srebrna i jasna”. Chór powstał na bazie wiejskiego zespołu folklorystycznego ze wsi Bolszaja Żurawinka, który występował od 1932 roku. Chór Ryazan miał szczęście. Szef grupy, Jewgienij Popow, sam napisał muzykę do wierszy rodaka, który miał niesamowite poczucie piękna. Śpiewają te piosenki, jakby opowiadali o swoim życiu. Ciepły i delikatny.
Syberyjski chór ludowy
Chór, balet, orkiestra, studio dziecięce. Chór syberyjski jest wielowymiarowy i harmonizuje z mroźnym wiatrem. Program koncertu „Yamshchitsky skaz” oparty jest na materiale muzycznym, pieśni i choreografii regionu syberyjskiego, podobnie jak wiele szkiców scenicznych grupy. Twórczość Sybiraków była widoczna w 50 krajach świata - od Niemiec i Belgii po Mongolię i Koreę. O czym żyją, śpiewają. Najpierw na Syberii, a potem w całym kraju. Jak to się stało z piosenką Nikołaja Kudrina „Chleb jest głową wszystkiego”, którą po raz pierwszy wykonał Chór Syberyjski.
Rosyjski Chór Ludowy Woroneża im. Konstantina Massalitinova
Piosenki na pierwszej linii frontu w te trudne dni, kiedy wydawałoby się, że w ogóle nie ma czasu na kreatywność. Chór Woroneża pojawił się w osiedlu roboczym Anny w szczytowym momencie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej - w 1943 roku. Pierwsi usłyszeli piosenki nowego zespołu w jednostkach wojskowych. Pierwszy duży koncert – ze łzami w oczach – odbył się w wyzwolonym od Niemców Woroneżu. W repertuarze znajdują się liryczne pieśni i przyśpiewki, które są znane i lubiane w Rosji. W tym dzięki najsłynniejszej solistce chóru Woroneż - Marii Mordasowej.
Chór Ludowy Wołgi im. Piotra Miłosławowa
„Wiatr stepowy przemierza scenę teatru Châtelet i przynosi nam aromat oryginalnych pieśni i tańców”,- napisała francuska gazeta L'Umanite w 1958 roku. Samara-gorodok wprowadził Francuzów w pieśniowe dziedzictwo regionu Wołgi. Wykonawcą jest Chór Ludowy Wołgi, utworzony decyzją Rządu RFSRR w 1952 roku przez Piotra Miłosławowa. Niespieszne i szczere życie nad brzegiem Wielkiej Wołgi i na scenie. Ekaterina Shavrina rozpoczęła karierę w zespole. Chór Wołgi po raz pierwszy wykonał utwór „Wołga Wiśnia”.
Omski chór ludowy
Niedźwiedź z bałałajką. Godło słynnego zespołu jest dobrze znane zarówno w Rosji, jak i za granicą. „Miłość i duma ziemi syberyjskiej”, jak określili zespół podczas jednej z zagranicznych podróży. „Omski Chór Ludowy nie może być nazywany tylko konserwatorem i opiekunem starej pieśni ludowej. On sam jest żywym ucieleśnieniem sztuki ludowej naszych czasów”,- napisał brytyjski The Daily Telegraph. Repertuar oparty jest na syberyjskich piosenkach nagranych pół wieku temu przez założycielkę zespołu Elenę Kaługinę oraz żywych obrazach z życia. Na przykład pakiet „Winter Siberian Fun”.
Uralski chór ludowy
Występy na frontach iw szpitalach. Ural nie tylko dał krajowi metal, ale także podniósł morale dzięki tańcom wirowym i okrągłym, najbogatszemu materiałowi folklorystycznemu Uralu. Pod Filharmonią Swierdłowską zjednoczyły się amatorskie grupy z okolicznych wsi Izmodenovo, Pokrovskoye, Katarach i Lay. „Nasz gatunek żyje”- mówią dziś w zespole. A uratowanie tego życia jest uważane za główne zadanie. Jak słynna uralska „Semyora”. Drobuszki i Barabuszki są na scenie od 70 lat. Nie taniec, ale taniec. Autentyczny i zdalny.
Orenburg chór ludowy
Puchowy szalik jako część stroju scenicznego. Puszysta koronka przeplatana pieśniami ludowymi i okrągłym tańcem - jako element życia kozaków orenburskich. Zespół powstał w 1958 roku, aby zachować wyjątkową kulturę i rytuały, które istnieją „na skraju rozległej Rosji, wzdłuż brzegów Uralu”. Każde przedstawienie jest jak przedstawienie. Wykonują nie tylko piosenki skomponowane przez ludzi. Nawet taniec ma podłoże literackie. „Kiedy Kozacy płaczą” – kompozycja choreograficzna oparta na historii Michaiła Szołochowa z życia mieszkańców wsi. Jednak każda piosenka czy taniec ma swoją historię.
